El cine latinoamericano LA BÚSQUEDA ETERNA DEL RECONOCIMIENTO.
Tendencias 2014
LINEAMIENTOS INTEGRALES, EL DISEÑO ACTUAL.
FEDERALISMO Y BANDERAS PORTADA: AGUSTINA YOFRE
N.o 20 | Vol. 4 | Junio-Julio 2014
CONTENIDO El cine latinoamericano Victor postiglione / Fotos: Fuente Ext
Ruth Asawa Mich Román
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La invitación perfecta a una boda Borg Eventos
Los sueños de elena
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Eduardo Galeano
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Alejandro Ortíz Jack Ramos
tendencias 2014 Cruz Bruni
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Loca Linda 18 28
FEDERALISMO Y BANDERAS Facundo Fellitti
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Que quieres sesr cuando seas grande? Mariana
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Spike Victoria Mary Navarro
Lo espiritual en el arte Flor Nicolini
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Nota Editorial Es grato para anónimo presentar esta edición y ver como en cada número evolucionamos, no solo a nivel visual sino también de contenidos. La labor editorial que realiza el equipo en cada número representa el nivel de compromiso no solo con la revista como portadora de información valiosa y multidisciplinaria, sino con nuestros lectores y seguidores fieles de esta base de datos artística. En esta edición viajaremos al mundo de lo espiritual de la mano de Flor Nicolini y conoceremos detalles importantes sobre las tendencias actuales en el mundo del diseño con un interesante artículo de Cruz Bruni. Los perfiles de este número son de naturaleza muy variada por lo que el lector podrá disfrutar de una lectura rápida y liviana sobre personajes contemporáneos de distintos géneros que serán lo mismo ejemplo a seguir que inspiración: nos cuentan sus historiasl el venezolano Spike Victoria, cantante y productor de cine y de parte de Jack Ramos conoceremos sobre Alejandro Ortíz.
Victor Postiglioni continua iluminandos en materia de cine latino, esta vez con un interesante artículo sobre la búsqueda de reconocimiento. Borg eventos nos colabora con una guía para la importantisima preparación de la carta de presentación principal de un evento: las invitaciones. Como pueden ver, la versatilidad y la multudisciplinaridad son características fijas de cada número de Anónimo RCA y este no es la excepción, los dejo con la revista, Disfruten!
El cine latinoamericano La búsqueda eterna del reconocimiento -por victor postiglione-
La cabeza del autor Cuando pensé como llamar la atención con el tema de esta nota, me imagine en un auditorio plagado de gente tras bambalinas, a punto de comenzar una obra. Hasta el último asiento vendido dejando la sala completamente llena . El tumulto y el griterío de las personas antes de empezar un espectáculo es como parte del folklore -Lo que hace a los oídos, sentirse intimidado ya que en mi imaginación soy yo el que estoy esperando para salir a anunciar la obraEspío detrás del telón y la luces alumbran las almas de las personas que están dispuestas a ver algo digno o por lo menos un espectáculo decente. -¿Y si los que les vengo a traer, no es de su agrado?- Que pasa si la expectativa devora mis entrañas, y me comen vivo como los zombis que vemos en las series de televisión? Respiro hondo, pienso en el contenido y me preparo para salir. Las luces se bajan, y
eso me indica que es el momento de ponerme en mi lugar en el escenario. cuando solo queda un pequeño destello, me acomodo el moño-¿Les conté que en mi imaginación, me presento con moño?- y salgo al escenario mientras oigo el ultimo murmullo de los espectadores, antes de prestarme atención. Una luz blanca ilumina mi cuerpo, como si fuese mi aura que resplandece. En la sala hay un silencio sepulcral. Es hora de empezar… ¡Oh publico! ¡Oh Publico! ¡Bienvenidos a esta humilde nota de autor! _¡A continuación presenciaran una hermosa y bella guía, un contenido que espero- Carraspeo- sea para ustedes el comienzo de un camino maravilloso , libre de las opresiones que tanto nos atañen en la actualidad del séptimo arte! ¡Hoy hablaremos de un cine hermoso por excelencia, el prestigioso cine Latinoamericano!_. -Oigo algunos murmullos y los silencios se vuelven un poco molestos, mientras dejo
4 :::::: Concepto Anónimo “La Jaula de Oro” (2013) del director Mejicano Diego Quemada-Diez . Película Guatemalteca-mejicana que está siendo premiada en todo el mundo.
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Imagen del film uruguayo “Gigante” (2009) del director Adrian Biniez.
mis brazos extendidos-. No hay aplausos. Los rostros de las personas me observan como si estuviese diciendo un manual de instrucciones chino. Bajo los brazos y me relajo. Me siento en el medio del escenario, y ya liberado por los primeros segundos de estar expuesto, me relajo y arranca el relato… Ciegos , sordos, latinos El espectador latinoamericano en su mayoría consume poco del cine local y el de sus países hermanos. Son siempre una minoría la que se permite descubrirse y quitarse el velo de la propaganda mediatizada. Son siempre una minoría, los que logran abrir un poco el abanico de opciones, y deciden consumir otro tipo de cine al que estamos acostumbrados a ver. el cine “mainstream”,
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o en su defecto, y como en varios países es apodado : el cine “pochoclero”. El cine convencional, donde una mega estrella es protagonista, y se gastan miles de millones en increíbles efectos especiales, ha devorado al negocio de las pantallas, siendo el principal atractivo en las salas. El espectador vive en un mundo violento y de una constante vorágine, lo que hace intentar consumir un tipo de cine a la velocidad y ritmo del demandante. Pero qué pasa con la otra gente, la que se sienta a ver una obra, la que quiere sentirse identificado con una historia sin necesidad de ver volar autos o robots que destruyen la tierra? El cine, como lenguaje se ha convertido en un negocio de masas para las grandes empresas cinematográficas. Y esas masas consumen el cine de una manera voraz. En ese negocio del “show-business” poco
Imagen del film “Infancia Clandestina”(2011) del director argentino Benjamín Ávila. Compitió en los premios Goya de ese año.
entra de cine latino. Es increíble que en varios países latinoamericanos, la tolerancia en las salas no supera los siete días de estreno en cartelera, siendo “poco negocio” para las empresas. Un trabajo casi de cuatro años (a veces es menos, a veces es mas) es terminado y dado de baja en algunos días, por no tener una buena difusión o un buen comienzo de ventas de entradas. Entonces el planteo es el siguiente: Es culpable el espectador de no ir a las salas a ver cine latinoamericano, es poco atractivo, o no hay un medio de difusión acorde para que pueda crecer? Si dentro de una casa, cerramos todas las ventanas, y dejamos abierta solo una, un gato solo tiene una sola vista del afuera. Salvo que decida escapar, y por su propia cuenta se percate que la vista es solo una pequeña
parte, de un todo maravilloso y exótico, a punto de ser descubierto. Las salas de cine privadas son muy determinantes con las distribución de sus películas, y si bien siempre hay un pequeño apoyo del municipio local para su difusión, nunca es suficiente para captar la atención de una obra que merece su reconocimiento. Entonces estamos sometidos al viejo refrán del huevo y la gallina. ¿Tiene que abrir la mirada el espectador, o son los medios de difusión los que tienen que ayudar a contribuir a la causa? ¿Dónde puedo ver esa película? Hay muchos casos donde algún amigo, tío o primo, escuchó sobre una película que es maravillosa, elocuente emotiva, y no se encuentra en salas, ni en formato dvd. Ge-
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Imagen de la película peruana “La Teta Asustada” (2009) de Claudia Llosa. Película que fue nominada a los premios Oscar.
