Catálogo Getxo Arte 2016

PRAKTIKA GARAIKIDEEN ARETOA SALร N de prรกcticas contemporรกneas

EDUKIAK I CONTENIDOS

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HITZAURREA | PRÓLOGO

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AGORA | ÁGORA

39 2016an laukizuzenetatik doa | En 2016 va de rectánguloS Eduardo Hurtado 45 46 50 54 58 62 66 70 74 78 82 86 90 94 98 102 106 110 114 118 122 126 130 134 138 142 146 150 154 158 162

PROGRAMA OROKORRA | PROGRAMA GENERAL Xare Álvarez Berakoetxea Joaquín Artime Nerea Beriain Cebas Juan Antonio Cerezuela Guido Di Marzio Modelos Operativos Abiertos Arantza Elejabeitia Mabel Esteban Ander Etxaniz Julen García Muela Gómez Selva Alvaro González Izaro Ieregi Helena Goñi Mr. Shark Marc Herrero Abel Jaramillo Adriana Laespada Claudia Rebeca Lorenzo Daniel Lozano Estela Miguel Matxalen Oñate Elisa Pardo Puch Lucía Risueño Cristina Santos Saúl Sellés Cristóbal Tabares Álvaro Talavera Iñigo Varona Sánchez Iratxe Yáñez

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PROGRAMA KURATORIALA | PROGRAMA CURATORIAL TATAMI - Ángela Cuadra // Iago Rey

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PROGRAMA Eszenikoa |PROGRAMA Escénico Jaime de los Ríos Lander Echevarría Aimar Pérez Gali Isabel León Rosana Antolí Vacas Venereas

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ARTISTA GONBIDATUA | ARTISTA INVITADA Usoa Fullaondo

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PROGRAMA hedatua | PROGRAMA Expandido La Taller - Aizpea Lasa // Clara López Fem Box - Oihana Torre Landa

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PROGRAMA HEZIGARRIA | PROGRAMA educativo

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Elkarretaratze komisariala I Encuentro Comisarial Patricia Carrasco Jesús Alcaide Semiramis González

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Bisita gidatuak I Visitas guiadas Nora Aurrekoetxea

Haurrentzako tailerrak I Talleres infantiles 209 Teo Arkibiriak Gazteentzako tailerrak I Talleres juveniles 210 TTIPI Studio Helduentzako tailerrak I Talleres adultos 212 Pablo Salvaje

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Ă gora TEO Arkitektura

IRTEERA - SALIDA

SARRERA - ENTRADA

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getxoarte plaza I plaza getxoarte

Agertokia | escenario

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entzutegi | auditorio atsedengunea | zona de descanso Lantegiak Espazioa | espacio de Talleres FEM BOX - Oihana Torre Landa TATAMI - Ángela Cuadra / Iago Rey

ARTISTA GONBIDATUA | ARTISTA INVITADA Usoa Fullaondo

PROGRAMA OROKORRA I PROGRAMA GENERAL

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Xare Álvarez Berakoetxea Joaquín Artime Nerea Beriain Cebas Juan Antonio Cerezuela Guido Di Marzio Modelos Operativos Abiertos Arantza Elejabeitia Mabel Esteban Ander Etxaniz Julen García Muela Gómez Selva Alvaro González Izaro Ieregi Helena Goñi Mr. Shark Marc Herrero Abel Jaramillo Adriana Laespada Claudia Rebeca Lorenzo Daniel Lozano Estela Miguel Matxalen Oñate Elisa Pardo Puch Lucía Risueño Cristina Santos Saúl Sellés Cristóbal Tabares Álvaro Talavera Iñigo Varona Sánchez Iratxe Yáñez

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2016a laukizuzenen garaia En 2016 va de rectรกngulos Eduardo Hurtado

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2016a laukizuzenen garaia

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Getxoko Praktika Garaikideen Aretoaren hirugarren edizioa da hau, GetxoArteren marko globalaren barruan dagoena, herriko ekintzarako programen euritakoa baita GetxoArte. Hitzordu bakoitzarekin, bere lekua hartzen joan da aretoa, eta hasiera batean helburutzat genuen bidean ari da kokatzen.

