Quehuisha, Mismi – Amazonas. Los colores de un viaje. Estéticas y agencias amazónicas contemporánea

Del 25 de agosto al 30 de septiembre, 2022 | Arequipa | Perú

Textos: María Eugenia Yllia

La exposición Quehuisha, Mismi – Amazonas. Los colores de un viaje. Paisaje, agencias visuales y nuevas estéticas, propone el retorno simbólico del río Amazonas a su paqarina o lugar de origen en Arequipa, a través de las obras de veinte artistas, quienes, en las últimas tres décadas, han puesto en el centro del debate del arte peruano, a la Amazonía. En sus propuestas, los artistas visibilizan sus problemáticas y la sitúan como un espacio desde donde, además de cuestionar los cánones artísticos excluyentes, se discute el modelo económico extractivista, se defiende la diversidad lingüística y el conocimiento de los pueblos originarios.

El título de la muestra nos recuerda que, además de ser el sistema hidrográfico que produce el mayor caudal de agua dulce en el mundo, río el Amazonas nace de la confluencia de los afloramientos de la ladera occidental del nevado Quehuisha (5170 m.s.n.m.) y la ladera septentrional del Mismi, (5500 m.s.n.m.), en la provincia de Caylloma. Es decir, es arequipeño. Esta enunciación, más que una verdad científica, pretende ser un detonante para descentrar nuestra visión del territorio y reconocer las diversas relaciones que unen a las regiones de nuestro país. Es necesario revisar la división Andes-Amazonía planteada desde la mirada centralista y tomar en cuenta las dinámicas generadas desde el paisaje y los seres que lo habitan e imaginar los vínculos y transacciones que han establecido con los pueblos asentados en toda su extensión altitudinal, desde tiempos ancestrales.

La muestra presenta un panorama del arte contemporáneo amazónico desde finales de la década de 1990 hasta la actualidad a través de las obras de Víctor Churay Roque Ivá Wajyamú (bora) (1972-2002), Robert Rengifo Chonomeni, (1967-2019) Elena Valera Bawan Jisbe, Olinda Silvano Reshin Jabe, Silvia Ricopa Ronin Caisi, Frank Soria, Harry Pinedo Inin Metsa, David Ramírez Nunta Inin Soi, Cordelia Sánchez, Victoria Rengijo Rishin yaka, Patricia Rengifo Chonon Viri, Chonon Bensho, (shipibo konibo), Enrique Casanto Shingari (asháninka), Pablo Taricuarima (kukama), Brus Rubio Churay (murui-bora) Siwar Peralta (quechua), Chelly Cieza Roca, Clara Best, Diana Riesco Lind e Israel Tolentino Cotrina.

Pensar la Amazonía desde Arequipa a partir de esta exposición es doblemente significativo: permite articular conocimientos y problemas compartidos. Así como los nevados son entendidos como entidades sagradas que proveen de agua para la reproducción de la vida y los múltiples recursos que se extienden en su verticalidad (la fertilidad de ganados, las cosechas, etc.); los ríos vertebran la vida ritual y la economía de los pueblos que recorren en su camino. Se trata de entidades presentes en la religiosidad y los conocimientos de las comunidades del entorno y han tejido, con ellos, relaciones de reciprocidad y parentesco construyendo lógicas que rigen su gestión, uso y preservación.

Es necesario recordar que la cuenca del río Amazonas está conformada por los ríos de 8 países que alimentan y descargan sus aguas en él y alberga alrededor del 30% de la flora y la fauna del mundo y el 18% de todos los árboles de la Tierra. Arequipa como escenario donde se enuncia la muestra, propone una renovada lectura de las obras de artistas contemporáneos amazónicos y andinos y busca transgredir imaginariamente las fronteras –geográficas, lingüísticas, artísticas– y destacar la necesidad de construir relatos alternativos que, desde las experiencias y conocimientos de los pueblos originarios, amplíen nuestra imagen del mundo. Estos y otros temas forman parte de las agendas de los artistas y están plasmados a través de los tópicos que guían el recorrido de la exposición: Mitos, memorias visuales y transmisión de conocimientos; Animales y dueños; Floras y poéticas del bosque, Autorretratos e identidades construidas y diálogos críticos Andino-amazónicos.

Mitos, memorias visuales y transmisión de conocimientos

El inicio de la pintura indígena amazónica contemporánea está asociada, entre otros aspectos, a la migración y el diálogo intercultural generado entre artistas indígenas y diversos agentes en la capital, a finales de la década de 1990. En ese contexto destaca el Seminario de Historia Rural Andina de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, SHRA UNMSM, dirigido por el icónico historiador Pablo Macera. La presencia de Macera y la trayectoria como espacio de investigación sostenido del SHRA, generó un importante laboratorio de innovación artística en donde las visualidades andinas y amazónicas dialogaban y producían repertorios inéditos. Las primeras obras, realizadas por artistas de los pueblos bora, shipibo-konibo, awajún y asháninka en ese contexto, presentaban cosmovisiones, rituales, festividades actividades cotidianas y otros temas en donde los artistas realizaban autoetnografías y traducciones de su lengua y cultura a un público urbano a través de la imagen.

Fue en el SHRA que se dio a conocer en Lima la obra de Robert Rengifo Chonomeni (Nazareth, Iparía Ucayali 1967-2019), artista considerado como uno de los iniciadores de la pintura shipibo-konibo contemporánea. Rengifo era un experimentado muralista en Pucallpa, pintor e ilustrador de cartillas y libros para organizaciones diversas, como la Comisión de Emergencia Asháninka (1996-1999) y el proyecto Huertas Integrales Familiares Comunales (HIFCO) de la Asociación Interétnica de Desarrollo de la Selva Peruana (AiDESEP). Sin embargo, fue en el SHRA donde presentó su primera exposición individual en Lima 1 .