neralmente los films latinos que dejan una marca como obras solidas, a pesar de no tener una pantalla o un medio para ser difundidas, a fuerza de su solidez logra entrar en un pequeño mundillo donde el “boca a boca” ayuda a preservar el film. Entonces comienza la eterna búsqueda por internet, con el fin de poder robar un torrent o un streaming online que nos ayude a ver esa película de la que tanto hablan. Internet se ha convertido en un arma de poder para los desahuciados. “La nube” virtual hoy en día es la ventana para poder entrar en los espectadores y que
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el film pueda al menos tener la cantidad de vistas que se merece. El “boca a boca” es el arma más poderosa que tienen las obras latinoamericanas. Existen muchos casos de películas latinas que han tenido poca difusión, y que la recomendación de sus pares logro llenar salas, como si estuviésemos hablando de un éxito masivo y arrollador, de las grandes empresas productoras. Existen muchos festivales, que por suerte también difunden el cine latinoamericano y podemos ver estas obras hermosas en salas. (El Bafici y el festival internacional de cine
de Mar del Plata en Argentina, El Nuevo festival latinoamericano de la Habana, en Cuba, El festival de cine de Guadalajara en Méjico, el Festival de Viña del Mar, y el de cine B en Chile. El festival internacional de Panamá, o el de San Pablo , Brasil, y muchos más en toda Latinoamérica) El recorrido de festivales es inmenso, y es otra gran ventana para el realizador latinoamericano y para el espectador que no encuentra huecos para poder ver este tipo de cine… Europa y Estados Unidos se dejan cada tanto un espacio para el cine latino, e intentan difundir -siempre en menor proporción a su cine local- a través de sus prestigiosos festivales. Pocos son los films que tocan la puerta en las salas locales. Tal es el caso, que algunos grandes festivales internacionales aportan a la causa monetaria, premios en euros o en dólares para poder llegar a la distribución de sus películas. El caso de la fundación Huber Balls, del festival internacional de cine de Rotterdam, Holanda, o el festival de cine de Tribeca, Usa. El festival de Berlín y el prestigioso festival de Cannes también tienen un foro donde compiten películas que necesitan fondos, para poderse realizar y un apartado de cine latino, para su difusión. Lo más interesante , es que al ganar esos subsidios , un realizador tiene la opción de estrenar su obra en ese festival, dando la posibilidad de poder darle más prestigio, difusión y estrenar en una sala que merece. Europa siempre tiene una visión un poco más abierta y deja entrar a sus salas muchos estrenos latinoamericanos. Estados Unidos, generalmente ante un buen film latinoamericano, busca comprar sus derechos para hacer ellos su propia versión de “remake”.
Entonces mi querido lector, ya sea a través de búsquedas por internet, festivales locales, alguna sala no-convencional de cine-club de barrio, si eres también un poco rápido para agarrar esa primer semana de estreno en salas, o te sometes a confiar en el boca a boca de la voz social, podemos encontrar maneras de poder ver cine latinoamericano. Es cuestión de estar un poco atento, salir un poco del cine convencional e intentar hacer un poco de relevamiento en los medios de comunicación que manejamos y que a veces consumimos tan solo para pasar el tiempo.
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Ruth Asawa Artista estadounidense reconocida por sus esculturas en alambre de hierro y por su activismo a favor de la importancia del arte en la educación. -por mich roman-
Nacida en 1926, en Norwalk, una comuni-
Pero a pesar de las duras condiciones
de profesora en prácticas debido a sus orí-
dad agrícola al sur de California, sus padres
de vida (durante los primeros cinco meses
genes japoneses, y en 1946 decide estudiar
emigraron de Japón y trabajaban como
tienen que vivir en unos establos) Ruth se
arte en el Black Mountain College en Caroli-
granjeros, pero las leyes discriminatorias
dedica a dibujar en su tiempo libre y recibe
na del Norte, donde conoce a Albert Lanier,
de la época no permitían a los inmigrantes
clases de dibujo y pintura de artistas profe-
un estudiante de arquitectura y diseño, que
japoneses obtener la nacionalidad ni poseer
sionales también internos en el campo. Y en
será su futuro marido y con quien tendrá
tierras, y durante la II Guerra Mundial el
1943, tras dieciocho meses de internamien-
seis hijos.
gobierno de EEUU, temiendo atentados,
to, a través de una organización protestante
En 1947 realiza su segundo viaje a
decide internar a 120.000 americano-japo-
consigue un permiso para formarse como
México, donde aprende la técnica para tejer
neses de la costa oeste en campos de trabajo.
profesora de arte en el Milwaukee State Tea-
cestas que luego aplicará a sus esculturas
Y en 1942 primero el FBI arresta a su padre
chers College, en Wisconsin, donde se man-
de alambre, y en 1949 Ruth y Albert se
(un agricultor de 60 años que llevaba vivien-
tiene trabajando como empleada doméstica
casan a pesar de la oposición de sus fami-
do en Estados Unidos cuarenta años y al que
y en una fábrica de pieles. En 1945 viaja a la
lias y la pareja se instala en San Francisco,
Ruth no puede volver a ver hasta 1948) y
ciudad de México junto a su hermana Lois
una ciudad con una importante comunidad
después a su madre y a ella (con dieciséis
para estudiar español y arte mexicano. Pero
artística y donde creen encontrarán un am-
años) junto a sus seis hermanos.
no llega a graduarse al negársele un puesto
biente más favorable para una pareja inte-
10 :::::: Concepto Anónimo
rracial. En esos años Ruth tiene su estudio en su propia casa y aprovecha las primeras horas del día o las ultimas de la noche, cuando sus hijos están dormidos, para poder trabajar, y Albert trabaja como delineante para varios estudios de arquitectura para mantener a la creciente familia. A partir de 1953 Asawa empieza a exponer y obtener reconocimiento por sus esculturas de alambre, y en 1965 comienza a participar en concursos y a recibir sus
La obra de Ruth Asawa se puede encontrar, en las fuentes y esculturas que ha realizado para numerosas ciudadades.
primeros encargos públicos, entre los que se encuentran numerosas fuentes. Además de a su obra, desde 1968 al 2002, Ruth se entrega al activismo a favor del arte en las
Obras seleccionadas
escuelas públicas, fundando junto a otros padres el Alvarado Arts Workshop, donde
-Andrea, la fuente de la sirena en
los alumnos participan creando obras ar-
el Ghirardelli Square (1966)
tísticas como murales para las paredes del
-El Hyatt de la Unión Fountain Square
centro o huertos y jardines comunitarios, o
(1973)
la creación de la School of the Arts (SOTA)
-El centro comercial Buchanan (Ni-
High School, una escuela secundaria públi-
honmachi) Fuentes (1976)
ca de enseñanzas artísticas, y participando
-Aurora,la fuente de inspiración origa-
en numerosos proyectos e instituciones.
mi en la costa de San Francisco (1986)
En 1985 le diagnostican un lupus, y des-
-Escultura Internamiento Memorial
pués de una dura recuperación, y a pesar
los japoneses-americanos en San José
de que la enfermedad empieza a remitir,
(1994)
su salud nunca vuelve a ser la misma y desde 2002 Asawa reduce sus compromisos y apariciones públicas.
www.ruthasawa.com
La obra de Ruth Asawa se puede encontrar, además de las fuentes y esculturas que ha realizado para la ciudad de San Francisco (y en varias ciudades más de California, como Santa Rosa, St. Helena y San Jose, y en Phoenix, Arizona) entre otros muesos, en el M.H. de Young Memorial Museum, Oakland Museum of California y San Jose Museum of Art en San Francisco y en el Solomon Guggenheim Museum y Whitney Museum of American Art en Nueva York.
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La Invitación Perfecta a una boda -por BORG EVENTOS-
U
na noticia tan importante no se dice o se escribe simplemente, para difundir tus nupcias debes tomar en cuenta varios aspectos de estilo, normas protocolares e incluso el tipo de ceremonia que piensas tener. Sigue leyendo y descubre todo lo que debes. Los Invitados y el Tipo de Boda Antes de salir corriendo a buscar las tarjetas de invita-
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ción, debes haber definido dos aspectos indispensables para su elección: Primero, la cantidad de invitados y en segundo, el estilo de la ceremonia y de la recepción que ofrecerás. Para una boda clásica puedes optar por las opciones tradicionales y si planificas una temática, incluye las invitaciones dentro del concepto que escogiste. Recuerda que las tarjetas siempre serán la primera impresión y servirán para que tus invitados se creen una idea de lo que pueden esperar en el evento, ¡no los defraudes!
Tipos de Invitaciones Clásicas, modernas, divertidas, románticas…Cientos de opciones a tu disposición y una sola forma de decidirte: Usando tu propio criterio. Las tarjetas de invitación deben reflejar el gusto y la personalidad de los novios; para hacerlas más originales pueden usar sus profesiones y/o hobbies como fuente de inspiración. Una vez que definas la idea, contacta con varios proveedores para que puedas comparar la calidad de sus trabajos y por supuesto, los presupuestos.
