Las muertes más famosas y dramáticas de los famosos by enfasis

lAs muertes mรกs Y dramรกticas de los

Desde 1962 hasta nuestros dias

lAs muertes mรกs Y dramรกticas de los Desde 1920 hasta nuestros dias

ESTE ES UN TRABAJO CON FINES ACADEMICOS © Juanito Jiménez, 2013 © Ediciones LALA, 2013

Impreso por Juanito Jiménez Calle 1 # 1 – 5, Bogotá info@juanitojimenez.co – www. juanitojimenez.co Impreso en Colombia – Printed in Colombia

ISBN: 1234567891234 Impreso en Colombia – Printed in Colombia 1ª edición: abril 2013 1ª reimpresión: enero 2013 2ª reimpresión: agosto 2014 3ª reimpresión: febrero 2014 4ª reimpresión: junio 2015 2ª edición: noviembre 2015

Reservados todos los derechos. No se permite la reproducción total o parcial de esta obra, ni su incorporación a un sistema informático, ni su transmisión en cualquier forma o por cualquier medio (electrónico, mecánico, fotocopia, grabación u otros) sin autorización previa y por escrito de los titulares del copyright. La infracción de dichos derechos puede constituir un delito contra la propiedad intelectual.

PRĂ&#x201C;LOGO Hilibeatio est vidit eum aces andaeriossi dolorei untibera cuptatis ad quam ex excerch itisto bero veruntios ni blaboribus dendit vit, sitatur, sitam que pores ius, tem elit omnis atios reictiorecte quodi volorest, corum ex et voluptae poreper oribus dis quae velecto tectur, ommoloratur aut vernatet id mi, con nonsectus ex exernam, tem. Dusae nosapid eligent aspis et que delecuptatem inctatemodis utaesse niminctet ime consequo culliqui culpari busaepellant mo inciis maximintur, et qui ne plabo. Soloremo mincil magnis es eatatur, omnihil im dus moloren iasperias sitatur molupisque con con nonsequatem faciatio. Pitempedit idis cus velent fugit ut volorum quodia sitate consedi doluptae. Cab ium volessimint il idipsuntorat liquat ium fugia doluptaest pro tem harum accat imusandi ati berae nos reresequam volor aris eos experaes eos qui dolo molor aut volor sin essit, sitioremqui quias ped magnist et del minvern atemperum aut volut eatus eicimporenis es ipiendam et excea quia conseque volorerro occabo. Ut et arum nonsectias sanis poressed ut porundis quam, utem repre alibust, et ullaut minctem quis dunti nim quam repe veribus eos mil min cum quam in cum, testisit pro vit quati ut doluptio. Cumquam quoditam, aut eum simpe preptaquis ratempor aut earumenti occab ius, officia dolectatur aliquis sin ne rem et qui asperro excepudandi tem quis modist que estis essundisim quuntia quid moluptatus nis eiur as molore magnam, sinctis nonsequidi ut est, verovide vendio que non esequod isitisquis consero mi, comnimpora voloria idus quae provit digenes int, sam quid earibus reped quis quiamendant aliquiatur? Aquiam, siminciae odi beri aut fugia consectur a dolore coreici delenias pore comnis re netusam fuga. Ut et hilibus eatius, torempos net iur aut que poriatiissi corae. Et de volorehenis ipsum il id quo volent arum eic tempero te volent, cusant, officimi, quam, quunto consequis doluptatur, qui illam volutam, vellandipsa neturernamus rempore nducien daniam, utat. Tur res nam et volupta tiatis por simpore est facesto imus nate nonsequos evel earum eum estotate nimolorro coria dolectatures modit labo. Hicium quiae eum non num eosani berioritem quatiorunt untis exerspi entem. Cit etur, ut estiisq uunturio. Um quo quam, sitaspi tatatur accum ea dolor sapernam, sinitat ionsequi tore resciis re ratestius. Sa volore preicaborem qui volorerori aut voluptatur, expla que dus id quibus, volorest, qui a corest faccum il ea quia verionsectur si rem resenihiciae dolorro ea nat experib ustiam fugiti temolor estrum lati ommodit, optat harchillabo. Mi, que non res que netur as ilias modi unt officae con consequae volo cusamet essecte mporest, omniae sinvel iur aut accus, que simporr umquatusdam ipsam, sapicienda ped quam, adicil is a quo quid qui cusape quunt que etur as dolo vendere mposte quae corum haria num veliber feruptas eic tor res ari resequi dollaut essimus quo dolut lam sande net optae earit liqui duntio ex eseque plaborpor aperro blaccae. Et eatis adior acerspe reptatate nest, incim fuga. Restior ionseque lacepe repedit, niminihicia doluptatur, saperae im harchicitio essim ipsunti corestrum, estio blam accusapit, conseca borrorendi officid ut aborem que odi tecto eosantur? Gite siti nos restemp orrorep udandit opta quidel et harciis invento officid undebis moloratia sit pos a nihiligento imillaborem abo. Osaerchil idebitiur aut estis adis et etur seque dolent eos et, saeribus voleste ctatus ulparibus moloreptas milluptas quidunto odipsus

CONTENIDO

1. Marilyn Monroe

2. Michael Jackson

3. Robin Williams

4. Philip Hoffman

5. Amy Winehouse

6. Whitney Houston

7. Jimi Hendrix

8. Heath Ledger

9. Paul Walker

10. Bruce Lee

11. Jim Morrison

12. Corey Monteith

13. River Phoenix

14. Jhon Belushi

15. Corey Haim

16. Brittany Murphy

102

17. Kurt Cobain

108

18. Janis Joplin

114

19. Anna Nicole Smith

120

20. Natalie Wood

126

Marilyn Monroe 1 de junio de 1926 â&#x20AC;&#x201C; 5 de agosto de 1962

¿Sobredosis accidental o voluntaria de barbitúricos? ¿Juguete moldeable de una conspiración para hacer tambalear al gobierno? ¿Chivo expiatorio de la familia Kennedy? Convertidas en pasatiempo nacional, las teorías sobre su sombrío fallecimiento, fechado el 5 de agosto de 1962, no han dejado de alimentar el culto a su figura.

Gladys Pearl Baker (apellido de nacimiento Monroe, 27 de mayo de 1902 – 11 de marzo de 1984, madre de Marilyn)4 se casó con el noruego Edward Mortenson y, poco después de separarse, descubrió que estaba embarazada.5 El 1 de junio de 1926 nació en Los Ángeles su hija Norma Jeane Mortenson, según consta en el registro civil para que no fuera ilegítima, y llamada Norma Jean Baker en la práctica.6 7 Su madre la llamó Norma porque su actriz favorita era Norma Talmadge y Jeane por Jean Harlow. Gladys, que trabajó como cortadora de negativos en la productora de cine RKO Pictures,7 5 no podía mantener a su hija por problemas económicos y emocionales y la dejó al cuidado de un matrimonio adoptivo: Albert e Ida Bolender, residentes en Hawthorne (California). Cuando Gladys consiguió una casa propia decidió llevarse consigo a su hija, pero al cabo de unos meses sufrió una crisis nerviosa y la custodia de Norma Jeane la obtuvo la mejor amiga de su madre, Grace McKee, quién despertó su interés por el cine y quién la incentivó para que fuera, en un futuro, actriz.7 5 Cuando su tutora se casó en 1935 y se trasladó a la costa oeste de Estados Unidos, Norma Jeane fue dada en adopción a otras familias, hasta que dos años después consiguió la custodia. Solo por unos meses, puesto que la custodia la obtuvo poco después el tío de la mejor amiga de su madre, Olive Brunings, después de que Norma acusara al marido de Grace McKee de haberla violado. A los 12 años volvió a ser violada, esta vez por uno de los hijos de Brunings.9 Pero, también a los doce años, ocurrió algo importante en su vida: descubrió que tenía una hermanastra mayor por parte de madre. Se llamaba Bereniece y empezaron

a escribirse cartas, hasta que un día pudieron ponerse en contacto. Hasta la muerte de Norma, ya convertida en la gran estrella Marilyn Monroe, las hermanastras tuvieron una relación muy estrecha. Norma descubrió que no estaba tan sola como creía. Mientras tanto, después de la violación, se fue a vivir con una de las tías de McKee hasta que la señora empezó a tener problemas de salud y le fue imposible cuidar de ella. De nuevo en casa de McKee, Norma tomó una decisión que cambiaría su vida. El marido de McKee había recibido una oferta de trabajo e iban a mudarse, por lo que ella tendría que ir a un orfanato. Para evitarlo, se casó con el hijo policía de una vecina en junio de 1942. Norma tenía 16 años y James Dougherty, 21. Desde entonces ella dejó de estudiar para dedicarse a su papel de buena esposa y buena ama de casa.5 En 1943, cuando Estados Unidos entró a formar parte en la Segunda Guerra Mundial, Dougherty se enroló en la marina y fue enviado como instructor a la Isla de Santa Catalina, frente a Los Ángeles, para luego embarcarse hacia Australia. Norma Jeane, al quedarse sola, se trasladó a casa de su suegra, con quien trabajó luego en una fábrica de municiones: la Radio Plane de Burbank.5 Marilyn Monroe trabajaba como técnico en la fábrica de municiones Radioplane cuando fue fotografiada en su trabajo para la revista Yank, the Army Weekly, en 1944. Mientras trabaja en la fábrica, un fotógrafo la retrató en su puesto de trabajo. Sin saberlo, había descubierto a la que poco después sería la gran Marilyn Monroe. Ella, por su parte, logró cotizarse como modelo y fue portada de decenas de revistas.1 5 Pero, su trabajo como mo-

delo era algo que no le gustaba a su marido y éste le puso contra la espada y la pared: o continuaba siendo una «buena» ama de casa o bien emprendía su camino hacia la fama. En 1946, apostando por su futuro, Norma se divorcia de su marido y se presenta a varios castings. Fue contratada por uno de los ejecutivos de la Twentieth Century Fox para trabajar como extra de cine durante seis meses.10 Fue él quien le propuso el nombre artístico de Marilyn Monroe: Marilyn por la actriz Marilyn Miller y Monroe por ser el apellido de soltera de su abuela. En sus primeros papeles interpretó a una telefonista en la película musical The Shocking Miss Pilgrim y a una camarera en Dangerous Years. La escasa aceptación que estas películas recibieron de la crítica y del público hicieron que su contrato no fuese renovado en 1947.11 En 1948, Monroe firmó un contrato semestral con Columbia Pictures para interpretar a la bailarina Peggy en el musical Ladies of the Chorus.12 La película no tuvo mucho éxito, por lo que su contrato fue rescindido. Sin embargo, a partir de entonces solo apareció en pelícu-

Fue su primer papel protagonista y, en palabras suyas, le exigió escenas de gran carga dramática, pero no obtuvo el éxito esperado. En Monkey Business (Me siento rejuvenecer), donde fue dirigida por Howard Hawks y actuó junto a Cary Grant y Ginger Rogers,18 19 mostró, por primera vez, la que sería su imagen definitiva: melena corta ondulada en un rubio platino. Pocos años antes se había sometido a una discreta rinoplastia. En 1953, después de participar en películas de bajo presupuesto, la actriz tuvo un papel protagonista: Rose en Niágara. Y fue porque el aquel entonces presidente de la Twenty Century Fox, Darryl F. Zanuck, lo pidió.20 Así fue como Marilyn Monroe sustituyó a Anne Bancroft y consiguió críticas dispares: unos decían que no estaba a la altura del papel y otros quedaron eclipsados por su explosiva belleza.21 22 A modo de curiosidad, destacar que los famosos cuadros de Andy Warhol sobre Marilyn tienen como modelo una imagen promocional de esta película. En diciembre de ese mismo año, Marilyn apareció en el número inaugural de Playboy, siendo por lo tanto la primera chica del mes de la revista. En la portada se reproducía una fotografía de la actriz con un vestido de escote pronunciado, que había suscitado críticas, pero el interior era aún más explosivo: como póster central se reproducía la fotografía Sueños dorados, donde Marilyn totalmente desnuda sobre una sábana de raso mostraba

las producidas por la Twentieth Century Fox desde que firmó un contrato de seis años en 1949.13 14 Participó con un breve papel en la comedia Amor en conserva de los Hermanos Marx, y en 1950 interpretó a Ángela, la amante de un abogado, en la película policíaca La jungla de asfalto.15 En ese mismo año también participó en la película Eva al desnudo, protagonizada por Bette Davis, donde interpretó a Claudia Caswell, una actriz de teatro. Por sendas interpretaciones recibió críticas positivas.16 En febrero de 1951 se inscribió en las clases nocturnas de arte y literatura de la Universidad de California. En ese año interpretó, en varias películas de bajo presupuesto como Home Town Story, As Young as You Feel y Love Nest, papeles secundarios.17 Las perspectivas de su carrera comenzaron a mejorar cuando actuó a las órdenes de Fritz Lang en Clash by Night (1952), con un elenco que incluía a Barbara Stanwyck, Paul Douglas y Robert Ryan. Nuevamente su actuación recibió buenas críticas y poco después actuó en We’re Not Married, comedia donde trabajó junto a Ginger Rogers y Zsa Zsa Gabor, y en Don’t Bother to Knock, un thriller donde interpretaba a una niñera perturbada a la que vigila Richard Widmark.

sus medidas 94-58-92.23 En realidad Marilyn no había posado expresamente para la revista: la imagen era de 1949, cuando ella era una desconocida de cabello más largo y oscuro, y se había tomado para un calendario. Pero Hugh Hefner compró los derechos justo a tiempo para explotar el creciente estrellato de la actriz. La actriz protagonizó junto a Jane Russell la película Los caballeros las prefieren rubias (1953).24 Allí interpretó a Lorelei Lee, una cantante y bailarina. Su trabajo en este filme recibió buenas críticas y su interpretación del número musical “Diamonds Are a Girl’s Best Friends” se convirtió en un clásico de los musicales.,25 siendo recreada décadas después por Madonna. En ese mismo año, Marilyn trabajó con Lauren Bacall y Betty Grable en How to Marry a Millionaire (Cómo casarse con un millonario). En esta comedia interpretó a Pola, una modelo que alquila junto a sus amigas un lujoso departamento con el objetivo de atraer acaudalados desprevenidos para poder casarse con ellos. La película obtuvo críticas positivas y buena recaudación, y nuevamente la actuación de Monroe recibió buenas reseñas.26

Teniendo en cuenta que el informe de la autopsia calificó la causa de la muerte como un «probable suicidio» por falta de pruebas, muchos creen que fue asesinada

En 1954 la actriz apareció en la película de Otto Preminger, River of No Return (Río sin retorno), junto a los actores Robert Mitchum, Rory Calhoun, Tommy Rettig y Murvyn Vye. Se trató de un western en el que ella interpretó el papel de una cantante de saloon que conoce a un rudo vaquero, con el que vive distintas aventuras. La película obtuvo críticas negativas y no le fue bien financieramente.27 En ese mismo año actuó en There’s No Business Like Show Business (Luces de Candilejas), una comedia musical donde compartió escena con Ethel Merman, Donald O´Connor y Mitzy Gaynor.28 La película recibió críticas negativas y no tuvo una buena recaudación. Posteriormente rechazó filmar una película con Frank Sinatra por no estar conforme con el argumento de la misma y con el salario que recibiría. Esto hizo que el estudio para el que trabajaba la suspendiera durante un breve lapso temporal en el que permaneció alejada de la actuación, aunque realizó presentaciones como cantante en Japón para entretener a las tropas estadounidenses.29 Tras un breve receso, Monroe aceptó el papel de La Chica en la comedia The Seven Year Itch (La tentación vive arriba en España y La Comezón del Séptimo Año en Argentina), de 1955, adaptación cinematográfica de la obra teatral del mismo nombre.30 31 Por su trabajo en esta película recibió críticas positivas de diversas fuentes y su primer nominación al premio BAFTA como Mejor actriz extranjera. Por su parte, The Seven Year Itch fue un gran éxito comercial, ya que recaudó más de ocho millones de dólares,32 pero contribuyó a la crisis matrimonial entre Marilyn y Joe DiMaggio, disgustado por la famosa escena del vestido y, en general, por la imagen provocativa que Marilyn proyectaba. La pareja se divorciaría rápidamente. Después, el estudio ofreció a la actriz un contrato más ventajoso desde el punto de vista comercial y artístico, en el que se incluyó una cláusula que señalaba que recibiría un porcentaje de la recaudación y otra que le concedía la posibilidad de realizar una producción independiente cada año.33 34

el mensaje era claro: la actriz había muerto. El policía fue el primero en llegar al lugar y encontró una serie de inconsistencias en los testimonios de los dos médicos y el ama de llaves. La escena de la muerte parecía arreglada, las sábanas cambiadas y limpias y el cuerpo había sido movido. Clemmons no dejó de notar que a esa hora, la señora Murray estaba lavando ropa, lo que le causó gran sorpresa. Las livideces cadavéricas no coincidían con la postura por demás antinatural en que encontró el cuerpo la policía. La autopsia reveló que había fallecido por una sobredosis de barbitúricos.63 Teniendo en cuenta que el informe de la autopsia calificó la causa de la muerte como un «probable suicidio» por falta de pruebas, muchos creen que fue asesinada. Los médicos Greenson y Engelberg le suministraban varios barbitúricos recetados que pudieron acumularse en su cuerpo hasta alcanzar niveles peligrosos para la vida. Euniece Murray, su ama de llaves, fue entrevistada 23 años después y confirmó que aquella noche no conseguía dormir. Según su versión, se levantó y observó que las luces de la habitación de Monroe estaban encendidas. Cuando llegó se encontró a la mujer desnuda y sin vida sobre la cama.

Después de que la readmitieran, Monroe retomó las negociaciones con la productora para discutir su futuro profesional.61 El estudio tenía pensado para ella retratar a Jean Harlow en una película biográfica, después filmada por Carroll Baker. También quería que actuara en las comedias: Irma la Douce, What a Way to Go!, ambas luego protagonizadas por Shirley MacLaine, y Kiss Me, Stupid, más tarde protagonizada por Kim Novak.61 El acuerdo al que llegaron estableció que recibiría un millón de dólares por película y que tenía la libertad de elegir director y coprotagonistas.62 El 5 de agosto de 1962, a las 4:55 de la madrugada, el jefe del departamento policial de Los Ángeles, Jack Clemmons, recibió una llamada inquietante. Su interlocutor era el doctor Greenson, psiquiatra de Marilyn Monroe, y

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Una carrera es una cosa maravillosa, pero no sirve para acurrucarse en ella en una noche fría

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Michael Jackson 29 de agosto de 1958 - 25 de junio de 2009

figuran entre los álbumes más vendidos de todos los tiempos, pero en 2001 fue publicado Invincible, cuyas ventas fueron inferiores a los gastos y el artista se vio implicado en una disputa con su discográfica. Por otra parte, trece de los 98 sencillos de Jackson alcanzaron el primer lugar de la lista Billboard 100. Se estima que Michael Jackson ha vendido más de 400 millones de sus producciones musicales, lo que lo convierte en uno de los músicos con mayores ventas.n. 1 Ha cosechado múltiples premios, ha sido incluido dos veces en el Salón de la Fama del Rock, ha batido múltiples récords en el Guinness World Records y ha recibido veintiséis American Music Awards y quince premios Grammy en diversas categorías musicales, de los cuales dos son póstumos. Posee el récord del artista más galardonado de la historia de la música, con más de 400 premios (Véase la sección «Premios y honores» para más información).12 Además, ha sido reconocido por sus actos de filantropía, ostentando el récord al artista que más dinero ha donado a obras benéficas, con cientos de millones de dólares donados a 39 instituciones de este tipo.13

Michael Joseph Jackson1 (n. Gary, Indiana, 29 de agosto de 1958-Los Ángeles, California, 25 de junio de 2009) más conocido como Michael Jackson, fue un cantante, compositor, bailarín, actor, productor, empresario y filántropo estadounidense. Conocido como el «Rey del Pop»,2 sus contribuciones a la música y el baile, así como su publicitada vida personal, le convirtieron en una figura internacional en la cultura popular durante más de cuatro décadas, siendo reconocido como la estrella de la música pop más exitosa a nivel mundial.3 Sin embargo su música incluyó una amplia acepción de subgéneros como el rhythm & blues (soul y funk), disco y dance.3

Comenzó su carrera artística a mediados de los años 1960 en la agrupación musical The Jackson 5, en la cual publicó junto a algunos de sus hermanos, diez álbumes hasta 1975. En 1971 inició su carrera como solista, aunque siguió perteneciendo a la agrupación. Debido al éxito de su álbum Thriller (1982), el disco más vendido de la historia, se convirtió en la mayor estrella de la música pop en ese momento. Algunos de sus álbumes publicados, como Off the Wall (1979), Bad (1987), Dangerous (1991) o HIStory: Past, Present and Future, Book I (1995),

Jackson se vio envuelto en dos capítulos polémicos: el primero en 1993 y más tarde en 2003. En ambos casos el cantante fue acusado de abuso sexual hacia dos niños de trece años en cada caso. Sin embargo, las acusaciones fueron revocadas tras abonar una suma de más de veinte millones de dólares a fin de evitar un juicio en el primer caso y, en el segundo, al ser absuelto en el juicio por falta de pruebas. Estos sucesos tuvieron repercusión mundial y afectaron su vida y carrera artística.14 Tras más de diez años desde su última gira, Michael Jackson anunció su regreso a los escenarios con una gira que se titularía This Is It, sin embargo, días antes del comienzo de la gira, el 25 de junio de 2009, el cantante falleció por un paro cardiorrespiratorio. Más de dos mil millones de personas vieron su funeral en la televisión en vivo. En 2010, Sony Music Entertainment firmó un

contrato con su familia por 250 millones de dólares para retener los derechos de distribución de sus discos y publicar hasta siete álbumes póstumos hasta 2017. Michael Joseph Jackson nació en Gary, Indiana, el 29 de agosto de 1958. Su madre, Katherine Jackson (de soltera, Kattie B. Screws),15 era una devota testigo de Jehová, y su padre, Joseph Walter “Joe” Jackson, trabajaba en una fábrica y cantaba en un conjunto musical llamado The Falcons.15 Michael tuvo tres hermanas: Rebbie, La Toya y Janet, y seis hermanos: Jackie, Tito, Jermaine, Marlon, Brandon (mellizo de Marlon que murió poco después de nacer)16 y Randy.15 Durante su infancia vivió en su ciudad natal con sus padres y sus ocho hermanos, donde creció en un ambiente de maltratos continuos, debido a los abusos que sufrió por parte de su padre, como confirmó su hermano Tito. Éste aseguro que, en varias ocasiones, el cantante «lloraba mucho debido a los golpes de su padre e intentaba esconderse de él».17 Su padre cometió adulterio varias veces, y en una de esas tuvo una hija.18 Ese tipo de relación hizo que la pareja no se sintiese a gusto con su relación matrimonial, por lo que desde 2005 la pareja decidió dejar de vivir junta y en agosto de 2010 anunciaron su separación después de 60 años de matrimonio.19 Desde temprana edad Michael demostró interés por la música, cuando cantaba en las celebraciones navideñas del jardín de infancia al que asistía. En 1964, su hermano Marlon y él se unieron a la banda musical Jackson Brothers, formada por sus hermanos mayores —Jackie, Tito, y Jermaine— donde tocaban bongós y panderetas. Michael destacó del resto de sus hermanos por su habilidad para cantar y bailar, y se convirtió en vocalista líder del grupo,20 al que posteriormente denominaron The Jackson Five.

El color de su piel, su pelo postizo, los pómulos, la cara, la extrema delgadez, el color blanquecino fantasmal de la piel, la expresión de sus ojos, y los problemas de salud derivados de todas las intervenciones por las que ha pasado. Hay quienes apuntan a que la salud de Michael Jackson estaba enormemente perjudicada, fruto de todas estas intervenciones.

Epic Records, filial de CBS Records y cambiaron su nombre por el de The Jacksons.20 Continuaron realizando giras de conciertos en los siguientes años y entre 1976 y 1984 lanzaron seis álbumes de estudio, para los cuales Michael escribió varias canciones, como por ejemplo “Shake Your Body (Down to the Ground)”, y “Can You Feel It”.24 En 1978, el cantante interpretó el papel de Espantapájaros en la película El mago, remake del musical El Mago de Oz (1939), realizada esta vez por actores de origen afroamericano.25 Durante el rodaje conoció al productor Quincy Jones, con quien trabajó en los siguientes años.26 Jones lo convenció para que produjeran juntos el siguiente álbum de estudio del artista, Off the Wall.26 En 1979, se lesionó la nariz realizando una compleja rutina de baile y debió someterse a una rinoplastia.27

En 1972, a los catorce años de edad, inició su carrera en solitario con los álbumes Got to Be There y Ben, al tiempo que compatibilizaba su labor como vocalista del grupo que formaba con sus hermanos. Llegaron a los primeros puestos de la lista Billboard Hot 100 las canciones “Got to Be There” (cuarto lugar), “Ben” (primer lugar), tema central de la película del mismo nombre, y “Rockin’ Robin” (segundo lugar). Pese al éxito que habían conseguido los temas que había grabado el cantante en solitario, las ventas de los discos de The Jackson Five comenzaron a descender, al mismo tiempo que el grupo deseaba Más tarde, en 1969 lanzaron el sencillo “I Want You autoproducirse y componer sus propios temas, cosa que Back”, canción que alcanzó la primera posición de la lis- Gordy no aceptó, por lo que los hermanos dejaron Mota Billboard Hot 100. Un éxito similar tuvieron sus tres town Records en 1975.22 siguientes sencillos, “ABC”, “The Love You Save” y “I’ll Be There”.22 En junio de 1975, The Jackson 5 firmaron un contrato con El grupo actuó durante años en diferentes clubes chitlin’ circuit a lo largo de los estados del este y del medio Oeste de Estados Unidos, comenzó a participar en concursos y festivales para aficionados, y llegó a actuar en el conocido teatro Apollo de Nueva York.21 En 1967, lanzaron el sencillo “Big Boy” con la discográfica Steeltown. Al año siguiente, recomendados por Gladys Knight y Bobby Taylor,22 hicieron una audición para Motown Records, en la que Berry Gordy, dueño y jefe de la discográfica, decidió contratarlos.23

Después de realizar su autopsia, los forenses del Instituto Forense de Los Ángeles aseguraron que la muerte de Jackson había sido provocada por una intoxicación de propofol, suministrado por Conrad Murray, su médico.

Algunas de las canciones que conformaron el álbum Off the Wall fueron compuestas por Rod Temperton, Stevie Wonder y Paul McCartney; el disco fue publicado en 1979 y fue el primer trabajo discográfico de Jackson en contener cuatro sencillos que llegaron al Top 10 del Billboard Hot 100, entre los que se hallan “Don’t Stop ‘til You Get Enough” y “Rock With You”.28 Off the Wall alcanzó el puesto número tres del Billboard 200 y vendió más de veinte millones de copias en todo el mundo.29 En 1980, el artista ganó un premio Grammy en la categoría de mejor vocalista de R&B y tres premios AMA, en las categorías de mejor álbum de soul, mejor vocalista masculino de soul y mejor sencillo de soul por el tema “Don’t Stop ‘Til You Get Enough”.28 En 1982, Jackson contribuyó con la canción “Someone In the Dark” al audiolibro de la película E.T., el extraterrestre, grabación por la cual recibió un premio Grammy al mejor álbum para niños.31 En ese mismo año, el cantante lanzó su segundo álbum con Epic, Thriller. Este permaneció durante ochenta semanas consecutivas en el Top 10 de la lista Billboard 200, 37 de ellas en la cima de dicha publicación. Esta fue la primera producción discográfica en contener siete sencillos que alcanzaron el Top 10 de la publicación Billboard Hot 100, entre los que se hallan “Billie Jean”, “Beat It,” y “Wanna Be Startin’ Somethin’.”32 El éxito de Thriller le permitió ser el álbum más vendido de todos los tiempos, con 65 millones de copias en todo el mundo.33 Asimismo, obtuvo la certificación de la Recording Industry Association of America con «doble diamante». El éxito del mismo se debió en buena parte al videoclip del sencillo que da título al álbum, un cortometraje de más de 13 minutos de duración dirigido por John Landis.34 35 36 De hecho, los vídeos que acompañaron a las canciones “Billie Jean” y “Beat It” (espe-

Ross, Tina Turner, Bob Dylan y Bruce Springsteen, entre otros, lanzó USA for Africa, una producción musical que contenía el sencillo “We Are the World”, que reunió millones de dólares para ayudar a la población hambrienta de Etiopía y se convirtió en uno de los sencillos más vendidos en el mundo. En ese año, ATV Music puso a la venta los derechos de autor sobre las canciones más representativas del grupo The Beatles, compuestas en su mayoría por el dúo de compositores Lennon/McCartney. Jackson se interesó en comprar este catálogo de canciones después de haber trabajado con McCartney, a comienzos de los años 1980. Finalmente, después de diez meses de negociaciones, Michael adquirió el catálogo, luego de pagar 47 millones de dólares.45 Más tarde, esto terminó en una cialmente ésta última) le abrieron a Jackson el acceso enemistad con McCartney, ya que él también tenía intena MTV, por aquel entonces un nuevo canal televisivo de ciones de comprarlo.45 música, siendo el primer cantante afroamericano que lo En 1986, a Jackson se le diagnosticó vitíligo, por lo que conseguía.37 su piel fue perdiendo pigmentación.46 Esta enfermedad El 25 de marzo de 1983, actuó en el especial televisivo hizo que tuviera que evitar la exposición ante la luz solar. Motown 25: Yesterday, Today, Forever, donde interpre- Para poder darle un tono más homogéneo a su piel, recutó la canción “Billie Jean” y presentó como sorpresa su rrió al maquillaje.46 paso coreográfico «moonwalk». Su actuación fue seguiA principios de los años 1980, Jackson comenzó a realida por 47 millones de televidentes en EE.UU..38 zar una estricta dieta vegetariana.47 En esa década, vaEl 27 de enero de 1984, Jackson filmó un comercial para rios periódicos publicaron una foto en la que el artista Pepsi Cola junto a otros miembros de su familia, en el estaba recostado dentro de una cámara de oxígeno y que Shrine Auditorium de Los Ángeles.39 Durante el rodaje según ellos dormía allí para evitar envejecer, rumor que del mismo, el cantante sufrió quemaduras de segundo y luego fue desmentido por él mismo.48 También en esos tercer grado en su cuero cabelludo y parte de su rostro años surgieron otros rumores que fueron negados por él, debido a un error en la sincronización del espectáculo pi- como por ejemplo que tenía intenciones de comprar los rotécnico que simulaba ser un concierto.40 Después de huesos del llamado hombre elefante.49 este episodio, Pepsi acordó mediante un trato extrajudicial otorgarle un millón y medio de dólares como com- Más tarde, protagonizó el cortometraje en 3D Captain EO, pensación económica por las heridas que sufrió. Tras bajo la dirección de Francis Ford Coppola. Este filme conrecibir este ingreso lo donó al Brotman Medical Center tó con un gran presupuesto y fue distribuido de manera de la ciudad de Culver, California, donde había sido asis- exclusiva en los parques temáticos de Disney. Después lanzó Bad (1987), su primer álbum de estudio en cinco tido.41 años.50 Esta producción fue un gran triunfo comercial, El 14 de mayo de 1984, Jackson fue invitado a la Casa aunque no alcanzó las ventas logradas por su anterior Blanca para recibir un premio especial que le otorgó el trabajo discográfico, Thriller. De este disco se desprenentonces presidente estadounidense Ronald Reagan, por dieron siete exitosos sencillos, de los cuales cinco de su trabajo humanitario.42 Ese mismo año, el artista ganó ellos (“I Just Can’t Stop Loving You”, “Bad”, “The Way You ocho premios Grammy.43 A diferencia de sus siguientes Make Me Feel”, “Man in the Mirror” y “Dirty Diana”) alálbumes, Thriller no fue acompañado de una gira promo- canzaron el primer puesto del Billboard Hot 100.51 Desde cional. Sin embargo, en ese año el cantante realizó junto su publicación, Bad ha vendido más de cuarenta y cinco a The Jacksons el Victory Tour, gira de conciertos de la millones de copias en todo el mundo.52 cual donó posteriormente su parte de las ganancias a El 11 de septiembre de 1987 comenzó el Bad World Tour, diferentes obras caritativas.44 gira que culminó el 14 de enero de 1989. Jackson ingresó En 1985, junto a Lionel Richie y un extenso número de al Libro Guinness de los Records cuando llenó por comcantantes, entre los que se hallan Stevie Wonder, Diana pleto siete veces el estadio de Wembley, congregando a

más de medio millón de espectadores.53 La gira constó de 123 conciertos y obtuvo una recaudación de 125 millones de dólares, parte de la cual donó a hospitales, orfanatos y a entidades de beneficencia.54Ur? Tur sum et omnimil earum sit que vidiorempor autaerepe volut experum res volore et aborrum venis evelia consequi derum velecab iuntet quia conet velectotas est vellesc itaquodi resto eostetus aut dolutae quae nihic test maxim aut auta doluptas sitiossim inulleces velitas delenis ant arum, optat molo tessimene ium lite vent, identia qui del moluptatur? Perum qui de

“

Cuando subo al escenario, no sé qué pasa. Se siente muy bien, es como el lugar más seguro del planeta para mí. Me elevo en el escenario

“

Robin Williams 21 de julio de 1951 - 11 de agosto de 2014

La investigación preliminar sobre la muerte de Robin Williams determinó que el actor ganador de un Oscar por ‘El indomable Will Hunting’ se ahorcó con un cinturón en su dormitorio, según informaron las autoridades policiales. Según su representante, el actor había estado luchando contra una severa depresión últimamente.

Desde el principio de su carrera, Williams luchó con gran esfuerzo para conservar su personalidad única como humorista y para convertirse al mismo tiempo en un excelente actor de carácter. Tenía claro que no debía perder sus cualidades propias, pero que necesitaba dominar la interpretación para ser alguien en el mundo del cine. Consiguió ciertamente realizar su objetivo. Considerado un actor de gran versatilidad tanto en comedia como en drama, gana finalmente el tardío reconocimiento de la Academia, que le otorga el Óscar por su actuación en Good Will Hunting, filmada en 1997.