1 Soria Casaverde, M. B. (2017). La Amazonia en el quehacer del Seminario de Historia Rural Andina (1977-2015). ISHRA, Revista Del Instituto Seminario De Historia Rural Andina, (1), 101–128. https://doi.org/10.15381/ishra.v1i1.13046

Ani Xeati

Robert Rengifo - Chonomeni (shipibo-konibo) Acrílico sobre tela 143 x 108 cm 2015

En la pintura Ani Xeati, o fiesta de la gran libación2, el artista plasma el ritual de iniciación femenina celebrado en Ucayali, uno de los más importantes y documentados del pueblo shipibo-konibo,que reúne a distintos clanes y familias. La estructura visual de la obra presenta con minuciosidad diversas actividades que convocan esa festividad: La maloca principal y otras más en el fondo, a las mujeres vistiendo sus tradicionales citontes o faldas con diseños kené y cotones o blusas, llevando coronas en la cabeza y danzando en fila; los hombres con coronas, cushmas y portando macanas para el combate ritual y flechas utilizada para el sacrificio de los animales, entre otros. Destaca la gran mahuetá o cerámica pintada con diseño kené, conteniendo masato, bebida a base de yuca preparada por las mujeres fundamental en diversos pueblos amazónicos.

2 Tournon, J. (2002) La merma mágica. Vida e historia de los Shipibo-Conibo del Ucayali, Lima, CAAAP, 2002.

Siguiendo esta misma lógica, Rengifo plasma en Las siete Cabrillas (2014), tema conocido también como los siete huérfanos, un popular mito cosmogónico amazónico que narra el origen de esa constelación desde la visión de su pueblo. Es la historia de siete hermanos que, al descubrir que sus padres se habían inmolado para salvarlos del hambre, suben juntos al cielo. En la pintura destacan dos niveles en el superior, se ve a los siete hermanos con cushmas y remos, y en el inferior se advierte otra canoa con el sol. El cielo representado como un gran río de color celeste con las constelaciones que forman aves, tortugas, ronsocos,que se confunden con las nubes y en el fondo las constelaciones de estrellas que inundan el firmamento.

Desde otro contexto geográfico se presenta Nimuhé del desaparecido pintor Víctor Churay Roque o Ivá Wajyamú (1972-2002). Nacido en Pucaurquillo, distrito de Pebas, provincia de Mariscal Castilla en Loreto, su obra también está asociada al del Seminario de Historia Rural Andina de la UNMSM y a Pablo Macera. El artista bora desarrolló una narrativa visual de carácter documental y etnográfico en el que además de transmitir la estructura socio política de su etnia y elementos simbólicos de su etnia, recuperó la memoria histórica de su pueblo sobreviviente del genocidio del boom del caucho. Fue la primera vez que un artista indígena bora plasmó en la pintura su memoria reciente.

Las siete cabrillas | Robert Rengifo - Chonomeni (shipibo-konibo) | Acrílico sobre tela

En Nimuhé obra pintada con tintes naturales sobre llanchama o corteza vegetal, presenta a un ancestro o entidad fundamental en la creación del mundo según la cosmovisión bora: el soplador de cerbatana, héroe central de su mitología3. Nimuhé que tiene la apariencia de una chosna, aparece de perfil en medio del bosque. Tiene en su lomo el símbolo del clan pelejo, enfatizando su identidad. Churay fue uno de los primeros pintores indígenas amazónicos en incorporarse al sistema del arte contemporáneo al exhibir dos exposiciones individuales en la galería Formas de Miraflores, Lima en la década de 1990. Sus obras reivindicaban su origen indígena, la memoria de su pueblo y lo dio a conocer a través de la pintura.

Elena Valera, Bawan Jisbe4, nacida en la comunidad de Roya, Ucayali, aprendió desde niña a bordar y a elaborar los diseños kené a través de las enseñanzas de su abuela. Al llegar a Lima su obra inicia un proceso de experimentación e innovación en el Seminario de Historia Rural Andina, en donde comienza a desarrollar pinturas con tintes naturales en los que plasmó la flora y la fauna desde los saberes de su pueblo shipibokonibo, siempre en diálogo con el investigador.

3 Ochoa, N. (1999). Niimúhe: tradición oral de los bora de la Amazonía peruana Lima: CAAAP

4 Landolt, G. (2005). El ojo que cuenta. Mitos y costumbres de la Amazonía indígena, ilustrados por su gente. Lima: IKAM, IWGIA.

Los hijos de la Luna Elena Valera - Bawan Jisbe (shipibo-konibo) Tintes naturales y acrílico sobre tela 160 x 192 cm - 2022

En la pintura Los hijos de la luna, narra visualmente el pasaje del mito cosmogónico que explica el origen de la luna y las estrellas a partir del descubrimiento de la relación incestuosa de dos hermanos. La obra destaca por el fondo marrón, color característico del algodón teñido con caoba, y pintada con tintes naturales. En la organización visual del espacio se advierten diversos pasajes del mito, en el que se ve a los hermanos, durmiendo en sus mosquiteros, el joven con el rostro pintado de huito que espera ser lamido por el venado para limpiarse, la joven embarazada tomando el camino del tigre, las constelaciones y la luna. La observación de los astros permite prepararse para la temporada de lluvia y conocer el mejor tiempo de caza, pesca, siembra y cosecha. El cielo también está ligado al espacio a donde vuelan los chamanes en busca de seres protectores que los guíen en sus prácticas adivinatorias o terapéuticas.