Cuándo debes enviarlas Elige las invitaciones y manda a realizarlas, tomando en cuenta que deberás enviarlas a un calígrafo para que escriba los nombres de los invitados en los sobres. Sé precavida y comienza el proceso de 4 a 3 meses antes de la boda. Posteriormente entrega a tus invitados las mismas entre 2 a 1 mes antes de la fecha.
La Redacción Perfecta La claridad y exactitud de los datos, además de la correcta escritura de los nombres y apellidos en quizás lo más importante, incluso más que el aspecto en sí de las tarjetas. Las invitaciones son extendidas por los padres de los futuros contrayentes y son colocados en la tarjeta con el siguiente orden: El nombre del padre de la novia en la parte superior izquierda y debajo el nombre de la madre de la novia. El nombre del padre del novio debe ir en la parte superior derecha y debajo de éste, el nombre de la madre del novio. Luego se debe escribir una frase que invite al evento: “Se complacen en invitarle al matrimonio de sus hijos…”, seguido de nombre de ambos. Un ejemplo clásico de invitación incluye el orden anterior
más lo siguiente: “Ceremonia que se celebrará el sábado dos de noviembre de dos mil nueve”. En la siguiente línea: a las siete de la noche. En la próxima línea: en la iglesia (el nombre del templo). Y finamlente, en la última línea se escribiría la zona por ejemplo: Zona Colonial. Una nota de redacción es que todo, incluso los números deben ir escritos en letras. Además se puede agregar en el lado izquierdo de la tarjeta la dirección de la casa de la novia para el envío de los regalos de bodas y del lado derecho los datos de la recepción. Mención especial: En caso de que alguno de los padres haya fallecido, el nombre del mismo se colocará de igual forma en las tarjetas, colocando al lado de éste una pequeña cruz. También puede darse el caso de que los padres no hayan tenido ninguna inclusión en la boda, si es así, los novios serán quienes extiendan las invitaciones, sin olvidar que el nombre del hombre debe ir siempre en primer lugar.
Recomendaciones para no fallar con las invitaciones: Da a cada invitado el tratamiento correcto en su tarjeta de invitación, antecediendo su nombre con: Señor, señora, se-
ñorita, don, doña u otro título según sea el caso. Pide amablemente la confirmación de asistencia a cada invitado mediante la colocación de las siglas en francés RSVP, que en español significan Favor Confirmar Asistencia, e indica el medio por el cual se debe hacer tal confirmación. Si consideras que la dirección puede resultar muy complicada, añade en el sobre de las invitaciones un mapa detallado de las locaciones. Juego con el tiempo, colocando la hora en las tarjetas con 15 min. de antelación, de esta forma habrá más posibilidades de que los invitados llegue a tiempo. Especifica el número de personas para las cuales es válida cada tarjeta y deja claro si deseas recibir obsequios en efectivo.
¿Cómo deben ser las invitaciones? Al recibir nuestra invitación, las personas de manera inconsciente, captarán nuestros gustos, nuestra personalidad y el estilo de nuestra boda. La primera impresión estará dada a través de la calidad del papel, el tipo de impresión y el color empleados en la tarjeta y el sobre. Precisamente, estos elementos son los que hacen variar los
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precios además del formato, la cantidad de caracteres, la inclusión o no de sobres, el número de invitaciones encargadas y el tiempo de entrega.
¿Es necesario solicitar confirmación? En las invitaciones donde se incluye la recepción se colocan las siglas RSVP (del francés Répondez S´ilVous Plaît) o S.R.C. (Se Ruega Contestar) en la parte
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inferior de la tarjeta, seguidas de un número telefónico. Esto indicará a los invitados que estaremos esperando de ellos la confirmación de su asistencia. Para poder cerrar algunos contratos con los suplidores es necesario que sepamos exactamente cuántas personas asistirán a la recepción, por ello es importante ir anotando cuidadosamente las respuestas recibidas. Lo correcto es que las personas llamen al teléfono indicado,
pero si no lo hacen podemos darle un tiempo prudencial de unos veinte días para después comunicarnos con ellas a fin de conocer su respuesta.
¿Cuándo deben entregarse las invitaciones? Las tarjetas de invitaciones debemos enviarlas a los familiares y amigos con un mes o un mes y medio antes del evento, por eso debe-
mos encargarlas con unos tres meses antes de la boda. Sin embargo, desde mucho antes, y de manera informal, debemos ir comunicando la fecha, sobre todo a aquellas personas que tienen que movilizarse de otras ciudades o países. La entrega de las tarjetas, siempre que sea posible, debe ser personal. Es de buen gusto que ambos
novios vayamos juntos. Como realmente esto demanda mucho tiempo, tendremos que priorizar los compromisos y aquellos que requieran mayor protocolo. Para el resto, podremos auxiliarnos de nuestros padres a fin de agilizar el proceso. Si la entrega de las invitaciones no la vamos a realizar de manera personal, debe-
mos escribir un remitente en cada sobre exterior, de manera que las invitaciones que no se puedan entregar, vuelvan a nosotros.
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Los sueños de Helena
AQUELLA noche hacían cola los sueños, queriendo ser soñados, pero Helena no podía soñarlos a todos, no había manera. Uno de los sueños, desconocido, se recomendaba: ̶ Suéñeme, que le conviene. Suéñeme, que le va a gustar. Hacían la cola unos cuantos sueños nuevos, jamás soñados, pero Helena reconocía al sueño bobo, que siempre volvía, ese pesado, y a otros sueños cómicos o sombríos que eran viejos conocidos de sus noches de mucho volar.
Eduardo Galeano, El libro de los abrazos, 1989.
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Alejandro Ortiz El rey del lienzo perfecto -por jack ramos-
C
on una trayectoria de mas de 10 años en el mundo de los llamados afeites, compostura o remilgos; hoy día mejor conocido como los productos con los que logramos el arte del Maquillaje. Razón que nos llevo hasta Centroamérica en donde el destacado maquillador internacional Alejandro Ortiz el rey del lienzo perfecto, nos definió en pocas palabras su profesión: “Es la pasión de vivir mi gran sueño día a día, el poder conservar tu personalidad usando mis mejores armas de ataques (Mis Brochas) con las que moldeo ese diamante bruto que llevas en ti”. De Origen Panameño y poseedor de múltiples nacionalidades; este joven visionario logra incursionar en el arte del maquillaje el cual era considerado en la antigüedad como un culto por parte de la cultura egipcia y para la familia Ortiz se practico de igual manera. Quienes fueron parte fundamental en despertar esta
vocación a su talentoso hijo quien desde muy joven entró a formar parte de este mundo de la moda, en donde su madre llega a ser Miss Panamá en el 1964 y 30 años mas tarde su hija; hermana de Alejandro logro llevarse el titulo de Miss Panamá en el 1994. Aleco, como muchos le conocen, se ah encargado de llevar el arte de la imagen y el cuidado de la belleza, por todo un continente en donde a diario podemos verlo llevando el arte del lienzo perfecto, en campanas publicitarias, certámenes de bellezas entre los que incluimos el miss universo, semanas de la moda alrededor del mundo, sin dejar a un lado los secretos que cada semana comparte a través de las revistas de moda como Cosmopolitan, Elle, Vanidades, Fucsia, Tu, Entre otras. Agregando que forma parte del equipo de WEEK ON Latinoamérica, proyecto audio-
visual de vida y estilos en la ciudad de New York. “El origen del maquillaje se remota desde la antigüedad, donde el pueblo egipcio consideraba este medio artístico como un culto”.
Actualmente es el director de arte y educación para la cadena de Maquillajes SmashBox Cosmetic. Pueden seguirlo a través de sus redes sociales @Aleco_Ortiz en twitter, instagram & Facebook.
