"Arte contemporanea in Laguna" Palazzo Zenobio, 58ma Biennale di Venezia - ottobre 2019

ARTE CONTEMPORANEA IN LAGUNA

Ogni cosa è chiamata a giustificare la propria esistenza, tranne l’opera d’arte Nicólas Gómez Davila da “In margine ad un testo implicito”

ARTE CONTEMPORANEA IN LAGUNA 6 ottobre - 3 novembre 2019

VENEZIA Palazzo Zenobio

Sestiere Dorsoduro 2596

A cura di: Aldo Maria Pero

Stefania Basso Valeria Bucefari Angelo Conte Bruno Gabrieli Fabrizio Gemma Guglielmo Meltzeid Henrik Saar

Grafica e impaginazione Licinia Visconti in copertina: John Ruskin, Il portico nord-occidentale di San Marco

© Edizioni Arte del XXI Secolo

MOVIMENTO ARTE DEL XXI SECOLO www.artedelxxisecolo.it

ARTE CONTEMPORANEA IN LAGUNA

A cura di ALDO MARIA PERO

VENEZIA Palazzo Zenobio Sestiere Dorsoduro 2596

6 ottobre - 3 novembre 2019

PRESENTAZIONE

Il Movimento Arte del XXI Secolo conclude la propria partecipazione alla 58. Biennale d’Arte di Venezia con questa seconda mostra che si svolge tra ottobre e novembre nelle sale di Palazzo Zenobio, una delle residenze nobili più importanti di Venezia, illustrata dalla sala d’onore più splendida della città, ben degna della straordinaria ricchezza della famiglia cui era appartenuto. Famiglia non veneziana, ma che con il versamento della favolosa cifra di centomila scudi si era comperato il diritto di entrare nell’élite della Serenissima. Subito dopo si era fatta costruire il sontuoso palazzo, capolavoro del tardo barocco veneziano. Successivamente passato per una generosa donazione in proprietà della Comunità armena, oggi il palazzo è una delle sedi ufficiali delle Biennali d’Arte e di Architettura.

Partecipano alla mostra Stefania Basso, Valeria Bucefari, Angelo Conte, Giancarlo Delmastro, Bruno Gabrieli, Fabrizio Gemma, Guglielmo Meltzeid, Orfeo Reda e il danese Henrik Saar.

Mentre Basso, Bucefari, Conte, Gabrieli, Gemma, Meltzeid e Saar fanno parte della collettiva, Delmastro e Reda hanno optato per una personale, il primo con gli ultimi dieci quadri dipinti nell’estate 2019, il secondo con una retrospettiva articolata in sedici tele rappresentative di tutte le sfaccettature della sua poetica.

L’allestimento della mostra e del Catalogo è dovuto a Licinia Visconti, Art Director del Movimento, che ha anche provveduto a fotografare tutte le tele per garantire loro la necessaria qualità di stampa.

Aldo Maria Pero, Novembre 2019

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INTRODUCTION

The XXI Century Art Movement ends its participation in the 58th Venice Biennale with this second exhibition which takes place between October and November in the halls of Palazzo Zenobio, one of the noblest residences in Venice, made prestigious by the most splendid hall of honor of the city, worthy of the exstraordinary wealth of the family, to whom it had belonged. A non-Venetian family but who had bought the right to be part of the ĂŠlite of the Venice Republic with the payment of the fabulous sum of a hundred thousand scudi . Soon after they had the sumptuous palace built, masterpiece of the late Venetian baroque. Later, for generation donation, it became propriety of the Armenian Community and today the palace is the official seats of Art and Architecture Biennali.

The exhibitors are Stefania Basso, Valeria Bucefari, Angelo Conte, Giancarlo Delmastro, Bruno Gabrieli, Fabrizio Gemma, Guglielmo Meltzeid, Orfeo Reda e the Danish Henrik Saar.