Epe laburrerako xedeak dagoeneko erdietsi ditugu, baina indarrak batzeko garaia da, etorkizunera begira pentsatu ditugun helburu horiek, bai eta gaineratuz doazenak ere, lortu ahal izan ditzagun.

Balantzea positiboa da, aldaketa abiarazi dugun denbora-tarte txiki honi dagokionez: hezkuntzarekin zerikusia duten programak eta jarduerak areagotu ditugu, GetxoArteren programazioa deslokalizatu eta zatitu dugu, erronka berriak hartu ditugu geure gain, hala nola, ESKOLAZ KANPOKO ekintzekin, eta ekoizpen- eta ikerketa-guneak sustatzearen alde egin dugu, SINERGIKA edo PERIMETROAK programekin, adibidez. ELKARLANA da gure mugimendu guztiak azaltzen dituen hitz nagusia. Elkarlana udaleko beste arlo batzuekin batera programak egin ahal izateko, elkarlana Kultura Ikasgelaren barruan baliabideak optimizatu ahal izateko, elkarlana tokiko erakunde eta eragileekin hitzarmenak egin ahal izateko, elkarlana egiten ari garena azaldu ahal izateko.

Esku artean dugun egitekoari lotutako problematikek (kulturaren kudeaketaren, metodologia berrien asmakuntzaren eta hausnarketarako beste toki batzuen bilaketaren artekoek) zerikusia dute, izaera profesional espezifikoak markatu duen tokia izanik, aretoa, aldi berean, herritarrentzako tresna gisa jaio eta diseinatu izanarekin. Horrek marruskaduraleku oso interesgarri eta proba-zelai bihurtzen du aretoa, eta, horri esker, tokiko eta estatuko agertokiaren ekoizpena fokatu dezakegu.

Etengabe berrikustea eta eguneratzea da aretoari (eta GetxoArteren gainerako jarduerei) gerta dakiokeen onena. Horrela, behin betikoa ez den tramankulu programatiko moduko batean, ekilibristak bagina bezala ibili ahal izango gara lortu nahi dugunaren, gizarteak eskatzen digunaren eta testuinguru profesional zehatz batek behar dezakeenaren artean.

Aretoaren edizio honetan, erakusketa-guneak murriztearen alde egin dugu, proiektu kopurua gutxitu gabe, gutxi baina ondo egitearen gainean jarriz fokua. Gune komunak eta trukerako tokiak handitu ditugu. Proposamen eszenikoa programa propio bihurtzea erabaki dugu, eta ekintza deslokalizatuak eduki ditzala. Era berean, arreta handiagoa jarri dugu elkarrizketa-proiektuetan eta “karrera ertaineko� artisten lana ikusgarri egiten duten proposamen komisariatuetan.

Eta, are garrantzitsuagoa, ahalegin handiagoa egin dugu heziketa- eta bitartekaritzaprogrametan, hortxe dagoen horren gaineko eztabaida eta hausnarketa egin ahal izateko bideak egon daitezen.

Topalekua sortzeko asmoz egiten dugu GetxoArte, bertatik igarotzen direnei balio diezaien beren toki komunak zalantzan jartzeko orduan. Itzulpenik gabeko lanak -hortxe gaude- jendaurrean jarrera serioa edukitzera garamatza, eta ahalegin bikoitza egitera, azalpenik eman gabe hurbildu dadin jendea.

Era berean, beharrezkoa da bitartekaritzalanera mugitzea, lanean bestearen begirada onartuko duen praxitik abiatuta; baita begirada hori hurbila ez denean ere. Talka edo bat ez etortze egoera bi horietan dago, gure ustez, tresnaren aberastasuna.

Praktika Garaikideen Aretoaren edizio hau garrantzitsua da, eredua sendotzeaz gain, gauzak beste modu batez egitearen aldeko apustuan jarraitzea ahalbidetzen baitigu.