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-por cruz bruni-
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TENDENCI Lineamientos integrales, e Actualmente en el mundo del diseño, en todas sus concepciones y ramas, las tendencias viajan al ritmo de la globalización, mezclándose, fundiéndose y multiplicándose entre sí. Acá te adelantamos cuáles son esas tendencias que vamos a poder ver en este 2014 y como se manifiestan en cada arista del diseño. Históricamente los ciclos de moda dentro del mundo de la indumentaria siempre fueron mas cortos de lo que lo son –por ende más dinámicos y cambiantes- en el resto de las ramas del diseño. Pero en la actualidad el capitalismo y su sociedad de consumo han generado un cambio en este clásico paradigma. El resto de las ramas del diseño esta imitando la duración de estos ciclos hasta quedar bastante equiparados (claro esta que no comparable lo que implica cambiar una
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remera en comparación con cambiar el sofá del living de casa). De forma tal que hoy podemos ver la misma variable aplicada en simultaneo tanto en el diseño de indumentaria como en el diseño de interiores, ya sea desde un color que esta presente tanto en vidrieras de las principales marcas de ropa como en el de las mueblerías más exclusivas, hasta un patrón que se repite tanto en una campaña grafica, como en el estampado de una remera o en un genero de tapicería. El crecimiento de las grandes marcas como Armani, Fendi, Calvin Klein, etc. Las ha llevado a aventurarse en áreas que antiguamente les eran ajenas. Ya sea a través de alianzas con otras empresas o directamente sacando nuevas divisiones dentro de las firmas. El mejor ejemplo de esto es el caso del Italiano Giorgio Armani que en
IAS 2014 el diseño actual. 1974 fundo su empresa orientada al diseño de moda masculina, pero que en la actualidad no solo tiene una división de diseño de interiores propia como Armani Casa, sino que ha diseñado desde su propia línea de equipamiento de cocina en asociación con la firma -también italiana- Dada, creando Armani Dada, hasta su propio televisor en asociación con Samsung o cadenas de cafés, bares, hoteles y hasta florerías por todo el mundo. Lo que se dice un autentico imperio, donde ya no solo se esta vendiendo un diseño de una prenda de vestir o el amoblamiento de una casa, sino que lo que se esta diseñando es un concepto totalmente abarcativo, una experiencia en si direccionada a través del diseño en cada detalle. Esto lleva a que todas las tendencias que estamos por contarles se vayan a ver aplica-
dos no en una rama en particular del diseño, sino a por lo menos en dos, tres o –en algunos casos- en todas ellas. Hipster. Esta subcultura contemporánea, guste o no, cada vez se afianza más, se vuelve más abarcadora y más influyente tanto en las ramas de diseño (grafico, de indumentaria, interior, industrial), como en el ámbito musical (por ejemplo con el revival del folk), las propuestas gastronómicas, de arte, el diseño de tattoos, etc. Es así como de repente resurgen las barberías de antaño típicas de principios del siglo XX y con ellas se vuelve más común ver barbas frondosas como la de Ricki Hall y escuchar hablar del grooming masculino. Este estilo se empezó a manifestar tímidamente en sus principios, enarbolando como su lema fundamental la búsqueda de lo alternativo
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ra principalmente por el corto periodo de tiempo en que este cambio se desarrolló de forma tan notable. Hace 5 o 7 años atrás si tenías un tatuaje visible, automáticamente se generaba un comentario, hoy en día lo atípico es encontrar jóvenes sin ningún tattoo. Pero no estamos hablando –a dios gracias- de las letras chinas o los brazaletes tribales noventosos, sino que mas gente cada vez se tatúa piezas de mayor tamaño con diseños más complejos donde los tatuadores pueden demostrar todo su talento con sus creaciones. De esta forma, este arte y sus artistas empiezan a recibir el reconocimiento que merecen. Pero como vivimos en un mundo capitalista, este auge por la tinta no pasa desapercibido para las grandes marcas y pareciera ser que pasamos de que un modelo en una gráfica no pueda tener o exhibir ni una marquita mínima, a que si no está MUY tatuado (sea real o meramente temporal y mas gente cada vez se tatúa piezas de mayor tamaño con diseños más complejos
Hace 5 o 7 años atrás si tenías un tatuaje visible, automáticamente se generaba un comentario, hoy en día lo atípico es encontrar jóvenes sin ningún tattoo.
y/o alejado de lo mainstream, pero curiosamente hoy en día ha adquirido una masividad notable, haciendo de la búsqueda de lo “distinto”, una tendencia. Tattoo. En este caso estamos hablando de un auténtico boom sin muchos precedentes, ya que el avance y/o aceptación de este arte milenario viene siendo abrumado-
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diseñado específicamente para ello) no pueda formar parte de la campaña grafica. Como ejemplo podemos tomar la última campaña de la marca de indumentaria Bowen, donde el producto de la empresa no aparece siquiera en plano, pero sí el modelo totalmente tatuado de pies a cabeza. Tendencia esta, que viene pisando fuerte en el ámbito internacional, si no basta con ver la meteórica carrera que viene desarrollando el canadiense –y chico It- Rick Genest (a.k.a. Zombie Boy) en base,
exclusivamente, a tener el cuerpo íntegramente cubierto con tattoos. Por lo que, sí… podemos estar preparados para ver mucho más de la “cultura” del Tattoo presente en todos los ámbitos del diseño. Desde muebles intervenidos, hasta predominancia de tipografías clásicas del tattoo –sobre todo del estilo Old School- en campañas graficas o estampados de géneros (ya sea anclas, golondrinas, moños, calaveras, etc., etc.), el tattoo trascendió la piel. Puntillismo. Si de tattoos modernos y avant gard hablamos, tenemos que mencionar el traslado del movimiento iniciado en 1880 por el francés Georges-Pierre Seurat desde los lienzos a los cuerpos. ¿Por qué? Simple, el tatuaje en si, se inició hace miles de años con métodos netamente puntillistas. Antiguamente el proceso incluía tintas de origen vegetal, un artefacto con agujas y reiterados golpes manuales sobre este artefacto producían la sucesión de puntos con la que se conseguía desarrollar el diseño. Años más tarde con el desarrollo de la electricidad, esta técnica manual se sustituyó con el uso de la maquina eléctrica creada por Samuel O’Reilly en 1891. Se mire desde donde se lo mire, la máquina de tatuar es en si una máquina de crear puntos, por lo que no era de sorprender que estas dos corrientes artísticas coincidiesen en su camino en determinado momento. Un claro ejemplo es el trabajo de Nazareno Tubaro, que combina puntillismo con patrones del Op Art encarnando el futuro del tattoo. The Great Gatsby. Si bien la película del gran Leonardo DiCaprio, no fue en si precisamente una joya del cine, si lo fue su estética que no solo le valió el Oscar a Mejor Vestuario, sino que además logro influenciar a varias de las firmas más importantes
Hipsters, una subcultura contemporánea, que cada vez se afianza más, se vuelve más abarcadora y más influyente.
dentro del mundo de la moda. Como referencia tomemos el ambo pink que supiera usar en el film original que protagonizara Robert Redford y que en esta ocasión DiCaprio lucio con igual grandeza. ¿Resultado? De repente está en el catálogo de las principales marcas de sastrería (esto no aplica para el diseñador londinense Ozwald Boa-
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El color amarillo hace referencia a la globalización
teng, cuyo sello personal no es solo la excelencia en la confección de los trajes, sino además un uso muy audaz de la paleta de colores). Claro esta que esta nueva puesta en escena del estilo Dandy no es un producto meramente de la remake del film, sino que justamente el film viene a coronar el asentamiento de un estilo que vino para instalarse por un tiempo. Otro de los coletazos que se desprenden de la estética del largometraje es una suerte de homenaje al Art Deco de antaño lo cual se trasladará tanto al mundo del interiorismo, como al uso de determinados patro-
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nes tanto para diseño gráfico, como para el estampado de telas. Algo Amarillo. Justamente este tono hace referencia a la globalización que mencionábamos al principio del artículo, ya que el amarillo esta igualmente presente tanto en prendas de ropa, en ambientaciones de interiorismo, como así también en guiños de color dentro del diseño gráfico. Basta recorrer un poco las calles de Paris, Amsterdam o cualquier ciudad Europea para ver que en las vidrieras de las principales marcas, tanto de indumentaria como de mobiliario, el amarillo es el claro protagonista. Y si este color está presente, por contraposición natural es que los distintos tonos de grises, el Black & White (con algo de Op Art) y los distintos tonos de azul surjan para acompañar y potenciar el efecto sensorial que tiene el amarillo. Cobre. Las terminaciones metalizadas desde hace tiempo están más presentes en las colecciones de las grandes firmas de diseño, pero si hay una novedad que podemos esperar ver más desarrollada en el futuro, es la aparición del Cobre. Esto no quiere decir que los tonos plata u oro estén demodé, sino que lo más cool del momento es el uso del cobre y ese toque intermedio que da entre la frialdad del plateado y la opulencia del dorado. En materia de interiorismo este metal, combinado con distintos tonos de grises, diferentes tipos de texturas, pinceladas en amarillo y toques en de Op Art en blanco y negro, hacen a un ambiente elegante, pero relajado; cool, pero sobrio. A su vez también convive en perfecta armonía con los tonos verdes propios del Tropicalismo. Pasteles. Para quienes prefieren niveles de contraste más leves que los que puede generar el amarillo, y siguiendo con la tendencia iniciada por el boom de los cupcakes,
Para quienes prefieren niveles de contraste más leves que los que puede generar el amarillo toman protagonismo los tonos pasteles.
toman protagonismo los tonos pasteles con preponderancia de los Rosa bebé, Azul cielo, Verde mint o Amarillo limón. Esta tendencia, muy femenina, se aplica en todos los aspectos del diseño y sigue una línea más Naif y con aires de Romanticismo que se refuerza con el uso de las telas de encaje en el caso de la indumentaria o con muebles patinados de estilo (ya sea Provenzal o Luis XV) en el caso del interiorismo. Dentro del diseño gráfico se acompaña con el uso de tipografías cursivas y/o las handwritten que resaltan el aire aniñado de esta tonalidad de colores. Brasil. Como todos los años mundialistas, el deporte rey genera una influencia como ningún otro evento deportivo. En esta ocasión la sede será Brasil –que en breve también hará las veces de anfitrión de las próximas olimpiadas-, país este que viene estando cada vez más presente tanto en el mundo del diseño como en la industria cinematográfica. Todo esto producto del fuerte crecimiento que el país carioca viene desarrollando en los últimos años. Y cuando hablamos de su influencia en materia de diseño no habla-
mos exclusivamente del colorido que podemos ver en los botines de fútbol actuales sino en cómo toda esa cultura carioca se puede ver principalmente en indumentaria desde el uso y combinación de colores más estridentes, los patrones floreados de los estampados (Tropicalismo) y una constante búsqueda de alcanzar la alegría del carioca. Tropicalismo. Como mencionamos anteriormente, la influencia Brasilera se hace presente en los patrones floreados selváticos que vemos tanto en estampados de indumentaria como en el uso de papeles, alfombras y tapizados dentro del interiorismo. En este marco de tropicalismo hay un elemento que podemos esperar ver con mayor frecuencia (así como sucedió hace poco con los flamencos, los bulldogs franceses o los bigotes frenchie) y son justamente las piñas, fruta que podemos prepararnos para ver repetida en distintos patrones o a secas, pero definitivamente como protagonistas. Street Art. Uno de los cambios más significativos que se está dando dentro del mundo del arte es el cambio de foco, donde
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las obras de grandes artistas no se encuentran exclusivamente en museos o regias galerías de arte, sino que basta recorrer un poco las calles para toparse de forma arbitraria con grandes obras hechas por verdaderos artistas. La calle se transformó en un gigantesco lienzo para grandes artistas, no solamente clásicos grafiteros de tags sino que ahora las obras son cada vez más complejas, mas monumentales (en el plano local, son de destacar los trabajos de Lean Frizzera o pasando al ámbito internacional las intervenciones del parisino JR en las favelas de Rio). La proliferación del Street Art genera cada vez más y mejores artistas que inundan las ciudades con sus obras, que al estar a la intemperie y en la vía publica sufren inevitables alteraciones con el paso del tiempo, por lo que estas se renuevan constantemente. Buenos Aires es una ciudad pionera dentro de esta corriente por el permiso y las libertades que se le otorgan a los artistas, de hecho en la últimas estaciones de Subte inauguradas por el Gobierno de la Ciudad se pueden ver obras del genial Martín Ron, de Triángulo Dorado (actualmente disuelto, con parte de sus integrantes en el colectivo artistico Presente) y Emy Marín entre otros. Auténticas leyendas del rubro como el italiano BLU han dejado obras repartidas por los barrios porteños. Pero no solo los gobiernos locales se hacen eco de esta tendencia, sino que las grandes marcas están contratando a varios de estos artistas para el diseño de sus productos o sus campañas publicitarias. Vemos entonces que la tendencia que afecta integralmente al diseño como un todo, es justamente la tendencia, lo que viene. Hacer de un color, una figura, un país o una combinación determinada, un concepto que
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borre los limites entre los distintos campos del diseño. Las tendencias integrales marcan el futuro del diseño para este año y los que están por venir...
Cruz Bruni, diseñador y artista plástico. Autodidacta, hombre del Renacimiento. Diseñador socio del estudio de interiorismo Borzomí Bruni y creador del blog de Buenos Aires, con Amor.
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Loca Linda Objetos de diseño, pintados a mano.
Amo todo lo que sea arte, diseño y creatividad. Soy Jimena Paola Moreno, creadora de Loca Linda, les cuento un poquito como nació este proyecto.
Loca Linda surgió en un momento de crisis total en mi vida, tanto laboral como sentimental. Sentí la necesidad de plasmar todo mi lado artístico, para no pensar tanto en los problemas que estaba teniendo y disfrutar un momento creativo. Soy diseñadora gráfica (FADU-UBA 2007), profesión que amo pero tenía pendiente volver a conectarme con la parte más experimental, artística, manual, de contacto con los pinceles y materiales. Si bien nunca los dejé de lado a la hora de crear diseños (me gusta bocetar y experimentar antes de pasar al plano digital); muchas veces
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por mi trabajo, termino absorbida por la computadora. Dibujar, pintar, crear es algo que me encanta. Desde chiquitita cada segundito que podía siempre me la pasaba dibujando; hasta el día de hoy si tengo papel y lápiz a mano no puedo dejar de hacer bocetos esté donde esté. Comencé ilustrando unos pequeños cuadritos, después a personalizar distintos objetos, en principio mas que nada macetas (que es por lo que más reconocen la marca) y cada vez fui sumando cosas; con la idea de poner mi sello personal a objetos que quizá muchas veces uno pasa por alto.
Cuando alguien en casa veía alguno de los objetos decorados me decían: “¡yo quiero!” o si los veían en algún lugar preguntaban donde conseguirlo y me contactaban. Así fue que hice una fan page (www.facebook.com/localindaobjetos) donde subo todos los trabajos que realizo y se pueden ver en detalle. A medida que iba haciendo más cosas me daba cuenta que la mayoría de los objetos pintados son todos similares, cosas que te parecen ya haberlas visto, muchas se nota que son copiadas, falta originalidad… Justamente buscaba despegarme de eso, ser 100% original. Que se note
mi sello personal en cada una de las cosas que hago. Los objetos los pinto con acrílicos y paint markers, van desde macetas, cuadros, bandejas, cajas, portallaves, lapiceros, portarretratos, entre otros. Es muy común que me pidan que personalice algún objeto que ya tienen en casa, una especie de “Custom Art” de Loca Linda. Muchos los hago a pedido, así combinan con el lugar donde va a estar la pieza.
Uso colores vivos, alegres y trazos negros muy marcados. Cada pieza es única, eso hace la diferencia. En esta etapa de renovación personal volví a ilustrar, que por distintas razones fue algo que había dejado de lado. Fue así que di vida a distintos personajes que forman parte de algunos objetos de Loca Linda, además de hacer ilustraciones a pedido. Como dijo Einstein: “…En la crisis es donde aflora lo
mejor de cada uno, porque sin crisis todo viento es caricia…” y así fue que surgió Loca Linda - Objetos de Diseño. Se las presento feliz.
http://www.facebook.com/ localindaobjetos localindaobjetos@gmail.com
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¿Qué quieres ser cuando seas grande? -por MARIANA-
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recer ya es una cuestión lo suficientemente difícil como para que encima le anden pidiendo a uno que con 12, 15 y hasta 18 años, sepa lo que quiere hacer por el resto de su vida. Pero así son las cosas: hay que elegir una carrera más o menos promediando el colegio secundario y procurar que sea la correcta para no sufrir demasiado por una mala elección (ni hablar de varias). Bombero, policía, médico, abogado y hasta astronauta, eran las profesiones que lideraban el top five de mi época. Yo, en cambio, siempre supe que quería ser periodista y se lo dije a mi mamá: -¡¿Peronista Mariana?! ¡Eso ya no se usa! -No, mamá, PE RIO DIS TA. -Bue, eso tampoco se usa mucho nena. Te vas a morir de hambre, siendo peronista capaz te vaya mejor. Acomodé en mi valija todos los prejuicios familiares y sociales junto con mis ideas sobre el laburo del periodista, formadas a partir de las figuras de Walsh y Capote, justo al lado de mis libros favoritos y arranqué para la universidad. Habiendo crecido durante los 90´s entre una madre empleada del estado y un padre médico, la idea del trabajador independiente siempre me llamó más la atención que la de ir a cierto horario, durante cierta cantidad de horas a sentarme en una oficina oscura. Mi idea de esta profesión y mis aspiraciones tenían que ver con irme sola con una máquina de escribir a una casita en el medio del campo, lo suficientemente cerca de la ciudad, como para viajar una vez por semana a entregar mis trabajos a una redacción cubierta por humo de cigarrillos y llena de redactores nerviosos (todos ellos novatos, claro, porque yo en mi imaginario ya era una escritora consagrada). Pasaron los años de estudio y me recibí creyendo que definitivamente no iba a
poder trabajar de mis palabras porque entrar a un gran medio de comunicación es casi imposible si uno no es familia de alguien que ya está trabajando ahí, si no se tiene experiencia previa (imposible de adquirir porque si no te dan trabajo sin haber trabajado en un medio anteriormente se convierte en un círculo vicioso infinito ¿se dan cuenta?), si uno no se hizo famoso siendo un opinólogo mediático (resultado de haber participado de algún reality show mediocre por ejemplo) y demases etcéteras que van apareciendo a medida que los multimedios se reinventan. Ante tan pocas posibilidades de entrar en una redacción y consagrarme en ella, mi anhelo de terminar siendo quién llegaba con sus trabajos abajo del brazo y miraba a los chicos nuevos con ternura (y cierto desdén, por supuesto, porque ¿qué periodista no es un poco soberbio?), murió el mismo día que salí de rendir mi último examen final y empecé a buscar trabajo. Mi sorpresa fue descubrir que el nuevo escenario de medios, opera exactamente a la inversa de todo lo que yo había imaginado: primero, con suerte, se trabaja como escritor free lance desde casa durante años, cobrando menos que lo que sale un buen whisky importado, por un puñado de 1000 caracteres (aunque la mayor parte de las veces ni siquiera se paga por escribir) y si uno ha sido bendecido con los dones de la paciencia y el trabajo de hormiga, tal vez pueda empezar a vivir de lo que hace. El nuevo paradigma, en el que nuestra generación de profesionales está inmersa, nos muestra a un trabajador free lance, libre de horarios, alejado de las oficinas, que no se estresa viajando durante horas (y en malas condiciones) para llegar y explicarle a su
jefe que el transporte público es un desastre, porque precisamente no tiene jefe, es él mismo quién manda y decide que trabajos hacer y cuáles no. Pero el trabajo no abunda y lo que sobran son jóvenes que quieren hacerse oír: el ejército de reserva de Marx que permite que las grandes empresas sigan pagando monedas por nuestros trabajos porque siempre habrá otro que acepte la paga en caso de que a nosotros no nos parezca justa. Se habla mucho de la devaluación del dinero pero nada sobre la devaluación de las palabras ¿se dan cuenta? Entonces inventamos alternativas, creamos nuestros propios medios, nos juntamos entre colegas y pensamos las formas para que nuestro trabajo permanezca independiente y nosotros podamos seguir siendo “libres”. Nos llamamos para colaborar en los proyectos de quiénes creemos deberían adquirir notoriedad pública porque saben de lo que hablan cuando escriben y renegamos contra los periodistas sin ética, sin pensamiento crítico y que por ser “reconocidos” ocupan los lugares a los que nosotros una vez aspiramos (o por lo menos yo aspiraba). Escribimos que es lo importante. Tal vez no podamos vivir de nuestras palabras, pero nos hacemos oír. Construimos que no es poco. Y sentamos precedente para las generaciones que nos siguen y que ya arrancan en el mundo profesional directamente construyendo con sus pares medios alternativos, libres y alejados de las presiones empresariales. Ya no tienen las expectativas puestas en los grandes medios como nosotros supimos tener ¡se dan cuenta! Ni peronista ni periodista. Resulté escritora free lance. - ¿Y eso para que sirve nena? ¿Qué vas ser cuando seas grande? – Feliz, má.
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FEDERALISMO Y BANDERAS Autor: Facundo Felitti
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xisten dos formas diferentes de organizar un país: El unitarismo o centralismo, y el federalismo. En el primero, todos los niveles de gobierno se subordinan a un poder central, con iguales leyes para todos, y sin considerar las particularidades regionales. Es decir, el gobierno central o nacional concentra los poderes económicos y políticos, y las provincias son simplemente distritos administrativos, fiscalizados por el gobierno central y sin posibilidades de autonomía. El federalismo, en cambio, implica la asociación voluntaria de estados, o poderes locales, que delegan algunas de sus atribuciones para formar un gobierno central. Cada provincia posee su propio gobierno y sus propias leyes. En Argentina, el federalismo tuvo como modelo a los Estados Unidos, pero a dife-
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rencia de éste, se conformó subordinándose las provincias al gobierno federal y a la Constitución Nacional, ya que las constituciones provinciales no pueden contradecir a la nacional, y el gobierno nacional, incluso, se reserva la facultad, en casos extremos, de intervenir a las provincias. Por eso se dice que en el federalismo argentino las provincias son autónomas, y no independientes. Lograr esta autonomía de los estados provinciales argentinos fue una tarea extremadamente larga, que incluso hoy en día no es totalmente justa, pero que trajo con ella diferentes cuestiones. Si hablamos de las provincias como estados independientes tiene total lógica que cada una de ellas tenga un símbolo o bandera propia que las represente. Si bien en los libros de historia no aparece ningún punto exacto, desde la Revolución
de mayo hasta el día de hoy, que sirva como bisagra para determinar desde cuando cada provincia argentina tiene su propia bandera, se entiende que es un proceso que se fue dando individualmente pero con el común objetivo de seguir reforzando el federalismo. A raíz de esto es que cada estado provincial tiene su propia historia respecto a sus símbolos geopolíticos. Algunos ejemplos:
Buenos Aires Paradójicamente la denominada provincia más importante de la Argentina fue una de las últimas en tener su bandera propia, quizás por ser la más reacia al federalismo. En 1995 el subsecretario de Cultura bonaerense, Luis Verdi, junto al gobernador de ese entonces, Eduardo Duhalde, convocaron un concurso para seleccionar la bandera provincial de Buenos Aires. En diciembre de ese año se sentaron las bases del concurso para el cual se convocó a un millón de alumnos de las escuelas bonaerenses. De ellos respondieron unos 254.000 de entre 12 y 18 años (172.000 presentaron trabajos) que elaboraron 81.525 bocetos, algunos de ellos con asesoramien-
to de maestros, historiadores y diseñadores gráficos. Luego de sucesivas fases de eliminación surgieron los 32 proyectos semifinalistas, para luego llegar los 4 últimos bocetos que definieron el concurso. La bandera vencedora fue la Nº 2 con 1.411.840 votos (alrededor del 75 por ciento). Los creadores de la bandera son cinco jóvenes nacidos en la localidad de Capitán Sarmiento: Facundo Gastón Bailo, Carlos Ignacio Rossi, Esteban Guillermo Carrasco, Matías Rodrigo Hiribarne y Fernando Agustín Barroso. El viernes 12 de Septiembre de 1997 el gobernador Duhalde firmó el decreto por el que declaraba a la localidad de Capitán Sarmiento “Cuna de la bandera bonaerense”. Descripción: El campo de la bandera se divide en dos fajas de iguales dimensiones, la superior azul celeste, la inferior es verde, y están divididos por una línea horizontal roja. En el centro hay un sol naciente amarillo, en el campo inferior, la mitad inferior de un girasol, el azul del cuartel superior representa el cielo, el amarillo el esplendor, la línea roja el federalismo, los laureles simbolizan la gloria, el amarillo el girasol y los dientes de las ruedas simbolizan la producción industrial. El azul marca también los ríos de la provincia. Córdoba Desde el 16 de diciembre de 2010, la provincia de Córdoba, tiene su bandera oficial. A mediados del 2010, y con motivo de la conmemoración del Bicentenario de la República Argentina, el gobernador Juan Schiaretti lanza el proyecto para crear la bandera de la provincia, y el 16 de diciem-
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bre de 2010 se presentó la nueva bandera que representará a la provincia de Córdoba, elegida mediante la realización del concurso “Buscando la bandera de Córdoba” que tuvo como objetivo diseñar una enseña que representara “nuestra identidad provincial”.
