Focus Design 2025 - ita/eng

DESIGN FOR CHANGE

6 Dove nascono gli pneumatici: un viaggio dentro il quartier generale di Pirelli di Alessia Caliendo

14 Trame future. Storie tessili tra heritage e intelligenza artificiale di Giulia Marani

18 Progettare col sole. Intervista a Marjan van Aubel di Lara Gastaldi

20 Umano e non umano, la nuova alleanza di Sophie Marie Piccoli

22 10 anni di Zanat, artigianato e design insieme. Ma con un occhio al sociale di Giulia Marani

24 La Chiquita House quest’anno è disegnata da Sebastian Curi di Giulia Marani

anno XV | 83 | marzo — aprile 2025 Supplemento n. 3

A CURA DI Alessia Caliendo

EDITORIAL COORDINATOR Giulia Marani

DIRETTORE Massimiliano Tonelli

PUBBLICITÀ & MARKETING

Cristiana Margiacchi | 393 6586637 Rosa Pittau | 339 2882259

Valentina Bartarelli | 347 6590514 adv@artribune.com

EXTRASETTORE downloadPubblicità s.r.l. via Boscovich 17 – Milano via Sardegna 69 – Roma 02 71091866 | 06 42011918 info@downloadadv.it

REDAZIONE | EDITORE via Ottavio Gasparri 13/17 - Roma redazione@artribune.com

PROGETTO GRAFICO Alessandro Naldi

COVER Photographer Xavi Bou

STAMPA CSQ – Centro Stampa Quotidiani via dell’Industria 52- Erbusco (BS)

Registrazione presso il Tribunale di Roma N. 184/2011 del 17/6/2011 Chiuso in redazione il 24/3/2025

HANNO COLLABORATO: Carolina Chiatto, Lara Gastaldi, Cecilia Moltani, Giulia Mura, Sophie Marie Piccoli, Valentina Silvestrini, Giulio Solfrizzi, Giulia Zappa

2 Cent’anni d’arte e di progetto all’ADI Design Museum (anzi centodieci) di Giorgia Losio

28 Il dubbio della bellezza in mostra al Mudec Photo di Giulio Solfrizzi

30 Spazio Espositivo: Design Mutageno a cura di Alessia Caliendo

39 Coltivare esperienze,ospitare idee di Giulio Solfrizzi

40 In Belgio la prima galleria al mondo che si focalizza sul biodesign di Giulia Zappa

42 A Milano apre la BFF Gallery: un nuovo spazio per l’arte contemporanea di Carolina Chiatto

44 Progettare insieme per il bene comune. Focus sulla RDE-Roma Design Experience di ISIA Roma Design di Giulia Mura

46 Intelligenza artificiale e rigenerazione urbana: il Festival Rigenera - PIANO B da Reggio Emilia approda a Detroit di Valentina Silvestrini

47 Dallo Spazio all’AI: con Metamorphosis: Transfroming Italian Architecture si ragiona di futuro e trasformazione di Valentina Silvestrini

48 Andrea Roggi: un percorso tra arte, memoria e territorio in Italia e all’estero di Alessia Caliendo

Un Nuovo Progetto Residenziale In Un Palazzo Storico Di Milano di Carolina Chiatto

4 Voci dal Fuorisalone di Cecilia Moltani

DESIGN FOR CHANGE

Parlare di design come di un agente di cambiamento può sembrare banale. È passato mezzo secolo abbondante, infatti, da quando Victor Papanek scriveva che era lo strumento più potente che l’uomo avesse “per poter dare una forma ai suoi prodotti, ai suoi ambienti e, per estensione a se stesso”, e che una parte importante della disciplina consisteva proprio nell’analizzare le conseguenze dei nostri atti “nel passato e nel prevedibile futuro”. In un momento storico di profonde trasformazioni, però, ci è sembrato utile interessarci a progetti ed esperienze che puntano in qualche modo a cambiare le cose, alla scala dell’oggetto o a quella più ampia della città o del mondo.

In queste pagine, vi portiamo, per esempio, alla scoperta del lavoro di Aleor, la prima galleria al mondo che ha scelto di rappresentare esclusivamente artisti e designer impegnati nel valorizzare materiali di origine biologica, e dei giovani progettisti parte del progetto Making Kin di BASE Milano che cercano di ricucire la frattura tra l’uomo e le altre specie dando una lettura ancora più radicale e inclusiva del design for all. Vi presentiamo la “solar designer” olandese Marjan Van Aubel, madrina di un movimento che punta a incentivare la creazione di oggetti e device a energia solare gradevoli sul piano estetico e accessibili a tutti. Vi raccontiamo, ancora, l’avventura del marchio bosniaco Zanat che ha saputo traghettare un antico sapere artigianale nel presente grazie alla collaborazione con una serie di designer internazionali favorendo l’empowerment delle comunità locali.

Poiché anche l’occhio vuole la sua parte, abbiamo previsto anche dei viaggi per immagini: all’interno del quartier generale di Pirelli a Milano, un luogo ad alto tasso di innovazione; tra le novità del settore dei tessuti per l’arredamento, là dove un’attività ancestrale come l’intrecciare fibre vegetali viene continuamente reinventata; e attraverso le visioni di fotografi contemporanei che esplorano il potenziale mutageno del progetto, rivelando inedite connessioni tra tecnologia, ambiente e società, tra dimensione fisica e digitale, naturale e artificiale.

■ Alessia Caliendo e Giulia Marani

DOVE NASCONO

GLI PNEUMATICI: un viaggio dentro il quartier generale di Pirelli

Nel quartiere Bicocca di Milano, Pirelli ha trasformato un’ex area industriale in un polo di ricerca e cultura. Gli headquarters, accanto alla storica Bicocca degli Arcimboldi, rappresentano il legame tra passato e futuro. La Fondazione Pirelli, istituita nel 2008, custodisce un vasto archivio documentale e una biblioteca tecnico-scientifica, promuovendo la cultura d’impresa con programmi didattici dedicati a tecnologia, sostenibilità e design. Al centro dell’innovazione, il reparto R&D di Milano guida la progettazione con strumenti avanzati come l’intelligenza artificiale e il “digital twin”, riducendo del 30% i tempi di sviluppo e migliorando l’analisi delle prestazioni. Tecnologie che ridefiniscono il futuro della mobilità, raccontate da Artribune in un percorso fotografico inedito.

INTERVISTA A PIERO MISANI, CHIEF TECHNICAL OFFICER DEL GRUPPO PIRELLI

Collaborate con centri di ricerca, fornitori e case automobilistiche per anticipare le evoluzioni del settore. In quali ambiti questa sinergia sta portando i risultati più significativi?

Con oltre 2mila ingegneri, l’innovazione è il tratto che ci contraddistingue. Grazie al nostro approccio di Open Innovation, al lavoro di ricerca interno si affiancano le 60 collaborazioni con Università internazionali e fornitori di eccellenza nel mondo delle materie prime; a questo si aggiunge poi il rapporto privilegiato con tutte le case auto dei segmenti premium e prestige, che ci permette di vedere in anticipo i grandi trend della industria automotive.

Come vedete il futuro dello pneumatico?

Sarà legato sempre di più a connettività e sostenibilità. Sul primo fronte, Pirelli ha sviluppato la tecnologia Cyber Tyre: il primo sistema al mondo basato su pneumatici con sensori integrati che raccolgono dati e li trasmettono in tempo reale alle centraline del veicolo dove, grazie a software ed algoritmi proprietari, i dati vengono trasformati in funzionalità utili ai sistemi di controllo elettronici. Per ridurre invece l’impatto ambien-

PIETRE MILIARI

DELLE INNOVAZIONI PIRELLI

1872

Fondazione di G.B. Pirelli & C., prima azienda italiana a lavorare il caucciù

1894

Produzione del primo pneumatico per biciclette

1901

Nasce il Pirelli Ercole, primo pneumatico per auto

1985

Debutto del P Zero, nato nei rally e poi adottato per le supercar

2004

Pirelli HangarBicocca (istituzione di arte contemporanea)

2008

Creazione della Fondazione Pirelli, custode dellʼarchivio storico aziendale

2011

Pirelli diventa Global Tyre Partner della Formula 1

2017

Lancio della gamma Pirelli Cycling, con pneumatici per bici da strada e off-road

2024

Gli pneumatici High Value rappresentano il 76% del fatturato Pirelli

2030

Obiettivo carbon neutrality

2040

Obiettivo net zero emissions

tale, stiamo lavorando su materiali di origine naturale e riciclata, come nel caso del P Zero E, primo pneumatico ad alte prestazioni che adotta più del 55% di questi materiali di nuova generazione, con anche tripla classe A per efficienza energetica, sicurezza su bagnato e comfort acustico.

Pirelli risponde alle esigenze specifiche delle auto elettriche e ibride plug-in. Quali sono le principali sfide tecniche affrontate nella progettazione?

La mobilità sta vivendo una fase di rivoluzione mai vista prima, innanzitutto con la transizione verso l’elettrico. Anche se le EV somigliano per certi versi alle vetture tradizionali, hanno un funzionamento completamente diverso, così come lo sono le esigenze che i pneumatici devono soddisfare. Il pneumatico si trova a sostenere il maggior peso di un veicolo alimentato a batteria e a trasmettere a terra la elevata coppia istantanea tipica dei motori elettrici, che permette accelerazioni da supercar. Per questo sono stati progettati i pneumatici con tecnologia Elect, realizzati con struttura e materiali in grado di resistere a queste sollecitazioni e rispondere con maggiore sicurezza, risultando anche più durevoli.

Può indicarci le altre innovazioni che stanno emergendo per migliorare l’impatto ambientale senza compromettere le prestazioni? Oltre all’adozione di materiali riciclati e di origine naturale, per ridurre l’impatto ambientale l’azienda lavora con enti terzi che certificano le strategie in questa direzione. Ne è un esempio la gomma naturale certificata FSC che utilizziamo sia su prodotti stradali, sia nel motorsport, a partire dalla Formula 1. Grazie al lavoro di innovazione tecnologica, siamo anche riusciti a ridurre notevolmente il tasso di usura dei pneumatici, a beneficio della quantità dei materiali utilizzati. Infine, la resistenza al rotolamento, altro ambito di ricerca sul quale continuiamo a sviluppare prodotti che migliorano l’efficienza delle auto, mantenendo i più alti standard di sicurezza.

■ Alessia Caliendo

Photo Alessandro Truffa

TRAME FUTURE

Storie tessili tra heritage e intelligenza artificiale

La tessitura e l’intreccio di fibre vegetali sono tra le attività più antiche praticate dall’uomo, ma continuano a riservare sorprese. Abbiamo raccolto alcune esperienze interessanti a cavallo tra arte e design nel cui ordito è possibile leggere le ultime tendenze in materia di progettazione.

DEDAR E L’EREDITÀ DI ANNI ALBERS

Il passato non smette di ispirare la contemporaneità. Anzi, con l’aiuto delle tecniche più moderne riesce a parlare al presente in maniera inedita. Il “colpaccio” in questo senso lo fa Dedar, che in virtù di un accordo con la Fondazione Josef & Anni Albers riedita per la prima volta quattro opere tessili dell’artista e designer di scuola Bauhaus e produce un disegno finora rimasto sulla carta. Si tratta di cinque, in totale, tessuti jacquard che possono trovare diverse applicazioni nell’interior design, per esempio come rivestimento per delle sedute, tendaggi o pannelli decorativi. Questa operazione si colloca a cavallo tra i mondi dell’arte e del design, là dove Anni Albers ha trascorso gran parte della sua vita disegnando sia tessuti d’uso quotidiano che opere slegate da qualunque tipo di utilità pratica e motivate piuttosto da una potente necessità di espressione.

I MONDI FANTASTICI DI BGGB STUDIO

Una delle prerogative che accomunano l’artista e il designer è la capacità di vedere ciò che non c’è, o quantomeno non c’è ancora. In un momento storico nel quale l’intelligenza artificiale è sulla bocca di tutti, Sara Bologna e Luca Gruber con il loro neonato studio BGGB ne hanno fatto un uso intelligente. L’AI generativa li ha aiutati a immaginare l’aspetto delle nuove specie animali che popoleranno la Terra in un lontano futuro, dopo l’estinzione dell’uomo, creando una versione ultracontemporanea dei bestiari medievali in cui, proprio come accadeva allora, tutto si basa sul ricombinamento delle poche informazioni fattuali disponibili, in questo caso provenienti da database. L’arazzo Manoscritto di Arquà, fabbricato con l’aiuto del centro di ricerca e design tessile Lottozero di Prato, è stato da poco presentato a Bruxelles nell’ambito della fiera di design da collezione Collectible.

a sinistra:

BELGIUM IS DESIGN

Mathilde Wittock

@mwo_design

a destra: Dedar Annie Albers

UN TAPPETO D’ARTISTA PER TAI PING

Potrebbe essere definito come un affresco contemporaneo, invece, il tappeto monumentale Hong Kong Walk On I, realizzato dall’artista Stanley Wong, alias anothermountainman, con la manifattura Tai Ping e parte di una serie cominciata nel lontano 2001. La sua esecuzione ha infatti richiesto un procedimento molto particolare, con la suddivisione dell’area di lavoro, di sei metri per tre, in una griglia di 71.200 piccoli riquadri di 1,59 cm per lato e un totale di 628 cambi di colore. Il motivo si ispira alla tela di nylon bianca, rossa e blu onnipresente nell’ex colonia britannica restituita alla Cina e simbolo di dinamismo e resilienza.

SOSTENIBILITÀ E RICICLO, DAVID CHIPPERFIELD PER KASTHALL

Insieme al recupero dell’artigianalità e al dialogo con le arti figurative, un’altra tendenza

forte è all’utilizzo di materiali sostenibili, dai filati riciclati alle protezioni dei cavi elettrici e alle radici delle piante. L’azienda svedese Kasthall, per esempio, ha lanciato la prima collezione di tappeti a telaio in lana rigenerata, cioè realizzata a partire da fibra preesistente che viene rilavorata e convertita in un nuovo filato, in collaborazione con l’archistar David Chipperfield. Fasad si basa sulla stratificazione per ottenere un effetto strutturato che richiama la consistenza del mattone.

UNA SINFONIA DI MATERIALI

INCONSUETI DAL BELGIO

In fin dei conti, però, è possibile tessere quasi qualunque cosa. Nel panorama di Woven Whispers, la rassegna sul tessile portata dalla piattaforma di promozione del design belga Belgium is Design al Fuorisalone di Milano, abbiamo visto alcuni esempi degni di nota. L’Atelier La Gadoue, progetto al femminile

basato nella capitale, trasforma gli scarti della società dei consumi, in primis le camicie dismesse provenienti dai centri di smistamento, in “vetrate” fatte di tessuto. Emma Cogné recupera le guaine di plastica usate per proteggere i cavi elettrici e le intreccia fissandole su strutture di trampolini elastici dismessi creando curiosi tappeti rialzati. La biodesigner Mathilde Wittock crea a partire dalle radici di piante erbacee degli arazzi le cui texture cambiano a seconda delle condizioni di crescita dei vegetali e dei trattamenti post-raccolta.

■ Giulia Marani

PROGETTARE COL SOLE. Intervista a Marjan van Aubel

La progettista olandese, basata ad Amsterdam, ama definirsi una “solar designer”. In effetti, tutta la sua pratica ruota intorno a una risorsa accessibile a tutti gratuitamente, la luce del sole. L’abbiamo incontrata e le abbiamo chiesto di raccontarci la sua visione.

Ilavori di Marjan van Aubel combinano sostenibilità, tecnologia e design e si distinguono per un approccio innovativo che esplora il potenziale estetico e funzionale del solare. Con progetti come Sunne, Current Table e Power Plant, ha dimostrato come la luce del sole possa diventare un elemento esperienziale e interattivo. Nel suo libro Solar Futures: How to Design a Post-Fossil World with the Sun, la designer propone una nuova narrazione dell’energia solare, dimostrando che “sostenibile” può anche fare rima con “gradevole esteticamente” e “democratico”.

Partiamo dalla tua pubblicazione Solar Futures: perché hai sentito l’esigenza di raccontarti in un libro?

L’energia solare è incredibilmente affascinante e ha un enorme potenziale. Ho scritto questo libro per mostrarne le possibilità e mettere in luce gli sviluppi più innovativi. Il volume è strutturato in tre parti: passato, presente e futuro. Comprendere le basi dell’energia solare è fondamentale: dalla storia alla contemporaneità, passando per le innovazioni recenti, i progressi tecnologici e le storie di successo. La parte finale si concentra sul futuro, presentando idee

visionarie, ricerche all’avanguardia e tendenze emergenti. Spero di ispirare i lettori a immaginare il potenziale trasformativo dell’energia solare.

Quali sono oggi i maggiori ostacoli alla diffusione del solar design?

Lavorare in un settore a lungo dominato da un approccio tecnico è la vera sfida. L’energia solare è spesso associata a pannelli domestici oppure ad impianti fotovoltaici. Nei progetti a cui lavoro, non propongo tecnologie plug-and-play ma faccio un intenso lavoro di ricerca e sperimentazione. In passato, i costi elevati dell’energia solare hanno concentrato l’attenzione sull’efficienza e sulla riduzione dei costi, mettendo l’estetica in secondo piano. Con la crescente diffusione del solare negli ambienti quotidiani, anche l’industria ha iniziato a interessarsi maggiormente al design. Questo è un primo passo verso il cambiamento, ma c’è ancora molta strada da fare.

Quali innovazioni vedi come più rivoluzionarie?

Penso che il progresso più significativo sarà arrivare ad avere una narrazione che consideri l’energia solare con un approccio estetico e democratico. Per questo è nato il Solar Movement, per sfidare la percezione esistente e incoraggiare nuove opportunità. L’idea è che quasi tutto ciò che ci circonda possa avere una doppia funzione: non solo essere parte degli spazi abitativi, ma anche generare energia in modo attivo. Spero che in futuro venga considerato inaccettabile avere una casa che non sia in grado di produrre energia autonomamente.