Plaza garrantzitsua dela pentsatzen jarraitzen dugu, eta, karpa egon ala ez, bertan uste dugu gertatu behar dela kolektiboa denaren genesia. Beti berrikus daitezkeen eta elkar behar ez duten hardwarea eta softwarea.

Egundaino egin dugun lorpenik handiena izan da aretoan parte hartu duen jendeak, azken egunean, denbora gehiagoz geratu nahi izatea.

Kontua ez da zer, nola baizik. Eta, horregatik, HORRETAN JARRAITZEN DUGU.

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En 2016 va de rectรกngulos

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Esta es la tercera edición del Salón de prácticas contemporáneas de Getxo, dentro del marco global de Getxoarte como paragüas de programas de acción en el municipio. Un Salón que, en cada cita, va tomando posición y va situándose en el camino que inicialmente nos propusimos. Nuestros objetivos a corto plazo se han alcanzado pero es tiempo de sumar esfuerzos para que aquellos que nos planteamos a futuro, y aquellos que se van sumando, puedan lograrse.

El balance es positivo en este poco tiempo que hemos dado el giro: hemos ampliado programas y actividades relacionadas con educación, hemos deslocalizado y fragmentado la programación de Getxoarte, hemos asumido nuevos retos con actividades como EXTRAESCOLAR y hemos apostado por cubrir espacios de producción e investigación con programas como SINERGIKA o PERIMETROAK. La palabra central que explica todos nuestros movimientos es la COLABORACIÓN. Colaboración para poder hacer posible programas conjuntos con otras áreas del Ayuntamiento, colaboración para poder optimizar recursos dentro del Aula de Cultura, colaboración para poder consolidar acuerdos con instituciones y agentes locales, colaboración para poder explicar lo que estamos haciendo.

Las problemáticas asociadas a la tarea que tenemos entre manos (algo a caballo entre la gestión cultural, la invención de nuevas metodologías y la búsqueda de lugares distintos para la reflexión) tiene que ver con que, siendo un lugar marcado por su carácter profesional específico, al mismo tiempo, este Salón nace y está diseñado como herramienta ciudadana. Esto lo convierte en un espacio de fricciones muy interesante y en un campo de pruebas que nos permite enfocar la producción de nuestra escena local y estatal. Lo mejor que le puede pasar a este Salón (y resto de actividades de Getxoarte) es que esté constantemente siendo revisado, actualizado. De esta forma, en una suerte de artefacto programático no definitivo, podremos estar caminando como equilibristas entre lo que queremos conseguir, lo que la sociedad nos demanda y lo

que un contexto profesional concreto puede necesitar.

En esta edición del Salón hemos apostado por reducir los espacios expositivos sin reducir el número de proyectos, de tal forma que el foco se sitúe en hacer poco pero bien hecho. Hemos ampliado las zonas comunes y los lugares de intercambio. Hemos decidido que la propuesta escénica se convierta en un programa propio, con acciones deslocalizadas. También hemos puesto más atención en los proyectos de diálogo y en las propuestas comisariadas que visibilizan el trabajo de artistas de “media carrera”. Y, lo más importante, hemos puesto un mayor esfuerzo en los programas educativos y de mediación, para que aquello que está ahí tenga canales para ser discutido y reflexionado.

Hacemos Getxoarte para crear un punto de encuentro que sirva a quienes lo transitan para cuestionarse sus propios lugares comunes. La tarea de la no traducción -en la que estamos- implica una posición seria frente a los públicos y un esfuerzo doble por acercar sin explicar. Igualmente es necesario un deslizamiento al trabajo de la mediación desde la praxis que reconozca la mirada del otro en el trabajo aún cuando esa mirada no es próxima. En esas dos situaciones de colisión, de desajuste, es donde creemos que está la riqueza de la herramienta.

Esta edición del Salón de Prácticas Contemporáneas es importante porque consolida un modelo y porque nos permite continuar en la apuesta por hacer las cosas de una forma distinta. Seguimos pensando que es importante la plaza pública y creemos que en ella -cubierta o no por una carpa- es dónde ha de producirse la génesis de lo colectivo. Un hardware y un software siempre revisables que no se necesitan mutuamente.

Nuestro mayor logro hasta la fecha es que la gente que participa en este Salón, el último día, quiere quedarse más tiempo.

No es el qué, debe ser el cómo. Y por eso, SEGUIMOS EN ELLO.

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(a)

8 metro koadroko 30 erakusleku, praktika esperimentalari lotuta dauden eta profesionalizatze bidean diren artisten proiektu indibidualei eskainiak. Artista horietako gehienentzat, gainera, hau izango da euren lehen erakusketa esperientzia.

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30 stands de 8 metros cuadros dedicados a proyectos individuales de artistas vinculados a la práctica experimental y en proceso de profesionalización, para la mayoría de los cuales esta es su primera experiencia expositiva.

PROGRAMA OROKORRA (a) PROGRAMA GENERAL (b) Xare Álvarez Berakoetxea Joaquín Artime Nerea Beriain Cebas Juan Antonio Cerezuela Guido Di Marzio Modelos Operativos Abiertos Arantza Elejabeitia Mabel Esteban Ander Etxaniz Julen García Muela Gómez Selva Alvaro González Izaro Ieregi Helena Goñi Mr. Shark Marc Herrero Abel Jaramillo Adriana Laespada Claudia Rebeca Lorenzo Daniel Lozano Estela Miguel Matxalen Oñate Elisa Pardo Puch Lucía Risueño Cristina Santos Saúl Sellés Cristóbal Tabares Álvaro Talavera Iñigo Varona Sánchez Iratxe Yáñez

XARE ÁLVAREZ BERACOECHEA

o dibujo. Ha recibido diferentes premios, entre los que destacan primer premio del certamen de artes plásticas de la diputación de Ourense (2013), el segundo premio del concurso de pintura Hotel Carlton (2012), la selección obtenida en el I Simposium Eskulturastea (2012) o el certamen de artistas noveles del ayuntamiento de Gijón (2012).

Ha participado en exposiciones colectivas en Bilbao, Ikas art, Getxoarte 2014, Artistas noveles de Gijón, Yia Art Fair en Paris, Certamen artes plásticas de Ourense entre otras. Recientemente ha participado en la exposición del programa de artistas noveles de Guipúzcoa en el que ha recibido una mención de honor.

BIOA I BIO

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Xare Alvarez Berakoetxea (Donostia, 1990 ) Arte Ederretan lizentziatu zen Euskal Herriko Unibertsitatean, eta ikasturte bat egin zuen Pariseko École Nationale Superieure de Beaux-arts (ENSBA) eskolan. Eskulturari, teknika grafikoei, artista-liburuei zein marrazketari buruzko mintegi eta tailerrekin osatu du prestakuntza. Hainbat sari jaso ditu; besteak beste, honakoak nabarmendu daitezke: lehenengo saria Ourenseko Foru Aldundiko arte plastikoen lehiaketan (2013), bigarren saria Carlton hoteleko pintura-lehiaketan (2012), hautaketa I. Simposium Eskulturastean (2012) eta Gijoneko udaleko artista berrientzako lehiaketan (2012). Baterako erakusketetan parte hartu du; hala nola, Bilbon, Ikas Arten, Getxoarte 2014n, Gijoneko Artista berrietan, Pariseko Yia Art Fair-en eta Ourenseko Arte Plastikoen lehiaketan. Gipuzkoako artista berrien programako erakusketan parte hartu berri du, eta ohorezko aipamena jaso.

— Xare Alvarez Berakoetxea (Donostia, 1990 ) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco realizando un año lectivo en la École Nationale Superieure de Beaux-arts de Paris (ENSBA). Su formación se completa con seminarios y talleres sobre escultura, técnicas gráficas, libro de artista

STATEMENT-A I STATEMENT Nire lana prozesuzkoa da funtsean, eta gorputz berria osatzen, pilatzen eta eratzen duten erregistroak, hausturak, dekolorazioak, markak eta kapak aurkezten ditu. Ekintzarako adierazi den lurraldea marrazten dute presentziek eta morfologiek. Espazioan ez dagoen arkitektura gisa eraikitzen dira gerta litekeena edo noizbait izan zenaren aztarna. Piezek objektuen eta formen paisaiak marrazten dituzte, eta, horietan, denborazkotasunak talka egiten du, iraganak eta etorkizunak, modu esplizituan barreiatuz orainaldira.

Materia eta forma daude nire lanaren erdigunean, eta interpretazioaren mekanikari atxikitako azpitestutzat hartu behar da hizkuntza formala. Kritikoa eta misteriotsua denaren artean dabiltzan formen eta sintaxien hiztegia sortu nahi du piezen arteko topaketak, asoziazio poetiko eta sinbolikoak txertatuz. Naturalaren eta artifizialaren arteko tentsioa desagertu ez ezik, forma organiko berri batean ere fusionatzen da.

Aldiberekotasunaren ideia partekatzen eta jasotzen dutela diruditen objektu higatu, primitibo eta are arkaikoen konstelazioa da.

Elementuen kualitate sentikorrak, bai eta materialen fisikotasunak, beren zimurtasunak

eta zama historiko zein bizi-zamak ere, osatzen dute nire lanaren mami nagusia. Baina analogia formaletatik harago, piezak beste gune batean elkartzen dira: eskulturaren espazioari, denborari eta materialtasunaren berari buruzko hausnarketan. Espazioa, bere adierarik zabalenean: paisaia naturala edo hirikoa, gela itxia, naturari, arkitekturari eta etxeko eremuari egindako erreferentzien konstelazioa; eta, hor, xehetasuna eta gertakizuna urruntzen dira, funtsezkoa eta abstraktua dena bakarrik uzteko. Azpian dagoen egitura.

PROIEKTUA I PROYECTO

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KANON

Mi trabajo, esencialmente procesual, presenta registros, roturas, decoloraciones, marcas y capas que componen, acumulan y constituyen un nuevo cuerpo. Presencias y morfologías delinean un territorio señalado para la acción. Algo que podría ocurrir o rastros de lo que alguna vez existió, se erigen como una arquitectura ausente en el espacio. Las piezas dibujan paisajes de objetos y formas en los que la temporalidad colisiona, el pasado y el futuro, sumergiéndose de manera explícita en el presente.

Materia y forma están en el centro de mi trabajo, aunque el lenguaje formal deba entenderse como un subtexto sujeto a la mecánica de la interpretación. El encuentro entre las piezas, trata de generar un vocabulario de formas y una sintaxis que oscilan de lo crítico a lo enigmático, integrando asociaciones poéticas y simbólicas.

La tensión entre lo natural y lo artificial no solo desaparece sino que se fusiona en una nueva forma orgánica.

Se trata de una constelación de objetos erosionados, primitivos, incluso arcaicos que parecen compartir y contener la idea de simultaneidad. La cualidad sensible de los elementos, así como la fisicidad de los materiales, su rugosidad y su carga histórica y vital, constituyen el principal sustrato de mi trabajo. Pero más allá de analogías formales, las piezas convergen en otro punto; en la reflexión sobre el espacio,

el tiempo y la propia materialidad del medio escultórico. Espacio, entendido en su acepción más amplia: un paisaje natural o urbano, una estancia cerrada, una constelación de referencias a la naturaleza, la arquitectura y el ámbito doméstico, en los que se abstrae el detalle y la contingencia para dejar sólo lo esencial y abstracto. La estructura subyacente.

