Revista Dazed

https://issuu.com/martinaterlin/docs/proyecto_c_revista_dazed_entrega_final_tapas

NOVIEMBRE 2022 - N° 11

Universidad Nacional del Litoral. Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo. Licenciatura en Diseño de la Comunicación Visual. Taller de Diseño III – Cátedra Gorodischer.

Proyecto Final Revista.

MARTINA TERLIN

Cuerpo docente:

Prof. Titular: Arq. DG. Horacio Gorodischer.

Prof. Adjunto: LDCV Lud. Silvia Torres Luyo.

Jefes de Trabajos Prácticos:

LDCV. Mariana Oliva.

LDCV. Gabriel Juani.

LDCV. Darío Bergero.

Pasantes en Docencia: Ignacio Simarro, Victoria Cina.

Los textos de las notas –exceptuando el cuerpo de la noticia, que utiliza texto simulado – son elaborados por la cátedra para la correcta realización del proyecto. Estos son desarrollados a partir de artículos de diferentes autores, por los docentes y los propios alumnos del taller 3. Año 2022Santa Fe, Argentina.

Inspirados por el movimiento Do It Yourself, en el mundo de la inmediatéz, creativos y diseñadores se juntan para crear una revista que sea un rejunte de todo lo que les gusta: lo rápido, el diseño, y el arte. Nace Dazed, creada por artistas y creativos, que flashean intelectuales y se criaron a base de Tumblr y Alternative Rock asi que la revista les da cierta nostalgia hipster y nos encanta creernos re distintos a los básicos.

Pero, nuestro objetivo principal es dar espacio a nuevos artistas, diseñadores, creativos; de mostrar su arte. Educar al público jóven argentino que disfruta aún de sentarse a ver una revista como cuando eran adolescentes.

Queremos mostrar lo más under del arte, lo que nadie muestra, lo nuevo, lo surgiente, lo actual y lo viejo que se renueva; lo que pasa por desapercibido si no estas metido en el tema...

Mucho ruido, mucho arte y collage.

¿TE SUBÍS O TE QUEDAS PIBE?

|

Y TECNOLOGÍA

Los NFT son el nuevo modo de coleccionismo en activos digitales únicos que viene a desbancar viejas tradiciones en la transacción de arte y el consumo de última generación, planteando otro paradigma en el sector cultural.

Seguramente has oído hablar de una de las tecnologías más famosas pertenecientes al mundo de las criptomonedas: los NFT (tokens no fungibles). Los N FTs han llamado mucho la atención en los últimos meses por su utilización en diferentes tipos de juegos y fueron adquiridos por grandes empresas alrededor del mundo.

Sin embargo, ¿sabes qué son los NFTs y por qué algunos tienen valores tan altos? Si la respuesta es “no”, siga este artículo que preparamos y manténgase al tanto de los NFTs.

EL MERCADO DEL ARTE Y LAS CRIPTOMONEDAS

Antes de conceptualizar tokens no fungibles, es importante comprender el significado y la diferencia entre algo fungible y no fungible. Cuando algo es fungible, significa que esa cosa se puede reemplazar fácilmente con algo que es idéntico y fácil de intercambiar. Por ejemplo, los billetes son objetos fungibles porque un billete de 2 dólares tiene el mismo valor que cualquier otro billete de 2 dólares. Entonces, está bien si le prestas un billete de 2 dólares a un amigo y te lo devuelve con otro billete del mismo monto. Sin embargo, no ocurre lo mismo con la no fungibilidad.

En pocos meses, los NFTs han trastocado el mundo del arte digital hasta tal punto que muchos artistas ya no conciben su trabajo sin ellos.

LA EXCLUSIVIDAD, SIEMPRE LA EXCLUSIVIDAD

Imagine dos boletos para un viaje en autobús al mismo destino. Aunque parezcan idénticos, no lo son y sus diferencias son cruciales para que sean insustituibles. El horario previsto para el viaje, el nombre del pasajero y el asiento son ejemplos de características que hacen que cada billete de autobús sea único, ya que si intentas cambiar tu billete por el de otro viajero, tendrás problemas para intentar abordar. Es importante comprender la diferencia entre las criptomonedas y los NFT. Para las criptomonedas se utiliza el concepto de fungibilidad, es decir, que cualquier 1 Bitcoin tiene el mismo valor que el 1 Bitcoin que tiene Elon Musk y, si cambias Bitcoin, no habrá cambio de valores, por ejemplo.En cuanto a los NFTs, se aplica el concepto de no fungibilidad, ya que si envía un token no fungible a alguien y después de recibir un token diferente, no estará muy contento, porque la posibilidad de que este token no valga lo mismo que el anterior, en el que habías enviado, es bastante grande.

¿QUÉ PASA CON LA OBRA MATERIAL?

Debes estar preguntándote cuál es el uso real de los tokens, correcto? Desde el princípio, el uso principal de los NFT ha sido con fines de recolección. La popularización de los NFT coleccionables comenzó en 2017, cuando el estudio canadiense Dapper Labs vio la oportunidad de unir esta nueva tecnología con los gatitos, que siempre han sido una sensación en Internet. El resultado es CryptoKitties, un juego que ofrece al usuario la posibilidad de comprar, vender y crear diferentes tipos de gatitos virtuales. Al principio podría parecer más una idea común, al igual que muchos otros juegos de mascotas, pero la gran diferencia fue el uso de NFTs, que hizo que las tarjetas de gatitos fueran únicas y raras, lo que provocó que algunos gatitos se vendieran por valores antes inimaginables (el el más caro se vendió por $120,000). El juego cobró mucha repercusión, convirtiéndose en uno de los más famosos de internet y también dando fama a los pocos conocidos en ese momento, los tokens no fungibles. Después de eso,

La aventura del coleccionismo alcanza un nuevo “territorio”, un espacio virtual donde el arte busca expandir fronteras.

surgieron varios otros tipos de coleccionables en forma de NFT y ganaron cada vez más popularidad. Varios artistas, celebridades y grandes empresas querían surfear esta ola y adentrarse en este nuevo mundo. 2021 fue el año más importante en la historia de los NFT, ya que en este año la repercusión y popularidad de esta aplicación cambió en proporción.

¿POR QUÉ PAGAR POR ALGO

QUE PUEDO TENER GRATIS?

Personalidades famosas como Snoop Dog, Stephen Curry, Shaq O’Neal y Eminem son ejemplos de personas que han adoptado a los NFTs. Un dato interesante en el caso de estos artistas en particular, es que todos adquirieron un token de la misma colección, Bored Ape, una colección desarrollada por la startup Yuga Labs que incluye 10.000 artes de monos aburridos, cada uno con sus características únicas, como ropa, accesorios, color de piel, etc.

Otras colecciones también tienen éxito, una de ellas es Crypto Punks, que estuvo especialmente marcada por el hecho de que una de sus obras de arte fue adquiri-

da por más de USD 150.000 por la compañía de tarjetas de crédito Visa. Otras grandes empresas también han seguido los pasos de Visa, como el fabricante de automóviles Ferrari, que recientemente anunció que producirá su propia colección NFT.

En marzo de 2021, el artista Mike Winkelmann, conocido como Beeple, vendió su obra digital por la increíble cantidad de $69 millones, equivalente a 33 000 ETH en ese momento. La obra consiste en una combinación de imágenes realizadas por el artista entre el 1 de mayo de 2007 y el 7 de enero de 2021, período de 5000 días que inspiró el nombre de la obra Everydays: The first 5000 Days. En pocos meses, los NFTs han trastocado el mundo del arte digital hasta tal punto que muchos artistas ya no conciben su trabajo sin ellos. Cuando se habla de artes digitales, es muy común que surjan dudas sobre las copias. La mayoría se pregunta qué evitaría que una persona simplemente tome una captura de pantalla de un NFT y afirme que es el verdadero propietario de ese trabajo.

AUTOR: ANDRÉ RICARD.

Antes, los artistas que trabajaban con soportes digitales tenían verdaderas dificultades para comercializar su producto porque no podían distinguir el original de una copia. Con la inclusión de los NFTs se puede confirmar la autenticidad de las obras de manera democrática y descentralizada.

Los 69 millones de Beeple son el mejor ejemplo de la fiebre que se está viviendo con los NFT. Un boom cuyas cifras son difíciles de justificar y muchos achacan a puro interés especulativo. Para intentar entender mejor este fenómeno basado en blockchain, hablamos con los directamente implicados en los NFTs: los artistas digitales.

En unos meses, los NFTs han trastocado el mundo del coleccionismo y del arte digital hasta tal punto que muchos de estos artistas ya no conciben su trabajo sin ellos. Así les ha afectado la llegada de los NFTs, qué ventajas les ven y cómo defienden que esta tecnología ha llegado para quedarse. Los argumentos a favor de los NFTs Una de las definiciones más concretas sobre el sentido de comprar obras mediante NFT nos la ofrece el proyecto Valuable de Cent, la plataforma que permite comprar tuits. Dice así: En primer lugar se apunta efectivamente a una motivación puramente financiera. Adicionalmente, se explica que estos NFTs pueden tener su propio valor sentimental, de manera equivalente al valor que muchos dan a mantener un cromo o un sello. Ni el papel ni las líneas de código tienen por qué tener un valor inherente relevante, pero sí se da importancia al valor generado en torno a ellos. De manera equivalente a como un autógrafo aumenta el valor de un cromo, los NFTs son tokens “únicos y valiosos” asociados a obras de arte digitales.

Finalmente, Valuable apunta a que estos NFTs son una vía de crear una relación entre el coleccionista y el creador. Con los NFTs, los artistas digitales no solo dan acceso a su obra, también les envían un ticket, un autógrafo, un gesto añadido que puede aumentar el propio valor de la obra. De la misma manera que ciertos autógrafos han hecho incrementar el precio de ciertos objetos de manera notable.

Sarah Zucker, artista de Los Ángeles conocida por su VHS Video Art y ser la primera en presentar imágenes .gif como arte en el Museo de Brooklyn, explica a Xataka su visión: “los NFT son una tecnología interesante, porque actúan como un contenedor que transforma una obra de arte digital en un “objeto virtual” que se puede recopilar. Esto permite

la evolución del coleccionismo de arte en sí mismo, porque ahora el arte digital puede poseer las mismas cualidades que le dan valor a una obra de arte física - escasez y singularidad - al mismo tiempo que mantiene su cualidad única de accesibilidad visual infinita en su formato nativo”.

En opinión de Zucker, los NFT no reemplazarán las obras de arte tradicionales, pero sí harán posible que un mercado se desarrolle en torno a una nueva generación de artistas. Es decir, en visión de la artista norteamericana, los NFTs son un catalizador del arte digital.

El optimismo de los artistas digitales respecto a los NFTs es máximo, principalmente porque muchos de ellos han visto como sus ganancias se han disparado. Balaji S. Srinivasan, ex-CTO de Coinbase, argumenta que los NFTs están en una fase inicial, pero que puede se una tecnología revolucionaria por ser “pseudoanónima, internacional, monetizable y permitir arte libre de censura”. Unos argumentos que suelen esgrimirse cuando se habla de tecnologías basadas en blockchain y que aquí se repiten.

Andrés Reisinger, premiado director de Reisinger Studio, diseñador 3D de interiorismo para marcas como Patricia Urquiola, Ikea o Nike, mantiene algunas de sus colecciones en marketplaces como SuperRare y NiftyGateway, donde vende arte digital y asocia sus correspondientes NFTs. El artista nos explica que en las últimas décadas el mundo cultural ha ido derivando hacia lo digital y que “los valores de corporeidad, temporalidad y tangibilidad han derivado en nuevos modos de creación: alegres, flexibles e ilimitados”.

En el caso de Reisinger, el artista vende sus muebles junto a NFTs. Con ellos, un comprador puede crear una galería digital y colocar su mueble dentro y también podría venderlo para obtener ganancias. Pero de manera adicional, el artista abre la puerta a enviar el mueble físico. El NFT en este caso es un respaldo digital adicional al simple hecho de tener el mueble. El comprador también adquiere los derechos de crear una galería con ese mueble o revender el diseño para que otros puedan fabricarlos.

Las obras digitales, por su propia naturaleza, pueden ser copiadas y replicadas infinitamente.

Los NFT no eliminan ese riesgo, pero generan un registro digital único que autentifica la propiedad de una versión concreta de una obra digital.

NFT de Michael Jordan, jugador de la NBA.

LOS ARGUMENTOS A FAVOR DE LOS NFTS

Los 69 millones de Beeple son el mejor ejemplo de la fiebre que se está viviendo con los NFT. Un boom cuyas cifras son difíciles de justificar y muchos achacan a puro interés especulativo. Para intentar entender mejor este fenómeno basado en blockchain, hablamos con los directamente implicados en los NFTs: los artistas digitales.

En unos meses, los NFTs han trastocado el mundo del coleccionismo y del arte digital hasta tal punto que muchos de estos artistas ya no conciben su trabajo sin ellos. Así les ha afectado la llegada de los NFTs, qué ventajas les ven y cómo defienden que esta tecnología ha llegado para quedarse. Los argumentos a favor de los NFTs

Una de las definiciones más concretas sobre el sentido de comprar obras mediante NFT nos la ofrece el proyecto Valuable de Cent, la plataforma que permite comprar tuits. Dice así:“Poseer cualquier contenido digital puede ser una inversión financiera, tener un valor sentimental y crear una relación entre el coleccionista y el creador. Como un autógrafo en una tarjeta de béisbol, el NFT en sí mismo es el autógrafo del creador en el contenido, lo que lo hace escaso, único y valioso”.

En primer lugar se apunta efectivamente a una motivación puramente financiera. Adicionalmente, se explica que estos NFTs pueden tener su propio valor sentimental, de manera equivalente al valor que muchos dan a mantener un cromo o un sello. Ni el papel ni las líneas de código tienen por qué tener un valor inherente relevante, pero sí se da importancia al valor generado en torno a ellos. De manera equivalente a como un autógrafo aumenta el valor de un cromo, los NFTs son tokens “únicos y valiosos” asociados a obras de arte digitales. Finalmente, Valuable apun-

ta a que estos NFTs son una vía de crear una relación entre el coleccionista y el creador. Con los NFTs, los artistas digitales no solo dan acceso a su obra, también les envían un ticket, un autógrafo, un gesto añadido que puede aumentar el propio valor de la obra. De la misma manera que ciertos autógrafos han hecho incrementar el precio de ciertos objetos de manera notable.

Sarah Zucker, artista de Los Ángeles conocida por su VHS Video Art y ser la primera en presentar imágenes .gif como arte en el Museo de Brooklyn, explica a Xataka su visión:

“los NFT son una tecnología interesante, porque actúan como un contenedor que transforma una obra de arte digital en un “objeto virtual” que se puede recopilar. Esto permite la evolución del coleccionismo de arte en sí mismo, porque ahora el arte digital puede poseer las mismas cualidades que le dan valor a una obra de arte física - escasez y singularidad - al mismo tiempo que mantiene su cualidad única de accesibilidad visual infinita en su formato nativo”.

En opinión de Zucker, los NFT no reemplazarán las obras de arte tradicionales, pero sí harán posible que un mercado se desarrolle en torno a una nueva generación de artistas. Es decir, en visión de la artista norteamericana, los NFTs son un catalizador del arte digital. El optimismo de los artistas digitales respecto a los NFTs es máximo, principalmente porque muchos de ellos han visto como sus ganancias se han disparado. Balaji S. Srinivasan, ex-CTO de Coinbase, argumenta que los NFTs están en una fase inicial, pero que puede se una tecnología revolucionaria por ser “pseudoanónima, internacional, monetizable y permitir arte libre de censura”. Unos argu-

mentos que suelen esgrimirse cuando se habla de tecnologías basadas en blockchain y que aquí se repiten. Andrés Reisinger, premiado director de Reisinger Studio, diseñador 3D de interiorismo para marcas como Patricia Urquiola, Ikea o Nike, mantiene algunas de sus colecciones en marketplaces como SuperRare y NiftyGateway, donde vende arte digital y asocia sus correspondientes NFTs. El artista nos explica que en las últimas décadas el mundo cultural ha ido derivando hacia lo digital y que “los valores de corporeidad, temporalidad y tangibilidad han derivado en nuevos modos de creación: alegres, flexibles e ilimitados”. En el caso de Reisinger, el artista vende sus muebles junto a NFTs. Con ellos, un comprador puede crear una galería digital y colocar su mueble dentro y también podría venderlo para obtener ganancias. Pero de manera adicional, el artista abre la puerta a enviar el mueble físico. El NFT en este caso es un respaldo digital adicional al simple hecho de tener el mueble. El comprador también adquiere los derechos de crear una galería con ese mueble o revender el diseño para que otros puedan fabricarlos.

“Uno de los principales beneficios de poseer un objeto coleccionable digital frente a un objeto coleccionable físico es que cada NFT contiene información distintiva que lo hace diferente de cualquier otro NFT y fácilmente verificable. Esto hace que la creación y circulación de artículos de colección falsos sea inútil, porque cada artículo se puede rastrear hasta el emisor original”, explica Reisinger.

EL REY DEL UNDER NUNCA MUERE

Una obra ambulante, un alquimista que transformaba el cotolengo en arte contemporáneo, un príncipe-mendigo del under de los ochenta, noventa y más acá. Sergio De Loof, que pasó sus últimos años fumando en la cama, no temía a la muerte sino al olvido: antes que un velorio mediocre, su último deseo fue que sus cenizas sean arrojadas en Río de Janeiro. Su obra fue él mismo: una vida contra toda etiqueta, contra todas las caretas.

“NO SOY DISEÑADOR DE MODA NI ARTISTA, SOY TODO”.

Hoy pasa las noches y sus días metido en una cama de una casa del sur de la provincia de Buenos Aires. Como un náufrago en una balsa, desde ahí se pertrecha para tirar petardos en Facebook que rebotan en la manada que, aún, lo reconoce alpha. Al fin al cabo hablamos de alguien que, entre otros títulos, ostenta el de El rey del under (una de las coronas más compartidas de la Argentina).

¿SENTISTE HABLAR DE MI?

En la más anacrónica de las redes sociales, Sergio Marcelo De Loof tiene una marcada tendencia hacia la incontinencia verbal: escribe y escribe, en una mezcla de asociación libre y provocación premeditada. Dicen por estos días que se lo ve inquieto, nervioso, ansioso, frágil: está frente a la primera exposición en un museo oficial que recorrerá su singular legado, esa obra en parte intangible que convoca el más diverso y antagónico cotorreo en el mundillo del arte. La muestra que inaugura el jueves 28 en el MAMBA se titula ¿Sentiste hablar de mí? y recorrerá treinta años de desfiles, diseños y espacios, con salas especialmente ambientadas.

INSTRUCCIONES PARA UN FUNERAL

Pero, ¿quién es realmente Sergio De Loof? ¿Un megálomano, un esnob, un ególatra, un artista entregado al vicio, que pide a los cuatro vientos whisky y cocaína? ¿Un redentor de los feos, los sucios y los malos? ¿Un esteta de la pobreza? ¿Un déspota? ¿Un mero excéntrico? ¿Un cultor del cirujeo de arte? “Mi padre, descendiente de inmigrantes, me enseñó que todo sirve. Él junta por la calle pedazos de cable, tornillos, arandelas, clavos que luego endereza. Es un gran secreto, una filosofía de guerra, de supervivencia”, dijo alguna vez. Su nombre y apellido hace eco en emblemas contraculturales de los ’80, gente como Omar Chabán o Batato Barea. De hecho, vivió un tiempo con Luca Prodan en la casona de la calle Alsina. Pero De Loof es bien noventas. Luego de su paso por Bellas Artes, irrumpió en la Bienal de Arte Joven de 1989 y consolidó su leyenda de gueto en la creación y apertura de sitios clave de la alta noche: Bolivia (1989), El Dorado (1991), El Morocco (1993), Ave Porco (1994)… El menemismo imponía su rancia y arrasadora cultura y, entre el ominoso remate de empresas públicas y el espejismo del uno a uno, De Loof dejaba levar la masa de su propia pizza con champagne. Todo lo mezclaba: la miseria y la riqueza, el tecno y la cumbia, la revista Vogue y las decoraciones con antigüedades compradas en cambalaches, en el Cotolengo Don Orione de Pompeya y en los depósitos del Ejército de Salvación. Especialista en recaudar dinero, De Loof supo seducir, convencer y hacer de la apropiación una filosofía artística. Al fin, son las enseñanzas de su padre, el secreto familiar: juntar basura por la calle, enderezar clavos. En Shanzhai. El arte de la falsificación y la deconstrucción en China, el pensador coreano Byung-Chul Han cuestiona la idea de la originalidad, habla de la apropiación de una forma o una idea y valida la copia. Para Chul Han la originalidad no es más que un estatus. Destaca el arte “como práctica comunicativa e interactiva que transforma incesantemente la apariencia de una obra” y dice que “la riqueza de los productos shanzai en ocasiones supera al original”.

“En la naturaleza no hay malas ni buenas personas, hay gente que se come a otra. O te dejás comer o te salen garras”.

AUTOR:

MANUEL ZABALA.

“Yo no fui under, no me vestía de negro, lo mío eran los colores flúo, rosa, celeste, verde...”

Fotografía tomada durante la presentación de su obra ¿Sentiste hablar de mí?, realizada en el 2019.

FIGURAS RELACIONADAS

“Habitualmente asisto a misa con atuendo de mujer y hasta ahora Dios nunca me echó de su casa.”

OBRAS RELEVANTES

Batato es reconocido en Argentina como puntal generacional del teatro y el movimiento underground de los años 1980, quien se autodefinía como “clown travesti literario”. Sin embargo, es difícil suscribir la figura de Barea solo a la de “artista teatral del underground”, puesto que su trabajo atravesó continuamente las barreras de todos los ámbitos, y abarcó una amplia gama de espectáculos: unipersonales, grupales, trabajos como director o en dúo/trío/equipo. Erigiéndose como canon de la performance en Argentina.

BOLIVIA - 1989

AVE PORCO Y MOROCCO - 1993

SENTISTE HABLAR DE MI? - 2020

“EL CAMINO ES EL ARTE, ESO TE LLEVA

A

LA BELLEZA, AL AMOR Y AL BRILLO.

TODO ESTÁ ESCRITO”...

Fotografía tomada durante la presentación de su obra ¿Sentiste hablar de mí?, realizada en el 2019.

EL ROL DE LA MUJER EN LA HISTORIA DEL ARTE

Las mujeres han sido protagonistas de infinidad de obras de arte a lo largo de la historia. Han sido las modelos y las musas quienes se mostraban en muchos de los cuadros más importantes de todas las épocas, como las señoritas de Avignon, las majas, la Mona Lisa, las venus o las prostitutas de Toulouse-Lautrec. Mientras algunas mujeres se dejan ver en las paredes de los museos, ¿qué pasa con aquellas que fueron silenciadas en la historia del arte?

“HAN SIDO SILENCIADAS Y SU

RESCATE DEL OLVIDO, AFORTUNADAMENTE RECUPERADO EN LOS ÚLTIMOS AÑOS, MERECE TODOS LOS EMPEÑOS”.

AUTORA: MARÍA MARTÍN

El Museo del Prado se marcó hace justo un año un tanto (con décadas de retraso, todo sea dicho) cuando dedicó por primera vez en sus dos siglos una exposición dedicada en exclusiva a una mujer.

La pintora flamenca barroca Clara Peeters fue la encargada de romper el tabú del patriarcado artístico. Para muestra, un botón: en la pinacoteca nacional hay obra de más de 5.000 hombres y tan solo de 53 mujeres. De las cerca de 8.000 pinturas catalogadas (expuestas y en los almacenes), solo cuatro de artistas mujeres se exhiben.

MACHISMOS DE SIGLOS PASADOS

La Historia del Arte la han protagonizado infinidad de féminas. Han sido modelos y musas. Las protagonistas de algunos de los cuadros más importantes de todas las épocas. Ahí están las señoritas de Avignon, las majas, la Mona Lisa, las venus, las bailarinas de Degas o las prostitutas de Toulouse-Lautrec. Son solo algunos ejemplos evidentes porque mientras las mujeres se dejan ver en las paredes de los museos, muy pocas son las que firman los lienzos que cuelgan de ellas. Cuenta Manuel Jesús Roldán en ‘Eso no estaba en mi libro de Historia del Arte’ (Almuzara) que la concepción decimonónica de la mayoría de los manuales del tema las excluyeron aunque hubiera mujeres retratistas de Corte, escultoras de cámara o pintoras religiosas. “Han sido silenciadas y su rescate del olvido, afortunadamente recuperado en los últimos años, merece todos los empeños”,

escribe en esta obra que recopila ‘anécdotas’ artísticas como aquellas obras cumbres del arte que en su momento fueron rechazadas y censuradas, los primeros selfies hechos al óleo, las facetas más escabrosas de algunos creadores y, sobre todo, recupera el nombre y la historia de varias de las artistas más importantes pero aún así olvidadas.

LAS ETERNAS OLVIDADAS BAJO UN SEUDÓNIMO

“Su existencia fue ciertamente reducida en muchas épocas, pero hay un buen número de nombres de mujeres que, en cada etapa de la historia, alcanzaron una fama y un reconocimiento público que fue posteriormente silenciado”, escribe Roldán. Mujeres que no aparecen en los libros de arte ni suenan en el imaginario colectivo por culpa, apunta, del concepto de Historia del Arte procedente del siglo XIX, “centuria en la que se vetó especialmente la independencia

EN LA SOMBRA

“No creo que exista un hombre que haya tratado a una mujer como su igual y es todo lo que pedí. Sin embargo, estoy segura que valgo tanto como ellos”, dijo hace tiempo la pintora Berthe Morisot. Si bien esta frase tiene más de un siglo de antigüedad todavía nos interpela. Es que, aún hoy, las mujeres luchamos por tener los mismos derechos y reconocimientos que los hombres.

En el campo del arte las desigualdades también están presentes, artistas talentosas fueron relegadas a segundo plano —o directamente olvidadas— por los historiadores. Un ejemplo de este tipo de memoria selectiva se ve en el Impresionismo. Este movimiento se caracterizó por la pintura al aire libre, no ocultar las pinceladas y los juegos de luz y color. Sus referentes más conocidos son Manet, Degas, Monet y Renoir, sin embargo, esta lista deja de lado a artistas que fueron igual de relevantes.

Dentro del Impresionismo hubo mujeres que practicaron este estilo de pintura, pero que debieron enfrentarse a dificultades que sus compañeros no tenían: les estaba prohibido el ingreso a la Academia de Bellas Artes de París y no podían asistir a clases donde se dibujasen desnudos ni pintar en espacios públicos. Pese a estas restricciones, ellas lograron abrirse camino en un mundo de hombres y transformar la historia del arte. A la sombra siempre de hombres que se imponían en la sociedad machista y conservadora de la antigüedad, estas mujeres tuvieron que luchar por su posicionamient, e incluso hay quienes muchos años después recién pudieron conseguir que su nombre resuene en el ámbito.

Si bien muchas cosas han cambiado, actualmente aún podemos notar algunos micro o macro machismos en el ámbito del arte y el diseñom está en nosotres aprender a entender que no está bien y a las mujeres que nos leen, sobre todo , que no se bajen los brazos en la lucha por el reconocimiento de nuestos trabajos creativos. Que ser mujer no sea una condición, más que una virtud.

AUTOR: ARTURO PÉREZ REVERTE

Entre otras cosas, la visión de muchos grandes hombres del arte que se despacharon con opiniones similares a la de Renoir nunca ayudó: “la mujer artista es sencillamente ridícula”.

creadora de la mujer por la moral burguesa reinante, relegó al género femenino a una condición hogareña casi exclusiva, marcando un canon casi exclusivamente masculino en las primeras publicaciones dedicadas al Arte”. Una discriminación que, además, se estandarizó cuando se crearon los grandes museos europeos. Tampoco ayudó la visión de muchos grandes hombres del arte que se despacharon con opiniones similares a la de Renoir: “la mujer artista es sencillamente ridícula”.

LA MUJER ARTISTA NO ES RIDÍCULA, RENIOR

¿El resultado? Una visión androcéntrica del arte que ha borrado a muchas pioneras que merecen un lugar destacado en nuestras conciencias artísticas. Empezando por Ende, considerada la primera pintora de la historia, una copista encargada de iluminar códices en el siglo X que ya firmó entonces “Ende pintrix et

Dei adiutrix” (Ende, pintora y sierva de Dios) el manuscrito del ‘Comentario al Apocalipsis del Beato de Liébana’ o por Hildegarda de Bingen, una monja benedictina que fue pionera en el campo de la música, la literatura y la pintura y que ya fue silenciada en su propia época. Roldán recopila el nombre de 14 mujeres imprescindibles de la Historia del Arte que no se quedan en las más conocidas como Frida Kahlo o Camille Claudel. El nombre de Sofonisba Anguissola quizás sea uno de los que más puedan sonar porque es la única mujer cuyas obras se pueden ver en las colecciones del Prado. Esta pintora renacentista cosechó muchos éxitos en su época. Miguel Ángel alabó su obra, Giorgo Vasari la incluyó en su diccionario con 133 biografías de artistas (todos hombres menos la escultora Properzia de Rossi y su mención), se hizo famosa en Italia, Van Dyck la retrató y fue pintora de la Corte de Felipe II (un retrato suyo del monarca está en el Prado), sin embargo como era

mujer no podía firmar sus obras, motivo por el cual muchas fueron atribuidas a hombres. ‘La partida de ajedrez’ es uno de los pocos cuadros que tiene su rúbrica, pero otras como ‘La dama del armiño’ hoy siguen generando debate sobre si es obra de su mano o de la del Greco.

MUJERES, ARTE Y PODER

También en la Italia del siglo XVI Lavinia Fontana fue una cotizada retratista, pero no solo por su reconocimiento sino que se convirtió en pintora oficial de la Corte del Papa Clemente VIII y también trabajó para el Palacio Real de Madrid. Quizás es la pintora más exitosa del Renacimiento y el Barroco, una pionera que realizó cuadros de desnudos de hombres y mujeres (en la época los estudios de anatomía estaban vetados para las mujeres) y en la conciliación: su marido dejó el trabajo para ocuparse de la casa y sus 11 hijos mientras ella sustentaba

Artistas como Angélica Kauffman,Marie Loise Elisabeth

Vigée Lebrun, Luisa Roldan o Artemisia Gentileschi, Berthe Morisot, Mary Cassat o Marie Bracquemond son reivindicadas en la actualidad.

Susana y los viejos es un cuadro de la pintora italiana Artemisia Gentileschi. Fue ejecutado en 1610.

Estas talentosas mujeres le han dado rienda suelta a su creatividad y habilidades en el mundo del diseño gráfico.

¿Sabías que fue Carolyn Davidson la encargada de diseñar el logotipo de Nike en el 1971? o ¿Qué Susan Kare diseñó muchos de los elementos de la interfaz original de la Macintosh de Apple? Con puro talento, dedicación y la creatividad de sobra, las mujeres están y siempre han estado brillando en el diseño gráfico.

Paula Scher es una diseñadora gráfica, ilustradora y educadora de Estados Unidos, la primera mujer en ocupar una posición directiva en Pentagram. Su trabajo con la tipografía empezó a comienzos de la década de los 80 y se basó en fuentes históricas del diseño, tales como

la economía familiar con sus pinturas. Mientras que ambas nacieron en ambientes artísticos, la vida de Judith Leyster fue completamente distinta. Esta artista holandesa del XVII era hija de un cervecero y la pintura apareció como un oficio necesario para sobrellevar las penurias económicas de la familia. Influida por Rembrandt, Vermeer, Frans Hals, su maestro, y la pintura caravaggista apenas hay una cincuentena de obras conservadas de ella porque dejó el arte cuando se casó, pero hoy sigue observándonos directamente a los ojos desde la Galería Nacional de Arte de Washington mientras pinta a un violinista. Otro de los grandes nombres del Barroco fue el de Artemisia Gentileschi, una pintora que “llegó a gozar de un notable consideración en la Italia del Setecientos aunque su fama decreció tras su muerte, llevándose al más profundo olvido

de su obra un siglo más tarde” en parte por la dispersión, la pérdida y las malas atribuciones. Fue la primera mujer admitida en la selecta Academia del Disegno florentina, lugar donde consiguió el mecenazgo de los Medici. La Galería de los Uffizi muestra una de sus obras, de clara influencia caravaggista, más reconocidas: ‘Judith decapitando a Holofernes’. En ella se representó en los rasgos de Judith y se vengaba de su preceptor artístico y agresor sexual, Agostino Tassi, retratándose como Holofernes.

Le llevó a un juicio por violación y, aunque fue desterrado, ella sufrió torturas y un humillante examen ginecológico para demostrar su inocencia. Es, para muchos, la primera pintora feminista de la historia y este año Roma le ha dedicado una gran exposición.

el constructivismo ruso, las tipografías desconocidas y poco usadas, y su imaginación, que por lo visto, era ilimitada. Directora de arte y diseñadora de varias disciplinas, Leta Sobierajski cuenta con un portafolio brillante que incluye trabajos para clientes bastante famosos, tales como Target, UNIQLO, Tate Modern, Bloomberg Businessweek y Google. Su estilo colorido y vívido es todo menos aburrido.

Jing Zhang tiene un portafolio que es tan alegre como colorido, con un estilo en sus diseños e ilustraciones que lleva ideas complicadas a imágenes digitales, las cuales parecen ser tanto simples como complejas, combinando detalles elaborados, infografías y mundos en miniatura.

En el año 1999, Vanessa Eckstein fundó Blok, empresa a la cual invitó posteriormente a Marta Cutler, quien ya tenía experiencia en agencias de publicidad, tales como MacLaren McCann y DDB. Con una gama variada de proyectos importantes, su estilo elegante y nítido tiene su base en el análisis de marca y el pensamiento conceptual. Nativa de Lituania, Indrè Klimaitè ahora vive y ejerce su profesión en Holanda, y es más conocida por un estilo gráfico y llamativo, que se refleja en sus palabras: “solo debería haber una idea visual, pero esta debe ser lo suficientemente impactante para que no se considere aburrida o predecible.” Con más de 130,000 de seguidores en Bēhan-

ce y siendo una de las socias en Sagmeister Walsh, Jessica Walsh sin duda alguna está teniendo mucho éxito y como si fuera poco, su trabajo ha ganado varios premios: La revista Forbes la nombró en su reconocida lista de personas menores de 30 años, ‘30 under 30’ y el Art Director’s Club (Club de Directores de Arte) la seleccionó como una de sus ‘Young Guns’.

Además de ser la host del podcast ‘Design Matters’, Debbie Millman es la presidente de diseño en Sterling Brands, donde ha trabajado en el rediseño de más 200 marcas, incluidas Pepsi y Nestle, increíble ¿no? Con este historial bajo su nombre, no es sorpresa que Graphic Design USA la haya nombrado “una de las diseñadoras más influyentes de la actualidad.”

¿El resultado? Una visión androcéntrica del arte que ha borrado a muchas pioneras que merecen un lugar destacado en nuestras conciencias artísticas.

La necesidad de expresar mensajes de manera gráfica ha estado siempre presente. A lo largo de la historia, el cartel se encuentra vinculado al movimiento y realidad de las ciudades, como un fiel reflejo de la realidad social, política y cultural en la que se encontraban sumergidos sus habitantes. Además, su evolución va de la mano de las necesidades de comunicación de cada momento y se ha ido desarrollando al mismo ritmo que los movimientos artísticos y los sistemas de impresión.

LOS 20’S

S. XX

Guerra Mundial: el auge de la propaganda bélica. A partir de 1914, el cartel se pone al servicio de las necesidades políticas y sociales, que en ese momento pasan por la propaganda bélica: carteles que anuncian el reclutamiento, que justifican la participación en la guerra, que buscan recaudar recursos o como proclama motivacional.

Las vanguardias artísticas llegan al cartel: Bauhaus, Art Decó y constructivismo. Terminada la guerra, comienza el resurgir artístico y comienza un movimiento de renovación en el diseño gráfico. En Alemania la escuela Bauhaus experimenta con carteles en los que la tipografía es la protagonista y se busca la legibilidad ante todo.

LOS 40’S

II Guerra Mundial: el auge del offset, en estos tiempos el cartel se pone al servicio de la propaganda bélica. De esta época datan algunos trabajos que, aunque no fueron tan populares en su tiempo, hoy en día son conocidos por prácticamente todo el mundo y se han convertido en un símbolo de la cultura popular: el We Can Do It! de J. Howard Miller creado por el gobierno británico en 1939 con el objetivo de subir la moral de los ciudadanos del país bajo amenaza de una invasión inminente.

1. Cartel ‘Tío Sam’, de J. M. Flagg (1914). 2. Cartel para la exposición Bauhaus en Weimar, litografía. Joost Schmidt, 1923. Bauhaus Archive Berlin. 3. Anuncio de la editorial Knigi, del retrato de Lili Brik, de Alexandre Rodtchenko, 1924. 4. “We can do it!” Poster de J. Howard Miller (1943) 5. “Stadt Theater Basel” Armin Hofmann (1962). 6. Saul Bass, The Human Factor (1979). 7. 74ª edición del Festival de Cine de Cannes, un homenaje a Spike Lee también realizado por el estudio de diseño gráfico Hartland Villa. 8. 75º edición del festival de Canes “The Truman Show”(2022).

Minimalismo y elegancia. La escuela suiza se convierte en referente del mundo del diseño gráfico. Los carteles se caracterizan por el minimalismo, la simplicidad y una composición excelente que pone a la tipografía como centro de todas las miradas. El uso del color es sutil, las tipografías sencillas y de palo seco, así como las formas, que dan como resultado una serie de carteles que tienen la elegancia como punto en común.

La psicodelia llega al cartel.La sobriedad de la escuela suiza contrasta con el colorido y las formas sinuosas que caracterizan el cartelismo de los años 70, que llevan el surrealismo y el arte pop por bandera. Vuelven formas orgánicas y el estilo recuerda mucho más a lo que se veía en la época del Art Nouveau que a las tendencias de los últimos años.

Actualidad: el cartel ya no es un cartel. Con la llegada de las nuevas tecnologías, aparecen nuevos soportes y nuevas maneras de consumir información. Ya no es indispensable el formato cartel como lo conocíamos hasta ahora, pues existen numerosas formas de acceder a la información de manera digital; sin embargo, este formato continua vivo y sigue siendo una de las maneras preferidas de comunicar.

Todas las imágenes utilizadas son de autoría de cada artista o diselñador, se ha retocado el color a blanco y negro o duotono, para que vaya con la estética de la revista.

LOS 50’S LOS 70’S 2020’S

LIBROS: JUJUTSU KAISEN

Jujutsu Kaisen - 2018

En publicación desde 2018, es la octava serie actual regular más larga con un total de 13 volúmenes. Su trama se caracteriza por un ambiente de psicodelia demoniaca escrito por Gege Akutami. Por su ritmo y estilo demuestran la conciencia de los personajes en el contexto que ha sido creado este manga, donde quien tiene el poder no titubea a la hora de cambiar el rumbo de historias tal vez prometedoras.

La historia trata de Yûji Itadori, un estudiante y atleta con increíbles habilidades físicas, pero prefiere pasar tiempo en un club de ocultismo de la escuela. No por gusto a la mística de lo sobrenatural, sino para estar ocupado y no visitar a su abuelo moribundo en el hospital. De un día para otro, fruto de la accidentada decisión de los miembros del club de ocultismo se despierta una terrible maldición. Itadori, guiado por Megumi Fushiguro, un joven estudiante de hechicería, y por las palabras de su abuelo en su lecho de muerte, acude rápidamente a las instalaciones para cumplir la última promesa familiar: utilizar su fuerza para ayudar a los demás. Sin embargo, la situación termina complicándose y se ve obligado a ingerir uno de los dedos de Ryômen Sukuna, el talismán maldito origen del desastre. Itadori logra revertir la situación, pero el precio a pagar es el de su propio cuerpo y alma. Ahí comienza la verdadera historia.

JUEGOS: STRAY

Desarrollado por BlueTwelve Studio y editado por Annapurna Interactive, cautivó todo internet al poner un gato como protagonista principal. Tierno, con una historia bastante convincente de cómo podría ser una sociedad futurista al estilo Cyberpunk pero sin personas, solo animales. El gato, por azares del destino, se separa de su familia mientras avanza por precipicios y tuberías hasta que llega a una ciudad en las profundidades donde reinan los robots. En el camino conocerá a B-12, una pequeña IA que le pide ayuda para permanecer en un cuerpo de forma estable. ¿Qué le ofrece al gato? La ayuda necesaria para volver a la superficie.

EXPOSICIONES: EXPERIENCIA VAN GOGH

“Van Gogh, experiencia de arte inmersiva”

Se trata de un espectáculo multimedia inmersivo para todo público que le permite al espectador adentrarse, literalmente, en las obras de Van Gogh y vivir una experiencia multisensorial acompañada de música y una voz que narra la vida y obra del pintor holandés. La exhibición presenta más de 70 obras emblemáticas del artista, combinando tecnología de vanguardia con piezas diseñadas a la perfección. Toda la superficie del salón principal está rodeada de imágenes impresionantes que sumergen a las y los invitados al interior de las pinturas, que cobran vida fuera del marco a través de proyecciones animadas.

PELÍCULAS: DAZED AND CONFUSED

Dazed and confused - 1994

Dirigida por Richard Linklater uno de los máximos referentes del cine independiente de los 90’s. Este título se considera de culto adolescente en su época, fue publicado en 1993.

Teniendo lugar en el último día de clases de 1976, la película nos presenta a varios personajes (cada uno de ellos muy particular y pintoresco) y su deseo de disfrutar al máximo el comienzo de las vacaciones, y el fin de una etapa para algunos. Está el que siendo aún un “freshman” quiere formar parte de los altos círculos de la escuela.

PODCAST: LA CRUDA

“La Cruda” con Migue Granados

“La Cruda” de Migue Granados es el primer podcast declarado de interés cultural. Tras una primera temporada completa y una segunda en curso en pleno auge, el popular humorista, músico y actor brinda una charla íntima con diversas personalidades.

¡Ah, ese frescor en la cara de no cumplir un deber!

Faltar es, positivamente, estar en el campo.

¡Qué refugio, que no se pueda tener confianza en uno!

Respiro mejor ahora que ha pasado la hora de las citas.

Falté a todas, con deliberación en el descuido, esperando esa gana de ir que ya sabía yo que no vendría. Soy libre frente a la sociedad organizada y vestida. Estoy desnudo, y me zambullo en el agua de mi imaginación. Es tarde para estar en cualquiera de los dos puntos donde debía estar a la misma hora, deliberadamente a la misma hora…

Pues bien, aquí me quedaré soñando versos y sonriendo en cursiva.

¡Es tan graciosa esta parte lateral de la vida! No consigo siquiera encender el cigarrillo siguiente…

Si es un gesto, que quede con los otros que me esperan en este desencuentro que es la vida.

FERNANDO PESSOA

https://issuu.com/martinaterlin/docs/proyecto_c_revista_dazed_entrega_final_tapas

¿TE SUBIS O TE QUEDAS?

ARTE Y DISEÑO