Brus Rubio Churay, pintor murui-bora originario de Pucaurquillo, Mariscal Castilla, Loreto. En su obra presenta un mito de creación del orden cósmico compartido por diversos pueblos indígenas: el Moniya Amena o árbol de la abundancia que da origen al río Amazonas y que salvó del hambre a los pueblos. En él representa el gran árbol que fue creado por los sabios para colmar de frutas y alimentos para todos todos los animales y seres de la Amazonía. Al caer dio origen al gran río Amazonas y de sus astillas y troncos salieron diferentes peces. Este mito metaforiza las lógicas de reciprocidad que han guiado su consumo y que están presentes en las epistemes indígenas que revelan la estrecha vivencia del territorio y que han hecho posible que la Amazonía sea uno de los mayores centros de biodiversidad y de domesticación en el mundo. El relato explica el origen de los elementos básicos como el agua, la yuca, el pescado o la sal. La base alimenticia huitoto-murui muestra la riqueza biológica de su medio y el aprovechamiento de los diversos recursos proteicos que provee.

Animales y sueños

En las cosmologías de la mayoría de pueblos indígenas amazónicos, las plantas, animales, ríos, cerros y los seres del medio ecológico tienen un “dueño” o “madre”, entidades que los protegen y a quienes se debe pedir permiso para su uso. Siguiendo esta lógica, los animales y plantas tienen las mismas facultades, normas de conducta y comportamientos que los humanos. Esta sabiduría ancestral que regula el uso equilibrado de los recursos, revela la estrecha relación indígena con su territorio.

En los mitos amazónicos los animales son humanos que cambiaron de apariencia. Esta noción, está plasmada en la pintura el Ani Xeati de los Animales de Robert Rengifo, en el que se dan encuentro diversos clanes de animales representados por sus dueños o entidades que los protegen. Vemos en ella Tucán, loro, guacamayo azul y rojo , mono, tigre, sajino, zorro, oso hormigero, buho, sachavaca, picaflor y otros animales antropomorfizados vistiendo cushmas haciendo distintas actividades. Algunos están tocando instrumentos, otros danzando alrededor de una gran boa. Se ven además cuatro mahuetas o tinajas y mocahuas de cerámica, que aluden al papel político y social que cumple el masato.

Ani Xeati de los animales

Robert Rengifo - Chonomeni (shipibo-konibo) Acrílico sobre tela 80 x 60 cm 2016

De la serie dueños del bosque

Patricia Rengifo - Chonon Viri (shipibo-konibo) Acrílico sobre tela 15 x 30 cm (c/u) 2022

Vinculada a ellos está la serie de dueños o entidades protectoras de los animales de Patricia Rengifo, Chonon Viri, hija y discípula del artista, que ha innovado la temática independizando a cada uno de ellos con gran versatilidad en pequeños formatos. Podemos ver al guacamayo, el tucán, el lobo marino, el paugil, el búho y el picaflor antropomorfizados, vistiendo cushmas o citontes decorados con kené, sobre fondo amarillo. Se destacan los elementos visuales y cromáticos de los animales y resalta detalles que solo en su calidad de conocedores privilegiados lo hace posible.

Cordelia Sánchez Pesin kate, artista nacida en y radicada en la comunidad indígena urbana de Cantagallo, Lima, presenta en Ioxin lno y Winin Ino (Yana puma) al animal más temido y poderoso de la selva amazónica: el jaguar. Este felino aparece como protagonista de sus pinturas, en las emerge de color negro sobre el geometrismo y el colorido del entramado del kené. Existen diversos relatos sobre la presencia e importancia de este animal. Por su naturaleza depredadora y clave en la cadena trófica de la selva. Este animal metaforiza también la fuerza y resiliencia que define a las mujeres shipibo-konibo ante las diversas adversidades que enfrentan.

Winin Ino (Yana puma)

Cordelia Sánchez - Pesin Kate (shipibo-konibo)

sobre tela

Ioxin lno jaguar

Cordelia Sánchez

Pesin Kate (shipibo-konibo) Acrílico sobre tela 80 x 60 cm 2021

Por su parte, Ramírez Nunta Inin Soi, artista presenta en el paiche o huame en shipibo-konibo, el pez de agua dulce más grande del mundo, de origen prehistórico. El artista presenta al pez, rodeado de peces de mejor tamaño y una serpiente sobre un fondo acuático, que destaca por la vibración del kené y los diversos elementos. El color rojo del paiche indica que está en periodo de reproducción y revela el extraordinario sentido de observación del hombre ribereño, que lo hace diestro pescador y conocedor de la velocidad del movimiento de su presa. Se trata de una obra llena de referencias y citas del arte shipibo konibo contemporáneo. David es además músico y gestiona la galería Soi Niwe en Cantagallo, Lima.

Paiche

David Ramírez Nunta (shipibo-konibo) Acrílico sobre tela 68 x 111 cm 2021

Dueño de las cochas Harry Pinedo - Inin Metsa (shipibo-konibo) Acrílico sobre tela 48 x 130 cm

En El dueño de la cocha, Harry Pinedo Inin Metsa presenta a la sirena, entidad vinculada a los ríos y las cochas que contienen infinidad de recursos hidrobiológicos, una suerte de paradigma del submundo acuático del pueblo shipibo konibo. Diversos mitos y narraciones dan cuenta de la existencia de animales que se transforman en humanos para seducir a hombres y mujeres, lo que explicaría la ambigüedad de la sirena como ser femenino/masculino y su simbolismo antagónico de vida/muerte. Además de las características seductoras de los personajes, la sirena como ser transformador tiene significados múltiples que metaforizan las relaciones sociales, las jerarquías y las identidades siempre cambiantes del mundo indígena

Silvia Ricopa Ronin Caisi, artista nacida en Vista Alegre, Masisea Ucayali, que actualmente reside en Cantagallo en Lima, presenta en Pino o mensajero, al colibrí un ave considerada como mensajera de las deidades por el pueblo shipibo konibo. Considerada a sí misma como artesana, bordadora, pintora y muralista, en su obra confluyen una diversidad de técnicas y materiales: pintura sobre tocuyo, bordado, tejido de mostacillas, técnicas que, como muchas mujeres de su pueblo, aprendió de su madre y que, a través de la producción de collares, pulseras, tejidos y otros objetos cuya venta le permitió mantener a sus hijos al migrar a la capital. En Lima y luego del contacto con el antropólogo César Ramos, su obra se renueva e incorpora elementos y pigmentos diversos, manteniendo el kené como elemento principal. En la actualidad es una de las muralistas contemporáneas más reconocidas a nivel nacional e internacional.