Gainezarpena - Errepikapena Lekualdaketa Kanon lanak, lan berrien sorta baten bidez, nire praktika artistikoan dauden hainbat nozio biltzen ditu, eta bere baitan hartzen. Etenik gabeko prozesua da, eta, horren bitartez, esperientzia bisual bihurtu eta itxuraldatu nahi ditut zatiak eta hondarrak, elementu organikoak zein aurkitutako objektuak, piezak espazio narratibo zabalagoan koreografiatuz.

Zatiketaren eta aukeraren ideia, iragankortasunaren zentzua, materialekiko, ehundurarekiko eta azalekiko harremana eta horien aukera asoziatiboa dira proiektuaren interes nagusiak.

Eskulturaren eta instalazioaren eremuan garatu da KANON, marrazketa bezalako beste bitarteko batzuetan ere hedatzen bada ere.

Ezagutarazteko jolas zorrotza da, atmosfera bat bereizteko saiakera, toki zehaztugabe baten aurkikuntzaranzko prozesu geldoa.

Eskultura-objektuen elkargunea da, eta egur zatiez, zementuz, burdinazko gailuez, elementu naturalen negatiboez eta desegindako piezez dago osatuta batez ere. Esploraziotresna da eskulturaren materialtasuna, eta deseraiketa eraikitzaile gisa erabiltzen dut, askotariko asoziazio eta ikonografien mikrokosmos gisa. Prozesuzko eta itxi gabeko lanaren izaerak, amaitu gabearenak, agerian jartzen ditu nire lanean garrantzitsuak diren alderdiak: linealtasun eza, ugaritasuna eta pilaketaren ideia.

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XARE ÁLVAREZ BERACOECHEA 48

Galdutako eginkizunen hondarrak, hondamendi zeinuak, kontzeptu antagonikoen gaineko hausnarketak, hala nola, azalera eta edukiera, eredua eta objektua, forma eta edukia, naturala eta artifiziala, hutsa eta betea bezalako kontzeptuen gaineko hausnarketak dira proiektu honetan jorratutako gaietako batzuk.

Higatuta eta eginkizunik gabe, iragandako garaien aztarna dirudite eskultura-piezek, eta hondamendi baten irudiak bezala edo desagertutako zein galdutako ekintza baten irudiak bezala funtzionatzen dutela dirudi.

Eduki espliziturik edo formen kategorizaziorik ez egoteak pertzepzio arinago eta errazagoa ahalbidetzen du, formek beren mintzaira zehazten amaitzen duten espazio aktiboa.

Proiektuak, gure ingurunea ikerketa-xedetzat hartzeaz gain, alderdi politikoek, kulturalek edo geografikoek bakarrik mugatutako testuinguruarekin ez ezik, gure giza-izaeraren alderdi oinarrizkoenetako batekin ere definitu nahi du ingurunea: bilketarekin. Kanon lanak higatutako eta ahaztutako paisaiaren ezaugarri sentikorretik jaurtitzen du zentzu antropologikoaren ulerkera, eta paisaia horretan naturak berak “marraztu” duen irudia eta moldatu duen forma txertatzen zaizkio prozesu artistikoari. Ez dagoen baina susmatu edo irudikatu dezakegun horren arteko elkarrizketa proposatzen du, formaren eta materiaren bidez, eta paisaien askotariko asoziazio eta ikonografiak sortzen dituzten piezen laburbilduma jasotzen du, eraldaketarako testuinguru berria eraikiz. Berehalako ingurunearen zati den errealitatea behatzeko, erregistratzeko eta ordenatzeko moduaz dihardu lan honek.

Zorroztasunaren, mekanizismoa ia, eta aberastasun fisikoaren eta sentsorialaren arteko nahasketa azaleratzen da bertan, batere analitikoa ez den modu asoziatibo bati lotuta, poetikoa hori, bere azken analisian.

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CANON Superposición- Repetición- Desplazamiento Canon, recopila e integra diferentes nociones presentes en mi práctica artística, a través de una serie de nuevos trabajos.