Williams tenía un largo historial de adicciones a las drogas y al alcohol que se remonta a los ochenta, pero había conseguido controlarlas. La última de las recaídas fue este mismo año, en julio, cuando tras un período de trabajo intenso decidió ingresar durante varias semanas en un centro de rehabilitación. Fue un cómico genial pero también un actor dramático de amplio registro capaz de tocar todas las teclas de las emociones. Nació en Chicago, en el estado de Illinois, como hijo (con otros dos hermanos) de un ejecutivo de la industria del automóvil. Creció en un ambiente económicamente holgado y no mostró en su infancia y primera adolescencia interés por la interpretación. Se concentró en cambio en sus estudios y en la práctica de deportes. En 1967 la familia de Williams se trasladó a Marina County, en California. En el colegio en el que continuó sus estudios, se despertó su interés por el teatro. A raíz de ello abandonó los estudios de política, con la intención de iniciar una carrera de actor. La casualidad le llevó a ingresar en la prestigiosa academia de interpretación Juilliard School en Nueva York. Tres años después, Williams regresó a California y se instaló en San Francisco, buscando su oportunidad para actuar en comedias teatrales. En 1976 tuvo una prueba y fue contratado, lo que marcó el inicio de su carrera. Dos años después trabajó en Mork & Mindy, una serie de televisión en la que interpretaba a un extraterrestre, con el que obtuvo un éxito arrollador. La serie continuó

durante años y Williams corría el riesgo de quedarse encasillado en el papel. Por ello la abandonó e hizo una primera película de cine, que pasó inadvertida. Su verdadero debut lo tuvo en Popeye, de Robert Altman, película que no consiguió el éxito esperado, pero que sí dio a conocer a Williams a las audiencias de cine. Su siguiente película fue The World According to Garp, de George Roy Hill, en la que interpretaba a un personaje difícil, agradable pero no cómico. Williams también superó esta prueba de forma brillante e incrementó su popularidad. Entre 1987 y 1991, Williams actuó entre otras en tres películas que le valieron una nominación al Óscar como mejor actor principal. La primera fue Good Morning, Vietnam, en la que interpretaba a un locutor de radio del ejército durante la guerra de Vietnam. La segunda nominación la ganó por Dead Poets Society, en la que su papel fue de profesor de literatura de un colegio, y la tercera por The Fisher King en la que interpreta a un vagabundo.

En 1996, uno de sus años de mayor éxito, actúa formidablemente en el drama cómico Jack, donde interpreta a un niño de diez años que tiene una enfermedad (similar a la progeria) que lo hace ver treinta años mayor; dirigida por Francis Ford Coppola, música de Michael Kamen y Bryan Adams, comparte protagonismo junto a Diane Lane, Brian Kerwin, Jennifer López y Bill Cosby. En el mismo año, interpreta a Armand Goldman, un homosexual dueño de un teatro-cabaret llamado The Birdcage, en la película de comedia que lleva el mismo nombre, compartiendo créditos junto con Nathan Lane y Gene Hackman. En 1998, interpreta la vida del doctor Hunter “Patch” Adams en la película Patch Adams, dirigida por Tom Shadyac, en su lucha por obtener el título de médico con su terapia de la risa que tanto hizo entender a colegas

Su talento para cambiar la voz e imitar acentos le permitió hacer papeles hilarantes, como en Mrs. Doubtfire. En la década del 90, Williams alternó papeles cómicos con interpretaciones dramáticas, realizando papeles de perfiles psicológicos muy complejos como es el caso del film Retratos de una obsesión, y se convirtió en uno de los grandes actores contemporáneos.

Williams tenía un largo historial de adicciones a las drogas y al alcohol que se remonta a los ochenta, pero había conseguido controlarlas.

Robin Williams fue encontrado muerto en su casa de Tiburón, Marin County, California, el 11 de agosto de 2014. Su representante informó que sufría una “severa depresión”

rió desde el accidente y supo que la vida iba a continuar bien.7

médicos y público en general. Tuvo gran aceptación en el público, con gran éxito en taquilla, nominaciones al Óscar y Globo de Oro y ha sido una de las películas más recordadas de Williams. Comparte protagonismo junto con Monica Potter y Philip Seymour Hoffman. Tiempo después, es contratado para actuar junto con Cuba Gooding Jr. y Annabella Sciorra en el drama Más allá de los sueños, obteniendo grandes críticas por sus actuaciones como por su dirección fotográfica, ganadora de un Óscar de la Academia. Ya en 1999 actúa en el drama cómico El hombre bicentenario, interpretando al robot humanoide inteligente Andrew, que con el pasar del tiempo va adquiriendo sabiduría y sentimientos, pidiendo a sus dueños la libertad tan anhelada por la humanidad; al ser libre construye su propia casa empezando una nueva vida, luego irá en busca de robots similares como él y, al final de su búsqueda y llegando al lugar de origen de su partida, encuentra a un científico, hijo del creador de la serie de robots como Andrew, quien estaba creando fórmulas para hacer aparentar a los robots como seres humanos, empezando una nueva aventura para Andrew: ser el ser humano más viejo de la historia. Williams comparte protagonismo junto con Sam Neill, Embeth Davidtz y Oliver Platt. En 2002, protagoniza su película de acción Insomnia junto con Al Pacino y Hilary Swank, película rodada en el estado de Alaska.2006 es el año donde actúa en un sinnúmero de films: El hombre del año, como un entusiasta conductor de televisión que se postula a la presidencia de Estados Unidos; Night at the Museum, como la estatua de Theodore Roosevelt en el museo de Nueva York junto con Ben Stiller, repitiendo su papel en la secuela de 2009; en la animada Happy Feet, hace la voz de dos per-

sonajes y comparte créditos con Elijah Wood, Britanny Murphy, Hugo Weaving, Nicole Kidman y Hugh Jackman, así como también en su segunda parte de 2011; en la comedia RV protagoniza a un ejecutivo que es obligado a suspender sus vacaciones a escondidas de su familia para conseguir un ascenso en su trabajo. El primer matrimonio de Robin Williams fue con Valerie Velardi el 4 de junio de 1978, con quien tiene un hijo, Zachary Pym (Zak) (nacido el 11 de abril de 1983). Durante el primer matrimonio de Williams, él estuvo involucrado en una relación extramarital con Michelle Tish Carter, una camarera a quien conoció en 1984. Ella lo demandó en 1986, afirmando que él no le había dicho que estaba infectado con herpes simple antes de embarcarse a una relación sexual con ella a mitad de la década de 1980, durante la cual, dijo, que él le transmitió el virus a ella. El caso se resolvió fuera de los tribunales. Williams y Velardi se divorciaron en 1988.3 El 30 de abril de 1989, se casó con Marsha Garces, quien era niñera de su hijo, ya estando está embarazada; tienen dos hijos, Zelda Rae (nacida el 31 de julio de 1989) y Cody Alan (nacido el 25 de noviembre de 1991). En marzo de 2008, Garces solicitó el divorcio de Williams, citando diferencias irreconciliables.4 Mientras estudiaba en Juilliard, Williams se hizo amigo de Christopher Reeve. Tuvieron varias clases juntos en las que eran los únicos estudiantes, y siguieron siendo amigos por el resto de la vida de Reeve. Williams visitó a Reeve después del accidente de caballo que lo llevó a estar tetrapléjico, y lo animó fingiendo ser un excéntrico doctor de Rusia (similar a su papel en Nine Months). Williams afirmaba que estaba allí para practicarle una colonoscopía. Reeve dijo que ésa fue la primera vez que

Se sabe que Williams era un fanático de la saga The Legend of Zelda. De igual manera, confesó que decidió llamar a su hija Zelda Williams debido a que le agradaba jugar los juegos de Zelda.8 Durante la década de 1970 y 1980, Williams tuvo una adicción a la cocaína; ha dicho que desde entonces lo ha dejado. Williams era un amigo cercano de John Belushi. Él dijo que la muerte de su amigo y el nacimiento de su hijo lo llevó a dejar las drogas: “¿Fue una llamada de atención? Oh sí, en un gran nivel. El gran jurado también ayudó”.9 El 9 de agosto de 2006, Williams se internó en un centro de rehabilitación (ubicado en Newberg, Oregón), lue-

go admitió que era un alcohólico.10 Su publicista dio el anuncio:

binar el cine con shows en vivo. Su primer protagonista fue en “Popeye”, bajo la dirección de Robert Altman.

“Después de 20 años de sobriedad, Robin Williams se ha encontrado bebiendo nuevamente y ha decidido tomar medidas proactivas para lidiar con esto por su propio bien y el de su familia. Él pide que respeten su privacidad y la de su familia durante este tiempo. Espera volver a trabajar este otoño para apoyar sus próximos lanzamientos de películas”.11

Continuó realizando comedia en programas especiales de televisión, paralelamente a su carrera como actor en la gran pantalla, en la que también se destacan títulos como “Cadillac Man” (El hombre del Cadillac), “Awakenings” (Despertares), “Hook” y “Mrs. Doubtfire” (La señora Doubtfire).

En 2011, ya recuperado, apareció en el documental de la BBC para Discovery Channel, en el especial “Curiosidad: ¿Cómo funcionan las drogas?”. Williams fue hospitalizado en marzo de 2009 debido a problemas cardíacos. Pospuso su gira en solitario para someterse a una cirugía para reemplazar su válvula aórtica. La cirugía se completó con éxito el 13 de marzo de 2009, en la Clínica Cleveland. El 11 de agosto de 2014, Williams fue encontrado muerto en su domicilio de Cayo Paraíso cerca de Paradise Cay, California en lo que aparentemente podría haber sido un suicidio por asfixia, según el informe inicial del Departamento del Sheriff del Condado de Marin.12 13 El 12 de agosto fue confirmado que el actor fue encontrado ligeramente suspendido en el aire con un cinturón atado a su cuello por un extremo y el otro enganchado a la parte superior de un armario en su dormitorio.14 15 El 14 de agosto, su esposa Susan Schneider dio a conocer que el actor padecía la enfermedad de Parkinson, sobre la cual aún no se encontraba preparado para hablar de ello públicamente.16 Tras la muerte y la posterior cremación del cuerpo de Robin Williams, sus cenizas fueron esparcidas en el océano Pacífico, en la bahía de San Francisco.17 El 7 de noviembre de 2014 fue declarada oficialmente la muerte del actor como suicidio, a causa de “asfixia por ahorcamiento” esto tras haber obtenido los exámenes toxicológicos, los cuales mostraron la ausencia de alcohol o drogas ilícitas.18 Cursó estudios de Ciencias Políticas en el Claremont Meris College, en el College of Marin y en la Julliard School. Ingresó en la prestigiosa Academia Julliard de Nueva York, donde pasó tres años bajo la tutela del autor John Houseman. Al concluir sus estudios vuelve a San Francisco e ingresa en un taller de comedia. Sus primeros pasos los dio actuando en la calle y comenzó a trabajar en clubes nocturnos. Se lanzó a la fama a través de un personaje de una serie de televisión,Happy Days, y le gustaba com-

Es nominado en tres ocasiones al Oscar como mejor actor por “Good morning, Vietnan”, “El club de los poetas muertos” y “El rey pescador” y lo consiguió como secundario por “El indomable Will Hunting” (En busca del destino), junto a Matt Damon. Lo ganó en 1997 como mejor actor de reparto en Good Will Hunting. Dio un vuelco a su carrera gracias a “Insomnio”, en el que interpreta a un tipo oscuro y sombrío, un escritor de novelas policíacas que aparece como principal sospechoso del asesinato de una adolescente en un inhóspito pueblo de Alaska. En 2006 trabaja en “Man of the year”, en Night at the Museum y enHappy Feet. En 2007, actúa en la comedia License to Wed y en 2009, trabaja junto a John Travolta en la comedia de Disney Old Dogs.

En el teatro alcanzó gran éxito con la obra “Esperando a Godot”. Miembro de numerosas organizaciones humanitarias. La revista Forbes le proclamó el actor norteamericano mejor pagado, junto a Harrison Ford. Contrajo matrimonio con la bailarina italiana Valeria Velardi en 1985 fueron padres de Zachary. Tras divorciarse se casó por segunda vez con Marsha Graces con quien tuvo a sus dos hijos Cody y Zelda. En marzo de 2008, su mujer solicitó el divorcio citando diferencias irreconciliables. El 9 de agosto de 2006, se internó en un centro de rehabilitación (ubicado en Newberg, Oregon), admitió que era un alcohólico. Fue hospitalizado en marzo de 2009 por problemas cardíacos. Se sometió a cirugía para reemplazar su válvula aórtica. La cirugía se completó con éxito el 13 de marzo de 2009, en la Clínica Cleveland. Robin Williams fue encontrado muerto en su casa de Tiburón, Marin County, California, el 11 de agosto de 2014. Su representante informó que sufría una “severa depresión”. El actor lleva ocho años sin haber probado una gota de alcohol ni haberse acercado a las drogas, después de que volviera a recaer en 2006 y se viera obligado a recurrir a la ayuda de los expertos.

“

Sólo al soñar tenemos libertad, siempre fue así y siempre así será

Philip Hoffman 23 de julio de 1967 - 2 de febrero de 2014

La triste muerte de Philip Seymour Hoffman, encontrado muerto en su apartamento de Nueva York el 2 de febrero de 2014 víctima de una supuesta sobredosis, trunca antes de tiempo la carrera de un brillante actor. Hizo curriculum en el cine independiente de los 90 y consiguió su matrícula de honor interpretando a Truman Capote, papel por el que consiguió el Oscar. Hoffman nació en Fairport, estado de Nueva York, hijo de Marilyn L. O’Connor, una abogado y juez de tribunales de familia8 9 además de activista por los derechos civiles, y de Gordon S. Hoffman, un ex ejecutivo de Xerox.10 Tiene dos hermanas, Jill y Emily, y un hermano, Gordy Hoffman, quien realizó el guion de la película Love Liza (2002), en la que Philip actuó. Tiene ascendencia alemana por parte de su padre e irlandesa por parte de su madre;11 12 13 su padre era protestante y su madre era católica, pero Hoffman no se apegó a ninguna de las dos religiones.14 Los padres de Hoffman se divorciaron cuando éste tenía nueve años de edad.15 Su primer rol como actor fue en la secundaria, 1982, estudiando en la Fairport High School, donde interpretó el papel de Radar O’Riley en una obra basada en la producción de M*A*S*H.

ha mantenido sobrio.18 19 20 21 Su primer papel fue como un abogado defensor en un episodio de la serie Law & Order en 1991.22 Su debut en el cine fue en 1992 en cuatro películas,23 24 entre ellas Scent of a Woman,25 donde interpreta al inescrupuloso compañero de clase del personaje de Chris O’Donnell. Había estado trabajando en una tienda de comestibles antes de conseguir este papel, el cual catapultaría su carrera.26 27 Hoffman continuó interpretando papeles pequeños a lo largo de los principios de 1990. Después de aparecer en

Joey Breaker y la muy criticada My Boyfriend’s Back,28 tuvo un papel notable en la película de 1993 Money for Nothing.29 Hoffman ha consolidado una exitosa y respetada carrera en el cine interpretando personajes variados e idiosincráticos en roles secundarios, trabajando con una amplia variedad de cineastas notables como Todd Solondz, los hermanos Coen, Spike Lee, Cameron Crowe, David Mamet, Robert Benton, Anthony Minghella y Paul Thomas Anderson; ha trabajado en cinco de los seis largometrajes de Anderson hasta la fecha (Sydney, Boogie Nights, Magnolia, Punch-Drunk Love y The Master). A lo largo de su carrera ha tenido pocas oportunidades de interpretar el papel protagónico. Sin embargo, en 2002, Hoffman personificó a un viudo enfrentando la muerte de su esposa en Love Liza, cuyo guión fue escrito por su hermano, Gordy Hoffman.

En 1984, asistió a la escuela de teatro de la New York State Summer School of the Arts. Después de la secundaria, Hoffman asistió al programa de Circle in the Square Theatre, un curso de actuación de verano, y continuó su entrenamiento como actor con el profesor de actores Mr. Alan Langdon.16 En 1989 recibió un título en actuación en la Tisch School of the Arts de la Universidad de Nueva York.

Tras el suicidio de su joven esposa Liza, un diseñador de páginas web de éxito se encuentra abatido y confuso. Intenta encontrarle un sentido a lo que ha pasado, pero, al mismo tiempo, es incapaz de abrir la carta de suicidio de su mujer o de aceptar la ayuda de su suegra. Se consuela dedicándose al aeromodelismo.30 En 2003, protagonizó Owning Mahowny como un empleado que roba dinero del banco donde el que trabaja para alimentar su adicción al juego.

En la Universidad de Nueva York fue uno de los miembros fundadores de la compañía teatral Bullstoi Ensemble junto al actor Steven Schub y al director Bennett Miller.17 Poco después de graduarse, ingresó en rehabilitación por su adicción a las drogas y desde entonces se

Hoffman en el Festival de Cannes de 2002 en la promoción de Punch-Drunk Love.

Philip Seymour Hoffman en la premiere Moneyball en septiembre de 2011.

En el año 2005, Hoffman fue elogiado por su interpretación del escritor Truman Capote en la película Capote. En noviembre de 1959, Truman Capote lee una crónica del New York Times que relata el sangriento asesinato de los cuatro miembros de la familia Clutter en su granja de Kansas. Aunque sucesos similares aparecen en la prensa todos los días, hay algo que llama la atención del escritor y quiere utilizarlo para demostrar una teoría: en manos de un escritor adecuado, la realidad puede ser tan apasionante como la ficción.

Otra película en la que trabajó el actor durante este año es Before the devil knows you´re dead, en la que dos hermanos de clase burguesa se encuentran en una situación desesperada y necesitan conseguir dinero sea como sea: Andy (Philip Seymour Hoffman), un ambicioso ejecutivo adicto a la heroína le propone a su hermano Hank (Ethan Hawke), cuyo sueldo se va casi íntegramente en pagar la pensión de su ex mujer y su hija, dar un golpe perfecto: atracar la joyería que sus padres tienen en Wetchester, Nueva York. Nada de pistolas, nada de violencia, pero las circunstancias y el azar se conjugan para que nada salga según lo previsto.35

Consigue que el The New Yorker lo envíe a Kansas con su amiga Harper Lee para cubrir el caso. Su voz aniñada, su amaneramiento y su peculiar forma de vestir despiertan al principio la hostilidad de los vecinos de la zona, pero Capote se gana pronto la confianza de Alvin Dewey, el agente encargado de la investigación.32 Su actuación recibió honores y premios de primer nivel, incluyendo el Oscar, el Globo de Oro, el Premio del Sindicato de Actores y el BAFTA, todos ellos a mejor actor protagonista. Además, fue premiado como mejor actor por al menos diez asociaciones de críticos, incluyendo el National Board of Review33 y las asociaciones de críticos de Toronto y de Los Ángeles.

ffman ha interpretado una gran variedad de personajes: homosexuales (Boogie Nights, Flawless y Capote), adinerados desmedidos (Scent of a Woman, Patch Adams y The Talented Mr. Ripley), figuras comprensivas (Magnolia y Casi famosos), matones (Punch-Drunk Love y Misión: Imposible III), artistas sensibles (State and Main y Synecdoche, New York), un inescrupuloso periodista de la prensa amarilla (Freddy Lounds, en Red Dragon), un extravagante oficial de la CIA (Charlie Wilson’s War) y un solitario pervertido sexual (Happiness). Esta última película, Happiness, fue estrenada en 1998 y se considera una comedia sobre los miembros de una familia de un suburbio de Nueva Jersey. Un matrimonio a punto de divorciarse, tres hermanas y sus maridos, novios y amantes ocasionales. Tras una aparente normalidad, todos los personajes ocultan algún secreto y alguna que otra perversidad.31 Recibió su primera nominación a los premios Emmy por su papel en la miniserie de HBO Empire Falls, pero fue derrotado por su compañero de reparto e ídolo personal Paul Newman. Uno de los primeros papeles de Hoffman fue interpretando a un policía que es golpeado en la cara por Newman en Nobody’s Fool (1994). Más adelante volvería a ser nominado al Emmy por su trabajo en la serie Arthur.

En 2007, Hoffman fue nominado al premio Globo de Oro como mejor actor de reparto por su papel como Gust Avrakotos, un oficial de la CIA que ayuda al congresista Charles Wilson a apoyar una guerra encubierta en Afganistán, en la película Charlie Wilson’s War. En 2008, fue nominado al Oscar al mejor actor de reparto por el mismo papel, pero el premio se lo llevó Javier Bardem por No Country for Old Men. En este mismo año apareció en la película La familia Savage, en la cual dos hermanos, Wendy (Laura Linney) y Jon (Philip Seymour Hoffman), que no se han visto durante años, se ven obligados a convivir de nuevo para cuidar de su padre enfermo, con el que no se hablaban desde hacía veinte años.34

En 2008, trabajó en Synecdoche, New York, donde interpretó a Caden Cotard, un hombre que intenta construir una réplica a escala de la ciudad de Nueva York dentro de un depósito para una obra, y La duda, donde interpretó al padre Brendan Flynn, un sacerdote acusado de abusar sexualmente de un estudiante. Por La duda, fue nominado al Globo de Oro y al SAG, y fue nominado por segunda vez consecutiva al Oscar como mejor actor de reparto. También fue nominado al Oscar como mejor actor de reparto por su papel de Lancaster Dodd en la película The Master, que es un drama sobre la Iglesia de la Cienciología. Lancaster Dodd (Seymour Hoffman), un intelectual brillante y de fuertes convicciones, crea una organización religiosa que empieza a hacerse popular en Estados Unidos hacia 1952. Freddie Quell (Joaquin Phoenix), un joven vagabundo, se convertirá en la mano derecha de este líder religioso. Sin embargo, cuando la secta triunfa y consigue atraer a numerosos y fervientes seguidores, a Freddie le surgirán dudas.36 En el año 2009, Philip Seymour Hoffman realizó la voz de un personaje animado en el primer largometraje de Adam Elliot llamado Mary and Max, la cual narra la larga amistad por correspondencia entre un cuarentón judío

Hizo curriculum en el cine independiente de los 90 y consiguió su matrícula de honor interpretando a Truman Capote, papel por el que consiguió el Oscar.

y obeso de Nueva York, y una niña australiana de ocho años que vive en los suburbios de Melbourne.37 La triste muerte de Philip Seymour Hoffman, encontrado muerto en su apartamento de Nueva York el 2 de febrero de 2014 víctima de una supuesta sobredosis, trunca antes de tiempo la carrera de un brillante actor. Hizo curriculum en el cine independiente de los 90 y consiguió su matrícula de honor interpretando a Truman Capote, papel por el que consiguió el Oscar. Hoffman nació en Fairport, estado de Nueva York, hijo de Marilyn L. O’Connor, una abogado y juez de tribunales de familia8 9 además de activista por los derechos civiles, y de Gordon S. Hoffman, un ex ejecutivo de Xerox.10 Tiene dos hermanas, Jill y Emily, y un hermano, Gordy Hoffman, quien realizó el guion de la película Love Liza (2002), en la que Philip actuó. Tiene ascendencia alemana por parte de su padre e irlandesa por parte de su madre;11 12 13 su padre era protestante y su madre era católica, pero Hoffman no se apegó a ninguna de las dos religiones.14 Los padres de Hoffman se divorciaron cuando éste tenía nueve años de edad.15 Su primer rol como actor fue en la secundaria,

1982, estudiando en la Fairport High School, donde interpretó el papel de Radar O’Riley en una obra basada en la producción de M*A*S*H. En 1984, asistió a la escuela de teatro de la New York State Summer School of the Arts. Después de la secundaria, Hoffman asistió al programa de Circle in the Square Theatre, un curso de actuación de verano, y continuó su entrenamiento como actor con el profesor de actores Mr. Alan Langdon.16 En 1989 recibió un título en actuación en la Tisch School of the Arts de la Universidad de Nueva York. En la Universidad de Nueva York fue uno de los miembros fundadores de la compañía teatral Bullstoi Ensemble junto al actor Steven Schub y al director Bennett Miller.17 Poco después de graduarse, ingresó en rehabilitación por su adicción a las drogas y desde entonces se ha mantenido sobrio.18 19 20 21 Su primer papel fue como un abogado defensor en un episodio de la serie Law & Order en 1991.22 Su debut en el cine fue en 1992 en cuatro películas,23 24 entre ellas Scent of a Woman,25 donde interpreta al inescrupuloso compañero de clase del personaje de Chris O’Donnell. Había estado trabajando en una tienda de comestibles antes de conseguir este papel, el cual catapultaría su carrera.26 27 Hoffman continuó interpretando papeles pequeños a lo largo de los principios de 1990. Después de aparecer en Joey Breaker y la muy criticada My Boyfriend’s Back,28 tuvo un papel notable en la película de 1993 Money for Nothing.29 Hoffman ha consolidado una exitosa y respetada carrera en el cine interpretando personajes variados e idiosincráticos en roles secundarios, trabajando con una amplia variedad de cineastas notables como Todd Solondz, los hermanos Coen, Spike Lee, Cameron Crowe, David Mamet, Robert Benton, Anthony Minghella y Paul Thomas Anderson; ha trabajado en cinco de los seis largometrajes de Anderson hasta la fecha (Sydney, Boogie Nights, Magnolia, Punch-Drunk Love y The Master).

Continuó haciendo papeles secundarios en películas como Cold Mountain, como un obsesivo predicador; Along Came Polly, como el ex actor amigo de Ben Stiller; y Misión: Imposible III, como el villano Owen Davian. Hoffman ha interpretado una gran variedad de personajes: homosexuales (Boogie Nights, Flawless y Capote), adinerados desmedidos (Scent of a Woman, Patch Adams y The Talented Mr. Ripley), figuras comprensivas (Magnolia y Casi famosos), matones (Punch-Drunk Love y Misión: Imposible III), artistas sensibles (State and Main y Synecdoche, New York), un inescrupuloso periodista de la prensa amarilla (Freddy Lounds, en Red Dragon), un extravagante oficial de la CIA (Charlie Wilson’s War) y un solitario pervertido sexual (Happiness). Esta última película, Happiness, fue estrenada en 1998 y se considera una comedia sobre los miembros de una familia de un suburbio de Nueva Jersey. Un matrimonio a punto de divorciarse, tres hermanas y sus maridos, novios y amantes ocasionales. Tras una aparente normalidad, todos los personajes ocultan algún secreto y alguna que otra perversidad.31

A lo largo de su carrera ha tenido pocas oportunidades de interpretar el papel protagónico. Sin embargo, en 2002, Hoffman personificó a un viudo enfrentando la muerte de su esposa en Love Liza, cuyo guión fue escrito por su hermano, Gordy Hoffman. Tras el suicidio de su joven esposa Liza, un diseñador de páginas web de éxito se encuentra abatido y confuso. Intenta encontrarle un sentido a lo que ha pasado, pero, al mismo tiempo, es incapaz de abrir la carta de suicidio de su mujer o de aceptar la ayuda de su suegra. Se consuela dedicándose al aeromodelismo.30 En 2003, protagonizó Owning Mahowny como un empleado que roba dinero del banco donde el que trabaja para alimentar su adicción al juego.

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La ambición, el deseo de ser el centro de atención, el deseo de tener éxito. todos están dentro de mi en alguna parte

Amy Winehouse 14 de septiembre de 1983 - 23 de julio de 2011

Al igual que otros grandes nombres de la música falleció a los 27 años. Fue encontrada en su hogar en Londres el 2011. Además de su historial con drogas y rehabilitación, el informe forense reportó que se encontraron 416 miligramos de alcohol por 100 milimetros de sangre.

punto que sus maestros no podían mantenerla callada en clase.15 Sus padres se divorciaron cuando ella tenía nueve años. Al igual que otros grandes nombres de la música falleció a los 27 años. Fue encontrada en su hogar en Londres el 2011. Además de su historial con drogas y rehabilitación, el informe forense reportó que se encontraron 416 miligramos de alcohol por 100 milimetros de sangre. Amy Jade Winehouse (Londres, Inglaterra, 14 de septiembre de 1983 - ibídem, 23 de julio de 2011)6 2 conocida como Amy Winehouse fue una cantante y compositora británica de familia judía, destacada por sus mezclas de diversos géneros musicales, incluidos entre ellos el jazz, R&B, soul y ska. Fue reconocida por su contralto, registro vocal que fue descrito como «acústicamente poderoso» y capaz de expresar «profundamente sus emociones».7 En 2003 Winehouse lanzó su álbum debut, Frank, que obtuvo críticas positivas y fue comercialmente exitoso en su país natal, el Reino Unido, y fue nominado por los premios Mercury Prize. Su segundo álbum de estudio, Back to black, fue publicado en 2006. Por este disco la cantante consiguió seis nominaciones a los Premios Grammy, de las cuales ganó cinco, entre ellas, Canción del año, Grabación del año y Mejor artista nuevo. Este hecho condujo a Winehouse a igualar el record de galardones obtenidos en una noche para una artista -logrado antes por Lauryn Hill, Norah Jones, Alicia Keys y Beyoncé-, obteniendo un total de cinco galardones. Ademas de ser la primera artista británica ganadora de cinco Grammys en una noche. A su vez esto provocó que estuviera en la mira de los medios, involucrándose con su agitada vida personal.8 9 10 En febrero de 2007, ganó el BRIT Award a Mejor Artista Británica. También ganó un World Music Award y tres

Premios Ivor Novello, entre otros prestigiosos reconocimientos. Winehouse fue acreditada como una influencia detonadora en el ascenso de la popularidad de mujeres dedicadas a la música y de la propia música soul, y por fortalecer a la música británica, siendo una de las pocas cantantes de soul actuales que han influido fuertemente en la industria musical. También recibió atención de los medios por causas ajenas a su voz. Su estilo distintivo, sus tatuajes y su peinado beehive, la convirtieron en motivo de inspiración para algunos diseñadores de modas como Karl Lagerfeld. Sus constantes problemas legales, su adicción a las drogas y al alcohol y sus complicaciones médicas derivadas de su comportamiento autodestructivo fueron fuente de titulares desde el año 2007.

En ese tiempo se inscribió en la Escuela de Teatro de Susi Earnsh, donde permaneció por cuatro años. A la edad de diez años, Winehouse fundó una banda de rap llamada Sweet ‘n’ Sour. Luego, a los trece, acudió a la Escuela de Teatro de Sylvia Young, pero fue expulsada tres años más tarde por «no aplicarse» y por hacerse un piercing en la nariz.14 En 1997, apareció en un episodio de The Fast Show, junto con otros estudiantes de la escuela de Sylvia Young. Más tarde, fue al Colegio Británico de Selhurst, Croydon y al Ashmole School.16 17

Fue encontrada muerta en su apartamento el 23 de julio de 2011 a los 27 años de edad, tras sufrir un colapso ante el síndrome de abstinencia. Esto se reveló meses después de su muerte, que en un principio fue asociada a sus múltiples adicciones. Su álbum Back to Black posteriormente se convirtió en el álbum más vendido del siglo xxi del Reino Unido.11 En 2012, Winehouse fue incluida en el número 26 en el listado de las «100 mejores mujeres en la música» de la cadena VH1.12 Amy Winehouse nació el 14 de septiembre de 1983,Notas 1 en el seno de una familia judía y con tradición musical en el jazz.13 Notas 2 Se crió en los suburbios de Southgate (norte de Londres) junto a su padre Mitchell (conductor de taxi),Notas 3 su madre Janis (farmacéutica)Notas 4 y su hermano mayor Alex.14 Notas 5 Constantemente, Mitchell cantaba éxitos de Frank Sinatra para la joven Amy, quien pronto tomó dicho hábito, a tal

tor de Amy le valió un premio Grammy como “Productor del año”. Con su éxito, la cantante se ganó una entrada a la edición del 2009 de los Récords Guinnes, por la mayoría de premios Grammy ganados por una artista británica, tras los que las ventas de Back to Black aumentaron, alcanzando el número dos del Billboard 200. En enero de 2008 Universal Music International dijo que creía que las ventas del álbum aumentaron gracias a los medios de comunicación. Una edición especial de Back to Black encabezó la lista del Reino Unido, el 2 de marzo de 2008; mientras que la versión original estuvo en el número 30 en su semana 68, y Frank en el 35. A 12 de marzo el álbum ya había vendido un total de 2,467,575 copias en el Reino Unido entrando en el Top-10 de los álbumes más vendidos del siglo XXI. El 7 de abril de 2008 Back To Black lideraba la lista de los álbumes europeos, siendo su sexta semana consecutiva. Esto hizo que se convirtiera en el séptimo álbum más vendido de todo el mundo. Amy recibió su primera guitarra a los trece años y comenzó a componer un año más tarde. Al poco tiempo, empezó a presentarse en pequeños bares de Londres. Más tarde, formó parte de una pequeña banda femenina de jazz. Por entonces, su novio, el cantante Tyler James, entregó una maqueta suya a un productor, y así Amy comenzó su carrera profesional a los dieciséis años.13 Firmó su primer contrato con Simon Fuller, al que, posteriormente, renunció en 2002.

El 30 de octubre de 2006, Amy sacó su segundo álbum, Back to black, que tuvo buena recepción tanto comercial como de la crítica, alcanzando el número uno en el Reino Unido. Gracias al álbum Amy ganó un Brit award en la categoría de Mejor Artista Británica. En junio de 2007, Winehouse fue nuevamente nominada a los Mercury Prize por ese disco, y su venta alcanzó el platino en Estados Unidos. Como broche de oro, consiguió tres nominaciones a los MTV Video Music Awards de 2007.

Más tarde, un representante de Island/Universal, Darcus Beese, la escuchó cantar cuando el gerente de los hermanos Lewinson le mostró unas producciones grabadas por Amy en las que ella era la vocalista clave. Cuando se le preguntó quién era la cantante, el gerente no lo sabía. Después de haber decidido contratar a Winehouse, Beese pasó varios meses buscándola para saber quién era. Sin embargo Amy se encontraba grabando canciones y, cuando la halló, la presentó a su jefe Nick Gatfield, quien, entusiasmado por el talento de la cantante, firmó con ella un contrato editorial con EMI. En ese momento conoció a su futuro productor, Salaam Remi.

Back to Black tuvo un éxito rotundo, y una crítica favorable que ganó numerosas comparaciones con la «era Motown de R&B». La revista Rolling Stone dijo que en este álbum, Amy Winehouse desprendía la fuerza de los intérpretes de indie y de hip hop. La revista anglosajona People afirmó que «Back to Black es un disco mejor cada vez que lo escuchamos». The New Statesmen remarcó que este segundo trabajo era mejor que el primero, refiriéndose a él como «un impresionante trabajo de soul».

