Arte & Mercato 2018

ARTE & Mercato ©

CATALOGO NAZIONALE NUOVE PROPOSTE

Quotazioni profili biografici, aggiornamenti del Mercato dell’Arte

2018

Prize of the Critics 2018

Andrea Musto “L’escluso” tecnica mista e acrilici, cm. 100x100

Andrea Musto rancesco rancesco F hetta Chetta

editore editore

Un caloroso ringraziamento: alle Gallerie, Critici, Collezionisti, nel segnalare gli Artisti presenti in catalogo In particolare ai tecnici grafici e a quanti altri hanno collaborato per la realizzazione di questa pregevole opera editoriale. l’editore Francesco Chetta

Si prega gentilmente a voler segnalare eventuali inesattezze inviando una mail a: artecollezionismo@gmail.com redazioneartivisive@gmail.com Effeci Edizioni d’Arte non si assume nessuna responsabilità dei dati riportati, e relative quotazioni in quanto quest’ultime sono fornite dagli stessi artisti L’Editore

ARTE&MERCATO

C ata l o g o N a z i o n a l e d ’ a r t e Contemporanea

Nuove proposte

Profili biografici, Quotazioni, e aggiornamenti del Mercato dell'arte

2018 A cura di Francesco Chetta

EDIZIONE

SPECIALE Arte GENOVA

2 0 18

Edizione aggiornata al 23 Gennaio 2018

ARTE&MERCATO

Nuove Proposte del Mercato dell’Arte Ideazione editoriale: Francesco Chetta editore Elaborazione fotografica, ricerche storiche, iconografiche, Effeci edizioni Testi biografici a cura Effeci edizioni Contributi Critici: Vittorio Sgarbi, Paolo Levi, Giorgio Segato, Francesco Chetta, Jean Charles Spinà, Gerard Argelier, Mariarosaria Belgiovine, Giorgio Falossi, Candice Zangh, Martha Gonzales, Agatha Monti, Christie Grizivatz, Terry Flower, .

Finito di stampare nel mese di Gennaio 2018 Per conto di Effeci Edizioni D’Arte.

Da C.C.I.A Registro imprese N° 213973/VI - Vicenza Le foto delle opere riprodotte in catalogo sono fornite dagli stessi autori, collezionisti, archivi, editori e relative Gallerie, ritenendo gli stessi i legittimi proprietari e garanti dell’autenticità e provenienza delle opere, dei testi critici, e relativi diritti delle foto pubblicate.

Effeci edizioni d’arte: Redazione Via Pietro Nenni, 59 26841 Casalpusterlengo (LO) P. Iva 06494940965 Iscrizione Camera Commercio Lodi N° 1464120 Mail: redazioneartivisive@libero.it www.mercatoarte.wix.com/shop www.artecollezionismo.com

Copyright 2018 by Effeci Edizioni D’Arte

ARTE & MERCATO 2018

© Copyright 2017/2018 by Effeci Edizioni D’Arte Pubblicazione editoriale (senza periodicità) Foto per gentile concessione Archivi fotografici degli Artisti presenti in Catalogo In I° di copertina “L'escluso” tecnica mista e acrilici su tela, cm. 100x100 VI° di copertina "Gold" tecnica mista e acrilici su tela, cm. 100x100, autore Sciarra - Andrea Musto

L’Editore si è curato della relativa autorizzazione degli aventi diritto. Nel caso in cui questi, siano stati irreperibili, si resta a disposizione per eventuali spettanze di legge.

© Copyright 2017/2018 È assolutamente vietata la riproduzione e la trasmissione con qualsiasi mezzo, anche parziale delle opere e relativi testi critici, senza la relativa autorizzazione scritta dell’editore, in base alla legge vigente dei diritti d’autore.

Arte & Mercato 2018 Pag. 4

SOMMARIO

Il Novecento

di Mariarosaria Belgiovine

pag. 7

Presentazione a cura di Oxana Albot

pag. 8

Amare l’Arte

pag. 9

di Francesco Chettta

Biografia dell’autore

Speciale Arte

pag. 9

Genova 2018

pag. 10

Prize of the Critics 2018 Gli Artisti premiati

Premiazione Arte Genova 16/19 febbraio 2018 Stand Effeci edizioni, Francesco Chetta editore

pag. 12

Brevi cenni al Mondo dell’arte note per il collezionista di Francesco Chettta

pag. 14

I GRANDI MAESTRI DEL 900

pag. 16

La Magia dell’Impressionismo

pag. 18

Artisti In Primo Piano

I silenzi introspettivi di Sciarra Andrea Musto

pag. 28

Indice Generale Artisti

pag. 192

Arte & Mercato 2018 Pag. 5

Arte & Mercato 2018 Pag. 6

“IL NOVECENTO” Questa antologia critica si prefigge lo scopo di illustrarne in sintesi il percorso storico iconografico di molti maestri del novecento.

Il grande Ugo Foscolo scriveva: “l’arte non consiste nel rappresentare solo cose nuove, bensì nella capacità di rappresentarle con novità…”

Molti artisti, hanno inconsapevolmente tratto spunto da questa filosofia, mostrando uno stretto legame nel voler rappresentare in ogni nuova forma, parte di loro stessi.

A volte esasperando la realtà, a volte semplicemente modificandola, altre mettendo in evidenza aspetti emotivi oppure poco poetici del mondo intorno a noi.

Ed ecco la grande capacità di ogni artista, mettersi in moto per raggiungere traguardi sempre più affermativi, sempre più consoni alle proprie personalità, nella funzione espressiva più adatta alla loro creatività. Arte & Mercato, in questa edizione, ha voluto dare notevole spazio alla creatività degli Artisti, senza sottovalutare l’importanza della storia dell’arte, firmata dai grandi nomi.

In questa edizione, si possono trovare informazioni dei grandi nomi dell’arte italiana.

Un impegno notevole dell’editore, e grazie alla sua ricerca iconografica, si è raggiunto questo traguardo, corredato da foto di opere d’arte che ormai fanno parte del nostro bagaglio culturale.

Arte & Mercato contiene anche approfondimenti culturali, testimonianze critiche e biografiche degli Artisti che hanno arricchito e potenziato d’arte il nostro 900.

Un annuario completo, che da sicuramente pregio agli artisti pubblicati.

Arte & Mercato ha una vasta diffusione, che raggiunge gli operatori del settore, Galleristi, Collezionisti, con la costante presenza in tutte le fiere d’arte contemporanea in Italia e all’estero.

In questo volume, sono pubblicate una serie di opere scelte con cura, per testimoniare la grande capacità di questi Artisti, che si lanciano fiduciosi verso i traguardi ambiti, con la consapevolezza di poter crescere e figurare, un prossimo domani, fra i Grandi Maestri dell’arte, fra coloro che hanno già lasciato un’impronta efficace della loro arte.

Mariarosaria Belgiovine

Presentazione L

’Annuario d’arte Moderna e Contemporanea ARTE& MERCATO è un prestigioso prodotto editoriale specializzato, stella nascente nel mondo dell’arte contemporanea, presente sul mercato del collezionismo, riportando le note biografiche di numerosi artisti emergenti, segnalandone la loro presenza.

La promozione e distribuzione, sarà curata attraverso l’impegno infaticabile dell’editore nel saper mirare e proporre una pubblicazione di prestigio, unica nel suo settore a galleristi, mercanti ed operatori nel corso dei tour espositivi nelle fiere d’arte.

Questa nuova edizione dell’annuario riporta oltre al classico e dovuta presenza dei nomi storici della storia dell’arte, punta essenzialmente nel dare spazio ai giovani artisti, promuovendo in particolare il lavoro di molti artisti emergenti, selezionati con cura, e di buon talento espressivo, che ritengo saranno i nuovi maestri del prossimo millenio.

Un Annuario professionale dunque, che rende omaggio all’arte italiana del 900 e agli artisti che hanno contribuito con il loro stile a storicizzarne movimenti e presenze della storia dell’arte Italiana nel mondo.

Un Annuario completo ricco di interesse critico iconografico, steso con un Layout, di facile consultazione tecnico/espressiva, contenuti critici - biografici, illustrano di ogni singolo artista, il suo percorso formativo ed espositivo.

Valorizzato inoltre dalla sua resa cromatica, pregevoli materiali e tecniche di stampa, che contribuiscono ad una maggiore profondità visiva delle opere pubblicate, dall’alto gradimento nella consultazione.

Ritengo l’Annuario Arte & Mercato, un catalogo completo, interessante e innovativo con illustrazioni di validi e promettenti artisti emergenti, ma sopratutto il buon livello selettivo dei nuovi autori oltre che naturalmente lo spazio promozionale di qualificate Gallerie, Case d’asta, Calendario Fiere e note di Antiquariato.

Il volume come noto, sarà distribuito in omaggio alle Gallerie più importanti Nazionali, e da me personalmente in Costa Azzurra, mia residenza principale.

Dott.ssa Storica d'Arte Oxana Albot

Arte & Mercato 2018 Pag. 8

“Amare l’arte”

a cura di Francesco Chetta

“Il fascino meraviglioso del pianeta Arte, attrae indissolubilmente il folto numero di collezionisti e cultori d’arte, operatori ed artisti. Il linguaggio espressivo-comunicativo delle varie correnti stilistiche, del percorso storico dell’arte, ci dona infinite emozioni, intimamente conservate nel profondo animo dell’artista.

Amare l’arte ci permette di condividere le stesse emozioni che l’artista a sua volta genera nelle sue opere. Scandagliando la silente interpretazione soggettiva-creativa dell’artista, possiamo percepire innumerevoli sensazioni diversamente assimilabili nel contesto della nostra quotidianità, e partecipare con immensa gioia alla sua meritata affermazione. Possiamo constatare come la ricerca stilistica di ogni artista, trova la giusta risonanza nel suo collezionista, che avendo assorbito pienamente i valori plastici del suo linguaggio, cerca in L’editore Francesco Chetta (Biennale di Venezia 2015) tutti modi di diventare proprietario dell’opera, anche ad elevati costi. E si spiegano cosi le ingenti somme versate per opere d’arte di grandi Maestri. Restando nella nostra dimensione, il paragone è assolutamente rapportabile ai nostri validi Artisti contemporanei, capaci di esprimere e donare emozioni sempre più grandi”. F. C. Biografia dell’editore Negli anni 80 lascia la sua attività nel campo cinematografo e televisivo svolto per Canale 5, e la Icet De Paolis, per dedicarsi con grande amore alla sua vera passione nel mondo dell’Arte.

Determinante per la sua scelta furono i consigli amichevoli dei suoi colleghi di lavoro: principalmente Raimondo Vianello, Franco Franchi e Mike Bongiorno, che conoscendo la sua passione per l’Arte e le sue doti creative incoraggiarono la sua scelta.

Le sue presenze a varie esposizioni e concorsi come Artista di buon Talento creativo, gli permettono di conoscere varie personalità legate al Mondo dell’Arte: Critici Galleristi ed Editori.

Nasce una grande amicizia con l’Editore e Storico d'arte, Dott. Giorgio Falossi, della casa editrice il Quadrato di Milano, che in quegli anni era tra le più quotate nel settore specializzato.

Dopo qualche anno inizia la collaborazione come consulente Artistico per la casa editrice Il Quadrato e per vari editori: Lalli editore Siena, Editrice Acca in Arte di Roma, e per alcune riviste d’arte quali Disegno e Pittura di Milano, Quadri e Sculture di Roma, I Quaderni dell’Arte di Siena.

Dalla collaborazione come consulente d’arte, parte la sua attività di Organizzatore di Mostre ed eventi d’arte. Numerose le manifestazioni che portano la sua firma: New Art Promotion, otto edizioni della manifestazione. La Vela d’oro, a Cesenatico, in collaborazione con il M° Raoul Casadei, Great Contemporary Painter a Rimini; Art Collection a Castrocaro; Premio Biscione Visconteo a Grazzano Visconti; tre edizioni di Art in the World a Sirmione; undici edizioni Expo Art Nice a Nizza; otto edizioni Salon d’Art Mediterraneé a Mandelieu La Napoule Cannes; tre edizioni Trofeo dei Dogi a Camogli; Arte nel Borgo a Grazzano Visconti; Arte in Riviera a Rimini, Riccione, Cesenatico; tre edizioni Gran Prix de l’Art Principato di Monaco; Premio Oscar per le Arti Visive a Montecarlo e a Salsomaggiore Terme; numerosissime altre manifestazioni, vari premi e concorsi a Portovenere, Rimini, Riccione, Cesenatico, Cervia, Sirmione, Grazzano Visconti, Viterbo.

Presenze in Costa Azzurra ed Europa con La Crist’ Art Kristie Grizivatz, con i Galleristi Michel Verdant della Galerie Victoria di Cannes, Beatrix Delvaux della Travel Gallery di Bruxelles, George Pali della Gr Gallery NY. USA, Isao Masaki di Tokio, Ocean Gallery , Kirkland Washington USA, Assorbendo l’influenza dei critici che frequenta, decide di approfondire gli studi come autodidatta, specializzando la sua cultura storico iconografica letterale dell’Arte Moderna e Contemporanea. Concentra la sua attenzione sui Maestri del 900, studiandone i profili stilistici storico biografici, in particolare l’opera del M° Walter Lazzaro che ebbe modo di conoscere intorno agli anni 70. La sua metafisica e spazialità, fu fonte di grande stimolo di ricerca artistica condotta come pittore. Tutto ciò gli ha permesso di ampliare la sua cultura come critico tecnico iconografico, affiancandola alla sua attività organizzativa.

Numerosi Artisti riportano note critiche da lui firmate.

La sua attuale professione come editore lo collocano tra i più qualificati prodotti dell’editoria specializzata. (Ndr) Arte & Mercato 2018 Pag. 9

© foto di Ale - Zena

Fiera di Genova

La Lanterna di Genova

La Fiera di Genova

Poco distante dal porto antico, rappresenta un perfetto coronamento dell’ideale itinerario artistico che il visitatore appassionato potrà scoprire nel capoluogo ligure e una risorsa fondamentale per il pubblico più accorto, in vista di un aggiornamento sulle ultime tendenze dell’Arte.

Arte & Mercato 2018 Pag. 10

Il Galeone Neptune “I Pirati” di Roman Polansky Porto Antico di Genova © photos by archivio effeci

Porto Antico di Genova - foto archivio effeci

SPECIALE

ARTe GENOVA

XIV° MOSTRA MERCATO D’ARTE MODERNA E CONTEMPORANEA

2018

Dal 16 al 19 Febbraio 2018 nel complesso fieristico della città di Genova si è svolta la XIV° edizione di Arte Genova, Mostra Mercato d’Arte Moderna e Contemporanea, organizzata da NEF, di Padova, che ha ben saputo qualificare la selezione espositiva.

Arte Genova 2018 ha mostrato ai visitatori il lavoro di oltre 500 artisti, presentati da una settantina di gallerie, e ben dodici case editrici Tra le gallerie presenti ad Arte Genova, il Top dell’arte contemporanea: la torinese Mazzoleni con opere di Afro, Pomodoro, Vedova, Fontana, De Chirico, Bonalumi e altri maestri del 900. Centro Steccata Parma, Rotta Farinelli Genova, Cinquantasei Bologna, Tornabuoni Firenze, De Nisi Caserta, Poleschi Milano, e numerose altre presenze, sempre di qualificato livello, non manca l’attenzione della stampa del settore con le primarie testate specializzate dell’editoria nazionale.

L’evento è stato patrocinato dal Comune di Genova è inaugurato Giovedì 15 Febbraio alla presenza di importanti autorità comunali, critici, collezionisti e operatori, oltre ai numerosi visitatori, riconfermando il ruolo di primario di Nef, guadagnato nello scenario fieristico del Nord Ovest italiano, specializzato nel settore dell’Arte.

Arte Genova 2018 ha riconfermato la sua valenza espositiva, dando linfa di ripresa e attendibilità al mercato dell’arte. (ndr)

Galleria Mazzoleni (To)

Nel corso di Arte Genova 2018 non è mancato, l'atteso appuntamento di Art Talent Show, VII° edizione della rassegna espositiva rivolta alla promozione di giovani e validi artisti emergenti.

© photos by Kanados archivio effeci

www.artegenova.com

Rabarama Vecchiato Galleries

Galleria Mazzoleni (To) Arte & Mercato 2018 Pag. 11

Prize of the Critics 2018

e h T

t s i t r A

V. PAVAN M. RONCELLI D. SAVOLDELLI Sciarra A. MUSTO G. ZIMMERMANN G. CHERCHI D. FABBRI A. MASERA M. MASOLI Dani D. TAGLIAPIETRA A. POZZETTI G. SALVATORE A. MIRABELLA P. CARAVIELLO M. LA NEVE U. PETTENE F. SANDRI A. Van der LEEUW Ninni A. PECORARO R. M. PROTOPAPA J. SOLER NAVARRO M. REYES L. MIETTI O. TOCCO R. VITALONI

Fiera di Genova

le opere ..... in particolare >> A. MALETTA C. FONTANA J. JAN J L. PACHE F. CASTALDI L. GENTILE S. MACCARI S. ELFVING D. D'ORAZIO J. VIRGONE R. D'AMBROSIO M. PARACCHINI D. PORCU S. PAGANO Victoria Gallery L. CHINATTI G. ROSSI E. LUCENTE E. RUBINI Galleria Casa d'aste M. LE THUY AI G. DOLLO ART CHANNEL TV M. FARISE' M. CASADEI E. BULLO M. PRAT R. BURATTI

Francesco Chetta editore Partnership e Media Partner

Galleria Arte Capital Brescia - Victoria Gallery Cannes

ARTE GENOVA - ARTE PADOVA - ARTE - ARTMONACO' Arte & Mercato 2018 Pag.BERGAMO 12

Arte & Mercato 2018 Pag. 13

Note di consultazione e simboli MI - Mercato Internazionale diffusione e collezionismo in particolare in europa e altri stati MN - Mercato Nazionale opere con diffusione e collezionismo prevalente in Italia MR - Mercato Regionale opere con diffusione e collezionismo prevalente nella regione di residenza dell’artista CA - Case d’Asta opere con particolare diffusione nei circuiti di vendita in Case d’asta B-Bv-Q.Qr-T- Tr-M- P presenza delle opere dell’artista: Biennali, Biennale di Venezia, Quadriennali, Quadriennale di Roma, Triennali, Musei, Pinacoteche.

Artista segnalato con menzione critica, nel corso dell’anno, dai collezionisti e amanti dell’arte, catalogati nel Volume: I Segnalati di Arte Collezionismo, pubblicazione annuale edita da effeci edizioni.

Nota Bene: le quotazioni riportate sono puramente indicative, e non impegnano l’editore, gli artisti e i galleristi.

Ogni opera ha il suo valore, determinato spesso da vari fonti, dalla misura, anno di esecuzione, presenza espositiva in qualificate rassegne quali Biennali, Triennali, esposizioni in Pinacoteche e Musei all’estero, opera proveniente da Fondazioni , Collezioni di grande pregio, Musei ecc.

Per una corretta valutazione e quotazione di un’opera, richiedere sempre e comunque l’assistenza peritale di un esperto qualificato in materia, che ne potrà valutare e documentarne eventualmente il valore.

L’ editore Francesco Chetta Le quotazioni riportate nel volume, sono da attribuire alle seguenti fonti: Quotazioni trasmesse dall’Artista (se non diversamente specificato) Quotazioni tratte da “Il Quadrato” anno 2003-2006-2007-2008 Quotazioni Galleria (trasmesse dalla galleria referente) Prezzi aggiudicazione avvenute in Case d’asta: Case d’asta Meeting Art, Finarte, Casa d’aste Fidesarte, Farsetti.

(Tratte da “Arte Moderna” Mondadori n°43/44/45/46 - 2008/2009/2010/2011)

Arte & Mercato 2018 Pag. 14

Il mercato dell’Arte a cura di Francesco Chetta Brevi cenni al Collezionismo Non è difficile accostarsi oggi, fiduciosi al mondo dell’arte e del collezionismo: tantissime sono le proposte promosse a cura dei centri culturali e degli operatori del settore. Inoltre, qualificate Fiere d’Arte contemporanea, contribuiscono in ambito sia nazionale che europeo alla diffusione e promozione, tramite Gallerie, di giovani artisti collateralmente alle presenza di “Grandi Firme”, non da meno l’acquisto tramite battute d’asta effettuate da parte di qualificate gallerie, non mancano le opportunità di fare buon investimenti. Importante è acquistare ciò che piace, opere che osservandole ci possano dare infinite emozioni: le stesse che l’autore dell’opera ha provata nel crearla. Non esistono parametri per definire il costo di un’opera d’arte, essa non ha prezzo!. Basti pensare le decine di migliaia di euro cui sono state aggiudicate in battute d’asta, i celebri tagli di Lucio Fontana, o una scultura di Giacometti, pur ritenedo quest’ultimi prezzi record. E’ possibile però acquistare opere di autori validi, pur restando in una fascia di prezzo decisamente più bassa. E’ facile dedurre che al collezionista si presentano varie possibilità di scelta, motivate anche dalla possibilità economica. Il principale scopo di questo catalogo, è quello di evidenziare gli artisti storici del 900, ma anche di segnalare e proporre nuovi e validi artisti che sicuramente negli anni avranno modo di farsi apprezzare, all’occhio attento del collezionista, e del mercante d’arte, non sfuggiranno le occasioni di investimento consultando questo catalogo, che raccoglie validi artisti emergenti, con diverse tecniche proposte in chiave originale. (F.C.) note per il collezionista Il mercato dell’arte offre ulteriori possibiltà a basso costo d’investimento con la cosidetta “Grafica d’autore” sia su carta che su tela, da con confondere le Serigrafie con le banali grafiche di stampa Offset: la serigrafia è una valida tecnica ad uso di molti artisti, consistente nel realizzare appositamente un opera, con vari passaggi di colore da 36 a e oltre, riprodotte in un numero limitato di esemplari, normalmente non più di 150/200 pezzi + 6/8 PA , prova d’autore, la tiratura è decisa dall’autore, e contrassegnate come di seguito, esempio: 12/150 cioè la dodicesima della tiratura effettiva più relative prove di stampa, naturalmente più e alto il numero delle prime, meno il valore di stampa e della grafica, per la scultura normalmente si realizzano i multipli max 6/8/10 pezzi dello stesso soggetto normalmente eseguiti in fusione di bronzo, e numerati.

In caso di acquisto di opere storiche, o di altri artisti contemporanei di un certo pregio, richiedere sempre un autentica con foto dell’opera, con firma dell’artista o della fondazione che ne cura personalmente l’archivio.

Ciò per garantirsi autenticità dell’opera, ma sopratutto ulteriori costi per richiedere successivamente l’autentica.

(F.C.)

Nota Bene: Ogni opera ha il suo valore, determinato spesso da vari fonti, dalla misura, anno di esecuzione, presenza espositiva in qualificate rassegne quali Biennali, Triennali, esposizioni in Pinacoteche e Musei all’estero, opera proveniente da Fondazioni , Collezioni di grande pregio, Musei ecc.

Per una corretta valutazione e quotazione di un’opera, richiedere sempre e comunque l’assistenza peritale di un esperto qualificato in materia, che ne potrà valutare e documentarne eventualmente il valore.

L’ editore Francesco Chetta

Arte & Mercato 2018 Pag. 15

I Grandi Maestri del 900

Filippo De Pisis “Parigi Torre Eiffel” 1929

Giovanni Boldini “Mademoiselle Lanthelme” pastello su tela, cm. 227x118 Galleria d’Arte Moderna, Roma Il 900 pittorico, ha evidenziato una grande evoluzione nel panorama pittorico europeo. Nel corso del secolo scorso molti stili e sperimentalismi si sono alternati, dando spazio a puri linguaggi epocali, con libere interpretazioni personali di ogni singolo artista, numerosi anche i movimenti che si sono succeduti.

La storia dell’arte del 900 ha evidenziato alcuni importanti movimenti con riferimento all’interpretazione artistica delle avanguardie, caratterizzati dalla rottura con il passato. Questo rinnovamento ha posto in prima linea le nuove ricerche creative artistiche, determinando un clima di innovazione e speriFederico Zandomenighi “Camille” 1913 mentazione continua. Con l’Espressionismo si apre agli inizi del 900 nella capitale francese, un folto panorama che seguirà il già noto mercato francese dell’impressionismo, seguirà a ruota il movimento “Surrealista” nel 1920 circa. Il rigenerare delle avanguardie storiche si allargherà in tutta l’Europa, e nel 1905, si costituìsce il gruppo dei pittori detti Fauves, primo movimento di ispirazione espressionista. Contemporaneamente l’Espressionismo si diffonde anche in Germania e nei paesi nordici. Nel 1907, Picasso e Braque, danno vita a Parigi il movimento del Cubismo, mentre il giovane De Chirico pone le basi della sua successiva Metafisica, a Parigi in occasione del suo soggiorno artistico. Sempre in quel fervido contesto rigenerativo, molti artisti italiani si trasferiscono a Parigi, per cercare la loro dimensione artistica, dove già risiedevano da anni nomi già noti quali, Boldini, De Nittis, De Pisis e Zandomenighi.

Arte & Mercato 2018 Pag. 16

Giuseppe De Nittis "Signora Napoletana"

Paul Cezanne "Il vaso bleu" 1889 Paris MusĂŠe d'Orsay (France

Pablo Picasso "Les Demoiselles di Avignone" 1907

Amedeo Modigliani “Portrait of Jeanne Hebuterne" 1918

Arte & Mercato 2018 Pag. 17

“La magia dell’Impressionismo” L'Impressionismo è una corrente artistica nata in Francia, a Parigi nella seconda metà dell'Ottocento, tra il 1860 e il 1870, fino ai primi del Novecento. Un movimento storicizzato in gran parte da parte con il contributo dei grandi pittori, che si identificano in questa corrente nella storia dell’arte moderna e contemporanea.

Gli impressionisti riuscirono a rivoluzionare la pittura, accorgendosi che l’occhio umano non riceve dalla realtà un’immagine dettagliata, ma un insieme di colori che poi la mente rielabora in forme distinte.

Tra i grandi pesonaggi storici si alterneranno, diverse visioni di interpretarne il paesaggio in plein air tra i quali: il grande Claude Monet, Edouard Manet, Edgard Degas, Camille Pissarrò, Mary Cassatt, Berthe Morisot, Vincent van Googh, Pierre August Renoir, Jean Frédéric Bazille, Eugène Boudin, Alfred Sisley, e un breve periodo di Paul Claude Monet “Impression soleil levant” olio su tela, cm.48x63 1872 Cézanne, sulla grande scia del movimen- Musée Marmottan Monet, Parigi to, si affiancheranno a questa corrente, anche alcuni italiani, come Giuseppe De Nittis, Filippo De Pisis, Federico Camille Zandomeneghi, Tranquillo Cremona, Giovanni Boldini, ed altre valenti firme.

Sintesi biografica: Claude Oscar Monet, nacque nel 1840 a Parigi in rue Laffitte, secondogenito di Claude Adolphe e di Louise Justine Aubrée, una giovane vedova al suo secondo matrimonio.

Nel 1845 i Monet si trasferirono a Sainte-Adresse, un sobborgo di Le Havre, dove il padre iniziò a gestire un negozio di drogheria e di forniture marittime insieme con il cognato Jacques Lecadre. A quindici anni l'adolescente Claude cominciò a disegnare a matita e a carboncino, e a vendere bonarie caricature di personaggi della città alla buona somma di una decina di franchi l'una, acquistando così una certa fama nella città insieme ad un modesto gruzzolo Dal 1856, nella scuola di Le Havre in cui era iscritto, Claude studiò, disegno con un vecchio allievo di David, Jacques François Ochard, e conobbe il pittore Eugène Boudin, il suo vero, primo maestro, che gli insegnò «come ogni cosa dipinta sul posto abbia sempre una forza, un potere, una vivacità di tocco che non si ritrovano più all'interno dello studio» indirizzandolo così alla pittura del paesaggio en plein air; con lui, quell'anno Monet espose a Rouen per la prima volta una sua tela, la Veduta di Rouelles.

Claude Monet “Ninfee” olio su tela, National Museum of Western Art Tokyo

Arte & Mercato 2018 Pag. 18

Claude Monet 1840 Parigi Francia - 1926 Ginervy Francia

Claude Monet “La passeggiata, donna con parasole� olio su tela, cm. 100x82 1875 National Gallery of Art Washington USA

Arte & Mercato 2018 Pag. 19

Pierre August Renoir 1841 Limoges Francia - 1919 Cagnes sur Mer - Francia

Pierre August Renoir “Ritratto di Irene Cahend’Aanvers olio su tela, cm. 65x54 1880 Collezione Bührle Zurigo Arte & Mercato 2018 Pag. 20

Pierre August Renoir “In-riva-al-mare”olio su tela, cm. 92x72 1883 The Metropolitan Museum of Art, New York

Pierre August Renoir “Rosa e Blu” olio su tela, cm. 119x74 1881 São Paulo Museum of Art, San Paolo del Brasile

Tranquillo da Cremona “Melodia” olio su tela. cm.115X129.

Pierre August Renoir “Sulla terrazza due sorelle” 1881 100,5×81 Art Istitute of Chicago

Arte & Mercato 2018 Pag. 21

Paul Cézanne

1841 Limoges Francia - 1919 Cagnes sur Mer - Francia

Paul Cézanne “La montagna di Saint Victorie” Olio su tela, cm. 68x81 1904-6

Sintesi biografica Paul Cézanne nasce nel 1839 ad Aix-enProvence (Francia) Cézanne alterna il suo lavoro tra Aix-en-Provencee Parigi, dove frequenta numerosi artisti, tra cui Pissarro, Renoir, Monet, Sisley e Bazille.

Il padre mercante di tessuti, lo vuole nella sua azienda, che presto lascierà non di suo gradimento, per dedicarsi all’arte.

In questo periodo infatti partecipa alla prima esposizione delle opere di questi pittori impressionisti, ma sul finire degli anni settanta Paul Cézanne si discosta dai suoi amici impressionisti, maturardo un nuovo stile pittorico attento alla struttura dello spazio e ai volumi degli oggetti e conserva la tecnica della pittura en-plein-air oltre alla ricerca della massima luminosità dei colori.

Il 1895 può essere considerato l'anno della riscossa. La mostra allestita da Vollard riscuote infatti un gran successo, soprattutto tra gli artisti d'avanguardia. Anche il collezionismo comincia a guardare con maggiore interesse le sue opere. Paul Cézanne muore ad Aix-en-Provence nel 1906

Collocazione: Museo Kunsthaus, Zurigo

Paul Gauguin Sintesi biografica Paul Gauguin è stato un pittore francese.

Formatosi, dalla metà degli anni ottanta del XIX secolo, nell’Impressionismo, si distaccò dall’espressione naturalistica accentuando progressivamente l’astrazione della visione pittorica, realizzata in forme piatte di colore puro e semplificate con la rinuncia alla prospettiva e agli effetti di luce e di ombra, secondo uno stile che fu chiamato sintetismo o cloisonnisme, al quale rimase sempre fedele pur sviluppandola durante tutta la sua piena maturità nelle isole dei mari del Sud-Ovest, quando egli si propose il tema di rappresentare artisticamente l’accordo armonico della vita umana con quella di tutte le forme naturali, secondo una concezione allora ritenuta tipica delle popolazioni primitive.

Nel 1886 partecipa all’ottava e ultima mostra degli impressionisti, esponendo diciotto dipinti: uno di questi, è le Mucche in un pantano, ora nella Galleria d’Arte Moderna di Milano.

1848 Parigi Francia - 1903 Hiva Oa - Atuona (Polinesia Francese)

Paul Gauguin “Due donne tahitiane” olio su tela, 1891

Arte & Mercato 2018 Pag. 22

Museo d’Orsay di Parigi

Vincent van Gogh Zundert (NL) 1853 – Auvers sur Oise (NL) 1890

Vincent van Gogh “Champ de blé au faucheur” olio su tela, cm. 74 X 92 - Saint Remì 1889 Van Gogh Museum Amsterdam Sintesi biografica Vincent Van Gogh considerato oggigiorno il genio della pittura, è stato un pittore olandese.

Autore di oltre 900 dipinti e più di mille disegni, senza contare i numerosi schizzi non portati a termine e tanti appunti destinati probabilmente all’imitazione di disegni artistici di provenienza giapponese. Tanto geniale quanto incompreso in vita, van Gogh influenzò profondamente l’arte del XX secolo. Dopo aver trascorso molti anni soffrendo di frequenti disturbi mentali, suicida all’età di 37 anni, dopo aver eseguito il suo ultimo e celebre dipinto “I corvi” In quell’epoca i suoi lavori non erano molto conosciuti né tantomeno apprezzati.

Van Gogh iniziò a disegnare da bambino, nonostante le continue pressioni del padre, pastore protestante che continuò ad impartirgli delle norme severe. Continuò comunque a disegnare finché non decise di diventare un pittore vero e proprio. Iniziò a dipingere tardi, all’età di ventisette anni, realizzando molte delle sue opere più note nel corso degli ultimi due anni di vita.

I suoi soggetti consistevano in autoritratti, paesaggi, nature morte di fiori, dipinti con cipressi, rappresentazione di campi di grano e girasoli. La sua formazione si deve all’esempio del realismo paesaggistico dei pittori di Barbizon e del messaggio etico e sociale di Jean-François Millet.

Van Gogh in età adulta lavorò per una ditta di mercanti d’arte, viaggiò tra L’Aia, Londra e Parigi. Per breve tempo si dedicò anche all’insegnamento; una delle sue aspirazioni iniziali fu quella di diventare un pastore e dal 1879 lavorò come missionario in una regione mineraria del Belgio, dove ritrasse persone della comunità locale. Nel 1885, dipinse la sua prima grande opera: I mangiatori di patate. La sua tavolozza, al momento costituita principalmente da cupi toni della terra, non mostra ancora nessun segno della colorazione viva che contraddistinguerà le sue successive opere. Nel marzo del 1886, si trasferì a Parigi dove scoprì gli impressionisti francesi. Più tardi, spostatosi nella Francia del sud, i suoi lavori furono influenzati dalla forte luce del sole che vi trovò.

Arte & Mercato 2018 Pag. 23

Giuseppe De Nittis 1846 Barletta Italia - 1884 Saint Germain-en Laye, Francia

Giuseppe De Nittis “Colazione in giardino” pastello su carta, cm. 22x32 1876 Coll. privata Palazzo della Marra Barletta

Giuseppe De Nittis “Passeggiata invernale”

Giuseppe De Nittis 1880 “Figura di donna” olio su tela, cm. 38x79 Pinacoteca Paklazzo Marra Barletta Giuseppe De Nittis “Nudo con calze rosse” Pastelli su carta cm. 80.6x99 1879 Arte & Mercato 2018 Pag. 24

Camille Pissarro 1830 Charlotte Amalie Saint Tomas (

Camille Pissarro “Portrait de Eugenie Estruc” pastello su carta, cm. 22x32 1876 Collezione privata

Isole Vergini americane) - 1903 Parigi Francia

Camille Pissarro “Portrait de petit fille ” Coll. privata

Edouard Manet 1832 - 1883 Parigi Francia

Èdouard Manet “La femme avec le parapluie”

Èdouard Manet “La femme blonde” Arte & Mercato 2018 Pag. 25

Frederic Camille Zandomenichi 1841 Venezia - 1917 Parigi - Francia

Sintesi biografica Frederic Camille Zandomenichi, pittore impressionista italiano, vissuto in francia.

Nel 1862 da Venezia, si trasferì a Firenze dove rimase quasi cinque anni, entrando in contatto con i Macchiaioli, con i più famosi Signorini, Fattori, Lega come con i meno noti Banti, Borrani e Cabianca. Il gruppo di artisti che si riuniva presso il Caffè Michelangiolo influenzò profondamente il giovane veneziano, che dimostrò tuttavia sin dall’inizio una forte personalità e uno stile individuale. Nel 1866 combatté di nuovo con Garibaldi per la terza guerra d’indipendenza.

Tra il 1866 e il 1874 viaggiò tra Firenze, Venezia e Roma.

Le opere di questo periodo risentono dell’intonazione realistica toscana, fondendo la tecnica della macchia con il senso cromatico veneto. In questi anni la critica nazionale cominciò ad accorgersi di lui: è il 1871 quando Pompeo Molmenti scrive per L’arte in Italia un articolo in cui elogia tre giovani pittori veneziani di talento: Guglielmo Ciardi, Alessandro Zezzos e Federico Zandomeneghi. Di quest’ultimo, cui si rimprovera un eccessivo gusto per le novità, viene apprezzata in particolare la spiccata individualità artistica, «una balda sicurezza che viene suggerita da una ferma convinzione in certi principi», nonché una certa aderenza ad una pittura realista, atta a riprodurre la vita quotidiana.

Dal 1874 si trasferisce definitivamente a Parigi, fino alla sua morte avvenuta nel 1917.

Federico Camille Zandomeneghi - Pastello su carta, 1913

Edgar Degas 1834 - 1917 Parigi - Francia

Sintesi biografica Edgar Degas, è stato un pittore e scultore francese.La maggior parte delle opere di Degas possono essere attribuite al grande movimento dell'Impressionismo, nato in Francia negli anni sessanta del diciannovesimo secolo in reazione alla pittura accademica dell'epoca. Degas nacque nel luglio del 1834, da Auguste Degas, un importante direttore di una filiale francese di una banca che il nonno aveva fondato in Italia, e da Célestine Musson, di origine francese e poi stabilitosi con la famiglia negli Stati Uniti.

Dopo la morte prematura della madre, Degas frequenta la facoltà di giurisprudenza della Sorbona he abbandonerà presto.

Seguirà la strada della pittura, divenendo allievo del maestro Louis Lamothe dedicando la sua vita, completamente alla pittura, sua unica e grande passione.

Edgar Degas “Ballerine” Pastello cm. 75x73 (1884 - 1885) © Musée d’Orsay, Grand Palais / Patrice Schmidt, N° inventario RF 51757 Arte & Mercato 2018 Pag. 26

Tranquillo Cremona

1837 Pavia - 1878 Milano

Sintesi biografica Nato in una famiglia di origini ebraiche, Tranquillo Cremona, fratello del matematico Luigi Cremona, compie gli studi superiori al liceo classico Ugo Foscolo di Pavia. Fu l’iniziatore della scapigliatura in pittura, pur partendo da modi alla Hayez, ma con maggior gusto cromatico di ascendenza veneta, a Venezia il giovane pittore soggiornò tra il 1852 ed il 1859, dove vi frequentò l’accademia. Successivamente il linguaggio dell’artista si rivolse alla ricerca di effetti vaporosi e morbidi, ottenuti con il prevalere dello sfumato sul contorno, in obbedienza alla teoria dell’indefinita suggestione musicale a cui tendono tutte le arti, di cui Giuseppe Rovani si era fatto sostenitore nel libro ‘Le tre arti’ 1874. Tranquillo Cremona morì la mattina del 10 giugno 1878 a Milano, a soli 41 anni, la causa della morte fu avvelenamento da contatto con coloranti tossici: per comodità di confronto egli infatti si sporcava le mani di colore ma il piombo delle biacche, infiltrandosi nel sangue, finì per causargli la paralisi degli intestini. Aveva da poco finito di dipingere la sua opera più famosa, “Edera”.

Tranquillo Cremona “La melodia”1874 cm. 115,5x129 Collezione Rossello Milano - Musei Civici di Pavia

Alfred Sisley

1839 Parigi Francia - 1899 Moret sur Loing - Francia

Alfred Sisley “View of Canal Saint-Martin” olio su tela, cm. 50x65 1870 Musée d’Orsay, Paris

Arte & Mercato 2018 Pag. 27

Sintesi biografica Alfred Sisley nacque a Parigi da genitori inglesi della buona borghesia britannica. Suo padre, William Sisley, dirigeva una Ditta di esportazione di fiori artificiali e commerciava con il Sud-America. Sua madre, Felicia Sell, si interessava più che altro di musica e della vita di società. Quando il giovane Alfred compì 18 anni i genitori, come era normale, lo mandarono a studiare a Londra per indirizzarlo alla carriera commerciale. Durante questi anni di studio (1857-1861) Alfred passò assai più tempo a visitare musei che ad applicarsi alla sua formazione di futuro uomo d’affari, ammirando particolarmente le opere di John Constable e di William Turner.

Tornò in Francia nel 1861 e i genitori gli concessero di abbandonare il mondo del commercio per dedicarsi all’arte.

Alfred entrò allora nell’atelier di Charles Gleyre, dove venne iniziato alla pratica del disegno e dove conobbe Renoir, Monet e Frédéric Bazille, divenendo grandi amici.

I silenzi introspettivi di Sciarra “Nelle opere di Andrea Musto, meglio conosciuto nel panorama artistico, con il nome di Sciarra, si avverte quel silente messaggio derivante dall’esplicito linguaggio surreale che contornano le sue opere.

Una purezza formale, nettamente scandita, e presente nella composizione, con grande estro creativo.

Un linguaggio Magico - Surreale dunque, quello del nostro bravo artista Sciarra, condotto con profondo amore verso la sua arte, con note di profonda introspezione, un messaggio in tema di mediaticità, quasi un monito di diniego rivolto ai numerosi problemi che affligono la nostra società odierna, ma nel contesto compositivo, reso visivamente con valida composizione formale, ciò è dovuto, dalla singolare espressione e utilizzo finale della materia da lui saggiamente utilizzata, che ne genera forza, e struttura alla ritmica visiva dell’opera.”

Francesco Chetta .

Sciarra “Gold” tecnica mista e acrilici su tela, cm. 100x100 Arte & Mercato 2018 Pag. 28

Sciarra “L'escluso” tecnica mista e acrilici, cm. 100x100

Arte & Mercato 2018 Pag. 29

Arte & Mercato 2018 Pag. 30

Sciarra “Verità nascoste II” tecnica mista su tela, cm. 50x150

Arte & Mercato 2018 Pag. 31

Sciarra “Verità nascoste I” tecnica mista su tela, cm. 70x150

Arte & Mercato 2018 Pag. 32

Sciarra “La linfa” acrilici su tela, cm. 50x150

Arte & Mercato 2018 Pag. 33

Sciarra “Spirito veneziano� tecnica mista e acrilici su tela, cm. 50x150

Arte & Mercato 2018 Pag. 34

Sciarra “Stupore” acrilici su tela, cm. 50x150

Arte & Mercato 2018 Pag. 35

Sciarra “La strage� tecnica mista e acrilici su tela, cm. 50x150 1992

VESNA PAVAN

VESNA PAVAN “The Cathedral” tecnica mista - moving color, cm. 40x50

& Mercato 2018 36 Pag. 36 Arte &Arte Mercato 2018 Pag.

VESNA PAVAN “Gaia” tecnica mista moving color, cm. 40x50

www.vesnapavan.com Arte & Mercato 2018 Pag. 37 Arte & Mercato 2018 Pag. 37

Vesna Pavan

Prize of the Critics 2018

Biografia Pittrice e art designer di origine friulana, nel corso degli anni Vesna Pavan è diventata milanese d’adozione. Milano è la metropoli in cui il suo fermento artistico cresce a dismisura. Il complesso percorso formativo di Vesna Pavan può essere compendiato come segue.

Ha frequentato la Scuola d’Arte Mosaico a Spilimbergo in seguito ha approfondito gli studi nell’ambito della Gestalt con una riflessione sul lavoro interiore. Vesna è, quindi, cresciuta attraverso gli studi artistici, Teatrali, psicologici, di Breathwork, di cromoterapia e non è tutto. Per diversi anni è stata l’assistente di studio del fotografo Emanuel Van Holsten così da sviluppare l’amore e la conoscenza per l’arte fotografica.Tutti questi interessi, nel tempo, le hanno permesso di vedere, scoprire e comprendere le varie sfaccettature dell’essere umano ed il senso profondo dell’espressività femminile.Ogni suo studio è sempre accompagnato dall’esperienza in prima persona. La sua arte è frutto parallelo delle sue esperienze, così afferma: “Io sono la mia arte e la mia arte mi rappresenta”.

Al 1992 risale l’esordio artistico di Vesna Pavan, a cui sono seguite numerose mostre nazionali ed internazionali, per citarne alcune: Milano, Roma, Firenze, Pisa, Venezia, Genova, Taormina, Palermo, Londra, Parigi, Cannes Praga, Amsterdam, Innsbruck, Mia- Vesna Pavan “Black Passion” Serie Skin - moving color, cm. 50x50 2017 (particolare) mi……

Vensna Pavan, è fondatrice del cromatismo pavaniano.

Numerosi i riconoscimenti assegnatoli nel corso della sua carriera, nel 2009 in particolare i Premi: Premio Artista dell’anno a Cesenatico, Premio Artiste de Montmartre, a Mandelieu Cannes, Premio Grandi firme dell’arte contemporanea, 1°premio” Art designe “New figuration” e tanti altri. Le sue personali riscuotono sempre un grande consenso da parte della criitica specializzata, e dai visitatori.

Personale Galleria Le Patio e alla fiera Vernice Art Fair di Forli, Galleria Colorida, Arte e Emaçào (Arte ed Emozione), Lisbona (Portogallo) Museo della Triennale, libreria Skirà, Milano, Libreria Rizzoli, galleria Vittorio Emanuele II, Milano, 55° salone internazionale Belle Arti, Palazzo dei Congressi Berziers (Francia) Salone Internazionale Di Cannes, Galleria Bosco, Carrousel du Louvre, Parigi, Galleria Spazio Museale Sabrina Falzone, Il potere dell’Immaginazione, Milano Espace Encan, Biennale Internazionale Arts Atlantic La Rochelle ( Francia), Salone d’arte contemporanea Arte Capri 2012, I Linguaggi dell’Arte 2012, Arte Padova 2012, Biennale di Palermo 2013, Art Innsbruk 2013, Art Monacò 2015, Mostra personale 2017 Spazio Milano Le sue opere sono presenti in numerose pubblicazioni e magazine, oltre che presenti nelle principali Fiere d'arte contemporanea.

Alcuni Premi e riconoscimenti ricevuti: Premio La Palma d’oro per l’arte 2010, Mandelieu La Napoule Cannes, Gran Galà dell’arte 2010 Portovenere, Maestri dell’arte, Cesenatico 2011, Leone d’oro 2011 Da segnalare il conferimento dell’ambiti premi: Leone d’oro per l’arte 2011, assegnato a Sirmione, all’opera: “Paris” Premio Biennale Trofeo Arte Collezionismo 2011 (1° premio), Premio delle Arti / Premio della Cultura XX° edizione, Design a Milano. Premio Internazionale di Design e Premio della Critica, Galleria Eustachi Milano. ...I lavori Skin sono la messa in scena del corpo umano come materia liquida, alla stregua delle sperimentazioni pittoriche adoperate dalle avanguardie degli anni Cinquanta, da Burri a Pollock, con quel coté più pop, di stampo americano, di Claes Oldenburg o Robert Rauschenberg. La pittura è pelle che si decompone e che, così decontestualizzata, perde il suo legame con la rappresentazione tout court, per assurgere a simbolo. La pelle – gialla, rossa, nera, bianca – è metafora della maschera dell'abito, dell'apparenza che ricopre e cela il contenuto. È contenitore estetico ed estetizzante... (Luca Beatrice)

Arte & Mercato 2018 Pag. 38

“L’artista Vesna Pavan, creatrice di cromatiche visioni, oltrepassa la soglia dei contenuti plastici della “Pop Art americana”.

Un Avanguardia pittorica dunque quella di Pavan, il "Cromatismo pavaniano), che ci seduce con intima meditazione delle sue cromatiche ”performance”.

Le sue superlative creazioni, porgono particolare attenzione alla dolce femminilità: attraenti modelle ben raffigurate con valida sintesi espressiva, elaborate dalla sua unica e ineguagliabile fantasia creativa, difficilmente riscontrabile nel contemporaneo.

Vesna Pavan è un artista dotata di abile sintesi compositiva e rapidità d’azione nel segno, elementi questi che denotano professionalità nell’eseguire la plasticità formale dell’opera.

Tecnicamente valido l’uso della materia, equilibrato e pulito senza estremismi ed eccessi di astrazione.

Francesco Chetta

Vesna Pavan “Little Passion" Serie Skin, moving color, cm. 50x50 2017 Quotazioni: cm. 50 x 70 € . 2.900 / 4.900 cm. 70 x 100 da 3.900 a € 9.500 Grafiche retouchè € 550 (multipli) Grafica € 1.600 (pezzi unici) *Mercato europeo Contatti: Mail - vesna4art@yahoo.it

www.vesnapavan.net

Premio Grandi firme dell’arte contemporanea, 1°premio” Art designe “New figuration” effeci edizioni Premio Trofeo Arte collezionismo 2010 Medaglia al Merito Città del Vaticano per meriti artistici e culturali nel mondo, 2010 1° Premio Prize of the Critics 2018 1° Premio ModernArt 2008, per la Grafica.

1° Premio di Pittura, per meriti speciali, con iscrizione sul Libro D’Oro, 1° Premio Alessandriarte, per le arti figurative.

1° Premio Città di Alessandria, per il contributo dato all’arte ed alla cultura.

1° Premio della Critica, Acc. S. Sara Sez. Arti Figurative.

1° Premio assoluto “ Trionfo di Venere 2009” Riceve la Nomina Ufficiale di Maestra D’Arte H.C. dal consiglio direttivo dell’Istituto Artistico e Culturale S. Sara.

Titolo Accademico d’onore al merito, sezione design e pittura 2008 Vincitrice del premio internazionale Michelangelo Buonarroti 2008 Vincitrice del premio Human Rights 2008 Arte & Mercato 2018 Pag. 39

Domenico Savoldelli

Clusone (BG) 1952

Prize of the Critics 2018

Biografia: Domenico Savoldelli è nato a Clusone (BG) nel 1952, vive e lavora a Milano.

Savoldelli con le sue opere, rappresenta la creatività e artigianalità spiccatamente italiane mescolate con maestria all’approccio anglosassone della gestione dei processi e delle lavorazioni.

Le sue opere sono curate fino all’ultimo dettaglio con particolare attenzione all’unicità e originalità.

Oltre la realizzazione di opere esclusive, Savoldelli collabora con architetti e aziende partner per lo studio di soluzioni personalizzate realizzando finiture e utilizzando materiali esclusivamente Made in Italy.

Questo aspetto è molto apprezzato anche all’estero, in modo particolare in Russia e negli Emirati Arabi dove uno stile classico e tradizionalista si sta orientando sempre più verso progetti moderni senza rinunciare alla preziosa artigianalità italiana.

Prize of the Critics 2018 Menzione critica

“Innovazione e ricerca, sono le basi salienti, che il nostro artista Savoldelli, ha condotto con meticolosa cura, nella sua costante ricerca.

Le sue opere sono frutto di attenta e meticolosa realizzazione, che rappresentano il suo ancestrale mondo pittorico, descritto dal suo ineguagliabile linguaggio artistico, quale protagonista di una ricercata consapevolezza nel saper tradurre attraverso sgargianti forme creative, tralasciandone i particolari, ma essenzialmente, enfatizzarne la viDomenico Savoldelli “Ragazza con le ali” foglia oro e argento, cm. 65x54 sione finale dell’opera.

Un connubbio compositivo, focalizzato essenzialmente da caleidoscopici tasselli di brillante materia, che degnamente esorcizzano le cromie formali, ricche di intarsi luminosi, e accostamenti di nobile materia; la foglia oro e d’argento, presente inequivocabilmente in tutte le sue opere.

Una giusta sintesi espressiva quella del maestro Savoldelli, che ci trasmette, gioia e energia comunicativa, con sconfinate note di percepibile armonia delle cromie tonali, dandoci l’impressione che i soggetti raffigurati, si muovino al nostro sguardo.

Il tutto con eleganza tonale e sensibilità di vero artista. Francesco Chetta

*Quotazioni e prezzi: *La stima delle sue opere, si orienta tra €700/900/1500, per piccole opere e bassorilievi € 3.500/5.000, e oltre i 10.000 euro, per particolari opere, sia per l’utilizzo della materia prima, la foglia oro in 24 carati,é preferibile il contatto diretto con l’artista.

Domenico Savoldelli “Danza e musica” foglia oro e argento, trittico cm. 160x120

Arte & Mercato 2018 Pag. 40

Opere artistiche realizzate con foglia d’oro e argento di vari soggetti come ritratti, animali, paesaggi e scene di vita in generale.

La particolarità di queste opere è che il colore è ottenuto quasi esclusivamente con l’applicazione di foglia d’oro e argento e con il disegno risaltato a inchiostro di china. La conoscenza pluridecennale di questi materiali pregiati ci permette di ottenere ricche variazioni di colori grazie anche all’uso di effetti variegati ed altri effetti speciali.

Recentemente a gennaio 2016 la commissione critica di Artexpò Gallery, assegna per meriti professionali e continua ricerca, l’ambito Premio Biennale, Leonardo da Vinci a Cesenatico.

Artista segnalato dalla Casa editrice effeci, per l’innovativo linguaggio artistico, condotto con estrema passione per la sua attività, e in particolare per le sue uniche opere d’arte, realizzate con particolare attenzione ai particolari compositivi. (Ndr)

Domenico Savoldelli “Inverno” foglia oro e argento, cm. 65x54

“Il nostro artista Domenico Savoldelli, impavido condottiero e ricercatore di nobili visioni, ci trasporta attraverso la lettura delle sue performanti opere d’arte, in un ineguagliabile introspezione di innovativi linguaggi artistici.

Una ricerca quella di Domenico Savoldelli, condotta con particolare riguardo al Design, attività svolta con la sua professione per lunghi anni, al fianco di grandi nomi della moda e del design.

Domenico Savoldelli ha saputo ben tradurre attraverso il suo personale linguaggio artistico, lucenti e nobili forme creative, donandoci attraverso la singolare contemplazione meditativa, una ricca visione finale dell’opera coposta.

Nelle sue possiamo notare singolari inserti materici, che donano all’opera osservata, una calda visione della composizione realizzata, quale dettaglio espressivo tra giusta sintesi di cromie formali, e messaggio trasmesso, donando all’opera stessa, luminescenti messaggi emozionali.

In particolare il nostro bravo maestro Savoldelli, dedica molta attenzione all’uso della materia, utilizzando esclusivamente, solo foglia oro e d’argento pura, che a loro volta, impreziosiscono ancor più la visione dell’opera stessa. Flowerterry Tedeschi Intervista al Salotto dell’Arte a cura di Francesco Chetta - Arte Fiera Parma 2017

Domenico Savoldelli “Milano - Il Duomo” foglia oro e argento, cm. 65x54 Arte & Mercato 2018 Pag. 41

“La visione creativa delle sue opere, sottolinea un perfetto connubio fra colore e materia, con suggerimenti visivi altamente percettivi.

La sua creatività valorizza la scelta tecnica e sviluppa il suo rapporto con la realtà, nella conduzione di una dinamica espressività.”

Mariarosaria Belgiovine (Opera Premiata: Spaventapasseri, Premio Biennale Leonardo da Vinci 2017 Cesenatico)

Domenico Savoldelli “Maschere” foglia oro e argento, cm. 65x54

Studio: Via Belluno, 6 20030 Senago (MI) Contatti: Tel. + 39 02 990 56 096 Cell. +39 335216423 info@savoldellimilano.com Professional Website www.savoldellimilano.com

Domenico Savoldelli “Lo Spazzacamino” foglia oro e argento, cm. 65x54 Arte & Mercato 2018 Pag. 42

Domenico Savoldelli “Danza e musica� foglia oro e argento, cm. 80x120 (particolare , opera centrale) Arte & Mercato 2018 Pag. 43

Mirko Roncelli

Prize of the Critics 2018

Bergamo 1957

Biografia Mirko Roncelli è nato a Bergamo nel 1957 e vive a Villa d’Almè (Bergamo). Ha conseguito il diploma di Laurea in “Stylist Engineer” presso l’Università dell’Automobile di Modena e la Laurea in Architettura al Politecnico di Milano. Esercita la libera professione come Architetto, spaziando dall’edilizia privata alla progettazione di opere pubbliche, all’arredamento di interni ed al design (www.mirkoroncelliarchitetto.it).

Ha insegnato in scuole pubbliche e private in materie tecniche e Artistiche. La sua pittura è carica di emotività e sensazioni molto profonde; i colori si trasformano in emozioni e sentimenti, stati d’animo che si penetrano e ci suggestionano attraverso cromatismi a volte esasperati. Leggere un’opera del Roncelli è come leggere una poesia e proprio in questo senso bisogna accostarsi all’arte di questo artista così ben apprezzato dalla critica e dal pubblico più attento. Sue opere sono presenti in numerose collezioni private e di Enti Pubblici in Italia e all’estero. Ha partecipato a numerosi concorsi, mostre personali e collettive, nazionali ed estere, ottenendo ottimi successi di critica e di pubblico. Tra queste: Bergamo, Salsomaggiore, Padova, Rimini, S. Margherita Ligure, Firenze, Brescia, Parma, Busto Arsizio, Milano, Varese, Vicenza, Calabria, Sicilia, Milano, Ferrara, Treviso, Modena, Venezia, Torino, Budapest, Stoccolma, New York, Montecarlo, Nizza, Cannes, Torino, Palermo, Tenerife, Playa de las Americas, Lanzarote, Tokio, Japan, Noumea - Nuova Caledonia. L’Artista è molto apprezzato in Francia, in particolare sulla Costa Azzurra dove ha ottenuto numerosi Premi e attestazioni.

Mirko Roncelli “Appunti di una vita” acrilici su tela, cm. 120x120 2016

Molte sue opere fanno parte di importanti collezioni in Italia e all’estero.

Quotazioni e prezzi medi: Tecnica mista con acrilici su tela e altri supporti cm. 30x30 € 900 cm. 40x40 € 1.200 cm. 70x70 € 2.100 cm. 100x100 € 3.000 cm. 120x80 € 3.000 cm. 100x80 € 2.700 *prezzi che possono discostarsi, notevolmente, in ragione di particolarità dell’opera.

Mirko Roncelli “Forse” acrilici su tela, cm.40x40 2017

"Una città che dorme" acrilici su tavola, cm. 40x40 2014

Studio Via Mazzini, 23 24018 Villa d’Almè (Bg) Tel. 035 544685 www.mirkoroncelli.it mail: info@mirkoroncelli.it Arte & Mercato 2018 Pag. 44

Mirko Roncelli “Pochi appunti” acrilici su tela, cm. 150x150 2017

Prize of the Critics 2018

Nelle opere di Mirko Roncelli, ogni forma rievoca reconditi silenzi del passato, frammenti di vita che attraversano gli spazi della memoria, di un diario rivelato con intima gestualità attraverso una dottrina personale adagiata sulla tela, percepibile con grande armonia, sia nella forza degli elementi costruttivi del piano dell’opera, che nella spazialità dell’armonia tonale, il tutto con eleganza tonale e sensibilità di vero artista. Jean Charles Spinà Critici: Martha Gonzales, Candice Zhang Art, Federica Pasini, Gerard Argelier, Mariarosaria Belgiovine, Maurizio Gnali, Jean Charles Spinà, Lia Ciatto, Beatrice Olivieri, E. Moro, Francesco Chetta, Paolo A. Di Martino, Lino Lazzari, Cesare Morali, Michel Verdant, Giorgio Barberis, Lucia Bonacini, Elena Cicchetti, Letizia Lanzarotti, Paola Simona Tesio, e molti altri critici.

Fiere 2015/2016 Art Monacò, Arte Innsbruck, PaviArt, Immagina, Contemporanea, Arte Padova, Arte Bergamo, Arte Genova, Arte Cremona, Arte Padova 2013, Arte Bergamo 2013-2014, Arte Cremona 2014, Arte Parma 2014, Contemporanea 2014, Vernice Art Fair Forli 2013- 2014-2015, Vintage Reggio Emilia 2013, Arte Piacenza 2016, Contemporanea Forlì 2016, Arte Cremona 2016, personale Arte Genova 2017, Arte Forli Cesena 2017, Arte Padova 2017, Arte Bergamo 2016, 2018, Nel corso di Arte Padova 2017, presentazione della rivista, Azur Magazine Official cover Mirko Roncelli

Arte & Mercato 2018 Pag. 45

Mirko Roncelli “Un attimo, una vita” acrilici su tela, cm. 40x40 2015

Alcune delle numerose rassegne e premi ricevuti: Premio Mercurio d’Oro per l’arte, per le sue qualita professionali nel mondo dell’arte - Cesenatico 7 gennaio 2012, Leone d’oro per l’arte 2011, assegnato a Sirmione: opera premiata: “Io non ci sarò”, Premio Oscar dell’arte assegnato nel Principato di Monaco, Montecarlo 2011. Premio Internazionale Tokio 2011 - Premio della Critica ed esposizione a Parigi, Mostra collettiva Avenue Van Gogh - Saint Maries de La Mer - Camargue (Francia), Mostra Collettiva Galleria Thuillier Parigi, Scintille d’Arte Portovenere (Sp), 1° Premio letterario e d’Arte “Vibrazioni dell’anima” (Fi), “L’Arte in passerella” - Villa Malfitano Whitaker - (Pa), Rassegna d’Arte nazionale nella Chiesa di San Rocco a La Morra (Cn), Mostra collettiva “Natale in Arte” - New Artemisia Gallery (Bg), Premio “Mercurio d’oro per l’Arte” - 2012, I° Biennale d’arte Monaco, Il Silenzio del Mare Vieste, Trofeo Isola di Wight - Arte e Musica 2013 Milano, Premio Leone dei Dogi Venezia 2013, Trofeo Galleria Italia - Art Museum Venezia 2013, Trofeo Artista dell’anno 2013 Cesenatico, Premio Biennale per le arti visive 2014 Trofeo Artista dell’anno 2013 Cesenatico, Premio Biennale per le arti visive 2014, Premio Oscar dell’arte 2015, con premiazione svoltasi all’Hotel de Paris a Montecarlo Principato di Monaco, Grand Prix de la Cote d’Azur “La Palma d’oro per l’arte 2016 a Cannes, Premio Leone dei Dogi Venezia 2017, con esposizione dele sue opere nella Rassegna in contemporanea alla 57. Esposizione Internazionale d’arte La Biennale di Venezia, Premio Biennale Art French Riviera Cannes 2017, Premio Oscar per l’arte 2017, Principato di Monaco Montecarlo, Prize of the Critics 2018, nel 2018 ha tenuto una mostra alla Base Gallery di Londra, e una mini personale alla Fiera di Arte Bergamo, artista conosciuto da numerosi anni, oltre a numerosi altri premi e manifestazioni, *Artista Segnalato dai critici di Arte Collezionismo 2012, 2013, 2014, 2015, 2016, 2017

Mirko Roncelli “Un po di me” acrilici su tela, cm.100x100 2017 (Collezione privata)

Mirko Roncelli “Pensieri” acrilici su tela, cm. 80x60 2013

Arte & Mercato 2018 Pag. 46

Scrivono di lui:

“Roncelli ci trasporta in una silente dimensione dove la metafisica visione personale, trova infinite vie di lettura delle sue composizioni informali. Un arte espressa oggettivamente con sicura determinazione, e ben interpretata, abilmente scandita dalla sua elegante gestualità sobria di minimalismi avanguardisti.”

Maurizio Gnali “Je suis très heureux de votre exposition, une bonne recherche avec beaucoup de travail, pour cette ouvre que sont l’expression de votre anime. Je espère de vous rencontre à la prochain manifestation en Italie et en France, pour regardè votre nouvelle travaille. Avec mes felicitation” Gerard Argelier Essenziali atmosfere tonali, vibrano con il suggerimento delle frasi informali. Una serie di opere dove il colore da’ forma ai suoi gesti evocativi, dal suggestivo effetto nei contrasti cromatici.

Jean Charles Spina

Mirko Roncelli “Anime vaganti” acrilici su tela, cm. 100x100 2017 “Capacità di esaminare ed esternare i propri sentimenti con la gestualità cromatica sobria, che cattura ogni percezione emotiva della realtà che lo circonda. Le sue opere sono testimonianza di ricordi, di emozioni e sensazioni vissute e filtrate da messaggi intimi, dal linguaggio pittorico essenziale e personale. Mirko Roncelli delinea la descrizione dei suoi ricordi con vibranti spazi geometrici, dinamizzando gli accostamenti con strutture che valorizzano stati esistenziali del suo mondo creativo. “ Mariarosaria Belgiovine “L’intima visione che rinscontro nelle opere di Roncelli, è scansita dalla profonda ricerca condotta con profonda passione per l’arte. Mirko Roncelli, evidenzia essenzialmente la purezza della materia; una monocromaticità essenziale e abilmente adagiata sulla tela, che gli permette di rappresentare un’astrazione informale dei campi espressivi della composizione. Un’accurata ricerca stilistica, che tende al raggiungimento dell’isolamento cromatico. La gestualità artistica di Roncelli, è all’insegna della libertà e linearità, un’eleganza tonale di volumetrie ben rappresentate, equilibrate sia nel segno che nella quinta prospettica della composizione. Roncelli conduce la sua espressione stilistica, seguendo un percorso personale, collocandolo allo stesso tempo, ai vertici delle Avanguardie Storiche e dell’Astrattismo.” Lorenzo Piemonti

Mirko Roncelli “Senza un perchè” acrilici su tavola, cm. 30x30 2017

Arte & Mercato 2018 Pag. 47

Mirko Roncelli

Mirko Roncelli “Qualcosa di te� acrilici su tela, cm. 40x40 2012

www.mirkoroncelli.it Arte&&Mercato Mercato 2018 Arte 2018 Pag. Pag.48 48

Mirko Roncelli “Senza cielo� acrilici su tela, cm. 40x50 2016

Arte && Mercato Mercato 2018 Arte 2018 Pag. Pag. 49 49

Prize of the Critics 2018

Prize of the Critics 2018

Arte & Mercato 2018 Pag. 50

Andrea Musto “Sotto pelle” acrilici su tela, cm. 100x100

Andrea Musto “Autunno" acrilici su tela, cm. 100x100

Andrea Musto “Nero Web” tecnica mista e acrilici, cm. 100x100

Quotazioni: olio su tela e tecnica mista da € 500 a € 5.000 Studio: Viale Sant’Agostino, 12 36057 Vicenza Tel.+ 39 377 4893597 E Mail amusto1969@gmail.com Andrea Musto “Diaspora” tecnica mista e acrilici su tela, cm. 100x100 Arte & Mercato 2018 Pag. 51

Dani

Prize of the Critics 2018

Biografia Dani nome d’arte di Daniela Tagliapietra, artista autodidatta vicentina, presente da alcuni anni nel panorama artistico nazionale.

Ha sempre cercato nella sua arte pittorica, una spazialità compositiva dalla timbrica calda, inserendo nella superficie dell’opera, un magico virtualismo pittorico, fortemente accentuato dalla sua particolare gestualità, evidenziando così, con semplici macchie e linee di colore inserite in un contesto dinamico, creando una sconfinata spazialità di segni, che scaturiscono dalla profondità del suo inconscio, e libertà espressiva, trovando così, consensi dall’osservatore delle sue opere.

Presente in qualificate rassegne e fiere d’arte.

Recentemente ha esposto le sue opere, ad Arte Vicenza, riscuotendo consensi critici.

Dani “Flowers” acrilici su tela, cm. 60x80 2016

Prize of the Critics 2018

“La pittura dell’artista vicentina Daniela Tagliapietra, più conosciuta comunemente nel mercato dell’arte contemporanea, con il nome di “Dani” ci affascina per il singolare linguaggio carico di notevole astrazione, simbolica, una pittura che attraverso il caldo cromatismo della sua personale tavolozza, ci avvolge di magiche note introspettive, sconfinando in sinfonie naturalistiche, dai contorni ovattati di nostalgici ricordi.

Per Daniela Tagliapietra, è essenziale il ricordo poetico della visione interiore dei suoi sogni, un magico mondo, circoscritto di neo simbolismo virtuale, che prende vita nelle sue performanti opere di astrazione visiva, momenti in cui, l’artista si lascia trasportare dalla sconfinata bellezza cromatica, e da sgargianti tasselli caleidoscopici, inseriti nell’opera.

Un artista Daniela Tagliapietra, che dipinge con enorme amore, il magico mondo dell’astrazione, che la circonda.

Dani ci descrive con le sue opere, attraverso particolari tasselli cromatici le recondite emozioni, della sua memoria, trasformando gli ornati compositivi, in caleidoscopiche visioni caratterizzate da vibranti intarsi, di forma e colori.

L’intima gestualità formale dell’artista Dani, ci rivela silenti messaggi dal profondo del cuore, attraverso la sua personaltavolozza tonale, carica di luce solare, e splendenti cromie, che animano di profonda composizione l’ornato pittorico delle sue opere.

La forza espressiva che emerge nella sua pittura, si avvale di suggestivi effetti cromatici, condotto attraverso un attento studio espressivo, della sintesi formale.

Un percorso pittorico, che la nostra brava pittrice friulana Daniela Tagliapietra, conduce unicamente, nel voler liberare attraverso la pittura, le sue emozioni quotidiane, che brillano di un’incandescente luce solare.

Francesco Chetta

Dani “Eternità” acrilici su tela, cm. 70x100 2016 Arte & Mercato 2018 Pag. 52

Dani “Intreccio d'amore” acrilici su tela, cm. 60x80 2018

Dani “Life” acrilici su tela, cm. 60x80 2016 Hanno scritto di lei:

Francesco Chetta, Roberta Pagliari, Jean Charles Spinà, Mariarosaria Belgiovine, Elena Cicchetti, Oxana Albot, Flower Terry Tedeschi, ed altri noti critici d’arte.

Alcuni Premi e riconoscimenti ricevuti: Premio Oscar per le Arti Visive 2017 Montecarlo Principato di Monaco Artista dell’Anno 2017 Cesenatico Grand Prix de la Cote d'Azur 2017 con catalogo On Line Premio Leone dei Dogi Venezia 2017 Mostra Collettiva Galleria Hotel Amadeus Venezia 2017 Collettiva Sala esposizioni Hotel Miramare Cesenatico 2017 Grandi Firme dell'Arte Comntemporanea 2018 Cesenatico

Presente nelle Fiere d'arte: Fiera Art Cesena - Forlì 2017, Arte Padova 2017, Arte Vicenza 2017, Arte Parma 2017, Arte Bergamo 2018, Arte Cremona 2018, Vernice Art Fair Forlì 2018, Art Monacò 2018 Quotazioni opere: da € 900/1.300 a € 1.500/2.500/*3.500 *per particolari opere: tecnica, misura e anno di esecuzione

Info: Tel. + 39 366 3433707 e Mail: redazioneartivisive@gmail.com www.artecollezionismo.com www.mondialart.wixsite.com/art-contest-italia Dani “Cielo - Terra - Mare” acrilici su tela, cm. 60x80 2016 Arte & Mercato 2018 Pag. 53

Dani “La nuova era� acrilici e inserti vari, su tela, cm. 60x80 2016

Arte & Mercato 2018 Pag. 54

Dani “Il cerchio della vita” acrilici su tela, cm. 60x80 2016

Dani “Soffi” acrilici su tela, cm. 70x100 2016

“L’arte di Daniela Tagliapietra, genera forza interiore, una forza espressiva che dona alla ritmica epressione dell’opera, una focale visione, che a sua volta. genera il personale linguaggio artistico dell’artista.” Jean Charles Spinà

Dani “Primavera” acrilici su tela, cm. 60x80 2016

Dani “Dolce brezza” acrilici su tela, cm. 50x70 2016

Arte & Mercato 2018 Pag. 55

Gisela Zimmermann

Zürich Svizzera

Prize of the Critics 2018

Biografia L’artista Gisela Zimmermann, vive e lavora da molti anni Zürich Svizzera.

Ottiene l’ispirazione per il suo lavoro dalla natura. Paesaggi e paesi e culture stranieri interessano l’artista. Le piace sperimentare forme e colori, in particolare i colori vivaci.

Innanzi tutto Gisela Zimmermann è un’artista spontanea che, in una certa misura, dipinge dall’intestino e sottolinea così la sua autonomia come persona creativa.

Il suo lavoro è chiaramente arte astratta a volte sempre più informale, Il termine “astratto” si riferisce al dipinto distaccato dalla rappresentazione rappresentativa, che si rifletteva in diverse varianti di stile nell’arte intorno al 1910.

Premi ricevuti Art Prize of Critics 2018 Palm Art Award Certificate of Excellence Leipzig 2013 International Prize Marco Polo Venice 2015 Prize Sandro Botticelli Florence 2015 International Prize Roma Imperiale Rome 2015 International Art Award The David Bernini Lecce 2015 International Award for Human Rights Anna Frank Artist in Jubilee International Prize Rome 2015 Premio Contemporary Uffizi Art Gallery Museum Firenze 2016 Knight of the Art Costanza Foundation 2017 Diego Velasquez International Award 2017 Italia in Arte nel Mondo Metropolitan Empire Prize 2017 American Folk Art Museum NY

Gisela Zimmermann " Goldesel" tecnica mista su tela, cm. 50x50

Gisela Zimmermann "Under water" tecnica mista su tela, cm. 60x80 Arte & Mercato 2018 Pag. 56

A colourful world is always a synonym for paradise.

I like to experiment and I love strong colours. I find the dialogue with materials, possibilities and subjects fascinating.

In the search for different ideas, new avenues always open up and the excitement continues.

Even as a child, I drew and painted under the guidance of my father. I completed my training as a draughtswoman.

My strong artistic streak also led me into creative work with ceramics and weaving.

In this period and throughout the years that followed, I repeatedly attended day and evening courses at various art schools.

I get my inspiration from memories of my childhood and youth in Germany and of my life in Morocco.

I also draw a great deal of inspiration from the shapes and colours of nature.

I use the impressions gained from many trips to the Arab world and to Asian countries in my work.

Represented in numerous exhibitions, nationally and internationally.

(Friedensreich Hundertwasser) Gisela Zimmermann "Kupfereinschlag" tecnica mista su tela, cm. 60x60

Prize of the Critics 2018

"La scandita visione delle opere di Gisela Zimmermann, ci trasmette silenziosamente, l’emozione del suo pensiero, una sapiente gestualità compositiva, nel riprodurre fedelmente i suoi sogni, scene remote, virtualmente custodite nel suo cuore. La sua arte penetra la profondità dell‘anima, con reconditi messaggi ed atmosfere, evocative di avvolgenti ricordi.

Una ricerca costante quella della nostra brava pittrice tedesca Gisela Zimmermann, che attraverso un razionale metodo espressivo, concentrato essenzialmente nella purezza della forma, e successivamente trasportato sulla tela, con grande armonia estetica, e sobria sintesi gestuale compositiva, carica di rigore plastico, una scelta essenziale con cui l’artista Gisela, esprime in totale libertà descrittiva i suoi reconditi sentimenti pittorici.

Una ricerca condotta con equilibrata sintesi della quinta prospettica dell'opera, dettata da scelte formali sul piano cromatico, permettendoci di scprire, tutta la sua originale creatività pittorica, dando il giusto equilibrio tonale ed espressivo al suo estro artistico. ” Francesco Chetta Quotazioni opere: Contatto diretto con l'artista Contatti Info: Tel. + 41 447413743 e Mail: gizibo@bluewin.ch www.gisela-zimmermann.com

Gisela Zimmermann "Red-Black Waves" tecnica mista su tela, cm. 100x100 Arte & Mercato 2018 Pag. 57

Giorgio Gost

Salsomaggiore 1962

Biografia: Giorgio Gost, nasce a Salsomaggiore nel 1962. Artista contemporaneo di formazione autodidatta, negli anni 1994 al 1999, la sua ricerca pittorica era orientata verso la pittura metafisica esprimendo grande interesse per la cromaticità. A partire dal 2000 la sua ricerca si orienta verso un concettualismo di pittura geometrica, periodo che storicizza attraverso la numerazione progressiva di ogni sua opera. Nel 2008 la sua ricerca si orienta, in un percorso d’avanguardia prediligendo sempre la ricerca cromatica, spaziando attualmente nel rappresentare opere o comuni oggetti racchiusi (sigillate) in un mix di resine, questo a far si di conservarne metaforicamente le caratteristiche dell’oggetto racchiuso. Nel 2009 orienta la sua ricerca in “Percorsi della Old Economy, Pluri-Bolle! Single-Bolle!

Le sue opere, sono presenti in numerose Fiere d’arte Contemporanea ed in qualificate Gallerie e Case d’asta.

Ricordiamo la sua presenza alla 54. Biennale di Venezia 2011, curata da Vittorio Sgarbi.

Materiali usati: medicinali, salumi, cioccolati, bottiglie di vino e champagne, lattine, pasta, bollettari ecc.

Tecniche: olio e tecniche miste su tela, e resine poliestere ( ... L’arte di Gost viene ad essere un mezzo per comunicare e diffondere concetti legati al mondo dell’economia, intesa come regola di vita sociale e concreta, necessaria per l’equilibrio e l’armonia dell’Umanità. L’Arte è una espressione importante e nello stesso tempo indipendente, destinata com’è a fini meno contingenti ed “eterni”...)

F. Mariotti Alcune delle presenze fieristiche di Gost Arte Bergamo 2009 - 2010 - 2011 - 2014 Arte Genova 2009 Arte Cremona 2009- 2010 - 2011 - 2013 - 2014 Arte Brescia 2009 Longarone Arte (Bl) 2009 Nac -Novegro (Mi) 2009 Immagina Reggio Emilia 2009 - 2013 Vintage Reggio Emilia 2013 Piacenza Arte 2013 Vitarte (Vt) 2010 Pordenone 2010 Art Verona 2010 Contemporanea Forlì 2008 - 2010 Immagina Fiera di Reggio Emilia 2008 - 2009 - 2010 -2013 Arte Pordenone 2011

Giorgio Gost “Pharm” N°1569 farmaci e resine, 40x50 Art New Life for Old medicines

Quotazioni: da € 400/900 a € 2.500/3.500/6.500 (prezzi da galleria)

www.giorgiogost.com Mail: info@giorgiogost.com

Giorgio Gost N.1843 “ Stop The Time! Money -World 900” monete, resine e colori, cm. 25x20 2013

Arte & Mercato 2018 Pag. 58

Giovanna Cherchi DOLCI PENSIERI

"Giovanna Cherchi, artista che dialoga unilateramente con le sue opere: ci confida affannosamente i suoi sentimenti, i suoi amori, le sue emozioni, donandoci infiniti messaggi, di valori primari della nostra trascorsa quotidianetà. Variopinte visioni di dolci espressioni, incastonate nella figura rappresentata dell’opera.

L’arte non è moda, e nemmeno commercio per Giovanna Cherchi, è pura necessita interiore di comunicare con l’osservatore, la sua passione per l’arte.

Maurizio Gnali “Una grande capacità di dialogare con le espressioni del volto umano, coinvolgendo non solo il tratto ma anche l’emozione di un suggestivo racconto emozionale. La delicata armonia compositiva lascia ampi spazi alle poetiche interpretazioni , dove leggere i sussurri armoniosi della sua romantica gestualità” Mariarosaria Belgiovine Venezia 2014 “Comuni linguaggi avanguardisti con note di spiccata contemporaneità, un preciso intuitonel voler dialogare attraverso le sue opere con l’osservatore.

In molte opere di Giovanna Cherchi, osserviamo quella quinta compositiva, “silenti ed enigmatici volti” che si fondono con la dolce stesura della materia, adagiata con personale tocco tonale, della sua tecnica pittorica.

E così che l’artista Cherchi si dona con grande passione, intimi dialoghi custoditi nel suo diario di umile artista, sognando ad occhi aperti la sua missione di vero illustratore e portavoce del nostro passato”... George Pali “Le reali visioni svelateci dal filtro creativo di Giovanna Cherchi, ci trasportano in una malinconica e reale dimensione: volti tristementi, avvolti di spiritualità sfuggente alla nostra soffocata societa contemporanea. Il compito della nostra brava artista sarda, è proprio quello di catturare l’attimo sfuggente, trasferendolo sulla tela, con pura sintesi descrittiva, sia nei contenuti plastici, che nella prospettica dell’opera.

Un artista dunque Giovanna Cherchi, che ci coinvolge discostandosi da mode e linguaggi informali, una pittrice daI segno puro e ovattato, con personale e gestuale filtro creativo, evidenziandone il suo estro pittorico della sua cromatica tavolozza.”

Francesco Chetta Giovanna Cherchi “Dolci pensieri” acrilici su tela, , cm. 40x60 2012

Arte && Mercato Mercato 2018 Arte 2018 Pag. Pag. 59 59

Isabella Rigamonti Biografia: Isabella Rigamonti frequenta il Liceo Artistico e consegue la laurea in Architettura presso il Politecnico di Milano. Il suo lavoro è una rielaborazione concettuale e gestuale in cui la fotografia da lei scattata, non ritoccata, viene presentata in bianco e nero con delle sovrapposizioni di parti della stessa fotografia a colori. Le parti della fotografia a colori di cui il rilievo è visibile vivono all’interno dell’opera di vita propria, in quanto realizzate attraverso forme inusuali o geometriche, ma tuttavia riescono ad individuare una dimensione differente, dove in virtù del fatto di essere a colori, vanno a modificare il percepito dell’opera stessa.

L’artista presenta due chiavi di lettura originali, una di natura più formale, data dalla coesistenza della fotografia scattata in bianco e nero con delle forme di colore sovrapposte, ed una di natura più concettuale in cui il momento della creazione dello scatto ed il messaggio che l’artista vuole ironicamente evidenziale emerge.

Di conseguenza l’opera perde una connotazione spazio/temporale precisa, e appare sospesa in un divenire dove la percezione della luce rende reale l’illusione e l’illusione estremamente reale.

I. Rigamonti “Passeggiata sull’acqua” foto in BN con inserti a collage di foto a colori

Ulteriori informazioni: www.isabellarigamonti.blogspot.it

Isabella Rigamonti “L’attesa - Venezia”, rielaborazione fotografica, cm. 15x21 Arte & Mercato 2018 Pag. 60

Isabella Rigamonti “Antiche mura’ foto in BN con inserti a collage di foto a colori

Isabella Rigamonti “La conversazione” foto in BN con inserti a collage di foto a colori Arte & Mercato 2018 Pag. 61

AURORA MALETTA

Aurora Maletta "Nudo alla finestra" Olio su tela, cm. 60x80 1997

Arte & Mercato 2018 Pag.Pag. 62 62 Arte & Mercato 2018

Prize of Critics 2018 “Una particolare magia visiva, si cela nelle opere, della nostra amata pittrice fiorentina Aurora Maletta, opere eseguite con particolare studio e ricerca tecnica.

La sua passione per i colori, in particolare per il ritratto, la collocano senza dubbio tra la schiera di quegli artisti, che hanno dato tutto la loro vita all'arte pittorica, ricercando sempre più a far emergere dal ritratto dipinto, il sentimentalismo emotivo, tralasciando la perfezione anatomica della figura, ciò gli ha permesso di evocare nelle sue opere, una soffusa poetica, che ci coinvolge emotivamente, una sincera sinfonia di malinconici ricordi, associati in un contesto reale di pura spiritualità sfuggente alla memoria.

Il compito dell'artista, è proprio quello di catturare quell’attimo fuggente, trasferendolo sulla tela, con pura sintesi poetica, sia nei contenuti plastici, che nella composizione prospettica dell’opera.

Un artista dunque Aurora Maletta, che riesce a coinvolgere l'osservatore delle sue opere, trasportandolo in un ovattato viaggio, di ricordi e sequenze sceniche del nostro passato, discostandosi nettamente da mode e linguaggi informali, una pittrice pura, daI segno sincero e ovattato, una particolare gestualità, desunta dal suo filtro creativo, che evidenzia il suo personale estro pittorico e della sua cromatica e variopinta tavolozza.”

Francesco Chetta

Arte & Mercato 2018 Pag. 63 Arte & Mercato 2018 Pag. 63

Dani “Onde� acrilici su tela, cm. 40x50 2015

Collezione privata

www.artecollezionismo.com Arte & Mercato 2018 Pag. Arte & Mercato 2018 Pag. 6464

DANI

Dani “Incontri� acrilici su tela, cm. 60x80 2016 Collezione privata

www.artecollezionismo.com Arte Arte&&Mercato Mercato2018 2018Pag. Pag.65 65

Omaggio al Ciclismo Italiano

Arte & Mercato 2018 Pag. 66 Arte & Mercato 2018 Pag. 66

DOMENICO SAVOLDELLI

Domenico Savoldelli “Omaggio al Ciclismo Italiano” acciao e foglia oro e argento, cm. 110x85

CONTATTI: info@savoldellimilano.com Cell. +39 335216423 Website www.savoldellimilano.com Arte Arte& &Mercato Mercato2018 2018Pag. Pag.67 67

Daniela Fabbri

Prize of the Critics 2018

Roma

Biografia Daniela Fabbri è nata a Roma, vive e lavora a Forlì dal 1977.

Artista contemporanea autodidatta di grande talento espressivo, presente nel panorama artistico da numerosi anni.

Nel corso della sua espressiva carriera artistica, ha preso parte a varie e importanti rassegne d'arte, riscuotendo dalla critica specializzata, novetoli consensi.

Alcune sue opere, fanno parte di importanti collezioni private in Italia e all'estero.

Mostre ed partecipazioni: 2006 Partecipazione al concorso Cna “Il lavoro delle donne artigiane ed il lavoro femminile” con l’opera “Le mani, lasfoglia e il mattarello”.

2007 Esposizione personale presso la storica Mesticheria Casadei a Forlì, esponendo ritrattistica di animali ed opere astratte ad olio.

Dal 2008 al 2012 varie esposizioni collettive presso la Galleria “Arte sotto i portici” a Forlì e concorsi presso la sede della Zangheri.

Nel 2015 allestisce il suo Atelier di pittura, sperimentando nuove tecniche di stesura della materia, con colori acrilici, creando attraverso una particolare colatura della stessa, un suggestivo gioco di intensi incroci cromatici, di notevole impatto visivo.

Daniela Fabbri "Galassia" acrilici su tela, cm. 30x30

Dal Gennaio 2016 a Febbraio 2016 partecipa alla collettiva "Ri-Tratti" presso la Galleria d’arte Pikidi di Cremona, con l’opera ”Groviglio di pensieri” recensita sul quotidiano di Crema “La Provincia”.Nel 2016 ha partecipato al Concorso “Vivere a colori” a cura di Artexpò Gallery, classificandosi al 2° posto, con l’opera “Tempesta”, seguirà la sua seconda personale presso la Mesticheria Casadei di Forlì.

Quotazioni: da € 900/1.300 - 1.800/*3.000 *per particolari opere

Daniela Fabbri "Il ventre di Venere" acrilici su tela, cm. 50x70 Arte & Mercato 2018 Pag. 68

Nel giugno 2016, a Cesenatico, riceve l’ambito riconoscimento per la sua arte, il Trofeo la Vela d’oro per l’arte” a cura di Artexpò Gallery con l’opera “ Frequenze di energie”, seguiranno le partecipazioni alle rassegne: “Forlì nel cuore” presso la Mesticheria Casadei, e la Mostra collettiva presso il Maf di Forlì.

Presente nel 2017 nelle fiere di Arte Piacenza, Arte Cremona, Vernice Art Fair Forlì, Arte Cesena Forlì.

Daniela Fabbri "Fusione" acrilici su tela, cm. 40x40 Nuova affermazione, Premio Biennale Artista dell’anno 2017 a Cesenatico, Oscar dell’Arte a Montecarlo Principato di Monaco, Trofeo Grandi firme dell'Arte Contemporanea 2018 Cesenatico.

Critici: Mariarosaria Belgiovine, Jean Charles Spinà, Oxana Albot, Elena Cicchetti, Francesco Chetta e altri Daniela Fabbri "Celesti armonie" acrilici su tela, cm. 40x40

Prize of the Critics 2018 “...Emozioni cromatiche, di grande effetto visivo, facilmente leggibili, attraverso una meditata lettura delle opere di Daniela Fabbri, rese ancor più luminescenti, attraverso la stesura della materia, ben bilanciata nella fusione delle tinte, una tecnica spesso ricorrente a molti artisti, .....ma eseguita con molta superficialità.

La nostra brava pittrice Daniela Fabbri, forte del suo temperamento e autocritica, coadiuvato da grande passione per l'arte, ha condotto nel corso di molti anni, una lunga ricerca, basata essenzialmente sulla pulizia del colore, e della relativa mescola, riuscendo a far emergere dalle sue opere, tutta la sua creatività, donandoci la visione di caleidoscopiche armonie cromatiche. ....Le sue recenti opere "Galassia e Profondità", ne testimoniano, con forte impeto il suo talento tecnico raggiunto; una modellazione plastica che supera, l’intima espressione emotiva dell'artista, nella composizione formale dell'opera.” Francesco Chetta Contatti: +39 3281247853 e Mail danielafabbri.62@outlook.it Studio: Viale 2 giugno, 46 47121 Forli Daniela Fabbri "Profondità" acrilici su tela, cm. 40x40 Arte & Mercato 2018 Pag. 69

Alessandro A-Masera

Prize of the Critics 2018

Piacenza 1976

Biografia: A-Masera, nome d’arte di Alessandro Masera, è nato a Piacenza nel Luglio 1976 da sempre appassionato di forma artistica, si avvicina alla pittura non ancora maggiorenne fino al periodo in cui frequenta la facoltà di architettura presso il politecnico di Milano.

Raggiunta la consapevolezza che la rigidità progettuale non permette di appagare la voglia di sperimentare e di testare materiali e forme innovative abbandona il Politecnico per laurearsi in Comunicazione e Marketing.

Amante di ogni tipo di comunicazione visuale, artistica, acustica ecc... crea una serie di album fotografici che racchiudono, rivisitate in chiave fluo pop, tutte le emozioni e le sensazioni provate nei lunghi viaggi fatti nel corso degli anni.

Una ricerca pittorica quella del nostro artista A-Masera, che ci affascina notevolmente per il singolare linguaggio dedito all’astrazione, un arte pittorica quella di Alessandro, che ci cattura la visione, per il contenuto inusuale della materia da lui abilmente eleborata, estraendone un cromatismo carico di infinite note di reconditi sentimenti.

A-Masera “Oro & Argento” intonaco vinile e smalto, cm. 100x100 2017 Per Alessandro A-Masera, fare arte, significa liberare le sue ansie, trasmettendoci nel contesto, poetiche visioni desunte dal suo intimo diario, racchiuso gelosamente nel suo cuore.

Un artista della nuova astrazione dunque, Alessandro A-Masera, crea con grande fantasia artistica, opere dal fascino inequivocabile, e di grande effetto visivo.

Un astrazione definita magica, oltrepassando i comuni linguaggi formali accademici, sperimentando con oggettiva sintesi compositiva il concetto mediatico del messaggio interiore.

Flowerterry Tedeschi Arte Parma 2017

Quotazioni: da 1.000/1.500 € 2.500/3.500 Contatti: Tel. + 39 345 7712309 Mail: info@amasera.it

A-Masera “Oro & Argento” intonaco vinile e smalto, cm. 100x100 2017 Arte & Mercato 2018 Pag. 70

”Meditata ricerca e sintesi formale, sono i cardini imposti nello studio condotto delle opere di Alessandro Masera.

Un vero Maestro contemporaneo, che scandisce le sue recondite visioni pittoriche, in chiave strettamente avanguardista.

Alessandro Masera, ci comunica attraverso la sua personale tecnica compositiva, fluide e velate espressioni del suo estro creativo.

La sintesi compositiva, dei suoi soggetti, è filtrata con grande amore ed energia comunicativa, liberando così la creatività del suo estro interirore.

Il nostro artista Masera, ci rivela attraverso la visione delle sue opere, una sequenza informale, del suo platonico amore verso la materia, giusta sintesi delle forme e della composizione, caratterizzata essenzialmente, da toni cromatici, ben calibrati, attraverso un caleidoscopico gioco di tasselli materici, adagiati sulla tela, che ci descrivono gioie, e puri sentimenti dell’anima, tutto questo, filtrato dalla sua unica fantasia pittorica.”

Francesco Chetta

A-Masera “Natura morta” Ciclo di tre opere, tecnica mista: quarzo con smalti metallizzati, cm. 70x70 2017

Alessandro A-Masera Arte & Mercato 2018 Pag. 71 71 Arte & Mercato 2018 Pag.

Alessandro A-Masera

A-Masera - Alba, tecnica mista, quarzo e smalti, su tela, cm. 70x70 2017 “Le opere di Alessandro A- Masera, ci descrivono i muta­menti emozionali del suo essere, quale inconscio meditativo dell’artista.

Una sana ricerca condotta nel contesto contemporaneo, espressa cromaticamente con la sua fantasia creativa, che gli permette di realizzare nuove forme e concetti mediatici.

La particolare espressione pittorica di Alessandro A- Masera, per nulla influenzata da alcun linguaggio pittorico contemporaneo, ma fortemente innovativa, nel saper comunicare al passo dei tempi con il fruitore dell’opera, un incisa testimonianza del suo percorso e linguaggio pittorico, contornate da silenti composizioni informali.”

Francesco Chetta

Arte Arte & Mercato 20182018 Pag.Pag. 72 72 & Mercato

A-Masera “The sun after the rain� Quarzo e smalto su tela, cm. 70 x 100 2016

Arte 7373 Arte& &Mercato Mercato2018 2018Pag. Pag.

Mario Masoli

Prize of the Critics 2018

Bagnacavallo (RA) 1945

Biografia Artista autodidatta dalla calda poe-

tica espressiva, il suo linguaggio artistico esula la descrizione formale dei minimi particolari rivolgendo la sua ricerca nel illustrare con sobria descrizione il cromatico mondo della sua realtà.

Mario Masoli prende parte a manifestazioni artistiche in Italia e all’estero, espone in qualificate gallerie estere, riscuotendo ottimi successi di pubblico e di critica. Le sue opere fanno parte di collezioni pubbliche e private.

Nel corso della sua attività artistica, ha ricevuto numerosi riconoscimenti:segnaliamo i recenti premi: Premio Leone d’oro per l’arte, Maestri dell’arte contemporanea a Cesenatico 2011, Trofeo Guimard, Paul Cezanne, Premio La Vela d’oro, Trofeo Miramare, Premio Biennale Visual Arts, Trofeo Arte Collezionismo 2011, Premio Mercurio d’Oro per l’arte 2012, Gran Premio delle Cinque Terre 2011 Portovenere (Sp), Premio Gondola d’Oro Venezia 2012, Premio Great Contemporary Painter 2012 - Milano, Ha esposto alla recente esposizione “Vernice Art Fair” Fiera di Forlì 2012, Premio Artista dell’anno 2013 Cesenatico, Premio Biennale Art Museum Venezia 2013, Premio Leone dei Dogi 2013 Venezia, New Mondial Tour 2014 - Trofeo Gran Canarie, 2014 Biennale Art Monaco - Hotel de Paris Principato di Monaco. Gran Galà dell’Arte Venezia 2014, Premio La Gondola d’oro per l’arte Venezia, 2014 Premio La Vela d’oro 2014 Cesenatico, Premio Quadriennale La Palma d’oro per l’arte 2014 Hotel De Paris Montecarlo Principato di Monaco, Trofeo Omaggio a Leonardo da Vinci Premio Biennale per l’arte, riconoscimento per meriti artistici ricevuto a Cesenatico gennaio 2015, Artista dell’Anno 2015 Cesenatico, Trofeo Mondial Tour 2014 a cura di Jean Charles Spinà, Trofeo della Costa Azzurra 2015 Cannes, Mario Masoli “Castello di Sirmione” olio su tela, cm. 50x70 2014 Il Silenzio del Mare 2015 Vieste, 2016 Grand Prix La Palma d’oro a Cannes, Biennale Oscar dell’arte a Montecarlo Bay Principato di Monaco primo premio, Gran premio per le arti visive 2016 La Vela d’oro per l’arte a Cesenatico, Gran Trofeo Artista dell’Anno 2016, Primo Premio al concorso Internazionale svoltosi a Kirkland, Washington USA, A.I.M. Artisti Italiani a Mosca, Premio St. Petersburg 2017 San Pietroburgo, Premio Biennale Oscar dell’arte 2017, a Montecarlo Bay Principato di Monaco, Trofeo Il Seniero degli Angeli della Luce 2017 a Soriano nel Cimino (VT), Prize of the Critics Fiera di Genova 2018, Artista dell’Anno 2018 Cesenatico.

Hanno scritto di lui: Terry Flower Tedeschi, Martha Gonzales, Candice Zhang, Michel Verdant, Jean Charles Spinà, M. Domenico Storari, Aghata Monti, Giampaolo Tangari, Valeria Fasera, Augusto Mori, Maurizio Gnali, A. Rossetti, Alfredo Pasolino, Giorgio Falossi, Gerard Argelier, P. Fernandez Madero, L. De Winter, O. D’Arcangelo, Mariarosaria Belgiovine, De La Riva, Paolo Levi, Vittorio Sgarbi, e molti altri.

“Mario Masoli si confronta con il meraviglioso mondo dell’arte contemporanea, con un innovativa tecnica pittorica basata essenzialmente nella fusione dei suoi sentimenti. All’osservazione critica, le sue opere ci descrivono il suo intimo mondo, con espressa comunicazione introspettiva, una realizzazione di sentimenti ed emozioni giustamente visisibili nella composizione.

L’artista Mario Masoli, riesce a coinvolgerci emotivamente con tematiche apparentemente ermetiche, ma con chiara espressione di conducibilità espressiva rivolta, alla mera contemplazione dei suoi sentimenti.

Una pittura quella di Mario Masoli, che sicuramente oltrepasserà il difficile cammino del mondo dell’arte contemporanea, superando numerosi ostacoli di percorso.” Martha Gonzales Montecarlo

Arte & Mercato 2018 Pag. 74

“…con sobria sensibilità poetica - pittorica, Mario Masoli è capace di trasformare un scena od oggetto stanco ed inanimato, in un opera di profonda libertà creativa. Masoli ricerca essenzialmente il confronto diretto con la sua creatività pittorica, filtrando immaginazione e realtà per creare un equilibrio che sorregge l’intera opera, dove questi contenuti formali sono espressi sobriamente con dolcezza e bontà descrittiva. Colori e tonalità ben accostati che creano una visione di paesaggi che richiamano attimi di vita felicemente trascorsi dallo scandire interrotto del tempo.

La sua pittura ci comunica la capacità di scoprire paesaggi estratti dalla sua realtà e modificati dalla sua espressione interiore, la volontà di dipingere ciò che l’emozione gli suggerisce, guidato da una grande capacità...”

Gerard Argelier Nice

Prize of the Critics 2018

Mario Masoli “Il campanile” olio su tela, cm. 50x70 2017 “...La sua pittura sprigiona intense emozioni, che segnata un preciso valore di cresciata artistica, Mario Masoli, sa catturare tutte le emozioni che incidono la sua sensibilità artistica, riportandole sulla tela, colorate dalla sua fanatsia pittorica.

Un artista che continua a donarci meravigliosi sentimenti di pura creativa, esaltandone la purezza dei suoi sentimenti...”

Michel Verdant Cannes Quotazioni opere: da € 1.200 a € 3.700 Studio: Mario Masoli Via Zaccaria, 16 48018 Faenza (RA) Tel. 0546.30587- 346.2219820 Arte & Mercato 2018 Pag. 75

Guikni Rivera

Prize of the Critics 2018

Città del Messico 1967

Biografia Guillermina Rivera Hernandez in arte Guikni, è un artista nata nel 1967 a Città del Messico.

E’ figlia di Yrene Hernandez Gonzalez originaria di Toluca stato della Città del Messico e Tomas Rivera Ramos originario del Chiapas Tapachula.

In Messico svolge gli studi artistici, e nel 1993 consegue il diploma presso l’Accademia d’Arte visiva di PUEBLA, iniziando la sua carriera di pittrice.

Guikni vive in Italia da oltre una decina d'anni e prosegue il suo lavoro artistico con grande impegno, trasformando le tele in superfici vibranti, dinamiche, piene di vita e di calore.

Per lei la vita italiana, rappresenta l’inizio di una nuova ricerca; un punto di partenza su cui lavorare, per riuscire a dare sfogo a ciò che vede, immagina, sogna, pensa e sente.

Ma chi e GUIKNI Rivera?

La sua opera spazia in vari periodi. Ha lavorato al restauro di affreschi, sviluppato grafica ed opere d'avanguardia.

Lo studio delle opere di Guikni Rivera ci rivela un artista che partendo dai colori, tenta di risvegliare le emozioni dello spettatore attraverso il contrasto chiaramente definito fra luce ed ombra.

GUIKNI si interessa soprattutto dell’essenza femminile e della donna nel mondo.

Guikni Rivera "Madre creatrice" olio su tela, con inserti foglia oro, e argento su tela, cm. 80x100 2016 L’artista rappresenta la donna ed il suo spirito attraverso simboli quali la Luna, il Sole e l’Acqua che ne incarnano gli aspetti femminili di creazione e vita.

Il suo pennello è guidato dalle origini messicane e dall’amore per l’arte del suo paese.

Un linguaggio cromatico sapiente ed equilibrato. Il colore fa parte della sua cultura, le appartiene e viene fuori senza seguire canoni, percorsi mentali, senza essere pianificato o mediato.

Attraverso i colori il sogno si fonde con la realtà.

La sensazione finale è che nelle sue opere l’artista stia cercando se stessa nella sua nuova dimensione, lasciando affiorare ciò che ha nel profondo: un messaggio di vita.

Quotazioni: da € 3.500/ 7.000 a € 9.000/12.000

Guikni Rivera "Le tre faccie di Ixchel" La Diosa di tre lune, olio su tela, con inserti foglia oro su tela, cm. 80x100 2016 Arte & Mercato 2018 Pag. 76

Prize of the Critics 2018 “Guikni Rivera è una artista che ci dona remote immagini di esotiche sinfonie naturalistiche, raffiguranti giovani fanciulle; Dee e Regine di remote civiltà dei Maya, con una simbologia rivolta alla natura, il tutto con sobria sintesi espressiva, che sconfina in una festa di variopinti colori, rese ancora lussureggianti, dalla sua particolare tecnica compositiva, ma sopratutto, il messaggio che la nostra brava Guikni, ci rivela con profonda gioia comunicativa, e armonia tonale compositiva.

Guikni Rivera, ci svela con le sue poetiche visioni, un realismo magico, fatto di sole e sgargiante cromatismo, in particolare usi e costumi del Messico, sua citta natale rivolgendo attenzione ad un “lirismo cromatico” evidenziato dalla sobria sintesi, del segno dell'anatomia della figura, attraverso pochi cenni compositivi, ciò nell'opera da lei eseguita, fà emergere tutta la freschezza e spontaneità, una quinta ovattata, illustrata con allegra sintesi dei colori, con vibranti accenni di reconditi pensieri, che attirano lo sguardo dell’attento osservatore delle sue performanti opere.

La capacità espressiva di Guikni Rivera, è constatabile, nel saper descriverci, con profonda sintesi, atmosfere di assoluta emozione.

Una pittura elaborata al di fuori dei classici schemi accademici, ma solamente abbinamenti cromatici, stesi dalla sua innata fantasia pittorica, libera da qualsiasi conduzione schematica formale." Francesco Chetta

Guikni Rivera "Eterna luz" olio su tela, con inserti foglia oro e argento, cm. 80x100 2017 Le opere di Guikni Rivera, sono presenti in molte collezionio pubbliche e private, in Italia e all'estero.

Presente in qualificate rassegne d'arte contemporanea, riscontrando plausi e cionsensi, per la sua particolare tecnica, con la qualrìe, crea le sue unicheopere.

Numerosi i premi ricevuti nel corso della sua lunga attività pittorica, premi a carattere Nazionale e Internazionale.

La stampa specializzata spesso si è occupata della sua pittura, con redazionali e pubblicazioni, come i critici che hanno scritto di lei.

Contatti: Tel. +39 3464747130 Mail e-mailguikni@hotmail.com Studio: Via San Sebastiano, 18 / Ter 18055 Diano D'Alba Cuneo www.guikniart.com

Guikni Rivera "Agape" olio su tela, con inserti foglia oro e argento, su tela, cm. 80x100 2017 Arte & Mercato 2018 Pag. 77

Antonella Pozzetti

Modena 1960

Prize of the Critics 2018

Biografia Antonella Pozzetti, ha condotto gli studi di ragio-

neria presso l'Istituto Tecnico "J. Barozzi" di Modena, sua città natale, dove vive e lavora, in società con il marito, in un'azienda di attrezzature per l'estetica.

L'interesse per la pittura, giàmanifestatosi da ragazzina con l'ammirazione verso le opere di maestri del passato, non solo italiani, ha generato il desiderio, da parte di Antonella, di prendere, nel 2011, i pennelli in mano per confrontarsi con il foglio o la tela. Nessuna avventura, perché l'arte richiede non solo il cuore di poeta ma anche la conoscenza delle tecniche. Necessario, allora, frequentare i corsi di pittura, a Nonantola, del maestro Massimo Po e, due anni fa, anche quelli del maestro Daniele Poltronieri.

Nel tempo, pur non rinunciando a continui insegnamenti per un approfondimento anche dei vari linguaggi, la Pozzetti ha proposto le sue opere al giudizio della critica e del pubblico, e non sono mancati lusinghieri apprezzamenti e riconoscimenti per il suo lavoro. Assidua la partecipazione alle rassegne, con relativi concorsi, organizzate dall'Associazione "Nonantol Arte". Alla mostra svoltasi, nel 2015, alla Sala delle Arti di Castelfranco Emilia, la modenese si impone, con il dipinto "Lo sguardo di una donna racconta...", al secondo posto del concorso legato alla "Festa della Donna". Un anno dopo, al Concorso Nazionale Biennale "Uno sguardo artistico sulla valle dei ciliegi" a Vignola, dedicato a "Pier Paolo Germano Tassi", il suo quadro "Il vezzo di Sara" ottiene una segnalazione. In ottobre 2017, partecipa al Concorso Internazionale "Angeli di luce nell'arte 2017", al Parco dei Cimini presso il Comune di Soriano nel Cimino, con i dipinti "Contessa" e"All'improvviso un sorriso", e le viene assegnato il secondo premio. Tra le sue presenze a collettive segnaliamo, nel 2016, quella alla Sala delle Arti di Castelfranco Emilia, in occasione delle personale del maestro Massimo Po; e alla rassegna "Dialogo tra la fotografia di Miriam Bergonzini e la pittura e scultura di 40 artisti" al Club La Meridiana di Casinalbo (Modena).

Antonella Pozzetti " All'improvviso un sorriso" olio su tela, cm. 90x70

Hanno scritto di lei: Michele Fuoco, Francesco Chetta, Jean Charles Spinà “Centrale è la figura umana nell'opera della Pozzetti che adegua la pittura alla naturalezza di rappresentazione, per un impegno integrale di conoscenza non solo estetica ma anche interiore.

Un'immagine, quindi, come "grafico" di sentimenti, con una raffinata corrispondenza tra segno e colore.

E ciò accade, in particolare, in "Contessa" e "All'improvviso un sorrriso" che configurano momenti di esaltazione della bellezza in quadri di sensibilità tipicamente femminile, attraverso risonanze emozionali, esclusive ed intime, che si manifestano sul volto, ma anche nella dinamica delle forme del corpo che sicaricano di morbidezza, di perfezione fisica, di esaltazione persino sensuale.

La pittrice getta una luce tutta particolare sul viso, quasi a verificare una identità che le appartiene.

Infatti le immagini sembrano stabilire legami profondi con la fisionomia dell'artista, esprimono una paradisiaca felicità che emerge da un sorriso smagliante che si porge come vagheggiamento di una condizione, anche fugace, di appagamenti, di slancio e di pienezza vitale." Michele Fuoco

Arte & Mercato 2018 Pag. 78

Prize of the Critics 2018 "Nelle opere di Antonella Pozzetti, si scansiona una notevole energia comunicativa, i suoi sentimenti, si sprigionano con intense emozioni, incidendo notevolmente la sua sensibilità artistica.

Un artista che volutamente continua a donarci attraverso la sua costante ricerca, meravigliose visioni di pura creatività, che a loro volta, esaltano la purezza interiore dei suoi sentimenti.

Una pittura vera, di squillante godimento retinico, l'anatomia della figura, è ben delineata, pur restando in una formalità segnica, ben distinta e nettamente sconfinata dall'iperrealismo, in effetti la nostra brava pittrice Antonella Pozzetti, fa emergere dal dipinto, un silente messaggio di sentimentalismo poetico, attraverso il contrasto tonale della quinta prospettica, creando così una fusione formale, tra soggetto raffigurato, e lo sfondo dell'opera, delineando così il suo percorso creativo artistico, inserendosi nel meraviglioso mondo cromatico del "Realismo Magico" Questa sintesi compositiva, dona all'osservatore quella giusta dimensione di condividerne il piacevole messaggio mediatico trasmesso dall'artista” Francescco Chetta

Antonella Pozzetti “Contessa” olio su tela, cm. 80x60

Quotazioni opere: da € 1.200/1.800 a € 2.500/4.500 Studio: Via Pio Donati, 95 41122 Modena E Mail antonella.maurizio@yahoo.it Tel. +39 3351309350

Arte & Mercato 2018 Pag. 79

Giuseppe Salvatore

Prize of the Critics 2018

Biografia: Giuseppe Salvatore, artista, sociologo e scenografo, vive e lavora a Roma.

Formazione artistica: Diplomato all’Accademia di Belle Arti di Roma, ha frequentato un corso di “Art Work” nel settore grafico dell’Ist.di Design Europeo e successivamente un corso biennale di Design su stoffa presso le Scuole di Arti Ornamentali del Comune di Roma. Nella seconda metà degli anni ’70, frequentando la Galleria Amelio di Napoli, ha conosciuto per- sonalmente Andy Warhol e Joseph Beuys.

Affascinato dalla Pop-Art , nelle sue opere ne ripropone alcuni tratti caratteristici come la raffigurazione di Personaggi famosi e l’uso Psichedelico del colore.

Realizza anche interessanti installazioni, affrontando spinosi temi sociali legati alla contemporaneità Giuseppe Salvatore “State of Emergency water for Africa" Stampa serigrafica su pvc, cm. 50x70 2011 e alle sue urgenze umanitarie.

Membership al “The Museum of Modern Arte” Moma di New York-Stati Uniti negli anni 2014/2015/2016/2017 Numerose sono le sue Mostre in Italia e all'estero, sia collettive che personali, allestite in prestigiosi spazi privati e Istituzionali e museali: Francia, Germania, Belgio, Svizzera, Stati Uniti, Olanda, Principato di Monaco, e naturalmente in Italia: Milano, Sirmione, Catania, Napoli, Roma, Firenze, Genova, Venezia, Cesenatico, Ferrara, Padova, Firenze.

Esposizioni Cannes Francia 2010, Gallerie “Mandelieu la Napoule” Artexpò Gallery; Bruges Belgio 2011 Museo Jan Garemijn; Utrecht Olanda 2012 Grachten Gallery; Berlino Germania 2012 Centro Culturale “Buchhandler keller” Carmerstrasse-Charlottemburg di Berlino; Parigi Francia 2008-2013 Galerie Thuillier vicino al Museo Picasso; Londra Inghilterra 2013 presso la Royal Opera Arcade Gallery vicino a Trafalgar Square; New York Stati Uniti 2014 prestigiosa Ward-Nasse Gallery di Manhattan; Bruxelles Belgio 2014 l’Espace Art GalLery di Bruxelles; rassegna d’Arte contemporanea Teatro dei Dioscuri del Quirinale Roma, 2015 mostra internazionale “Angolo di rifrazione” Galleria 16/B Austellungstrass di Zurigo-Svizzera, 2015, Mostre per il Giubileo Della Misericordia 2016, 1°Mostra presso il Palazzo del Vicariato in Roma 2° Mostra nelle sale del Vaticano, Palazzo della Cancelleria sempre a Roma; organizzate dalla Galleria “Il Collezionista” di Roma.

Mostra collettiva: “Evolution in Modern Art 2016” Aalst, Flanders-Belgium, Minipersonale a Milano “Spaziarti Ungallery” 2016, Spirito moderno Spaziarte Milano 2017, Racconti di viaggio” Galleria-Spazio 40 in Trastevere RM dal 9 dicembre al 15 dicembre 2016.

Incontri di Arte e Scienza il 29/09/2017 presso il Mercato Centrale della Stazione Termini di Roma.

Ricordiamo la sua recente mostra svolta a Monaco di Baviera dal 2 al 18 dicembre 2017, dove le sue performanti opere mediatiche, hanno riscontrato un grande successo nei Media, Coolezionisti e visitotori. La mostra Internazionale di Monaco di Baviera in Germania, ha avuto luogo nell'importante galleria tedesca “Galerie Das Fenster” Munchen. (Ndr) Giuseppe Salvatore “Gli Amanti" collage dipinto, cm. 50x70 2008 Arte & Mercato 2018 Pag. 80

Pubblicazioni: Arte & Mercato 2017/2018, Galleria Italia 2018 Effeci edizioni, Dizionario Enciclopedico Internazionale Ed. Alba dal 2007 al 2012, “Arte Collezionismo 2009/2011/2014/2015/2016/2017” Effeci edizioni, “Appendere… ad Arte “Davide Ghaleb Editore, “Boè 2011” Cenro Diffusione Arte Editore, “Itinerari d’Arte Contemporanea” Triennale di Roma 2011, “Luci ed Ombre sul Cinema italiano del ‘900” sul Vol. Novecento sconosciuti riflessi e riflessioni- Davide Ghaleb, Ediz. a cura dell’Ass. Apai di Roma, “Arte Nuova” 2011 Firenze, E’ Membership al “The Museum of Modern Arte” Moma di New York-Stati Uniti negli anni 2014/2015/2016.

Premio Giubileo della Misericordia 2016, sue opere fanno parte della Collezione Arte contemporanea del Magazine “Orizzonte Italia” 2017.

Premi ricevuti: Premio “Alba” 2007-08-09-10-11-12 di Ferrara, Premio “Dea Minerva” Firenze 2008, “Premio Artiste de Montemartre” Cannes (Francia) “ 2008; secondo classificato al Fiar 2° Festival Internazionale dell’Arte di Roma 2009, “Premio Santa Maria Novella” 2009 mostra Estate Fiorentina; “Gran Prix International – P.P. Rubens”Accademia “Marzocco” Firenze 2009; Trofeo ”La Vela d’Oro per l’Arte” Artexpo-Cesenatico 2010, Premio “Oscar della Cultura” 2007; Premio “La Palma d’Oro” Sirmione 2007; Premio “ Nobel dell’Arte” Montecarlo Cannes 2007, Premio “Artiste de Montemartre, ”Cannes 2008; Premio “Oscar dell’Arte 2010 di Catania; Premio “Calice d’Oro” Firenze 2010, Premio Giubileo della Misericardia 2016 dal Vaticano, Premio editoriale della Critica 2018 Prize of the Critics Effeci edizioni.

Giuseppe Salvatore “Lacerazioni - la spirale della violenza” 2005-2015

Prize of the Critics 2018

“....Opere che generano, un costante diniego interiore, verso lo sfascio della società, un linguaggio in linea con la "Psychologymassmediologica", una ricerca essenzialmente coerente, nel mondo dell'arte contemporanea odierna, quella condotta da Giuseppe Salvatore, amichevolmente chiamato Pino, dagli addetti al lavoro.

Numerose sue opere, spesso sono testimonianza di cronaca occultata dai media, un dialogo emotivo, che l'artista vuole comunicarci, attraverso le sue opere.

La sua arte ci mostra, tutta la sua sensibilità, condividendo l’emozione del suo pensiero emotivo, filtrato con metodica applicazione tecnica, permettendo così all’osservatore, di scandagliarne la profondità dell‘anima, con varie atmosfere evocative, profondamente recepite dall’artista, con precisa impostazione formale, del suo formulario cromatico / dialogativo!.” Francesco Chetta

Giuseppe Salvatore “Sogni nel tempo" fotomontaggio su tela, cm. 50x70 2016 Quotazioni da € 1.500/2.000 a € 3.500/4.500 Studio Via Antonio Bazzini, 44/9 00124 Roma Tel. + 39 333 2593073 Mail: pinosalvatore@libero.it

Giuseppe Salvatore “Il volo della Libertà" collage, cm.50x70 2017

www.chronosroma.eu/web-salvatore/catalogo/bio.htm

Arte & Mercato 2018 Pag. 81

Peter Hide Biografia Peter Hide è il nome d’arte dell’architetto Franco Crugnola che deriva dall’ossimoro tra Peter Pan (noto sempiterno bambino buono) e Mr. Hyde (la parte brutale e “cattiva” del Dottor Jekyll). I due nomi hanno la stessa notorietà e rappresentano il primo il bene, l’innocenza, la purezza e la bellezza, il secondo il male, la cruenta e la forza bruta.

Come nel romanzo di R. Stevenson ove la lotta impari che oppone il bene e il male tra Jekyll a Hyde, mette in gioco temi di grande suggestione, la metamorfosi e il doppio, lo specchio e il sosia, fino a toccare le corde più segrete e inconfessate dell’animo umano, cosi l’artista cerca di ricreare il male che può prevaricarci attraverso un’immagine allegra e scanzonata.

L’artista cerca di rappresentare attraverso immagini che fanno parte del nostro vivere quotidiano, ed apparentemente concilianti, gli opposti che esse stesse rappresentano, e di aprire nella mente dello spettatore che vorrà approfondirne la lettura, una porta immaginaria verso il pericolo della sopra- “Monocromo rosa euro” tecnica mista su tela montata su tavola, cm. 60x45x4 2014 fazione dell’effimero. In una società contemporanea, dove tutto è misurabile dal denaro, e dove spesso si ha la sensazione che non solo il materiale ne sia soggiogato, ma anche l’immateriale, la parte più unica che contraddistingue l’individuo, il denaro, ha per Peter Hide - 311065 il valore simbolico di rappresentare il pericolo di una vasta decadenza culturale, e per opposto il degrado che la sua mancanza ne produce.I suoi lavori non vogliono rappresentare graficamente la povertà, la violenza fisica o psicologica, il degrado ambientale, ma neppure la bellezza generata solo ed unicamente dalla manipolazione della ricchezza, la sensazione di potenza quasi divina ed il sogno di felicità, ma vuole far riflettere su che cosa genera ciò per cui tutti noi ci affanniamo, viviamo e a volte moriamo: Il denaro.

I lavori sono eseguiti su ritagli di tele grezze, senza spessore alcuno, o tele montate su spessi telai che fanno da supporto a scritte, didascalie e a volte ulteriori figure che soverchiano l’ordine dello stesso quadro. I telai sono eseguiti da me, in modo grezzo, irregolare, a volte cucendo le tele, assemblando ritagli, unendo legni. Le tele in siffatta maniera enfatizzano il “mal fatto”, o meglio in questo caso il “mal scritto” e ancora una volta contravviene in antitesi la forma del quadro classico (regolare, ben fatto da incorniciare in modo regolare) a quanto appunto scritto: il tutto nega l’apparenza, il tutto è il contrario di tutto, quello che sembra e il suo opposto.

Nel 2011 ha tenuto una Mostra personale presso la galleria Orler di San Martino di Castrozza (TN).

“Skull+Flower” tecnica mista e banconote su cartone, cm. 100x100x4

Arte & Mercato 2018 Pag. 82

Informazioni e prezzi: peterhide.311065@gmail.com Referenze: Orler Factory.

Casa d’aste Meeting Art, Vercelli “Negazione” yuta su tavola, con banconote fac simile, cm. 35x50x4

“9 monocromi” cm. 20x20x6 cad.

Arte & Mercato 2018 Pag. 83

Andrea Mirabella

Prize of the Critics 2018

Biografia L’artista Andrea Mirabella, e’ nato a Palermo, vive e opera in Umbria.

Artista autodidatta, fin da giovanissimo ha mostrato vivo interesse per la pittura. Nel tempo ha approfondito l’argomento studiando e affinando la sua tecnica individuale in quella che successivamente, in eta’ matura, si e’ trasformata da grande passione a vera e propria attivita’. Oggi grazie al suo desiderio instancabile di ricerca, la sua pittura e’ piena di colore e luce; e’ espressa da forme e colori armonicamente composti tanto che si puo’ rilevare un forte equilibrio pittorico che viene solitamente raggiunto solo dopo lunga esperienza artistica.

(Alberto Sorino) Le sue opere sono dense di ironia, vitalita’ colori sfavillanti e contrastati che indubbiamente colpiscono l’attenzione.

Esposizioni e Premi: 1975 -1978 Premio Orbita Novara 1979 Premio Citta’ Di Varazze 1981-1984 Premio Guido D’Arezzo Arezzo 1988 Premio San Valentino Terni 2002 Fiera Dell’Arte Francoforte 2004 Expo Arte Bologna e Padova 2007 Festival Dei Due Mondi Spoleto 2008 Premio Ventuno Zero Sei Cologno Monzese 2015 Premio Nike Di Samotracia Firenze 2015 International Prix “The Pantokrator” 2015 Corfu ( Grecia ) 2015 Artista dell’anno Matera 2015 Universal Expoition Milano 2015 Premio Biennale Per Le Arti Visive “Leone Dei Dogi” Venezia Mostra di pittura a Spello dal 1 Agosto al 13 Settembre 2015 Via Cavour Le sue opere sono presenti in collezioni private e pubbliche sia in Italia che all’estero.

Nell’opera di Andrea Mirabella assistiamo ad uno sviluppo particolarmente originale e personale di quella dimensione espressiva estremamente vasta e variegata che si definisce “Espressionismo astratto” in realtà, però, osservando bene queste opere, vi possiamo vedere, un interessante armoniosa ricerca di elementi, di diverse correnti artistiche, perchè vi troviamo la riduzione degli oggetti raffigurati e incroci di linee geometriche come nell’astrattismo concettuale, il senso potente libero del colore senza contorni tipico dell’informale, ma vi troviamo anche la prospettiva tipica del realismo classico che da senso di spazio agli sfondi.

In questo modo Andrea Mirabella, riesce a costruire un intero mondo, un unierso parallelo al nostro, che ha una prospettiva e una spazialità nel quale l’artista crea forme che, ora poco, ora tanto, si distaccano in modo graduale e differenzianto dalla figura del reale percepibile. Alfonso Confalone

Andrea Mirabella “Tramonto ai tropici” tecn. mista olio e acrilico, cm.70x70

Andrea Mirabella “Solitudine” tecn. mista olio e acrilico, cm. 60x60

Arte & Mercato 2018 Pag. 84

Prize of the Critics 2018 “Andrea Mirabella, ama immergersi intimamente, nel suo mondo pittorico, riuscendo ad esprimersi con completa libertà gestuale, filtrata dalla sua recondita visione del reale.

Un accostamento compositivo, verosimile di vele al vento, con acceso e vibrante cromatismo, che dona al dipinto una quinta tridimensionale del reale, a volte rivelando evanescenti scene di silenti regate, e cari ricordi.

Ciò permette all’artista Mirabella, di realizzare attraverso le sue opere, reconditi sogni, con diffusa e costante caleidoscopica cromaticità, un essenziale stesura materica, indirizzata sia nelle forme che nell’ornato compositivo dell’opera, facendo emergere dal dipinto, quella sintesi emozionale, avvertibile in artisti di comprovata tecnica pittorica, ossia, opere eseguite con puro amore verso l’arte.

E’ così che il nostro artista Andrea Mirabella, che ci descrive il suo diario, i suoi sentimenti, celati in espressioni visive di estrema finezza retinica, filtrate direttamente dalla sua personale fantasia pittorica” Francesco Chetta Andrea Mirabella “Tranquillità” tecn. mista olio e acrilico, cm.70x70 Le sue opere pittoriche dense di ironia, di vitalita', prorompenti, sfavillanti di colori accessi, intensi e contrastati che colpiscono l'attenzione di chi le osservi, attratto dalla singolarita' espressiva e dalla moderna spregiudicatezza dei temi, oltre che dalla vivacita' estremamente attuale.

Guido Pandolfini

Quotazioni opere: da € 400/600 - 900/1300 Contatti: Tel.+39 3397995595 Info: info@andreamirabella.com

Andrea Mirabella “Riflessi” tecn. mista olio e acrilico, cm.70x70 Arte & Mercato 2018 Pag. 85

Pasquale Caraviello

Prize of the Critics 2018

Napoli 1973

Biografia Pasquale Caraviello, è nato a Napoli, nel 1973 La passione per l’arte viene influenzata dalla figura artistica del padre Giovanni, pittore per diletto.

La sua malattia, e la conseguente scomparsa hanno incrementato in lui la necessità di approfondire gli studi sulle tecniche di utilizzo dei colori ed il bisogno di imprimerli sulla tela.

L’incontro con il critico d’arte Giancarlo Spina, è stato determinante per la sua crescita artistica e conseguente sviluppo delle tecniche pittoriche.

“Caraviello Pasquale, ama immergersi intimamente, nel suo mondo pittorico, riuscendo ad esprimersi con completa libertà gestuale.

Il cromatismo che si avverte nella lettura delle sue opere, è esternato con un vibrante susseguirsi di colori evanescentemente accesi, dominati da una grande luce, che ci rivelano, una recondita profondità, di silenti ricordi.

Ciò permette all’artista Caraviello, di concepire le sue opere con sobria scioltezza delle forme compositive, donando all’ornato pittorico, quella sintesi emozionale, avvertibile solamente nelle opere, eseguite con puro amore verso l’arte.

E’ così che il nostro artista Caraviello, traduce il suo pensiero poetico, in espressioni visive di puro sentimento emotivo, filtrato direttamente dalla sua personalità” Francesco Chetta - Arte Mercato 2017 P. Caraviello,“Il circo della vita” t. mista, cm. 80X130 2017

sopra, “ E poi pensieri avatici” tecnica mista, cm. 80x120 < “Una danza nell’universo” tecnica mista, cm. 100x160 Arte & Mercato 2018 Pag. 86

Prize of the Critics 2018

“Il linguaggio simbolico/surreale, del nostro bravo artista napoletano Pasquale Caraviello, ci dona attraverso le sue silenti opere, quel phatos di lirica visiva, descrivendoci poeticamente, il suo intimo spirito caratteriale, comunicandoci attraverso la sua cromatica tavolozza, un escursus simbolico, del suo recondito pensiero emotivo, illustrandoci con gestualità compositiva, i suoi ricorrenti sogni, inebriando visivamente, la mente dell’osservatore, con melodiche note di ovattate sintesi surreali, una quinta compositiva, ben illustrata graficamente, con evanescenti messaggi sensoriali, che richiamano remote contestualizzazioni sceniche, trasportandolo così, in un recondito viaggio introspettivo, e lontani ricordi, che affiorano costantemente alla sua mente, avverttendo congiuntamente l’amato sogno pittorico dell’artista.

La particolare tecnica pittorica di Pasquale Caraviello, ci svela la sua modulare libertà compositiva, creando così opere di forte impatto visivo ed emotivo” l’editore Francesco Chetta Recenti premi ed esposizioni 2017 Trofeo Word Art Collection Genova, Art French riviera Cannes, Premio Artista dell’Anno Cesenatico, con pubblicazione dell’opera vincitrice sul catalogo Essenze, Premio Biennale per le Arti visive Montecarlo Principato di Monaco, Spoleto Art Festival, Rassegna Energia più colore, al Complesso Turistico Damiani Napoli, esposizione permanente Galleria Bomboniere Sanremo, Artisti del vecchio e nuovo mondo Genova, Un mare d’arte, Salone delle Prigioni - Carcere della Regina Giovanna, Castel dell’Ovo Napoli, Napoli, terra di mare e di sole Napoli, Arte al Chiostro, Santa Maria La Nova Napoli Hanno scritto di lui: Mariarosaria Belgiovine, Giancarlo Spina, Francesco Chetta, Elena Cicchetti, ed altri.

Pasquale Caraviello, “Al vecchio casolare” tecnica mista su tela, cm. 80x120 2017

Pasquale Caraviello, “Spiaggia dei desideri” tecnica mista, cm. 50x60 Quotazioni: da € 700 a € 2.500

Contatti: Tel. +39 3920019046 Mail pcaraviello.artitalia@gmail. com www.pasqualecaraviello.it Studio: Via Diocleziano, 374 80124 Napoli Pasquale Caraviello, “Dimensioni invisibili” tecnica mista su tela, cm. 80x100 Arte & Mercato 2018 Pag. 87

Marcello La Neve

Prize of the Critics 2018

Biografia Marcello La Neve da Windlesham (GB), è un’Artista, di cui si è interessata la critica nazionale, specialmente negli ultimi anni. Pittore ricercatissimo ed applaudito dal mondo dello spettacolo, ha all’attivo migliaia di opere, distribuite in gallerie importantissime dell’Unione Europea. Ha realizzato i ritratti di: Anna Oxa, Rossana Casale, Patty Pravo e Michele Zarrillo ed il 6 maggio 2015, ha fatto dono di una sua opera, intitolata: “Rosa Mistica”, a Sua Santità Papa Francesco. Attualmente vive e lavora a Cerisano, in provincia di Cosenza, Città nella quale, ha conseguito la Maturità Artistica, nel Liceo Artistico Statale” Umberto Boccioni”.

Innumerevoli sono i Premi conseguiti, nonchè i riconoscimenti, che lo hanno collocato meritatamente sul podio artistico internazionale.

Recenti Premi ricevuti nel 2017 3° Class. al concorso internazionale “Slovenija in color Art” Riconoscimento XIX Galarte istituito dal club delle Grafica d’Autore presso il Museo del Presente di Rende (Cs) Riconoscimento “Università della Calabria” Magnifico Rettore Gino Mirocle Crisci 1° Class. al concorso di Pittura Scultura per la Rivista dell’Accademia Internazionale “Il Convivio” Castiglione di Sicilia (Ct) 1° Class. al Premio Internazionale "Arte Senza Confini" Omaggio a Salvatore Fiume, Castello della Valle di Fiumefreddo Bruzio (Cs) Segnalato al Trofeo Nazionale d’Arte “Il Templarino” Castelletto Sopra Ticino (No) 3° Class. al Concorso Internazionale ItaliArt e RuArt Mosca.

Marcello La Neve “La bellezza filosofica” olio su tela cm, 50x70 2017 Alcune delle sue numerose mostre: Padiglione Ambasciata della Biennale di Venezia “Masa” Metro Manila, Filippine Mostra presso la Santa Sede Ambasciata della Repubblica dell’Iraq Roma Galleria d’Arte “La Pigna” Roma GAM Galleria Civica d’Arte Moderna Torino Triennale dell’Arte Moderna Town Hall, Looe (Cornwall) Museo d’Arte MAC Argentina; “Vita Nuova” Galleria d’Arte Centro Storico Firenze “Percorsi tra visione e realtà” Sale del Bramante (Roma) “Energia Creativa-Tra Astrazione e Figurazione” Palazzo Albrizzi Venezia “Spoleto Arte verso Caravaggio 2017” Critici P. Pellegrino, M. Belgiovine, R. A. Piperno, R. De Salvatore, F. De Gregorio, V. Napolillo, P. Levi, S. Russo, M. Aiello, C. Brunetti, N. Giove, F. Nimpo, M. Legato, G. Falossi, P. Solano, M. Vitiello, M. Miulli, C. Gisoldo, S. Genise, A. D’Atanasio, e molti altri Quotazioni: da € 300 a € 8.000

Contatti: Tel. +39 3495113759 Mail m.laneve66@libero.it Studio: Viale Roma, 12 87044 Cerisano (CS) www.facebook.com/m.laneve66 Marcello La Neve “Carisma” olio su tela cm, 50x70 2015 Arte & Mercato 2018 Pag. 88

Prize of the Critics 2018

“Straordinaria gestualità con squillante fantasia creativa quella di Marcello La Neve, pittore di chiare visioni poetiche.

Le sue opere, ci seducono enormemente con smagliante e conciso cromatismo costruttivo.

La sua marcata segnica compositiva, è ancor più accentuata dal gusto tonale che l’artista incide nei suoi lavori, note quest’ultime, che emergono attraverso, la sequenziale e meditata lettura dell’opera.

Marcello La Neve, artista dotato di un attento filtro creativo, attraverso il suo personale estro poetico/surreale, percorre il suo olimpo artistico odierno, quale silente portavoce delle sue recondite emozioni.

Buona la conoscenza tecnico formale, desunta attraverso un miticoloso studio e ricerca, negli anni di attività artistica.

Un’Artista Marcello La Neve, in grado di offrirci sempre melodiche sensazioni, dove ogni tocco materico avvertibile nelle sue opere, rivive le sue reminiscenze emotive, e sentimenti interiori, che a loro volta, alimentano sempre più, la sua energia creativa, esaltando la sua personale stesura cromatica.

Francesco Chetta Marcello L'eterna giovinezza” olio su tela cm, 80x80 2016

Marcello La Neve “Arrivare al cuore” olio su tela cm, 60x80 2017 Marcello La Neve “La Musa ispiratrice” olio su tela cm, 60x80 2015 Arte & Mercato 2018 Pag. 89

Umberto Pettene

Prize of the Critics 2018

Biografia Umberto Pettene in arte UpArt, e nato a Verona, vive e lavora a Ivrea, dopo una lunga permanenza trascorsa a Torino.

Artista Contemporaneo di ispirazione figurativa Naif.

Opera nel campo delle installazioni, collage e pittura, rappresentando scene e storie di vita elaborate nel tempo.

Vecchie tavole recuperate e materiali riciclati vengono lavorati e assemblati insieme.

I soggetti sono principalmente in rilievo, spesso con alcune parti mobili, di solito sovrapposti l’uno con l’altro allo scopo di dare profondità e tridimensionalità naturale all’opera intera, diventando il risultato finale di una scenografia da restituire all’interpretazione dell’osservatore.

L’utilizzo attento dei colori naturali lasciano percepire in trasparenza le venature e i segni del tempo dei materiali utilizzati.

I dettagli completano il soggetto definitivo, le frasi e le metafore scritte direttamente sulla tavola sono gli elementi finali compartecipi dell’opera stessa.

Partecipa ad eventi, rassegne e concorsi artistici nei circuiti tradizionali del mondo dell’arte.

Studi tecnici ed artistici, ha lavorato nel campo dell’architettura moderna e la progettazione di impianti sportivi.

Umberto Pettene “Yellow submarine” tecnica mista su tavola, cm. 65x90 2017

Prize of the Critics 2018

“Un artista Umberto Pettene, dedito con passione e costante ricerca, alla pittoscultura della nuova figurazione, un linguaggio contemporaneo che ben si inserisce, nel panorama artistico Nazionale, quale superamento tecnico espressivo, della Pop Art, e Arte Povera, nettamente rivisitate, ed elaborate, dalla sua indiscussa fantasia creativa.

L’artista Pettene, infatti come base materica delle sue opere, da molto spazio al riutilizzo di vecchi legni, e come stesura finale pigmenti naturali, creando opere dal fascino cromatico, di grande effetto visivo.

Un realismo magico, dunque che sconfina dai comuni linguaggi figurativi, nel descrivere, artisticamente, quella sintesi oggettiva della composizione finale dell’opera. Una rivoluzione tecnica costantemente aggiornata, e basata nel sperimentare nuove tecniche e nuovi materiali, per condurlo, in una nuova dimensione, della realtà surreale, concepita attraverso molteplici scansioni della sua metamorfosi creativa.

Un nuovo modo di fare arte, profondamente recepito dall’artista, con il preciso impegnodialogativo, di lasciare testimonianza del suo percorso artistico.” Francesco Chetta

Umberto Pettene “Il Luccio” tecnica mista su tavola, cm. 50x90 2017 Arte & Mercato 2018 Pag. 90

Umberto Pettene “Il guardiano del faro” tecnica mista su tavola, cm. 55x120 2017

Umberto Pettene “I mulini di Kinderdijk” tecnica mista su tavola, cm. 69x101_2017 Quotazioni: da € 800 a € 1.500

Contatti: Tel. +39 3356763615 Mail umbertopettene@libero.it Studio: Via Torino, 509 10115 Ivrea (TO) Arte & Mercato 2018 Pag. 91

Ferruccio Sandri

Schio (VI) 1949

Prize of the Critics 2018

Biografia Ferruccio Sandri, è nato a Schio (VI) nel 1949 formatosi alla scuola veneta ha frequentato gli atelier di noti maestri, sperimentando varie tecniche pittoriche.

Importante è stata l’esperienza nell’est Europa, con i pittori veneziani e l’amicizia con Giuseppe Mannato e Sergio Held.

La natura e la contemporaneità sono fonti del suo lavoro.

Dipinge da quarant’anni, da ricordare la prima personale a Vicenza nel 1973. Sono seguite altre a Schio, Mestre, Venezia, Trieste, Forte dei Marmi, Milano, Pavia, Roma, Firenze, Fano, Udine, Marostica, Cremona.

Presente in varie fiere d’arte.

Ha lavorato per Otello Cazzola, attore e regista, nella realizzazione di scenografie teatrali.

Hanno scritto di lui: Chetta, Barioli, Belgiovine, Prunetti, Bencivenga, Frossi, Melli, Quenzati, Bonifati, Russo, Marasà e altri.

Quotazioni: da € 1.000 a € 9.000

Ferruccio Sandri “Ballo delle lettere e dei numeri” acrilico su tavola intelata, cm. 80x109 2014 Contatti: Tel. +39 044 5520280 Mail f-sandri@libero.it www.fsandri.wordpress.com

Ferruccio Sandri “Senza Titolo” tecnica mista su tavola intelata, cm.80x50 2017

Studio: Via Alessandro Volta, 12 36015 Schio Vicenza

Arte & Mercato 2018 Pag. 92

Pubblicazioni: il Gazzettino, il Piccolo, il Giornale di Vicenza, il Prealpe, 7 Giorni Veneto, Vita Nova, la Provincia Pavese, la Provincia del Friuli.

Le sue opere sono conservate in qualificate collezioni in Italia, Francia, Gran Bretagna, Olanda, Belgio, Romania, Croazia, Svizzera, Germania, Argentina, Australia Bibliografia e quotazioni : Pinxit, Annuario Commanducci N°7 e N° 10, L’elite l98l, I contemporanei dell’arte (Veneto), Vita artistica del Novecento, Italia nell’Arte / Veneto, Catalogo dell’Arte Moderna N° 50.

Tutte le opere sono state realizzate personalmente dall’autore.

Ferruccio Sandri “Senza Titolo” tecnica mista su tavola intelata, cm.70x48 2017

Prize of the Critics 2018 “Un razionale metodo espressivo, è celato nelle opere di Ferruccio Sandri, motivata da una profonda esigenza spirituale, concentrata alla purezza della materia e del colore, espresso con grande gestualità compositiva, un armonia estetica, carica di rigore plastico, che trasmettono infiniti messaggi emotivi.

La sua capacità creativa ci rivela senza alcun dubbio, grande conoscenza tecnica espressiva, guidata da una sana e remota gestualità, ciò rende ancor più interessante lo studio compositivo e la suggestione delle tematiche da lui condotte, in effetti la sua arte, ci rivela il suo carattere artistico, quale personale scelta comunicativa, con cui l’artista Ferruccio Sandri, esprime in totale libertà descrittiva le sue recondite emozioni, custodite intimamente, nel suo diario di umile artista” Francesco Chetta Ferruccio Sandri “Senza Titolo” tecnica mista su tavola intelata, cm.100x50 2017 Arte & Mercato 2018 Pag. 93

Giulia Gorlova Biografia: Giulia Gorlova, russa d'origine, da anni risiede nel riminese.

Figlia d’arte, termina la Scuola d'Arte nel suo paese, viaggia, dipinge e modella, spaziando tra il figurativo, il surreale, il concettuale. Utilizza diverse tecniche, dalla scultura alla pittura, ma soprattutto la ceramica. Frequenta vari stages in Italia e all'estero e artisti internazionali di varia estrazione e provenienza.

Artista sperimentale, si esprime attraverso i canoni oggi a lei più congeniali in linea con astrazione geometrica e scelte concettuali. Giulia Gorlova è seguita dai critici e storici dell'arte Dino del Vecchio e Luciano Carini, da Galleria e Casa d'Aste Artesegno Udine, Galleria d'Arte Farneti Forlì, online Saatchi Gallery London U.K..

Giulia Gorlova è recensita in varie pubblicazioni d'arte specializzate, periodici, Cataloghi, Annuari d'Arte Moderna e Contemporanea.

Oggi la sua ricerca si muove sulla via di una combinatoria di codici espressivi piuttosto autonomi rispetto alle tendenze che si dilatano attorno alla neo e post-astrazione. Collegata all'ordine costruttivo, l'artista crea opere di un certo rigore compositivo, intuite sul valore geometrico, esprimendosi attraverso varie tecniche: miste su tela, legno, alluminio; pannelli ceramici in maiolica, raku, terzo fuoco; collage, installazione, assemblage e concettuale recupero di elementi polimaterici del presente e del passato, incollati, ridipinti e trasformati in opere d'arte.

Rassegne estere: Mosca, Londra, Berlino, New York, Parigi, Zagabria, Ginevra.

Fiere d'Arte Moderna e Contemporanea: ArtInnsbruck International Art Fair A; Reggio Emilia; La Spezia; Forlì Contemporanea; Argillà Italia Faenza; "Ambienta" Interior Design International Fair Zagreb HR; Donostiartean International Contemporary Art Fair San Sebastian E; Paratissima Palazzo Esposizioni Torino; Parallax International Art Fair London U.K...

Giulia Gorlova “Opposite forces" tecnica mista e olio su tela, cm. 60x40x4 2015

Referenze Galleria Farneti - Forlì, Casa d’aste Arte segno Udine, Saatchi Gallery London UK - www.saatchionline.com Critici: S. Campana, R.M. Astolfi, Francesco Chetta, Oliva, R. Ricci, A. Giannoni, E. Catalano, L. Nobili e altri.

Contatti: +39 349 7350778

www. gorlovart.it

info@gorlovart.it Arte & Mercato 2018 Pag. 94

GALLERIA CASA D'ASTE

ARTE CAPITAL

Charlotte Ritzow

Charlotte Ritzow "Questioni d'amore" tecnica mista su tela con zip, cm. 56,5x46,5 2016 esposto Galleria ArteCapital Brescia - Ritzow Showroom Milano - Kunst und Medizin Gallery Berlino

www.ritzow.com Contatti Galleria ArteCapital Tel +39 030 37 52 682 viale Venezia, 90 25123 Brescia

Arte & Mercato 2018 Pag.Pag. 95 95 Arte & Mercato 2018

Ninni Antonella Pecoraro

Prize of the Critics 2018

Biografia L’artista Antonella Pecoraro, in arte Ninni, in giovane età s’innamora della pittura grazie agli insegnamenti ricevuti dalla sua zia materna, insegnante di educazione artistica a Sciacca (AG), solita chiamarla “Ninni”, pseudonimo con cui firma le sue opere.

Dopo il trasferimento della sua famiglia a Fiorano Modenese (MO), all’età di sedici anni inizia la sua carriera come decoratrice di ceramiche artistiche, per poi dedicarsi esclusivamente ai dipinti su tela.

Ha partecipato ai maggiori concorsi di pittura in Emilia Romagna e fuori regione. Nel 1999 ha fondato l’associazione artistica “Arte e Cultura” di Fiorano Modenese, nella quale sono iscritti alcuni dei più famosi pittori del territorio e della quale è tutt’ora Presidente.

Continua ad oggi a esporre in diverse mostre personali e partecipa a importanti fiere d’arte.

Recenti Esposizioni: Ninni “La scala dei Turchi” tecnica mista su tela, cm. 73x60 2016 Mostra “Inventario” Tra Galleria Made di Venezia e la Ca’ dei Carraresi a Treviso Mostra internazionale di Arte contemporanea “Premio Capitolium 2016” Sala Bramante - P.zza del Popolo a Roma VI° rassegna d’arte “Cà dei Carraresi” Treviso Premio Biennale “Trofeo La Vela d’oro per l’arte 2016 – Cesenatico” 1° Concorso di Pittura “Finestre sull’arte – Celenza Valfortore (FG)” XIV Collettiva Internazionale di Pittura “Arte a Palazzo” – Palazzo Fantuzzi Bologna Galleria d’Arte Farini Concept 2017 Mostra dipinti 20x20 Galleria De Marchi di Bologna 2017 Collettiva al femminile Associazione “Openart” di Scandiano (RE), Esposizione Arte Cremona con Artexpò Gallery, Esposizione Arte Fiera Forlì, Vernice Art Fair Contest, Fiera di Forlì Cesena Le sue opere, sono presenti in imporatanti collezioni private in Italia e all’estero

Ninni “Atollo” acrilico su tela, cm 50x60 Arte & Mercato 2018 Pag. 96

Prize of the Critics 2018

“Nelle opere di Antonella Pecoraro, in arte Ninni, si evidenzia in particoalar modo, il suo personale linguaggio artistico, nell’esecuzione formale del paesaggio artistico.

La natura espressa nelle sue opere, evidenzia un acceso cromatismo.

Ninni, si fa portavoce di una nuova evoluzione pittoica compositiva, attraverso l’utilizzo della matera disgiunta da un concetto ormai troppo utilizzato nel concepimento espressivo nel campo artistico, il mutamento gestuale che osserviamo nell’adagiare la materia, attraverso la sua personale tecnica della tavolozza, Ninni ci conferma una nuova generazionale espressione del linguaggio artistico contemporaneo, spesso concepi Ninni “Vulcano” acrilici e tecnica mista su tela, cm. 73x60 to da molti artisti.

La nostra artista, si distacca dai comuni linguaggi, conducendo la sua linea personale di ricerca, approdando ad un singolare dualismo pittorico, che senza ombra alcuna, riconducibile alla New informal action.

Questa sua ricerca, gli ha permesso di voler comunicare i suoi reconditi sentimenti e concetti riflessivi, comunicandoci scanditamente questi preziosi valori.” Francesco Chetta

Quotazioni opere: da € 900/1200 a € 2.000/2.800/3.500

Contatti: Tel.+39 348 7006303 Info: antonellap@laek.it Sudio: Via Carducci, 22 41042 Fiorano Modenese - MO

Ninni “La zolfatara” acrilici e tecnica mista su tela, cm. 50x60 Arte & Mercato 2018 Pag. 97

Ninni “Il sole nascosto” acrilici e tecnica mista, cm. 60x70

Ninni “Sottobosco a primavera” acrilici e tecnica mista, cm. 60x120

Arte & Mercato 2018 Pag. 98

Ninni “1-2-3-Febbraio, nevicata sui ciliegi” acrilici e tecnica mista su tela, cm. 40x50 2012 “Una silente interpretazione pittorica quella della nostra Ninni, nel saper modulare con vibrante cromatismo, l’ornato compositivo dell’opera.

Una spazialità metafisica, con richiami informali, che denotano un corretto equilibrio ben strutturato, della prospettiva dei valori tonali compositivi. Una pittura dunque di elegante raffigurazione, una gestualità di scandite note mediatiche, che l’artista Ninni, esprimepoeticamente attraverso le sue tele, l’intima voce della sua creatività, conciliando così le fasi fondamentali del suo recondito pensiero; quello della veglia e quello del sogno, una realtà superlativa che l’ artista ci descrive metaforicamente, trasformandoli in pura realtà visiva”.

Francesco Chetta - Galleria Italia Speciale 57. Biennale di Venezia Arte & Mercato 2018 Pag. 99

Rosa Maria Protopapa

Cagliano Del Capo (LE) 1956

Prize of the Critics 2018

Biografia

Rosa Maria Protopapa nasce a Gagliano del Capo, in provincia di Lecce, nel 1956.

Sin da giovanissima la sua passione è per le arti visive.

Incomincia la sua carriera artistica con la scultura, arte in cui si cimentò scolpendo la pietra leccese. Col passare del tempo e con le esperienze accumulate si lascia maggiormente andare, cedendo al fascino eterno dell’arte del dipingere e dello scrivere.

Protopapa trova la sua essenza nella pittura ad olio, in quella ad acrilico e nello scrivere le proprie riflessioni e stati d’animo. La passione per l’arte la spinge sempre più alla ricerca costante di se stessa continuando i suoi studi e le sue riflessioni per crescere sempre più.

Solo dal 2015 ha deciso di partecipare ad eventi e mostre anche a livello internazionale, con riscontri favorevoli di pubblico e di critica accompagnati da vari premi.

Premi ed esposizioni d’arte

Vincitrice della III° edizione Premio Nazionale Letteratura Ita- Rosa Maria Protopapa “That's Amore” olio su tela, cm. 50x70 liana Contemporanea; sez. Poesia inedita, “Laura Capone Editore, 2015; Premio Leonardo da Vinci - Cesenatico (FC), 2015; Premio 1° Grand Prix de la Côte d’Azur 2015, Cannes; Premio Hellas 2015 - Larisa - Grecia (GR); Trofeo artista dell’anno 2015 - Cesenatico (FC); Premio Levante - Otranto (Le), 2015; Premio con Menzione d’Onore Concorso internazionale di pittura “Notti Sacre in Puglia” 2015; Premio Oscar per le arti visive – Montecarlo; Premio Lupiae 2016– Lecce; 1° posto nel concorso di ritratto pittorico/sezione moderno-avanguardia al Portrait Festival 2016 – Mosca, Russia; Premio Tiepolo 2016 – Milano, Targa Riconoscimento Artista Internazionale – Arte States - EaEditore, VII° Biennale di Mosca- Italiart 2017, The Artboxproject Miami USA, Moscow House of Artist Russia, Art Basel Basilea, Omaggio allìarte Italiana, e a Pierre Cardin Galleria residenza Pierre Cardin Lacoste Francia, Bibart Biennale Bari.

Critici: Francesco Chetta, Laura Capone, Mariarosaria Belgiovine, Giovanna Albano De Mitri, Vincenzo Abati, Fulvia Minetti, Jean Charles Spinà, Francesca Cafiero, e molti altri.

Website: protopapa.weebly.com protopapa.virtualgallery.com

Quotazioni: da € 1.000 a € 3.000

Prize of the Critics 2018

“Una grande fantasia compositiva, quella della nostra pittrice salentina, Rosa Maria Protopapa, che con dolci note di scandita passione per l’arte, ci mostra la sua cromatica tavolozza; opere che ci trasmettono una meditata osservazione, trasmettendoci infiniti messaggi e profumi di sconfinata bellezza mediterranea, giusta sintesi formale tra figura e paesaggio, raffigurata con estrema sintesi compositiva.

La gestualità cromatica, è ricca di caleidoscopici tasselli, ornati da caldi colori, che donano al dipinto quella giusta espressione e valore all’opera.

La stesura della materia è adagiata sulla tela, con la sua personale tecnica, un messaggio sensoriale, perfettamente percepito dal godimento retinico dell’occhio esperto del collezionista.

Rosa Maria Protopapa, prosegue il lungo cammino nel mondo dell’Arte, con profonda coscienza verso una sana ed esauriente ricerca artistica.”

Francesco Chetta

Contatti: e Mail protopapa@gmail.com Cell. + 39 3286246494 Studio via Chiancaro, 2 70010 Adelfia Bari Rosa Maria Protopapa “Oltre la nebbia” olio su tela, cm. 70x80 2016 Arte & Mercato 2018 Pag. 100

Rosa Maria Protopapa “Moon Dance” olio su tela, cm. 70x80 2016

Arte & Mercato 2018 Pag. 101

Josè Soler Navarro

Murcia - Spagna 1987

Prize of the Critics 2018

Biografia

Nato a Murcia, in Spagna nel 1987, da una famiglia di umili artisti, ha iniziato i suoi studi e formazione artistica in giovane età, Diplomatosi in Architettura Tecnica, con Laurea in Ingegneria edile, vari corsi di design, master in Cat 3D e fide master.

Ha sviluppato le sue creatività artistica, sotto la guida del maestro Don Diego Segura. con grande passione, ricercando attraverso la versatile materia dell’acciaio, utilizzata all’interno dell’azienda, in cui lavora, come architetto e designer, da qui fantasia e applicazione artistica, danno vita alle sue esaltati opere artistiche, utilizzando come tecnica principale, l’uso della saldatura elettrica, e modellando le opere attraverso la forgiatura o resine.

Nelle sue sculture cerca di cogliere la sensazione della bellezza, giocando abilmente con linee formali, e grande armonia compositiva, forgiando con passione il metallo freddo e inerte, dandogli nuova vita e splendore visivo.

In molte sue opere, si può ben osservare il riciclo di vari materiali.

Premi ed esposizioni d’arte

Palma d’Oro per l’Arte 2016 (Montecarlo) Premio World Art Collection 2017 (Genova, Italia) Art Prize in Franch Riviera 2017 (Cannes, Francia) Fiera di Cremona 2017 (Cremona, Italia) Vernice Art Fair 2017 (Forlì Italia) Fiarte Fiera Internazionale d’arte di Granada 2017 (Granada, España) Premio Trofeo Artista dell’ Anno 2017 (Cesenatico, Italia) Premio Biennale Leone dei Dogi 2017, Venezia (Italia)

Josè Soler Navarro “Violino” cm. 65x24x25 Vidrio y acero al carbono con tratamiento de pintura

Josè Soler Navarro “Medusa Piet Mondrian” acciaio, cistallo e smalti, cm. 38x30x22 Josè Soler Navarro “Rose in the desert” Arte & Mercato 2018 Pag. 102

Josè Soler Navarro “Medusa otoñal” acciaio, cistallo e smalti, cm. 38x30x22

Prize of the Critics 2018

“Grande fantasia e talento creativo, sono doti indiscusse del nostro bravo artista spagnolo Josè Soler Navarro, in particolare le sue uniche opere, denominate “Meduse” donano all’osservatore delle sue performanti opere, una grande emozione visiva, giustamente riscontrabile nelle recenti scultore, e installazioni visive.

La contemplazione retinica, è resa ancor più incisiva a testimonianza, del suo talento ed espressione artistica, quale modulazione oggettiva della materia, da lui saggiamente plasmata e forgiata, ciò è reso possibile, dalla sua singolare gestualità e fantasia creativa, rivolta con profonda passione verso l’assemblaggio materico, attraverso il riciclo di vari e inusuali materiali ferrosi, oramai di sicuro destinati alle fonderie o discariche, creati e accostati con gusto e giusto equilibrio strutturale, dando vita nuovamente alla materia, facendo emergere in simbiosa sintesi, l’intima espressione emotiva del nostro giovane artista spagnolo.

Attraverso lo scandaglio visivo delle opere di Josè Soler Navarro, emerge copiosamente il pensiero dell’uomo, che valica la frontiera della realtà, conducendoci in una dimensione meditativa, con sconfinate note di eleganza strutturale, e acceso cromatismo delle masse materiche, ivi inserite nell’opera,” Prof. Francesco Chetta Contatti: Josè Soler - Murcia Spagna per l’Italia Mariarosaria Belgiovine mrbelgiovine2014@gmail.com Arte & Mercato 2018 Pag. 103

Marta H Reyes

Prize of the Critics 2018

Guatemala

Biografia Marta Reyes, abile artista contemporanea, e nata in Guatemala, paese dell'eterna primavera culla indiscussa della cultura, vive e lavora Roma da diversi anni.

Studi conseguiti, nel 2009 si è diplomata in Informatica presso l’Università Galileo Galilei di Guatemala, facoltà di Ingegneria dei sistemi informatici e Scienze amministrative, 2012-2013 corso di affresco presso la Scuola delle Arti Ornamentali di Roma Capitale, nel 2014-2015 tecniche varie, presso la Scuola delle Arti Ornamentali di Roma Capitale.

Nel 2013-2014 frequenta il corso di tecniche varie, presso la Scuola delle Arti Ornamentali di Roma Capitale, nel 2015 riceve il riconoscimento “Accademico D’Onore” dell’Accademia Constantina.

Ricordiamo una sua recente mostra personale a Roma, “Energia del Alma" allestita nella Sala Dalì, dell’Istituto Cervantes di Roma in piazza Navona 91.

La mostra, a cura della Dr.ssa Monica Ferrarini,è stata inserita, nel calendario eventi istituzionali del Guatemala, con relativo Patrocinio dell’Ambasciata del Guatemala e dell’ Istituto Cervantes.

Numerose le testimoniane critiche raccolte, nel corso della sua attività artistica, recensita su giornali e riviste specializzate.

Sue opere sono preserti in molte collezioni pubbliche e private, in Italia e all'estero.

"Una sua riflessione" Marta Reyes " Energia dell'anima I" tecnica mista, cm. 70x90 2015 ... Sono nata nella Terra dei Maya, circondata dalla natura, che mi ricompensava con il suo contatto, e il calore del sole, la luce della luna, e delle stelle, trascorrendo il tempo ho pensato, che avevo trovato tutto quello che potevo desiderare, ho pensato che la mia vita era risolta, ... ma non fu cosi. Da quel momento iniziai a farmi alcune domande, ho sempre fatto quello che mi sembrava, più corretto, e tutto ciò mi ha mo ha dato felicità, non guardo indietro, vivo solo il presente questa, e’ la mia vera realtà, e cerco di vedere il mio futuro in positivo, in modo da individuare il senso della vita, anche nelle piccole cose. Per raggiungere la vita attuale ho dovuto abbandonare la mia patria, ho visitato luoghi d’arte molto belli, che mi hanno fatto piangere per l’emozione. (M H R)

Prize of the Critics 2018

...“Le particolari opere di Marta Reyes, ci coinvolgono intensamente, la sua personale e particolare gestualità tecnica, riescendo a dare impulsi visivi alla materia, da lei saggiamente dominata, sprigionando una straordinaria forza sensitiva.

L’osservatore è condotto virtualmente, in una sensoriale dimensione, di profonda meditazione spirituale, dove lo spazio, è la visione oggettiva delle sue opere, è perfettamente riscontrabile.

Marta Reyes, consapevole dell'impatto visivo che vuole trasmetterci, ci conduce a percepire nuove realtà, silenti emozioni, placati in spazi atemporali, senza alcuna interferenza celestiale del proprio attonito pensiero”... Francesco Chetta

Marta Reyes ""Energia dell'anima 3" tec. mista su tela, cm.70x90 2015

Marta Reyes "Energia dell'anima 2" tec. mista su tela, cm.70x100 2015

Arte & Mercato 2018 Pag. 104

Marta Reyes "Energia di vita 3" tec. mista su tela, cm.100x150 2015

Marta Reyes "Energia di vita 1" tec. mista su tela, cm.100x150 2015

Marta Reyes "Eclisse" dittico - tecnica mista su tela, , cm. 100x140 2015 Quotazioni: Tecniche miste, olio su tela da â&#x201A;Ź 3.000/5.000 *â&#x201A;Ź 10.000/15.000 *per particolari opere, tecnica misura e anno Contatti: E mail: martareyes1@yahoo.com Tel. +39 3348475844 Arte & Mercato 2018 Pag. 105

Lidia Mietti

Prize of the Critics 2018

Imola 1987

Biografia Quando qualcuno mi chiede da quando ho cominciato a dipingere, prima di rispondere devo pensare un po’.

Posso dire che ho la sensazione di avere dipinto da sempre.

Andando indietro con la memoria, ricordo che, quando il mio maestro delle elementari assegnava un “dieci” ad un mio disegno, questo faceva aumentare la fiducia in me stessa.

La stessa soddisfazione la ritrovavo quando, già sposata, andavo a trovare mia madre e in casa vi erano ancora i miei disegni, realizzati su carta da imballo e cartone ritagliato, appesi ai muri.

Ma in quegli anni si doveva lavorare presto, anche molto giovani, e questo è quello che ho fatto, ma contemporaneamente frequentavo tutti i corsi di pittura e storia dell’arte ai quali potevo iscrivermi.

Poi un giorno ho incontrato un maestro di grande spessore, Francesco Verlicchi, e sotto la sua guida ho iniziato un percorso di studio del disegno a carboncino, della pittura e dell’acquerello.

Con lui ho imparato a miscelare bene il colore, ma non solo, il nostro rapporto si è poi trasformato in amicizia e collaborazione fino alla sua morte, avvenuta quando lui aveva novantacinque anni.

Prize of the Critics 2018

“Un intensa emozione visiva, emerge impetuosamente nelle opere di Lidia Mietti, ciò rende ancor più incisiva la visione, a testimonianza, del suo grande talento ed espressione artistica, facendo emergere, una singolare e personale gestualità, rivolta con profonda passione verso la modellazione della ceramica raku, dichiarando il suo mondo interiore, dove Lidia Mietti “Untitled 1” ceramica tradizionale, cm.26x20x9 prevale l’intima espressione emotiva dell'artista.

Si avverte così, nelle opere di Lidia Nietti, quella sintesi formale compositiva, dove il pensiero dell’artista, sconfina in una virtuale realtà, abilmente elaborata, attraverso la sua poetica visione, dando vita alle sue opere, attraverso recondite melodie cromatiche, e tasselli di materia plasmata dalle sue mani, conducendo l'osservatore delle sue performance, in una quinta introspezione, dimensione spirituale meditativa.” Francesco Chetta

Lidia Mietti “Untitled” olio su tela, cm. 100x100 Quotazioni Tecniche miste e olio su tela da € 800/1.500 a € 2.000/3.500 Ceramiche raku, da € 700 a € 2.500 / 4.500 Lidia Mietti “Untitled” tecnica mista su tela, cm. 40x40

Arte & Mercato 2018 Pag. 106

Lidia Mietti “Untitled 2” ceramica Raku cm. 49x8

Lidia Mietti “Untitled 3” ceramica Raku, cm .55x30x10

Lidia Mietti “Untitled” tecnica mista su tela, cm. 30x30

Lidia Mietti “Untitled” olio su tela, cm. 100x100

Contatti: E mail: mietti.lidia@gmail.com Tel. +39 328 4266880 Arte & Mercato 2018 Pag. 107

Orlando Tocco

Biografia Orlando Tocco, in arte “Orlando” nasce a Nurri nel 1959. Autodidatta, si dedica esclusivamente alla pittura con la tecnica ad “olio”, privilegiando il “figurativo”. Nel suo percorso artistico, si entusiasma della pittura manieristica, dei classici del Rinascimento, e fa sua la nozione “bella e dotta maniera”, fondata sullo studio dei Maestri attraverso la copia di modelli e tecniche sempre più impegnative. Così, ogni dipinto viene accuratamente studiato e preparato nei più piccoli dettagli prima di essere posto in opera. Non disdegna abbandonare questo impianto formativo, di stile classico, per dedicarsi ad una pittura più leggera, con colori massivi e colpi di pennello. Frequenta l’istituto tecnico nautico e diplomato lavora sulle navi mercantili come ufficiale di coperta, poi si avvia in una lunga carriera nel commercio organizzato, abita stabilmente a Selargius.

Nel 2016 nel Palazzo Scroffa di Ferrara con Nadia Celi; è presente con 2 opere alla 1° biennale d’Arte Contemporanea delle Dolomiti a cura di Giorgio Grasso e Mattea Micello; a Arte Salerno 2016 premio Internazionale di Arte Contemporanea. Al suo paese natale, nel ex convento dei Cappuccini la prima mostra personale patrocinata dal Comune di Nurri.

Nel 2017 alla Mediolanum Art Gallery con Prof. Giorgio Grasso, presidente Vittorio Sgarbi; al Museo Naturalistico del Territorio “Sa Corona Arrubia” di Villanovaforru.

Alcune sue opere sono custodite in luoghi sacri: Cagliari “La Vergine D’Itria” nella chiesa di Sant’Agostino, “L’estasi di San Francesco” nel Convento di Sant’Ignazio; a Foligno “Papa Francesco” nella chiesa San Nicolò.

Premi ricevuti e recenti mostre: Premio internazionale Iside 2017 Sa Corona Arrubia 2017 Mediolanum Art Gallery Padova con Giorgio Grasso e Vittorio Sgarbi Vin D’arte, Ragusa Omaggio a Frida, Palazzo della Cancelleria Roma e Palazzo Manzù Bergamo Sotto gli occhi di tutti, Lazzaretto Cagliari Morsi D’arte, Roma Ghirigori - Guerra e Pace, Settimo San Pietro.

Prize of the Critics 2018

Nurri (CA) 1959

Orlando Tocco “Solarità, donna del sud” olio su tela, cm. 40x50 2015

Principali tecniche e soggetti svolti: Olio su tela - Figurativo Critici: Francesco Chetta, Pasquale Solano, Gastone Ranieri Indoni, Luca Giovanni Masala

Orlando Tocco “Roulette, la ruota della fortuna” olio su tela, cm. 40x60 2015 Arte & Mercato 2018 Pag. 108

Orlando Tocco “Teatro - Il Musicante Blu” olio su tela, cm. 70x50 2015

Orlando Tocco “Verso Il Futuro“ olio su Tela, cm. 70x50 2017

Prize of the Critics 2018 “Un artista Orlando Tocco, dal timbro cromatico mediterraneo, con sconfinate note di lirica espressione, una perfetta sintesi compositiva, facilmente riscontrabile in numerose sue opere.

Una quinta pittorica, abilmente elaborata, attraverso la sua poetica visione, che danno vita a recondite melodie cromatiche.

Una stesura calda, e copiosamente accesa, di velature sequenziali, che prontamente si percepiscono, attraverso l’osservazione dell’opera, quale intimo dialogo del nostro artista, frutto di recondite emozioni.

Una visione pittorica, essenzialmente descritta, quella di Orlando Tocco, con grande modulazione segnica delle forme, e delle masse materiche, che ci permette di approfondire la sua grande persuazione gestuale.

Orlando Tocco “Frida Kahlo, La traversata della vita” olio su tela, cm. 40x60 2017 Il nostro bravo artista, Orlando Tocco, sconfina abilmente nella composizione scenografica dei suoi dipinti, da qualsiasi linguaggio accademico, ma concentrandosi con grande passione, nel voler esprimere, essenzialmente attraverso la personale espressione della figura, e l’uso del colore, ciò che più gli sta a cuore, scrivendo così, il diario del vissuto, le sue gioie e le sue pulsanti emozioni, interpretate con singolare lirica visiva, quasi a voler svelare il suo magico mondo, animato di Poesie e sereni racconti, donandoci il piacere e la voglia di rivivere quella silente atmosfera, colorata di piacevoli ricordi” Francesco Chetta

Contatti: Studio: Via San Martino, 150 09047 Selargius (CA ) Mail: orlandotocco@gmail.com Tel. +39 392 0055148 Arte & Mercato 2018 Pag. 109

Katia Sorasio

Prize of the Critics 2018

Saluzzo (CN) 1973

Biografia Katia Sorasio, nasce a Saluzzo nel 1973, vive e lavora a Mondovì in provincia di Cuneo.

Ha iniziato il suo percorso artistico nel 2000 frequentando per sette anni una scuola di disegno privata.

In seguito ha incontrato grandi maestri tra i quali Claudio Berlia, pittore cuneese di fama internazionale, avendo posato come modella, da qui apprende la tecnica pittorica su tavole di legno.

Ia sua personale tecnica, è la cartavetro nel creare il disegno.

“Gratta” le basi sovrapposte di colore e lascia che i graffi portino all’essenza del soggetto.

La sua prima mostra intitolata “Gentes” è avvenuta nel settembre del 2009, a Savigliano nella chiesa di S. Agostino.

Ha partecipato al Concorso Nazionale di Pittura “Premio Leonardo” nel 2010, tema l’infanzia, la voglia di vivere e crescere.

Ha esposto le sue opere in una personale al Museo Sommariva di Albenga dal dicembre 2010 al gennaio 2011. È stata invitata ad esporre le sue opere ad Arte Otto 2012 la III° edizione Rassegna d’arte Contemporanea a Cavallermaggiore.

Nel mese di agosto 2016 ha esposto presso la sala Cignolini delle Terme di Lurisia.

A settembre 2017 ha esposto a Torino al Lingotto (8 Gallery)

Katia Sorasio “Arabo” tempera su tavola, cm. 90x40 Katia Sorasio “Amore materno” tempera su tavola, cm. 65x90 Contatti: Studio: Via Baret, 27 12084 Mondovì Cuneo Mail: katiasorasio@gmail.com Tel. +39 338 4497999

Quotazioni: Tecniche miste, e olio su tela da € 1.000 / 1.500 a 2.000/3.000

Arte & Mercato 2018 Pag. 110

Prize of the Critics 2018

“Katia Sorasio, artista dall’animo artistico sensibile, e di grandi valori espressivi.

La sua ricerca, superata la fase sperimentale come valida pittrice figurativa, si concentra essenzialmente nel dare nuova forma al supporto da lei principalmente utilizzato, tavole di legno rese ruvide attraverto la personale tecnica del “Gratto”, mentre il suo linguaggio denota un influenza “Neo espressionista simbolico” raffigurando nelle sue opere, testimonianze di fede e di cultura, attraverso un sapiente impiego della materia cromatica.

Nei suoi lavori si avverte così, quella silente nota di raccoglimento emotivo, raffigurato con simbologia segnica, dei personaggi raffigurati.

Alcune opere di Katia Sorasio, ci descivono in tono spirituale, usi e costumi attinenti il ceto sociale, cui l’uomo convive con estremo raccoglimento spirituale quotidiano, affascinando l’osservatore delle sue opere, con espressioni figurali, ben inserite nell’ornato compositivo del dipinto, dove il colore è ulteriormente valorizzato, dalla precedente preparazione del supporto dell’opera.

La sintesi espressiva dell’artista Katia, è evidenziata essenzialmente dalla sua forte ed incisiva gestualità, carica di sentimenti evocativi, che la conducono con assoluta scioltezza compositiva, ad offrirci infinite sensazioni visive, sottolineando, i forti valori della sua energia comunicativa. Francesco Chetta

Katia Sorasio “Stretch yoga’s global holiday India” tempera su tavola, cm. 100x100 2016

Katia Sorasio “Geisha” tempera su tavola, cm. 100x80 Katia Sorasio “Monaci tibetani in preghiera, sotto la neve”, tempera su tavola, cm. 90x90 Arte & Mercato 2018 Pag. 111

Rita Vitaloni

Prize of the Critics 2018

Biografia Rita Vitaloni diplomatasi presso Istituto Tecnico commerciale, lavora nel settore del Credito; non ha mai voluto rinunciare al suo grande interesse per l’Arte.

Lavorando ha conseguito il Diploma al Liceo Artistico “Arturo Martini di Savona e poi ha ottenuto con i massimo dei voti il Diploma Accademico (vecchio ordinamento) in Pittura e il Diploma Accademico di 2° livello in Grafica all’Accademia di Belle Arti di Cuneo .

Ha tenuto numerose Mostre sia personali che collettive, in Italia che a livello Internazionale ha esposto le sue opere a New York, Chicago, Bonn. Ha lavorato per organizzare molti eventi artistici e ha collaborato con i suoi lavori con numerose gallerie Italiane ed estere.

Ha ottenuto numerosi riconoscimenti e premi nel suo percorso artistico, nel 2013 ha ottenuto il Premio Internazionale della Pace nel Mondo, Trofeo Artista dell’Anno 2013, Premio Biennale Oscar Arti Visive – Montecarlo, Premio Michelangelo, Premio La Gondola per l’arte 2014 Venezia.

Ricordiamo la sua partecipazione alla Biennale d’arte del Principato di Monaco all’Hotel de Paris di Montecarlo febbraio 2014, presente in varie rassegne e fiere d’arte contemporanea.

L’Arte e il Tempo” è l’official event, ideato Rita Vitaloni “Multipla” tecnica mista, cm.100x100 2017 da Giulia Sillato e diretto da Giulia Sillato e Giammarco Puntelli, Palazzo dei Giureconsulti - Milano “Grazie Italia”, evento promosso e patrocinato dai Padiglioni Nazionali Grenada e Guatemala presenti alla 56. Esposizione Internazionale d’Arte - La Biennale di Venezia. nella sede dell’Officina delle Zattere Venezia. VII° Edizione del Present Art Festival - Meeting in Shanghai,

Prize of the Critics 2018 per le opere Nere del progetto, IL Colore degli Sfrattati di Rita Vitaloni “IL Colore degli Sfrattati e’ un progetto tramite delle espressioni di una persona che ama l’Arte fin da quando era bambina per poter continuare questo progetto collabora anche attivamente la sua famiglia per permetterle di potere creare queste espressioni. Infatti questo progetto e’ una vera denuncia di cosa ha dovuto vivere questa famiglia su tre generazioni.

Dal 2008 quando si è arrivati a togliere una casa completamente ristrutturata a un bambino di 5 anni, rifatta completamente perche’ potesse crescere sereno, invece questo le è ‘ stato precluso perche’ oltre ha toglierle quel nido costruito per Lui non le è stato rimborsato nulla, nel 2006 era gia’ morta mia madre colei che aveva ereditato da mi madrina di battesimo quell’appartamento e che aveva dovuto mantenerlo con gli obblighi di proprietaria dal 1989.

Mia madre è morta dal dolore per tale vicenda . Sono arrivati a condannare me come figlia nel 2016 a più di Euro 77.000 condannandomi a canoni mai percepiti da1989 aumentati delle migliorie e pignorando un’altra casa dove vive mia zia di 86 anni, nel 2017, si è arrivati addirittura a non riconoscere nulla delle immense spese fatte in quella casa in cui hanno sfrattato un bambino una casa dove io sono andata abitare solo nel 2000 quando mi sono sposata eppure per la legge devo pagare canoni mai avuti ne da me ne da mia madre dove io non ho abitato dal 1989 ma solo dal 2000 e aumentati della ristrutturazione ma ora non è stato riconosciuto nulla della ristrutturazione e condannata a più di Euro 21.000 solo di spese processuali aspetto un altro pignoramento Questa è ‘ Una storia vera di come si e’ costretti a vivere, ora produco opere il cui colore e unicamente il NERO perche’ è stata uccisa ogni dignita’ umana è resa invivibile la vita a tre generazioni che non hanno alcuna colpa.” Rita Vitaloni IL COLORE DEGLI SFRATTATI è una denuncia di vita, tramite le mie opere, di una famiglia Italiana a cui e’ stato negato il diritto di vivere una vita normale e le sono stati inferti pesi impossibili senza alcuna colpa. Rita Vitaloni Contatti: rita.vitaloni@yahoo.it Via Verzellino 11/87r 171OO (SV) Arte & Mercato 2018 Pag. 112

IL COLORE DEGLI SFRATTATI

Questa è una testimonianza vera di una famiglia Italiana che non solo, è stata lasciata sola, è stata continuamente ogni giorno, maggiormente fustigata dalle palesi ingiustizie.

Rita Vitaloni “Opera specchiata, su opera nera” 2017 Serie unione, opera e Vita attorno tutte opere, per il progetto: Il colore degli Sfrattati Arte & Mercato 2018 Pag. 113

Carlo Fontana

Napoli 1951

Prize of the Critics 2018

Biografia Carlo Fontana è nato a Napoli nel 1951; vive e lavora a Casier (TV).

Compiuti gli Studi all'Accademia di Belle Arti di Napoli, Carlo Fontana dipinge forme ed oggetti quotidiani, forme ed archetipi del mondo mediterraneo, illuminati da una luce abbagliante, scomposta nei colori dell'iride attraverso nua struttura sfaccettata, in una pittura pastosa, luminosa e densa, ottenuta facendo uso di pigmenti sciolti nell'olio di lino cotto.

La casa, l'albero, la caffettiera napoletana sono soggetti ricorrenti, collocati in un ambiente inondato di sole e bagnato di mare azzurro, come quello di Napoli, sua terra d'origine. Gli interni domestici sono affiancati dagli esterni, scorci di qualche ponte, di qualche isola veneziana non ben definita, ora il mulino a vento e seppure non vi è alcuna presenza umana l'uomo, l'ingegno dell'uomo, è presente nell'architettura e negli oggetti che ha costruito. Solo negli ultimi anni è comparsa la figura umana nei suoi lavori per sottolineare il rapporto con l'ambiente e per giungere nel ciclo Vogando e a sviluppare un rapporto tra mente e corpo e spazio circostante.

Carlo Fontana "Cerchi con case" olio su tela, cm. 100x100 2017

Critici: Francesco Chetta, Emrico Crispolti, Maria Luisa Trevisan, Boris Brollo, Roberto Vidali, Alice Rubbini, Francesca Agostinelli, e molti altri.

Quotazioni: da € 900/1.500 a € 2.500/4.500

Referenze: Modern Art Agency Piazza San Pio x Casier TV Totem Il Canale Venezia 041 5223641 Artantide Verona 045 8622389 artantide.com Galleria Rettori Tribbio Trieste 040 370365 Orler factory Marcon Venezia Contatti: Tél. +39 3476838192 Mail: info@carlofontana.info www. carlofontana.info

Carlo Fontana "Stelline" olio su tela, cm. 100x100 2017 Arte & Mercato 2018 Pag. 114

..."Sono archetipi collocati in ambiente inondato di sole e bagnato da un mare azzurro, come quello della sua terra d'origine, Napoli, a cui si sente saldamente ancorato, un sentimento di nostalgia di Sehensucht romantico e tipico di chi come Carlo ha lasciato i luoghi della propria infanzia, gli affetti, le cose care, per trasferirsi altrove, in un luogo in cui dover ripiantare le proprie radici e Fontana lo fa con la pittura, ricostruendo il suo microcosmo fatto di oggetti, ambienti, situazioni e valori. La caffettiera napoletana, il mare, la barca a vela, il tavolino basso da salotto abbellito con tre o al massimo quattro fiori, non solo sono oggetti cari all'artista, ma esprimono un ambiente culturale, a cui l'artista si sente fiero di appartenere, perchÊ ancora legato a un moda che mette al centro la persona, gli affetti, i rapporti con gli altri, la famiglia, e ciò diventa piÚ chiaro nei dipinti dedicati agli interni domestici, in cui pone in primo piano una tavola rotonda con tovaglia variopinta su cui stanno, ciliegie, caffettiera, fiori, tazzina. Seppure manchi la presenza umana se ne avverte la presenza in questi oggetti, nei paesaggi che si intersecano con gli interni, visti come da una finestra aperta su un mondo solare che l'artista ultimamente ha reso piÚ riconoscibile."...

Maria Luisa Trevisan Carlo Fontana "Tre case" olio su tela, cm. 50x50 2017

Carlo Fontana "Alberi magici a Prosecco" olio su tela, cm. 50x50 2009

Arte & Mercato 2018 Pag. 115

Carlo Fontana "Due cerchi" olio su tela, cm. 120x100

Alexandra van der Leeuw

Hague -Holland

Prize of the Critics 2018

Biografia Alexandra HL van der Leeuw, è nata a L'Aia-Olanda, Alexandra van der Leeuw frequenta l'Accademia di moda di Amsterdam fra il 1981 e il 1984. Ispirato al famoso Dutch Couturier l’olandese Frans Molenaar durante uno stage intensivo nel 1986, nel suo atelier sito nel cuore della città di Amsterdam. Nel corso dei successivi anni, ha disegnato collezioni “couture” con grande successo, per i suoi clienti.

Nel 2002 la sua vita cambia, decidendo di passare dalla progettazione della moda a scolpire su modello di disegno presso l'Accademia di Belle Arti a Laren, nord-Olanda. Studiare il nudo sostenuto la conoscenza dell'anatomia e, a tempo debito ha sviluppato il suo stile.

Conducendo una linea figurativa, ricercando una sfida dove la perfezione incontra l’imperfezione che contribuisce alla composizione finale.

Alexandra lavora in vari temi peraltro che cercano l'esperienza del momento, senza concentrarsi su un concetto. Lavora vari materiali come la pietra, il bronzo, la terracotta, la cera sperimentando vari materiali, sintetici e miscelazione vetro con diversi pigmenti.

Numerose sue opere, sono presenti in importanti collezioni private, in Italia, e all’estero.Molti suoi lavori, sono rifiniti con una speciale tecnica di pittura che ha imparato a Bruxelles chiamato “patiner”. Il suo lavoro è stato descritto come “Métaphysique” con inserti oggettivi di figure animate.

Nel 2010 Alexandra viaggia tra Olanda, Italia e Francia e inizia a fare ritratti a olio e pastello guidati da diversi tutor.

La società multiculturale dell’Aja, l’apertura mentale di Amsterdam, l’atmosfera art - parigina e veneziana, sono per Alexandra, una grande fonte di ispirazione artistica.

Alexandra van der Leeuw “Fanny“ olio su tela, cm. 40x50

Prize of the Critics 2018

"Omniscience Live" by Alexandra van der Leeuw Nel 2016 -17, su invito di importanti gallerie, ha esposto in qualificate fiere d’arte contemporanea: Art Monacò 16 - Il Salone per eccellenza della Costa Azzurra, Montecarlo, Arte Padova, Arte Bergamo, Contemporanea Forlì 2017, Arte Piacenza, Arte Genova, Art Miami, Kirkland Washington USA.

“Alexandra van der Leeuw, rinomata e abile scultrice olandese, si è sempre dedicata al ritratto e alla figura, con grande impegno compositivo, in effetti, i suoi ritratti ci attirano con grande coinvolgimento emotivo, avvertendo attraverso la meditata visione dell'opera, reconditi messaggi abilmente censiti nel ritratto, la primaria espressione celata nella dolcezza che emerge nel contesto descrittivo, "Occhi azzurri" ci conferma senza ombra di dubbio, la sua naturale eleganza e gestualità pittorica, riuscendo attraverso velature tonali, a far emergere dolcezza e serenità al volto, la tavolozza di Alexandra, valica i confini formali, della nuova figurazione artistica, rendendo incondizionatamente l'espressione singolare del ritratto da lei eseguito, intarsiato di caleidoscopici tasselli cromatici, che evocano nel contempo, una lirica sinfonia naturalistica della figura, decifrata da silenti note di versi poetici.

Un messaggio mediatico, scandito da un introspezione, che genera forza e struttura alla ritmica visiva dell’opera.

L’artista Alexandra van der Leeuw, ci comunica essenzialmente, i suoi amori e sentimenti, gelosamente custoditi nel suo cuore, di vero artista, fuori da ogni regola oggettiva, distaccandosi forzosamente, da futili concetti riflessivi, trasmettendoci così, quei valori di profondo, e sincero amore verso l'arte” Francesco Chetta

A tenuto mostre personali e collettive, a Venezia, Mosca, Saint Petersburg, Parigi, Bruxelles, Kirkland Usa, Cannes, Nice, Menton, Montecarlo, Innsbruck, Barcellona, New York, oltre a varie collettive in Italia, Sirmione, Cesenatico, Pavia, Firenze, Venezia, Milano, Vieste, Genova e Padova, Premio della Critica, con pubblicazione e Diploma d'onore, Premio Grandi Firme dell'arte Contemporanea 2018 Cesenatico, Prize of the Critics Porto antico - Arte Genova 2018, Arte Bergamo 2018 - Fiera di Bergamo Arte & Mercato 2018 Pag. 116

“Uno stile scultoreo quella della nostra scultrice olandese van der Leeuw, basato essenzialmente nel dare anima alle sue opere. Il saper modulare con vibrante gestualità, la silente materia, donando linfa vitale alla composizione stessa.

In particolare in alcune sue opere, si può osservare la giusta intimità espressiva della figura, contornato da enigmatici volti e figure di donne corsive, molto a cuore all’artista van der Leeuw, riscoprendo di fatto, il corretto equilibrio formale della materia da lei caldamente plasmata, con sobria eleganza modulare nella struttura, sia nella prospettiva aerea, che nei valori tonali della patinatura finale del bronzo.

Un’interpretazione scultorea di chiaro ed incisivo linguaggio simbolico/metafisico, che dona all’opera quel phatos di lirica visiva, descrivendoci poeticamente, il suo intimo spirito caratteriale, conciliando così le fasi fondamentali del suo recondito pensiero emotivo, con quello virtuale, un sogno dunque che inebria la mente dell’osservatore, di melodiche note, di recondite sintonie d’amore, trasportandolo in un ovattato viaggio di recondite emozioni; una realtà, dunque superlativa, cui l’ artista Alexandra van der Leuw, ci descrive i suoi “Sogni” trasformati in pura realtà visiva”. Francesco Chetta (Arte Collezionismo 2016)

A. van der Leeuw “Occhi azzurri“ olio su tela, cm. 60x80 2016

Alexandra van der Leeuw “Omaggio a Amy Winehouse “olio su tela, cm. 40x50

Alexandra van der Leeuw “Carolina“ olio su tela, cm. 30x40

Tecniche e materiali usati principalmente: olio su tela, pietre scolpite, marmi, bronzo fusione a cera persa, e altre tecniche.

Quotazioni: dipinti ritratti olio su tela, da € 1.500 a € 3.500 e oltre sculture da € 2.500/3.500 - € 5.500/7.500 Multipli, edizione limitata, da € 900/1.300 a 1.500/2.000 - tiratura 9/9 Info: Alexandra van der Leeuw Nieuwe Schoolstraat 109 2514 HW Den Haag - beelden@alexandravanderleeuw.nl

Residenza Italia a Venezia: via Giacomo Herz, 4 Palazzo “B” Lido di Venezia - Venezia Italia tel. +39 041 526 6744

www.alexandravanderleeuw.nl Info mail: alexandra-leeuwenmanen@hotmail.com Phone + 31 (0) 6 52325575 Arte & Mercato 2018 Pag. 117

Jani Jan J

Prize of the Critics 2018

Austria

Biografia Jani Jan J. è un artista di fama internazionale e pluripremiato. Presenta le sue opere a livello internazionale su biennali (Firenze - Barcellona - Palermo - Izmir - Bienale), fiere e mostre private. Dal 2016, Jani è "Ambasciatore per l'Austria e la Grecia" della Fondazione Costanza.

Jani Jan J. è un pittore, uno scultore e un qualificato terapeuta dell'arte in direzione multimediale (ÖAGG Vienna). Jani Jan J. è il fondatore, curatore e direttore dell'evento internazionale annuale "Arte e cultura in Staatz" L'arte è uno strumento potente - sono convinto che la musica dei colori stia muovendo le persone, che il linguaggio delle forme induca le persone a discutere tra loro. L'arte è infinita nella sua diversità, lavora costantemente con i colori e le forme, e quindi il dialogo interiore, lascia che scopri continuamente qualcosa di nuovo.

L'arte è uno strumento potente - sono convinto che la musica dei colori stia muovendo le persone, che il linguaggio delle forme induca le persone a discutere tra loro. L'arte è infinita nella sua diversità, lavora costantemente con i colori e le forme, e quindi il dialogo interiore, lascia che scopri continuamente qualcosa di nuovo.

Jan J è uno scultore e pittore autodidatta, un laureato in terapista artistico e un direttore multimediale. Le sue opere sono composizioni attentamente orchestrate, che stimolano la riflessione, che fluiscono con i colori, la linea e la forma. L'artista utilizza modelli e figure per rappresentare la natura e la spiritualità.

Jani Jan J "Sky dancer," mixed media on canvas, cm. 47x33,5 2017 Prize of the Critics 2018 ... "Great talent, with a strong sense of creative imagination, emerges from the works of Jani Jan, an eccentric artist, who communicates his visual messages, evoking his daily emotions, deduced and filtered by his reality and subsequently transported on the canvas, with particular gestural ease, and a hint of allegory.

An artist Jani Jan, who turns his attention to the unconscious conceptual unconscious, sublimated with metaphorical inlays, records dreams, subsequently sifted and transformed into wonderful chromatic pieces, which generate, in turn, intricate mental mysteries.

The particular technique, used by our eclectic Austrian artist Jani Jan, reveals to us by deeply scanning the work, its freed feelings, in a fifth content vision, corresponding to each perceived emotion, revealing so all its real, "living the life in color "representing chromatically in his works, multiple references of the daily magic of his present, arousing infinite emotions in the observer" ...

Francesco Chetta

Jani Jan J "A second before", iron painting mixed media on wood, cm. 63x46x4 2017 Biography Jani Jan J. is an internationally renowned and award-winning artist. He presents his works internationally on biennials (Florence - Barcelona - Palermo - Izmir - Bienale), fairs and private exhibitions. Since 2016, Jani is “Ambassador for Austria and Greece” of the Foundation Costanza. Jani Jan J. is a painter, a sculptor and a qualified art therapist in multimedial direction (ÖAGG Vienna). Jani Jan J. is the founder, curator and director of the international, annual event “Art and Culture in Staatz” Art is a powerful tool - I am convinced that the music of colors is moving people, that the language of forms makes people discuss with each other. Art is infinite in its diversity, working constantly with colors and forms, and thereby the inner dialogue, let me continually discover something new.

Art is a powerful tool - I am convinced that the music of colors is moving people, that the language of forms makes people discuss with each other. Art is infinite in its diversity, working constantly with colors and forms, and thereby the inner dialogue, let me continually discover something new.

Jan J is a self-taught sculptor and painter, an art therapist graduate, and a multimedia director. His works are carefully orchestrated, thought-provoking compositions, flowing with colors, line, and form. The artist employs patterns and figures to depict nature and spirituality.

Contatti / Contacts: e Mail jani@janijanj.com Phone 0043 69914021422 Enzersdorf, 98 2134 Staatz Austria www.janijanj.com Facebook: Jani Jan J www.janijanj.com

Arte & Mercato 2018 Pag. 118

Prize of the Critics 2018

...”Grande talento, con spiccato senso di fantasia creativa, emerge dalle opere di Jani Jan, un eccentrico artista, che ci comunica i suoi messaggi visivi, nell’evocare le sue emozioni quotidiane, desunte e filtrate dalla sua realtà e successivamente trasportate sulla tela, con particolare disinvoltura gestuale, e un pizzico di allegoria.

Un artista Jani Jan, che rivolge la sua attenzione all'orinico inconscio concettuale, sublimato con metaforici intarsi si recorditi sogni, successivamente vagliati e trasformati in meravigliosi tasselli cromatici, che generano a loro volta, intricosi misteri mentali.

La particolare tecnica, usata dal nostro eclettico artista austriaco Jani Jan, ci rivela scandagliando in fondo l'opera, i suoi sentimenti liberati, in una quinta visione contenutistica, corrispondente a ogni sua emozione percepita, rivelandoci così tutta la sua reale, "living the life in color" rappresentando cromaticamente nelle sue opere, molteplici riferimenti della quotidiana magia del suo presente, suscitando infinite emozioni nell’osservatore”...

Francesco Chetta

Jani Jan J "Reach man against water" iron painting mixed media on wood

Jani Jan J "Tiptych a long time ago 1" iron painting mixed media on canvas, cm. 90x40 2015

Jani Jan J "Ramse´s dog - iron painting, mixed media on wood, cm. 59,5x42x4 2017

Jani Jan J "Deep blue dream" iron painting, mixed media on canvas and wood, cm. 170x70 2013

Arte & Mercato 2018 Pag. 119

Lia Pache

Prize of the Critics 2018

Moscow Russia

Biography Lia Pache (Yulia Pacheco) artist, painter, teacher of painting. Engaged in abstract, portrait, landscape painting. Interested in psychology of art, and the creative process of artists.

Born in Moscow. In the 90 years with her family lived in South America, painted and taught art. The author of articles about artists and art in Latin America in 2000-2008. Participated in scientific conferences at the Institute of Latin America of the Russian Academy of Sciences.

Lia Pache “ Series - The Secret Garden” polimaterico su tela, cm. 60x60

The artist goes from fragmentary current thinking among many sources of information where there is a separation from the real world to the virtual, and is on track to return to the sources of ancient knowledge, in search of the genetic code of philosophical wisdom. Her abstract works have an influence by Jazz improvisation, the effect of lyrical abstraction, action painting, abstract expressionism. ... In addition to traditional oil paints for painting, the artist uses modern synthetic materials, acrylic relief paste, giving a formal and sculptural relief work, alkyd paints and aerosols make it possible to use different methods frottazh, dripping ... The works are distinguished, on the one hand, balance, equilibrium and fine-tuned composition and at the same time the unpredictability of expressive action, the movement impressed by the expression. Lia contracted study of pure color, the complexity of pictorial compositions, layering in conjunction with the work of “a la prima”.

Esposizioni 1991 - mostra privata a La Paz, Bolivia 1999 - Solo Show “Crest della Cordigliera bucare il cielo”, “Museo dell’Uomo”, Mosca.

2000 - Mostra Collettiva “L’America Latina nelle opere degli artisti di Mosca” presso l’Accademia Diplomatica del Ministero degli Affari Esteri della FR. 2000 - Mostra Collettiva “Il Giardino degli Uccelli del Paradiso”, Galleria Statale di Mosca “Chertanovo” 2001 - Mostra Collettiva “L’arte dei giovani alle soglie del nuovo millennio”. Accademia Diplomatica del Ministero degli Affari Esteri della FR. 2006 - “Sogni e ricordi di Latina”, Ambasciata di Colombia, Mosca Solo Exhibition.

2007 - Mostra Personale “Il mio Carnevale”, Ambasciata della Colombia, Mosca.

2007 - Esposizione Duo “Geografia della poesia cilena”, Ambasciata della Repubblica del Cile, Mosca.

Lia Pache “ Series - The Secret Garden” polimaterico su tela, cm. 60x60 Arte & Mercato 2018 Pag. 120

Education In 1990 Graduated from the Moscow State Academic Art College by 1905 year, department of the painting, profession - artist painter, teacher of painting.

Graduated from Meuh specialty in art-criticism, art-manager.

Completed a course of practical psychology at Moscow State Pedagogical University.

Graduated from the Evening Music School N.Rakov, piano. Studied at the Art School V.Vatagin.

Exhibitions 2017. - The International Exxhibition of artistic movement Neutral-ism, Palazzina Azzurra, San Bendetto del Tronto, Italy.

2017- The International Exhibition of donate works, Museum of the artistic movement Neutral Ism, Pescara, Italy.

2016 - Remarcable participation in the Exibition of the selected artist’s work in the National Museum of Macedonia and the Catalog Galeria Osten on Biennial of Drawing Skopje, Macedonia.

2015 - The first international exhibition of the artistic movement Neutral-ism, founded by Maestro Francesco Perilli. Aurum Museum, Pescara, Italy.

2007 - Duo Exhibition “Geography of Chilean poetry”, Embassy of the Republic of Chile, Moscow.

2007 - Solo Exhibition “My Carnival”, Embassy of Colombia, Moscow.

2006 - Solo Exhibition “Dreams and memories of Latin America”, Embassy of Colombia, Moscow.2001 - Group Exhibition “The Art Lia Pache “ Series - The Secret Garden” polimaterico su tela, cm. 60x60 of the youth on the threshold of new millennium”. Diplomatic Academy of the Ministry of Foreign Affairs of the FR. 2000 - Group Exhibition “The Garden of the Birds of Paradise”, Moscow State Gallery “Chertanovo” 2000 - Group Exhibition “Latin America in the works of Moscow artists” at the Diplomatic Academy of the Ministry of Foreign Affairs of the FR. 1999 - Solo Show “Crest of the Cordillera pierce the sky”, Interregional association “Museum of Man”, Moscow.

1991 - Private exhibition in Calacoto, La Paz, Bolivia.

1985 - Plein Air painting and solo exhibition in Imatra(Valtionhotelli), Finland.

Quotazioni: polimaterici su tela, da € 2.000 / 2.500 a * € 5.000 /6.500 Contatcs E Mail pressrespond@hotmail.com

Lia Pache “Ocean spirit” polimaterico su tela, cm. 50x60 Arte & Mercato 2018 Pag. 121

Flora Castaldi

Toulouse (Francia)

Biografia Flora Castaldi artista e poeta, vive e lavora a Tolosa in Francia. Creatrice della tecnica del sollievo, globalizzato con il termine generico di “Cosmogéologie» © Flora teorizza la sua attività di pittore e dice in un metodo (libri officina).

In risonanza con i suoi dipinti, Flora compone i suoi testi, poesie, leggende, le citazioni ... e il libro in un pensiero filosofico poetico.

Lei dice: “ il mio linguaggio espressivo, è sensoriale, la Pittura e la Poesia sono collegati. Da questa fusione artistica, nasce il suo avoro, offrendo allo spettatore, un unica visone carica di sentimenti poetici. » La ricerca pittorica di Flora Castaldi, ci invita ad osservare e meditare, una attenta analisi riflessiva sul mondo contemporaneo, le sue origini, la sua evoluzione, definite dalla critica: “favole poetiche”.

Prize of the Critics 2018

“Una lirica visione ovattata, traspare dall’onirico linguaggio cromatico della sua sensibilità pittorica, percepibile per incanto, dalla suggestiva visione delle sue opere, filtrate abilmente dalla sua fantasia creativa. L’intensa particolarità delle opere di Flora Castaldi, rende ancor più incisiva visione e testimonianza, del suo talento ed espressione artistica, un singolare mondo cromatico, dove prevale l’espressione emotiva delle ambivalenze formali descrittive della composizione informale delle opere. Si riscopre fortemente così, nella pittura di Flora Castaldi, una calda spiritualità, dove il pensiero dell’uomo, valica Flora Castaldi “Vagues Ecliptiques” acrilici e tecnica mista, cm. 80x80 la frontiera della realtà, conduceci in una dimensione spirituale meditativa” Francesco Chetta Premi: Meilleur Artiste de France - Médaille d’Or Académie Culturelle Internationale Francia, Premio Internazionale Michelangelo Buonarroti - Academia Culturale Italia In Arte Torino, Diplômée Arts Sciences Lettres, Société Académique des Arts Sciences Lettres Francia, Premio Internazionale Leonardo da Vinci Accademia Culturale, Italia In Arte Torino, Gran Premio Mediceo Cosimo Accademia del Marzocco Firenze, Editorial Prize Of the Critics Fiera di Genova 2018.

Quotazioni: da € 500/1.500 a € 7.000 Contatti: Tél. +33 06 70064063 Mail: artist.flora@neuf.fr http://www.flora-artiste-peintre.fr/

Flora Castaldi “Lunessance” acrilici e tecnica mista, cm. 80x80 Arte & Mercato 2018 Pag. 122

Recenti esposizioni Brera Site - Biennale Milano, Gallerie Carrè d’Or Monte Carlo, The International Art Cruize, Multi Art Events Principauté de Monaco, Ata Hotel Varese, Incontri d'Arte Museo Crocetti Roma, Espace Edi Toulouse, Grandes Signatures des Beaux Arts Toulouse France, Art Monaco Biancoscuro, Espace Fontvieille Principauté de Monaco, Crisolart Gallery Barcellona, Excellence Art Gallery Marbella Espagne, La Bombonniere Gallery Sanremo, Festival dell'Arte Milano Italy, Tiffany'S Hotel Rio de Janeiro - Rio Art Olimpiadi dell'Arte Arte Genova 2018 Galleria Farini Bologna, Art Monacò 18, 2018 Biancoscuro Effeci edizioni.

Critici: Francesco Chetta, Vittorio Sgarbi, Mariarosaria Belgiovine, Elena Gollini, Elena Cicchetti, Roberto Chiavarini, Antonio Malmo, Aline Llareus Dinier e molti altri.

Flora Castaldi “Fragmentation” acrilici e tecnica mista, cm. 100x100

Prize of the Critics 2018

“Superbe et Magnifique” .....è la fantasia pittorica di Flora Castaldi, essa ci comunica attraverso le sue performanti opere, silenti messaggi, provenienti dal suo cuore sentimentale, nell’evocare sulle tele, emozioni romantiche, desunte principalmente dalla sua interiore realtà, e congiuntamente modificati dalla sua particolare fantasia creativa.

Un artista dunque, Flora Castaldi, che rivolge la sua attenzione al cromatismo floreale, sconfinando apertamente in interpretazioni oggettive, di meravigliose composizioni di richiamo naturalistico.

La particolare tecnica usata dall’artista francese Flora Castaldi, ci rivela ogni suo gesto, i suoi sentimenti decodificati, da una quinta contenutistica, che corrisponde a ogni singola emozione ricevuta, comunicandoci così, tutta la sua elevata, capacità tecnica della visione del reale, rappresentata cromaticamente nelle sue opere, e di evocare molteplici riferimenti alla quotidiana magia del presente, suscitando grandi emozioni nell’osservatore delle sue stupende opere.

Francesco Chetta

Flora Castaldi “Recife III°” acrilici e tecnica mista, cm. 100x100 Arte & Mercato 2018 Pag. 123

Lena Gentile

Prize of the Critics 2018 Biografia Lena Gentile è pittrice, scultrice e restauratrice.

Nata a Montegiordano (CS) nel 1961, opera nell’ambito tra surrealismo e simbolismo. Dopo aver studiato presso il Liceo artistico “Lisippo” di Taranto, si è specializzata in “pittura e restauro” presso l’Accademia delle Belle arti di Bari e aver insegnato, per qualche anno, Educazione artistica, si è voluta dedicare alla cura del prossimo abilitandosi nella professione di Infermiera ed esercitando, ancora oggi, tale professione presso l’Asp di Cosenza, continuando a coltivare la passione per la pittura dando luogo a una sperimentazione continua e creativa, riscuotendo successi di pubblico e di critica.

Le sue opere si trovano presso Fondazioni, Musei, Chiese, Collezioni pubbliche e private, in Italia e all’estero.

Hanno scritto di lei: Vittorio Sgarbi, Francesco Chetta, Giorgio Falossi, Mariarosaria Belgiovine, Michel Verdant, Giancarlo Alù, Orfeo Carpitelli, Marta Ferloni, Raffaele Galasso, Augusto Giordano, Anna Iozzino, Franco Maurella, Leonardo Rizzo, Gioacchino Ruocco, Caterina Zonno e molti altri.

Recenti Mostre e Premi 2016-2017 Premio Internazionale “Arte Salerno” Palazzo Fruscione-Salerno, Premio Internazionale “Triennale dell’Arte Contemporanea di Verona” Palaexpo, Premio Internazionale “Minerva Dea di Tutte le Arti” Hotel President Lecce, Premio Internazionale “I Segnalati” Castel dell’Ovo Napoli, Premio Internazionale “La Vela d’Oro per l’Arte” Hotel Miramare Cesenatico, Premio Internazionale “Leonardo da Vinci” Palazzo Borghese Firenze Premio Internazionale Parga “Il Decennale” Castello Veneziano di Parga Grecia, Premio Internazionale “Casanova Award” Palazzo Flangini Venezia, PreLena Gentile “Paesaggiando" olio su tavola, cm. 40x50 mio Internazionale “Shakespeare” Palaexpo Verona, Mostra “Eart Shopping Gallery” Palermo Premio Internazionale “Il Limone d’Oro 2016” Castello Svevo-Rocca Imperiale (Cs), Premio Internazionale “Contemporanei nella città degli Uffizi” Firenze, Premio Internazionale “The Best Palazzo Sternderg-Vienna, Premio Internazionale “Grande Maestro 2016” Palazzo Francavilla Palermo, Premio Internazionale “Rembrandt” Teatro Paisiello Lecce, Premio Internazionale “Paolo VI” Teatro Paisiello Lecce, Premio Internazionale “Beato Angelico 2016” Teatro Paisiello Lecce.

Rassegne e Premi 2017 Premio Internazionale “Maestri Italiani del Colore” Hotel La Felce Diamante, Premio Internazionale “Arte Genova 2017” Premio Internazionale “Sale del Bramante” con Vittorio Sgarbi Roma, Premio Internazionale “Cristoforo Colombo” Acquarium di Genova , Premio Internazionale “Galileo Galilei” Palazzo dei Congressi Pisa, Biennale Internazionale d’Arte del Mediterraneo “Fiera di Palermo” Meart Museo Levi “Fiera di Palermo”, Biennale d’Arte Peschiera del Garda, Premio Internazionale “Dante Alighieri” Caserma dell’Artiglieria Peschiera del Garda, Premio Internazionale “Hotel Ermitage” Roma, Premio Internazionale “Silpakorn University” Bangkok, Premio Internazionale “City of Kerryra” Corfù Grecia, Premio Internazionale “Ulisse and Penelope’s Cannavas Itacha Grecia, Idee e Passioni “Pinacoteca d’Arte Moderna Le Porte” Napoli, Premio Internazionale “Capitolium” Santa Maria del Popolo Roma, Premio Interazionale “Arte Milano” Teatro dal Verme-Milano, Premio Internazionale “Francisco Goya” Gran Teatro del Licev Barcellona Spagna, Premio Internazionale “Le Louvre” Museo Louvre Parigi-Francia, Premio Internazionale “Diego Velazquez” Antico Teatro Romano Lecce, Premio International Prize “Novecento” dedicato a Renato Guttuso a cura di Paolo Levi Villa Palagonia Bagheria Palermo, Premio Internazionale d’Arte Teatro del Verme Milano a cura di Marco Travaglio Vittorio Sgarbi Moni Ovadia David Guido Pietroni, Premio Internazionale “Eccellenze Museali” “Pronto Soccorso” a cura di Vittorio Sgarbi, Museo “Sciortino” Monreale, Premio Internazione “The Best Modern and Contemporary Artists”Berlino Germania, Premio Internazionale “Il Limone d’Oro Rocca Imperiale, Premio Biennale Internazionale d’Arte Contemporanea Mantova, Premio Internazionale “I Guerrieri di Riace” Teatro Paisiello Lecce, Premio Internazionale “Victor Hugo” Teatro Paisiello Lecce, Premio Internazionale “Il Pensatore Auguste Rodin” Teatro Paisiello Lecce.

Lena Gentile “Paesaggio" olio su tavola, cm. 40x50 Arte & Mercato 2018 Pag. 124

Prize of the Critics 2018

Lena Gentile, è essenzialmente, grande pittrice, dotata di inestimabile talento artistico, e culturale.

Ha dedicato la sua vita all'arte, in particolare, trasmettendo la sua innata passione pittorica, al prossimo.

Una donna eccezzionale sia sul lato artistico che morale, è riuscita nel lungo corso della sua attività a coinvolgere positivamente, a chi ha avuto modo di conoscerla personalmente, un immenso calore spirituale, una dottrina artistica, sapientemente condotta con grande coinvolgimento della sua anima.

La ricerca artistica di Lena Gentile, è orientata verso un lodevole rapporto intimistico con la natura, offrendoci una poetica visione della sua terra, magiche introspezioni rivisitate con spirito creativo, che donano vita e presenza alle forme di abbandono naturalistico.

Lena Gentile “Paesaggio calabrese” olio su tavola, cm. 30X60

Lena Gentile, scandisce costantemente nelle sue deliziose “Nature morte” un lirismo di altri tempi, inviandoci costantemente, ulteriori messaggi sensoriali, intarsiati di poetici versi cromatici, desunti dal suo intimo diario, di umile artista. Francesco Chetta

Quotazioni: da € 20.000 a € 36.000

Lena Gentile “Natura morta" olio su tavola, cm. 40x50 Studio Corso della Vittoria 57 87070 Montegiordano (CS) tel. 0981.93.54.50 - cell. 338.39.71.135 www.lenagentile.it lenagentile27@gmail.com Arte & Mercato 2018 Pag. 125

Susanna Maccari

Prize of the Critics 2018

Biografia Pittrice milanese, laureata in “Lingue e Letterature Straniere Moderne” presso l’Università Statale di Milano, approfondisce le sue conoscenze artistiche frequentando gli studi di insigni maestri d’arte. Ha esposto in numerose mostre personali e collettive a Milano, Sirmione, Portovenere, Torino, Lodi, Tirano, Cesenatico, Nizza, Cannes, Mandelieu La Napoule, Novara, Vieste, S.Margherita Ligure, Udine, Arona, Pietra Ligure, Montecarlo,ecc. ottenendo prestigiosi premi e riconoscimenti.

Sue opere si trovano in Italia, Francia, Svizzera e Germania. Dal 2012 i suoi quadri sono presenti nelle scenografie delle numerose commedie rappresentate dalla Compagnia Teatrale Milanese “Cà Nostra”. Fa parte di associazioni culturali internazionali ed espone in permanenza presso il Centro Culturale Internazionale d’Arte Sever a Milano. Membro dell’associazione culturale “Milano arte”. Membro del Centro Culturale Internazionale d’Arte Sever a Milano. Accademica associata dell’Accademia Internazionale Greci Marino. Membro d’onore dell’Accademia Gentilizia “Il Marzocco” di Firenze.

Pubblicazioni: Annuario d’Arte Moderna e Contemporanea ”Arte e Collezionismo” 2008-2009-2010-2011-2012-2013-2014-2015-2016, 2017 Arte & Mercato 2017, Annuario Comed - International guide to fine arts 2009 - Catalogo I pittori del lago Maggiore 2011, Archivio Storico Artisti Contemporanei, Art Book Selection 2012, Over Art 2013-2014, Albo d’Oro 2013, Dizionario d’Arte Con-

Susanna Maccari “Ricordo di una estate” olio su tela, cm. 40x50 temporanea DIAC 2013, I Protagonisti dell’Arte 2014, Azur Magazine 2014, V° Biennale Trofeo Arte Collezionismo, I Segnalati di Arte Collezionismo 2014, Dizionario Enciclopedico Internazionale D’Arte, 2005 - 2006, Annuario L’Elite new 2007 - 2010, Mostre personali: 2009 Villa Gargantini – Paderno Dugnano (Mi) 2010 Centro d’Arte Sever - Milano 2011 Villa Casati Stampa - Cinisello Balsamo (Mi) 2012 Galleria d’Arte Eustachi - Milano 2013 Centro Culturale La Ghiacciaia - Bresso (Mi) 2013 Café des Artistes - Pietra Ligure (Sv) 2014 Café des Artistes - Pietra Ligure (Sv) 2014 Galleria d’Arte Eustachi - Milano 2014 Galleria “Art Space” - Pietra Ligure (Sv) 2015 Café des Artistes - Pietra Ligure (Sv) 2015 Centro d’Arte Sever - Milano 2017 Galleria “Art Space” - Pietra Ligure (Sv) Ha inoltre esposto le sue opere, nel corso di numerose le collettive, Milano, Savona, Cesenatico, Torino, Vieste, Varazze - Genova, Santa Margherita Ligure GE, Montecarlo - Principato di Monaco, Nizza, Mandeliu La Napoule - Cannes, Cesano Maderno MB, Tirano Sondrio, Novara, Pietra Ligure SV, Perugia, Susanna Maccari “La regata” acquerello su carta Fabriano, cm 30 x45 Arte & Mercato 2018 Pag. 126

Critici: Lia Ciatto, Ester Foglia, Renato Tomasina, Matteo Arcodia, Mimmo Tota, Giuliano Mantovani, Susan Ballerini, Francesco Chetta, Mariarosaria Belgiovine, Giuseppe Martucci, Gerard Argelier, Severino Gargano, Rita Pengo, Guido Folco, Fernando Silo, Enrica Gamalero, Liviano Papa, Paolo Levi, Federica Pasini, Giorgio Peduzzi, Jean Charles Spinà, Elena Cicchetti.

Prize of the Critics 2018

Susanna Maccari “Riflessi nel porto” acquerello su carta Moulin du Roy, cm. 38x57

“Silenti note di poetici versi, emergergono visivamente dalle opere di Susanna Maccari, valida e attenta pittrice, dotata di una marcata gestualità compositiva.

La sua tavolozza, una volta adagiata sulla tela, si accende di un caldo cromatismo, delineando così l’ornato compositivo dell’opera, descrivendo pittoricamente, tutta la sua placata dolcezza comunicativa.

La nostra pittrice Susanna Maccari, focalizza la stesura della sua arte, essenzialmente attraverso lo storico linguaggio dell’Impressionismo, inserendo nell’opera, masse di colore che denotano sicurezza e accostamenti tonali, ben bilanciati, sia nella figura che nel paesaggio, valide artisticamente, le sue composizioni delle sue marine, che echeggiano silenti riverberi delle onde, frangersi sulla scogliera, contornati da meravigliosi tramonti, carichi di riflessi e nastalgici sentimenti.

Ciò è essenziale artisticamente, per la nostra abile pittrice Susanna Maccari, evocare all’osservatore delle sue opere, il suo presente, i suoi magici ricordi, che inebriano costantemente la sua mente, tasselli di cari ricordi custoditi gelosamente nel suo umile cuore di vero artista, ed esternati scenograficamente sulla tela con personale gestualità compositiva, quasi a voler svelare il suo magico mondo, animato di Fiabe e sereni racconti, donandoci il piacere e la voglia di rivivere quella silente atmosfera da lei vissuta.

Francesco Chetta Quotazioni: da 500,00 a 3.000,00 Tel. 02. 6192353 / +39 333.6459023 mail: susannamaccari@tiscali.it www.susannamaccari.it

Susanna Maccari “Sotto il sole della provenza” olio su tela, cm. 40x20

2017

Arte & Mercato 2018 Pag. 127

Giovanna Cherchi

Prize of the Critics 2018

Santa Teresa Gallura 1961

Biografia: Giovanna Cherchi sin da bambina scopre l’attitudine al disegno, sperimentando negli anni varie tecniche, dai ritratti in grafite ai dipinti su vetro, ceramica, tela e legno, tecnica a spatola e tecnica ad aerografo. Finite le scuole dell’obbligo si iscrive all’Istituto d’Arte di Sassari ma a causa di problemi logistici per la salute della madre, purtroppo venuta a mancare per grave malattia, é costretta dall’età di 19 anni a restare a casa per mandare avanti la famiglia composta dal padre a altri due fratelli più piccoli.

A 23 anni si sposa e a 25 ha un figlio maschio, che risveglia la gioia di dipingere riempiendo così la cameretta di disegni a fumetti e dipinti.

Dopo diversi anni la passione per il disegno e la pittura si fa sentire prepotentemente e a causa della sua ambizione si iscrive in una scuola privata ad Olbia e prende lezioni per sei anni dal Professore Piero Carmelo Campanella.

Con la consapevolezza acquisita con gli studi, inizia a partecipare a vari concorsi in estemporanea ricevendo premi e apprezzamenti. Partecipa a mostre collettive e personali, accrescendo un curriculum in maniera esponenziale.

Giovanna Cherchi “La dama in blu” olio su tela, cm. 50x70 2016 Sono parecchie le Gallerie e i critici che la contattano per partecipare a Fiere, Mostre, Concorsi, pubblicando gli eventi nei più prestigiosi cataloghi d’Arte.

Le sue opere sono state esposte e premiate in vari concorsi e mostre, da Montecarlo (Principato di Monaco) ad Oslo (Norvegia), Corfù (Grecia) - Milano - Roma - Firenze - Cesenatico - Napoli - Varazze - Catania - Venezia - Olbia Oristano - New York - Innsbruck (Austria) - Hong Kong Cina - Barcellona (Spagna), Premio della Critica, con pubblicazione e Diploma d'onore, Premio Grandi Firme dell'arte Contemporanea 2018 Cesenatico, Prize of the Critics Porto antico - Arte Genova 2018

Prize of the Critics 2018

“Le reali visioni svelateci dal filtro creativo di Giovanna Cherchi, ci trasportano in una malinconica e reale dimensione: volti tristementi, avvolti di spiritualità sfuggente alla nostra soffocata societa contemporanea. Il compito della nostra brava artista sarda, è proprio quello di catturare l’attimo sfuggente, trasferendolo sulla tela, con pura sintesi descrittiva, sia nei contenuti plastici, che nella Critici che hanno scritto di lei:

Francesco Chetta, Jean Charles Spinà, Giancarlo Alù, Federica Pasini, Mariarosaria Belgiovine, Ornella Pedrotti, Alfonso Confalone, Fravio De Gregorio, José Van Roy Dalì, Luana Raia, Oxana Albot, e molti altri.

Quotazioni: da € 900/1500 a € 2.900 / 3.900 - *4.500 / 5.500, *per opere di particolare pregio e anno di esecuzione Contatti: Cell. Tel. 3494260656

E-mail: giocher61@gmail.com

www.galleriaitalia.weebly.com // artisti

Arte & Mercato 2018 Pag. 128

Giovanna Cherchi con 2018 velo” olio tela, cm. 90x70 2009 Arte“Donna & Mercato Pag.su 129

Sinikka Elfving

Kuusamo Finlandia 1949

Biografia Sinikka Elfving è nata nel 1949, vicino al Circolo Artico in un luogo molto a nord della Finlandia, chiamato Kuusamo.

Durante la seconda guerra mondiale, la famiglia di Sinikka ha affrontato le lotte quotidiane di sopravvivenza che hanno influenzato l’approccio dell’artista alla vita, mentre costituisce la base delle ideologie successive. Tuttavia, la natura selvaggia artica circostante ha creato un magnifico parco giochi per i undici fratelli e sorelle di Sinikka.

I paesaggi immaginari, un grande ricordo dell’infanzia, sono un tema ricorrente nell’arte di Sinikka così come dipinti espressivi della “Madonna” che dimostrano la sua spiritualità.

Nel 1972 Sinikka Elfving studiava presso l’Università di Vienna, in Austria, e successivamente si trasferì a Salisburgo dove si laurea in Psicologia.

Lo stesso anno Sinikka ha iniziato la sua carriera come psicologa in Finlandia, successivamente in Svezia e in Norvegia. Sinikka ha affrontato ogni giorno la malattia mentale e la sofferenza dei bambini e delle famiglie.

La vita professionale di Sinikka e le persuasioni filosofiche lo conducono a mettere in discussione il significato della vita e del senso della guerra e del conflitto, che sono la base di ispirazione per gran parte della sua espressione artistica e della sua creazione.

Prize of the Critics 2018

Sinikka Elfving “Strada a senso unico” acrilici su tela, cm. 30x30 2016

Biography Sinikka Elfving was born in 1949, close to the Arctic Circle in a place far north of Finland, called Kuusamo. During the Second World War, Sinikka’s family faced daily struggles of survival that influencied the artist’s approach to life, while forming the basis of later ideologies. Yet, the surrounding wild arctic nature established a wonderful playground for Sinikka’s eleven brothers and sisters. Imaginary landscapes, a great memory of childhood, is a recurring theme in Sinikka’s art as well as expressive paintings of the “Madonna” that demonstrate her spirituality.

In 1972 Sinikka Elfving studied at the University of Vienna, Austria, and later moved to Salzburg, where she graduated in Psychology. The same year Sinikka started her career as a psychologist in Finland, subsequently moving to Sweden and Norway.

Sinikka Elfving “Bridges” acrilici su tela, cm.50x50 2017 Arte & Mercato 2018 Pag. 130

Recenti Premi 2017: Premio Leone dei Dogi Venezia, Premio Arte Berlino, Premio Francesco Goya Barcellona, Prize Metropolitan Empire Museum New York, Oscar dell?arte Montecarlo, European Art Museum Frederiksvaerk Danimarca, III° Trofeo della Cote D’Azur 2017, Premio French Riviera Cannes, Premio Capitolium Roma, Premio Renato Guttuso Palermo, Award for talent and professionals Madrid Rassegne d’arte 2017 Biennale di Palermo, Biennale di Barcellona, Biennale di Firenze Biennale del Mediterraneo, Mostra Biennale dei Dogi Venezia, Art Contest Biancoscuro.

Sinikka Elfving “Pioggia rosa” acrilici su tela, cm.60x80 2016

Prize of the Critics 2018 “Nelle opere di Sinikka Elfving, si avverte una grande spiritualità, con note e contenuti, di larga emozione visiva, un singolare espressionismo nordico, motivato dalla sua particolare esigenza interiore, di comunicare attraverso la tela, i suoi ricordi, la sua vita trascorsa al servizio della società, restandone alatamente influenzata, il tutto è espresso con “Primavera” acrilici su tela, cm. 60x80 2016 un’elegante forma e gestualità di stesura compositiva, modulando il colore della materia, attraverso la sua personale libertà creativa, creando così opere di forte impatto visivo, e comuniicativo.

Visioni strettamente legate alla sua operatività, dunque quelle della nostra pittrice finlandese, Sinikka crea dissolvenze, e formulazioni di ricorrenti scene, rivisitate e raffigurate, in nuove forme evocative, focalizzando un dialogo risolutivo con le sue figure, celate da una simbologia spirituale, volutamente distorta nei contorni descrittivi della figura, anime vaganti nell’eden, decorate con fiori, e simboli ancestrali, una pittura dal forte timbro caratterialmente emotivo, che a vuole esprimersi in disagio espresso simbolicamente con accentuazione cromatica, con estrema deformazione segnica, a volte espressa con forte incisività del colore, a volte evocando silenti scene surreali, con vaghi richiami ad una timbrica di esotismo, quale precursore di un attuale società che vacilla.” l’editore Francesco Chetta

Critici: Francesco Chetta, Victoria Ludwing, Jean Charles Spinà, Elena Cicchetti, Mariarosaria Belgiovine, ed altri Quotazioni: olio su tela e tecnica mista da € 500 a € 5.000

Contatti / Contacts: Phone + 47 92658222 Atelier: Ovre Hellefossvei, 42 3300 Hokksund Norway e Mail sinikka.elfving@gmail.com

Website: www.sinikkaelfvingartist.com

Sinikka Elfving “Ombre nella notte” acrilici su tela, cm. 30x30 2016 Arte & Mercato 2018 Pag. 131

Daniela D'Orazio

Prize of the Critics 2018

Biografia Daniela D'Orazio è nata a Pescara , vive e lavora a Tivoli con il suo uomo, Sandro Cellanetti, noto artista di opere pittoriche .Daniela D'Orazio, ha conseguito il diploma di Liceo Artistico ed è attiva nel mondo dell'arte, sin dalla tenera età.

Esperta ritrattista, inizia i suoi primi ritratti all'età di 12 anni.

Lavora presso lo studio grafico di "PescarAffari" (Pe) come grafica pubblicitaria, vignettista, specializzata in SelfieArt, amante della fotografia multimediale esplora nuovi orizzonti che la portano ad entrare in contatto con i personaggi dello spettacolo e i grandi Maestri dell'arte.

Prosegue la sua ricerca, operando su vari materiali.

Daniela, è contraria alle tematiche dell'arte concettuale...e afferma: "L'Arte, per come la vivo io, è impulso vitale, tormento interiore e sublimazione nell' estasy, mistero, passione, gesto immediato.

Rappresento l'antitesi di tutto ciò' che è programmato su una base di meticolosi studi, non mi interessa esibire i miei lavori nell'intento spasmodico di stupire.

L' Arte è spesso contaminata da gente senza scrupoli. Ma tutto ciò non ha inquinato ne il mio carattere ne il mio modo di dipingere, anzi sono ancor più motivata. Attraverso le mie opere ci sono tutte le cicatrici indelebili di un era in decadenza, ma che traspare nel tormento del mio gesto pittorico, a tratti, apparentemente violento, e corroso.

Ma dall'oscurità si viaggia verso la luce irradiante in una adrenalinica altalena che viaggia tra buio e luce improvvisa dove creo forti contrasti nei miei dipinti il colore caldo e irradiato di luce , abbraccia le tinte più fredde fino ad arrivare al nero ed ai blu notte.

Questa è in fondo la vita! La vita è contrasto! È adrenalina, tormento interiore, ma è anche riscatto verso la pace. ....Tutto è dentro le mie opere."

Principali tecniche e soggetti svolti: tecniche miste, inchiostri, acquarelli, carboncini, e pastelli a olio.

Daniela D'Orazio "Omaggio al mio idolo, Eric Burdon Forever" acquerello su carta, cm, 15x31

Critici: Francesco Chetta, Carlo Franza, Giorgio Di Genova, Luigi Tallarico, Leo Strozzieri e Chiara Strozzieri, Maurizio Vanni, Carmine Benincasa Pier Duilio Pizzolon, Gabriele Romeo, Antonio Sorgente, Maria Lucia Ferraguti,, Mara Ferloni, Gabriella Niero, Collezioni pubbliche e private: Daniela D'Orazio opera in Italia e all' Estero, i suoi lavori fanno parte di collezioni Pubbliche e private Musei, Comuni, Banche, Pinacoteche.

Cataloghi e recensioni su riviste e giornali: Il resto del Carlino, Giornale settimanale - Il Quadrivio, Il messaggero, Abruzzo Blog, La Cronaca, Il Tempo, L'Urlo Magazine.

Daniela D'Orazio "Daniela Selfi art" fotografia, cm. 20x30

Prize of the Critics 2018 “Una sintesi di espressione formale contemporanea si osserva nelle tele di Daniela D'Orazio, dove riscopriamo quei valori pittorici

ormai tramontati nel panorama artistico. La ricerca condotta dall’artista Daniela D'Orazio, è affiancata da enunciazioni evocative, che simboleggiano il suo vero amore per l'arte, ricercandone sempre un perfetto equilibrio associato alla sua conoscenza tecnica acquisita come grafico pubblicitario, nei numerosi anni di attività svolta.

Ecco prendere vita le sue opere, con messaggi sensoriali, eseguiti con personale tecnica, un impegno che ha condotto l’artista ad evidenziare il messaggio sociale con quello della nostra contemporaneità. Francesco Chetta

Arte & Mercato 2018 Pag. 132

Daniela D'Orazio "Ipnotico viaggio" acquerello cm. 50x70

Daniela D'Orazio "Ordinato disordine" tecnica mista su tela, cm. 50x70

Daniela D'Orazio "Un giorno da Snob" tec. mista, cm. 15x20 Quotazioni: da € 2.700 / 3.000 Contatti: Tel: +39 3388726715 e Mail doarteconatur@gmail.com danieladorazio68@gmail.com

Daniela D'Orazio "Urlo muto" tecn. mista su carta, cm. 50x70 (Opera venduta in beneficenza , il cui ricavato, è stato devoluto per solidarietà ai terremotati di Amatrice)

Atelier: Daniela D'Orazio - via Degli Oliveti 54 - 00019 Tivoli (RM) cell: 3888-726715 Arte & Mercato 2018 Pag. 133

Joseph Virgone

Sommatino (CL) 1946

Prize of the Critics 2018

Biografia Virgone Joseph è nato 6 aprile del 1946 a Sommatino (CL) Italia.

Pittore e scultore, è uno di quegli artisti solitari, che lavorano coscienziosamente, in perfetta armonia con la sua arte, nella lotta quotidiana per la realizzazione della sua opera.

La passione per l’arte, lo spinge sempre verso nuove creazioni, spesso insoddisfatto, distrugge un’opera giudicata da lui insufficiente, per ricominciare ciò che meglio esprime la sua sensibilità. Così, egli traduce in paesaggi, ritratti, nature morte e fiori le sue impressioni, i suoi sentimenti dominando la natura e il colore che gli permettono di esprimersi.

Nel corso dei suoi numerosi viaggi in sicilia, durante le sue passeggiate, egli non esita a riprendere pittoricamente, l’attimo fuggente ai suoi oocchi, sulla tela,riportando, con i colori caldi della sua terra natale, enormi campi, e secolari piante di ulivi.

Principali Pubblicazioni Nazionali: Annuario d’Arte Moderna e Contemporanea ”Arte e Collezionismo” Galleria Italia, Avanguardie Artistiche, I Segnalati di Arte Collezionismo, Grandi Maestri, Over Art

Joseph Virgone “Etrange vision” acrilici su tela, cm. 65x60 2017 inv. N° 3778

Collezioni pubbliche e private: Musei, Santuari, Chieses e Amministrazioni Comunali, Francia, Italia, Portogallo, Spagna, Germania, Giappone, Brasile, Stati Uniti, Egitto, e al Museo Civico di Monreale, Italia, a Southern Nevada Museum Las Vegas, e alla Faculté des Beaux Arts de Luxor, Egitto.

Ha tenuto numerose mostre Internazionali in Italia, Portogo, Germania, Francia, Belgio, Spagna, Norvegia, Danimarca, ecc.

Con il suo talento artistico, ha rappresentato brillantemente la città di sua residenza, Tullins-Fures.

Quotazioni: da € 900/1500 a € 10.000 e oltre *15.000 *per opere scultoree e dipinti di particolare pregio Contatti: Tel: 04.76.07.93.58 Mail: joseph@virgone.com Atelier: 6 Bis, Alphonse Barral 38210 Tullins-Fures (Francia) visite su appuntamento Website www.virgone.com

Joseph Virgone “Dans l’espace” acrilici su tela, cm. 75x115 2017 Inv. N° 3963 Arte & Mercato 2018 Pag. 134

Prize of the Critics 2018 “Una gestualità pittorica quella di Joseph Virgone, artista dal linguaggio surreale espressionista, con spiccate note di spiritualità emotiva, una sequenza di reminiscenze emotive, perfettamente abbinate con basilare stesura cromatica, fortemente influenzata dal timbro caldo e incisivo, della sua personale gestualità, ancor più accentuata dal gusto tonale che l’artista trasmette nei suoi lavori, motivata dalla particolare tecnica utilizzata, nella preparazione della tela.

Una pittura dunque, quella del nostro artista siciliano, unicamente resa visivamente, attraverso il personale filtro pittorico, delle sue recondite emozioni, che liberano così, la sua fantasia creativa, da affanni e tumulti interiori, tramutandola fortemente in segnali di notevole gradimento evocativo, scene rese originali dall’assenza di riferimenti reali, ma essenzialmente comunicative.

Buona la conoscenza formale, tecnicamente espressa con ritmo significativo della prospettiva e della figura.

La sua pittura segue l’influenza, della lirica visiva, con messaggi desunti dal suo inconscio, sottolineando a volte le molteplici energie che Joseph Virgone “Profil de femme" acrilici su tela, cm. 50x50 2017 inv. N° 3952 fluiscono dalla sua pittura, dove ogni tassello materico, inserito nella quinta compositiva dell’opera, rivive il suo percettibile stato emozionale, donando ulteriore luce evocativa alla sua innata fantasia, e al fruitore finale dell’opera." Francesco Chetta

Joseph Virgone “La Chapelle” acrilico su tela, cm. 50x70 2017 Inv. N° 3777

Arte & Mercato 2018 Pag. 135

Raffaele D’Ambrosio

Prize of the Critics 2018

Faeto (FG)

Biografia Raffaele D’Ambrosio pittore nasce a Faeto (FG), vive e lavora a Foggia, formazione artistica condotta a Firenze, studiando filosofia e storia dell’arte alla Facoltà di Magistero. Dipinge sin da ragazzo; realizza una pittura della memoria nel ricordo di quanto ha visto; E’ una pittura che nasce dall’emozione; I Paesaggi dei centri storici sono “icone del ricordo”. Con i suoi colori ingrigia i muri bianchi calcinati, li sfuma di giallo antico e di rosa stinto per dire del tempo lontano. È una rimembranza che affiora nel sottobosco della mente, con una mesta malinconia, i grappoli di case abbarbicate, le prue corrose di barche abbandonate nei solitari meriggi del tempo perduto con i pallidi orizzonti di un infanzia innocente del cuore.

La sua pittura nasce dall’emozione, i paesaggi dei centri storici sono “icone del ricordo”.

Ha esposto in importanti rassegne e numerose personali a Firenze, Mantova, Bologna, Como, Verona, Prato, Roma, Milano, Atene, Sorrento, Vieste, Peschici, Bari, Foggia, Perugia, Taormina.

Nel 2014 ha partecipato e premiato all’ Artexpò di New York.

Nel 2015 esposizione Salon Art Carrusel du Louvre Parigi Nel 2016 ha partecipato alla 1° edizione “ Arte Salerno Premio internazionale d’Arte Contemporanea ” nel Palazzo Fruscione.

Nel 2016 è stato premiato ad “ Arte Firenze 2016 Premio “ Sandro Botticelli “ presso Fortezza da Basso, nel 2017 è presente presso la Prince Art Gallery mostra a cura dai Vittorio Sgarbi - La Selezione, Vincitore del 1° Premio “Il Convivio” a Taormina 2001; Nel 2008 è stato premiato dal Segretario Generale dell’Associazione Internazionale dei Musei del “Gran Premio del Partenone” presso il museo Benaki di Atene. È presente in permanenza nel Palazzo Ducale di Pavullo (Mo), e in numerose rassegne d’arte contemporanea, in Italia e all’estero.

Raffaele D’Ambrosio “Case del Gargano” olio su tela, cm. 40x50 Raffaele D’Ambrosio è un pittore in continua ascesa.

Il suo nome compare su numerosi cataloghi d’arte sia nazionali che esteri. Numerose, ogni anno, le partecipazioni a rassegne d’Arte.

Quotazioni: Per i pezzi delle opere, contattare direttamente Tel. + 39 347. 3502546 Studio: P.zza Vittorio Emanuele (angolo Via Celestino V° N° 2) Vieste (FG) Mail raffaeledambrosio48@libero.it Raffaele D’Ambrosio “Centro storico di Vieste” acrilico su tela, cm. 60x50 Arte & Mercato 2018 Pag. 136

Raffaele D’Ambrosio “Composizione di paesaggio” olio su tela, cm. 70x50

Prize of the Critics 2018

Raffaele D’Ambrosio “Cantiere di barche” olio su tela, cm. 40x50

”La fantasia pittorica di Raffaele D’Ambrosio, ci dona attraverso una meditata visone, infinite gioie che ci permette di essere virtualmente presenti in quei caldi luoghi mediterranei, le sue barche solitarie, sono un piacevole invito alla pace, alla riservata solitudine, e al raccoglimentio interiore. Silenti messaggi, che evocano recondite emozioni, desunte e tecnicamente filtrate dal diario scritto e custodito nella suo cuore, ciò successivamente, è elaborato in immagini pittoriche dal forte richiamo cromatico.

Una pittura solare quella di Raffaele D’Ambrosio, in grado di trasmetterci il piacere di trascorrere serenamente una giornata al mare.

La particolare tecnica usata dall’artista pugliese Raffaele D’Ambrosio, ci rivela la sua elegante sintesi pittorica, esternata con dosata gestualità, con cui ricorre nella stesura della materia, nel comporre la quinta paesaggistica, delle sue marine, delineando nel contesto dell’opera, un forte impatto visivo, dove ogni spatolata da lui stesa sulla tela, equivale a singole emozioni percepite, e trasmesse con elegante sintesi, della visione del reale, rappresentata cromaticamente, quasi a voler evocare pittoricamente, i suoi sentimenti nel contesto della magia del presente, suscitando mille emozioni nell’osservatore”.

Francesco Chetta

Raffaele D’Ambrosio “Case con barche” olio su tela, cm. 40x50 Arte & Mercato 2018 Pag. 137

Massimo Paracchini Biografia Inizia il suo percorso artistico, come pittore neofigurativo, successivamente tendente all’espressionismo, al cubismo, al futurismo, al concettuale, all’astratto e all’informale.

Formazione: laureato in lettere moderne (indirizzo artistico) con Andreina Griseri, allievo del Prof. F. G. Rinone.

Nel corso della sua costante ricerca artistica, approda a teorizzare il "Free Sprinkling Alchemico Cosmico", il Transfuturismo eidetico e visionario, il Transatomismo cromatico primordiale, le Interferenze del pensiero e dell’anima, la Geometria iperellittica e iperdimensionale, il Free Sprinkling Overflowing e Sparkling, il Wavelike Lightning, il Krometamorfismo alchemico, dinamico e orfico, la Frantumazione cromatica dello spazio alchemico, L’energheia kromatica, il Kronometamorfismo alchemico, cosmico e orfico, L’Espressionismo astrageometrico, la Transgeometria, la Kromotrance, la Kronotrance, la Kromohypnosis, la Kronohypnosis, la Kromoenergy, la Kromogenesys, le Centripetal and Centrifugal Force and Motion, la Kromoexplosion.

Soggetti: animali, figure, fiori, nature morte, paesaggi, ritratti, astratti e informali.

Tecniche: acrilico, olio, tecnica mista, tempera .

Prize of the Critics 2018

Kromoexplosion rosso alchemico in Free Sprinkling Overflowing e Sparkling su movimento rotatorio in rilievo, T. mista su tela con pieghe applicata 80x80 Rassegne Premi e Concorsi: Negli anni 1977/’78/’79/’80 partecipa, a Vercelli, al concorso “Il Gabbiano”, e ottiene varie coppe e medaglie. Nel 2014, presso Studio D’Arte 256 a Vercelli, vince il 1°premio di pittura (Memorial Pierino Monfrinotti). Nel 2016 a Milano consegue il Premio Internazionale Tiepolo e a Cesenatico vince il Trofeo “La Vela d’oro per l’arte 2016”.

Nel 2017 consegue il Premio Internazionale Galileo Galilei a Pisa nella sala Galileo Galilei all’interno del Palazzo dei Congressi.

Partecipa al XV Gran Premio Città di Savona “L’ombra e la luce” classificandosi al terzo posto. Partecipa e consegue il Trofeo “World Art Collection 2017” a Genova presso NH Hotel Marine Collection - Porto Antico. Partecipa e consegue il “Premio Internazionale Arte Milano” presso il Teatro Dal Verme a Milano alla presenza di Vittorio Sgarbi. Viene premiato dal Critico ed Editore F. Chetta e dal Critico Internazionale J. C. Spina con il “III° Trophée Cote d’Azur 2017” per merito artistico.

La spirale cosmica transgeometrica trascina a sé la geometria parabolica in Free Sprinkling Overflowing e Sparkling, tecnica mista su tela, cm. 90x90

Arte & Mercato 2018 Pag. 138

Prize of the Critics 2018

Sinapsi iperellittiche e iperdimensionali del pensiero in Kromoexpansion, tecnica mista su tela, cm. 80x100

Un pittura caleidoscopica, ricca di fantasia creativa, quella del nostro artista Massimo Paracchini, che cattura con profonda scansione visiva e gusto cromatico, l'osservazione delle sue recenti opere, in particolare, la serie Kromoexpansion, una ricerca pittorica ben distinta, ed equilibrata, carica di energia interiore, che Massimo condivide apertamente con il suo mondo artistico, inviando messaggi sensoriali, che sono a loro volta percepiti, con neuro percezione dagli organi periferici visivi, impulsi decifrati visivamente attraverso il cromatismo modulare retinico, osservabile nella quinta compositiva dell'opera.

A volte le sue opere, ci evocano reconditi messaggi interiori, molto cari all'artista, raffigurati con una scenica formale, e giusta sintesi pittorica, esternata con particolare gestualità, che dona al dipinto, una valida lettura introspettiva, con piani pittorici di pregevole composizione formale, dialogando attraverso il suo personale mondo interiore, carico di silenti scenari, desunti dalla sua memoria.

Francesco Chetta

Mostre: Alice Castello, Arona, Biella, Borgomanero, Casale, Cesenatico, Ferrara, Genova, Marcon, Milano, Monza, New York, Noli, Novara, Omegna, Piacenza, Pisa, Prarolo, Santhià, Santo Stefano Belbo, Santo Stefano al Mare, Savona, Varallo, Varazze, Venezia, Vercelli, Washington.

Critici: V. Sgarbi, P. Levi, F. Chetta, J. C. Spinà, S. Russo, S. Serradifalco, T. Tamburi, M. Della Torre, C. Rosso, A. Odone, R. Filippi , G. Prassi, C. Contato, S. Di Tano, G. Barberis, P. Ferraro, M. Catalano, E. Cicchetti , Mariarosaria Belgiovine, P. L. Pensotti e altri.

Presente con le sue opere, in prestigiosi annuari e cataloghi d’arte moderna e contemporanea, e in numerose Collezioni Private in Italia e all'estero.

Referenze Casa d’Aste Meeting Art di Vercelli, Corso Adda, n. 7-11 Galleria Nelson Cornici di Vercelli Via Walter Manzone, n.55 Galleria Noli Arte di Noli Loggia della Repubblica, n. 11 (SV) Quotazioni e prezzi: da € 800/1000 a € 1.500/ 2.500 Contatti Tel. + 39 3391080620 Mail massimo.paracchini@libero.it

Free Sprinkling Overflowing e Sparkling su doppio Universo e movimenti curvilinei in rilievo del pensiero in Kromotrance, tecnica mista su tela con pieghe applicata, cm. 100x100

Arte & Mercato 2018 Pag. 139

Delfina Porcu

Prize of the Critics 2018

Biografia Delfina Porcu artista autodidatta, sente il bisogno di esprimere la sua impulsiva gestualità pittorica, attraverso un linguaggio pittorico di natura espressionista, è fonte creativa delle sue visioni interiori.

La sua crescita pittorica è osservata dalla critica con grande interesse, sia dal piano creativo che per i messaggi sociali spesso richiamati nelle sue opere. La libera gestualità che possiamo notare ci conferma l’incomparabile bellezza dell’armonia tonale catturata dalla sua fantasia artistica, soventemente ripresa attraverso un composizioni ricche di caleidoscopici tasselli cromatici.

Esposizioni Ha tenuto mostre collettive e personali a: Grazzano Visconti, Castrocaro Terme, Sirmione, Cesenatico, Rimini, Riccione, Cervia, Padova, Parma, Udine, Firenze, Peschiera del Garda, Piacenza, Vicenza, Venezia, Nizza e Montecarlo, Pavia, Imola, Forlì, Cremona, Montecarlo - Principato di Monaco, Mondial Tour 2014, Isole Canarie. 2014 mostra personale Galleria Liberementi Pavia, Hotel Boemia Riccione 2014, Rassegna Delfina Porcu “Untitled” olio su tela, cm.40x50 2016 d’arte New Bristol Cesenatico 2014, Presente a Arte Parma 2014, Arte Fiera Contemporanea Forlì 2014 - 2015, Arte Cremona 2015, Tour exbition de la Cote d’Azur 2015 - Nice, Menton, Cannes, Montecarlo a cura di Jean Charles Spinà, Nel 2016, su invito, ha esposto le sue opere, al Tour exposition in USA, a Kirkland con la Ocean Gallery di Seattle WE, Espone due sue opere ad Arte Bergamo 2018.

Premi e riconoscimenti: Premio Golden Globe, Premio Golden Mercury, Oscar dell’arte, Premio La Vela d’oro per l’arte, Premio Biennale di Venezia, assegnato dalla Casa editrice il Quadrato, Mercurio d’oro per l’arte, Great contemporary Painter, Sirena d’oro, Premio Art in The World, 1° classificata migliore espressione artistica al Gran Prix dell’Adriatico Riccione,Trofeo Art Museum Venezia, Trofeo Leone dei Dogi Venezia, La Gondola per l’arte - Venezia, Premio Artista dell’anno 2013 Cesenatico, Premio editoriale Trofeo Arte e Musica 2013, Premio per le Arti Visive 2013 Oscar dell’Arte Montecarlo - Principato di Monaco, Trofeo Gran Canarie 2014 2015 riconoscimento alla carriera artistica: Trofeo Leonardo da Vinci, premio Biennale Cesenatico 2014 Premio “Il mare d’Inverno Cesenatico, 2014 Biennale Art Monaco - Hotel de Paris Principato di Monaco. Gran Galà dell’Arte Venezia 2014, Premio La Gondola d’oro per l’arte Venezia, 2014 Premio La Vela d’oro 2014 Cesenatico, Premio Quadriennale La Palma d’oro per l’arte 2014 Hotel De Paris Montecarlo Principato di Monaco, oltre a molti primi premi: Coppe, Trofei e Targhe, ricevuti in vari concorsi nazionali ed internazionali.

2015 Biennale Grand Prix de la Cote d’Azur - Nice, Cannes, Menton, Montecarlo, Artista dell’Anno Cesenatico, Premiio Leonardo da Vinci Cesenatico, Premio Biennale per l’arte - Leone dei Dogi Venezia, International Prix Kirkland 2017 Work selected, Artist in the World 2017, Biennale Leonardo da Vinci 2017 Cesenatico, Grad Prix St. Petersburg 2017, Premio della Critica, con pubblicazione e Diploma d'onore, Premio Grandi Firme dell'arte Contemporanea 2018 Cesenatico, Prize of the Critics Porto antico - Arte Genova 2018

Arte & Mercato 2018 Pag. 140

Delfina Porcu “Untitled” tecnica mista su tela, cm. 60x50 - 2017

Pubblicazioni: Catalogo Nuova Arte Mondadori, New Art 2000 - 1° e 2° edizione, Il Quadrato 1997 Milano, Catalogo mostra Premio Città d’arte Il Biscione di Grazzano Visconti, Catalogo Fiera di Padova - Arte Padova, Catalogo mostra La Telaccia Torino, Recensita sul settimanale “Il Nuovo Giornale “ di Piacenza, Arte Collezionismo Pittori e Scultori del 900 edizione 2013, 2013 Cataloghi Fiere d’arte: Vernice Art fair Forlì Vintage Fiera di reggio Emilia Contemporanea Forlì Immagina Fiera di reggio Emilia Arte Bergamo 2015 Artepadova 2015 Artisti in Primo piano a cura di Mariarosaria Belgiovine, Galleria Italia 2013, I Segnalati di Arte Collezionismo 2013, 2014, 2015, 2016 Contemporary Art Today 2013, 2014, 2015 Art MarKet Shop 2013, 2014, 2015, 2016 Monografia allegata, Art Market Shop 2013 Annuario Arte Collezionismo Pittori e Scultori del 900 2014 -2015 - 2016 Desk Calendar Collection 2014 Biancoscuro Rivista d’arte 2014 - 2015 Catalogo Biennale di Art Monaco 2015 Catalogo Art Market Shop, speciale Artepadova 2015, 2016, 2017 Azur Magazine 2014, 2017 Catalogo Gondola dell’arte Venezia 2014, 2017, Catalogo Leone dei Dogi Venezia 2015, 2017, Arte & Mercato 2017, 2018 Cataloghi fiere 2015 - 2017 Arte Cremona, Vernice, Immagina, Contemporanea, Artepadova, Arte Parma, Catalogo mostra Arte Padova fiera di Bergamo, Arte Piacenza, Cesena - Forlì Art Fair, Arte Cremona

Prize of the Critics 2018

“L’artista Delfina Porcu possiede una grande capacità di sintesi espressiva ed una tale padronanza gestuale; è in grado di assolvere perfettamente il compito spesso difficile di comunicare nuove espressioni e nuove realtà pittoriche. Guardando attentamente le sue preziose tele si avverte una tale energia sprigionarsi dal quadro, il nostro occhio ne avverte questa silente e lirica presenza, che coinvolge anche la nostra mente che ne percepisce gli infiniti spazi dell’ “Intimo - Universo” pittorico di Delfina. Un epressionismo “ermetico” quello di Delfina Porcu che cattura l’osservatore, trasportandolo ad una incisa riflessione dell’oggettiva realtà umana, spesso condizionata da psico - incognite paure, e tumultuose crisi interiori. L’artista supera questa trascendente realtà, ed ecco che nelle sue opere si avverte un’incondizionato raggiungimento di pace interiore” Francesco Chetta Hanno scritto della sua pittura i critici: M. Verdant, Candice Zhang Art , O Albot, E. Cicchetti, J. C. Spinà, F. Pasini, G. Falossi, M.R. Belgiovine, G. Paly, A. Pasolino, Fabiani, L. Raia, Jesus Ibanez Zapatero, Cristie Grizivatz, F. Chetta, V. Abrami, G. Argelier, e altri.

Quotazioni: da € 2.500 a € 10.000 Delfina Porcu “Untitled”tecnica mista su tela, cm. 40x50 2016

Studio Via Monsignor Piovella, 20 09121 Cagliari Tel. +39 070 523475 Arte & Mercato 2018 Pag. 141

Le inconsuete opere di Delfina Porcu, attirano lo spettatore per la sobria rappresentazione formale resa nei suoi unici dipinti. I colori trasportati con intima gestualità ci confermano il suo amore per l’arte.

La dominante tonale dell’azzurro, forse vuole rappresentare la sua dolcezza di donna e di vera artista, schiva da protagonismi mediatici, ma solo voler narrare, con la purezza cromatica quell’emozione, pur raramente avvertibile nell’aspetto dimensionale dell’intimo messaggio sofferto. Le opere di Delfina Porcu, vagano tra il reale e il silente smarrimento dell’anima, spesso racchiuso nel suo intimo diario. Messaggi dunque che l’artista Porcu, costantemente ci invia; nell’affannosa ricerca e speranzosa richiesta d’aiuto. Queste opere, dal tono forte e incisivo non lasciano indifferenti alcuno.

Elena Cicchetti

Delfina Porcu “Untitled” olio su tela, cm 60x90 2016 “Delfina Porcu, lirica interprete impressionista del panorama artistico Nazionale. Nelle sue performance pittoriche si evidenzia la sobria gestualità compositiva, una sintesi formale ben equilibrata con toni cromatici ben inseriti nella composizione dell’opera. L’arte per Delfina è essenzialmente “comunicazione” le sue opere infatti sprigionano messaggi interiori di recondite visioni della sua vita, messaggi che vengono percepiti e decodificati dall’osservazione contemplativa delle sue intime espressioni figurali. Volti enigmatici di donne oniricamente raffigurati, che delineano appunto uno stato di contemplazione meditativa, trasmettendoci contemporaneamente un messaggio condizionato di vitalità rigenerante del corpo. Delfina Porcu si sofferma nell’azione modulante del plasticismo formale, evidenziando esclusivamente l’intima gestualità espressiva del suo poetico viaggio interiore. Un artista la Porcu, che attraverso reconditi sunti espressivi ci abbaglia cromaticamente, trasportandoci attivamente nel suo mondo fatto di remote emozioni.” Jean Charles Spinà

Arte & Mercato 2018 Pag. 142

Delfina Porcu

Delfina Porcu “Untitled” olio su tela, cm.40x60 2016 “...La sua pittura sprigiona intense emozioni, segnata da un valore deciso di cresciata artistica, Delfina Porcu sa catturare tutte le emozioni che incidono la sua anima per restituirle sulla tela, tramate dal suo inconscio ben consapevole del cromatismo e delle formalità intensive. Un artista che continua a donarci meravigliosi sentimenti di purezza creativa che esalta la sua libertà creativa, figlia di un sofferto e tormentato rapporto con il suo mondo...” Mariarosaria Belgiovine Arte & Mercato 2018 Pag. 143

Simonetta Pagano

Prize of the Critics 2018

Bergamo 1964

Biografia Simonetta Pagano nasce a Bergamo il 13/02/64, consegue la maturità a indirizzo grafico ed un diploma in decorazione e duno in arredamento.

Prosegue gli studi delle varie tecniche accademiche presso lo studio del pittore A.Togni e del pittore A. Bui, e in varie botteghe per l’affresco e lo strappo. Dipinge e lavora nella decorazione d’interni dal 1987, prevalentemente su commissione come pittrice con la produzione di quadri dipinti murali e su vari supporti, trompe l’oeil, affreschi e strappi d’affresco, vetrate, soffitti, riproduzioni quadri d’autore, scenografie, applicazione foglia d’oro.

Recentemente gli è stato assegnato il Premio editoriale, con segnalazione e Targa d'Onore, quale artista partecipante al Gran Tour, Trofeo de la Cote d'Azur 2017, ricevendo commenti critici da parte dei galleristi e mercanti d'arte, contattati a cura del critico francese, Jean Charles Spinà.

Ha tenuto importanti mostre Internazionali in Italia, a Londra e in Francia, segnaliamo una sua presenza in gennaio 2018, alla mostra Phisiognomy investigation N° 3, alla 5Th Base Gallery London, 23 Heneage St, London con La Maya Desnuda arte, Forlì, 2018 Miti plasticità e astrazioni, mostra collettiva Galleria Immagina Spazi Arte Cremona.

Recenti premi: Prize of the Critics 2018, Gran Trofeo de la

Cote D'Azur 2017 - Nice, Cannes, Monacò.

Presente con le sue opere, in qualificate Fiere d'Arte Contemporanea: Vernice Art Fair Forlì, Arte Cremona 2017 2018, Arte Bergamo 2018, Arte Parma 2017, PaviArt 2017 +

Simonetta Pagano "Libertà" acrilico su tela, cm. 100x90 2015 Pubblicazioni e cataloghi: Galleria Italia 2017, Arte & Mercato 2018 Cataloghi Fiere Arte Cremona 2017-2018 Arte Bergamo 2018 Arte Parma, Pavi Art 2017

Quotazioni: da € 500/900/1.500 a € 2.000/3.500 *per dipinti di particolare pregio, misura, e anno di esecuzione

Contatti: e Mail simona_pagano@alice.it spagano969@gmail.com Cell. +39 3894897548

Simonetta Pagano "Bersaglio perenne" acrilico su tavola, cm. 90x90 2015 Arte & Mercato 2018 Pag. 144

Prize of the Critics 2018

"Purezza intimistica, filtrata con grande energia comunicativa, questa è la sintesi formale del linguaggio espressivo, che emerge da una attenta analisi meditativa nelle opere di Simonetta Pagano, un artista ben inserita nel panorama artistico contemporaneo, attenta nel descrivere e comunicarci, con grande armonia cromatica, il suo mondo interirore, una pura analisi, dettata dal suo inconscio, desunto dal profondo amore coltivato verso la sua amata passione artistica.

Nelle opere dell'artista Simonetta Pagano, si riscoprono infiniti messaggi spirituali, con lirici versi poetici.

La lettura delle sue opere, conduce l'osservatore con meditata sintesi visiva, a scoprirne le sue recondite emozioni.

Una pittura che valica i classici valori accademici, sconfinando in un meraviglioso viaggio intercomunicativo, dove la purezza dei sentimenti espressi, si fondono con un introspezione naturalistica: "rami di vecchi alberi aggrovigliati, che descrivono con buona sintesi formale, l'ornato compositivo della figura, che a loro volta coinvolgono l'osservatore.

In alcune sue opere, si osserva la silente quiete espressiva di corpi, che si cercano, si abbracciano, e si scrutano platonicamente, eludendo la realtà che li circonda."

La personale fantasia creativa, di Simonetta Pagano, è confermata, dalla sua nostalgica introspezione comunicativa, un artista che ci sorprende artisticamente, attraverso la sana espressione metafisica, epressa nelle sue tele, inserendo tasselli cromatici di memorie silenti, una pittura comunicativa di grande spessore mediatico, e libertà creativa, trasformando in opere d'arte, i suoi amati sogni e sensoriali emozioni.” Francesco Chetta

Simonetta Pagano "Giardino mistico" acrilico su tela, cm. 120x90 2017

Simonetta Pagano "The spirit waarrior" acrilico su tela, cm. 90x90 2017 Arte & Mercato 2018 Pag. 145

Simonetta Pagano "Croce" acrilico su tela, cm. 120x60 2011

Loredana Chinatti

Trento 1950

Prize of the Critics 2018

Biografia Loredana Chinatti, nata a Trento nel 1950, città ove risiede. Nipote di artisti murali itineranti Tra gli anni dell' '800 e '900. G.C.& GB Chinatti (padre e figlio) della Val Rendena nelle Giudicarie. Prosegue la tradizione artistica diventando poetessa e pittrice, nel 2007 ha conosciuto il maestro d'arte d'arte Pino Papa, ( che fu allievo di Renato Guttuso. pittore scultore iscritto all'Albo D'oro dell'Accademia Internazionale delle belle arti di Torino.

Ha ottenuto il diploma e riconoscimento Il Campidoglio d'Oro e altri premi, nazionali internazionali a esposto le sue opere nelle più famose gallerie e musei internazionali del mondo.Da questo incontro il maestro Pino Papa le permise all' allieva Loredana Chinatti con i suoi insegnamenti di migliorare le sue capacità artistiche e dopo due anni di apprendistato, nel 2009 assieme al suo maestro di partecipare a due mostre, In Sicilia a Petralia Sottana (PA ) al Circolo Culturale " BaryCentro" di Trento. Di seguito partecipò a varie mostre collettive Nazionali Internazionali, con pubblicazioni su riviste a Volumi del suo operato artistico. Nel 2011 partecipa al Premio Internazionale di Scultura e Pittura città di RHO II° ed.2011 ricevendo dal Critico d'arte Giorgio Falossi, Ed. Il Quadrato, il prestigioso premio di riconoscimento V° classificata con diploma di Prof. dell'Arte. Alcune delle sue opere sono state depositate nell'archivio Generale Anticontraffazione di opere Loredana Chinatti “L'incontro” olio su tela, cm. 40x50 d'arti con certificato di autenticità e codice a barre.

Di seguito partecipò a prestigiosi Concorsi Nazionali e Internazionali ricevendo diversi riconoscimenti dal mondo Accademico.

Il suo curriculum artistico e depositato nell’archivio ADAC del Museo Mart, di arte contemporanea, di Trento.

“Silenti emozioni, emergono dai dipinti della nostra brava artista trentina Loredana Chinatti, immagini che evocano recondite visioni, di sinfonie naturalistiche, dove il messaggio dell’artista, è scandito attraverso una sana percezione della sintesi compositiva.

Loredana Chinatti, ci concede così, attraverso la visione delle sue opere, la lettura del suo umile diario, custodito gelosamente nel suo cuore; si perchè Loredana, è anche una brava poetessa, descritte con lirici versi cromatici.

Opere realizzate con estrema sintesi pittorica, Loredana Chinatti, non si dilunga molto nella realizzazione dell’opera, da libero sfogo alla sua personale gestualità pittorica, quale input di intimo desiderio, di comunicarci naturali alchimie di colori e bellezze paesaggistiche, attraverso la sua personale tavolozza” Francesco Chetta III° Trofeo Cote d'Azur 2017

Loredana Chinatti “La guardia” tecnica mista su tavola, cm. 28x32 Arte & Mercato 2018 Pag. 146

Loredana Chinatti “Santorini" olio su tela, cm 40x50

Prize of the Critics 2018

Loredana Chinatti “Castello del Buonconsiglio di Trento" tempera su legno, cm. 28x30

“Un pittura calda, e piena di sentimenti emotivi, quella della nostra artista Loredana Chinatti, che ci cattura con grande accanimento verso e sue opere, in particolare, la visione, dei suoi incantevoli e cromatici paesaggi, una pittura a volte che ci evoca reconditi messaggi interiori, molto cari all'artista, una scenica poetica, raffigurata con molta sintesi pittorica, donando al dipinto, la giusta lettura introspettiva, che emerge dal cuore pittorico di Loredana Chinatti.

Una pittrice che ama il colore della natura, inserito in una dimensione pittorica di pregevole composizione formale, attraverso il suo personale mondo interiore, carico di silenzi, e di variopinti scenari della sua memoria.

Loredana Chinatti, indiscussa interprete di una singolare sinfonia naturalistica, ci affascina quotidianamente con versi cromatici, scritti con il pennello, sulla tela .” Francesco Chetta

Loredana Chinatti “Paesaggio spagnolo" olio su tela, cm. 35x30

Loredana Chinatti “La guardia” tecnica mista su tela, cm. 40x50

Alcuni dei numerosi Critici: Francesco Chetta, Giorgio Falossi, Paolo Levi, Caterina Randazzo. Vittorio Sgarbi, Mariarosaria Belgiovine, Jean Chartes Spina, Cristina Franzino Cagnazzi, ed altri

Quotazioni: da €800/900 piccoli formati, a € 1.600/2.500/3.500 grandi opere e anno di esecuzione Contatti: Tel. + 39 3312832236 Mail loredanachinatti@libero.it Studio: Via R. Lunelli, 26 38121 Trento Arte & Mercato 2018 Pag. 147

Elena Cifiello

Napoli

Elena Cifiello nasce a Napoli, laureatasi a Bologna, sua città di adozione.

Dopo anni di attività impegnata con una Multinazionale Americana, successivamente si dedica esclusivamente all’arte: scultura, pittura, poesia e narrativa. Trascorre alcuni anni in Toscana, successuìivamente si trasferisce a Roma iniziando un nuovo percorso al fianco del Maestro Luigi Sabbadini, già noto in America è prematuramente scomparso. Ritorna nuovamente a Bologna dove tuttora vive e non cessa di applicarsi nel suo amato mondo “la scultura”.

Per approfondire a fondo l’animo umano ha viaggiato dal Medio ed Estremo Oriente, India, Asia, Cina, parte dell’Africa, America e l’Europa. decide di far conoscere il suo operato allestendo numerose mostre che riscuoteranno grandi successi di critica e di pubblico. Non ha mai curato il risvolto commerciale del mercato e della carriera, affincando la sua ricerca verso valori etici, sociali e politici dai risvolti anche drammatici, spesso raffigurate nelle sue opere.

Ha pubblicato due volumi di poesie: “Fuggire In Un Porto” (Ed. Antonio Lalli – Siena), “Poesie” (Gabrieli Editore, collana “Poeti d’Oggi” – Roma) ed il breve romanzo “Una Famiglia Perbene” con prefazione di Ruggero Orlando (L’Autore Firenze Libri) con lo pseudonimo Hel Ares. Recentemente ha scritto diverse favole per bambini.

Numerosi i critici che hanno scritto di lei, è inserita in qualificati cataloghi e riviste specializzate.

Sue opere sono in collezioni pubbliche e private in Italia e all’estero: Pinacoteca del Vaticano, Comune di Pianoro, Museo Ebraico e il Museo dei Cappuccini di Bologna.

Elena Cifiello “il tuffo” bronzo, il tuffatore in bagno d’oro, cm. 22x47

Elena Cifiello “Le tre Marie” bronzo a cera persa, cm. 12x30

Elena Cifiello “Caligola” bronzo a cera persa, cm. 13x22x45

Studio: Via del Pero, 12 40067 Rastignano (Bo) Tel. 051/743440 Cell. 338/1526390 elenacifiello@alice.it www.elenacifiello.it

Arte & Mercato 2018 Pag. 148

Katarina Biografia Katarina, nome d’arte di Caterina Rinaudo Carone nasce a Brossasco in Provincia di Cuneo, dopo gli studi umanistici si trasferisce a Saluzzo dove insegna. Dopo alcuni anni abbandona l’insegnamento per dedicarsi professionalmente al sociale. Gia’ Presidente del Consiglio Comunale di Saluzzo sino al 2009. Da sempre ama scrivere e dipingere. Dopo aver dato alle stampe quattro romanzi ha iniziato a dedicarsi a tempo pieno alla pittura sotto la guida dell’artista berlinese Hannes Hofstetter. Caterina firma le sue opere con un nome d’arte Katarina, in omaggio al suo maestro tedesco che l’ha sempre chiamata così.

Katarina vive con la famiglia e i suoi adorati cani in una grande casa di campagna tra Saluzzo e Revello.

Alcune delle sue numerose esposizioni: 2005 Arte Saluzzo, Dublino, Monaco, Ventimiglia 2006 Lione, Mentone 2007 Monza, Arte Saluzzo, Roma 2008 Brey sur Roya, Mentone, Asti, Saluzzo, Borgo S.Dalmazzo, Dronero, Montecarlo 2009 Provincia di Cuneo 2010 Torino, Savigliano, Palermo, Arlès

Katarina “Emozioni” tecnica mista su tela, cm. 80x120 2011 Cannès, Montecarlo, Portovenere 2012 Parigi, Firenze, Montecarlo, Saluzzo 2013 Parigi, Cesenatico, Forlì Insignita di numerosi premi, ricordiamo i recenti Premio Nobel per le Arti visive e Oscar dell’arte assegnati nel Principato di Monaco Hotel de ParisMontecarlo dove l’artista ha esposto in numerose rassegne d’arte con grande consenso della critica.

Hanno scritto di lei: Hannes Hofstetter, Giuseppe Osnengo, Vilma Brignone, Maria Grazia Gobbi, Paola Pragliola, Osvaldo Bellino “Che cosa ci aspettiamo dall’arte? Distanza oggettiva verso il reale oppure inesauribile soggettività del flusso creativo? Universalità o autoreferenzialità, equlibrio estetico oppure immediatezza della spontaneità? Tendiamo spesso ad adottare criteri valutativi che ci diano risposte inequivocabili, perché la molteplicità dei significati ci inquieta. I ritratti di Caterina Rinaudo Carone “Katarina” ci offrono lo spunto per riflettere su queste tematiche.”

Hannes Hofstetter Quotazioni: da € 1000 a € 5000 Katarina “Laila” tecnica mista su tela, cm. 150x120 Arte & Mercato 2018 Pag. 149

Giacomo Rossi

Prize of the Critics 2018

Biografia Giacomo Rossi è nato a Sassuolo il provincia di Modena nel 1944, dove vive e lavora. Diplomatosi all’istituto tecnico industriale F. Corni di Modena, negli anni ‘80 frequentando per passione l’ambiente artistico dove ha modo di conoscere artisti contemporanei, che influenzeranno positivamente il suo percorso artistico creativo, contestualmente liberando le sue recondite emozioni che svilupperà con grande libertà compositiva nelle sue opere, elaborate con tanta singolare creatività.

L’artista confrontandosi sempre più con la critica che ne avvalla positivamente il suo operato, è presente a importanti rassegne e manifestazioni artistiche, partecipa a mostre collettive ed importanti personali in varie città italiane.

Mostre e premi Ricordiamo le sue personali svolte in Germania e Spagna, e la sua recente presenza espositiva alla fiera di Forlì “Vernice Art Fair 2012” e Arte Padova 2012. Nel 2013 ha esposto su invito alla 1° edizione d’arte contemporanea Monaco Art Expò Montecarlo Principato di Monaco, riscuotendo apprezzamenti dalla critica specializzata per il personale mondo pittorico.

Nuovamente presente alle fiere: Fiera di Forli Vernice Art Fair 2013, Immagina Fiera di reggio Emilia, Contemporanea Fiera di Forli, Vintage fiera di Reggio Emilia 2013.

Artista insignito dell’ambito premio Biennale per le artivisive, “Leone dei Dogi” assegnato a Venezia aprile 2013.

La Casa editrice effeci premia il suo talento creativo con il Premio editoriale Galleria Italia - Trofeo Art Museum Venezia 2013.

A Cesenatico la commissione critica assegna l’ambito Premio Artista dell’anno 2013, per la sua costante ricerca pittorica Giacomo Rossi “Paesaggio” teccnica mista su Plexiglass, cm. 70x100 2017 condotta con passione verso l’informale.

2014 Cesenatico Rassegna d’arte con Premio “Il Mare d’inverno” Hotel Miramare Gruppo Welcompany 2014 Hotel De Paris - Biennale “Salon d’Art Contemporain” Montecarlo Principato di Monaco 2014 Arte Genova Effeci edizoni, Arte Cremona 2014, Mondial-Tour, Trofeo Gran Canarie a cura di Jean Charles Spinà 2014.

Nel 2015 espone ad Art Monacò, premiato per eccellenza artistica a Montecarlo Bay Principato di Monaco Biennale della Palma d’oro per l’arte Montecarlo, nel 2016, premiato alla Biennale della Costa Azzurra Cannes, Trofeo Artista dell’anno Cesenatico, Trofeo La Vela d’oro per l’arte Cesenatico, Primo premio al concorso Internazionale svoltosi a Kirkland, Washington USA, Trofeo Art Museum Venezia, e numerosi altri premi.

Costante presenza delle sue opere nelle qualificate fiere d’arte Nazionali ed estere.

Giacomo Rossi “Lo spazio” tecnica mista e acrilici su tela, cm. 70x90 2017 Arte & Mercato 2018 Pag. 150

Critici: Maurizio Gnali, Augusto Mori, Francesco Chetta, George Pali, Mariarosaria Belgiovine, Federica pasini, Oxana Albot, Martha Gonzales, Candice Zhang Art, Elena Cicchetti, Jean Charles Spinà, Agatha Monti, e tanti altri.

Giacomo Rossi “Marte” tecnica mista su tela, cm. 80x120 2017

Prize of the Critics 2018

“Nelle opere di Giacomo Rossi si avverte quella lirica sensazione concettuale dominata dalla pura informalità astratta, sconfinando oltre i canoni accademici dell’astrattismo pittorico. Rossi crea nelle sue opere ornati materici sublimati dalla sua libertà gestuale, inserendo nel contesto prospettico dell’opera il suo messaggio emozionale scandito con timbri - cromatici abilmente stesi con la tecnica del “Dripping” evidenziandone i primi piani con valide campiture dai toni accesi e fortemente contrastati. L’espressione materica che possiamo notare ne genera forza e struttura alla ritmica visiva dell’opera; ed è essenziale per l’artista Rossi, per comunicarci i suoi reconditi sentimenti e concetti riflessivi conducendo l’osservatore a condividerne questi valori. Giacomo Rossi prosegue abilmente il suo incondizionato cammino nel suo mondo informale, pur restando legato ai valori di profonda abnegazione per la sua professione.” Francesco Chetta

Pubblicazioni Arte Collezionismo 2013,2014,2015,2016, Galleria Italia 2013, 2014, 2015, 2016, 2017 I Segnalati di Arte Collezionismo 2013 2014,2015,2016, 2017 Contemporary Art Today 2013,2014,2015 edizione speciale in occasione della 55. Biennale di Venezia Art Market Shop 2013,2015, 2016 2017 Biennale di Montecarlo 2013,2015,2016 Leone dei Dogi Venezia 2013, 2015 Gran Premio Artista dell’Anno a Cesenatico 2013, 2015, 2016 Premio Art French Riviera Cannes 2017 Biennale Cesenatico 2017 Cataloghi Fiere: Arte Padova 2012, 2013 Art market shop 2015, 2016 Vernice Art Fair Forlì 2012 Immagina Reggio Emilia 2013 Contemporanea Forlì 2013, 2014, 2015,2016 Vernice Art Fair Forlì 2013 2014, 2015, 2016, 2017 Artisti in fiera 2013 Vintage fiera di Reggio Emilia Art Monaco 2015, 2016, 2017 Arte Cremona 2017, Vernice Art Fair Fiera di Forlì 2017, prossimamente grande appuntamento Internazionale, le sue opere esposte ad Art Miami USA con la Ocean Gallery Art and School di Kirkland Quotazioni tecniche miste € 950/1.500 2.900/4.900/5.900 Studio Via Orazio Vecchi, 2 41049 Sassuolo (Mo) Tel. 0536 870752 cell. 348 9000249 Mail rossigiacomo44@hotmail.it Mercurio il pianeta più vicino al sole, spesso si può vedere all’orizzonte orientale o al tramonto occidentale il resto è Fantasia

Giacomo Rossi “Serie pianeti Mercurio” tecnica mista su tela, cm. 80x120 2017 Arte & Mercato 2018 Pag. 151

GIACOMO ROSSI Giacomo Rossi “Plutone” tecnica mista, diam. cm. 45 2017

www.giacomorossiart.weebly.com Arte&&Mercato Mercato 2018 Arte 2018 Pag. Pag.152 152

GIACOMO ROSSI

Giacomo Rossi “Scorcio di pianeta” tecnica mista, cm. 40x50 2017

Studio Via Orazio Vecchi, 2 41049 Sassuolo (Mo) Tel. 0536 870752 cell. 348 9000249

Arte && Mercato Mercato 2018 Arte 2018 Pag. Pag. 153 153

Elio Lucente

Pratola Peligna (AQ) 1972

Prize of the Critics 2018

Biografia Elio Lucente, è nato a Pratola Peligna in provincia dell'Aquila nel 1972, dove tuttora vive e lavora.

Sin da piccolo comincia a coltivare la passione per il disegno, e la pittura, verso i vent'anni scopre la meravigliosa tecnica dell'aereografo, dando vita a tantissime realizzazioni sperimentate su qualsiasi tipo di supporto, dai caschi, alle moto Harley-Davidson, facendosi un "nome" nel campo regionale e nazionale in questo settore.

Con l'esperienza acquisita negli anni e sempre preso a intraprendere nuove strade, comincia in modo spontaneo a dedicarsi alla pittura su tela, sia con l'aerografo, con le spatole e successivamente con i classici pennelli.

In questo passaggio egli trova la massima realizzazione, della sua vena artistica cominciando a ricevere consensi tra esperti nel campo, in mostre locali, collettive, e importanti rassegne d'arte contemporanea, attirando l'attenzione del grande critico e storico d'arte, Prof. Vittorio Sgarbi, che si complimenta per una sua particolare tecnica, l'incisione del plexiglass, una sua recente opera realizzata, ricevendo dal critico Sgarbi, un invito a far parte della sua collezione personale.

Elio Lucente "Aspettando il mare" acrilici su tavola di masonite, cm.95x95 2017

Quotazioni: da € 1.500/6.000 olio e tecniche miste su tela, e oltre i *15/20.000 euro *per particolari opere, misura, tecnica, e anno di esecuzione

Prize of the Critics 2018

“Un artista Elio Lucente, dotato di una smagliante fantasia caleidoscopica, un turbinio di emozioni cromatiche, che avvolgono costantemente, la stesura compositiva dell'opera, un vero eclettico personaggio contemporaneo, un vulcano di idee, sempre in eruzione, trasportando sulla tela, le sue emozioni, i suoi piaceri, sentimenti delineati e desunti dal suo diario di vero artista.

Questo è il mondo pittorico di Elio Lucente, schivo da ogni remore giudizio critico, Elio ci illustra sulla tela, un concerto naturalistico, con primari richiami della figura, momenti di appagata serenità interiore, che dolcemente, e indiscussa sintesi gestuale, trasporta sulla tela, con immenso e naturale formalismo accademico, donandoci il piacere di condividere insieme, il suo magico e ovattato mondo pittorico.

La naturale predisposizione al contatto umano, fanno del nostro artista Elio Lucente, un'instancabile Paladino dell'Arte, creando una perfetta simbiosi comunicativa, attraverso il suo accattivante linguaggio artistico, espresso con silente determinazione, esaltando ancor più il suo incisivo stile pittorico, frutto di costante ricerca, conoscenza, e di grande umanità, doti ormai difficilmente riscontrabili nel contemporaneo."

Francesco Chetta Elio Lucente "Kiss in the rain" acrilici su tavola di masonite, cm.112x60 2017

Info e contatti: eliolucente2@gmail.com Tel. 349 5936109 Studio: Via Codacchio 40 - Abitazione, Via Montello, 98 67035 Pratola Peligna (AQ) Arte & Mercato 2018 Pag. 154

Elio Lucente "White woman" acrilici su tavola di masonite, cm.50x70 2017

Premi: Alcuni dei recenti premi ricevuti per l sua particolare classe artistica.

Premio Leone d'oro per l'arte 2017 - Venezia, espone su invito al Palazzo Zenobio mostra collaterale alla 57.esposizione Internazionale d'arte, La Biennale di Venezia 2017, Premio Oscar per le Arti Visive 2017, assegnato con cerimonia ufficiale, nella prestigiosa cornice di Montecarlo - Principato di Monaco, Premio Milano Teatro dal Verme Milano, con consulenza artistica a cura di Paolo Levi e Vittorio Sgarbi, Primo premio assoluto, al memoral Tenco - La verde Isola, e numerosi altri riconoscimenti.

Elio Lucente "Love in The Rain°" acrilici su tavola di masonite, cm. 50x70 Arte & Mercato 2018 Pag. 155

Adolfo Passione Biografia Adolfo Passione artista salentino vive e lavora a Lecce sua città natale. Ha condotto studi da autodidatta a far data dal 1970, inizialmente dipingeva per mera soddisfazione decorando la sua abitazione, successivamente incoraggiato a proseguire, viste le sue potenziali doti creative verso le arti visive. In quefli anni da vita a numerose opere e anche cenni scultorei su legno, rifinendo le stesse con una particolare mescola patina ancor oggi molto imitata, ma molto differente nella pigmentazione tonale, base questa che contraddistinge l’opera dalle numerose imitazioni presenti oggi nel mercato. Concentra la sua ricerca verso un linguaggio formale ben definito, con elegante descrizione plastica della figura. La sua vocazione verso la scultura lignea, gli ha permesso di ottenere meritati apprezzamenti dalla critica specializzata. Adolfo Passione ci sorprende anche con le sue monocromatiche tele per lo più “Realistiche” un valido artista insomma a tutto tondo, un pittore dalla lirica poetica metafisica, che continua a farci sognare con le sue incantevoli opere.

Ha esposte le sue opere in importanti rassegne nazionali ed internazionali: ricordiamo le sue presenze all’Expò Art di Nice, Salon d’Art Mediterraneè di Mandelieu La Napoule, e Principato di Monaco.

Le sue opere sono presenti in varie collezioni private e musei: nazionali, Museo degli Etruschi di Vada Livorno, archivio editori Lo Faro Roma, e nei comuni di Lecce, Roma, Firenze, Ferrara.

Numerosi i premi conseguiti, nel corso della sua lunga carriera artistica.

Adolfo Passione “Amanti” legno di cipresso,cm. 12x34

Mariarosaria Belgiovine, scrive di lui: “Un’Artista che segue il percorso segnico della ricerca, con la lavorazione della materia. La sua scultura, ben modellata, riferisce la stessa gestualità presente nelle sue opere di pittura. Le due arti, pittura e scultura, si uniscono alla perfezione, fruendo della capacità dell’artista di esprimersi attraverso un linguaggio personale che determina il suo stile. Le sue opere ci rivelano la sua ricerca istintiva, frutto di conoscenza e di grandi dosi di creatività, indispensabili per quietare la sua sete di ricerca. Notevole la sua predisposizione con manualità che intervengono con rapida armonia a decifrare i messaggi del suo inconscio, ricco di vibranti irrealtà. Ogni sua composizione è guidata dalla ricerca personale, traccia enigmatica dei suoi sentimenti, dedotti con sublime poesia e romantica espressione.” *Premiato a Montecarlo con il Premio Nobel dell’arte 2005 Mariarosaria Belgiovine Quotazioni: Sculture legno ulivo nazionale, e noce da € 5.000 a € 22.000 Dipinti olio su tela da € 13/16.000 e *oltre *particolari opere, in rapporto alla misura e all’anno di esecuzione. Incisioni su linoleum € 650/850.00 Info e contatti: Adolfo Passione, Tel. 0832 314642 via Giuseppe Gabrielli, 13 73100 Lecce Arte & Mercato 2018 Pag. 156

Elio Lucente Elio Lucente "Grace Kelly" acrilici su tavola, cm. 35x40 2017

Info e contatti: eliolucente2@gmail.com Tel. 349 5936109 Studio: Via Codacchio 40 - Abitazione, Via Montello, 98 67035 Pratola Peligna (AQ)

& Mercato ArteArte & Mercato 20182018 Pag. Pag. 157 157

Elio Rubini

Prize of the Critics 2018

Roma

Elio Rubini “Eden” acquerello su cartoncino, cm. 35x50

Biografia: Elio Rubini nasce a Roma, dove vive e lavora. Inizia in giovane

età ad entrare nel mondo dell’arte come musicista, componendo musiche al pianoforte, successivamente si dedicherà alla pittura. Partecipa a diverse esposizioni e concorsi, con importanti risultati e lusinghieri consensi di critica.

Ricordiamo alcune sue presenze: Mostre a Tema sulla natura, Paesaggio, Opere della Sezione, presso la galleria romana Forum Interart; Roma New Age a Palazzo Barberini Sala Giulio Cesare; Premio Gran Galà dell’arte, rassegna di Artisti contemporanei in via del Babbuino; Mostra di arti figurative (Patrocinio alle Politiche culturali del Comune di Roma); Biennale d’arte Sala del Bramante, rassegna regionale d’arte Palazzo dei Principi Pignatelli, Regione Lazio; Galleria L’Agostiniana, piazza del Popolo; Esposizione a Mandelieu La Napoule France, nella Galerie Le Patio, esposizione all’Hotel New Bristol, Cesenatico; esposizione al Grand Hotel di Portovenere. Trofeo Galleria Italia 2013.

Numerosi i premi assegnati nel corso della sua carriera, ricordiamo i più recenti Premio Artista dell’anno Premio Artista de Montmartre, Premio Agazzi, Premio artista dell’anno a Cesenatico, Premio Ponzano, Galleria Thuller Parigi, Premio New York, Trofeo Arte Collezionismo 2011, 1 premio della critica, Premio Parigi, Gran Premio delle Cinque Terre Portovenere 2012, Premio Mercurio d’oro 2012, per la sua professionalià - Cesenatico, Vernice Art Fair 2012 Fiera di Forli, Premio Gondola d’Oro Venezia 2012, Premio Biennale Visual arte 2011, Premio l’Arte e l’amore - Verona, Parga “Is Great Prize” 2011, Premio Protagonista a Holliwood 2016, Premio Arte Impero 2016, Premio Panorama d’Italia a cura di Vittorio Sgarbi 2015 Palermo, Premio Città degli Uffizi Firenze 2016 e altri importanti riconoscimenti per la sua classe pittorica

Prize of the Critics Porto Antico Fiera di Genova 2018

Hanno scritto di lui i critici: Vittorio Sgarbi, Mariarosaria Belgiovine, Alfonso Gonfalone, Gerard Argelier, Raffaele Di Salvatore, Serena Carlino, Carla Marino, Attilio Colombo, Francesco Chetta, Paolo Levi, Roberto Puviani, Eraldo De Vita, Enza Conti, Giorgio Falossi, Anna Maria Gentile, Gennaro Montanaro, Flavio De Gregorio e altri noti critici d'arte.

Elio Rubini “Il sentiero”, acquerello, cm. 40x50

Arte & Mercato 2018 Pag. 158

Prize of the Critics 2018 “L’intensa emozione visiva, che si riscontra negli acquerelli di Elio Rubini, rende ancor più incisiva visione e testimonianza, del suo talento ed espressione artistico, una singolare gestualità di tenue velature , creano opere di immenso fascino pittorico, la sua lunga carriera artistica, gli ha permesso di personalizzare, con profonda passione verso la modellazione delle tenue velature tonali, riscontrando l’intima espressione emotiva dell'artista.

Si avverte così, quella fresca aria floreale nella composizione, una sinfonia naturalistica, che inebria di profumi la mente dell’osservatore.

Qui si riscopre con acceso sentimento emotivo, il suo amore verso questa tecnica pittorica dove il pensiero dell’uomo, valica la frontiera della realtà, per condurlo in un’ovattata dimensione spirituale meditativa fatta di ricordi e silenzi emotivi.

Questo è il mondo pittorico di Elio Rubini, un caleidoscopico concerto cromatico, di velature tonali compositive, abilmente stese senza ripensamenti, con grande fantasia pittorica, quasi a volerci svelare il suo magico mondo, un diario racchiuso nel suo cuore, che palpita continuamente, animato dalla sua profonda umiltà di uomo e artista, donandoci sempre attraverso la meditata visione delle sue opere, il piacere e la voglia di rivivere quella silente atmosfera, da lui colorata, con tasselli cromatici di pura gioia.”

Francesco Chetta Principali soggetti paesaggi, fiori, boschi realizzati con la tecnica dell’acquerello Quotazioni: da € 900 a € 3.000/4.500 Elio Rubini “Profumo di fiori”, acquerello su cartoncino, cm. 50x70

Studio: Viale Somalia, 81 00199 Roma Tel. 06/86201885 Cell. 388/9564059

Elio Rubini “Solitudine” acquerello su cartoncino, cm. 50x70

Elio Rubini "Fantasia in giallo" aquerello, 50x70 1998 Arte & Mercato 2018 Pag. 159

Mary Le Thuy Ai

Prize of the Critics 2018

Vietnam

Biografia Mary Le Thuy Ai, è nata a Cangiuoc Longan in Vietnam, vive e lavora in provincia di Brescia, da molti anni. Artista carica di una forza espressiva e grande entusiasmo, trasmette cromaticamente sulla tela, le sue recondite emozioni quotidiane, rivolgendo particolare attenzione.

Le Thuj Ai è nel fulcro della sua attività espositiva, ha tenuto mostre personali a Flero al centro Commerciale Osmosi, Centro Commerciale Le Robinie Provinciale Quinzanese.(Bs), Ledera a Capriolo, recentemente nel mese di Marzo ha esposto a Vernice Art Fair Forlì, sue opere sono visibili anche su Sky TV. Numerose i premi ricevuti per la sua classe artistica.

Premio Biennale a Venezia Hotel Amadeus, Premio Biennale di Montecarlo, Premio Trofeo della Costa Azzurra a Cannes, e molti altri premi.

Artista presente in numerose rassegne e fiere d’arte contemporanea, in Italia e all’estero “Opere ricche di fascino compositivo, ed emozionaliquelle della nostra pittrice Vietnamita Mary Thuy, La sua indiscussa passione dimostrata verso le arti visive, sono costantemente descritte nelle sue opere, tattiche di una rivoluzione mentale, che trasforma nella realtà visiva, attraverso gli impulsi dettati dalla sua fantasia creativa, una ricerca quella di Le Thuy, che sconfina in una metamorfosi creativa.

Alcune sue opere, ci cinfermano il giusto mixer compositivo delle tonalità percepite dalla sua fantasia pittorica, profondamente recepito dall’artista, con il preciso compito dialogativo” Francesco Chetta

Mary Le Thuy Ai “Amarsi per sempre” olio su tela, cm. 80x120

Mary Le Thuy Ai "Universo" olio su tela, cm. 100x100 Quotazioni: olio su tela e tecnica mista da € 600/800/900 a € 1.500/2.600/3.000/4.000 Studio: Via Cecilia Motta, 27 25020 Falerzano Brescia Tel. 331 4489383 mail simpaticabella@yahoo.it www.artistacontemporanea.com Mary Le Thuy Ai “Incontro delle anime” olio su tela, cm. 60x100 Arte & Mercato 2018 Pag. 160

Le Thuy Ai “L’immensità delle calle” olio su tela, cm. 100x150

Prize of the Critics 2018

“Mary Le Thuy Ai, indiscussa pittrice di surreali opere, concepite con il suo grande estro pittorico.

Un linguaggio simbolico/surrelae, ci fa comprendere tutto il suo amore per la pittura, opere cariche quel phatos emozionale, descrivendoci poeticamente, il suo intimo spirito caratteriale, un recondito pensiero emotivo, che sconfina in prolungato sogno d’amore, che affascina l’osservatore, con infinite note melodici versi, e sintonie di ovattati ricordi, trasportandolo così, in un bellissimo viaggio introspettivo, carico di emozioni” Francesco Chetta

Le Thuy Ai “la speranza di un futuro migliore” cm. 90x90

Mary Le Thuy Ai “L’abbraccio” olio su tela, cm. 100x150

Mary Le Thuy Ai “L’amore non ha confini”, olio su tela, cm. 120x100

Arte & Mercato 2018 Pag. 161

Glenda Dollo

Prize of the Critics 2018

Biografia Glenda Dollo, ha iniziato a disegnare fin da bambina (nel lontano 1989 ha perfino vinto il primo Premio a livello Internazionale in occasione di un Concorso bandito per il bicentenario della Rivoluzione Francese) continuando così, per tutta l’adolescenza.

Laureata in Lettere col massimo dei voti.

Ha iniziato un PhD non completato.

Ha studiato pianoforte Jazz per circa sei anni (la passione per la musica, risale all’infanzia).

Negli ultimi anni ha ripreso la matita e iniziato, quasi per caso, a dipingere.

L’uso del colore l’affascinava moltissimo. Ama dipingere di getto, senza alcuna base predefinita. Le sue opere nascono spesso, semplicemente, dal desiderio di utilizzare determinati colori.

Non si tratta di una scelta riflessiva, ma di un istinto, di una necessità.

Kandinskij diceva che il colore è come il tasto di un pianoforte capace di far vibrare l’animo umano. Diceva che l’universo intero risuona.

Secondo Chagall il colore, come la musica e, aggiungo io, come la parola, è vibrazione. Diceva che tutto è vibrazione.

Lo stesso afferma John Coltrane, uno dei musicisti jazz che più gli stanno a cuore.

A differenza che nella musica, quella emanata dal colore è una vibrazione che passa dall’occhio anziché dall’orecchio, ma che ha uguale risonanza nel fruitore. Il legame che si stabilisce tra l’opera, l’artista e il fruitore ha radici profonde, nei sensi e nell’animo.

Mi piacerebbe riuscire a comunicare e far esperire innanzitutto l’esperienza emotiva alla base del mio dipingere.

Glenda Dollo “Bluesette” olio su tela, cm. 60x60

“L’arte mi sembra essere soprattutto uno stato d’animo”. Marc Chagall “La pittura, il colore, non sono forse ispirati dall’amore? La pittura è solo il riflesso del nostro io interiore e per questo stesso la maestria Recenti premi e mostre 2017 Trofeo Artista dell’Anno Cesenatico, Premio Biennale Leone dei Dogi Venezia - con esposizione delle opere presso Hotel Amadesus, mostra in concomitanza della 57. Esposizione Internazionale d’Arte, La Biennale di Venezia, Premio Internazionale Oscar dell?Arte Montecarlo - Principato di Monaco, TrofeoInternazionale - Eccellenze Museali, al Museo Sciortino di Monreale Palermo, Premio Internazionale Novecento, Omaggio a Guttuso, Bagheria Palermo.

Glenda Dollo “Azur” olio su tela, cm. 60x60 Arte & Mercato 2018 Pag. 162

Prize of the Critics 2018 “Un percorso di continua ricerca, quello di Glenda Dollo, ben equilibrato, condotto con grande passione verso le arti visive, attraverso scelte compositive informali, nel riscoprire il suo estro pittorico, dando il giusto equilibrio alle masse compositive dell’opera.

Nella meditata lettura, delle sue opere, si avverte una silente emozione visiva, una singolare espressione artistica, motivata dalla sua vibrante gestualità e fantasia creativa.

L’artista ci dona, il ritmo cromatico modulare della materia, attraverso la sua personale libertà compositiva, creando così opere di forte impatto visivo ed emotivo.

La sua arte, penetra la profondità dell‘anima, con reconditi messaggi, ed atmosfere evocative di avvolgenti ricordi.

Una rivoluzione interiore, che conduce l’artista, Glenda Dollo, a ricercare e sperimentare soventemente, l’uso del colore, una nuova dimensione, della realtà surreale, vista attraverso molteplici scansioni della sua metamorfosi creativa.”

Francesco Chetta

Glenda Dollo “In Rouge” olio su tela. cm. 60x60 Critici: Mariarosaria Belgiovine, Paolo Levi, Francesco Chetta, Elena Cicchetti, Fulvia Minetti, Jean Charles Spinà, Carla D’Aquino Mineo, Sandro Serradifalco, Fulvia Minetti, ed altri.

Glenda Dollo “Soirèe” olio su tela, cm. 60x60 Quotazioni da € 800/1.200 a * € 3.500/5.000 *(per opere di particolare pregio e anno di esecuzione) Studio Via Felice Gazzolo, 1 int. 21 - 16167 Genova Tel. +39 3931886620 E-mail: glendadollo@gmail.com Glenda Dollo “Quasi un abbraccio” olio su tela, cm. 60x60

Arte & Mercato 2018 Pag. 163

Maria Farisè

Prize of the Critics 2018

Manerbio (BS)

BiografiaMaria Farisè è nata a Manerbio (BS) vive e lavora nell’oltrepò pavese, autodidatta con doti naturalistiche, ancorpiù nell’eseguire copie d’autore. La sua grande passione per la pittura la conduce a seguire la sua strada verso un linguaggio legato al figurativo classico, con una sobrio cromatismo rivolto essenzialmenmte a far risaltare i contenuti plastici del paesaggio. Numerose mostre al suo attivo con prestigiosi premi conseguiti nel corso della sua presenza espositiva. Recenti premi 2011, Leone d’oro per l’arte, Premio Oscar per le arti visive, Hotel de Paris Montecarlo, Premio Mercurio D’oro per l’Arte 2012 Cesenatico: assegnato a Farisè per la sue qualità pittoriche nel riprodurre le opere dei grandi maestri, Gran Premio delle Cinque Ter- Maria Farisè “Estate” acrilico su tela, cm. 24x30 re a Portovenere - mostra premio, Premio Visual arts 2012, Vernice Art Fair 2012 - Fiera di Forli, Arte Padova 2012, Premio Gondola d’Oro Venezia 2012, Premio Nobel per le arti visive - Montecarlo, Art Collection Cesenatico, Great Contemporary Painter 2012. Recentemente la commissione preposta al premio ha assegnato all’artista, il premio Nobel per l’arte 2013, nelle sale dello storico Hotel de Paris, Montecarlo. 2014 Premio il Mare d’Inverno Cesenatico, 2014 Biennale Art Monaco Montecarlo, 2014 Gran Galà dell’arte Venezia. 2016 Premio Biennale Oscar dell’arte Montecarlo, Artista dell’anno 2016 Cesenatico, Trofeo la Vela d’oro 2016 Cesenatico, Premio Leonardo da Vinci 2016 Cesenatico, Premio Art in The World 2017, Hotel Marina Porto Antico di Genova, Trofeo French Riviera Cannes 2017, Premio Leonardo Da Vinci 2017 Cesenatico, Premio Biennale Oscar dell?arte Montecarlo 2017, Premio Biennale Leone dei Dogi Venezia 2017 Premio Grandi Firme dell'arte Contemporanea 2018 Cesenatico, Prize of the Critics Arte Genova 2018 Scrive di lei Jean Charles Spinà “Le opere pittoriche di Maria Farisè, ci rivelano cromaticamente un incondizionato fascino poetico, con tracce di intonate note di evanescenti profumi naturalistici. Le sue “venezie” ci traducono infatti tutta la sua carica emotiva nel comporre con larga sobrietà la scena raffigurata. La pittura coivolge emotivamente la nostra pittrice, essa ci descrive un recondito messaggio raffigurato con una scandita stesura tonale, lievi toni pigmentati dalla sua delicata tavolozza, sono adagiati con appagata delicatezza, che contribuiscono a rendere silente ed ovattata l’atmosfera paesaggistica. Maria Farisè non mira con la sua singolare arte a travolgenti traguardi contemporanei, l’artista Farisè si concentra essenzialmente con il suo “poetico messaggio visivo”, a condurre l’osservatore delle sue opere a riscoprire le bellezze naturalistiche che ci circondano.” Jean Charles Spinà Quotazioni da € 500/1.200 a € 1.500/2.000 Contatti Tel. +39 3388801112 Maria Farisè “Campo di lavanda" olio su tela 30x30 2016 Arte & Mercato 2018 Pag. 164

Prize of the Critics 2018

“Nelle opere di Maria Farisè, si avverte con una particolare emozione visiva, in particolare nei paesaggi della sua amata terra, una campagna rigogliosa, che emana note di poesia naturalistica.

La sua arte, è raffigurata con singolare gestualità, rivolgendo attenzione, ai suoi ricordi, attraverso un delicato cromatismo tonale, una stesura rapida e concisa, esternata con profonda passione verso il paesaggio, dove il suo mondo creativo, si fonde con l’intima espressione dell'artista.

Si avverte così, nelle opere di Maria Farisè, quella sintesi compositiva, dove il pensiero dell’uomo, trova quiete e risposta nella natura, una natura raffigurata con estrema sintesi paesaggistica, valicando così, i confini della realtà, per condurci intimamente, in un viaggio spirituale meditativo, evocando rtasselli di piacevoli ricordi, rivolti alla quotidiana magia ormai spenta del presente, suscitando in noi infinite emozioni silenti” Francesco Chetta

Maria Farisè “Nevicata in riva al lago” acrilico su cartoncino, cm. 24x30 Hanno scritto di lei: Giorgio Falossi, Salvatore Perdicaro, Vito Cracas, Francesco Chetta, Gerard Argelier, Mariarosaria Belgiovine, Daniele Maggi, Jean Charles Spinà, Augusto Mori, Elena Cicchetti, e tanti altri.

Arte & Mercato 2018 Pag. 165

Margherita Casadei

Cesena (Ravenna) 1982

Prize of the Critics 2018

Biografia Margherita Casadei nasce a Cesena (Ravenna) nel 1982.

Inizia a dipingere in giovane età, dedicandosi allo studio come autodidatta, per quanto concerne la pittura.

Ha frequentato l’Università di Bologna specializzandosi nella materia di Scienze Filosofiche e ottenendo i massimi voti con lode.

Tra i sedici e i diciasette anni comincia il suo percorso pittorico (quasi improvvisamente) per un’urgenza personale d’espressione. Ha iniziato ad esporre nel 2002 a Bologna in una personale bimestrale in via Rizzoli presso una nota libreria. Ha tenuto diverse mostre personali e collettive a Ravenna, Cervia, Forlimpopoli e a Forlì.

Ha esposto in importanti manifestazioni d’arte a Forlì, Piacenza, Udine e a Innsbruck.

Ha ricevuto numerosi premi, tra i quali: l’Oscar per le Arti Visive 2015, il Mercurio d’oro per l’arte a Cesenatico nel gennaio 2016, il trofeo 1° Grand Prix des Arts Visuels 2016 a Cannes e il premio la Vela d’oro per l’arte 2016 a Cesenatico.

Margherita Casadei “La discinta, donna con gatto" acrilico e olio su tela, 70x80 2014-15 Prize of the Critics 2018 “...Osservando con meditata attenzione, le opere dell'artista Margherita Casadei, si avverte una particolare sensazione emotiva, con avvolgenti emozioni d'indiscussa umanità comunicativa, una quinta compositiva fatta di sinfonie naturalistiche, che avvolgono l'ovattata scena poetica dell'opera.

La figura è inserita in un ornato tecnico descrittivo, di silenzi e remoti ricordi, quale preludio di una attesa confortante, e meditativa, un oasi spirituale, quale sogno e piacevole meta dell'artista, da raggiungere." Francesco Chetta 2018 Silenti note di dolci e ovattate emozioni, emergergono visivamente dalle opere di Margherita Casadei, artista portavoce di recondite visioni. Una tavolozza accesa di tenui colori, ed essenzialmente sintetica nell’ornato compositivo, che ci descrive con grande persuazione gestuale, tutta la sua placata dolcezza comunicativa.

La nostra artista Margherita Casadei, esula il percorso accademico, comune a molti artisti, concentrandosi nel voler esprimere, essenzialmente attraverso la figura e l’uso del colore, ciò che le sta più a cuore; il diario del vissuto, le sue gioie e le sue pulsanti emozioni, interpretate con singolare lirica visiva, ciò conduce l’artista, a sconfinare in un caleidoscopico concerto cromatico, di velature tonali abilmente stese con grande fantasia pittorica, quasi a voler svelare il suo magico mondo, animato di Fiabe e sereni racconti, donandoci il piacere e la voglia di rivivere quella silente atmosfera, colorata con tasselli di pura gioia...!!!”

Francesco Chetta 2017 Margherita Casadei “Dolci parole" acrilico, strass e cabochon di perla su tela, cm. 50x60 2014 Arte & Mercato 2018 Pag. 166

Margherita Casadei “La stagione nuova", acrilico strass e componenti metalliche su tela, cm. 80x70

Margherita Casadei “ Con le stelle sul cappello" acrilico e swarovski su tela, 80 x 40 2015 Quotazioni da € 800/2.000 a * € 3.500/6..000 *(per opere di particolare pregio e anno di esecuzione) Nel settembre 2016 riceve la Palma d’oro per l’Arte a Montecarlo mentre nel gennaio 2017 il Premio Leonardo da Vinci per l’arte. Premio Grandi Firme dell'arte Contemporanea 2018 Cesenatico, Prize of the Critics Arte Genova 2018 Hanno scrittto di lei: Mariarosaria Belgiovine, Jean Charles Spinà, Francesco Chetta, Elena Cicchetti, Vincenzo Chetta, Giampaolo Curti, ed altri.

Studio Via Crociarone, 91/a 48015 Pisignano (Ra) Tel. +39 333 9557295 E-mail: marghe.casadei@gmail Margherita Casadei “Emozioni lontane", acrilico su tela, cm. 60 x50 2016 Arte & Mercato 2018 Pag. 167

Elena Bullo

Lignano Sabbiadoro (UD) 1970

Prize of the Critics 2018

Biografia: Elena Bullo, nasce a Lignano Sabbiadoro nel 1970, è un artista briosa, vivace, fortemente pratica.

Il suo carattere si rispecchia passionalmente nelle sue opere realizzate con materiali e tecniche diverse.

Un dialogo costante con la natura il suo, forte dell’abbraccio intenso con la struttura delle cose: spazio, luce, forme, atmosfere reali ed emozionali; un dialogo dove tutto muove tra postulati artistici e notazioni reali, senza vagheggiamenti o visioni sublimate di spazio infinito.

L’artista ama esaltare nella forza segnica e nella cromia l’animo legato alla sedimentazione memoriale, spiegata a noi come se vedessimo l’opera con gli occhi trasparenti della pittrice. Fa rivivere i miracoli dell’ambiente privi di qualsiasi manierismo ma fortemente concreti: i colori tenui e talvolta vivaci che riesce ad imprimere nel suo ritrovato tecnico non hanno niente di soprannaturale ma sono l’espressione diretta della natura.

Hanno scritto di lei: Francesco Chetta, Jean Charles Spinà, Pasquale Giuseppe, Lucio Damiani, Vito Sutto, Alessandro Venuti, Renato Glerean, Antonio Magrì, Viviana Vannucci, Giovanni Facenda, Enore Gori, Maria Teresa Prestigiacomo ed altri.

Quotazioni da € 650 a 1.000 a *€ 2.000 / 3.500 *prezzi per particolari opere: per misure e anno di esecuzione Studio: Via Monsignor Muratore, 3 33053 Latisana Udine Tel. +39 3899737806

Elena Bullo “Autunno” china e acrilico su tela, cm 40x50

Prize of Critics 2018

“Una fantastica essenza poetica, si riscontra facilmente, nella quinta compositiva della brava pittrice friulana Elena Bullo, che ci affascina la visione, delle sue uniche e performanti opere, con dolci note poetiche, e profondapassione per la natura; questa è la vibrante tavolozza di Elena Bullo, opere che ci trasmettono, infiniti messaggi sensoriali, una meditata osservazione di eterei profumi di bellezza mediterranea.

Una giusta sintesi del paesaggio, desunta dalle sue recondite emozioni, e successivamente esternata con abile gestualità cromatica sulla tela, inserendo dolci velature di tenui colori, che donano al dipinto la giusta forza espressiva.

Le emozioni quotidiane, recepite dalla nostra pittrice Elena Bullo, gli permettono di spaziare dalla natura morta, al paesaggio ed alla ritrattistica, con perfetta capacità creativa.

Nelle sue opere si evidenziano emozioni, vibrazioni di una pittura altamente equilibrata, in particolar modo nel classicismo della rappresentazione cromatica delle sue opere, spaziando ulteriormente nell’espressionismo interiore, e nel riportare sogni e realta, nei soggetti da lei illustrati.”

Francesco Chetta Elena Bullo “Piuma” olio e smalto su tela, cm. 30x40 Arte & Mercato 2018 Pag. 168

“Poesia visiva quella di Elena Bullo, espressamente, dettata dalla sua incondizionata anima artistica.

Una ricerca condizionata dalla sua grande umiltà spirituale, che gli permette di esternare con grande facilità, la sua fantasia creativa.

Elena Bullo con la sua forte ed incisiva gestualità ripercorre sentimenti evocativi, che la conducono con assoluta scioltezza compositiva, ad offrirci infinite sensazioni visive, che ne sottolineano i forti valori della sua energia comunicativa.

La particolarità che si evinge nei suoi dipinti ci descrivono l’indiscusso amore, e il suo percorso in fase evolutivo, attraverso armonie tonali alchimicamente ben miscelate, che rivelano alla visione, messaggi evocativi, delle immagini da Elena Bullo “Sfondo marino”, tecnica mista a soffio, cm. 30x40 lei rappresentati.

La materia è saggiamente plasmata dall’artista, esaltandoci lo spirito poetico del sentimento intuito attraverso la lettura delle sue opere”. Francesco Chetta - Galleria Italia 2016

Elena Bullo “Incontro” smalto su tela, cm. 40x50 Arte & Mercato 2018 Pag. 169

Aurora Maletta

Figline Valdarno (Fi)

Prize of the Critics 2018

Biografia Aurora Maletta è nata a Figline Valdarno (Fi) vive e lavora a Borgo San Lorenzo.

Aurora Maletta valida pittrice figurativa ha condotto studi da autodidatta, bravissima ritrattista sa perfettamente immedesimarsi on nuovi suggerimenti emotivi che la sua creatività le impone.

Mostre: Nel corso della sua carriera artistica ha esposto in varie località europe Nizza; Cannes, Montecarlo,Bruxelles.

Molte le personali allestite come pure le collettive: I colori dell’Arte Grazzano Visconti, Il silenzio del Mare Riccione, Arte nel Borgo, Castello di Somaglia, Arte Padova, Vicenza Arte, Arte Pordenone, Expò Art Nice, Salon d’art Mediterannèe, Mandelieu, Les Artistes sur la cote d’azur, ed altre primarie location.

Premi conseguiti: La Vela d’oro Raoul Casadei Cesenatico, premio Il Biscione Visconteo, La Palma d’oro Sirmione, Art in the World Castrocaro, Oscar dell’arte Montecarlo e Salsomaggiore Terme, Premio Biennale di Venezia Il Quadrato, premio Omaggio al Carnevale, Great contemporary painter Rimini, La Sirena d’oro Cervia, Trofeo Miramare Cesenatico, Il Delfino d’oro e altri, Premio Galleria Italia Trofeo Art Museum Venezia 2013, Trofeo Isola di Wight - Arte e Musica 2013 Milano.

Quotazioni: da € 900 a € 3.900 Aurora Maletta “Donna con ermellino” Omaggio a Leonardo da Vinci olio su tavola, cm. 53x43 1997 Critici: Jean Charles Spinà, Francesco Chetta, Giorgio Falossi, Alfredo Pasolino, Mariarosaria . Belgiovine, Michel Verdant, Jean Jacques Segall, Crhistie Grizivatz, Carlo Adelio Borromeo Dadda, ed altri.

Prize of Critics 2018

“Una particolare magia visiva, si cela nelle opere, della nostra amata pittrice fiorentina Aurora Maletta, opere eseguite con particolare studio e ricerca tecnica.

La sua passione per i colori, in particolare per il ritratto, la collocano senza dubbio tra la schiera di quegli artisti, che hanno dato tutto la loro vita all'arte pittorica, ricercando sempre più a far emergere dal ritratto dipinto, il sentimentalismo emotivo, tralasciando la perfezione anatomica della figura, ciò gli ha permesso di evocare nelle sue opere, una soffusa poetica, che ci coinvolge emotivamente, una sincera sinfonia di malinconici ricordi, associati in un contesto reale di pura spiritualità sfuggente alla memoria.

Il compito dell'artista, è proprio quello di catturare quell’attimo fuggente, trasferendolo sulla tela, con pura sintesi poetica, sia nei contenuti plastici, che nella composizione prospettica dell’opera.

Un artista dunque Aurora Maletta, che riesce a coinvolgere l'osservatore delle sue opere, trasportandolo in un ovattato viaggio, di ricordi e sequenze sceniche del nostro passato, discostandosi nettamente da mode e linguaggi informali, una pittrice pura, daI segno sincero e ovattato, una particolare gestualità, desunta dal suo filtro creativo, che evidenzia il suo personale estro pittorico e della sua cromatica e variopinta tavolozza.” Francesco Chetta Studio: Via Repubblica, 10 50032 Borgo San Lorenzo (Fi) Tel. 055 8457825 Arte & Mercato 2018 Pag. 170

Aurora Maletta “Omaggio a Orsa Maria Guerrini” olio su tela cm. 40x50 - 1997

Studio: Via Repubblica, 10 50032 Borgo San Lorenzo (Fi) Tel. 055 8457825

Arte & Mercato 2018 Pag.2018 171 Pag. 171 Arte & Mercato

Michele Circello

Rocchetta Sant’Antonio 1944

Biografia Michele Circello nasce in provincia di foggia, Rocchetta Sant’Antonio nel 1944, vive e lavora a Foggia. Ha studiato all’Istituto d’Arte di Foggia e all’Accademia di Belle Arti di Milano. Nei primi anni settanta è stato allievo del maestro Cantatore emerge con una pittura figurativa, nella quale vengono rappresentate scene di vita quotidiana con problemi legati alla sua terra. Nel 1973 ha insegnato al Liceo della città di Vieste. Nel 1970 tiene la sua prima Mostra personale a Foggia, a tutt’oggi Circiello ha tenuto oltre 100 personali in qualificate Gallerie, in molte città in Italia e all’estero. Definito dalla critica specializzata: Accertatore di tracce, per la sua ricerca condotta rivolta essenzialmente su base storica iconografica, ed archeologica della sua terra, in particolar modo il paesaggio rupestre del Gargano. Per la città di Vieste, ha realizzato notevoli opere: Cristalda e Pizzomunno collocata vicino al Porto Turistico, nella Cattedrale di San Francesco l’opera “La porta del Mare” (porta in bronzo) oltre alla recente installazione sulle mura del Palazzo del Comune a Marina Piccola. (Vieste). Numerose opere sono esposte in collezioni pubbliche e private e in vari musei, italiani ed esteri.

Studio: C.so Roma N. 81 71100 Foggia Tel. 0881 713674 Quotazioni Prezzi galleria medi delle opere: da € 1.500 a € 10.000 in base alla tecnica e all’opera opere circolari su tavola diametro: da € 2.300 a € 4.800 sculture serie “Guerrieri” fusione in bronzo pezzi unici h.cm 160 da € 7.000 a € 10.000 opere monumentali su richiesta.

Michele Circello “Aura rupestre”

Brescianini Da Rovato

Rovato 1944

Biografia Nato a Rovato nel 1944, dove vive e lavora. Ha frequentato la scuola di Grafica “Ricchino” di Brescia.

Formatosi con studio da autodidatta nella pittura. Numerevoli le sue esposizioni in particolari sedi di rilievo nazionali ed internazionali. Le sue opere fanno parte di numerose collezioni pubbliche private italiane e straniere. Soggetti particolari riguardanti le sue tematiche, in particolare predilige le figure di donna. Principali Gallerie di referenze: La Fenice, La Nuova Forma, Spirale Arte, Schreiber, Leonart. Mostre: Atlantic City - Rosemary Gallery (USA), Castello di Gambara, SpazioArte (Verbania).

Quotazioni olio su tela 30X50 - € 1650,00 50X70 - € 3100.00 80X100 - € 6600,00

Mercato internazionale Studio Via Pitossi, 20 25038 Rovato (BS) www.brescianinidarovato.it Brescianini Da Rovato - “The red body” cm. 80 x 100 Arte & Mercato 2018 Pag. 172

Romano Buratti

Cesena 1937 Biografia Romano Buratti è nato a Cesena nel 1937, dove ha compiuto gli studi presso l’istituto professionale con la guida di Giannetto Malmerendi per le attività espressive. Ha frequentato poi un biennio di corso libero presso l’Accademia di Belle Arti di Ravenna avendo come docente il Maestro Folli.

Per anni interessato a grafica umoristica, ha collaborato con giornali e riviste.

Mostre e premi A partire dal 1974, e per un decennio, si aggiudica numerosi concorsi a cui ha partecipato, con il plauso incondizionato del pubblico e della critica. Dal 1976 ad oggi ha esposto in numerosissime collettive e personali in Italia, Germania, Francia, Belgio, Svizzera, Austria e America, con successo e favorevoli recensioni su giornali e televisioni. Sue opere si trovano in permanenza in prestigiose gallerie europee nonché collezioni pubbliche e private; inoltre il suo nome figura sui più importanti cataloghi e riviste italiane ed europee.

Studio Via Di Vittorio, 190 47020 Diolaguardia (FC) Tel. 348 7046621 Romano Buratti “La carezza” olio su tela cm.33 X 41 2003 “Giusto equilibrio cromatico nel comporre la sua tavolozza. Buratti con il suo umile linguaggio tipico della terra di Romagna, ci narra con estrema disinvoltura scene e costumi ormai dissolti al giorno d’oggi” Augusto Mori “Buratti... Maestro indiscusso di recondite scene e personaggi della calda terra romagnola, tecnicamente abile nel disegnare con decisa e ferma gestualità, donandoci “merveilleux et superbe èmotions chromatique” Gerard Argelier ...“La sua pittura conquista l’ osservatore con uno stile disinvolto e vigoroso.

La sua è un’arte vitale, vibrante. Ci svela, con le voci del cuore, le ragioni del pensiero e le intuizioni che animano la creatività. La forza narrativa della sua pittura non si avvale di astruse complicazioni ed effetti di piccole suggestioni, ma vuole interpretare i sogni e le aspirazioni di tutti, per dare a tutti l’intima gioia dei sentimenti e delle emozioni che rendono bella la vita”...

Elena Cicchetti Quotazioni olio su tela cm. 40 x 50 € 2.400 cm. 50 x 70 € 3.900 cm. 60 x 80 € 4.700 Romano Buratti “Il bacio” olio su tela Arte & Mercato 2018 Pag. 173

Roberto Verga Biografia: Roberto Verga nasce a Milano dove tutt’ora vive e lavora.

Ha seguito vari studi e corsi accademici,diplomandosi all’Istituto d’arte Statale di Milano, sotto l’attenta guida di A. Faggian e A. Bonora.

Nel 1961 segue i corsi di affresco e decorazione “IL Costello sempre a Milano. Ha inoltre ricevuto la nomina di “ Accademico di San Marco”.

E’ presente con le sue opere in importanti rassegne in Italia e all’estero prevalentemente in Germania.

“Roberto Verga è un grande artista figurativo con forti valori espressivi che richiamano il “Surrealismo simbolico”.

La sua ricerca superata la fase sperimentale come valido pittore impressionista si concentra essenzialmente verso il linguaggio “Neo Surreale” ornando le sue opere di un equilibrato cromatismo simbolismo. Spesso osservando i suoi lavori si avverte una silente nota di tormentata angoscia, che non disturba la quinta prospettica del dipinto, un equilibrio compositivo ben raggruppato con i suoi simboli sovrapposti ai tormentati volti dei personaggi raffigurati. Le opere di Roberto Verga ci descivono in tono satirico e umoristico, il ceto sociale cui l’uomo suo malgrado è coinvolto. I volti di noti personaggi abilmente mascherati celano la grande e spietata avidità della classe politica e dirigente, potenti uomini d’affari, ben nascosti sotto la simbolica maschera della rispettabilità.”

(Francesco Chetta)

Studio Via Fratelli Bronzetti, 35 20129 Milano

Roberto Verga “Le maschere: chi processò, chi prese, chi non prese” olio su tela, cm. 70x80 2011 “Robero Verga, crea le sue opere, con l’energia emotiva che traspare dai suoi quadri. Un’espressione tipica dei suoi dipinti, in grado di descriverne con graziosa satira i soggetti racchiusi nella sua fantasia, visione onirica. Sempre in perfetta sintonia con la sua sincera espressione…” Mariarosaria Belgiovine

Hanno scritto di lui: Giorgio Falossi, Jean Charles Spinà, Elena Cicchetti, Francesco Chetta, Marzia Valente, Alfio Ciocca, Antonio Oberti, Rosalinda Barilati, Luigi Zanoni, Sergio Altieri, Vito Cracas e tante altre autorevoli firme della critica.

Numerose sue opere fanno parte di pregevoli collezioni private in Germania, Francia, Austria e Spagna.

Arte & Mercato 2018 Pag. 174

Contesina Spatariu Biografia Contesina Spatariu nasce a Bucarest nel 1983, vive e lavora in italia.

Inizia molto presto a dimostrare un discreto talento artistico che esprime con le tecniche dell’acquerello, del carboncino e della pittura religiosa su vetro.

A 12 anni le difficoltà economiche della famiglia la allontanano completamente dall’arte. Nel 2012, dopo una serie di incidenti ed un mese di noia nel ospedale, riprende a dipingere.

Contesina adora ritrarre dei volti con una spiccata personalità che esprimono il suo particolare stato d’animo nel momento in qui immagina il quadro ed inizia a crearlo.

La sua tecnica pittorica prevede spesso l’utilizzo di colori vivi e forti che rappresentano idealmente l’energia positiva che viene dall’artista in questo modo trasferita sulle tele. In altre opere colori di tonalità più fredde fanno da sfondo ad immagini più melanconiche.

Principali tecniche e soggetti svolti: Acrilici su tela, tecniche miste. Volti e paesaggi interpretati con nuova figurazione surreale.

“Il linguaggio pittorico di Contesina Spatariu, affascina l’osservatore, con cromatiche espressioni che foca- Contesina Spatariu “Aurora boreale” acrilici su tela, cm. 80x100 2013 lizzano l’ornato compositivo dei suoi dipinti. Il colore è dolcemente steso, a volte con rapida gestualità istintiva, risulta ben sfumato nelle campiture formali. La sintesi espressiva dell’artista Contesina, evidenziata nei suoi personaggi e metaforici paesaggi astrali, ci rivela le sue intime emozioni con quel tocco poetico, carico di fugaci introspezioni, che racchiudono il fascino interiore della sua umile dottrina pittorica, elevando lo spirito dell’anima in una perenne ricerca di bellezza esteriore.”

Francesco Chetta

Scrivono di lei: Francesco Chetta, Jean Charles Spinà, Maria rosaria Belgiovine, Elena Cicchetti, Giampaolo Curti, Aghata Monti e altri.

Quotazioni: Contattare direttamente l’artista

Info: s.contesina@yahoo.it Cell. 331 5262613 Web; contesinaspatariu.webartgallery.it Presente su Facebook: contesina.s

Arte & Mercato 2018 Pag. 175

Lisy De Santi

Biografia Lisy De Santi nasce a Castiglione Delle Stiviere in provincia di Mantova. Vive ed opera a Merate (LC).

La sua formazione artistica è stata impostata dal Prof. Giuseppe Calvi. Le sue opere sono in istituzioni pubbliche e collezionisti privati sia in Italia che all’estero.

Da segnalare i recenti premi ricevuti: Cesenatico Artista dell’Anno 2011, Biennale Visual Art Portovenere, Sirmione “Leone d’oro per l’arte” 2011 “opera premiata Vasi e fiori” fiera di Forli’ Vernice Art Fair 2011, Oscar dell’arte Hotel de Paris a Montecarlo 2011, Premio Great Contemporary Painter Cesenatico, Trofeo La Gondola d’oro per l’arte Venezia 2012, Premio Nobel per le arti visive 2012, Montecarlo, Fiera di Padova 2012, Great Contemporary Painter 2013 Riccione, Premio Art Collection 2012 Cesenatico, Premio Biennale Art Museum Venezia, Biennale Leonardo da Vinci Cesenatico, ...”Notevole è il suo temperamento espressivo, ..... con tanta voglia di comunicare la sua soddisfazione, quale complemento risolutivo dell’opera. Le sue intime composizioni naturalistiche prendono vita appunto dall’emozione tridimensionale che si percepisce, osservandole con altrettanta emotività; i suoi lirici chicchi d’ uva sembrano li in attesa di essere consumati dall’osservatore, e i restanti oggetti rappresentati, quali bottiglie, vasi e fiori vogliono indurci, ad assaporare un silente profumo daltri tempi”...

(Francesco Chetta)

Lisy De Santi “Le ciliege” olio su tela, cm. 40x50 2009 quotazioni opere (pittura): da € 1.500,00 a € 4.500,00 Opere anni ‘80 in poi: da € 5.000,00 a 19.000,00 Arte & Mercato 2018 Pag. 176

Lisy De Santi “Uva con la candela, nella penombra” olio su tela cm. 40x60 2008 Nella pittura di Lisy De Santi si avverte una sintesi d’espressione della vera ricerca pittorica carica di naturalità affiancata da enunciazioni evocative, che simboleggiano la sua visione della natura e della vita.

Osservando le opere di Lisy De Santi, possiamo notare un perfetto equilibrio che ne sintetizza la sua conoscenza delle proporzioni e delle sue attitudini figurative, privilegiando le stesure uniformi ben raffigurate da silenti toni, perfettamente accostati, rendendo il dipinto di una tale grazia espressiva riscontrabile nelle opere dei maggiori maestri dell’800. Una mano che sa ben esorcizzare l’alchimia cromatica della sua tavolozza.

Lisy De Santi ci dona con le sue “stupende” opere un’emozione che ci conduce ad un’attenta analisi del poetico mondo ancestrale dell’artista ricco di sensibilità e infinite recondite emozioni.

Composizioni naturalistiche, che superano l’impatto visivo, penetrando con coerente conoscenza, l’animo del suo osservatore, in modo di aumentarne la qualità espressiva della sua opera, con l’innesto di piccole preziosità, ottime per comunicare appieno il suo sogno pittorico.

(Gerard Argelier Nice)

Lisy De Santi “Ciliege e bottiglia” olio su tela cm 50x60 2009 Arte & Mercato 2018 Pag. 177

Max Prat

Prize of the Critics 2018

Pesaro 1968

Biografia Max Prat nasce a Pesaro nel 1968, dove vive e lavora. Diplomatosi all’istituto d’arte Mengaroni di Pesaro, sotto la guida del Maestro Donzelli, arricchisce così la sua esperienza pittorica. Prende parte a mostre personali e collettive, partecipa a concorsi e rassegne a premio, riscuotendo lusinghieri successi. Per le sue espressioni artistiche, utilizza diversi materiali, dando una importanza primaria al colore ed al suo bisogno di esprimersi con colori forti, decisi, che confermano la sua passione per la “New Generation - Art”. Da segnalare il conferimento dell’ambito premio Leone d’oro per l’arte 2011, assegnato a Sirmione, all’opera: St. N° 10036, Premio Mercurio d’Oro per le sue qualità professionali tecniche nel campo artistico, Cesenatico 2012, Presenza al Gran Premio delle Cinque Terre Portovenere 2012.

Grande consenso della critica hanno riscosso le sue mostre personali svolte nel corso del 2010 e 2011, presente nelle maggiori fiere d’arte contemporanea, presentato da importanti gallerie estere e nazionali, la commissione preposta alla selezione delle opere del premio, *conferisce all’artista Prat l’ambito Trofeo per le arti visive “Premio Nobel per l’arte” - Principato di Monaco a Montecarlo 2012, per i suoi indiscussi meriti artistici condotti nel ricercare essenzialmente un valore visivo che parla della sua personale ricerca.

Tematiche svolte: pittura astratta / informale, con particolare uso di varie tecniche e materiali.

Mostre le sue opere sono state presentate in importanti fiere d’arte nazionali: Immagina Arte Reggio Emilia, Arte Padova, Contemporanea di Forlì, Arte Cremona, Arte Bergamo, Arte Brescia, Max Prat “Untitlerd” tecnica mista, cm. 80x 100 2017 Arte Genova, Vernice Art Fair, Arte Pordenone, Vitarte a Viterbo. Recentemente premiato con la nomina di Artista dell’anno a Cesenatico, Premio Maestri dell’arte Contemporanea a Portovenere, Grandi Firme dell’arte a Cesenatico, Magie e colori delle Cinque Terre a Portovenere, mostra personale al Grand Hotel di Portovenere, Premio Artiste de Montmartre, con esposizione alla Galleria Le Patio di Mandelieu la Napoule.

Ha esposto nelle fiere principali fiere nazionali: Arte Padova, Arte Genova,Vernice Art Fair, Immagina, Arte Arezzo, Arte Brescia e Contemporanea Forli.

Hanno scritto di lui: George Pali, Mariarosaria Belgiovine, Maurizio Gnali, Lorenzo Piemonti, Augusto Mori, Gerard Argelier, Francesco Chetta, Maria Teresa Palitta, Carolina Iacucci, Ivana Magini Barbero, Michel Verdant, Enzo Santese, Paolo Levi, Marianna Costantini.

Quotazioni Tecniche miste su tela da € 900 a € 3.000 Serigrafie polimateriche tir.1/70 esemplari € 750 litografie retouchè € 36

Max Prat “Untitlerd” tecnica mista, cm. 50x50 2016 Arte & Mercato 2018 Pag. 178

Max Prat “Untitlerd” tecnica mista, cm. 80x 100 2017 Opere in permanenza: Galleria Gnali Brescia, Fine Art America (On line) Arte Collezionismo (On Line) Casa d’aste Arte interni, Arte Moderna Brescia Info: Max Prat redazioneartivisive@libero.it Arte & Mercato 2018 Pag. 179

Gelsomino Casula Biografia: Gelsomino Casula, scultore e pittore, è nato a Uta in provincia di (CA) nel 1953. Dopo un’adolescenza turbolenta in giovane età, parte per l’Europa alla ricerca di nuove esperienze e emozioni creative.

Artista pluripremiato con al suo attivo numerose mostre a livello internazionale. ...“Uno scultore di grande forza espressiva e tecnica, un maestro capace di trarre dalla pietra le sue forme nascoste, di carpire l’anima della materia restituendola al mondo delle cose visibili in volti ancestrali e archetipici: tale è Gelsomino Casula, artista sardo trapiantato a Salerno dove ha compiuto una ricerca sulle pietre dei territorio. Sarebbe stato banale scolpire “il bianco marmo di Carrara”, che non ha nulla a che vedere con le stratificazioni della terra salernitana. ...”Così l’artista va in giro per i paesi, cerca i suoi massi, i suoi enormi monoliti, ciascuno dei quali parla il linguaggio dei millenni, li scolpisce con l’esperienza di uno scultore maturo e rende così omaggio alla natura. Grandi rocce di Altavilla, Controne, del più profondo e selvaggio Cilento, stalattiti, conglomerati, il raso alabastro, i graniti, le pietre calcaree, diventano sotto il laborioso lavoro scultoreo forme di grande bellezza e possanza, quasi dei menhir contemporanei e antichi ai tempo stesso...”

Paolo Romano Quotazioni Sculture in pietra € 2.600/4.500 a oltre 50.000 euro per opere monumentali

Gelsomino Casula cm 240x 90x 67 2000 - pietra calcarea.

“Il suo grande estro creativo lo conduce rivolgendo attenzione, alla plasticità formale nel modellare la pietra in tutte le sue essenze, arenaria, calcare, e marmo. Una ricerca stilistica che lo conduce concretamente a realizzare “silenti e misteriosi volti” a volte con richiami a sepolte civiltà “Arcaiche”...Il misterioso mondo espressivo di Casula, oltre a privilegiare sinteticamente la natura e i suoi spazi, certamente si concentra nel condurre l’uomo ad una attenta riflessione esistenziale: tracce di civiltà ormai letteralmente sepolte, sono decodificate dalla sua personale scolpitura scultorea, i suoi volti ci parlano, ci inebriano di infiniti suoni celati con levigatezza formale e tratti di materia lasciata volutamente grezza e selvaggia, a testimonianza della forza custoditaa dalla natura.

Francesco Chetta

Contatti: Arte nel Tempo, Via. C.Scarroni, 21 84045 Altavilla Silentina (Sa) Cell. 338 1974072 www.gelsominocasula.it mail: maestrocasula@gelsominocasula.it Arte & Mercato 2018 Pag. 180

Elena Boschi

Faenza 1951

Biografia: Elena Boschi nasce a Faenza nel 1951.

Valida scultrice, e ricercatrice di nuovi orrizzonti espressivi tecnico-sperimentali, grande appassionata e cultrice della complessa tecnica Raku.

Diplomata maestro d’arte a Forlì, in oreficeria. corso di Mosaico al C.I.S. Ravenna, corso di Iconografia Russa e litografia a Mantova presso William Tode, corso di intaglio a Bressanone.

L’arte in generale per la Boschi, ha sempre accompagnato e condizionato la sua vita, al punto di condurla con immensa gratificazione alla sua attuale ricerca artistica. Numerosi i premi ricevuti a testimonianza del suo talento creativo, rafforzando in lei lo spirito effervescente di promuovere costantemente le sue uniche opere in qualificate rassegne espositive in Italia e all’estero.

Le sue opere sono custodite in vari Musei e collezioni private in Italia e all’estero.

Presente con opere e performance in molte fiere d’arte contemporanea.

Publicazioni e riviste specializzate: L’Elite, Arte Oggi, Top Art, su enciclopedie d’arte come “Arte Italiana nel Mondo”, Catalogo d’arte Nazionale Contemporanea, Artisti a Mantova nei secoli, Grafica oggi, Pittori e Scultori Italiani Contemporanei, Incisori nella Mantova del ‘900.

Arte Collezionismo Pittori e Scultori del 900.

Elena Boschi “Ciottolina super sottile” Ceramica Raku dimensioni cm.30x30 Ciottolina in Paper Clay biscottata a 1100C° e successivamente cotta a raku alla temperatura di 1030 C°, impasto di mia creazione, resistente,s pessore mm.1. Smaltato con vetro borico / alcalino e ossidi vari, qualche tocco di nitrato d’argento, un tocco di rosso selenio.

Elena Boschi “Profondo Azzurro” Ceramica Raku dimensioni cm.90x45 Pannello legno antico con disco in ceramica raku colorato con cristallina turchese. Inserito nel disco oggetto in argento 925 realizzato in fusione in osso di seppia..

Arte & Mercato 2018 Pag. 181

Giorgio Giulianelli

Riccione (Rn)

Giorgio Giulianelli “Emozione silente” ceramica dipinta, cm. 45x18x15 apprende la tecnica della realizzazione e decorazione delle varie tipologie della ceramica; dal piccolo e classico vasellame, piatti decorati monili e quanto altro, estendendo gli studi, alle grandi opere sculoree, svelando la preziosa tecnica a Critici: Mariarosaria Belgiovine, Elena Cicchetti, Renato Natale Chiesa, Francesco Chetta, ed altri.

Quotazioni: ceramica, Raku pezzi unici da € 2000 /3000 a oltre € 6.000 Una sintesi creativa, quella del maestro Giorgio Giulianelli, che esalta e sublima la sua amata tecnica, attraverso fuide espressioni del suo estro creativo.

La purezza dei soggetti è filtrata con grande amore ed energia comunicativa, dove la sintesi formale della figura da lui rappresentata, ne descrive con grande armonia le principali linee del suo mondo interirore.

Giorgio Giulianelli, ci svela il suo enigmatico mondo, un oasi di pura meditazione plastica, caratterizzata da linee, forme e spazi che ci descrivono gioie, a volte fugaci irrequietezze dell’anima, descrivendoci attraverso la lettura dell’opera, un vitale rapporto lirico della sua anima creativa. Francesco Chetta.

Studio laboratorio, Via Gabriele d’Annunzio, 203 Riccione Tel. 334 3774403

Giorgio Giulianelli “Turbamento dell’anima” ceramica

Arte & Mercato 2018 Pag. 182

Prize of the Critics 2018 Biografia Giorgio Giulianelli, è nato a Riccione dove vive e lavora.

Diplomatosi maestro d’arte in ceramica Accademia di Belle Arti di Urbino.

Nel corso della sua lunga carriera artistica, ha esposto in numerose rassegne d’arte contemporanea, riscuotendo grandi consensi per la sua tecnica scultorea, e per le sue simboliche ceramiche artistiche, apprezzate da numerosi collezionisti.

Medaglia d’oro al concorso Internazionale della ceramica “Arte Nuova in Italia” Riccione, a cura del critico e storico d’arte Enrico Crispolti.

Rassegna d’arte Palazzo dei Diamanti a Ferrara, Istituto Marchigiano Accademia di Scienze e Lettere e Arti di Ancona e altre importanti sedi museali.

Le sue opere fanno parte di importanti collezioni private in Italia e all’estero.

Il Maestro Giorgio Giulianelli, dirige a Riccione un laboratorio scuola formazione artistica, della ceramica, dove si

Alessandra Rossetti

San Giuliano Milanese (Mi)

Biografia: Alessandra Rossetti è nata a San Giuliano milanese, dove vive e lavora. Diplomata maestra d’Arte all’Accademia di Brera. Ha insegnato Storia dell’Arte, Pittura e Decorazione alla Scuola d’Arte Cova di Milano.

Artista pluripremiata, è presente nel panoramana artistico nazionale sin dagli anni cinquanta, concorrendo ed esponendo le sue opere, sia pittoriche che scultoree, numerose le personali che ha allestito, ed altrettanto le collettive a cui ha presenziato. Di particolare importanza i premi assegnati vedono il suo curriculum ricco di tali attestati, diplomi, trofei, e medaglie d’oro, una in particolare spicca tra tutti: è il noto “Ambrogino d’oro” prestigioso riconoscimento ufficiale assegnato dal comune di Milano. Le sue opere fanno parte di prestigiose collezioni private in italia e all’estero. Alessandra Rosseti ha curato anche alcuno libri d’arte “Capire ed Amare l’arte”. Presente a numerose mostre e manifestazioni, con lusinghieri successi. Ha esposto a Rimini, Riccione, Cesenatico, Città di Castello, Portovenere, Forlì, Padova, Sirmione, Nizza, Cannes Montecarlo, conseguendo premi ed onorificenze.

Alessandra Rossetti “Aspettando la preda” porcellana III° fuoco 2011

Alessandra Rossetti “Piatto porcellana decorato con tecnica scandinava, e oro zecchino” III° fuoco 2011 Arte & Mercato 2018 Pag. 183

Kaola Oty

Otilia Maria Cazacu

Biografia Kaola Oty, è una grande artista contemporanea, una di quelle artiste di maggior talento espressivo, del mondo dell’arte.

Attiva professionalmente dal 1994, ha partecipato a numerose esposizioni internazionali nelle città Bologna, Roma, Berlino, Bruxelles, New York, Montecarlo, Miami River Art Fair, Art Monaco 15, Art Monaco 16. I dipinti di Kaola Oty sono figurativi in ​​stile cubista, l’artista condivide la sua forte passione per l’arte, i suoi dipinti cherappresentano le donne sensuali nel suo stato.

Autocommento dell’artista Kaola: “L’arte parla a chi impara ad ascoltare e creare sentimenti quando lo spettatore ha il necessario livello di preparazione, al fine di capire e di essere profondamente emozionato” .... Perchè la vita, è sopratutto Arte!

Numerosi i Premi che l’artista Kaola, ha ricevuto nel corso della sua carriera, sia in Italia che all’estero.

Presente con le sue opere, in importanti rassegne espositive e fiere d’arte, in Italia e all’estero.

Le opere di Kaola Oky, fanno parte di importanti collezioni private in Francia, Inghilterra, Spagna, Portogallo, U.S.A., Romania, e in Italia

Critici: Jean Charles Spinà, Johnnesco Rodrigues, Francesco Chetta, Mariateresa Prestigiacomo, Roberto Lacantra, ed altri.

Recenti esposizioni Internazionali ArtMonacò 2015/2016, Espace Chapiteau a Fontvieille Montecarlo, Art Miami, Arte Bergamo 2016, Arte Padova 2016

Kaola Oty “Lovers“, acrilici su tela, cm. 120x100 Collezione privata

“Kaola Oty, ci descrive con virtuose campiture cromatiche, la sua fantastica creatività, un artista Kaola Oty, dotata di eccellente gestualità compositiva, che ha condotto la sua ricerca, esplorando sempre nuovi confini espressivi della surreale poetica pittorica, approdando ad un singolare ed intimo linguaggio artistico: “Sensual Art” Una fantastica pittura, con dolci note di richiamo emotivo, che coinvolge l’osservatore delle sue composizioni, il tutto filtrate dal suo magico fascino compositivo, circondato da allegorici messaggi in chiave strettamente sensuale, una dolce simbologia di amore virtuale , che dona alla sola vista, una piacevole sensazione di un sgargiante cromatismo.”

Jean Charles Spinà Studio Iasi (Romania) Cell:. +0040 746401674 E-mail: kaola_oti@yahoo.com www.erotyart.com Kaola Oty “Angelo con le ali spezzate", olio su tela, cm. 80x100

Arte & Mercato 2018 Pag. 184

Gilda Maggiore Biografia Gilda Maggiore è nata a Brindisi, sin da giovanissima ha esposto su invito ad importanti rassegne d’arte contemporanea, sia a livello nazionale, che internazionale. Le sue opere sono in permanenza presoo la Galleria Mediterranea di Brindisi, nel comune di Cassino, amministrazioni Provinciali, ed inoltre in numerose chiese della città di Brindisi, nonchè in collezioni in italia e all’estero. Artista pluripremiata per la sua calda tavolozza cromatica di influenza mediterranea. Ha esposto in molte città europee: Mandelieu La Napoule, Cannes, Nizza, Montecarlo Principato di Monaco, Parigi, Tour delle Canarie, recenti premi assegnati: Premio alla Carriera 2009, Premio Artista di Montmartre, 2009 Premio Oscar per le arti visive a Montecarlo, Premio della Critica Nizza, Premio Artista dell’anno a Cesenatico, Art in The World, Trofeo La vela d’oro varie edizioni, e tantissimi altri.

Brindisi 1922 - 2011

Gilda Maggiore - “Pere” olio su tela, cm. 80 x 100

C’è poesia e delicatezza nelle opere di Gilda Maggiore, artista sensibile ed emozionante. Le sue opere rivelano la sua vena romantica, rivolta alla natura ed alla figura, con indici di equilibrio assoluti sia nella gestualità che nel cromatismo. Un cromatismo acceso che ci indica la sua capacità di saper interpretare, con ottimo gusto, le impressioni della sua fantasia.

L’artista fa della sua immaginazione, un percorso raffinato dai colori illuminati e ricchi di chiaroscuri, che imprimono alle sue opere un tocco di raffinata poesia.

(Mariarosaria Belgiovine) Quotazioni € 2.000 / 10.000

Gilda Maggiore - “Aranceto” olio su tela, cm. 80 x100

Arte & Mercato 2018 Pag. 185

Agostino Capetti

Agostino Capetti “Natura morta” olio su tela cm. 60 x 80 1995

“Una prova inconfutabile di professionalità, descritta con ampia spiritualità che sottolinea la diretta creazione della sua arte impressionista, dalle visioni naturali che osservano il paesaggio e la realtà. Agostino Capetti somma le sue espressioni di ondulate armonie, con l’equilibrata capacità evocativa, con vibranti soggetti che raccontano ed interpretano i suoi messaggi interiori, estratti dalle dinamiche atmosfere con impressioni che si avvalgono del suo gesto completo, capace di imprimere con forza la realtà in un crescendo di continue emozionalità. L’artista si avvale di una tavolozza che asseconda il suo bisogno di ritrovare un percorso creativo in grado di esternare le sue qualità e capacità di artista.” Mariarosaria Belgiovine

Quotazioni da € 650 a 4.000/5.000 Studio: Via Crocesignati, 2/b 26029 Soncino - Crema Tel. 0374 84012

Agostino Capetti “Natura morta con fiori” olio su tela cm. 50 x 60 1999 Arte & Mercato 2018 Pag. 186

B. Brice

Nouvelle-Calédonie (France)

B. Brice “Couchè dans les voiles” olio su tela, cm. 30 x 40 1999 - Collezione privata F.C.

Biographie Mon départ de Nouvelle-Calédonie peu après ma naissance n’a cessé durant mon enfance de mettre en éveil ce désir de voir d’autres horizons. Ce qui explique en grande partie mon engagement de huit ans dans la Marine. J’ai alors parcouru toute la Méditerranée pour découvrir entre autres tout le littoral nord-africain, puis une bonne partie de l’Océan Indien. Au travers des récits que ma mère me faisait de mon grand-père, décorateur et restaurateur du château de Saint-Maurice-de-Rémens (Ain) de Saint-Exupéry et auprès de l’antiquaire de “ L’aiglon ” à Lyon, ainsi que par nos visites répétées au petit musée de Pontarlier, j’ai développé le goût pour la peinture et l’Art en général. J’ai alors profité de mes escales pour parcourir les musées, mais aussi pour m’imprégner de l’esprit des différentes cultures en suivant les itinéraires les plus éloignés possible du carcan touristique, en leur préférant le contact avec les habitants et la découverte des sites méconnus.Ce fut aussi l’occasion de développer ma deuxième passion, la photographie, qui dans un premier temps me permettait la constitution d’une forme de bloc note iconographique, bien indispensable à l’hyperréalisme de mes toiles ultérieures. Le véritable déclic fut à mes vingt ans, ma première visite au Musée d’Orsay, amateur depuis longtemps des impressionnistes, au travers de nombreux ouvrages, je pouvais alors caresser des yeux leurs œuvres, deviner et percevoir le souffle de leur génie et la maîtrise de leurs pinceaux. Je décidais alors de ranger pastels et fusains afin de m’essayer dans la peinture à l’huile.

Et pour se faire, j’ai commencé par copier ces grands Maîtres qui me fascinent, la couleur de Vincent, la douceur de Renoir, la vibration de Monet, la lumière des Hollandais. En soutirant des conseils techniques auprès d’autres artistes, et en passant la plus grande partie de mon temps libre, à peindre, lire des monographies, des ouvrages techniques, le codex de la peinture de Léonard de Vinci, le Traité de peinture de Cennino Cennini, ou encore les écrits sur l’art de Delacroix. Fin 1996, résolu à me manifester et à montrer mes œuvres, je décidais de me risquer à ne vivre que de ma peinture en améliorant en parallèle ma technique photographique pour en faire ma seconde forme d’expression.

www.bbrice.com Arte & Mercato 2018 Pag. 187

Josep Massana

Sant Pau d’Ordal Barcellona (Spagna) 1957

Biografia Josep Massana scultore e intagliatore del legno è nato nel 1957 a Sant Pau d’Ordal Barcellona Spagna. Sin da giovane età frequenta il laboratorio ebanistico della sua famiglia, assimilando i pregiati valori dell’intaglio.

Negli anni 70’ prende vita la sua passione nel meraviglioso mondo della scultura lignea intagliata, per proseguire piu avanti il cammino verso nuovi linguaggi espressivi influenzati dalle armoniose linee scultoree dei grandi maestri quali: Henry Moore, Brancusi e Jean Arp. E’ tale il suo amore verso questi maestri che apprende un viaggio in Francia e in Inghilterra per studiarne e i contenuti plastici di questi maestri. Verso la fine degli anni 80 conosce lo scultore basco Nèstor Basterretxea approfondendo i valori sculltorei e la scuola Basca con i suoi maestri: Oteiza, Mendiburu, Ugarte, Chillida , orientando successivamente la sua linea Josep Massana “Dialeg” di ricerca stilistica, che lo condurra a realizzare lli suoi cicli artistici: “Orígens” (1998),“Presències” (2002), “ La Revolució de les Lletres” (2006) Ha tenuto mostre collettive e personali a Vilafranca del Penedès, Barcellona, Girona, Andorra, Lione, Austria, Gran Bretagna, Pais de Gal-les Regno Unito, Belgio, riscuotendo grandi apprezzamenti dalla critica specializzata. Recentemente ha esposto nel panorama fieristico nazionale nella Fiera d’arte Contemporanea Forli presentando le sue recenti opere.

Quotazioni Contattare direttamente Casa Taller

Josep Massana “Interior Obert - 11” Casa Taller Josep Massana c/ Sant Pau, 4 08739 Sant Pau d’Ordal Barcelona (SP) Tel. 93 899 42 9 www.josepmassana.com info@josepmassana.com Arte & Mercato 2018 Pag. 188

Mauro Andrea

Faenza 1954 - 2010

Biografia Frequenta il Liceo Artistico e, come lui stesso ama dire, “abbandonandolo fortunatamente ben presto”. Terminato il servizio militare nel 1975 si addentra alla sua dimensione artistica:i primi lavori richiedono mesi di applicazione. Collabora con riviste sportive: Bici sport e Stadio. In quegli anni inizia il primo periodo creativo: I Graffiti importanti lavori pittorici realizzati su di un supporto ruvido e materico con tecnica di graffito che lui definirà :ARTE IMPURA. Collateralmente conduce la sua ricerca tra segno e colore attraverso una sua visione introspettiva spaziando tra la figurazione pittorica e la scultura. Tiene importanti mostre nelle principali capitali Europee :Belgrado, Zagabria, Zara, Lubiana, Vallarius, Bologna, Roma, Ravenna, Milano, e in Giappone a Tokio, Kyoto,Nagoya, e in America a Miami con una sua personale dal titolo: “Works by Mauro Andrea”.

Nota: nel 1999 vince a Washington il premio “The Spirit of Millennium” promosso dalla National Italian American Foundation (NIAF) col piatto “La Stella del Millennio”, realizzato dalla Cooperativa Ceramica d’Imola. Il piatto originale è stato donato durante la serata di gala al Presidente degli Stati Uniti d’America, Bill Clinton. Ha lavorato ed esposto con i più grandi Maestri Contemporanei tra cui il M° Aligi Sassu.

Mercato Europeo ▲▲M-P Prezzi di mercato Sculture Marmi da € 12/50.000,00 Bronzi da € 4/ 20.000.00

Mauro Andrea “ST” tecnica mista su tavola, cm. 30x40

Pittura: cm. 20 x 30 € 1.500,00 cm. 50 x 70 € 3.600,00 cm. 80 x 120 € 6.000,00 *presenza di aggiudicazione opere in Case d’aste: Shoteby’s e Christie’s

Arte & Mercato 2018 Pag. 189

Arte & Mercato 2018 Pag. 190

Arte & Mercato 2018 Pag. 191

27 - 30 SETTEMBRE 2018 Arte e Collezionismo 2010 Pag. 192 & Mercato 2018 192 ArteArte Collezionismo 2014Pag. Pag. 192

24 - 26 Marzo 2018

Arte & Mercato 2018 Pag. 193193 Arte Collezionismo 2014 Pag.

Indice Generale Artisti in Catalogo A A- Masera Alessandro B Boschi Elena Brescianini da Rovato Brice B. Bullo Elena Buratti Romano C Capetti Agostino Caraviello Pasquale Casadei Margherita Castaldi Flora Casula Gelsomino Cherchi Giovanna Chinatti Loredana Circello Michele Cifiello Elena D D’Ambrosio Raffaele Dani De Santi Lisy Dollo Glenda D'orazio Daniela E Elfving Sinikka F Fabbri Daniela Farisè Maria Fontana Carlo G Gentile Lena Giulianelli Giorgio Giuseppe Salvatore Gost Giorgio Gorlova Giulia H Hide Peter J Jani Jan J K Katarina L La Neve Marcello Lazzaro Walter Le Thuy Ai Lucente Elio M Maccari Susanna Maggiore Gilda Maletta Aurora Masera Alessandro Massana Josep Masoli Mario Mauro Andrea

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70

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181 172 187 168 173

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186 86 166 122 180 59-128 146 172 148

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136 52-64 176 162 132

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130

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68 164 114

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124 180 140-143 58 94

pag.

82

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118

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306

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88 68 160 154-157

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126 185 62-170 70 188 74 189

Mietti Lidia Mirabella Andrea Musto Andrea N Ninni Pecoraro Antonella O Otilia Maria Cazacu Kaola Oty P Pache Lia Pagano Simonetta Pavan Vesna Paracchini Massimo Passione Adolfo Pecoraro Antonella Pettene Umberto Porcu Delfina Pozzetti Antonella Prat Max Protopapa Rosa Maria R Reyes Marta Rigamonti Isabella Roncelli Mirko

Rossetti Alessandra Rossi Giacomo Ritzow Charlotte Rivera Guikni Rubini Elio S Salvatore Giuseppe Sandri Ferruccio Savoldelli Domenico Sciarra Musto Andrea Soler Josè Navarro Sorasio Katia Spatariu Contesina T Tagliapietra Daniela Orlando Tocco V Van der Leeuw Alexandra Verga Roberto Vitaloni Rita Virgone Joseph Z Zimmermann Gisela

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effeci edizioni

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106 84 50

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120 144 36-38 138 156 96 90 140 78 178 100

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104 60 44 183 150 95 76 158

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80 92 40-66 50 102 110 175

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52-64 108

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94-116 174 112 134

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CASA EDITRICE

effeci EDIZIONI D’ARTE

Francesco Chetta editore

CATALOGHI MONOGRAFIE LIBRI D’ARTE “esperienza...

e professionalità al fianco dell’artista”

effeci Edizioni d’arte Sede Legale Via Pietro Nenni 59 26841 Casalpusterlengo Lodi Tel. + 39 366 3433707 - 340 5820407 mail. francesco.chetta@yahoo.it www.artecollezionismo.com P. IVA 06494940965 Iscrizione registro imprese N° 1464120 C.C.I.A. Lodi Arte & Mercato 2018 Pag. 195

IL SALOTTO DELLâ&#x20AC;&#x2122;ARTE

LE GRANDI INTERVISTE di

a cura di

Francesco Chetta e Oxana Albot

Fracesco Chetta editore

Art Channel TV

Francesco Chetta editore

Š

Nel corso di Arte Genova Stand Casa editrice effeci

le Grandi Interviste di ART CHANNEL TV a cura della Storica d'Arte, la dr.ssa Oxana Albot nel Salotto

dell'Arte di Francesco Chetta

Ciclo di video interviste, effettuate presso lo studio dell'Artista sia nello stand espositivo della Casa editrice effeci nel corso delle principali Fiere d'arte Contemporanea Arte & Mercato 2018 Pag. 196

info in redazione redazioneartivisive@gmail.com

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