con sus 32 rayos -16 rectos y 16 onduladosdispuestos alternadamente, coinciden desde los gráfico con el “sol inca o sol de mayo” presente en la bandera nacional y busca reflejar la importancia política, social, cultural, educativa y religiosa de los jesuitas que dieron a lo largo de la historia a Córdoba un legado patrimonial que ha sido reconocido por la UNESCO a fines del año 2000 como Patrimonio de la Humanidad. Río Negro La bandera del Río Negro es una bandera creada en 2009 mediante un concurso hecho por el Poder Ejecutivo, y oficializada por la Legislatura provincial el 4 de junio de 2009. Es similar a la bandera del Reino de la Araucanía y la Patagonia (1), solo que tiene
El diseño ganador pertenece al Instituto Argentino de Ceremonial y Relaciones Públicas INARCE, de Córdoba Capital. La bandera que flameará en todos los edificios públicos provinciales tiene tres bandas verticales proporcionales: roja a la izquierda, blanca al medio y azul-celeste a la derecha que cumplen el doble propósito de rescatar los colores empleados por Artigas y ser compatibles con las de las otras dos provincias de la Región Centro: Entre Ríos y Santa Fe simbolizando, de esta manera, la vocación integradora del área. Descripción: Vistos de forma separada, el rojo representa la sangre vertida y el federalismo abrazado por Córdoba, el azul-celeste los aportes a la independencia nacional y los cursos de agua que recorren la provincia y el blanco se refiere a la identidad de un pueblo formado por numerosas corrientes migratorias. Contiene además la silueta del “sol jesuita” que
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un cuadrante a la izquierda de la bandera, con 13 estrellas representando a los 13departamentos de la provincia. Tiene también las mismas franjas y colores que la del reino africano de Lesoto. Descripción: El azul de la franja superior representa la justicia, los recursos acuíferos como los lagos de la cordillera, los ríos y los canales
de riego; el blanco central, la unión de todos los colores y el verde de la franja inferior, la esperanza y la riqueza de la tierra con la producción agrícologanadera, los bosques cordilleranos y los valles. En tanto el negro iguala el nombre de la provincia y del río principal que la irriga.
Página oficial de la provincia de Buenos Aires www.gba.gov.ar/ Página oficial de la provincia de Río Negro www.rionegro.gov.ar/ Entrevista al ex gobernador Eduardo Duhalde en el portal Capitán a Sarmiento www.capsar.com.ar/
El Reino de la Araucanía y la Patagonia, también denominado Nueva Francia, fue un breve y fallido intento de Estado instituido en territorio mapuche por el abogado y noble francés Orélie Antoine de Tounens, con capital en la ciudad de Perquenco. Finalmente entendemos que las banderas de los estados provinciales son más que una simple representación. Estos símbolos contienen gran parte de la historia de cada una de las provincias, y dejan entrever su postura frente a la histórica lucha entre unitarios y federales. Hoy en día, a pesar de ser una nación federal, todavía existen diferencias económicas entre los territorios, magnificadas por los intereses políticos de cada uno de sus gobernantes.
Facundo Felitti es periodista egresado de TEA.Conductor y productor de radio y televisión. Condujo programas como: Cosas Nuestras (FM Signos), La Cruda Verdad (FM Zónica).Docente de Comunicación y Medios en el plan FinEs.
Bibliografía: Página oficial de la provincia de Córdoba www.cba.gov.ar/
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spike victoria Cineasta, cantante, productor, guionista,
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p o r m a r y na v a r r o
dad nacional experimental de las artes en caracas. Estudie en la escuela internacional de Es un joven venezolano cine y televisión de san antode nacionalidad dominicana nio de los baños, cuba. Tamartista, Cineasta, cantante, bién soy docente escuela naproductor, guionista, presen- cional de cine en venezuela. tador de tv, etc...
traparte) de una excelente banda argentina llamada illya kuryaki and the valderramas en argentina.
4-¿Haces cine, haces música, si tuvieras que elegir una de las dos, cual fuera?
Cine: spike lee, zhang yimou, pablo trapero, Fernando meirelles, andres wood, woody allen. Musica: tricky, lenny kravitz, the roots, jay z, Smashing pumpkins, molotov, jorge ben.
1-¿Cuéntanos quien es spike victoria?
2-¿Como llegas a dominicana y por qué?
En esta ocasión vengo a República Dominicana para trabajar en varios proyectos audiovisuales como películas, cortometrajes, videoclips y algo muy importante publicitar mi banda musical.
Es muy difícil para mí elegir una, porque me desvivo por ambas. Tengo que tenerlas a las 2 para sentirme satisfecho. 5-¿Cuál ha sido el mayor de tus logros o satisfacciones en ambas carreras?
6-¿Tus influencias tanto en la música como en el cine?
7-¿Eres la misma persona produciendo y cantando?
Soy muy meticuloso al trabajar en el cine igualmenCompartir con spike lee te en un concierto, siempre Licenciado en cine y medios en venezuela y decirle que cuido los detalles. Es primoraudiovisuales, en la escuela de gracias a él me motive a in- dial para mí La organización cine y televisión de venezue- cursionar en el cine. Y en la y la planificación de un prola, soy docente en la universi- música, ser telonero (con- yecto audiovisual y musical. 3-¿Háblanos sobre tu preparación profesional?
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8-¿Que temas te gusta tratar en el cine? Y en la música?
de la película el pianista, del director roman polanski.
En el cine me encanta trabajar sobre los problemas personales y sicológicos, en la música trabajos más con la protesta o canciones que hablen sobre la sociedad.
10-¿Un mensaje para la gente joven que desea estudiar cine o se artista?
Perseverancia, mucha paciencia, que siempre hay que seguir Luchando por lo que se quiere, enfocarse y nunca 9-¿Alguna experiencia particular en cualquie- perder el tiempo. Yo amo el cine y la musica por encima ra de los dos ámbitos de todas las cosas, pienso toque desees compartir? talmente en arte y luego en Estudiar y compartir en lo comercial y ser disciplinacuba con Adrien Brody, actor do en lo que haces.
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Sobre lo espiritual en el arte por flor nicolini
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Todo el que ve más allá de los límites de su sección es un profeta para su alrededor y colabora al movimiento del lento carro. Vassily Kandinsky
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scribiendo estas palabras me pongo en la difícil situación de intentar abordar un tema que atraviesa lo más hondo de todos nosotros, lo más profundo e indescifrable por nuestras conciencias racionalistas: el espíritu. Llegar a conocerlo sería entrar en las aguas profundas de nuestro inconsciente (que no es otra cosa que la Conciencia), al cual solo tenemos un vago acceso a través de nuestra conciencia que es solo la punta de este iceberg. Pareciera casi un requerimiento, para acceder a nuestro espíritu dejar de forzar las palabras, los actos, olvidar lo que la historia quiere, lo que la sociedad quiere y lo que nuestros padres quieren, para simplemente dejar que cante. Que se conecte nuestra psiquis que se encuentra fragmentada. Un corazón abierto, una mente sin obsesiones, sin deseos tormentosos, sin acciones inútiles, nuestro cuerpo se conecta con esta gran Conciencia. Se reconcilian estas partes que constituyen nuestro máximo poema, y es que somos nosotros mismos, y al mismo tiempo todos los demás. Las maneras de llegar a esto deben ser infinitas, y no son sistematizables ni rigurosas. Es simple energía fluyendo. Y esa energía vital que no se estanca, que los chinos darían el nombre de chi, es la energía vital que debe estar en toda verdadera obra de arte. Es una energía que nosotros como espectadores al verla solo podemos quedarnos allí estupefactos, en trance, sin poder más que volvernos pura percepción, recibir esa fuerza que emana de la obra para nutrir y conectarnos con nuestro espíritu. El tiempo
deja de ser ya lineal, nos inmiscuimos en una sincronicidad donde el relato se vuelve circular (que es la forma original, no hay nada que no se maneje por este principio), donde nosotros, individuos habitantes de este mundo, logramos finalmente sentirnos conectados con nuestro alrededor (ya sea inmediato, ya sea mediato), no hay barreras, no hay peros, simplemente estamos contemplando esa obra de arte, que es un canal de energía primordial. El tiempo ya no corre al capricho de una aguja. La obra lejos de presentársenos como algo terminado y acabado, empieza con el espectador, porque allí se realiza. Es génesis, es fundacional, es el principio, y está en nosotros ser los espectadores responsables para disfrutarla, y dejar que se realice a través nuestro ser, como un buen libro que se lee, como a una madre se abraza. El artista ha logrado, si es que lo ha logrado, reconciliar nuestra psiquis. ¿Y cómo? Combinando un máximo grado de personalidad con uno de máxima impersonalidad. Ha entrado en lo más profundo de su inconsciente, y allí a lo último, en la raíz más profunda, el universo, nosotros. Habría que pensar como el Tao (que no hay diferencia honda a cómo piensan los nativos americanos): en cada cosa, la semilla de su opuesto. De esta manera no hay nada que no quede conectado en el infinito universo, (en la finitud de las cosas) con nuestra finita existencia individual en este cuerpo. Esta aceptación (en la que también entregamos lo transitorio de nuestra carne) reconcilia por fin, los dos grandes opuestos que han parecido ser el motor de nuestras creaciones: la vida y la muerte. Ya no como un capricho lamentable y tormentoso, sino como partes imprescindibles una de la otra.
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Es finalmente encontrar la calma que nuestra sociedad,historia,padres,jefes no nos permite. ¿Qué es el final más que un nuevo comienzo? Vassily Kandinsky Para él el espíritu no conoce de caprichos, ni de tristezas, ni de alegrías. Todas esas cosas son pretensiones del ego. Llama a un estado de inacción, donde somos receptividad absoluta. Y es que sus obras realmente logran eso, tienen una resonancia pictórica, que por el manejo y disposición de los colores y formas también tiene una resonancia sonora. Y por último una resonancia en nuestro ser. Hay un misterio en sus obras que nos inunda la carne, la sangre parece circular a otro ritmo más lento. Nuestros sentidos se agudizan, y podemos sentir hasta cae el alfiler. No hay nada duro, todo es blando y maleable, nuestras mismas mentes se encuentran en este estado, difícil es que se puedan encontrar más vivas que esto. Esta poesía que utiliza Kandinsky es una espléndida conquista del espíritu humano. Su estilo es único, pues todo estilo nace de la experiencia individual y es la “expresión inevitable y orgánica”, es multidireccional y obviamente arbitraria. Pues emana del inconsciente del artista. Y en la individualidad de su percepción, en esta gran sombra que desciende a lo más profundo, todos nosotros, arquetipos universales de un inconsciente colectivo. Cuanto más quiere elevarse hacia la altura y hacia la luz, tanto más fuertemente tienden sus raíces hacia la tierra, hacia abajo, hacia lo oscuro, lo profundo, - hacia el mal.»
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Así dijo Nietzsche, y de esta frase es necesario entender que para poder generar una conciencia superior, más total, más abarcativa (no me gusta utilizar la palabra evolucionada, es determinista y es mejor ser relativista) es necesario tener un conocimiento de nuestras sombras, mientras más descienda, más va a poder elevarse. De esta manera el estilo del artista “ es la expresión que , aun lograda tal relación exacta ( entre la expresión individual y la vivencia), sube o baja en la escala de la perfección absoluta de acuerdo al grado de significación y universalidad del modo de experiencia expresado, según abrace más o menos completamente la totalidad del universo humano, según sea más o menos adecuado a esa totalidad”. Mientras más abrace el artista, no por capricho sino por así haberlo dispuesto su conexión con su inconciente en el momento mismo de crear, por sus inquietudes mismas, más elevada va ser su obra, si es que se adecúa a la totalidad, más perfecta. Y mientras más lo sea, el carro de la humanidad podrá avanzar desde la punta del triángulo que describe Kandinsky, hacia adelante y hacia arriba. En la profundidad se encuentra la fuerza vital que nos empuja a todos hacia lo alto. PSEUDOCROMÁTICO CREANDO La búsqueda del lenguaje es infinita, no hay nada que se pueda retener más que solo por un momento específico. Casarse con solo un lenguaje presupondría petrificar todo ese manante de energía que hace a la obra. Y un artista que siempre está en la búsqueda es Pseudocromático blanco. Artista, amigo,humano. Con la calidez de
unos mates me dejó entrar en su mundo creador. Si contemplar una obra presupone tanta magia y semejante ritual de introspección y apertura mental, crearla debe ser un proceso simétrico pero con una ejecución distinta. “La imagen primigenia es, pues, una expresión que abarca el entero proceso vital. A las percepciones sensoriales y a las percepciones espirituales internas que al principio aparecen de un modo desordenado e inconexo, la imagen primigenia les da un sentido ordenador y vinculador y con ello libera la energía psíquica de la vinculación a la mera e incomprendida percepción. “ Gustav Jung A la hora de crear Pseudo no sabe cómo va a terminar, pueden haber ideas dando vueltas en la cabeza, pero no se puede saber qué. La ciudad lo estimula, y aparece en sus obras. Es el fondo, el contexto en el que se sumergen sus personajes místicos salidos de una América olvidada. Una ciudad llena de colores, de papeles rasgados, de frases anónimas que reclaman atención y desgarran. Frente al lienzo o papel: él, enfrentando ese monstruo blanco, vacío, lleno de infinitas potencias. La línea, mancha, collage, empieza con la seguridad (a veces no) consciente, que luego empieza a desaparecer. Desaparece el adulto, el que mide, el que habla, el que razona para dar paso al niño que pinta, que nada conoce, que nada quiere, más que poner su cuerpo entero en este juego de colores. Se siente pleno, él decodifica las imágenes y las sensaciones de su inconsciente, se pierde, ya no está en este mundo diacrónico, está en uno circular, universal, en un pantano divino, sincrónico. El mensaje lo decodifica una vez terminada la obra, cuando el niño ya volvió
a dormir y ahora el “robot”(como dice él) vuelve al cuerpo. Ha sido necesaria la alienación, máxima, divina para poder conectarse con lo más profundo de si mismo. “El médium” abrió las puertas de la percepción y es un canal. Este sabio logró desprenderse, su cabeza levita, también su cuerpo de una manera poética. Desde una supra individualidad ha integrado un equilibrio entre mente y mundo exterior. En la obra se ve la apasionada intención de representar un momento de visión única. Y todas las obras cambian, y todas las obras se integran las unas a las otras. Siempre de lo más chiquito a lo más pequeño. El cosmos, el mundo pre-
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colombino, el amor, el universo. Siempre presentes, con distintos lenguajes, con distintos colores, pero siempre están, siempre está la pregunta, y allí la obra: el génesis. Nada dado, ahora que las raíces están depende del que mire lograr hacer que haya frutos. La conquista del espíritu humano, como todo, siempre se da de manera dual, y todo se retroalimenta. ¿Quién da las raíces, Pseudo, o nosotros?¿Quién da el fruto, nosotros o Pseudo? Todo vuelve a su forma circular. Juega y ríe con la vida que eres amada, bella criatura inmortal. Gracias Pseudocromático Blanco.
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Flor Nicolini: Estudia artes visuales con orientación en escultura en el IUNA y diseño gráfico en la Fundación Gutenberg. Pinta, hace grabado, ilustra, fotografía, escribe de estética. Fue columnista de artes visuales durante dos años en Maloca Radio AM 740. Expuso su serie de fotos “Melancolía” en el 2012 en el ciclo Despertar. Hizo varios cursos de dibujo y fotografía en distintas academias.
Las Personas Medriocres se tienen que basar en el odio que tienen hacia EL ÉXITO de los demás para poder hacerse notar....
#Anonimo
N.o 19 | Vol. 4 | Junio-Julio 2014
Editor: Mich Roman DISEño editorial: Mary Navarro Colaboradores: Victor postiglione Flor Nicolini Jack Ramos Borg Eventos Eduardo galeano Facundo Fellitti Mariana Cruz Bruni loca linda