Su álbum debut, Frank, salió a la venta el 20 de octubre de 2003. El disco, producido principalmente por Salaam Remi, contenía influencias de jazz y, a excepción de dos covers, todas las canciones estaban coescritas por Winehouse. El álbum fue bien recibido por los críticos, quienes compararon su voz con las de Sarah Vaughan y Macy Gray,5 18 y logró alcanzar el disco de platino en el Reino Unido y fue nominado a los Premios Mercury Music y a los BRIT Awards. En 2004, ganó un Premio Ivor Novello a la Mejor Canción Contemporánea por su single “Stronger Than Me”.19 El mismo año, la cantante se presentó en el Festival de Glastonbury y en el V Festival.

El 10 de febrero de 2008, se celebró la ceremonia de entrega de los Premios Grammy, en la que Winehouse resultó ser la gran ganadora de la noche, llevándose cinco de los seis premios a los que estaba nominada, entre ellos: Mejor nuevo artista, Grabación del año, Canción del año, Mejor interpretación femenina de pop por Rehab, además de Mejor álbum pop vocal por Back to Black, pero no pudo asistir a la ceremonia debido a que, en un primer momento, Estados Unidos le denegó el visado por «uso y abuso de narcóticos», y aunque esta decisión fue reconsiderada, el visado no llegó a tiempo para que la artista pudiera asistir a la gala.20 Finalmente intervino vía satélite desde Londres, interpretando dos de sus canciones más exitosas. El trabajo de Mark Ronson como produc-

En los premios Ivor Novello de 2008 Winehouse se convirtió en la primera artista en estar nominada en dos categorías importantes: “Mejor Canción” y “Mejor Canción Líricamente” ganado por «Love Is a Losing Game» y nominado por «You Know I’m No Good», «Rehab» ganó en la categoría Mejor canción contemporánea. Winehouse fue nominada a un MTV Europe Music Award en la categoría «Acto del año». Amy Winehouse – The Girl Done Good: A Documentary Review, un DVD de 78 minutos, fue lanzado el 14 de abril de 2008. El documental incluye entrevistas con aquellos que la conocieron en una edad joven, le ayudaron a tener éxito, expertos en música de jazz, así como especialistas en música y cultura pop. En la semana del 26 de julio de 2011, después de la muerte de Winehouse, Frank, Back To Black y Back To Black EP entraron nuevamente en el Billboard 200 en Estados

Unidos en el número 57, 9 y 152, respectivamente, Back To Black alcanzó el puesto número cuatro a la semana siguiente. También encabezó la lista Digital álbumes y fue el segundo mejor vendedor en iTunes en la misma semana. «Rehab» volvió a entrar y lideró la lista Digital Songs con ventas digitales de 38.000 copias. También alcanzó el quinto puesto en el Billboard Hot 100.

no Unido el 24 de julio de 2011 con el número cincuenta y nueve, con tan solo siete horas de ventas. A la semana siguiente, su disco volvió a ser número uno, lo que marcó la cuarta vez en que alcanzó el primer puesto. En Canadá, desde su muerte, el álbum vendió 2.500.000 copias, logrando alcanzar el número trece en la lista de álbumes de ese país. A la semana siguiente, llegó al número seis y se vendió un adicional de 5.000 copias. El 25 de agosto, la Official Charts Company anunció que Back To Black fue el álbum más vendido en el Reino Unido en el siglo XXI, con unas ventas de 3,26 millones de copias.

Winehouse y Mark Ronson contribuyeron con «It’s My Party» de Quincy Jones para el disco homenaje Q Soul Bossa Nostra lanzado el 9 de noviembre de 2010. Un tiempo antes, había acordado formar un grupo con el baterista ?uestlove de la banda the Roots, pero sus problemas personales hicieron demorar el proyecto de trabajar juntos en el grupo todavía sin nombre. El productor Salaam Remi había creado algún material con Winehouse como parte del proyecto. Según un informe de prensa, Universal Music la impulsó a considerar la producción de nuevo material durante 2008, pero el 2 de septiembre no se registró su presencia en un estudio de grabación. Se dijo que había estado actuando durante el verano y también que, por más que un disco se grabara rápidamente, debería serlo al menos un año antes de que pudiera ser lanzado. A finales de octubre, el vocero de Winehouse declaró que no tenía un plazo para completar su tercer álbum, porque estaba aprendiendo a tocar la batería. Durante su estancia en 2009 en Santa Lucía, Winehouse trabajó en nuevas canciones con el productor Salaam Remi. Island afirmó que un nuevo álbum sería lanzado en 2010, y al respecto, su copresidente Darcus Beese dijo: “He oído un par de demos de canciones que absolutamente me derribaron”. En julio de 2010, Winehouse mencionó su próximo álbum, que sería editado a más tardar en enero de 2011, diciendo: “Va a ser muy, muy parecido a mi segundo disco, donde hay un montón de cosas jukebox y canciones que son ... solo jukebox, la verdad”. No obstante, Mark Ronson dijo en julio de 2010 que no había comenzado a grabar el álbum todavía. Su última grabación fue un dueto con el cantante estadounidense Tony Bennett, para el disco Duets II, el cual fue lanzado el 20 de septiembre de 2011. Su single del álbum, Body & Soul, fue publicado antes, el 14 de sep-

El 5 de diciembre salió a la venta el primer álbúm póstumo de la cantante, Lioness: Hidden Treasures, que contenía covers y canciones inéditas grabadas a partir de 2002. Previamente se había publicado un primer sencillo con el tema Body & Soul, a dueto con Tony Bennett, y el 18 de noviembre de 2011 llegó al público el segundo sencillo Our Day Will Come, que había sido grabado en estudio en el año 2007. De este primer trabajo póstumo se vendieron en el Reino Unido 194.000 copias en su primera semana, la más grande en ventas de la carrera de la cantante. tiembre de 2011, en MTV y VH1 para conmemorar el que hubiera sido su cumpleaños número 28. Su padre, Mitch Winehouse, lanzó la Amy Winehouse Foundation con el objetivo de crear conciencia y apoyo a las organizaciones que ayudan a los adultos vulnerables y a los jóvenes con problemas de adicción. Las ganancias de Body & Soul serán para la fundación. La canción recibió el Grammy a Mejor Artista Pop Dúo / Grupo de rendimiento en los premios Grammy número 54, el 12 de febrero de 2012. El padre de Amy recogió el premio en la ceremonia de entrega junto a la madre Amy, Janis, diciendo: “No deberíamos estar aquí. Nuestra querida hija debería ser quien lo recibiera. Estas son las cartas que te reparten”. También agregó al final del discurso «Amy, Etta, Whitney grandes mujeres están en el cielo» ya que Etta James había fallecido semanas antes y Whitney Houston un día antes de los Grammy.

También fue el cuarto álbum con mayor número de ventas en la primera semana de ventas de 2011, debutando en el primer puesto. En los Estados Unidos el álbum debutó en el número 5 en el Billboard 200 con 144.000 unidades vendidas, por lo que es su más alta primera semana de ventas en el país. Después del lanzamiento del álbum, la canción «Between the Cheats», que iba a pertenecer a su tercer álbum de estudio, sirvió para la difusión de un rumor que trataba sobre la posibilidad de la publicación de un segundo disco del mismo estilo.

Tras su muerte se anunció que su trabajo Back to Black enmarcó directamente la lista de iTunes en casi todos los países del mundo, volvió a entrar en las listas del Rei-

Su última grabación fue un dueto con el cantante estadounidense Tony Bennett, para el disco Duets II, el cual fue lanzado el 20 de septiembre de 2011

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Creo que tenemos que ser conscientes de que a las personas les está permitido cometer errores

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Whitney Houston 9 de agosto de 1963 â&#x20AC;&#x201C; 11 de febrero de 2012

cincuenta semanas. En total lanzó siete álbumes de estudio, tres bandas sonoras, varias compilaciones y cincuenta y tres sencillos, de los cuales once fueron número uno en la lista Billboard Hot 100. El más notable es «I Will Always Love You» publicado en noviembre de 1992 y que se convirtió en el sencillo más vendido por una artista femenina en la historia de la música. Consiguió ser número uno en treinta y dos países y ganó dos premios Grammy y seis Billboard Music Awards. Su carrera ha influenciado en la de muchos otros artistas como Christina Aguilera, Céline Dion, Jessica Simpson, Alicia Keys, Nick Carter, Britney Spears, Nelly Furtado y otros artistas de música R&B. En 2001 firmó el contrato con el salario más alto de la historia, por 100 millones de dólares con la discográfica Arista.6 Inició su carrera cinematográfica en el año 1992 con la película El guardaespaldas, cuya banda sonora es la más vendida de todos los tiempos con más de 45 millones de

En 2012 el cuerpo de la famosa cantante fue encontrado en un hotel en Las Vegas. Houston se preparaba para cantar en los Grammy, pero falleció debido a un “ahogamiento accidental” tras mezclar cocaína con otros medicamentos. Whitney Elizabeth Houston (Newark, 9 de agosto de 1963 – Los Ángeles, 11 de febrero de 2012), conocida como Whitney Houston, fue una cantante estadounidense de R&B, soul, blues y góspel, aunque también destacó como actriz, compositora, productora, empresaria y modelo. Según Guinness World Records es, hasta la fecha, la artista más galardonada de todos los tiempos,1 con dos premios Emmy, seis premios Grammy,2 treinta premios Billboard Music Awards y veintidós American Music Awards, para un total de 415 premios en su carrera. También es una de las artistas musicales que ha vendido un mayor número de discos en el mundo: más de 170 millones de álbumes, sencillos y vídeos.3 Desde sus inicios se vio influenciada por destacadas

cantantes de soul como su madre Cissy Houston, sus primas Dionne Warwick y Dee Dee Warwick y su madrina Aretha Franklin.4 A los once años empezó su formación musical en un coro infantil de una iglesia en Nueva Jersey,2 pero su talento fue descubierto tiempo después por Clive Davis, presidente de Arista Records, en la época en que cantaba junto a su madre en clubes nocturnos de Nueva York.5 Conocida como «The Voice» («La Voz») debido a su calidad vocal, Whitney llegó a la fama en 1985 con su álbum Whitney Houston, que vendió 30 millones de copias y se convirtió en el álbum de debut con mayores ventas de una intérprete femenina en la historia. En 1987 lanzó su segundo álbum de estudio, que se convirtió en el primero de una artista femenina en debutar en el número uno en la lista de ventas Billboard 200. Houston consiguió ser la intérprete femenina con más semanas en la primera posición de las listas de éxitos, con sus álbumes Whitney Houston, Whitney, Waiting to Exhale y la banda sonora de El guardaespaldas, durante

copias vendidas en 2012.7 Continuaría en 1995 con la película Waiting to Exhale,,8 The Preacher’s Wife (1996),9 Rodgers & Hammerstein’s Cinderella (1997) y por último Sparkle (2012). Hija de John Russell Houston (13 de septiembre de 1920 - 2 de febrero de 2003 a los 82) y de Cissy Houston (30 de septiembre de 1933-). A la edad de once años, comenzó a formarse como vocalista en el coro góspel infantil de la iglesia “New Hope Baptist” de Newark, New Jersey, y, más tarde, acompañaría a su madre en los conciertos. Aunque de religión bautista, estudió en un instituto de secundaria católico. Después de aparecer en el álbum de 1978 de su madre, Think It Over, empezó a hacerle los coros a otros intérpretes reconocidos, tales como Chaka Khan, Jermaine Jackson, y Lou Rawls. A los 16 años, le ofrecieron ser la voz principal en el sencillo de la banda de Michael Zager, «Life’s a Party» en 1978. A principios de los ochenta, empezó a aparecer en varias revistas como modelo (saliendo, incluso, en alguna portada). En 1982, hizo su primera grabación como cantante con el conjunto de Jazz-Funk Material. La canción se titulaba «Memories» y fue incluida en el álbum del grupo One Down.

Le ofrecieron muchos contratos por ejemplo un contrato de grabación con Arista Records en 1983, poco después de que el fundador de la compañía, Clive Davis, escuchara su actuación en el club neoyorquino Mikell’s con su madre.10 Inmediatamente el proceso de realización de su primer álbum se puso en marcha. En 1984, tuvo su primer éxito comercial con «Hold Me», un dueto con Teddy Pendergrass (el cual fue incluido en el álbum del cantante, Love Language y, después, en su primer álbum). El sencillo, alcanzó el puesto 50 en la lista de éxitos pop de Estados Unidos y el top 5 en la lista de éxitos de R&B. Caso idéntico fue el de «Take Good Care of My Heart», balada R&B, también de 1984, dueto que apareció en el L.P. Jermaine de Jermaine Jackson y, en 1985, en su álbum debut. Durante ese tiempo, decidió presentarse a una prueba para el papel de Sondra Huxtable en The Cosby Show (el cual perdió frente a Sabrina Le Beauf) y apareció como estrella invitada en programas como Gimme a Break y Silver Spoons. Debutó en 1985 con Whitney Houston, a los 22 años. Su subida en las listas de ventas, fue promovida por el éxito de sus sencillos; como «You Give Good Love» con el que consiguió la posición número 3, mientras que «Saving All My Love For You», «How Will I Know» y «Greatest Love Of All» fueron todos ellos números uno. En marzo de 1986, Whitney Houston alcanzó el primer lugar de las listas de ventas de discos. El álbum vendió cerca de 28 millones de copias en todo el mundo (13 millones de copias vendidas sólo en Estados Unidos). El resto del año 1986 se embarcó en la gira The Greatest Love, Tour. Lanzado en junio de 1987, Whitney llegó a ser el primer álbum de una artista femenina en debutar en el puesto número uno en Estados Unidos. El primer sencillo, «I Wanna Dance with Somebody» (originalmente titulado «I’m Gonna Dance With Somebody» en su gira de 1986) subió directo al número uno, junto con los sencillos «Didn’t We Almost Have It All», «So Emotional» y «Where Do Broken Hearts Go». Con ello, logró un total de siete números uno consecutivos en los Estados Unidos, superando la marca previa de seis números uno consecutivos

compartido por Los Beatles y los Bee Gees. Con el sencillo «One Moment In Time», consiguió el número uno en Inglaterra en 1988, además de un nuevo top 5 en su país natal y un clásico internacional. El tercer disco de su carrera, I’m Your Baby Tonight, fue lanzado en noviembre de 1990, consiguiendo llegar al puesto número 3 en la lista de ventas de la revista estadounidense Billboard. Los primeros dos sencillos; «I’m Your Baby Tonight» y «All The Man That I Need» fueron números 1 en los Estados Unidos, proporcionándole un total de nueve números 1 en este punto de su carrera. Dos canciones más se añadieron a su colección de sencillos, «Miracle» y «My Name Is Not Susan», logrando el número 9 y el número 20 respectivamente. Otra canción del álbum, «I Belong To You» también alcanzó repercusión en emisoras urbanas a lo largo del país y subió al número 10 en las listas de R&B. El álbum vendió 14 mi-

Conocida como «The Voice» («La Voz») debido a su calidad vocal, Whitney llegó a la fama en 1985 con su álbum Whitney Houston, que vendió 30 millones de copias

llones de copias mundialmente, 4 millones de ellas en los Estados Unidos. Como siempre después de un lanzamiento de disco, puso en marcha la gira mundial I’m Your Baby Tonight. El álbum consiguió cuatro Premios de la Música Billboard en la ceremonia de 1991. n enero de 1991, cantó el himno nacional de Estados Unidos, «The Star Spangled Banner», en la Super Bowl nº XXV (la final de fútbol americano) celebrada en Tampa (Florida). Esta interpretación fue posteriormente grabada como sencillo debido a la demanda popular, alcanzando el número 20 en los Estados Unidos, siendo la única versión del himno americano que consigue ser un éxito de ventas, obteniendo el disco de platino.11 El sencillo también ayudó a recaudar fondos para la Cruz Roja Americana en beneficio de los Veteranos de la Guerra del Golfo y sus familias.12

incluye «I Have Nothing», escrito por David Foster y Linda Thompson. “I Have Nothing” llegó a ser un súper en ventas en 1993, y fue nominada como mejor canción para los Premios Óscar. Le siguieron más sencillos exitosos: una versión del “I’m Every Woman” de Chaka Khan, “Run To You” (que también recibiría una nominación para los Premios Óscar a la mejor canción) y “Queen Of The Night”, la cual fue coescrita por la propia Whitney. El álbum vendió 43 millones de copias en todo el mundo en su primer año y más de 48 millones hasta ahora, convirtiéndola en la banda sonora más vendida en la historia de la música. El 18 de julio de 1992, Whitney se casó con el cantante Bobby Brown en su estado natal de New Jersey. En marzo de 1993, Whitney dio a luz a una niña, llamada Bobbi Kristina, a la cual se le puede escuchar junto a su madre en la canción “My Love Is Your Love”, en “Little Drummer Boy” del álbum One Wish - The Holiday Album y en el tema “Family Comes First”, perteneciente a la banda sonora de la película Daddy’s Little Girls. En 1995 se pone de nuevo delante de las cámaras para rodar Waiting to Exhale (Esperando un respiro), basada en una novela de Terry McMillan sobre las vidas de cuatro mujeres afroamericanas en donde Whitney interpreta a una elegante pero atormentada mujer llamada Savannah. Completan el reparto Angela Bassett, Loretta Devine y Lela Rochon. El director de la película es Forest Whitaker. Se comenzó a rodar en la primavera de 1995, y se estrenó en diciembre alcanzando los 70 millones de dólares de recaudación en taquilla.

En 1992 hizo su primera incursión en el cine junto a Kevin Costner en la película El guardaespaldas. Whitney grabó 6 nuevas canciones para la banda sonora, incluyendo una versión del tema de Dolly Parton «I Will Always Love You» con la que rompió todas las expectativas. Lanzado como sencillo en noviembre, fue su décimo número uno en Estados Unidos llegando a ser el sencillo más vendido de 1992 en el Reino Unido y Estados Unidos, manteniéndose 10 semanas y 14 semanas respectivamente en ese puesto. Con el tiempo se convirtió en uno de los sencillos más vendidos de la historia. El álbum también

La banda sonora de Waiting To Exhale incluía 3 nuevas canciones de Whitney; ‘Exhale (Shoop Shoop)’, ‘Count On Me’ (dueto con CeCe Winans), la cual fue coescrita por Whitney y Babyface, y ‘Why Does It Hurt So Bad’. La banda sonora alcanzó rápidamente el número 1, contabilizando 10 millones de ejemplares despachados. Su primer single, ‘Exhale (Shoop Shoop)’, debutó en el #1 del Hot 100 de Billboard en su primera semana, siendo la tercera vez en la historia que esto sucede. El single fue desplazado a la posición #2 la siguiente semana, donde se mantuvo durante un tiempo marca que le llevó a convertirse en el single que más semanas ha pasado en dicha posición en la historia de las listas. Su siguiente película la protagonizó junto a Denzel Washington, siendo una versión de la película clásica de Hollywood “The Bishop’s Wife” acerca de un ángel que baja a la Tierra para ayudar a una familia de la iglesia protestante y acaba por enamorarse de la esposa del pastor. Esta versión se tituló “The Preacher’s Wife” (La Mujer del Predicador) y fue dirigida por Penny Marshall. El film se empezó a rodar en enero de 1996, con Whitney como esposa del predicador, Denzel como el ángel, y Courtney

B.Vance como el predicador. La película, dirigida por Penny Marshall fue estrenada en Estados Unidos el 13 de diciembre de 1996. Whitney había estado planeando desde hacía mucho tiempo un álbum de góspel y la banda sonora de la película le brindó la oportunidad de hacerlo. La banda sonora de “The Preacher’s Wife” fue lanzada un mes antes que la película y se convirtió en el álbum de góspel más vendido de la historia. Whitney es la voz cantante en 14 de las 15 pistas del álbum, incluyendo los éxitos “I Believe In You And Me”, y “Step By Step”, escrita por Annie Lennox. El siguiente trabajo de Whitney fue el musical para televisión ‘Cinderella’ (La Cenicienta), rodada en el verano de 1997. Fue producida por la propia compañía productora de Whitney, Brown House Productions. El programa salió al aire en la cadena estadounidense de televisión ABC el 2 de noviembre de 1997. Atrajo a una audiencia de más de 60 millones de norteamericanos (una de las películas de TV más vistas de la historia), cosechando 7 nominaciones a los Premios Emmy. Houston trabajó en el proyecto como productora ejecutiva, el cual protagonizaron Brandy, Whoopi Goldberg y la misma Whitney como Hada Madrina. En el año 1998 grabó un dueto con Mariah Carey en un estudio de Nueva York, las dos divas cantaron por primera vez juntas una canción titulada “When You Believe” incluida en la banda sonora de la película de animación “El príncipe de Egipto”, la cual narra la vida de Moisés. La canción fue lanzada en noviembre y ganó el Premio Oscar a la mejor canción en marzo de 1999.

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Cuando decidí ser cantante, mi madre me advirtió que estaría mucho tiempo sola. Básicamente todos estamos solos. La soledad viene con la vida

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Jimi Hendrix 27 de noviembre de 1942 - 18 de septiembre de 1970

James Marshall «Jimi» Hendrix (nacido Johnny Allen Hendrix; Seattle, Estados Unidos, 27 de noviembre de 1942-Londres, Reino Unido, 18 de septiembre de 1970) fue un músico y cantautor estadounidense. Hendrix es considerado uno de los mejores y más influyentes guitarristas eléctricos de la historia de la música popular, y uno de los músicos más importantes del siglo XX.

Estados Unidos, de madre de orígenes nativo americana y padre afroamericano, con el nombre de Johnny Allen Hendrix. Le cambiaron el nombre por el de James Marshall Hendrix en memoria del hermano fallecido de su padre Leon Marshall Hendrix. El pequeño Jimi pasó sus primeros años en un barrio muy humilde y tuvo una infancia marcada por el divorcio de sus padres avenido cuando éste tenía apenas 9 años; como consecuencia, fue otorgado en tutela a su abuela paterna Nora Rose Moore, en ese entonces la única persona en grado de garantizarle un mínimo de estabilidad.

Musicalmente influido por el rock and roll y blues eléctrico americanos, tras tener un éxito inicial en Europa con su banda The Jimi Hendrix Experience, logró fama en los Estados Unidos tras un concierto en 1967 en el Festival Pop de Monterey. Más tarde, encabezó el Woodstock Festival en 1969, y el Isle of Wight Festival de 1970, antes de fallecer a los 27 años. Es citado frecuentemente por varios artistas,1 2 por diversas revistas especializadas en música,3 4 por varios críticos y la prensa en general5 6 7 8 y por la admiración y el cariño de la gente9 10 11 12 como el más grande guitarrista de la historia del rock and roll,13 14 15 además de ser uno de los mayores innovadores y más influyentes artistas en una gran cantidad de géneros.16 17 18 Con The Jimi Hendrix Experience grabó cuatro LPs: Are You Experienced?, Axis: Bold as Love, Electric Ladyland y un disco recopilatorio de grandes éxitos llamado Smash Hits. Sin embargo, hay innumerables grabaciones de actuaciones en directo que saldrían al mercado después de la muerte de Jimi. Las continuas presiones para mantener a la banda de gira, en agotadores festivales los llevaron al uso de las drogas. Al principio, las usaban sólo para mantener el tipo en sus innumerables conciertos, consumiendo eventualmente por puro placer. Más tarde se convirtió en una mera adicción. Cansados del excesivo protagonismo de Jimi Hendrix en la banda, Mitchell y Redding decidieron abandonar el grupo en 1969. Hendrix fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame en 1992.19

situó como el mejor guitarrista de guitarra eléctrica de la historia, por delante de B. B. King, Chuck Berry, Jimmy Page, Keith Richards y Eric Clapton, entre otros.5 Igualmente, en 2003 la revista especializada británica Total Guitar, con el voto de más de 4000 lectores, eligió a Jimi Hendrix como el mejor guitarrista de la historia del rock.4 Además posee el mejor riff en la historia de la música por su canción «Voodoo Child» según una encuesta realizada en 2009 por la página especializada británica Music Radar, superando a otras bandas de renombre como The Who, Led Zeppelin y Deep Purple, entre otras.21 Jimi Hendrix nació el 27 de noviembre de 1942 en el King County Hospital de Seattle en el estado de Washington,

Su primer instrumento fue una armónica a los 4 años. Obtuvo su primera guitarra acústica a los 14 años por cinco dólares a un conocido de su padre, reemplazando el ukelele de una sola cuerda que su padre había encontrado limpiando un garaje. Aprendió practicando constantemente, mirando cómo tocaban otros músicos más experimentados como B.B. King; entre otros. En 1958, el año en que muere su madre, su padre le compró su primera guitarra eléctrica, una Supro Ozark roja, aunque sin amplificador, con la que tocó en varias bandas locales. Ese mismo año su única calificación baja en la escuela fue una F en clase de música. Poco interesado en la escuela, que dejaría antes de graduarse, Jimi comenzó a dedicarse tempestivamente a la música: sus puntos de referencia, además del ya nombrado B.B King, fueron guitarristas de la escena del blues de Chicago como Elmore James, Muddy Waters o Albert King, por no hablar de leyendas del más sobresaliente delta blues, como Robert Johnson, Leadbelly, y del rock and roll como Chuck Berry.22 En los inicios de la década de 1960, a causa de algunos problemas con la ley, se vio obligado a elegir entre un periodo de reclusión o el alistamiento militar; elegida la

En el año 2003, la revista Rolling Stone lo eligió como el mejor guitarrista de todos los tiempos20 y en 2004 lo incluyó en su lista de los mejores artistas de toda la historia (n.º 6). En 2009, la revista estadounidense Time lo

Hendrix es considerado uno de los mejores y más influyentes guitarristas eléctricos de la historia de la música popular, y uno de los músicos más importantes del siglo XX

trasladarse a Nueva York. En enero de 1964, el guitarrista se muda al barrio de Harlem, donde consolidó una estrecha amistad con los gemelos Arthur y Albert Allen (hoy día más conocidos como Taharqa y Tunde-Ra Aleem).28 La amistad con los gemelos Allen pronto resultó ser fundamental y destinada a durar en el tiempo, como demuestran algunas colaboraciones en la última parte de la carrera de Hendrix en el interior de sus grabaciones (un ejemplo puede ser considerada Freedom, en la cual los gemelos. Allen se ocuparon de los backing vocals acreditados con el nombre de Ghetto Fighters). También resultó fundamental la relación con aquella que más tarde se convertiría en su novia, Lithofayne “Fayne” Pridgeon. Fayne procuró de hecho todo tipo de soporte humano y logístico a Hendrix y se reveló esencial también en su inserción en la escena local gracias a sus conocimientos del ambiente musical underground de Harlem.

segunda opción, Hendrix es alistado el 31 de mayo de 1961 en la 101st Airborne Division y enviado a Fort Campbell, en Kentucky, después de un breve adiestramiento. Su aventura en los rangos militares duró muy poco; frustrado por la rigidez del ambiente e intencionado a dedicarse a la música. Jimi Hendrix decide poner punto final a su periodo bajo las armas, visitando varias veces al psicólogo del ejército declarando ser homosexual.23 Tomando en cuenta algunas entrevistas dejadas por Hendrix a propósito, en cambio, parece que con el fin de obtener la baja adujo problemas en la espalda producto de un salto en paracaídas.24 25 Una vez obtenida la baja, “Buster” (como le conocían muchos amigos y familiares) fijó su residencia en las cercanías de Clarksville, en Tennessee. Comenzó a actuar en público en 1962 con el grupo formado junto a su amigo Billy Cox, los King Casuals.26 El grupo comenzó a presentarse en locales de la zona hasta que la formación entera decidió trasladarse a Nashville. La actividad del grupo se desarrollaba esencialmente en locales de la zona de Jefferson Street, tradicionalmente considerada el corazón de la comunidad afroamericana de Nashville y conocida por la intensa escena rhythm and blues que en aquel periodo se estaba desarrollando; este ambiente propició e influenció las primeras experiencias “en vivo” de Hendrix. Durante los tres años siguientes Jimi llevó una vida errática, formando parte en la gira del llamado Chitlin’ Circuit27 y convirtiéndose en una presencia fija mediante

una interminable serie de exhibiciones, tanto de guitarrista de los King Casuals como en grupos de soporte para un gran número de músicos blues, rhythm and blues y soul como Chuck Jackson, Slim Harpo, Tommy Tucker, Sam Cooke y Jackie Wilson. El periodo transcurrido en el Chitlin’ Circuit resultó fundamental para su formación musical y estilística; en este contexto Hendrix definió su actitud y consolidó su conocimiento de las raíces del blues. Una vez terminado con lo que más tarde se reveló ser su periodo de aprendizaje, en un intento de dejar atrás el contexto de racismo y degradación que había encontrado en el sur del país norteamericano, Hendrix decide

La llegada al éxito se produjo en 1964, cuando Hendrix fue reclutado como guitarrista de la banda de los Isley Brothers para una gira a través de todo Estados Unidos, incluidos los locales del Chitlin’ Circuit. Fue justamente durante aquel periodo cuando tuvo la ocasión de tocar en grabaciones de estudio el tema Testify, sencillo que poco después se convertiría en un éxito radiofónico. Entre 1964 y 1965 comenzó para Hendrix una interminable serie de idas y vueltas desde una banda a la otra: en Nashville dejó a los Isley Brothers para sumarse como guitarrista al grupo de Gorgeous George Odell; llegado a Atlanta formó parte de los Upsetters, entonces grupo soporte de Little Richard donde también militaba el célebre baterista Earl Palmer quien se anticipó al estilo funk. No obstante Little Richard fuese por aquellos tiempos uno de los ídolos de Jimi, ambos entraron en diferentes

El rockero falleció en Londres a los 27 años. Se dice que Hendrix falleció ahogado con su vómito tras sufrir una sobredosis.

conflictos durante el tour por las razones más disparatadas; la mayoría se debía a la escasa tolerancia del cantante hacia la teatralidad escénica de Hendrix. Por un breve periodo, Hendrix se separó del grupo de soporte de Richard para seguir en tour a Ike y Tina Turner: pero poco alcanzó, alimentada de las usuales acaloradas actuaciones del guitarrista, para inducir a los dos artistas a reenviarlo a su anterior grupo. De todos modos, la aventura con la banda a la espalda de Little Richard concluiría a los pocos meses, cuando Hendrix fue despedido por haber perdido el tour bus a Washington D. C.. En 1965 Hendrix se unió a la banda neoyorquina Curtis Knight and the Squires, después de haber conocido a Knight en el hall de un hotel —clase media— en el cual ambos habían encontrado hospedaje. Siguió un tour de dos meses con Joey Dee and the Starliters antes de regresar nuevamente con los Squires en Nueva York. Finalmente el 15 de octubre de 1965 Jimi obtiene un contrato discográfico de tres años de duración con Ed Chaplin, un empresario al que se comprometió a darle 1 dólar y el 1% de regalías sobre las grabaciones con Curtis Knight. No obstante 13 años más tarde la colaboración con Chaplin fue concluida, el contrato fue apelado con éxito por parte del empresario causando no pocos problemas a Hendrix hasta su resolución. Durante una breve estancia en Vancouver, al parecer Hendrix tocó con Bobby Taylor & the Vancouvers, bajo contrato con Motown y con Taylor y Tommy Chong (de los Cheech and Chong fame). Chong, de todos modos, afirma que tal episodio nunca existió y sostiene que el hecho viene atribuido a la tendencia de Taylor a agrandar las cosas.29

dos en el Manny’s Music Shop;30 entre ellos un intrépido californiano de 15 años llamado Randy Wolfe. Habiendo dos Randy en el grupo, Hendrix resolvió la cuestión rebautizando Wolfe Randy California30 a uno y al otro Randy Texas. Randy California sería más tarde co-fundador de Spirit junto a Ed Cassidy. Hendrix y su nuevo grupo llamaron fácilmente la atención de una Nueva York todavía distante de los sonidos y rumores de la revolución cultural y musical que estaba por explotar sobre la costa opuesta del país. Fue durante las exhibiciones en el Cafe Wha? ubicado sobre la MacDougal Street en el Greenwich Village, que Hendrix conoció a la cantante y guitarrista Ellen McIlwaine y al guitarrista Jeff “Skunk” Baxter.31 Fundamental, en el mismo periodo, fue el conocimiento de Frank Zappa; la leyenda quiso que fuera justamente Zappa a instruir a Hendrix sobre las prospectivas que ofrecía un efecto para guitarra de un nuevo producto destinado a ser famoso: el wah-wah.31

El 1966 fue el año del giro definitivo para Hendrix: durante una noche en el Cheetah Club, ubicado sobre la West 21st Street, el guitarrista conoció a la entonces novia de Keith Richards, Linda Keith. Los dos se hicieron rápidamente amigos y Linda se esforzó para presentarle a Andrew Loog Oldham, mánager de The Rolling Stones, y al productor Seymour Stein. Ninguno de los dos recogió una impresión positiva del encuentro y —con gran desilusión de Hendrix— toda prospectiva de inserción se esfumó. Lejos de perder los ánimos, Linda insistió en presentarlo a Chas Chandler, en la época bajista del grupo The Animals. El encuentro esta vez resultó fructuoso.

No obstante la inestabilidad del periodo, todas las errabundas experiencias que le vieron protagonista le sirvieron de aprendizaje, permitiéndole enriquecer interiormente su considerable bagaje guitarrístico. En 1966 Hendrix formó su primer grupo bajo el nombre de Jimmy James and the Blue Flames, con una variada formación, incluidos diversos conocidos suyos recluta-

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A veces quieres rendirte con la guitarra, la odiarás, pero si no te rindes con ella, serás recompensado

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Heath Ledger 9 de agosto de 1963 â&#x20AC;&#x201C; 11 de febrero de 2012

Falleció a los 28 años, tras una sobredosis accidental de medicamentos recetados. Pocos meses antes de su fallecimiento, Ledger había terminado con la filmación de su penúltimo papel, como el Joker en ‘El Caballero Oscuro’ por el ganaría el Oscar al mejor actor secundario

Ward y con la antigua estrella infantil y actriz Mary-Kate Olsen.51

Heath Ledger nació el 4 de abril de 1979, en Perth, Australia Occidental, hijo de Sally Ledger Bell, una maestra de francés, y Kim Ledger, un automovilista e ingeniero, cuya familia estableció y dirigió la compañía Ledger Engineering Foundry.26 27 28 La fundación de caridad Sir Frank Ledger fue creada en honor a su bisabuelo.26 Asistió a la Escuela Primaria Mary’s Mount, en Gooseberry Hill,29 30 y más tarde a la Guildford Grammar School, donde, a los diez años de edad, tuvo su primera experiencia como actor interpretando a Peter Pan en una producción escolar.6 26 Sus padres se separaron ese mismo año y se divorciaron al año siguiente.31 La hermana mayor de Ledger, Kate, actriz y más tarde publicista, con quien se llevaba muy bien, lo alentó a convertirse en actor, y su admiración por Gene Kelly lo inspiró a participar en un concurso, realizando un exitoso número musical en su escuela.26 1 32 33 Heath y Kate también tenían dos hermanas, Ashleigh Bell (nacida en 1989), la hija de su madre con su segundo esposo y padrastro Roger Bell, y Olivia Ledger (nacida en 1997), la hija de su padre con su segunda esposa y madrastra Emma Brown.34 Ledger fue un ávido jugador de ajedrez, ganando el campeonato infantil de Australia Occidental a los diez años.35 36 De adulto, solía jugar con otros ajedrecistas en el Washington Square Park.37 38 Allan Scott planeaba adaptar al cine la novela The Queen’s Gambit, cuyo

argumento se basa en el ajedrez; hubiese sido el primer trabajo de Ledger como director, ya que tenía planeado protagonizarla y dirigirla.4 39 Entre sus relaciones amorosas más importantes, se encuentran su noviazgo con la actriz Heather Graham, el cual duró varios meses entre 2000 y 2001,40 y su relación con la actriz Naomi Watts, a la cual conoció durante la filmación de Ned Kelly y con quien convivió desde 2002 hasta 2004.41 42 En el verano de 2004, conoció y comenzó una relación con la actriz Michelle Williams durante la producción de Brokeback Mountain, y su hija, Matilda Rose, nació el 28 de octubre de 2005 en Nueva York.43 Los padrinos de Matilda Rose son Jake Gyllenhaal, el coprotagonista de Ledger en Brokeback Mountain, y Busy Philipps, la compañera de elenco de Williams en Dawson’s Creek.44 45 Los problemas con los periodistas en Australia llevaron a Ledger a vender su residencia en Bronte, Nueva Gales del Sur y a mudarse a los Estados Unidos, donde compartió un apartamento con Williams, en Boerum Hill, Brooklyn, desde 2005 hasta 2007.5 46 47 48 49 En septiembre de 2007, el padre de Williams, Larry Williams, le confirmó al periódico Daily Telegraph de Sídney que Ledger y Williams habían terminado su relación.50 Después de su separación con Williams, a finales de 2007 y principios de 2008, los periódicos y otros medios de comunicación vincularon románticamente a Ledger con las modelos Helena Christensen y Gemma

Tras aprobar sus exámenes de graduación a los dieciséis años de edad, Ledger abandonó la escuela para dedicarse a la actuación.31 Junto a Trevor DiCarlo, su mejor amigo desde que tenían tres años de edad, condujo a través de Australia desde Perth hasta Sídney, regresando a su ciudad natal para realizar un pequeño papel en Clowning Around (1992), la primera parte de una película para televisión en dos partes, y para trabajar en la serie de televisión Sweat (1996), donde personificó a un ciclista homosexual.26 Desde 1993 hasta 1997, Ledger también trabajó en la serie televisiva de Perth Ship to Shore (1993); en la serie dramática de corta duración de Fox Broadcasting Company titulada Roar (1997); en Home and Away (1997), uno de los programas televisivos más exitosos de Australia; y en la película australiana Blackrock (1997), su debut cinematográfico.26 En 1999, protagonizó la comedia para adolescentes 10 Things I Hate About You y la aclamada película policial australiana Two Hands, dirigida por Gregor Jordan.26 Desde 2000 hasta 2005, realizó varios papeles como actor de reparto. Los más notables fueron como Gabriel Martin, el hijo mayor de Benjamin Martin (Mel Gibson), en The Patriot (2000), y como Sonny Grotowski, el hijo de Hank Grotowski (Billy Bob Thornton), en Monster’s Ball (2000). También tuvo papeles protagónicos, en A Knight’s Tale (2001), Las cuatro plumas (2002), The Order (2003), Ned Kelly (2003), Casanova (2005), The Brothers Grimm (2005), y Los amos de Dogtown (2005).3 En 2001 ganó un Premio ShoWest en la categoría “Estrella Masculina del Mañana”.55 Ledger recibió los premios al mejor actor de 2005 tanto del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York como del Círculo de Críticos de Cine de San Francisco por su actuación en Brokeback Mountain,56 57 en la cual interpretó a Ennis del Mar, un vaquero de Wyoming, quien tiene una relación amorosa con el aspirante a vaquero

de rodeo Jack Twist, interpretado por Jake Gyllenhaal.58 También recibió una nominación a los Premios Globo de Oro por mejor actor dramático y una nominación a los Premios Óscar por este papel,59 60 convirtiéndolo, a los 26 años de edad, en el noveno actor más joven en ser nominado para el Óscar al mejor actor. En la crítica de la película publicada en el The New York Times, el crítico Stephen Holden escribió: “Tanto el Sr. Ledger como el Sr. Gyllenhaal hacen físicamente clara esta angustiosa historia de amor. El Sr. Ledger desaparece mágica y misteriosamente bajo la piel del magro y fibroso personaje. Es una gran actuación, tanto como las mejores de Marlon Brando y de Sean Penn”.61 En una crítica en Rolling Stone, Peter Travers declaró: “La magnífica interpretación de Ledger es un milagro de la actuación. Parece llevarla dentro suyo. Ledger no sólo sabe cómo actúa, habla y escucha Ennis; sabe cómo respira. Verlo inhalar la fragancia de la camisa de Jack es darse cuenta del dolor por el amor perdido”.62 Después de Brokeback Mountain, Ledger co protagonizó con la actriz australiana Abbie Cornish la película de 2006 Candy, una adaptación de la novela Candy: A Novel of Love and Addiction de 1998, como un joven adicto a la heroína que trata de librarse de su adicción. Por su actuación como Dan, el aprendiz del personaje de Geoffrey Rush, fue nominado para varios premios en la categoría de mejor actor, incluyendo uno del Círculo de Críticos de Cine de Australia en 2006, el cual fue obtenido tanto por Cornish como por Rush en sus categorías. Un par de semanas después del estreno de Candy, Ledger fue invitado a sumarse a la Academia de Cine y Ciencias.63

Heath Ledger (a la derecha, con gafas de sol) junto a Richard Gere, Todd Haynes y Charlotte Gainsbourg en el Festival de Cine de Venecia de 2007. Como uno de los seis actores que representaron diferentes aspectos de la vida de Bob Dylan en la película de 2007 I’m Not There, dirigida por Todd Haynes, Ledger “ganó elogios por su personificación de ‘Robbie [Clark]’, un actor temperamental y sin cultura que representa el lado romántico de Dylan, pero dice que los elogios nunca fueron su inspiración”.64 Póstumamente, el 23 de febrero de 2008, compartió el Premio Independent Spirit Robert Altman con el resto del elenco de la película, con su director y con el director de audiciones.7 En su penúltima actuación cinematográfica, Ledger interpretó al Joker en The Dark Knight, dirigida por Christopher Nolan, la secuela de la película de 2005 Batman Begins, estrenada, en Australia, el 16 de julio de 2008, casi seis meses después de su fallecimiento. Mientras aún trabajaba en la película, en Londres, le dijo a Sarah Lyall, en su entrevista publicada en el New York Times el 4 de noviembre de 2007, que veía al Joker de The Dark Knight como un “payaso psicópata, asesino en serie y esquizofrénico sin un gramo de empatía”.65 Para prepararse para el papel, le dijo a la revista Empire, “Fui a una habitación de hotel en Londres varias veces durante un mes, me encerré, llevé un pequeño diario y experimenté con voces; era importante tratar de encontrar una voz y una risa un tanto icónica. Terminé aterrizando en el reino de un psicópata: alguien con muy poca conciencia de sus actos”; más tarde, Ledger cambió su punto de vista hacia el personaje, describiéndolo como “simplemente un payaso abso-

lutamente sociópata, con sangre fría y asesino en serie”, añadiendo que Nolan le había permitido que desarrollase libremente el personaje, el cual encontró “divertido, porque no hay límites sobre lo que el Joker puede decir o hacer. Nada lo intimida, y todo es una gran broma para él”. Por su trabajo en The Dark Knight, Ledger obtuvo el Premio Óscar al mejor actor de reparto, el cual fue recibido por su familia, además de muchos otros premios póstumos incluyendo el Globo de Oro al mejor actor de reparto, recibido por Christopher Nolan en su representación. Al momento de su fallecimiento, el 22 de enero de 2008, Ledger había completado casi la mitad de su papel como Tony en la película The Imaginarium of Doctor Parnassus.18 24 25 Para poder “rescatar” la película, el director Terry Gilliam contactó a los actores Jude Law, Colin Fa-

Al momento de su fallecimiento, el 22 de enero de 2008, Ledger había completado casi la mitad de su papel como Tony en la película The Imaginarium of Doctor Parnassus.

término descriptivo de Winston Churchill hacia la depresión” (perro negro).77

Occidental, diciendo que allí se solían realizar linchamientos durante la década de 1980.

El video fue visto públicamente sólo dos veces: en el Festival Bumbershoot, en Seattle, Washington, llevado a cabo desde el 1 de septiembre al 3 de septiembre de 2007, y como parte de “A Place To Be: A Celebration of Nick Drake”, con su emisión de Their Place: Reflections On Nick Drake, “una serie de homenajes cortos filmados hacia Nick Drake” patrocinado por American Cinematheque, en el Teatro Grayman’s Egyptian de Hollywood el 5 de octubre de 2007.78 Tras el fallecimiento de Ledger, su video musical de “Black Eyed Dog” fue presentado en Internet mediante cortos de noticias distribuidos por el sitio web YouTube.

En su entrevista en el New York Times, publicada el 4 de noviembre de 2007, Ledger le dijo a Sarah Lyall que sus papeles recientes en I’m Not There (2007) y The Dark Knight (2008) le dificultaron conciliar el sueño: “La semana pasada probablemente dormí dos horas por noche en promedio... No podía dejar de pensar. Mi cuerpo estaba exhausto, pero mi mente seguía funcionando”.92 En la entrevista, le dijo a Lyall que había tomado dos píldoras Ambien, ya que una sola no le había funcionado, quedando “en estado de estupor, y despertándome sólo una hora después, todavía con la mente a toda máquina”.65

Ledger trabajó con el guionista y productor escocés Allan Scott en una adaptación de la novela de 1983 The Queen’s Gambit de Walter Tevis, en la cual planeaba ser tanto director como protagonista, convirtiéndose en su primer largometraje como director.4 39 82 Dirigió también el video de la canción “King Rat” de Modest Mouse, que salió publicada en el EP No One’s First and You’re Next el 4 de agosto de 2009.83

rrell y Johnny Depp para que completasen las escenas en las que aparecía el personaje, haciéndolos pasar a través de un espejo mágico que les cambiase la apariencia y ayudándose con efectos especiales.69 Ledger aspiraba a convertirse en un director de cine y realizó varios videos musicales. El 23 de febrero de 2008, cuando aceptó el Premio ISP Robert Altman (compartido en forma póstuma), el director Todd Haynes los elogió ampliamente.71 En 2006 Ledger dirigió los videos musicales de las canciones de Cause an Effect, el primer CD de N’fa, un artista australiano de hip-hop,72 y del sencillo “Seduction Is Evil (She’s Hot)”.73 74 Más tarde ese año, inauguró una nueva compañía discográfica, Masses Music, junto al cantante Ben Harper; también dirigió un video musical para la canción “Morning Yearning”, interpretada por este último.65 75 En una conferencia de prensa en el Festival de Cine de Venecia en 2007, Ledger habló sobre su deseo de hacer un documental sobre el cantante y compositor británico Nick Drake, quien falleció en 1974 a los veintiséis años de edad, debido a una sobredosis de antidepresivos.76 Ledger participó tanto en la creación como en el desarrollo del video musical de una canción de Drake, la cual trata sobre la depresión; fue compuesta en 1974 con el nombre de “Black Eyed Dog”, título “inspirado por el

Durante el mes de enero de 2008, en Londres, donde estaba realizando su último trabajo como actor, padeció malestares respiratorios. Se quejó varias veces con su coprotagonista Christopher Plummer de que tenía muchos problemas para dormir y le dijo que tomaba píldoras para solucionar el problema.

La relación de Ledger con la prensa australiana fue turbulenta, y lo llevó a mudarse a Nueva York.84 85 En 2004 negó las acusaciones de los medios, que decían que había escupido a los periodistas durante la filmación de Candy, o que uno de sus parientes lo había hecho más tarde, frente a la casa de Ledger en Sídney.84 85 El 13 de enero de 2006, “Varios paparazzi tomaron represalias... les lanzaron agua a Ledger y a Williams con pistolas de agua en la alfombra roja del estreno de Brokeback Mountain en Sídney”.86 87 Debido a su manera de comportarse sobre el escenario de los Premios Screen Actors Guild de 2005, cuando se rió al presentar Brokeback Mountain como nominada en la categoría “Actuación Destacada en una Película”, el periódico Los Angeles Times se refirió a su presentación como “una aparente parodia gay”.88 Ledger llamó al Times más tarde y les explicó que su altercado había sido el resultado de su pánico escénico, diciendo que le habían anunciado que tendría que presentar el premio pocos minutos antes; declaró: “Lo siento mucho y me disculpo por mi nerviosismo. Me horrorizaré muchísimo si mi pánico escénico se malinterpreta como una falta de respeto hacia la película, hacia su temática o hacia las increíbles personas que la realizaron”.89 90 En enero de 2006, el periódico de Melbourne Herald Sun lo citó diciendo que había escuchado que en Virginia Occidental habían prohibido Brokeback Mountain, lo cual no había sucedido; en realidad, un cine en Utah la había prohibido.85 También se refirió erróneamente a Virginia

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Sólo hago esto porque me estoy divirtiendo, el día que deje de divertirme, sólo me alejaré

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Paul walker 12 de septiembre de 1973 - 30 de noviembre de 2013

Ironías del destino. El actor Paul Walker, protagonista de la saga ‘Fast & Furious’ falleció el sábado 30 de noviembre de 2013 en un accidente de tráfico en California. Era el pasajero en el coche de un amigo, en el que ambos perdieron la vida.

Paul nació en Glendale, California pero se crió en el Valle de San Fernando en Los Ángeles.2 Era hijo de Paul Walker III, un contratista de alcantarillado y de Cheryl Crabtree, una exmodelo.3 Paul era el segundo de cinco hermanos (dos hombres, Caleb y Cody, y dos mujeres, Ashlie y Amie).4 Su abuelo Paul William Walker, Jr. alias “Irish” Billy Walker fue un boxeador profesional. Walker se graduó del Village Christian High School en 1991.5 Antes de convertirse en actor quería ser biólogo marino. Paul tenía entre sus aficiones el surfeo y la práctica de artes marciales como el jiu-jitsu brasileño y muay thai kickboxing.6 En 2001, Paul fue nombrado por la revista People como una de las personas más sexys.7 En marzo de 2010, Paul visitó Chile, en especial la ciudad de Constitución, para ayudar a las personas damnificadas por el terremoto de magnitud 8,8, el cual golpeó ese país el 27 de febrero del mismo año. Paul acudió junto a paramédicos y ayudas El 30 de noviembre de 2013, Paul Walker falleció en un accidente automovilístico, yendo como copiloto, tras chocar contra un árbol en el barrio de Valencia de la ciudad de Santa Clarita, California, cuando este se encontraba de camino a un evento de caridad realizado por Reach Out Worldwide para las víctimas del tifón Haiyan en Filipinas. Paul comenzó su carrera en la pequeña pantalla al protagonizar un anuncio de televisión para Pampers.14 Entre 1985 y 1994 apareció como invitado en series como Highway to Heaven, Who’s the Boss?, I’m Telling!, The Boys Are Back, The Young and the Restless, Touched By an Angel, entre otras. En 1986 comenzó su carrera cinematográfica cuando apareció en la película de horror y comedia Monster in the Closet.15 Ese mismo año se unió a la serie Throb donde interpretó al hijo de 12 años de Sandy, Jeremy Beatty. En 1998 interpretó a Phil Deedle en el largometraje Meet the Deedles, ese mismo año también participó en la pe-

lícula ambientada en los años 50 Pleasantville, protagonizada por Tobey Maguire y Reese Witherspoon. Un año después participó en películas como Varsity Blues, She’s All That y Brokedown Palace. En el 2000 interpretó a Caleb Mandrake en la película The Skulls.

Pearce (Tyrese Gibson) van encubierto como corredores de calle para tratar de poner en prisión a Cárter Verone (Cole Hauser), un narcotraficante. Ese mismo año participó en la película Timeline, donde interpretó a Chris Johnston.

En el 2001 alcanzó la fama cuando interpretó por primera vez al oficial Brian O’Conner en la película de acción The Fast and the Furious, luego de que Brian entrará encubierto a las carreras para lograr atrapar a Dominic Toretto (Vin Diesel), de quien termina haciéndose amigo. Ese mismo año interpretó a Lewis Thomas en la película Joy Ride, en donde Lewis junto a su hermano y novia intentan huir de un camionero que quiere matarlos. En el 2003 interpretó otra vez a Brian O’Conner en la segunda película 2 Fast 2 Furious, en ella Brian junto con Roman

En el 2005 apareció en la película Into the Blue junto a Jessica Alba, donde interpreta a Jared Cole, un buceador nato que después de encontrar un avión hundido cargado de cocaína, debe luchar por salvarse de unos peligrosos traficantes y tiburones. Un año después, en el 2006, obtuvo un papel secundario en la película de Clint Eastwood, Flags of Our Fathers, donde interpretó al Sargento Henry “Hank” Hansen. Ese mismo año apareció en películas como Running Scared y en Eight Below de Walt Disney Pictures, donde interpretó a Jerry Shepard, quien arriesga su vida para rescatar a unos perros que se han quedado solos en la Antártica antes de que llegue la tormenta. En el 2008 protagonizó la película independiente The Lazarus Project, la cual fue estrenada en DVD el 21 de octubre del mismo año. En el 2009 interpretó de nuevo el papel de Brian O’Conner en Fast & Furious, esta vez Brian ayuda a Dominic a descubrir al asesino de Letty. La película es la cuarta entrega de la saga y se estrenó en abril del mismo año.16 En el 2010 apareció junto a los actores Matt Dillon y Hayden Christensen en la película de crimen y drama Takers (también conocida como “Bone Deep”).17 Ese mismo año protagonizó la serie del National Geographic Channel, Expedition Great White, la cual se estrenó en junio del mismo año; en donde pasó 11 días como parte de la tripulación de un bote encargado de capturar

En 1998 interpretó a Phil Deedle en el largometraje Meet the Deedles, ese mismo año también participó en la película ambientada en los años 50 Pleasantville, protagonizada por Tobey Maguire y Reese Witherspoon. Un año después participó en películas como Varsity Blues, She’s All That y Brokedown Palace. En el 2000 interpretó a Caleb Mandrake en la película The Skulls. En el 2001 alcanzó la fama cuando interpretó por primera vez al oficial Brian O’Conner en la película de acción The Fast and the Furious, luego de que Brian entrará encubierto a las carreras para lograr atrapar a Dominic Toretto (Vin Diesel), de quien termina haciéndose amigo. Ese mismo año interpretó a Lewis Thomas en la película Joy Ride, en donde Lewis junto a su hermano y novia intentan huir de un camionero que quiere matarlos. En el 2003 interpretó otra vez a Brian O’Conner en la segunda película 2 Fast 2 Furious, en ella Brian junto con Roman Pearce (Tyrese Gibson) van encubierto como corredores de calle para tratar de poner en prisión a Cárter Verone (Cole Hauser), un narcotraficante. Ese mismo año participó en la película Timeline, donde interpretó a Chris Johnston. En el 2005 apareció en la película Into the Blue junto a Jessica Alba, donde interpreta a Jared Cole, un buceador nato que después de encontrar un avión hundido cargado de cocaína, debe luchar por salvarse de unos peligrosos traficantes y tiburones.

y marcar a siete tiburones blancos en la costa de México.18 19 20 En el 2011 volvió a interpretar el papel de Brian O’Conner, esta vez en la película Fast Five, la quinta entrega de la saga de The Fast and the Furious, en la que viejos conocidos volvieron a la pantalla. Paul nació en Glendale, California pero se crió en el Valle de San Fernando en Los Ángeles.2 Era hijo de Paul Walker III, un contratista de alcantarillado y de Cheryl Crabtree, una exmodelo.3 Paul era el segundo de cinco hermanos (dos hombres, Caleb y Cody, y dos mujeres, Ashlie y Amie).4 Su abuelo Paul William Walker, Jr. alias “Irish” Billy Walker fue un boxeador profesional. Walker se graduó del Village Christian High School en 1991.5 Antes de convertirse en actor quería ser biólogo marino. Paul tenía entre sus aficiones el surfeo y la práctica de artes marciales como el jiu-jitsu brasileño y muay thai kickboxing.6 En 2001, Paul fue nombrado por la revista People como una de las personas más sexys.7 En marzo de 2010, Paul

visitó Chile, en especial la ciudad de Constitución, para ayudar a las personas damnificadas por el terremoto de magnitud 8,8, el cual golpeó ese país el 27 de febrero del mismo año. Paul acudió junto a paramédicos y ayudas El 30 de noviembre de 2013, Paul Walker falleció en un accidente automovilístico, yendo como copiloto, tras chocar contra un árbol en el barrio de Valencia de la ciudad de Santa Clarita, California, cuando este se encontraba de camino a un evento de caridad realizado por Reach Out Worldwide para las víctimas del tifón Haiyan en Filipinas. Paul comenzó su carrera en la pequeña pantalla al protagonizar un anuncio de televisión para Pampers.14 Entre 1985 y 1994 apareció como invitado en series como Highway to Heaven, Who’s the Boss?, I’m Telling!, The Boys Are Back, The Young and the Restless, Touched By an Angel, entre otras. En 1986 comenzó su carrera cinematográfica cuando apareció en la película de horror y comedia Monster in the Closet.15 Ese mismo año se unió a la serie Throb donde interpretó al hijo de 12 años de Sandy, Jeremy Beatty.

Un año después, en el 2006, obtuvo un papel secundario en la película de Clint Eastwood, Flags of Our Fathers, donde interpretó al Sargento Henry “Hank” Hansen. Ese

1985 y 1994 apareció como invitado en series como Highway to Heaven, Who’s the Boss?, I’m Telling!, The Boys Are Back, The Young and the Restless, Touched By an Angel, entre otras. En 1986 comenzó su carrera cinematográfica cuando apareció en la película de horror y comedia Monster in the Closet.15 Ese mismo año se unió a la serie Throb donde interpretó al hijo de 12 años de Sandy, Jeremy Beatty. En 1998 interpretó a Phil Deedle en el largometraje Meet the Deedles, ese mismo año también participó en la película ambientada en los años 50 Pleasantville, protagonizada por Tobey Maguire y Reese Witherspoon. Un año después participó en películas como Varsity Blues, She’s All That y Brokedown Palace. En el 2000 interpretó a Caleb Mandrake en la película The Skulls.

mismo año apareció en películas como Running Scared y en Eight Below de Walt Disney Pictures, donde interpretó a Jerry Shepard, quien arriesga su vida para rescatar a unos perros que se han quedado solos en la Antártica antes de que llegue la tormenta. En el 2008 protagonizó la película independiente The Lazarus Project, la cual fue estrenada en DVD el 21 de octubre del mismo año. En el 2009 interpretó de nuevo el papel de Brian O’Conner en Fast & Furious, esta vez Brian ayuda a Dominic a descubrir al asesino de Letty. La película es la cuarta entrega de la saga y se estrenó en abril del mismo año.16 En el 2010 apareció junto a los actores Matt Dillon y Hayden Christensen en la película de crimen y drama Takers (también conocida como “Bone Deep”).17 Ese mismo año protagonizó la serie del National Geographic Channel, Expedition Great White, la cual se estrenó en junio del mismo año; en donde pasó 11 días como parte de la tripulación de un bote encargado de capturar y marcar a siete tiburones blancos en la costa de México.18 19 20

Su abuelo Paul William Walker, Jr. alias “Irish” Billy Walker fue un boxeador profesional. Walker se graduó del Village Christian High School en 1991.5 Antes de convertirse en actor quería ser biólogo marino. Paul tenía entre sus aficiones el surfeo y la práctica de artes marciales como el jiu-jitsu brasileño y muay thai kickboxing.6

En 2001, Paul fue nombrado por la revista People como una de las personas más sexys.7 En marzo de 2010, Paul visitó Chile, en especial la ciudad de Constitución, para ayudar a las personas damnificadas por el terremoto de magnitud 8,8, el cual golpeó ese país el 27 de febrero del mismo año. Paul acudió junto a paramédicos y ayudas El 30 de noviembre de 2013, Paul Walker falleció en un accidente automovilístico, yendo como copiloto, tras chocar contra un árbol en el barrio de Valencia de la ciudad de Santa Clarita, California, cuando este se encontraba de camino a un evento de caridad realizado por Reach Out Worldwide para las víctimas del tifón Haiyan en Filipinas. Paul comenzó su carrera en la pequeña pantalla al protagonizar un anuncio de televisión para Pampers.14 Entre

En el 2011 volvió a interpretar el papel de Brian O’Conner, esta vez en la película Fast Five, la quinta entrega de la saga de The Fast and the Furious, en la que viejos conocidos volvieron a la pantalla. Paul nació en Glendale, California pero se crió en el Valle de San Fernando en Los Ángeles.2 Era hijo de Paul Walker III, un contratista de alcantarillado y de Cheryl Crabtree, una exmodelo.3 Paul era el segundo de cinco hermanos (dos hombres, Caleb y Cody, y dos mujeres, Ashlie y Amie).4

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Mi filosofía es: sino puedes divertirte, no hay sentido en hacerlo

bruce lee 27 de noviembre de 1940 - 20 de julio de 1973

Comenzó a practicar formalmente wing chun kung fu en su adolescencia y luego creó su propio método de combate, el Jeet Kune Do (JKD) o «el camino del puño interceptor» del cual siempre pregonaba que no se lo debía tomar como un simple «estilo» o «sistema» prefijado. Sus películas, entrevistas y principalmente su carisma e influencia, contagiaron y extendieron el auge de la pasión de las artes marciales por todo Occidente, generando una ola de seguidores a través de todo el mundo. Su imagen perdura en el tiempo y ha quedado en la historia como la gran leyenda de las artes marciales. En el año del Dragón, y en la hora del dragón ―entre las 5 y las 8 de la mañana― nace en el Hospital Jackson Street de San Francisco, el día 27 de noviembre de 1940. Su padre, Lee Hoi-chuen, estaba de gira con una obra de la ópera china cantonesa en el continente americano; de ahí que Bruce naciera en San Francisco. Grace Ho, la madre de Bruce, de ascendencia chino-alemana,[cita requerida] puso a su niño de nombre Lee Jun Fan, que significa Protector de San Francisco, pero durante los primeros meses le llamaban el Pequeño Fénix, que en chino es un nombre femenino. Pretendían con ello confundir a los espíritus malignos que roban al primer varón cuando ha oscurecido. Fue la enfermera María Glover quien le puso su nombre en inglés, Bruce, cuya existencia él no supo hasta doce años más tarde al entrar en una escuela católica, La Salle de Hong Kong. Su madre era católica. Su primera aparición cinematográfica, según Bruce, fue a los dos meses de edad en Tears of San Francisco (Lágrimas de San Francisco).[cita requerida] En 1946, cuando Bruce contaba únicamente con 6 años fue introducido en la industria cinematográfica de Hong Kong gracias a unos amigos de la familia.

Tras una pequeña prueba el pequeño fue aceptado. La película se tituló Birth of Mankind (El nacimiento de la humanidad) y se trataba de una película melodramática que estaba de moda entonces en Hong Kong. Posteriormente Bruce rodó otras trece películas del mismo corte; en todas ellas figuró su nombre artístico, Li Shiu Loong, que significa el Pequeño Dragón. The Kid es la única película en la que trabajó con su padre, pero curiosamente no intervienen los dos en ninguna escena juntos. Durante su niñez, o más bien su adolescencia, Bruce fue un pandillero; se dedicaba a pelearse con otras pandillas, llevaban armas, cadenas. Pero un día se preguntó qué pasaría si no tuviera el apoyo de la banda y se metiera en una pelea; entonces decidió aprender wing chun, un estilo de kung fu. Aunque su primer contacto con las artes marciales fue de la mano de su propio padre, Li Hoi Chuen, que le enseñó las bases del tai chi chuan, con el único fin de apartarle del camino de la violencia. Bruce conocía a un chico de su edad, o poco mayor, William Cheung, que siempre andaba metido en peleas y nunca perdía. Un día Bruce le preguntó por ello y le comentó que era debido a su arte. William le propuso aprender wing chun y Bruce aceptó. El comportamiento de Bruce cuando entró por primera vez a la academia de Yip Man no fue todo lo respetuoso que debiera haber sido, sobre todo tratándose de un muchacho oriental, por lo que Yip Man decidió que bruce no estaba capacitado para aprender un arte como el wing chun, y así se lo comunicaron por medio de William Cheung. Bruce decidió volver al día siguiente con humildad y respeto, y Yip Man le dio una oportunidad. Bruce estuvo entre tres y cuatro años aprendiendo wing chun bajo la tutela de Yip Man, aunque fue de la mano de su alumno Wong Shun Leung como aprendió. Bruce fue inscrito en el colegio inglés de San Francisco; por

aquellos tiempos había torneos interescolares puesto que se trataba de colegios ingleses, donde se realizaban torneos de boxeo occidental. Bruce decidió tomar parte en uno de ellos, que se celebró en el colegio de St. George, y lo ganó utilizando las técnicas que conocía, el wing chun. A los dieciocho años abandonó Hong Kong para trasladarse a su país de nacimiento, Estados Unidos, y reclamar su nacionalidad. Algunas versiones dicen que el padre de Bruce se vio obligado a tomar esta decisión porque temía que finalmente su hijo se uniera a la mafia china, la Tríada. De esta forma, Bruce se embarcaba el 3 de diciembre de 1958 en el carguero Daisy May, con un billete de 3.ª clase y 100 dólares. La primera ciudad que visitó fue San Francisco, la ciudad que le vio nacer y donde debía reclamar su nacionalidad.

Bruce Lee fue un filósofo, innovador y pensador aplicado a su arte; estudió el pensamiento de los taoístas como Lao-Tsé y Chuang-Tsé, cursó filosofía en la Universidad de Washington.

Fue un destacado artemarcialista, actor y escritor estadounidense de origen chino, conocido como el más grande artemarcialista del siglo XX. Representa el gran mito de las Artes Marciales que logró la apertura de las artes marciales chinas al mundo Occidental.

Su padre, Li Hoi Chuen, contactó con unos familiares para que Bruce pudiera quedarse una temporada; a cambio Bruce debía trabajar. El trabajo no le gustó mucho, pues se trataba de lavar platos, por lo que lo abandonó rápidamente y comenzó a dar clases para poder subsistir. Posteriormente se trasladó a la ciudad de Seattle, en el estado de Washington, donde trabajaría en el restaurante de una vieja amiga de la familia, Ruby Chow. Allí Bruce Lee se había instalado un saco y un muñeco de madera para poder entrenar siempre que el tiempo se lo permitía, aunque los vecinos se quejaban del ruido que hacía cuando entrenaba y tuvo que dejarlo. Como no tenía amigos, comenzó a asistir a las reuniones de una sociedad china, donde había gente que también practicaba kung fu y otros estilos del norte de China, en los que predominaba el uso de las piernas, uso que Bruce desconocía puesto que el wing chun trabaja piernas a un nivel muy bajo. La sociedad decidió dar una demostración y así Bruce pudo conocer al que sería uno de sus mejores amigos allí en Seattle, Jesse Glover. Jesse siempre había estado interesado en las artes marciales (había hecho judo), pero cuando vio a Bruce sintió

que debía entrenar con él. Bruce aceptó la propuesta de enseñarle. El primer lugar donde entrenaron fue el salón comedor del apartamento de Jesse Glover. En su primer encuentro Bruce pidió a Jesse que le mostrase todo lo que supiera de kung fu. Jesse no había entrenado nunca kung fu con un maestro; todos los conocimientos que poseía los había sacado de un libro de James Yimm Lee. Bruce le pidió que le mostrase el libro y después de pasar hojeándolo un buen rato le hizo saber que el estilo mostrado pertenecía a la familia Hung, y que él lo había practicado en alguna ocasión en Hong Kong, pues era un estilo muy conocido allí. Más tarde, Jesse tuvo la oportunidad de viajar a California con un par de amigos. El objetivo principal de Jesse era visitar a James Y. Lee. Una vez en Oakland, fueron al domicilio de James y se presentaron diciéndole que le conocían por el libro que James había escrito. Este les invitó a pasar y enseguida comenzó a mostrarles sus conocimientos. Esta visita llegaría a ser determinante en la vida de Bruce, pues facilitó que Bruce Lee y James se conocieran. En Seattle, Bruce aceptó a un nuevo estudiante, que se trataba de Ed Hart, compañero de habitación de Jesse Glover y esto fue la chispa para que Bruce aceptara más y más alumnos, de manera que Jesse y Ed convencieron a Bruce de que cobrase por sus clases. Al poco tiempo tuvieron que buscar un local, que pronto se les quedó pequeño. Por ese tiempo conoció a Taky Kimura, que llegó a ser el primer instructor asistente de Bruce en el Jun Fan Gung Fu Institute, nombre con el que bautizó a su kwoon. Por tanto, el nombre del instituto era alusivo al sistema de combate que para el momento era impartido por Bruce Lee, el jun fan gung fu, es decir, el kung fu de Bruce Lee; esto, ya que, gung fu es una frase sinónima de kung fu, mientras que, la frase jun fan se refiere al nombre chi-

no de Bruce Lee Allan Joe, alumno de James Y. Lee, fue a visitar a Bruce. Corría el año 1962, y Bruce estaba estudiando filosofía en la Universidad de Seattle. Bruce invitó a Joe a ver algunas de las técnicas de wing chun en el muñeco de madera que tenía en el patio trasero del restaurante de Ruby Chow. Allan Joe quedó impresionado y pensó que a James Lee le ocurriría otro tanto si lo viera. Tras esto, James llamó desde Oakland a Bruce preguntándole si podía hacerle una visita para enseñarle algo de su kung fu; aceptó, al considerarlo una buena oportunidad para extender sus enseñanzas. a la semana siguiente marchó para Oakland, alojándose en casa de James. Allí tuvo ocasión de conocer a Wally Jay con quien pudo intercambiar conocimientos y aprender algo sobre las técnicas de agarre. James tenía su garaje repleto de mecanismos para entrenar inventados por él. Allí estuvieron practicando y Bruce le dio algunas sugerencias sobre cómo mejorar estos aparatos. En un viaje posterior Bruce conoció a otros dos artistas marciales, que con el tiempo serían los más famosos de Estados Unidos, Ralph Castro y Ed Parker, con quienes compartió conocimientos y de quienes se ganó el respeto. Este encuentro también fue vital en la vida y futuro de Lee, pues fue Ed Parker quien le abrió las puertas hacia Hollywood. Bruce siguió viajando repetidas veces a Oakland, a enseñar wing chun a James Lee, e incluso pasaba allí sus vacaciones entrenando con James. El grupo de Seattle seguía creciendo y Taky Kimura fue tomando mayor responsabilidad, no en vano era el asistente instructor de Bruce Lee. Ante el éxito, pensó en ampliar los horizontes de su enseñanza y soñaba con una cadena de gimnasios esparcida por toda el área de California, así que propuso

a James ser el instructor jefe del Jun Fan Gung Fu Institute, en Oakland. James compartía con un alumno suyo, Al Novak, una academia llamada Hayward California, y pensó en transformarla en un Jun Fan Gung Fu Institute, convencido de que su alumno compartiría los planes de conversión. Por aquella época James pensaba en publicarle un libro a Bruce. Cuando las pruebas estuvieron listas le llamó para que fuera a Oakland a revisarlas y en esta ocasión Bruce acudió acompañado de Taky Kimura. Los tres estuvieron entrenando en el garaje de James y Bruce se sorprendió de que James se adaptara tan bien a los movimientos del Chi Sao. Compensando las acciones de Taky con fuerza, James había desarrollado su cuerpo gracias al culturismo, incluso había entrenado con Steve Reeves, el famoso culturista Mr. Universo que tantas películas protagonizara como Hércules. James se había basado siempre en la fuerza para ser efectivo y le costaba adaptarse a los nuevos conceptos de suavidad. El libro finalmente estuvo preparado poco antes de que Bruce regresara a Hong Kong a visitar a su familia y se tituló Chinese Gung Fu, The Philosophical Art of Self Defense. Una vez en Hong Kong, Bruce aprovechó para visitar a su maestro, Yip Man. Pasaron muchas horas tomando té, en las que Yip Man informaba a Bruce sobre materias que desconocía, como historia de arte, etc. Bruce pensaba que Yip era ya muy viejo para defenderse, pero durante esta estancia en Hong Kong se dio cuenta de que todavía estaba en forma a pesar de su edad, sobre todo después de haber practicado Chi Sao con él. Allí en la escuela de Yip Man también pudo ver a otros compañeros suyos, como William Cheung, que estaba de vacaciones pues vivía en Australia desde los 18 años. Bruce pasó cinco semanas en Hong Kong, tras las cuales regresó a Seattle para continuar con sus enseñanzas. Al regresar a Seattle le esperaba una carta de reclutamiento y empezó a temer por su futuro si tenía que ir al ejército. Pidió consejo a James para evitar ir a filas, aunque parecía muy difícil puesto que personas ágiles y fuertes es precisamente lo que demanda el Ejército. Bruce acudió al examen médico en el Centro de Reclutamiento, y para su sorpresa fue declarado no apto para el servicio militar por tener el arco del pie demasiado pronunciado, un defecto congénito y ser corto de vista. En Seattle, conoció a una chica llamada Linda Emery durante el transcurso de una de sus clases, a la que había sido invitada por uno de sus amigos y finalmente se enamoró de ella. Pensó que Seattle no le ofrecía las posibilidades que le podría ofrecer California y decidió trasladarse allí. Ello significaba que tendría que pedir a

Linda que se casase con él, o que lo olvidara para siempre. Linda aceptó, se casaron y ese mismo día partieron hacia Oakland. Bruce y Linda vivieron en el domicilio de James Lee y su esposa, Bruce no tenía dinero para alquilar un apartamento, y hasta que pusieran en funcionamiento el gimnasio no tenía la posibilidad de mantener a su recién estrenada familia, con lo que dependían económicamente de James, que estaba encantado de tenerles en su casa. Consiguieron un local cuyo alquiler no era muy excesivo, para abrir su Kwoon, y se dispusieron a arreglarlo para comenzar cuanto antes con la escuela. No tardaron en llegar los primeros alumnos. Poco tiempo después, le fue detectado un cáncer a Katherine, la esposa de James Lee, del que moriría más tarde. Bruce intentaba que James no se sintiese deprimido, intentó animarle poniéndole un sistema de entrenamiento duro que no le permitiese estar pensando continuamente. Durante sus estudios secundarios en la escuela técnica Tomas Edison, un compañero de estudios japonés de Bruce Lee llamado «Yoichi», quien era en ese momento cinturón negro de Karate, solía molestarlo con gestos y miradas y luego desafiándolo abiertamente en público

dondequiera que este realizara demostraciones de Kung Fu. «Ambos iban al mismo colegio en Seattle. Y siempre que Bruce hiciera una demostración este tipo lo tomaba a personal (...) en exhibiciones él se levantaba y desafiaba a Bruce abiertamente en el escenario. Finalmente llegó el punto donde Bruce tuvo que decirle que si seguía así tendrían que arreglar esta situación. Por supuesto, el karateka estaba listo y Bruce le dijo “Te lo diré directamente, me estás desafiando, ¿cierto?”, el karateka japonés (que luego sería el sensei Yoichi Nakachi) respondió “Sí, te estoy desafiando”. Entonces decidieron ir a un campo de balonmano local y encerrarse allí. “Cuando comenzaron, el karateka abrió el combate con una patada que Bruce bloqueó y luego lo golpeó con puños directos a través de todo el predio. Cuando dio contra la pared y estaba cayendo, Bruce lo patea. Después de eso, este tipo quiso hacerse miembro de nuestra clase. Quería hacerse discípulo de Bruce. Para mostrarte qué clase de tipo era Bruce, él lo dejó ir a nuestra clase por un período, después de lo cual el karateka, no se sabe bien por qué, seguramente por la humillación que implicaba, no volvió a aparecer.

“

No te establezcas en una forma, adáptala y construye la tuya propia, y déjala crecer

“

jim morrison 8 de diciembre de 1943 â&#x20AC;&#x201C; 3 de julio de 1971

Decidió centrarse en lo que consideró siempre su verdadera vocación: la poesía. Con esa intención se trasladó a Venice Beach en Los Ángeles, California, viviendo en la azotea de un edificio o en las casas de algunas mujeres.

El cantante de The Doors es otro que falleció a los 27 años. En 1971 murió de una sobredosis de heroína en Paris. Fue un cantante, compositor y poeta estadounidense, célebre por ser el vocalista de The Doors.

Debido a sus composiciones, voz de barítono,2 personalidad y actuaciones salvajes, es considerado por críticos y fans como uno de los cantantes más icónicos e influyentes de la historia de la música rock, y, debido a las circunstancias dramáticas que rodean su vida y muerte, en la última parte del siglo XX, fue uno de los iconos más rebeldes de la cultura popular, representando brechas generacionales y contracultura juvenil.3 Fue también muy conocido por improvisar pasajes de poesía de palabra hablada mientras la banda tocaba en vivo. Morrison se ubicó en el número 47 en la lista de Rolling Stone de los «100 mejores cantantes de todos los tiempos»,4 y el número 22 en los «50 mejores cantantes de rock» de la revista Classic Rock.5 Ray Manzarek dijo que Morrison «personificó la rebelión de la contracultura hippie».6 Morrison es referido a veces por otros apodos, como «The Lizard King» («El rey lagarto»).7

un militar estadounidense (almirante del primer navío nuclear). Desde niño y por la profesión de su padre, su familia se trasladó a varias ciudades de Estados Unidos por lo que vivió diversas bases militares (a los catorce años de edad ya había tenido siete hogares). Morrison fue arrestado en Tallahassee después de hacer una broma mientras estaba borracho en un partido de fútbol. Estudió en la Universidad Estatal de Florida y después cine en la UCLA, en Los Ángeles, formando parte de la misma generación que el famoso cineasta Francis Ford Coppola que, años después, utilizaría el tema The End como banda sonora de introducción para Apocalypse Now, película ambientada en la guerra de Vietnam.

Esta fue una época de descubrimientos para Jim Morrison. Por un lado, el acercamiento a las drogas psicodélicas que tanto le fascinaban, como el peyote, la marihuana y el LSD (según se dice, su favorita), cortesía de autores como Baudelaire y Aldous Huxley, y por otro, el nacimiento de la cultura hippie que florecía por doquier y de la que vivió rodeado. A pesar de sus innumerables amantes, siempre estuvo al lado de Pamela, que le perdonó sus infidelidades. Jim Morrison decía de ella que era su alma gemela, su amor cósmico. Su visión del mundo estaba algo alejada de cuestiones hippies fundamentales, como el acercamiento al espíritu a través de la meditación, el vegetarianismo o la astrología. Leía textos complejos para la mayoría.Uno de sus profesores relató a sus biógrafos que solía acudir a la Biblioteca del Congreso para comprobar si existían algunos de los libros que decía haber leído. Con intención de difundir su poesía, Morrison enseñó un par de trabajos que podían ser musicalizados. Manzarek pidió que le cantara alguno y, sobre la arena de Venice, tímidamente, entonó los primeros versos de Moonlight Drive. Al escucharlo, Manzarek quedó sorprendido por su talento y le pidió que formaran una banda de rock, lo que Jim aceptó “para ganar un millón de dólares”, como ya siendo famosos comentaran. Después de varios cambios en los integrantes del grupo, terminaron formando

En su vida posterior, Morrison desarrolló una dependencia al alcohol. Murió a la edad de 27 años en París; se alega que pudo haber muerto de una sobredosis de heroína, pero como no se realizó autopsia, se discute la causa exacta de su muerte.8 La tumba de Morrison se encuentra en el cementerio del Père-Lachaise en el este de París.9 El nacimiento del rock and roll coincidió con mi adolescencia, mi entrada en la conciencia. Fue una verdadera conexión en ese momento y después. Aunque no pude permitirme fantasear racionalmente para hacer ese vínculo yo mismo. Supongo que todo ese tiempo estaba inconscientemente acumulando información y escuchando. Así que cuando por fin sucedió, mi subconsciente había preparado todo. Nació en Melbourne (Florida) el 8 de diciembre de 1943. Sus padres eran Clara Clarke de origen irlandés y George Stephen Morrison de ascendencia escocesa e inglesa. Tuvo dos hermanos: Anne y Andy Morrison. Su padre era

The Doors: Ray Manzarek en los teclados, Robby Krieger en la guitarra y John Densmore en la batería (estos dos últimos procedentes del grupo The Psychedelic Rangers), además de la voz de Jim Morrison. El nombre que escogieron procede del título del ensayo Las puertas de la percepción de Aldous Huxley sobre la mescalina, inspirado a su vez en la cita de William Blake “Si las puertas de la percepción fueran depuradas, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito” (“If the doors of perception were cleansed every thing would appear to man as it is, infinite”).

En la versión grabada para su primer álbum, esta última frase será sustituida por un grito de Morrison. En cualquier caso, para el dueño del local, aquello fue demasiado y los echó mientras, según se cuenta, todo el público gritaba de emoción. Paul A. Rothchild, productor y por aquel entonces dueño de la empresa discográfica Elektra Records, se encontraba allí aquella noche y siguió al grupo hasta la puerta trasera, donde les expresó su admiración y les propuso grabar un disco cuanto antes.

En 1967 el grupo publicó su primer álbum llamado simplemente The Doors. Fue con el sencillo Light My Fire, escrito íntegramente por Robbie Krieger, y con el que el grupo se mantuvo varias semanas a la cabeza de popularidad en la revista Billboard, durante el famoso verano del amor de 1967. Cabe resaltar el acusado cambio que experimentó Morrison hasta convertirse en la estrella del grupo The Doors. Durante su infancia y adolescencia tuvo muchos problemas de personalidad, que hicieron que fuera una persona muy insegura. Su mayor influencia, como cantante y en cuanto al medio escénico, fue Elvis Presley, a quien no conoció ni vio en concierto pero de quien conocía prácticamente todo su repertorio, especialmente lo producido en la discográfica SUN, como Mystery Train, que interpretó muchas veces en sus conciertos en vivo.

Después de dar muchos conciertos en locales de Los Ángeles, consiguieron un contrato para tocar en el bar conocido como “Whisky a Go Go”. Noche tras noche tocaban sus canciones más populares, entre las que se encontraba una larga canción compuesta a base de improvisaciones denominada The End. Morrison añadía o quitaba de ella versos a placer, dependiendo de su estado de humor. Un día, después de haber consumido grandes cantidades de alcohol, marihuana y LSD, tuvo que ser llevado por sus compañeros casi a rastras hacia el bar y, de alguna forma, lograron hacerlo cantar. Al llegar a la interpretación de The End, tal como hacía siempre, comenzó a improvisar sobre la música, pero aquel momento habría de terminar formando parte no solo de la leyenda de The Doors sino del imaginario roquero en general.Morrison compuso en directo una breve y original versión de la tragedia Edipo reyde Sófocles en la que Edipo, por azar del destino, termina matando a su padre y desposándose con Yocasta, su madre.

Su mayor obstáculo para unirse al grupo fue que sufría pánico escénico. En los primeros conciertos incluso cantaba dando la espalda al público. Fue tanto el impacto que tuvieron en él las drogas que se convirtió en un experto en el tema, interesándose por el chamanismo dada su estrecha relación con el peyote. También se dice que se caracterizaba por sus pequeños bailes al estilo indio-chamánico, y que, al llegar a la ciudad de Los Ángeles, vio la muerte de un indio en un accidente. La leyenda dice que, si ves a un indio morir, su espíritu se encarna en ti. Las sesiones de grabación para el tercer álbum en abril fueron muy tensas como consecuencia de la creciente dependencia del alcohol por parte de Morrison. Acercándose al clímax de su popularidad, The Doors tocó en una serie de eventos al aire libre, lo que condujo a frenéticos enfrentamientos entre los fan y la policía, particularmente en el Chicago Coliseum el 10 de mayo. La banda empezó a variar su material a partir de su tercer LP, Waiting for the Sun, cansados de su repertorio original, y empezaron a escribir obras nuevas. Se volvió su primer LP #1, y el single “Hello, I Love You” fue su se-

gundo y último single #1 en los Estados Unidos. También incluye la canción “The Unknown Soldier”, del cual dirigieron otro videoclip, y “Not to Touch the Earth”, extraído de su legendaria pieza conceptual, Celebration of the Lizard, aunque fueron incapaces de grabar una versión satisfactoria de la pieza entera para el LP. Fue puesta a la venta años más tarde en una compilación de El 9 de diciembre de 1967, The Doors dio un concierto infame en el New Haven Arena de New Haven, Connecticut, que terminó abruptamente cuando Morrison fue detenido por la policía local. Morrison se convirtió en el primer artista de rock en ser arrestado en el escenario durante un concierto.

Según se cree, este tipo de vida sin apego a lugares o personas, caló profundamente en su forma de ser. Escribía poesía, pintaba algo y leía vorazmente. Desde muy joven estuvo fascinado por la literatura y la poesía.

Morrison habría tenido relaciones sexuales con una chica detrás del escenario en una cabina de ducha de baño antes del inicio del concierto, cuando un oficial de policía se encontró con ellos. Sin darse cuenta de que él era el cantante principal de la banda a punto de actuar, el funcionario avisó a Morrison y a la chica a salir, a lo que Morrison respondió: “Cómetelo.” El policía sacó un frasco de gas pimienta y advirtió al cantante: “La última oportunidad de que te largues de aquí, este lugar es solo para The Doors”, a lo que Jim respondió: “Yo soy The Doors”. La chica corrió y Morrison fue atacado, pero Manzarek relata en su libro que tanto Jim como la chica fueron gaseados, y que el concierto se retrasó por una hora mientras Jim se recuperaba. El policía finalmente se disculpó con Jim y le dijo: “Creí que solo eras un chico”, a lo que Jim contestó con sarcasmo “¿Solo un chico? ¿eh?”. A mitad de la primera serie, Morrison hizo un discurso a la audiencia, describiendo lo que había sucedido, mientras tocaban “Five To One”; título que se refiere a que por cada adulto hay cinco jóvenes. Jim relataba lo que hacía con una chica detrás del escenario. “Les contaré algo que me sucedió hace una hora” dijo Jim en medio de la canción Five To One, “me divertía con

una chica, cuando llegó uno de esos cerdos vestidos de azul” burlándose del policía que lo había agredido, “Ese cerdo me roció los ojos”, dijo Jim mientras el público se agitaba, relataba lo que le había hecho mientras se burlaba de los policías diciendo: “¡Sí! esos cerdos vestidos de azul, con su sombrero”, a lo cual los policías que estaban enfrente del escenario se volteaban uno por uno para ver a Jim.

que invitó a la gente a dejar a un lado sus inhibiciones y abrirse paso a la libertad.

El concierto finalizó cuando Morrison fue arrastrado fuera del escenario por la policía, llevado a una comisaría local, fotografiado y fichado por cargos de incitar a un motín, la indecencia y obscenidad pública. Los cargos contra Morrison, así como aquellos contra tres periodistas también detenidos en el incidente (Mike Zwerin, Yvonne Chabrier y Tim Page), se retiraron varias semanas más tarde por falta de pruebas.

El incidente ocurrió el 1 de marzo de 1969, en el Dinner

Esto atrajo la búsqueda de libertad de Morrison, resultando en una sesión improvisada la tarde siguiente, el 25 de febrero, la legendaria sesión “Rock is Dead”, a la venta en el Box set de 1997, dando paso a uno de los episodios más controvertidos de la vida de Morrison.

Después de un mes de escandalosas actuaciones en el Singer Bowl en New York, realizaron su primera gira fuera de Estados Unidos, una minigira por Europa. La banda celebró una conferencia de prensa en el Institute of Contemporary Arts en Londres y tocó en el Teatro The Roundhouse. Los resultados del viaje fueron televisados en la cadena británica Granada Television, en un show llamado The Doors Are Open y luego sacado en video a la venta. La banda tocó algunos conciertos más en Europa, incluyendo un show en Ámsterdam sin Jim Morrison, después de que tuviera un colapso por el uso de drogas. Morrison volvió a Londres el 20 de septiembre y se quedó allí por un mes. El grupo tocó nueve conciertos más en Estados Unidos, y se puso a trabajar en su cuarto LP. 1969 será un año difícil para The Doors, pero empieza con un show a estadio lleno en el Madison Square Garden en Nueva York el 24 de enero y un exitoso single, “Touch Me (The Doors)” (lanzado en diciembre de 1968), que alcanzó el nº 3 en los Estados Unidos.

Key Auditorium en Miami, Florida. El auditorio de 6900 asientos había sido sobrevendido hasta doblar la capacidad del salón, y los fanes estaban sofocados y sin aire acondicionado. Desde el momento en que la banda caminó por el escenario, Morrison empezó a gritar al micrófono:11

Ese mes Morrison asistió a una producción de teatro que cambió el rumbo de su vida, y la del grupo. En el Bovard Auditorium The Living Theatre de la University of Southern California, se toma el escenario con un show

“

La muerte hace ángeles de todos nosotros y nos da alas donde antes teníamos sólo hombros... suaves como garras de cuervo

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corey monteith 11 de mayo de 1982 â&#x20AC;&#x201D; 13 de julio de 2013

Como un actor con base en la Columbia Británica, Monteith tuvo roles menores en la televisión de su país antes de grabarse a sí mismo cantando “Can’t Fight This Feeling”, que lo llevó a lo que sería el papel más importante de su carrera; el de Finn Hudson en la serie Glee. Consiguiente a su éxito en dicha serie, comenzó su carrera cinematográfica, actuando en películas como Monte Carlo, y un papel líder en Sisters & Brothers. Monteith tuvo una adolescencia complicada por el abuso de sustancias desde los doce años de edad, lo que lo llevó a dejar la escuela con dieciséis años. Luego de la intervención de familiares y amigos, comenzó un tratamiento de rehabilitación a la edad de diecinueve años. En una entrevista del año 2011 con la revista Parade, habló de su adicción a las drogas; y en marzo de 2013 volvió a recurrir a un tratamiento contra las mismas. El 13 de julio de 2013, murió de una sobredosis de heroína y alcohol en un hotel de Vancouver. Monteith nació en Calgary, Alberta, hijo de Joe Monteith y de Ann McGregor. Su padre era militar y servía en el Ejército canadiense mientras que su madre era una decoradora de interiores. En 1989, cuando tenía siete años, sus padres se divorciaron y tanto Monteith como su hermano mayor, Shaun, fueron criados por su madre en Victoria, Columbia Británica. Luego del divorcio, vio poco a su padre debido al servicio militar del mismo y a partir de los 13 años comenzó a fumar marihuana y a beber alcohol, así como también ausentarse de la escuela. Con tan sólo cinco años de edad sabía leer y escribir, pero su adicción lo fue alejando de todo interés de estudio hasta que dejó la escuela a los dieciséis años luego de asistir a 16 escuelas, incluídos programas para ado-

lescentes problemáticos. Para esa edad, sus adicciones ya eran serias y había comenzado a cometer pequeños delitos como robar dinero de su madre, familiares y conocidos para poder sostener sus vicios. A los 19 años, su familia y amigos decidieron intervenir y lo amenazaron con denunciarlo si no comenzaba un programa de rehabilitación, lo cuál hizo. Monteith luego diría, “Soy tan afortunado en tantos aspectos... Me siento afortunado por estar vivo”. Finalmente, en 2011 logró conseguir su diploma en una escuela alternativa de la ciudad de Victoria. Comenzó su carrera artística en Vancouver, cuando fue descubierto por el director David DeCoteau, quien le seleccionó para protagonizar su filme Killer Bash (2005). Al año siguiente participó en el thriller Bloody Mary, y en la comedia Deck the Halls, protagonizada por Danny DeVito. Otros créditos cinematográficos de Cory Monteith incluyen las películas White Noise 2: The Light, Whisper y Lo que no se ve, todos en 2007, así como varios cortometrajes y películas para la televisión. Debutó en la televisión en un episodio de la serie Stargate: Atlantis, en 2004. En 2006 obtuvo el rol recurrente de Charlie Tanner en la serie Kyle XY y fue Gunnar en la serie Kaya. Otros créditos televisivos incluyen participaciones como artista invitado en las series Young Blades, Supernatural, Smallville, Killer Instinct, Whistler, Stargate SG-1, Flash Gordon, Fear Itself y The Assistants. Interpretaba a Finn Hudson en la serie de Fox, Glee Monteith tocaba la batería para la banda de indie rock Bonnie Dune con sede en Los Ángeles. Entre sus miembros figuran el cantante Justin Wilczynski (quien coprotagonizó junto a Monteith la serie de la Mtv Kaya ), el

guitarrista Seth Roberts (cantante de la banda de los Lagos), y el bajista Josué Kerr. Monteith sostuvo hasta su muerte una relación amorosa con su amiga de la serie Glee, la actriz estadounidense Lea Michele.3 El 31 de marzo de 2013, entró por su propia cuenta en una clínica de rehabilitación para tratar su adicción a sustancias. Monteith ya había recurrido a un centro de ayuda a los 19 años. Culminó su tratamiento el 26 de abril de 2013.4 El 13 de Julio de 2013, el actor fue hallado sin vida en una habitación del hotel Fairmont Pacific Rim5 en Vancouver, Canadá.2 Monteith tenía programado pagar la factura del hotel temprano ese mismo día, pero al no presentarse, el personal del hotel entró a su habitación y descubrió

Cory Allan Michael Monteith fue un actor y músico canadiense, conocido por su papel de Finn Hudson en la serie de televisión Glee.

su cuerpo.6 El Departamento de Policía de Vancouver declaró que la causa de muerte no era evidente, pero que se descartaba la posibilidad de que hubiera habido un crimen.7 La autopsia se realizó el 15 de julio de 2013.8 El 16 de julio de 2013 se confirmó que la muerte del actor se debió a una sobredosis de alcohol y heroína.9 El 17 de julio, el cuerpo de Monteith fue incinerado y parte de sus cenizas fueron derramadas en distintos lugares donde a él le gustaba estar en Vancouver. El 25 de julio, Michele y el creador de Glee (Ryan Murphy) llevaron a cabo una celebración de la vida de Monteith en Los Ángeles, a la que asistieron el reparto, equipo y los creadores de la serie donde Monteith se encontraba trabajando, al igual que sus colegas de la red y del estudio. Después de consultar con Michele, quien también interpretaba al amor de Monteith en la serie Glee, los productores ejecutivos pospusieron la producción de la quinta temporada de Glee a septiembre en lugar de finales de agosto. En consecuencia, la temporada se estrenó una semana más tarde de lo previsto. El tercer episodio de la temporada , “ The Quarterback” , salió al aire el 10 de octubre de 2013, y sirvió como un tributo a Monteith, centrándose en la muerte de su personaje de Finn Hudson. También apareció en el segmento “ In Memoriam “ de los Premios Grammy 56a Como un actor con base en la Columbia Británica, Monteith tuvo roles menores en la televisión de su país antes de grabarse a sí mismo cantando “Can’t Fight This Fee-

ling”, que lo llevó a lo que sería el papel más importante de su carrera; el de Finn Hudson en la serie Glee. Consiguiente a su éxito en dicha serie, comenzó su carrera cinematográfica, actuando en películas como Monte Carlo, y un papel líder en Sisters & Brothers. Monteith tuvo una adolescencia complicada por el abuso de sustancias desde los doce años de edad, lo que lo llevó a dejar la escuela con dieciséis años. Luego de la intervención de familiares y amigos, comenzó un tratamiento de rehabilitación a la edad de diecinueve años. En una entrevista del año 2011 con la revista Parade, habló de su adicción a las drogas; y en marzo de 2013 volvió a recurrir a un tratamiento contra las mismas. El 13 de julio de 2013, murió de una sobredosis de heroína y alcohol en un hotel de Vancouver. Monteith nació en Calgary, Alberta, hijo de Joe Monteith y de Ann McGregor. Su padre era militar y servía en el Ejército canadiense mientras que su madre era una decoradora de interiores. En 1989, cuando tenía siete años, sus padres se divorciaron y tanto Monteith como su hermano mayor, Shaun, fueron criados por su madre en Victoria, Columbia Británica. Luego del divorcio, vio poco a su padre debido al servicio militar del mismo y a partir de los 13 años comenzó a fumar marihuana y a beber alcohol, así como también ausentarse de la escuela. Con tan sólo cinco años de edad sabía leer y escribir, pero su adicción lo fue alejando de todo interés de estudio hasta que dejó la escuela a los dieciséis años luego de asistir a 16 escuelas, incluídos programas para adolescentes problemáticos. Para esa edad, sus adicciones

ya eran serias y había comenzado a cometer pequeños delitos como robar dinero de su madre, familiares y conocidos para poder sostener sus vicios. A los 19 años, su familia y amigos decidieron intervenir y lo amenazaron con denunciarlo si no comenzaba un programa de rehabilitación, lo cuál hizo. Monteith luego diría, “Soy tan afortunado en tantos aspectos... Me siento afortunado por estar vivo”. Finalmente, en 2011 logró conseguir su diploma en una escuela alternativa de la ciudad de Victoria. Comenzó su carrera artística en Vancouver, cuando fue descubierto por el director David DeCoteau, quien le seleccionó para protagonizar su filme Killer Bash (2005). Al año siguiente participó en el thriller Bloody Mary, y en la comedia Deck the Halls, protagonizada por Danny DeVito. Otros créditos cinematográficos de Cory Monteith incluyen las películas White Noise 2: The Light, Whisper y Lo que no se ve, todos en 2007, así como varios cortometrajes y películas para la televisión. Debutó en la televisión en un episodio de la serie Stargate: Atlantis, en 2004. En 2006 obtuvo el rol recurrente de Charlie Tanner en la serie Kyle XY y fue Gunnar en la serie Kaya. Otros créditos televisivos incluyen participaciones como artista invitado en las series Young Blades, Supernatural, Smallville, Killer Instinct, Whistler, Stargate SG-1, Flash Gordon, Fear Itself y The Assistants. Interpretaba a Finn Hudson en la serie de Fox, Glee Monteith tocaba la batería para la banda de indie rock Bonnie Dune con sede en Los Ángeles. Entre sus miembros figuran el cantante Justin Wilczynski (quien co-

geles, a la que asistieron el reparto, equipo y los creadores de la serie donde Monteith se encontraba trabajando, al igual que sus colegas de la red y del estudio. Después de consultar con Michele, quien también interpretaba al amor de Monteith en la serie Glee, los productores ejecutivos pospusieron la producción de la quinta temporada de Glee a septiembre en lugar de finales de agosto. En consecuencia, la temporada se estrenó una semana más tarde de lo previsto. El tercer episodio de la temporada , “ The Quarterback” , salió al aire el 10 de octubre de 2013, y sirvió como un tributo a Monteith, centrándose en la muerte de su personaje de Finn Hudson. También apareció en el segmento “ In Memoriam “ de los Premios Grammy 56a

protagonizó junto a Monteith la serie de la Mtv Kaya ), el guitarrista Seth Roberts (cantante de la banda de los Lagos), y el bajista Josué Kerr. Monteith sostuvo hasta su muerte una relación amorosa con su amiga de la serie Glee, la actriz estadounidense Lea Michele.3 El 31 de marzo de 2013, entró por su propia cuenta en una clínica de rehabilitación para tratar su adicción a sustancias. Monteith ya había recurrido a un centro de ayuda a los 19 años. Culminó su tratamiento el 26 de abril de 2013.4 El 13 de Julio de 2013, el actor fue hallado sin vida en una habitación del hotel Fairmont Pacific Rim5 en Vancouver, Canadá.2 Monteith tenía programado pagar la factura del hotel temprano ese mismo día, pero al no presentarse, el personal del hotel entró a su habitación y descubrió su cuerpo.6

El Departamento de Policía de Vancouver declaró que la causa de muerte no era evidente, pero que se descartaba la posibilidad de que hubiera habido un crimen.7 La autopsia se realizó el 15 de julio de 2013.8 El 16 de julio de 2013 se confirmó que la muerte del actor se debió a una sobredosis de alcohol y heroína.9 El 17 de julio, el cuerpo de Monteith fue incinerado y parte de sus cenizas fueron derramadas en distintos lugares donde a él le gustaba estar en Vancouver. El 25 de julio, Michele y el creador de Glee (Ryan Murphy) llevaron a cabo una celebración de la vida de Monteith en Los Án-

El 13 de Julio de 2013, el actor fue hallado sin vida en una habitación del hotel Fairmont Pacific Rim5 en Vancouver, Canadá.2 Monteith tenía programado pagar la factura del hotel temprano ese mismo día, pero al no presentarse, el personal del hotel entró a su habitación y descubrió su cuerpo.6 El Departamento de Policía de Vancouver declaró que la causa de muerte no era evidente, pero que se descartaba la posibilidad de que hubiera habido un crimen.7 La autopsia se realizó el 15 de julio de 2013.8 El 16 de julio de 2013 se confirmó que la muerte del actor se debió a una sobredosis de alcohol y heroína.9 El 17 de julio, el cuerpo de Monteith fue incinerado y parte de sus cenizas fueron derramadas en distintos lugares donde a él le gustaba estar en Vancouver. El 25 de julio, Michele y el creador de Glee (Ryan Murphy)

Como un actor con base en la Columbia Británica, Monteith tuvo roles menores en la televisión de su país antes de grabarse a sí mismo cantando “Can’t Fight This Feeling”, que lo llevo.

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Sé amable con todos, siempre sonrie y aprecia las cosas, porque todo podría desaparecer mañana

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river phoenix 23 de agosto de 1970 â&#x20AC;&#x201C; 31 de octubre de 1993

31 de octubre de 1993: una bomba de relojería en forma de heroína, murlina, valium, marihuana y efedrina dinamita una de las carreras más prometedoras de los 90. La muerte le llegó a los 23 años.

Phoenix nació como River Jude Bottom el 23 de agosto de 1970 en una cabaña ubicada en Metolius, Oregón, a 8 kilómetros al sur de Madras. Sus padres, John Lee Bottom3 y Arlyn Sharon Dunetz, quien más tarde cambió su nombre a Heart Phoenix, le llamaron así por el río de la novela Siddharta de Hermann Hesse, y Jude por el tema de Los Beatles “Hey Jude”. Phoenix describió a sus padres en una entrevista para la revista People como “hippies”.4 En 1968, la madre de Phoenix dejó a su familia en la ciudad de Nueva York y viajó cruzando los Estados Unidos, conociendo de esta manera a John Lee Bottom mientras hacía auto-stop en el norte de California.5 Se casaron el 13 de septiembre de 1969, menos de un año después de haberse conocido. En 1973, la familia se unió a una secta religiosa llamada Niños de Dios.

del culto conocida como Flirty Fishing, (que consiste en una forma de prostitución religiosa) diciendo: “El grupo estaba siendo distorsionado por el líder, David Berg, el que se estaba volviendo poderoso y rico. Él buscaba atraer discípulos ricos a través de sexo. No puede ser.”7 Temiendo que la secta se estaba moviendo en una dirección negativa, la familia Bottom abandonó el grupo y se quedó por un período bajo la tutela de Stephen Robert Wood, un cura católico, en una iglesia en Venezuela. Fue durante los últimos años en América del Sur que toda la familia Phoenix se volvió vegana, alentados por River y

Joaquín que atestiguaron los métodos de los pescadores locales para matar a sus presas. En 1978, la familia regresó a Estados Unidos escondiéndose en un barco de cargamento. Después de su llegada, se mudaron con los abuelos maternos de Phoenix en Florida. El 10 de diciembre de 1978 nació la hija menor, Summer Joy Bottom, en Winter Park, Florida. El 2 de abril de 1979, la familia cambio oficialmente su nombre a Phoenix, por el ave mítica que renace de sus propias cenizas, simbolizando un nuevo comienzo. Además, adoptaron el veganismo como dieta y estilo de vida.8

Mientras vivían en Crockett, Texas nació su segundo hijo, Rain Joan of Arc Bottom, el 12 de noviembre de 1972. El tercer hijo, Joaquín Rafael Bottom nació el 28 de octubre de 1974 en San Juan, Puerto Rico, esto debido a que tuvieron que hacer diversos viajes como misioneros de la secta. Después de su estancia en Puerto Rico,6 se trasladaron a Venezuela, país en el que nacería Liberty Bottom, el 5 de julio de 1976. A pesar de que John Bottom fue designado como el “Arzobispo de Venezuela y el Caribe” de la secta, la familia no recibió apoyo financiero del grupo religioso y vivían en pobreza. River tocaba guitarra y cantaba junto a su hermana Rain a menudo en las esquinas por dinero y comida para ayudar a la creciente familia. Finalmente Arlyn y John se fueron desilusionando con los Niños de Dios; Arlyn afirmaría más tarde a un periodista que ella y su esposo se oponían a la práctica propia

Durante su estancia en Florida, los niños de la familia Phoenix se habían convertido en artistas experimentados, con el acto de canto de River y Rain agradando al público en concursos de talento y ferias.

Tuvo roles juveniles significativos en Stand By Me (1986) de Rob Reiner, película que trajo a Phoenix prominencia pública; The Mosquito Coast (1986) de Peter Weir, en la cual Phoenix interpretó al hijo del personaje de Harrison Ford; A Night in the Life of Jimmy Reardon (1988) y en Little Nikita, al lado de Sidney Poitier.

En Los Ángeles, Arlyn Phoenix estaba trabajando como secretaria en la cadena de televisión NBC. Ella logró asegurar para su talentosa nidada una reunión con la agente de niños Iris Burton, quien estaba tan encantada con la familia que aceptó hacerse cargo de los cinco niños.9

Durante ese tiempo, la familia Phoenix continuaría moviéndose regularmente y llegaría a anotar 40 lugares para el tiempo que Phoenix tenía 18 años. Después de completar su 6.ª película, Running on Empty (1988) de Sidney Lumet, la familia hizo su última escala a Micanopy, cerca de Gainesville, Florida en 1987.

En 1980, Phoenix empezó a perseguir por completo su carrera como actor, haciendo su primer aparición en un programa de TV llamado Fantasy cantando con su hermana Rain. En 1982, River fue asignado en la serie corta de TV de NBC Seven Brides for Seven Brothers, en la cual interpretó al hermano menor, Guthrie McFadden. River, quien arribó a las audiciones con una guitarra, realizó de inmediato una imitación convincente de Elvis Presley, encantando al productor del programa. Sería casi un año después de que terminó Seven Brides for Seven Brothers en 1983 que River encontraría un nuevo rol en la película hecha para televisión de 1984 Celebrity, donde actuó como el joven Jeffie Crawford. A pesar de que estuvo en la pantalla por unos 10 minutos, su personaje formaba un papel central. Menos de un mes después de Celebrity vino el show The Riddle of Dyslexia. River actuó como un chico que descubre que sufre de dislexia. Joaquin apareció con un pequeño rol al lado de su hermano. En septiembre, el piloto de la serie corta de TV It’s Your Move salió al aire. River interpretó a Brian y solo tenía una línea de diálogo. También interpretó al hijo de Robert Kennedy en la película hecha para la televisión Robert Kennedy and His Times.

A inicios de 1989, Phoenix fue nominado al Óscar como Mejor actor de reparto (y a la vez al Globo de Oro) y recibió el honor de Mejor actor de reparto de la National Board of Review por su papel en Running on Empty. En ese año también interpretó al joven Indy en Indiana Jones and the Last Crusade. Cuando el papel de River en Dyslexia fue aclamado por la crítica, fue contratado casi de inmediato para el rol protagónico en su próxima película para la televisión, Surviving: A Family in Crisis. River apareció como Philip Brogan al lado de Molly Ringwald y la fallecida Heather O’Rourke. Esta sería su última actuación en televisión antes de aparecer en el cine. Sería en la mitad de la filmación de Surviving que Iris Burton lo contactaría por un posible papel en la película Explorers.

Phoenix conoció al actor Keanu Reeves mientras éste estaba filmando Parenthood junto al hermano de Phoenix, Joaquin. Los dos irían a actuar juntos por primera vez (al lado de Kevin Kline, Tracey Ullman y Joan Plowright) en I love you death y más tarde en la película Avant-Garde de Gus Van Sant, My Own Private Idaho. Por su rol, Phoenix ganó el reconocimiento como Mejor actor en el Festival Internacional de Cine de Venecia, la Sociedad Nacional de Críticos de Cine y los Independent Spirit Awards

En octubre de 1984, River fue informado de que había sido tomado en cuenta para interpretar al niño científico Wolfgang Müller en la película de gran presupuesto Explorers, de Joe Dante, comenzando así la producción. Este fue el primer papel que tuvo River en una película de cine.

El filme y su éxito solidificó la imagen de Phoenix como un actor con potencial de hombre líder. En una proyección de prensa para la película en el Festival de Cine de Nueva York predijo correctamente que un gran número de películas de temática gay estaban “en el horizonte”.10 Su amistad con Reeves y Van Sant continuó hasta su muerte. Justo antes de este filme, él filmó una aclamada película independiente llamada Dogfight, co-protagonizada por Lili Taylor y dirigida por Nancy Savoca, en la cual Phoenix representó a un joven del Marine en la noche anterior a su partida a Vietnam en noviembre de 1963. Phoenix se asoció con Redford y nuevamente con Sidney Poitier en la película de conspiración y espionaje

A pesar de que la carrera cinematográfica de Phoenix estaba generando casi la totalidad de los ingresos de la familia, ha sido indicado por amigos cercanos y familiares que su verdadera pasión era la música. Phoenix era cantante, compositor y un guitarrista consumado

Sneakers (1992). Un mes más tarde empezaría producción para la película Silent Tongue, de Sam Shepard (que saldría hasta 1994). Después apareció en la película The Thing Called Love (1993) de Peter Bogdanovich, la última película completada antes de su muerte. Generalmente considerado en ese entonces como uno de los actores jóvenes más prometedores en la cúspide de los 80 y los 90, River y su hermano menor Joaquin se convertirían más tarde en los primeros hermanos en la historia de Hollywood en ser nominados por el Óscar en la categoría de actores. A pesar de que la carrera cinematográfica de Phoenix estaba generando casi la totalidad de los ingresos de la familia, ha sido indicado por amigos cercanos y familiares que su verdadera pasión era la música. Phoenix era cantante, compositor y un guitarrista consumado. Empezó por aprender de manera autodidacta a la edad de cinco años y afirmó en una entrevista para E! en 1988 que la mudanza de su familia a Los Ángeles, cuando tenía 9 años, fue hecha para que él y su hermana “...pudieran convertirse en artistas. Caí en los comerciales por razones financieras y actuar se convirtió en un concepto atractivo...” Antes de asegurarse un agente de actuación, Phoenix y sus hermanos intentaron forjar una carrera en la música tocando covers en las calles de Westwood, en Los Ángeles; siendo frecuentemente desalojados por la policía debido al gentío que se juntaba y obstruía el paso en la acera. Mientras trabajaba en A Night in the Life of Jimmy Reardon en 1986, Phoenix escribió y grabó una canción “Heart to get”, específicamente para los créditos finales de la película. 20th Century Fox prescindió de ella al completarse el filme, pero el director William Richert la puso de nuevo en su propio montaje de la película unos años después. Fue durante la filmación que Phoenix conoció a Chris Blackwell de Islands Records; este encuentro le aseguraría más tarde a Phoenix un contrato de 2 años con la discográfica. A Phoenix no le agradaba la idea de ser solista y le gustaba la colaboración; así, se concentró en formar una banda. Aleka’s Attic fue así formada en 1987 y la alineación incluyó a su hermana Rain. Phoenix estaba comprometido a ganar credibilidad por propio mérito, por lo que decidió que la banda no usaría su nombre para asegurarse funciones que no fueran por razones de beneficencia para organizaciones de caridad. La primera publicación de Phoenix fue “Across the way”, co-escrita con su compañero de banda Josh McKay, en 1989 en un álbum de beneficencia para la PETA titulado “Tame Yourself”.

En 1991, River escribió y grabó una pieza recitada llamada “Curi Curi” para el álbum de Milton Nascimento, TXAI. Además en 1992, la canción “Too many colors”, de Aleka’s Attic, fue prestada para la banda sonora de My Own Private Idaho, película que tuvo a Phoenix en un rol protagonista. Phoenix fue un inversionista del House of Blues original en Cambridge, Massachusetts, el cual abrió sus puertas al público después de atender a un grupo de personas sin hogar en el Día de acción de gracias de 1992. Phoenix era un entregado activista de derechos animales, medioambiente y política. Era portavoz destacado

de la organización PETA, y ganó el premio Humanitario de esta organización en 1990 por sus esfuerzos de recaudación de fondos. Además, en 1990, para el Día de la Tierra, Phoenix escribió una composición de temática medioambiental destinada a su base de jóvenes fans, la cual fue impresa en la revista Seventeen. Él ayudó financieramente a una gran cantidad de organizaciones ambientalistas y humanitarias y compró 800 acres (3.2 km2) de bosque lluvioso en peligro en Costa Rica. Aparte de otorgar discursos en concentraciones para muchos grupos, él y su banda tocaron frecuentemente en organizaciones benéficas ambientalistas reconocidas, además de aquellas locales alrededor de Gainesville, Florida. Caí en los comerciales por razones financieras y actuar se convirtió en un concepto atractivo...” Antes de asegurarse un agente de actuación, Phoenix y sus hermanos intentaron forjar una carrera en la música tocando covers en las calles de Westwood, en Los Ángeles; siendo frecuentemente desalojados por la policía debido al gentío que se juntaba y obstruía el paso en la acera. Mientras trabajaba en A Night in the Life of Jimmy Reardon en 1986, Phoenix escribió y grabó una canción “Heart to get”, específicamente para los créditos finales de la película. 20th Century Fox prescindió de ella al completarse el filme, pero el director William Richert la puso de nuevo en su propio montaje de la película unos años después. El filme y su éxito solidificó la imagen de Phoenix como un actor con potencial de hombre líder. En una proyección de prensa para la película en el Festival de Cine de Nueva York predijo correctamente que un gran número de películas de temática gay estaban “en el horizonte”.

â&#x20AC;&#x153;

Si puedo tener algo de fama, espero poder usarla para hacer la diferencia

â&#x20AC;&#x153;

Jhon belushi 24 de enero de 1949 - 5 de marzo de 1982

El célebre cómico falleció como consecuencia de una fatal dosis de cocaína y heroína suministrada por su propia compañera la mañana del 5 de marzo de 1982.

Simon. Ese mismo año hizo su debut cinematográfico en un pequeño papel en el western cómico “Goin’ South”.

John Belushi (Chicago, Illinois, 24 de enero de 1949 - Los Ángeles, California, 5 de marzo de 1982) fue un actor, comediante y músico estadounidense, conocido por sus actuaciones en el dúo musical The Blues Brothers (Los hermanos del Blues), junto al comediante canadiense Dan Aykroyd, y por su famosa parodia de la película, en la que él había participado, titulada Animal House en el programa televisivo estadounidense Saturday Night Live. Belushi nació en Chicago, Illinois, hijo de Agnes Belushi (nombre de soltera Samaras), una cajera y Adam Belushi, inmigrante de Albania y camarero que abandonó su ciudad natal, Qytezë, en 1934 a los quince años.1 2 3 Belushi fue criado en la iglesia Ortodoxa Albanesa4 y creció en las afueras de Chicago, en Wheaton, donde era un linebacker medio del equipo de fútbol americano de la Escuela Superior Wheaton Warrenville South High School. Asistió a la Universidad de Wisconsin-Whitewater y al Colegio de DuPage cerca de Chicago. El hermano menor de Belushi, James Belushi es también un actor y comediante. John conoció a su futura esposa, Judy, mientras ella cursaba un año en la escuela media, y permanecieron juntos hasta la muerte de él. De joven se destacó por sus habilidades deportivas, llegando a ser capitán del equipo de fútbol de su colegio. Además, participó activamente en los shows de variedades que anualmente se hacían. En la universidad dejó su apariencia agresiva para adoptar la moda de la época, se volvió semi hippie con el ca-

bello largo y graves problemas de conducta. Tras ser expulsado de un centro encontró su camino integrándose en una troupe muy particular que, de gira por Chicago, mostraba sus improvisadas obras cómicas. En los setenta se mudó junto a su novia a Nueva York, donde perteneció al elenco de National Lampoon’s Lemmings, un musical de rock del circuito off-Broadway y que tuvo diez meses de exitosas representaciones. En 1973 fue contratado como escritor en el National Lampoon’s Radio Hour. Pero lo más importante estaba por llegar, ya que formó parte del reparto original de la serie de variedades “Saturday Night Live” (junto con Dan Aykroyd, Chevy Chase, Jane Curtin, Laraine Newman y Gilda Radner

Allí interpretaba a un hombre que, a punto de ser ahorcado, era salvado por una mujer que lo reclamaba como marido. La señorita lo elegía a él para que explotara su mina y, por supuesto, no tenía ninguna intención de estrechar el vínculo. Belushi era uno de los dos corruptos sheriffs del lugar. Con Jack Nicholson, Mary Steenburgen, Christopher Lloyd, Veronica Cartwright, Danny DeVito y Ed Begley Jr. John Landis le vio en dicha película y decidió contratarlo para la comedia “Animal House”. Era un papel menor, pero se robó la función. El éxito alcanzado por el personaje fue impresionante en la audiencia, quien quedó convencida de que John Belushi como persona era igual a su personaje, Bluto. Con Tim Matheson, Tom Hulce, James Daughton, Karen Allen, Kevin Bacon y Donald Sutherland.

Belushi se sintió relegado a un segundo plano durante la primera temporada, pero cuando Chase se fue del programa al año siguiente llegó a ser la estrella del show al mostrar su impredecible, agresivo y físico estilo de humor, además de imponer dentro del inconsciente colectivo a sus personajes más representativos, como el Samurái Futaba, el cocinero obsesionado con las hamburguesas con queso o como Jake Joliet Blues; uno de los Blues Brothers. En 1978 participó en una película para la TV, “The Rutles”, en donde era el promotor de una banda de rock que recordaba a The Beatles. Actuó junto a Eric Idle, Michael Palin, George Harrison, Bianca Jagger, Dan Aykroyd, Gilda Radner, Bill Murray, Lorne Michaels, Mick Jagger y Paul

Inmediatamente pasó al drama con “Old Boyfriends”, película en la que una psiquiatra, para entenderse mejor, busca a sus ex novios y trata de lidiar con ellos sus traumas. Belushi representó el papel del novio que había humillado a la protagonista en el colegio. Compartió la actuación con Talia Shire, Richard Jordan y Keith Carradine.

muerte fue investigada por el patólogo forense Dr. Ryan Norris entre otros, y mientras que los hallazgos fueron disputados, se declaró oficialmente como una muerte accidental relacionada con drogas. Dos meses más tarde Smith, una antigua groupie de The Band, admitió en una entrevista con el National Enquirer que ella había estado con Belushi la noche de su muerte y que le había administrado la dosis fatal de speedball.

En 1979 Dan Aykroyd y él decidieron retirarse de Saturday Night Live para dedicarse por completo al cine. Primero aparecieron en la frustrada comedia de Steven Spielberg “1941”.

Después de la aparición del artículo “I Killed Belushi (Yo maté a John Belushi)” en el Enquirer en la edición del 29 de junio de 1982, el caso fue reabierto. Smith fue extraditada desde Toronto, arrestada y acusada de asesinato en primer grado. Un arreglo de reducción de condena redujo los cargos a homicidio involuntario, y cumplió una condena de 18 meses en prisión.

John era el idiota capitán Wild Bill Kelso, un militar que intentaba defender las costas californianas tras el ataque a Pearl Harbor y que soñaba con derribar aviones japoneses. Con Ned Beatty, Christopher Lee, Tim Matheson, Toshirō Mifune, Robert Stack, Treat Williams, Nancy Allen, John Candy, Patti LuPone, John Landis, Walter Olkewicz, Mickey Rourke, Andy Tennant, James Caan y Penny Marshall. También en esa época se exacerbó su gusto por el blues y el soul, por lo que junto a su viejo amigo Aykroyd protagonizaron la comedia que mejores resultados le reportaría The Blues Brothers. Eran dos hermanos con gafas, sombrero y de traje negro que decidían organizar conciertos y hacer trapicheos para evitar que derribaran su hogar, el orfanato de Santa Elena. Con James Brown, Ray Charles, Aretha Franklin, Carrie Fisher, John Candy, Twiggy, Frank Oz, John Landis y Paul Reubens. Es conocido que también tenía un gusto exacerbado por el Punk, siendo seguidor de Black Flag o los Dead Boys. Precisamente él fue uno de los participantes (en su época Saturday Night Live) del escándalo con la banda Fear. En la comedia romántica “Continental Divide” era un pragmático periodista que caía fulminantemente enamorado de una ornitóloga completamente opuesta a él. Con Blair Brown y Tony Ganios.

En la comedia de humor negro “Neighbors” invirtió los roles con Aykroyd, ya que ahora hacía del pacífico hombre común que veía su vida alterada cuando llegaba un nuevo vecino totalmente alocado que ponía su rutinaria existencia patas arriba. Con Kathryn Walker y Cathy Moriarty. El 5 de marzo de 1982, Belushi fue encontrado muerto en su habitación en el Bungalow #3 del Chateau Marmont del Sunset Boulevard en Los Angeles, California.5 La causa de muerte fue por sobredosis de speedball, una inyección de cocaína y heroína. Durante la noche de su muerte, fue visitado por separado por sus amistades Robin Williams (cuando se encontraba en la cima de su problema de drogadicción) y Robert De Niro.6 Cada uno abandonó las instalaciones, dejando a Belushi en compañía de otro grupo, incluyendo a Cathy Smith. Su

En una de sus últimas apariciones en TV, filmó un cameo para la serie cómica Police Squad!. Como un favor para su amigo Tino Insana, uno de los escritores del programa, Belushi fue filmado, boca abajo en una piscina, muerto. Esta escena era parte de un gag recurrente en el que la estrella invitada del episodio no lograba sobrevivir a la secuencia de los créditos iniciales sin encontrar algún espantoso deceso. Además, como es notado en una de las pistas de comentarios en el DVD, John casi se ahoga durante la filmación de la escena. La escena nunca salió al aire. El célebre cómico falleció como consecuencia de una fatal dosis de cocaína y heroína suministrada por su propia compañera la mañana del 5 de marzo de 1982. John Belushi (Chicago, Illinois, 24 de enero de 1949 - Los Ángeles, California, 5 de marzo de 1982) fue un actor, comediante y músico estadounidense, conocido por sus actuaciones en el dúo musical The Blues Brothers (Los

hermanos del Blues), junto al comediante canadiense Dan Aykroyd, y por su famosa parodia de la película, en la que él había participado, titulada Animal House en el programa televisivo estadounidense Saturday Night Live. Belushi nació en Chicago, Illinois, hijo de Agnes Belushi (nombre de soltera Samaras), una cajera y Adam Belushi, inmigrante de Albania y camarero que abandonó su ciudad natal, Qytezë, en 1934 a los quince años.1 2 3 Belushi fue criado en la iglesia Ortodoxa Albanesa4 y creció en las afueras de Chicago, en Wheaton, donde era un linebacker medio del equipo de fútbol americano de la Escuela Superior Wheaton Warrenville South High School. Asistió a la Universidad de Wisconsin-Whitewater y al Colegio de DuPage cerca de Chicago. El hermano menor de Belushi, James Belushi es también un actor y comediante. John conoció a su futura esposa, Judy, mientras ella cursaba un año en la escuela media, y permanecieron juntos hasta la muerte de él. De joven se destacó por sus habilidades deportivas, llegando a ser capitán del equipo de fútbol de su colegio. Además, participó activamente en los shows de variedades que anualmente se hacían. En la universidad dejó su apariencia agresiva para adoptar la moda de la época, se volvió semi hippie con el cabello largo y graves problemas de conducta. Tras ser expulsado de un centro encontró su camino integrándose en una troupe muy particular que, de gira por Chicago, mostraba sus improvisadas obras cómicas. En los setenta se mudó junto a su novia a Nueva York, donde perteneció al elenco de National Lampoon’s Lemmings, un musical de rock del circuito off-Broadway y que tuvo diez meses de exitosas representaciones.

En 1973 fue contratado como escritor en el National Lampoon’s Radio Hour. Pero lo más importante estaba por llegar, ya que formó parte del reparto original de la serie de variedades “Saturday Night Live” (junto con Dan Aykroyd, Chevy Chase, Jane Curtin, Laraine Newman y Gilda Radner Belushi se sintió relegado a un segundo plano durante la primera temporada, pero cuando Chase se fue del programa al año siguiente llegó a ser la estrella del show al mostrar su impredecible, agresivo y físico estilo de humor, además de imponer dentro del inconsciente colectivo a sus personajes más representativos, como el Samurái Futaba, el cocinero obsesionado con las hamburguesas con queso o como Jake Joliet Blues; uno de los Blues Brothers. En 1978 participó en una película para la TV, “The Rutles”, en donde era el promotor de una banda de rock que recordaba a The Beatles. Actuó junto a Eric Idle, Michael Palin, George Harrison, Bianca Jagger, Dan Aykroyd, Gilda Radner, Bill Murray, Lorne Michaels, Mick Jagger y Paul Simon. Ese mismo año hizo su debut cinematográfico en un pequeño papel en el western cómico “Goin’ South”. Allí interpretaba a un hombre que, a punto de ser ahorcado, era salvado por una mujer que lo reclamaba como marido. La señorita lo elegía a él para que explotara su mina y, por supuesto, no tenía ninguna intención de estrechar el vínculo. Belushi era uno de los dos corruptos sheriffs del lugar. Con Jack Nicholson, Mary Steenburgen, Christopher Lloyd, Veronica Cartwright, Danny DeVito y Ed Begley Jr. John Landis le vio en dicha película y decidió contratarlo para la comedia “Animal House”. Era un papel menor, pero se robó la función. El éxito alcanzado por el perso-

naje fue impresionante en la audiencia, quien quedó convencida de que John Belushi como persona era igual a su personaje, Bluto. Con Tim Matheson, Tom Hulce, James Daughton, Karen Allen, Kevin Bacon y Donald Sutherland. Inmediatamente pasó al drama con “Old Boyfriends”, película en la que una psiquiatra, para entenderse mejor, busca a sus ex novios y trata de lidiar con ellos sus traumas. Belushi representó el papel del novio que había humillado a la protagonista en el colegio. Compartió la actuación con Talia Shire, Richard Jordan y Keith Carradine. En 1979 Dan Aykroyd y él decidieron retirarse de Saturday Night Live para dedicarse por completo al cine. Primero aparecieron en la frustrada comedia de Steven Spielberg “1941”. John era el idiota capitán Wild Bill Kelso, un militar que intentaba defender las costas californianas tras el ataque a Pearl Harbor y que soñaba con derribar aviones japoneses. Con Ned Beatty, Christopher Lee, Tim Matheson, Toshirō Mifune, Robert Stack, Treat Williams, Nancy Allen, John Candy, Patti LuPone, John Landis, Walter

Cathy Smith, una antigua groupie de The Band, admitió en una entrevista con el National Enquirer que ella había estado con Belushi la noche de su muerte y que le había administrado la dosis fatal de speedball.

“

Le doy mucho placer a tanta gente. ¿Por qué no puedo obtener un poco de placer para mí?

corey haim 23 de diciembre de 1971 â&#x20AC;&#x201C; 10 de marzo de 2010

Falleció el 10 de marzo de 2010, a los 38 años, a causa de una sobredosis accidental. Las 15 veces que se sometió a rehabilitación no tuvieron efecto para este niño prodigio que tenía una inteligencia natural a la hora de pasar de la comedia loca al drama o al cine romántico. Corey Haim parecía estar ganando la batalla contra el uso indebido de drogas en las semanas antes de su muerte, de acuerdo a su gerente y también a su amigo más cercano. El actor de cine y galán adolescente de la década de los 80s murió el miércoles a los 38 años después de desplomarse en el departamento de Los Ángeles que compartía con su madre, según dijeron las autoridades. Haim fue “impedido de ingerir literalmente todo tipo de drogas, incluso se le ordenó cero medicamentos” por un especialista en adicciones durante las últimas dos semanas, dijo gerente de Mark Heaslip el miércoles en el progrma “Issues with Jane Vélez-Mitchell” de la cadena HLN, filial de CNN. El médico, “lo puso en una nueva línea de medicamentos”, dijo el miércoles en el programa de CNN “Larry King Live” un viejo amigo de Haim y su frecuente coestrella Corey Feldman. Feldman pidió al auditorio no sacar conclusiones respecto a que Haim hubiese muerto por una sobredosis de

drogas, ya que en tanto no se dé a conocer el informe final de la autopsia, “nadie sabe y nadie va a saber” (el motivo de la muerte). “Sé que hubo síntomas en él que podrían expresar que esto fue por un sinnúmero de cosas”, dijo Feldman. “Esto podría haber sido un fallo renal. Esto podría haber sido un fallo cardiaco”. Heaslip, dijo que la madre de Haim, Judy, le contó que “no había señales en él de una sobredosis.” La muerte del actor se produjo cuando estaba recuperando su carrera, con una agenda de participaciones de Haim “película tras película” dijo Heaslip. Su última película tiene previsto en breve el lanzamiento en breve, dijo. Haim “en realidad se convirtió en un hombre” en los últimos meses, mientras ayudaba a su madre en su batalla con el cáncer, dijo Feldman. “Ha estado ahí para ella, teniendo cuidándola, siendo responsable”, dijo. Haim fue trasladado al Centro Médico de la Providencia St. Joseph en Burbank, California, donde fue declarado muerto a las 2:15 de la tarde, según declara el médico forense del condado, Ed Winter. El actor estaba en el departamento que compartía con su madre cuando “tuvo un poco de mareo, el tipo de cayó de rodillas en el dormitorio,” dijo Winter. “Su madre le ayudó

a acostarse en la cama y el cayó inconsciente.” El sargento de la policía de Los Ángeles, Frank Albarrán, dijo que la muerte de Haim parecía ser accidental y que pudo haber sido a causa de una sobredosis. Haim había sufrido síntomas similares a un resfriado durante dos días, dijo el médico forense. “No se encontraron drogas ilícitas, sin embargo, se recuperaron en el lugar, cuatro de sus medicamentos con receta”, dijo Winter, agregando que no supo lo que eran esas medicinas. Se llevará a cabo la autopsia que incluye pruebas de toxicología, dijo Winter, pero es probable que en algunas semanas se hagan públicas las conclusiones.

En 2008, Feldman dijo a la revista People que él ya no hablaría con Haim hasta se mantuviera sobrio. En un clip de “Las Dos Coreys” se puede ver a “Feldman y su esposa, junto con otros dos ex estrellas adolescentes, pedirle a Haim que hiciera un esfuerzo para llegar a admitir que necesitaba ayuda”, dijo la revista. La reunión desembocó en un incidente en el que, Haim, planeó grabar un piloto de lo que sería una secuela en DVD de la película “The Lost Boys”, pero el actor apareció en escena “claramente bajo la influencia de sustancias tóxicas”, informó People. Feldman dijo a Larry King que Haim había logrado renovar un contrato en el último año gracias a los progresos que hizo en contra de su adición. Haim nació el 23 de diciembre de 1971, en Toronto, Ontario, de acuerdo con una biografía publicada en su sitio Web. Hizo su primera aparición en televisión en 1982 en la serie canadiense “Los gemelos Edison.” Su primera película fue en 1984,”First Born”. El actor se encontraba bajo el cuidado de su médico, quien le visitó la noche del martes, así como otro médico que se especializa en el tratamiento de adicciones, reveló Heaslip. Feldman dijo que Haim estaba enojado por la forma en que la industria de los espectáculos lo había despreciado en los últimos años. Su amigo estaba en la ruina, sin un coche y viviendo en un departamento de renta con su madre. El papel más famoso de Haim fue en la película de 1987 “The Lost Boys” con Feldman. Haim desempeñó el papel de un adolescente de rostro fresco, cuyo hermano se convierte en un vampiro. En años posteriores, los dos amigos -que aparecieron en ocho películas juntos– tuvieron problemas con el abuso de drogas y luego separaron sus caminos. Se reunieron para un reality show, “The Two Coreys”, en 2007, pero A&E Network canceló el programa luego de poco más de un año. En una entrevista de 2007 en “Larry King Live”, Haim y Feldman hablaron sobre su batalla contra las drogas. Feldman dijo que él ya había conseguido estar limpio por un tiempo, pero que a Haim le tomó más. Haim se llamó a sí mismo “un reincidente para el resto de mi vida”. “Creo que tengo una adicción a casi todo”, dijo. “Quiero decir, tengo que ser muy cuidadoso conmigo mismo, por eso tengo un grupo de apoyo que me rodea constantemente.”

Haim también ganó elogios por su papel en la película del 1986 “Lucas”. El crítico de cine Roger Ebert dijo de él en aquel momento: “Si él sigue actuando tan bien como aquí, nunca se convertirá en una estrella infantil olvidada por el medio, sino que seguirá creciendo para convertirse en un actor importante”.

que en primera instancia la policía estableció que Haim había fallecido aparentemente por sobredosis, posteriormente la autopsia determinó que fue una pulmonía lo que acabó con su vida, ya que a pesar de que había marihuana y varios fármacos en su organismo (antidepresivos, ibuprofeno, relajantes, remedios contra la tos...), los niveles eran tan bajos que no era posible que le hubieran causado la muerte. Falleció el 10 de marzo de 2010, a los 38 años, a causa de una sobredosis accidental. Las 15 veces que se sometió a rehabilitación no tuvieron efecto para este niño prodigio que tenía una inteligencia natural a la hora de pasar de la comedia loca al drama o al cine romántico. Corey Haim parecía estar ganando la batalla contra el uso indebido de drogas en las semanas antes de su muerte, de acuerdo a su gerente y también a su amigo más cercano. El actor de cine y galán adolescente de la década de los 80s murió el miércoles a los 38 años después de desplomarse en el departamento de Los Ángeles que compartía con su madre, según dijeron las autoridades. Haim fue “impedido de ingerir literalmente todo tipo de drogas, incluso se le ordenó cero medicamentos” por un

Corey Ian Haim (Toronto, Ontario, 23 de diciembre de 1971 – Burbank, California, 10 de marzo de 2010)1 fue un actor canadiense, conocido por su carrera en Hollywood como ídolo adolescente durante la década de 1980. Protagonizó y co-protagonizó una serie de películas como Lucas, Silver Bullet, Murphy’s Romance, The Lost Boys, License to drive y Dream a Little Dream. Dentro de sus trabajos más destacables, está la colaboración en numerosas ocasiones con Corey Feldman, en el duo llamado “The Two Coreys”. Haim y Feldman aparecieron en un reality show llamado The Two Coreys,2 que fue emitido por A&E Network entre julio de 2007 y agosto de 2008. El 10 de marzo de 2010 se informó que Corey Haim fue llevado al Providence Saint Joseph Medical Center en Burbank, y declarado muerto a las 2:15 a.m. (PST). Aun-

mos meses, mientras ayudaba a su madre en su batalla con el cáncer, dijo Feldman. “Ha estado ahí para ella, teniendo cuidándola, siendo responsable”, dijo. Haim fue trasladado al Centro Médico de la Providencia St. Joseph en Burbank, California, donde fue declarado muerto a las 2:15 de la tarde, según declara el médico forense del condado, Ed Winter. El actor estaba en el departamento que compartía con su madre cuando “tuvo un poco de mareo, el tipo de cayó de rodillas en el dormitorio,” dijo Winter. “Su madre le ayudó a acostarse en la cama y el cayó inconsciente.” El sargento de la policía de Los Ángeles, Frank Albarrán, dijo que la muerte de Haim parecía ser accidental y que pudo haber sido a causa de una sobredosis. Haim había sufrido síntomas similares a un resfriado durante dos días, dijo el médico forense. “No se encontraron drogas ilícitas, sin embargo, se recuperaron en el lugar, cuatro de sus medicamentos con receta”, dijo Winter, agregando que no supo lo que eran esas medicinas.

especialista en adicciones durante las últimas dos semanas, dijo gerente de Mark Heaslip el miércoles en el progrma “Issues with Jane Vélez-Mitchell” de la cadena HLN, filial de CNN. El médico, “lo puso en una nueva línea de medicamentos”, dijo el miércoles en el programa de CNN “Larry King Live” un viejo amigo de Haim y su frecuente coestrella Corey Feldman. Feldman pidió al auditorio no sacar conclusiones respecto a que Haim hubiese muerto por una sobredosis de drogas, ya que en tanto no se dé a conocer el informe final de la autopsia, “nadie sabe y nadie va a saber” (el motivo de la muerte). “Sé que hubo síntomas en él que podrían expresar que esto fue por un sinnúmero de cosas”, dijo Feldman. “Esto podría haber sido un fallo renal. Esto podría haber sido un fallo cardiaco”. Heaslip, dijo que la madre de Haim, Judy, le contó que “no había señales en él de una sobredosis.” La muerte del actor se produjo cuando estaba recuperando su carrera, con una agenda de participaciones de Haim “película tras película” dijo Heaslip. Su última película tiene previsto en breve el lanzamiento en breve, dijo. Haim “en realidad se convirtió en un hombre” en los últi-

Se llevará a cabo la autopsia que incluye pruebas de toxicología, dijo Winter, pero es probable que en algunas semanas se hagan públicas las conclusiones.

Feldman dijo que Haim estaba enojado por la forma en que la industria de los espectáculos lo había despreciado en los últimos años. Su amigo estaba en la ruina, sin un coche y viviendo en un departamento de renta con su madre.

El actor se encontraba bajo el cuidado de su médico, quien le visitó la noche del martes, así como otro médico que se especializa en el tratamiento de adicciones, reveló Heaslip.

El papel más famoso de Haim fue en la película de 1987 “The Lost Boys” con Feldman. Haim desempeñó el papel de un adolescente de rostro fresco, cuyo hermano se convierte en un vampiro. En años posteriores, los dos amigos -que aparecieron en ocho películas juntos– tuvieron problemas con el abuso de drogas y luego separaron sus caminos. Se reunieron para un reality show, “The Two Coreys”, en 2007, pero A&E Network canceló el programa luego de poco más de un año. En una entrevista de 2007 en “Larry King Live”, Haim y Feldman hablaron sobre su batalla contra las drogas. Feldman dijo que él ya había conseguido estar limpio por un tiempo, pero que a Haim le tomó más. Haim se llamó a sí mismo “un reincidente para el resto de mi vida”. “Creo que tengo una adicción a casi todo”, dijo. “Quiero decir, tengo que ser muy cuidadoso conmigo mismo, por eso tengo un grupo de apoyo que me rodea constantemente.” En 2008, Feldman dijo a la revista People que él ya no hablaría con Haim hasta se mantuviera sobrio. En un clip de “Las Dos Coreys” se puede ver a “Feldman

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Básicamente se reduce a esa palabra: amor. Supongo que es eso de lo que se trata todo esto

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BRITTANY MURPHY 10 de noviembre de 1977 - 20 de diciembre de 2009

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La combinación de factores derivada de una neumonía y la mezcla de medicamentos fue la causa de la muerte de la actriz Brittany Murphy que tuvo lugar el 20 de diciembre de 2009 a los 32 años. Brittany Anne Bertolotti (Atlanta, Georgia, 10 de noviembre de 1977-Los Ángeles, California, 20 de diciembre de 2009), más conocida como Brittany Murphy, fue una actriz y cantante estadounidense. Como actriz apareció y protagonizó películas como Clueless, Just Married, Girl, Interrupted, Spun, 8 Mile, Uptown Girls, Sin City, Happy Feet y Riding in Cars with Boys. Además prestó su voz al personaje de la serie animada King of the Hill, Luanne Platter y al personaje Colline en la película de Futurama La Bestia de Un Millón de Espaldas. Su última película, Abandoned, fue comercializada directamente para vídeo. Brittany Anne Murphy2 nació en Atlanta, Georgia, el 10 de noviembre de 1977.3 Sus padres, Sharon Kathleen Murphy y Angelo Bertolotti se divorciaron cuando ella tenía dos años de edad, y Murphy fue criada por su madre en Edison, Nueva Jersey, donde asistió a la escuela Edison. La familia luego se mudó a Los Ángeles así Murphy podía dedicarse a la actuación.4 5 Murphy dijo que su madre nunca trató de sofocar su creatividad, y ella consideró a su madre un factor crucial para su éxito posterior: “Cuando le pedí a mi mamá mudarnos a California, ella vendió todo y se mudó aquí por mí... Ella siempre creyó en mí.” La madre de Murphy era de ascendencia irlandesa y europea del Este y su padre era italo-americano.6 7 Fue criada como Bautista y luego se convirtió en una cristiana no denominacional.8 9

Brittany Murphy asistió a la escuela de Danza y Teatro Verne Fowler en Colonia, Nueva Jersey, en 1982. A los 4 años de edad, continuó entrenando canto, danza y actuación hasta que se mudó a California a los 13 años de edad.10 Murphy hizo su debut en Broadway en 1997, como Catherine, en una reposición de Arthur Miller, A View From The Bridge, junto a los actores Anthony LaPaglia y Allison Janney.11 Murphy obtuvo su primer trabajo en Hollywood cuando tenía 13 años de edad, interpretando a Brenda Drexell en la serie Drexell’s Class. Estuvo en la comedia televisiva Almost Home como Molly Morgan, nuevo título para la segunda temporada de The Torkelsons. Murphy también fue actriz invitada en numerosas series de televisión, incluyendo Parker Lewis Can’t Lose, Blossom, seaQuest 2032, Murder One y Frasier. También tuvo papeles recurrentes en Sister, Sister, Party of Five y Boy Meets World. Murphy participó en varias películas de éxito, con estrellas importantes; incluyendo Clueless (1995) con Alicia Silverstone; Girl, Interrupted (1999) con Winona Ryder y Angelina Jolie (quien ganó por su papel el Premio Oscar); Muérete, bonita (1999) con Kirstie Alley y Denise Richards; Don’t Say a Word (2001); la adaptación a la televisión de la novela La aritmética del diablo (2001); 8 Mile (2002) con Eminem y Kim Basinger, y Uptown Girls (2003) como también en películas menos conocidas, como Spun (2002) y Neverwas (2005). En 2003, protagonizó en la comedia cinematográfica Just Married y Little Black Book (2004) y en la aclamada Sin City (2005). Protagonizó en dos películas de Edward Burns: Sidewalks of New York (2001) y The Groomsmen (2006). El crítico de películas Roger Ebert aclamó su

talento de actuación, dándole buenas críticas a varios de sus películas y comparándola con Lucille Ball.12 En 2009, fue elegida para la película Tribute, como el personaje principal, Cilla. Iba a aparecer en la película de Sylvester Stallone, The Expendables, pero falleció antes del rodaje. La película sería estrenada en agosto de 2010. Murphy también fue actriz de voz. Hizo la voz del personaje Luanne Platter en la serie animada de FOX, King of the Hill durante todo el programa desde 1997 a 2009, y Joseph Gribble hasta la temporada 5. También hizo la

La combinación de factores derivada de una neumonía y la mezcla de medicamentos fue la causa de la muerte de la actriz Brittany Murphy que tuvo lugar el 20 de diciembre de 2009 a los 32 años.

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El 18 de noviembre de 2013, a casi cuatro años de su deceso, un nuevo análisis confirmó que en su cuerpo presentaba 10 tipos de metales en distintos niveles. Dichos metales son usados en veneno para ratas y son venenosos inclusive para humanos.

temente había caído en el baño. Los bomberos trataron de reanimarla allí mismo. Fue transportada al centro Cedars-Sinai Medical, donde fue declarada muerta a su llegada28 a las 10:04. Poco tiempo después de su muerte, el subjefe forense Ed Winter le dijo a Associated Press: “Parece ser natural.”29 30 Una autopsia fue hecha el 21 de diciembre de 2009. Su certificado de defunción clasificó la causa de su muerte como “diferida”.31 El 4 de febrero de 2010, el forense de Los Angeles County dijo que la causa principal de la muerte de Murphy era neumonía, con factores secundarios de la anemia por deficiencia de hierro y la intoxicación de drogas múltiples. voz de Gloria en la película de 2006 Happy Feet y al personaje Colline en la película de Futurama La Bestia del Millón de Brazos del año 2008. Estuvo nominada por un Premio Annie por su voz en el episodio “Movin’ Op Up” de King of the Hill.13 En noviembre de 2009, Murphy abandonó la producción de The Caller, que estaba siendo filmada en Puerto Rico, y fue reemplazada por Rachelle Lefevre. Murphy negó los informes de los medios de comunicación que había sido despedida del proyecto tras ser difícil en el set, y citó “diferencias creativas.”15 Estuvo en una banda llamada Blessed Soul con el actor Eric Balfour a principios de 1990. El 6 de junio de 2006, Murphy y Paul Oakenfold lanzaron el sencillo “Faster Kill Pussycat”, del álbum A Lively Mind. La canción se conviritó en un éxito en los clubes, y estuvo en el número uno en Dance Club Play.16 También estuvo en el número siete en UK Singles Chart en junio de 2006.17 Incursionó en la música nuevamente con el lanzamiento de la película Happy Feet, en que hizo un cover de “Somebody to Love” de Queen, y “Boogie Wonderland” de Earth, Wind & Fire. Murphy protagonizó en el vídeo de Wheatus, “A Little Respect” junto con el actor Shawn Hatosy. También apa-

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reció en el vídeo musical para Luscious Jackson, “Here” y para Tears for Fears con “Closest Thing to Heaven.”18 A finales de 2002, Murphy comenzó a salir con Ashton Kutcher, su co-protagonista en Just Married.20 Una vez comprometida con el mánager de talentos Jeff Kwatinetz, Murphy se comprometió con Joe Macaluso en diciembre de 2005, un asistente de producción que conoció mientras trabajaba en la película Little Black Book. En agosto de 2006, terminaron su compromiso.21 En mayo de 2007, Murphy se casó con el guionista británico Simon Monjack en una ceremonia privada judía en Los Ángeles.22 Durante los últimos tres años y medio de su vida, Murphy, su madre y Monjack vivieron juntos en la misma casa.23

En la década de 2000, Murphy perdió una gran cantidad de peso,24 25 que dio lugar a rumores de adicción a la cocaína.26 En 2005, Murphy disputó tales afirmaciones a la revista Jane, diciendo: A las 08:00 (16:00 GMT) el 20 de diciembre de 2009, el Departamento de Bomberos de Los Ángeles respondió a una “llamada de emergencia”27 en el hogar que Brittany y Monjack compartían en Los Ángeles. Brittany aparen-

El 25 de febrero de 2010, el forense dio a conocer un informe que indicaba que Murphy había estado tomando una serie de medicamentos de venta libre y medicados, con la razón más probable de tratar un resfriado o una infección respiratoria. Estos incluían “altos niveles” de hidrocodona, paracetamol, L-metanfetamina y clorfenamina. Todas las drogas eran legales y la muerte se dictaminó que fue un accidente, pero el informe observó: “los posibles efectos adversos fisiológicos de niveles elevados de estos medicamentos no pueden ser descartados, especialmente en su estado débil.”32

El 23 de mayo de 2010, poco más de cinco meses después del fallecimiento de Murphy su viudo, Simon Monjack, fue encontrado muerto en la misma residencia de Hollywood Hills.34 A raíz de este último hecho las autoridades realizaron un profundo análisis a la casa para determinar si las condiciones ambientales de la residencia fueron factores mortales en las muertes de la actriz y su marido, para julio de 2010, el subjefe forense de Los Ángeles dijo que la causa de su muerte fue por una neumonía aguda y anemia severa.35

tuación hasta que se mudó a California a los 13 años de edad.10 Murphy hizo su debut en Broadway en 1997, como Catherine, en una reposición de Arthur Miller, A View From The Bridge, junto a los actores Anthony LaPaglia y Allison Janney.11 Murphy obtuvo su primer trabajo en Hollywood cuando tenía 13 años de edad, interpretando a Brenda Drexell en la serie Drexell’s Class. Estuvo en la comedia televisiva Almost Home como Molly Morgan, nuevo título para la segunda temporada de The Torkelsons. Murphy también fue actriz invitada en numerosas series de televisión, incluyendo Parker Lewis Can’t Lose, Blossom, seaQuest 2032, Murder One y Frasier. También tuvo papeles recurrentes en Sister, Sister, Party of Five y Boy Meets World.

Se informó en la prensa que el Departamento de Salud Pública inspeccionó la casa en que Murphy y Monjack habían fallecido por posibles hongos tóxicos.36 Sin embargo, la familia Murphy descartó estos informes. El portavoz de la familia, Roger Neal dijo que la familia había hecho inspeccionar la casa en el 2009 - pero no

Brittany Anne Bertolotti (Atlanta, Georgia, 10 de noviembre de 1977-Los Ángeles, California, 20 de diciembre de 2009), más conocida como Brittany Murphy, fue una actriz y cantante estadounidense. Como actriz apareció y protagonizó películas como Clueless, Just Married, Girl, Interrupted, Spun, 8 Mile, Uptown Girls, Sin City, Happy Feet y Riding in Cars with Boys. Además prestó su voz al personaje de la serie animada King of the Hill, Luanne Platter y al personaje Colline en la película de Futurama La Bestia de Un Millón de Espaldas. Su última película, Abandoned, fue comercializada directamente para vídeo.

encontraron signos de moho. Neal dijo: “Debido a productos de inferior calidad utilizados por el constructor y los subcontratistas, el hogar Murphy tenía un problema persistente de fugas.” Como resultado, Simon Monjack contrató a una empresa para comprobar sí había moho posible, y de acuerdo con Monjack, su informe no reveló ningún problema de moho.37 El 18 de noviembre de 2013, a casi cuatro años de su deceso, un nuevo análisis confirmó que en su cuerpo presentaba 10 tipos de metales en distintos niveles. Dichos metales son usados en veneno para ratas y son venenosos inclusive para humanos. Con esto, quedaría descartada la tesis de que murió de manera “natural”, un suicidio o un posible homicidio.

Brittany Anne Murphy2 nació en Atlanta, Georgia, el 10 de noviembre de 1977.3 Sus padres, Sharon Kathleen Murphy y Angelo Bertolotti se divorciaron cuando ella tenía dos años de edad, y Murphy fue criada por su madre en Edison, Nueva Jersey, donde asistió a la escuela Edison.

Murphy participó en varias películas de éxito, con estrellas importantes; incluyendo Clueless (1995) con Alicia Silverstone; Girl, Interrupted (1999) con Winona Ryder y Angelina Jolie (quien ganó por su papel el Premio Oscar); Muérete, bonita (1999) con Kirstie Alley y Denise Richards; Don’t Say a Word (2001); la adaptación a la televisión de la novela La aritmética del diablo (2001); 8 Mile (2002) con Eminem y Kim Basinger, y Uptown Girls (2003) como también en películas menos conocidas, como Spun (2002) y Neverwas (2005). En 2003, protagonizó en la comedia cinematográfica Just Married y Little Black Book (2004) y en la aclamada Sin City (2005). Protagonizó en dos películas de Edward Burns: Sidewalks of New York (2001) y The Groomsmen (2006). El crítico de películas Roger Ebert aclamó su talento de actuación, dándole buenas críticas a varios de sus películas y comparándola con Lucille Ball.12 En 2009, fue elegida para la película Tribute, como el personaje principal, Cilla. Iba a aparecer en la película de Sylvester Stallone, The Expendables, pero falleció antes del rodaje. La película sería estrenada en agosto de 2010.

La familia luego se mudó a Los Ángeles así Murphy podía dedicarse a la actuación.4 5 Murphy dijo que su madre nunca trató de sofocar su creatividad, y ella consideró a su madre un factor crucial para su éxito posterior: “Cuando le pedí a mi mamá mudarnos a California, ella vendió todo y se mudó aquí por mí... Ella siempre creyó en mí.” La madre de Murphy era de ascendencia irlandesa y europea del Este y su padre era italo-americano.6 7 Fue criada como Bautista y luego se convirtió en una cristiana no denominacional.8 9 Brittany Murphy asistió a la escuela de Danza y Teatro Verne Fowler en Colonia, Nueva Jersey, en 1982. A los 4 años de edad, continuó entrenando canto, danza y ac-

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â&#x20AC;&#x153;

Soy una persona creativa. siempre he elegidoa personas que me entretienen

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kurt cobain 20 de febrero de 1967 - 5 de abril de 1994

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Durante su vida, Kurt luchó contra la depresión, la bronquitis crónica y contra un intenso dolor físico debido a una condición estomacal crónica que jamás fue diagnosticada, de la cual buscó durante años la causa y le afectó emocionalmente.

Kurt Cobain nació en Washington el 20 de febrero de 1967, en el seno de una familia cristiana (más tarde reflejaría esta etapa en la canción «Lithium»). Vivió sus primeros 6 meses en Hoquiam, hasta que su familia volvió a Aberdeen. También tenía una hermana menor, Kimberly, nacida el 24 de abril de 1970. Cobain se empezó a interesar por la música a temprana edad. De acuerdo con su tía Mari, él empezó cantando a los 2 años. A los 4 años, Cobain comenzó a tocar el piano y a cantar, escribiendo una canción sobre su viaje a un parque local. Él escuchaba artistas como Ramones2 y también cantaba canciones como “Motorcycle Song,” de Arlo Guthrie, The Beatles’ “Hey Jude”, Terry Jacks’ “Seasons in the Sun” y el tema musical de la Serie de televisión The Monkees a una temprana edad.3 Según sus padres, la vida de Cobain cambió dramáticamente a los 9 años debido a su divorcio. En una entrevista en 1993, Cobain dijo: «Recuerdo sentirme apenado, triste por mis padres. Me avergonzaba compararme con mis amigos de la escuela, porque yo ansiaba pertenecer a ese tipo de familia clásica, a una familia típica.

Dedicando 2 horas diarias a su manejo, aprendió todo lo necesario en 6 semanas de clase y empezó a escribir sus propias canciones en lugar de «perder el tiempo aprendiendo las de otros, porque estudiar demasiado la música de los demás puede suponer un obstáculo para el desarrollo del estilo personal». Cobain recibió su primera guitarra a la edad de 14 años. Su tío la consiguió en el Centro Musical Rosevear, en Aberdeen, escogiendo el instrumento en vez de una bicicleta. Desde ese momento Cobain intentó formar bandas con amigos, interpretando canciones de AC/DC y Led Zeppelin. En la secundaria, sin embargo, Cobain tuvo problemas frecuentes para encontrar a alguien con quien tocar, debido a que ninguno de sus amigos poseía ningún talento musical particular. Posteriormente, Cobain encontró a Krist Novoselic, un fiel devoto del punk rock, que vivía al otro lado del puente

de la calle Young. La madre de Novoselic era propietaria de un salón de belleza (Maria’s Hair Design), así que ellos pudieron practicar en el segundo piso del edificio ocasionalmente. Pocos años después Cobain intentó convencer a Novoselic para formar una banda con él, y le cedió una copia de una demo casera (titulada «Illiteracy Will Prevail») grabada por una de las primeras bandas que formó Cobain en 1985, Fecal Matter. Después de meses pensándolo, Novoselic aceptó unirse a Cobain, lo cual sentó las bases de Nirvana. En los primeros años como grupo, a Novoselic y a Cobain les tocó rotar frecuentemente de bateristas, como Dale Crover, Aaron Buckhard, entre otros. Finalmente, Chad Channing se unió a la banda, con el cual grabaron Bleach, lanzado en Sub Pop Records en 1989 con Jack Endino como productor, y a Jason Everman como financiador, pero aunque este no toco en ningún tema del álbum, estuvo presente como segundo guitarrista en la contraportada.

Madre, padre... Yo quería esa seguridad. Odié a mis padres durante años por esa razón». Tras un año viviendo con su madre después del divorcio Cobain se trasladó a Montesano para vivir con su padre. En la escuela, a Cobain le interesaban poco los deportes. Por la insistencia de sus padres formó parte del equipo de luchadores, pero Kurt estaba más interesado en sus clases de arte. Continuamente dibujaba durante las clases, especialmente detalles de anatomía humana, y también alguna caricatura de Michael Jackson posando.

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Pero durante la gira de Bleach, este renunció, y volvieron a ser el trío que solían ser pero Cobain, sin embargo, no estaba satisfecho con el estilo de Channing, y la banda lo reemplazó por Dave Grohl a finales de 1990, no sin antes grabar Sliver con el baterista Dan Peters de la banda Mudhoney. Junto a Grohl, la banda encontró el éxito con su disco debut en una gran discográfica, Nevermind (1991).

Posteriormente, en 1993, salió el disco In Utero.Con In Utero, la banda también se enfrentó a la censura. Grandes cadenas de almacenes como Kmart y Wal-Mart se negaron a tener el álbum en sus estanterías, alegando que títulos de canciones como “Rape Me” y el collage de fetos plásticos en la contraportada del álbum eran muy “controvertidos” para cadenas “orientadas a la familia”.

Inicialmente, la expectativa de ventas para Nevermind no superaba las 500.000 copias. Sin embargo, el álbum recibió certificación de triple platino en los Estados Unidos en menos de seis meses. “Smells Like Teen Spirit” recibió alta rotación en MTV y llegó al lugar número 6 en el Top 100 de la revista Billboard, inspirando a un puñado de imitadores y llevando al sonido grunge y alternativo a los listados. La popularidad del rock alternativo, así como el fin de la era del hair metal, son atribuidos a Nevermind.

Entonces la banda aceptó cambiar el arte del álbum, lanzando una versión “limpia”, que también cambiaba el nombre de “Rape Me” por “Waif Me”. Sin embargo, con la excepción de la mezcla de Litt de “Pennyroyal Tea”, la música incluida era idéntica al lanzamiento común. Cuando le preguntaron sobre la versión editada, Cobain dijo que muchos residentes de pequeños pueblos (especialmente en el centro de los Estados Unidos) no tenían tiendas locales de música, y tenían que comprar sus álbumes en grandes cadenas de almacenes como Kmart.

El 11 de enero de 1992, con 12 millones de copias vendidas, el álbum alcanzó la cima del listado de álbumes de Billboard, quitando del primer lugar a Dangerous de Michael Jackson y superando también a Use Your Illusion de Guns N’ Roses, un hecho considerado símbolo de la subida de la música alternativa sobre el pop y el hard rock. Además, la llegada de Nevermind ayudó a la entrada en las listas de varios álbumes de grunge como Ten de Pearl Jam y Badmotorfinger de Soundgarden.

Aunque “Heart-Shaped Box” tuvo buena aceptación por parte de las emisoras alternativas y mainstream, e In Utero debutó en el número 1 en la lista de álbumes de Billboard, el álbum no gozó del mismo éxito de Nevermind. Cuando la banda se embarcó en la gira estadounidense de In Utero, la primera desde el éxito de “Smells Like Teen Spirit”, regularmente tocó en auditorios a medio llenar, principalmente por la falta de gira para la promoción de Nevermind y por el nuevo y “retador” lanzamiento.

Alegando cansancio (en buena parte por algunos problemas de voz que Cobain sufrió), y después de un corto tour junto a Pearl Jam y Red Hot Chili Peppers por la costa este estadounidense, y de uno por Australia y Japón, la banda decidió no embarcarse en una gira en la primavera de 1992 por Estados Unidos para promocionar Nevermind (pese a hacer presentaciones promocionales en el popular programa Saturday Night Live y en MTV), optando por hacer varias actuaciones posteriormente ese mismo año.

Cobain tuvo muchos problemas para adaptarse al éxito masivo de Nirvana con sus fuertes raíces underground. Además, se sintió perseguido por los medios hasta el punto de compararse a sí mismo con Frances Farmer, y tuvo resentimiento con personas que decían ser fanáticos de la banda, pero que no entendieron el mensaje de ésta. Un incidente que molestó particularmente a Cobain involucró a dos hombres que violaron a una mujer mientras cantaban la canción de Nirvana «Polly». Cobain condenó el episodio en las notas adjuntas a las versiones estadounidenses de la compilación Incesticide, refiriéndose a los agresores como «dos desperdicios de esperma y óvulos».5 Courtney Love vio tocar a Cobain por primera vez en 1990. Según el periodista Everett True, la pareja fue formalmente presentada en un concierto de L7 y Butthole Surfers en Los Ángeles, en mayo de 1991. (Varias biografías mencionan como la fecha del encuentro en 1989, en Portland (Oregón), pero True insiste que 1991 es una fecha más exacta, y señala como prueba una entrevista a Cobain y Love en 1992 con la revista Sassy en la cual la pareja dijo que se habían encontrado en un concierto de L7 y Butthole Surfers). En las semanas siguientes, después de saber de la mano

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de Grohl que ella y Cobain compartían sentimientos mutuos, Love empezó a buscarlo frecuentemente. Después de semanas de encuentros y conversaciones, en el otoño de 1991, ambos fueron vistos juntos con mayor frecuencia. Unos días después del final de la gira de Nirvana por el Pacífico, el lunes 24 de febrero de 1992, Cobain se casó con Love en la playa de Waikiki, en Hawái. El 18 de agosto nació la primera y única hija de la pareja, Frances Bean Cobain. La razón del inusual segundo nombre fue que Cobain pensó que ella parecía un frijol en su primera ecografía. La niña fue nombrada en honor a Frances McKee de The Vaselines, de los que Cobain era gran fanático. El 18 de agosto de 1992 nació Frances Bean Cobain, hija de Kurt y Courtney. En un artículo de 1992 en la revista Vanity Fair, Love admitió haber usado heroína sin saber que estaba embarazada. Posteriormente, Love afirmó que Vanity Fair la había citado mal, pero el evento ha creado una polémica mediática para la pareja. Cobain y Love siempre habían sido una atracción para la prensa romántica, pero desde entonces se vieron acosados por la prensa sensacionalista, interesada saber si Frances era adicta a las drogas desde su nacimiento. El Departamento del Servicios para Niños del Condado de Los Ángeles llevó a los Cobain a los tribunales, alegando que el uso de drogas por parte de la pareja determinaba que no eran aptos. El juez ordenó separar a Frances de sus padres y la colocó bajo custodia de la hermana de Courtney, Jamie, cuando la niña tenía dos semanas de edad. Tras litigar durante varias semanas, la pareja obtuvo nuevamente la custodia de su hija tras un acuerdo de someterse a exámenes de orina y visitas regulares de un trabajador social. Después de meses de disputas legales, la pareja obtuvo finalmente la custodia total de su hija. Durante su vida, Kurt luchó contra la depresión, la bronquitis crónica y contra un intenso dolor físico debido a

fo Michael Levine, Cobain (que había consumido heroína unas horas antes) estuvo tambaleándose varias veces durante la sesión. Su vida es una historia triste y desesperante, que ha quedado reflejada en esa foto que le hizo Ian Tilton, para el desaparecido periódico musical británico Sounds. En ella le vemos sentado en el suelo, con la mano en la frente en un gesto de dolor.

una condición estomacal crónica que jamás fue diagnosticada, de la cual buscó durante años la causa y le afectó emocionalmente. Ninguno de los médicos a los que consultó fue capaz de encontrar la causa específica, aunque le aseguraron que pudo ser el resultado de una escoliosis que Cobain sufrió en su niñez, o tenía relación con el estrés producido por las giras y eventos a los que la banda asistía. Cobain se automedicó con heroína, pese a que su condición médica no fue la razón principal que provocó el uso de la droga. Cobain tuvo su primer contacto con las drogas a finales de 1980, iniciándose en el consumo de marihuana a la edad de trece años. Se ha dicho que buscaba luchar contra su hiperactividad. Había sido tratado con fuertes calmantes ya desde pequeño. Su iniciación en el consumo de heroína tiene lugar en 1986. Durante algunos meses Cobain usó la droga casualmente, pero no pasó mucho tiempo para que se convirtiera en una adicción. A finales de 1991 su uso empezó a afectar a la gira de la banda en promoción de Nevermind, y se vio a Cobain desmayándose durante sesiones fotográficas. Por ejemplo, el día de la presentación de la banda en Saturday Night Live, cuando Nirvana tuvo una sesión con el fotógra-

Esta imagen ha sido seleccionada por la revista Q como una de las cien mejores fotos de la historia del rock. En ella Tilton cuenta cómo la hizo durante una gira en Seattle, antes de que se hicieran famosos: Estaba sentado y llorando; sabía que estaba allí, pero no le importó que le hiciera una foto; el grupo también aceptaba su llanto, así que no era probablemente la primera vez que lo hacía.

El 1 de marzo de 1994, después de que el grupo tocara su último concierto en el Terminal Einz, en Múnich, Alemania, a Cobain se le diagnosticó bronquitis y laringitis severas. Al día siguiente fue a Roma para tratamiento médico. Su esposa estaría allí el 3 de marzo. A la mañana siguiente, cuando despertó, Love descubrió que Cobain había sufrido una sobredosis por una combinación de champán y flunitrazepam (Love obtuvo una prescripción de Rohypnol después de llegar a Roma). Cobain fue llevado de forma inmediata al hospital, y pasó el resto del día inconsciente. Después de estar cinco días en tratamiento, Cobain salió del hospital y regresó a Seattle.8 Posteriormente, Love insistió públicamente en que el incidente fue un intento de suicidio de Cobain.

Sobre ésta, Cobain le relató al biógrafo Michael Azerrad: «Yo digo: ¿Qué pueden hacer ellos? No eran capaces de decirme que parara. Entonces a mí no me importó. Obviamente pensaban que era algo parecido a practicar brujería. No conocían bien mi problema, y hasta pensaron en algún momento que iba a morir».

El 18 de marzo Love llamó a la policía para informar de que Cobain se quería suicidar y que se había encerrado en un cuarto con un arma. La policía fue a la residencia y confiscó varias armas y una botella de píldoras a Cobain, que insistió en que no se quería suicidar y que se había encerrado para esconderse de su mujer.

La adicción a la heroína de Kurt se incrementó con el paso del tiempo. A comienzos de 1992, poco después de que él y Courtney descubrieran que iban a ser padres, decidió entrar en rehabilitación. Después de dejarla, Nirvana se embarcó en una gira por Japón y Australia, donde se vio pálido a Cobain y que sufría de síndrome de abstinencia. Poco después de regresar a Estados Unidos, la adicción de Kurt reapareció.

Cuando la policía le preguntó sobre el tema, ella admitió que Cobain nunca había mencionado que quería suicidarse y que no lo había visto con un arma.9

Antes de una presentación en el New Music Seminar de la ciudad de Nueva York, en mayo de 1993, Cobain sufrió una sobredosis de heroína. En vez de llamar a una ambulancia, Love le inyectó naloxona —conseguida ilegalmente— para sacarlo del estado de inconsciencia. Unas horas más tarde Cobain tocó junto a Nirvana uno de los conciertos más memorables del año. El público no notó que algo extraño había ocurrido.

El 25 de marzo Love convocó una reunión sobre el uso de drogas de Cobain. Entre las diez personas que estuvieron ese día hubo músicos cercanos a Cobain, ejecutivos de la discográfica de la banda, y dos de los amigos más Con la excepción de una pequeña cantidad de sangre saliendo del oído de Cobain, Smith informó que no había notado signos visibles de traumatismo, y al principio creyó que estaba dormido que no había notado signos

El Departamento del Servicios para Niños del Condado de Los Ángeles llevó a los Cobain a los tribunales, alegando que el uso de drogas por parte de la pareja determinaba que no eran aptos. El juez ordenó separar a Frances de sus padres y la colocó bajo custodia de la hermana de Courtney, Jamie, cuando la niña tenía dos semanas de edad.

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Si mi sonrisa mostrara el fondo de mi alma mucha gente al verme sonreír lloraría conmigo

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janis joplin 19 de enero de 1943 - 4 de octubre de 1970

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grabando un disco casero con Jorma Kaukonen, futuro guitarrista de Jefferson Airplane y Margareta Kaukonen en la máquina de escribir, utilizada como instrumento de percusión. Fue en este periodo cuando comenzó a consumir drogas y se sumió, lentamente, en un estado de abandono, llegando a pesar 35 kilos. En 1965 le anunció a su familia que retomaría a sus estudios universitarios, y que se casaría con un hombre que había conocido en San Francisco, llamado Peter LeBlanc; sin embargo la pareja no funcionó y Peter LeBlanc la abandonó; esto marcaría aún más su inseguridad afectiva y su sentimiento de soledad.

Janis Lyn Joplin (Port Arthur, Texas, 19 de enero de 1943 - Los Ángeles, California, 4 de octubre de 1970) fue una cantante estadounidense de rock and roll y blues caracterizada por su poderosa voz y gran intensidad de su interpretación.1 Fue un símbolo femenino de la contracultura de los ‘60 y la primera mujer en ser considerada una gran estrella del rock and roll. En 1995 ingresó al Salón de la Fama del Rock y en 2004 la revista Rolling Stone la colocó en el lugar 46 de los 100 mejores artistas de todos los tiempos,2 mientras que en 2008 la ubicó en puesto 28 de los mejores cantantes de todos los tiempos.3 En 2013 recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.4 En 1999, fue elegida como la tercer mejor artista femenina del rock en la lista 100 Greatest Women in Rock realizada por VH1. Nació el 19 de enero de 1943 en Port Arthur, localidad industrial de Texas. Sus padres, Seth (que trabajaba en una refinería) y Dorothy (que había destacado cantando en su instituto) hubieran querido que Janis fuera maestra. Tenía dos hermanos menores, Michael y Laura.

Su familia solía asistir a la Iglesia de Cristo. Los Joplin sintieron que Janis siempre necesitaba más atención que el resto de sus hijos. Su madre decía: “Ella era infeliz e insatisfecha. La relación no era la más adecuada”. En su adolescencia, se hizo amiga de un grupo de marginados, a través de quienes tuvo acceso a discos de artistas de blues afroamericanos como Bessie Smith, Ma Rainey o Lead Belly, a quien más tarde, Joplin acreditó como influencia en su decisión de convertirse en cantante. A la vez que comenzó a participar en un coro, fue conociendo otros cantantes de blues como Odetta, Billie Holiday y Big Mama Thornton.

Entre sus compañeros de clase estaban GW Bailey y Jimmy Johnson. Joplin se graduó de la secundaria en 1960 y asistió a Lamar State College of Technology en Beaumont, Texas durante el verano, y más tarde, en la Universidad de Texas en Austin, aunque no completó sus estudios. El periódico universitario, The Daily Texan, publicó un perfil de ella en la edición del 27 de julio de 1962, titulado “Ella se atreve a ser diferente”. El artículo comenzó, “Ella va descalza cuando se siente como ella misma, lleva Levi’s a clase porque son más cómodos, y lleva su Autoharp con ella dondequiera que va por lo que, en caso de que tuviera el impulso de romper a cantar, le será muy útil. Se llama Janis Joplin”. Dejó Texas para San Francisco (“sólo para estar lejos de Texas”, dijo, “porque mi cabeza estaba en un lugar muy

Cuando estudiaba Bellas Artes en la Universidad de Texas en Austin, comenzó a cantar de forma habitual en bares. Participaba frecuentemente con la banda Waller Creek Boys. Allí empezó a tener reputación de ser una fuerte bebedora. En 1963 se trasladó a la ciudad de San Francisco. Estando allí conoció a muchos músicos con los que más tarde se reencontraría, como su amante Ron “Pigpen” McKernan” (después, miembro de The Grateful Dead),

Una más que pertenece al Club de los 27 años. Murió de una sobredosis de heroína en su casa en Los Angeles, California en 1970.

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A los dieciséis años comenzó a manifestar su amor por la música, frecuentando los bares de Luisiana, donde escuchaba música afroamericana, de blues y jazz.

diferente”) en enero de 1963, viviendo en Playa Norte y más tarde Haight-Ashbury. En 1964, Joplin y la futura guitarrista de Jefferson Airplane, Jorma Kaukonen registraron una serie de estándares de blues, acompañado además por Margareta Kaukonen en la máquina de escribir (como instrumento de percusión). Cansada de esperar a LeBlanc y de ser una chica buena, se mudó a San Francisco junto a Chet Helms, un productor que conoció en Texas. Se unió a la banda Big Brother and the Holding Company el 4 de julio de 1966, logrando una combinación perfecta. Chet Helms le ofreció que se uniese a la banda de la que era su mánager, y con la que finalmente grabaría su primer álbum, Big Brother and the Holding Company, que tuvo una importante repercusión. Joplin amaba la libertad creativa de la escena musical en San Francisco. Solían actuar junto con otros grupos psicodélicos como The Grateful Dead, Jefferson Airplane y Quicksilver Messenger Service en los famosos salones de baile Avalon Ballroom, Fillmore East y Fillmore West, o con festivales al aire libre en el Golden Gate Park y en Haight-Ashbury. Actuó con su grupo en el Festival de Monterey de 1967 junto con algunos grandes artistas del momento como Jimi Hendrix, The Mamas and The Papas, Jefferson Airplane, Otis Redding y The Who, entre otros. Como la primera actuación de los Big Brother no había sido filmada, les pidieron que tocasen al día siguiente. Durante esa

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presentación, interpretaron Combination Of The Two; Janis dejó a la audiencia boquiabierta con una versión del emblemático blues de Big Mama Thornton, «Ball And Chain».

dres, y algunos lugares más, donde el público la acogió muy calurosamente y ella regresó a EE.UU. muy contenta, diciendo que el mejor concierto que había dado en su vida fue en Londres, donde la audiencia se volvió loca.

A partir de entonces fueron contratados por el productor de Bob Dylan, Albert Grossman. Joplin eclipsaba a los Big Brother. En la primavera de 1968, se trasladaron a Nueva York para grabar su primer disco. Aquella combinación de música repetitiva, de estilo psicodélico de los 60, con la imponente voz de Joplin, era prodigiosa y Cheap Thrills salió en agosto de 1968. Lanzando a Janis al éxito, a los tres días se hizo disco de oro y en el primer mes se vendieron más de un millón de copias. En el 2003, Cheap Thrills se colocó en el lugar 338 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.5

En ese año, a causa de la presión se enganchó a la heroína y comenzó a prodigarse en entrevistas, en las que terminaba hablando de su vida y de sus sentimientos. Decía que “hacía el amor con 25000 personas en el escenario y luego se volvía a casa sola...” Cada vez dependía más del alcohol y de la heroína. Sin embargo, se había convertido en un símbolo de fuerza y de rebeldía para muchas mujeres de su época.

Las críticas sobre ella fueron muy buenas, y la prensa empezó a centrarse más en ella que en el grupo, todos le decían que ella era demasiado buena para el grupo, había tensión entre ellos a causa del protagonismo de Janis y la fama, y ella quería hacer un estilo más blues y soul, como las cantantes que veneraba, como Bessie Smith, Billie Holiday o Aretha Franklin, así que después de mucha presión por parte de su mánager, Albert Grossman, se marchó de Big Brother and the Holding Company. Juntos se pusieron a buscar los mejores músicos del país para crear el nuevo grupo. A principios de 1969 ya estaba creado, aunque los músicos variarían a lo largo del año. Se llevó con ella al guitarrista Sam Andrew de Big Brother and the Holding Company. Con su nueva banda, “Kozmic Blues Band”, salió su segundo disco, I Got Dem Ol’ Kozmic Blues Again Mama!. El sonido era distinto a lo que sus oyentes estaban acostumbrados: era una mezcla de rock, soul y blues, y recibió malas críticas, la revista Rolling Stone la denominó la “Judy Garland del rock”. En abril, Janis y la Kozmic Blues Band fueron de gira por Europa, pasando por Frankfurt, Estocolmo, París, Lon-

Los músicos de la banda eran sólo profesionales, y Janis quería que su banda fuese como una familia, como en Big Brother. Con el único que acabó conectando fue con el saxofonista Cornelius “Snooky” Flowers. A finales de 1969 Janis estaba ya destrozada y demasiado enganchada a la heroína y al alcohol, así que decidió tomarse un descanso y abandonar la banda. A finales de ese año

la banda se separó. Su último concierto fue en el Madison Square Garden en Nueva York en la noche del 19 y 20 de diciembre de 1969.

que la mató y que las jeringas usadas no se encontraron; se especuló incluso que pudo haber una persona involucrada.

En febrero de 1970, se fue de viaje con una amiga a Río de Janeiro por carnaval, a desintoxicarse, por lo menos, de la heroína. Allí conoció a David Niehouse y se enamoraron, estuvieron unos meses por la selva de Brasil viajando como dos viejos beatniks en la carretera y al volver a San Francisco, David se instaló en casa de Janis.

Su amiga Peggy Caserta admitió que, al igual que Seth Morgan, había prometido visitar a Joplin la noche del viernes 2 de octubre, pero se había ido de fiesta con otros consumidores de drogas que estaban alojados en un hotel de Los Angeles. De acuerdo con su libro Going Down With Janis, Caserta escuchó del distribuidor que les vendió la heroína a ella y Joplin el sábado, que la artista le expresó su tristeza por dos amigos que la habían abandonado la noche anterior.

Albert Grossman, le propuso a Janis una nueva banda, la Full Tilt Boogie Band, y Janis, ya desenganchada de la heroína, pero no del alcohol, aceptó. David Niehouse quería seguir viajando por el mundo y le ofreció que se marcharan juntos, pero ella prefirió quedarse con su audiencia y su música. Así, Janis congenió muy bien con todos los miembros de la banda, ellos la querían y ella los quería. En una fiesta de los Hell’s Angels de San Francisco, ese mismo verano, conoció a Seth Morgan y se enamoró de él. En septiembre de 1970, se trasladó a Los Ángeles a grabar Pearl. El 4 de octubre de 1970 había sido un buen día en el estudio, y para celebrarlo salió de copas con sus compañeros y se emborrachó. Según el estudio forense, murió a la 1:40 por sobredosis de heroína. Janis ya había pasado por experiencias similares y había salido con vida, pero esta vez no había nadie para ayudarla. Su cuerpo fue descubierto unas 18 horas después. Todos quedaron sorprendidos, pues pensaron que Janis ya no consumía, y estaba en la mejor época de su vida. En 1971, seis semanas después de su muerte, salió el disco Pearl; fue un éxito y se mantuvo en el número uno de ventas durante 14 semanas. Como homenaje, se dejó el tema «Mercedes Benz» a capella, ya que fue la última canción que Janis grabó; también se incluyó la canción «Buried Alive in the Blues» sólo con música, sin la voz de Janis. El sencillo «Me and Bobby McGee», compuesto por Kris Kristofferson (con quien la cantante tuvo un romance) y Fred Foster, representó su mayor éxito, al ser la única canción de Janis Joplin en alcanzar el Nº 1 en el Billboard Hot 100, por una semana en marzo de 1971. Las circunstancias de la muerte de la cantante fueron confusas, y aún hoy en día despiertan diversas hipótesis; el sábado 3 de octubre de 1970, Joplin visitó el estudio de grabación Sunset Sound Recorders en Los Ángeles, para escuchar la parte instrumental de “Buried Alive in the Blues”, antes de grabar su pista vocal programada para el día siguiente.

La canción “Buried Alive in the Blues” quedó inconclusa con la trágica muerte de la cantante, aunque fue finalmente incluida como un tema instrumental en Pearl, a manera de un homenaje póstumo.

En algún momento de ese mismo día, le comunicaron por teléfono que su prometido, Seth Morgan, estaba en su casa jugando billar con otras mujeres que había conocido ese sábado. En el estudio expresó su enojo por la noticia, y porque la noche anterior no había cumplido con su promesa de ir a visitarla. A pesar de ello, manifestó alegría por el progreso de la grabación. A la noche, junto con el miembro de la banda Ken Pearson, salieron del estudio hacia el bar Barney’s Beanery. Después de la medianoche los llevó a su casa y luego se retiró a su habitación en el Landmark Motor Hotel.

Joplin fue incinerada en la funeraria Pierce Brothers Westwood Village en Los Ángeles. Sus cenizas fueron esparcidas desde un avión en el Océano Pacífico a lo largo de Stinson Beach. El único servicio fúnebre tuvo un carácter privado, ya que sólo asistieron los padres de Joplin y su tía materna.7 En su testamento, Joplin dejó 2500 dólares para realizar una fiesta en su honor en caso de su desaparición. Alrededor de 200 personas recibieron invitaciones para la fiesta que decía: “Las bebidas son por Pearl”, una referencia al apodo de la cantante. El evento, que tuvo lugar el 26 de octubre de 1970, fue en Lion’s Share, localizado en San Anselmo, California. Contó con la presencia de su hermana Laura y amigos cercanos de Joplin, como el artista del tatuaje Lyle Tuttle, el prometido de Joplin, Seth Morgan, Bob Gordon, y

Al día siguiente, el domingo 4 por la tarde, Joplin no apareció en el estudio según lo convenido, por lo que el productor Phil Rothchil comenzó a preocuparse. El administrador y representante de la banda Full Tilt Boogie, John Cooke, decidió visitarla y encontró su automóvil Porsche descapotable en el aparcamiento. Al entrar a la habitación, la encontraron muerta, tirada en el suelo a un lado de su cama. La causa oficial de su muerte fue una sobredosis de heroína, probablemente bajo los efectos del alcohol. Cooke cree que Joplin accidentalmente recibió heroína con una concentración más alta a la normal, debido a la sobredosis de otros adictos en esa semana. El episodio habría ocurrido alrededor de la 1:45 a.m. del día 4 de octubre. Se dice que esto le sucedió en otras ocasiones, pero esta vez no hubo nadie que la ayudara. Algunas circunstancias que rodearon su muerte nunca se explicaron, como la pureza extrema que tenía la droga

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En el escenario le hago el amor a 25.000 personas diferentes. Luego me voy sola a casa.

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ANNA NICOLE SMITH 28 de noviembre de 1967 â&#x20AC;&#x201C; 8 de febrero de 2007

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El 8 de febrero de 2007 murió Anna Nicole Smith, tras perder el conocimiento mientras estaba hospedada en el hotel y casino Seminole Hard Rock Cafe, en Fort Lauderdale (Florida).

Septiembre de 2006 en el Doctors Hospital de Nassau, Bahamas. El matrimonio duró 3 años y ejerció de madre soltera. Con 20 años empezó a trabajar en lugares donde cobraba un sueldo bajo y, mientras ejercía de bailarina exótica bajo seudónimos cómo Nikki, Robin y Anna Nicole, conoció al cliente asiduo y multimillonario J. Howard Marshall.

A los 39 años murió debido a una mezcla de medicamentos. Fue encontrada en la habitación de un hotel en Hollywood. El 8 de febrero de 2007 murió Anna Nicole Smith, tras perder el conocimiento mientras estaba hospedada en el hotel y casino Seminole Hard Rock Cafe, en Fort Lauderdale (Florida). Victoria Lynn Hogan (Houston, Texas, 28 de noviembre de 1967 – Fort Lauderdale, Florida, 8 de febrero de 2007), más conocida como Anna Nicole Smith, fue una modelo y actriz estadounidense conocida por ser una de las más famosas playmate de Playboy. Nació en Mexia -un suburbio de Houston a 127 km al sur de Dallas- y fue abandonada por su padre cuando era una niña. Criada por su madre y su tía, Anna Nicole solía decir que de mayor quería ser “la nueva Marilyn Monroe”. Al final de su adolescencia trabajó como camarera y se rumoreaba que se casó con un cocinero anónimo. En 1985, con 17 años, se casó con Billy Smith y tuvo a su primer hijo: Daniel, quien falleció de forma súbita a la edad de 20 años mientras visitaba a su madre en

En 1992, con 25 años, fue playmate de marzo bajo el nombre Vicky Smith. Gracias a la aparición en la famosa revista, Guess? la eligió como sucesora de Claudia Schiffer cómo imagen de su campaña publicitaria. En mayo de ese mismo año volvió a protagonizar la portada de Playboy y se la llegó a considerar como “la nueva Marilyn Monroe”: alta, rubia y con una figura perfecta. Incluso llegó a llevar un peinado similar al de la difunta actriz. Un año más tarde fue elegida la Playmate del año y pasó a conocerse como Anna Nicole Smith.

receta médica y que su muerte fue “accidental”, sin que haya indicios sospechosos de otra causa. Perper, que practicó la autopsia al cadáver de Smith, indicó que se detectó el rastro de “numerosos medicamentos en el sistema” de la ex modelo, pero ninguno “ilegal”, por lo que su deceso se atribuye a la interacción de “múltiples” fármacos y una “infección”. Smith había ingerido medicamentos antidepresivos y contra la ansiedad, así como pastillas para adelgazar, metadona y le habían inyectado hormonas para el crecimiento y vitamina B-12 en uno de sus muslos, reveló. Antes de su fallecimiento, prosiguió el médico forense, la ex modelo había ingerido antibióticos para combatir una gripe, así como una sustancia denominada cloralhidrato, utilizada para dormir, un cóctel que le causó una “intoxi-

En los últimos meses de su vida, la actriz vivió dos momentos muy impactantes: dio a luz a Dannielynn Hope Marshall el 6 de septiembre de 2006 en el Doctors Hospital de Nassau (Bahamas) y cuatro días más tarde encontraron muerto a su hijo Daniel, que por aquel entonces tenía 20 años, en una de las habitaciones del hospital donde había nacido su hermana pequeña, a la que había ido a conocer. La segunda autopsia, que le realizó el forense contratado por la propia actriz Cyril Wecht, reveló que el joven había fallecido por una combinación letal de medicamentos: Daniel tomaba metadona, Zoloft y Lexapro. El 8 de febrero de 2007 murió Anna Nicole Smith, tras perder el conocimiento mientras estaba hospedada en el hotel y casino Seminole Hard Rock Cafe, en Fort Lauderdale (Florida). La autopsia reveló que la modelo se ahogó en su propio vómito, después de desmayarse por haber ingerido una sobredosis de metadona. En una conferencia de prensa, el médico forense Joshua Perper explicó que Smith falleció a consecuencia de la ingestión de fármacos bajo

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junto a su máximo ídolo: Marilyn Monroe.4 Sin embargo, el abogado Howard K. Stern, pareja de la fallecida modelo, ganó la disputa legal que sostenía con la madre de Smith, Virgie Arthur, para resolver dónde sería sepultada. El cuerpo de Anna sería enterrado en Las Bahamas, junto a la tumba de su hijo Daniel. El funeral se programó para el día 27 de febrero de 2007, pero Arthur logró presentar un recurso de emergencia con el objetivo de evitar que su hija fuera sepultada en dicho lugar.5

Anna Nicole y Marshall contrajeron matrimonio (para él era su tercer matrimonio y para ella el segundo) el 27 de junio de 1994, cuando ella contaba 26 años y él, 90. Howard Marshall falleció apenas de un fulminante ataque al corazón unos meses después y Anna Nicole no heredó toda su fortuna.

El 28 de febrero de 2007, el tribunal de apelaciones de Florida confirmó la decisión de Virgie Arthur de renunciar a la custodia del cadáver de su hija, ya que la evidencia indicaba que el último deseo de Anna Nicole Smith era ser sepultada junto a su hijo Daniel en Las Bahamas.6

El 7 de septiembre de 2006, nació su segunda hija, Dannielynn Hope Marshall Birkhead, tres días antes de la muerte de su primogénito Daniel, que fue hallado muerto en la habitación de un hotel al parecer por una sobredosis. El padre de Dannielynn es Larry Birkhead (1973).

El viernes 2 de marzo de 2007, finalmente fue sepultada Anna Nicole Smith en las Bahamas.7 El cuerpo de la modelo fue trasladado desde una morgue hasta el aeropuerto de Miami a primera hora de la mañana, bajo la atenta mirada de los paparazzi. Después de horas de vuelo, el féretro aterrizó en Nassau y fue llevado a la iglesia Mount Horeben donde esperaban 300 personas, a quienes se les entregaron rosas rosadas y rojas, en recuerdo de la fallecida modelo, y tarjetas con forma de corazón para que dejaran mensajes sobre su sepultura.

A los 39 años murió debido a una mezcla de medicamentos. Fue encontrada en la habitación de un hotel en Hollywood.

El novio de Smith, Howard K. Stern, saludó a un grupo de curiosos que quisieron presenciar el funeral de Smith tras las rejas que custodiaban la privacidad del evento, entre ellos se encontraban residentes, turistas y paparazzi, sin embargo, sólo algunos reporteros gráficos tuvieron acceso a la iglesia.

cación” fatal. Por su parte, Charlie Tiger, jefe de policía, señaló que no se detectaron “elementos criminales” ni nada “ilegal” en el deceso de Anna Nicole Smith.1 2

Debido a la herencia dejada por Anna Nicole Smith a su hija Dannielynn, que se estima en unos 80 millones de dólares,8 cinco hombres se adjudicaron la paternidad de la niña: el abogado Howard Stern, el fotógrafo Larry Birkhead, Frédéric Prinz von Anhalt (esposo de la actriz Zsa Zsa Gabor) y el guardaespaldas Alex Denk.9 Sin embargo, tras meses de batallas legales, los exámenes de ADN revelaron que el padre de la menor es Larry Birkhead.10

El 18 de febrero de 2007, el cadáver de Anna Nicole Smith fue embalsamado tras ser emitida una orden judicial que permitía dicho procedimiento.3 Según Joshua Perper, forense del condado de Broward, dos embalsamadores terminaron su labor al mediodía del sábado 17 de febrero, prometiendo no hablar ni escribir respecto al cuerpo de Anna, tampoco lo fotografiarían o lo dibujarían.

Anna Nicole Smith conoció en 1984 a un joven llamado Billy Wayne Smith (nacido en 1968), eran compañeros de trabajo en una cadena de restaurantes de comida rápida llamada “KFC”, se enamoraron y apenas unos meses más tarde contrajeron matrimonio el 4 de abril de 1985, en Limestone County (Texas). Ella tenía 17 años y él, 16. Tuvieron un hijo: Daniel Wayne Smith (22 de enero de 1986 - 10 de septiembre de 2006, fallecido a los 20 años). La pareja se separó en 1987 y obtuvo el divorcio en febrero de 1993.

Su familia pretendía cumplir el último anhelo de Anna, ser sepultada en el cementerio Westwood Memorial Park

Su segundo matrimonio, muy controversial fue con el multimillonario James Howard Marshall (24 de enero de

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1905 - 4 de agosto de 1995 a los 90 años). Se conocieron en Houston en 1991 cuando ella trabajaba como bailarina haciendo toples.

El 8 de febrero de 2007 murió Anna Nicole Smith, tras perder el conocimiento mientras estaba hospedada en el hotel y casino Seminole Hard Rock Cafe, en Fort Lauderdale (Florida). Victoria Lynn Hogan (Houston, Texas, 28 de noviembre de 1967 – Fort Lauderdale, Florida, 8 de febrero de 2007), más conocida como Anna Nicole Smith, fue una modelo y actriz estadounidense conocida por ser una de las más famosas playmate de Playboy. Nació en Mexia -un suburbio de Houston a 127 km al sur de Dallas- y fue abandonada por su padre cuando era una niña. Criada por su madre y su tía, Anna Nicole solía decir que de mayor quería ser “la nueva Marilyn Monroe”. Al final de su adolescencia trabajó como camarera y se rumoreaba que se casó con un cocinero anónimo.

A los 39 años murió debido a una mezcla de medicamentos. Fue encontrada en la habitación de un hotel en Hollywood.

En 1985, con 17 años, se casó con Billy Smith y tuvo a su primer hijo: Daniel, quien falleció de forma súbita a la edad de 20 años mientras visitaba a su madre en Septiembre de 2006 en el Doctors Hospital de Nassau, Bahamas. El matrimonio duró 3 años y ejerció de madre soltera. Con 20 años empezó a trabajar en lugares donde cobraba un sueldo bajo y, mientras ejercía de bailarina exótica bajo seudónimos cómo Nikki, Robin y Anna Nicole, conoció al cliente asiduo y multimillonario J. Howard Marshall. En 1992, con 25 años, fue playmate de marzo bajo el nombre Vicky Smith. Gracias a la aparición en la famosa revista, Guess? la eligió como sucesora de Claudia Schiffer cómo imagen de su campaña publicitaria. En mayo de ese mismo año volvió a protagonizar la portada de Playboy y se la llegó a considerar como “la nueva Marilyn Monroe”: alta, rubia y con una figura perfecta. Incluso

llegó a llevar un peinado similar al de la difunta actriz. Un año más tarde fue elegida la Playmate del año y pasó a conocerse como Anna Nicole Smith. En los últimos meses de su vida, la actriz vivió dos momentos muy impactantes: dio a luz a Dannielynn Hope Marshall el 6 de septiembre de 2006 en el Doctors Hospital de Nassau (Bahamas) y cuatro días más tarde encontraron muerto a su hijo Daniel, que por aquel entonces tenía 20 años, en una de las habitaciones del hospital

donde había nacido su hermana pequeña, a la que había ido a conocer. La segunda autopsia, que le realizó el forense contratado por la propia actriz Cyril Wecht, reveló que el joven había fallecido por una combinación letal de medicamentos: Daniel tomaba metadona, Zoloft y Lexapro. El 8 de febrero de 2007 murió Anna Nicole Smith, tras perder el conocimiento mientras estaba hospedada en el hotel y casino Seminole Hard Rock Cafe, en Fort Lauderdale (Florida). La autopsia reveló que la modelo se ahogó en su propio vómito, después de desmayarse por haber ingerido una sobredosis de metadona. En una conferencia de prensa, el médico forense Joshua Perper explicó que Smith falleció a consecuencia de la ingestión de fármacos bajo receta médica y que su muerte fue “accidental”, sin que haya indicios sospechosos de otra causa. Perper, que practicó la autopsia al cadáver de Smith, indicó que se detectó el rastro de “numerosos medicamentos en el sistema” de la ex modelo, pero ninguno “ilegal”, por lo que su deceso se atribuye a la interacción de “múltiples” fármacos y una “infección”. Smith había ingerido medicamentos antidepresivos y contra la ansiedad, así como pastillas para adelgazar, metadona.

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por alguna razón, la gente piensa que soy esta persona terrible y realmente me duele escuhar eso. estoy haciendo lo que mejor sé

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natalie wood 20 de julio de 1938 - 29 de noviembre de 1981

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Aunque aparentemente se hallaba en compañía de su marido Robert Wagner y de su amigo Christopher Walken a bordo de su yate, desapareció misteriosamente y fue encontrada ahogada al día siguiente, el 29 de noviembre de 1981, en la costa californiana. Todavía hoy nadie sabe a ciencia cierta qué ocurrió esa noche. Sus padres habían emigrado de Rusia poco antes de nacer ella. Pronto su padre sustituyó el apellido familiar por el de Gurdín, y a los 4 años quedó inscrita en el registro como Natasha Gurdín. Instada y apoyada por María, su ambiciosa madre, Natasha se convirtió en una estrella de cine infantil que intervino en numerosas películas con notable éxito, siendo una de las pocas que consiguió superar la transición de estrella infantil a actriz adulta. Esta ambición de su madre por que fuera famosa se debe a que cuando estaba embarazada le leyó la mano una anciana que estaba en la calle, diciéndole: “Su hija será una gran estrella, pero deberá tener mucho cuidado con las aguas oscuras”. Esto de las aguas oscuras “explicaría” más tarde su muerte. Natalie no sabía nadar, debido a que su madre le advirtió toda la vida sobre el respeto que debería tenerle al agua. Cuando Natalie tenía 9 años, su madre y ella estaban caminando cuando se encontraron con un rodaje. Su madre le dijo que fuera a sentarse en las rodillas del director

y que le cantara una canción. Éste, al escuchar su hermosa voz y su gracia, le hizo su primer contrato para la película: Miracle on 34th. Street. Natalie Wood disfrutó durante un período del estrellato, debido sin duda a su físico, a su capacidad expresiva y a la eficacia de sus actuaciones. Fue nominada al Oscar en tres ocasiones, por su interpretación en Rebelde sin causa, Esplendor en la hierba (consideradas dos obras maestras) y Amores con un extraño. Otro de sus grandes films fue West Side Story, en el que interpretó el papel principal de María. Ya que tenía una bonita voz, fue ella quién cantó todas sus canciones. Sin embargo, finalmente fue doblada por una cantante profesional, lo que le causó una gran decepción. En estos años, en el apogeo de su carrera cinematográfica, a Natalie Wood se la consideró la actriz más popular de Hollywood junto con Elizabeth Taylor. Su historial incluye otras películas importantes como The Searchers (Centauros del desierto) de John Ford y El candidato con un joven Robert Redford. Murió prematuramente en 1981 cuando cayó de noche al agua desde su yate The Splendor (así llamado en honor a la película que la consolidó como actriz, Esplendor en la hierba). La nave estaba fondeada frente a la isla de Ca-

talina, cerca de Los Ángeles, y en esos días Natalie terminaba la película Brainstorm, con Christopher Walken, amigo del matrimonio que estaba con ellos al ocurrir la desgracia. Fue una extraña muerte: se ahogó, pero la causa está envuelta en un misterio. Se habla que estaba bajo la influencia del alcohol y las drogas o que quizás se suicidó. Tenía 43 años. Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Ángeles (California).

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Fue una pitonisa la que predijo, cuando la Wood era sólo una niña, que llegaría a convertirse en una gran estrella. Y acertó. A pesar de su desgraciada vida, la actriz triunfó en Hollywood y trabajó a las órdenes de directores como Elia Kazan o Nicholas Ray, entre otros.

Y acertó. A pesar de su desgraciada vida, la actriz triunfó en Hollywood y trabajó a las órdenes de directores como Elia Kazan o Nicholas Ray, entre otros.

En 2011, la policía reabrió el caso cuando se hizo público un libro de la escritora Marti Rully quien asegura que en la muerte de la actriz, su esposo Richard Wagner estaba plenamente involucrado. En dicho libro, la escritora exhibe un testimonio del capitán del yate, The Splendor, Dennis Davern, quien manifestó a la escritora que Wagner había intervenido en la muerte de la actriz. 1 La muerte de la actriz Natalie Wood hace 20 años sigue siendo un gran misterio que tampoco ha logrado desvelar su nueva biografía. Ahogada en las aguas del Pacífico, su vida fue una gran tragedia, como cuenta Suzanne Finstad en el libro Natasha: la biografía de Natalie Wood. Un texto que, sin embargo, relata algunos episodios desconocidos de la vida de una actriz que murió en el mejor momento de su carrera. Natalie Wood (San Francisco, 1938) tenía 43 años el 29 de noviembre de 1981 cuando su cuerpo apareció flotando en las proximidades de la isla de Catalina, en California. Allí pasaba el fin de semana la protagonista de filmes como West Side story o Esplendor en la hierba, junto con su marido, el actor Robert Wagner, y su compañero de rodaje de su último filme, Christopher Walken. Vestida sólo con un camisón, cayó a las aguas del Pacífico mientras intentaba saltar a un bote de goma atado al yate Splendour. Sus acompañantes se negaron a hacer declaraciones y remitieron el asunto a sus abogados. La muerte fue descrita por la policía como accidental o

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quizá provocada por un exceso de alcohol. El libro describe detalladamente las últimas horas de la actriz, además de narrar otros momentos de la vida de la joven Nastasha Nikolaevna Zakharenko, su nombre originario. Wood era hija de inmigrantes rusos. Su madre, María Gurdin, estaba cegada por las luces de Hollywood. Su fascinación por esa fábrica de sueños la convirtió en la peor pesadilla para su hija, quien, bajo la dirección de Gurdin, aprendió a reír o llorar cuando se la requería. La crueldad de su madre llegó a extremos como el de arrancarle las alas a una mariposa para conseguir que su hija se conmoviera en el rodaje de una escena. El libro profundiza en la peculiar personalidad de la madre, que no permitió que su hija fuese menos que una estrella. Llegó a ocultar la fractura de muñeca que sufrió la actriz durante el rodaje, en 1949, de The green promise, tal vez por su idea de que las estrellas son irrompibles. La biografía también se ocupa de la violación que sufrió la actriz cuando tenía 16 años por parte de un famoso actor de Hollywood. La madre prefirió mirar hacia otro lado con tal de que su hija siguiera ascendiendo en su carrera hacia el estrellato. ‘He preferido no incluir el nombre del actor porque quería que la gente se centrara en el horror y el trauma que supuso para Natalie’, declaró la biógrafa. Fue una pitonisa la que predijo, cuando la Wood era sólo una niña, que llegaría a convertirse en una gran estrella.

como Natasha Gurdín. Instada y apoyada por María, su ambiciosa madre, Natasha se convirtió en una estrella de cine infantil que intervino en numerosas películas con notable éxito, siendo una de las pocas que consiguió superar la transición de estrella infantil a actriz adulta. Esta ambición de su madre por que fuera famosa se debe a que cuando estaba embarazada le leyó la mano una anciana que estaba en la calle, diciéndole: “Su hija será una gran estrella, pero deberá tener mucho cuidado con las aguas oscuras”. Esto de las aguas oscuras “explicaría” más tarde su muerte. Natalie no sabía nadar, debido a que su madre le advirtió toda la vida sobre el respeto que debería tenerle al agua. Cuando Natalie tenía 9 años, su madre y ella estaban caminando cuando se encontraron con un rodaje. Su madre le dijo que fuera a sentarse en las rodillas del director y que le cantara una canción. Éste, al escuchar su hermosa voz y su gracia, le hizo su primer contrato para la película: Miracle on 34th. Street. Natalie Wood disfrutó durante un período del estrellato, debido sin duda a su físico, a su capacidad expresiva y a la eficacia de sus actuaciones. Fue nominada al Oscar en tres ocasiones, por su interpretación en Rebelde sin causa, Esplendor en la hierba (consideradas dos obras maestras) y Amores con un extraño. Otro de sus grandes films fue West Side Story, en el que interpretó el papel principal de María. Ya que tenía una

bonita voz, fue ella quién cantó todas sus canciones. Sin embargo, finalmente fue doblada por una cantante profesional, lo que le causó una gran decepción. En estos años, en el apogeo de su carrera cinematográfica, a Natalie Wood se la consideró la actriz más popular de Hollywood junto con Elizabeth Taylor. Su historial incluye otras películas importantes como The Searchers (Centauros del desierto) de John Ford y El candidato con un joven Robert Redford. Murió prematuramente en 1981 cuando cayó de noche al agua desde su yate The Splendor (así llamado en honor a la película que la consolidó como actriz, Esplendor en la hierba). La nave estaba fondeada frente a la isla de Catalina, cerca de Los Ángeles, y en esos días Natalie terminaba la película Brainstorm, con Christopher Walken, amigo del matrimonio que estaba con ellos al ocurrir la desgracia. Fue una extraña muerte: se ahogó, pero la causa está envuelta en un misterio. Se habla que estaba bajo la influencia del alcohol y las drogas o que quizás se suicidó. Tenía 43 años. Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Ángeles (California). En 2011, la policía reabrió el caso cuando se hizo público un libro de la escritora Marti Rully quien asegura que en la muerte de la actriz, su esposo Richard Wagner estaba plenamente involucrado. En dicho libro, la escritora exhibe un testimonio del capitán del yate, The Splendor, Dennis Davern, quien manifestó a la escritora que Wagner había intervenido en la muerte de la actriz. 1 La muerte de la actriz Natalie Wood hace 20 años sigue siendo un gran misterio que tampoco ha logrado desvelar su nueva biografía. Ahogada en las aguas del Pacífico, su vida fue una gran tragedia, como cuenta Suzanne Finstad en el libro Natasha: la biografía de Natalie Wood. Un texto que, sin embargo, relata algunos episodios desconocidos de la vida de una actriz que murió en el mejor momento de su carrera. Natalie Wood (San Francisco, 1938) tenía 43 años el 29 de noviembre de 1981 cuando su cuerpo apareció flotando en las proximidades de la isla de Catalina, en California. Allí pasaba el fin de semana la protagonista de filmes como West Side story o Esplendor en la hierba, junto con su marido, el actor Robert Wagner, y su compañero de rodaje de su último filme, Christopher Walken. Vestida sólo con un camisón, cayó a las aguas del Pacífico mientras intentaba saltar a un bote de goma atado al yate Splendour. Sus acompañantes se negaron a hacer declaraciones y remitieron el asunto a sus abogados.

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yo era muy joven, y hacer películas, ir al estudio cada mañana al amanecer era mágico 131

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lAs muertes mรกs Y dramรกticas de los Desde 1962 hasta nuestros dias

Itat. Ut aborae. Dusdam rehenist vollore non consed eruptaturi tenditis ut endam, ommo voluptasim quam consequaspid es quam assitiistore vellandae dest, con conseque prepreicia quasim quatur antis verunt. Illenda esequis denimil id eiciam, cum idestem. Itatiunt officip icaere volore, aut aliquias digenienis solorehenis eat eossitio illaut ut ut qui te idelendit rae rem endionsed qui volessit volecturia volupta as am sim samet alignis pero berum facest, incius mil est autatem doluptata volor re dita inusdantiam sit, am, sum facea in es aut vendandi cum eos peditatur? Qui cus el is con et am velliquae omnimus, vellabo. Sed quident veri aut que que consequ iandio molorerumqui audi ut facerna tusapient eturio. Nem il modis excepe nonsedit pellecae sum et moloreiciunt autatatur at volorro tendessi reste idus ellaut quid eatem sit litatemposto eum est invero et parcia cuptibeate odit re dictur alis doluptatur, odis iuntiur adipsam, cus cone laudae conse porum ullabor eptatem aut aruptat emquisque comnimagni alit, sit post, ut optati voloreius modit excerchil moluptatem quo offic tendi natur? Ipsuntet ligenda ndebitia voluptas aut eat. Ernam, que sime por re od ut velia delicid ulla peritatur, seceriam fugia inveliquam re dolor alitatur, sa qui doluptur aut latest lacea corpos adis quiat perum fugiae praeceptate conserum aut laboresequam facidendisit ut exeribus sequost vent. Netur, voluptatur re, utatur aut lamus dolorepudis sit verit facientibus essimaximin comnimi, voluptat occaboreped maximil int acepedit officabor moluptatur aceatiorat.

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