Issuu

Aleksandar Zaar ALEMANIA Yves Hayat EGIPTO Sofía López Mañán ARGENTINA Patricia Claro CHILE Anibal Gomescásseres COLOMBIA

Katja Loher SUIZA Carlos Montes de Occa CHILE Voluspa Jarpa CHILE Aurora CHILE Camila Lobos CHILE Marco Lamoyi MEXICO Rafel Bestard ESPAÑA Nici Jost ALEMANIA Daniela Edburg MÉXICO Julia Romano ARGENTINA Ysabel Lemay ESTADOS UNIDOS Betsy Green ESTADOS UNIDOS José Basso CHILE Sair García COLOMBIA Katrin Gunther ALEMANIA Mario Vélez COLOMBIA Benedetto Pietromacchi ITALIA José Luis Carranza PERÚ Mario Soro CHILE Imanol Marrodán ESPAÑA Rafael Gomezbarros COLOMBIA

Betsy Green ESTADOS UNIDOS José Basso CHILE Sair García COLOMBIA Katrin Gunther ALEMANIA Mario Vélez COLOMBIA Benedetto Pietromacchi ITALIA José Luis Carranza PERÚ Mario Soro CHILE Imanol Marrodán ESPAÑA Rafael Gomezbarros COLOMBIA Grimanesa Amorós PERU-E.E.U.U Genietta Varsi PERÚ Adonis Flores CUBA Diana Drews COLOMBIA Heide Hatry ALEMANIA Guillermo Núñez CHILE Ismael Frigerio CHILE Christian Fuchs PERU Florian Raiss BRASIL Andrey Kezzyn ALEMANIA Eduardo Villanes PERÚ Joel Grossman COLOMBIA Armando Mariño CUBA Tomás Ochoa COLOMBIA Jeremy Dean ESTADOS UNIDOS Maquiamelo COLOMBIA Daniela Kovacic CHILE Evelyn Tovar COLOMBIA Miguel Aguirre PERÚ Adonis Flores CUBA Sergio Fasola ARGENTINA Jesús Hdez-Güero CUBA Raúl Marroquín COLOMBIA Tomás Ochoa COLOMBIA Sandra Mann ALEMANIA Diego Lama PERÚ Eduard Moreno COLOMBIA Iris Helena BRASIL Nicole Ahland ALEMANIA Allison Janae Hamilton ESTADOS UNIDOS Margarita Dittborn CHILE Cristina Fresca ARGENTINA Claudia Hersz BRASIL Ana de Orbegoso PERÚ Hugo Lugo MEXICO Hugo Vásquez PERÚ Inti CHILE

Revista de Arte Latinoamericano del Siglo XXI

Grimanesa Amorós PERU-E.E.U.U Genietta Varsi PERÚ Adonis Flores CUBA Diana Drews COLOMBIA Heide Hatry ALEMANIA Guillermo Núñez CHILE Ismael Frigerio CHILE Christian Fuchs PERU Florian Raiss BRASIL Andrey Kezzyn ALEMANIA Eduardo Villanes PERÚ Joel Grossman COLOMBIA Armando Mariño CUBA Tomás Ochoa COLOMBIA Jeremy Dean ESTADOS UNIDOS Maquiamelo COLOMBIA Daniela Kovacic CHILE Evelyn Tovar COLOMBIA Miguel Aguirre PERÚ Adonis Flores CUBA Sergio Fasola ARGENTINA Jesús Hdez-Güero CUBA Raúl Marroquín COLOMBIA Tomás Ochoa COLOMBIA Sandra Mann ALEMANIA Diego Lama PERÚ Eduard Moreno COLOMBIA Iris Helena BRASIL Nicole Ahland ALEMANIA Allison Janae Hamilton ESTADOS UNIDOS Margarita Dittborn CHILE Cristina Fresca ARGENTINA Claudia Hersz BRASIL Ana de Orbegoso PERÚ Hugo Lugo MEXICO Hugo Vásquez PERÚ Inti CHILE Patricio Vogel CHILE Federico Uribe COLOMBIA Claudia Coca PERÚ Petra Eiko ALEMANIA Patricio Reig ARGENTINA Kylla Piqueras PERÚ

Patricio Vogel CHILE Federico Uribe COLOMBIA Claudia Coca PERÚ Petra Eiko ALEMANIA Patricio Reig ARGENTINA Kylla Piqueras PERÚ Douglas Rodrigo Rada BOLIVIA Sipho Mabona SUIZA Irene Mamiye FRANCIA Soledad Chadwick CHILE Ruth Morán ESPAÑA

Douglas Rodrigo Rada BOLIVIA Sipho Mabona SUIZA Irene Mamiye FRANCIA Soledad Chadwick CHILE Ruth Morán ESPAÑA

José Rosenblatt ARGENTINA Juvenal Barría CHILE Reymond Romero VENEZUELA Anke Eilergerhard ALEMANIA Alfredo de Stefano MÉXICO Kim Hyun Sik COREA DEL SUR Raom & Loba FRANCIA-ARGENTINA Pablo Griss VENEZUELA Soﬁ Zezmer POLONIA

José Rosenblatt ARGENTINA Juvenal Barría CHILE Reymond Romero VENEZUELA Anke Eilergerhard ALEMANIA Alfredo de Stefano MÉXICO

Kim Hyun Sik COREA DEL SUR Raom & Loba FRANCIA-ARGENTINA Pablo Griss VENEZUELA Soﬁ Zezmer POLONIA

Pablo Lehmann ARGENTINA Patrick Steeger CHILE Gastón Ugalde BOLIVIA Matt Neuman ESTADOS UNIDOS Alicia Larraín CHILE

Renato Dib BRASIL Martín Carral ESPAÑA Mariana Tocornal CHILE Xawery Wolski POLONIA Paula Swinburn CHILE Muu Blanco VENEZUELA

Renato Dib BRASIL Martín Carral ESPAÑA Mariana Tocornal CHILE Xawery Wolski POLONIA Paula Swinburn CHILE Muu Blanco VENEZUELA Ignacio Bahna CHILE Bert Vredegoor PAISES BAJOS Lin Lima BRASIL Mariana Villafañe ARGENTINA Rogelio Polesello ARGENTINA

Ignacio Bahna CHILE Bert Vredegoor PAISES BAJOS Lin Lima BRASIL Mariana Villafañe ARGENTINA Rogelio Polesello ARGENTINA Javier León Pérez ESPAÑA Guillermo Bert CHILE-ESTADOS UNIDOS Ignacio Noguerol PERÚ Aldo Chaparro PERÚ Chiyomi Longo JAPÓN

Javier León Pérez ESPAÑA Guillermo Bert CHILE-ESTADOS UNIDOS Ignacio Noguerol PERÚ Aldo Chaparro PERÚ Chiyomi Longo JAPÓN

Angel Delgado CUBA Robert Ferrer I Martorell ESPAÑA Carmen Anzano ESPAÑA Erika Ewell BOLIVIA Kristin Bauer ESTADOS UNIDOS Ángela Lergo ESPAÑA Robert Schaberl AUSTRIA Cecilia Avendaño CHILE Annemarie Busschers ALEMANIA Diego Lama PERÚ

Angel Delgado CUBA Robert Ferrer I Martorell ESPAÑA Carmen Anzano ESPAÑA Erika Ewell BOLIVIA Kristin Bauer ESTADOS UNIDOS

Ángela Lergo ESPAÑA Robert Schaberl AUSTRIA Cecilia Avendaño CHILE Annemarie Busschers ALEMANIA Diego Lama PERÚ

Bernardí Roig ESPAÑA Alex Ten Napel PAISES BAJOS Francisco Peró CHILE Jimmy Law SUDAFRICA Rodrigo Petrella BRASIL

Craig Alan ESTADOS UNIDOS Bohdan Burenko UCRANIA Koh Sang Woo COREA Diego Beyró ARGENTINA Tomás Ochoa COLOMBIA

Felipe Bedoya COLOMBIA Lidia Masllorenz ESPAÑA Craig Wylie ZIMBAWE Tully Satre ESTADOS UNIDOS Zhenya Gershman RUSIA

Sonia Falcone BOLIVIA Rodrigo Bueno BRASIL Diana Beltrán COLOMBIA Gisela Ráfols ESPAÑA Celeste Martínez ARGENTINA Ariel Ballester ARGENTINA Marcela Cabutti ARGENTINA Alejandro Leonhardt CHILE Raimundo Rubio CHILE Hugo Lugo MEXICO

EDICION ESPECIAL

Craig Alan ESTADOS UNIDOS Bohdan Burenko UCRANIA Koh Sang Woo COREA Diego Beyró ARGENTINA Tomás Ochoa COLOMBIA Felipe Bedoya COLOMBIA Lidia Masllorenz ESPAÑA Craig Wylie ZIMBAWE Tully Satre ESTADOS UNIDOS Zhenya Gershman RUSIA Sonia Falcone BOLIVIA Rodrigo Bueno BRASIL Diana Beltrán COLOMBIA Gisela Ráfols ESPAÑA Celeste Martínez ARGENTINA Ariel Ballester ARGENTINA Marcela Cabutti ARGENTINA Alejandro Leonhardt CHILE Raimundo Rubio CHILE Hugo Lugo MEXICO Felipe Llona PERÚ Nicolas Bruno ESTADOS UNIDOS André Cypriano BRASIL Achraf Baznani MARRUECOS Romina Orazi ARGENTINA

Felipe Llona PERÚ Nicolas Bruno ESTADOS UNIDOS André Cypriano BRASIL Achraf Baznani MARRUECOS Romina Orazi ARGENTINA

EDICION ESPECIAL

Rómulo Celdrán ESPAÑA Kyu Hak Lee COREA DEL SUR Elise Wehle ESTADOS UNIDOS Edgardo Neira CHILE Sergio Fernández PERÚ Robert Chamberlin ESTADOS UNIDOS Jacques Bedel ARGENTINA Eugenia Vargas CHILE Claire Becker FRANCIA Cecilia Paredes PERÚ Jeﬀ Robb INGLATERRA Barnabás Bardón HUNGRÍA Katja Loher SUIZA Evelyn Bencicova ESLOVAQUIA Jean Paul Zelada PERÚ Florentĳn Hofman PAÍSES BAJOS Wim de Schamphelaere BÉLGICA Nicola Costantino ARGENTINA Leonel Vásquez COLOMBIA Miguel Prypchan VENEZUELA Geza Szollosi HUNGRÍA Guillermo Lorca CHILE Floria González ARGENTINA Viktor Freso ESLOVAQUIA Tatiana Parceró MÉXICO Betsabee Romero MÉXICO Mateo Liébana PERÚ José Tolá PERÚ Rachel Bullock ESTADOS UNIDOS

Miguel Prypchan VENEZUELA Geza Szollosi HUNGRÍA Guillermo Lorca CHILE Floria González ARGENTINA Viktor Freso ESLOVAQUIA Tatiana Parceró MÉXICO Betsabee Romero MÉXICO Mateo Liébana PERÚ José Tolá PERÚ Rachel Bullock ESTADOS UNIDOS Josué Castro MÉXICO Mónica Rojas ARGENTINA Stefanie Gutheil ALEMANIA Bernardo Oyarzun CHILE Óscar Barra CHILE José Yisa CHILE

Josué Castro MÉXICO Mónica Rojas ARGENTINA Stefanie Gutheil ALEMANIA Bernardo Oyarzun CHILE Óscar Barra CHILE José Yisa CHILE Jorge Pietra ARGENTINA Ivet Salazar PERÚ Lluis Barba ESPAÑA Aleksandar Zaar ALEMANIA Allison Janae Hamilton ESTADOS UNIDOS Ana de Orbegoso PERÚ Andrey Kezzyn ALEMANIA Anibal Gomescásseres COLOMBIA Armando Mariño CUBA Aurora CHILE

Jorge Pietra ARGENTINA Ivet Salazar PERÚ Lluis Barba ESPAÑA Aleksandar Zaar ALEMANIA Allison Janae Hamilton ESTADOS UNIDOS Ana de Orbegoso PERÚ Andrey Kezzyn ALEMANIA Anibal Gomescásseres COLOMBIA Armando Mariño CUBA Aurora CHILE

Daniel Reyes León CHILE Betsy Green ESTADOS UNIDOS Camila Lobos CHILE Thierry Geoffroy FRANCIA Claudia Coca PERÚ

Claudia Hersz BRASIL Cristina Fresca ARGENTINA Daniela Edburg MÉXICO Daniela Kovacic CHILE Diana Drews COLOMBIA

Douglas Rodrigo Rada BOLIVIA Eduard Moreno COLOMBIA Eduardo Villanes PERÚ Erika Ewell BOLIVIA Evelyn Tovar COLOMBIA

Daniel Reyes León CHILE Betsy Green ESTADOS UNIDOS Camila Lobos CHILE Thierry Geoffroy FRANCIA Claudia Coca PERÚ Claudia Hersz BRASIL Cristina Fresca ARGENTINA Daniela Edburg MÉXICO Daniela Kovacic CHILE Diana Drews COLOMBIA Douglas Rodrigo Rada BOLIVIA Eduard Moreno COLOMBIA Eduardo Villanes PERÚ Erika Ewell BOLIVIA Evelyn Tovar COLOMBIA

Federico Uribe COLOMBIA Pietro Ruffo ITALIA Florian Raiss BRASIL Genietta Varsi PERÚ Guillermo Núñez CHILE Heide Hatry ALEMANIA

Benedetto Pietromacchi ITALIA Imanol Marrodán ESPAÑA Reymond Romero VENEZUELA Irene Mamiye FRANCIA Ismael Frigerio CHILE

Jeremy Dean ESTADOS UNIDOS Katja Loher SUIZA Matilde Marin ARGENTINA Ysabel Lemay ESTADOS UNIDOS

Jeremy Dean ESTADOS UNIDOS Katja Loher SUIZA Matilde Marin ARGENTINA Ysabel Lemay ESTADOS UNIDOS Sol Mateo BOLIVIA Mario Vélez COLOMBIA Patricio Vogel CHILE José Manuel Ballester ESPAÑA Zulema Maza ARGENTINA

Sol Mateo BOLIVIA Mario Vélez COLOMBIA Patricio Vogel CHILE José Manuel Ballester ESPAÑA Zulema Maza ARGENTINA

Jesús Hdez-Güero CUBA Joel Grossman COLOMBIA José Basso CHILE José Luis Carranza PERÚ Julia Romano ARGENTINA

Katrin Gunther ALEMANIA Antuan CUBA Kylla Piqueras PERÚ Maquiamelo COLOMBIA Margarita Dittborn CHILE Mario Soro CHILE Miguel Aguirre PERÚ Nahuel Tupac-Losada ESPAÑA Nici Jost ALEMANIA Nicole Ahland ALEMANIA Omar Castañeda COLOMBIA

Patricia Claro CHILE Patricio Reig ARGENTINA Danilo Espinoza CHILE Rafael Gomezbarros COLOMBIA Rafel Bestard ESPAÑA

Raúl Marroquín COLOMBIA Sair García COLOMBIA Sandra Mann ALEMANIA Sergio Fasola ARGENTINA Sipho Mabona SUIZA Sofía López Mañán ARGENTINA Harding Meyer BRASIL Salustiano ESPAÑA Hugo Vásquez PERÚ Tadeo Muleiro ARGENTINA

Patricia Claro CHILE Patricio Reig ARGENTINA Danilo Espinoza CHILE Rafael Gomezbarros COLOMBIA Rafel Bestard ESPAÑA Raúl Marroquín COLOMBIA Sair García COLOMBIA Sandra Mann ALEMANIA Sergio Fasola ARGENTINA Sipho Mabona SUIZA Sofía López Mañán ARGENTINA Harding Meyer BRASIL Salustiano ESPAÑA Hugo Vásquez PERÚ Tadeo Muleiro ARGENTINA Adriana Ramírez COLOMBIA Christian Voigt ALEMANIA Inti CHILE Seba Calfuqueo CHILE Nahuel Tupac-Losada ESPAÑA Carlos Montes de Occa CHILE Mirial FRANCIA Verónica Riedel GUATEMALA Omar Castañeda COLOMBIA Fernando Arias COLOMBIA

Adriana Ramírez COLOMBIA Christian Voigt ALEMANIA Inti CHILE Seba Calfuqueo CHILE Nahuel Tupac-Losada ESPAÑA Carlos Montes de Occa CHILE Mirial FRANCIA Verónica Riedel GUATEMALA Omar Castañeda COLOMBIA Fernando Arias COLOMBIA

Art is identity

October 18 - 20, 2024

Nina Childress, Dalida (tête) (detail), 2023. Courtesy of the Artist; Natalie Karg Gallery, New York; Art : Concept, Paris. © Nina Childress, adagp, 2024.

EDITORIAL

distintas personas y familias en el mundo tienen un interés genuino en aportar a la comunidad y lo hacen de diferentes formas. Algunos a través de fundaciones, otros entregando tiempo al cuidado y preservación del medio, muchos entregando conocimiento y experiencia, y otros vinculándose al mundo de las artes y culturas.

Comenzar con el apoyo al arte no es algo fácil, requiere conocimiento y paciencia. La producción en masa acá no existe y el artista, generalmente, comienza de manera muy precaria; de menos a más. Muchos de los potenciales grandes artistas se pierden en el mundo por falta de oportunidades. Generalmente, el apoyo asociado al mundo del arte y cultura comienza adquiriendo obras, con esto se apoya al artista y se logra la difusión de su trabajo, mientras, al mismo tiempo se va formando una colección de arte. Al paso del tiempo, muchos amasan colecciones admirables y permiten fomentar el crecimiento del arte en el mundo. ¿Cuántos de estos coleccionistas se abren a la comunidad? Algunos son más cautos, otros más osados y se atreven a entregar nuevamente al arte de manera honesta y sincera; abriendo un espacio que permita hacer pública la colección; mostrar y generar exposiciones para diversos artistas; apoyar y seguir creyendo en el poder transformador del arte; y sí, así, se crean museos privados, por pasión, dedicación y compromiso.

A nivel nacional contamos con distintos coleccionistas que han logrado establecer espacios de exposición, como Il Posto y el espacio de Colección Ca.Sa. Y a nivel internacional existen varios ejemplos como el Guggenheim con sus varias sedes alrededor del mundo, el Pérez Art Museum en Miami, el Jumex en México, el MATE en Perú y la Colección Amalita en Argentina, entre tantas iniciativas de esta índole que existen alrededor del mundo.

Estos espacios generan acervos interesantes que son reflejo de criterios personales que responden netamente a sus contextos, por lo que ayudan a armar escenas, a posicionar a artistas y dar una nueva mirada sobre el arte a través de un trabajo riguroso que se realiza sin descanso. Pero son, sin duda, los coleccionistas quienes generan grandes aportes al mundo del arte a través del mercado, de las exposiciones y de los diversos apoyos que realizan hacia los artistas y sus creaciones.

Con estas bases y con la intención de generar un espacio que ayude a la descentralización en Chile y permita vivir una experiencia en conexión con la naturaleza, que es tan potente en el país, creamos Arte Al Límite Museo, un proyecto que recién comienza, pero que tiene grandes metas a futuro, para seguir trabajando por el valor del arte contemporáneo.

many people and families around the world have a genuine interest in contributing to the community, and they do so in different ways. Some contribute through foundations, others by giving their time to care and preserve the environment, many through their knowledge and experiences, and others by getting involved in the world of arts and culture.

Starting to support the arts is not an easy task; it requires knowledge and patience. Mass production is non-existent here, and artists usually experience hardships in the beginning, their journey goes from less to more. Many potential great artists get lost in this journey due to a lack of opportunities. In general, support for arts and culture begins with purchasing artworks. Through this, artists are given support and their work is disseminated, while an art collection grows. In time, many gather admirable collections, allowing to boost the development of art throughout the world. How many of these collectors are open to the community? While some are cautious, others are bolder and dare to showcase the art again in earnest. They open up spaces for the collection to become public, to hold exhibitions for several artists, support them and believe in the transformational power of art. This is how some private museums come to be, out of passion, dedication and commitment.

Locally, different collectors have managed to set up exhibition spaces, such as Il Posto and the Ca.Sa Collection exhibition hall. Internationally, examples include the Guggenheim and its several locations around the world, the Pérez Art Museum in Miami, Jumex in Mexico, MATE in Peru, and the Amalita Collection in Argentina, among many other initiatives like this.

These spaces create an interesting heritage that reflect personal approaches simply based on their contexts, so they help to set the scene, position artists and giving a fresh look to art through meticulous and relentless work. However, collectors are certainly the ones who bring a large contribution to the art world through the market, exhibitions and much support given to artists and their creations.

Within this scenario, and aiming to create a space to decentralize art in a nature-focused environment, which is so rich in Chile, we created the Arte Al Límite Museum, a project that is just beginning, but that has many goals for the future, to continue working towards uplifting contemporary art.

Ana María Matthei Ricardo Duch

“EL ARTE NO ES SÓLO

UNA FORMA DE EXPRESIÓN, ES UNA FORMA DE CONEXIÓN”

Agradecemos a todas las personas, instituciones y empresas que han confiado en nosotros y han apoyado el arte.

CAROLA TURNER

arte_carolaturner

Flores, técnica mixta sobre papel y madera, 60 x 80 cm.

DIRECTORES

Ana María Matthei

Ricardo Duch Marquez

DIRECTOR COMERCIAL

Cristóbal Duch Matthei

DIRECTORA DE ARTE Y EDITORIAL LIBROS

Catalina Papic

PROYECTOS CULTURALES

Camila Duch Matthei

EDITORA

Elisa Massardo

DISEÑO GRÁFICO

María Nestler

CORRECCIÓN DE TEXTOS

Javiera Fernández

ASESORES

Benjamín Duch Matthei

Ricardo Duch Matthei

Milagros Duch Matthei

Felipe Duch Matthei

REPRESENTANTES INTERNACIONALES

Julio Sapollnik (Argentina)

REPRESENTANTE LEGAL

Orlando Calderón

TRADUCCIÓN

Adriana Cruz

SUSCRIPCIONES

info@arteallimite.com

IMPRESIÓN

A Impresores

DIRECCIONES

Chile / Francisco Noguera 217 oficina 30, Providencia, Santiago de Chile. www.arteallimite.com

VENTA PUBLICIDAD

+56 9 99911933. info@arteallimite.com marketing@arteallimite.com

Publicaciones Arte Al Límite

CHILE

ARTE AL LÍMITE MUSEO

Por Carolina Lara B. Periodista y Curadora (Chile)

Imágenes cortesía de Roberto Mardones.

Una colección obliga a un museo

c on una historia de casi 30 años, quienes han estado detrás de la marca Arte Al Límite han ido abordando en el tiempo un proyecto tras otro, en un proceso de avance y expansión que les ha permitido justamente ir traspasando los propios límites, todo esto con un objetivo claro: difundir el arte contemporáneo y aportar al coleccionismo a nivel nacional e internacional.

En 1996, Ana María Matthei, apoyada por su marido Ricardo Duch, abrió la galería de arte que llevaba su nombre. Ya desde entonces, era tal la convicción y el entusiasmo, que fueron convocando a equipos y personas colaboradoras claves en las escenas de Chile y el extranjero, pudiendo transitar de un espacio galerístico a una revista papel couché y un periódico informativo, manteniendo luego una web, sumando 25 publicaciones y la participación anual en más de 40 ferias, exposiciones y eventos de arte contemporáneo, al año.

En este tránsito, la familia Duch-Matthei fue armando una colección que en la actualidad es, probablemente, una de las que reúne mayor cantidad de obras en el país, abarcando desde los años 90 a la actualidad, considerando a artistas de Chile, Latinoamérica y el mundo, que atraviesan distintos lenguajes y contenidos. Si bien predominan la pintura y la fotografía, se han integrado además escultura, arte textil instalación y videoarte, entre otras técnicas, que plantean no sólo imaginarios sorprendentes, pensando que esto se ha ido conformando en función del mercado del arte, sino también –como corresponde a las prácticas actuales– reflexiones críticas sobre nuestros contextos territoriales, sociales, políticos e históricos.

Más que en los contenidos, plantea Ana María Matthei, el enfoque de la colección ha estado en la diversidad y en la representatividad que tienen las piezas dentro de la producción de cada artista: “La colección ha tenido como criterio curatorial la proyección que vemos en las obras, y la confianza en el artista y en la calidad de sus trabajos. Se ha formado con la asesoría permanente de galeristas, críticos y coleccionistas, sumando el factor familiar, donde consensuamos la elección de piezas”.

Arte y turismo

Una colección obliga a un museo, más aún con la posibilidad que esto otorga de potenciar los objetivos iniciales: de abrir las obras a nuevas lecturas, de llegar cada vez a más y nuevos públicos, de activar instancias de formación en arte contemporáneo, y de conectar también con los autores u otros artistas e incluso con un territorio.

A collection demands a museum

throughout an almost 30-year history, those behind Arte Al Límite have taken on project after project, in a continuous development and expansion process that has allowed them to go beyond the limits with a clear goal: to disseminate contemporary art and contribute to collecting on a national and international scale.

In 1996, Ana María Matthei opened an eponymous art gallery with the support of her husband Ricardo Duch. Since then, their conviction and enthusiasm were such that they assembled teams and key collaborators in Chile and abroad, expanding the gallery space into a print magazine, an informative bulletin, and later a website, amassing 25 publications and yearly participation in over 40 contemporary art fairs, exhibits and events.

During this expansion, the Duch-Matthei family started developing a collection that now perhaps garners the largest number of pieces in the country, with works from the 90s to the present day, and featuring artists from Chile, Latin America, and the whole world, who come from different linguistic backgrounds and address diverse contents. Although painting and photography represent the dominant manifestations, the collection also includes sculpture, textile art, and installation, among other disciplines. The artwork not only proposes amazing imagery, especially considering its formation was market-driven, but also introduces, as it is the case for more current practices, critical reflections on our geographic, social, political and historical contexts.

Beyond just focusing on the content, Ana María Matthei has adopted an approach to the collection that focuses more on the diversity and representation power of these pieces by all the featured artists: “The collection’s curatorial guideline has been centered around the potential we see in the pieces and the trust in artists, as well as the quality of their work. It has been formed with the permanent advice of gallery owners, critics and collectors. On the family’s side, we agree on the choice of pieces together.”

Art and tourism

A collection demands a museum, and ever more so if the possibility arises to strengthen the initial goal of showcasing art to open the door to new interpretations, to reach more audiences, activate contemporary art education opportunities, and connect with authors, new artists, and even the environment.

Imágenes cortesía de Roberto Mardones, 2024.

Es así como se inaugura ahora el Museo Arte Al Límite, que añade un fin descentralizador al instalarse en Panquehue, sector del Valle de Aconcagua, región de Valparaíso, que cuenta con más de 7 mil habitantes, reconocido por su belleza cordillerana y por la producción vitivinícola, ubicado en un terreno a cerca de una hora de Santiago.

El recinto, una instalación sustentable medioambientalmente proyectada por Luis Guzmán, arquitecto de San Felipe, cuenta con una sala de 525 metros cuadrados que en su parte más alta alcanza unos 9 metros de altura, junto a dos salas de video de 24 metros cuadrados cada una y unos 2.500 metros de espacios al aire libre para esculturas o instalaciones.

El proyecto cuenta con un directorio multidisciplinario e internacional integrado por: Cecilia García - Huidobro (Chile), filósofa, presidenta de diversas asociaciones culturales; María Eugenia Garrido (Perú), bióloga con dos maestrías en la Universidad de Columbia, y presidenta del directorio del Museo de Arte Contemporáneo de Lima (MAC); Julio Sapollnik (Argentina), licenciado en Historia de las Artes, U.B.A, Máster en Cultura; Marisa Caichiolo (Argentina/Estados Unidos), historiadora con PhD en Historia del Arte y Psicología, artista y curadora; Ferrán Josa (España), director de la Sala Pares y miembro de la Feria de Estrasburgo; Mauro Von Siebenthal (Suiza), abogado y empresario; Felipe Forteza (Chile), gestor cultural y curador formado en la Universidad Adolfo Ibáñez, fotógrafo y coleccionista de arte; además del empresario Ricardo Duch y Ana María Matthei.

Esta última, directora del Museo AAL, detalla que el proyecto se ha pensado inicialmente en tres etapas: a corto plazo, con dos exposiciones al año, para generar actividades educativas y de mediación, más alianzas público privadas que permitan vinculaciones a nuevas audiencias; a mediano plazo, con un programa de residencias para artistas, que contribuya a la interacción entre diversos agentes del arte, y mejoras en el catastro y la conservación de las obras, para fomentar la investigación teórica y dar a conocer nuevos aspectos sobre el arte.

“Finalmente, a largo plazo, queremos ser un referente dentro de los museos privados en Chile. Lograr un sistema de conservación, restauración y comunicación sobre el arte contemporáneo, que incentive el interés por la cultura local e internacional. El mundo del arte se mueve primordialmente en Santiago y, aunque en la región de Valparaíso hay varios espacios que colaboran con este propósito descentralizador, siempre es necesario crear nuevas instancias. Queremos potenciar un sector en particular donde no existen museos de arte contemporáneo, pero sí una gran infraestructura vitivinícola, lo que potencia una zona turística, de gran valor patrimonial y de imagen país”.

Tejiendo huellas

Trabajar con Marisa Caichiolo no es algo nuevo para Ana María Matthei ni su familia, en 2017 realizaron juntas el lanzamiento de la Colección Arte Al Límite en la muestra “Sin Límites”, en la que cinco espacios expositivos de Santiago de Chile, estuvieron llenos de arte contemporáneo de calidad internacional.

“Nos conocimos un par de años atrás, en una feria de arte en ArtBo, Colombia. Desde ahí, siempre estuvimos en contacto, a Marisa le pareció interesante el proyecto que armamos en AAL, así que formamos un vínculo colaborativo con su espacio Building Bridges Art Exchange, ubicado en Santa Mónica, California”, explica Matthei. Y ese vínculo se convirtió en una amistad que se encuentra nuevamente, en la exposición “Tejiendo Huellas, Diálogos, Identidades y Futuro”, a inaugurar en septiembre de este año.

Junto a la experiencia de haber trabajado juntas en un proyecto de gran envergadura, se suman los conocimientos de Marisa que “ha trabajado en muchas exposiciones alrededor del mundo, en bienales, museos y ferias de arte; en sus investigaciones siempre se toma en cuenta el entorno de manera responsable y consciente; trabaja con artistas de todo Latinoamérica y tiene la experiencia suficiente para hacer de esta exposición una gran muestra internacional”, finaliza Matthei.

This is what led to the opening of the Arte Al Límite Museum, which establishes a new decentralizing role for the institution by its location in Panquehue, a place in the Aconcagua Valley with over 7 thousand inhabitants that is renowned for its mountain beauty and wine production, located around an hour away from Santiago.

The space, an environmentally sustainable facility created by San Felipe architect Luis Guzmán, has a 525-square-meter hall, reaching a height of 9 meters in its highest point; two 24-square-meter video rooms; and around 2,500 square meters of outdoor spaces for sculptures and installations.

The project has a multi-disciplinary and international board made up of: Cecilia García-Huidobro (Chile), philosopher and president of several cultural associations; María Eugenia Garrido (Peru), biologist with two PhDs from Columbia University and president of the board of Lima’s Museum of Contemporary Art (MAC); Julio Sapollnik (Argentina), bachelor in art history from U.B.A with a master’s in culture; Marisa Caichiolo (Argentina/USA), historian with a PhD in art history and psychology, artist and curator; Ferrán Josa (Spain), director of Sala Pares and member of the Strasbourg art fair; Mauro Von Siebenthal (Switzerland), lawyer and entrepreneur; Felipe Forteza (Chile), cultural manager and curator from Adolfo Ibáñez University, photographer and art collector; as well as entrepreneur Ricardo Duch and Ana María Matthei.

The latter, also the director of the AAL Museum, states that the project has been initially conceived in three stages: in the short term with two exhibits a year to allow for educational and mediation activities, as well as building more partnerships with the public and private sphere for outreach to new audiences; in the mid-term with an artist-in-residence program to contribute to interactions among different art agents, and with improvements to the record-keeping and conservation of the pieces to promote theoretical research and disseminate new aspects about the artwork.

“Finally, in the long term, we want to be a reference among private museums in Chile. We aim to build a conservation, restoration and communications system for contemporary art that fosters interest in local and international culture. The art world mainly moves in Santiago, and though there are several spaces that contribute to this decentralizing cause in the Valparaíso region, new initiatives are always necessary. We want to boost this specific area devoid of contemporary art museums but rich in wine-making infrastructure, which makes it a tourist destination with great patrimonial value and national image.”

Weaving traces

Working with Marisa Caichiolo is not new for Ana María Matthei nor her family. In 2017, we launched the AAL collection in the sample “Sin Límites,” in which 5 exhibition spaces in Santiago were filled with international-grade contemporary art.

“We met some years prior, in an art fair during ArtBo, Colombia. We kept in touch ever since, as Marisa found the project we built with AAL interesting. So we started collaborating with her space, Building Bridges Art Exchange, located in Santa Monica, California,” Matthei explains. That bond evolved into a friendship that led to the exhibition “Weaving identities, dialogue, traces and future,” set to open in September this year.

In addition to the prior experience of working together on a large-scale project, Marisa brings her knowledge, as “she has worked in many exhibitions around the world, in biennials, museums, and art fairs. Her endeavors always consider the environment in a conscious and responsible manner, and she works with artists from all across Latin America. She has all the experience it takes to make this exhibition a huge international sample,” Matthei concludes.

Imágenes cortesía de Roberto Mardones, 2024.

12 ARGENTINA

MARISA CAICHIOLO

Por Elisa Massardo. Lic. en Historia y Estética (Chile)

Fotografía cortesía de Mostapha Romli.

“AAL Museo invita a sumergirse en una experiencia sensorial única que permite explorar el arte contemporáneo”

artista, curadora y gestora cultural. Afincada en Estados Unidos desde hace más de 20 años. Historiadora del Arte, Psicóloga y PhD en Historia del Arte y Psicología. Marisa Caichiolo ha hecho una vida en el mundo del arte contemporáneo desde Santa Mónica, California, donde se encuentra su fundación Building Bridges Art Exchange, en la que fomenta la creación de puentes hacia y con el mundo del arte latinoamericano.

Su investigación se centra en el impacto de los cambios sociales y políticos en la sociedad, trabajo que ha demostrado curatorialmente exponiendo en importantes instituciones, como el Museo de Artes de la Universidad de Guadalajara (México); Centro Cultural Kirchner (Argentina); Centro DOX de Arte Contemporáneo, Praga (República Checa), entre otros. Actualmente, está a cargo de la exposición inaugural del Museo AAL. Al respecto, nos cuenta más sobre el proceso curatorial y sus vínculos con la institución.

Es la segunda vez que realizas una curatoría para la colección de Arte Al Límite en Chile, ¿qué se siente estar involucrada en este evento? Es un honor y motivo de gran emoción tener la oportunidad de realizar, por segunda vez, esta curaduría. Mi profundo respeto hacia la revista AAL se fundamenta en el valioso apoyo que brinda a los artistas latinoamericanos y en su destacada labor de promoción internacional. A través de esta colección y gracias al impulso de Ana María Matthei y su familia, se ha inaugurado un nuevo espacio cultural, un museo que representa mucho más que una simple exhibición de arte. En este proyecto, no solo se ha dado a conocer la colección al público, sino que también se ha puesto énfasis en el legado familiar y cultural que se enmarca en una región específica de Chile. La descentralización del arte contemporáneo adquiere un papel relevante en esta iniciativa, al ubicar el museo fuera de Santiago. Este enfoque descentralizado no solo es de gran importancia personal para mí, como gestora cultural y curadora, sino que también refleja mi compromiso con la promoción de la diversidad cultural y la preservación de legados locales.

“AAL Museum: an invitation to dive into a unique sensory experience to explore contemporary art”

artist, curator and cultural manager. Based in the US for over 20 years, an art historian, a psychologist with PhDs in art history and psychology, Marisa Caichiolo has made a life in the world of contemporary art from Santa Mónica, California, where her foundation, Building Bridges Art Exchange, is located. There, she promotes building bridges towards and through the Latin American art world.

Her quest centers around the impact of social and political changes in society, which she has proven as a curator with exhibitions in important institutions such as the Art Museum of the University of Guadalajara (Mexico); the Kirchner Culture Center (Argentina); and the DOX Centre for Contemporary Art in Prague (Czech Republic); among others. She is currently in charge of the inaugural exhibition at AAL Museum and, here, she tells us more about the curatorship process and her bonds with this institution.

This is the second time you have curated for the AAL collection in Chile. How does it feel to be involved in this event?

It is an honor and a source of great excitement to have the opportunity to undertake, for the second time, this curatorship. My deep respect towards the AAL magazine is founded on the valuable support it provides to Latin American artists and their remarkable endeavors in international dissemination. Through the collection, and thanks to the the drive of Ana María Matthei and her family, a new cultural space has been launched, a museum that represents much more than a simple art exhibition. This project not only accomplishes exhibiting the collection to the public, but it has also highlighted the family and cultural legacy that frames this specific region in Chile. The decentralization of contemporary art takes on a relevant role in this initiative, as the museum is located outside Santiago. This decentralized approach is of great importance for me personally, as a cultural manager and curator, but it also reflects my commitment to fostering cultural diversity and preserving local legacies.

Fotografía cortesía de Mostapha Romli, 2024.

¿Qué sorpresas y diferencias vemos a nivel curatorial entre la primera muestra y la actual?

Considero que la exposición actual presenta una narrativa que se ajusta perfectamente a los parámetros e intereses de mi práctica artística y curatorial. La selección es cuidadosamente elegida y se integra de manera armoniosa con el entorno del nuevo espacio. Los diálogos establecidos están en sintonía con los movimientos que actualmente acontecen en el ámbito del arte contemporáneo a nivel global, entrelazándose con los discursos sociales locales y cercanos. Desde la perspectiva del paisaje, los trabajos y estudios de los artistas, se exploran temas de relevancia actual como el territorio, el género, los cambios en los sistemas y sus rupturas, entre otros. Creo firmemente que esta exposición está concebida como una experiencia inmersiva, donde se invita al visitante a formar parte del contexto, a ser parte no solo del paisaje, sino también de las diversas propuestas artísticas. Es un enfoque que busca involucrar activamente al espectador y sumergirlo en un diálogo enriquecedor con las obras expuestas.

¿Podrías profundizar en la relación de los tres puntos claves que mencionas sobre el museo y la curatoría actual?

En su compromiso de fomentar un diálogo significativo entre los artistas, sus entornos, sus perspectivas y el desarrollo cultural en general, la exposición se sumerge en tres puntos conceptuales y curatoriales fundamentales, centrándose especialmente en secciones dedicadas al arte contemporáneo que critican los aspectos políticos, sociales y ambientales, fusionando estos temas de manera provocativa y reveladora. Estos tres ámbitos incluyen ‘Huellas’, a través de obras fotográficas, instalaciones, performances y esculturas, que nos invitan a reflexionar sobre la situación de las comunidades indígenas en sus aspectos sociales, económicos y físicos, y sobre la representación de estas temáticas en el arte contemporáneo. Se destaca a los artistas de la colección que pertenecen a estas comunidades, junto con aquellos que colaboran con ellas. Esta exploración nos lleva a reflexionar sobre nuestra conexión ancestral, la interrelación entre la humanidad y nuestro planeta, así como la descentralización de medios y recursos como una forma de trascender las estructuras de poder establecidas. Al regresar a nuestras raíces, a la tierra, a lo atávico y a la sabiduría de nuestros pueblos indígenas, el museo nos invita a explorar rituales de reconexión con la Madre Tierra, abriendo puertas a una comprensión más profunda de nuestra existencia y un renovado respeto por la naturaleza y sus ciclos de vida. Otro de los sectores abordados es ‘Transformación Social’, donde la expresión artística contemporánea, las creaciones y propuestas artísticas emergen como poderosos instrumentos de denuncia y transformación social. Los artistas, al posicionarse valientemente frente a las injusticias y desigualdades, nos invitan a participar en un diálogo profundo y enriquecedor que desafía nuestras propias percepciones y prejuicios, confrontándonos con complejas intersecciones. Y, por último, ‘Ciencia y Tecnología’, que explora la intersección entre arte, ciencia, tecnología y medio ambiente. Este sector revela las sinergias creativas que surgen cuando disciplinas aparentemente dispares convergen. A través de obras innovadoras e inmersivas, los artistas nos invitan a reflexionar sobre la relación compleja y fascinante entre creatividad humana, mundo natural y tecnología emergente, especialmente entre aquellos artistas que crean utilizando inteligencia artificial u otras nuevas tecnologías.

¿A qué consideras que se debe la importancia que está tomando tanto el arte textil como aquellas obras vinculadas a la naturaleza y el entorno?

El arte textil está cobrando mucha importancia en el mundo del arte contemporáneo por varias razones: la ruptura con las tradiciones patriarcales. El arte textil ha sido tradicionalmente asociado con el trabajo doméstico y ha sido subestimado en comparación con otras formas de arte consideradas más “nobles”. En la actualidad, no obstante, existe una ruptura con estas tradiciones patriarcales y un reconocimiento creciente de la importancia y el valor del arte textil como una forma legítima de expresión artística.

What curatorial surprises and differences can we find between the first sample and the current one?

I believe the current exhibition presents a narrative that perfectly fits the parameters and interests of my artistic and curatorial practices. The selection was carefully chosen and integrates harmoniously with the surroundings of the new space. The concepts are in tune with current movements happening throughout the world in the field of contemporary art, intertwining both local and nearby social narratives. From the perspective of the landscape and artists’ research, relevant issues such as territory, gender, changes in and departures from prominent systems, among others, are addressed. I firmly believe the exhibit is conceived as an immersive experience, where visitors are urged to become part of the setting, not only the landscape, but the diverse art proposals themselves.

This approach seeks to actively engage viewers and submerge them in an enriching conversation with the exhibited artwork.

Could you elaborate on the three key points you mention about the museum and the current curatorship?

In its commitment to promote a meaningful conversation between artists, their environment, perspectives and cultural development overall, the exhibition delves into three key conceptual and curatorial axes, specifically focusing in sections devoted to contemporary art that criticize political, social and environmental issues, merging these topics in a provocative and revealing manner. These three axes include ‘Traces’, which invites us to reflect on the social, economic and physical situation of indigenous communities, and the representation of these themes in contemporary art through photographs, installations, performances, and sculptures. Artists from these communities are highlighted in the collection, as well as those who collaborate with them. This exploration leads us to contemplate our ancestral connection, the relationship between humankind and our planet, and the decentralization of media and resources as means of transcending established power structures. By returning to our roots, the earth, atavism, and wisdom of our indigenous peoples, the museum invites us to explore rituals to reconnect with Mother Earth, opening the doors towards a deeper understanding of our existence and a renewed respect towards nature and life cycles.

Another pillar in the dedicated sections is ‘Social Transformation’. There, contemporary art expressions, creations and proposals emerge as powerful tools for social denunciation and transformation. Artists taking a brave stance against injustices and inequalities urge us to engage in a profound and enriching conversation that challenges our own perceptions and prejudice, confronting us with complex crossroads.

Finally, ‘Science and Technology’ explores the intersection between art, science, technology and environment, revealing creative synergies that arise when seemingly dissimilar disciplines converge. Through innovative and immersive works, artists call on us to reflect on the complex and fascinating relationship between human creativity, the natural world and emerging technology, especially when artists use artificial intelligence or other new technologies.

Why do you think textile art and artwork linked to nature and the environment are gaining importance?

Textile art is gaining so much importance in the contemporary art world for several reasons: moving away from patriarchal traditions, as textile art has traditionally been linked to domestic work and underestimated compared to other art forms considered more “noble”.

Nowadays, there is a departure from these patriarchal traditions and growing recognition of the importance and value of textile art as a legitimate form of artistic expression.

También, por la exploración de identidades y narrativas personales. Creo que lo vemos en varias prácticas de artistas, el arte textil ofrece una forma única de explorar y expresar sus identidades, historias personales y experiencias, a través de materiales y técnicas que tienen una carga emocional y simbólica. Esto permite una mayor diversidad de voces y perspectivas en el arte contemporáneo. A esto se suma la conexión del arte textil con lo ancestral y lo artesanal, ya que tiene profundas raíces en las tradiciones culturales y artesanales de diferentes culturas en todo el mundo.

Muchos artistas contemporáneos están recurriendo a estas tradiciones para explorar cuestiones de herencia cultural, memoria colectiva y conexión con lo ancestral, lo que aporta una riqueza y profundidad adicionales a las obras. Respecto a la sostenibilidad y conciencia ambiental, estamos en un mundo cada vez más preocupado por estos temas y el arte textil se destaca por su enfoque en materiales naturales, reciclados y técnicas de producción respetuosas con el medio ambiente.

Esto resuena con una audiencia cada vez más consciente de la importancia de la sostenibilidad en todas las áreas de la vida, incluido el arte. En resumen, el arte textil está cobrando importancia en el mundo del arte contemporáneo debido a su capacidad para desafiar las normas establecidas, explorar identidades personales y colectivas, conectar con tradiciones ancestrales, promover la sostenibilidad y ofrecer una forma única y poderosa de expresión artística en un mundo cada vez más diverso y complejo.

¿De qué forma un Museo ubicado en Panquehue contribuye a fortalecer los vínculos con lo natural? Y, ¿por qué lo crees importante?

El Museo AAL, enclavado en un entorno natural pintoresco, rodeado de imponentes montañas, invita a sumergirse en una experiencia sensorial única que permite explorar el arte contemporáneo de una manera que roza la sanación colectiva. Al encontrarse en un hábitat natural, el museo desempeñará un papel fundamental en la preservación, promoción y comprensión del entorno natural y las prácticas artísticas que se conectan con él. Este espacio, dedicado a la exhibición de una colección descentralizada y en armonía con su entorno, no solamente ofrece una experiencia educativa única, sino que también fomenta la apreciación y el respeto por el medio ambiente, especialmente si se promueve una conciencia de trabajo sostenible dentro del museo.

A través de exhibiciones interactivas, programas educativos y actividades para todas las edades, el Museo AAL puede inspirar a sus visitantes a tomar medidas para proteger y preservar nuestro planeta. Además, como centro de investigación y lugar donde artistas y expertos en diversas disciplinas pueden estudiar y compartir conocimientos sobre las prácticas artísticas locales, el museo desempeña un papel crucial en la sensibilización pública sobre cuestiones ambientales urgentes y en la promoción de prácticas sostenibles en la sociedad.

En un mundo cada vez más urbanizado y desconectado de la naturaleza, el Museo AAL puede desempeñar un papel fundamental al brindar a las personas la oportunidad de conectarse con el mundo natural, maravillarse con su belleza y complejidad, y comprender la importancia de preservar colecciones dentro de este marco para las generaciones futuras.

Desde tu experiencia con AAL, ¿qué podrías decirle a los artistas que son parte de esta colección, sobre esta muestra y el museo?

Considero fundamental formar parte de este nuevo espacio, ser parte de una colección que no solo crece y madura a través de la práctica del coleccionismo, sino que también se articula con una mirada actual y visionaria del coleccionismo a nivel global.

Es crucial para los artistas formar parte de un cambio colectivo, y la institución abre esta puerta a los artistas brindándoles la oportunidad de participar en un contexto que promueve la innovación y la colaboración.

It is also due to the exploration of personal identities and narratives. I think we can see it in several artists’ practices: textile art offers a unique way of exploring and expressing their identities, personal stories and experiences, through materials and techniques that have an emotional and symbolic charge. This allows for greater versatility of voices and perspectives in contemporary art. Additionally, there is a return to ancestral and artisan practices, and textile art is deeply rooted in cultural and artisan traditions of different cultures throughout the world.

Many contemporary artists are turning to these traditions to explore matters of cultural heritage, collective memory, and connection to ancestors, which brings additional richness and depth to the artwork. In regards to sustainability and environmental awareness, we live in a world that more and more concerned over these issues. Textile art stands out for its focus in natural and recycled materials and ecofriendly production techniques.

This resonates with an audience who is more aware than ever of the importance of sustainability in all areas of life, including art. In brief, textile art is gaining importance in the contemporary art world due to its capacity to challenge established norms, explore personal and collective identities, connect with ancestral traditions, promote sustainability, and offer a unique a powerful form of expression in an increasingly diverse and complex world.

How does a museum located in Panquehue contribute to strengthen the bonds with nature? Why do you think that is important?

The AAL Museum, nestled in a picturesque natural setting, surrounded by towering mountains, extends an invitation to immerse in a unique sensory experience that allows you to explore contemporary art in a way that borders on collective healing. As it is located in a natural environment, the museum will play a fundamental role in the preservation, promotion and understanding of the environment and the art practices that connect to it. This space, dedicated to exhibiting a decentralized collection in harmony with the environment, does not only offer a unique educational experience, but also promotes appreciation of and respect towards the environment, especially if the museum fosters awareness of sustainable work.

Through interactive exhibitions, educational programs and activities for people of all ages, the AAL Museum can inspire visitors to take action to protect and preserve our planet. Moreover, as a research center and a place for artists and experts from different disciplines to study and share their knowledge on local art practices, the museum plays a crucial role in bringing the public’s attention to urgent environmental issues and in promoting sustainable practices in society.

In an increasingly urbanized world that is disconnected from nature, the AAL Museum can fulfill a fundamental role in providing people with the opportunity to connect to the natural world, marvel at its beauty and complexity, and, in this line, understand the importance of preserving collections for future generations.

Given your experience with AAL, what would you say about the sample and the museum to the artists that are part of the collection?

I think it is crucial to take part in this new space, to become part of a collection that grows and matures through art collecting, and is articulated with a current and visionary outlook of collecting on a global scale.

It is crucial for artists to be part of collective change, and the AAL Museum opens this door for artists by giving them the opportunity to participate in a setting that promotes innovation and collaboration.

CHRISTIAN FUCHS

christian.fuchs.artist

mail: christianh.fuchs@gmail.com

Exposición 13 de Julio 2024

Galerie PJ, 10 Rue des Jardins, Metz, France

Johann Wolfgang von Goethe, autoretrato fotográfico impreso en papel de algodón.

18 ESPAÑA

FERRÁN JOSA

Por Ricardo Rojas Behm. Escritor y Crítico (Chile) Imágenes cortesía de Ferrán Josa.

Un prohombre del arte contemporáneo

en lo que a mí respecta referirme a Ferran Josa, es sinónimo de arte, galerías, museos, coleccionismo y todo aquello que revela a un prohombre vinculado desde siempre al quehacer artístico. Fundador de Pigment Gallery en dos emblemáticas ciudades: Barcelona y París, desde el 2016 ha sabido conectar al público sensible con una visión ecléctica en cuyo tránsito circulan la originalidad de la figuración, pasando por el informalismo e incluso la abstracción.

Ferran se ha convertido en todo un referente del arte contemporáneo, teniendo importante presencia en el mercado internacional con su participación en Art París Art Fair, Kiaf y Art Madrid. Razón valedera por la que se convierte en director del futuro Museo Arte Al Límite.

¿Hasta qué punto Pigment Gallery se adentra en la epidermis del arte como una apuesta disruptiva de lo que ocurre en el mundo contemporáneo?

En el mundo actual empieza a ser difícil separar lo disruptivo de lo normativo. Muchas de las apariciones más exitosas en cualquier campo se centran en lo disruptivo. El arte siempre lo ha sido de manera más o menos manifiesta. El trabajo de Pigment no es tanto focalizarse en eso como abrir los ojos a las nuevas formas de creación.

Desde el 2016, han demostrado una preocupación por el cambio climático y el respeto por la sostenibilidad, la educación y el empoderamiento de la mujer. ¿Con qué otros aspectos se sienten comprometidos en Pigment Gallery?

Cuando el trabajo artístico es verdadero conecta de alguna forma con el mundo real y con las preocupaciones del ser humano contemporáneo. Nuestra principal tarea es establecer esa conexión y a partir de ese contacto, de esa consciencia con el mundo actual, aportar o sugerir nuevas visiones, nuevos enfoques.

Tomando como base tu vasta experiencia, ¿cuál debería ser el rol de un galerista que no teme adentrarse en un mundo cada vez más impredeciblemente ecléctico?

El rol sigue siendo el de acompañar a sus artistas en este largo viaje, dándoles visibilidad, internacionalización y bagaje. Y por descontado, un sustento económico acorde al perfil de cada uno. Cambia la manera de lograrlo, pero no los roles.

An outstanding man in contemporary art

as far as I am concerned, referring to Ferran Josa is synonymous with art, museums and collecting, which reveals him as an outstanding man who has always been linked to artistic practices. Founder of the Pigment Gallery, located in two iconic cities, Barcelona and Paris, he has connected the public to an eclectic vision that navigates through originality, figuration, informalism and even abstraction.

Ferran has truly become a prominent figure in contemporary art with his important presence in the international art market and participation in Art Paris Art Fair, Kiaf and Art Madrid. For this valid reason, he is to become the director of the future AAL Museum.

To what extent does Pigment Gallery penetrate into the epidermis of art as a disruptive bet on what is happening in the contemporary world?

In our current world, it becomes difficult to separate disruption from standardization. Many of the most successful appearances in any field are disruptive. Art has always been thus, more or less overtly so. The work of Pigment is less about focusing on that, and more about opening the eye to new ways of creation.

Since 2016, you have demonstrated a concern over climate change and a respect towards sustainability, education, and women’s empowerment. What other aspects is the Pigment Gallery committed to?

When artwork is true, it connects to the real world and the concerns of contemporary humankind. Our main task is to establish that connection and through it, through that awareness of the current world, to contribute or suggest new perspectives, new approaches.

Bearing in mind your vast experience, what should be the role of gallerists who do not fear venturing into a world that’s increasingly and impredictively eclectic?

The role continues to be to accompany artists through this long journey, helping them attain more visibility, international acclaim and experience. And, of course, a financial income that corresponds to their profiles. The way of achieving this has changed, but the role has not.

Fotografía cortesía de Ferrán Josa.

¿Qué nos trae como resultado final, ese Ferran Josa, director adjunto en la Sala Parés, secretario del Gremi de Galeries d’Art de Catalunya, miembro del comité de la feria St- Art de Estrasburgo, y creador de Pigment Gallery?

Pues un galerista comprometido con sus artistas y con la suficiente experiencia para entender el funcionamiento del negocio. Esa comprensión permite optimizar el desarrollo de las diferentes producciones y por consiguiente deja al artista concentrarse en los procesos de búsqueda como hecho fundamental.

¿Qué relevancia le asignas a las galerías y museos como el componente esencial para fomentar el coleccionismo?

La fórmula de las galerías es muy antigua, ha estado funcionando, con sus modificaciones, desde hace dos siglos. Las nuevas tecnologías parecen abocar el negocio a diferentes fórmulas, pero hasta el momento sigue siendo necesario crear espacios físicos para que los coleccionistas entren en contacto con las obras de los artistas, y las personas que nos introducen en este viaje siguen siendo esenciales.

¿Cuál es tu visión del arte latinoamericano? ¿cómo un artista latino puede establecer una relación con Europa?

Hay infinidad de artistas sudamericanos triunfando en Europa y en todo el mundo. Orozco, Saraceno, Dávila, Salcedo, Óscar Muñoz, forman parte de algunas galerías de primer nivel que exponen sus obras en las principales sedes de Europa y EEUU. Hoy, esa clasificación puede que deje de tener sentido. La vitalidad de la creación en países como Brasil, México o Colombia es tal, que no se concibe el arte contemporáneo sin ellos.

Para concluir, ¿qué te motivó a aceptar ser director del museo?

Conozco la revista hace años. Hemos coincidido en ferias internacionales y colaborado con algunos de mis artistas. La relación con esta institución es muy gratificante. Me aporta la ilusión de un crecimiento personal y profesional y la posibilidad de exportar mi experiencia en el descubrimiento de nuevos valores que, de alguna forma, encarnen el espíritu de búsqueda y de transgresión que yo veo en la vocación de AAL.

What does this Ferran Josa, assistant director at Sala Parés, secretary of the Gremi de Galeries d’Art de Catalunya, member of the committee of the St-Art fair in Strasbourg, and creator of Pigment Gallery, bring us as a final result?

Well, a gallerist who is committed to his artists and who has enough experience to understand how this business works. This understanding allows for the optimization of the development of different productions and, thus, enables artists to focus in research processes as the path forward.

What importance do you assign to galleries and museums as essential components to promote art collecting?

The formula followed by galleries is very old. It has been working, with some changes, for two centuries. New technologies seem to guide this business towards different formulas, but so far it is still necessary to create physical spaces for collectors to come into contact with artists’ work. The people that introduce us to this journey are still essential.

What is your vision of Latin American art? How can Latin artists build a relation with Europe?

There are countless South American artists triumphing all over Europe and the world. Orozco, Saraceno, Dávila, Salcedo, and Oscar Muñoz are part of some first-in-class galleries that exhibit their work in their main branches in Europe and the USA. Today, that categorization might cease to make sense. The vitality of creation in countries like Brazil, Mexico or Colombia is such that no contemporary art be conceived without them.

To conclude, what motivated you to accept the role of museum director? I have been familiar with the magazine for years. We have met in international fairs and collaborated with some of my artists. The relationship with this institution has always been very rewarding. It brings me hope for personal and professional growth, as well as the possibility to contribute my experience to discover new values that somehow embody the inquisitive and transgressive spirit I see in AAL’s vocation.

22 ARGENTINA

JULIO SAPOLLNIK

Por Javiera Fernández. Periodista (Chile)

Imágen cortesía de Arturo Aguiar.

“El coleccionismo alcanzó la máxima intensidad en la legitimación del arte”

egún los registros del Centro Internacional de Estudios para la Conservación y la Restauración de Bienes Culturales (ICCROM), en América Latina y el Caribe, tres de cada cinco instituciones responsables de la conservación y gestión de colecciones de arte son museos, y una de cada cinco es un museo de arte contemporáneo. Además, el 50% de la administración de estas colecciones en la región es de carácter privado.

Este singular escenario destaca la necesidad de un esfuerzo conjunto entre organizaciones públicas y privadas para fortalecer el coleccionismo de arte en América Latina. Asimismo, resalta la importancia de que los Estados asuman un rol preponderante en este ámbito, con el fin de garantizar la preservación del patrimonio cultural y promover el acceso público al arte contemporáneo. El curador independiente y crítico de arte argentino Julio Sapollnik, licenciado en Historia de las Artes por la Universidad de Buenos Aires (UBA), enfatiza esta necesidad: “Todos sabemos que en Latinoamérica es imposible que un artista pueda sostener un precio que se alcanzó en Europa o Estados Unidos. De ahí la importancia del rol del Estado en la generación de créditos accesibles que permitan a nuevos públicos iniciar y/o ampliar sus colecciones”.

El arte de coleccionar De acuerdo con Julio Sapollnik, hoy el coleccionismo ha alcanzado su máxima intensidad en la legitimación del arte. “Ya no importa la obra, tampoco el artista que la hizo. Lo que importa es quien lo tiene. Pertenecer a determinada colección replica en la obra y en el nimbo del artista”.

En América Latina y el Caribe se observa un auge del coleccionismo en el que museos, galerías e instituciones culturales, así como medios especializados, tienen un rol esencial. Entre ellos destaca Arte Al Límite, revista especializada en arte contemporáneo que por años se ha dedicado a la divulgación de artistas internacionales y a la colección de obras de arte.

Según los registros del ICCROM, en América Latina y el Caribe los libros y revistas especializadas nacionales e internacionales, así como sitios web de organizaciones especializadas en arte, son los recursos más utilizados por los profesionales que trabajan con colecciones de arte contemporáneo para informarse y actualizar sus conocimientos. De ahí la relevancia de los medios especializados como vitrinas divulgadoras de arte que invitan al diálogo y al pensamiento crítico, fomentando también el interés por coleccionar.

“Collecting has reached peak importance in art legitimization”

according to the records of the International Center for the Study of the Preservation and Restoration of Cultural Property (ICCROM), in Latin America and the Caribbean, museums account for three out of five institutions responsible for preserving and managing art collections, with one out of five being contemporary art museums. Besides, in the region, 50% of the managing institutions of these collections are private.

This peculiar scenario evinces the pressing need for a joint effort among public and private institutions to foster art collecting in Latin America. Moreover, States must take on a hands-on role in order to guarantee the preservation of cultural heritage and promote access to contemporary art. Argentinian independent curator and critic Julio Sapollnik, who holds a Bachelor’s degree in Art History from the University of Buenos Aires (UBA), underlines this need: “We all know that in Latin America it is impossible for an artist to maintain price levels reached in Europe or the United States. Thus, it is crucial for states to provide accessible loans that enable new audiences to begin or expand their collections.”

The art of collecting

According to Julio Sapollnik, collecting has reached peak importance in art legitimization. “Nowadays, it doesn’t matter what the piece is, or the artist that made it. The important thing is who has it. Being part of a specific collection has an effect on the artwork and the artist’s reputation.”

In Latin America and the Caribbean, there is a surge in art collecting where museums, galleries, cultural institutions, and specialized media all have significant roles to play. Among them is Arte Al Límite, a contemporary art-focused magazine that has been devoted years to the promotion of international artists and the collection of artworks.

According to ICCROM, in Latin America and the Caribbean, professionals who work with contemporary art collections rely mainly on local and international specialized art magazines, books, and institutional websites to stay informed and update their knowledge. Therefore, specialized media plays a relevant role in acting as platforms for the dissemination of art, encouraging discussion, critical thinking, and also fostering an interest in collecting.

Fotografía por Arturo Aguiar, 2024.

En relación a esto, Julio Sapollnik enfatiza el lenguaje visual y literario que Arte Al Límite ha desarrollado a lo largo del tiempo, a través de su revista impresa y sitio web, para dar visibilidad a los artistas y promover el coleccionismo: “Las obras se ven muy bien y si hablan a mi sensibilidad, me dan ganas de poseer el objeto. No solo la revista se mira, sino que también se lee. El abordaje teórico aparte de ser informativo genera pensamientos”.

Un museo para el arte contemporáneo

Luego de tres décadas apoyando y difundiendo el arte a nivel internacional, Arte Al Límite anunció la apertura de su nuevo museo dedicado a la exhibición de obras de arte. Esta institución contará con un directorio multidisciplinario dedicado al arte, entre ellos el mismo Julio Sapollnik, quien como historiador del arte, crítico y colaborador de la revista ha podido ser testigo directo de su papel coleccionista. “Este nuevo museo de arte contemporáneo es una idea fuerza para la proyección del arte en el siglo XXI. Conocer su colección es una obligación para todo historiador del arte y coleccionista deseoso de activar su formación visual. A la belleza natural que tiene la región se le suma la aventura del arte”.

En un mundo digitalizado y globalizado que permite maneras de consumir arte antes impensadas y donde el arte latinoamericano contemporáneo refleja las complejas realidades de la región, incluyendo temas centrales como la migración y los derechos humanos –sostiene Julio– el coleccionismo en la región goza, sin duda alguna, de grandes oportunidades.

En particular, el museo Arte Al Límite, concluye el curador, posee una serie de atributos que pueden ser un ejemplo para el exterior. “AAL conoce la colección para generar exposiciones que exaltan la felicidad de la contemplación o el riesgo de pensar una felicidad amenazada. Muestras donde los artistas se interrogan sobre el desarrollo del futuro humano en el planeta. El Museo es un nuevo espacio para ver nuevas obras que generan nuevas preguntas”.

In this regard, Julio Sapollnik highlights the visual and literary language that Arte Al Límite, through the print magazine and website, has developed over time to highlight artists and promote collecting: “The pieces look great and if they speak to me, it makes me want to own them. However, the magazine is not just for looking, but also reading. The theoretical approach offers valuable insights, while prompting reader to reflect on the content.”

A contemporary art museum

After three decades of supporting and disseminating art on an international scale, Arte Al Límite announced the opening of a new museum devoted to exhibiting artwork. This institution will feature a multidisciplinary board dedicated to art, including the Julio Sapollnik, who, as an art historian, critic and collaborator of the magazine, has witnessed AAL’s art collecting endeavors first-hand. “This new contemporary art museum is a compelling idea for the development of art in the 21st century. Learning about his collection is a must for any art historian and collector eager to enhance their visual education. The natural beauty of the region will now be complemented by an adventure in art.”

The digitalized and globalized world enables previously unthinkable ways of consuming art, and contemporary Latin American art reflects the complex realities of the region, including key issues such as migration and human rights. In this context, Julio argues that collecting in the region undoubtedly presents great opportunities.

In particular, the Arte Al Límite Museum –the curator concludes–possesses a set of attributes that could serve as a model for the rest of the world. “AAL is skilled at curating collections that showcase the joy of contemplation or the challenge of pondering a happiness that is under threat, exhibitions where artists question the future development of humanity on the planet. The museum proposes a new space to see new artwork that pose new questions.”

CON VER GEN TES 2024

Mar a jue 11:00 - 19:30 / Sáb 11:00 - 14:00 hrs. Domingo y festivos cerrado. Avenida Vitacura 2680, Las Condes.

1 EXPOSICIÓN

28 ARTISTAS JÓVENES

11 ESCUELAS DE ARTE EN CHILE

2 SALAS DE EXHIBICIÓN

HASTA EL 30/09

EXPOSICIÓN INAUGURAL AAL MUSEO

TEJIENDO IDENTIDADES, DIÁLOGOS, HUELLAS Y FUTURO

Curatoría por Marisa Caichiolo

Una selección de veintiocho artistas de la colección AAL

l a exposición es un espacio de encuentro y reflexión que invita al espectador a sumergirse en un viaje visual y conceptual, a través de múltiples capas de identidades colectivas.

La exposición presenta una selección de obras de artistas internacionales, la mayoría de las cuales nunca antes habían sido expuestas en Chile. Estas obras con enfoque socio-político y con la intervención de nuevos medios han jugado un papel fundamental en el desarrollo de la filosofía e identidad de la colección AAL.

La exposición marca la inauguración formal del AAL Museo, que se erige como un faro en el mundo del coleccionismo descentralizado, que fomenta el debate transnacional y enriquece el intercambio internacional a través de un profundo compromiso con la transformación social.

En su misión de promover un diálogo significativo entre los artistas, sus entornos, sus perspectivas y el desarrollo cultural en su conjunto, la exposición profundiza en tres puntos conceptuales y curatoriales clave, con un enfoque particular en secciones dedicadas al arte contemporáneo que critica los aspectos políticos, sociales y discursos ambientales, fusionando estos temas de una manera provocativa y reveladora.

Esta exploración nos invita a reflexionar sobre nuestra conexión ancestral, la interrelación entre la humanidad y nuestro planeta, junto a la descentralización de medios y recursos como un vehículo para trascender las estructuras de poder establecidas. A través de un retorno a nuestras raíces, a la tierra, a lo atávico y a la sabiduría de nuestros pueblos indígenas, el museo nos invita a explorar rituales de reconexión con la Madre Tierra, abriendo puertas hacia una comprensión más profunda de nuestra existencia y un respeto renovado por la naturaleza y sus ciclos de vida.

AAL Museo, enclavado en un hábitat pintoresco, rodeado de majestuosas montañas, nos invita a sumergirnos en una experiencia sensorial única, permitiéndonos indagar sobre el arte contemporáneo de una manera que roza la sanación colectiva.

A través de instalaciones interactivas, nos sumergimos en un viaje de descubrimientos, invitando a contemplar y cuestionar nuestra relación con el arte, nuestra tierra y la humanidad, en un contexto global cada vez más interconectado y complejo.

Con cada uno de los puntos de referencia curatoriales, examinamos las conexiones entre el pasado, el presente y el futuro, tejiendo un diálogo que trasciende las fronteras temporales y geográficas.

Cada obra de arte e instalación actúa como un rastro, un testimonio de nuestra historia y un puente hacia el porvenir, donde las tradiciones ancestrales se entrelazan con visiones del mañana. En esta sinergia entre memoria y visión, entre lo tangible y lo efímero, nos sumergimos en un universo de significados y simbolismos, que nos invitan a repensar, reconstruir y redefinir nuestras vidas e identidades en constante evolución.

Bienvenidos a este nuevo y mágico espacio de conversación, donde el arte se convierte en un hilo conductor que nos guía hacia un futuro compartido, en el que nuestras raíces se cruzan para tejer un tapiz de diversidad y esperanza.

A selection of twenty-eight artists from the new AAL Collection

the exhibition is serves as space for meeting encounter and reflection, that invites inviting the viewers to immerse themselves in a visual and conceptual journey through multiple layers of collective identities.

The exhibition presents a selection of works by international artists, most of which have never been previously exhibited in Chile. Over the years, these social, political, and new media-infused pieces have played a pivotal role in the development of philosophy and identity of the AAL collection.

This exhibition marks the formal inauguration of the AAL Museum, which stands as a beacon in the world of decentralized art collecting, fostering transnational dialogue and enriching international exchange through a deep commitment to social transformation.

In its mission to promote a meaningful dialogue between artists, their environments, their perspectives, and cultural development as a whole, the exhibition delves into three key conceptual and curatorial points, with a particular focus on contemporary art that criticizes political, social, and environmental narratives, fusing these themes in a provocative and revealing way.

This exploration invites us to reflect on our ancestral connection, the interrelationship between humanity and our planet, and the decentralization of mediums and resources as vehicles to transcend established power structures. Through a return to our roots, to the land, to the ancestral and to the wisdom of our indigenous peoples, the museum invites us to explore rituals of reconnection with Mother Earth, opening the door towards a deeper understanding of our existence and a renewed respect for nature and its life cycles.

The AAL Museum, nestled in a picturesque habitat surrounded by majestic mountains, invites us to immerse ourselves in a unique sensory experience, allowing us to explore contemporary art in a way that verges on collective healing.

Through interactive installations, we immerse ourselves in a journey of discovery and reflection, urging us to contemplate and question our relationship with art, our land and humanity in an increasingly interconnected and complex global context.

With each of the curatorial axes, we explore the connections between the past, present and future, weaving a dialogue that transcends temporal and geographical boundaries.

Each art piece and installation acts as a trace, a testimony of our history and a bridge to the future, where ancestral traditions are intertwined with visions of tomorrow. In this synergy between memory and vision, between the tangible and the ephemeral, we immerse ourselves in a universe of meanings and symbolisms that invite us to rethink, reconstruct and redefine our constantly evolving lives and identities.

Welcome to this new and magical space for dialogue, where art becomes the common thread that guides us towards a shared future, in which our roots intertwine to weave a tapestry of diversity and hope.

EGIPTO

YVES HAYAT

MULTIDISCIPLINAR

l a instalación Concierto Facial está inspirada en la serie Concetto Spaciale de Lucio Fontana, donde el artista propina el filo de cuchillas sus lienzos.

En la obra de Hayat, la mujer retratada, que podría interpretarse como la Virgen María, María Magdalena, o una seguidora de creencias musulmanas o budistas, se dirige hacia el final de su viaje vital.

Su mirada se enfoca en heridas, ya sea evadiéndolas o soportando su presencia. Su rostro maduro encarna la sabiduría, el semblante de alguien que se ha adentrado en un mundo de fuego y sangre.

Yves Hayat, 1946. Artista radicado en Francia desde 1956 luego de la revolución egipcia. Estudió Artes en la Escuela Nacional de Artes de Niza, Francia.

Ha participado en la Bienal de Venecia (2013), además de diversas exposiciones individuales y colectivas en países como Francia, Austria, Estados Unidos, Líbano, Bélgica, entre otros.

the Concerto Facciale installation draws inspiration from Lucio Fontana’s series Concetto Spaciale, where the artist took a blade to the canvases.

In Hayat’s piece, the woman depicted, who could be interpreted as the Virgin Mary, Mary Magdalene, or a woman of Muslim or Buddhist beliefs, nears the end of her life journey.

Her gaze focuses on wounds, either evading them or enduring their presence. Her mature face embodies wisdom, the countenance of someone who has ventured into a world of fire and blood.

Yves Hayat, 1959. Artist based in France since 1956, after the Egyptian revolution. He studied Art at the National School of Arts in Nice, France.

He has participated in the Venice Biennale (2013), and in several solo and group exhibitions in countries such as France, Austria, the United States, Lebanon, Belgium, among others.

Concierto Facial, 2016, impresión de pigmentos sobre algodón de bellas artes, laceado, 60 x 120 cm.

ARGENTINA

ZULEMA MAZA FOTOGRAFÍA

el mundo actual es la principal temática de Zulema Maza, quien aborda al ser humano desenmascarando mucho de lo que la sociedad actualmente naturaliza y que se vincula a procesos históricos validados por grupos hegemónicos que se replican de manera arbitraria y totalizante.

A través de una mirada de género, Zulema Maza aborda una “cuestión de sentido”. Más allá de sus protagonistas que nos observan, busca reflejar distintas maneras de comprender la cruda realidad que nos sorprende. La artista no solo abre e ilumina un mundo nuevo, sino que también revela la oscuridad, el ocultamiento y la luz presentes en él.

Zulema Maza, 1949. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano, Buenos Aires, y se perfeccionó en técnicas gráficas.

Ha participado de diversas bienales en Latinoamérica y Europa, además de numerosas exposiciones colectivas en Argentina, Alemania, Francia, España, Italia, Venezuela, Brasil, Chile y China, entre otros. Ha recibido diversos premios a lo largo de su trayectoria.

zulema Maza’s main focus is on the modern world, addressing the self and unveiling societal practices that are normalized and linked to historical processes endorsed by dominant groups and reproduced in an arbitrarily and broadly.

Thus, with a gender-focused perspective, Zulema Maza sheds light on a “question of meaning”. Beyond the watchful characters in her artwork, she aims to portray in their attitudes diverse approaches to comprehending a stark reality that catches us off guard. However, she not only sheds light and reveal this world, but also introduces a fresh method of organizing everything and skillfully brings forth darkness, concealment, and light.

Zulema Maza, 1949. She studied at the Manuel Belgrano National School of Fine Arts, Buenos Aires, and specialized in graphic techniques.

She has participated in several biennials in Latin America and Europe, as well as numerous group exhibitions in Argentina, Germany, France, Spain, Italy, Venezuela, Brazil, Chile, and China, among others. She has received several awards throughout her career.

Ligeia Revolver, 2019, fotografía digitalizada, 80 x 100 cm.

PIETRO RUFFO MULTIDISCIPLINAR ITALIA

el Jardín de los Últimos Días explora la relación entre la humanidad y la naturaleza, enmarcada en el contexto del cambio climático y la degradación del medio ambiente. Se presenta como una instalación con la que se recrea el último día en la Tierra, en el que la biósfera aún existe en su forma más pura y sublime.

Realizada en colaboración con la compañía de diseño Noruwei, la obra crea una experiencia inmersiva y emocional que permite a los visitantes embarcarse en un viaje multitemporal.

Pietro Ruffo, 1978. Estudió arquitectura en la Universidad de Roma, y cursó estudios avanzados en la Universidad de Columbia, Nueva York, 2010.

Ganó el premio Cairo (2019) y Nueva York (2010). En los últimos años, ha expuesto en la Bienal de Venecia, Italia; Museo Vaticano, Ciudad del Vaticano; Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de São Paulo, Brasil, entre otros.

Ha realizado varias colaboraciones con casas de moda como Valentino y Dior.

the Garden of the Last Days explores the relationship between humanity and nature within the context of climate change and environmental degradation. Presented as an installation, it reimagines the last day on Earth, where the biosphere still exists in its purest and most sublime form.

Created in collaboration with the design company Noruwei, it creates an immersive and emotional experience, enabling visitors to embark on a multi-temporal journey.

Pietro Ruffo, 1978. He studied architecture in the University of Rome and, in 2010, he was granted a research fellowship at the Italian Academy for Advanced Studies of Columbia University.

He won the Cairo Prize (2019) and the New York Prize (2010). In recent years, his major solo exhibitions have included: the Venice Biennale, Italy; the Vatican Museum, Vatican City; and the University of São Paulo Contemporary Art Museum, Brazil, among others.

He has collaborated with fashion houses such as Valentino and Dior.

El Jardín de los Últimos Días, 2023, video digital en colaboración con Noruwei, instalación téxtil, duracion 3,5 minutos.

VIDEOARTE MÉXICO

ALFREDO DE STEFANO

utilizando imágenes desérticas de Atacama en Chile, el Sahara de Egipto, el Negro de Islandia, Thar de la India, Nazca de Perú, el Sahara de Marruecos, Sonora-Arizona y Chihuahuense de México, Gobi de Mongolia, Namibia de Namibia y las Arenas Blancas de Estados Unidos, el artista busca crear una experiencia inmersiva unificando la inmensidad y el silencio presentes en estas tierras.

“El silencio se siente como un pulso, pero es un pulso diferente en cada desierto. A veces es un pulso muy fuerte”, nos comenta el artista.

Alfredo de Stefano, 1961. Su obra ha sido expuesta de forma individual e internacional en el Centro Cultural Recoleta en Buenos Aires, Argentina; Cuarta Bienal Internacional de Fotografía, Amsterdam, Países Bajos; Bienal Internacional de Guangzhou, China, y Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de México, México. Su obra se encuentra en diversas colecciones privadas y públicas.

u sing desert images from Atacama in Chile, the Sahara in Egypt, the Black Desert in Iceland, the Thar Desert in India, Nazca in Peru, the Sahara Desert in Morocco, the Sonoran-Arizona and Chihuahuan Deserts in Mexico, the Gobi in Mongolia, the Namib Desert in Namibia, and the White Sands in the United States, the artist seeks to create an immersive experience by uniting these lands’ vastness and silence.

“The silence feels like a pulse, but it is a different pulse in each desert. Sometimes it is a very strong pulse”, the artist comments.

Alfredo de Stefano, 1961. His work has been exhibited internationally, including solo exhibitions at the Centro Cultural Recoleta in Buenos Aires, Argentina; the Fourth International Biennial of Photography, Amsterdam, the Netherlands; the Guangzhou International Biennial; and the Carrillo Gil Art Museum, Mexico City, Mexico. His work is part of several private and public collections.

BURN, Episodio

V, 2024, video digital 4k, duracion 3,5 minutos.

ESLOVAQUIA

VIKTOR FRESO

MULTIDISCIPLINAR

l as esculturas de Freso representan toda una gama de emociones negativas que las personas intentan ocultar en sus vidas, como la malicia, el complejo de inferioridad y la falta de confianza en uno mismo.

Uno de los elementos más fascinantes de su creación es el aparente contrapunto del énfasis en un EGO enorme y grandioso, conectado con un gesto en combinación con una humildad auto-irónica que desarma al espectador. Su capacidad para revelar lados oscuros de su alma, o tropezar y arrojarlos al mundo sin importar las consecuencias, desplaza los conceptos del autor hacia posibilidades más amplias de percepción de las razones de su obra.

Viktor Freso, 1974. Estudió en la Academia de Bellas Artes y Diseño en Bratislava, y en Praga en la Academia de Bellas Artes. Entre sus exposiciones destacan la Bienal del Danubio en Eslovaquia; Internacional fine creation Biennale en París, Francia; Bienal de La Habana, Cuba; El Museo Danubiana Meulensteen, entre otros.

freso’s sculptures represent a whole spectrum of concealed negative emotions that people grapple with in life, such as malice, inferiority complex, and lack of self-confidence.

One of the most fascinating aspects of his artistry lies in the apparent juxtaposition of portraying a huge, grandiose EGO depicted in a gesture, and then combining it with a disarming self-deprecating humility. His ability to unabashedly reveal the dark sides of his soul, stumbling or shooting them out into the world, shifts the author’s concepts towards broader interpretations of the motives behind his work.

Viktor Freso, 1974. He studied at the Academy of Fine Arts and Design in Bratislava, and in Prague at the Academy of Fine Arts. His notable exhibitions include the Danube Biennale in Slovakia; the Révélations International Biennial of Crafts and Creation in Paris, France; the Havana Biennial in Cuba; and the Danubiana Meulensteen Museum; among others.

Niemand , 2016, escultura, 94 x 34 x 31 cm.

COLOMBIA

FERNANDO ARIAS

MULTIDISCIPLINAR

we Breathe Each Other In and Out of Existence fue realizada con Más Arte Más Acción, en la Documenta 15 de Kassel.

Basada en los planos de arborización del Karlsaue Park, Fernando Arias, renderizó cada árbol del parque creando gráficos donde las esferas superpuestas evocan la compleja red de raíces subterráneas. Estas esferas simbolizan la comunicación y el apoyo mutuo entre los árboles, además de representar mundos individuales que se interrelacionan y coexisten colectivamente.

Fernando Arias, 1963. Estudió publicidad en la Universidad Jorge Tadeo Lozano en Bogotá; y Arte y Diseño en Londres. Fue ganador del premio Nacional de Artistas Colombianos y ha participado con su trabajo en la Bienal de Venecia, Italia; Bienal de La Habana, Cuba; Bienal de Mercosur, Brasil; y la Bienal de Tirana, Albania.

Ha participado en exposiciones en diversos países del mundo y en 2020 se realizó una importante muestra retrospectiva sobre su trabajo en el Museo de Arte Moderno de Bogotá.

we Breathe Each Other In and Out of Existence was developed in Más Arte Más Acción at Documenta 15 in Kassel.

Based on Karlsaue Park tree planting plans, the artist spent considerable time thoroughly rendering every tree in the park, creating images with overlapping spheres that evoke the complexity of underground root networks. These spheres symbolize communication and mutual support between trees, as well as representing individual worlds that interlink and coexist with one another.

Fernando Arias, 1963. He studied advertising at Jorge Tadeo Lozano University in Bogotá, as well as art and design in London. He won the National Prize for Colombian Artists and has participated in the Venice Biennale, Italy; the Havana Biennial, Cuba; the Mercosur Biennial, Brazil; and the Tirana Biennale, Albania.

He has participated in exhibitions in several countries around the world, and in 2020, an important retrospective exhibition on the artist was held at the Museum of Modern Art in Bogotá.

We Breathe Each Other In and Out of Existence, 2023, video HD, Edición 6.

CUBA

Flush the toilet IV, 2018, lápiz de cera sobre tapas de baño de madera, 43.2 x 35.6 x 5.1 cm.

ÁNGEL DELGADO

MULTIDISCIPLINAR

ángel Delgado busca transformar objetos de la vida cotidiana en arte y dándole un nuevo significado. En la serie titulada Flush the Toilet, trabaja sobre tapas de baño con las noticias internacionales de primera plana, publicadas en los periódicos o internet. Técnicamente, desaparece el contenido de la noticia, incluso cualquier referente de la imagen. La noticia es reducida a la mínima presencia, eliminando entornos, lugares, culturas, quitándole significados o (y) agregando otros.

En esta serie, el discurso de la prensa y la noticia en general se convierten en algo “abstracto”, donde se banaliza el discurso ideológico y social, y convierte a las personas de la noticia en personajes incógnitos y sin identidad, los mismos que conforman el universo de lo que en algún momento fueron noticias de primera plana.

Ángel Delgado, 1965. Estudió en la Escuela Elemental de Artes Plásticas de La Habana. Graduado de la Academia de Bellas Artes San Alejandro en 1984. En 1990, la performance La esperanza es lo último que se está perdiendo, lo condujo a la cárcel por seis meses, marcando su obra.

Ha participado en exhibiciones individuales y colectivas en Cuba, Estados Unidos, Bélgica, México, Argentina, Turquía, Alemania, Colombia, España, entre otros.

ángel Delgado seeks to transform everyday objects into art and give them new meaning. In the series titled Flush the Toilet, he works on toilet lids and news headlines published on newspapers or the Internet. Technically, all contents of the news disappear, even all references to the image. The news is reduced to their essence, removing the surroundings, places, cultures, striping from it meaning and/or adding others.

In this series, the narrative in the press or news overall becomes “abstract” and ideological and social discourse is trivialized; people in the articles, who once made the headlines, become anonymous and incognito.

Ángel Delgado, 1965. He studied at the Elementary School of Visual Arts in Havana. Graduated from the San Alejandro National School of Fine Arts in 1984. In 1990, the performance La esperanza es lo último que se está perdiendo (“Hope is the last thing ever lost”) landed him in prison for 6 months, which shaped his artwork.

He has participated in solo and group exhibitions in Cuba, the United States, Belgium, Mexico, Argentina, Turkey, Germany, Colombia, and Spain, among others.

Flush the toilet VI, 2018, lápiz de cera sobre tapas de baño de madera, 43.2 x 35.6 x 5.1 cm.

BERNARDO OYARZÚN

“cuando yo era niño me decían negro curiche”, cuenta Bernardo Oyarzún. Curiche es una palabra que viene del mapudungun y significa “gente negra”. Esta identificación basada en su corporalidad se fue agudizando con los años y manifestando a través de diversas formas de discriminación, vinculadas al color de la piel o los rasgos físicos del artista.

El racismo ha marcado su vida y la de muchas chilenas y chilenos. En el caso de Bernardo, el punto cúlmine fue cuando lo tomaron detenido como sospechoso de un crimen, situación que lo llevó a realizar una serie de obras entre las que se encuentra Negro Curiche, donde cuestiona el canon colonizador, reivindicando el cuerpo indígena o el cuerpo mestizo, en sus palabras: “quería saber si mi cuerpo entraba dentro del cuadrado y del círculo perfectamente”. Por eso, a un lado podemos observar ese hombre de Vitruvio, con cuerpo indígena; mientras que, en la otra parte del díptico leemos los sobrenombres que le decían a Oyarzún cuando niño y que se vinculan a su procedencia indígena. De esta forma logra proponer un nuevo canon sobre las proporciones y la identidad.

Bernardo Oyarzún, 1963. Artista visual, ha realizado más de 25 exposiciones internacionales, y ha participado de más de 20 bienales de arte, destacando en la Bienal de Venecia como representante del país en el pabellón chileno. Ha expuesto en diversos países y su obra es parte de colecciones públicas y privadas.

“when I was a child, they called me ‘negro curiche’,” Bernando Oyarzún narrates. Curiche is a Mapdungun word that means “black people”. This nickname based on his appearance increasingly worsened in time and became evident through several forms of discrimination linked to the artist’s skin color or physical features.

Racism has shaped both his life and that of many Chileans. In Bernardo’s case, the breaking point was when he was detained as the suspect of a crime. This situation led him to make a series of pieces, including Negro Curiche, where he questions the colonizing model, vindicating indigenous or mestizo bodies. In his own words, “I wanted to know if my body would perfectly fit into a square and a circle,” which is why we can see the Vitruvian man with an indigenous body on one hand, and, on the other part of the diptych, we can read the nicknames Oyarzún was called as a child, linked to his native origin. Thus, he manages to propose a new canon for proportions and identity.

Bernardo Oyarzún, 1963. Visual artist with over 25 international exhibitions held and participation in over 20 art biennials, standing out at the Venice Biennale as Chile’s pavilion representative. He has exhibited in several countries and his work is part of public and private collections.

Negro Curiche, 2002, díptico, fotoperformance, papel Canson Luster

COLOMBIA

ADRIANA RAMÍREZ

MULTIDISCIPLINAR

miCrOEXISTENCIA es una obra viva y participativa inspirada en la forma en que los seres humanos se articulan en el marco de la política, entendiendo esta palabra como la forma en que un grupo social se organiza para alcanzar objetivos comunes. Está formado por una base circular con tres potentes imanes y diminutas piezas que formaban parte de relojes o aparatos eléctricos. También hay cinco pinzas y una lupa. Lo que realmente encierra la magia de la obra es la fuerza del magnetismo que se convierte en un símil de los diferentes intereses compartidos por las personas: amor, dinero, supervivencia, religiones, cambio climático, entre otros.

Adriana Ramírez, 1974. Es maestra en Artes Plásticas de la Universidad de Los Andes y diseñadora industrial de la Universidad Pontificia Javeriana. Tiene una maestría en Bellas Artes con énfasis en creatividad de la Escuela de Artes de la Utrecht, en los Países Bajos.

Ha realizado diversas exposiciones individuales y colectivas. Sus propuestas han estado presentes en Noruega, Cuba, Perú, Chile, Turquía, Estados Unidos, Países Bajos, Venezuela, Inglaterra y Colombia.

miCrOEXISTENCIA is a living and participatory work inspired in the way human beings are articulated within the framework of politics, understanding this word as the way social group is self-organized to achieve common goals. The installation is made up of a circular base with three powerful magnets and hundreds of tiny metal pieces, which formerly were part of clocks or electrical devices. There are also five clamps and a magnifying glass. What truly encapsulates the magic of the work is the magnetic force that becomes a metaphor for different interests shared by people: love, money, survival, religions, climate change, etc.

Adriana Ramírez, 1974. She holds a Master’s degree in Fine Arts from the University of Los Andes and a degree in Industrial Design from the Pontifical Xavierian University. She holds a Master’s degree in Fine Arts with an emphasis on creativity from the Utrecht School of the Arts in the Netherlands.

She has had several solo and group exhibitions. Her works have been exhibited in Norway, Cuba, Peru, Chile, Turkey, the United States, the Netherlands, Venezuela, England, and Colombia.

MiCrOEXISTENCIA, Obra Viva

de participación

2024, instalación interactiva, MDF, pintura, micropiezas de relojes y computadores, pinzas y guayas, base 72 cm. de diámetro x 2cm.

Referentes:

Teoría de la U.

memoria Alterada: Exploraciones Autoetnográficas, es un proyecto de creación, producción y exhibición que pone en diálogo la instalación, el arte objetual y la videoperformance. Lo sonoro y lo visual son elementos fundamentales en la experiencia de esta exploración autoetnográfica por parte de su audiencia.

La obra se sitúa desde Chiloé, tierra de creencias mitológicas provista de un entorno natural con especies endémicas, que a su vez cuenta una historia de colonización y extractivismo. Además, esto se vincula a la historia de las personas que habitan este lugar y a la formación de una identidad que aglutina la vida y creencias de sus pueblos originarios, junto con las estrategias de resistencia y descolonización que se han planteado en las últimas décadas.

Juvenal Barría, 1979. Artista visual, fotógrafe y gestore artístico. Ha expuesto en Argentina, Chile, Colombia, Bolivia, Ecuador y Brasil, entre otros. De sus muestras destacan la exposición individual en el CENTEX de Valparaíso y en Matucana 100, en Santiago de Chile. Además ha realizado diversas residencias y ferias de arte a nivel internacional.

altered Memory: Autoethnographic Explorations is a project involving the creation, production and exhibition of a series of multidisciplinary artwork featuring installation, object art, and video performance. Sound and visuals are fundamental elements in the audience’s experience of this autoethnographic exploration.

The framework of this piece is Chiloé, a land with a myriad of mythological beliefs and an environment abundant in endemic species, but also to a long-standing history of colonization and resource exploitation. This is also linked to the inhabitants’ collective history and the development of an identity that combines the way of life and the beliefs of indigenous peoples, along with the resistance and decolonization strategies that have been addressed in recent decades.

Juvenal Barría, 1979. Non-binary visual artist, photographer, and art manager. Their work has been exhibited in Argentina, Chile, Colombia, Ecuador, and Brazil, among others. Their notable samples include a solo exhibition at CENTEX, Valparaíso, and at Matucana 100, Santiago, Chile. They have also participated in several international artist-in-residence and art fairs.

Memoria Alterada: Exploraciones Autoetnográficas, 2022, pélicula experimental, videoperformance en 5 capítulos, 41.5 min.

MÉXICO

BETSABEÉ ROMERO

MULTIDISCIPLINAR

l a artista plástica mexicana Betsabeé Romero se expresa a través de diferentes formas artísticas, como la pintura, la fotografía, collage, serigrafía, escultura e instalaciones. Sin embargo, su material de predilección es el automóvil y todos los accesorios que lo constituyen, en este caso las llantas.

La artista se hace el testigo y ojo crítico de la sociedad en la cual vive. A la vez despertadora de las conciencias por sus instalaciones que conmemoran el destino de los emigrantes, y guardiana de la memoria por su trabajo sobre el pasado precolombino, Betsabeé Romero nos presenta sus obras como si fueran espejos para ayudarnos a mirar mejor la realidad.

Betsabeé Romero, 1963. Estudió Arte en la Academia San Carlos y en la UNAM, además de la Escuela de Bellas Artes de París, Francia.

Ha participado en numerosas residencias y exposiciones internacionales como la Bienal de Venecia y la Bienal de la Habana. Su obra forma parte de importantes colecciones tanto públicas como privadas.

mexican visual artist Betsabe é Romero expresses herself through different art forms –painting, photography, collage, serigraphy, sculpture, and installations– but her favorite material come from cars and all its components, namely tires.

The artist becomes witness to and a critical eye of her society. Both a herald raising awareness through her installations that commemorate the fate of migrants and a guardian of memory through her work on the pre-Hispanic past, Betsabe é Romero presents her artwork as mirrors to help us take a better look at reality.

Betsabeé Romero, 1963. She studied art at the San Carlos Academy and at UNAM, as well as at the School of Fine Arts in Paris, France.

She has participated in several international artist residencies and exhibitions such as the Venice Biennale, Havana Biennale. Her work is part of important public and private collections.

Desde el Camino hacia El Dorado, 2012, tallado en llanta y pintura dorada, 51 x 51 x 18 cm.

CHRISTIAN FUCHS FOTOGRAFÍA PERÚ

christian Fuchs una vez más encarna a uno de sus antepasados, esta vez a Catalina de los Ríos y Lisperguer, más conocida como «La Quintrala», una aristócrata y terrateniente chilena de la época colonial.

La Quintrala fue acusada de diferentes crímenes, cuarenta en total, entre los que podemos citar: acabar con la vida de su padre sirviéndole un pollo envenenado, apuñalar a un sacerdote y torturar a sus esclavos hasta la muerte luego de horribles castigos. A pesar de las múltiples denuncias e intentar procesarla por hechicería para llevarla a la horca, pudo librarse por su gran fortuna y la influencia de su familia en Santiago y Lima.

Estuvo casada con Alonso Campofrío de Carvajal y Riberos, quien se convirtió en alcalde de Santiago gracias a la influencia de su familia. En sus últimos años, Catalina se arrepintió del mal que había hecho, por lo destinó casi la totalidad de su fortuna para salvar su alma del purgatorio. Pidió que se celebraran mil misas después de su muerte, y quinientas para las almas de los indios que habían sufrido bajo sus maltratos.

Christian Fuchs, 1979. Fotógrafo y artista visual, estudió fotografía en el Centro de la Imagen en Lima. Ha participado en varias exposiciones colectivas incluyendo la subasta Häuserträume für Kinder en Hamburgo en 2012, organizada por Sotheby’s. Además ha expuesto en Perú, Chile, Argentina, Estados Unidos, Brasil, Colombia, Costa Rica, Panamá, Uruguay, España, Australia y Francia.

once again, Cristian Fuchs embodies one of his ancestors. This time around, it is Catalina de los Ríos y Lisperguer, better known as “La Quintrala”, a Chilean colonial aristocrat and landowner. With her great height, fair skin, green eyes and red hair, she was famous for her cruelty and beauty.

La Quintrala was accused of many crimes, 40 overall, including: ending her father’s life with a poisoned chicken dinner, stabbing a priest, and torturing her slaves to death following horrific punishments. Despite multiple accusations and a failed attempt to prosecute her for witchcraft and sentence her to hang, she managed to wriggle free because of her large fortune and her family’s influence in Santiago and Lima.

She was married to Alonso Campofrío de Carvajal y Riveros, who became the mayor of Santiago thanks to her influential family. In her final years, she repented of the evil she had done, giving away almost her entire fortune to save her soul from purgatory. She asked that a thousand masses be held for her after her death, and five hundred for the souls of the natives who had suffered her mistreatment.

Christian Fuchs, 1979. Photographer and visual artist, he studied photography at Centro de la Imagen in Lima. He has participated in several group exhibitions including the 2012 Häuserträume für Kinder Sotheby’s auction in Hamburg. His work has also been showcased in Peru, Chile, Argentina, United States, Brazil, Colombia, Costa Rica, Panama, Uruguay, Spain, Australia, and France.

Doña Catalina de los Ríos y Lisperguer, “La Quintrala”, 2023, autoretrato fotográfico impreso en papel de algodón, 110 x 91 cm.

DANILO ESPINOZA MULTIDISCIPLINAR CHILE

através de la exploración sobre las potencialidades del humo como elemento para desarrollar sus obras de arte, Danilo Espinoza marca la presencia y la ausencia tanto del fuego como de diversos elementos vinculados a la memoria, la historia y la política, sobre todo en relación con el pueblo mapuche.

El humo con el que dibuja cada figura de estas piezas se configura como una herramienta para explorar la cosmovisión y las prácticas rituales del pueblo mapuche; a la vez que es un doble símbolo, por un lado, de las tragedias y resistencias de este pueblo; y por otro, de la intimidad y calidez del hogar.

Danilo Espinoza, 1972. Artista visual y académico de la Escuela de Artes UC Chile. Es doctor en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia, España. Ha expuesto en diversas galerías de arte en Latinoamérica, en el Museo de la Memoria y los Derechos Humanos en Santiago de Chile y en el Museo de Arte Contemporáneo de Valdivia, entre otros espacios institucionales.

through an exploration of the possibilities in smoke as an element to develop his artwork, Danilo Espinoza shapes the presence and absence of fire, whilst addressing several aspects related to memory, history, politics, and the relationship with the Mapuche people.

The smoke he employs in these pieces acts as a tool to delve into the worldview and ritual practices of the Mapuche people. Furthermore, it serves as a dual symbol of their hardships and resilience, as well as the intimacy and warmth of home.

Danilo Espinoza, 1972. Visual artist and academic at the UC Chile School of Arts. He has a PhD in Fine Arts from the Polytechnic University of Valencia, Spain. He has exhibited in several art galleries in Latin America, in the Museum of Memory and Human Rights in Santiago, Chile, and the Museum of Contemporary Art in Valdivia, among other institutional spaces.

De la serie

Álbum de Luis Calfuquir , 2017, humo sobre papel de 220 g, 110 x 80 cm. cada una.

LLUIS BARBA FOTOGRAFÍA ESPAÑA

en La Santa Cena, Barba reúne a líderes religiosos y espirituales diversos como Juan Pablo II y el Dalái Lama, entre otros, para enfatizar la importancia de la unidad en medio de las diferencias teológicas.

A través de imágenes provocativas y un giro moderno en el arte clásico, desafía las percepciones convencionales y destaca problemas sociales. Al explorar la verdadera esencia de la religión como una fuerza unificadora, aboga por la comprensión mutua y la armonía entre las personas.

Lluis Barba, 1952. Estudió Diseño en la Escuela de Llotja y en el Centro de Artes Plásticas de la Escuela Massana de Barcelona.

Ha participado en distintas bienales como la de Venecia, La Habana, y El Cairo. Recibió el premio de jóvenes maestros otorgado por The Courtauld Institut of Art London. Ha expuesto su trabajo en Europa, Estados Unidos, América Latina, Canadá y Japón. Su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas.

i n La Santa Cena Leonardo (“The Holy Supper” ), Barba brings together several religious and spiritual leaders like John Paul II, and the Dalai Lama, among others, diverse to emphasize the importance of unity amidst theological differences.

Through provocative imagery and a modern twist on classic art, he challenges conventional perceptions and highlights social issues. By exploring the true essence of religion as a unifying force, he advocates for mutual understanding and harmony among people.

Lluis Barba, 1952. He studied Design at the Llotja School and the Visual Arts Center of the Massana School in Barcelona.

He has participated in several biennials in Havana, Venice and Cairo. He received the Young Masters Art Prize for a piece that was exhibited in the Courtauld Institute of Art. He has held exhibitions in Europe, the United States, Latin America, Canada and Japan. His work is part of important public and private collections.

La Santa Cena Leonardo, 2024, instalación, medidas variables.

ESCULTURA ALEMANIA

PETRA EIKO

através de la inquietud colectiva de la problemática ecológico-política actual, como también de la preocupación existencial en lo individual a la que ha sido llevada la humanidad, entre la Segunda Guerra Mundial (en Alemania, país donde nace la artista) y el presente post-pandémico, Petra Eiko realiza una serie de obras.

Hija de Zeus - Aglaia es parte de los trabajos donde la problemática ecológica cobra relevancia. La instalación consiste en seis tubos verticales de aluminio con incrustaciones hemisféricas de plexiglás, que contienen fotografías intervenidas. Cada tubo pretende generar reflexiones sobre el movimiento natural del agua y su intervención mediante este mismo soporte, que es capaz de desviar los fluidos hídricos naturales promoviendo así la sequía a nivel planetario.

Petra Eiko, 1955. Artista y escritora. Ha participado en exposiciones individuales con patrocinio de Building Bridges Art Exchange, en el Centro de Convenciones de Los Ángeles, y el Centro Cultural Katara, en Qatar. Además ha expuesto en California, Alemania, Cuba, Japón y Corea.

En 2009 diseñó el proyecto Green Heart para fomentar la tolerancia y la participación del arte público a través de actividades artísticas interactivas.

petra Eiko has developed a series of artwork that addresses both current collective ecological-political issues and the personal existential dilemmas faced by humanity from the aftermath of World War II (in Germany, her country of birth) to the present post-pandemic era.

In Daughter of Zeus – Aglaia, as well as other artwork in her portfolio, environmental issues take the center stage through an installation made up of six upright aluminum tubes incrusted with plexiglass semi-spheres containing intervened photographs. Each tube aims to make us ponder the natural movement of water and manipulation of its course by means of the piping that can divert natural water flows and, thus, cause worldwide droughts.

Petra Eiko, 1955. Artist and writer. She has participated in solo exhibits sponsored by the art and culture organization, Building Bridges Art Exchange; as well as in the Los Angeles Convention Center, and the Katara Culture Center in Qatar. Her work has been exhibited in California, Germany, Cuba, Japan and Korea.

In 2009, she designed the Green Heart project to promote tolerance and participation in public art through interactive activities.

Las Hijas de ZeusAglaia , 2024, fotos impresas en plexiglass, 153 x 23 cm. de diámetro.

BRASIL

RODRIGO PETRELLA MULTIDISCIPLINAR

el Bosque Melancólico es una historia corta que narra cómo nuestro entorno se vio moldeado por la desenfrenada fiebre de los metales preciosos, la codicia y la devastadora fuerza de la minería que oprimió a los bosques, a los diversos biomas y a sus habitantes.

“No se trata de crear polémica, ni mucho menos de polarizar cuestiones suficientemente controvertidas y polarizadas, sino de pensar cómo podemos crear enfoques capaces de establecer relaciones menos codificadas, menos jerárquicas, y plantear cuestiones de otro orden y con mayor poder de comprensión”, explica Petrella.

Rodrigo Petrella, 1984. Como fotógrafo, ha participado de la Bienal de Fotografía en el Museo del Barro, Asunción, Paraguay. Ha expuesto su trabajo en países como España, Brasil, China y Rusia, entre otros.

Su obra se encuentra en las colecciones del Ministerio de Cultura de China; Museo de la Solidaridad Salvador Allende, Chile; Museo Nacional de Historia Natural del Inst. Smithsoniano de Washington, EE.UU, entre otros.

the Melancholic Forest is a short story depicting the relentless frenzy for precious metals, greed and the devastating force of mining practices that oppressed forests, several biomes, and their inhabitants.

“It is not about inciting controversy or further polarizing already controversial and contentious issues, but about exploring ways to foster less rigid and hierarchical relationships, and raise questions of a deeper nature and with enhanced understanding,” Petrella explains.

Rodrigo Petrella, 1984. As a photographer, he has participated in the Photography Biennial at Museo del Barro, Asunción, Paraguay. He has exhibited his work in countries such as Spain, Brazil, China and Russia, among others.

His work is in the collections of the Ministry of Culture of China; the Museum of Solidarity Salvador Allende, Chile; and the Smithsonian National Museum of Natural History in Washington, USA, among others.

El Bosque Melancólico , 2024, instalación con imágen en gran formato y fotografías enmarcadas, 100 x 100 cm.

ARGENTINA

MATILDE MARÍN MULTIDISCIPLINAR

cuando divise el humo azul de Ítaca es un proyecto producido por Matilde Marín desde 2003. Ha sido presentada, entre otros espacios, en el marco de la 13va edición de la Bienal de la Habana. Es un conjunto de obras profundamente arraigadas en las circunstancias sociales y políticas de nuestro tiempo. La obra parte de una investigación rigurosa de archivo de artículos periodísticos que la artista reexamina para indagar en catástrofes, ya sea naturales o incurridas por los hombres , y ‘reconstruir’ los acontecimientos históricos a partir de su singular reinterpretación visual.

La amenaza climática frente a la polución de CO2 de la central eléctrica de Belchatow en Polonia; la explosión nuclear en 1971 en el atolón de Mururoa en la Polinesia Francesa; la fractura del Golpe Militar de Allende en 1973 en El Palacio de La Moneda; o el indiscriminado abuso de recursos naturales en las Amazonas durante los últimos 20 años; son algunas de las cicatrices contemporáneas que Matilde Marín retrata en esta serie.

Matilde Marín, 1948. Egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes de Argentina, también cursó estudios en Zürich, Suiza. Ha participado de las bienales de La Habana, Cuba; Sur, en Argentina; Geumgang Nature Art Biennale en Corea; Cuenca y Curitiba, Ecuador, entre otras. Ha obtenido diversos premios y su obra ha sido expuesta en países como Chile, España, México y Alemania, entre otros.

when I see the blue smoke from Ithaca is a project Argentine artist

Matilde Marín has been working on since 2005. Showcased at the 13th edition of the Havana Biennial, entitled “The Construction of the Possible”, among other spaces, the series comprises pieces deeply rooted in current social and political issues. It stemmed from thorough research of archived newspaper articles that the artist re-examines to delve into both natural and man-made disasters and ‘reconstruct’ historical events through her unique visual re-interpretation.

The threat of CO2 pollution from the Belchatów power station in Poland; the 1971 nuclear test in the Muroroa Atoll, French Polynesia; the fracture created by the coup d’état that overthrew Allende in 1973 in La Moneda; the devastating wave of fires that ravaged Peloponnese in 2007; the ruthless exploitation of natural resources in the Amazon over the last 20 years; or the clouds of ashes in Europe from the Grimsvötn volcano in Iceland are some of the contemporary scars Matilde Marín depicts in the series.

Matilde Marín, 1948. She graduated from the National School of Fine Arts of Argentina and studied in Zurich, Switzerland. She has participated in the Havana Biennial, Cuba; BIENALSUR, Argentina; the Geumgang Nature Art Biennale, Korea; the Cuenca and Curitiba Biennials, Ecuador; among others. She has won several awards and her work has been exhibited in countries such as Chile, Spain, Mexico, and Germany.

De la serie Cuando divisé el humo azul de Ítaca, “Relato desde La Moneda, Santiago de Chile”,

De la serie Cuando divisé el humo azul de Ítaca, ““La memoria se hizo humo, Rochester”, 2015, fotografía, 70 x 50 cm. Ed. 2/4 + 1 AP.

De la serie Cuando divisé el humo azul de Ítaca, “Deforestación, Brasil”, 2010, fotografía, 70 x 50 cm. Ed. 2/4 + 1 AP.

CHILE

VOLUSPA JARPA

MULTIDISCIPLINAR

l a serie perteneciente a esta obra está compuesta de tres partes que dan continuidad al trabajo de investigación desarrollado por la artista en torno a los archivos desclasificados por Estados Unidos sobre Chile y los países del Cono Sur.

Esta obra, corresponde a los archivos cortados láser en fieltro para techo de mediaguas impregnados con alquitrán, que dan forma a un volumen suspendido. Al mismo tiempo se produce una tacha general en el espacio, ya que las áreas blancas de los documentos han sido caladas con láser y eliminadas, quedando solamente la información de la tinta impresa de los documentos originales.

Voluspa Jarpa, 1971. En 2019 expuso su trabajo en el pabellón de Chile en la 58a Bienal de Venecia. Además, participó de la Bienal del Mercosur, la Bienal de Sao Paulo, Bienal de Shanghái, entre otras.

Ha expuesto en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Argentina; en el Centro Cultural Matucana 100, en Santiago de Chile; Museo de Arte Moderno de Bogotá, y en el Museo de Bellas de Artes de Chile, entre otros.

t his piece is one of the installments of a 3-part series addressing the common thread of the artist’s research project on declassified archival documents about Chile and other Southern Cone countries by the United States.

Specifically, this artwork consists of laser-cut documents on tar-impregnated roofing felt, creating a suspended volume. At the same time, it introduces a distinctive presence in the space by removing the blank areas of the documents through laser-cutting, leaving behind only the printed ink information from the original documents.

Voluspa Jarpa, 1971. In 2019, she exhibited her work in the Chilean pavilion at the 58th Venice Biennale. She has also participated in the Mercosur Biennial, the Saõ Paulo Biennial, and the Shanghai Biennial, among others.

She has held exhibits at the Latin American Museum of Art in Buenos Aires, Argentina; at Matucana 100, Santiago, Chile; the Museum of Modern Art in Bogota; at the NOME gallery in Berlin; and at the Museum of Fine Arts of Chile, among others.

Minimal Secret , 2012, cartón cortado con laser en acrílico, 80 x 45 cm.

VENEZUELA

sobre Nuevo Pensamiento Compositivo, Gerardo Zavarce señala: “Ahora bien, en el caso venezolano ya no se trata de una Tierra de Gracia, como diría Cristóbal Colón en las crónicas de sus viajes al Nuevo Mundo. Las utopías modernas ancladas en ideales de carácter cornucopiano se han transformado, con la explotación repentina e intensiva de los recursos minerales subterráneos, en verdaderas tragedias individuales y colectivas. La historia reciente de Venezuela es testigo de ello: una nación que, a pesar de poseer las mayores reservas de petróleo del mundo, no ha podido garantizar crecimiento económico y equidad social a sus ciudadanos”.

Muu Blanco, 1966. Estudió Pintura e Historia del Arte en el Museo de Bellas Artes y el Instituto Federico Brandt en Caracas; y tiene un máster en Práctica y Crítica de los Sistemas de Representación Contemporánea. Ha participado en muestras colectivas e individuales en diversos espacios de Latinoamérica, Estados Unidos, Canadá, España, entre otros. Participó de la Bienal de Mercosur;y la Bienal del Barro de América.

In regards to New Compositional Thought, Gerardo Zavarce states:

“Christopher Columbus dubbed Venezuela the ‘Land of Grace’ in his journal describing the voyage to the New World, but this is no longer the case. Modern utopias anchored in lavish ideals have transformed into true individual and collective tragedies after the sudden and harsh exploitation of underground mineral resources. Venezuela’s recent history bears witness to this: despite having one of the largest oil reserves in the world, it has not been able to guarantee economic growth and social equality for its citizens.”

Muu Blanco, 1966. He studied painting and art history at the Museum of Fine Arts and the Federico Brandt Institute in Caracas, and has a Master’s in Contemporary Representation System Practice. He has participated in solo and group samples in Latin America, the United States, Canada, and Spain, among others, and in the Mercosur and Clay of the Americas Biennial.

De la serie

Nuevo Pensamiento Compositivo, “#05”, 2015, fotografía digital impresa en papel

fotográfico, 100 x 100 cm.

TADEO MULEIRO

MULTIDISCIPLINAR ARGENTINA

l a obra de Tadeo Muleiro se sumerge en el delicado desafío de cruzar la exuberancia formal de ciertas culturas nativas ancestrales y las exigencias conceptuales del arte contemporáneo. Además, pone en escena seres que crean una nueva mitología, dan curso a su mundo y lo transforman.

A través de esculturas blandas, vestuario, video y performance, Tadeo aprovecha su legado ancestral para construir una cosmogonía íntima que toma la forma de un drama doméstico. Además, construye historias donde las entidades cosmológicas se cruzan con momentos específicos de la vida privada del artista.

Tadeo Muleiro, 1983. Es licenciado en Artes Visuales de la Universidad del Museo Social Argentino. Obtuvo becas nacionales e internacionales. En 2019, el GLO’ART Center financió su proyecto “Cernunnos” realizado en Lanaken Bélgica, y formó parte de la residencia en Building Bridges Art Exchange en Los Ángeles (USA).

Ha realizado diversas residencias y recibió la Beca de Artes Visuales del Fondo Nacional de las Artes de Argentina.

tadeo Muleiro’s work tackles the intricate challenge of blending the formal aesthetic exuberance of some ancestral native cultures with the conceptual demands of contemporary art. His artwork showcases beings who have created a new mythology, shaping and transforming their world.

Through soft sculptures, wardrobe, video and performance, Tadeo draws upon his ancestral heritage to construct an intimate worldview that unfolds as a domestic drama. He also builds tales where cosmological entities intersect pivotal moments in the artist’s personal life.

Tadeo Muleiro, 1983. He has a Bachelor’s degree in Visual Arts from University of Argentine Social Museum. He was granted several national and international scholarships. In 2019, the GLO’ART Center financed his project “Cernunnos”, produced in Lanaken, Belgium, and he was part of Building Bridges Art Exchange residency in Los Angeles, USA.

He has participated in several artist-in-residence programs and received the Visual Arts Fellowship from the National Fund of the Arts, Argentina.

El Abuelo, 2012, video digital

GUATEMALA

VERÓNICA RIEDEL

MULTIDISCIPLINAR

la formación de las mestizas coloca a las mujeres indígenas en una posición de prestigio, desafiando la forma en que fueron tratadas en América Latina durante y después de la conquista española. Las categorías sociales de la época colonial privilegiaban a las personas de linaje europeo y otorgaban menos derechos a los indígenas, africanos y mestizos. Riedel utiliza el retrato y la fotografía, que alguna vez se consideró solo para la élite, para alejarse deliberadamente de la idea de estas mujeres como víctimas, presentándolas como “reinas”, y celebrando sus luchas y fortalezas.

Verónica Riedel, 1961. Directora, productora, escritora y artista visual. Sus obras se han presentado en diversos países de América Latina, Europa y Estados Unidos. Sus instalaciones y videoarte han ganado varios premios en Brasil, Irlanda, Estados Unidos, entre otros. Ha exhibido en museos y bienales, ganando importantes reconocimientos.

the Making of a Mestiza elevates indigenous women to a position of prestige, challenging the way they were treated in Latin America during and after the Spanish conquest. Colonial social categories favored people of European lineage while limiting the rights of indigenous people, Africans, and mestizos. Riedel uses portraits, previously only associated to the elite, to deliberately shift the narrative away from viewing these women as victims. Instead, the artwork depicts them as “queens,” celebrating their struggles and strengths.

Verónica Riedel, 1961. Director, producer, writer, and visual artist. Her artwork has been showcased in galleries and museums in several countries in Latin America and Europe, and in the United States. Her installations and video art have won several awards in Brazil, Ireland, and the United States, among others. She has held exhibitions in museums and biennials, winning important recognitions.

Ixchel , 2005, impresión en tela de algodón, 140 x 170 cm.

GASTÓN UGALDE MULTIDISCIPLINAR BOLIVIA

l a serie Chaman Head comenzó en los años noventa después de un viaje que realizó por el Amazonas, donde Gastón Ugalde conoció los lugares más remotos de diversas zonas de Bolivia. Como ávido coleccionista de textiles logró reunir a Los Andes y al Amazonas en sus suaves esculturas, haciendo alusión al poder de los textiles andinos, a la sabiduría de las antiguas prácticas del Amazonas y a sus propios conocimientos. Estos suaves textiles han sido uno de los múltiples medios que ha usado para crear sus obras, que se centraron en el landart y las instalaciones.

Gastón Ugalde, 1944 - 2023. Ha exhibido en importantes bienales, como Venecia (2001, 2009), Sao Paulo (1978, 1981, 1985), París (1982), La Habana (1986, 1999), y Mercosul (2015). Ha expuesto en más de 100 muestras colectivas y ha realizado más de 90 individuales; ganó diversos premios, incluyendo el Konex del Mercosur. Su obra se encuentra en colecciones como Museum of Latin American Art Long Beach; Museum Villa Haiss, Alemania; Y Museo Nacional de Bellas Artes, Argentina.

the Chaman Head (“Shaman Head”) series began in the nineties after he returned from a trip across the Amazon, in the most remote areas of Bolivia. An avid collector of textiles, he brought the Andes and the Amazon together in his soft sculptures. He alludes to the power of Andean textiles and combines it with the wisdom of ancient Amazonian practices and his own knowledge on the matter. These soft textiles have been one of the many mediums he has used in his artwork focusing on land art and installations.

Gastón Ugalde, 1944 – 2023. He has exhibited in major biennials such as Venice (2001, 2009), Sao Paulo (1978, 1981, 1985), Paris (1982), and Havana (1986, 1999), Mercosur (2015). He has participated in over 100 group and over 90 solo exhibitions, and won several awards, including Konex Mercosur. His work can be found in collections such as the Museum of Latin American Art in Long Beach; Museum Villa Haiss, Germany; National Museum of Fine Arts, Argentina.

Head IV , 2010, textil andino, escultura blanda, 98 x 47 x 34 cm.

GRIMANESA AMORÓS

MULTIDISCIPLINAR

l as magníficas esculturas de luz de Grimanesa Amorós revelan su intención de mezclar, entrelazar y trenzar dos universos que, en la cotidianidad del siglo XXI, conviven y chocan constantemente: el mundo natural y el tecnológico.

Sus piezas manifiestan un poderoso componente conceptual, ajeno al conceptualismo “frío” y aséptico del siglo anterior, y vinculado a una especie de rugido ancestral: una danza ligera alimentada por formas florales y recuerdos de fenómenos naturales, quizás emparentados con la infancia peruana de Amorós.

Grimanesa Amorós, 1962. Artista multidisciplinar radicada en Nueva York, USA. Ha participado de la Bienal de Venecia, de La Habana y Biennale des Antiquaires, Francia, entre otras. Además ha expuesto en la Galería Nacional del Georgian National Museum, Georgia; en el Museo Nacional Universitario de Arte de Seúl, Corea del Sur; en el Wereldmuseum en Róterdam, Países Bajos; entre muchos más.

Cuenta con más de diez premios por sus creaciones y sus obras se encuentran en colecciones públicas y privadas.

the magnificent light sculptures by Grimanesa Amorós, a multifaceted Peruvian artist based in the US, reveal her aim to merge and intertwine two universes that constantly coexist and clash in 21st century daily life: the natural and technological worlds.

Her pieces feature a powerful conceptual essence, distinct from the detached and soulless conceptualism of the past century. Her artwork relates to a sort of ancestral roar: a delicate dance enriched by floral motifs and memories of natural phenomena, possibly influenced by Amorós’ childhood in Peru.

Grimanesa Amorós, 1962. Multidisciplinary artist based in New York, USA. She has participated in the Venice Biennale, Havana and Biennale des Antiquaires, France, among others. She has also exhibited at the Georgian National Museum’s National Gallery, Georgia; at the Seoul National University Museum of Art, Korea; and at the Wereldmuseum in Rotterdam, The Netherlands; among many more.

She has earned over ten awards for her creations, and her artwork is part of public and private collections.

Luminous Portrait #4 , 2024, LEDS, material difusor y reflectante, secuencia de iluminación personalizada, hardware eléctrico, 35.56 x 35.56 x 17.78 cm.

CHILE

DANIEL REYES LEÓN

MULTIDISCIPLINAR

el agua como motor de vida del mundo es trabajada en hielo por el artista Daniel Reyes León. Esta obra forma parte de una serie de diversos conceptos, como “Vida”, “Ética”, “En Silencio”, que son instalados en la vía pública y expuestos a diversas temperaturas ambientales que las llevan a derretirse con el paso del tiempo.

El paso de hielo a agua y luego su evaporación nos invita a la reflexión sobre la crisis hídrica y el cambio climático, haciendo un llamado a la preservación del entorno y a la preocupación constante por el agua que, además, en el caso chileno, se encuentra privatizada, siendo utilizada mayormente por empresas, independiente de las necesidades de diversas comunidades.

Daniel Reyes León, 1980. Artista visual y editor. Su trabajo ha sido expuesto en diferentes países de Suramérica y Europa, destacando exposiciones en España y Chile.

Se ha desempeñado como director y coordinador del proyecto BACO y editor general de Adrede Editora. Su obra forma parte de distintas colecciones estatales, institucionales y privadas.

water as a driving force for life is the world is addressed through ice by artist Daniel Reyes León. The piece belongs to a series covering different concepts such as “Life”, “Ethics”, and “Silent”, which are placed on public streets and exposed to temperatures that lead them to melt in time.

The transformation from ice to water to vapor urges us to reflect on the water crisis and climate change, calling for environmental preservation and constant concern over water, a resource that is private in Chile and mainly used by corporations, regardless of the needs of many communities.

Daniel Reyes León, 1980. Visual artist and editor. His work has been showcased in different countries in South America and Europe, including exhibitions in Spain and Chile.

He has served as director and coordinator of the BACO project and general editor of Adrede Editora. His work is part of different state, institutional and private collections.

Vida, 2012, hielo modelado, 55 x 250 x 30 cm.

ANTUÁN MULTIDISCIPLINAR CUBA

l a instalación inmersiva Sé agua presenta una narrativa visual que profundiza en las dimensiones multifacéticas del agua en la naturaleza y la vida humana. La creación de Antuan de Human Net, una estructura geométrica humana visible en cada pieza escultórica, simboliza la simetría del universo, la pureza elemental y la sabiduría omnipresente. Los personajes dentro de la instalación representan la unidad de la humanidad frente a la urgente necesidad de abordar la crisis global del agua, destacando la colaboración esencial entre la humanidad y la IA para crear una nueva red de conciencia humana.

Esta interconexión es crucial para trabajar colectivamente en la resolución de los desafíos que plantea la crisis del agua y en el establecimiento de un nuevo orden para el planeta.

Antuán, 1972. Cursó sus estudios artísticos en la Universidad Félix Varela, en Cuba. Posteriormente cursó una maestría en escultura. Ha recibido diversos premios y ha participado en exposiciones internacionales como la Bienal Del Sur de Panamá, III Bienal Del Fin del Mundo, Argentina, entre otras.

the immersive installation Be Water presents a visual narrative that delves into the multifaceted dimensions of water in nature and human life. Antuan’s creation of the Human Net, a geometric human structure visible in each sculpture, symbolizes the symmetry of the universe, elemental purity, and omnipresent wisdom. The characters within the installation represent humankind coming together to face the urgent need to address the global water crisis, highlighting the essential collaboration between humanity and AI to create a new network of human consciousness.

This interconnection is crucial to collectively address the challenges posed by the water crisis and establish a new order for the planet.

Antuán, 1972. He studied art at the Félix Varela University in Cuba. Later, he completed a master’s degree in sculpture. He has received several awards and participated in international exhibitions such as Bienal del Sur in Panama, III Bienal del Fin del Mundo, Argentina, among others.

Sé Agua, 2023, video digital 4k.

CHILE

SEBA CALFUQUEO

MULTIDISCIPLINAR

e sta obra establece una conexión po ética y política entre el agua, el cuerpo, el territorio y la lengua mapuche, abordando los vínculos históricos entre el agua y el pueblo mapuche en el contexto del extractivismo neoliberal y la privatización del agua en Chile. Las obras simbolizan la mercantilización del agua. Las cerámicas con forma de recipientes de agua encarnan conceptos como “Uso Público”, “Saqueo” o “1981”.

Seba Calfuqueo, 1991. Artista mapuche trans y curadora de Espacio 218, parte del colectivo mapuche Rangiñtulewfü y de la Revista Yene.

Ha participado como artista invitada de la Bienal de Venecia (2024), Bienal del Whitney (2024), 34a Bienal de São Paulo (2021), 12a Bienal de Mercosur (2020) y 22a Bienal Paiz (2020).

Es ganadora de diversos premios y su obra es parte de importantes colecciones, como la del TATE Modern (Inglaterra) Centre Pompidou (Francia), Denver Art Museum (EE.UU) Museo MALBA (Argentina), entre otras.

this work establishes a poetic and political connection between water, the body, the territory, and the Mapuche language, addressing the historical links between water and the Mapuche people in the context of neoliberal resource exploitation and water privatization in Chile. The artworks symbolize the commodification of water. The ceramic vessels shaped like water containers embody concepts such as “Public Use,” “Pillage,” or “1981.”

Seba Calfuqueo, 1991. Trans Mapuche artist and curator of Espacio 218, part of the Mapuche collective Rangiñtulewfü and the Yene Magazine.

She has participated as a guest artist at the Venice Biennale (2024), Whitney Biennial (2024), 34th São Paulo Biennial (2021), 12th Mercosur Biennial (2020), and 22nd Paiz Biennial (2020).

Winner of several awards, her work is part of important collections such as TATE Modern (England), Centre Pompidou (France), Denver Art Museum (USA), MALBA Museum (Argentina), among others.

, 2021, cerámica, 28 x 30 x 12 cm.

FRANCIA

THIERRY GEOFFREY

MULTIDISCIPLINAR

l as tiendas de campaña de Thierry Geoffrey, son utilizadas como un soporte móvil y cuyo despliegue puede generar impacto local de forma inmediata, pero también internacional a través de su registro fotográfico o audiovisual. A estas carpas, que ya hacen referencia a la crisis migratoria, a los problemas de las personas sin hogar y a la movilidad social; agrega frases directas, sarcásticas o llamativas que buscan remarcar estas realidades.

De esta forma, ha trabajado las tiendas de campañas para profundizar en la crisis migratoria, pero también durante el Covid-19 como una manera de llamar la atención sobre el confinamiento, entre otros.

Thierry Geoffrey, 1961. Reconocido internacionalmente como Colonel, es un artista conceptual con gran trayectoria.

Ha participado en la Dokumenta Kassel, Bienal de Venecia, Bienal de Atenas y de Sydney, entre otras. Su obra se ha expuesto en diversos museos a nivel internacional, como el MoMA en Nueva York y el Museo Villa Stuck de Munich. Participa en importantes colecciones públicas y privadas.

thierry Geoffroy’s tents serve a mobile medium that, when unfolded, can have an immediate local impact, as well as reaching an international stage through photographic or audiovisual recordings. In addition to the tents, which already reference the migratory crisis, the hardships of homeless people and social mobility, he spray-paints straight-forward, sarcastic and eye-catching phrases to draw attention to these issues.

Thus, he uses the tents to delve deeper into the migration crisis, but also as a way of bringing awareness to the effects of isolation and other challenges during the COVID-19 pandemic.

Thierry Geoffrey, 1961. Internationally recognized as a Colonel, he is an artist and conceptualist with a great track record.

He has participated in the Dokumenta Kassel, and the Venice Athens and Sydney Biennales, among others. His work has been exhibited in several museums worldwide, such as at MoMA in New York and the Villa Stuck Museum in Munich. His work is part of important public and private collections.

Gira la cabeza, 2017, spray sobre carpa de campamento, 140 x 200 x 200 cm.

IRIS HELENA FOTOGRAFÍA BRASIL

esta obra forma parte de diversos trabajos de Iris Helena donde busca representar la ciudad y la vida metropolitana. Para ello, imprime en post-it una imagen característica de la vida urbana, trabajando así los materiales y la técnica de una forma única.

A través de este collage, logra trabajar con objetos banales y comunes llamando profundamente la atención del espectador con obras de micro o, en este caso, de macroformato. Sus obras, además, se pueden leer como metáforas de las ruinas mediante esta forma fragmentada de mostrar la realidad.

Iris Helena, 1987. Artista visual y doctora en Artes Visuales por la Universidad de Brasilia, Brasil. Ha realizado diversas muestras individuales en Brasil y España.

Tiene más de 12 premios de diversas instituciones como el Rumos Itaú Cultural y el Premio PIPA, entre otros. Además ha participado en diversas ferias de arte a nivel internacional.

this piece is part of the artwork in Iris Helena’s portfolio that seeks to depict cities and metropolitan life. By printing typical urban life scenes on post-its, she takes on a unique approach to materials and technique.

Through collage, she manages to work with trivial and common objects to draw viewers’ attention with small or, in this case, large-scale artwork. Her pieces can also be interpreted as metaphors for ruins, due to the fragmented manner in which she showcases reality.

Iris Helena, 1987. Visual artist and PhD in Visual Arts from the University of Brasilia, Brazil. She has held many solo exhibitions in Brazil and Spain. She has won over 12 awards from several institutions such as the Rumos Itaú Cultural and the PIPA awards, among others. Additionally, she has participated in several art fairs around the world.

Notas públicas II , 2010, tinta sobre notas amarillas, 210 x 297 cm.

86 CHILE-SUIZA

MAURO VON SIEBENTHAL

Por Elisa Massardo. Lic. en Historia y Estética (Chile)

Imágenes cortesía de Mauro Von Siebenthal.

“Los museos son el vehículo natural para la difusión del arte”

i mpresionado por los paisajes y la belleza del Valle del Aconcagua, Mauro Von Siebenthal visitó Chile por primera vez en 1998. Como abogado y amante del vino, decidió quedarse en Panquehue, donde adquirió una viña que le ha permitido conectarse con la tierra y “producir un vino capaz de enamorar”, como señala en entrevistas previas.

Pero su pasión se extiende también al arte. Por ello, como coleccionista, se sumó al directorio del Museo AAL, razón por la que nos dio una entrevista exclusiva.

¿De qué manera este Museo contribuye a la difusión del arte contemporáneo en San Felipe?

Se trata de un proyecto potente que marcará su presencia no solo a nivel comunal, sino que también a nivel regional, y yo diría inclusive impactando el escenario nacional.

Los museos son el vehículo natural para la difusión del arte en general. Sin museos y galerías, para el artista contemporáneo sería muy complejo expresar su creatividad. Las palabras claves son: visibilidad para el artista y accesibilidad para el público.

¿Por qué consideras importante fomentar y apoyar el arte contemporáneo?

En nuestra sociedad, la creatividad es la expresión de la libertad individual. El hombre explora, entiende su realidad y su esencia a través del arte.

Si durante cada época de la historia se produce una forma de arte propio, es entendible la función testimonial del arte contemporáneo. El contemporáneo de hoy será el clásico de mañana.

“Museums are a natural vehicle for art dissemination”

captivated by the landscapes and beauty of the Aconcagua Valley, Mauro Von Siebenthal first visited Chile in 1998. A lawyer and wine lover, he decided to stay in Panquehue, where he acquired a vineyard that has allowed him to connect with the soil and “produce wine capable of making you fall in love”, as he has pointed out in previous interviews

His passion also extends to art, which is why he is joining the board of the AAL Museum and gave us this exclusive interview.

How does the museum contribute to disseminating contemporary art in Panquehue, San Felipe?

This is a powerful project whose presence will make an impact in the municipality and the entire region. I would even dare say it will impact the national landscape.

Museums are a natural vehicle for art dissemination overall. Without museums and galleries, contemporary artists would find it very hard to express their creativity. The key words are: visibility for artists and accessibility for the public.

Why do you think it is important to promote and support contemporary art? In our society, creativity is the expression of individual freedom. People explore, understand their reality and essence through art.

Every period in history produces its own art form, so the testimonial function of contemporary art is very evident.

Today’s contemporary art will become tomorrow’s classic.

Fotografía cortesía de Mauro Von Siebenthal.

¿Qué expectativas tienes sobre el Museo y en qué consideras que puede aportar a la comuna?

Creo profundamente en la cultura y en el arte como factores fundamentales para el crecimiento del individuo y de la comunidad.

Este museo será algo enriquecedor para cada uno de los que quieran acercarse, pero principalmente para las jóvenes generaciones que tendrán a mano una oportunidad de confrontarse con una propuesta artística de nivel internacional.

En tu opinión, ¿de qué forma los paisajes y el entorno contribuyen a generar una experiencia única en este Museo?

Es algo común que los museos y galerías de arte se encuentren en el corazón de una ciudad, pero a veces el entorno urbano puede revelarse como aplastante, ruidoso, hipercargado de imágenes y estímulos.

Acá tenemos el privilegio de disfrutar las obras en un contexto de naturaleza prístina, luminosa y tranquila. Un doble privilegio para el público, pues la calma favorece la concentración que es fundamental para relacionarse con las obras de arte.

¿Tienen intenciones de generar actividades en conjunto con la Viña Von Siebenthal?

¿Alguien puede dudar de la relación entre el vino, la pintura, la filosofía, la escultura, la música y la poesía? Los griegos nos han enseñado a entender el vino como algo trascendental y fuertemente conectado a la creatividad y a lo divino.

Con mucho gusto y de común acuerdo buscaremos la mejor sinergia entre el museo y nuestra bodega para que la venida a Panquehue sea una experiencia de todos los sentidos.

What expectations do you have for the museum? What do you think it will contribute to the municipality?

I firmly believe in culture and art as fundamental factors in the growth of individuals and communities.

This museum will be enriching for all visitors, but particularly the young generations that will get an opportunity to encounter art proposals with an international caliber.

In your opinion, how do the landscape and environment provide a unique experience in the museum?

Commonly, museums and galleries are located at the heart of cities. However, the urban landscape can be overwhelming, noisy, hyper-charged with images and stimuli.

Here, we have the privileged of enjoying artwork in a pristine, light and peaceful natural environment. This is doubly beneficial for the public, as the quiet fosters concentration, which is crucial to relate to artwork.

Are there any plans to organize activities in junction with the Von Siebenthal Vineyard?

Does anyone question the relation between wine, painting, philosophy, sculpture, music and poetry?

The Greeks have taught us to understand wine as transcendental and intimately linked to creativity and divinity.

We will gladly work together to find the best synergy between the museum and our winery, so visits to Panquehue become an experience that engages all the senses.

382-C

268 -C

90 CHILE

CECILIA GARCÍA-HUIDOBRO

Por Ricardo Rojas Behm. Escritor y Crítico (Chile)

Imágenes cortesía de Cecilia García-Huidobro.

“Un museo no se agota sólo en sus paredes”

crear lazos identitarios a través de la conservación de nuestro patrimonio evidencia un compromiso permanente por nuestro acervo cultural. Costo impensado para Cecilia García-Huidobro Moroder, quien ha ido integrado la filosofía y la literatura hispanoamericana con ser directora del Museo Violeta Parra y presidenta de la Asociación de Casas Históricas y Parques de Chile, y miembro del directorio del Arte Al Límite Museo. Hecho clave que desemboca en esta interesante entrevista.

¿De qué manera ocurrió esa transición de la filosofía hacia el patrimonio y las artes, y hacer de esto último tú eje central de preocupación?

El tema del patrimonio me interesó siempre, desde mi infancia, conversando con mi abuelo paterno. La formación filosófica entrega herramientas para detectar más fácilmente el sentido profundo de las cosas, por lo que la transición fue fluida desde una pulsión vocacional hasta la puesta en marcha de proyectos.

En tu vasta trayectoria has liderado distintas asociaciones culturales, fundaciones y museos, ¿qué debería primar en un directorio con una labor tan compleja y con tantas aristas?

Primero un interés por el objetivo de la institución y segundo el compromiso. Mucha gente ocupa sillas y no se da cuenta de que el directorio es la columna vertebral de la organización, deben conocer cada uno de sus aspectos y velar por la buena marcha.

Dirigiste por más de seis años el Museo Violeta Parra: ¿cuáles crees que son los mayores desafíos en un museo con esas características, y que más encima debe levantarse desde las cenizas?

Fue un honor dirigirlo, especialmente considerando la artista a la que está consagrado. Durante los difíciles momentos del estallido social, los tres incendios y la pandemia, tuve meridiana claridad en defender la institución, velando por la integridad de sus obras, el público, los funcionarios y el cumplimiento de las actividades. Durante una madrugada, se sacaron las obras gracias al apoyo de la Universidad de Chile, y nada se perdió ni se dañó. Respecto al edificio, tramité el seguro que ya se pagó y que da pie a la restauración. Tampoco dejamos un solo día de cumplir nuestros objetivos, más allá de los muros del museo, pues un museo no se agota sólo en sus paredes.

“A museum is not limited to its walls alone”

creating identity bonds through patrimony conservation evinces a perpetual commitment to our cultural heritage. The cost is of no regard to Cecilia García-Huidobro Moroder, who has intertwined philosophy, Hispano-American literature with being the Director of the Violeta Parra Museum, President of Chile’s Historical Houses and Parks Association, and member of the board of the AAL Museum. This key milestone led to this interesting interview.

How did the transition from philosophy to heritage and arts take place, making this latter one the central axis of your concern?

The issue of heritage has always interested me, ever since I was a child talking to my paternal grandfather. Philosophy training delivers the tools to more easily detect a deeper meaning in things. Therefore, the transition flowed from a vocational drive to the commissioning of projects.

Over the course of your long career path, you have led different cultural associations, foundations and museums. What should take precedence in a board of directors with such a complex and multifaceted task?

First, an interest for the institution’s goal and, second, commitment. Many people just sit on the chairs and do not realize that the board is the backbone of the organization. They must know every aspect of it and ensure its smooth operation.

You directed the Violeta Parra Museum for over six years. What do you think are the biggest challenges of a museum like this that had to rise from the ashes?

It was an honor to direct it, especially considering the artist it celebrates. During the difficult moments of the social outburst, the three fires and the pandemic, I was very clear in defending the institution, ensuring the integrity of its artwork, the public, its employees and the fulfillment of its activities. Once in the middle of the night, the artwork was removed from the museum, thanks to the support of Universidad de Chile, and nothing was lost or damaged. The insurance for the building is already paid and it will allow for its restoration. We did not for a single day stop trying to meet our goals beyond the walls of the museum, for a museum is not limited to its walls alone.

Fotografía cortesía de Cecilia GarcíaHuidobro.

¿Crees que las galerías y museos cumplen, paralelos a la difusión, mediación y extensión, un rol imprescindible en torno al coleccionismo? De todas maneras. No podría entenderse el coleccionismo sin el rol de los museos y las galerías.

¿Cómo ves el coleccionismo en Chile, considerando que es una actividad de nicho mucho más acotada que en países con una amplia trayectoria cultural? Me llama la atención que Chile tenga un coleccionismo tan limitado, razón por la cual es tan valioso contar con los y las coleccionistas que tenemos. Mucho tiene que ver la falta de voluntad política para incentivarlo. Ingresar una obra de arte al país tiene un alto costo en impuestos y si se quiere donar a un museo también hay que pagar, salvo que pueda utilizarse la Ley de Donaciones Culturales o Ley Valdés.

¿Cuál es el peso que tienen las revistas de arte, la crítica o la difusión, en lo que es el coleccionismo y la conservación?

Todas ellas contribuyen en gran manera a la difusión, pero también a la construcción de conocimiento.

¿Cuál ha sido tu relación con Arte Al Límite, y por qué decides sumarte como parte del directorio del museo?

Conozco la labor de la galería y la revista desde hace muchos años. Me acerqué a ella para proponerles hacer una exposición sobre mi sobrino, Guillermo Lorca, quien era un jovencísimo pintor. Fue su primera exhibición y el resto es historia.

¿Cómo ves las proyecciones de este museo que se desmarca de la centralización y va en busca de una nueva audiencia?

Es lo que más me gusta del proyecto. Irradiar el arte y la cultura a la mayor cantidad de territorio posible.

¿Crees que situarse en Panquehue, próximo a San Felipe, abre un nuevo flanco y acorta la brecha cultural entre Santiago y la región de Valparaíso?

También estoy en el valle del Aconcagua, conservando un Monumento Histórico Nacional. Este valle histórico y fundacional merece espacios para conocerlo mejor, puesto que está repleto de patrimonio, belleza y naturaleza.

En relación a los cargos que manejas, ¿qué relación ves en todas esas instituciones y el Museo AAL?

Hacen lo mismo que está intentando Arte Al Límite: abrir el acceso al arte y la cultura, democratizar el patrimonio y fomentar la preservación de inmuebles, jardines y obras que, por su valor excepcional, deban ser conservados.

Aquí la máxima de Nicanor Parra, “Todas las profesiones se reducen a una”, cobra tanto sentido luego de esta entrevista a Cecilia García-Huidobro Moroder, ya que nos hace pensar que la suma de las voluntades permite cambiar en parte la realidad y cómo percibimos el arte. Este no es otra cosa que nuestra propia extensión, pero no restringida por la individualidad creativa, sino como un esfuerzo colectivo puesto en valor a través de un museo, con todo lo que conlleva materializarlo e insuflar al espacio, no sólo el frescor del arte contemporáneo, sino el que irradie arte y cultura a la mayor cantidad de territorio posible, entregándose a la posibilidad de crear otros espacios como este, que resitúen los centros neurálgicos y las perspectivas en torno al quehacer artístico.

Do you think galleries and museums fulfill, along with dissemination, mediation and extension, an essential role for art collecting?

Of course. Collecting cannot be understood without the role of museums and galleries.

How do you perceive art collecting in Chile, considering it is a niche activity and much more limited than in countries with a vast cultural history? It strikes me that Chile has such limited collecting, which is why it is so valuable to have the collectors that we do have. A lot of it has to do with the lack of political willingness to encourage it. Bringing artwork into the country has a high cost in taxes and, if the piece in question is to be donated to a museum, payment is still due, unless the law of cultural donations or Valdés Law applies.

What role do art magazines, critiques or dissemination have in collecting and conservation?

All of them contribute greatly to dissemination, but also in building knowledge.

What has been your relationship with Arte Al Límite and why did you decide to join the museum’s board?

I’m familiar with the work of the gallery and the magazine for many years. I approached them to propose an exhibition of my nephew’s work, Guillermo Lorca, who was a very young painter at the time. It was his first exhibit and the rest is history.

What do you envision for the prospects of this museum, which is moving away from centralization and in search of a new audience? It is what I like most about the project, to spread art and culture to the largest possible area.

Do you think that the location in Panquehue, near San Felipe, opens up a new flank and bridges the cultural gap between Santiago and the Valparaíso region?

I also work in the Aconcagua Valley, preserving a national historical monument. This historic and foundational valley deserves to have spaces to better discover it, as it is full of heritage, beauty and nature.

Related to the positions you hold, what relationship do you see between all these institutions and the AAL Museum?

These do the same that Arte Al Límite is trying to: open up access to art and culture, democratizing heritage and promote the conservation of real estate, gardens and works worthy of being preserved due to their exceptional value.

Here, Nicanor’s Parra’s words: “All professions are really the same” makes so much sense after this interview with Cecilia García-Huidobro Moroder. They make us think that joint efforts allow us to partly change reality and how we perceive art, which is nothing more than an extension of ourselves. However, it is not limited to creative individuality, but it is rather a collective effort enhanced through museums and everything that it takes to materialize and breathing life and fresh contemporary art into the space. This way, it can spread art and culture to the largest possible area, hopefully creating other spaces like this, restoring focal centers and perspectives surrounding artistic endeavors.