While Basso, Bucefari, Conte, Gabrieli, Gemma, Meltzeid and Saar are part of the group exhibition, Delmastro and Reda opted for a one-man show, the former with his last ten paintings of summer 2019, the latter with a retrospective structured into sixteen canvases representing all the facets of his poetry.

The set-up of the exhibition and of the dialogue is due to Licinia Visconti,Art Director of the Movement, who has already arranged for the photos of all the canvases to ensure their necessary printing quality.

Aldo Maria Pero, November 2019

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Stefania Basso

Stefania Basso risiede a Bassano del Grappa, un importante centro in provincia di Vicenza. Dopo il diploma di Maturità classica conseguito presso il Liceo ″G.B. Brocchi″ si è laureata in Scienze biologiche all’Università di Padova, dove ha compiuto studi che, come lei stessa riconosce, si sono rivelati utili anche nell’attività artistica per averle appreso l’amore per il dettaglio naturalistico che emerge in alcuni suoi lavori. Per quanto riguarda la pittura occorre risalire al tempo delle aule liceali, mentre negli anni universitari si è dedicata in modo sistematico all’apprendimento dei principi dell’arte figurativa frequentando l’atelier di Dina Giaretta, un’allora nota pittrice locale.

Brava la maestra, ottima l’allieva, il risultato è una produzione che, con tecnica sicura e raffinata, affronta una vasta tematica di argomenti che derivano da un backround culturale di prim’ordine nel quale confluiscono le memorie liceali ed un acuto senso della realtà attuale nelle sue diverse forme.

Poco fortunata nella scelta dei propri esegeti, occorre almeno riconosce a Marica Rossi il merito di aver intuito alcune caratteristica dello stile di Basso quando scrive che il suo è un «linguaggio imperniato su figurazioni nitide, essenziali, rese con raffinate strategie di intervento al fine di raggiungere trasparenze ed effetti speciali di velature che dilagano anche sui fondali caratterizzati da limpide e decise cromie.

Nessuna smagliatura in un cammino così particolare e intellettualmente vigile in cui ogni fase evolutiva porta con sé passaggi di notevole delicatezza specie in relazione ai due fattori essenziali per ottenere un’espressività tanto calibrata: le scansioni dei piani e la modulazione dei toni».

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Angelo, 1995 - matita su carta - 30x21

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Dono, 1994 - pastelli su carta - 35x25

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Omaggio a Bellini, 2019 - matita su carta - 21x30

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Valeria Bucefari Perusina natione atque moribus potremmo dire di Valeria Bucefari modificando quanto scritto da Dante Alighieri che, nella Epistola XIII a Cangrande della Scala, dichiarava di essere «Florentini natione, non moribus», ovvero ″fiorentino di nascita e non di costumi″. Infatti Valeria è profondamente perugina come denunciano i caratteri delle sue opere. Per cominciare esiste l’ascendenza etrusca, lo spirito di quel popolo misterioso che riuscì anche a dominare Roma ma che proprio per questo fu dai romani condannato alla damnatio memoriae, per quanto ai tempi di Augusto vivesse ancora e detenesse una posizione prestigiosa Mecenate, un principe etrusco.

Gente misteriosa, priva di letteratura, refrattaria alla poesia, ma profondamente intrisa di senso di arcane corrispondenze fra cielo e terra, fra il solare mondo dei vivi e le atre plaghe dell’Ade. Una civiltà ricca di simboli e di oscure intuizioni, che sembrano rivivere nelle apparentemente serene scene dipinte da Valeria, che avverte senza dubbio le risorse magiche della sua terra e raffigura impianti scenici di ieratica immobilità nei quali i personaggi di volta in volta evocati paiono la rappresentazione di mondi che convivono senza toccarsi, nella più completa estraneità. Anche i costumi costituiscono un particolare capitolo della fantasia: nella loro vivace bizzarria recano una solennità che riesce a far dimenticare di portare le vestimenta di personaggi da circo, un circo che è però la raffigurazione silente di un dramma che si muove tra precognizioni, intuizioni, minacce e simboli, echi lontane di un mondo che recupera i caratteri di un’altra età, il Medioevo, nella quale l’incognito era materia giornaliera e coinvolgeva nelle proprie spire il colto e l’inclita, il povero e il ricco. Del resto, le creazioni di Valeria Bucefari, protagoniste senza tempo di una storia infinita, costituiscono un mondo a sé, una sorta di leibniziana monade senza contatti con altre età e diversi palcoscenici.

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Eclissi di luna, 2016 - olio su tela - 120x180

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Matrimonio rosso e blu, 2017- olio su tela - 120x160

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Sala espositiva del piano nobile di Palazzo Zenobio a Venezia

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Angelo Conte Angelo Conte è nato a Latina e dal 2010 vive a Fontevivo, in provincia di Parma. Dopo aver frequentato l’Istituto d’arte di Cascano in provincia di Caserta, si è diplomato Maestro d’arte, specializzandosi poi come Maestro di arti applicate. Successivamente ha frequentato a Napoli la Facoltà di Architettura conseguendo il relativo titolo. In seguito è stato allievo, sempre a Napoli, del pittore Carlo Rossi, docente di arti visive. Ha compiuto frequenti viaggi di studio in Italia e all’estero, soprattutto nell’area nord-europea, dove ha risieduto per circa vent’anni stabilendosi in Svizzera. Sue opere si trovano in collezioni private e pubbliche in Svizzera, Germania, Francia, Stati Uniti, Serbia, Russia e Italia. Fra i critici che si sono interessati alla sua opera spiccano i nomi di Vittorio Sgarbi e di Alberto Gross. Quest’ultimo ha scritto: «Tutto è fingimento, giuoco del doppio, un particolare gusto per il camouflage che invita a sottolineare un altro dei temi fondanti il lavoro dell'artista: la presenza della maschera, per eccellenza simbolo dell'enigma, dello sdoppiamento e del travestimento, elemento che trasfigura la sostanza oggettivandola in un'immagine falsificata e –parimenti– più reale del reale…».

La serie di personali allestite da Angelo Conte ha inizio nel 1978. In questa sede si ricorderanno solo quelle degli ultimi anni: 2015 - Padova, Galleria Arte Paolo Maffei, Il Viaggio; Milano, Galleria Spazio E, Già visto e vissuto; Spilimbergo (PN), Quadreria d’Arte Moderna e Contemporanea Tono Zancanaro, Angelo Conte- Manierismo e innovazione. 2016 – Caravaggio (BG), Sala dei Cloni, Surrealismi dalla seconda alla terza Dimensione. 2019 – Ferrara, Galleria Fabula Fine Art, Al di la delle Nuvole; Verona Galleria Spazio 6

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Involuzione Paradisiaca, 2015 - olio su tela - 90x100

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Alla ricerca di tracce apocrife, 2018 - olio su tela - 100x100

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Inganno e metamorfosi dell’essere umano, 2019 - olio su tela - 100x85

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Oltre l’orizzonte il nulla, 2018 - olio su tela - 100x120

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Il mercante apocrifo, 2018 - olio su tela - 120x100

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Bruno Gabrieli Iniziata come pittore, la carriera artistica del valdostano Bruno Gabrieli si è sviluppata come scultore con l’impiego del legno e della pietra che la sua terra gli metteva generosamente a disposizione, ma senza escludere materiali nobili come il bronzo cui è ricorso per forgiare monumenti pubblici.

