PENALBA LAURA OJEDA BÄR
El proyecto EXPLORANDO LA COLECCIÓN surge con el objetivo de difundir y profundizar el conocimiento sobre las obras del acervo de la Colección AMALITA.
El ciclo comprende dos instancias en el año, en las cuales se investiga y exhibe una obra de la colección en diálogo con la producción de un artista contemporáneo, el cual será seleccionado por un curador invitado. Asimismo, forman parte del proyecto, conciertos musicales, charlas y actividades para niños.
#01 Juan Batlle Planas. Abril 2018
#02 Gyula Kosice. Agosto 2018
#03 Mildred Burton. Octubre 2018
#04 Alicia Carletti. Julio 2019
#05 Demetre H. Chiparus. Diciembre 2019
#06 Nicolás García Uriburu. Agosto 2020 - online
#07 Alejandro Puente. Diciembre 2020
#08-ALICIA PENALBA / LAURA OJEDA BÄR
Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat
Buenos Aires – Argentina
Curadora invitada
Irene Gelfman
Artista invitada
Laura Ojeda Bär
Producción general
Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat
Germán Barraza
Patricia Caramés
Coordinación
Jimena Guitart
Diseño Gráfico
Fabián Muggeri
Fotografía
Diego Spivacow
Agradecimientos
Cintia Mezza
Jimena Ferreiro
Diego Spivacow
Álvaro Pecorino
Fundación Espigas
Cecilia Rabossi
#08
De abril a julio 2022
UNA COLECCIÓN DE BOLSILLO
—Irene Gelfman
Una colección de bolsillo surge del diálogo entre la escultura Ancetre Ailee (1962) de Alicia Penalba y una serie de pinturas pequeño formato de la artista Laura Ojeda Bär hechas especialmente para esta ocasión. Con motivo de la exhibición, la escultura y Ojeda Bär se “conocieron” en su lugar de residencia actual: la oficina de Amalita en este edificio. El color celeste cielo del despacho hacía destacar los tonos verdes de la escultura y daba una sensación de volatilidad y fragilidad que contrastaba con la pesadez propia del material. La calidez del lugar y el reflejo del sol en la pieza creaban un aura hogareña e íntima que Ojeda Bär quiso convocar en sus pinturas. De este primer encuentro surgió la idea del corpus de obra: trabajar con sus impresiones personales en una serie de vistas íntimas de la famosa alada.
El conjunto de obras creadas por Ojeda Bär invita a pensar cómo los tamaños no son absolutos sino relativos entre las representaciones de la escultura como objeto sólido, pesado, cuasi monumental, en contraste con la pequeña dimensión de las pinturas enmarcadas y fácilmente transportables. De esta forma, cada cuadro presenta una cantidad de decisiones no solo del campo pictórico cromático, sino también acerca de qué fragmento de la escultura selecciona, qué sector va en primer plano, qué recorta y qué resalta. En algunas obras, la alada se ve “desde lejos” y en otras los detalles son los protagonistas, casi como si le concediera al espectador ese deseo (aparentemente pecaminoso y prohibido) de sentir, tocar, palpar y respirar sobre ella.
Al considerar la presencia oscura de la escultura en sala, la pintora generó paletas identificables para cada obra con la intención de potenciar lo íntimo a través de lo particular. Cada elección cromática es precisa, buscando resaltar características propias de la escultura: dependiendo de la posición del sol, hay un juego de luces y sombras propio de un objeto tridimensional, lo que da la sensación de que cada cuadro sugiere momentos específicos a lo largo del día.
Con estas decisiones meticulosas y precisas, Ojeda Bär demuestra que cualquier objeto puede cambiar de acuerdo al punto de vista de quién esté mirando. La artista desarrolla desde 2020 la serie Decolonial GIFT SHOP, una colección “de bolsillo” que tensiona las características materiales y perceptuales entre la escultura y la pintura. Busca puntos de encuentro y divergencia propios de cada expresión artística, con su historia y bagaje milenario. Las pinturas realizadas para la exposición se enmarcan en dicho proyecto.
Durante los años 50 y principios de los 60 Alicia Penalba concibió diferentes series de obra: verticales o totémicas y otras con elementos separados dobles o formas voladoras. Ancetre Ailee integra el segundo grupo. Con estas tipologías experimentó en múltiples repeticiones, ritmos, variaciones y cambios de escala; buscó contrastes entre texturas, brillos y opacidades, lo rústico y lo refinado,
aspectos que Laura Ojeda Bär trabaja desde la materialidad plástica cuando transforma grandes, voluminosos y pesados hitos de la historia del arte en objetos planos y livianos.
La escultura de Penalba irrumpe en el espacio expositivo de manera contundente, tanto con su materialidad como con sus decisiones formales. La pesadez del material contrasta con la forma y la gracia con la que la escultora trabaja. Nos enfrenta a situaciones espaciales tan complejas que solo se aprecian del todo pudiendo recorrer la pieza en su totalidad. En contraposición, los cuadros de Laura Ojeda Bär se sitúan desde la naturaleza misma de la pintura, centrándose en su ser imagen. Ojeda Bär piensa la pintura como una forma de conocimiento más. Con su modo de trabajar personal y su mirada perspicaz sobre los eventos cotidianos que vivencia y cómo experimenta los roces con el mundo exterior -que a veces puede resultar hostil y distante-, la artista induce al espectador a reflexionar sobre la noción de espacio y tiempo.
Si bien cada cuadro funciona de manera individual, al encontrarse todos juntos en sala, el conjunto aporta una nueva lectura de las diversas vistas y acercamientos que puede tener un objeto cuando le dedicamos el tiempo necesario para su observación. Este gesto se enriquece con el emplazamiento de Ancetre Ailee en el lugar central, como si fuera una clase de pintura de modelo vivo: los cuadros que la rodean son las distintas miradas del mismo cuerpo/objeto. A partir de los elementos mínimos seleccionados, se busca explorar el diálogo entre ambas artistas, donde los silencios y las pausas permiten al espectador reflexionar sobre las narrativas y búsquedas de Penalba, quién dedicó una vida entera a las formas, y potenciar una de las ideas principales con las que trabaja Ojeda Bär: pensar sus pinturas como habitantes de espacios inexplorados entre las personas, las palabras, las ideas y la información. Una colección de bolsillo requiere del espectador el tiempo necesario para la contemplación, en contraposición con la velocidad vertiginosa tan característica del arte contemporáneo (y de la vida).
Una colección de bolsillo es un registro de transformaciones y traducciones: la escultura en bronce se registró fotográficamente y este registro se vuelve cuadro al óleo sobre tela que se fotografía nuevamente, y estas tomas generan diseños de wallpapers digitales que el espectador puede llevarse en su celular. Así, una misma imagen conquista múltiples vías de circulación y para lograrlo se manifiesta de diferentes maneras. Poner en diálogo dos artistas de generaciones distintas que trabajan con técnicas y materialidades opuestas tiene como fin introducirnos en este territorio híbrido donde la traducción no es solo metáfora de un proceso lingüístico y cultural, sino una herramienta capaz de hacernos interrogar acerca de las relaciones entre los grupos sociales, culturales y artísticos en contextos diferentes.
Alicia Penalba Ancetre Ailee, 1962
Bronce, 73 x 50 x 32 cm Colección AMALITA
Alicia Penalba
(San Pedro, Buenos Aires, Argentina 1913 - París, Francia, 1982)
Nació el 7 de agosto de 1913 en Buenos Aires. Pasó parte de su niñez en Chile. En 1929, Alicia comenzó sus estudios de arte en la Escuela Superior de Bellas Artes “Ernesto de la Cárcova” en Buenos Aires. En 1948 viajó a Francia con una beca para estudiar técnicas de litografía en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts en París. Allí estudió con el escultor Honorio García Condoy, y en 1950, mientras realizaba estudios con Ossip Zadkine en la Académie de la Grande Chaumière, tomó la decisión de dedicarse por completo a la escultura. En 1951 realizó su primera obra no figurativa, destruyendo casi toda su obra anterior. Produce esculturas como tótems, composiciones abstractas y composiciones verticales
que denomina con nombres de animales, elementos del mundo vegetal y fuerzas naturales. En la década del ‘60, abandonó las esculturas verticales y procedió a realizar esculturas horizontales. Luego experimentó con obras monumentales, más abiertas, que pueden ser penetradas por la luz desde todas las direcciones. Recibió numerosos premios, entre ellos el Internacional de Escultura, otorgado en la VI Bienal de San Pablo, Brasil, en 1961. Participó en exposiciones colectivas y personales, entre ellas en el Museo Guggenheim de Nueva York. Falleció el 4 de Noviembre de 1982. Días antes de fallecer, recibió el Premio Konex como una de las escultoras más importantes del siglo XX en Argentina.
Curadora invitada
IRENE GELFMAN es licenciada y profesora de enseñanza media y superior en Artes (Facultad de Filosofía y Letras, UBA). Cursó el Programa de Artistas #11 en la UTDT (crítica y curadora) y cursa actualmente el Programa de actualización en Tecnologías en el Arte Contemporáneo (Facultad de Filosofía y Letras, UBA). Obtuvo el primer premio del Concurso Nuevos Curadores de la Colección Amalita y la Asociación Argentina de Críticos de Arte (AACA). Trabaja en curaduría, gestión, producción y crítica de arte. Fue jurado del Premio en Obra para los 30 años de arteBA y jurado de Artistas Emergentes en Pinta Miami, coordinado por Cancillería. Es fundadora y directora de Minerva Universos Visuales, estudio de arte enfocado en la divulgación de contenidos de historia del arte para públicos diversos, dictado de clínica para artistas y asesoría para proyectos culturales. Escribe textos para múltiples medios, publicaciones y catálogos (Otra Parte, Colección de Artistas, entre otros), con más de siete años de experiencia en distintas áreas de la gestión cultural tanto pública (nacional y local) como privada (fundaciones y ONG), donde coordinó y produjo contenido. Además, armó la programación para distintos festivales, ferias y eventos internacionales donde Argentina era país invitado, en áreas como teatro, artes visuales y música. Produjo eventos masivos. Elaboró y coordinó un programa de ayudas para promocionar artistas argentinos en el exterior (APEX - Ministerio de Cultura de la Nación) y fue asesora estratégica del programa Barrios Creativos.
Artista invitada
LAURA OJEDA BÄR (Ciudad Autónoma de Buenos Aires, 1986) estudia la licenciatura en Artes Visuales en la UNA, donde realiza el Proyectual de Pintura con Carlos Bissolino y su equipo de docentes, Itamar Hartavi, Viviana Blanco, Pablo Siquier, Agustín Fernández, entre otres. Mientras tanto es becada en diferentes programas de formación anuales de la Ciudad de Buenos Aires, Escuela de Proyectos (2012), CIA y PAC (2013), además de asistir a clínicas, charlas y clases en talleres privados de artistas. En 2018 formó parte de la Residencia Marco Arte Foco, Fundación Tres Pinos y a comienzos de 2019 asistió a Nes Artist Residency, Skagaströnd, Islandia. En 2019- 2020/1 participó del Programa de Artistas de la UTDT. Su proyecto Lxs Pierri fue seleccionado en la convocatoria RADAR del Centro Cultural Recoleta en 2017. En 2018 obtuvo el 2º Premio de Pintura del Salón Nacional. En 2020 el Banco Interamericano de Desarrollo le comisionó dos retratos para su sala de reuniones con sede en Washington y, más tarde, fue finalista del Premio Azcuy, junto a Matías Malizia, por un proyecto a partir del cual surgió Bulbullia, que en 2021 fue ganador del premio Apoyo a la Producción del CCEBA - MediaLAB. Ese mismo año Ojeda Bär recibió el Premio en Obra durante arteBA. Es parte de NVS, proyecto colectivo junto a un grupo de artistas argentines, que en 2020 obtuvo sede en Lisboa y con el que participan de ferias e iniciativas internacionales.
Realizó múltiples muestras individuales y colectivas. Entre sus exposiciones individuales se destacan: Una es la medida del mundo (Marco Arte Foco, Fundación Tres Pinos, Buenos Aires, 2019), pupo delator //... (Laboratorio/Festival, Buenos Aires, 2017), Cómo me hice monja (Pasto Galería, Buenos Aires, 2016), Deixis, curada por Sebastián Vidal Mackinson (Pasto Galería, Buenos Aires, 2015), Supernova (Pasto Galería, Buenos Aires, 2013), Cuando te miro me sonrojo (Fundación Guillermo Roux, Buenos Aires, 2012).
Desde 2015 también se desempeña como curadora independiente y sus trabajos incluyen: Pariente de Julia Padilla (Fundación El Mirador, Buenos Aires, 2021), Oro negro de Lamas Burgariotti (Laboratorio/Festival, Buenos Aires, 2019), Recursiva de Carlos Huffmann (Constitución, Buenos Aires, 2018), Lxs Pierri de Duilio Pierri, Orlando Pierri y Tiziana Pierri (Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, 2017), Absurdismos de Santiago Delfino, Alfredo Dufour, Benjamín Felice, Iumi Kataoka y Lucrecia Lionti, co-curada junto con Matías Ercole (Miranda Bosch galería, Buenos Aires, 2016) y Diário dos últimos dias de Martín Lanezán (Ruby galería, Buenos Aires, 2015).
Bocetos de obras
21
Laura Ojeda Bär
Boceto gris, 2022
Óleo sobre tela
x 14 cm
Laura Ojeda Bär
Boceto flor, 2022
Óleo sobre tela 19,5 x 13 cm
Laura Ojeda Bär
Boceto chico, 2022
Óleo sobre tela
18 x 13 cm
Esta edición de Explorando la Colección #08
Alicia Penalba/Laura Ojeda Bär es el resultado del Concurso Nuevos Curadores 2021 organizado en conjunto con la Asociación Argentina de Críticos de Arte. Los jurados Nancy Rojas, Cecilia Rabossi y Leandro Martinez Depietri seleccionaron el proyecto de Irene Gelfman para el primer premio del concurso.
Laura Ojeda Bär 11:11, 2022 Óleo sobre tela 39 x 27 cm
Nancy Rojas es curadora, crítica y docente. Autora de Mugre severa (Editorial Caracol, 2021) y de ensayos e investigaciones publicados en medios gráficos, catálogos y libros de editoriales argentinas. En 2021 curó Fugas en el Centro Cultural Parque de España de Rosario y actualmente forma parte del equipo curatorial de Las olas del deseo. Feminismos, diversidades y cultura visual 2010-2020+ en la Casa Nacional del Bicentenario de Buenos Aires. Curó programas expositivos institucionales como el Salón Nacional de Artes Visuales, del Ministerio de Cultura de la Nación (2019), la Quincena del Arte de Rosario, de la Secretaría de Cultura y Educación (2019) y el espacio Isla de Ediciones de arteBA (2018). Entre 2004 y 2015 formó parte del staff permanente del Museo Castagnino+Macro, oficiando durante varios años como responsable del Programa de Adquisiciones de la Colección de Arte Argentino Contemporáneo y luego como curadora en jefe. Fue beneficiaria de becas de la Fundación Cisneros para profesionales del CIMAM, del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte de España, de la Fundación Antorchas, de Espacio Santafesino y del Fondo Nacional de las Artes. Es miembro de la Asociación Argentina de Críticxs de Arte (AACA), que le otorgó el Premio José León Pagano a la muestra colectiva de artistas nacionales 2006.
Cecilia Rabossi es licenciada en Artes (Facultad de Filosofía y Letras, UBA). Curadora e investigadora independiente, desarrolla tareas de investigación y curaduría de exposiciones de artes visuales para diversas instituciones de Argentina y del exterior. Miembro de la Asociación Argentina de Críticos de Arte (AACA), actualmente ocupa el cargo de secretaria general. Miembro del Grupo de Estudio sobre Museos y Exposiciones (GEME). Realiza tareas docentes en la Universidad de San Andrés y en la maestría en Curaduría en Artes Visuales de la UNTREF. Entre sus últimas curadurías se destacan: Berni. Ramona y otras mujeres (Exposición itinerante: Museo de Calcos Ernesto de la Cárcova, Buenos Aires, 2018; Fundación Antonio Berni, Madrid, abril-agosto 2019; Centro Cultural del Bicentenario, Santiago del Estero, julio-agosto 2019; Centro Cultural Quinta Trabucco, Vicente López, agosto-octubre 2019; Museo Carnacci, Villa Ballester, octubre-noviembre 2018); Margit Eppinger Weisz. Travesías (Fundación OSDE, Buenos Aires, 2019); Leandro Katz. Proyecto para El día que me quieras y La danza de fantasmas (MUAC, México D.F., marzo-julio 2019. Co-curada junto con Cuauhtemoc Medina); Leandro Katz. Proyecto para El día que me quieras (Proa 21, Buenos Aires, abril-mayo 2019. Co-curada junto con Cuauhtemoc Medina); Xul Solar. Panactivista (Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, marzo-junio 2017; Museo de Arte Carrillo Gil, México D.F., julio-octubre 2017); nuevo guión curatorial del Museo Xul Solar (2019); Acción Urgente (Fundación Proa, Buenos Aires, julio-agosto, 2014. Co-curadora junto con Rodrigo Alonso).
Leandro Martínez Depietri es curador y crítico. Es Magíster en Estudios Visuales y Críticos por la School of the Art Institute of Chicago y Diseñador de Imagen y Sonido por la UBA. Recibió becas para instancias nacionales e internacionales de formación e investigación como el Programa de Artistas de UTDT (2015), la Université d'Été del Centre Pompidou (2018) y el Curatorial Intensive en New Orleans de ICl (2019). Integró el Equipo Curatorial de BIENALSUR 2021 tras haber producido proyectos y curado exposiciones puntuales en Argentina, Perú y Uruguay para las ediciones de 2017 y 2019. En 2018 trabajó en el Departamento de Fotografía del Art Institute of Chicago, donde asistió en la investigación para adquisiciones y exposiciones y escribió sobre Lucio Fontana para el catálogo de Material Meanings (2020). También ha curado muestras de manera independiente en Argentina desde 2014, incluyendo las recientes Rep(úb)lica de Alexis Minkiewicz (MARCO, Buenos Aires, 2019), Tenedor de Hereje de La Chola Poblete (Pasto Galería, Buenos Aires, 2021) y Después de Babel (MUNTREF, Buenos Aires, 2021), que co-curó junto con Bárbara Cassin y Marina Aguerre. Su trabajo escrito ha sido premiado y publicado por la Asociación Argentina de Críticos de Arte (AACA) + Fundación PROA en 2020 y ha publicado también en Otra Parte, El Flasherito y Latinxspaces
Aires
Tel.: 54 11 4310 6600
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Olga Cossettini 141, Dique 4, Puerto Madero, Buenos