Un proceso ininterrumpido mediante el que trato de transformar y transfigurar en experiencia visual fragmentos y restos, elementos orgánicos y objetos encontrados, coreografiando las piezas en una narrativa espacial más amplia. La idea de fragmentación y la disyuntiva, el sentido de lo efímero, la relación con los materiales, texturas y superficies y sus posibilidades asociativas son los principales intereses de este proyecto.

CANON se desarrolla en el campo de la escultura y la instalación, si bien se expande a otros medios como el dibujo. Se trata de un juego sutil de revelaciones, un intento por discernir una atmósfera, un proceso lento hacia el descubrimiento de un lugar indefinido. Se presenta como una confluencia de objetos escultóricos compuestos primordialmente por fragmentos de madera, cemento, dispositivos de hierro, negativos de elementos naturales y piezas desmanteladas. La materialidad del medio escultórico es una herramienta de exploración que empleo como una deconstrucción constructiva, un microcosmos de múltiples asociaciones e iconografías. El carácter procesual y de trabajo no cerrado, no finalizado, pone de manifiesto aspectos importantes en mi trabajo: la no-linealidad, la multiplicidad y la idea de acumulación.

Rastros de funciones perdidas, signos de deterioro, reflexiones sobre conceptos antagónicos como superfície y volumen, modelo y objeto, forma y contenido, natural y artificial, vacío y lleno, son algunos de los temas tratados en este proyecto. Gastadas y carentes de función, las piezas escultóricas parecen ser vestigios de tiempos pasados o funcionar como la imagen de una ruina, de una acción extinguida, perdida. Esta ausen-

cia de contenido explícito, de categorización de las formas, propicia una percepción más ágil y fluida, un espacio activo en el que las formas acaban por determinar su propio lenguaje.

Este proyecto, no solo toma a nuestro entorno como objeto de estudio, sino que también pretende definirlo como un contexto delineado no por aspectos políticos, culturales o geográficos únicamente, sino también, por uno de los aspectos mas primitivos de nuestra condición humana: el de la recolección. Canon, arroja un modo de comprensión del sentido antropológico a partir de la cualidad sensible en un paisaje erosionado y olvidado, en el que la propia naturaleza ha “dibujado” la imagen y modelado una forma que posteriormente se integra dentro del proceso artístico. Propone un diálogo entre aquello que se encuentra ausente, pero que podemos intuir o imaginar, a través de la forma y la materia, e incluye un compendio de piezas que crean múltiples asociaciones e iconografías de paisajes, construyendo un nuevo contexto de transformación. Este trabajo habla de un modo de observar, registrar y ordenar una realidad que forma parte del entorno inmediato. Aflora una mezcla entre rigor, casi mecanicismo, riqueza física y sensorial, ligada a un modo asociativo poco o nada analítico, poético, en su último análisis.

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JOAQUÍN ARTIME

— Nacido en Santa Cruz de Tenerife en 1984 es artista multidisciplinar. Vive y trabaja en Valencia. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna con Premio Extraordinario Fin de Carrera (2007).

Actualmente está terminando el Máster de Producción Artística en la Universidad Politécnica de Valencia. Es fundador y director de la revista-objeto Papel Engomado. Ha realizado exposiciones colectivas e individuales en espacios como el Centro de Arte La Regenta (Gran Canaria), el CAAM (Gran Canaria), TEA (Tenerife), El Espacio Cultural El Tanque (Tenerife), Espacio Trapezio (Madrid), Octubre Centro de Arte Contemporáneo (Valencia), y galerías como OTR (Madrid), Kir Royal Gallery (Valencia), Artizar (Tenerife) y BI-Box (Biella.

Italia). Ha participado en ferias como The Others Art Fair (Turín) o Room Art Fair #3 (Madrid).

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STATEMENT-A I STATEMENT BIOA I BIO Tenerifeko Santa Cruzen jaio zen 1984an, eta diziplina anitzeko artista da. Valentzian bizi da, eta bertan egiten du lan. Arte Ederretan lizentziatu zen La Laguna Unibertsitatean, eta ikasturte amaierako sari berezia jaso zuen (2007). Egun, