Rémy et Dumoncel de Antonio Ortega by antonio ortega

Rémy et Dumoncel de Antonio Ortega

Esta publicación se ha realizado con motivo de la exposición

Rémy et Dumoncel, que tuvo lugar en la Galería Alegría del 13 de nov 2024 al 15 de enero 2025

Textos: Antonio Ortega Fotografías: Roberto Ruiz

ANTONIO ORTEGA

Rémy et Dumoncel 13-Nov. 2024

Galería Alegría

Antonio Ortega obsessively paints the same picture, invariably executed on small-format canvases and featuring two pink stones that appear in a somewhat indistinct landscape.

Antonio Ortega points out that his intention is to suspend opinion and thought.

Ortega is keen to make it clear that the apparent paradox of trying to capture silence through traditional landscape painting (with numerous traces of clumsiness) it’s not an exercise in naturalistic representation. Therefore, it is not by chance that the stones are painted with a magenta base -a colour that does not exist naturally since it was developed chemically at the end of the 19th century- nor the insistence on flat horizons that could refer us, indistinctly, to a landscape or a still life, a field or a table. The result are sullen paintings that resist company. The artist says his paintings are like yew trees that shed their toxic leaves to prevent anyone from approaching them. It has been said that Antonio Ortega's oeuvre invokes John Cage's Lecture on Nothing, according to which nihilism becomes positive and, additionally, nothing speaks within his canvases, neither figure nor color: nothing. We diﬀer, since in the field of painting we could say that the responsibility of representing nothingness has fallen to the white monochrome, and we have to agree that monochromatic paintings, from their metaartistic condition, have leaned more towards categorical positions and aﬃrmations while, in his paintings, Antonio questions the idea of representation from a personal point of view, revealing the impossibility of explaining himself better. Thus, his work is not a silent painting; it is an aphonic painting.

Being aphonic implies emitting, with great eﬀort, a faint sound that, moreover, contains all the nuances of normal speech encoded. In the same way, Antonio Ortega’s paintings are not the representation of nothing, but the result of not being able to explain everything.

With the aim of reformulating the idea of interpretation, Antonio Ortega refers us to his latest published book, La lección de Johanna van Gogh [The Lesson of Johanna van Gogh]. Convinced that painting has the capacity to touch emotionally, he considers that interpretation and, by extension, the narrative supporting an artwork, surpasses the relationship built between the artist, the artwork and the public, and is substantiated by a choral, partial and fragmented structure in which the emotions, the artwork can generate, encourage a accomplice, radical or sensual story. It is within this framework, therefore, that we must understand Antonio Ortega's obsession with a subject matter he describes as “a failed attempt to summarize the concept of demagogy”, in which demagogy appears as a rhetorical figure.

CAST

Antonio Ortega pinta obsesivamente el mismo cuadro, se trata de lienzos de pequeño formato en los que aparecen dos piedras rosas en una especie de paisaje incierto.

Antonio Ortega indica que su intención es suspender la opinión y el pensamiento. Ortega se empeña en dejar claro que, la aparente paradoja de pretender plasmar el silencio mediante pintura paisajística tradicional (aunque con muchas trazas de impericia), no es un ejercicio de representación naturalista. Por eso, no será gratuito que las piedras estén pintadas a partir de una base magenta -color que no existe de forma natural ya que se desarrolló químicamente a finales del siglo XIX- ni la insistencia en horizontes planos, que podrían remitirnos,indistintamente, a un paisaje o a un bodegón, a un campo o a una mesa.

El resultado son cuadros huraños que se resisten a la compañía. El artista dice que sus cuadros son como los tejos que sueltan sus hojas tóxicas para impedir que nadie se acerque a ellos.

Se ha dicho que la obra de Antonio Ortega invoca la Lecture on Nothing [Conferencia sobre la nada] de John Cage, según lo cual, el nihilismo se vuelve positivo y en sus telas nada habla, ni figura ni color: nada. No estamos de acuerdo, ya que, en el ámbito de la pintura, podríamos decir que la responsabilidad de representar la nada le ha correspondido al monocromo blanco y, tenemos que convenir que los cuadros monocromàticos, desde su condición metaartística, se han inclinado hacia posicionamientos y afirmaciones categóricas mientras que Antonio, en sus lienzos, cuestiona la idea de representación de manera personal, mostrándola como la imposibilidad de explicarse mejor. Por ello, no es una pintura callada –la nada; es una pintura afónica.

Estar afónico implica emitir, con gran esfuerzo, un sonido tenue que, además, tiene codificados todos los matices del habla normal. De igual modo, los cuadros de Antonio Ortega no son la representación de la nada, sino el resultado de no poder explicarlo todo. Antonio Ortega nos remite a su último libro publicado La lección de Johanna van Gogh, con la intención de reformular la idea de interpretación. Persuadido de que la pintura sigue siendo depositaria de la capacidad de conmover, considera que la interpretación y, por extensión, el relato que soporta una obra, excede a la relación que se establece entre artista, obra y público, para sustanciarse a partir de una construcción coral, parcial y fragmentada en la que la emoción conduce a que dicho relato sea cómplice, radical o sensual. Así pues, es en ese marco en el que debemos entender la obsesión temática de Antonio Ortega, que él mismo describe como “intento fallido de glosar el concepto de demagogia” y en el que la demagogia se entiende como una figura retórica.