GUEST CONDUCTOR
Andres Lopera, Conductor
Exciting, creative, engaging and motivating are some of the words that describe Maestro Lopera. He is one of the current leading Latin American conductors in the United States and has performed with orchestras throughout the Americas for over a decade.
Lopera is in his 4th season as Associate Conductor of the Columbus Symphony and Music Director of the Columbus Youth Symphony Orchestra. He has directed performances with orchestras such as the San Antonio, Colorado, Oregon, Toledo, New World and Portland Columbia Symphony Orchestras. Andres Lopera has also appeared at summer festivals including the Inaugural season of the New England Conservatory’s Summer Orchestra Institute in 2019. Other engagements have included the National Repertory Orchestra and the Youth Orchestra of the Americas, among others. In October 2017, Lopera covered a series of concerts with the Los Angeles Philharmonic working alongside with Gustavo Dudamel and Carlos Miguel Prieto
At the international level, he has performed with the Xalapa Symphony Orchestra and the EAFIT Symphony Orchestra in his home country Colombia, among others. He has also presented concerts and collaborated with both professional and youth orchestras throughout Central and South America, including organizations in Brazil, Uruguay, Argentina and Honduras. In June 2012, Lopera was appointed Music Director of the Metropolitan Youth Symphony in Portland, OR, where he oversaw a program
with more than 450 students, 12 ensembles, and 10 conducting staff. In recognition of his contributions to Portland, he received the Portland Monthly Award, Rising Star Award, and the Hispanic Metropolitan Chamber Bravo Award. Additional honors include the Orgullo Colombiano Award and Egresados Que Inspiran from EAFIT University, both received in 2017.
Lopera has studied and worked with some of the most outstanding professional artists in the field, including Hugh Wolff, Andrew Litton, David Loebel, Carlos Kalmar, Ludovic Morlot and Marin Alsop. He earned a Master degree in orchestral conducting from New England Conservatory.
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Emocionante, creativo, entrañable y motivador son algunas de las palabras que describen al Maestro Lopera. Es uno de los principales directores latinoamericanos actuales en los Estados Unidos y ha dirigido orquestas en todo el continente americano durante más de una década. Lopera se encuentra en su cuarta temporada como Director Asociado de la Sinfónica de Columbus y Director Musical de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Columbus. También ha dirigido presentaciones con varias orquestas como la Orquesta Sinfónica de San Antonio, Colorado, Oregón, Toledo, Portland Columbia y la New World Symphony.
Andrés Lopera también ha dirigido en festivales de verano, incluyendo la temporada inaugural del Instituto de Orquesta de Verano del New England Conservatory en el 2019. Otros compromisos han incluido, la Orquesta Nacional de Repertorio y la Orquesta Juvenil de las Américas, entre otros. En octubre de 2017, Lopera cubrió una serie de conciertos con la Filarmónica de Los Ángeles trabajando junto a Gustavo Dudamel y Carlos Miguel Prieto.
A nivel internacional se ha presentado con la Orquesta Sinfónica de Xalapa y la Orquesta Sinfónica EAFIT de su país natal Colombia, entre otras. También ha presentado conciertos y ha colaborado con orquestas profesionales y juveniles en América Central y del Sur, incluyendo organizaciones en Brasil, Uruguay, Argentina y Honduras. En junio del 2012, Lopera fue nombrado director musical de la Metropolitan Youth Symphony en Portland, OR, donde supervisó un programa con más de 450 estudiantes, 12
conjuntos y 10 miembros del personal de dirección. En reconocimiento a sus contribuciones a Portland, recibió el Portland Monthly Award, el Premio Rising Star y el Premio Bravo de la Cámara Metropolitana Hispana. Otros honores adicionales incluyen el Premio Orgullo Colombiano y Egresados Que Inspiran de la Universidad EAFIT, ambos recibidos en el 2017. Lopera ha estudiado y trabajado con algunos de los artistas profesionales más destacados en el campo, incluyendo Hugh Wolff, Andrew Litton, David Loebel, Carlos Kalmar, Ludovic Morlot y Marin Alsop. Y obtuvo una maestría en dirección orquestal del New England Conservatory.
GUEST ARTIST
Acclaimed by the New York Times as “the versatile violinist who makes the music come alive” and for her “tonal mastery” (BBC Music Magazine) and “searing intensity” (American Record Guide), violinist Kelly Hall-Tompkins is forging a dynamic career as a soloist and chamber musician. Winner of a Naumburg International Violin Competition Honorarium Prize as well as a Concert Artists Guild Career Grant, Ms. Hall Tompkins has appeared as soloist with orchestras including the Dallas Symphony, Oakland Symphony, Jacksonville Symphony, Tulsa Philharmonic, Chamber Orchestra of New York, and a Brevard Festival Orchestra under the baton of Keith Lockhart, in addition to numerous concerts and recitals in cities around the world. For thirteen months on Broadway, Ms. Hall Tompkins was the “Fiddler,” violin soloist, for the Bartlett Sher production of Fiddler on the Roof, with numerous solos written especially for her. The New York Times hailed her in a feature article as holding the title role, together with dancer Jesse Kovarsky.
Ms. Hall Tompkins received an Honorary Doctorate from the Manhattan School of Music, her alma mater, in 2016, and also delivered the Commencement address. She is also one of three 2017 recipients of the Sphinx Medal of Excellence, which was presented at the US Supreme Court by Justice Sotomayor. She earned a Master’s degree from the Manhattan School under the mentorship of Glenn Dicterow, concertmaster of the New York Philharmonic. While there, she was concertmaster of both of the school’s orchestras. While at Eastman she won the school’s prestigious Performer’s Certificate Competition, several scholarship awards from the New York Philharmonic, and was invited to perform chamber music on the school’s Kilbourn Concert Series with members of the faculty.
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Kelly Hall Tompkins
Aclamada por el New York Times como “la violinista versátil que hace que la música cobre vida” y por su "maestría tonal" (BBC Music Magazine) e "intensidad abrasadora" (American Record Guide), la violinista Kelly Hall Tompkins está forjando una carrera dinámica como solista y como músico de cámara. Ganadora de un premio honorario del Concurso Internacional de Violín de Naumburg y también becaria del Concert Artist Guild Career Grant, la Sra. Hall Tompkins ha aparecido como solista con orquestas como la Sinfónica de Dallas, Sinfónica de Oakland, Sinfónica de Jacksonville, Filarmónica de Tulsa, Orquesta de Cámara de Nueva York y Orquesta del Festival de Brevard bajo la batuta de Keith Lockhart, además de numerosos conciertos y recitales en ciudades de todo el mundo. Durante trece meses en Broadway, la Sra. Hall Tompkins fue "Fiddler", violinista solista, para la producción de Bartlett Sher de Fiddler on the Roof, con numerosos solos escritos especialmente para ella. El New York Times la aclamó en un artículo destacado por ocupar el papel principal, junto al bailarín Jesse Kovarsky. La Sra. Hall Tompkins recibió un Doctorado Honorario de la Escuela de Música de Manhattan, su alma mater, en el 2016, y también dió el discurso de Graduación. Ella es también una de los tres destinatarios del 2017 de la Medalla a la Excelencia Sphinx, que se presentó en la Corte Suprema de Estados Unidos por el juez Sotomayor. Obtuvo una maestría de la Escuela de Manhattan bajo la tutoría de
Glenn Dicterow, concertino de la Filarmónica de Nueva York. Mientras estuvo ahí, fué concertina de las dos orquestas de la escuela. Mientras estuvo en Eastman ganó el prestigioso Concurso de Certificado de Intérpretes de la escuela, varios premios de becas de la Filarmónica de Nueva York, y fue invitada a tocar música de cámara en la Serie de Conciertos Kilbourn de la escuela con miembros de la facultad.
PROGRAM NOTES
Carnival Overture, op. 92 Antonín Dvořák (1841-1904)
In 1891 Dvořák reached his fiftieth year and after a hard apprenticeship had finally begun to enjoy international fame. Perhaps his personal milestone put him into a particularly philosophical mood, causing him to produce a set of three overtures a symphonic triptych, so to speak on the concept of Nature as the great creative power of the universe. The overall title of the set was originally Nature, Life and Love, embodying the composer’s deeply felt religious sentiment (he was a devout Catholic), but also extending, as it did with many artists of the Romantic period, to a kind of pantheistic worship of nature. A single motto theme representing Nature as the source of good and evil would appear in all three works, linking them together. Eventually, the composer would give new separate titles to each, the first being In Nature’s Realm, an evocation of the bliss of solitude on a summer night; the second, Carnival, a depiction of the boisterously joyous side of life as expressed in the animal spirits of a carnival; and the final one, Othello, a study of jealousy and the bitter side of love, loosely based on Shakespeare’s tragedy.
The sheer exuberance of Carnival has made it a popular opening work on symphony concerts and has caused it to overshadow the other two works in the set. The work is set in traditional sonata form, the usual form of the first movements of symphonies in which a so called exposition introduces the themes. After that, however, Dvořák breaks with the usual procedure by introducing a beautifully expressive slow section featuring the English horn,
flute, and a violin solo, suggesting the gentle beauties of nature. Before long, however, the music returns to its furious pace and to traditional sonata form as the themes are first developed, then recapitulated, and finally rounded off by a spectacular coda.
Incidentally, the three overtures were premiered in the spring of 1892 in Prague in a farewell concert before Dvořák set sail for a three year stay in the United States. In October of that year the composer would greet the New World by conducting the American premiere of the works in a newly built building on Manhattan’s West 57th Street, which was then called New York Music Hall, but would later be renamed Carnegie Hall.
Violin Concerto in D major Wynton Marsalis (b. 1961)
To jazz afficionados, Wynton Marsalis is a household name, one of the leading jazz artists of his generation, celebrated for his virtuoso trumpet playing and skillful improvisation in traditional jazz styles. That there is another side to his musical persona is attested to by the fact that he is the only performer ever to win Grammy awards in both jazz and classical categories in the same year. As a rigorously trained graduate of the Juilliard School, he has achieved something that is rare among jazz trumpeters, even very good ones: he has also made his mark as a classical trumpet soloist, appearing with major orchestras and making highly acclaimed recordings of many of the standard trumpet concertos, venturing even into the fiendishly difficult high trumpet parts of the baroque period.
Having been steeped in both traditions, it is not surprising that when he turned to composition, his work would show influences of both. The attempt to absorb elements of jazz into classical music is almost as old as jazz itself, achieving what must honestly be called mixed results. In the later twentieth century the concept gained momentum with proponents of so called “third stream” composition, a full scale effort to mix the two styles. The topic was hotly debated, many thinking that it was an object that fell between two stools, neither fish nor fowl, and diluting the aesthetics of both traditions. Wynton Marsalis has proven himself unusually qualified to continue the cause. Among his
compositions are works which are titled “symphonies” but which show a wide range of styles mixing classical techniques with jazz, blues, and ragtime. His choral work, Blood on the Fields, can legitimately be classified as an oratorio, a centuries old genre, but was the first jazz work ever to be awarded the Pulitzer Prize.
The Violin Concerto in D major, completed in 2015, continues in this vein. It is an attempt to write a large scale, demanding violin concerto, which, incidentally, matches the length of such majestic and imposing concertos as those by Beethoven, Brahms and Tchaikovsky (all of which happen also to be in the key of D major). As has often been the case in music history, the work was written with a specific performer in mind, in this case the Scottish born virtuosa Nicola Benedetti. Performer and composer worked intensely for two years, often on trans Atlantic phone calls, and, as both have admitted, frequently arguing, even over such matters as the title. (Ms. Benedetti thinks it should have a descriptive rather than the generic title.)
The result is a sprawling catalogue of styles, a survey of Americana from jazz, blues and gospel to marching bands, country dance and slave fiddling. (Marsalis has wryly pointed out that a slave who could fiddle would bring a higher price). Latin rhythms and Celtic folk song also appear, the latter a tip of the hat to Nicola Benedetti’s Scottish roots.
The opening movement, entitled “Rhapsody”, is described by the composer as a “complex dream that becomes a nightmare, progresses into peacefulness and dissolves into ancestral memory.” The dream begins with a quiet violin solo, as if to say, “Once upon a time”, and is soon joined by lush orchestral chords creating a dreamlike atmosphere. The second section begins with Latin dance rhythms gradually building to the nightmarish part of the dream which is urban chaos replete with police whistles and ambulance sirens. The opening dream eventually returns and after calming our nerves surprisingly breaks into a clap stomp which accompanies a jaunty Celtic fiddle tune an ancestral memory of a folk gathering?
The second movement, “Rondo Burlesque”, is described by the composer as “a syncopated, New Orleans jazz, calliope, circus clown, African gumbo, Mardi Gras party in odd meters.” As in the first movement, there is an extended cadenza, allowing the soloist time to soliloquize.
The third movement, “Blues” brings us something completely different, and again I will let the composer say what he had in mind: it is “the progression of flirtation, courtship, intimacy, sermonizing, final loss and abject loneliness that is out there to claim us all.”
Finally, the concluding “Hootenanny” is “a raucous, stomping and whimsical barnyard throwdown,” which, after dazzling violinistic virtuosity, gradually dies away.
Enigma Variations (Variations on an Original Theme), op. 36 Edward Elgar (1857-1934)
In 1899, Edward Elgar, then 42 years old and already well known in England, completed his Variations for Orchestra, op. 36. The new work proved to be a huge success, bringing him fame well beyond his native country and eventually becoming the most often performed work by any modern English composer.
Rather than simply calling the principal melody a theme, as was customary, Elgar, who delighted in mystifying his friends with various sorts of pranks and unexpected behavior, labeled it “an Enigma.” He let it be known that this original melody was derived from some other well known tune which could be combined with it. Furthermore, to each of the following 14 variations he attached the initials or nickname of the person close to him whose personality was supposedly revealed in the music. This quaint little ploy produced paroxysms of curiosity.
The references to his acquaintances were quickly found out and were published after his death. Not so quickly solved was the enigmatic origin of the theme, and a contest was sponsored by Saturday Review magazine to see if anyone could discover the mysterious source. Musical sleuths submitted any number of possibilities ranging from Beethoven quartets to Auld Lang Syne. Supposedly only Elgar, his wife, and one friend knew the secret and all went to their graves without divulging it.
Undoubtedly much too much was made of the whole affair and most commentators have tended to downplay the extramusical aspects of this powerfully expressive masterpiece. Elgar himself said that the work had begun “in a spirit of humour and continued in deep
seriousness.” That said, however, the programmatic element remains and although no attempt will be made to solve the Great Enigma, the following brief synopsis does reveal the identities of the people referred to in the composer’s dedication as “my friends within.”
The pregnant “Enigma” theme begins in G minor and then changes to G major.
Variation I (C.A.E.) A beautiful melodic portrait of Elgar’s wife, Caroline Alice Elgar.
Variation II (H.D.S-P.) Pianist H.D. Stuart Powell is evoked in quick triple meter. He was a favorite music partner of the composer.
Variation III (R.B.T.) A whimsical portrait of Richard Baxter Townsend, an amateur actor whose “strange reedy voice” is rendered by the bassoon.
Variation IV (W.M.B.) William Meath Baker, an assertive country squire, gives his orders in quick tempo.
Variation V (R.P.A.) Richard Penrose Arnold, son of poet essayist Matthew Arnold, appears first as a dreamy character but then bursts into laughter in the woodwinds.
Variation VI (Isobel) Isobel Fitton was a student of the composer and, as can easily be guessed, was a violist.
Variation VII (Troyte) Arthur Troyte Griffith was an architect and close friend of the composer. The prominence of the timpani part would seem to represent his argumentative nature.
Variation VIII (W.N.) This is an elegant tribute to Miss Winifred Norbury, an elderly patrician lady and pianist who often accompanied Elgar.
Variation IX (Nimrod) The biblical figure Nimrod was a hunter and thus a namesake for Elgar’s dear friend Arthur Jaeger. (“Jaeger” is the German word for “hunter.”) As the music of this particularly famous variation shows, he was an eloquent man with a philosophical turn of mind.
Variation X (Dorabella) Dora Penny’s nickname was Dorabella, after the character from Mozart’s opera Cosi fan tutte. She was known for her charmingly hesitant manner of speaking, rendered amusingly by a kind of stuttering effect between strings and woodwinds.
Variation XI (G.R.S.) George Robinson Sinclair, organist of Hereford Cathedral, appears here with his bulldog, who barks in the brasses.
Variation XII (B.G.N.) Basil Nevinson was another of Elgar’s favorite chamber music comrades, and obviously a cellist. Variation XIII (***) This variation is a romance which contains a quote from Mendelssohn’s overture, Calm Sea and Prosperous Voyage. Elgar had asked Lady Mary Lygon permission to use her initials. His letter arrived after she had already left for a trip to Australia, so he delicately used asterisks and wished her bon voyage.
Variation XIV (E.D.U.) “Edoo” was Mrs. Elgar’s name for her husband. This is thus a self portrait, depicting the artist’s struggles and aspirations. The triumphant ending suggests victory over doubt and brings the entire work to an impressive close.
Obertura Carnaval, op. 92 Antonín Dvořák (1841-1904)
En 1891, Dvořák cumplió 50 años y, tras un duro aprendizaje, finalmente comenzó a gozar de fama internacional. Quizás su hito personal lo puso con un estado de ánimo filosófico, lo que le llevó a producir un conjunto de tres oberturas un tríptico sinfónico sobre el concepto de la Naturaleza como el gran poder creador del universo. El título general del conjunto fue originalmente Nature, Life and Love, que encarna el profundo sentimiento religioso del compositor (era un católico devoto), pero extendiéndose también, como ocurrió con muchos artistas del período romántico, a una especie de culto panteísta de la naturaleza. Un solo tema representando a la Naturaleza como fuente del bien y del mal aparecería en las tres obras, así uniendolas. Eventualmente, el compositor daría títulos separados a cada una, siendo el primero “En El Reino de la Naturaleza”, una evocación de la dicha de la soledad en una noche de verano; el segundo, “Carnaval”, una representación del lado bullicioso y alegre de la vida expresado en los espíritus animales de un carnaval; y el último, “Otelo”, un estudio sobre los celos y el lado amargo del amor, vagamente basado sobre la tragedia de Shakespeare. La pura exuberancia de Carnival lo ha convertido en un popular trabajo de apertura en conciertos sinfónicos y ha deslucido a los otros dos trabajos del conjunto. La forma de la obra es de sonata tradicional, una forma habitual de los primeros movimientos de las sinfonías en las que el tema
principal es introducido por una exposición. Después de eso, sin embargo, Dvořák rompe el procedimiento habitual introduciendo una sección lenta bellamente expresiva con el corno inglés, la flauta, y un solo de violín, sugiriendo las dulces bellezas de la naturaleza. Al poco tiempo, sin embargo, la música vuelve a su ritmo furioso y a la forma de sonata tradicional a medida que los temas son primero desarrollados, luego recapitulados, y finalmente reiterados por una Coda espectacular.
Las tres Oberturas se estrenaron en la primavera de 1892 en Praga en un concierto de despedida antes de que Dvořák zarpara para una estancia de tres años en los Estados Unidos.
En octubre de ese año el compositor saludaría al Nuevo Mundo dirigiendo el estreno Americano de las obras en un edificio nuevo en la calle West 57th de Manhattan, que luego se llamó New York Music Hall, pero más tarde pasaría a llamarse Carnegie Hall.
Concierto para violín en re mayor Wynton Marsalis (n. 1961)
Para los aficionados al jazz, Wynton Marsalis es un nombre familiar, uno de los principales artistas del jazz de su generación, celebrado por su virtuosismo al tocar la trompeta y su habilidad de improvisación en estilos tradicionales de jazz. Que hay otro lado de su personalidad musical lo atestigua el hecho que él es el único intérprete en ganar premios Grammy en las categorías de jazz y clásica en el mismo año. Como graduado de la Juilliard School, ha logrado algo que es raro entre los trompetistas de jazz; también ha dejado su huella como solista de trompeta clásica, presentándose con las principales orquestas y haciendo aclamadas grabaciones de muchos de los conciertos estándar de trompeta, aventurándose incluso con las piezas más difíciles de trompeta del período barroco.
Habiendo estado empapado de ambas tradiciones, no es de extrañar que cuando recurrió a composición, su obra mostraría influencias de ambos. El intento de absorber elementos del jazz en la música clásica es casi tan antiguo como el propio jazz, logrando lo que honestamente debe llamarse resultado mixto. A finales del siglo XX, el concepto
cobró impulso con los defensores de la composición llamada "tercera corriente", un esfuerzo a gran escala para mezclar los dos estilos. El tema fue candentemente debatido, muchos pensando que era un mal intento que no representaba ni lo uno ni lo otro, y diluía la estética de ambas tradiciones. Wynton Marsalis ha demostrado ser inusualmente calificado para continuar esta causa. Entre sus composiciones se encuentran obras que se titulan “sinfonía” pero que muestran una amplia gama de estilos mezclando técnicas clásicas con jazz, blues y ragtime. Su obra coral, Blood on the Fields, puede calificarse legítimamente como un oratorio, un género centenario, pero fue la primera obra de jazz en ser galardonada del Premio Pulitzer. El Concierto para violín en Re mayor, finalizado en 2015, continúa en esta línea. Es un intento de escribir un concierto para violín a gran escala, exigente, que, por cierto, coincide con la duración de conciertos tan majestuosos e imponentes como los de Beethoven, Brahms y Tchaikovsky (todos los cuales también están en la tonalidad de Re mayor). Como ha sido a menudo el caso en la historia de la música, la obra fue escrita para un intérprete específico en mente, en este caso la virtuosa escosés Nicola Benedetti. Intérprete y compositor trabajaron intensamente durante dos años, a menudo por llamadas telefónicas transatlánticas y, como ambos han admitido, discutiendo con frecuencia, incluso hasta sobre el título. (La Sra. Benedetti piensa que debería tener un título más descriptivo que genérico).
El resultado es un extenso catálogo de estilos, una encuesta de Americana desde el jazz, el blues y gospel a bandas de música, danza country y violín de esclavos. (Marsalis ha señalado irónicamente que un esclavo que supiera tocar el violín traería un precio más alto). También aparecen ritmos latinos y canción popular céltica, este último en honor a las raíces escocesas de Nicola Benedetti.
El movimiento de apertura, titulado “Rhapsody”, es descrito por el compositor como un“ Sueño complejo que se convierte en pesadilla, progresa hacia la paz y se disuelve enmemoria ancestral.” El sueño comienza con un solo de violín tranquilo, como si dijera: “Había una vez”, al que que pronto se le unen exuberantes acordes orquestales que crean una atmósfera de ensueño. La segunda sección comienza con ritmos de bailes latinos que gradualmente se convierten en la parte de pesadilla del sueño que es un
caos urbano repleto de silbatos de policía y sirenas de ambulancia. El sueño de apertura eventualmente regresa y después de calmar nuestros nervios sorprendentemente se rompe con un aplauso que acompaña a una alegre melodía de violín celta, ¿un recuerdo ancestral de una reunión popular? El segundo movimiento, “Rondo Burlesque”, es descrito por el compositor como “un sincopado, jazz de Nueva Orleans, calipso, payaso de circo, jumbo africano, fiesta de Mardi Gras en compases irregulares.” Al igual que en el primer movimiento, hay una cadencia extendida, lo que le da tiempo al solista para soliloquiar. El tercer movimiento, “Blues” nos trae algo completamente diferente, lo que el compositor tenía en mente es: “la progresión del coqueteo, cortejo, intimidad, sermones, pérdida final y soledad abyecta que está ahí afuera para reclamarnos a todos”. Finalmente, el "Hootenanny" es "un tiroteo en el corral: estridente, pisando fuerte y caprichoso”, que después de un violín deslumbrantemente virtuoso, se extingue gradualmente.
Variaciones Enigma (Variaciones sobre un tema original), op. 36 Edward Elgar (1857-1934)
En 1899, Edward Elgar, de 42 años y ya muy conocido en Inglaterra, completó sus Variaciones para orquesta, op. 36. El nuevo trabajo resultó ser un gran éxito, dándole fama mucho más allá de su país natal y, finalmente, convirtiéndose en la obra más interpretada por cualquier compositor inglés moderno. En lugar de simplemente llamar a la melodía principal un tema, como era de costumbre, Elgar, quien encantado de desconcertar a sus amigos con varios tipos de bromas y comportamiento inesperado, lo etiquetó como "un enigma". Hizo saber que esta melodía original se derivó de alguna otra melodía conocida que podría combinarse con ella. Además, a cada una de las siguientes 14 variaciones adjuntó las iniciales o el apodo de la persona cercana a él cuya personalidad supuestamente se revela en la música. Esta pequeña y pintoresca estratagema produjo paroxismos de curiosidad. Las referencias a sus conocidos se
descubrieron rápidamente y se publicaron después de su muerte.
El enigmático origen del tema no se resolvió tan fácil, y se patrocinó un concurso por Revista Saturday Review para ver si alguien podía descubrir la fuente misteriosa. Los detectives musicales presentaron muchos número de posibilidades que van desde cuartetos de Beethoven a Auld Lang Sine. Supuestamente, solo Elgar, su esposa y un amigo sabían el secreto y todos se fueron a sus tumbas sin divulgarlo. Sin duda, se habló demasiado de todo el asunto y la mayoría de los comentaristas han tendido a restar importancia a los aspectos extramusicales de esta obra maestra poderosamente expresiva. El mismo Elgar dijo que el trabajo había comenzado “con un espíritu de humor y continuado en profunda seriedad." Sin embargo, dicho esto, el elemento programático permanece y aunque no se hará ningún intento para resolver el Gran Enigma, la siguiente sinopsis revela las identidades de las personas a las que se hace referencia en la dedicatoria del compositor como "mis amigos internos".
El tema "Enigma" lleno de contenido comienza en Sol menor y luego cambia a Sol mayor. Variación I (C.A.E.) Un hermoso retrato melódico de la esposa de Elgar, Caroline Alice Elgar. Variación II (H.D.S-P.) Pianista H.D. Stuart Powell es evocado en un compás triple rápido. Él era un compañero musical favorito del compositor. Variación III (R.B.T.) Un retrato caprichoso de Richard Baxter Townsend, un actor aficionado cuya "extraña voz aflautada" es interpretada por el fagot. Variación IV (W.M.B.) William Meath Baker, un asertivo terrateniente, da sus órdenes en ritmo rápido. Variación V (RPA) Richard Penrose Arnold, hijo del poeta y ensayista Matthew Arnold, aparece primero como un personaje soñador pero luego estalla en carcajadas en los instrumentos de viento.
Variación VI (Isobel) Isobel Fitton fue alumna del compositor y, como se puede suponer, era una violista. Variación VII (Troyte) Arthur Troyte Griffith fue arquitecto y amigo cercano del compositor. La prominencia de la parte de los timbales parecería representar su naturaleza argumentativa.
Variación VIII (W.N.) Este es un elegante homenaje a la señorita Winifred Norbury, una anciana pianista que a menudo acompañaba a Elgar.
Variación IX (Nimrod) La figura bíblica de Nimrod era un cazador y, por lo tanto, un homónimo del querido amigo de Elgar, Arthur Jaeger. (“Jaeger” es la palabra alemana para “cazador”). Como la música de esta variación particularmente famosa muestra, era un hombre elocuente con una mentalidad filosófica.
Variación X (Dorabella) El apodo de Dora Penny era Dorabella, en honor al personaje de La ópera Cosi fan tutte de Mozart. Era conocida por su forma encantadoramente vacilante de hablar, interpretado de manera divertida por una especie de efecto de tartamudeo entre cuerdas y vientos de madera.
Variación XI (G.R.S.) George Robinson Sinclair, organista de la Catedral de Hereford, aparece aquí con su bulldog, que ladra en la sección de metales.
Variación XII (B.G.N.) Basil Nevinson fue uno de los compañeros favoritos de música de cámara de Elgar, y obviamente un violonchelista.
Variación XIII (***) Esta variación es un romance que contiene una cita de la Obertura de Mendelssohn, Mar en calma y viaje próspero. Elgar le había pedido a Lady Mary Lygon permiso para usar sus iniciales. Su carta llegó después de que ella ya se había ido de viaje a Australia, así que usó delicadamente asteriscos y le deseó buen viaje.
Variación XIV (E.D.U.) “Edoo” era el nombre que la Sra. Elgar usaba para llamar a su esposo. Esto es por lo tanto un auto retrato, que representa las luchas y aspiraciones del artista. El final triunfal sugiere victoria sobre la duda y lleva toda la obra a un cierre impresionante.
ANNUAL GIVING FUND
The following honor roll celebrates the generosity of those who have supported this musical community since July 1, 2021, with a gift of $250 or more. If you have any questions about this roster or wish to make a gift, please contact Director of Development Matthew Way at 847.888.4028 or visit elginsymphony.org/donate
Season Sponsors
$25,000+ Anonymous (2) R. Bert Crossland Evelyn W. Hunt Trust Nancy V. Rascher
Concert Sponsors
$10,000+
Patricia Harkin & Jim Sosnoski Mrs. James L. Ziegler
Guest Artist Sponsors $5,000+ Anonymous (2) Mrs. Phyllis Blizzard Andre Fiebig & Tricia Van Eck Sandra Horvath Hagan Thomas & Linda Long Monica & Sanford Morganstein Martin & Brigitte Nobs
Ron & Kris Rogers Karen & Ed Schock Dr. Emanuel & Mrs. Janice Semerad Jeanne C. Sigman John & Maribeth Totten Herman & Mary Zwirn
Musician Sponsors
$2,500+ Anonymous Diane Campbell Ray & Julie Daly John & Sharyon DaSilva
Harry Eng & Frances Zollers
Dr. Gwendolyn Rowe Gage Jeffrey & Jayne Griese Charitable Fund
Walter & Andrea Gumm Elizabeth Hoeft David & Suzanne Johnson Loretta Kandl Frank & Patricia Maxson Mike & Marilyn McCarthy Mrs. Ruth Ann McKellin
Ralph V. Miner Dolores D. Nelson Rob & Jodie Stackowiak James & Judith Tammi
Rev. Arlyn & Jeanne Tolzmann
Musical Score Sponsors $1,000+ Anonymous Herb & Marge Anderson James Bauer & Lois Myers Bauer Mr. David Bosely David L. Brown Walter & Nancy Carlson Robert & Francine Chiappetta Andrew & Britta Cuming Jerry & Judy Drommerhausen Deanna K. Engelke
John & Muriel
Fenzel
Jaime & Donna Garcia David Gerber Mr. Andrew
Grams
Judy Hanlon Bonnie Henn Pritchard
Ron & Pat Henning Suzanne P. Johnson Donald & Mary Koss Charitable Fund Mr. Richard Kuranda Peter C. & Constance L. Landwehr Charitable Fund Carolyn & Robert Malm
Barbara G. Maring Russ & Diane Maxwell Joan Moen
A. John Mullins Marsha Newcomer Orv & Joan
Pelletier
Mrs. Roxelyn Pepper Brian Pritchard Richard W. Renner Lois Robinson Erik & Nelleke Roffelsen John & Carole Ruby Rachel Shannon Glenn & Susan Spachman Cherry Stoddard
Sunburst Corvette Club
Carol & Mark Taylor
Donna F. Templeton Celine Voris Mr. David Waring Mr. Philip J. Zack Charles & Nancy Zimmerman
Friends of the ESO $250+
Robert Acker & Alison Bleick Mark S. Albert Ms. Sharon Aleckson
Dr. Walter & Alexis Alm Douglas Anderson Helen Anderson Ms. Sara Ellen Anderson Judith & Norm Andrews Bob & Jan Andry Anonymous Donna Bach Soren & Marilyn Backe Connie Bischof Carol Blohm Marlene Boncosky Melinda Borum Terry Gabel & Sue Brigham Tatiana Calhamer Colin C. & Glorianne Campbell Cash Cash Cecily Y. Christian William Collins Mr. & Mrs. Dennis Conway Warren Dahn Kelly Day Theresa & Patrick Donoghue Matt & Cherie Dorfman Jon & Joy Duerr
Pat & Terry Dunning
Rita A. Ehrenberg
The Fabish Family Carl & Mary Ellen Flaks
Jennifer Fukala Forrelyn Gamer Eric Gaston John & Joanne Gerlach
James & Barbara Gibbs Robert & Lynn Gilly Lorraine R. Gornick Katherine J. Graffagna Revs. Carl & Donna Gray Robert & Kathleen Hahn
Sharon Hahn David & Elizabeth Hardy Dave & Mary Alice Helms
Vivian J. Hileman Jeanne Hintz Margaret Mechtenberg & Roger Hotham
Dr. Judith Hopkins Kathryn Huffman
The Family of Wayne & Pamela Jensen Jim & Pat Jocius Craig & Karen Johnson
Phil & Pat Johnson
Mr. & Mrs. Frank Kahoun Bonnie Kalaway Nancy Kawasaki David & Carlene Kellenberger Allen S. Kennedy Ann Chipman & Greg Keupfer
Stephen D. Knight Douglas C. Kramp Donna Lake
Thomas & Terri
Lamberti
Nancy Lamia Joseph Lampinen Kenneth & Kathleen Lanfear Sharon LeCount
Arline K. Lovett Grant & Patricia MacDonald
Ms. Sandra Magana Michael Czerwionka & Charyl Maihack
Lynn Mall
Joseph Malmquist Elizabeth McKay
Loni Mecum
Shirley & Charles Milett Miller Charitable Fund
Helen G. Moore
Barbara M. Mueller Ms. Henrietta
Neeley
David & Lynne Nellemann Rick & Nancy Nelson Jan Newingham James Ceithaml & Marty Owens Ms. Jean Pechtel Ernie & Joanne
Perone
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Mr. & Mrs. Richard Robertson Dennis Rossow Mel & Arline Roth Michael & Robin Rothamer
Barbara J. Rowan Howard & Gene Royer Paul Schaefer
Robert & Mary Jean Schless
William E. Schnell David A. Schroeder Jay & Debbie Schroeder David G. Schultz James & Kathy Secora
Mr. & Mrs. Ronald Sersen
Brue & Kathleen Sicklesteel
GRANTS & SPONSORS
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Michael & Kathleen Tennis
Marc Thayer
Amy K. Tull
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Matthew & Ana Way George & Anita Werderich
Hon. Bonnie M. Wheaton Larry & Debbie Wild Leslie Wolko
Foundations, Corporations, and Small Businesses make it possible for the Elgin Symphony to offer access and equitable programming throughout the Fox River Valley. We value these strategic partners and celebrate their collaboration and generosity with the following honor roll.
Lead Season Sponsors +100,000
Evelyn W. Hunt Trust Willow Springs Charitable Fund Season Sponsors +50,000
S.E. (Stu) Ainsworth Family Pepper Family Foundation John B. Sanfilippo & Son, Inc. Seigle Foundation
Concert Sponsors
+25,000
Francis J. & Patricia A. Houlihan Foundation Illinois Arts Council Agency
Snodgrass Family Fund of Dupage Foundation Community Partnership Sponsors +10,000 Comed, an Exelon Company Elgin Symphony League Florence B. Palmer & Cornelia A. Palmer Foundation
National Endowment for the Arts Wells Fargo Advisors
Guest Artist Sponsors +5,000
Barrington Area Community Foundation Northern Trust Fall 2021 Farny R. Wurlitzer Foundation Fund Grant Found At Dekalbccf.org
Partners +2,500
Elgin Cultural Arts Commission Quarles & Brady
TRIBUTE GIFTS
Foundations, Corporations, and Small Businesses make it possible for the Elgin Symphony to offer access and equitable programming throughout the Fox River Valley. We value these strategic partners and celebrate their collaboration and generosity with the following honor roll.
In memory of Marvin Garber Anonymous
Sandra Blunda
The Brudos Family Katherine Canick Rebecca Demarco
Mr. Dave Downie
Ms. Linda Downie Forrelyn Gamer
Mr. & Mrs. Jim Gibson Regina Hall & Sigitas Kunickas Mary E. Hendry Karen, Sharon, & Pat Knowles Bonnie Minter
Kathleen B. O’Shea
Diane Roubitchek
Oleh V. Sajewych Judy Sorensen
Ms. Susan M. Stewart Vern & Judi Teppe Jean A. Walser
In memory of Cheri Lee Lewis Betty Brown
In memory of Diane Gerber David Gerber