Nell’opera di Gabrieli, al di là delle ragioni concettuali e di specifiche soluzioni tecniche, risultano evidenti due modi di affrontare ogni singolo lavoro: quando si tratta di operare sul bronzo si muove in piena libertà creativa; allorché invece si trova di fronte un tronco d’albero, una radice o un masso la sua indipendenza vien limitata dalla forma di quanto si è scelto. Nel primo caso prevale la fantasia, nel secondo emerge la tecnica. Se il risultato è sempre notevole, quando si verifica l’incontro tra una forma bruta e la mano esperta dello scultore abbiamo la riprova della verità di quanto sosteneva Michelangelo, l’esser cioè vera prova d’arte «sudare sul marmo», o pietra o legno, se si vuole, per eliminare il superfluo e «discoprire le maraviglie celate dall’informe masso». Ove vero scultore sia chi sa intuire la forma celata «pria che operi il scalpello» -è sempre Michelangelo che parla-, allora Bruno Gabrieli è un vero scultore.

Lo ha finemente compreso Paolo Levi quando scrisse: «Prima di accingersi a sbozzare con ritmo lento, prima di affrontare lo scavo o attenendosi al tuttotondo, Bruno Gabrieli ha già conversato a sufficienza con il suo blocco di pietra e sa già tutto di lui, quale sarà la sua dimensione reale, il suo colore, soprattutto la sua forma interiore. La magia del lavoro di Bruno Gabrieli sta proprio nel sondare il cuore di una radice o nel sentire il pulsare di una pietra».

Nel 2016 la Giuria del Premio Internazionale Tiepolo di Milano ha riconosciuto il suo «Rilevante impegno artistico», così recita la motivazione, e gli ha assegnato il Primo Premio.

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Testimoni, legno di noce - 160x35x30

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Aurora, legno di noce - 75x23x18

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Figura con buco, legno di noce - 76x10x5

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Fabrizio Gemma Con il suo lavoro, il ritratto della famosa cantante Dalida, Fabrizio Gemma si inserisce in una secolare ed illustre tradizione, quella del ritratto. Il ritratto, figlio prima della pietra e poi del bronzo, anche se Alessandro Magno preferì farsi ritrarre da pittori, nato per scopi celebrativi della gloria umana, fu alle sue origini prerogativa degli scultori. Pochi anni prima dell’inizio del primo millennio anche i pittori cominciarono a trovare spazio in questo genere artistico, come attestano i ritratti del Fayyum e di Pompei. I ritratti egiziani, posti sulle mummie e molto realistici, inaugurarono il genere del ritratto funerario o della memoria, mentre quelli pompeiani sono invece un inno alla vita, generici nei tratti ma ricchi di profonda vitalità. La tradizione celebrativa fu ripresa con Giotto e raggiunse il suo vertice artistico con il Rinascimento. Nei secoli successivi il desiderio di conservare il ricordo dei famigliari defunti e di conferire lustro non solo alle dinastie regnanti ma anche a quelle dei ricchi borghesi si diffuse, a partire dalle Fiandre in tutta Europa ed è rimasta ben viva sino alla prima metà del Novecento.

Per tornare a Gemma, dopo questo anche troppo lungo excursus storico, rileveremo come il maestro contemporaneo abbia rispettato pienamente i canoni peculiari del genere, ossia quelli di privilegiare l’analisi psicologica rispetto alla raffigurazione fisica. Se è vero che spicca a primo sguardo la folta e rosseggiante chioma, l’insieme volge allo sfumato con una certa tendenza espressionistica e si sofferma sull’espressione intensa degli occhi che illuminano il volto allungato per effetto del bel naso che sottolinea la delicatezza della rosea bocca e si conclude con la dolce curva del mento. Il pittore determina in tal modo la descrizione di un carattere equilibrato e di un animo generoso.

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Oltre il tempo, 2015 - olio su tela 100x70

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Guglielmo Meltzeid

Guglielmo Meltzeid celebra a Venezia le nozze d’oro con l’arte, cinque decenni ricchi di successi e di soddisfazioni. Nato a Pianezza, una cittadina della cintura torinese, da madre italiana e da padre ungherese, cui deve l’amore per la pittura e la scultura, si trasferisce nel 1969 a Parigi dove milita nelle avanguardie del Quartiere Latino vincendo il Grand Prix messo in palio dalla Galerie Duncan.

Irrequieto, l’anno seguente vola negli Stati Uniti per esporre a New York, a Philadelphia, a Washington, ad Hardford e a Baltimora, il cuore della Nuova Inghilterra. Nel 1971 si presenta a Portofino, esordio essenziale per le sue fortune italiane.

Amante delle avanguardie in arte e dell’estremo nella vita, firma alla Fiera di Milano del 1973 il primo modello di Suzuki RV90 importato in Italia e attualmente conservato nella sede di Tokio.

Dieci anni dopo l’episodio milanese, a Roma i delegati mondiali dell’UNICEF scelgono una sua tela come simbolo del loro Congresso. Negli anni successivi si susseguono exploits in Italia e all’estero: nel 1984 espone la sua produzione grafica al Laforet Museum di Tokio. Nel 1987 dipinge il ritratto di Nancy Regan, First Lady degli Stati Uniti. Nel 1990 esegue l’opera ufficiale per la nascita della Comunità europea; nel 1994 apre lo studio di New York e la fortuna dei suoi quadri lo rende ospite d’onore di varie Università americane. Nel 2006, alle Olimpiadi di Torino un suo dipinto diventa il logo dei Trofei Olimpici e dal 2009 i suoi lavori sono in permanenza a San Pietroburgo. Nel 2011 partecipa alla 54. Biennale di Venezia, dove oggi ritorna dopo molti altri successi.

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L’angelo degli artisti, 2008 - acrilico su tela - 100x100

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La gita in compagnia, 2015 - acrilico su tela 100x100

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Improbabile, 2011 - acrilico su tela - 100x100

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Henrik Saar Il danese Hentik Saar ha già avuto qualche esperienza in Italia, dove ha recato esempi della sua singolare esperienza di contenuti e di tecnica. Il suo punto di partenza si fonda sullo studio della mentalità umana. Una volta individuato un tema di particolare interesse lo sviluppa in una sceneggiatura fondata o sulla riduzione all’assurdo dell’argomento sottoposto ad esame o su un’ironica presa di posizione. Graffiante risulta lo sviluppo del tema della fertilità. La scena presenta una donna che lavora la terra completamente presa dal suo lavoro, ma in realtà par di capire che pensi a tutt’altra cosa. Sta riflettendo infatti sulla generazione dei figli. La sua idea consiste nel rilievo che la vita media si allunga sempre di più e questo fatto va sfruttato in tutte le sue implicazioni. È certo che la nascita di un figlio costituisca una grande gioia, ma è altrettanto sicuro che la presenza di un neonato rappresenti un notevole impegno per i genitori e un danno per il bambino se un lavoro tiranno gli sottrae cure, attenzioni e il tempo educativo.

Meglio dunque attendere l’età della pensione e una solida situazione economica: la casa pagata, l’automobile, l’assenza di altri impegni finanziari. Tutto ciò si può risolvere in modo molto semplice ricorrendo alle cliniche della fertilità, che non è il concime da dare nell’orto come farebbe supporre una superficiale lettura del quadro, ma il seme maschile conservato sino a tempo opportuno in una clinica della fertilità. Il secondo lavoro presenta un uomo grasso e stanco che indossa un casco e la mise del ciclista, ma che è un ciclista senza bicicletta. In altri termini, un fallimento esistenziale. Lo stile disinvoltamente allusivo ed espressionistico alleggeriscono il giudizio e l’ironia, ma conferiscono al protagonista un atteggiamento pagliaccesco, sottolineato dalla particolare tecnica, quella dello sgraffio, sapientemente impiegata.

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On the fertilize clinic, 2007 - olio su tela - 100x80

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There is something about everything, 2018 - olio su tela - 100 x 80

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Sala espositiva del piano nobile di Palazzo Zenobio a Venezia

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