Soi Pino mensajero Silvia Ricopa - Ronin Caisi (shipibo-konibo)

Tela pintada, bordada y con aplicación de mostacillas 96 x 80 cm

Autoretratos e identidades construidas

Desde hace dos décadas, el autorretrato ha adquirido una nueva dimensión a partir de las obras de las y los artistas indígenas amazónicos. Considerando las condiciones colonialistas en que históricamente sus identidades fueron imaginadas, representadas y estigmatizadas desde la sociedad nacional, las narrativas autobiográficas son lugares cruciales de enunciación política y artística.

Saberes originarios, memorias locales, explotación de recursos, discriminación, resiliencias, conquistas ciudadanas, activismo medioambiental y liderazgos políticos, son algunos de los temas plasmados desde las individualidades de los y las artistas.

Esta exploración, sin embargo, se presenta como una práctica compleja e interpeladora y disímil ¿cómo hacer frente al caudal de grabados, fotografías, pinturas entre otros formatos que a través de la historia construyeron externamente el estereotipo de lo indígena? Las diversas respuestas hacen eco de las heterogéneas condiciones de vida que afrontan los indígenas contemporáneos que, en su mayoría, tienen como experiencia común la vivencia del proceso migratorio hacia las ciudades, un fenómeno que ha reconfigurado la noción de indigeneidad. Este camino de reconocimiento y autoafirmación cultural, asumido por las y los artistas indaga en su historia colectiva, pero al mismo tiempo genera procesos de introspección y reflexión crítica sobre lo que significa ser indígena amazónico en la actualidad.

Autorretrato

Víctor Churay Roque - Ivá Wajyamú (bora) Pintura acrílica sobre llanchama 90 x 120 cm - 2001

Un caso emblemático es el Autorretrato de Víctor Churay Roque, Ivá Wajayamú (2001), una de las primeras pinturas autorreferenciales realizadas por un artista indígena. Churay construye visualmente su identidad, plasmando su imagen en un paisaje amazónico nocturno, rodeado por seres míticos propios del ámbito chamanístico, tema que además cita casi textualmente la obra El mundo de los yacuruna del pintor visionario y vegetalista Pablo Amaringo (Ucayali 1939-2009). La vibrante paleta y versatilidad cromática que caracterizó la obra de Amaringo, generó notable influencia en la propuesta estética de Churay. El autorretrato de Churay es una de las últimas obras realizadas en los casi siete años de actividad que tuvo artista del artista, que vivió entre Lima y su natal Pucaurquillo, en Loreto y revela cómo construye su identidad como indígena urbano.

Churay se presenta de perfil, con un pincel en la mano vistiendo una cushma (traje indígena) plasmada a través de trazos de vibrantes colores. Su imagentomada de una fotografía en la que aparece con vestimenta “occidental”- es transformada por el pintor afianzar su identidad indígena. Es decir, la resignifica para hacerla más acorde a su agencia personal.

Todos estos referentes, así como las vivencias, relaciones y negociaciones simbólicas que mantuvo en Lima, en donde además siguió el programa de Historia en la UNMSM en Lima, contribuyeron a redefinir su identidad, haciéndola múltiple y diversa. Pese a la autoexotización que se desprende de la obra, lejos está del imaginario que circularon de los antiguos boras en los que aparecían desnudos, desde el lente foráneo y depredador. Churay que tuvo en sus manos el poder de representar y objetivar a través de las pinturas el conocimiento de su pueblo, utiliza los mismos insumos para construir y perpetuar su imagen en el tiempo, apropiándose para ello de un género pictórico de raigambre occidental.

En Pasaporte Amazónico, Brus Rubio Churay plantea otras formas de narrar la identidad indígena en el ámbito globalizado. Teniendo como fondo, la ciudad de París y la Torre Eiffel, símbolo de la modernidad, el artista murui bora se retrata en una osada composición que exotiza la Torre Eiffel y convierte a París en una ciudad tropical. En la parte central de la obra se representa con vestimenta occidental y corona de plumas de guacamayo, objeto tradicional que alude a su etnicidad que lleva con orgullo como su verdadero pasaporte al mundo. La presencia de dos pucuneros o sopladores de cerbatana en el abigarrado conjunto de personajes resignifica un hito de la modernidad occidental con símbolos regionales y a la vez redimensiona lo local convirtiendo París en una urbe tropical. Llama la atención la deliberada impronta de luz y color que inunda el cielo parisino, así como los animales que pueblan toda la composición, tucanes, pelejos, papagayos y delfines colorados sostenidos por una pareja de niños y otros que danzan en fila alrededor de un transformado río Sena. Esta obra inaugura un nuevo derrotero en la trayectoria del artista a partir de la cual, como una apuesta política, hace uso del neologismo de “amazonizar” los lugares que visita. Cual etnógrafo, su obra consigna los entornos urbanos, grupos sociales, costumbres de la población de las ciudades por las que ha itinerado como artista global: Madrid, La Habana, Washington, entre otros escenarios en los que ha establecido encuentros y confrontaciones estéticas llevadas a la pintura.

Guerrero Casanto Orquídea Enrique Casanto Shingari (ashaninka) Tintes naturales y acrílico sobre tela 60 x 90 cm - 2021

Desde la selva central, el pintor asháninka Enrique Casanto, artista e investigador dedicado al estudio de la historia, gastronomía y biodiversidad amazónica, presenta la obra de carácter autobiográfica Guerrero Casanto Orquídea.

En ella, plasma secuencias de su vida: sus inicios en su natal Puerto Bermúdez en Pasco; su educación escolar y universitaria; su trabajo como intérprete, traductor y profesor bilingüe en colegios y universidades, así como su paso como investigador e ilustrador en el SHRA de la UNMSM. Casanto es uno de los mayores conocedores de distintos temas históricos, medicinales y culinarios de la cultura asháninka, que difunde a través de sus pinturas, libros y la docencia. Su trayectoria e importante producción intelectual y artística es una respuesta clara al silenciamiento y el despojo sistemático del conocimiento de los pueblos originarios a quienes la matriz colonial del poder les negó su condición de sujetos epistémicos.

Chakarera kukama Pablo Taricuarima (kukama kukamiria) Óleo sobre tela 70 x 30 cm - 2020

Desde Santo Tomás, Iquitos, Pablo Taricuarima investigador artista y activista kukama, construye a través de su obra Chacarera Kukama, una metáfora visual de las luchas de abuelos y abuelas, encarnada en el trabajo de llevar a cuestas la estigmatización y el despojo sistemático de los conocimientos y recursos de su pueblo1. La soledad y pequeñez del cargador que plantea la obra, contrasta con la frondosidad e implacable muralla verde, plantea un viaje biográfico por distintas generaciones. El carácter testimonial y afectivo de la pintura refleja su propia historia de autonocimiento y apuesta individual por la reivindicación de su cultura, un tema clave en su configuración como artista. Desde el año 2008, Taricuarima es además presidente de la Asociación Yrapakatun, que junto a su esposa Lorena Orrillo se dedica al rescate de la cultura Kukama kukamiria y a la gestión del medio ecológico y turístico de su región.

1 Taricuarima, P. (2021) Murutakarapan: diseños kukama kukamiria Amazonía peruana Intelectuales indígenas Amazónicos y Bicentenario. AMAZONÍA PERUANA 34. CAAAP, 31 julio 2021.

Chono Bensho (shipibo-konibo) Serigrafía 48 x 30 cm - 2021

Irradiando otras sensibilidades y experiencias, Chonon Bensho, plasma en Noma (mujer floral), el aroma de las flores y de las plantas aromáticas que encarnan la purificación y el equilibrio espiritual logrado por los Onanya, sabios médicos tradicionales shipibo–konibo de los que ella desciende. Su obra involucra diversidad de técnicas, en las que se dan encuentro diversas lógicas artísticas, la de las escuelas de artes y las epistemes indígenas. La artista renueva el arte shipibo-konibo a través de temas y formatos que discuten la difusa línea que divide lo artístico y lo artesanal (en el que se suele encasillar al arte indígena), plantean diversos desafíos en el análisis de sus componentes estéticos, técnicos e ideológicos. En el último año fue acreedora del XII Concurso Nacional de Pintura del BCRP2.

Aprendizajes, de Victoria Rengifo Rishin yaka, plasma a través del bordado su historia de vida y la de muchas mujeres shipibo-konibo, cuyas historias de aprendizaje suelen ser

2 Favaron, P., y Bensho, C. (2020). Chonon Bensho namabo: Los sueños y la epistemología visionaria del pueblo indígena shipibokonibo. Mundo Amazónico, 11(1): 106-121. http:// dx.doi. org/10.15446/ma.v11n1.84858

Victoria Rengifo - Rishin Yaka (shipibo-konibo) Tocuyo bordado con hilos de algodón 62 x 57 cm 2022

transmitidas entre abuelas, madres y nietas. Este sistema deja ver los valores afectivos que conllevan estas actividades. Además del cuidado de la chacra, el bordado, la preparación de los alimentos y la atención de los niños; la escena bordada muestra un paisaje ribereño inundado de kené, elemento fundamental en la vida de la comunidad.

Ambas representan a un grupo amplio de artistas comprometidas con los cambios y luchas por libertades creativas tan necesarias para desentrañar un amplio espectro de temas socioestructurales del país que se entrecruzan con las experiencias individuales de sus autoras. La versatilidad de las mujeres da cuenta del espacio medular que históricamente han tenido las prácticas artísticas para su supervivencia. En el caso particular de las mujeres indígenas, destaca la solidaridad del trabajo en comunidad, así como un poder resiliente que detona estéticas innovadoras a través de las cuales reescriben su historia.

Poéticas de la flora y fauna

El protagonismo de la flora y la fauna en el arte contemporáneo constata el lugar que tienen el territorio y su biodiversidad como espacio de enunciación del conocimiento indígena amazónico. Estos valores están presentes en las narrativas que tienen a la naturaleza como objeto de representación.

Diana Riesco Lind, artista interdisciplinaria cuya estrecha relación con el paisaje de su natal Pucallpa, presenta Que pase el Rey, al paiche, el famoso “rey”, uno de los grandes temas de arte amazónico. Desde un lenguaje hiperrealista, describe con minuciosidad enciclopédica al pez más grande y representativo del Amazonas nadando bajo hojas flotantes. Sus finos y exactos trazos dejan ver su relucida piel que brilla debajo el agua, el brillo y el movimiento.

