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盧征遠


台北當代藝術館 Museum of Contemporary Art, Taipei

98

目次 CONTENTS

Oxymoron - Solo Exhibition by LU Zheng-yuan

身 - 盧征遠個展

泉 The Fountain

143 102

專 文 ESSAYS

【替 身—盧征遠個展】展覽專刊序/執行總監序 石瑞仁

112

Preface to Oxymoron—solo Exhibition by LU Zheng-Yuan / J.J. Shih, Executive Director from Museum of Contemporary Art, Taipei

12

Wave

08

168 118 126

The Vessels

26

64 32

Lies

作品延伸

Extension works

無題 (3) Untitled-3

Keep Smilimg / Airflow / Texture/Temperature/ Compress

附錄 APPENDIX

Edge

無窮 Boundless

268

反射 Reflection

89 59

Untitled Series

保持微笑 / 氣流 / 質地 / 溫度 / 壓縮

邊緣

79 48

133

Index

無題

謊言

209

索引

過去的即將到來 The Bygones Are Returning Series

容器

176 圖錄 PLATES

Still There

XXX

No Story but Society: On LU Zheng-yuan’s Oxymoron / Chang Nai-Ming

Oxymoron—At the Moment of LU Zheng-yuan’s Solo Exhibition at the Museum of Contemporary Art, Taipei / FAN Dian

一切還在

XXX

沒有故事,卻有社會… 談盧征遠的【替 身】/ 鄭乃銘

替 身 — 寫在台北當代藝術館盧征遠個展之際/范迪安

Chronic Series

164 06

《慢性》系列

The Moon in My Room

-2-

84 Days, 84 Works

272

彼岸 / 閃爍 Nirvana / Sparkle

271

房間裡的月亮

84 天,84 件作品

100 天,100 件作品 100 Days, 100 Works

-3-

活動記錄

Exhibition Photos


台北當代藝術館 Museum of Contemporary Art, Taipei

Oxymoron - Solo Exhibition by LU Zheng-yuan

身 - 盧征遠個展

專文 ESSAYS

-4-

-5-


台北當代藝術館 Museum of Contemporary Art, Taipei

Oxymoron - Solo Exhibition by LU Zheng-yuan

身 - 盧征遠個展

Preface to Oxymoron—

【替 身—盧征遠個展】

Solo Exhibition by LU Zheng-yuan

展覽專刊序

J.J. Shih Executive Director of Museum of Contemporary Art, Taipei

石瑞仁 台北當代藝術館執行總監

「立足臺灣、胸懷大陸、放眼全球」無疑是臺灣追

動關係,進而從碎斷的符徵與符旨之間,自行建構出

求政治、社會、經濟、文化等各方面的進步發展時,

某種閱讀的文本或敘述的邏輯;身為創作者,他兼從

一個重要的方針。作為臺灣指標性的當代藝術館,

觀念辯證和視覺感知兩面著手,藉此伸張了藝術應該

協助臺灣當代藝術在本國和國際發聲,與國外合辦

跳脫各種傳統與成規的創造性本質。

國際當代藝術交流展,乃至於引介大陸當代藝術展 項, 也 是 當 代 館 2001 年 開 館 以 來, 責 無 旁 貸 的 三

【替 身—盧征遠個展】,展場中穿插出現的真假感知

大任務。近年來,為了讓臺灣觀眾透過藝術,了解

元素,或辯證性的空間裝置,許多是從日常事物轉換

中國當代社會文化的快速發展及變遷,當代館陸續

而成—看似熟悉而有點陌生的存在,看似詭異而不乏

策劃了不同類型的中國當代藝術展,其中的主題策

幽默的語境—在這轉換過程中,藝術家除了將既有的

畫展,如 2008 年的【果凍時代】、2009 年【各搞

「價值」觀做了思想上的翻轉,本身也不斷地反思,

各 的 】 …; 藝 術 家 個 展 如 2012 年 的【 粉 紅 微 笑 之

藝術創作在偶然性與必然性,在自我重複與不斷創新

後 ― 閱 讀•李 山 】、2 0 1 3 年 的【 這 個 世 界 會 好 嗎 ? ―

之間的矛盾關係。大體看來,他刻意將展覽營造成一

向 京 個 展 】、2 0 1 4 年 的【 再 會 歷 史 ― 蔡 志 松 個 展 】;

種多元化、碎片式,令人疑惑不定的體驗現場,讓觀

另外,基於「對話展」的機制而由當代館特別規畫

者 進 行 一 趟「 意 外 」的 探 索 之 旅 ,從 中 主 動 篩 瀝 揀 取 、

的, 則 有 2014 年【Windowsky― 高 磊 個 展 】、

辨識詮釋,進而一窺藝術家的創作軌跡和思想脈絡,

2 0 1 5 年 的【 政 純 辦 在 台 北 】,以 及 這 次 的【 替 身 —

乃至於思考反省自身的生活和文化處境。本展除了透

盧征遠個展】。這些展覽以完整的規模和精湛獨特

過盧征遠所關注的藝術課題,呈現新世代觀念藝術家

的內容,一次又一次地吸引了本地媒體的關注與社

的哲學思維與辯證邏輯,也希望藉此檢視觀者的藝術

會大眾的興趣,也落實了臺海兩岸藝術文化的交流,

體驗與心理感知的差距。

以及思想觀念的對話。 藝 術 家 的 創 作 態 度, 所 含 蘊 的 思 想 見 解, 乃 至 於 實 踐 盧 征 遠 1982 年 出 生 於 遼 寧 大 連, 畢 業 於 中 央 美 術 學

的 熱 情 與 毅 力, 都 是 促 成 一 個 展 覽 成 功 的 充 要 條 件。

院後留校任教,現生活工作於北京,他的藝術創作類

本 展 得 以 順 利 舉 行, 除 了 先 要 歸 功 於 藝 術 家 盧 征 遠 的

型多元,包含雕塑、裝置、繪畫、行為、多媒體互動

精 彩 作 品, 及 其 藝 術 團 隊 的 精 心 配 合, 同 時 要 感 謝 本

等 多 重 領 域 。歷 年 除 多 次 參 加 國 際 性 大 型 聯 展 ,包 括:

展學術主持人范迪安院長對於本展所做的定調和精闢

上 海 國 際 雙 年 展 、深 圳 國 際 雕 塑 雙 年 展 、中 國 美 術 館 、

論 述。 有 關 本 展 的 佈 置 呈 現 與 相 關 活 動 規 劃, 拜 因 當

中央美術學院美術館、上海龍美術館、今日美術館、

代館展覽組及教育發展組同仁們的群策群力和用心執

北京時代美術館、澳大利亞白兔美術館、葡萄牙里斯

行, 加 上 志 工、 工 讀 生 們 的 協 助 支 援, 使 本 展 得 以 克

本東方博物館、智利普羅維登西亞文化中心、德國波

服 許 多 的 困 難 和 挑 戰, 而 展 現 了 相 當 獨 特 的 風 貌 和 完

恩當代藝術中心等;個展的幅員,先後也含括了北京

美 的 成 果 。此 外 ,要 特 別 感 謝 的 包 括:無 錫「 鳳 凰 畫 材 」

尤 倫 斯 當 代 藝 術 中 心( U C C A )、北 京 白 盒 子 藝 術 館 、

集 團 對 於 本 展 的 全 力 支 持 和 鳳 凰 藝 都 美 術 館、 鳳 凰 藝

泰康空間、蜂巢當代藝術中心、鳳凰藝都、美國紐約

都等在展覽事務的協辦;EPSON 臺灣愛普生科技對高

藝萊畫廊、義大利瑪蕊樂畫廊、臺灣誠品畫廊等。

階 投 影 器 材 的 大 力 贊 助, 以 及 文 心 建 設 對 當 代 館 教 育 活 動 的 年 度 贊 助。 由 於 各 位 的 熱 情 支 持 和 用 心 付 出,

盧征遠的創作,就觀念層面看來,涉及寫實與抽象、

使【替 身—盧征遠個展】得到了最優質且最完整的呈

制式美學與即興趣味、時代風格與個性表現、作品與

現, 除 了 藝 術 家 本 人 至 感 滿 意 之 外, 本 展 也 得 到 了 社

非作品等藝術史上不斷辯證的各類課題;從實踐手法

會 各 界 的 肯 定 、國 內 外 媒 體 的 推 介 與 觀 眾 極 大 的 共 鳴 ,

而言,他試圖同時透過材質與造型、視覺與心理之間

不 僅 讓 大 眾 充 分 體 會 中 國 當 代 藝 術 的 風 貌 與 內 涵, 也

的矛盾衝突,引導觀者反思客觀表象與主體認知的互

激發人們以不一樣的視野及思維去觀想當代社會文化。

-6-

One of the guiding principles in Taiwan’s pursuit of political, social, economic, and cultural progress is undoubtedly “to base in Taiwan, embrace China, and aim for the globe.” As an iconic museum in Taiwan, since its establishment in 2001, the Museum of Contemporary Art (MOCA), Taipei has striven to fulfill three major responsibilities, which are to assist in p ro m o t i n g Ta i w a n e s e c o n t e m p o r a r y a r t d o m e s t i c a l l y a n d i n t e r n a t i o n a l l y, t o c o - o r g a n i z e e x h i b i t i o n s o f i n t e r n a t i o n a l contemporary art, and to present Chinese contemporary art exhibitions. In recent years, to foster Taiwanese audience’s understanding of the development of Chinese contemporary society and culture, the Museum of Contemporary Art (MOCA), Taipei presents a Chinese contemporary art exhibition every year. For example, themed group exhibitions like Infantization and Spectacle in 2008 and 2009, and solo exhibitions such as Reading Li Shan in 2012, Will things ever get better?- Xiang Jing @ MocaTp in 2013, History Re-presented: Cai Zhisong in 2014. Moreover, the museum has designed specially “duo e x h i b i t i o n s o f d i a l o g u e . ” C o n s e q u e n t l y, t h e m u s e u m h a s presented Gao Lei・Windowsky in 2014, Individualized Together, P o l i t - S h e e r- F o r m i n Ta i p e i i n 2 0 1 5 , a n d O x y m o ro n — S o l o Exhibition by LU Zheng-yuan. W ith an extensive scale and excellent contents, these exhibitions attracted the attention of the local media as well as the interest of the general public while facilitating artistic and cultural exchange and dialogues of ideas and concepts between Taiwan and China.

artist, he works both on the level of dialectic concepts and visual perceptions, a way that emphasizes how art should escape from dictating traditions and conventions. In Oxymoron—Solo Exhibition by LU Zheng-yuan, the artist placed both real and false perceptual elements, along with dialectic spatial installations, many of which were converted from everyday objects—familiar yet strange existences that seemed uncanny but humorous at the same time. In this conversion, the artist not only conceptually reverted existing “values,” he also kept contemplating on the contingency and inevitability in artistic creation as well as the self-contradictory relation between repeating oneself and continuous innovation. Generally speaking, the exhibition was transformed into a diversified, fragmented, and highly puzzling site open to be experienced. It encouraged the audience to embark on an “unexpected” journey of exploration while assertively selecting and interpreting the artworks. Therefore, the audience could c a t c h a g l i m p s e o f t h e a r t i s t ’s c re a t i v e d e v e l o p m e n t a n d conceptual context, and further reflect upon their life and cultural condition. Through the artistic issues addressed by the artist, the exhibition revealed the philosophical outlook and dialectical logic of new generation artists, and examined the contrast between the audience’s artistic experience and psychological perception. An artist’s artistic attitude, his or her thinking and insights, and the zeal and perseverance to realize ideas are all prerequisites to a successful exhibition. The accomplishment of this exhibition was foremost due to the artist’s excellent artworks and the collaboration of his team. I would like to thank the academic chair of this exhibition, President FAN Dian, for setting the tone of the exhibition and his remarkable theorization. The display and organization of related activities were the collaborative efforts of the attentive execution by the Exhibition Team and Education and Development Team, and the assistance and support of all volunteers and part-time staff. Therefore, we were able to conquer difficulties and challenges to present an exhibition that was unique and perfect in its own way. In addition, my special thanks also go to Wuxi Phoenix Artist Materials for their generous support in the exhibition, Phoenix All for Art and Phoenix Art Center for their kind assistance in the exhibition affairs, EPSON for the high-quality projector equipment, and Win Wing for the annual sponsorship in the educational programs. Because of everyone’s passion and dedication, Oxymoron—Solo Exhibition by LU Zhengyuan achieved the best and the most complete presentation, w h i c h e a r n e d t h e a r t i s t ’s p r a i s e s , t h e s o c i e t y ’s a c c l a i m , recommendations of the domestic and international media, and an incredible feedback from the audience. It not only enabled the public to fully comprehend the appearance and significance of Chinese contemporary art, but also motivated a different vision and thinking in people’s mind to perceive and envisage the contemporary society and culture.

LU Zheng-yuan was bor n in Dalian City, Liaoning Province, China in 1982. He graduated from and now teaches at the Central Academy of Fine Arts, Beijing, China, and currently lives and works in Beijing. He works with a wide range of genres, such as sculpture, installation, painting, performance, and interactive multimedia, and has participated in several international exhibitions, including Shanghai Biennale, Shenzhen S c u l p t u re B i e n n a l e , N a t i o n a l A r t M u s e u m o f C h i n a , C A FA Art Museum, Long Museum, Today Art Museum, T imes Art Museum Beijing, White Rabbit Gallery in Australia, Museum of the Orient in Portugal, Cultural Center of Providenciales in Chile, Stiftung für Kunst und Kultur e.V. Bonn in Germany, WhiteBox Art Center in Beijing, Taikang Space, Hive Center for Contemporary Art, Phoenix Art Place, Eli Klein fine art gallery in New York, Marella Gallery in Italy, Elite Gallery in Taiwan, etc. F ro m t h e c o n c e p t u a l l e v e l , L u ’s a r t i s b o t h re a l i s t i c a n d abstract, incorporating standard aesthetics and improvisational elements, time-specific style and distinctive personal e x p re s s i o n s , w h i l e a l s o e x p l o r i n g a r t h i s t o r y ’s p e r p e t u a l l y d e b a t e d i s s u e s . I n t e r m s o f re a l i z a t i o n , h e s e e k s t o u s e oxymoronic conflicts between material and form as well as visuality and psychology, engaging the audience in reflective t h o u g h t s a b o u t t h e i n t e rc o n n e c t e d re l a t i o n s h i p s b e t w e e n o b j e c t i v e i m p re s s i o n s a n d s u b j e c t i v e c o g n i t i o n s . S u c h a n approach allows the audience to construct specific texts or narrative logics with the fragmented signs and symbols. As an

-7-


台北當代藝術館 Museum of Contemporary Art, Taipei

Oxymoron - Solo Exhibition by LU Zheng-yuan

身 - 盧征遠個展

替身—

寫在台北當代藝術館盧征遠個展之際

范迪安

中央美術學院院長 2015 年 10 月

首先我熱烈祝賀盧征遠先生的個人展覽在台北當

代, 雕 塑 的 當 代 形 態 這 些 課 題 上 下 工 夫。 因 此,

會 屬 性 進 行 轉 換, 一 方 面 在 視 覺 層 面 上 對 物 質 材

影 像, 其 實 他 關 注 的 都 是 事 物 之 間 的 某 種 相 似 性

代 藝 術 館 的 開 幕, 也 特 別 感 謝 石 瑞 仁 館 長 對 這 個

他 在 雕 塑 領 域 新 一 代 藝 術 家 中, 十 分 鮮 明 地 體 現

料 的 自 然 屬 性 進 行 轉 換, 使 作 品 不 再 是 原 有 的 屬

和 差 異 性。 也 就 是 說, 他 把 人 們 習 以 為 常 的 日 常

項 目 的 高 度 重 視 和 大 力 支 持。 兩 岸 藝 術 界 一 直 保

出 一 種 超 越 傳 統, 超 越 侷 限, 不 斷 邁 向 新 的 探 索

性 ,而 是 一 個 個 讓 人 感 到 新 穎 而 陌 生 的「 替 身 」。

性 的 經 驗, 轉 變 為 一 種 陌 生 化 的 體 驗, 由 此, 他

持 密 切 的 交 往 和 交 流, 兩 岸 當 代 藝 術 的 發 展 更 是

的這種勇氣。

使 得 藝 術 界 的 同 仁 們 能 夠 通 過 交 流, 分 享 彼 此 在

的 作 品 可 能 是 一 個 形 象, 也 可 能 是 一 方 景 觀; 可 「替身」這個詞很好地表現出盧征遠的創作特色,在

能 是 一 個 具 像 的、 具 體 的 形 態, 也 可 能 是 一 個 抽

觀 念 、語 言上的經驗,從對方的成果中得到啟益,

在 我 的 感 受 中, 盧 征 遠 是 一 個 思 考 多 於 言 說 的 藝

物質的轉換、形態的變更這個方面,他做了大量的嘗

象 的 形 式 構 成 。他 對 事 物 的 可 能 性 做 出 許 多 思 考 ,

豐 富 了 我 們對當代藝術走向的思考與認識。

術 家, 他 的 內 心 很 剛 健, 富 有 聚 集 性 的 能 量, 有

試和實驗,比如說在運用黑色石材雕塑這個領域,他

對 事 物 形 態 的 陌 生 化 做 了 許 多 探 索, 這 在 某 種 程

一股內在的精神和力量支配著他這些年的藝術生

做了大量與人們生活經驗相關,但是又與慣常的生活

度 上 對 應 了 我 們 今 天 這 個 時 代 的 生 活 特 徵, 特 別

盧征遠先生的個人展覽是兩岸當代藝術交流的一

機 和 不 懈 的 探 索。 中 國 整 個 社 會 經 濟 的 發 展 特 別

經驗相異的作品。這些作品給人視覺的迷幻感,尤其

是文化特徵。

個 新 的 成 果, 多 年 來 , 台 北 當 代 藝 術 館 在 推 動 新

是 在 文 化 發 展 上, 形 成 了 富 有 能 量 的 文 化 場 域,

當這些作品置放在公共空間裡的時候,它能夠帶給人

藝 術 發 展 中 發 揮 著 重 要 的 作 用, 尤 其 注 重 推 廣 藝

盧征遠充沛的創造情懷,是這種能量的體 現 。

新的認識視角,也帶給人嶄新的藝術體驗。因此,在

我們有許多成熟已知的經驗,但是我們還要面對未

他的整個藝術中,這種對材料屬性的反向思維,特別

知 的、 未來 的 世 界。 在 日 常 經 驗 和 難 以 言 說 的 感 知

第 二 個 特 點 是, 在 當 代 藝 術 形 態 的 探 索 中, 盧 征

是通過他精湛的雕琢技巧,點化出材料原被遮蔽的那

之 間, 如何 能 夠 找 到 藝 術 的 表 達, 盧 征 遠 正 是 十 分

遠 有 自 己 獨 到 的 切 入 點。 他 非 常 關 注 日 常 的 生 活

些價值,我認為是十分有意思的。

堅定地在這個領域裡去做建樹性的工作。他迷醉於

術 新 觀 念、 新 媒 體 和 新 形 態, 推 動 藝 術 界 與 公 眾 在 視 覺 文 化創新上的認知。

盧 征 遠 先 生 作 為 中 國 藝 術 界 一 位 年 輕 的 藝 術 家,

現 實, 能 夠 敏 銳 地 去 感 受 那 些 處 於 邊 緣 地 帶, 或

在 他 的 藝 術實踐過程中,表現出兩個鮮明的特點。

者 說 不 容 易 形 成 界 定 的 事 物, 他 的 這 種 關 注 點 使

盧 征 遠 學 雕 塑 出 身, 但 是 他 的 創 作 現 在 是 遠 遠 超

與物、人與物、主觀的動機與客觀的現實之間的「替

第 一 , 他 是 進 入 21 世 紀 之 後 , 處 在 全 球 化 進 程 和

他 的 觀 念 始 終 在 藝 術 與 生 活 經 驗 的 這 個 地 帶 穿 行。

過 了 雕 塑 原 有 的 範 疇 本 身 ,或 者 說 他 從 雕 塑 出 發 ,

身 」 關 係。 在 這 種 十 分 富 有 戲 劇 性 探 索 後 面, 體 現

資訊時代新的文化條件下成長和不斷成熟起來的

與 此 同 時, 他 更 對 物 質 材 料 的 轉 換 感 興 趣, 由 此

更 多 地 向 繪 畫、 裝 置、 影 像 等 媒 介 的 綜 合 表 達 延

出他執著的思考,以及不斷朝深度走去的藝術銳氣。

藝 術 家 代 表, 在 他 身 上 有 一 股 充 滿 銳 氣 的 探 索 和

在 大 量 的 作 品 中 運 用 不 同 的 媒 材 和 不 同 手 法。 物

伸, 這 也 真 實 地 反 映 了 大 陸 年 輕 一 輩 藝 術 家 在 進

創 造 的 精 神。 他 對 當 代 藝 術 的 走 向 十 分 關 注, 從

質 材 料 構 成 了 我 們 生 活 的 環 境, 對 於 物 質 材 料 的

入 21 世 紀 之 後, 或 者 說 進 入 一 個 圖 像 時 代、 媒 體

我 由 衷 祝 賀 他 的 展 覽 在 臺 北 展 出, 希 望 能 夠 促 進

在 中 央 美 術 學 院 雕 塑 系 學 習 的 時 候 開 始, 他 就 始

體 認, 在 盧 征 遠 那 裡, 既 是 與 物 質 材 料 的 物 質 屬

時 代 之 後 所 做 出 的 選 擇, 所 探 索 的 路 向。 在 這 方

更 多 藝 術 界 同 仁 的 關 注 和 交 流, 也 能 夠 得 到 臺 灣

終 一 方 面 努 力 把 雕 塑 的 傳 統 語 言、 傳 統 形 態 的 好

性 相 關, 又 與 物 質 材 料 的 文 化 屬 性 或 者 說 社 會 屬

面, 盧 征 遠 所 涉 獵 的 類 型 和 媒 材 都 很 豐 富。 但 是

廣大公眾的喜歡。

的 經 驗 繼 承 下 來; 另 一 方 面, 在 探 索 雕 塑 走 向 當

性 相 關。 他 一 方 面 在 觀 念 層 面 上 對 物 質 材 料 的 社

無 論 他 涉 獵 的 是 繪 畫, 還 是 裝 置, 是 雕 塑, 還 是

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不同物質材料的轉換,他把材料的轉換構成一種物

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台北當代藝術館 Museum of Contemporary Art, Taipei

Oxymoron - Solo Exhibition by LU Zheng-yuan

身 - 盧征遠個展

Oxymoron— At the Moment of Lu Zheng-yuan’s Solo Exhibition at the Museum of Contemporary Art, Taipei

FA N D i a n President, China Central Academy of Fine Arts O c t o b e r, 2 0 1 5

Firstly, I offer my sincere congratulations to Mr. Lu Zheng-yuan for the opening of his solo exhibition at the Museum of Contemporary Art (MOCA), Taipei, and express my special gratitude to Director J.J. Shih for supporting and placing great importance on this exhibition. The art circles in Taiwan and China have been maintaining close association and interaction and the development of contemporary art on both sides of the Strait has allowed my fellow artists to share their artistic concept and language and to benefit from each other’s achievements, enriching our thinking and understanding of the evolving contemporary art. Lu’s solo exhibition represents a new achievement for the exchange of contemporary art between Taiwan and China. For many years, MOCA, Taipei has played an integral part in advocating the development of new art, especially in promoting new artistic concepts, media, and forms, nurturing the awareness of visual cultural innovativeness for the art circle and the public. As a young artist from the Chinese art circle, Lu has shown two obvious attributes in his artistic practice. First of all, he represents the group of artists who grew up in and have been maturing in a new cultural context of globalization and the information era after the beginning of the 21st century. He demonstrates a fearless spirit of exploration and creativeness. His full attention to the development of contemporary art started when he was a student of sculpture at China Central Academy of Fine Arts.

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Since then, he has been devotedly endeavoring in learning to inherit the traditional language and forms of the sculptural art. On the other hand, he has also been working on how to integrate the tradition of sculpture with the contemporary spirit as well as the contemporary forms of sculpture. Therefore, among the new generation of sculptors, he displays clearly a sense of bravery in transcending the tradition, overcoming existing limits, and continuously venturing into the new territory. In my opinion, Lu is an artist who values thinking more than speaking. He has a strong inner power, a concentrating energy originating from his inner spirit and force that has been driving his artistic inspiration and unrelenting exploration throughout these years. China’s entire socio-economic development, especially its cultural development, has formed a cultural site infused with energy and Lu’s incredible creative aspiration has fully embodied this energy. The second attribute is Lu’s unique insight in his exploration of the contemporary artistic form. He is extremely attentive to the reality of the everyday life, and can perceptively comprehend those peripheral edges or things that defy simple d efinitio n. His attentio n to this allow s h im to conceptually steer through the space between the realms of art and life experience. Meanwhile, he is particularly interested in material transformation, and thus, has utilized different media and techniques in his large amount of works. Material

structures our living environment; for Lu, the comprehension of material is not only related to material characteristics, but also pertinent to their cultural or social characteristics. On the one hand, he has been working on transforming the social characteristics of material on a conceptual level. On the other hand, he has also been transforming the natural characteristics of material on a visual l e v e l . S u c h t r a n s f o r m a t i o n f re e s h i s a r t w o r k s from the original material characteristics and allows them to surface as fresh and unfamiliar “oxymorons.” The term, “oxymoron,” appropriately expresses L u ’s a r t i s t i c c h a r a c t e r i s t i c s . To a c h i e v e t h e transformation of material and alternation of forms, he has tried and experimented extensively. For instance, in terms of using black marble for sculptures, he has created a massive quantity o f w o r k s t h a t a re re l a t e d t o t h e p u b l i c ’s l i f e experience, which simultaneously differ from the e v e r y d a y l i v i n g e x p e r i e n c e . T h e s e s c u l p t u re s present a kind of visual illusion, providing a new angle for people and introducing a new artistic experience, especially when they are placed in the public space. Therefore, Lu’s reverse thinking on the material characteristics in his art, particularly his outstanding sculptural skill that has highlighted the previously neglected value of the material, are extremely intriguing for me. Lu is a trained sculptor, but his work has greatly reached beyond the domain of sculpture. One could also say that he departs from sculpture and extends his practice into an integrated expression of painting, installation, video, and has more truthfully reflected the choices and exploratory

d i re c t i o n o f a y o u n g e r g e n e r a t i o n o f C h i n e s e artists in the 21st century after entering an era of images and media. Lu has worked with extensive kinds of art and media; nonetheless, whether it is painting, installation, sculpture, or video, what he actually cares about is the similarity and differences between things. In other words, he attempts to transform an ordinary experience that people are familiar with into a de-familiarized one. As a result, his work could be a simple image or a scene; it might be in tangible, physical form, and it might be abstract. He has thoroughly reflected upon the possibilities of things and broadly explored the defamiliarization of their forms. On a certain level, his approach corresponds to the typical traits of our life, and to the cultural traits, in particular. We h a v e a c q u i re d a l o t o f e x p e r i e n c e s a b o u t things we know. However, we still need to face the unknown world of the future. Lu has been steadfastly conducting a constructive work in finding an artistic way to express what lies in between the everyday experience and the indescribable sensibility. He is intoxicated with the transformation of different materials, using them to construct an “oxymoronic” relation between objects, between people and objects, and between subjective motivation and objective reality. Manifested in this utterly dramatic investigation are his persistence and his artistic courage to moving towards the deep end. I sincerely congratulate Mr. Lu for his exhibition in Taipei, and hope that the exhibition will capture the attention of more fellow artists and initiate more exchanges as well as be very well-received by the Taiwanese audience.

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台北當代藝術館 Museum of Contemporary Art, Taipei

Oxymoron - Solo Exhibition by LU Zheng-yuan

身 - 盧征遠個展

沒有故事,卻有社會… 談盧征遠的【替 身】

鄭乃銘

當代藝術新聞雜誌總編輯 2015 年 10 月

盧 征 遠, 一 位 1982 年 出 生 在 遼 寧 大 連、 目 前 工

說, 不 是 每 一 位 藝 術 家 的 創 作, 都 得 需 要 一 段

愛。可是,人類之所以會產生所謂盲目的愛,竟

文 字 眼 就 是 簡 單 的「RED」、「GREEN」。 通

作與生活都在北京的藝術家,給了我們一個不同

段 故 事 來 作 為 支 撐, 才 能 算 是「 完 成 」 所 謂 的

然是出自大腦的決策。當大腦被愛刺激就會產生

常,文字或者圖像,會是我們在選擇辨識上先擇

觀視藝術與思考人類社會行為的方法。

創作。

化學變化,會關閉我們對所愛的人作出正確的判

一的目標。例如,因為是 RED 和 GREEN,文字

斷,主因在於我們的幻想往往因為大腦無力挑戰

率先就提醒大腦是「紅色」與「綠色」,因此,

而得以繼續。神經科學家因此提醒大家,盲目的

大腦就會告訴我們的雙眼,紅色;就會是紅色霓

愛不是愚蠢或無知,它;其實是一種無法分辨貧

虹燈管「負責管轄」、綠色則是綠色霓虹燈管所

富、無法判斷是有教養的生理現象。

呈現的外在色澤。這,就是我們大腦所發射出來

盧征遠告訴我「…我發現,自己還是很視覺的。

藝術,有很多時候是不需要贅述。

只是,我的作品與其他的作品很大不同;或許就 在於作品根本毫無敘事性。也就是說,我的作品

藝術,有時候是測驗觀賞者自己的心智;而不全

沒有故事。…我好怕人家問我:你的作品有什麼

然是接收創作者的腳本。

故事…」。停頓了些許時間後,他又說「這樣,

的決策性訊息。可是,盧征遠卻讓「紅色出現綠 當然,盧征遠的藝術與愛不愛人;無關。

色霓虹燈管」、「綠色竟然是以紅色霓虹燈管來

好像有點吃虧!因為沒有一般所謂的故事性,一

心理學家研究年輕愛侶,藉此以作為分析每個

展現」,作品名稱〈反射〉竟然是反射旁邊文字

旦有人想要看我的作品或想理解我的藝術,我總

人對另一半的看法,然後跟另一半自己的看法

可是,從人類的社會行為來作判讀,心理學家與

所應當擔負的「自我本色」!問題是,多數的人

得要重頭說起;而且是一件件的講。因為,每件

來 做 對 比, 結 果 發 現 兩 者 間 有 很 大 差 距, 另 一

神經科學家的這番論點,放到盧征遠藝術的點上

在面對這件裝置作品的時候,因為文字的前導性

作品都有不同的創作動念。結果,每次講不到一

半 的 看 法 經 常 會 比 自 認 的 好。 與 此 同 時, 愈 是

來觀視,我覺得;極端有趣,且也能讓人更純粹

意識夠強,也就會發生不假思索地主觀認定紅色

半,對方都已經累趴了…」!

有 這 種 理 想 化 的 現 象, 關 係 往 往 就 會 愈 長 久。

的來欣賞他的藝術。

就是紅色燈管、綠色則是綠色燈管,殊不知;兩

簡 單 一 點 來 講, 將 所 愛 的 人 理 想 化, 確 實 有 助

者根本已經徹底互為對方的「替身」。

這話,聽起來似乎有點…感傷。

於關係的長久。心理學家認為這種正面的假象

比如說,盧征遠有一件〈反射〉作品,這件作品

但,我們兩個人面對面坐在一塊,竟然同時爆笑

會產生影響性,它會造成你愛的人竟然開始實

被安置在台北當代藝術館一層展廳要進入二層展

而【替 身】更也是他這次在臺北首度大型個展的

出聲。

現你對他的幻想,而這種迴圈效應是一種相互

廳 的 樓 梯 間。 高 聳 的 牆 面 掛 置 著 很 多 霓 虹 燈 作

展題。

沒有惡意。

性。 於 是, 心 理 學 家 認 為,「 我 們 不 需 要 去 愛

品,那種感覺就好像是一家專門在製作霓虹燈廣

但,真的是有點讓人忍不住想笑。

一 個 人 原 本 的 樣 子, 而 是 愛 我 們 認 為 的 樣 子;

告的公司,相當盡責地將自己公司的各式霓虹燈

盧征遠雖然說自己的創作缺乏敘述性,也無隱藏

或是我們想要的樣子」。

管產品;毫不藏私地一股腦懸掛出來,以供客人

版的故事。可是,我則認為;盧征遠或許沒有針

能清楚選定所需要的樣式。詭異的地方是在於,

對性的故事內容,但卻具有廣泛性的社會情節。

可是,我很喜歡這種很純淨的創作語彙。也就是

這 個 心 理 學 上 測 試 ,或 許 ��� 被 譏 為 是 一 種 盲 目 的

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盧征遠在這些繁複的霓虹燈管樣式中,出現的英

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台北當代藝術館 Museum of Contemporary Art, Taipei

Oxymoron - Solo Exhibition by LU Zheng-yuan

身 - 盧征遠個展

藝術家不再拘泥於個人的小我小愛;卻能夠放寬

跑出好多筆訊息,其中,就是現場所出現的這輪

表面上似乎都安於宅,但實際上卻在電腦的各式

梯當中,盧征遠讓真假的水果錯落在一階階上,

視野與心境來觀視環境的起落,表面上;或許沒

皎潔圓月。盧征遠於是將這輪圓月,從手機直接

社群網站、電腦遊戲當中,亟欲建立自己受到簇

隨著時間與曝露在空氣中對真實水果所產生的質

有腳本,但實際上卻有大劇情。

轉換到電腦成為桌面,看著電腦桌面上的中秋圓

擁的感受。一旦發現內心有個出缺的空位,就會

變 ,水 果 會 因 為 腐 爛 而 墜 落 ,這 更 也 昭 驗 出 真 實 、

月,過了相當應景的…中秋節。

焦急的想要快速填補虛位的果敢。這樣的行為,

自然反而被虛假、塑料的物件給取代。在這件作

其實更曝露現代人的高度寂寞。

品中,盧征遠透過時間來展現「替身」所煥發出

同 時, 盧 征 遠 的 藝 術 也 緊 緊 扣 住 時 代 脈 搏 的 跳 動,從另外一個角度來看,藝術家這樣的創作表

仔細去想這件作品,有點荒謬、滑稽的心酸;卻

現,無疑也是另外一種記錄時代演繹的痕跡。

又是那麼心酸得有點理直氣壯。因為,當我們所

因此,尋求「替身」無疑是一種普世性,可是卻

的移動而改變外在生命,但卻能夠成為記憶的一

處的環境,充斥著愈來愈多選擇性與替代性時,

也相對模糊了現代人對原初與替代的價值性認

部分。至於,被拿來做為替身的塑料水果,或許

例如,有一件名為〈房間裡的月亮〉攝影、燈箱

表面上,取得;自然是越來越輕易,但我們事實

定。例如,盧征遠裝置在當代館戶外廣場的那件

能常保模樣,卻毫無體溫,終究只是個替身的角

片作品,我個人就覺得太驚艷了。

上也離所謂真相愈來愈遠。甚至,過去我們總會

名為〈邊緣〉的作品,這件特地為台北當代藝術

色!整件作品經由百年建築外觀的紅磚色來對

相信自己眼中所見,所謂眼見為憑。可是,現在

館量身訂製的作品,也等於是盧征遠從作品的立

應 不 鏽 鋼 的 不 近 人 情 光 芒 、真 假 水 果 的 虛 與 實 ,

盧征遠說,這件作品「比較」有故事性。原來,

的環境卻處處充斥著眼見並不為實的情況,或許

場來做設想,希望這件作品能與當代館的百年建

盧征遠在這件作品所佈置的體溫,緩緩的點出

有一年中秋節,中國人對於中秋節,無法免俗就

我 們 所 看 到 的 是「 事 實 」- - 也 就 是 事 情 的 實 況 。

築產生對應關係。盧征遠以不鏽鋼材質所製作完

事 物 被 拿 來 做 為 替 身 所 牽 引 出 的 溫 度, 他; 自

想 一 定 得 全 家 團 圓、 一 定 得 有 月 亮 相 陪、 一 定

可是,「事實」卻不等同於「真相」!一如從電

成的天梯,但基本上這個充滿著光澤感的天梯,

己一點也不給答案,卻讓作品的本身給了觀者

要 … 。問 題 是 ,那 天 ,當 他 自 己 忙 和 了 一 天 下 來 ,

腦圖庫所抓出來的皎潔圓月,不明究裡的人或許

其 實 是 無 法 攀 爬 。因 為 ,盧 征 遠 保 留 了 梯 子 的 形 ,

自選的答覆。

突然發現這一天是中秋,既然是中秋,自己獨在

會視為那是真實的圓月,但實際卻只是影像!

卻抽離梯子的實用性,梯子邊緣被打磨刨光得就

異 鄉 已 經 夠 淒 涼, 怎 可 能 沒 有 月 亮 相 陪 呢? 結

不同樣貌與質感。真實的物件,固然會因為時間

好像是一把利刃。這樣的處理方式,原來是受到

盧征遠在這個【替 身】展覽,嚴格上有他相當尖

果 ,探 頭 一 出 去 ,北 京 受 到 塵 霾 影 響 ,霧 茫 茫 的;

從另外一層來看,我並不覺得盧征遠這次的個展

他之前曾經以勺子來做為媒材的另一項創作影響

刻的社會議題層面。只是,這位本來就不擅長說

哪來的月亮呀!連前方的大樓也埋在灰霧裡。盧

是 在 辯 證 真 假 形 式 上 判 讀 / 混 淆 議 題。 我 反 而 會

所致。當時,盧征遠將勺子的兩邊也都磨得如利

教的藝術家,也相當懂得如何不去讓自己的創作

征 遠 就 說:我 那 天 也 不 知 怎 樣 ,就 一 定 瘋 狂 地「 需

覺得,盧征遠藉由平凡可見的材質,卻有意去深

刀,根本是不能拿來做為常態性使用。假如,鋒

流於過度教化的樣板;導致作品與欣賞之間的距

要」月亮;而且是圓月。於是,他毫不死心想到

掘 現 代 人 內 心 柔 軟 的 角 落 。現 代 人 普 遍 都「 罹 患 」

利如刀刃的勺子拿來使用,恐怕會將手、嘴給割

離越來越遙遠。因此,盧征遠選擇了相當平實卻

一招,「既然天公不作美,不給圓月。那麼,我

一種自我認同欠缺的恐懼症,因此都極度渴望獲

傷。同樣道理,高聳的不鏽鋼梯子,外表固然吸

也相對能加以延伸的表現方式來演繹自己心念,

就上網搜月。」他一打「中秋節」的關鍵字,就

得 旁 邊 周 遭 人 士 的 認 同 。即 便 是 所 謂 的「 宅 族 」,

引人,但卻不能靠近也難以使用。而梯子每個階

這讓他的藝術得以保留相當自我的純度,不因為

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身 - 盧征遠個展

傳統意識形態認為藝術是為了拿來服務眾人心

品,更像謊言!但,也是所有展品幽默感指數最

放、更多元。原因出在現代人只侷限在自己的偏

智,而特意調配去迎合口味。

高的代表。

好裡,往往因為害怕寂寞,而更趨近於是為了填 補空位而去填補空位;逐漸讓自己導向一個愈來

比 如 陳 列 在 二 層 主 展 廳 的 架 上 繪 畫《 無 題 》系 列 ,

盧 征 遠 在 這 個 展 覽 擴 大 解 釋「 身 體 」 這 個「 基

我則認為這組作品是盧征遠整個展覽裡面,談論

底」,展覽多數作品都是取自現實環境的尋常事

「 替 身 」這 個 精 神 概 念 最 為「 刻 薄 」的 一 組 作 品 。

物,這些物件本質上都是具備既定的實用性功能

這組系列作品每一件都含有大小不同規格兩件作

的身體,只是,盧征遠一方面沿用物件原初的身

品並構在一起的展示方式。盧征遠其實是在一種

體,卻也賦予這些原初有了不同的新訊息,這個

只是,當人們焦慮的建立替身的同時,往往也分

偶發性情況之下,將油彩以自動性技法瞬間完成

行為的本身,其實也就充分解釋「替身」展題的

辨不出到底是為了需要?還是只為了害怕看到空

的 一 幅 抽 象 畫 面 。接 著 ,盧 征 遠 則 以 小 畫 為 藍 本 ,

意涵,但也同時發展出截然不同的釋義。盧征遠

位的不安全感而去尋求替身呢?表面上,我們以

在大畫尺幅上畫出小畫的抽象畫面。也就是說,

經由那麼多現成物的重新挪用,多少就指涉出現

為自己見多識廣,事實我們的眼中的景觀卻越縮

大畫是仿製小畫而來的。問題是,出現在大畫上

代社會充滿著多元選擇的可能性。但是,那麼多

越小。

的抽象畫,根本就不能算是抽象畫,而是根據小

的選擇,相對也出現一些荒誕不羈狀態。

畫的畫面所畫出來的具象畫!盧征遠一方面恪遵

愈空洞的心理。

因此,為什麼現代社會四處充斥著「替身」。

盧征遠的藝術,點出現代社會內心議題,早已超

抽象繪畫與具象繪畫的傳統表徵,卻另一方面則

當 我 們 沒 有 無 線 網 路 、沒 有 G o o g l e 、沒 有 百 度 …

顛覆我們對抽象、具象的既定概念,藝術;在這

這些無所不達的溝通工具的時候,環境因為選擇

個行為當中,多麼像是政治行為的裡外不一;卻

性相對有限,但對於事物本質的純粹性與深入化

屢屢被視為一種理所當然的自鳴得意。這些放置

則有更完整的掌握與信仰。現在,選擇性多,對

在牆面大小一組的作品,表面上都是抽象,實際

事物、對人際的珍惜程度卻反而越來越薄弱與膚

上則是誰在畫誰的「象」,壓根是極盡行虛假之

淺。因為,現代人始終無法明瞭,科技充其量只

能事。所謂替身…替身、所謂偶發的真與著意的

是幫我們維持關係,卻不能建立關係。並且,社

真,到底是誰替了誰的身?抑或是誰的身替換了

會學家也提出說,我們擁有比過去任何時候都更

誰!這組系列創作比另外一件名為〈謊言〉的作

多 的 選 擇, 但 是 我 們 的 心 態 卻 未 必 比 過 去 更 開

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越敘述與否的故事性。

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No Story but Society: On Lu Zheng-yuan’s Oxymoron

Cheng Nai-Ming Editor in Chief, CANS Chinese Contemporary Art News O c t o b e r, 2 0 1 5

Lu Zheng-yuan was born in Dalian, Liaoning in 1982, and currently works and lives in Beijing. His work offers us a different perspective on art and to reflect on the social b e h a v io rs of ma n ki n d.

a r t i s t ’s w o r k s r e q u i r e s t o r i e s t o “ c o m p l e t e ” the so -called artistic creatio n.

Lu said, “I have realized that my work is still very visual, but my works differ from others because they do not tell any stories. That is there are no any stories behind my works... I am quite afraid when people ask me, ‘what stories do your works tell?’” After pausing for a while, he continued, “it might be a disadvantage! Lacking the narrative characteristics forces me to explain from the beginning every time when someone wants to see my works or understand my a rt . On t op of th a t, I h a ve to ta l k ab o ut every piece one after another because every work embodies an individual creative motif. As a re su l t , t he l i ste n e r wou l d be e xh a usted w hen I h a v e b are l y f i n i sh e d ta l ki n g a bout half o f my wo rk s.”

Sometimes, art puts the mentality of audiences to test instead of asking them to accep t the sto ries p ro vid ed b y artis ts .

Art, q uite o ften, d o es no t need exc es s ive an d red und ant exp lanatio n.

When some psychologists studied young couples, they analyzed what they thought about their partners and compared their statements with how their partners view themselves. The results showed significant disparities between the lovers. The c o m m e n t s f ro m t h e o t h e r h a l v e s w e re o f t e n better than what one thought about himself o r herself. I n the meantime, the st ron ger th is i d e a l i z a t i o n w a s , t h e l o n g e r t h e re l a t i o n s h i p lasted . I n o ther w o rd s, to id ealize th e p er s on o n e l o v e d re a l l y h e l p e d t h e re l a t i o n s h i p l a s t . The psychologists concluded that such a p o s i t i v e i l l u s i o n c re a t e d i n f l u e n c e s o n o n e ’s partner and enabled them to start realizing the idealization. This cause-and-effect was also mutual. Therefore, the psychologists stated that “w e d o no t need to lo ve a p er s on f o r w h o h e o r s h e re a l l y i s . I n s t e a d , w e l o v e ho w w e think he o r she sho uld b e, or h ow w e w o uld like them to b e.”

