IRRUPCION CRIPTOARTE
digitales únicos que viene a desbancar viejas tradiciones en la
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REVOLUCION EN EL MUNDO DEL ARTE
El criptoarte aparece como un nuevo escenario que involucra intereses artísticos, tecnológicos, financieros y sustentables. Para hacer un paralelismo con algún advenimiento tecnológico, político y cultural de similares magnitudes en el pasado, se suele comparar con la aparición de la web. Si nos remontamos a aquel entonces, existen varios registros de entrevistas de la época donde se intenta dar innumerables explicaciones sobre el impacto que tendría y la manera en que afectaría nuestra vida diaria. Con el diario del lunes es fácil detectar que tal vez la dificultad radica en tratar de lograr una comprensión técnica del asunto. Haremos entonces un intento para, a través de nuestra experiencia, bajar la cuestión a tierra a través de conceptos básico. Hoy, la mayor fortaleza del criptoarte radica en la blockchain, una tecnología descentralizada, es decir, que no responde a una autoridad única y que permite almacenar datos de una manera casi imposible de falsificar. Permite certificar la propiedad y autenticidad de activos digitales como los tan renombrados NFTs. Por sus siglas en inglés (Non Fungible Tokens), los NFTs son activos digitales únicos que se sirven de esta tecnología. Un NFT puede ser cualquier cosa digital, desde un simple tuit, un meme, una canción, una obra de arte compleja, un momento icónico en el tiempo que alguien haya registrado y lo acuñe como tal. Cualquier contenido al que un creador considere que se le puede asignar un valor por el cual las personas estarían dispuestas a realizar un intercambio por ellos. Tomemos como ejemplo la industria musical. Un músico o compositor podría desarrollar una obra musical. Al acuñar la pieza como un NFT, el artista asigna un valor o lo expone a una subasta.
LA EXCLUSIVIDAD, SIEMPRE LA EXCLUSIVIDAD
Se presentan grandes cambios llenos de oportunidades, si bien hay cierto vértigo en animarse y aventurarse sin tener demasiado control sobre lo que va sucediendo. El mercado de arte online se dispara un 280% desde 2019 gracias a la irrupción del criptoarte. La mitad de transacciones se realizan a través de móviles y tablets y las redes sociales se han convertido en un nuevo epicentro de compra-venta. Apenas hace un año que se habla de los NFT (non fungible tokens) y ya han revolucionado el mercado tradicional del arte. Aunque un NFT no es más que un link, un contrato digital blindado con tecnología blockchain que garantiza la propiedad y autenticidad de una obra. Allí el artista establece también las condiciones de esa transacción asignando su propio porcentaje de regalías cada vez que la pieza es revendida a lo largo del tiempo, dejando asentada la propiedad intelectual de la misma. Estos son beneficios inéditos en la historia para los artistas y la relación con sus obras.
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¿QUE PASA CON LA OBRA MATERIAL?
Junto a los miembros de Ozono Producciones, pioneros en shows y experiencias en vivo con formato de exportación, lanzamos un proyecto llamado NFT Music Project Argentina, enfocado en el llamado a músicos y artistas curiosos, aquellos que necesitan ir siempre por más y están dispuestos a aventurarse en las oportunidades que se presentan. La iniciativa es un primer paso para abrir el juego a esta nueva tecnología, aprender juntos y analizar el mercado local. Para el equipo elegido, la experiencia propone la co-creación, composición y lanzamiento de un NFT en la tecnología blockchain. Cada miembro del equipo podría entonces contar con la propiedad intelectual de la pieza creada y con regalías en iguales porcentajes. Todo indica que estamos frente a un nuevo escenario de acción, con una tecnología que desembarca con un discurso de democratización del acceso al arte, producto de la descentralización. Un cambio ya en marcha que se extiende por grupos de Telegram, Twitter y Discord a una velocidad que no hemos visto antes. Haremos entonces un intento para, a través de nuestra experiencia, bajar la cuestión a tierra a través de conceptos básico. Hoy, la mayor fortaleza del criptoarte radica en la blockchain, una tecnología descentralizada, es decir, que no responde a una autoridad única y que permite almacenar datos de una manera casi imposible de falsificar. Permite certificar la propiedad y autenticidad de activos digitales como los tan renombrados NFTs. Por sus siglas en inglés (Non Fungible Tokens), los NFTs son activos digitales únicos que se sirven de esta tecnología
La aparición de los NFT supone una gran innovación no solo tecnológica, en el sentido de que es capaz de permitir a creadores de todo tipo trabajar directamente para el público, saltándose las fases intermedias de la venta y, de esa forma, adquiriendo un auténtico poder descentralizado sobre sus propias obras.
Los artistas pueden: Establecer una conexión directa con las personas interesadas en comprar arte o cualquier otra forma de obra digital, dejando obsoleto el concepto de galería para exponer y dar a conocer las obras. Pueden experimentar e ir más allá de las tendencias habituales de la industria del arte digital. Dado que no estamos más que al principio, aún quedan muchos formatos por explorar en el mundo de los NFT. Los artistas pueden recibir regalías para ganar un porcentaje de los beneficios cada vez que su trabajo se vende a un nuevo propietario.
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EL MERCADO DEL ARTE Y LAS CRIPTOMONEDAS
Es una gran oportunidad para todos. A los emergentes les permitiría crecer a una velocidad nunca vista encontrando su nicho de manera más directa con su audiencia y teniendo además el control sobre sus obras. A los consagrados los acercaría aún más a sus fans a través de acciones de fidelización. Las oportunidades son enormes para ambos. Volviendo en el tiempo, cuando surgió MTV fue una gran vidriera donde, además de escuchar, los fans podían ver a sus artistas favoritos. Involucrarse con las comunidades y participar activamente es la mejor forma de ser parte del nuevo mundo que se avecina. Nuestra meta es estar siempre preparados para lo que viene. Esto acercó a los músicos con sus seguidores y ayudó en la comercialización de sus obras. Creemos que estamos frente a un momento similar pero mucho más dinámico y en constante evolución, donde además hay un ida y vuelta casi instantáneo con la audiencia, que hoy tiene participación y puede decidir sobre los contenidos. Ya existen plataformas donde los fans tienen una participación en los ingresos de las reproducciones de sus músicos favoritos. Para Ozono como productora es una prueba para abrir el juego y ver hacia dónde nos conduce y poner lo que tenemos a disposición para experimentar este nuevo escenario de artistas.
Una vez aclarado que un NFT es un nuevo tipo de activo digital no duplicable y original, hay que saber que para comprarlos y después revenderlos se pueden usar varias divisas. En realidad, para comprar NFT en muchas otras plataformas hay que utilizar alguna forma de criptomoneda. He aquí algunas plataformas:
OpenSea el mayor mercado de NFT, que funciona como una galería online de obras. Opera como una casa de subastas, pero también tiene algunas obras con precio fijo.
Rarible plataforma muy conocida de compraventa de NFT. Aquí los artistas pueden crear y cargar sus creaciones entre música, arte digital y coleccionables
SuperRare es una plataforma donde los artistas venden trabajos artísticos digitales.
Foundation se centra principalmente en el arte digital.
Estos son solo algunos de los muchísimos mercados virtuales disponibles. No estamos más que al principio de los NFT: algunos todavía no los consideran más que una «burbuja especulativa», mientras que otros ven en ellos un auténtico renacimiento del arte digital. Solo el tiempo sabrá decirnos qué éxito tendrá este mercado. Mientras tanto, los artistas de todo tipo pueden seguir experimentando.
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Cada NFT tiene un valor y puede usarse como moneda de intercambio en el sentido de que es un bien digital que tendrá el valor que otros estén dispuestos a asignarle.
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Sergio DELOOF
Una obra ambulante, un alquimista que transformaba el cotolengo en arte contemporáneo, un príncipe-mendigo del under de los ochenta, noventa y más acá. Sergio De Loof, que pasó sus últimos años fumando en la cama, no temía a la muerte sino al olvido: antes que un velorio mediocre, su último deseo fue que sus cenizas sean arrojadas en Río de Janeiro. Su obra fue él mismo: una vida contra toda etiqueta, contra todas las caretas
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SENTISTE HABLAR DE MI?
Hoy pasa las noches y sus días metido en una cama de una casa del sur de la provincia de Buenos Aires. Como un náufrago en una balsa, desde z y hay en su acción performática una valoración de lo que queda afuera del sistema. Objetos y sujetos. Los marginales y marginados que no tienen dónde caer muertos habitan sus obsesiones. En una nota publicada en Soy , Laura Ramos dio en el centro de la paradoja-De Loof al evocar una exposición: “Estrella periférica como Evita", escribió Ramos, "De Loof torció el Riachuelo hacia la avenida Figueroa Alcorta: cuando lo invitaron a hacer una muestra en el Malba llevó como modelos a los chicos de su barriada, unos pibes de Alejandro Korn que nunca habían ido al centro.El desfile se llamó La comadre”. De Loof agregaba: “Quería compartir con ellos la felicidad de ir a ese museo tan hermoso, lo que a mí me daba la vida lo repartí. Madonna me ayudó a quererme con mi negrez y mi pobreza. Una de mis funciones en esta tierra es hacer cosas para que la gente sea feliz a pesar de su condición”. Eran también años fatuos, algo afectados. El acento del barrio te sale mal, cantaban los Redonditos: en ciertos antros, el habla coloquial se veía alterada por impostaciones castizas.La deriva nocturna porteña tenía resabios de movida madrileña. Se oía el ronroneo de los DJs y del rock sónico, pero también se palpaba la mezcla de capas sociales con el volumen cada vez más alto. Especialista en recaudar dinero, De Loof supo seducir, convencer y hacer de la apropiación una filosofía artística. Al fin, son las enseñanzas de su padre, el secreto familiar: juntar basura por la calle, enderezar clavos. En Shanzhai. El arte de la falsificación y la deconstrucción en China, el pensador coreano Byung-Chul Han cuestiona la idea de la originalidad, habla de la apropiación de una forma o una idea y valida la copia. Para Chul Han la originalidad no es más que un estatus. Destaca el arte “como práctica comunicativa e interactiva que transforma incesantemente la apariencia de una obra” y dice que “la riqueza de los productos shanzai en ocasiones supera al
original”. De Loof ha intervenido obras y ha obtenido suculentas fajos de dólares frescos en esos actos. Pensemos solo en su apropiación de “La Libertad guiando al pueblo”, de Eugéne Delacroix… Gajes de la proteica existencia de un reciclador serial. Como Manuel Puig, se dejó fascinar por el mundo de las estrellas de cine, también por la televisión y las revistas de moda. Ama tanto a Madonna como a Nini Marshall.
UN AUTODIDACT A DEL CONURBANO
Se regodea en su propia mitología, perfecciona los perfiles de artista único, pide fiesta y celebración, se ríe con la desolada tristeza del Joker de Joaquin Phoenix. Una de mis funciones en esta tierra es hacer cosas para que la gente sea feliz a pesar de su condición”. Eran también años fatuos, algo afectados. El acento del barrio te sale mal, cantaban los Redonditos: en ciertos antros, el habla coloquial se veía alterada por impostaciones castizas.La deriva nocturna porteña tenía resabios de movida madrileña. Se oía el ronroneo de los DJs y del rock sónico, pero también se palpaba la mezcla de capas sociales con el volumen cada vez más alto. Especialista en recaudar dinero, De Loof supo seducir, convencer y hacer de la apropiación una filosofía artística. Laura Ramos dio en el centro de la paradoja-De Loof al evocar una exposición: “Estrella periférica como Evita", escribió Ramos, "De Loof torció el Riachuelo hacia la avenida Figueroa Alcorta: cuando lo invitaron a hacer una muestra.
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Musas o S
Las mujeres han sido protagonistas de infinidad de obras de arte a lo largo de la historia. Han sido las modelos y las musas quienes se mostraban en muchos de los cuadros más importantes de todas las épocas, como las señoritas de Avignon, las majas, la Mona Lisa, las venus o las prostitutas de Toulouse-Lautrec. Mientras algunas mujeres se dejan ver en las paredes de los museos, ¿qué pasa con aquellas que fueronsilenciadas en la historia del arte?
El Museo del Prado se marcó hace justo un año un tanto (con décadas de retraso, todo sea dicho) cuando dedicó por primera vez en sus dos siglos una exposición dedicada en exclusiva a una mujer. La pintora flamenca barroca Clara Peeters fue la encargada de romper el tabú del patriarcado artístico. Para muestra, un botón: en la pinacoteca nacional hay obra de más de 5.000 hombres y tan solo de 53 mujeres. De las cerca de 8.000 pinturas catalogadas (expuestas y en los almacenes), solo cuatro de artistas mujeres se exhiben. La Historia del Arte la han protagonizado infinidad de féminas. Han sido las modelos y musas. Las protagonistas de algunos de los cuadros más importantes de todas las épocas. Ahí están las señoritas de Avignon, las majas, la Mona Lisa, las venus, las bailarinas de Degas o las prostitutas de Touluse-Lautrec. Son solo algunos ejemplos evidentes porque mientras las mujeres se dejan ver en las paredes de los museos, muy pocas son las que firman los lienzos que cuelgan de ellas. Cuenta Manuel Jesús Roldán en ‘Eso no estaba en mi libro de Historia del Arte’ que la concepción decimonónica de la mayoría de los manuales del tema las excluyeron aunque hubiera mujeres retratistas de Corte, escultoras de cámara o pintoras religiosas. “Han sido silenciadas y su rescate del olvido, afortunadamente recuperado en los últimos grandes hombres del arte que se despacharon con opiniones similares a la de Renoir: “la mujer artista es sencillamente ridícula”. ¿El resultado? Un visión androcéntrica del arte que ha borrado a muchas pioneras que merecen un lugar destacado en nuestras conciencias artísticas. Empezando por Ende, considerada la primera pintora de la historia, una copista encargada de iluminar códices en el siglo X que ya firmó entonces “Ende pintrix et Dei aiutrix” (Ende, pintora y sierva de Dios) el manuscrito del ‘Comentario al Apocalipsis del Beato de Liébana’ o por Hildegarda de Bingen, una
monja benedictina que fue pionera en el campo de la música, la literatura y la pintura y que ya fue silenciada en su propia época. Roldán recopila el nombre de 14 mujeres imprescindibles de la Historia del Arte que no se queda en las más conocidas como Frida Kahlo o Camille Claudel. El nombre de Sofonisba Anguissola quizás sea uno de los que más puedan sonar porque es la única mujer cuyas obras se pueden ver en las colecciones del Prado. Esta pintora renacentista cosechó muchos éxitos en su época. Miguel Ángel alabó su obra, Giorgo Vasari la incluyó en su diccionario con 133 biografías de artistas (todos hombres menos la escultora Properzia de Rossi y su mención).
GÉLICA KAUFFMAN, MARIE LOISE
ELISABETH VIGÉE LEBRUN, LUISA ROLDAN O ARTEMISIA GENTILESCHI, BERTHE
Se hizo famosa en Italia, Van Dyck la retrató y fue pintora de la Corte de Felipe II (un retrato suyo del monarca está en el Prado), sin embargo como era mujer no podía firmar sus obras, motivo por el cual muchas fueron atribuidas a hombres. ‘La partida de ajedrez’ es uno de los pocos cuadros que tiene su rúbrica, pero otras como ‘La dama del armiño’ hoy siguen generando debate sobre si es obra de su mano o de la del Greco. También en la Italia del siglo XVI Lavinia Fontana fue una cotizada retratista, pero no solo por su reconocimiento sino que se convirtió en pintora oficial de la Corte del Papa Clemente VIII. Y también trabajó para el Palacio Real de Madrid. Quizás es la pintora más exitosa del Renacimiento y el Barroco, una pionera que realizó cuadros de desnudos de hombres y mujeres (en la época los estudios de anatomía estaban vetados para las mujeres) y en la conciliación: su marido dejó el trabajo para
ocuparse de la casa y sus 11 hijos mientras ella sustentaba la economía familiar con sus pinturas. Mientras que ambas nacieron en ambientes artísticos, la vida de Judith Leyster fue complentamente distinta. Esta artista holandesa del XVII era hija de un cervecero y la pintura apareció como un oficio necesario para sobrellevar las penurias económicas de la familia.
Influida por Rembrandt, Vermeer, Frans Hals, su maestro, y la pintura caravaggista apenas hay una cincuentena de obras conservadas de ella porque dejó el arte cuando se casó, pero hoy sigue observándonos directamente a los ojos desde la Galería Nacional de Arte de Washington mientras pinta a un violinista.
La pintora barroca sigue haciendo historia cuatro siglos después y protagoniza la primera exposición de la historia de la pinacoteca nacional dedicada a una mujer. La pinacoteca nacional, aunque parezca increíble, dedica por primera vez una exposición en solitario a una pintora: Clara Peeters.Un nombre que quedará yagrabadoen la historia de la pinacoteca y de la cultura de estepaís como una pionera en un mundo de hombres. Una simbólica paradoja para quien ya lo fue en los albores del siglo XVII y lo vuelve a ser en este XXI. Esta pintora fue una de las pioneras de la pintura de bodegones y un importante miembro de la pintura barroca flamenca.
Otro de los grandes nombres del Barroco fue el de Artemisia Gentileschi, una pintora que “llegó a gozar de un notable consideración en la Italia del Setecientos aunque su fama decreció tras su muerte, llegándose al más profundo olvido de su obra un siglo más tarde” en parte por la dispersión, la pérdida y las malas atribuciones. Fue la primera mujer admitida en la selecta Academia del Disegno florentina, lugar donde consiguió el mecenazgo de los Medici. La Galería de los Uffizi muestra una de sus obras, de clara influencia caravaggista, más reconocidas: ‘Judith decapitando a Holofernes’.
En ella se representó en los rasgos de Judith y se vengaba de su preceptor artístico y agresor sexual, Agostino Tassi, retratándole como Holofernes. Le llevó a un juicio por violación y, aunque fue desterrado, ella sufrió torturas y un humillante examen ginecológico para demostrar su inocencia. Es, para muchos, la primera pintora feminista de la historia y este año Roma le ha dedicado una gran exposición. En el mismo siglo en España despunta la sevillana Luisa Roldán, hija del mejor escultor de segunda mitad del XVII de la capital
hispalense y más conocida como La Roldana. Dominó la talla de madera y barro, fue escultora de cámara de Carlos II y Felipe V y suyas son tallas como ‘Entierro de Cristo’, que se exhibe en el Met de Nueva York, o el gran 'San Miguel Arcángel' del Escorial. A pesar de su profusa actividad pasó muchas dificultades económicas y a su muerte su nombre también cayó en el olvido. La mujer que puso rostro a Goethe o Reynolds fue Angélica Kauffman, una pintora suiza neoclásica que alcanzó una gran fama en el siglo XVIII al igual que la francesa Marie Loise Elisabeth Vigée Lebrun, una de las retratistas más cotizadas de la época. “No aparecerá en los libros de Historia del Arte pero sí en los de Historia Universal: retrato a toda una corte de personajes cuyas cabezas acabarían cortadas en la guillotina de la
Revolución Francesa”, explica Roldán. Pintó, por ejemplo, a Lord Byaron o a María Antonieta hasta en 35 ocasiones. El primer retrato se lo hizo con solo 23 años. En el misógino siglo XIX hay nombres propios ya más reconocibles como los de Berthe Morisot, Mary Cassat y Marie Bracquemond, las tres mujeres de primer nivel que formaron parte del Impresionismo, al igual que la escultora Camille Claudel.
Atribuir obras de arte no es una ciencia exacta y a día de hoy se siguen descubriendo estas equivocaciones; un ejemplo de ello es El coloso de Goya que, como comunicaba el Museo del Prado en 2011, en realidad lo pintó Asensio Juliá. Pero no siempre ha sido por error. Los comerciantes de arte borraron la firma de Judith Leyster porque las obras firmadas por una mujer tienen menos valor que las de los hombres; y hace unos años, la artista Fumiko Negishi además de denunciar a Andrés de Felipe por despido improcedente, le reclamó que le reconociese la autoría y coautoría de varias obras que el artista habría exhibido y vendido sin reconocer su trabajo. Las dificultades que tenían las mujeres para dedicarse al arte, el miedo al menosprecio público o que se cuestionase su autoría empujó a muchas mujeres a dejar a un lado su identidad. Algunas optaron por firmar con seudónimos masculinos y otras dejaron ese campo en blanco.¿Esto quiere decir que a día de hoy es imposible tener éxito siendo mujer? Por supuesto que no, pero desde luego sigue siendo mucho más difícil, por eso una forma de echar una mano a las artistas femeninas es mostrar interés por su trabajo y hacer que el mundo las conozca.
Autor: Arturo Pérez Reverte
Ocurrió con Sofonisba Anguissola que algunas de sus pinturas fueron atribuidas a Titian.
Para autoretratos. No selfies
El NX mini con una pantalla de 3 pulgadas y lente de gran angular intercambiable
La necesidad de expresar mensajes de manera gráfica ha estado siempre presente. A lo largo de la historia, el cartel se encuentra vinculado al movimiento y realidad de las ciudades, como un fiel reflejo de la realidad social, política y cultural en la que se encontraban sumergidos sus habitantes. Además, su evolución va de la mano de las necesidades de comunicación de cada momento y se ha ido desarrollando al mismo ritmo que los movimientos artísticos y los sistemas de impresión.
Comenzó como un afiche de propaganda de guerra estadounidense en 1943, para levantar el ánimo de los trabajadores. En la década de 1980 que fue redescubierto, y su heroína ‘ Rosie, la remachadora,’ volvió a la fama como símbolo del feminismo y la emancipación política.
Los carteles soviéticos, uno de los más conocidos de la década de 1920 fue creado para la editorial soviética Gsizdat por Alexander Rodchenko. Muestra a Lilya Brik, un personaje destacado en la escena vanguardista rusa, gritando, “¡Libros!”
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AUTOR: ITALO MARTÍNEZ
El símbolo universal de la paz fue un diseño original de Gerald Holtom para el movimiento de desarme nuclear británico
Comenzó como un afiche de propaganda de guerra estadounidense en 1943, para levantar el ánimo de los trabajadores. En la década de 1980 que fue redescubierto, y su heroína ‘ Rosie, la remachadora,’ volvió a la fama como símbolo del feminismo y la emancipación política.
Miembros del Congreso Nacional Africano, incluidos Walter Sisulu y Nelson Mandela, fueron acusados de sabotaje contra el estado de apartheid. El Movimiento contra el apartheid creó este afiche, en campaña global en respuesta a los temores de que los acusados fueran condenados a muerte
Antes de representar la campaña presidencial de Obama de 2008, Shepard Fairey diseñó el afiche en un día y lo vendió en la calle él mismo. Su diseño muestra una simple paleta de colores azul, rojo y beige. ‘Esperanza’, ‘ Cambio’, ‘Progreso’ y otros lemas se utilizaron al pie de la imagen
How Design Makes the World, es un libro para acercar, introducir y/o explicar a todos aquellos interesados en el diseño como profesión o fenómeno creativo, qué es, cómo se hace, quiénes son sus agentes principales y por sobre todo, su papel crucial en el desarrollo de la civilización la cual la conocemos. El autor de esta atractiva obra es el escritor estadounidense Scott Berkun, un polifacético creador, experimentado diseñador y prolífico autor que en su legajo profesional figuran proyectos como Internet Explorer 1.0, Windows, MSN o WordPress. En definitiva, 210 páginas repletas de datos, anécdotas, experiencias, vividas o analizadas por uno de los diseñadores que ayudaron a diseñar el mundo en el que vivimos.
El creativo Gustavo Viselner es el autor del videojuego que, mediante la técnica del pixel art, pretende dar a conocer la película Atomic Blonde. Este videojuego de pixel art ha sido creado por el ilustrador Gustavo Viselner de Tel Aviv, Israel. El jugador podrá controlar los movimientos de los personajes para enfrentarse a las diferentes personas que tratan de golpearla, dispararla o apuñalarla. La acción se desenvuelve fundamentalmente en tres escenarios, todos ellos divididos a su vez en tres pisos. Para saber los diferentes peligros que esconde cada escenario, tan solo tienes que jugar.
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Blok Design es uno de los estudios más atractivos e interesantes de la escena actual. A través de una charla con su fundadora y directora, Vanessa Eckstein, intentamos dilucidar y entender las claves de su éxito. Repasamos algunos de sus proyectos más importantes y diferenciales, su forma de encararlos, su inspiración, sobre el futuro del papel, la actualidad del diseño, sobre la industria.
Takumi es la película que ha lanzado Lexus para diferenciarse de la competencia, mostrando un nivel de artesanía jamás visto en la construcción de automóviles. La película indaga en cómo la artesanía puede llegar a convivir con las industrias cada vez más autómatas y eficientes. La superioridad de los maestros takumi refleja la seguridad, la perfección, la distinción y la sofisticación que Lexus pretende trasmitir con sus automóviles.
¡Blanc!, el festival de diseño, creatividad e innovación de Barcelona se materializará los días 20, 21 y 22 de octubre en La Daurada de Vilanova Geltrú, ubicado en la costa Mediterránea. Cuenta con Conceptual como media partner oficial, ofrecerá una programación repleta de exposiciones, conferencias y masterclasses en torno al diseño y la creatividad presididas por profesionales internacionales
“Chermayeff es un excelente tipógrafo y un brillante artista gráfico. Su trabajo abarca, desde la maestría de la síntesis geométrica y la eficacia conceptual de sus logos, hasta la libertad con que maneja las formas rotundas y de brillantes colores de sus posters y collages. Desde el enorme y rojo número 9 de la 57th West Street
de Nueva York, hasta sus imaginativos dibujos para libros de niños”, Manuel Estrada. La obra de Ivan Chermayeff, sin duda uno de los iconos del diseño gráfico del siglo XX, forma parte de la memoria visual de toda una generación. La exposición, de entrada gratuita, está enmarcada en el programa Madrid Gráfica 2019.