El vínculo afectivo que mantiene la artista con la región ha guiado el rumbo de su versátil trayectoria y búsquedas personales. Su obra ha recorrido diversas técnicas, algunas de ellas surgidas del aprendizaje e intercambio con artistas shipibo-konibo de su entorno, cuyo diseño kené ha investigado acuciosamente. Desde el año 2012 Riesco dirige y gestiona en Pucallpa la residencia internacional de artistas Centro Selva arte y ciencia, que genera espacios de diálogo intercultural e investigación en la Amazonía.

Que pase el Rey

Diana Riesco Lind Óleo sobre lienzo 100 x 120 cm 2016

Desde Tarapoto, San Martín, la artista Chelly Cieza Roca presenta en el díptico Unidad, al ojé, arbol representativo de la región amazónica, que por sus dimensiones cumple un importante papel en el ecosistema tropical. La obra, de gran formato presenta al árbol en toda majestuosidad y dimensión – puede llegar a medir 20 m de altura y su tronco 6 m de diámetro-. La artista enfatiza los detalles de las ramas, hojas e incorpora algunos de los animales que lo utilizan como alimento o como refugio: monitos, guacamayos y ranas, entre otros. Olinda Silvano Inuma Reshin Jabe, artista y activista shipibo konibo, presenta en una obra de técnica mixta al Árbol de huairuro. Debido a la calidad de su madera y la belleza de sus semillas de color rojo y negro, este árbol está en riesgo de extinción, por lo que su representación es un llamado de atención a este tema. La pintura está realizada con pigmentos naturales, huito, greda, caoba y carbón, incorpora algunas semillas,

Unidad

Chelly Cieza Roca Óleo sobre lienzo (díptico) 180 x 100 (c/u) cm 2021

Árbol de huayruro

Olinda Silvano - Inuma Reshin Jabe (shipibo-konibo)

Tela, pigmento de caoba y pintura acrílica 157.5 x 125 cm 2022

técnica que refleja la versatilidad creativa de su autora. Olinda Silvano Inuma es además de artista, líder política del pueblo shipibo-konibo. Nacida en Paoyan, Ucayali, desde niña aprendió a elaborar cerámica, piezas bordadas, collares, bolsos y otras artesanías que vendía de manera ambulatoria. Silvano junto a Wilma Maynas Inuma (Pekón Runa) y Silvia Ricopa (Ronín Kaisi), el antropólogo y curador César Ramos y la antropóloga Alejandra Ballón fundaron el Centro de Investigación y Taller Gráfico Shipibo Konibo SOI (2015). Se trata de un hito en la historia del muralismo shipibo konibo1 que hoy recorre las paredes de diversas ciudades del mundo.

1 Yllia. ME. (2019) Kené, arte y pintura mural shipibokonibo en Lima: la obra de Olinda Silvano, Wilma Maynas y Silva Ricopa. En Efímero permanente. Pugnas por la conservación en el arte público. Lima: URP.

Visión del ayahuasca

Víctor Churay Roque - Ivá Wajyamú (bora) Tintes naturales sobre llanchama 57 x 85 cm 2001

En Visiones con ayahuasca, Víctor Churay Roque plasma el velado mundo del chamanismo práctica ancestral basada en el uso ritual de plantas sagradas como la ayahuasca de la ayahuasca Banipteriosis Caapi o planta de poder junto con el tabaco, que tienen los pueblos indígenas. Su uso terapéutico o visionario –para curar o buscar el equilibrio de la comunidad- es fundamental en la vida religiosa de los indígenas amazónicos de América del Sur y resume el amplio y milenario conocimiento que del bosque estas sociedades. A través de ellas, los chamanes tienen la capacidad para acceder a las formas de vida de los seres invisibles que habitan en los bosques, montañas, lagunas, quebradas y ríos, temas plasmados en la pintura.

Diálogos críticos andino amazónicos

El arte como práctica política de confrontación y resistencia se manifiesta en obras que discuten las fronteras –geográficas, lingüísticas, artísticas– y plantean la necesidad de construir relatos posibles que amplíen nuestra imagen del mundo.

Desde una apuesta ética y estéticamente comprometida En RoninPu, Clara Best y Siwar Peralta, artista quechua, evocan a través el videoarte las relaciones milenarias Andino Amazónicas que han tejido las relaciones de los pueblos originarios. Ello, se advierte en la presencia del inca en la cosmovisión shipibo konibo, que relata la voz de Pablo Gonzáles Agustín de Yarinacocha, Pucallpa. Estos milenarios vínculos y aprendizajes interregionales han guiado el principio del “buen vivir” y la gestión de sus recursos. En ese mismo sentido, Frank Soria, en Viaje de chakanas, alude a la memoria inca en la cosmovisión shipibo konibo, con un lenguaje que innova la representación del kené, a través de efectos ópticos.

Enrique Casanto, relata en El nacimiento y Trayectoria del río Ucayali, una cartografía personal del territorio, detallando las regiones y pueblos indígenas que recorre hasta convertirse en el Amazonas, pasando por Brasil y desembocando en el Atlántico. En Escudo del Bicentenario, Harry Pinedo replantea el relato visual de la nación incorporando al Misti, símbolo de Arequipa y al gran Yanapuma shipibo-konibo, protector del bosque. El chomo o cerámica shipibo konibo llena de papas doradas, alude a la presencia de este mineral y la problemática de su explotación. Se ven además ramas de matico y floripondio, importantes plantas curativas y el kené símbolo de identidad.

En Como un río, Israel Tolentino, artista nacido en Tingo María, problematiza la visión mercantilista que desde el exterior se ha construido de la Amazonía, encarnado en un gran paiche humanizado. El pez carga en su lomo vasijas y rostros de líderes indígenas amazónicos asesinados en la defensa de su territorio. Las semillas de cacao aluden a la codiciada biodiversidad de esta región, valoración opuesta a los principios de la cosmovisión de diversos pueblos.

El origen arequipeño del Amazonas problematiza la división entre Andes y Amazonía, fomentada desde la narrativa centralista, y propone repensarla, tomando en cuenta las dinámicas generadas desde el paisaje y las diversas relaciones existentes entre las sociedades, que han habitado el territorio desde tiempos ancestrales.

Como un río Israel Tolentino Xilografía sobre papel 63 x 80 cm

Viajes de Chakana | Frank Soria (shipibo-konibo) | Pintura acrílica sobre tela

Montañas y ríos, seres sagrados

Los nevados Quehuisha y Mismi, son para los pobladores andinos entidades sagradas que tutelan la vida y proveen de agua para la fertilidad de los ganados, las cosechas y los múltiples recursos que se extienden en la verticalidad del territorio. Por ello, están presentes en sus mitos y relatos fundacionales. Del mismo modo, el río Amazonas y su gran cuenca -conformada por los ríos de 8 países que alimentan y descargan sus aguas en él - alberga alrededor del 30% de la flora y la fauna del mundo y el 18% de todos los árboles de la Tierra.

Estas formas de vida han tejido relaciones de reciprocidad y parentesco con los pueblos del entorno, cimentando diversos modelos de conocimiento que rigen su uso y conservación.

Víctor Churay Roque

(Pucaurquillo, Mariscal Castilla, Loreto 1972- Lima 2002)

Robert Rengifo

Ivá Wajyamú Chonomeni

(Iparía, Alto Ucayali 1967Yarinacocha, Pucallpa 2019)

Frank Soria

(Limón Gema, Yarinacocha, Pucallpa, Ucayali)

Pintor bora iniciador de la pintura indígena amazónica contemporánea en Lima. Su obra se exhibió por primera vez en 1994 cuando ganó el Concurso de Dibujo y Pintura campesina. Alcanzó gran repercusión a partir de su trabajo como pintor en el Seminario de Historia Rural Andina de la UNMSM. Artista pionero de la pintura shipibo-konibo contemporánea en Pucallpa y Lima. En 1997 fue convocado por Pablo Macera a formar parte del Seminario de Historia Rural Andina de la UNMSM. Ilustró diversos proyectos editoriales de investigación y presentó diversas exposiciones individuales y colectivas en museos y galerías de Lima. Artista visual e investigador shipibo konibo. Aprendió de su abuelo el Apu (sabio indígena) Ángel Soria y de su madre Miriam Soria. Es integrante de la Comunidad artística de Maguey Teatro en Lima.

Harry Pinedo Valera

Inin Metsa

(Coronel Portillo, Pucallpa, Ucayali 1988).

Israel Tolentino Cotrina

(Tingo María Huánuco 1975)

Artista visual shipibo konibo y maestro intercultural de la Universidad Peruana Cayetano Heredia. A inicios de la década de 1990, emigró, junto a sus padres a la comunidad urbana shipibo konibo de Cantagallo en Lima donde actualmente reside. Ha presentado exposiciones colectivas e individuales en el Perú y el extranjero.

Artista plástico, docente y gestor cultural. Estudió en la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú. Ha sido acreedor de diversos premios como el Primer Premio del XXVIII Salón Nacional de Grabado del Instituto Cultural Peruano Norteamericano (2000) y el II Premio del VI Concurso Nacional de Pintura del BCRP (2014). Ha presentado exposiciones colectivas e individuales en el Perú y el extranjero.

Chelly Cieza Roca

(Tarapoto, San Martín).

Artista plástica y abogada. Bachiller en Artes Plásticas y Visuales de la Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú (2020). Ha participado en diversas exposiciones colectivas y presentado una exposición individual en la Galería de Artes Visuales de la Universidad Ricardo Palma.

Chonon Bensho

(Santa Clara de Yarinacocha, Ucayali)

Victoria Rengifo Rengifo

(Yarinacocha, Coronel Portillo, Ucayali)

Silvia Ricopa

Rishin yaka Ronin Caisi

(Vista Alegre de Pachitea, en Ucayali)

Artista visual. Estudió en la Escuela de Formación Artística Eduardo Meza Saravia, en el distrito de Yarinacocha, de la que se graduó en diciembre de 2018. Es descendiente de sabios médicos tradicionales Onanya de quienes aprendió la cultura shipibo-konibo. Entre otros reconocimientos ha sido acreedora del Primer Premio del XII Concurso Nacional de Pintura del BCRP (2022). Artista shipibo-konibo. Aprendió a elaborar artesanías y bordados de abuela y su madre. Es hija del pintor Robert Rengifo Chonomeni. Ha participado en diversas exposiciones colectivas. Artista, pintora y muralista shipibo-konibo. Aprendió de su madre y abuela a bordar y a tejer collares, pulseras y otros objetos con mostacillas y también a hacer el diseño del mayakene y shaukane. Ha participado en las exposiciones colectivas Una Lima menos gris - Jatibi Jonibaon en la galería Municipal Pancho Fierro, entre otras exposiciones colectivas del Perú y el extranjero.

Pesin kate

(San Francisco, en Ucayali, 1985)

Artista shipibo konibo. Aprendió de su madre a bordar y pintar telas con pigmentos naturales y a hacer kenés. Llegó a Lima el año 2009. Ha participado en las exposiciones colectivas Una Lima menos gris - Jatibi Jonibaon en la galería Municipal Pancho Fierro, en 2019, y Rugido Kené en la Municipalidad de Santa Anita, en 2020. Forma parte del colectivo cultura shipibo konibo que dirige galería Soi Niwe de Cantagallo

Luz Patricia Rengifo

Chonon Viri

(Yarinacocha, Coronel Portillo, Ucayali).