T h i s st a te me n t sou n de d a l i ttl e di stressing . H o w e v e r, a s b o t h o f u s s a t f a c e t o f a c e , w e l a u g h e d o u t l ou d a t th e sa me ti me . I d i d n o t me a n a n y h a rm. I t w a s, ne ve rth e l e ss, qu i te h i l a ri ous. … The truth is I really appreciate this kind of pure artistic language because not every

This psychological experiment might be

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viewed and ridiculed as a kind of blind love. Nonetheless, the reason why such blind love exists in human minds is because of decisions made by the human brain. When our brains are stimulated by love, chemical changes incurred, causing us to make incorrect judgments about the people we love. The primary cause is that our illusions get to persist simply because our brains lack of strength to challenge them. Neuroscientists, therefore, remind us that blind love does not equal stupidity or ignorance; it is actually a physical condition that also prevents one from distinguish the rich from the poor as well as the educated from th e u n ed u cated .

that was trying to present their various neon products without reservation so that cu s tom e r s c o u l d c l e a r l y s e e t h e mo d e l s t h e y n e e d e d . H o w e v e r, a m o n g t h e s e e l a b o r a t e n e o n l i g h t s l a y a p e c u l i a r i t y, w h i c h w a s that all the English words were “RED” and “ G R E E N . ” N o r m a l l y, t e x t s o r i m a g e s w o u l d be our visual references to differentiate something. For example, reading the words RED and GREEN would trigger our brains to recognize the colors red and green; and as a result, our brains would inform our eyes that the red neon lights said red and the green neon lights green. These were the decisive messages given by our brains. Nevertheless, Lu reversed the colors and t u r n e d t h e g re e n n e o n l i g h t s t o s a y re d , a n d vice versa. The work was called Reflection, and its two sections actually reflected the re a l c o l o r s o f e a c h o t h e r ! T h e q u e s t i o n w a s that most people would subjectively take th e red n e o n l i g h t s t o s a y re d a n d t h e g re e n ones to say green without much thinking because of the misleading texts they viewed i n t h i s i n s t a l l a t i o n . T h e y d i d n o t re a l i z e t h a t th e tw o h a d b e c o me e a c h o t h e r ’s o x y mo ro n i c s u b s tit u t e .

N a t u r a l l y, L u ’s a r t h a s n o t h i n g t o d o w i t h lovin g a p er s on . H o w e v e r, I h a v e f o u n d i t e x t re m e l y i n t r i g u i n g to view Lu’s art from this point of view offered by the psychologists and neurologists and f ro m t h i s a n g l e o f h u m a n ’s s o c i a l b e h a v i o r s . I t h a s a l s o a l l o w e d o n e t o a p p re c i a t e h i s a r t from a m ore p ellu cid w ay. To n am e an in s tan ce, L u in s talled an ar tw or k , titled Reflection, in the stairway from the first floor to the second floor of the MOCA, Ta i p e i . O n a t o w e r i n g w a l l w e r e m a n y n e o n lights, reminding visitors of a professional advertisement and neon light company

“ O x y m o r o n ” w a s t h e t i t l e o f L u ’s f i r s t l a r g e s olo ex h i b i t i o n i n Ta i p e i . Although Lu said his works were not narrative

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to tell any stories, in my opinion, his works have been extensively descriptive of the so c ie t y de spi te th e l a c k of spe c i f i c sto ries. The artist has not confined himself to i n d i v id u al f e e l i n gs a n d e xpe ri e n c e , b ut set his e y e s a n d mi n d to obse rve th e c h ang es o f the s u r ro u n d i n g e n v i ro n m e n t . A t f i r s t g l a n c e , h i s w o r k s m i g h t n o t t e l l a n y s t o r i e s ; i n a c t u a l i t y, t h e y we re pa rt of a gra n d n a rra ti ve. M e a n w h i l e , L u ’s a r t h a s a l s o b e e n c l o s e l y following the pulse of the society and the era. From another perspective, his artistic creation and expression has been a type of d o c u m e n ta ti on of ou r ti me . For instance, I was really amazed by an artwork, titled The Moon in My Room, which i n c o rp o rate d ph otogra ph y a n d l i ght b o x. According to Lu, this was one of the works that were relatively more narrative. It was about one particular Mid-Autumn Festival. For Chinese people, Mid-Autumn Festival m e a n s t o h a ve a f a mi l y re u n i on a nd to see the beautiful full moon. It is simply the tradition. The problem was he had not realized that particular day was the holiday and had been b u s y t h r o u g h o u t t h e d a y. W h e n h e s u d d e n l y found out that day was Mid-Autumn Festival, h e w a s al on e i n a stra n ge c i ty, a nd co uld no t bear to spend the night without the company

of the moon. He opened the window and looked outside. The moon was nowhere to be seen due to the heavy smog in Beijing! Even the building in front of his place was blurry in the gray smog. Lu said he was madly in need of seeing the moon without any particular reason. Therefore, he had a light bulb all of a sudden. Since the weather was so bad and the full moon w a s g o n e , h e w o u l d s e a rc h f o r t h e m o o n o n line. After typing in “Mid-Autumn Festival” and h i t t i n g s e a rc h , m a n y re s u l t s w e re p re s e n t e d . The disc of full moon in the exhibition was one o f t h e t h e m . T h e re f o re , L u c o n v e r t e d t h i s f u l l moon on his mobile phone into the desktop p i c t u re o f h i s c o m p u t e r, a n d b e f i t t i n g l y s p e n t the Mid-Autumn Festival staring at the full moon on his computer. Carefully pondering on this piece, it might seem a little heartbreaking in an absurd a n d r i d i c u l o u s w a y. Ye t , i t h a s a l s o b e e n h e a r t b re a k i n g i n i t s o w n r i g h t . A s a m a t t e r o f fact, when our surrounding is filled with more and more choices and substitutions, possessing something seems easier and easier on the s u r f a c e . H o w e v e r, w e a re a l s o g e t t i n g f u r t h e r and further away from the truth. In the past, we would always believe what our eyes have seen. That was why seeing would be believing. The modern environment, on the other hand, is filled w i t h d e c e i t f u l a p p e a r a n c e s t h a t h a v e s t e e re d us away from the truth. Perhaps, what we have seen was the “reality”—the real condition of

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身 - 盧征遠個展

things; but “reality” does not mean “truth”! This concept has been embodied by that bright, full moon found in the image archive. People who did not know the story would take it as the real full moon when, in fact, it was simply an image! F ro m a d i ff e re n t p e r s p e c t i v e , I w o u l d n o t s a y t h a t L u ’s s o l o e x h i b i t i o n w a s a b o u t i s s u e s o f interpreting or confounding the real or the unreal with a dialectical approach. Contrarily, through ordinary, common materials, Lu has intentionally explored the softness and gentleness of modern people. Generally speaking, modern people h a v e a p ro b l e m o f l a c k i n g s e l f - i d e n t i f i c a t i o n , an d are eager to s eek th e ap p roval of p eop le around them. Even the so-called homebodies, who appeare to like to stay at home and keep a w a y f ro m p e o p l e , t h e y a re a c t u a l l y e a g e r t o seek popularity on all kinds of social media and through computer games. The moment th e em p tin es s s u r faces in m in d , th es e p eop le would be anxious to fill up the emptiness with something. Such behavior has revealed the incredible loneliness of modern people. Therefore, seeking ‘substitutes’ is undoubtedly universal; but it has also blurred the line between modern man’s values about the original and the substitute. F o r e x a m p l e , L u ’s E d g e , w h i c h w a s i n s t a l l e d and displayed on the plaza of the museum, was a site-specific installation created for

t h e M O C A , Ta i p e i . I t a l s o r e p r e s e n t e d L u ’s contemplation on how the work could respond to the centennial architecture of the museum. The artist created this high ladder in stainless steel; but this glistening ladder actually could not be used for climbing because Lu has retained the appearance o f a l a d d e r a n d r e m o v e d i t s p r a c t i c a l i t y. The edge of each step was polished and sharpened into a cutting blade. This a p p r o a c h w a s d e r i v e d f r o m L u ’s a n o t h e r work, in which he employed a spoon as his material. At that time, Lu also sharpened the both sides of the spoon so that it could not be normally used. If one attempted to use the knife-like spoon, his fingers and mouth w o u l d b e c u t . S i m i l a r l y, t h e h i g h s t a i n l e s s steel ladder might look tempting but did not allow nearness and could not be used. O n e a c h s t e p o f t h e l a d d e r, L u h a s p l a c e d r e a l a n d f a k e f r u i t i n t e r s p e r s e d l y. A s t i m e passed and being exposed in open space, the real fruit underwent qualitative changes, decomposed and fell from the steps. It reinforced the reality that the real and the natural have been replaced by the fake and the plastic. In this work, Lu allowed time to reveal the different faces and textures of the oxymoronic substitutes. The real objects would eventually change in the passing of t i m e a n d b e c o m e p a r t o f t h e m e m o r y. O n the other hand, the replaceable plastic fruit lacked real temperature and would always

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remain a replacement despite its ability to retain the appearance! In the work, through the contrast between the redbrick façade of the c e n t e n n i a l b u i l d i n g a n d t h e re l e n t l e s s g l o w o f s t a i n l e s s s t e e l a s w e l l a s t h a t o f t h e re a l a n d the fake fruit, Lu slowly and subtly revealed t h e t e m p e r a t u re o f t h e t h i n g s t h a t w e re u s e d as substitutes in his arrangement of the work. As the artist, he did not provide any ready answers, but allowed the work itself to respond to the audience. Seriously speaking, in the exhibition, Oxymoron, L u a l s o p re s e n t e d h i s a c u t e o b s e r v a t i o n s o n social issues. Nonetheless, this artist who was never good at being pedantic also understood how to avoid being didactic in his work that m i g h t c re a t e a g ro w i n g d i s t a n c e b e t w e e n t h e artworks and the audience. Therefore, Lu has chosen a very unadorned way that also allowed extensive interpretation to express his thoughts. T h i s a p p ro a c h m a d e i t p o s s i b l e f o r h i s a r t t o retain its purity and to sidestep the pitfall of art being in servitude to the public and catering to any specific taste, which was what traditional ideology prescribed. A good example would be a series of painting called Untitled Series in the main gallery hall on the second floor. I have found this series of work to be the ‘sharpest’ work about the concept of substitutive ‘oxymorons’ in the entire exhibition. In this series, each set of paintings included

one large painting and one small painting juxtaposed together. In fact, Lu had accidentally painted an abstract oil painting with automatic techniques in a short time. Then, he imitated the abstract image on the small painting and painted the large one. Strictly speaking, the large painting was a copy of the small painting, rendering the seemingly large abstract painting a realistic one based on the image of the small painting! On the one hand, Lu followed closely the traditional characteristics of abstract and re a l i s t i c p a i n t i n g s ; o n t h e o t h e r h a n d , h e h a s s u b v e r t e d o u r p re c o n c e p t i o n o f t h e a b s t r a c t and the realistic. From this aspect, this artistic approach embodied some hypocritical actions in politics, which were righteously taken as a kind of achievement over and over again. These paintings in pairs on the wall looked l i k e a b s t r a c t p a i n t i n g s ; h o w e v e r, o n e w a s a n i m i t a t i o n o f t h e o t h e r, w h i c h w a s c o m p l e t e l y deceitful to the extreme extent. In terms of the so-called substitutes as well as the accidental re a l i t y a n d t h e i n t e n d e d i m i t a t i o n , o n e c o u l d n e v e r k n o w w h i c h o n e s w e re t h e s u b s t i t u t e s , or which w ere replaced! T his series was even m o re d e c e i t f u l t h a n a n o t h e r s e t o f w o r k t h a t was called Lies! Yet, it also revealed the most sense of humor amongst all the artworks in the exhibition. In this exhibition, Lu has emphasized on the idea of ‘body’ as the ‘foundation.’ Most of the artworks in the exhibition were inspired or

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taken from ordinary objects in real environment. In essence, these objects were all ‘bodies’ that had practical functions; but Lu has retained the original ‘bodies’ while adding new elements and messages onto these objects. T h i s m e t h o d i t s e l f w a s f u l l y e x p re s s i v e o f t h e meaning of the exhibition title, but also created d i ff e re n t p o s s i b l e i n t e r p re t a t i o n s . T h ro u g h h i s appropriation of the ready-made objects, it pointed out that modern society is filled with d i v e r s e c h o i c e s . H o w e v e r, t h e v a s t a r r a y o f c h o i c e s h a s a l s o c re a t e d c e r t a i n a b s u rd a n d unrestricted situations.

enveloping ourselves in a psychological state th at is g e t t i n g mo re a n d mo re d e s o l a t e .

When we did not have limitless communicative instruments such as wireless connection, Google, Baidu, etc., the environment with limited choices enabled us to have a more complete control and understanding of the purity and depth of things’ essence. Nowadays, with infinite choices, we have cherished things a n d p e o p l e l e s s a n d o n l y i n a s h a l l o w w a y. T h e re a s o n i s t h a t m o d e r n p e o p l e h a v e n e v e r truly understand that technology could only h e l p u s m a i n t a i n re l a t i o n s h i p s , b u t n o t c re a t e r e l a t i o n s h i p s . M o r e o v e r, s o c i o l o g i s t s h a v e stated that we now have more choices than any moment in the past, but our minds are not necessarily more open and welcoming than before. It is because we have limited t h e m s e l v e s t o o u r o w n p re f e re n c e s , a n d t e n d to fill the empty spot just for the sake of it b e c a u s e o f o u r f e a r o f b e i n g l o n e l y, g r a d u a l l y

L u Z h e n g - y u a n ’s a r t h a s p o i n t e d o u t t h e p s y c h o l o g i c a l i s s u e s o f m o d e r n s o c i e t y, a n d h a s g re a t l y s u r p a s s e d t h e i s s u e o f n a r r a t i v i t y in th e w o r k s .

This is why modern society is filled with “ ox ym o ro n s .” H o w e v e r, w h e n p e o p l e s t a r t t o l o o k f o r s u b s titut e s d u e t o a n x i e t y, t h e y u s u a l l y c a n n o t tell whether it is out of need or simply because of th eir i n s e c u r i t y wh e n s e e i n g a n e mp t y s p o t . On the surface, we consider ourselves to be well-informed and experienced; in fact, our vis ion h a s s h r u n k .

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圖錄 PLATES

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R203

《慢性》系列 Chronic Series

〈邊緣〉Edge

B

索引 Index

A

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〈泉〉The Fountain

〈浪〉Wave

〈XXX〉XXX

《時間的容器》系列 The Vessels of Time Series

〈謊言〉Lies

〈一切還在〉Still There

《過去的即將到來》系列 The Bygones Are Returning Series

R202

〈反射〉 Reflection

C

E

〈房間裡的月亮〉The Moon in My Room

〈無題 (3)〉Untitled-3

R205

R201

〈保持微笑〉Keep Smiling

〈氣流〉Airflow

《慢性》系列 Chronic Series

〈溫度〉Temperature

F

〈質地〉Texture

〈壓縮〉Compress

《無題》系列 Untitled Series

〈藝術家訪談〉 Video of artist`s interview

D E D B

〈無窮〉Boundless

C F

R204

〈彼岸〉Nirvana 

A

〈閃爍〉Sparkle

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戶外廣場實景 Plaze installation Shot at MOCA,Taipei

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藝術家創作之初稿 Initial artwork sketch by the artist

A

邊緣 欹斜在當代館牆面上的不鏽鋼作品〈邊緣〉,由寬而細的梯子造型,直指天際,呈 現了上升的姿態,也使人躍起攀爬的欲念和想像。不鏽鋼梯子光亮的現代性質感, 對照著當代館的古紅磚牆,除了凸顯出自身特異的存在,也鏡射出與環境場域的某 種對話。在此,藝術家刻意強化了此作的造型感和符號性,而異化了梯子既有的功 能性連結——他以不鏽鋼材料打造長梯,將梯柱邊緣刨成如刀鋒一樣的利刃,讓攀 爬上升的意念和傷害危險的意象,成為一種強迫性連結,然後又將新鮮的水果與豔 麗的蠟果穿插並置於梯階上,隨著時間,真實的水果陸續變黑腐爛、凋零脫落,反 而是仿造的蠟果停留原位,以鮮活做作之姿繼續抗衰,以昂揚之態接力攀升。如果 說這座刀梯象徵的是,充滿挑戰與陷阱而追求高標成長的當代社會機制,則這些水 果似正反諷地演出了一齣真實自然讓位於虛假做作,或劣幣驅逐良幣的人間戲碼。

Edge Leaning against the wall of MOCA Taipei is the stainless steel piece, Edge, in the shape of a narrowing ladder pointing skywards. The ascending position sparks imaginative thoughts and gives people the urge to want to climb up. The shinny completion of the steel ladder gives it a modern appeal, with a sense of peculiar existence enhanced as it is juxtaposed against the old red brick wall of the museum, reflecting and creating dialogues with the surrounding environment. The artist deliberately places emphasis on the shape and the symbolic nature of the piece, dissimilating the conventional functionality associated with ladders by creating the ladder presented with stainless steel and buffing its edges to form razor-sharp blades, creating a forced association between climbing up and getting hurt. Fresh fruits and vibrant fruits made out of wax are pushed down and placed along the steps of the ladder, and the real fruits then begin to rot as time progresses, but the vividly vibrant fake waxed fruits have remained stationary and unaffected by time and seemingly ready to climb forward in a relay like stance. If this ladder of blades is an analogy for challenges and obstacles imposed upon people in the contemporary society with expectations set exceedingly high, the fruits are then satirically used to present a play based on nature succumbing to superficial pretentiousness, as the bad drives out the good.

不鏽鋼、水果、塑膠水果 / Stainless Steel, Fruit ,Plastic Fruit 1,500 cm 2015

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〈邊緣〉作品局部圖 Detail of Edge

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〈邊緣〉作品局部圖 Detail of Edge

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反射 自西側樓梯間拾階而上,進入一個繽紛多彩、絢麗閃爍的視界,用藝術家自己的說法,名 為〈反射〉的這組空間裝置,有意讓現場「好像一個凌亂的霓虹燈廣告牌公司」——牆上 掛了許多霓虹燈製作,有不同尺寸和字型的英文標語,大致為「紅綠」字燈,弔詭的是,

Reflection

觀眾在此所讀到的文字義和所看到的霓虹色並不相符,每一組相鄰的文字都是用對方所指 的 顏 色 呈 現 的 ,例 如 英 文 的「 r e d 」或「 R E D 」搭 配 的 卻 是 綠 光 霓 虹 ,而「 g r e e n 」或「 G R E E N 」 閃爍的則是紅色光芒。

Moving upwards along the stairway on the west side is a vibrant, dazzling world entitled Reflection, which is a spatial installation intended by the artist to resemble “an unorganized neon light advertisement sign company”. Hanging on the wall are numerous English neon slogans of various

在此,視覺符號與訊息文本的矛盾,以不同的版本重複出現,除了攪亂觀者既有的認知, 也挑戰著人們看待問題或進行判斷的模式,例如:這裡的文字和燈光,到底哪方弄錯了?

sizes and fonts, which are mostly into red and green, with the meaning of the words mismatched with the colors of the neon lights. For example, the word “red/RED” is presented with green neon light, and “green/GREEN” is glistening in red.

這是一個有意「指鹿為馬」的強迫性系統嗎?或者,這根本就是另外一個符號和文本的編 碼系統,它有著自己的對應邏輯,而沒有所謂對錯的問題!

This artwork presents the paradoxical visual semiotics and the text-based signals repeatedly in different versions, and in addition to disrupting the audience’s pre-existing cognition, it also challenges the way people look at problems and their analytical process. For example, people may

這 件 作 品 在 二 樓 入 口 樓 梯 間 展 出 ,除 了 呼 應 空 間 的 屬 性 ,藝 術 家 也 有 意 作 為 後 續 不 同 展 間 、

ponder about what has gone wrong with the words and the lights here? Is this a forced mechanism

作品的一種導引,並用來串連本展將透過種種「意外」,同時激發觀者之視覺探索、知識

that “swears black is white”? Perhaps, this is a completely different coding system composed with

辯證和心理反思的藝術意圖。

these symbols and texts, and it contains a particular set of corresponding logic, with no imposing right or wrong! This artwork is presented by the entrance stairway on the 2 nd floor. In addition to echoing the notable quality of the space, it is also intended by the artist to act as a guide for the other exhibition areas and different artworks to follow, and is also used to connect together the different “unexpected” elements presented throughout this exhibition. The artistic intention behind the artwork is to simultaneously stimulate the viewers’ visual exploration, dialectical knowledge, and psychological introspection.

霓虹燈尺寸 因場地而定 / Neon Lights Dimensions Variable / 2008

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〈反射〉作品全覽圖 Reflection, Full view at MOCA,Taipei

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〈房間裡的月亮〉展場實景圖 The Moon in My Room, installation Shot at MOCA,Taipei

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房間裡的月亮 與霓虹燈群組毗鄰的燈箱作品〈房間裡的月亮〉,起因於某年中秋,北京因霧 霾之害而無法賞月,盧征遠於是上網搜尋「月圓」圖象,然後關掉室內照明對 著 電 腦 螢 幕 ,用 手 機 拍 下 了 這 張「 一 輪 明 月 在 天 ,一 支 手 機 作 伴 」的 露 餡 照 片 , 他以此戲寫了網絡世代透過虛擬自我滿足的另一種過節慶經驗,也凸顯了兩種 現實相衝或互補的各種「語境」關係—來自生活現實的缺憾,可以從虛擬現實 中予以補償,但終究只是一種替代…。

攝影、燈箱片 / Photograph, Light Box 100 x 150 cm 2010

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The Moon in My Room Located near the neon lights is the light box piece, The Moon in My Room. The piece was inspired by heavy smog in Beijing during Mid-Autumn Festival one year, with the moon completely out of sight due to the haze. Lu then found an image of a full moon on the Internet and captured an image of the moon on his computer screen with his cellular phone and with the lights switched off in his room, resulting in this photograph showcasing the moon brightly in the sky and accompanied by the glare of his phone. This is the artist’s satirical way of expressing how the internet generation goes about celebrating the holiday through simulating self-complacency. The artwork also focuses on the two sets of conflicting or complementary realities with different contextual relationships, reflecting on the notion that perhaps life’s deficiencies can be compensated in virtual reality; However, it is ultimately just a form of substitution…

攝影、燈箱片 / Photograph, Light Box 100 x 150 cm 2010

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<〈保持微笑〉/〈氣流〉/〈質地〉/〈溫度〉/〈壓縮〉>展場實景圖 Keep Smiling / Airflow / Texture / Temperature / Compress, installation Shot at MOCA,Taipei

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〈保持微笑〉/〈氣流〉/〈質地〉/〈溫度〉/〈壓縮〉 205 展間以投影機搭配電視呈現的是,包括:〈保持微笑〉、〈氣流〉、〈質地〉、〈溫 度〉、〈壓縮〉等,藝術家以身體為媒材,結合某種行為演出的五部錄像作品,將人們從 複雜多元、碎片組合的視覺語境中,帶入凝神靜聽和一種更微觀的、更直覺的身體感知模 式。從某個角度看,此作隱約呼應了法國哲人梅洛龐蒂所說 :「身體是我們在世的表達及意 向 的 可 見 形 式 」。如 作 品〈 保 持 微 笑 〉中 ,藝 術 家 面 對 鏡 頭 保 持 微 笑 ,雙 眼 不 眨 、身 體 不 動 , 直到兩眼乾酸顫抖、臉皮僵硬扭曲,但見眼淚鼻涕自行釋放流出,於是,一場微笑以哭泣 作為終結。在另一件行為作品〈溫度〉中,藝術家用手掌去溫熱物體,雖然同樣有攝影機 錄 像 為 證 ,但 終 究 看 不 出 藝 術 家 到 底 對 這 身 外 物 產 生 了 什 麼 樣 的 影 響 ? 相 對 於〈 保 持 微 笑 〉 的有效性和可視性,此作明顯屬於「無效度」和「不可視」的另一種藝術類型;而這兩作 之間的對照,又似乎隱喻了藝術家期之於自身和社會環境的某種對比關係。

〈保持微笑〉Keep Smiling 單頻道錄像 3 分 30 秒 2010 年 (2015 翻新拍攝 ) Single Channel Video 3 min. 30sec. 2010 ( 2015 Reshooting )

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Keep Smiling / Airflow / Texture / Temperature / Compress Presented in R205 with projectors and television sets are Keep Smiling, Airflow, Texture, Temperature, and Compress, which are five video works created by the artist utilizing his own body as a medium to carry out specific performances.This artwork guids the viewers from complex and fragmented visual settings into a more microscopic and instinctive state of physical perception through concentrated listening. From a specific perspective, the series seems to echo with what French philosopher Maurice Merleau-Ponty once said, “For us the body is much more than an instrument or a means; it is our expression in the world, the visible form of our intentions.” In Keep Smiling, the artist is smiling while facing the camera, and he is neither blinking his eyes nor moving his body. The act persists till his eyes tear up and face begins to twitch. His tears and snot then begin to secrete uncontrollably, with his act of smiling ultimately ended with crying. In the other artwork, Temperature, the artist is seen using his hands to warm things up, and although the act is documented on video, it is impossible to discern what kind of effect was created by the artist on the object. Compared with of Keep Smiling effectiveness and visibility, Temperature clearly falls in the “ineffective” and “indiscernible” category of art. The contrast between these two artworks also seems to hint at a certain kind of contrasting relationship between the artist himself and the society.

〈質地〉Texture 單頻道錄像 2 分鐘 2010 年 (2015 翻新拍攝 ) Single Channel Video 2 min. 2010 ( 2015 Reshooting )

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〈溫度〉Temperature

〈氣流〉Airflow

單頻道錄像 2 分 21 秒 2010 年 (2015 翻新拍攝 ) Single Channel Video 2 min. 21sec. 2010 ( 2015 Reshooting )

單頻道錄像 10 秒 2009 年 (2015 翻新拍攝 ) Single Channel Video 10sec. 2009 ( 2015 Reshooting )

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〈氣流〉Airflow

〈溫度〉Temperature

單頻道錄像 10 秒 2009 年 (2015 翻新拍攝 ) Single Channel Video 10sec. 2009 ( 2015 Reshooting )

單頻道錄像 2 分 21 秒 2010 年 (2015 翻新拍攝 ) Single Channel Video 2 min. 21sec. 2010 ( 2015 Reshooting )

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〈壓縮〉Compress 單頻道錄像 1 分鐘 2010 年 (2015 翻新拍攝 ) Single Channel Video 1 min. 2010 ( 2015 Reshooting )

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〈壓縮〉Compress 單頻道錄像 1 分鐘 2010 年 (2015 翻新拍攝 ) Single Channel Video 1 min. 2010 ( 2015 Reshooting )

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〈無窮〉展場實景圖 Boundless, installation Shot at MOCA,Taipei

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無窮 2F 走 廊 陣 列 整 齊 的 繪 畫 裝 置〈 無 窮 〉, 呈 現 了 藝 術 家 近 500 張 20×20cm 畫 布 上, 重複描繪一顆雞蛋的圖像。在「機器複製的時代」,藝術家先是逆向地以這種「手工 複製」的行為來傳達一個創作發現,接著挑戰了藝術界奉行的一個價值觀念,例如: 「我們不停地說要創新,所有的都要創新,難道重複真的那麼沒有價值嗎 ?」。

這個畫作系列從 2008 年開始繁衍發展,除了數量沒有底限,創作年代也特意標記為 「2008~」,意味了從此將永續發展,藝術家並承諾他每年都會畫幾張,且一直堅持 畫 下 去;此 外 ,他 也 主 張 每 一 張 畫 的 價 值 是 平 等 的 ,故 不 存 在 原 作 或 誰 比 誰 好 的 問 題 。

Boundless The painting installation, Boundless, is presented neatly along the 2 nd floor hallway, with about 500 paintings in the size of 20 x 20 cm showcasing repeated depictions of an egg. The “hand reproduction” approach opted by the artist is contrary to the trend found in the “Age of Mechanical Reproduction.” He then argued against the principle widely upheld in the art world by questioning the fact that artists are always told to innovate but is repetitiveness truly without any value? This painting series is an ongoing project that began in 2008. The artist has not set a maximum quantity for the series, and the year created is intentionally indicated as “2008 ~ ongoing”. It shows that this project is to be continued, as the artist promises that he will paint a few paintings for this series every year and is determined to persist in his endeavor. Furthermore, he also declares all of the paintings in the series are of equal value and thus negating the existence of an original copy or issues with which painting is better.

油畫 Oil on Canvas,近 500 件 20 x 20 cm, about 500pcs 2008-ongoing

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〈無窮〉作品局部圖 Detail of Boundless

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〈彼岸 / 閃爍〉展場實景圖 Nirvana / Sparkle, installation Shot at MOCA,Taipei

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〈閃爍〉展場實景圖 Sparkle, installation Shot at MOCA,Taipei

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Oxymoron by LU Zheng-yuan Oxymoron- --Solo SoloExhibition Exhibition LU Zheng-yuan Oxymoron Solo Exhibition byby LU Zheng-yuan

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彼岸 / 閃爍 204 展 間 是 由〈 彼 岸 〉 及 〈 閃 爍 〉 兩 組 作 品 共 構 的 一 種 體 驗 式 空 間 , 結 合 了 光 的 夢 幻 與 霧 的 迷 離, 是 真 實 也 虛 幻 的 文 明 廢 料 場, 進 入 這 個 空 間 的 觀 者 , 則 是 參與作品建構和表現的有機性元素。

〈 閃 爍 〉 將 建 築 用 彩 色 鋼 板 當 成 畫 布, 表 面 塗 抹 了 黑 黝 黝 的 瀝 青 , 透 過 磚 塊 作 為 支 點, 倚 靠 在 牆 面 上, 藉 著 來 自 四 面 的 微 光 , 展 現 自 身 無 聲 的 存 在 , 以 黏 膩 漆黑的表面,模糊地鑑照出周遭環境的快速變化。

在〈 彼 岸 〉 裝 置 中, 北 京 建 築 工 地 撿 回 的 鋼 筋 、 水 泥 管 、 殘 石 等 , 經 過 藝 術 家 的 雕 鑿 和 霓 虹 燈 的 後 製 包 裝, 絢 麗 的 光 彩 從 擬 文 明 廢 墟 的 現 場 奇 幻 射 出 , 以 此 啟 動「 昨 日 遺 棄 」 與「 明 日 發 展 」 的 關 聯, 營 造 了 一 種 想 像 無 限 的 空 間 。 瀰 漫 現 場 的 的 名 牌 香 水 氣 味, 似 同 步 加 強 著「 及 時 享 樂 」 與 「 末 日 廢 墟 」 的 啟 示 氣 息, 但 白 色 霓 虹 的 線 性 塗 鴉, 雖 閃 耀 醒 目 卻 讀 不 出 任 何 的 內 容 提 示 與 文 本 意 義。 此 中 一 切 物 件 元 素, 藝 術 家 在 撿 拾 的 當 下 都 做 了 物 料 編 號、 地 點 標 記 和 影 像 記 錄, 展 覽 之 後 各 將 被 送 返 原 地 , 並 盡 可 能 還 原 其 原 初 面 貌 。 這 個 「 廢 棄 物 →變身為美術館堂皇展出的藝術品→再次變回原廢棄物」的過程和儀式,驗證 了概念之於物件,是能因語境轉化而呈現紛異意義的。

〈閃爍〉創作過程 Creation Process of Sparkle

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〈彼岸〉作品局部圖 Detail of Nirvana

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Nirvana / Sparkle Presented inside R204 is an experience-based space created with the two artworks, Nirvana and Sparkle. Combining ethereal lighting effects and enigmatic fog, the site is converted into a civilization junkyard that is both real and elusive. Upon entering into the space, audience are transformed into organic elements taking part in the construction and presentation of the artwork. Colorful metal plates used in construction are treated like canvases in Sparkle, with black asphalt applied on top and bricks used as supporting points to prop them up against the wall. Subtle lights coming from all around augment a sense of silent existence, with the sticky, black surfaces fuzzily reflecting the rapid changes happening in the surrounding environment. The installation Nirvana is composed of steel bars, cement pipes, broken stones salvaged from construction sites in Beijing, which are sculpted and repurposed with neon lights by the artist, as dazzling lights emit from this fabricated civilization junkyard. The artwork sparks associations between the ideas of "yesterday's abandonment" and "tomorrow’s development", resulting in a space filled with boundless imagination. The scent of designer perfume permeates the site, which seems to simultaneously place emphasis on the enlightening messages of “seize the moment and enjoy life” and “doomsday ruin”. However, the eye-catching linear graffiti created with white neon lights doesn’t seem to provide any comprehensible hints or textual meaning. Each of the physical elements presented is documented with a serial code, position marker, and image reference by the artist when it was salvaged, and will be returned to where it was found after the exhibition concludes, attempting to put everything back to their original conditions. This process and ritual consisting of “abandoned objects transformed into art exhibited in art museum reverted back again as abandoned objects” proves that the concept imposed upon an object can result in diverging meanings as its context shifts.

〈彼岸〉Nirvana  水泥、建築廢料、霓虹燈 尺寸因場地而定  Cement, Construction Waste, Neon Lights / Dimensions Variables / 2014-2015

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R203

〈泉 / 浪〉展場實景圖 The Fountain / Wave, installation Shot at MOCA,Taipei

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泉 〈泉〉是一件感應式的雕塑裝置,名稱似可關聯到杜象取用尿斗現成物的〈噴泉〉。 盧征遠過去也曾針對這個藝術史的案例指出:「技法是製造真正藝術的重要因素,而 創作〈噴泉〉這件作品則幾乎不需要技法。〈噴泉〉讓我們接觸到原始物件,它仍然 是原始物件,但也以轉化的哲學與形上學狀態存在著。它展現了康德式的崇高:它是 一件超越形式的藝術品,但也是可理解的;它摧毀了一個概念,但同時也讓概念更強 烈 地 出 現 。」但 是 在 他 自 己 的〈 泉 〉這 件 作 品 中 ,盧 征 遠 並 非 只 有「 動 腦 」或「 動 口 」, 而是真正地「動手」,他將時下感應式洗手台「伸手,水就會出來」的機制轉換成一 個幽默的藝術概念和互動的藝術作品——他使水龍頭隱藏消失,然後讓手本身演出感 應和出水的連續動作,運用這種裁切 / 嫁接手法,藝術家讓這隻指示性的手,同時扮 演了指揮者和被操控者的雙重角色。

The Fountain The Fountain is an interactive sculptural installation. Its title is reminiscent of Marcel Duchamp’s Fountain, which the artist made with a readymade urinal. Lu Zheng-yuan has talked about this instance in art history, “technique is a crucial element in making real art. However, the creation of Fountain almost did not require any techniques. Fountain allowed us to come into contact with an original object. It is still an original object, but it simultaneously exists in a philosophical and metaphysical state; it displays the Kantian idea of the sublime; it is an artwork that transcends artistic form, but remains comprehensible; it destroys a concept, but more strongly embodies the concept at the same time.” Nevertheless, when he made The Fountain, Lu did not simply “use his brain” or “use his mouth,” but rather “use a real hand.” He took a modern sensory hand-washing fountain with its mechanical notion of “reach out your hands, and the water comes out,” and converted it into an interactive artwork with a humorous concept—he removed the standard water faucet and turned the hand into a sensor as well as a faucet. Using such an approach of removal and recombination, Lu enabled the pointing hand to simultaneously perform a dual role of the directing and the directed.

手臂模型、電子控制噴水系統 Hand Model, Sensor-Controlled Spray System / 36 x 10 x 10 cm / 2009

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浪 〈浪〉是一件結合圓弧形空間的聲音裝置作品,牆面和地面佈滿了不同尺寸的喇叭, 每隔一段時間,這些喇叭一起發出不同人的吶喊聲,在這圓弧空間最能讓聲音聚焦的 中央地點,放置了一個裝滿水的水盆,盆中清淨透明的水,隨著四周傳來的聲音,而 形成了水面上細微顫動的波浪。就表現機制和現場情境來看,一是將無形的聲音轉換 為有形的悸動,二是用貧窮藝術的基調生產出一種抒情自然的聯想,三是賦予這個場 域中的種種元素自由聯想和開放解讀的機制,例如:這些大大小小的喇叭,或許代表 人微言輕的一個個生活大眾,也可能指涉一次次眾說紛紜的社會事件,但也正因每個 單體都發出了聲音,而得以讓議題浮現,並匯聚成一種集體的、能動的力量。

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Wave Wave is an audio installation combined with a circular space. Speakers in various sizes cover th e walls and t he fl oor, a nd se nd out di ffe re nt hum a n c ri e s a t the sa m e ti m e a t i nte rv a l s. A basin filled with clear water is placed at the center of the circular space, where sounds are expected to create an acoustic optimal point. The sounds from all around the basin will create subtle waves across the water surface. In terms of the mechanism and the site, the work transforms invisible sounds into tangible ripples; furthermore, it employs the mood of Arte Povera (Poor Art) and creates a kind of sentimental association; finally, it allows all the elements in this site to be freely associated and interpreted. For example, the speakers of different sizes could symbolize individuals in society whose humble positions would render their words less important. It could also refer to social events, in which different parties might hold disparate opinions. However, it is precisely because each individual unit speaks up, an

喇叭、播放機、電線 MP3 水盒電子控制噴水系統 Speaker, Player, Wire, MP3, Basin / 300 x 240 x 200 cm / 2015

issue is formed and seen, and a collective momentum is created.

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〈浪〉作品局部圖 Detail of Wave

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R202

〈XXX /《時間的容器》系列〉展場實景圖 XXX / The Vessels of Time Series, installation Shot at MOCA,Taipei

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XXX 202 展間分別展示了〈XXX〉、《時間的容器》系列,以及〈謊言〉三組作品。

〈XXX〉包含了 26 張讓人感覺有點熟悉卻又不知來源的畫作,它們是盧征遠邀請從 未接觸過當代藝術,且從未碰過畫筆的民眾,各自臨摹當代名家畫冊中的圖像,而後 所產生的一批作品。散落在前方地面上的一些紙張,上面印的是專家所寫,原先用來 詮釋或評論這 26 張畫之原作的相關文字。現場所有的畫作的簽名和文章中提到的藝 術家名字 ( 包括中國的方力鈞、王廣義、周春芽、岳敏君、隋建國、曾梵志、張曉剛, 國 外 的 卡 特 蘭 、安 迪 沃 荷 、草 間 彌 生 、喬 瑟 夫•波 伊 斯 、達 米 恩 ‧ 赫 斯 特 、艾 敏 … 等 ) , 都被抹消而代之以 XXX。於此,盧征遠從創作者轉換成一種「策展人」的角色,策動 了一群素人的創作行為,為他們策劃了一次聯展,也為現場觀眾設計了一套借道外行 和自行索引對號的藝術欣賞機制。

XXX Three sets of works are displayed respectively in R202, including XXX, The Vessels of Time, and Lies. XXX includes 26 paintings that look familiar but of unknown origins. In fact, they came from some common people, who knew nothing about contemporary art and had never painted before. Lu Zheng-yuan invited them to imitate the works of contemporary masters on catalo gue s a nd c re a t e d t he se p a i n ti ng s. Pi e c e s o f pa pe r l y i ng o n the fl o o r i n fro nt o f the paintings were printed with articles written by art critics regarding the original paintings. The signatures on the paintings onsite as well as the names of artists mentioned in the articles were all replaced by “XXX” (including Chinese artists, such as Fang Lijin, Wang Guangyi, Zhou Chunya, Yue Minjun, Sui Jianguo, Zeng Fanzhi, Zhang Xiaogang, and foreign artists, such as Maurizio Cattelan, Andy Warhol, Yayoi Kusama, Joseph Beuys, Damien Hirst, Shurooq Amin, etc.) In this work, Lu changed his role from an artist to a “curator,” who initiated the artistic creation of a group of amateurs and organized a group exhibition for them. In the meantime, for the audience, he has designed a mean to appreciate art through the nonprofessional works and identifying the corresponding critiques.

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《時間的容器》系列 《時間的容器》系列,是盧征遠以精緻寫實手法,刻畫捕捉日常事物或瞬間 現象的系列作品。本次展出畫作,一是排山倒海的一道〈巨浪〉,二是透明 塑膠袋中的〈一袋空氣〉,三是夜空中從雲端迸現閃電火光的〈巨雷〉,四 是色澤瑰麗且栩栩如生的〈垂直的翱翔〉。藝術家展現了高超的技術、花費 了相當的精神和體力去完成這些畫,〈一袋空氣〉與〈垂直的翱翔〉針對表 面細節的精密描繪和密集勞動,徹底實踐了「儲存時間」的藝術概念;〈巨 浪〉與〈巨雷〉兩幅作品,則是通過很小的畫幅來描繪戲劇性大場景,以此 探討一個畫面所佔「物理尺寸」和所生「心理空間」的對應關係。

The Vessels of Time Series I n t h e p a i n t i n g s e r i e s , T h e Ve s s e l s o f T i m e , L u Z h e n g - y u a n u s e d d e l i c a t e a n d re a l i s t i c t e c h n i q u e s t o d e l i n e a t e a n e v e r y d a y o b j e c t a n d c a p t u re n a t u r a l p h en o m en a t h at t o o k p l ace i n a n in sta n t. Th e p a in tin gs a re Roa rin g Wa ve th a t depicts a massive, tumbling wave, A Bag of Air in a transparent plastic bag, and Violent Thunder that has flashed through clouds in dark sky. Four refers to Vertical Soar that is iridescent and lifelike. The artist demonstrated superb skills and made tremendous efforts and strengths to complete these paintings. In A Bag of Air and Vertical Soar, the minute delineation of the surface details as well as the implied

〈巨雷〉Violent Thunder    

intensive labor fully embodied the artistic concept of “storing time.” In Roaring

油畫 Oil on Canvas / 20 x 20 cm / 2015

Wa v e a n d Vi o l e n t T h u n d e r , t h e a r t i s t u s e d a v e r y s m a l l s c a l e t o d e p i c t l a r g e , d r a m a t i c s c e n e s , a n d e x p l o re d t h e c o r re s p o n d i n g re l a t i o n b e t w e e n a n i m a g e ’s

〈巨浪〉Roaring Wave 

“physical size” and the “psychological space” it created.

油畫 Oil on Canvas / 20 x 20 cm / 2012

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〈垂直的翱翔〉Vertical Soar 油畫 Oil on Canvas / 40 x 30cm / 2012

〈一袋空氣〉A Bag of Air  油畫 Oil on Canvas / 40 x 50 cm / 2013

圖:鳳凰藝都提供 Figure : PHOENIX ART CENTER provided

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〈XXX / 謊言〉展場實景圖 XXX / Lies, installation Shot at MOCA,Taipei

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謊言 〈謊言〉是兩張一組的攝影作品,一張拍攝的是真花和真水果,另一張則是假花和假 水果,兩張照片併排展出,讓觀者自行檢視和分辨真偽。現場展示,乍看兩者似乎互 為鏡像,細看除了從中找出一些不同的端倪,例如:在真的花果照片中,可以從一些 殘缺、不完美的痕跡,看到生命的存在;在假的花果照片中,卻因為一切完美無瑕, 反而顯得虛假而了無生趣,這兩者的對照和檢索,也因此呈現了一種弔詭的訊息和哲 想的意義。

Lies Lies is consisted of two photographs. One is a photograph of real flowers and fruits, and the other of fake ones. The two photographs are juxtaposed for audience to examine and verify the authenticity. In the exhibition, the two photographs seem to be each other’s mirror images. One can only tell the differences from some subtle details. For instance, in the photograph of the real flowers and fruits, there exist some traces of incompleteness and imperfections, attesting to the existence of life, whereas in the fake one, the perfection of everything seems r ath er unre a l a nd l i fe l e ss. The re fore , the c o m pa ri so n a nd e xa m i na ti o n o f the tw o re v e a l a paradoxical message and convey a philosophical meaning.