In che modo l’energia solare verrà integrata nelle nostre case?

Nel tempo, il nostro rapporto con l’energia si è fatto più distante, e oggi ci rendiamo conto dei nostri consumi solo attraverso le bollette. Riscoprire da dove viene l’energia che consumiamo e trattarla con cura è un passaggio fondamentale, e le nuove tecnologie possono aiutare in questo processo. Ad esempio, utilizzare app come Sunne (un’applicazione lanciata da van Aubel che permette di controllare l’omonima lampada e i relativi consumi da remoto, n.d.i) per monitorare la produzione di energia solare può essere affascinante e istruttivo. Progettando tecnologie che rispondano ad esigenze umane e ambientali, è

possibile creare sistemi intelligenti ed efficienti. I sistemi di illuminazione solare potrebbero adattarsi ai cicli naturali e ai movimenti umani, distribuendo l’energia in base alle reali necessità e permettendo di consumare energia più consapevolmente.

Che cosa vuol dire essere una solar designer? Quali sono le sfide?

Essere una solar designer significa ripensare il modo in cui si interagisce con l’energia solare. L’obiettivo è integrarla in modo armonioso negli spazi urbani, migliorando sia la funzionalità che l’estetica. Nonostante si tratti di una risorsa abbondante ed economica, in Olanda l’attenzione

viene posta principalmente sul ritorno economico. Per superare questa mentalità, è necessario spingere i confini del design e invitare a una riflessione collettiva sui nuovi modi di integrare l’energia solare nella vita quotidiana. Non a caso, il movimento sta crescendo rapidamente: sempre più architetti, designer e perfino case automobilistiche si approcciano a questa visione.

■ Lara Gastaldi

Marjan van Aubel Sunne

UMANO E NON UMANO, la nuova alleanza

E se la smettessimo di progettare solo per noi stessi? È la domanda che si pone una nuova generazione di designer impegnata

nell’esplorare le “parentele” tra l’uomo e le altre specie con un approccio intersezionale. A Milano, il centro culturale BASE fa luce sulle loro pratiche

Nel suo testo Staying with the Trouble: Making Kin in the Chthulucene, Donna Haraway, filosofa statunitense autrice del celebre Manifesto Cyborg, evidenzia la necessità di un approccio relazionale rivolto alle dimensioni non umane per far fronte alle sfide del presente, scavalcando i confini specisti e gli antropocentrismi. Il concetto del making kin, fare parentele, costituisce una visione esistenziale sempre più urgente in un ecosistema complesso, sostenuta da altre voci della scena culturale internazionale, come quella dell’antropologa cinoamericana Anna Tsing, secondo cui l’esistenza del genere umano è da sempre caratterizzata dalla collaborazione con esseri di ogni tipologia, in quello che lei stessa definisce un “intreccio di esistenze”

MAKING KIN: “FARE FAMIGLIA” OLTRE LE BARRIEREDI SPECIE È da queste riflessioni che prende le mosse il progetto di BASE Milano Making kin, che si propone come un incubatore di espressioni sperimentali di arte e design evidenziando la necessità di un ricongiungimento collettivo anche con le specie non umane, dagli animali, ai vegetali, senza escludere le nuove tipologie di intelligenza che si affastellano nel nostro presente. “Nel 2025 la nostra programmazione ruoterà intorno al

Portrait Luca Boffi.

Photo Carlo Lombardi

fare parentele come atto intenzionale e creativo andando oltre le connessioni biologiche per costruire relazioni significative tra umani, altro che umani e più che umani. Questa esplorazione mira a ripensare le relazioni in una chiave ecologica e intersezionale, per creare nuove modalità di coesistenza e collaborazione, dove l’interdipendenza e l’alleanza sostituiscono la divisione e l’esclusione” afferma la direttrice artistica del centro culturale Linda Di Pietro

RELAZIONI DI CURA E GESTI GENTILI

Tra i progetti presentati durante la design week di aprile nella sezione Exhibit di We Will design, la piattaforma sperimentale inaugurata nel 2021, emerge quello di Jade Fritsch, Treatment for a Re-connection, nato da una ricerca sulla permacultura e la vita off-grid che orbita attorno alla

domanda: come possiamo soddisfare i nostri bisogni rimanendo in relazione con il pianeta che vive e respira? La risposta progettuale si concretizza nelle sedute dalle forme organiche in argilla, fibre e calce in grado di creare microclimi, seguendo il principio del riscaldamento localizzato: il calore percepito diviene quindi lo scambio gentile tra umano e non umano. Il progetto di Tatiana Efremenko e Eva Monestier, Web of Care, rintraccia le trame di cura nelle quali è intessuto il nostro mondo: l’installazione partecipativa invita il pubblico ad assorbire il network delle relazioni interspecie per poi contribuire alla definizione di un paesaggio collettivo di opinioni e gesti di cura che plasmano e trasformano la cartografia della parentela in cui siamo immersi. Ascolta la mamma è invece il confessionale cubico di 5m2 allestito da Cris Olmedo & QS Ventures per

Jade Fritsch, chair, Treatment for a Re-Connection . Photo Studio Mass

rintracciare il legame perso tra la presenza umana e l’ecosistema naturale che l’abbraccia. Nello spazio l’umidità e la presenza di piante, insieme con schermi che mostrano il tragico disequilibrio in cui siamo immersi, invitano il pubblico a ricordare il fragile legame che ci connette a Madre Terra.

SULLE ROVINE

DELL’ANTROPOCENE

Nel variegato palinsesto della sezione emerge Antropocore, il progetto di Carlota Gallo che scardina il paradigma del design moderno per farsi strumento di critica: il catalogo di materiali presentati, impregnati delle cicatrici del nostro presente, sussurra una storia di responsabilità etica e collettiva, promuovendo una dimensione circolare nella progettazione, produzione e fruizione del prodotto. Ad affiancare i designer vi sono i progetti degli atenei coinvolti, come Sys – Systemic Design Lab, in collaborazione con BEF – Biosystem, MICS, Politecnico di Torino e Università degli Studi diTRALE RI Firenze, che esplorano un approccio progettuale ispirato ai principi di simpoiesi e interdipendenza, invitando il pubblico a ripensare il design come un processo di co-creazione tra esseri umani, natura e sistemi viventi, riflettendo sulle nuove prospettive progettuali capaci di rigenerare il nostro ambiente.

CINQUE RESIDENZE D’ARTISTA

SUL VIVERE INSIEME

Negli spazi della foresteria, BASE allestisce Temporary Home, un inno all’atto di essere e stare, nel quale cinque artisti indagano attraverso progetti di residenza il significato dell’abitare collettivo. Processo e Funghi – The Garden Lab, l’installazione ideata da Aléa Work e Domaine de Boisbuchet, invita il pubblico a partecipare attivamente al dialogo interspecie tra esseri umani e funghi, in un percorso articolato tra giardino, laboratorio e spazio di gioco e sperimentazione. Il progetto, in costante evoluzione, permette di esperire la crescita e trasformazione delle entità ibride mediate dal micelio, in una relazione diretta con il mondo “oltre l’umano”.

■ Sophie Marie Piccoli

10 ANNI DI ZANAT, artigianato e design insieme. Ma con un occhio al sociale

Nel 2015, i fratelli Niksic hanno salvato un’antica tecnica di intaglio del legno dall’estinzione grazie alla collaborazione con una serie di designer internazionali. Con ricadute positive per il territorio, dall’iscrizione del sapere artigianale locale nelle liste dell’Unesco allo sviluppo economico.

Adagiata ai piedi delle montagne della Bjelašnica sul confine che separa la Bosnia dall’Erzegovina, immaginario ma ben percepito dagli abitanti delle due regioni storiche, la cittadina di Konjic è lontana, in tutti i sensi, dai grandi snodi del design contemporaneo. La sua principale attrazione turistica, più nascosta rispetto al minareto e al ponte ottomano con il suo inconfondibile profilo a schiena d’asino, è un enorme bunker antiatomico fatto costruire dal Maresciallo Tito per resistere a un eventuale attacco nucleare. Eppure, nonostante la posizione periferica e gli echi di conflitti antichi e recenti, è proprio qui che dieci anni fa è nata una delle esperienze più interessanti di rivitalizzazione dell’artigianato artistico grazie al design, e piano piano ha coinvolto l’intera comunità.

IL LEGNO, UNA QUESTIONE DI FAMIGLIA PER I NIKSIC

Questa storia comincia ufficialmente nel 2015, l’anno in cui Orhan e Adem Niksic fondano Zanat (“artigianato” in lingua bosniaca), ma le sue premesse sono molto più antiche. Il nonno dei due fratelli, infatti, aveva fondato già nel 1919 un’azienda che produceva mobili e oggetti decorativi di legno intagliati a mano secondo una tecnica tradizionale imparata da suo padre in un villaggio vicino. “Mio fratello ha studiato architettura e non ha mai avuto dubbi sul voler riprendere l’attività di famiglia. Io, invece, mi sono trasferito all’estero per studiare nel 1991 e poi ho intrapreso una carriera molto diversa”, spiega Orhan Niksic, che ha lavorato come economista per la Banca Mon-

diale. “Sentivo, però, che mi mancava qualcosa: un legame più profondo con il posto dove sono cresciuto”. L’idea di dare un twist contemporaneo all’artigianato tipico di Konjic e dintorni con l’aiuto di architetti e designer internazionali, e in questo modo fare da traino alla crescita della regione, alle prese, in quel momento, con tassi di disoccupazione giovanile altissimi, nasce durante una vacanza sull’isola di Korcula, in Croazia. Orhan e Adem si confrontano allora con l’amico Mark Bartolini, operatore umanitario e intagliatore per passione, e gettano le basi per il loro progetto.

DALLA BOSNIA AL MONDO NEL SEGNO DEL DESIGN

In quel momento, la linea di demarcazione tra design e artigianato, oggi sfumata grazie anche all’avvento di una nuova generazione di maker per i quali la gestualità riveste una grande importanza, è ancora ben marcata. “Nel frattempo il gusto è molto cambiato e il gesto manuale ha assunto un nuovo valore. Nessuno si domanda più se artigianato e design industriale possano convivere. Quando abbiamo lanciato la prima collezione ci chiedevano: perché?”, ricorda ancora Ni ksic. Sono

gli anni Dieci in cui l’hygge, una sorta di minimalismo caldo di ispirazione scandinava, comincia a fare scuola –nel 2016 un articolo del New Yorker lo consacrerà come la tendenza dell’anno, ma i segnali di crescita ci sono già tutti – e guardare verso nord appare come un’evidenza. Dopo un breve tentativo di esplorare la scena locale, nasce la collaborazione con una triade di progettisti scandinavi capitanata da Monica Förster, direttrice artistica di Zanat fin dalle prime battute. La “famiglia” si allarga progressivamente accogliendo diversi grandi nomi del progetto, da Michele De Lucchi a Jean Marie Massaud passando per Patrick Norguet, Sebastian Herkner, Ludovica e Roberto Palomba, Naoto Fukasawa e Yves Béhar.

SALVAGUARDIA DELLA

TRADIZIONE E IMPATTO POSITIVO SUL TERRITORIO

L’impegno prosegue poi lungo tre assi: il dialogo tra artigianato e design, la valorizzazione della tradizione locale e il riscatto economico e sociale del territorio.“Nel 2017 abbiamo guidato il percorso che ha portato all’iscrizione della tradizione dell’intaglio del legno di Konjic tra i patrimoni

immateriali dell’umanità Unesco. In seguito, abbiamo aperto un piccolo museo e una accademia per trasmettere questo sapere artigianale ai giovani evitando che si perda nel passaggio generazionale. Quando abbiamo cominciato l’età media degli intagliatori era molto elevata, adesso lavorano con noi circa 70 uomini e donne di tutte le età”, racconta l’ex esperto di sviluppo sostenibile diventato imprenditore.

“Cerchiamo di preservare anche le foreste, per esempio non buttando via nulla. Nella nostra produzione non ci sono scarti perché anche il più piccolo pezzo di legno di risulta viene utilizzato per realizzare accessori e altri prodotti, perfino i trucioli. In ogni caso, lavorare con le mani aiuta a conservare uno sguardo etico sulle cose perché richiede tempo e obbliga ad andare con calma, sviluppando una connessione forte con il materiale”.

■ Giulia Marani

LA CHIQUITA HOUSE quest’anno è disegnata da Sebastian Curi

Il mondo immaginato da Sebastian Curi nelle sue illustrazioni è tutt’altro che uno spazio asettico. È, al contrario, un posto brulicante di vita dove si muovono personaggi dalle silhouette imponenti e dagli abiti vivaci, colti in ogni genere di attività quotidiana, dallo sfrecciare su uno skateboard allo scrollare in maniera compulsiva sul telefonino. Chiamato da Chiquita a riversare un po’ di questo suo universo nelle stanze della Chiquita House, la “casa” immersiva che l’azienda della celebre banana apre al pubblico del Fuorisalone milanese, succedendo all’artista pop brasiliano Romero Britto, il graphic designer e illustratore argentino ha deciso di inglobare il frutto nelle istantanee della realtà contemporanea che tanto ama. “Negli ultimi anni mi sono occupato soprattutto di ritrarre

Dopo Romero Britto, è l’illustratore argentino a vestire la “casa delle banane” allestita dal celebre marchio a sua immagine e somiglianza, con gli spaccati di vita quotidiana che sono un suo marchio di fabbrica. Ci ha raccontato il suo intervento.

Chiquita iconico Pisa

le persone e il luoghi intorno a me, sviluppando un progetto artistico che mette al centro le persone e le loro routine”, spiega ad Artribune. “Portare a spasso il cane, controllare il proprio smartphone o fare la fila per prendere un caffè sono tutte scene della vita moderna che ho cercato di rappresentare. Questa volta, Chiquita mi ha chiesto di mettere le banane in primo piano. Ho pensato a colori vibranti e temi popolari: una ragazza che disegna sul pavimento o un ragazzo che prende uno spuntino. L’elemento tropicale ha creato una struttura nel disegno, permettendomi di improvvisare su una molteplicità di situazioni e divertirmi con il tema”.

CHI È SEBASTIAN

CURI, ARTISTA MILLENNIAL AMANTE DEL COLORE E DEI SOGGETTI “GIOIOSI”

Nato a Buenos Aires nel 1986, Sebastian Curi si è trasferito da alcuni anni a Los Angeles dove lavora su diverse scale, dal murale lungo svariati metri alla piccola GIF animata, preferendo il disegno e la pittura su carta ai programmi informatici, che pure conosce e usa per sperimentare, e gli oggetti concreti agli artefatti digitali. Un altro tema che lo interessa molto, oltre ai momenti rubati nella quotidianità, sono le mani, giganti, coloratissime e ritratte in tutte le posizioni immaginabili. Nel suo curriculum figurano collaborazioni con marchi molto conosciuti come Apple, Nike o Zara e con realtà editoriali prestigiose come il New York Times. Le sue fonti di ispirazione spaziano dalla cultura alta – i libri e le arti visive, con una predilezione per la pittura di Stuart Davis, Ellsworth Kelly e Keith Haring e un interesse sviluppato di recente per i murales di Diego Rivera – ai social media, che riconosce aprano “una finestra su un’infinità di immagini”, e alle atmosfere del suo paese natale. “Ma è difficile individuare con precisione da dove provengano le influenze”, chiarisce. “Il processo creativo è qualcosa che si scopre strada facendo ed è molto fluido. Se dovessi azzardare, direi che il mio senso del colore, la tendenza a improvvisare e la natura gioiosa dei temi che scelgo hanno un sapore molto latinoamericano”.

LA CHIQUITA HOUSE FIRMATA

SEBASTIAN CURI, INTERATTIVA CON UN PIZZICO DI IRONIA

All’interno della Chiquita House di via San Marco, a Brera, i visitatori trovano un’infilata di ambienti interattivi ispirati alle opere di Sebastian Curi che riprendono la campagna pubblicitaria Pop by Nature da lui realizzata, e diverse opportunità per tornare un po’ bambini. Giocando a trasformarsi in banane antropomorfe grazie a un wall digitale, per esempio, oppure usando un generatore di bollini adesivi personalizzati. “Avere un’opportunità del genere è davvero

speciale. Per un artista è molto raro poter creare opere che riempiono intere stanze. Sono stato abbastanza fortunato da poterlo fare un paio di volte. Una delle mie esperienze preferite è stata con il Centro Cultural Recoleta a Buenos Aires: mi chiesero di disegnare ispirandomi al tema dell’amore e realizzammo una serie di illustrazioni che poi vennero applicate non solo sulla facciata dell’edificio, ma anche su magliette, sedie, cuscini, poster, spille e molti altri supporti ancora”.

■ Giulia Marani

Sebastian Curi, Chiquita Pop by Nature

Cent’anni d’arte e di progetto all’ADI Design Museum (anzi centodieci)

Dalla frenesia futurista alla progettazione industriale fino alle recenti tendenze del collectible e del collezionismo low-cost: il Museo del Compasso d’Oro costruisce un lungo racconto attraverso le epoche decisive del design italiano alla ricerca di scambi e affinità elettive con le arti visive.

“Se c’è una ragione per la quale esiste il design, la ragione – l’unica ragione possibile – è che il design riesca a restituire o a dare agli strumenti e alle cose quella carica di sacralità per la quale gli uomini possano uscire dall’automatismo mortale e rientrare nel rito”, sosteneva Ettore Sottsass. Se il rapporto tra l’oggetto e la sua funzione è sempre stato centrale nel design, intorno c’è tutto un mondo: la volontà di apportare un miglioramento alla condizione umana, il rapporto con la società e con l’evoluzione del gusto, il dialogo pressoché costante con le arti visive. La mostra Best of Both Worlds: ITALY. Arte e Design in Italia 1915 – 2025, allestita all’interno dell’istituzione museale creata intorno al repertorio di progetti appartenenti alla collezione storica del premio Compasso d’Oro dal 1 aprile al 15 giugno, parte dal futurismo per indagare una costellazione di oggetti che, nell’arco di oltre un secolo, hanno contribuito a plasmare l’estetica del nostro quotidiano.

IL DIALOGO TRA DESIGN E CULTURA VISIVA

Lo scrittore e designer Stefano Casciani, curatore della rassegna, ha voluto esplorare il legame profondo del design italiano con le arti visive e il dialogo colto e utopico tra le due discipline che rende unica l’esperienza italiana. “Questa mostra è il punto di arrivo di una lunga serie di studi, ricerche e sperimentazioni tra arte e progetto che – dalle avanguardie storiche ad oggi – abbiamo condotto in molti per rivoluzionare l’immagine dell’oggetto, non più solo strumento funzionale ma protagonista della cultura visiva”, afferma. Negli spazi postindustriali del museo, utilizzato negli anni Trenta sia come deposito di tram a cavallo sia come impianto di distribuzione di energia elettrica, si susseguono le stanze tematiche dove trovano posto anche tanti materiali inediti che svelano il pensiero progettuale dietro il design italiano e il suo dialogo costante con l’arte. La stagione pop di Joe Colombo rap-

BEST OF BOTH WORLDS: ITALY. Arte e Design in Italia 1915 – 2025

1 aprile – 15 giugno

Adi Design Museum

Piero Manzoni, Corpo d'aria n. 44, 1959-1960 Courtesy of Fondazione Manzoni

Matteo Zarbo

Piazza Compasso d’Oro, 1 Milano

Photo

Nathalie Du Pasquier, Untitled , 2024 Ph. Alice Fiorilli, Courtesy the artist and Apalazzogallery

presenta un importante passaggio, così come le istanze radicali e il lavoro dei collettivi Alchimia e Memphis. L’analisi si sofferma anche sull’evoluzione del design nell’era digitale e sulla sua tendenza “scultorea” con le ricerche di autori quali Gaetano Pesce e Nathalie Du Pasquier, che propongono una riflessione sui nuovi orizzonti dell’immagine e dell’oggetto contemporaneo.

DAL FUTURISMO AI PEZZI UNICI PER IL MERCATO DELLE GALLERIE E AL COLLEZIONISMO “ACCESSIBILE”

L’arte popola le sale della mostra attraverso opere di artisti che hanno indagato il tema nei diversi aspetti della loro produzione come Michelangelo Pistoletto, in mostra con Telefono, che da anni sostiene come l’arte sia l’espressione primaria, più sensibile, della creatività umana e, di conseguenza, il riferimento costante di ogni attività culturale, economica e sociale. Ad aprire il percorso, che può essere seguito in ordine cronologico (entrando dall’ingresso principale del Museo) oppure a ritroso (da via Bramante) c’è un disegno di Umberto Boccioni dalla collezione del Castello Sforzesco, importante perché è uno dei primi lavori di ispirazione futurista dell’artista.“Nella prima stanza troviamo anche la ricostruzione di un ambiente di Casa Zampini a Macerata, un interno progettato da Ivo Pannaggi, un futurista un po’ eterodosso che ha studiato al Bauhaus e vissuto a lungo in Norvegia”, spiega ancora Casciani. Nella penultima stanza si affronta un fenomeno alla moda, quello del collezionismo di oggetti di design. “Ci sono due aspetti, quello che rozzamente viene chiamato art design, cioè i pezzi progettati fin dall’inizio perché se ne faccia una piccola tiratura, e quello che ho chiamato collezionismo low-cost, un fenomeno abbastanza ampio che racchiude diversi esempi di integrazione tra arte e design di serie: gli Swatch con la direzione artistica di Matteo Thun e di Alessandro Mendini, i 100 vasi dello stesso Mendini per Alessi, le tazzine Illy Art Collection... La chiusura vera e propria, però, si ha con una serie di vasi da fiori d’artista. Un oggetto che è un concentrato di design, con una funzione molto semplice ma poetica, e si presta a infinite interpretazioni”.

■ Giorgia Losio

IL DUBBIO DELLA BELLEZZA in mostra al Mudec Photo

Lo spazio espositivo dedicato alla fotografia

d’autore ospita un viaggio negli immaginari dei più importanti autori degli ultimi due secoli in sessanta scatti, alla ricerca del bello che non si riesce mai ad afferrare del tutto.

LA BELLEZZA È UN CONCETTO CHE NEL CORSO DEI SECOLI HA DIMOSTRATO DI ESSERE LABILE. Solo pensando agli indumenti ritenuti “belli”, nel XVIII secolo la ricchezza di broccati e silhouette prorompenti conferivano un certo fascino alla donna, mentre un secolo dopo era la linearità del vestire e dell’apparire a dettare i paradigmi del gusto estetico. Viene da sé che non si tratti di un sapere oggettivo ma, piuttosto, che si dovrebbe parlare di “dubbio della bellezza”, come lascia intendere il titolo della mostra Deep Beauty. Il dubbio della bellezza presso il Mudec Photo di Milano, possibile grazie al sostegno di KIKO Milano e alla collaborazione con la stessa istituzione museale, il Comune di Milano e 24 ORE Cultura (che ha pubblicato il catalogo).

IL PERCORSO DELLA GRANDE RASSEGNA FOTOGRAFICA

In scena dal 5 aprile al 25 maggio 2025, aperta al pubblico senza prenotazione, questa esplora il bello attraverso più di sessanta capolavori: dalla fotografia alla video art, fino all’impiego dell’AI. Artisti quali Marina Abramović, David Hockney, Michel Comte, David LaChapelle, Michelangelo Pistoletto, Helmut Newton e Robert Mapplethorpe sono pedine che tracciano una mappatura delle infinite declinazioni della bellezza, e delle sue trasformazioni contemporanee, negli ultimi due secoli. Come racconta il curatore Denis Curti, “il percorso comincia cronologicamente con Julia Margaret Cameron, fotografa inglese attiva a metà Ottocento, rappresentante di spicco del movimento pittorialista che, con le sue fotografie dominate da atmosfere preraffael-

lite, colleziona un abbecedario emozionale dei sentimenti umani e si conclude con due filmati realizzati con l’intelligenza artificiale da Alberto Maria Colombo e David Szauder. Il primo è incentrato su come le emozioni possano essere il vero denominatore comune abile nel riunire, sotto il mantello dell’espressività, tutta la specie umana; il secondo è invece direzionato a operare un ribaltamento della fusione affettiva che spesso si verifica tra uomo e animale domestico”.

UNA MOSTRA,

SEI SEZIONI: TRASFIGURAZIONI E INCANTI

Fotografie, installazioni e video installazioni si articolano in sei sezioni che approfondiscono il concetto di bellezza e la sua mutevolezza.

Trasfigurazioni, ad esempio, accoglie lo spettatore con soggetti modificati, camuffamenti corporei, identità multiple e identità celate, sguardi deformi e rimodellati. Ogni scatto, che spazia da Rankin a David LaChapelle, sintetizza il principio alla base della creazione di parabole destinate ad essere impiegate attivamente in un processo di maggiore consapevolezza. Che continua nella sezione Incanti popolata da sogni e desideri che trovano in autori quali Ugo Mulas la propria valvola di sfogo.

VERTIGINI E LABIRINTI

Vertigini e Labirinti, invece, sono rispettivamente dedicate alla poetica del “non detto” che gioca sulla dualità sedurre o essere sedotti, guardare o essere guardati, e a ciò che si cela dietro l’ignoto: incertezza, perdizione, fascino, bisogno di libertà, l’enigma della stessa esistenza. Qui Gian Paolo Barbieri e Helmut Newton, volendo citare solo due degli autori, si danno il cambio con Steven Meisel e David Hockney.

on left: © Maisie Cousins, courtesy Tj Boulting up: Marilyn Monroe, Crucifix III, The Last Sitting® 1962

©BertSternTrust / courtesy Paci Contemporary Gallery (BresciaPorto Cervo, IT)

NUOVI MONDI E ARTIFICI

La bellezza, per alcuni, supera anche i confini della realtà superando il limite tra vita vera e fittizia. I Nuovi mondi di Juno Calypso e Carolyn Drake, come quelli di altri, sono abitati da meta-umani o soggetti che colpiscono per la loro carica di autenticità. La rielaborazione della loro forma è spinta all’estremo per renderli simboli dell’autodeterminazione contemporanea. Di contro, c’è chi decide come qualcuno o qualcosa debba apparire. Ad esempio, in Artifici, Michelangelo Pistoletto e Marina Abramović riprendono immagini consecutive nell’attimo in cui sembrano prendere vita, forme che escono dai margini del frame per invadere lo spazio fisico: sono opere che proiettano il concetto di bellezza oltre la bidimensionalità fotografica per avvicinarsi alla tridimensionalità della realtà.

■ Giulio Solfrizzi

SPAZIO ESPOSITIVO

Design mutageno

Dario Miale

Lisa Jahovic

Xavi Bou

Fabrizio Albertini

Nico Palmisano

■ A cura di Alessia Caliendo

Il design, inteso come strumento di trasformazione, ridefinisce il rapporto tra tecnologia, ambiente e società. Questa edizione di Spazio Espositivo esplora il potenziale del progetto come agente di mutazione, analizzando il contributo di artisti e fotografi nella ridefinizione di spazi, oggetti e sistemi urbani. Attraverso approcci transdisciplinari e l’impiego delle nuove tecnologie, la ricerca visiva traccia inedite connessioni tra fisico e digitale, naturale e artificiale.

Chi sono i fotografi selezionati per Spazio Espositivo

Dario Miale

è un fotografo pugliese attivo nel campo della fotografia commerciale e della ricerca visiva. Nel 2013 ha co-fondato, insieme al ceramista Giorgio Di Palma, il progetto multidisciplinare Sano/Sano, che affronta tematiche sociali con un approccio ironico. Il suo lavoro è stato pubblicato su riviste nazionali e internazionali e presentato in numerose mostre collettive.

Beni Bischof

è un artista svizzero il cui lavoro si distingue per un linguaggio visivo intuitivo e ironico. Attraverso collage e interventi su materiali stampati, rielabora immagini tratte da libri, riviste e pubblicità per riflettere in chiave critica sulla banalità della quotidianità. Le sue opere sono state esposte in istituzioni come il Museum of Contemporary Art di Bordeaux e Sommer & Kohl a Berlino.

Lisa Jahovic

è un’artista multidisciplinare britannica con base a Londra. La sua ricerca si concentra sull’antropomorfismo, esplorando la dimensione performativa della fotografia e il rapporto tra oggetti quotidiani e narrazione visiva. Alternando fotografia, cinema e scultura, crea composizioni in cui il banale assume nuove connotazioni poetiche. Tra i suoi progetti recenti figurano la mostra personale The Third Drawer presso Flowers Gallery e la partecipazione a Photo London e Paris Photo nel 2024. Il suo lavoro è stato pubblicato su testate internazionali come The Guardian, British Vogue e Zeit Magazine.

Xavi

Bou

Nato a Barcellona, Xavi Bou ha un background in Scienze Naturali e Fotografia. Dopo aver lavorato per 15 anni nella fotografia di moda e pubblicità, ha sviluppato il progetto Ornithographies, che dal 2015 esplora le traiettorie invisibili degli uccelli in volo attraverso un metodo innovativo di visualizzazione. Il suo lavoro, a metà tra arte e scienza, è stato esposto a livello internazionale e pubblicato da riviste di prestigio. Attualmente sta ampliando la sua ricerca verso nuovi soggetti e tecniche, con l’obiettivo di sensibilizzare il pubblico sulle tematiche ambientali.

Gregoire Grange

racconta la realtà senza artifici, lasciando che l’ordinario si esprima con naturalezza. Fotografo di Bordeaux, non cerca di trasformare il quotidiano in qualcosa di straordinario, né di renderlo più vivace o surreale. Il suo sguardo si posa sulle cose semplici: auto parcheggiate, caffè vuoti, dettagli apparentemente insignificanti come un bicchiere di McDonald’s abbandonato durante un viaggio negli Stati Uniti. Nulla viene enfatizzato o idealizzato, e proprio in questa sincerità risiede la forza delle sue immagini. Perfettamente composte, restituiscono frammenti di vita che ci appartengono, rivelando la bellezza discreta dell’ordinario.

Fabrizio Albertini

Regista e fotografo nato nel 1984, Fabrizio Albertini si è diplomato in Regia e Produzione presso il Conservatorio Internazionale di Scienze Audiovisive di Lugano. I suoi lavori sono stati selezionati da festival cinematografici internazionali, tra cui il Festival del Film di Locarno e il Solothurner Filmtage, e le sue serie fotografiche esposte presso istituzioni come Aperture Foundation (New York) e SK Stiftung Kultur (Colonia). Ha pubblicato diversi libri fotografici, tra cui Diary of an Italian Borderworker (2016) e Il Giardino (2024). Il suo lavoro si muove tra documentario e finzione, indagando il rapporto tra immagine e narrazione.

Nico Palmisano

si avvicina alla fotografia nel 2015, dedicandosi allo studio della comunicazione visiva. Laureatosi in Fotografia presso lo IED di Roma, attualmente frequenta la specialistica in Progettazione Grafica ed Editoriale per la Fotografia presso l’ISIA di Urbino. Palmisano utilizza la fotografia per indagare fenomeni sociali e territoriali, esplorando la relazione tra paesaggio, identità e trasformazione dello spazio.

Coltivare esperienze, ospitare idee

Durante la design week al NYX Hotel Milan va in scena seMi, un progetto che parla di crescita, personale e collettiva, e di design. C’è anche un workshop per progettisti in erba

Un ecosistema dove idee, creatività e connessioni umane germogliano e crescono a partire da semi “digitali”. Non è un sogno, ma l’iniziativa del NYX Hotel Milan by Leonardo Hotels inserita nella guida e nella mappa degli eventi del Fuorisalone 2025. Nello specifico, dal 7 al 13 aprile si tengono esposizioni e workshop interattivi ospitati negli spazi nell’hotel, mentre l’11 aprile si procede con una degustazione di vini a cura di Francesca Carannate.

UN SEME DIGITALE

AL NYX HOTEL MILAN

Questo ambizioso progetto prende il nome di seMI. Grazie al sostegno di Barone Italia e insieme a Interior Design Milano, Orografie e D’ORO COLLECTION, il concetto di crescita viene trasformato in un’esperienza tangibile per i visitatori che diventano parte attiva, guidati in un viaggio interattivo che fa incontrare natura, artigianato e tecnologia valorizzando al contempo sostenibilità e design consapevole. Ciò comporta che i momenti di aggregazione per i visitatori siano tanti, al pari delle aree allestite al NYX Hotel Milan. Innanzitutto, ogni persona riceve un “seme digitale”, ossia un QR code personalizzato che le consentirà di scoprire gli eventi, i progetti e i designer partecipanti a connettersi, approfondire il significato di ogni opera esposta e scoprirne il valore della filiera produttiva.

LE

OPERE

D’ARTE E LA SERRA FUTURISTICA, INCUBATRICE DI IDEE E PROGETTI

Tra le attrazioni principali c’è un’opera immersa nel cuore del giardino urbano del NYX Hotel Milan, simbolo di connessione tra passato e futuro, naturale e artificiale, materia e riflesso. Un simbolo scintillante di resilienza e immortalità incorniciato in un’architettura specchiante che baroneitalia.com

porta a interrogarsi sul rapporto tra uomo e ambiente. L’installazione Centrale di Barone Italia, la scultura in ottone forgiato con base specchiante, ospita la performance di Francesco Barone che mostra il processo creativo in tempo reale. Ospitata nel cuore dell’hotel, la serra si presenta sia come un contenitore sia come un’esperienza. Rappresenta la crescita delle idee, dei progetti e delle relazioni attraverso l’unione di luce, materiali e riflessi che genera un ambiente surreale che dissolve i confini temporali.

WORKSHOP E INNOVAZIONE

A corredo ci sono anche i workshop di design, dove giovani progettisti di Politecnico, NABA, IED e Abadir parteciperanno alla settima edizione di Orografie, con la possibilità per il progetto vincitore di entrare in produzione. Ma anche un approfondimento sul modo in cui l’intelligenza artificiale può supportare l’ingegno umano nella creazione di nuovi concept e installazioni interattive.

■ Giulio Solfrizzi

In Belgio la prima galleria al mondo che si focalizza sul biodesign

Chiediamo spesso al design di essere un agente di cambiamento. Affinché ci riesca, desideriamo non solo che promuova l’innovazione, ma che sia lui stesso a cambiare, senza limitarsi a rilanciare la novità o, peggio ancora, le variazioni di stile. La maggior parte delle volte, però, la delusione è cocente: al di là delle intenzioni, il design sa essere passivo, mostrando una resilienza tutta sua, quella di chi muta la pelle per rimanere uguale a sé stesso. E se qualche accelerazione arriva ogni tanto a sorprenderci, finiamo in genere per constatare che si tratta di una goccia nel mare delle sfide che ci stanno già mettendo in discussione. Sogniamo radicalità, insomma, come risposta ai problemi globali, ma ci troviamo di fronte ad agenti isolati che operano in ordine sparso e in senso contrario.

IL BIODESIGN ALL’ESAME DI MATURITÀ

Eppure, ogni tanto ci sono esperienze che convergono nella medesima direzione. Prendiamo ad esempio il fenomeno del biodesign, che abbiamo visto emergere nel corso degli anni Dieci e che oggi sembra aver raggiunto la maturità per un cambio di scala. Certo, questo termine ombrello è abbastanza ampio da includere attitudini diverse, che vanno dalla manipolazione genetica hi-tech alla sostenibilità dei materiali in chiave lowtech. Niente toglie, però, che questo resti uno degli ambiti più promettenti non solo per la sperimentazione speculativa, ma anche per toccare finalmente con mano applicazioni concrete, pronte al salto di scala o alla contaminazione di riflessioni ed attitudini con settori attigui.

DAL PROTOTIPO AL PEZZO DI COLLECTIBLE DESIGN

Fresca di lancio, Aleor Craft & Biodesign è la prima galleria al mondo a focalizzarsi sul biodesign. La fondatrice, la curatrice belga Nathalie Guiot, ha lavorato per oltre dieci anni sul tema dell’arte ecologica con la sua Fondazione Thalie. Con sguardo laterale, Guiot intuisce il potenziale legato alla promozione in ambito artistico del biodesign. “Tutto è iniziato con la mia ultima mostra alla Thalie Foundation, intitolata «Regenerative Futures», che ha riunito circa cinquanta creatori in bilico tra arte e design. Volevo offrire un’esperienza, la dimostrazione che oggetti o mobili possono essere progettati in modo virtuoso, senza esaurire le risorse naturali, ad esempio usando materiali quali alghe, micelio e pelle di insetti. La

A cavallo tra promozione artistica e consulenza, la nuova galleria con base a Bruxelles scommette sul design del vivente come opportunità per rigenerare materiali, applicazioni e immaginari. La storia di Aleor

DESIGNER RAPPRESENTATI E MATERIALI

BIO-DERIVATI CHE USANO

Aléa | Miriam Josi & Stella Lee Prowse Micelio

Anaïs Jarnoux & Samuel Tomatis Alghe

Diana Scherer Radici delle piante

Jessica Boubetra & Jean-Baptiste Lenglet Rocce vulcaniche

Juliette Rougier Canne

Marie-Ange Guilleminot Canapa

Marlène Huissoud Sottoprodotti degli insetti

Sylvia Sánchez Montoya Fibre naturali

Théophile De Bascher Pietra e legno

Tony Jouanneau | Atelier Sumbiosis Micelio, bioplastiche, pigmenti derivati dai ricci di mare

mostra ha riunito una comunità di artisti e designer che non solo sostengono la rigenerazione attraverso le loro pratiche e i loro media, ma che si interrogano allo stesso tempo sui futuri possibili. Questo mi ha dato l’idea che questi oggetti, presentati come prototipi, dovessero essere diffusi per evolversi in oggetti da collezione. È qui che è nata l’idea di dare vita ad Aleor”.

OLTRE

IL COLLEZIONISMO

Acronimo di “Aware, low tech, ethic, openminded, raw”, Aleor incarna un approccio che privilegia l’intervento localizzato e contingente, più prossimo ad un passato riattualizzato al contemporaneo che ad un futuro da R&D fantascientifica. Eppure, per una sorta di doppia natura che sembra donarle una marcia differenziata, la galleria guarda oltre il perimetro del collezionismo nel biodesign per integrare nelle proprie attività anche una costola dedicata alla consulenza su metodi, immaginari e potenzialità applicative di questo campo. Alexia Venot, che della galleria è direttrice esecutiva, spiega infatti che Aleor “serve anche come proof of concept per ampliare le soluzioni. I designer hanno una capacità unica di definire i materiali di doma-

ni attraverso i loro oggetti e le loro narrazioni. Tuttavia, il divario tra questi universi lungimiranti e le industrie attuali persiste”.

LA LEZIONE DI BRUNO LATOUR E LA PARTECIPAZIONE AL FUORISALONE

Presentata ufficialmente all’ultima edizione di Collectible, fiera dedicata al collezionismo del XXI Secolo con epicentro a Bruxelles, Aleor porta alla design week milanese i lavori di Tony Jouanneau, Marlène Huissoud e Diana Scherer. L’installazione, dal titolo Scale of Life, è realizzata in partnership con Mycoworks, azienda americana specializzata nella produzione di Reishi, materiale a base di micelio destinato alle filiere della moda e dell’arredo, e vanta la scenografia di Patrick Laffont Delojo, storico collaboratore di Bruno Latour. Un nome, quello del grande intellettuale francese, che fa eco e agisce come un monito: fino a quando potremmo opporre resistenza ad un cambiamento che diventa imprescindibile, soprattutto se abbiamo gli strumenti per operare in maniera diversa?

PLACES

Aleor Design Collectible 25

Photo Eline Willaert

■ Giulia Zappa

A MILANO APRE LA BFF GALLERY:

un nuovo spazio per l’arte contemporanea

Da poco inaugurata tra le torri di viale Scarampo, nella “casa di vetro” firmata da Paolo Brescia e Tommaso Principi dello studio di architettura OBR – Open Building Research che ospita il quartier generale di BFF Bank – la BFF Gallery nasce con una missione chiara e ambiziosa: trasformare l’arte in un motore di dialogo, innovazione e crescita collettiva, restituendo valore alla comunità. Accessibile gratuitamente, il museo ha l’obiettivo – attraverso mostre ed eventi –di creare un nuovo apprezzamento per l’arte, quale stimolo di innovazione e di cambiamento, e un sistema virtuoso e aperto di scambio e condivisione di conoscenze, che favorisca il dialogo e offra al pubblico una prospettiva completa, accessibile, e di alto valore scientifico. “BFF Gallery è nata non solo dalla necessità di trovare una sistemazione per la collezione della Banca, ma soprattutto dal desiderio di creare, all’interno di Casa BFF, un luogo che favorisse la connessione tra le persone e la trasmissione di conoscenze”, spiega Massimiliano Belingheri, Amministratore Delegato di BFF Banking Group. “Abbiamo deciso di farlo attraverso un museo, consapevoli che l’arte può essere uno strumento unico di dialogo con gli altri e di stimolo alla creatività e alla crescita, sia per le aziende che per la società. Ci auguriamo che possa essere davvero un luogo accessibile e per tutti, per la promozione della cultura e dell’arte italiana e per la condivisione con tutta la comunità dei valori del nostro Gruppo”. Anche l’architettura degli spazi riflette questa visione. Un ambiente aperto, fluido e dinamico esorta il visitatore a esplorare le opere con libertà, scoprendo prospettive inedite. Il design trasparente si integra perfettamente con il contesto urbano, offrendo massima accessibilità e visibilità. Inoltre, la posizione parzialmente interrata protegge le opere dalla luce diretta senza comprometterne la fruizione.

BFF BANK E L’ARTE CONTEMPORANEA:

UNA STORIA LUNGA 40 ANNI

La collezione d’arte contemporanea di BFF Bank trova quindi nella nuova galleria una dimora stabile. Lo spazio che ospiterà, con un programma di mostre, circa 250 opere di alcuni dei più grandi maestri dell’arte contemporanea italiana, acquisite dal Gruppo dagli anni ‘80 ad oggi. Tra gli artisti presenti, figurano nomi come Valerio Adami, Franco Angeli, Enrico Baj, Alberto Burri, Lucio Fontana e Mario Schifano. Dal 2019, le opere sono protagoniste di un ambizioso progetto di censimento, digitalizzazione e restauro, che

Milano accoglie una nuova galleria all’interno di Casa BFF, il progetto architettonico curato dallo studio OBR per BFF Bank al Portello. La prima mostra è una personale di Enrico Baj con le acqueforti ispirate al “Paradiso Perduto” di Milton

a sinistra: Enrico

Baj, Il Paradiso

Perduto , 1987, La fine del concilio in Pandemonium (II, 514-520)

Acquaforte

in alto: BFF Gallery

ha dato vita a Art Factor: un’iniziativa che ha travalicato i confini nazionali con il patrocinio del Ministero degli Affari Esteri e del Ministero della Cultura. L’apertura della BFF Gallery segna pertanto un traguardo fondamentale in questo processo, consentendo finalmente alla collezione di essere fruita dal pubblico in modo continuativo.

IL PARADISO PERDUTO DI ENRICO BAJ

A inaugurare l’attività della galleria è la mostra d’eccezione Baj + Milton “Paradiso Perduto” i paradossi della libertà. Aperta al pubblico fino al 17 ottobre, presenta una straordinaria serie di quaranta acqueforti realizzate da Enrico Baj nel 1987 e ispirate all’omonimo poema di John Milton. Con un linguaggio visivo ricco di simbolismi e suggestioni, la mostra invita il visitatore a una riflessione contemporanea sulla libertà e sulla condizione umana.

CASA BFF: INNOVAZIONE, SOSTENIBILITÀ E APERTURA ALLA CITTÀ

La nuova sede di BFF Bank va oltre la concezione tradizionale di ufficio. Si tratta di un ambizioso progetto urbano che punta a migliorare il benessere non solo di chi lo vive, ma dell’intera comunità circostante. Situato di fronte ai padiglioni di FieraMilanoCity, l’edificio ospita una vasta piazza centrale, un auditorium polifunzionale e un giardino pubblico, creando un ambiente ideale per incontri e condivisioni. Tra gli elementi iconici, spicca il Flying Carpet: una copertura sospesa a 40 metri di altezza, che si estende per 2.300 metri quadrati e ospita un impianto fotovoltaico capace di generare 360 megawatt all’ora. L'edificio garantisce le certificazioni di sostenibilità LEED Platinum e WELL Gold, a conferma dell’equilibrio tra innovazione, efficienza energetica e impegno per la responsabilità ambientale.

■ Carolina Chiatto

PLACES

PROGETTARE INSIEME

PER IL BENE COMUNE.

Focus sulla RDE-Roma Design

Experience di ISIA Roma Design

Il format dell’ISIA Roma Design basato sull’interruzione della didattica consueta a beneficio di un’immersione totale nei brief di progetto proposti da enti e istituzioni pubbliche e di ricerca, nazionali e internazionali, è giunto alla settima edizione. Il modello nato nel 2018 nella sede di Pordenone come momento di incontro tra mondo universitario e aziendale è stato poi esportato nella capitale. Non si tratta soltanto di un importante momento didattico, formativo e culturale, articolato in quattro fasi, che per sei mesi - da gennaio a giugno – tiene impegnati gli studenti dell’ISIA Roma Design, ma anche di un servizio di pubblica utilità messo a disposizione dall’Istituzione universitaria statale di Alta Formazione appartenente al Ministero dell’Università e della Ricerca, la prima in Italia sulla formazione del Design. La RDE ogni anno segue un filone di ricerca differente, legato ad alcune macro ca-

Quali saranno le emergenze del futuro? E come è possibile formare già da oggi i designer di domani affinché siano in grado di affrontarle? A questi interrogativi risponde la settima edizione dell’iniziativa dell’Istituto di Alta Formazione romano: un modello educativo e di sviluppo “regalato” alla comunità.

ELENCO WORKSHOP RDE7

WS 1 → Assessorato alla Cultura di Roma Capitale

WS 2 → Parco Naturale Regionale di Bracciano – Martignano

WS 3 → Sony CSL - Rome / Sony Computer Science Laboratories - Rome

WS 4 → Città metropolitana di Roma Capitale

WS 5 → ASviS - Alleanza Italiana per lo Sviluppo Sostenibile

WS 6 → ICBSA-Istituto Centrale per i Beni Sonori e Audiovisivi (Ministero della Cultura) e Accademia Nazionale di Danza.

WS 7 → Assessorato alle Attività Produttive e Pari Opportunità di Roma Capitale

WS 8 → FSC Italia - Forest Stewardship Council ® e Magnifica Comunità di Fiemme

WS 9 → ICG-Istituto Centrale per la Grafica (Ministero della Cultura)

WS 10 → Fondazione Terzoluogo

WS 11 → Diputacio de Castello (Comunidad Valenciana - ESP)

WS 12 → CNR DSSTTA - Consiglio Nazionale delle Ricerche

WS 13 → ISS - Istituto Superiore di Sanità (Ministero della Salute)

WS 14 → GPDP - Garante per la protezione dei dati personali

tegorie dell’attualità su cui ISIA Roma sta già lavorando, come per esempio l’economia circolare, l’industria 4.0, la transizione ecologica e digitale, il cultural heritage, l’accoglienza, l’inclusione, l’innovazione e la sostenibilità. Il tema dell’edizione di quest’anno? La responsabilità collettiva attraverso la Tutela e la Valorizzazione.

RDE-ROMA DESIGN EXPERIENCE, LA ROADMAP DELLA SETTIMA EDIZIONE

A gennaio è stato il momento dei 14 workshop, una settimana di full immersion in cui studenti, docenti, designer, professionisti e consulenti hanno affrontato insieme i brief proposti da istituzioni ed enti pubblici e privati nazionali e anche quest’anno internazionali (lo scorso anno ha partecipato la Fondazione Vati-

cana Scholas Occurentes (AR). Suddivisi grazie a un algoritmo messo a punto da uno dei docenti che sistematizza differenti parametri per creare gruppi traversali ed equilibrati, i gruppi di lavoro hanno lavorato ciascuno su un tema spaziando fra i diversi ambiti del design, dalla comunicazione alla metaprogettazione, dal design di prodotto a quello dei servizi. “La RDE è una bolla che ti estranea, un percorso didattico innovativo ed immersivo, un’esperienza intensa e profondamente coinvolgente. Ma soprattutto è un esercizio di co-progettazione collettiva che per una settimana mette a sistema – mescolandoli – studenti di diverse classi, docenti di diverse discipline, enti ed istituzioni. Una ricerca metodologica per definire strumenti, obiettivi e competenze. Una grande opportunità per i ragazzi, che in questa occasione hanno la possibilità di esplorare e fare esperienza diretta con il mondo reale uscendo da quella dimensione prettamente speculativa dell’ambito accademico per capire a cosa serve il design e quali sono le sue prospettive, le sue potenzialità trasformative e le sue ricadute, su territorio e persone”, spiegano i portavoce dell’Istituto.

DAI WORKSHOP ALLA PRODUZIONE DEL CATALOGO E AL GRANDE FESTIVAL DI CHIUSURA

Nella parentesi temporale dalla fine dei workshop all’inizio del festival finale, segue una fase di sperimentazione e ricerca detta atelier, in cui docenti, tutor e studenti si riuniscono per analizzare le edizioni passate e migliorare le edizioni future. Ma anche per produrre il catalogo, un’analisi introspettiva teorico/scientifica dei processi che combina riflessione teorica a progettazione pratica. Un prodotto editoriale che raccoglie e restituisce il lavoro svolto, documentando i processi e i risultati emersi: non solo un archivio di progetti, ma uno strumento di riflessione e ricerca, utile a mostrare l’impatto del lavoro fatto e a connettere studenti, docenti ed enti partecipanti in un racconto visivo e testuale, implementato da testi critici di personalità del mondo del design e dei dottorandi ricercatori di ISIA Roma, che valorizza il percorso e le esperienze condivise. Il 29 e il 30 maggio, infine, tutti questi risultati sono presentati in occasione del Festival, l’evento finale presso il Museo Mattatoio, dove non solo è allestita la mostra – curata dagli studenti – ma sono organizzati dei talk di confronto tra tutti gli attori che hanno preso parte all’edizione: un importante momento di networking, orientamento e divulgazione delle metodologie, della didattica, della ricerca ISIA Roma. Ogni talk (sono tre in totale) affronta la tutela e la valorizzazione calata in un contesto più stretto – società, territorio, antologia – facendo emergere riflessioni, ragionamenti, pensieri.

■ Giulia Mura

Courtesy ISIA Roma Design

INTELLIGENZA ARTIFICIALE

E RIGENERAZIONE URBANA:

il Festival Rigenera - PIANO B da Reggio Emilia approda a Detroit

Nel corso dell’edizione 2025 Rigenera – PIANO B, progetto della Fondazione degli Architetti, Pianificatori, Paesaggisti e Conservatori di Reggio Emilia e vincitore dell’avviso pubblico Festival Architettura – III edizione promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura, ha ospitato un workshop internazionale focalizzato sulle prospettive di recupero del sito delle Reggiane, un’area strategica per la città di Reggio Emilia riconvertita in Parco Innovazione a servizio della comunità locale.

Contestualmente alla kermesse, studenti e studentesse del Dipartimento di Architettura dell’Università di Ferrara e del College of Architecture and Design della Lawrence Technological University di Detroit si sono incontrati per quattro giorni per un’esperien-

za in cui i temi della rigenerazione urbana sono stati affrontati anche attraverso il ricorso all’intelligenza artificiale. Guidati da docenti ed esperti, gli otto partecipanti al workshop hanno così potuto sperimentare gli strumenti di AI per generare immagini e video a supporto della fase ideativa e della rappresentazione finale di un nuovo progetto di riqualificazione, facendo dialogare il processo creativo architettonico con l’intelligenza artificiale. Gli esiti di questa esperienza, oltre alla presentazione in occasione di Rigenera - PIANO B e alla pubblicazione sulla rivista dell’Ordine degli Architetti P.P.C. di Reggio Emilia, approdano a settembre 2025 negli Stati Uniti. Durante il Detroit Month of Design, dall’Emilia-Romagna Rigenera - PIANO B si sposta infatti oltreoceano con un doppio appuntamento: un seminario e una mostra presso il College of Architecture and Design di Southfield

(Metro Detroit). Un’occasione che intende offrire visibilità internazionale ai risultati del workshop e ai progetti finalisti della seconda edizione del concorso di architettura Premio Rigenera, consolidando in parallelo le opportunità di scambio tra la ricerca architettonica statunitense e quella italiana. Giunto alla quarta edizione, attraverso il proprio palinsesto di convegni, conferenze, passeggiate, laboratori il festival Rigenera - PIANO B incoraggia professionisti e cittadini a prendersi cura della città, intesa come «quel luogo dove un bambino, camminando, scopre che cosa fare da grande» per adottare le parole dell’architetto Louis Kahn. Oltre Reggio Emilia e Detroit, nel 2025 il progetto coinvolge i centri urbani di Kharkiv (Ucraina), Beirut (Libano), Maputo (Mozambico), Bruxelles (Belgio) e Tripoli (Libia).

■ Valentina Silvestrini

Associato a un concorso internazionale per studentesse e studenti, architette e architetti under 40, finalizzato alla selezione di visioni per rispondere alle criticità sociali, urbane ed ecologiche della nostra epoca, il progetto Metamorphosis: Transfroming Italian Architecture incoraggia verso un cambio di passo metodologico in ambito architettonico.

IL FESTIVAL CHE RICUCE

NATURA E ARCHITETTURA

Sostenuto da Festival Architettura III, promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura, e curato dell’Associazione Culturale Green Hub, in tutte le sue iniziative in Italia e all’estero l’appuntamento agisce come un laboratorio di idee. Professionisti di tutto il mondo si confrontano su pratiche eterogenee – dall’architettura spaziale alla rigenerazione urbana, fino alle potenzialità dell’intelligenza artificiale applicata al design –, consapevoli della necessità di sancire una nuova alleanza tra umanità, natura e architettura.

DAL TRENTINO ALLA MILANO

DESIGN WEEK, PASSANDO PER BARI E CAGLIARI

Un invito, dunque, a ragionare in modo corale sulla centralità del progettare “secondo misura” partito dalla cornice del parco trentino di Arte Sella e approdato nei contesti ur-

DALLO SPAZIO ALL’AI: con Metamorphosis: Transfroming Italian Architecture si ragiona di futuro

e trasformazione

bani di Bari e Cagliari, quest’ultima epicentro di una quattro giorni con prestigiosi ospiti internazionali nei rinati spazi dell’EXMA - Centro Comunale d’Arte e Cultura. Dalla Sardegna Metamorphosis: Transfroming Italian Architecture ha raggiunto il capoluogo lombardo, per la Milano Design Week 2025. Alla Fabbrica del Vapore, il festival ha sollecitato un ribaltamento della percezione della Terra, adottando lo Spazio come punto di osservazione. Il risultato? Un viaggio esplorativo tra le tematiche della trasformazione e della terraformazione, del design e dell’architettura spaziale, del cambiamento climatico e dei nuovi paesaggi distopici e immaginari, intervallato da reading, interviste e dalla premiazione del concorso.

LE TAPPE INTERNAZIONALI: EUROPA E STATI UNITI

Denso, infine, anche il programma internazionale 2025 di Metamorphosis, scandito da ripetute tappe negli

Stati Uniti: a maggio 2025, alla New York Design Week; a ottobre 2025 ancora a New York e quindi ad Arcosanti, in Arizona. A luglio, inoltre, il Festival riflette sul “caso” della località toscana di Peccioli nella successiva tappa di Tirana, tema al centro anche dell’installazione e del video presentati nel mese di settembre alla declinazione londinese dell’omonima kermesse. Sempre a settembre, Metamorphosis convoglia il proprio modus operandi anche a Copenhagen e, quindi, a Santo Domingo.

■ Valentina Silvestrini

Enzo Morandini, Dirty Work , web design grafica comunicazione

ANDREA ROGGI: UN PERCORSO TRA ARTE, MEMORIA E TERRITORIO IN ITALIA E ALL’ESTERO

L’artista espone le sue sculture in Italia e all’estero nel 2025. A Firenze, dal 10 maggio all’8 agosto, il Complesso di San Lorenzo ospita le sue monumentali opere in bronzo. A Parigi, fino a giugno, sei sculture trovano spazio nel “triangolo d’oro”, con un’opera speciale all’Hôtel de Crillon. In Puglia, il progetto Radici di Umanità prolunga la sua presenza fino al 2026, coinvolgendo Martina Franca, Locorotondo e Cisternino. Un itinerario artistico che lega memoria, identità e innovazione.

■ Alessia Caliendo

UN NUOVO PROGETTO RESIDENZIALE IN UN PALAZZO STORICO DI MILANO Esclusività, prestigio e modernità. Sono questi i tratti distintivi di Ca’ Santa Marta, l’edificio residenziale nato dall’ambizioso restauro di un palazzo del ‘500, la cui commercializzazione è affidata alla società milanese Abitare Co. Situato in Via Santa Marta – nel quartiere delle Cinque Vie, uno dei più antichi della città – questo complesso storico fonde la ricchezza del passato con il comfort del vivere contemporaneo.L’immobile si sviluppa attorno a due corti interne, una delle quali conserva colonne romane, mentre le aree comuni sono arricchite da affreschi e preziosi reperti storici. Le 23 abitazioni, che spaziano dai monolocali ai quadrilocali, integrano tradizione e innovazione: restaurate con materiali pregiati e un’attenzione meticolosa ai particolari, ciascuna di esse è dotata delle più moderne tecnologie, senza compromettere l’estetica che evoca la magnificenza di un’epoca passata. Gli appartamenti, ognuno intitolato a una celebre figura che ha segnato la storia di Milano, sono un omaggio tangibile al loro lascito culturale. Soffitti imponenti, balconi originali e particolari architettonici studiati raccontano storie di grandezza e bellezza senza tempo, facendo di Ca’ Santa Marta un luogo dove rivivere ogni giorno la storia della città.

■ Carolina Chiatto

VOCI DAL FUORISALONE

IL SUPERDESIGN SHOW TORNA AL FUORISALONE

2025 CON IL TEMA HAPPINESS

Dal 6 al 13 aprile, in occasione della Milano Design Week, Superstudio Più ospita in Via Tortona 27 la nuova edizione del Superdesign Show, il format ideato dalla mitica Gisella Borioli con la direzione artistica di Giulio Cappellini. Il tema di quest’anno, Happiness, celebra i 25 anni dello spazio con un evento internazionale che raccoglie oltre 70 designer provenienti da 10 paesi e 3 continenti. L’edizione 2025 esplora le molteplici interazioni tra design, arte, artigianato e intelligenza artificiale: un’esperienza totale che combina bellezza, tecnologia e sostenibilità, invitando a una progettazione consapevole e partecipativa che celebra la forza delle connessioni. “Il design non è solo una necessità, ma un piacere che deve emozionare e renderci felici”, dichiara Gisella Borioli “Happiness, per noi, significa proprio questo: progetti che uniscono luce, comfort, bellezza, fantasia, innovazione e immaginazione, con l’obiettivo di ispirare una visione ottimistica del futuro”.

BRERA DESIGN DISTRICT: ARTE, CULTURA E LIFESTYLE

Il Brera Design District celebra la sua 16ª partecipazione al Fuorisalone con il tema Mondi Connessi. Il distretto, simbolo di arte, design, cultura e lifestyle, si arricchisce di 204 showroom permanenti, 11 nuove aperture e 170 espositori temporanei, per un totale di oltre 300 iniziative. Tra gli eventi principali, il progetto di interior Orizzonti, curato da Zanellato/Bortotto al Brera Design Apartment, esplora sperimentazioni cromatiche e materiche che riflettono l’anima poliedrica del quartiere.

■ Cecilia Moltani

UN GIARDINO PER IMPOLLINATORI NELLE

VETRINE DI FLYING TIGER

Durante la Milano Design Week 2025, Green Island presenta Fly Garden, un percorso botanico e sensoriale di ecodesign che celebra natura e artigianato. Il progetto, curato da Claudia Zanfi e Atelier del Paesaggio, decora le vetrine di Flying Tiger Stazione Garibaldi con un prezioso diorama, trasformandole in un giardino colorato per impollinatori.

gli elementi esposti, oggetti di design e arnie per api solitarie realizzate con stampa 3D e fibre vegetali, simbolo di rinascita e sostenibilità.

Il concept del Porta Venezia Design District, No Boundaries Design. To Create, one must first question everything, si ispira all’eredità visionaria di Eileen Gray, pioniera del modernismo, come detonatore di nuove possibilità espressive. Dall’installazione di Google alla mostra di Sabrina Ratté, il distretto nato in uno dei quartieri più aperti e cosmopoliti della città si propone come un terreno di sperimentazione aperto, dove il concetto di limite si dissolve per lasciare spazio all’interrogazione e alla scoperta.

Tra

PORTA VENEZIA DESIGN DISTRICT: UN INVITO A UNA CREATIVITÀ SENZA CONFINI

Brera Design - Grand Seiko e Tokujin Yoshioka presentano TOKUJIN YOSHIOKA – Frozen ©Grand Seiko

Superdesign - Arco di Luce, progettato da Francesco Maria Messina per la mostra Voluptas di HUB161

Green Island - Fly Garden. Nido d'Ape. Foto Claudia Zanfi

Porta Venezia - Mostra VIENNA VIBES. Photography ©Martin Steiger

GREEN ISLAND 2025 FLY GARDEN

Un progetto di Claudia Zanfi

Atelier del Paesaggio

Milano Design Week

7-13 Aprile 2025

Opening

Lunedì 7 Aprile ore 12.00

www.amaze.it

In collaborazione con: Flying Tiger Copenhagen

Isola Design Festival

Vivai Coccetti

Artribune

Stazione di Porta Garibaldi

Piazza Freud 1, Milano

VALLE D’ITRIA

19 marzo 2025 | 18 marzo 2026

MARTINA FRANCA LOCOROTONDO CISTERNINO

CURATRICE FELICIA CIGORESCU

QUAND LA FORME RÉVÈLE L’INVISIBLE

PARIGI

17 aprile 2025 | 30 giugno 2025

PLACE DE LA MADELEINE RUE DU FAUBOURG SAINT-HONORÉ

PLACE MAURICE BARRÈS

PLACE DE LA CONCORDE HÔTEL DE CRILLON IN COLLABORAZIONE CON GALERIES BARTOUX

FIRENZE

10 maggio 2025 | 8 agosto 2025

BASILICA DI SAN LORENZO

CURATRICE LAURA SPERANZA

#andrearoggi www.andrearoggi.com

Photo: GR ProductionGiacomo Roggi

DESIGN FOR CHANGE

6 Where Tires Are Born: a Peek inside Pirelli’s Headquarters by Alessia Caliendo

14 The Fabric of the Future Textile Stories Between Heritage and Artificial Intelligence by Giulia Marani

18 Designing with the Sun. Interview with Marjan van Aubel by Lara Gastaldi

20 The New Alliance Between Human and Nonhuman by Sophie Marie Piccoli

22 Zanat: Ten Years of Marrying Craftsmanship and Design, with an Eye to Social Development by Giulia Marani

24 This Year’s Chiquita House Design by Sebastian Curi by Giulia Marani

year XV | 83 | march — april 2025 Supplement n. 3

CURATED BY Alessia Caliendo

EDITORIAL COORDINATOR Giulia Marani

EIC Massimiliano Tonelli

ADVERTISING & MARKETING

Cristiana Margiacchi | 393 6586637 Rosa Pittau | 339 2882259 Valentina Bartarelli | 347 6590514 adv@artribune.com

EXTRASETTORE downloadPubblicità s.r.l. via Boscovich 17 – Milano via Sardegna 69 – Roma 02 71091866 | 06 42011918 info@downloadadv.it

EDITORIAL STAFF | PUBLISHER via Ottavio Gasparri 13/17 - Roma redazione@artribune.com

ART DIRECTOR Alessandro Naldi

COVER Photographer Xavi Bou

PRESS CSQ – Centro Stampa Quotidiani via dell’Industria 52- Erbusco (BS)

Registered with Tribunale di Roma No. 184/2011 del 17/6/2011 Closed in editorial office on 24/3/2025

COLLABORATORS: Carolina Chiatto, Lara Gastaldi, Cecilia Moltani, Giulia Mura, Sophie Marie Piccoli, Valentina Silvestrini, Giulio Solfrizzi, Giulia Zappa

2 A Hundred and Ten Years of Art and Design at the ADI Design Museum by Giorgia Losio

28 Questionable Beauty on Display at Mudec Photo by Giulio Solfrizzi

30 Spazio Espositivo: Design Mutageno curated by Alessia Caliendo

39 Cultivating Experiences, Hosting Ideas by Giulio Solfrizzi

40 The World’s First Biodesign Gallery Opens in Belgium by Giulia Zappa

42 BFF Gallery Opens in Milan: A New Space for Contemporary Art by Carolina Chiatto

44 Designing Together for the Common Good: Focus on ISIA’s RDE-Roma Design Experience by Giulia Mura

46 Artificial Intelligence and Urban Regeneration: The Rigenera Festival - Piano B from Reggio Emilia Arrives in Detroit by Valentina Silvestrini

47 From Space to AI: Metamorphosis: Transforming Italian Architecture. A Chance to Reflect on the Future and Its Evolution by Valentina Silvestrini

48 Andrea Roggi: A Journey Through Art, Memory, and Place in Italy and Beyond by Alessia Caliendo

Un Nuovo Progetto Residenziale In Un Palazzo Storico Di Milano by Carolina Chiatto

4 Reports from Fuorisalone by Cecilia Moltani Click on the QR code

DESIGN FOR CHANGE

Saying that design is an agent of change may seem obvious. It has been well over a century since Victor Papanek wrote that “design has become the most powerful tool with which man shapes his tools and environments (and, by extension, society and himself)” and that an important part of the discipline involves studying the consequences of our acts “in the past and the foreseeable future.” At this historical moment of such profound change, we want to focus on projects and experiences that aim to somehow change things, from the scale of the object to that of the city and even the world. In these pages, we will bring you to explore the work of Aleor, the first gallery in the world that has chosen to exclusively represent artists and designers working with materials of biological origin. We’ll tell you about the young designers part of the Making Kin project by BASE Milano who strive to close the rift between humans and other species to give a more radical and inclusive interpretation of the design for all concept. We’ll introduce you to the Dutch “solar designer” Marjan van Aubel, the godmother of a movement to foster creating solarpowered objects and devices, aesthetically pleasing and accessible to all. And we will tell you about the venture of the Bosnian brand Zanat that carries age-old artisan knowledge into the present-day by working with a series of international designers to empower local communities. Not to neglect the visual, we have also created some photographic tours for you. First, we will go inside the Pirelli’s headquarters in Milan, a place abounding in innovation. We will give you a look at the innovations of furnishing textiles where an ancient activity like weaving vegetable fibers is being constantly reinvented. Then, we will let you look through the eyes of contemporary photographers who explore the profound transformative potential of design, revealing new connections between technology, the environment and society, the physical and digital, and the natural and artificial.

■ Alessia Caliendo e Giulia Marani

WHERE TIRES ARE BORN: a Peek inside

Pirelli’s Headquarters

Pirelli turned a former industrial area into a research and culture hub in Milan’s Bicocca district. The headquarters, located next to the historic Bicocca degli Arcimboldi building, connect the past and future. The Pirelli Foundation, founded in 2008, has extensive documentary and technical/scientific archives, promoting business culture with educational programs focused on technology, sustainability, and design. Its R&D department in Milan is the heart of innovation, driving design with advanced tools such as artificial intelligence and “digital twins,” reducing development time by 30% and improving performance analysis. These technologies are redefining the future of mobility, as shown in an original photographic tour in Artribune

INTERVIEW WITH PIERO MISANI, CHIEF TECHNICAL OFFICER OF THE PIRELLI GROUP

You work with research centers, suppliers and automakers to get ahead of changes in the industry. In which realms are these collaborations bringing the most significant results?

With over 2,000 engineers, innovation is our defining feature. Our Open Innovation approach means our research work is supported by 60 collaborations with international universities and top-notch suppliers in the world of raw materials. We also have a privileged relationship with all the automakers in the premium and prestige segments, which lets us get advance previews of major automotive industry trends.

How do you see the future of tires?

It will be increasingly tied to connectivity and sustainability. In terms of connectivity, Pirelli developed Cyber Tyre technology: the world’s first tire-based system with integrated sensors that collect data and transmit it in real time to the vehicle’s control units. Through proprietary software and algorithms, the data is turned into useful functions for electronic control systems. As for reducing the environmental impact, we are working on materials with natural and recycled origins, such as P

PIRELLI INNOVATIONS: FACTS AND MILESTONES

1872

Establishment of G.B. Pirelli & C., the first Italian rubber processing company

1894

Production of the first bicycle tire

1901

Pirelli Ercole is born: the first tire for automobiles

1985

Debut of P Zero, which originated for racing and then was adopted for supercars

2004

Pirelli HangarBicocca (contemporary art institution)

2008

Founding of the Pirelli Foundation, keeper of Pirelliʼs historical archive

2011

Pirelli becomes Global Tire Partner of Formula 1

2017

Launch of the Pirelli Cycling range, with tires for road and off-road bicycles

2024

High-value tires account for 76% of Pirelliʼs revenues

2030

Carbon neutrality target 2040

Net zero emissions target

Zero E, the first high-performance tire to use over 55% of these new generation materials, that also have A-A-A class for energy efficiency, wet braking, and acoustic impact.

Pirelli meets the specific needs of electric cars and plug-in hybrids. What are the main technical challenges faced in design? Mobility is in a time of dramatic change like has never seen before, first with the transition to electric. Even though electric vehicles resemble traditional cars in some ways, they run completely differently, and their tire needs to be met are completely different. Tires have to support the greater weight of a battery-powered vehicle and transmits to the ground the high instantaneous torque common in electric motors, making supercar accelerations possible. Tires were designed for this purpose with Elect technology, made with a structure and materials that can withstand these stresses, respond with greater safety, and are more durable too.

Can you tell us about other emerging innovations to improve environmental impact without compromising performance? In addition to using recycled materials and materials of natural origin to reduce the environmental impact, we are working with third parties that certify our environmental strategies. One example is the FSC-certified natural rubber that we use both on road products and for motorsport products, starting with Formula 1. Through technological innovation, we have considerably reduced the rate of tire wear to the advantage of the amount of material used. Finally, rolling resistance is a research area in which we are consistently developing products to improve the efficiency of cars while maintaining optimal safety standards.

■ Alessia Caliendo

Photographer Alessandro Truffa

THE FABRIC OF THE FUTURE

Textile Stories Between Heritage and Artificial Intelligence

The weaving and intertwining of plant fibers is one of humanity’s oldest and most enduring practices—and yet it continues to captivate and surprise us. We’ve gathered some fascinating artistic undertakings that lie at the intersection of art and design, where the warp assumes a new function to reveal the latest trends in design.

DEDAR AND THE LEGACY OF ANNI ALBERS

The past continues to inspire the contemporary world. Now, armed with the support of modern techniques, it can speak to the present in both new and unexpected ways. In this sense, Dedar has made a rather bold move by reissuing, for the first time, four textile works by the Bauhaus-school artist and designer, a feat made possible through an agreement with the Josef & Anni Albers Foundation, to produce a design that until now had only existed on paper. In total, there are five jacquard fabrics, each offering a range of applications in interior design, such as upholstery for seating, curtains, and decorative panels. The endeavor exists at the crossroads of art and design, in the very space where Anni Albers spent much of her life creating both functional textiles for everyday use and artistic works driven by a powerful need for selfexpression, free from practical constraints.

on the left: Tai Ping Hong Kong Walk On production © Pei Chen on the right: BELGIUM IS DESIGN - Emma Cogne © Olympe Tits portrait

THE FANTASTICAL WORLDS OF BGGB STUDIO

A shared trait among artists and designers is the ability to imagine what is not yet in existence, or, at least, what has not yet materialized. At a time when artificial intelligence is a hot topic of conversation, Sara Bologna and Luca Gruber, with their up-and-coming BGGB studio, have succeeded in harnessing this technology in a rather clever and innovative way. Through the use of generative AI, they have envisioned what new animal species might look like in a distant future, after the extinction of humanity. This vision has resulted in an ultra-contemporary take on medieval bestiaries, where, much like in the past, the process relies on recombining the limited factual information available, this time drawn from extensive databases. The  Manuscript Tapestry of Arquà, created with the support of the Lottozero Textile Laboratories in Prato, was recently unveiled in Brussels as part of the Collectible Design Fair.

on the left:

BELGIUM IS DESIGN

Mathilde Wittock

@mwo_design on the right: Dedar

Annie Albers

AN ARTIST’S RUG FOR TAI PING

The  Hong Kong Walk On I rug, a monumental work by artist Stanley Wong, also known as anothermountainman, was created in collaboration with Tai Ping Carpets. Part of a series that began in 2001, this almost contemporary fresco on fabric required an exceptionally intricate process The six-by-threemeter surface was divided into a grid of 71,200 small squares, each measuring 1.59 cm per side, with an astounding 628 color changes. The design is inspired by the iconic red, white, and blue nylon fabric, once ubiquitous in the former British colony of Hong Kong, and now a powerful symbol of dynamism and resilience.

SUSTAINABILITY AND RECYCLING, DAVID CHIPPERFIELD FOR KASTHALL

In addition to the revival of craftsmanship and a renewed dialogue with the fine arts, another prominent trend is the use of sustai-

nable materials, ranging from recycled yarns to repurposed electrical cable protectors and plant roots. The Swedish company Kasthall, for example, has embraced this movement by launching its first collection of loom carpets made from regenerated wool, whereby preexisting fibers are reprocessed and transformed into new yarn. This innovative collection was created in collaboration with renowned architect David Chipperfield. The  Fasad design, one of the standouts in this collection, uses layers to achieve a rich, textured effect reminiscent of brickwork.

A SYMPHONY OF UNUSUAL MATERIALS FROM BELGIUM

Ultimately, almost anything can be woven, and the  Woven Whispers textile exhibition, presented by the Belgian design promotion platform  Belgium is Design at the Fuorisalone in Milan, certainly offered some rather remarkable examples. Atelier La Gadoue, a

women-led project based in Brussels, undertakes to transform the discarded remnants of consumer society, primarily used shirts taken from sorting centers, into striking “stained glass windows” crafted from fabric. Emma Cogné repurposes plastic sheaths once used to protect electrical cables and weaves them onto disused trampoline structures to create intriguing raised carpets. Meanwhile, bio-designer Mathilde Wittock explores the potential of natural materials by crafting tapestries from the roots of herbaceous plants, with textures that change depending on the plants’ growing conditions and postharvest treatments.

■ Giulia Marani

DESIGNING WITH THE SUN Interview with Marjan van Aubel

The Dutch designer, based in Amsterdam, calls herself a “solar designer.” Her entire design practice does indeed revolve around a resource accessible to all for free: sunlight. We met up with her and asked her to tell us about her perspective.

Marjan van Aubel’s works combine sustainability, technology, and design. They are distinguished by an innovative approach, exploring the aesthetic and functional potential of solar. Her designs, such as Sunne, Current Table, and Power Plant, demonstrate how sunlight can become an experiential and interactive element. Her book Solar Futures: How to Design a Post-Fossil World with the Sun suggests a new narrative of solar energy, showing how “sustainable” harmonizes with “aesthetically pleasing” and “democratic.”

Let’s start with your book Solar Futures. Why did you feel a need to express yourself in a book?

Solar energy is exciting and has lots of potential. I wanted to write a book that shows this potential and showcases the latest and most exciting developments. We divided the book into three main parts: the past, the present, and the future. Understanding the origins and learning from the history of solar energy is important, from history to contemporary times and recent innovations, technological advances, and success stories. The book ends with a look into the future,

showcasing visionary ideas, groundbreaking research, and emerging trends I hope to inspire readers to imagine the transformative potential of solar energy.

What are the main obstacles to making solar design widespread?

It’s a challenge to work in a field that has been dominated mainly by the technical domain. We know solar from the blue panels on rooftops and from big solar farms. In our projects, for example, we don’t use plug-andplay technologies, so it takes a lot of research and experimenting. First, as solar energy was so expensive, the focus lay on efficiency and cost reduction, so integration and aesthetics were not a topic. Now that there is the realization that solar can be implemented into our daily environment, the industry has taken more interest in the design itself. This is new. But there is still a long way to go.

Which solar design advancements do you think will have the biggest impact on how we live?

I think the biggest advancement will be a new narrative that views solar energy as something democratic and beautiful. That’s also why we started the Solar Movement: to challenge existing perceptions and encourage new ways of thinking about our energy use. The idea is that almost everything around us could fulfill a dual purpose—not only existing in our living spaces but actively generating energy. I hope that in the future we will see a house as broken if it doesn’t generate its own energy autonomously.

In what ways do you see solar energy being incorporated into our homes?

Our relationship with energy has become distant. Now the only time we see the consequences of our energy consumption is when we receive our energy bill at the end of the month. I think it’s really important and necessary to reconnect with the origins of energy and new technologies can help us with that. I always find it exciting to the Sunne App on my phone for example, to see how much energy the lamp generated in a day (Ed. note: the app that Van Aubel launched to remotely check on the Sunne lamp and its consumption).

By designing technology that responds to human and environmental

needs, we can also create smarter and more efficient systems. Lighting systems powered by solar energy could adapt in real-time to daylight cycles and even human movement, distributing energy based on actual needs to use energy more wisely and efficiently.

What does it mean to be a solar designer? And what is the biggest challenge?

Being a solar designer means rethinking how we interact with solar energy in our daily lives. I aim to seamlessly integrate solar energy into urban spaces in a way that enhances both functionality and aesthetics. Even

though solar is the most abundant and affordable energy source, in the Netherlands, the focus has been on return on investment. To overcome this, we need to push the boundaries of design and invite people to see the sun as an integral part of our lives also when it comes to energy generation. A lot is happening at the moment and the solar energy movement is growing as more and more architects, designers, innovators and even car companies are getting involved.

■ Lara Gastaldi

Marjan van Aubel Sunne

The New Alliance Between HUMAN AND NONHUMAN

What if we stopped designing only for ourselves? This is the question being asked by a new generation of designers committed to exploring the “kinship” between humans and other species from an intersectional perspective. In Milan, the BASE cultural center sheds light on their practices.

In Staying with the Trouble: Making Kin in the Chthulucene, U.S. philosopher Donna Haraway, who wrote the celebrated Cyborg Manifesto, argues that to face today’s challenges, we need to take a relational approach to the nonhuman, overcoming the limits of specism and anthropocentrism. The idea of “making kin,” an increasingly urgent existential vision in our complex ecosystem, is supported by other international cultural thinkers like Chinese American anthropologist Anna Tsing, who believes humankind has long existed by collaborating with all beings in what she calls an “interweaving of existences.”

“MAKING KIN”: CREATING A FAMILY BEYOND THE SPECIES BARRIER

Inspired by these reflections, BASE Milano’s Making Kin project aims to be an incubator for experimental new art and design that stresses the need for humans to unite with non-human species like animals and plants as well as the many new kinds of intelligence emerging today. “In 2025 our programming will revolve around kinship-making as an intentional and creative act that goes beyond biological connections to build meaningful relationships between humans, other-than-humans, and more-than-humans. This explora-

Portrait Luca Boffi. Photo Carlo Lombardi

tion approaches relationships from an ecological and intersectional perspective to create new ways to coexist and collaborate, with interdependence and alliance replacing division and exclusion,” says the cultural center’s artistic director Linda Di Pietro.

CARE RELATIONSHIPS AND GENTLE GESTURES

One project being presented during Milan Design Week in April in the Exhibit section of the experimental We Will Design platform that opened in 2021 is Jade Fritsch’s Treatment for a Re-connection, which originates from research on permaculture and off-grid living that orbits the question, “How can we meet our needs while remaining in relationship with the living, breathing planet?” Her design response, organically shaped chairs made of clay, fiber, and lime that use localized heating to create

microclimates, turn perceived heat into a gentle exchange between human and non-human. Tatiana Efremenko and Eva Monestier’s project Web of Care traces the care networks of which our world is woven. Once viewers have absorbed the network of interspecies relationships, the participatory installation invites them to help define a collective landscape of opinions and acts of care that shape and transform the cartography of kinship in which we are immersed. Listen to Mom is a 5m2 cubic confessional set up by Cris Olmedo & QS Ventures to trace the lost connection between human presence and the natural ecosystem that embraces it. In the space, humidity and the presence of plants, along with screens showing the tragic imbalance in which we are immersed, invite viewers to remember the fragile bond that connects us to Mother Earth.

ON THE RUINS OF THE ANTHROPOCENE

The variegated section also includes Carlota Gallo’s project Anthropocore, which disrupts the modern design paradigm by serving as an instrument of critique. The catalog of materials presented is imbued with the scars of our present and whispers a story of ethical, collective responsibility, promoting circularity in product design, creation, and use. Alongside projects by designers are those from participating universities, including one by Sys - Systemic Design Lab in collaboration with BEF - Biosystem, MICS, the Politecnico di Torino, and the University of Florence. Inspired by sympoiesis and interdependence, their design approach prompts viewers to think of design as a process of co-creation between humans, nature, and living systems, with new prospects for regenerating our environment.

FIVE ARTIST RESIDENCIES ON LIVING TOGETHER

In its guest quarters, BASE has set up Temporary Home, an ode to the act of being and beingness in which five artists-in-residence investigate the meaning of collective living. The installation Process and Mushrooms - The Garden Lab by Aléa Work and Domaine de Boisbuchet is divided into a garden, a laboratory, and a space for play and experimentation, inviting the public to actively participate in the interspecies dialogue between humans and mushrooms. The constantly evolving project allows people to experience the growth and transformation of myceliummediated hybrid entities in a direct relationship with the world that goes “beyond the human.”

■ Sophie Marie Piccoli

Jade Fritsch, chair, Treatment for a Re-Connection . Photo Studio Mass

ZANAT: Ten Years of Marrying Craftsmanship and Design, with an Eye to Social Development

In 2015, the Niksic brothers saved an ancient wood-carving technique from extinction by collaborating with several international designers. Positive results for their community include UNESCO recognition of local artisan knowledge and economic development.

Nestled in the foothills of the Bjelašnica Mountains separating Bosnia and Herzegovina, along a border that is both imaginary and all too real for the two historical regions, the small town of Konjic is distant, in every sense of the word, from major hubs of contemporary design. Its main tourist attraction is not the minaret or the unmistakable humpback Ottoman bridge, but a huge hidden bunker built by Marshal Tito to withstand a possible nuclear attack. And yet, despite its peripheral location and the echoes of age-old and recent conflicts, over the last ten years the town has witnessed a fascinating design-based artisanal revival that has come to involve the entire community.

WOOD, A FAMILY MATTER FOR THE NIKSIC

This story officially began in 2015, the year Orhan and Adem Niksic founded Zanat (“craftsmanship” in Bosnian), but its roots go much farther back. In 1919 the brothers’ grandfather had founded a company that made hand-carved wooden furniture and decorative objects using a traditional technique learned from his father in a nearby village. “My brother studied architecture and always knew he would take over the family business. I, on the other hand, moved abroad to study in 1991 and then pursued a very different career,” explains Orhan Niksic, who worked as an economist for the World Bank. “But I felt like I was missing a deeper connection to the place where I grew up.” The idea emerged while vacation-

ing on the island of Korcula, Croatia: put a contemporary twist on the typical handicrafts of Konjic and the surrounding area with the help of international architects and designers, thereby driving growth of a region struggling with high youth unemployment. Orhan and Adem then proposed it to their friend Mark Bartolini, an aid worker and carver by passion, and laid the groundwork for their project.

FROM BOSNIA TO THE WORLD THROUGH DESIGN

Since then, the line between design and craftsmanship has been blurred by a new generation of makers who prioritize the handmade, but at the time it was clearly marked. “Tastes have changed a lot, and manual skill has taken on new value. No one asks anymore if craftsmanship and industrial design can coexist. But when we launched the first collection people questioned it,” recalls Niksic. It was the 2010s and hygge, a warm Scandinavian-inspired minimalism, had started setting the pace. A 2016 New

Yorker piece enshrined it as the trend of the year, though signs of growth were already there, and looking north seemed like an obvious choice. After briefly exploring the local scene, the brothers began working with three Scandinavian designers led by Monica Förster, Zanat’s artistic director from the start. The “family” gradually expanded to welcome big design names like Michele De Lucchi, Jean Marie Massaud via Patrick Norguet, Sebastian Herkner, Ludovica and Roberto Palomba, Naoto Fukasawa, and Yves Béhar

SAVING TRADITION AND A POSITIVE IMPACT ON THE REGION

The partners were driven by three goals: creating a dialogue between craftsmanship and design, promoting the local tradition, and uplifting the region’s economy and society. “In 2017, we succeeded in getting the Konjic woodcarving tradition registered on UNESCO’s Intangible Cultural Heritage list. Later, we opened a small museum and academy to pass

on this artisanal knowledge to young people, to help it survive the generational transition. When we started, the average carver was fairly old. Now we work with some 70 men and women of all ages,” says the sustainable-development-expert-turned-entrepreneur. “We also try to preserve forests by not throwing anything away. There is no waste in our production because we use the smallest pieces of wood, even shavings, to make accessories and other products. Working with your hands helps you keep an ethical perspective because it takes time and forces you to go slow, so you develop a strong connection with the material.”

■ Giulia Marani

This Year’s CHIQUITA HOUSE DESIGN by Sebastian Curi

The world that Sebastian Curi portrays in his illustrations is anything but an aseptic space. It teems with life, imposing figures in vibrant clothing moving about, caught in all sorts of everyday activities, from whizzing around on a skateboard to compulsively scrolling on a cell phone. Chiquita asked him to pour some of this universe into the rooms of the Chiquita House, the immersive “home” opened to the public by the famous banana company for Milan’s Fuorisalone. Following on last year’s collaboration with Brazilian pop artist Romero Britto, the Argentine artist and illustrator decided to incorporate bananas into the snapshots of daily life he so loves “For the past few years, I’ve been mainly portraying the people and places around me, developing an art

On the heels of Romero Britto, the Argentine artist and illustrator is this year’s designer of the “banana house” set up by the famous brand in its own image and likeness, and it features his trademark slices of everyday life. He told us about his work.

Chiquita iconico Pisa

project on people and their routines,” he explained to Artribune. “Walking the dog, checking your smartphone, or standing in line for coffee are all scenes of modern life that I’ve tried to portray. Now Chiquita has asked me to foreground bananas. I thought of vibrant colors and popular subjects like a girl drawing on the floor or a boy grabbing a snack. The tropical element gave structure to the design, allowing me to improvise on many situations and have fun with the theme.”

SEBASTIAN CURI, THE MILLENNIAL ARTIST WHO LOVES COLOR AND

“JOYFUL”

SUBJECTS

Sebastian Curi was born in Buenos Aires in 1986 and moved to Los Angeles a few years ago. He works in a range of sizes, from small, animated GIFs to meters-long murals, preferring drawing and painting on paper to computer programs (which he knows and experiments with), and concrete objects to digital artifacts. Besides stolen moments of daily life, he also likes to portray giant colorful hands in every position imaginable. His resume boasts partnerships with well-known brands like Apple, Nike, and Zara, and prestigious publishing names like the New York Times. His sources of inspiration span high culture (books and art, with a predilection for the paintings of Stuart Davis, Ellsworth Kelly, and Keith Haring and a recently developed interest in Diego Rivera murals); social media, which he acknowledges opens “a window to an infinity of images;” and the atmosphere of his native country. “But it is difficult to pinpoint exactly where the influences come from,” he clarifies. “The creative process is something you discover as you go and is very fluid. If I had to guess, I would say that my sense of color, my tendency to improvise, and the joyful themes I choose have a very Latin American flavor.”

SEBASTIAN CURI’S INTERACTIVE, SUBTLY WITTY CHIQUITA HOUSE

Inside the Chiquita House on Via San Marco in the Brera District, visitors will find a row of interactive spaces inspired by Sebastian Curi’s works that echo his Pop by Nature advertising campaign. There are also several ways to bring out your inner child, like pretending to turn into an anthropomorphic banana using a digital wall or using a custom sticker generator. “It’s really special to have an opportunity like this. Artists rarely get to create works that fill entire

rooms. I’ve been lucky enough to do it a couple of times. One of my favorite experiences was with the Centro Cultural Recoleta in Buenos Aires, which asked me to create drawings inspired by love. We made a series of illustrations that were used on the building’s facade as well as on T-shirts, chairs, pillows, posters, pins, and many other objects.”

■ Giulia Marani

Sebastian Curi, Chiquita Pop by Nature

A Hundred and Ten Years of Art and Design at the ADI Design Museum

The Compasso d’Oro Museum narrates critical eras of Italian design – from the Futurist frenzy to industrial design to recent trends in collectibles and low-cost collecting – in a story marked by purposeful exchanges and affinities with the visual arts.

“If there is any reason for design to exist, it is to give objects the power of the sacred so that humans can escape mortal automatism and enter ritual,” argued Ettore Sottsass. The form/function relationship has always been central to design, but there is also a whole world around it: the desire to improve the human condition, the relationship to society and the evolution of taste, and a near-constant dialogue with the visual arts. Set within the museum housing the historical collection of the Compasso d’Oro Prize, the show Best of Both Worlds: ITALY. Art and Design in Italy 1915 - 2025 runs from April 1 to June 15. Starting with Futurism, it investigates a constellation of objects that have helped shape the aesthetics of our daily lives for over a century

THE DIALOGUE BETWEEN DESIGN AND VISUAL CULTURE

In curating the exhibition, writer-designer Stefano Casciani wanted to explore the close ties between Italian design and the visual arts, as well as the cultured, utopian dialogue between the disciplines that is particular to Italy. “This show is the culmination of studies, research, and experimentation on art and design, from the early avant-garde movements to today, that have led creators to revolutionize the appearance of objects, transforming them from functional tools into key players of visual culture,” he says. In the post-industrial spaces of the museum, used in the 1930s as a depot for horse-drawn streetcars and an electricity distribution plant, thematic rooms contain unpublished materials that reveal the thinking behind Italian design and its constant dialogue with art. Joe Colombo’s pop moment represents an important transition, as does the radical work of the Alchemy and Memphis collectives. There is also a focus on design’s evolution in the digital age and the “sculptural” trend, along with works by authors like Gaetano Pesce and Nathalie Du Pasquier who invite us to reflect on the new horizons of contemporary images and objects.

April 1-June 15

Adi Design Museum

BEST OF BOTH WORLDS: ITALY. Art and Design in Italy 1915 – 2025

Piazza Compasso d’Oro, 1

Milano

Piero Manzoni, Corpo d'aria n. 44, 1959-1960

Courtesy of Fondazione Manzoni

Photo Matteo Zarbo

Nathalie Du Pasquier, Untitled , 2024

Photo Alice Fiorilli, Courtesy the artist and Apalazzogallery

FROM FUTURISM TO UNIQUE PIECES FOR THE GALLERY MARKET AND “ACCESSIBLE” COLLECTING

The exhibition rooms are populated with works by artists who have investigated the theme in diverse aspects of their work. One example is the Telefono by Michelangelo Pistoletto, who has long argued that as the primary, most sensitive expression of human creativity, art is a permanent touchstone for all cultural, economic, and social endeavors. The show can be viewed in chronological order (starting from the museum’s main entrance) or in reverse (entering from Via Bramante). Near the main entrance is a drawing by Umberto Boccioni from the Castello Sforzesco Collection, which is important as one of the artist’s earliest Futurist works. “The first room also contains a reconstruction of a room from Casa Zampini in Macerata, an interior designed by Ivo Pannaggi, a somewhat unorthodox Futurist who studied at the Bauhaus and lived in Norway for a long time,” explains Casciani. The second-to-last room focuses on the recent trend of collecting design objects. “There are two forms of what is crudely called art design. First are the pieces originally designed as limited editions. Then there is what I call low-cost collecting, a broad phenomenon that includes many examples of the integration between art and mass-produced design. Examples include the Swatch pieces by Matteo Thun and Alessandro Mendini, the 100 vases by Mendini for Alessi, and the Illy Art Collection cups. But the true finale is a series of artist-designed flowerpots – concentrated design objects with a simple but poetic function that lend themselves to endless interpretations.”

■ Giorgia Losio

Questionable Beauty on Display at Mudec Photo

In this art photography exhibition space, viewers travel through the imaginations of some key artists of the last two centuries, with sixty photographs that try to capture what can never be fully captured: beauty.

OVER THE CENTURIES THE CONCEPT OF BEAUTY HAS PROVEN TENUOUS.

Consider which garments have been deemed “beautiful.” In the 18th century, rich brocades and bursting silhouettes gave women a certain allure, while a century later the paradigms of aesthetic taste were dictated by more straightforward clothes and appearance. Rather than being objective, there is something “questionable” about beauty, as implied by the title of the exhibition Deep Beauty: Il dubbio della bellezza (“doubtful beauty”) on at Mudec Photo in Milan. The show was made possible by the support of KIKO Milano, in a collaboration with the museum itself, the City of Milan, and 24 ORE Cultura (which published the catalogue).

THE LAYOUT OF THE GREAT PHOTO EXHIBITION

On from April 5 to May 25, 2025, with no reservation required, the show explores beauty through 60+ masterpieces of photography and video art, including AI-generated works. Artists like Marina Abramović, David Hockney, Michel Comte, David LaChapelle, Michelangelo Pistoletto, Helmut Newton, and Robert Mapplethorpe map out some of the beauty’s infinite versions and contemporary transformations from the past two centuries. As curator Denis Curti recounts, “The show begins chronologically with Julia Margaret Cameron, a mid-19th-century English photographer and leading member of the Pictorialist movement whose photographs, with their Pre-Raphaelite atmo-

spheres, form an emotional encyclopedia of human feelings. The show concludes with two AI-generated films by Alberto Maria Colombo and David Szauder. The first focuses on how emotions, masking as expressiveness, can be a common denominator for the entire human species. The second tries to reverse the emotional merging that often occurs between humans and pets.”

ONE EXHIBITION, SIX SECTIONS: TRANSFIGURATIONS AND ENCHANTMENTS

Photographs, installations, and videos are spread across six sections that explore the concept of beauty and its mutability. Transfigurations presents altered subjects, bodily dis-

guises, multiple concealed identities, and deformed, remodeled faces. In each shot, artists like Rankin and David LaChapelle epitomize the principle behind the creation of parables for active use in consciousness-raising. This continues in the Enchantments section, populated by dreams and desires that find an outlet in artists like Ugo Mulas.

VERTIGO AND LABYRINTHS

Vertigo and Labyrinths are respectively dedicated to the poetics of the “unspoken,” playing on the duality of seducing or being seduced, and looking or being looked at, as well as to what lies behind the unknown: uncertainty, perdition, fascination, the need for freedom, and the enigma of existence itself. Here works by Gian Paolo Barbieri and Helmut Newton are shown alongside works by the likes of Steven Meisel and David Hockney.

up: Marilyn Monroe, Crucifix III, The Last Sitting® 1962 ©BertSternTrust / courtesy Paci Contemporary Gallery (BresciaPorto Cervo, IT)

NEW WORLDS AND ARTIFICES

For some, beauty exceeds the boundaries of reality by crossing over into fiction. The New Worlds of Juno Calypso, Carolyn Drake, and others are inhabited by meta-humans and strikingly realistic subjects. Their forms are so heavily reworked that they become symbols of contemporary self-determination. Conversely, some people decide how someone or something should look. In Artifices, for example, Michelangelo Pistoletto and Marina Abramović take consecutive shots at the moment that the images seem to come to life, with forms emerging from the edges of the frame to invade the physical space and project the concept of beauty so far beyond photographic two-dimensionality that they approach the three dimensions of reality.

■ Giulio Solfrizzi

on the left: © Maisie Cousins, courtesy Tj Boulting

SPAZIO ESPOSITIVO

Design Mutageno

Dario Miale

Lisa Jahovic

Xavi Bou

Fabrizio Albertini

Nico Palmisano

■ Curated by Alessia Caliendo

Design, as a transformative tool, redefines the relationship between technology, environment, and society. This edition of Spazio Espositivo explores the potential of design as a mutational agent, examining the role of artists and photographers in reshaping spaces, objects, and urban systems. Through transdisciplinary approaches and the integration of cutting-edge technologies, visual research establishes unprecedented connections between both the physical and the digital, and the natural and the artificial.

Who are they?

Dario Miale

Dario Miale is a photographer from Puglia renowned for his work in both commercial photography and visual research. In 2013, he co-founded the multidisciplinary project  Sano/ Sano with ceramist Giorgio Di Palma, which explores social issues through a humorous lens. His work has been featured in national and international magazines and showcased in numerous group exhibitions.

Beni Bischof

Beni Bischof is a Swiss artist recognized for his intuitive and humorous visual language. Using collages and actions on printed materials, he reworks images from books, magazines, and advertisements to offer a critical reflection on the monotony of everyday life. His work has been showcased in numerous institutions, including the Museum of Contemporary Art in Bordeaux and Sommer & Kohl in Berlin.

Lisa Jahovic

Lisa Jahovic is a British multidisciplinary artist based in London. Her research focuses on anthropomorphism, examining the performative aspect of photography and the relationship between everyday objects and visual narrative. Working across photography, film, and sculpture, she crafts compositions where the ordinary is imbued with new poetic meanings. Her recent projects include the solo exhibition  The Third Drawer at Flowers Gallery, as well as appearances at the  Photo London and  Paris Photo art fairs in 2024. Her work has been featured in international publications such as  The Guardian,  British Vogue, and Zeit Magazine.

Xavi Bou

Born in Barcelona, Xavi Bou has a background in natural sciences and photography. After 15 years in fashion and advertising photography, he developed the  Ornithographies project, which, through the use of an innovative visualization method, captures the invisible flight paths of birds, a concept he has been exploring since 2015. His work, which sits at the intersection of arts and science, has been exhibited internationally and featured in various prestigious magazines. Bou is now expanding his research to new subjects and techniques, with a focus on raising awareness of environmental issues.

Gregoire Grange

portrays reality without artifice, allowing the ordinary to express itself naturally. The Bordeaux-based photographer doesn’t strive to transform daily life into something extraordinary, nor does he seek to make it livelier or surreal. Instead, his gaze settles on simple things: parked cars, empty coffee cups, seemingly insignificant details like a McDonald’s cup abandoned during a trip across the United States. Nothing is exaggerated or idealized, and it’s precisely in this sincerity that the power of his photographs lies. Perfectly composed, his images reflect fragments of life familiar to us all, unveiling the subtle beauty of the ordinary.

Fabrizio Albertini

Born in 1984, Fabrizio Albertini is a director and photographer who graduated in Direction and Production from the International Conservatory of Audiovisual Sciences in Lugano. His work has been featured at prestigious international film festivals, including the Locarno Film Festival and the Solothurner Filmtage Film Festival, while his photographic series have been exhibited at institutions such as the Aperture Foundation (New York) and SK Stiftung Kultur (Cologne). Albertini has also published several photographic books, including  Diary of an Italian Borderworker (2016) and  Il Giardino (2024). His work moves between documentary and fiction, delving into the dynamic relationship between image and narrative.

Nico Palmisano

Nico Palmisano began his journey in photography in 2015, focusing on the study of visual communication. A graduate in photography from the Istituto Europeo di Design (IED – the European Institute of Design) in Rome, he is currently specializing in Graphic and Editorial Design for Photography at ISIA in Urbino. Through his photography, Palmisano investigates social and local phenomena, examining the interplay between landscape, identity, and the transformation of space.

Cultivating Experiences, Hosting Ideas

During Design Week, NYX Hotel Milan is hosting seMi, a project focused on personal and collective growth and design, alongside a workshop aimed at emerging designers.

An ecosystem where ideas, creativity and human connections sprout and flourish from “digital” seeds. This is not just a concept but a tangible reality brought to life by NYX Hotel Milan by Leonardo Hotels, as featured in the Fuorisalone 2025 events guide and map. From April 7 to 13, the hotel will transform its various spaces into vibrant hubs hosting exhibitions and interactive workshops, culminating on April 11th with a much-anticipated wine tasting, led by Francesca Carannate.

A DIGITAL SEED AT NYX HOTEL MILAN

This ambitious project is called  seMI. With the support of Barone Italia and in collaboration with Interior Design Milano, Orografie, and D’ORO COLLECTION, the concept of growth is meticulously transformed into a palpable experience for visitors, who are invited to become active participants in an interactive journey that blends nature, craftsmanship, and technology while emphasizing sustainability and conscious design. The spaces at NYX Hotel Milan are designed to nurture moments of connection, with each area offering a unique experience, ensuring that the opportunities for visitors to gather are as abundant as the areas set up throughout the hotel. Upon arrival, each visitor receives a “digital seed,” a personalized QR code that grants access to explore the events, projects and participating designers to connect and delve deeper into the meaning of each display and uncover the true value of the production chain.

ARTWORKS AND THE FUTURISTIC GREENHOUSE: AN INCUBATOR OF IDEAS AND PROJECTS

One of the most striking pieces can be found at the heart of NYX Hotel Milan’s urban garden, embodying

the connection between past and future, nature and technology and material and reflection. This shimmering work stands as a symbol of resilience and immortality, framed by mirrored architecture that invites contemplation of the relationship between humanity and the environment. Barone Italia’s central installation, a forged brass sculpture with a mirrored base, serves as the backdrop for Francesco Barone’s live performance, offering a glimpse into the creative process in real time. Situated at the core of the hotel, the greenhouse functions as both a container and an experience, representing the growth of ideas, projects, and relationships. Through the fusion of light, materials and reflections, it creates a highly surreal environment that appears to almost dissolve the boundaries of time.

WORKSHOPS AND INNOVATION

Parallel design workshops invite young designers from the Politecnico di Milano, the Nuova Accademia di Belle Arti (NABA - the New Academy of Fine Arts), the Istituto Europeo di Design (IED - The European Institute of Design) and the Accademia di Design e Comunicazione Visiva (Abadir - The Academy of Design and Visual Communication) who will take part in the seventh edition of Orografie with the opportunity for the winning design to be put into production. The workshops also provide an in-depth exploration into how artificial intelligence can support human creativity in developing new concepts and interactive installations.

■ Giulio Solfrizzi

NYX Hotel Milan, Garden

seMI al NYX Hotel Milan – Cultivating Experiences, Hosting Ideas, Serra

The World’s First Biodesign Gallery

Opens in Belgium

We often ask design to be an agent of change. We need it to promote innovation and revive novelty or, worse, variations in style, but also to reinvent itself. And the results are often disappointing. Despite the best intentions, design can be stubbornly passive, changing its outside while staying the same on the inside. Now and then things suddenly speed up, but those instances are drops in the bucket of the challenges confronting us. We dream that radical solutions can solve the world’s problems only to witness isolated agents operating in no particular order in the opposite direction.

BIODESIGN GRADUATES TO THE NEXT LEVEL

Every now and then experiences do converge while moving in the same direction. Take biodesign, which emerged in the 1910s and now seems mature enough to take the next step. This umbrella term includes everything from hi-tech genetic manipulation to lowtech sustainability of materials. But it remains one of the most promising areas for speculative experimentation and concrete application, and it is ready now to scale up and be cross-pollinated by the ideas and approaches of adjacent fields.

FROM PROTOTYPE TO COLLECTIBLE DESIGN PIECE

The newly launched Aleor Craft & Biodesign is the first gallery in the world to focus on this type of design. Founder Nathalie Guiot, a Belgian curator, has worked for over a decade on ecological art with her Thalie Foundation. With a broad perspective, Guiot senses the potential of promoting biodesign in the arts. “It started with my last exhibition at the Thalie Foundation called Regenerative Futures, which brought together some 50 creators working in art and design. I wanted to give viewers an experience, to show that objects and furniture can be designed virtuously without depleting natural resources by using materials like algae, mycelium, and insect skin. The exhibition brought together a community of artists and designers who not only support regeneration through their practices and media but also think about possible futures. This gave me the idea that we need to share these objects as prototypes so they can become collectibles. This is why I created Aleor.”

Straddling art promotion and consulting, the new Brussels-based gallery bets on living design to regenerate materials, applications, and imagery. The story of Aleor.

DESIGNERS REPRESENTED AND THEIR BIO-DERIVED MATERIALS

Aléa | Miriam Josi & Stella Lee Prowse Mycelium

Anaïs Jarnoux & Samuel Tomatis Algae

Diana Scherer Plant roots

Jessica Boubetra & Jean-Baptiste Lenglet Volcanic rocks

Juliette Rougier Reeds

Marie-Ange Guilleminot Hemp

Marlène Huissoud Insect by-products

Sylvia Sánchez Montoya Natural fibers

Théophile De Bascher Stone and wood

Tony Jouanneau | Atelier Sumbiosis

Mycelium, bioplastics, pigments derived from sea urchins

BEYOND COLLECTING

As an acronym for “Aware, low-tech, ethical, open-minded, raw,” Aleor embodies a localized, incidental approach, more like a contemporary reframe of the past than futuristic, science-fiction-like R&D. Its dual nature gives it an edge, allowing the gallery to integrate collecting with a consulting practice about the methods, imagery, and potential applications of biodesign. Alexia Venot, the gallery’s executive director, explains that Aleor “also serves as a proof of concept for finding new solutions. Designers are uniquely skilled at defining the materials of tomorrow through their objects and narratives. But there is still a gap between these forward-thinking worlds and current industries.”

THE LESSONS OF BRUNO LATOUR AND PARTICIPATION IN FUORISALONE

After an official unveiling at the latest Collectible, a fair dedicated to 21st-century collecting in Brussels, Aleor is bringing the work of Tony Jouanneau, Marlène Huissoud, and

Diana Scherer to Milan Design Week. They created their installation, titled Scale of Life, with the American company Mycoworks, which specializes in producing Reishi, a mycelium-based material made for fashion and furniture supply chains. The backdrop was designed by Patrick Laffont Delojo, a longtime collaborator of the great French intellectual Bruno Latour, whose legacy serves as a warning: how long can we resist unavoidable change when we have the tools to do otherwise?

■ Giulia Zappa

PLACES

Aleor Design Collectible 25

Photo Eline Willaert

BFF GALLERY

OPENS IN MILAN: A New Space for Contemporary Art

BFF Gallery has recently opened amid the towers of Viale Scarampo, inside the “glass house” designed by Paolo Brescia and Tommaso Principi of the architectural firm OBR (Open Building Research) for the headquarters of BFF Bank. The gallery was founded with the clear, ambitious mission to bring value to the community by using art as an engine of dialogue, innovation, and collective growth. With free entrance, the museum’s goal — through exhibitions and events — is to create a new appreciation for art, spurring innovation and change. It seeks to create a virtuous, open system of exchange and knowledge sharing, supporting dialogue and giving the public a full and accessible perspective of artistic excellence. “While BFF Gallery was created to house the bank’s collection, even more important for us was to have a place within Casa BFF that would foster human connections and the transmission of knowledge,” explains Massimiliano Belingheri, CEO of the BFF Banking Group. “We decided to do this with a museum because art is a unique dialogue tool that stimulates creativity and growth for companies and society. As a place to promote Italian culture and art and share our bank’s values with the community, we hope that it can be truly accessible to everyone.” The spaces were designed to reflect this vision. The open, fluid, dynamic environment encourages visitors to explore the artworks freely, discovering new perspectives. The transparent design integrates seamlessly with the urban context, providing maximum accessibility and visibility. And the partially underground location protects the artworks from direct light without compromising their enjoyment.

BFF BANK AND CONTEMPORARY ART: A 40-YEAR HISTORY

BFF Bank’s contemporary art collection now has a permanent home in the new gallery, which will host a calendar of exhibitions to show 250 works by contemporary Italian art masters acquired by the Group since the 1980s. The featured artists include Valerio Adami, Franco Angeli, Enrico Baj, Alberto Burri, Lucio Fontana, and Mario Schifano Since 2019, the works have been subjected to an ambitious census, digitization, and restoration project. This led to the creation of Art

Milan welcomes a new gallery within Casa BFF, the architectural project curated by the studio OBR for the Banking Group in the Portello neighborhood. The first exhibition is a solo show of Enrico Baj’s etchings inspired by Milton’s “Paradise Lost.”

Acquaforte

up: BFF Gallery

Factor, an initiative that is now international thanks to the support of the Italian foreign affairs and cultural ministries. The opening of BFF Gallery is a key milestone in this process, finally allowing the public to enjoy the collection on an ongoing basis.

ENRICO BAJ’S PARADISE LOST

The gallery is launching with the exceptional show Baj + Milton “Paradiso Perduto” i paradossi della libertà (“Paradise Lost”: The Paradoxes of Freedom). Open through October 17, it presents an extraordinary series of 40 etchings made by Enrico Baj in 1987 and inspired by John Milton’s poem of the same name. With an evocative visual language rich in symbolism, the exhibition invites viewers to reflect on freedom and the human condition today.

CASA BFF: INNOVATION, SUSTAINABILITY, AND OPENNESS TO THE CITY

BFF Bank’s new headquarters goes beyond the traditional office concept. This ambitious urban project aims to improve the well-being not only of those who live there but also the entire local community. Located in front of the FieraMilanoCity pavilions, the complex includes a large central plaza, a multipurpose auditorium, and a public garden – an ideal environment for meetings and exchanges. Prominent among the iconic elements is the Flying Carpet, a suspended 40-meter-high canopy that spans 2,300 square meters and houses a photovoltaic system that can generate 360 megawatts per hour. The building has earned LEED Platinum and WELL Gold sustainability certifications, speaking to the balance achieved between innovation, energy efficiency, and commitment to environmental responsibility.

■ Carolina Chiatto

PLACES

on the left: Enrico Baj, Il Paradiso Perduto , 1987, La fine del concilio in Pandemonium (II, 514-520)

DESIGNING TOGETHER FOR THE COMMON GOOD: Focus on ISIA’s RDE-Roma Design Experience

The ISIA Roma Design format is based on disrupting the system of traditional lessons in favor of full immersion in project briefs proposed by organizations and institutions. Now in its seventh edition, the model was launched in 2018 at the Pordenone campus as a chance for dialogue between the university and business worlds, and it was later adopted in Rome. Structured in four phases over six months, from January to June, it seeks to engage ISIA Roma Design students while serving the public good, through the State University Institution of Higher Education under the Ministry of University and Research — the first in Italy for design education. Each year, the Roma Design Experience (RDE) explores a different research theme tied to current global challenges that ISIA Roma actively investigates, such as the circular economy, Industry 4.0, ecological and digital transitions, cultural heritage, hospitality, inclusion, innovation and sustainability. The theme of this year’s edition? Collective responsibility through Protection and Enhancement.

What will the emergencies of the future look like? And how can we prepare tomorrow’s designers today to tackle them effectively? The seventh edition of Rome’s Higher Art Education Institute’s [ISIA] initiative addresses these very questions, offering an educational and development model as a “gift” to the community.

ELENCO WORKSHOP RDE7

WS 1 → The Department of Culture of Roma Capitale

WS 2 → The Regional Natural Park of Bracciano - Martignano

WS 3 → Rome/Sony Computer Science Laboratories – Rome

WS 4 → The Metropolitan City of Roma Capitale

WS 5 → ASviS – The Italian Alliance for Sustainable Development

WS 6 → ICBSA – The Italian National Sound Archive (Ministry of Culture) and the National Academy of Dance

WS 7 → The Department of Productive Activities and Equal Opportunities of Roma Capitale

WS 8 → FSC Italy - The Forest Stewardship Council® and the Magnificent Community of Fiemme

WS 9 → ICG – The Central Institute for Graphics (Ministry of Culture)

WS 10 → The Terzoluogo Foundation

WS 11 → La Diputació de Castelló (Comunidad Valenciana - ESP)

WS 12 → CNR DSSTTA – The National Research Council of Italy

WS 13 → ISS – The Italian National Institute of Health

WS 14 → GPDP – The Italian Data Protection Authority

RDE-ROMA DESIGN

EXPERIENCE:

THE ROADMAP OF THE SEVENTH EDITION

In January, fourteen workshops took place during a week of full immersion, where students, professors, designers, professionals, and consultants came together to take on briefs presented by public and private institutions and entities, both Italian and, for the first time this year, international (last year, the Fondazione Vaticana Schola Occurentes (AR) participated). Using an algorithm developed by one of the faculty members, groups were carefully formed, balancing diverse parameters to create cross-disciplinary teams. Each group focused on themes spanning diverse areas of design, including communication, meta-design, product design and service design.

“The RDE is a bubble that pulls you out of your usual surroundings and offers an innovative and immersive educational experience that is both intense and deeply engaging,” say the Institute’s spokespersons. “But most importantly, it’s an exercise in collective co-design, which, for one week, brings together students from different classes, professors from various disciplines and representatives from various organizations and institutions. This methodological approach defines tools, objectives and competencies, and provides a unique opportunity for students to explore and gain direct experience with the real world. By stepping away from the purely speculative nature of academia, they are able to better understand the true purpose of design, its transformative potential,l and its impact on communities and environments.”

FROM WORKSHOPS TO CATALOGUE PRODUCTION AND THE GRAND CLOSING FESTIVAL

Between the end of the workshops and the start of the closing festival, a crucial phase of experimentation and research, known as the atelier, takes place. Here, professors, teachers, and students come together to analyze past editions, refine future ones, and develop the official catalogue. No longer just a static compilation of results, the catalogue has evolved over the past year into an introspective theoretical and scientific analysis of processes, merging theoretical reflection with practical design. The publication serves as both an archival record and a tool for research and reflection, capturing the insights and outcomes that emerged throughout the experience. More than an archive, it is a resource that links students, faculty and participating institutions together, weaving their contributions into a cohesive visual and textual narrative — expressed in critical writings from important figures from the world of design and graduate researchers from ISIA Roma— aimed at enriching the process and experiences shared. This journey will culminate on May 29–30 with the closing Festival held at the Mattatoio di Roma, a former slaughterhouse turned museum, where the students will curate an exhibition showcasing the year’s work. Alongside the exhibit, a series of planned talks will aim to encourage dialogue among all those involved in the edition, rendering the event a key opportunity for networking, orientation and knowledge-sharing, as well as showcasing the methodologies, teaching, and research of ISIA Roma. Each of the three talks will focus on protection and enhancing value explored within a different, more specific context: society, local areas, and anthology, offering space for reflections, insights and discussions.

■ Giulia Mura

Courtesy ISIA Roma Design

ARTIFICIAL INTELLIGENCE AND URBAN REGENERATION:

The Rigenera Festival - Piano B from Reggio Emilia Arrives in Detroit

During its 2025 edition, the Rigenera Festival – Piano B (“Plan B”), a project by the Foundation of Architects, Planners, Landscape Architects and Conservators of Reggio Emilia, and winner of the public call “Festival Architettura - III edition” organized by the Directorate-General of Contemporary Creativity of the Ministry of Culture, hosted an international workshop. The workshop focused on the revitalization and future of the Reggiane site, a key area in Reggio Emilia that was transformed into an Innovation Park for the benefit of the local community.

In parallel with this event, students from the Department of Architecture at the University of Ferrara and the College of Architecture and Design at Lawrence Technological University in Detroit gathered for a four-day event that explored urban regeneration

issues through the lens and use of artificial intelligence. Led by professors and experts, the eight workshop participants had the opportunity to experiment with AI tools to generate images and videos to support the conceptualization phase and final representation of a new redevelopment project, merging the architectural creative process with artificial intelligence. The outcomes of this collaborative experience, in addition to being presented at the Rigenera Festival – Piano B and published in the Reggio Emilia Order of Architects P.P.C. magazine, will be showcased in the United States in September 2025.

As part of the Detroit Month of Design, Emilia-Romagna’s Rigenera Festival – Piano B is making its way overseas with a two-part event: a workshop and an exhibition at the College of Architecture and Design in Southfield (metro Detroit). The initiative aims to offer international visibility to the results of the work-

shop and the finalist projects from the second edition of the Premio Rigenera architecture competition, while simultaneously strengthening the exchange between US-based and Italian architectural research. Now in its fourth edition, the Rigenera Festival - Piano B offers an extensive program of conferences, lectures, walks, and workshops. These events seek to encourage both professionals and members of the public to engage with the city, as seen, in the words of architect Louis Kahn, as: “the place where a small boy, as he walks through it, may see something that will tell him what he wants to do his whole life.” In 2025, the project will expand beyond Reggio Emilia and Detroit, involving urban centers in Kharkiv (Ukraine), Beirut (Lebanon), Maputo (Mozambique), Brussels (Belgium), and Tripoli (Libya).

■ Valentina Silvestrini

As part of an international competition for students and architects under the age of 40, the  Metamorphosis: Transforming Italian Architecture project seeks to uncover innovative solutions to the social, urban and ecological challenges of our time, fostering a fundamental shift in architectural methodology.

A FESTIVAL THAT BINDS NATURE AND ARCHITECTURE TOGETHER

Supported by Festival Architettura III and promoted by the Ministry of Culture’s Directorate-General for Contemporary Creativity, the event, curated by the Green Hub Cultural Association, acts as a dynamic laboratory for ideas through its initiatives both in Italy and abroad. Professionals from around the world are encouraged to engage in discussions on varied practices, from spatial architecture and urban regeneration to the potential of artificial intelligence in design, united by the shared goal of fostering a new alliance between humanity, nature and architecture.

FROM TRENTINO TO MILAN DESIGN WEEK, VIA BARI AND CAGLIARI

This initiative invites collective reflection on the importance of designing “in moderation,” beginning from the setting of the Arte Sella park in

FROM SPACE TO AI: Metamorphosis: Transforming Italian Architecture.

A Chance to Reflect on the Future and Its Evolution

Trentino and extending through the urban landscapes of Bari and Cagliari. The latter, in particular, served as the epicenter of a four-day event, welcoming prestigious international guests to the revitalized spaces of the EXMA - Centro Comunale d’Arte e Cultura (the Municipal Center for Art and Culture). From Sardinia,  Metamorphosis: Transforming Italian Architecture made its way to the Lombard capital for Milan Design Week 2025. At the Fabbrica del Vapore (the Steam Factory), the festival called for a shift in the way we perceive the Earth, instead adopting Space as our new vantage point The result? An immersive journey exploring themes of transformation and terraforming, design and spatial architecture, climate change and the creation of new dystopian and imaginary landscapes interspersed with readings, interviews and the competition awards ceremony.

THE INTERNATIONAL STAGE: EUROPE AND THE UNITED STATES

Metamorphosis’ 2025 international program is equally busy, with multiple stops across the United States. In May 2025, the festival will feature at New York Design Week, followed by another appearance in New York in October 2025, and then in Arcosanti, Arizona. In July, the festival considers the example of the Tuscan town of Peccioli at the subsequent Tirana edition. This theme is also explored through the installation and video presented in September at the London edition of the event of the same name. Also in September, Metamorphosis brings its approach to Copenhagen and then Santo Domingo.

■ Valentina Silvestrini

Enzo Morandini, Dirty Work Web , design grafica comunicazione

ANDREA ROGGI: A JOURNEY THROUGH ART, MEMORY, AND PLACE IN ITALY AND BEYOND

Andrea Roggi is set to showcase his monumental bronze sculptures across Italy and internationally in 2025. In Florence, from May 10 to August 8, the historic Complex of San Lorenzo will host an extensive display of his works. Meanwhile, in Paris, six sculptures will be exhibited in the prestigious “Golden Triangle” district through June, with a special installation at the iconic Hôtel de Crillon. In Southern Italy, Roggi’s Radici di Umanità (Roots of Humanity) project will extend its presence in Puglia until 2026, engaging the towns of Martina Franca, Locorotondo, and Cisternino. His artistic journey intertwines memory, identity, and innovation, offering a profound dialogue between past and present.

■ Alessia Caliendo

A NEW RESIDENTIAL PROJECT

IN A HISTORIC BUILDING OF MILAN Exclusivity, prestige, and modernity. These are Ca’ Santa Marta’s defining features. The residential building is the fruit of an ambitious restoration project for the 16th-century building, commercially managed by the Milanese firm Abitare Co. This historic complex is in Via Santa Marta, in the Cinque Vie neighborhood, one of Milan’s oldest, merging the wealth of the past with the comforts of modern living. The complex is arranged around two internal courtyards, one of which contains ancient Roman columns, with common areas featuring lavish frescoes and historical artifacts. The 23 apartments range from studios to four-room apartments, merging tradition and innovation. They have been restored with fine materials and meticulous attention to detail, each equipped with modern technologies, never compromising the aesthetics evoking the magnificence of a bygone era. The apartments, each named after a famous figure that shaped Milan’s history, are a tangible tribute to their cultural legacy. Majestic ceilings, original balconies, and refined architectural details tell stories of timeless grandeur and beauty, making Ca’ Santa Marta a place for experiencing Milan’s history every day.

■ Carolina Chiatto

REPORTS FROM FUORISALONE

SUPERDESIGN SHOW WITH HAPPINESS THEME IN FUORISALONE 2025

For Milan Design Week, April 6 to 13, Superstudio Più is hosting the new Superdesign Show at Via Tortona 27, conceived by the legendary Gisella Borioli with artistic direction by Giulio Cappellini. This year’s theme is Happiness, and the exhibition space is celebrating its 25th anniversary with an international event gathering over 70 designers from 10 countries and 3 continents. The 2025 edition explores interactions between design, art, craft, and artificial intelligence – a complete experience combining beauty, technology, and sustainability, and encouraging conscious, participatory design that celebrates the power of connection. “Design is not just a necessity, it’s a pleasure that should excite us and make us happy,” says Gisella Borioli. “For us, happiness means designs that combine light, comfort, beauty, fantasy, innovation, and imagination to inspire an optimistic vision of the future.”

BRERA DESIGN DISTRICT: ART, CULTURE, AND STYLE

The Brera Design District celebrates its 16th year in Fuorisalone with the theme Connected Worlds. As a symbol of art, design, culture, and style, the district features 204 permanent showrooms, 11 new openings, and 170 temporary exhibitors, for a total of nearly 400 initiatives. The main events include interior-design project Orizzonti (“Horizons”), curated by Zanellato/Bortotto at the Brera Design Apartment, which explores color and material experiments that reflect the neighborhood’s multifaceted soul.

A GARDEN FOR POLLINATORS IN THE WINDOWS OF FLYING TIGER

■ Cecilia Moltani

During Milan Design Week 2025, Green Island presents Fly Garden, a botanical, sensory eco-design exhibit celebrating nature and craftsmanship. Curated by Claudia Zanfi and Atelier del Paesaggio, the project decorates the windows of Flying Tiger at Garibaldi Station with a rich diorama, transforming the space into a colorful garden for pollinators. The display includes design objects, solitary beehives made from 3D printing, and plant fibers, symbolizing rebirth and sustainability.

BOUNDLESS CREATIVITY

The concept of the Porta Venezia Design District, No Boundaries Design. To Create, One Must First Question Everything, is inspired by the visionary legacy of Eileen Gray, a pioneer of modernism and detonator of new expressive possibilities. Events like Google’s installation and Sabrina Ratté’s exhibition help present the district –formed in one of the city’s most open, cosmopolitan neighborhoods – as an open ground for experimentation, where the concept of limits has been supplanted by questioning and discovery.

PORTA VENEZIA DESIGN DISTRICT: ENCOURAGING

Brera Design - Grand Seiko e Tokujin Yoshioka present TOKUJIN YOSHIOKA – Frozen ©Grand Seiko

Superdesign - Arco di Luce, by Francesco Maria Messina

Green Island - Fly Garden. Nido d'Ape. Photo Claudia Zanfi

Porta Venezia - VIENNA VIBES. Photo ©Martin Steiger

GREEN ISLAND 2025 FLY GARDEN

Un progetto di Claudia Zanfi

Atelier del Paesaggio

Milano Design Week

7-13 Aprile 2025

Opening

Lunedì 7 Aprile ore 12.00

www.amaze.it

In collaborazione con: Flying Tiger Copenhagen

Isola Design Festival

Vivai Coccetti

Artribune

Stazione di Porta Garibaldi

Piazza Freud 1, Milano

VALLE D’ITRIA

19 marzo 2025 | 18 marzo 2026

MARTINA FRANCA LOCOROTONDO CISTERNINO

CURATRICE FELICIA CIGORESCU

QUAND LA FORME RÉVÈLE L’INVISIBLE

PARIGI

17 aprile 2025 | 30 giugno 2025

PLACE DE LA MADELEINE RUE DU FAUBOURG SAINT-HONORÉ

PLACE MAURICE BARRÈS

PLACE DE LA CONCORDE HÔTEL DE CRILLON IN COLLABORAZIONE CON GALERIES BARTOUX

FIRENZE

10 maggio 2025 | 8 agosto 2025

BASILICA DI SAN LORENZO

CURATRICE LAURA SPERANZA

#andrearoggi www.andrearoggi.com

Photo: GR ProductionGiacomo Roggi