Enrique Casanto Shingari

(Puerto Bermúdez, Pasco)

Artista shipibo-konibo. Aprendió a elaborar artesanías con su familia y a pintar sobre lienzo, con su padre el pintor Robert Rengifo Chonomeni, a quien asistió en sus últimos años de actividad. Ha participado en exposiciones colectivas en Lima y Arequipa. Pintor, investigador, traductor e intérprete oficial de la lengua ashaninka. Trabajó en el Seminario de Historia Rural Andina de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos desde el año 2000. Ha publicado más de una veintena de libros con la Universidad San Martín de Porres y la UNMSM, Ha presentado diversas exposiciones individuales y colectivas en el Perú y el extranjero.

Cordelia Sánchez García

Diana Riesco Lind

(Pucallpa, Ucayali en 1980).

Artista, curadora y presidenta del Centro Selva Arte y Ciencia. Magister en arte con especialización en medios digitales de la escuela de Arte de Valand, Universidad de Gotemburgo Suecia y licenciada en Arte con especialización en Pintura de la PUCP. Ha presentado diversas exposiciones individuales y participado en numerosas exposiciones colectivas en el Perú y el extranjero.

Pablo Taricuarima Rishin

yaka

(Santo Tomás, Iquitos, 1988)

Artista, investigador, gestor cultural y activista kukama kukamiria. Estudió en la Escuela de Bellas Artes Víctor Morey Peña (Iquitos, 2005-2007) y en la Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú (Lima). Desde el año 2009 dirige la Asociación Cultural Yrapakatun en la que trabaja en el rescate de la cultura kukama kukamiria. Ha presentado exposiciones individuales y colectivas en el Perú y Brasil, entre otros paises.

Brus Rubio Churay

(Pucaurquillo Mariscal Castilla, Loreto)

Elena Valera

murui-bora Bahuan Jisbe

(Roya, Ucayali en 1968)

Artista, curador y gestor cultural murui-bora. El año 2011 obtuvo el segundo puesto del XIV Concurso Nacional Pasaporte para un artista organizado por la Alianza Francesa y la Embajada de Francia. Junto a la cineasta Lupe Benites gestionó la galería Selva Invisible en el Monumental Callao. Ha presentado diversas exposiciones individuales y colectivas en el Perú y el extranjero. Artista iniciadora del arte contemporáneo indígena shipibo konibo en Lima. Trabajó con Pablo Macera en el Seminario de Historia Rural Andina de la UNMSM (1997). Desde esa fecha ha presentado numerosas exposiciones bipersonales y colectivas en el Perú y el extranjero. Su obra forma parte de diversas publicaciones especializadas de arte amazónico.

Denis David Ramírez Nunta Inin Soi

(Roya, Iparía, Alto Ucayali, 1990)

Músico, pintor y gestor cultural shipibo konibo. Ha participado en diversas exposiciones colectivas. Integra el Colectivo Colectivo Shinan Imabo de la Comunidad indígena de Cantagallo, Rímac, Lima. Actualmente dirige galería Soi Niwe en Cantagallo, Rímac.

Siwar Gabriel Peralta Huamán

(Cusco, 1992) (Lima, 1987).

Clara Best Núñez

Artista multidisciplinario quechua. Estudió artes plásticas y visuales en la Escuela Nacional Diego Quispe Tito del Cusco y es conocedor autodidacta de instrumentos musicales andinos. Ha participado en el proyecto Entonación y estructura informativa en quechua a cargo de Liliana Sánchez, The State University of New Jersey (2013). Obtuvo, entre otros reconocimientos, la Mención de Honor en la Bienal Internacional de Arte SIART9 (2016). Estudió Comunicación Social en la UNMSM (2006-2011) y Artes Plásticas y Visuales en la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú (2010-2015). Actualmente estudia el máster de Dirección de proyectos culturales de La Fábrica (2022). Ha sido acreedora de diversos premios, entre los que destacan el premio por mejor animación peruana del Festival Internacional Ajayu (2021), entre otros.

Olinda Silvano Inuma

Reshin jabe

(Paoyhan, bajo Ucayali, en Loreto 1969)

Artista, muralista y activista shipibo konibo. Reconocida como personalidad meritoria de la cultura por el Ministerio de Cultura el año 2018. Publicó El día que la abuela me regaló los colores del kené en coautoría con Julio César Vega (2020). Ha participado en diversas exposiciones colectivas y muralizado instituciones en el Perú y el extranjero.

CENTRO CULTURAL PERUANO NORTEAMERICANO

CONSEJO DIRECTIVO DEL CULTURAL

Diana Yriberry Salguero

Luis Felipe Rondón de la Jara Luis Chaves Bellido

Luis Pablo Carpio Sardón Estela Arispe de Pérez-Wicht Ricardo Córdova Farfán Jessica Rodríguez Gutiérrez Pablo Cornejo de Vinatea

Dirección General Alvaro Salinas Cuadros

Dirección Sede Arequipa Alfredo Salinas Salas

Dirección de Cultura y Biblioteca Javier Rodríguez Canales

Coordinadora de Actividades Culturales María del Carmen Morales Manrique

De la exposición

Producción General: Coordinación General: Curaduría: Montaje: Embalaje:

Del catálogo y piezas gráficas

Texto curatorial: Concepto, diseño y diagramación: Portada: Contraportada:

Presidenta Vicepresidente Past Presidente Tesorero Vocal de Educación Vocal de Cultura Vocal de Relaciones Internacionales Vocal de Administración y Finanzas

Centro Cultural Peruano Norteamericano Javier Rodríguez y María del Carmen Morales María Eugenia Yllia David Puma Gabriela Arakaki María Eugenia Yllia Paul Colque Detalle de: Visión del ayahuasca - Víctor Churay Roque - Ivá Wajyamú Detalle de: Las siete cabrillas - Roberto Rengifo - Chonomeni

AUSPICIAN: