Lugt fra tryksagen er ikke sundhedsskadeligt, men skyldes en kombination af trykfarve og papirkvalitet. Lugtindtrykket kan yderligere fastholdes i længere tid, hvis tryksagen emballeres i plastfolie kort tid efter tryk.
Processen er styret efter ISO 14001-godkendelse og bærer miljømærkerne Svane, FSC og PEFC.
Indhold Udstillinger
Skaberkraft!
På ARoS har vi den store fornøjelse at byde nogle af verdens mest talentfulde kunstnere velkommen. Kunstnere, hvis sprog og udtryk er så kraftfulde, at hele bygningen får nyt liv, når vi pakker deres værker ud og skaber nye udstillinger. I 2025 kan du se frem til en bred vifte af kunstneriske stemmer – fra visionære samtidskunstnere til kanoniserede mestre. Kunstnere med vidt forskellige baggrunde, kunstneriske praksisser og idéer, men alle med en insisterende og inspirerende trang til at fortolke og skabe nye billeder af den verden, vi lever i. En altomfattende skaberkraft.
På forsiden af dette magasin pryder et værk af Fernand Léger – en kunstner, der i sin tid udfordrede og udvidede grænserne for, hvad kunst kan være. De europæiske modernister, som du kan opleve på ARoS senere på foråret, skabte kunst i en tid præget af hastige forandringer. I begyndelsen af deres karrierer blev de hverken hyldet eller økonomisk belønnet – tværtimod. Men de insisterede på at påvirke samfundsudviklingen og vores fælles fortællinger i en sådan grad, at de for altid ændrede vores syn på kunst. De skabte ikoniske værker, som vi stadig kan mærke og beundre i dag. På side 4-11 kan du dykke ned i perioden og udstillingen Picasso, Miró, Léger – modernismens mange stemmer, hvor du blandt andet får et unikt indblik i hjemmet hos den franske kunstsamler Roger Dutilleul, hvis private samling danner grundlag for udstillingen.
I dag blomstrer den kunstneriske skaberkraft fortsat – blandt andet i den danske samtidskunstner Alexander Tovborgs værker. Gennem sin 20-årige karriere har han skabt en imponerende kunstnerisk produktion, og ARoS er det første museum, der har fornøjelsen af at præsentere hans værker samlet i én udstilling. På side 32-35 kan du besøge Alexander Tovborgs atelier og få et dybere indblik i hans baggrund og kunstneriske praksis, der ofte trækker på spirituelle og religiøse ritualer.
En anden stærk stemme på den internationale samtidskunstscene er sydafrikanske Igshaan Adams, hvis skaberkraft synes grænseløs. Han voksede op i en tidligere segregationspræget forstad til Cape Town uden adgang til museer og gallerier og havde affundet sig med en fremtid som gartner. "Det var en tilfældighed, at jeg blev kunstner," fortæller han i interviewet på side 14-15. I dag skaber han sarte, poetiske gobeliner og skyformationer af perler, silke, muslingeskaller, sølvkæder og meget mere. Hans værker udforsker traumets indvirkning på menneskets psyke og bevægelsens helende kraft. Trangen til at skabe nyt – til at forme nye rammer og fortællinger – er også drivkraften bag ARoS som kunstmuseum og institution. Da museet blev opført på Aros Allé i 2004, var en af visionerne at kunne præsentere nye former for installationskunst. Den vision bygger vi nu bogstaveligt talt videre på med åbningen af ARoS’ længe ventede museumsudvidelse. Vi byder velkommen til et nyt, underjordisk galleri dedikeret til installationskunst skabt specifikt til ARoS samt det unikke værk The Dome, a Skyspace af James Turrell, der bliver en permanent del af ARoS’ samling.
Det nye galleri åbnes af den britiske kunstner og filmskaber Jenkin van Zyl, en banebrydende stemme på den internationale kunstscene. I tæt samarbejde med kollegaer fra LGBTQIA+-miljøet skaber van Zyl spektakulære universer, der udfordrer vores forståelse af fællesskab, identitet, magtstrukturer og modstandskraft. Du kan læse meget mere om hans praksis i interviewet med ham i dette magasin.
Jeg håber, du kan mærke energien og skaberkraften på ARoS – velkommen til et ganske særligt år, og god læselyst!
Rebecca Matthews Museumsdirektør, ARoS
Rebecca Matthews
Forandring, fest og forfærdelig kunst
Fra april kan du rejse tilbage til 1920’ernes
Paris i årets store udstilling på ARoS:
Picasso, Miró, Léger – modernismens mange stemmer.
På en røgfyldt hjørnecafé sidder en gruppe jakkesætsklædte herrer og vender verdenssituationen over et par flasker billig rødvin. Blandt dem er nogle af avantgardens frontfigurer, Pablo Picasso, Amedeo Modigliani og Fernand Léger, som du kan se frem til at opleve i udstillingen Picasso, Miró, Léger – modernismens mange stemmer. På boulevarden udenfor buldrer biler forbi i stedet for hestevogne, og kvinderne på gaden har byttet deres pompøse skørter ud med moderne bukser. Det er nye tider i Paris.
”Paris i 1920’erne var en by med mange muligheder. Med sine brede boulevarder, sit dynamiske caféliv og nye kunstnerkvarterer som Montparnasse var Paris en magnet for kunstnere og intellektuelle fra hele verden, der ville være en del af revolutionen. De forsøgte at gøre verden til et bedre sted,” siger Anne-Louise Sommer, museumsdirektør på Designmuseum Danmark, som er uddannet i litteraturvidenskab og tidligere underviser i modernisme på Aarhus Universitet.
I 1920'erne ændrede produktionsmåderne, transportmidlerne og byerne sig. Modernisterne reagerede på verdens hastige forandring, og da Paris var langt foran i samfundsudviklingen, ændrede kunsten sig tidligere her end andre steder i verden.
"De gjorde oprør mod ideen om den objektive sandhed. Det kommer til udtryk i helt nye formsprog: Kubismen med dens kantede former og fragmenterede virkelighed, surrealismen med dens drømmeagtige univers, og futurismen, der hyldede tempo og teknologi. Aldrig før har man set værker, hvor næser og øjne er kastet rundt på lærredet. Det er eksempler på, hvordan kunstnerne forsøgte at indfange bevægelse, tid og rum,” siger Anne-Louise Sommer.
Amedeo Modigliani
Nu assis à la chemise, 1917
Olie på lærred, 92 x 67,5 cm
Donation of Geneviève and Jean Masurel in 1979
LaM - Lille Métropole Musée d'art moderne, d'art contemporain et d'art brut
Foto: Nicolas Dewitte LaM
Pablo Picasso (1887 - 1973, ES) Nature morte espagnole (Sol y Sombra), 1912
Picasso, Miró, Léger – modernismens mange stemmer er tilrettelagt i samarbejde med LaM – Lille Métropole Musée d’art moderne, d’art contemporain et d’art brut og indeholder vigtige udlån fra Centre Pompidou og Musée Picasso, Paris.
Udstillingen er kurateret af Jakob Vengberg Sevel og Jeanne-Bathilde Lacourt og kan opleves på ARoS fra den 5. april – 28. september 2025.
Kom med til fernisering:
→ 04.04.2025
”Forfærdelig kunst”
Udstillingen på ARoS er baseret på franskmanden Roger Dutilleuls private kunstsamling. Dutilleul boede i Paris, hvor han knyttede tætte venskaber med modernisterne. Han købte værkerne med hjertet, før resten af verden fik øjnene op for de nye, moderne kunstformer.
”Kunstnerne var meget afhængige af private samlere fra borgerskabets avantgarde og kæmpede for at få solgt deres værker, så de kunne overleve lidt længere. Frankrigs kultur er meget konservativ, så der er opstået nogle sammenstød mellem de nytænkende kunstnere og det bredere folk.
Almindelige mennesker kunne ikke forstå, hvorfor kunsten ikke længere skulle ligne virkeligheden. De syntes, at den nye kunst var forfærdelig. Så kunstnerne levede et hårdt liv. Sådan en som Picasso gik i mange år nærmest for lud og koldt vand,” siger Anne-Louise Sommer og tilføjer:
”Men derudover var det festligt. Kunstnerne kiggede dybt i rødvinsflaskerne – dem, der var til at få for penge – og de dansede! Jeg forestiller mig, at der har været en vild energi. De har nok sovet meget lidt.”
Det festlige miljø præger også kunsten fra perioden, forklarer kurator Jakob Vengberg Sevel, der står bag udstillingen på ARoS.
”Som unge i Paris har kunstnerne kastet sig ud i alle ungdommens laster og besøgt både barer og caféer. Det ser vi eksempelvis i Picassos værk Nature morte Espagnole, der forestiller et bord med glas og flasker. Med modernismen blev denne type hverdagsbilleder legitime, og kunstnerens private liv blev en del af motiverne; der kom et nyt fokus på individet,” siger Jakob Vengberg Sevel og tilføjer:
”Værkerne i udstillingen afspejler en verden i forandring. En verden, der ikke længere kunne indfanges fra én vinkel. Motivet i Nature morte Espagnole er splintret og knap genkendeligt; fragmenteret som det moderne samfund.”
Moderne mesterværker
I dag er de modernistiske værker højt værdsat af et bredt publikum verden over og bliver solgt for summer, der rækker til meget mere end billig rødvin.
”Picasso er i dag en af verdens mest kendte kunstnere – ganske enkelt fordi han var en fantastisk kunstner, der fornemmede at indfange tidsånden. Allerede i en tidlig alder demonstrerede han en unik evne som maler; han formår at komponere sine malerier, hvilket gør dem æstetisk sublime. Hans værker skifter karakter gennem hans liv, hvilket gør ham til et enestående vidne til de mange forandringer i det 20. århundrede,” siger Jakob Vengberg Sevel.
Selvom det er hundrede år siden, de jakkesætsklædte modernister frekventerede Paris' caféer, kan vi stadig lære af deres tanker og ideer.
”Værkerne i udstillingen er skabt i en samtid, der ikke er langt fra vores egen. Vores tid er ligesom 1920’erne præget af voldsomme forandringer, kriser og endda krig. Nutidens kunstnere må – ligesom fortidens – finde udtryk, der reflekterer over og skaber betydning for deres samtid. Kunst har en unik evne til at danne billeder og skabe sammenhænge mellem komplekse problemstillinger – en evne, der i den grad er behov for i dag,” siger Jakob Vengberg Sevel.
Udstillingen er realiseret med generøs støtte fra
→
Selv væggene på badeværelset i Roger Dutilleuls hjem var prydet af originale værker af store modernister som Fernand Léger, Joan Miró og Eugène Nestor de Kermadec. I dag bliver værdifulde værker behandlet og opbevaret med stor omhu under ideelle forhold på museer, men her blev de altså udsat for både fugt og vandsprøjt.
Roger Dutilleul står her i sin dagligstue i Paris. På væggen til højre for ham hænger Kees van Dongens Fat-lipped Woman (1909), som er et af de første værker i Dutilleuls samling. I starten af sin samlerkarriere havde Dutilleul en forkærlighed for det 19. århundredes kunst og særligt for maleren Paul Cézanne, hvis værker han dog hurtigt indså, at han ikke havde råd til. I stedet rettede han blikket mod moderne kunst og købte flere malerier af Pablo Picasso, Georges Braque og Kees van Dongen.
Over sengen i Dutilleuls soveværelse, i det højre hjørne af billedet, hænger et værk af den sydamerikanske kunstner Joaquín TorresGarcía: Composition (1931). Maleriet er et eksempel på konstruktivisme, der fokuserer på kunstnerens sind, følelser og fantasi. Måske er det netop derfor, værket er placeret lige dér, hvor Dutilleul lå med lukkede øjne i sin egen indre verden.
Gennem den åbne dør anes desuden en samling af Fernand Légers tegninger i gangen, hvoraf flere kan opleves i udstillingen på ARoS.
Fra april kan du opleve årets store udstilling Picasso, Miró, Léger – modernismens mange stemmer. Udstillingen præsenteres i samarbejde med Musée LaM i Lille, hvis samling er baseret på en unik privat samling.
Du har sikkert oplevet at gå rundt i en museumsudstilling og ikke kunne dy dig for tanken om, hvordan de milliondyre malerier ville se ud hjemme i din egen stue.
Når du besøger forårets store udstilling på ARoS, vil du opleve værker, der rent faktisk har hængt hjemme i en kunstsamlers stue, soveværelse – og endda badeværelse!
Samlingen tilhørte franskmanden Roger Dutilleul, som var en af de største kunstsamlere i det 20. århundrede. Gennem hele sin samlerkarriere købte han værker af nogle af tidens største kunstnere som Pablo Picasso, Amedeo Modigliani og Georges Braque, og trods en svindende formue stoppede han aldrig med at udvide sin samling.
Dutilleul var en ydmyg og diskret mand, men i kunstnermiljøerne i Montmartre og Montparnasse var han højt respekteret og elsket af kunstnere, som han knyttede tætte venskaber med. Hans passion for kunst handlede ikke om prestige, men om kærlighed til værkerne, som han så som sine egne børn.
Ved sin død efterlod Dutilleul størstedelen af sin samling til sin nevø, Jean Masurel, som havde arvet sin onkels passion for kunst. Masurel føjede flere værker til Dutilleuls livsværk og donerede senere den enestående samling til byen Lille, hvor der blev bygget et museum til at udstille værkerne. ♥
Råt, uskolet, farverigt og feminint
Art Brut
Betegnelsen eller genren
Art Brut er fransk og betyder rå, ubearbejdet kunst.
Art Brut er den franske kunstner Jean Dubuffets betegnelse for billeder og andre visuelle udtryk skabt af blandt andre børn, psykisk syge og andre uden kunstnerisk skoling.
Ligesom eksempelvis surrealisterne fandt Dubuffet her kunstens ægte råmateriale, som han stillede op imod den akademisk skolede kunst.
Den schweiziske kunstner
Aloïse Corbaz levede fra 1886 til 1964 og var det meste af sit liv indlagt på psykiatriske hospitaler.
Udstillingen Picasso, Miró, Léger – modernismens mange stemmer præsenterer foruden nogle af verdens mest anerkendte kunstnere en række malerier, der betegnes som Art Brut: rå, uskolet kunst, som også hører til den modernistiske bevægelse.
I interviewet her fortæller kunsthistoriker og chefkurator Savine Faupin fra Musée LaM nærmere om en af de kunstnere, du kan se frem til at møde: Aloïse Corbaz, eller bare Aloïse, som hun ofte blev omtalt.
I en alder af 32 år og frem til sin død var Aloïse indlagt på forskellige psykiatriske hospitaler, hvor hun malede. Hvorfor begyndte hun at male, og hvad betød det for hende?
Fra 1919 og frem skrev og tegnede Aloïse i al hemmelighed på små stykker papir for at udtrykke sine lidenskaber. Fra 1920'erne, takket være opmuntring fra Dr. Hans Steck, tegnede hun med større sindsro, og hun tilføjede ord til sine malerier som en slags nøgler til sine fortællinger. Malerierne blev en form for helbredende proces, der gjorde det muligt for hende at genopbygge de personlighedstræk, der var blevet knust af sygdom.
Fra 1936 begyndte folk at anerkende hendes enestående arbejde. Hvordan reagerede verden på Aloïses værker?
Dr. Hans Steck præsenterede Aloïses malerier som en del af sin undervisning, hvilket fik Dr. Jacqueline Porret-Forel til at interessere sig for dem. I 1941 skrev hun sin medicinske afhandling om emnet Aloïse, la peinture magique d’une schizophrène og fortsatte med at afkode tegningerne og offentliggøre dem i kunstneriske kredse. Hun præsenterede dem blandt andre for Jean Dubuffet (fransk kunstner, der introducerede betegnelsen Art Brut, red.) i 1946.
Hvordan vil du beskrive kendetegnene ved Aloïses værker?
Med stor beherskelse af sin streg og uden forberedende skitser skildrer Aloïse lidenskabelig kærlighed og omfavnende kroppe i arkitektoniske eller abstrakte omgivelser. Kvinderne er velformede med bryster tegnet som blomster og rigeligt, ofte krøllet, hår. Det rigt udsmykkede tøj minder om fyrstelige dragter eller operakostumer. Farverne og deres symbolske organisering dokumenterer Aloïses viden om farvelære: Rød bruges til lidenskab, grøn til spiritualitet, gul til det kosmiske. Ofte malede Aloïse på ødelagt papir, og indimellem syede hun udklip fra magasiner eller emballage ind i sine værker for at introducere en form for virkelighed i sin teaterverden.
Hvordan kan man genkende Aloïses værker som Art Brut? Hvilke karakteristika skal vi kigge efter?
Art Brut er ikke en fast definition eller genre, men snarere et spørgsmål, der stilles til kunsten og den skabende proces. Art Brut giver os mulighed for at udvide vores forståelse af eksempelvis modernisme og vores forhold til kunst og til kunstnerne bag.
Det vigtigste for Aloïse var måske at skabe for at kunne forvandle ethvert menneske til en karakter i sit teater. På den måde kan hun betragtes som en fuldgyldig kunstner i modernismen. Hendes arbejde har mange fællestræk med en anden væsentlig, modernistisk kunstner: Hilma af Klint.
Aloïses portrætter har ofte tilsyneladende tomme øjne. Hvordan skal vi forstå disse tomme øjne?
Aloïse malede ofte øjne uden pupiller, hvor iris fylder hele ovalen, men øjnene er ikke tomme, tværtimod. Aloïse kunne ikke lide farven sort, hvilket kan være en forklaring på de manglende pupiller. Under alle omstændigheder er Aloïses blikke intense og ligner dem i Amedeo Modiglianis portrætter.
I 2024 blev Aloïses værker præsenteret på Venedigbiennalen. I hvilken sammenhæng er hun relevant i dag?
At Aloïses mesterværk Cloisonné de théâtre (1941-1951), som har været udstillet i over ti år på LaM, blev vist i Venedig, er for os et tegn på, at kunstverdenen er ved at få øjnene op for det, der tidligere har været beskrevet som outsider positioner. Anerkendelsen af Aloïses arbejde er i dag langt mere mangfoldig: Det er et spørgsmål om at se på hendes værker som kunst og anerkende hende som kunstner og kvinde i egen ret. Hun opfordrer os til at kigge efter kunst på steder, hvor vi måske ikke forventer at finde den. ♥
Picasso, Miró, Léger – modernismens mange stemmer er tilrettelagt i samarbejde med LaM – Lille Métropole Musée d’art moderne, d’art contemporain et d’art brut. Udstillingen er kurateret af Jakob Vengberg Sevel og Jeanne-Bathilde Lacourt og kan opleves fra den 5. april – 28. september 2025.
Picasso, Miró, Léger –
Corbaz (1886 - 1964, CH), César, 1948
(Günther Wagner) på Bristol-papir 72,5 x 51 cm.
- Lille Métropole Musée d'art moderne, d'art contemporain
foto / photo: Nicolas Dewitte LaM
ARoS Indefra
"Guldaldermalerierne
er afdæmpede – det smitter enormt meget af på mig"
Gunhild Asmussen er rengøringsassistent på ARoS på nu syvende år og bruger de fleste hverdagsmorgener på at rengøre museet, så det står klar til de mange besøgende, inden museet åbner. Hun finder stor ro i sit arbejde og i de kunstværker, hun er omgivet af.
Hvordan påvirker kunsten din hverdag?
Det bedste er at gå rundt oppe i Human Nature-galleriet (samlingsudstillingen på Niv. 8, red.). Når jeg går deroppe og arbejder helt alene, inden de besøgende kommer, er det ro for mig. Mange af guldaldermalerierne er afdæmpede i deres udtryk, og det smitter enormt meget af på mig. Derudover går jeg og skæver til, om der er kommet nye værker op, siden sidst jeg var forbi og mindes dem, de er byttet ud med.
Hvornår har du senest haft en særlig kunstoplevelse, der gjorde indtryk på dig?
Jeg kan godt lide, når man kan bevæge sig ind i kunstværket, som man eksempelvis kan i Storm Room (2009) på Niv. 0. At man kan tage aktiv del i værket og måske ligefrem selv bidrage til udtrykket.
I 2019 viste vi gruppeudstillingen Tomorrow is the Question, hvor det interaktive værk; Universe of Water Particles (2013) af teamLab indgik. Værket består af et digitalt vandfald, som fortsatte videre ned på gulvet i form af blomster, der ændrede udtryk, når man trådte ind i det. Det satte tanker i gang hos mig, om hvad der skal ske med miljøet og fremtiden generelt. Jeg havde min 9-årige søn med ind for at opleve værket, og de tanker, det også satte i gang hos ham, og de snakke vi havde, gjorde stort indtryk på mig.
Er der et værk eller en udstilling på ARoS, som har særlig betydning for dig?
Tilbage i 2017 viste vi udstillingen Cool, Calm and Collected hvor Mikkel Carls værk Made in China (2009) indgik. Det er en skruemaskine, der med sit bor sidder fast i væggen og ellers drejer rundt om sig selv i et roligt og ensartet tempo. Jeg var i en stresset periode i mit liv, og værket mindede mig om, at mere travlt har jeg heller ikke: Vi skal nok nå det hele, også selvom tingene ikke går, som man tænker, de bør. ♥
Gunhild Asmussen har været en fast del af ARoS' rengøringsteam siden 2018. Foto: Mads Smidstrup, 2024
1. Svale hårklemme kr. 110/99* 2. Makrel i krydret olivenolie kr. 45/40,50* 3. Limepresser kr. 99/89,10*
4 Striped lemon plakat kr. 200/180*. Ramme kr. 119/107,10* 5 Gridelli Balsamico kr. 229/206,10*
6 Strømpe kr. 69,95/62,95* 7 English Soap håndcreme kr. 99/89,10* 8 15 minute art – Painting kr. 129/116,10* 9. The Gourmands lemon kr. 399/359,10* 10. English Soap sæbe kr. 65/58,50* 11. Arhøj Mion mug kr. 339/305,10* 12. Makrelpate kr. 39/35,10* 13. Cafe-Tasse chokoladebar kr. 25/22,50*
14. Gridelli olie kr. 149/134,10* 15. Pastaens Italien kr. 349/314,10*
*Pris med årskort. Kan ikke kombineres med andre tilbud eller rabatter. Der tages forbehold for trykfejl.
Kunstner mod alle odds
Den sydafrikanske kunstner Igshaan Adams præsenterer sine vævede billedtæpper og skulpturelle støvskyer i udstillingen Weerhoud på ARoS.
Vi har interviewet ham om hans inspiration og vej til at blive kunstner.
Vil du starte med at beskrive, hvordan du blev introduceret til kunst?
Jeg er blevet kunstner ved et tilfælde. I min opvækst var kunst et fremmed territorium, og jeg kom aldrig på museer eller gallerier. Min familie havde ikke ret mange penge og havde ikke råd til at sende mig på det lokale universitet. Min anden prioritet var at læse billedkunst, hvilket var meget billigere, men stadig alt for dyrt. Jeg søgte ind alligevel, og lykkeligvis overraskede min tante mig ved at betale for de første seks måneder af uddannelsen. Gennem de resterende to år var jeg afhængig af stipendier og af arbejde ved siden af studierne.
På skolen blev jeg undervist i traditionelle teknikker som oliemaleri og trækul. Da jeg var færdiguddannet, indså jeg, hvor svært det er at slå igennem som professionel kunstner – så i stedet fandt jeg arbejde som gartner i otte år.
En dag deltog jeg i en workshop på Ruth Prowse School of Art, hvor de kunne lide det, jeg lavede, og endte med at tilbyde mig et studieophold. Jeg studerede på Ruth Prowse i to år, hvor jeg blev introduceret til konceptkunst.
Hvad fik dig til at begynde at arbejde med tekstiler?
Jeg havde stadig ingen penge, men min tante havde foræret mig en symaskine, så jeg begyndte at arbejde med de tekstiler, vi havde derhjemme; blandt andet min bedstemors tøj og endda min families sofa. Materialerne brugte jeg til at lave collage-portrætter. Senere brugte jeg islamiske bedetæpper, som jeg også klippede op og lavede collager af. Jeg samlede alle resterne fra bedetæpperne, og på et tidspunkt fik jeg den idé at trevle bedetæppet op og væve dem påny, fordi jeg som queer-muslim er tvunget til at skabe min egen version af Islam, så den giver mening for mig.
Jeg blev introduceret til vævekunsten, da jeg arbejdede i en NGO, hvor jeg hjalp mødre i Cape Town med at forbedre deres håndværk, så de bedre kunne forsørge deres familier. De kvinder, jeg underviste, endte med at blive mine første assistenter, og de spiller stadig en vigtig rolle i mit kunstneriske arbejde. Ligesom familie og
→ 2003 National Certificate (N6) in Art & Design, College of Cape Town, Cape Town, South Africa
→ 2009 Diploma in Fine Art, Ruth Prowse School of Art, Cape Town, South Africa
Samlinger/erhvervelser
→ 2021 Moderna Museet, Stockholm
→ 2022 Solomon R. Guggenheim Museum, New York
→ 2022 The Venice Biennale, Venice
→ 2023 Bienal De São Paulo, Sao Paulo Priser
→ 2018 Standard Bank Young Artist Award
venner bidrager de til de tekniske og kreative processer. Det tog mig lang tid at finde de rette materialer at væve med. I dag bruger jeg materialer som perler, silke, reb, muslingeskaller og sølvkæder.
Titlen på udstillingen på ARoS er Weerhoud. Hvad betyder det?
Weerhoud er et opdigtet ord inspireret af ordet weerhou, som betyder at tilbageholde på afrikaans. Det afspejler et tema om manglende og skjulte dele af identiteten, og er også noget, der gennemsyrer udstillingen.
Et eksempel er udstillingens hovedværk, som er lavet i samarbejde med dansegruppen Garage Dance Ensemble. Indsmurt i maling har gruppen danset på et stort stykke lærred, og jeg har så vævet områderne med maling på. De uvævede dele af tæppet, symboliserer det skjulte og usynlige. Hvordan folk har en tendens til at basere deres forestillinger om andre på baggrund af deres udseende og udfylde hullerne med deres egne fordomme. Udstillingen handler om det, der er udeladt, og om hvordan vi skaber fortællinger om det, vi tror, vi ved.
Hvad håber du, at din kunst vil bidrage med til gæsterne på ARoS?
Mit mål er, at publikum får stof til eftertanke og kan relatere til værkerne på et personligt og menneskeligt plan. Jeg håber, at folk går derfra med en fornemmelse af noget, de ikke helt kan sætte en finger på, men som de føler dybt. Et minde, de ikke glemmer. Jeg elsker slow-looking-konceptet, der inviterer beskueren til at lade sig fascinere af detaljerne, men også til at tage den samlede oplevelse ind. ♥
Igshaan Adams – Weerhoud er kurateret af Maria Kappel Blegvad og kan opleves i Focus Galleriet på Niv. 5 til og med den 3. august 2025.
er realiseret med generøs støtte fra
Udstillingen
Kalender
FORMIDDAGSKUNST
Modernistisk kunst af bl.a. Picasso, Miró og Modigliani
I denne formiddagskunst ser vi nærmere på, hvordan kubismen med de geometriske former og afbrudte flader tog afstand til det klassiske centralperspektiv og på mange måder rev traditionen fra hinanden.
Vi vil også rette blikket mod, hvordan udstillingen giver os et indblik i en kunstsamlers personlige øje for sin samtid.
Kr. 75*
08.04.2025
Kl. 11.00 – 12.00
RUNDVISNING
Slow looking rundvisning
Slow looking er at sætte farten ned, tage en pause, tænde for sanserne og bruge tid på at se nærmere på noget. Det er en metode til at øve sig i at se ”langsomt og omhyggeligt”. Denne gang i udstillingen Picasso, Miró, Léger – modernismens mange stemmer, ved mindfulness-underviser Anne Marie Beck.
Kr. 110 med årskort
Kr. 145 uden årskort*
16.04.2025
Kl. 11.00 – 12.15
RUNDVISNING
Aftenrundvisning
Oplev roen forplante sig på aftenrundvisning i udstillingen Picasso, Miró, Léger –modernismens mange stemmer. Kombiner din rundvisning med udsigten over Aarhus i skumring eller nyd et glas vin og en bid mad i caféen.
Kr. 25 med årskort Kr. 50 uden årskort*
09.04.2025
Kl. 19.00 – 19.45
23.04.2025
Kl. 19.00 – 19.45
Picasso og stilleben
Et maleri af opstillede genstande også kaldet Stilleben (Nature Morte) er et velkendt motiv i kunsthistorien og kendt siden antikken. Picasso og de andre kubister ophævede det klassiske perspektiv og viste flere sider af samme opstilling eller objekt på en gang.
Vi ser nærmere på den kubistiske stil og stilleben som yndet motiv i kunsthistorien, Picassos fascination af den klassiske opstilling og vil også perspektivere til udvalgte værker fra ARoS' samling.
Kr. 105*
22.04.2025
Kl. 16.30 – 17.30
Art Hour foredrag: Art Brut – modernismens mange stemmer
Mange modernister har været fascineret af kunst skabt uden for de etablerede rammer, herhjemme var Asger Jorn f.eks. optaget af kunstneren Ovartaci fra det psykiatriske hospital i Risskov. Bliv klogere på spændingsfeltet mellem etableret kunst og Art Brut til denne Art Hour, der forholder sig til udstillingen Picasso, Miró, Léger – modernismens mange stemmer
Art Hour er gratis og eksklusivt for dig med årskort – også ARoS30
10.04.2025
Kl. 17.00 – 18.00
WORKSHOP
Vævestopning ved Emma Skovmoes
Lær grundprincipperne bag vævestopningsteknikken, så du selv kan reparere og forny dit tøj. Workshoppen inkluderer alt materiale og prøvelapper, men du kan også tage egne projekter med. Du får personlig vejledning og gode råd til de bedste reparationsløsninger. Workshoppen afholdes i relation til udstillingen Igshaan Adams – Weerhoud.
Med årskort kr. 250 Uden årskort kr. 350 (inkl. entré til ARoS fra kl. 18.00)
Vilhelm Lundstrøm, Opstilling med hvid kande, hvid skål med to oranger og hvid serviet (detalje), 1932-33
MASTERCLASS
Braque og hans kubistiske landskaber
At gengive naturen og landskaber har altid været et yndet motiv, og landskabsmaleriet har altid på forskellig vis spillet en stor rolle i kunsthistorien. Med kubismen og her specifikt Braques undersøgelse af billedfladen ser vi naturen og landskabet forenklet, malet lidt kasseagtigt og med opbrudte flader.
Vi ser nærmere på den kubistiske stil, landskabsmaleriet gennem tiden og specifik Braque, men vi vil også perspektivere til udvalgte værker fra ARoS' samling.
Kr. 105*
29.04.2025
Kl. 16.30 – 17.30
Brunch og rundvisning for dig med årskort
Nu kan du komme på guidet rundvisning i Picasso, Miró, Léger – modernismens mange stemmer efter en lækker brunch i Orangeriet. Arrangementet er kun for årskortholdere.
→ kl. 10.15 – 11.15 Brunch serveres
→ kl. 11.15 – 12.00 Rundvisning
Med årskort kr. 165
09.04.2025 kl. 10.15 – 12.15
10.04.2025 kl. 10.15 – 12.15
23.04.2025 kl. 10.15 – 12.15
24.04.2025 kl. 10.15 – 12.15
Modigliani og hans ikoniske kvindeportrætter
Modiglianis portrætter er kendetegnende ved deres udstrakte og maskelignende ansigter. Den kubistiske fascination er tydelig, og Modiglianis portrætter formidler i lige så høj grad en geometri af flader som et egentligt portræt af en kvinde, men der ligger mere bag.
Vi ser nærmere på Modiglianis portrætter med et nutidigt blik og vil også perspektivere til udvalgte værker fra ARoS' samling.
Kr. 105*
06.05.2025
Kl. 16.30 – 17.30
Emma Rosenzweig og kvindeportrætter
Oplev forfatter Emma Rosenzweig og forsker Anne Green Munk i en samtale om kvindeportrætter, kvindeskikkelser og besættelser. Med udgangspunkt i Rosenzweigs roman Jeg giver alt væk taler de om kvindeportrætter og samfundets blik på kvinden. Foredraget afholdes i relation til udstillingen Picasso, Miró, Léger – modernismens mange stemmer, der præsenterer kunstværker skabt i og omkring 1920’ernes Paris, hvor kvindeportrættet ofte går igen som motiv.
Kr. 75*
08.05.2025
Kl. 17.00 – 18.00 Støttet af Statens Kunstfond
Picasso, Miró, Léger – modernismens mange stemmer → 23.05.2025
Alexander Tovborg – Divine Comedy
WORKSHOP
Sommerkunstskole med kunstneren Mormor
Er du mellem 10 og 12 år gammel, så er ARoS' Sommerkunstskole måske noget for dig? Sammen med den lokale kunstner Mormor dykker vi ned i Art Bruts utraditionelle og sjove kunsttekniker.
Vi slutter Sommerkunstskolen af med en stor fernisering, hvor du og de andre deltagere kan vise jeres familie og venner, alt det I har lavet i løbet af ugen.
Kr. 800
30.06.2025 – 04.07.2025
Kl. 10.00 – 15.00
Støttet af Lars Larsens JYSK Fond
Amedeo Modigliani, Nu assis à la chemise (detalje), 1917 (Se værket ubeskåret på side 5)
Olaf Rude, Broen i Frederiksberg Have, (detalje), 1915 (Fra ARoS samling)
Foto: Simon Heger Knudsen
Aarsleff er ARoS' nye hovedsponsor
I efteråret kunne vi præsentere entreprenørvirksomheden Aarsleff som ARoS' Main Corporate Partner.
Da Aarhus Kunstmuseum for 20 år siden var vokset ud af sine gamle lokaler i Vennelystparken, var Aarsleff med til at grave de første huller til et nyt, stort kunstmuseum på Aros Allé: ARoS som vi kender det i dag.
Lige nu er entreprenørvirksomheden i fuld gang med at spartle, male, pudse og installere under det kuppelformede tag på og under jorden i et stort, nyt udstillingsgalleri. Aarsleff er i høj grad stadig med på ARoS' rejse og helt uundværlige i byggeriet af den ambitiøse udvidelse af det museum, der blev bygget for 20 år siden.
”Vi er enormt glade for nu også at have Aarsleff som vores Main Corporate Partner. Sammen med Aarsleff kan vi skabe nye rum for inspirerende kunstoplevelser, for innovation og for refleksion – både lokalt, nationalt og globalt,” siger museumsdirektør på ARoS Rebecca Matthews og tilføjer "Vi mener, at kunstmuseer skal engagere sig aktivt - med sine gæster, samarbejdspartnere og omverden - for at forblive relevante. Det er også derfor, vi involverer os i stærke strategiske partnerskaber som dette."
Særarrangementer og fri adgang til medarbejdere
Som ARoS' Main Corporate Partner får Aarsleff mulighed for at engagere sine medarbejdere og styrke sine værdier i samspil med ARoS’ værdier og vision. Det sker blandt andet gennem eksklusiv adgang til museet, workshops og særarrangementer for koncernens medarbejdere.
”Det er meningsfuldt for os at bidrage til at give kunsten nye rum at udfolde sig i. Vi tror på, at kunst kan mere end bare at vise sig frem. Kunst kan hjælpe os til at se tingene på nye måder. Kunst bygger bro mellem mennesker. Den bro vil vi gerne være med til at bygge og forstærke," siger Jesper Kristian Jacobsen, administrerende koncerndirektør for Aarsleff og tilføjer "For os er vores engagement ikke en transaktion. Det er en helt naturlig forlængelse af dét, vi gør hver eneste dag: Vi giver ikke tilbage. Vi er en del af noget. Og vi er særligt glade for at være en del af ARoS." ♥
Administrerende koncerndirektør Jesper Kristian Jacobsen (tv.) har været med i tilblivelsen af The Dome, a Skyspace by James Turrell lige siden projektet var en simpel håndskitse udført på en lap papir af kunstneren.
Foto: Mads Smidstrup, 2024
Aarsleff er Main Corporate Partner for ARoS i perioden 1. oktober 2024 til 1. oktober 2029.
Når man træder ind i Jenkin van Zyls verden, er det som at blive kastet hovedkulds ind i en anarkistisk drøm, hvor grænser opløses, og virkeligheden vrides i et surrealistisk univers.
↓ Jenkin van Zyl, Lost Property, 2025 Courtesy of the artist
Den engelske multikunstner, født i 1993 i London, har hurtigt opnået status som en af de mest grænsesøgende og fascinerende figurer i samtidskunsten. Gennem sine overdådige filmiske værker og performances udfordrer han samfundets normer, kønsroller og magtstrukturer med en vision, der er lige så radikal som den er hypnotiserende.
Jenkin van Zyl er måske bedst kendt for sine storslåede filmiske installationer, der ofte kombinerer elementer af performancekunst, drag, horror og queer æstetik. Hans værker bevæger sig i en konstant strøm mellem det forførende og det groteske, mellem virkelighed og fiktion, og hans brug af virkemidler som makeup, kostumer og special effects skaber en slags kunstnerisk hybrid, der sprænger rammerne for, hvad kunst kan være.
Han har selv beskrevet sin praksis som "et forsøg på at opbygge nye verdener, hvor kaos er orden, og hvor der findes et rum for alt det, som samfundet ellers marginaliserer." Gennem sin kunst vil han give stemme til dem, der er blevet glemt, ignoreret eller fordømt, og skabe en visuel fortælling, der er både konfronterende og frigørende.
En rejse gennem hans værker
Jenkin van Zyls filmværker er ofte skabt gennem en kollektiv proces, hvor han inviterer queer kunstnere, performere og aktivister til at bidrage. Dette fællesskab afspejles i hans første større værk, Looners (2017), en filmisk undersøgelse af fetishkulturens mange facetter. Her blander han horror-elementer med poetisk absurditet for at fremhæve det bizarre og smukke i menneskets psykologiske landskab.
Et andet bemærkelsesværdigt værk er Machines of Love (2022), som blev vist på kunstfestivalen Glasgow International. Filmen blev optaget på et forladt waterpark-resort i Marokko og kombinerer science fiction med surrealistiske scener af queer oprør. Historien udspiller sig i et futuristisk landskab, hvor karaktererne – maskerede, androgyne skikkelser – navigerer i et decentralt univers af begær, kontrol og fællesskab. Kritikerne har kaldt værket "en fest for sanserne og en voldsom kritik af modernitetens institutioner."
Hans seneste installation, It’s Always You (2023), er et dragende blik ind i temaer som isolation, teknologi og det performative aspekt af køn. Filmen blev vist på Londons legendariske kunstcenter ICA og har cementeret van Zyls position som en kunstner, der tør udfordre både sit publikum og sig selv.
En vision om kaos og kærlighed
Jenkin van Zyls arbejde er både dybt personligt og universelt. Hans kunst tager fat på emner som samfundets forventninger, fremmedgørelse og menneskelig sårbarhed, men altid med en følelse af håb og modstandskraft. "Jeg arbejder altid med ideen om, at kaos er en nødvendighed. Det er i det kaotiske, at vi kan finde nye måder at eksistere på," har han forklaret om sin kunst.
Hans univers er et rum, hvor identitet bliver flydende, og hvor publikum opfordres til at deltage i en oplevelse, der er lige så følelsesmæssigt intens, som den er visuelt overvældende. Hans værker er ikke kun en invitation til at se – de er en opfordring til at føle og forstå verden på en ny måde. ♥
Jenkin van Zyl
Født
→ 1993 London, England
Uddannelse
→ Central Saint Martins, hvor han tog en BA i Fine Art
→ Primære Medier: Film, installation, performance
→ Kendte værker: Looners (2017), Machines of Love (2022), It’s Always You (2023)
→ Udstillinger: Glasgow International, ICA London, Tate Modern (grupperetrospektiv)
→ Kunstneriske Temaer: Queer æstetik, samfundskritik, det surrealistiske og performative
Udstillingen er realiseret med generøs støtte fra
↑ Portræt af Jenkin van Zyl Foto: Asafe Ghalib
Interview med Jenkin van Zyl
Britiske Jenkin van Zyl er kendt for sine fantasifulde og altomsluttende værker, der kombinerer film, performance og installation. I 2025 kan hans værker opleves for første gang i Danmark, når ARoS åbner en udstilling, der bl.a. inkluderer hans seneste værk – den eksperimenterende film
Lost Property fra 2025, der skildrer tre karakterers søgen efter deres dobbeltgængere i et bureaukratisk univers.
Hvordan startede du med Lost Property? Var det karaktererne, stederne eller en idé?
Filmen handler om tre karakterer, der søger deres forsvundne dobbeltgængere i Bureau of Lost Property. De møder deres dobbeltgængere på forskellige måder: én kæmper mod sin, én prøver konstant at blive valgt, og én forsøger at forenes med sin gennem auto-kannibalisme. Historien er struktureret som en Möbius-strimmel, hvor rollerne byttes rundt, og grænserne mellem original og kopi udviskes.
Processen startede med karaktererne og optagelsesstederne, som påvirkede filmens struktur. Optagelserne foregik tre steder: en simuleret Londongade i Bulgarien, bureauets liminale zone og en forladt teatersal, hvor konfrontationerne sker. Der er en ironi i, at den ‘virkelige’ verden fremstår mest kunstig, mens det mest fantasifulde sted er, hvor de dybeste transformationer sker.
Hvordan forholder filmen sig til identitet og tilhørsforhold?
Bureau of Lost Property undersøger både det materielle og eksistentielle tilhørsforhold. Identitet formes i fællesskaber, men defineres også af det, vi forsøger at undslippe. Bureauets motto, “Your Loss Is Our Motivation,” antyder, at tab er en del af identiteten. Bureauets ansatte reflekterer dette forhold – de parodierer bureaukratiske systemer, mens de samtidig plejer og kontrollerer karaktererne.
Filmen bruger dobbeltgængere til at stille spørgsmål ved autentisk identitet. Vi er altid i en tilstand af at performe forskellige versioner af os selv, hvor skellet mellem det ‘ægte’ og det ‘performede’ udviskes. Bureauet bliver også en kritik af digitale markedspladser som Shein og Amazon med deres uendelige kataloger uden tydelige hierarkier.
Hvem er filmens tre hovedpersoner, og hvorfor valgte du dem?
De tre hovedpersoner er navnløse, hvilket understreger deres transformationsprocesser. Alex Margo Arden, en nær ven, spiller en showgirl, der fusionerer med sin dobbeltgænger gennem en auto-kannibalistisk scene. Lewis Walker, en tidligere gymnast, tilfører filmen koreografisk intensitet i sin rolle. Den tredje performer, Jaya Twill, spiller en karakter fanget i en endeløs auditionproces. Bureauets personale er skabt af venner fra Londons queer-miljø, hvilket giver filmen en tæt og personlig dynamik.
Hvad håber du, at det danske publikum får ud af udstillingen?
Jeg ønsker at tale til vores hypermoderne tid, hvor virkeligheden ofte føles som en feberdrøm. Vi lever i en verden, hvor store kriser filtreres gennem lag af simulation og spektakel. Filmen forsøger med sin mørke humor at skabe rum for refleksion over, hvordan vi kan gentænke os selv og vores systemer i denne kaotiske tid. Lost Property viser, hvordan identitet splittes og transformeres, og hvordan vi navigerer i en verden fyldt med modsætninger. ♥
← Behind the scenes Lost Property Courtesy of the artist
↓ Jenkin van Zyl
Billede fra Lost Property
Courtesy of the artist
Portræt af James Turrell: Mester i lys, rum og himmel
Med ARoS’ åbning af The Dome, a Skyspace by James Turrell i 2025 åbner kunstmuseet og den verdenskendte kunstner James Turrell verdens største Skyspace i museumskontekst nogensinde.
Når ARoS i 2025 åbner dørene til The Dome, a Skyspace by James Turrell, markerer det en milepæl for både museet og en af vor tids mest visionære kunstnere. Den amerikanske kunstner James Turrell, der i mere end fem årtier har skabt værker, der bryder med det traditionelle forhold mellem kunst og beskuer, inviterer os til at opleve verden gennem sit særlige blik. The Dome, a Skyspace by James Turrell, bliver verdens hidtil største Skyspace i museumskontekst og indkapsler Turrells livslange dedikation til at forene lys, rum og menneskelig forståelse af verden.
James Turrell ser værket som en videreførelse af den ældgamle tradition med forståelse af verden, som er arkitektoniske rum uden tag, hvor himlen bliver en integreret del af rummet og oplevelsen. Egypterne, romerne og grækerne skabte sådanne åbne rum, hvor det naturlige lys og himlens foranderlighed blev en del af arkitekturens udtryk. Et af de mest berømte eksempler er Pantheon i Rom, hvor den cirkulære åbning i kuplen lader dagslyset strømme ind og skaber en forbindelse mellem bygningen og himmelrummet.
The Dome, a Skyspace by James Turrell refererer til denne tradition. Men i stedet for blot at lade himlen være synlig, arbejder Turrell bevidst med at kombinere det naturlige lys og dets farvespil med en kunstig lysinstallation i det kuppelformede rum – blandt andet i forbindelse med solopgang og solnedgang. På den måde interagerer værkets lys med himlens farveskift, hvilket giver en helt unik oplevelse og skærper vores bevidsthed om, hvordan vi oplever lys og rum, og hvordan vi tildeler himlen sine farver.
Den banebrydende pioner
James Turrell, født i Los Angeles i 1943, udviklede tidligt en fascination for lys – blandt andet inspireret af sin opvækst i en kvækerfamilie, hvor stilhed og meditation spillede en central rolle.
Som certificeret pilot tilbragte Turrell meget tid i luften, hvor han blev betaget af lysets kvaliteter, himlens foranderlige farver og hvordan vi sanser vores omgivelser. Han har beskrevet det at flyve som en meditativ oplevelse, hvor man indhylles i himlens uendelighed. Han observerede, hvordan lys og farve skifter afhængigt af højde, tidspunkt på dagen og vejrbetingelser. Disse oplevelser formede hans forståelse af, hvordan rum skabes gennem lys, og inspirerede ham til at skabe værker, der udfordrer og former vores opfattelse af virkeligheden.
Tegningerne af Scmidt Hammer Lassen viser en plantegning af ARoS´ store museumsudvidelse. Udvidelsen består af et nyt underjordisk galleri og The Dome, a Skyspace by James Turrell, som tilgåes via en delvist underjordisk gang fra ARoS´ Niveau 3.
Nuværende ARoS bygning
Nyt underjordisk galleri på 1.000 m2
The Dome, a Skyspace by James Turrell
Turrell selv har udtalt: "At flyve lærte mig at værdsætte horisonten som en vigtig grænse mellem jord og himmel. Vi bevæger os ind i et nyt landskab uden horisont. Dette opleves ved at flyve gennem skyer og tåge, køre i en snestorm eller dykke med nedsat sigtbarhed, hvor vi kun kan afgøre retningen mod overfladen ved at følge vores luftbobler. Og vigtigst af alt – vi bevæger os mod universet og en ny horisontløs virkelighed."
Ud over sin uddannelse som pilot har Turrell en akademisk baggrund inden for perceptionspsykologi. I 1960’erne blev han en del af Light and Space-bevægelsen, hvilket ledte ham mod sin kunstneriske mission: at skabe oplevelser, der transformerer vores måde at se og føle lys på, og som bruger lyset til at bearbejde vores sanseapparat.
"Jeg arbejder ikke med lys for at forme det," har Turrell sagt. "Jeg arbejder med lys for at forme, hvordan vi sanser.” Dette udsagn indfanger essensen af hans tilgang: at bryde med nutidens traditionelle former for kunst og skabe rum, der ikke blot observeres, men opleves med hele kroppen.
Skyspaces: En invitation til refleksion
Turrells Skyspaces er blandt hans mest ikoniske værker. De findes over hele verden og varierer i form og funktion. Fra Meeting (1986), et permanent værk på MoMA PS1 i New York, til Within Without (2010) i National Gallery of Australia i Canberra, hvor et Skyspace inspireret af buddhistisk tempelarkitektur skaber en forstærket oplevelse af himlens foranderlige farver. Hvert værk tilbyder en unik, ofte meditativ oplevelse, der får os til at lægge mærke til de subtile skift i lys og stemning, som ofte overses i vores veltilrettelagte og travle hverdag.
"Et Skyspace er en portal," har Turrell forklaret. "Den forbinder os ikke kun med himlen, men også med os selv. Vi ser ikke bare lyset – vi ser os selv se."
Selvom hans Skyspaces er hans mest berømte værker, betragtes Roden Crater i Arizona som Turrells hovedværk. Dette monumentale projekt, som transformerer et vulkankrater til et lysobservatorium, har været under
udvikling siden 1977 og er endnu ikke færdiggjort. Med Roden Crater udforsker Turrell himlens evigt skiftende lys i en monumental skala og understreger sin vision om en kunst, der er dybt forbundet med naturen og kosmos. Han havde oprindeligt planlagt at åbne værket i år 2000 og blev berømt for at sige: "Og jeg holder fast i det."
Den ultimative Skyspaceoplevelse på ARoS
Med The Dome, a Skyspace by James Turrell tager Turrell konceptet til nye højder og placerer ARoS centralt på den internationale kunstscene for lysbaseret kunst. Som Turrell selv siger: "Lys er ikke noget, vi ser. Det er noget, vi ser med. Og i denne opdagelse forstår vi, hvordan vi ser verden."
Kunstværket på ARoS forener hans mesterlige forståelse af lys og arkitektur med en dyb respekt for stedets karakter, og han beskriver det som "en mulighed for at fordybe sig i himlen på en måde, vi normalt ikke har adgang til. Samtidig hjælper det os med at forstå, hvordan vi selv tildeler himlen dens farver.”
The Dome, a Skyspace by James Turrell er mere end en arkitektonisk bedrift; det er en invitation til at træde ud af hverdagens strøm og opleve, hvordan lys kan forandre vores måde at være i verden på. ♥
Turrells Skyspaces
James Turrell har skabt 98 Skyspaces i hele verden. Her er en liste over de 10 vigtigste.
1. Meeting (1986) MoMA PS1, Queens, New York, USA Et af Turrells tidlige Skyspaces med en rektangulær åbning i loftet, der giver en meditativ udsigt til himlen.
2. Space That Sees (1992) Israel Museum, Jerusalem, Israel Et berømt Skyspace med en firkantet åbning, konstrueret af hvid beton og udstyret med lysinstallationer.
3. House of Light (1997) Tokamachi, Japan Designet til overnatning og meditation, hvor traditionel japansk æstetik kombineres med Turrells lysdesign.
4. Sky Pesher (2005) Walker Art Center, Minneapolis, USA Et underjordisk Skyspace, der åbner sig op mod himlen.
5. Deer Shelter Skyspace (2006) Yorkshire Sculpture Park, England Et underjordisk Skyspace, der skaber en intens oplevelse af lys og natur i det engelske landskab.
6. Within Without (2010) National Gallery of Australia, Canberra, Australien Et ikonisk værk med en refleksionspool, en negativ pyramide og et Skyspace, der ændrer himlens farver og tykkelse.
7. Twilight Epiphany (2012) Rice University, Houston, USA Et pyramideformet Skyspace med en tynd flade, der holdes op mod himlen, hvilket tillader en oplevelse af sfærernes musik i lys.
8. Gathered Sky (2012) Temple Hotel, Beijing, Kina Dette Skyspace inkorporerer tibetanske kulturelle elementer i et af Beijings forladte templer.
9. The Color Inside (2013) University of Texas, Austin, USA Et elliptisk Skyspace med et særlig LED-lysshow, der fremhæver himlens skiftende nuancer.
10. Ta Khut Skyspace (2021) Posada Ayana, José Ignacio, Uruguay Inspireret af egyptisk kultur er dette Skyspace en oplevelse, der skaber forbindelse mellem himmel og jord.
↓
Portræt af James Turrell
Foto: Morten Fauerby, 2015
Projektet er støttet af:
Menneskehår bag glas
I udstillingen ARoS Samling:
1960 – nu på Niv. 6 kan du nu opleve en række nyudstillede samtidsværker fra ARoS’ samling.
Boy har fået selskab af nye værker, efter Ron Muecks skulpturer
A Girl og Woman with Shopping er rejst tilbage til udlånsmuseerne. De nye værker er lavet af danske og internationale samtidskunstnere og bringer udstillingen ARoS Samling: 1960 – nu frem til vores tid, forklarer kurator Victoria Christiansen, som har udvalgt værkerne.
”Værkerne er lavet af kunstnere, som forholder sig til vores virkelighed; en verden i opbrud med større uro, krige og klimaforandringer. De er en del af en tendens i samtidskunsten, som undersøger temaer som identitet, samfund og teknologi, samt hvordan vi bevæger os rundt i en mere og mere kompleks verden,” siger Victoria Christiansen.
Menneskehår som råstof
Blandt de nye værker er værkserien Rich Chopper Charleston, Choppy layers blunt bag og Curly marron fade pixie fra 2015 af den danske kunstner Nina Beier. Serien består af parykker af menneskehår, der er presset bag glas og sat i ramme.
”Menneskehår til parykfremstilling kommer ofte fra lande som Indien og Kina. Håret bliver farvet, bleget og permanentet for at blive solgt på det europæiske marked. På den måde bliver håret et slags råstof, der dyrkes på hovederne af mennesker i verdens fattigste områder og omformes til de her brugsgenstande, som vi bruger i den vestlige verden,” siger Victoria Christiansen.
Nina Beier har de seneste 15 år markeret sig på den internationale kunstscene. I hendes værker bruger hun ofte helt almindelige hverdagsgenstande som håndvaske, tallerkner og parykker og sætter
dem i nye kontekster for at gøre os opmærksom på skjulte strukturer og betydninger, der knytter sig til tingene.
”Nina Beier er absolut en kunstner, som er superspændende at følge. Hendes værker har humor og en skarpsindighed i forhold til at få detaljer og spor i vores komplekse virkelighed frem på en ny og anderledes måde. Hun har virkelig blik for de magtstrukturer og hierarkier, der synligt eller usynligt styrer vores samfund,” siger Victoria Christiansen.
Ud over Nina Beiers værk kan du opleve værker og installationer af danske Simon Dybbroe Møller, Sidsel Meiniche Hansen og Tove Storch sammen med nogle af de allernyeste erhvervelser i ARoS’ samling af Liu Shiyuan og den anerkendte amerikanske kunstner Jenny Holzer.
Du kan opleve de nye værker i udstillingen 'ARoS Samling: 1960 – nu' på Niv. 6.
← Nina Beier, Chopper Charleston (detalje), 2015 Mixed media. 65 x 42 cm
↓ Nina Beier, Rich Chopper Charleston, Choppy layers blunt bag og Curly marron fade pixie, 2015 Mixed media. 65 x 42 cm
Rich Chopper Charleston, Choppy layers blunt bag og Curly marron fade pixie inspiceres i museets magasin, inden de bliver installeret i galleriet på Niv. 6. Værkerne er doneret af Ny Carlsbergfondet.
Korset skal sige undskyld
Den danske kunstner Alexander Tovborg præsenterer sin første store museumsudstilling Divine Comedy på ARoS til maj. Vi har besøgt ham i hans atelier for at høre om forberedelserne.
I skyggen af en stor fabriksbygning i det nordvestlige København ligger Alexander Tovborgs atelier. Fra et stort ovenlysvindue rammer solens stråler Tovborgs farverige malerier, bibelske motiver og et malingplettet betongulv. På væggen over vasken, hvor han omhyggeligt skyller sin pensel, hænger bedekranse, kors og Jomfru Maria-ikoner.
”Håndvasken er mit alter. Jeg elsker at hacke ritualerne fra kirken for at fritstille dem og se, om de også hører til andre steder,” siger Alexander Tovborg, som af flere er blevet udråbt som en af sin generations mest interessante kunstnere.
Ved siden af håndvasken ligger Tovborgs nyudgivne catalogue raisonné oven på et eksemplar af Den Guddommelige Komedie af Dante Alighieri, som udstillingen på ARoS er bygget op omkring.
”Jeg er særligt draget af menneskets forhold til det religiøse og det spirituelle. Hvordan vi engagerer os i religiøse rum, hvordan vi bruger kirken, og hvordan vi som mennesker er blevet brugt af kirken. Inspireret af det knopskydende, farverige og rørende univers, Dante skriver frem i Den Guddommelige Komedie, arbejder udstillingen på ARoS med de her og lignende problemstillinger,” siger Alexander Tovborg.
Alexander Tovborg – Divine Comedy præsenterer mere end 200 værker fra hele Tovborgs karriere samt helt nye værker skabt særligt til udstillingen.
Tovborg, madonna of the coin, 2022
canvas
←
Alexander Tovborg, dea madonna med tulipan (sommer), 2021
Pastel, akryl og sengelinned på pap
56 x 41 cm. Private collection
Foto: Anders Sune Berg
Alexander Tovborg
Fra fantasy til religion
Alexander Tovborg er født i 1983 og er vokset op på Frederiksberg. Som barn forelskede han sig i fantasyuniverset, som han i sine ungdomsår koblede til den religiøse og spirituelle verden.
”På et tidspunkt begyndte jeg til konfirmationsforberedelse, hvilket ud over min fars død nogle år senere, som påvirkede mig meget på et religiøst plan, var mit første møde med kirkens rum,” siger Alexander Tovborg og tilføjer:
”Vi havde en rigtig god præst, der fik mig til at forholde mig til Gud, hvem Gud er og Guds hus. Han lærte os om Jesus, der kunne gå på vandet, trylle fisk frem og gøre vand til vin – hvilket på en måde ikke var så langt fra det, jeg læste i min superheltetegneserie. Det guddommelige blandede sig ligesom sammen med min fantasyverden.”
Teenage-Jesus
Alexander Tovborg sætter sig på gulvet ved siden af et stort, hvidmalet kors i hjørnet af atelieret. Symbolet findes overalt i rummet.
”Jeg har malet rigtig mange kors med forskellige typer af kristusfigurer: en lidende Jesus, en teenagesur Jesus, en glad og forbarmende Jesus. Jeg prøver at få både kendte og ukendte sider af ham frem. Vi ved for eksempel ikke, hvad Jesus lavede i sine teenageår. Den periode er helt væk som sådan et gymnasiefest-blackout. De år har jeg altid været fascineret af at prøve at udfylde,” siger Alexander Tovborg.
Fascinationen af korset handler også om korset som symbol på kristendommen, om dets oprindelige funktion som torturredskab og om korsets og kristendommens udbredelse i verden. Tovborg peger på to store umalede kors af træ på gulvet.
”Jeg er i gang med at lave de her kors, som jeg prøver at få til at sige undskyld. Min datter på fire år går ofte ind i døren eller en bordkant, som hun så forlanger skal sige undskyld til hende. Ideen om, at et objekt skal sige undskyld, har jeg taget med videre. For hvis der er noget objekt, der skal sige undskyld, så er det korset. Korset er jo et torturredskab. Det skal sige undskyld for torturen, korstogene og den europæiske imperialisme,” siger Alexander Tovborg og tilføjer:
”Korset kan aldrig komme med en pressemeddelelse, hvor det siger undskyld til alle i hele verden. Så jeg må som kunstner være med til at facilitere en idé om, at det siger undskyld.”
Ved siden af de to kors står en stor samling af små tegninger og akvareller stablet op ad væggen. De er alle indrammet i trærammer med kors. Samlingen består af 126 værker lavet over de seneste ti år og er nogle af de værker, du kan opleve i udstillingen på ARoS.
”Korsene er en undersøgelse af, om man kan nivellere korset. Om man kan lave så mange kors, at korset opløser sig selv. Der er 126 kors, men også 126 tegninger. Så er spørgsmålet, hvad der står stærkest – er det korset, man bliver overvældet af, eller er det tegningen?” spørger Alexander Tovborg.
Tovborg er ved vores møde i oktober stadig i gang med at færdiggøre de sidste værker til udstillingen på ARoS; en serie af malerier, der viser Dante i paradis.
“Jeg glæder mig virkelig til at se de nye værker sammen med mine ældre ting i udstillingen. Det er et enormt privilegie at få tilbudt så omfattende en udstillingsmulighed, og jeg er spændt på at se, hvordan værkerne går i dialog med hinanden på tværs af tid.” ♥
Alexander Tovborg – Divine Comedy er kurateret af Victoria Christiansen og kan opleves fra den 24. maj 2025 – 4. januar 2026.
Kom med til fernisering:
→ 23.05.2025
Født
→ 1983 København, Danmark
Uddannelse
→ 2007 – 2009 Staatliche Akademie der Bildenden Künste, Karlsruhe
→ 2004 – 2010 Det Kongelige Kunstakademi, København
Udstillinger (udvalgte)
→ 2023 Kunsthal Charlottenborg, København
→ 2021 Blum and Poe, Los Angeles
→ 2016 Gammel Strand, København
→ 2014 Overgaden Institut for Samtidskunst, København
Her nder du forestillinger, rundvisninger, rejser, smagninger, livepodcasts og meget mere, ofte til eksklusive priser.
Hvad skal din næste oplevelse være?
HVID
BORA BORA
Tak til alle vores sponsorer
Tak til alle vores erhvervspartnere der yder en uundværlig opbakning til museets arbejde med at bringe kunstoplevelser i verdensklasse til Aarhus
Vi dækker kulturen i Aarhus bredt
Følg med på stiften.dk og på stiften.dk/maerk og få anmeldelser, anbefalinger og reportager om alt fra Fed Fredag, Northside og Smuk og Grim fest, til teaterlivet, Musikhuset, Aros, kunstudstillinger og musikscenen.
Hold din fest på ARoS!
Hold din næste fødselsdag, konfirmation eller barnedåb på toppen af ARoS med udsigt over Aarhus og fri entré til kunstoplevelser i verdensklasse! Book dit arrangement på 61 90 49 00 / event@aros.dk. Arrangementer kan holdes alle dage mellem kl. 12–17. Læs mere aros.dk/fest
→ Husets velkomstdrink
→ 3 retters menu med husets vine, øl og vand under middagen
→ Kaffe/te og sødt
→ Adgang til gallerierne
→ Arrangement i 5 timer
Per person kr. 795
"Susanne, vi var til den feeedeste fernisering i fredags! Hvorfor var du egentlig ik' med?"
Hvis du ikke allerede modtager vores nyhedsbrev for medlemmer med invitationer til fernisering, medlemsuge og medlemstilbud, kan du tilmelde dig på aros.dk/nyhed eller sms NYHED til 1245