攝影 2 件 Photograph 2 pcs / 140 x 170 cm / 2007

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〈謊言〉作品局部圖 Detail of Lies

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〈無題 (3)〉作品實景圖 Untitled-3, installation Shot at MOCA,Taipei

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無題 (3) 〈無題 (3)〉是在畫布上,以瀝青 ( 柏油 ) 取代顏料的畫作,擺在畫作一旁,形神乾枯 的小盆栽,則是取代正規畫筆,用來完成這些作品的繪畫工具。

盧征遠刻意用活的植物沾著瀝青在畫布上塗抹,透過植物枝葉的不同型態,在畫布上 留下不同的抽象性筆觸,但是瀝青的腐蝕性,也導致了植物的枯萎死亡。在此,藝術 家的目的並非以替代性工具畫出獨特的作品,而是有意凸顯這種「創作之後就死亡」 的 戲 劇 性 ,從 而 探 討 文 明 發 展 中 ,人 和 自 然 愈 來 愈 緊 張 的 關 係 狀 態 。盧 征 遠 指 出:「 柏 油是都市化進程的必備材料,從鄉村到城市的食物供應鏈,就是一條條用瀝青鋪成的 柏油道路,植物跟瀝青,在我看來有一種此消彼長的關係,當路面瀝青越多、越大, 植物相對的面積就越少,反之亦然。」〈無題 (3)〉採用的繪畫形式,用盧征遠自己的 說法:「我只是借用了一個殼,把這種緊張關係給呈現出來 !」

Untitled-3 Untitled-3 is created with asphalt (tar) instead of paint. The withered small potted plant next to the paintings is what the artist has used to replace paint brushes and create the work. Lu Zheng-yuan deliberately painted the paintings with a live plant to dip in asphalt, leaving abstract brushstrokes created with the forms of the plant branches on the canvases. However, t h e a s p h a l t h a s a l s o e ro d e d t h e p l a n t , c a u s i n g i t t o w i t h e r a n d d i e . I n t h i s w o r k , t h e a r t i s t ’s objective is not to use substitutive instrument to create unique works; instead, he intends to emphasize on the dramatic result of “death after creation,” and discusses the more and more intense relationship between man and nature in the progress of civilization. Lu has stated, “asphalt is a necessity for urban development. The food chain that links countryside and cities is built with all the tarred roads. From my perspective, there exists a negative correlation between plants and asphalt. When roads are bigger with more asphalt, the area covered by plants becomes smaller, and vice versa.” When talking about the creative approach of Untitled-3, Lu Zheng-yuan said himself, “I simply borrowed a shell to reveal this intense relationship.”

〈無題 (3)〉創作過程 Creation Process of Untitled-3

瀝青、畫布 Asphalt on Canvas / 200 x 150 cm / 2014

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〈無題 (3)〉作品局部圖 Detail of Untitled-3

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〈無題 (3)〉作品局部圖 Detail of Untitled-3

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〈《慢性》系列〉作品實景圖 Chronic Series, installation Shot at MOCA,Taipei

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《慢性》系列 進入 201 展間,首先看到散置地面的一批黑色塑膠袋,這是從當代館戶外廣場延伸到此處 的《慢性》系列,總數近 30 件黑色大理石雕刻,乍看,它們很像是內部裝滿廢棄物,等 待著被運走的黑色垃圾袋,細看加上觸摸,質地堅硬光滑,其實每個都是精雕細琢之作, 從不同角度觀看揣摩之後,則能發現原來袋子中所包藏的是一些若隱若現的形象 !

黑色大理石是「感覺沉重、質性恆定」的自然性材料,而黑色垃圾袋則是「輕薄廉價,隨 手可丟」的消費性材料,《慢性》把這兩種屬性和聯想作了結合,建立了諸如感知衝突、 視覺思辯、符號矛盾…的各種意象和閱讀效果。例如:一、塑膠袋給人的感覺是很輕的, 但一腳踢下去卻會造成傷痛;二、大理石雕刻一向用於雕製崇高偉大的雕像和永恆的紀念 碑,但在此巨量呈現的卻是默默無聲、被包裝 ( 定義 ) 成無用垃圾而即將被清理拋棄的一 群無名人物;三、把這一批同質化的「垃圾狀雕塑品」,分別放置在公共空間和美術館的 藝術展場,可以就地啟動觀看閱讀的不同機制和模式。

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Chronic Series Entering R201, audience will see a bunch of black plastic bags lying on the floor. It is the Chronic series that extends from the museum’s outdoor plaza to the gallery room, which i n c l u d e s n e a r l y 3 0 b l a c k m a r b l e s c u l p t u re s . A t f i r s t g l a n c e , t h e y re a l l y l o o k l i k e b l a c k t r a s h b a g s f i l l e d w i t h w a s t e w a i t i n g t o b e re m o v e d . H o w e v e r, a f t e r t a k i n g a c l o s e r l o o k and touching the bags, one would find that they are hard and smooth. In fact, each is a sculpture exquisitely carved. When observing from different angles, audience would realize that these “bags” envelop some indistinct figures! Black marble is a natural material that “seems heavy with lasting quality,” whereas black t r a s h b a g s a re c o n s u m a b l e m a t e r i a l s t h a t a re “ l i g h t , c h e a p , a n d c a n b e t h ro w n a w a y anytime.” Chronic combines these two qualities and associations to create various images and effects, such as conflicting perception, visual dialectics, and contradicting symbols. For instance, first of all, their looks make people think that these plastic bags are light. However, when one kicks anyone of them, his feet would hurt. Secondly, marble sculpture is always used in creating statues of revered and great figures as well as lasting monuments. Here, nevertheless, it is used to create a large group of silent, nameless people, who are packaged (or defined) as garbage and are soon to be disposed of. Lastly, placing this group of homogeneous “garbage sculptures” in the public space and the gallery room of a museum would affect a different reading mechanism and mode on the spot.

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替 替 身 身 -- 盧 盧征 征遠 遠個 個展 展

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〈一切還在 / 《過去的即將到來》系列〉作品實景圖 Still There / The Bygones Are Returning Series, installation Shot at MOCA,Taipei

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替 身 身 -- 盧 盧征 征遠 遠個 個展 展 替

一 切 還在 此作材料為漢白玉 ( 白色大理石 ),藝術家以幻真寫實的手法再現了真實尺寸、質地柔 軟的一片白床單,皺褶複雜的床單表面,隱約可以看到一個剛剛離開的人形餘跡。如 果說《慢性》系列是用黑色袋子的偽裝,來掩蓋、抹消人的存在,而讓觀者對其視而 不見;則〈一切還在〉是用白色床布的琢磨,來提示一個不在現場的人,而激發觀者 去想像追索。在此,兩者之間的對照觀賞和比較閱讀,是可以互相增強意義的。

Still There The material of this work is white marble. The artist employs a realistic, true-to-life technique to recreate a life-size, genuinely soft white bed sheet. From the intricately wrinkled surface, one could observe an implicit outline of a person who might have just left a moment ago. If Chronic series uses black bags as a disguise to cover and erase the existence of people, making audience blind to their presence, Still There uses the carving of a white bed sheet to suggest the presence of an absent person, stimulating audience’s imagination and exploration.

大理石 Marble 190 x 100 x 20 cm / 2015

Therefore, the comparison and contrast of the two could reinforce their meanings.

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〈一切都還在〉 作品局部圖 Detail of Still There

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《過去的即將到來》系列 《過去的即將到來》系列作品,共 5 件寫實的漢白玉雕刻,蓬鬆卻飽滿的「抱枕」, 藉由下陷的印跡,暗示了剛經過重壓而尚未復原的狀態,在枕面凹陷處上頭,各擺放 了一片真實輕柔的羽毛,質性呈現因而有了輕與重、硬與柔、真和假…等反差對照的 效果,而語境的閱讀和詮釋也同樣出現了開放性、多義性和遐想的空間,例如:這片 羽毛是否就像「壓死駱駝的最後一根稻草」一樣,暗示了某種真正具有影響作用的角 色、或左右世間大局的力量。或者,它象徵了超脫宰制性的系統,而悠然在外的一種 心志與態度。

The Bygones Are Returning Series T h e B y gone s A re Re t urni ng se ri es i nc l ude s 5 re a l i sti c w hi te m a rbl e sc ul pture s. T he fl uffy, plump “pillows” have indents that suggest a state that is previously pressed down and yet to restore. Real, light feathers lie at where the pillows dent. The qualitative presentation creates contrasting effect of the light and the heavy, the hard and the soft, as well as the real and the fake. The reading and interpretation of the artistic language also provide openness, multiple meanings, and the space of imagination. For example, the feather might be like “the last straw that breaks the camel’s back” and implies a real influence or a force that dictates the overall situation. Or, it might symbolize the liberation from a dominating system, allowing a carefree mindset and attitude to emerge.

大理石 Marble 45 x 45 x 29 cm / 2015

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《 過去的即將到來 》 作品局部圖 Detail of The Bygones Are Returning Series

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Oxymoron - Solo Exhibition by LU Zheng-yuan

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〈《無題》系列〉作品實景圖 Untitled Series, installation Shot at MOCA,Taipei

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《無題》系列 201 牆面同時展出的《無題》系列約十組繪畫,每組由一張大畫與小畫所構成,小畫是藝術家使用自動性技 法,瞬間而隨意完成的抽象畫作,大畫則是以小畫為「模特兒」或說臨摹對象,基於古典繪畫技法和客觀寫 實概念,花費相當的時間和體力而逐一完成的。將小幅即興的「原圖」和放大生產的「模作」並排展示,

從對照觀賞中,了解創作者的理念和意圖,同時啟動藝術閱讀與思辯的多重機制。套用盧征遠自己的說法, 這兩幅看似相同的畫面,其實存在著偶然和必然、抽象和寫實的差別,而且因為同屬於一個原創的概念,就 是「用顏料畫顏料」的兩段性行動,所以兩者是不可分割的。他說:「我覺得從古至今,所有的畫家都是用 顏料去描繪它以外的世界——畫人、畫靜物、畫風景、畫任何東西;但我覺得也應該讓它像照鏡子一樣地去 看看自己,也就是用顏料畫顏料自身。」也因此,他提到一個例子:「某次展覽,有一幅小畫丟掉了,這是 讓我相當為難的事情,因為它丟了我就無從證明,我畫的看起來抽象的繪畫,其實是寫實的!」

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Untitled Series On the walls of R201 is the painting series, Untitled, which includes about 10 sets of paintings. Each set is consisted of one large and one small painting. The artist uses the technique of automatic drawing to create the small painting, which is an abstract drawing made in a short period of time and in a spontaneous manner. On the other hand, using the small painting as a “model,” the large painting is an imitation created with classic painting techniques and the notion of objectivism and realism, which requires a tremendous amount of time and strength to achieve. Juxtaposing the spontaneous “original paintings” and the enlarged “imitation works” for comparison and contrast, audience could get a glimpse of the artist’s concept and intention while initiating multiple mechanism of artistic reading and dialectic contemplation. According to Lu Zheng-yuan himself, the two paintings look identical, but there exists a difference between the accidental and the inevitable as well as the abstract and the realistic. However, because both paintings come from the same original concept, which is a two-stage process of “painting the paint with paint,” the two paintings become inseparable consequently. Lu said, “in my opinion, from the ancient time to the present day, every painter uses paint to depict the world other than the paint—no matter figure, still life, landscape, and other things. However, I think we should give paint a chance to look into a mirror and see itself for once, meaning using paint to paint itself.” Therefore, he mentioned an example, “in a former exhibition, one of the small paintings was lost. It presented a conundrum for me because once it was lost, it became very difficult for me to prove the abstract painting was actually realistic.”

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〈無題 (5)〉Untitled-5

  

油畫、壓克力 Oil on Canvas, Acrylic 200 x 200 cm / 40 x 40 cm / 2015

〈無題 (5)〉局部圖 Detail of Untitled-5

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〈無題 (6)〉Untitled-6

  

油畫、壓克力 Oil on Canvas, Acrylic 200 x 200 cm / 40 x 40 cm / 2015

〈無題 (6)〉局部圖 Detail of Untitled-6

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〈無題 (4)〉Untitled-4

  

油畫、壓克力 Oil on Canvas, Acrylic 200 x 200 cm / 40 x 40 cm / 2015

〈無題 (4)〉局部圖 Detail of Untitled-4

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〈無題 (7)〉Untitled-7

  

油畫、壓克力 Oil on Canvas, Acrylic 200 x 200 cm / 40 x 40 cm / 2015

〈無題 (7)〉局部圖 Detail of Unitled-7

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〈《無題》系列〉作品實景圖 Untitled Series, installation Shot at MOCA,Taipei

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〈無題 (12)〉Untitled-12

  

油畫、壓克力 Oil on Canvas, Acrylic 100 x 100 cm / 30 x 30 cm / 2015

〈無題 (12)〉局部圖 Detail of Untitled-12

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〈無題 (15)〉Untitled-15

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油畫、壓克力 Oil on Canvas, Acrylic 50 x 50 cm / 20 x 20 cm / 2015

〈無題 (15)〉局部圖 Detail of Untitled-15

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〈《無題》系列〉作品實景圖 Untitled Series, installation Shot at MOCA,Taipei

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〈無題 (1)〉Untitled-1

  

油畫、壓克力 Oil on Canvas, Acrylic 300 x 180 cm / 50 x 30 cm / 2015

〈無題 (1)〉局部圖 Detail of Untitled-1

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〈無題 (2)〉Untitled-2     油畫、壓克力 Oil on Canvas, Acrylic 300 x 180 cm / 50 x 30 cm / 2015

〈無題 (2)〉局部圖 Detail of Untitled-2

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Oxymoron - - Solo Solo Exhibition Exhibition by by LU LU Zheng-yuan Zheng-yuan Oxymoron

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F

〈藝術家訪談〉 Video of artist`s interview

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廣場 〈邊緣〉延伸作品 Plaza Extension works of Edge

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〈邊緣〉延伸作品

〈邊緣〉延伸作品

〈大玻璃〉

【84 天 84 件作品】〈流過〉

在通道懸掛特殊燒製的大玻璃,通過 視覺造成一種身體上的危險感。

用攝影機對著黑夜拍攝,螢幕裡漆黑 一片,只有時間流過。

Big Glass

84 Days, 84 Works—Flow

Suspending specially made large pieces of glass from the ceiling of the hallway, and creating a visual sense of physical danger.

Filming the dark night; it was pitch black on the screen, and only time flowed by.

錄像 6 小時 2010 年

玻璃懸掛 尺寸可變 2013 年

Video 6 hours 2010

Glass panels suspended in mid-air Dimension variable 2013

圖:白盒子藝術館提供 Figure : White Box Art Center provided

【每日一件作品計畫】 05.26〈武器〉

【84 天 84 件作品】〈調節〉

打磨勺子的邊緣,如刀一樣鋒利。

把水果按照顏色進行排列。

One Work One Day Project— 05.26 Weapon

84 Days, 84 Works—Regulation

The edge of the spoon was sharpened like a cutting blade.

Lining up different kinds of fruit according to their colors.

不鏽鋼勺子 2010 年 各式新鮮水果 尺寸可變 2010 年

Stainless steel spoon 2010

Assorted fresh fruit Dimension variable 2010

圖:泰康空間提供 Figure : TALKANG SPACE provided

圖:尤倫斯當代藝術中心提供 Figure : Ullens Center for Contemporary Art provided

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2F 西側樓梯 〈反射 / 房間裡的月亮〉延伸作品 Western Stairway 2F Extension works of Reflection / The Moon in MyRoom

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〈左眼〉

【每日一件作品計畫】 〈角落〉

當對著鏡子看到的左眼被繪製出來 時,它的位置卻是右眼的,我該相信 眼睛還是邏輯呢 ?

對著電視的紅色一角,拍攝出不完整 的動態影像。

Left Eye

One Work One Day Project— Corner

When the left eye in the mirror was painted, it was actually the right eye. Should I believe my sight or logic?

Pointing at the red corner of the television, and filming the incomplete motion image.

布面油畫 200x200 公分 2008 年 Oil on canvas 200 x 200 cm 2008

攝影 2010 年 Photography 2010

【100 天 100 件作品】 〈萬歲,萬歲〉

【100 天 100 件作品】 〈被丈夫用螺絲刀戳瞎的女人〉

天安門外牆上的兩個詞,藉霓虹燈閃 爍變成跳脫文本屬性的圖式。

以當日網路最高點擊率的新聞事件—「因拒絕同房而 被丈夫戳瞎眼睛的女人」製作一件藝品擺件。

100 Days, 100 Works— Hooray, Hooray

100 Days, 100 Works—The Woman Blinded by Her Husband with a Screw Drive

T h e t wo p h ra s e s o n t h e ex te r i o r wa l l o f Tienanmen became images that were out of context in blinking neon lights.

Based on the most viewed news on the Internet that day— I made a sculpture based on “a woman who was blinded by her husband due to her refusal of sleeping with him.”

霓虹燈裝置 2007 年

工藝品 2007 年

Neon light installation 2007

Sculpture 2007

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〈房間的月亮 〉 延伸作品

〈反射 〉延伸作品


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R 2 0 5 展間 錄像 〈保持微笑〉/〈氣流〉/〈質地〉/〈溫度〉/〈壓縮〉延 伸作 品 R205 Video Extension works of Keep Smilimg / Airflow / Texture/Temperature/ Compress

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【84 天 84 件作品】 10.27〈循環〉

【84 天 84 件作品】 11.03〈幸運〉

參加藝術展的開幕式晚宴,把自己在 晚宴吃的東西吐出來再吃了。

今天收到陌生電話,通知我為 500 位 隨機抽取的幸運領獎人之一,於是我 出發了…,最終得到一張自製的「假 錢幣」。

84 Days, 84 Works— Circulate 10.27

84 Days, 84 Works—Luck 11.03

At t e n d e d a d i n n e r r e c e p t i o n fo r a n a r t opening. I threw up what I ate that night and ate it back again.

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R205 錄像 延伸作品

R205 錄像 延伸作品

Re c e i v e d a c a l l f ro m a s t ra n g e r, t e l l i n g m e t h at I wa s o n e o f t h e 5 0 0 fo r t u n ate winners. So, I headed out, and finally received a home-made “counterfeit coin.”

行為藝術 2010 年 Performance 2010

錄像 50 秒 2010 年 Video 50 secs 2010

【84 天 84 件作品】 11.05〈乒乓〉〉 【84 天 84 件作品】 10.29〈藍天〉

家是一個很奇妙的地方,住久會變成 你的一部份,但就像你不瞭解自己一 樣,有時會感覺陌生。讓一個陌生人 在自己的家裡找一顆自己藏好的乒乓 球,並拍攝整個尋找的過程。

自己在飛機上的洗手間撒尿,沖掉, 化作藍天中散射的一點。(據說天空 的藍色是因為天上的液體造成的光的 折射,所以我撒的尿應該也化為藍色 的一部分)

84 Days, 84 Works— Ping-Pong 11.05 Home is a very peculiar place; it becomes p a r t o f yo u af te r a l o n g t i m e . H o we ve r, j u s t l i ke y o u d o n o t r e a l l y u n d e r s t a n d y o u r s e l f, s o m e t i m e s y o u r h o m e s e e m s strange to you. I made a stranger look for a hidden ping pong ball in his home, and filmed the entire searching process.

84 Days, 84 Works—Blue 10.27 I pissed in the laboratory on an airplane and flushed it, letting it become an e j a c u l a t e d d o t i n t h e b l u e s k y. ( Pe o p l e say that the sky is blue because of light ref l e c te d by l i q u i d . T h e refo re , my u r i n e should become part of the blue.)

錄像 20 分 2010 年 行為藝術 2010 年

Video 20 mins 2010

Performance 2010

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【84 天 84 件作品】 12.15〈變小的世界〉〉

【84 天 84 件作品】 10.31〈速度〉

今天很冷 ( 最低零下 11 度 ),我想整 個世界應該都縮小了些,包括我。

在地上澆了一條燃油軌跡,然後跟著 燃燒的火苗賽跑。

84 Days, 84 Works— Shrunken World 12.15

84 Days, 84 Works— Speed 10.31

It was freezing today (minus 11 degrees). I think the whole world might have shrunk a little bit.

Poured a line of fuel on the ground, and raced with the flame.

行為、錄像 11 秒 2010 年

行為藝術 2010 年

Performance, video 11 secs 2010

【84 天 84 件作品】 11.06〈疑似〉

Performance 2010

【84 天 84 件作品】 11.09〈偶遇〉

世界上其實有很多真實是「不真實」 的偶然結構,「疑似」才是需要的視 角。此作模擬用石子劃傷各種汽車。

偶遇一塊恰巧可以勉強搬動的石頭, 搬回工作室,展覽的地點也是我搬動 它走到的距離。

84 Days, 84 Works— Suspect 11.06

84 Days, 84 Works— Chance Meeting 11.09

There are many seemingly real things that actually come out of coincidences that are “unreal.” To remain doubtful provides a necessary perspective. This work simulated using a rock to scratch various types of cars.

Accidentally ran into a stone that I could barely move. I took it back to my studio, and the distance to the venue of my ex h i b i t i o n a l s o e q u a l e d t h e d i sta n c e o f how far I could carry that stone.

照片 2010 年 Photograph 2010

行為藝術 2010 年 Performance 2010

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R205 錄像 延伸作品

R205 錄像 延伸作品


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R205 錄像 延伸作品

R205 錄像 延伸作品

【84 天 84 件作品】 12.05〈風景〉

【每日一件作品計畫】 06.06〈自省〉

大風,用杆子繫緊一台錄影機在窗外 任風吹擺,拍攝出類似災難大片一樣 的錄像。

用重物猛擊頭部前端,造成眩暈。

84 Days, 84 Works— Windscape 12.05

One Work One Day Project— Introspection 06.06

On a windy day, I tied a camera on a pole and stuck it outside the window to flutter in the wind. The video resembled a film of disasters.

B a n ge d my h e a d w i t h a h e av y o b j e c t to cause dizziness.

行為藝術 2010 年 錄像 10 分 2010 年

Performance 2010

Video 10 mins 2010

【84 天 84 件作品】 01.02〈表演〉

【84 天 84 件作品】 12.17〈導體〉

用身體作為導體,點亮一盞小電燈。

外衣反穿,走在路上。

84 Days, 84 Works— Conductor 12.17

84 Days, 84 Works— Performance 01.02

Using my body as a conductor to light up a tiny light bulb.

We a r i n g a j a c ke t b a c k w a rd s t o w a l k o n the street.

行為藝術 2010 年

行為藝術 2010 年

Performance 2010

Performance 2010

圖:尤倫斯當代藝術中心提供 Figure :Ullens Center for Contemporary Art provided

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【每日一件作品計畫】 05.27〈波紋〉

【每日一件作品計畫】 〈虎皮〉

十個手指甲,剪下來,拍成波浪狀。

抓自己的手臂至膚色改變並出現紅色 斑紋。

One Work One Day Project— Wave 05.27

One Work One Day Project— Tiger Skin

Cut my nails from the ten fingers and lined them up into a wave.

S c ra t c h e d my a r m u n t i l t h e r e w e r e r e d stripes on my skin. 行為藝術 指甲 2010 年 Performance Nail 2010

攝影 2010 年 Photograph 2010

圖:泰康空間提供 Figure :TALKANG SPACE provided

【每日一件作品計畫】 〈塵埃〉

用嘴吹乾淨一片馬路邊的地面。

One Work One Day Project— Dust

【每日一件作品計畫】 05.28〈長度〉

Blew an area on the roadside until it was clean.

在 身 體 上 畫 一 條 線, 由 於 皮 膚 的 曲 張,沒辦法準確測量它準確的長度。

One Work One Day Project— Length 05.28

行為藝術 2010 年 Performance 2010

D r e w a l i n e o n m y b o d y. D u e t o t h e stretching of the skin, I could not precisely measure the length.

行為藝術 2010 年 Performance 2010

圖:泰康空間提供 Figure :TALKANG SPACE provided

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R205 錄像 延伸作品

R205 錄像 延伸作品


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R205 錄像 延伸作品

【每日一件作品計畫】 05.29〈冰凍〉 收集我的汗水凍成冰塊。

One Work One Day Project— Frozen 05.29 Collected my sweat and froze it into ice cubes.

行為藝術 汗水 2010 年 Performance Sweat 2010

圖:泰康空間提供 Figure :TALKANG SPACE provided

2F 走廊 〈無窮〉延伸作品 2F Hallway Extension works of Boundless

【每日一件作品計畫】 06.02〈閃爍〉

搓下自己身上的泥,把它們捏成小星 星。

One Work One Day Project— Glistening 06.02 Rubbed the dirt off my body and made it into tiny stars.

行為藝術 泥 2010 年 Performance Dirt 2010

圖:泰康空間提供 Figure :TALKANG SPACE provided

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〈無窮 〉延伸作品

〈無窮 〉延伸作品

【每日一件作品計畫】 06.05〈一秒〉

〈無題〉

我的相機每秒可以連拍四張。

訂製 100 張批量生產的歐洲油畫,觀 看民間生產技法下,「同一幅畫」中 無處不在的細節差異。

One Work One Day Project— One Sec. 06.05

Untitled

M y c a m e r a c o u l d t a ke f o u r p h o t o s p e r second.

Ordered 100 mass produced oil painting from Europe and observed the minute differences everywhere in these “identical” paintings made from the production technique of the market.

照片 2010 年 Photograph 2010

油畫 2007 年 Oil on canvas 2007

圖:泰康空間提供 Figure :TALKANG SPACE provided

【100 天 100 件作品】〈無題〉 難道一個圖像的每個版都一樣嗎 ? 用 多層複寫紙描安迪沃荷的作品。

〈謠言〉 邀請不同的藝術家來依次臨摹,每張 畫都是只看到前面一張模仿下來的, 像謠言一樣傳遞。

100 Days, 100 Works—Untitled Wo u l d e v e r y e d i t i o n o f a n i m a g e re a l l y remain the same? I used multiple layers o f c a r b o n p a p e r t o c o p y A n d y Wa r h o l ’s work.

Rumor Invited different artists to copy a painting. Each painting was a copy of the previous one, reminding me of the spread of a rumor.

紙本複寫 2007 年 Carbon copied image 2007

布面油畫 40x50 公分 數量若干 2008 年 Oil on canvas 40 x 50 cm Quantity undetermined 2008

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R204 展間 〈彼岸 / 閃爍〉延伸作品 R204 Extension works of Nirvana / Sparkle

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〈彼岸〉延伸作品

〈彼岸〉延伸作品

【每日一件作品計畫】 05.16〈蛻變〉

【每日一件作品計畫】 〈燒烤〉

把磚頭砸碎成粉末,加水攪拌,用手 揉成看起來柔軟的條狀。

用汽油點燃一個地球儀。

One Work One Day Project— Transformation 05.16

One Work One Day Project— Roast

S m a s h e d s o m e b r i c ks , m i xe d t h e p o we r with water, and kneaded the mixture into soft loaves.

Lit up a globe with gasoline.

地球儀汽油 2010 年 磚粉雕塑 2010 年

Globe, gasoline 2010

Sculpture made with brick power 2010

【84 天 84 件作品】 12.23〈陽光〉

【每日一件作品計畫】 〈光榮〉

拍攝一張透過城市大廈玻璃反射的太 陽。

夜「 竊 」路 上 標 語 條 幅 最 後 兩 個 字「 光 榮」。

84 Days, 84 Works—Sunlight 12.23

One Work One Day Project— Glory

P h o t o g ra p h e d t h e s u n r e f l e c t e d o n t h e glass of an urban high-rise.

Stole the last two words from a banner on the street at night, which meant “glory.”

攝影 2010 年 標語條幅 2010 年

Photograph 2010

Banner with text 2010

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〈彼岸〉延伸作品

〈彼岸〉延伸作品

〈飄〉 【100 天 100 件作品】 在有人經過的路邊倒掉一整瓶香水。

【84 天 84 件作品】 10.20〈孤獨〉

100 Days, 100 Works— Waft Poured an entire bottle of perfume on the side of a road where people passed by.

撿來一段城市的建築垃圾—水泥管, 打孔、裝上霓虹燈線。 行為藝術 2007 年

84 Days, 84 Works—Loneliness 10.20

Performance 2007

Picked up a piece of construction waste in the city—a concrete tube, punctured it and installed neon lights inside.

【100 天 100 件作品】 〈把豬肉散落至各處〉

水泥管 LED 燈 2010 年 Concrete tube, LED light 2010

在馬路上放置很多生豬肉。

100 Days, 100 Works— Scatter Pork Around Placed many pieces of pork on the road.

行為藝術 2007 年 Performance 2007

【每日一件作品計畫】 06.09〈浪花〉

撿來一塊交通事故撞碎的擋風玻璃碎 片,拼成一片海浪。

〈聯想〉 【100 天 100 件作品】

One Work One Day— Spray 06.09

電腦智慧 abc 的聯想功能隨機打出一 行字,懸掛在公共場所,駐足率似乎 能安慰複雜的審批過程。

P i c ke d u p a s m a s h e d w i n d s h i e l d f ro m a traffic accident, and turned it into a sea wave.

100 Days, 100 Works—Association Ty p e d o u t a l i n e o f t ex t u s i n g t h e a b c i n t e l l i g e n t association function on the computer and hung the banner in a public place. The number of people that stopped and looked at the banner seemed to have eased the process of complicated censorship.

碎鋼化玻璃透明樹酯膠 2010 年 Fragmented reinforced glass, transparent resin 2010

行為藝術 輸出 2007 年 Performance Printed banner 2007

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〈閃爍〉延伸作品

〈彼岸〉延伸作品

【100 天 100 件作品】 〈慶典〉 在元旦的火車站,堆積著向一千人等 借來的行李,內置了五彩的霓虹燈, 開燈後成一顆閃爍的節日彩樹。

〈無題〉 2008 年, 第 一 次 使 用 瀝 青 作 為 材 料 使用;瀝青塗抹在畫布上,背面裝滿 了五彩燈光。

100 Days, 100 Works— Festival I n a t r a i n s t a t i o n o n N e w Ye a r ’s D a y, I p i l e d u p t h e s u i tca s e s b o r ro we d f ro m a thousand people with colorful neon lights i n sta l l e d w i t h i n . Tu r n e d o n t h e l i g h t t o transform it into a glistening festive, multi-colored tree.

Untitled

行為裝置 2007 年

布面 瀝青 250x300 公分 2008 年

Performance installation 2007

Asphalt on canvas 250 x 300 cm 2008

In 2008, I used asphalt as medium for t h e f i rs t t i m e . A s p h a l t w a s s m e a re d o n canvas, which had colorful lighting at the back.

【84 天 84 件作品】 05.21〈黑光〉

當閉上眼睛的時候,就看到了我的這 件作品。

〈無題〉 【100 天 100 件作品】

84 Days, 84 Works— Black Light 05.21

把工作室裡拆下的舊磚頭直接鑄造。

100 Days, 100 Works—Untitled

When closing my eyes, I saw this work of mine.

Directly cast an old brick took down from my studio.

黑色玻璃 150x150 公分 2010 年 Black glass 150 x 150 cm 2010

行為藝術 鑄銅磚頭 2007 年 Performance Brick of brass casting 2007

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203 展間 〈泉 / 浪〉延伸作品 R203 Extension works of The Fountain / Wave

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〈泉〉延伸作品

〈泉〉延伸作品

【84 天 84 件作品】 10.19〈噴泉〉

一個可以噴水的坐便,讓我想起杜象 和廁所,還有安格爾。

84 Days, 84 Works— Fountain 10.19 A toilet that sprayed water reminded me of Duchamp, restrooms, as well as Ingres.

泉 The Fountain

裝置 座便器 2010 年 Installation Toilet 2010

圖:尤倫斯當代藝術中心提供 Figure :Ullens Center for Contemporary Art provided

〈噴泉 3〉 在鋼管上打許多小孔,讓水積壓在鋼 管從小孔中噴出。

【每日一件作品計畫】 05.20〈燃燒〉

Fountain 3

把蠟燭雕刻成我的手指,點燃它。

Punctured many small holes on steel pipes and made water gush from the holes.

One Work One Day Project—Burning 05.20 Carved candles into the shape of my fingers and lit them up.

鋼管水壓機 200x200x150 公分 2009 年 Steel pipe, water compressor 200 x 200 x 150 cm 2009

蠟 易燃手指 2010 年 Wax Flammable finger 2010

圖:尤倫斯當代藝術中心提供 Figure :Ullens Center for Contemporary Art provided

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〈浪〉延伸作品

【每日一件作品計畫】 06.08〈微妙〉 製作一個用來提高器官感知的工具。

One Work One Day Project— Subtlety 06.08 Created an instrument to enhance the ability of the sensory perception.

鐵皮 2010 年 Iron sheet 2010

202 展間 〈XXX / 時間的容器 / 謊言〉延伸作品 R202 Extension works of XXX / The Vessels of Time Series / Lies

【84 天 84 件作品】 12.10〈體外〉 〈體外〉是作品〈浪〉的雛型,以吶 喊聲透過喇叭來震動沙子。

84 Days, 84 Works— In Vitro 12.10 In Vitro was the prototype of Wave, which used loud cries from speakers to vibrate sand.

聲音 沙子 2010 年 Sound Sand 2010

圖:尤倫斯當代藝術中心提供 Figure :Ullens Center for Contemporary Art provided

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〈XXX〉延伸作品

〈XXX〉延伸作品

《合作公社》藝術項目 【 第 二 屆 CAFAM 未 來 展 】 委 託, 發 起一個透過網路平台,開放而快捷生 產、傳播、銷售的藝術合作公社。

Cooperation Commune Art Project Commissioned by The 2nd CAFAM Future Exhibition to launch a cooperation commune that was open with rapid production, marketing and sales through an Internet platform.

〈懸崖〉 盧:「我可以把它懸掛在懸崖上嗎?」 卡:「不,但其它的都可以。」 某晚,夢到了卡特蘭,與他聊起創作作品—「夢到了一個懸崖,上面寫滿了關於這個 展覽所可能出現的藝術猜想」。經過愉快的過程後,完成了一件合作的作品。

行為藝術 2015 年

Cliff

Performance 2015

Lu, “May I hang it on a cliff?” Cattelan, “No, but you could do that with other things.”

圖:中央美術學院美術館提供 Figure:CAFA Art Museum provided

I dreamed of Maurizio Cattelan one night and talked to him about a work—“I dreamed of a cliff covered in all kinds of possible artistic conceptions about this exhibition.” After a delightful process, a collaborative work was completed.

不鏽鋼框架 透明壓克力 霓虹燈 草圖文字圖片 約高 500 公分 2012 年 Stainless steel frame, Plexiglas, neon light, sketch, text, image About 500 cm 2012

圖:OCT 當代藝術中心提供 Figure:OCT Contemporary Art Terminal provided

【每日一件作品計畫】 06.01〈風騷〉

用電機轉動拖把使其飛快旋轉。

【每日一件作品計畫】 06.07〈白球〉

One Work One Day Project— Coquette 06.01

把雞蛋修飾成圓球體。

Spinning a mop in high speed with a motor.

One Work One Day— White Ball 06.07 電機 拖把 2010 年

Trimming an egg into a sphere.

Motor, mop 2010

雞蛋 2010 年 Eggs 2010

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〈XXX〉延伸作品

〈XXX〉延伸作品

【每日一件作品計畫】 〈千針〉

〈約會〉

用針紮滿一個撿來的盒子。

提前銷售一件作品,之後第二年用藏 家收藏作品的錢,去澳門賭博。

One Work One Day Project— A Thousand Needles

Rendez-vous I sold a work of mine and used the money f r o m t h e c o l l e c t o r t o ga m b l e i n M a c a u the next year.

Tu r n i n g a f o u n d b o x i n t o a n e e d l e cushion.

針 2010 年

行為藝術 2012 年

Needle 2010

Performance 2012

【每日一件作品計畫】 06.10〈勝利〉

【每日一件作品計畫】 05.18〈種植〉

四個雞翅組成的雕塑。

在城市中種植甜玉米、韭菜和白菜等 農作物。

One Work One Day Project— Victory 06.10

One Work One Day Project— Planting 05.18

A s c u l pt u re fo r m e d w i t h fo u r c h i c ke n wings.

Planting corns, leeks and cabbages in the city.

雞翅膀翻模 雕塑 2010 年 Chicken wing mould Sculpture 2010

行為錄像 2010 年 Performance video 2010

圖:蜂巢當代藝術中心提供 Figure:HIVE CENTER FOR CONTEMPORARY ART provided

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【84 天 84 件作品】 11.08〈感覺〉

夢到卡特蘭(一個我很喜歡的義大利 藝術家),他托夢給我說:「今天我 來幫你做件作品」。

【每日一件作品計畫】 〈球星〉

84 Days, 84 Works— Performance 11.08

一個帶拉鍊的足球。

Dreamed of Cattelan (an Italian artist that I have really admired), and he told me in my dream, “I will help you make a work.”

One Work One Day Project— Star Player A soccer ball with zipper.

行為藝術 紙 2010 年 Performance Paper 2010

足球 拉鍊 2010 年 Football, zipper 2010

〈不是藝術的故事〉 在一個大型的雕塑展上,編輯每件作 品有背景原意的介紹,再由講解員散 播給每個觀眾,希望能通過作品與這 次展覽建立起某種關聯,不只是獨立 的拿一件作品展示,而這個聯繫可能 是與作品完全無關的。

【每日一件作品計畫】 05.19〈概括〉

去除石頭上繁瑣的變化,依據石頭的 形狀把曲面切成直面。

One Work One Day Project— Inclusion 05.19

Stories That Are Not Art I e d i te d t h e b a c k g ro u n d sto r i e s o f e a c h work in a large sculpture exhibition. After d o c e nt s ’ ex p l a n at i o n to t h e a u d i e n c e , I hoped to create a certain relationship between the work and the exhibition i n ste a d o f s i m p l y s h o w i n g a n i n d i v i d u a l piece. This relationship, however, might be totally irrelevant to the work.

Removing all the intricate pattern on rocks, and shaping the curvy contours into sharp planes.

石頭 2010 年 Stone 2010

行為藝術 2010 年 Performance 2010

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〈XXX〉延伸作品

〈XXX〉延伸作品


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〈時間的容器〉 延伸作品

〈時間的容器〉 延伸作品

【100 天 100 件作品】 〈調和〉

〈聽浪者〉

把量體、習性迥異的動物,推砌製作 成等大的玩偶,形成不合邏輯的和平 關係。

一隻蒼蠅爬在海浪上。

Wave Listener

100 Days, 100 Works— Integration

A fly climbing on a sea wave.

Putting and stacking animals of varied sizes and habits together to create a large doll, forming an illogical yet peaceful relationship.

布面油畫 手工水晶畫框 2012 年 Oil on canvas, hand-crafted crystal frame 2012

圖:鳳凰藝都提供 Figure:PHOENIX ART CENTER provided

雕塑 2007 年 Sculpture 2007

〈大浪〉 最早的第一張〈巨浪〉;畫一張大浪 的小畫。

〈一枝〉 手工水晶畫框,擁有國家專利。

Massive Wave The first Roaring Wave; a small painting of a large wave.

One H a n d - c ra f te d c r ysta l f ra m e t h at o w n s a national patent.

布面油畫 16x20 公分 2009 年 Oil on canvas 16 x 20 cm 2009

布面油畫 手工水晶畫框 50x70 公分 2015 年 Oil on canvas, hand-crafted crystal frame 50 x 70 cm 2015

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〈謊言〉延伸作品

201 展間 〈無題 (3)〉/《慢性系列》/〈一切還在〉/ 《過去到即將到來系列》/《無題系列》延伸作品 R201 Extension works of Untitled-3 / Chronic Series / Still There / The Bygones Are Returning / Untitled Series

【100 天 100 件作品】〈無題〉 〈謊言〉作品的雛形,在水果上塗上 顏色:一組真的;一組是假的。

100 Days, 100 Works— Untitled The prototype of another work Lies. Fruit painted in colors: a set was real, another fake.

水果 假水果 2007 年 Fruit, plastic fruit 2007

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〈慢性〉系列 延伸作品

〈無題 (3) 〉延伸作品

【84 天 84 件作品】 11.01〈慢性〉

包裹藝術家在垃圾袋裡,展示於展廳 中。

84 Days, 84 Works— Chronic 11.01 T h e a r t i s t w a s w ra p p e d i n t h e ga r b a g e bag and displayed in the exhibition room.

行為藝術 塑膠袋 2010 年 Performance Plastic bags 2010

【100 天 100 件作品】〈蒸〉 把自己的照片放在鍋裡蒸,直到照片 面目全非。

【100 天 100 件作品】 〈種植〉

為打地基而挖出的土,覆蓋上綠色防 塵布,並在其上種植一棵向日葵。

100 Days, 100 Works— Planting

100 Days, 100 Works—Steam Steamed my own photo in the steam pot until it was completely defaced.

行為藝術 2007 年 Performance 2007

A pile of soil from digging the foundation o f a b u i l d i n g w a s c o v e re d w i t h a g re e n ca nva s . A s u nf l owe r wa s p l a nte d o n to p of it.

行為藝術 2007 Performance 2007

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〈慢性〉系列 延伸作品

〈慢性〉系列 延伸作品

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〈鴕鳥〉 探討人的處境問題。

Ostrich

〈天堂〉

The series discussed the circumstances of humanity.

做個一組精神病患者,每個人都有它 的原型。

Heaven

寫實雕塑 樹脂上色 64x114x54 公分 2009 年

Sculptures of a group of mental patients. Each one had a prototype.

Realistic sculpture Resin, paint 64 x 114 x 54 cm 2009

樹脂上色 等身大 2009 年 Resin, paint Life-size 2009

圖:臺北誠品畫廊提供 Figure:Eslite Gallery provided

〈嘔吐〉 探討人的處境問題。

Vomit The series discussed the circumstances of humanity.

寫實雕塑 樹脂上色 等身大 2009 年 Realistic sculpture Resin, paint Life-size 2009

〈對話〉 探討人的處境問題。

Dialogue The series discussed the circumstances of humanity.

樹脂上色 等身大 2009 年 Resin, paint Life-size 2009

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〈一切還在〉 延伸作品

《過去的即將到來》 系列 延伸作品

〈生命的痕跡〉 將身體上隨著時間損耗而「磨損的痕 跡」拍成照片再隨意的剪成各種「無 形 」的 形 狀 ,這 可 能 就 是 生 命 的 痕 跡 。

【每日一件作品計畫】 12.07〈筷子〉

Traces of Life

用一根樹枝雕的一雙筷子。

I photographed all the “worn marks” created by the passing of time on my body, and cut the photos into all kinds of ra n d o m s h a p e s . T h e y m i g h t j u s t b e t h e marks of life.

One Work One Day— Chopsticks 12.07 A pair of chopsticks made from a tree branch.

攝影 150x150 公分 2009 年 Photograph 150 x 150 cm 2009

樹枝 2010 年

《過去的即將到來》 系列 延伸作品

Tree branch 2010

【每日一件作品計畫】 10.21〈韻律〉

搖擺一根很長的鋼筋,鋼筋由於足夠 的長而變的柔軟。

One Work One Day— Cadence 10.21 Swung a really long steel. It became soft because of its length.

【每日一件作品計畫】 12.12〈凝聚〉

用電焊把一根鋼筋焊成一塊鐵塊。

One Work One Day— Coalesce 12.12 Using arc welding to turn a steel rod into a steel lump.

鐵塊 2010 年 動力裝置 鋼筋 10 米 2010 年

Iron 2010

Kinetic installation Stee l 10 meters 2010

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【84 天 84 件作品】 01.05〈飄散〉

【100 天 100 件作品】 〈香蕉〉

在曠野中奔灑金黃色的顏料。

鑄造一根香蕉。

84 Days, 84 Works— Waft 01.05

100 Days, 100 Works— Banana

Spread gold paint in the wilderness.

Cast a banana.

攝影 120x150 公分 2010 年

銅鑄雕塑 2007 年

Photograph 120 x 150 cm 2010

Brass 2007

【每日一件作品計畫】 01.04〈脆弱〉

〈彩輪〉 顏料本身就是最完美的

一根石膏的樹枝,隨時會倒。

One Work One Day— Fragility 01.04 A tree branch made of plaster that might collapse anytime.

Colorful Wheel The paint itself was perfection.

顏料 尺寸可變 2008 年 Paint Dimension variable 2008

石膏 2010 年 Plaster 2010

《無題》系列 延伸作品

〈自立〉 在畫布上不停的刮上顏料,直到它可 以依靠顏料的厚度靠牆站立,這裡探 討了畫布和顏料及繪畫工作物質層面 的 本 質 意 義 。為〈 無 題 〉創 作 之 雛 形 。

〈回頭〉 看照片的繪製油畫,再沖洗成照片。 然後毀掉油畫。

Independence

Return Pa i nte d o i l p a i nt i n g b y l o o k i n g at s o m e photos. I photographed the paintings, developed the photos, and destroyed the paintings.

Continuously layering paint onto the canvas until it could stand against the wall for the thickness of paint. The work explored the essence of canvas and paint, the matters used in painting.

照片 6 張 6 寸 2010 年

布面油畫 100x100 公分 2007 年

6’ Photograph 6 pieces 2010

Oil on canvas 100 x 100 cm 2007

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《無題》系列 延伸作品

《過去的即將到來》 系列 延伸作品

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《無題》系列 延伸作品

《無題》系列 延伸作品

〈樹枝〉 以反藝術的姿態挑戰觀看,乍看是樹 枝, 近 看 是 一 堆 顏 料, 你 認 為 畫 得 很像樹枝,但它又的確是樹枝,這種 「正 – 反 – 正」的邏輯關係即美學 裡的「影子說」─認為事物是理念的 影子。藝術是事物的影子,由技術層 面的實踐,引發思考層面的效果,探 索固定思維的侷限。

【84 天 84 件作品】 12.29〈百度〉 用了約一天的時間,終於找到了兩塊完 全相同重量的石頭 ( 中間快絕望了 )。

Tree Branch Judging from the perspective of anti-art, the work looked like a tree branch at a glance, and looked like layers of paint from a closer look. You might think it was a realistic painting of a tree branch, but it was indeed a real tree branch. Such syllogism resembled t h e “ s h a d o w t h e o r y ” i n a e s t h e t i c t h e o r y, w h i c h considered things to be the shadows of the ideals. The idea that art was the shadow of things was c a r r i e d o u t b y te c h n i q u e s to st i m u l a te re f l e c t i o n and to explore the limit of rigid thinking.

84 Days, 84 Works— Baidu 12.29 Spent about a day to finally find two rocks of nearly identical weight (and almost became desperate during the process).

石頭 2010 年 樹枝 實物樹枝油畫 120x50 公分

Stone 2010

2008 年 Tree branch, oil on canvas 120 x 50 cm 2008

【84 天 84 件作品】 11.06〈疑似〉 〈角度〉

世界上其實有很多真實是「不真實」的 偶然結構,「疑似」才是需要的視角。

把顏料傾倒在有角度的畫布上(對顏 料的持續實驗)

84 Days, 84 Works— Suspect 11.06

Angle

There are many seemingly real things that actually come out of coincidences that are “unreal.” To remain doubtful provides a necessary perspective.

Poured paint on an angled canvas (a consistent experiment on paint).

畫布顏料 120x120x40 公分 Canvas paint 120 x 120 x 40 cm

照片 2010 年 Photograph 2010

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Untitled Series

【每日一件作品計畫】 〈一指禪〉

一根與我食指粗度相同的樹枝,在它 末端接上我的手指。

One Work One Day Project— One-finger Stand A twig that was as thick as my index finger was connected to my fingertip.

裝置 樹枝 2010 年 Installation Twig 2010

【每日一件作品計畫】 〈偶然的序列〉

一塊完整的石頭,一槌敲碎它,把敲 碎的碎塊從大到小排列。

One Work One Day Project— Accidental Sequence Smashed a rock in a single blow and lined up its fragments in the order of their sizes.

石頭 2010 年 Stone 2010

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《無題》系列

《無題》系列 延伸作品


台北當代藝術館 Museum of Contemporary Art, Taipei

Oxymoron - Solo Exhibition by LU Zheng-yuan

身 - 盧征遠個展

附錄 APPENDIX

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XX.XX 84 天 ,84 件作品

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這些作品沒有任何形式、內容、媒介材質上的限制,唯一的標準就是藝術家本人要認 可它是一件藝術作品。每件作品必須每天單獨構思、製作完成並交付到尤倫斯當代藝 術 中 心 ( U C C A ) 。所 以 ,這 個 奇 妙 的 展 覽 每 天 都 在 不 斷 變 化 。所 有 人 — — 包 括 藝 術 家 、 策展人或者我們——都無法確切地知道展覽每天會帶來什麼樣的驚喜,最後呈現出什 麼樣子。本展,包括它的最後期限、製作、創造性和不可預測性,都是對一個純粹的 中 國 新 興 藝 術 家 聰 明 才 智 的 測XX.XX 試。 XX.XX

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變化,是人最基本的生存體驗。這 84 件作品就像是在 UCCA 裡生長出來一般。讓我 們一起來見證藝術的發生。

—傑羅姆·桑斯,UCCA 館長

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84 Days, 84 Works These works did not conform to any specific form, content, or medium. The only available standard was that the artist himself had to recognize them as artworks. Each work had to be individually conceived, produced and delivered to UCCA everyday. Therefore, this spectacular exhibition had actually changed every single day. Everyone, including the artists, curator, or us, could not really be certain what kind of surprises the exhibition would present each day, nor what XX.XX

it would eventually look like at the end. The exhibition’s XX.XX XX.XX final deadline, production, XX.XX

c re a t i v i t y, a n d u n c e r t a i n t y h a d s e r v e d a s a t e s t t o t h e i n t e l l i g e n c e a n d t a l e n t s o f a p u re Chinese young artist. Change is the most fundamental survival experience of humanity. It is like the 84 works have grown from UCCA. Let us witness together the happening of art. Jérôme Sans, Director of UCCA

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100天,100件作品 100 Days, 100 Works

2007年創作 Creation 2007

100 天,100 件作品 在 100 天的時間裡,連續每天都做 1 件作品,這個 100 天既是時間上的限定,也是 物質上的,最主要的是所讓我保持的一種狀態,短暫的、小製作的、輕鬆的、更貼 近自我。作品的媒介包含了繪畫、雕塑、行為、裝置、圖片、聲音、錄像等,有實 體作品,也有臨時性作品,也包含許多「非藝術」的作品。我把它們視為一整件作 品,並在這種日常的連續性中看到偶然的藝術,並且表現出實驗的狀態。

100 Days, 100 Works D u r i n g 1 0 0 d a y s , I c o n t i n u e d t o p ro d u c e o n e w o r k e v e r y d a y. T h e d u r a t i o n o f 1 0 0 d a y s marked a temporal as well as a material limit. It mainly allowed me to remain in a status f o r s m a l l p ro d u c t i o n t h a t l a s t e d a s h o r t p e r i o d o f t i m e i n a re l a x i n g w a y a n d m a d e i t possible to come closer to the self. Media used in these works included painting, sculpture, performance, installation, image, sound, and video. There were concrete works, temporary works, and many “non-artistic” works. I viewed them as one complete work that enabled me to realize such accidental art in the continuity of the every life in an experimental approach.

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替 替 身 身 -- 盧 盧征 征遠 遠個 個展 展

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〈藝術語言的雙義矛盾〉盧征遠創作座談 主 持:陳愷璜/台北藝術大學藝術 跨域研究所教授兼美術學院院長 講 者:盧征遠/藝術家 台北當代藝術館 /2015.10.31

鄭乃銘

當代藝術新聞雜誌總編輯

2015 年 10 月 陳愷璜 ( 以下簡稱陳 ):

紅綠線紋和視覺是恰好相反的錯位,很值得我們反思的是,我們

這個〈保持微笑〉就是我本人一直笑。在現代,微笑變成一個

回頭方式,必定會抖動,因為軌跡不柔順了;身體在這種微妙

感謝各位來參加盧征遠的個展座談,大家大概多少看過盧征遠的

被教育的知識系統,像我念書是相對比較長的很深的學院教育背

禮節,無論你內心是不是開心,保持微笑總是對的,那麼我就

的時間性作用下如何呈現,還有回頭的姿態是一種中間狀態的

作品,這次預備以幾個方向,與盧征遠比較開放式的對談,藉這

景,那麼這種知識系統的教育是不是真的那麼有用,對知識的判

對 著 鏡 頭 標 準 微 笑, 露 七 顆 牙 齒, 嘴 角 多 少 角 度 眼 睛 瞪 得 多

姿勢,他回頭回望然後又背過身去,處於一種即要關注又不關

個機會來談過去不太會談的,現在就請盧征遠簡單的說,透過他

斷、文字原本的判斷和我們視覺的判斷有時是不對等的,在這裡

大,一直保持到十二、三分鐘的時候肌肉開始僵硬了,眼睛一

注的狀態,隨時又背過身走去,我對這種灰色地帶其實也很感

的創作,讓各位可以更全面掌握到一些面向,畢竟他的創作並不

是我想傳達的意思。

直睜著有很強的光進來後開始乾澀,很不自然的流淚;我沒有

興趣,如果想要創造力要先打破自己的觀點,打破簡單的二元

受過表演的訓練內心也沒特別痛苦,是非常平靜什麼都沒想,

分裂。在小時候的教育都是一種暗示教育所控制,其實很多事

是採用單一的媒介或單一的載體在形塑一種觀念的可能,我想從 過去到現在一個面向來快速的瀏覽,可以幫助各位比較快掌握到

這個照片〈房間裡的月亮〉是因為北京高樓林立或天氣的原因經

完全是生理的反應,當然也可以去指涉從笑到哭情緒的轉換,

情是沒有答案的,如果對這件事先有個判斷再去了解,就失去

我們開啟討論的可能性。

常看不到月亮,當我看不到月亮的時候,我就會去用我最熟悉的

或表現一種社會議題,但對我來說是一個把身體作為工具的使

了解的具體性。

方式上網搜尋一個月亮,讓它出現在我的家裡,晚上關上燈看著

用方式。

盧征遠 ( 以下簡稱盧 ):

螢幕上的月亮賞月,我認為這種方式很自然,這個作品當初還不

先感謝大家,中午好,這次的展覽有幾件是特別新的作品。

確定他是不是個作品,太日常化了,當初也是隨機用手機拍的,

〈氣流〉拍攝在我工作室的旁邊,房子都被拆掉了,變成了這

的地方畫上標記出位置,是一種和城市借的關係,裏頭的東西

很粗糙,我回頭把它做成燈箱的時候就有異於我們日常生活的方

樣的廢墟要蓋新大樓,我在上面用胳膊使勁地轉,希望能產生

都 是 鋼 板 廢 材 的 東 西 ,上 面 霓 虹 燈 那 貌 似 字 的 東 西 其 實 不 是 字 ,

戶 外 的 梯 子, 但 是 這 個 梯 子〈 邊 緣 〉 是 我 最 高 的 一 個 作 品,

式,這個作品對我來說很特殊,和我們日常用網路訊息相關,很

一股風,當然也產生不了什麼風,整個展廳都是我用身體去展

其實就是手寫的亂七八糟的東西,就是因為他沒有意義,霓虹

十五米高,很少有一個這麼大的空間可以讓我在這裡折騰,館

難想像一天沒有網路,感覺世界都離開了我,所以網路中的現實

示我的感受、認為最有興趣的部分;藝術對我來說只能說一半,

燈是一種你必須要被讀被放的文本,但在這裡沒有含意。

長很開放,他覺得很需要在公共空間做一個藝術;我不是很喜

或螢幕中的世界,對我來說是構成第二個現實。

另一半是作品替我說完,如果我能把藝術說的很有意義很徹底

歡做裝飾性的藝術,比如說在一個空地裡或空間裡面做一個很

〈彼岸〉這是我借來的作品,從北京各個地方借來的,在借來

的話,可能我就失去創作的能力了。

這 是 一 個 互 動 的 作 品〈 泉 〉,對 男 性 來 說 這 不 光 是 一 個 裝 飾 品 ,

多餘的裝飾品,可能在我的藝術裏頭,不是一個主線,那與建

這個作品〈無窮〉從零八年到現在可能有六七年了,是一直持續

築直接的關係,在我印象是一個梯子,可能跟它的關係是最直

的項目,因為我不是一個畫家也不是雕塑家,是一個藝術家,這

〈 溫 度 〉 這 是 用 手 去 摸 各 種 物 品, 不 是 想 討 論 我 能 摸 多 少 物

其實在很早之前就多次被提起,比如說安格爾的女裸體抱著一

接的,所以我就想一個這樣的方式,一個梯子很自然地搭在建

樣的概念讓我可以從事任何的媒介,對我來說是一個自然而然的

品,這裡面溫度是被我提煉出來的,是個行為作品,可以討論

個水罐,有水從水灌流下來,常山寨在 KTV 那些地方有類似圖

築 上, 梯 子 的 邊 緣 其 實 都 是 很 尖 銳 的; 其 實 最 早 是 2009 年、

方式;我學過繪畫、雕塑、攝影,覺得身體的行為是透過本能的

藝術品是不是只能用眼睛欣賞,藝術家創作作品其實是把一種

像,一定有某些暗示,杜象的小便池也是叫泉,泉實在太吸引

2010 年的時候創作一個特別小的作品,當時買了一個不鏽鋼的

一種生活方式,一種存在的與世界感知交流的方式。前幾天被雜

能量透過畫筆和顏料凝結在畫布上,為甚麼我不可以更直接的

人 了, 所 以 我 做 了 我 的〈 泉 〉, 用 我 的 手, 能 夠 噴 出 泉 來 覺 得

勺子,勺子四周被我開了像刀一樣的刃,展覽的時候被認為是

誌採訪,問我最常用、都喜歡用甚麼工具 ? 我說:最喜歡用我的

傳遞到物品上,讓它賦予一種變化,而這種變化又不是顯而易

更奇妙一些。這〈浪〉是為了配合泉的新作品,裡面有我的叫

一個普通的勺子,因為在外觀上沒有很大的改變,保留了它大

身體,因為人的感受和行為軌跡,之前總認為是大腦控制,其實

見,是去掉視覺的,因為我認為視覺可能不是那麼重要的,我

喊疊加了幾十次,所以聽起來不太像人聲,他們說像牛叫,只

體上的日常性,但又經過了一種微妙的處理,它變得不再具有

不只,你的脊椎神經也影響非常大,也就是你的下意識,反應是

就用我的手我的體溫觸摸物品,直到我覺得他不那麼涼了,它

有疊加很多次才會有聲波,上面有很多喇叭,喇叭來自於各種

實用功能了,這個作品名為〈邊緣〉,其實最早就是那個勺子

直接被激發出來的,任何工具都只是身體的延伸,並不代表是個

跟我的手熱量傳遞差不多對等的,手再拿掉,我稱這個作品溫

物 品, 汽 車、 音 響 等 等 … 有 兩 百 多 件; 前 面 有 盆 水, 或 多 或 少

的邊緣,那個邊緣切斷了那個勺子和日常的物品徹底決裂的關

特殊的東西。

度為臨時性的,在我手拿開後,它又會變成一個常態,作品隨

都有些震動,大概就是這樣的作品,有很多聲音如果從符號化

之消失,這樣的臨時作品對我來說是很可貴的,因為我覺得其

的解釋,有各種各樣的聲音,共同作用於某一個點。

係,展覽的英文名稱的意思是「矛盾修飾法」,很貼切於我創 作的語法。

而像景觀一樣的東西,我一直覺得它有身體的隱喻。泉的題材

這個作品展出了五百多張畫,很多身邊優秀的畫家就一個題材深

實沒有永恆的東西。我的錄像其實不算是錄像藝術品,是行為

入的探討再變新的風格樣式,我在想,這種變的發展真的是好的

的紀錄;之前還有個作品,是熱漲冷縮原理,我就在想冬天的

〈 X X X 〉這 個 作 品 找 的 是 素 人 ,或 許 根 本 不 知 道 怎 麼 繪 畫 的 人 ,

有很多上一輩的藝術家,他們的創作是某種圖像的處理方式或是

嗎,如果一個系列的畫一樣的一直重複畫不停的畫下去,是否這

我比夏天的我再小一點;做了個作品在北京非常熱的夏天,我

把一個很當代的書本給他們,讓他們去隨便挑圖片隨便畫,然

一種符號語言,更容易被辨識,相對固定的色彩搭配、相對固定

個 作 品 還 有 意 義? 今 天 的 社 會, 我 們 所 用 的 iphone、 所 用 的 電

躺在特別熱的地上,拍了照片,想這肯定比我在常溫的時候要

後他們就畫出半像不像的作品,又像原作又不太像,像是個小

的結構,但我的創作是比較沒有固定的題材或視覺效果,不過我

腦所有的設備,是不是也用這樣的方式去複製產生的,在今天可

再大一些,跟熱量和身體相關的作品。

藝術史但是藝術家是缺席的,由沒有接觸藝術的人的手去重新

在處裡作品的角度和切入點是有一個決裂的關係。這種感覺有點

能是最具有當代性的生產方式,而這種經典式的創造是不是已經

像前面放的垃圾袋作品〈慢性〉,乍看之下可能是個很普通的物

太過古典古老了,所以我試著用一種生產方式去創造藝術品,在

〈質地〉影片裡是一個吹著我的手很疼的高壓氣槍,氣槍是做

圖像留下來的話,藝術史是否仍存在著?藝術家這個身分變的

品,但是因為重量和它的材質被轉化,和日常用品也有個決裂的

我有空的時候這個作品就一直在做,每年都會繪一批這樣的畫,

雕塑很常用的,手在氣流下產生像波浪的很柔美的變化,很抽

很奇妙,可以拿任何東西指派為藝術品,是不是真的這樣,這

關係。其實石雕很早之前有紀念碑的關係,但是這種紀念碑賦予

名稱叫〈無窮〉,可能會畫到我一直畫不動為止。選擇圖像是雞

象也很漂亮,這也是對於身體質感的系列錄像。〈壓縮〉這個

裡我沒有答案只是提供一個思考。

垃圾被拋棄的形象。

蛋,因為剛學畫時老師說有個畫家叫達文西很厲害,原因是他畫

作品是我很慢很慢的回頭,很多微妙的動作和細節當你刻意放

的每個雞蛋都不一樣,顯示他功力的深厚,觀察力的細緻,包括

慢了以後會不一樣,我用了半個小時回了這個頭,用肉眼看幾

這是另外一個系列,這幾張作品做個呼應,有這樣的對比可以

再來這個作品〈反射〉霓虹燈閃爍的效果,作為進入展廳內部的

古代書法家王羲之,的「之」字就有很多不同的寫法,當初在畫

乎一動也不動,其實站立的時候用高速攝影機拍你還是不停的

激出作品更大的可讀性,這個系列叫《時間的容器》系列,其

引言一樣的東西,和二樓展廳的標題更靠近觀眾,它是會閃爍的

這個作品時就覺得挺不堪一擊,因為真的太難畫成一樣了。

抖; 用 了 半 小 時 回 頭 再 用 1000 倍 速 度 看 就 是 一 個 特 別 奇 怪 的

中一個最小的浪花作品只有 20 公分;之前看過林布蘭的畫很喜

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構建了平行之野史的藝術圖像。我想,如果藝術家不存在只有

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身 - 盧征遠個展

歡他的作品,但都看畫冊沒能看原作,他的畫很細緻很瀟灑空

術家 Bas Jan Ader,以前有個作品是攝影機對著他,他就開

盧 征 遠 很 多 作 品 都 用 拓 樸 學 的 概 念, 突 破 二 元 的 區 分, 脫 離 了

為主,在不同城市之間每年也有漂泊十幾個城市。我算了一下,

間感很大,當我去博物館真正看他的原作發現怎麼那麼小,而

始想一個讓他悲傷的事情,之後就開始哭到後來就變得很乾,

有 限 文 化 的 內 容, 產 生 新 的 想 像 與 理 解。 這 種 形 式 語 言, 有 時

在北京的藝術家很少是原籍北京的,這是一種人類遷徙的狀態,

藝術家創造這個空間和真實你想像的物理空間其實是錯位的,

和盧征遠的哭是有一種對話關係。你剛剛也說了從北京被拆掉

候 也 對 藝 術 家 不 利, 有 時 候 市 場 不 喜 歡 變 動 性 很 大 的 藝 術 家,

我 們 其 實 都 在 遷 徙 的 洪 流 中, 有 一 年 特 別 明 顯, 我 過 年 在 北 京

那我每天都在看手機想著手機和電腦的屏幕只有方寸大小,但

的建築拿到一些磚頭、石頭等等廢棄物搬來臺北做展覽,和剛

但 對 藝 術 性 而 言, 有 些 藝 術 家 有 一 種 游 牧 性 格, 有 一 種 游 動 的

過 ,空 城 ,大 家 都 回 老 家 過 年 了;陳 老 師 提 的 這 個 事 我 很 有 興 趣 ,

它可以看到世界所有的東西,手機的小小屏幕可以放一個喜馬

提到 1970 年代的觀念藝術家一樣也是搬了廢材,他就在他的

過 程, 不 知 道 是 不 是 跟 盧 征 遠 的 成 長 背 景 有 關 係? 或 對 一 些 藝

之前沒細想過,是個很自然的事,搞不好你自己就在這個遷徙的

拉雅山、一個山脈,手機畫面尺寸和實際的物品就變得不對等

車庫裏頭把他抬起來搬在身上,搬到撐不住就砸在地上,地上

術 家 常 到 國 外 去, 移 動 流 動 的 過 程 帶 給 藝 術 家 影 響, 地 表 上 也

進程中;我作品其實跨度很大,也挺碎片化,但我如果一直待在

的,這種奇妙的關係好像很多畫家沒有關注到的問題,而這種

有個燈就被他砸壞;和征遠是一種跨文化跨時代的,但是卻有

有 許 多 人 在 各 地 移 居, 對 這 個 世 界 也 會 產 生 改 變 與 反 饋。 從 盧

同一個地方就不會是這樣,是自然而然發生的事情。一方面是第

大和小到底是怎樣的一種關係,因為我是做雕塑的,對於尺寸

很多接近的語言是可以對話,特別是這種語言共同建立在藝術

征遠的作品裡頭有看到一些獨特的特性,特別提到他不是一個

二層現實,網絡的移動讓我們的世界很平行,從網路上可獲得許

大 小 和 空 間 感 是 有 感 覺 的 , 這 幅 作 品 叫 〈 巨 浪 〉, 但 作 品 尺 寸 很

家自己提到的一個重要概念就是「身體」,藝術家不太會去忽

畫 家 也 不 是 雕 塑 家, 好 像 從 作 品 裡 面 都 可 以 看 到 這 兩 個 特 性,

多知識和訊息量很大,沒有溝通障礙而且訊息的覆蓋率很快,這

小,我利用錯位和圖像尺寸的關聯做出這個作品。

略身體是直接去做藝術實踐的媒介。

跟 德 勒 茲(Gilles Deleuze) 所 講 的「 視 觸 性 」 有 關, 不 是 視

可能也是一種遷徙,包括信息的疊加,那藝術家體驗生活也是直

覺 也 不 是 觸 覺, 而 是 兩 個 同 步 出 現, 像 用 手 去 摸, 用 能 量 傳 遞

接的經驗。

這個叫〈謊言〉兩張畫看起來很接近,我覺得是一個很遊戲性

剛 盧 征 遠 開 始 介 紹 時 提 到 四 個 很 重 要 的 字 叫 做「 日 常 決 裂 」,

的作品像是找碴那樣的遊戲,找出是真是假,看到細節裡有一

我 們 每 天 都 在 過 生 活, 但 是 只 有 相 信 在 慣 性 裡 過 日 子 嗎? 還 是

組左邊或右邊像假的,因為它太漂亮了枝槎都很挺拔葉子每一

說 不! 我 每 天 都 是 在 告 別 昨 天, 每 天 這 種 矛 盾 的 感 覺 會 讓 你 查

盧:

這種游牧性剛剛提到的網路生活化,尤其是在一定年齡之下,

片都一樣;另一個葉子都不對稱然後葉子都萎縮不那麼新鮮,

覺 到, 到 底 是 生 活 還 是 藝 術; 我 了 解 到 盧 征 遠「 日 常 決 裂 」 的

除了日常物的創造,我在 2010-2011 年時在 UCCA 尤倫斯當代

好像在網路也成為生活的一部份,有可能是虛擬虛構的,所以

這種真和假就是一種錯位,越完美的東西越可能是假的、人造

藝術是從生活到實踐的策略,就我這個觀賞者來看這個策略是

藝術中心做過一個個展,叫做【84 天 84 件作品】個展,展覽

看到很多假造虛擬的,全是被生產出來的,所以說那種實際的

或不真實的,可能就是有這樣錯位的感覺。

被體現的非常全面。

在開幕時是沒有作品的,在 84 天中每天做個作品放在展廳,所

生活跟我們虛擬平台,很顯然強化了一種生產性的可能,這種

以, 展 覽 是 隨 著 時 間 生 長 出 來 的, 只 有 在 閉 幕 時 展 覽 才 是 完 整

生產在當代藝術也提供了一定程度的批判視野。最後再談一點

過一陣子消失,或許看不出但是在過程中是很具體的存在。 陳:

再來〈無題 3〉是去年比較新的作品,是用植物沾著瀝青抹在畫

盧征遠對我或其他人來說算是蠻典型的觀念藝術家,會運用生

的, 其 實 是 每 天 很 快 速 的 創 作、 把 生 活 變 成 作 品, 因 為 是 藝 術

問題,我們看盧征遠的展覽裡頭,特別是二樓的展覽,一些裝

布上,從視覺效果來看有種水墨的味道,但其實是瀝青,在材

活中很多的概念可以成為具體被轉化為藝術的可能,他也關注

家 ,所 以 可 以 把 生 活 做 成 作 品 ,要 不 然 就 是 一 般 生 活 就 過 去 了 。

置的概念和德勒茲接近,譬如說多重體、流變,不是用現成體

料的使用上就像城市的擴張和植物的衰退,用這兩種物品構成

很多有關繪畫美學我把它解釋為拓樸學(topology)在現代廣

其 中 有 個 作 品 是 北 京 很 難 見 到 夕 陽, 有 天 夕 陽 特 別 漂 亮, 我 調

直接做裝置,而是做一種回應。用一種比較直觀的方式去看,

一個畫面讓它看起來似乎又有些和諧,但也有緊張的關係,植

泛用在生物學、幾何學,擺脫了測量、距離,擺脫了計量和法

了一個夕陽顏色放在噴槍裡就噴灑在天上,像是畫一道風景一

盧征遠的作品有一種政治性,作為一種空間的部屬關係,變成

物沾著瀝青的部分被燒毀就死亡了。

則,舉例來說圓跟橢圓在拓樸裡面是同樣的東西,不會因為拉

樣 融 在 空 中; 還 有 一 天 我 生 病 了 北 京 特 別 冷, 我 聽 到 風 聲 就 把

是有美學概念的,畢竟盧在北京一個比較政治性的都會,這種

長而改變他原本的質地;運用這個原則來看盧的作品很奇妙,

攝影機綁在竹竿上放到窗外 10 分鐘,讓風變成導演,隨鏡頭在

影響有沒有從一個作品上看到政治的關係,自己私底下有沒有

這是最大的一個展廳作品,塑膠袋裡面人的型態也是我各個階

他用的非常多,會容易去了解他不是單純的去回應繪畫問題或

風中轉動,放在展廳形成特別炫的風景。

分析過這樣一個事情。

段 的 狀 態, 抽 象 的 人 的 感 覺; 再 來 也 是 石 雕, 白 色 大 理 石, 是

雕塑問題,是回到一個藝術的可能性,可不可以透過一個觀念

一個床單我在上面躺了一會兒,然後離開,它和黑石雕有種內

化的方式有一個全面性的推展。

陳:

盧:

這 樣 讓 我 想 到 另 一 個 法 國 觀 念 藝 術 家 克 萊 因(Yves Klein),

其實陳老師剛看一圈我的作品說:「你的作品很政治性嘛」,

和外的關係,一個是人在內部和人在外部;這個是羽毛很輕石 頭很重,是一個視覺和材質的錯位和反差。牆上《無題》是比

我第一次看到盧征遠的作品我就想到「蝴蝶效應」,再怎麼揮

他 在 開 展 前 放 滿 自 己 的 作 品, 開 展 後 一 一 的 搬 離, 直 到 閉 展 一

我後來反思陳老師為什麼會想到有政治性,因為我沒怎麼想這

較大的一個系列畫,大的畫和小畫用的是一樣的顏料,小的顏

也改變不了什麼,但那個效應會慢慢回來的。如果一個觀念藝

件 作 品 都 沒 有; 其 實 和 盧 的 也 不 算 相 反, 用 不 同 的 思 考 模 式 去

種事,我理解的政治性表達有兩種,一種是日常廣義的政治,

料 是 我 偶 然 的 甩 在 玻 璃 板 上 ,就 形 成 一 個 天 然 不 可 複 製 的 狀 態 ,

術家設想這個世界到底有什麼可能性,可以從非常微妙的改變

想 其 實 是 一 樣 的, 把 觀 念 去 做 一 個 演 繹, 是 帶 有 激 進 拓 樸 性 的

還有一種政治是兩個人或三個人就形成一種關係,這種關係也

然後我再用寫實的用林布蘭畫肖像的方式,把這塊顏料描繪下

而開啟全新的可能性,70 年代觀念藝術家 Joseph Kosuth

觀 念。84 天 84 件 作 品 就 呼 應 了「 日 常 決 裂 」 的 演 練, 想 像 一

是一種政治,我們之前討論關於一種身體政治,不是一種狹義

來;是一個現實主義和寫實的手法,但它的表徵卻看起來很抽

說:「什麼是藝術?藝術就是教藝術。」,所以說還是有微妙

個演員挑戰 84 天表演 84 個角色是一樣困難的,真正有演戲經

的 政 黨 政 治 ,如 果 從 這 個 角 度 來 說 ,我 的 作 品 是 討 論 這 部 分 的 ,

象,因為顏料從沒見過的樣子,在這邊可以看到抽象藝術和寫

的原則性,進而開啟轉向後的創造性。那套雞蛋的作品,在我

驗的進入角色後不是一天就能出來的,更何況是 84 天,那個觀

不是關於政治的那種關係,作品雖然使用的是既有的符號,但

實藝術兩個共生,找到中間值的感覺。

看來也是一個身體的藝術,他每畫一張都不一樣事實上每張都

念的密度可以去做轉換,請征遠和我們聊一下有關游牧性這一

背後想討論的是相對比較抽象的東西,是種語法的東西,不是

一 樣 ,即 使 畫 了 一 萬 張 在 我 看 來 他 在 畫 一 個 叫 做「 一 」的 東 西 ,

點, 從 不 同 城 市 的 移 居 經 驗, 或 到 國 外 的 展 覽 經 驗, 這 些 空 間

內容的東西,例如社會運動潮流或是具體事件去做論述;討論

非常獨特的「一」,完全擺脫真正計量的概念。

時間的轉換,有沒有給你帶來一個比較間接的影響。

重複性的人本和視覺的、身體的關係,抽象和寫實的對應。其

陳: 我想盧征遠在開頭也提到了這個展覽叫 Oxymoron 矛盾修飾法,

實政治是無所不在的,像是我們現在也是一種。我認為現在的

蠻有趣的 ! 我自己當然有不太一樣的看法,他的創作有幾個很重

外面的梯子和臺灣在地性也有一個關係,在我來看像是道士在

盧:

藝術家不是要創造一種視覺景觀,應該帶來一種思考強度,穿

要的部分,上個禮拜跟他碰面就想到一個 70 年代的荷蘭觀念藝

爬 刀 梯 ,但 很 不 一 樣 因 為 他 非 常 的 高 ,超 過 了 我 們 既 定 的 概 念 ,

我老家是遼寧大連人,14 歲到北京學藝術,一直到現在以北京

透生活引發一種思考。

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台北當代藝術館 Museum of Contemporary Art, Taipei

盧征遠

1982 年生於遼寧大連,畢業並任教於中央美術學院,現生活工作於北京。

個展

Oxymoron - Solo Exhibition by LU Zheng-yuan

身 - 盧征遠個展

Lu Zhengyuan

Born in Dalian, Liaoning in 1982;Graduating from and teaching in Central Academy of Fines Arts; living and working in Beijing now.

Solo Exhibitions 2015

【替 身——盧征遠個展】,台北當代藝術館,臺北,臺灣

2014

【遇見——盧征遠個展】,鳳凰藝都藝術空間,北京,中國

2013

2015

Oxymoron—Solo Exhibition by LU Zheng-yuan, MOCA, Taipei, Taiwan

2014

Meet: Lu Zhengyuan, Phoenix Art Center, Beijing, China

【���物志】,蜂巢當代藝術中心,北京,中國 【斑斕譜】,鳳凰藝都,北京,中國 【無窮動】,鳳凰藝都,上海,中國

2013

Superfluous Thing No. 2, Hive Center for Contemporary Art, Beijing, China The Color Codex (Banlanpu), Phoenix Art Center, Beijing, China Infinite, Phoenix Art Center, Shanghai, China

2012 

【半個真實】,藝萊畫廊,紐約,美國 【反射——盧征遠個展】,白盒子藝術館,北京,中國

2012 

Half-Truth, Eli Klein Fine Art, New York, USA Reflection: Lu Zhengyuan, White Box Museum of Art, Beijing, China

2010 

【84 天 84 件作品——盧征遠個展】,尤倫斯當代藝術中心,北京,中國 【盧征遠個展】,馬蕊樂畫廊,北京,中國 【51 平方——盧征遠個展】,泰康藝術空間,北京,中國

2010 

84 Days, 84 Works of Art, Ullens Center for Contemporary Art, Beijing, China Lu Zhengyuan: Solo Exhibition, Primo Marella Gallery, Beijing, China 51m2: No. 10 Lu Zhengyuan, Taikang Space, Beijing, China

2007

【天堂】誠品畫廊,臺北,臺灣

2007

Heaven, Eslite Gallery, Taipei, Taiwan

2015

【接力】,中國美術館,北京,中國 【跨越大洋】,普羅維登西亞文化中心,智利 【互助社】,rong 空間,北京,中國 【生活藝見】,今日美術館,北京,中國 【藝術北京公共藝術展】,全國農業展覽館,北京,中國 【破圖集】,寺上美術館,北京,中國 【浪漫的相關性】,南京藝術學院美術館,南京,中國 【中央美術學院未來展——創客】,中央美術學院美術館,北京,中國 【24 藝術計畫】,今日美術館,北京,中國

2015

Relay, National Art Museum of China, Beijing, China Cross the Ocean, Providencia Cultural Center, Santiago, Chile Mutual Cooperative, Rong Space, Beijing, China Life and Art, Today Art Museum, Beijing, China Art Beijing, National Agricultural Exhibition Center, Beijing, China Breaking the Image: Skin Ton≠≠es, Sishang Art Museum, Beijing, China Romancing Relevance, Art Museum of Nanjing University of the Arts, Nanjing, China Observer – Creator, CAFA Art Museum, Beijing, China Naissance, Today Art Museum, Beijing, China

2014

The Second China International Forum on Installation Art, Long Museum, Shanghai, China The Third Criticism Art Language, Times Art Museum, Beijing, China New Generation of Abstract Art, Sishang Art Museum, Beijing, China Lesser Logic—Linguistic Encoding and Discursive Expression in Contemporary Art, Parkview Green Art Gallery, Beijing, China Only for Existence, FM Art Space, Guangzhou, China

2013

Art Stage Singapore, Marina Bay Sands Expo & Convention Centre, Singapore Sculpture Exhibition of Contemporary Young Artists in China, China Sculpture Institute, Chengdu, China All Can Be Meat, All Can Be Eaten, Song Zhuang Art Festival, Beijing, China Legacy and Progress, Phoenix Art Museum, Wuxi, China Stripping—International Glass Contemporary Art Exhibition, Whitebox Art Center, Beijing, China Central Academy of Fine Arts: Faculty Work Exhibition, CAFA Art Museum, Beijing, China Datong International Sculpture Biennial, Sculpture Museum of China, Datong, China On the Road 2013, Guan Shanyue Art Museum, Shenzhen, China Teachers' Work of Central Academy of Fine Arts 2013, CAFA Art Museum,Beijing, China

2012

Reactivation, The 9th Shanghai International Biennial, Shanghai, China Colored Sculptures, Fujian Fuzhou Art Museum, Fujian, China Art and Design 100, Whitebox Art Center, Beijing, China View and Meditation, Nest Art Center, Chengdu, China Sculpt China, Central Academy of Fine Arts Sculpture Center, Beijing, China Playful Resistance, Hakgojae Gallery, Seoul, Korea Accidental Message, The 7th Shenzhen Sculpture Biennale, Shenzhen, China Everything: The Sixth A+A, PIFO Gallery, Beijing, China

2011

Ten Years: Central Academy of Fine Arts Foundation Exhibition, CAFA Art Museum, Beijing, China New Perspective: Chinese Contemporary Art in Portugal, Museu Fundação Oriente, Lisbon, Portugal Start from the Horizon: Chinese Contemporary Sculpture Since 1978, Sishang Art Museum, Beijing, China Seven Ways—Image-Making and Its Discontents, O2 Arts, Times Art Museum, Beijing, China A Play, Jing Yi Art Space, Beijing, China Endless Variations, Red Star Gallery, Beijing, China Extract: The 3rd Stall Keeper Show, C5 Art, Beijing, China The Shape and Dimension of Thinking, Hanmo Art Gallery, Beijing, China 51m2: No. 16 Emerging Chinese Artists, Taikang Space, Beijing, China

2010

The Possibility of Uncertainty, Songzhuang Art Museum, Beijing, China Work in Progress: How Do Artists Work, Iberia Center for Contemporary Art, Beijing, China The Big Bang, White Rabbit Gallery, Sydney, Australia You Say That The Furthest Drift in This City Is to Pass by People One after Another Constantly, Nantong Central Art Museum, Nantong, China Conception as Enzyme, A4 Contemporary Arts Center, Chengdu, China Wasabi YCA: An Exhibition of Young Contemporary Artist, Li Space, Beijing, China Get it Louder: Sharism, Sanlitun SOHO, Beijing, China Sculpture, A4 Contemporary Arts Center, Chengdu, China Little Step Forward, Metal Warehouse (798 Creative Square), Beijing, China

2009

Re-experimentation: A Reaffirmation of Intelligence and Willpower, 798 Contemporary Art Festival, Beijing, China The Start of a Long Journey, CAFA Art Museum, Beijing, China

2008

How Far from Art, Our Space, Beijing, China Self-Experience: Young Artists Group Show, Platform China, Beijing, China The Game is Not Over, Arario Gallery, Beijing, China

主要群展

2014

【中國國際裝置藝術展】,龍美術館,上海,中國 【第三種批判:藝術語言的批判性】,時代美術館,北京,中國 【抽象藝術新一代】,寺上美術館,北京,中國 【小邏輯──當代藝術的語言編碼與話語表述】,僑福芳草地,北京,中國 【只要存在——80 後青年藝術家聯展】,風眠藝術空間,廣州,中國

2013

【藝術登陸新加坡 】,金沙會展中心,新加坡 【中國當代青年雕塑邀請展】,中國雕塑學會,成都,中國 【所有能吃的肉】,宋莊藝術節,北京,中國 【傳承與前行——中央美術學院師生作品展】,鳳凰藝都美術館,無錫,中國 【剝離──國際當代玻璃藝術展】,白盒子藝術館,北京,中國 【CAFA 教師──中央美術學院教師作品展】,中央美術學院美術館,北京,中國 【延伸——大同國際雕塑雙年展】,中國雕塑博物館,大同,中國 【在路上 ‧2013——中國青年藝術家作品提名展暨青年批評家論壇】,關山月美術館,深圳,中國 【中央美術學院教師創作特展】,中央美術學院美術館,北京,中國

2012

【重新發電——第九屆上海國際雙年展】,上海,中國 【著色雕塑】,福建福州博物館,中國 【藝術與設計 100 】,白盒子藝術館,北京,中國 【近觀與冥想】,巢藝術中心,成都,中國 【雕塑中國】,中央美術學院雕塑研究中心,北京,中國 【遊戲般的抵抗】,韓國學古齋畫廊,首爾,韓國 【偶然的資訊】,第七屆深圳國際雕塑雙年展,深圳,中國 【走出波浪——A+A 第六回展】,偏鋒新藝術空間,北京,中國

2011

【十年——造型學院基礎部教學研究展】,中央美術學院美術館,北京,中國 【新視覺——赴葡萄牙中國當代藝術展】,東方博物館,里斯本,葡萄牙 【清晰的地平線——1978 年的中國當代雕塑文獻展】,寺上美術館,北京,中國 【七種——圖像的製造與不安】,時代美術館,北京,中國 【劇本】,靜藝畫廊,北京,中國 【龍生九子】,紅星畫廊,北京,中國 【擺攤第三回:抽——青年藝術家匿名展】,西五藝術中心,北京,中國 【思想的形狀及其維度】,世紀翰墨畫廊,北京,中國 【51 平方藝術家聯展】,泰康空間,北京,中國

2010

【不確定的可能性】,宋莊美術館,北京,中國 【工作坊——藝術家是如何工作的】,伊比利亞當代藝術中心,北京,中國 【THE BIG BANG】,白兔美術館,雪梨,澳大利亞 【你說最遠的漂泊是在這座城裡陸續和人們擦肩而過】,中心美術館,南通,中國 【概念之酶】,A4 畫廊,成都,中國 【給力:YCA 年輕當代藝術家展】,荔空間,北京,中國 【分享主義——2010 大聲展】,三里屯 SOHO,北京,中國 【雕塑】,A4 畫廊,成都,中國 【向前一小步:當代青年實驗藝術邀請展】,798 創意廣場藝術館金屬庫,北京,中國

2009 

【再實驗——智性與意志的重申】,798 當代藝術節,北京,中國 【千里之行】,中央美術學院美術館,北京,中國

2008  

【離藝術還有多遠】,OURSPACE 獨立項目空間, 北京, 中國 【自我經驗——中國青年藝術家聯展】,月臺中國當代藝術機構,北京,中國 【遊戲沒有結束】,阿拉里奧畫廊,北京,中國

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Group Exhibitions

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台北當代藝術館 Museum of Contemporary Art, Taipei

Oxymoron - Solo Exhibition by LU Zheng-yuan

身 - 盧征遠個展

替 身 - 盧征遠個展 Oxymoron- Solo Exhibition by LU Zheng-yuan

Production Team

Working Team of Exhibition

Publisher: Taipei Culture Foundation

Museum of Contemporary Art, Taipei

Chief Editor: J.J. Shih

Executive Director: J.J. Shih

顧問:林羽婕

Editing Consultant: Maple Yu-chieh Lin

Consultant: Maple Yu-chieh Lin

執行編輯:王雪妮、黃香凝、張數滿

學術主持:范迪安

E xe c u t i ve Ed i to rs : S h i r n e y Wo n g , A n i ta H u a n g ,

Academic Chair: Dian FAN

美術編輯:蔡汶澄、林玟彤

贊助:陳衛宏、鄒芳女士

Shuman Chang

Sponsor: Wei-Hong Chen, Fang Zou

攝影:陳立緯、蔡汶澄

統籌:趙慶東

Designer: Wen-Cheng Tsai, Swa Lin

Consultant: Qing-Dong Zhao

專輯執行

展覽執行

發行者:財團法人台北市文化基金會

台北當代藝術館

總編輯:石瑞仁

執行總監:石瑞仁

編輯顧問:林羽婕

翻譯:黃亮融、廖蕙芬

Photographer: Li-Wei Chen, Wen-Cheng Tsai 展覽組團隊成員

出版者:財團法人台北市文化基金會台北當代藝術館

副組長:許格元、王雪妮、黃伊涵

地址:103 台北市大同區長安西路 39 號

專員:許翼翔、黃俊璋、王妍珳、黃香凝、許瑞芬

電話:+886-2-2552-3721

視覺設計團隊成員

傳真:+886-2-2559-3874

副組長:周文婷

網址:www.mocataipei.org.tw

專員:蘇丰健、林玟彤

Translator: Liang-jung Huang, Hui-Fen Liao

Department of Exhibition Deputy Supervisor: Ge-yuan Hsu, Shirney Wong,

Published by Taipei Culture Foundation/

Yi-han Huang

Museum of Contemporary Art, Taipei

Specialists: Ian Hsu, Gino Huang, Yen-wen Wang,

A d d re s s : N o . 3 9 , C h a n g - A n We st Ro a d , Ta i p e i 1 0 3 ,

Anita Huang, Fanny Hsu

R.O.C.

印刷:琦華科技印刷有限公司 定價:新台幣 750 元

發展行銷與推廣教育組團隊成員

Telephone: +886 2 2552 - 3721

Department of Visual Design

初版一刷:2016 年 1 月

副組長:陳思安

Fax : +886 2 2559 - 3874

Deputy Supervisor: Dwadi Chou

ISBN:978-986-92626-4-4 ( 精裝 )

專員:呂易穎、王瑋婷、陳筱筠、章綺芸、詹筑涵、

Website: www.mocataipei.org.tw

Specialists: Feng-jian Su, Swa Lin

張數滿、蘇雲禎、張丞安

Printed by CHYI HWA PRINT TECHNOLOGY LTD.

版權所有 請勿翻印 行政組團隊成員 組長:曾清琪 副組長:李金玉

Price: TWD.750

Department of Communications and Education

First Published in January, 2016

Deputy Supervisor: San Chen

ISBN:978-986-92626-4-4

Specialists: Yi-ying Lu, Wei-ting Wang, Xiao-yun Chen, Eran Jang, Heather Chan,

專員:陳貞蓉、郭宜茵、陳忠成、葉芷伶 All Rights Reserved by

Sunman Chang, Yun-jen Su, Cheng-an Chang

the Museum of Contemporary Art, Taipei Department of Administration Supervisor: Kate Tseng Deputy Supervisor: Erika Li Specialists: Anita Chen, Vivian Kuo, Ryan Chen, Tsz Ling Ip

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盧 征 遠 個 展

石 瑞 仁 總 編 輯 . — 初 版 . — 臺 北 市 : 台 北 當 代 藝 術 館 出 版 : 臺北 市 文 化 基 金 會 發 行 , 2 0 1 6 . 0 1 面 ; 3 0 × 2 2 . 5 公 分 I S B N : 9 7 8 - 9 8 6 - 9 2 6 2 6 - 4 - 4 ( 精 裝 ) 1 . 藝 術

2 . 裝 置 藝 術

3 . 作 品 集

960 105001962


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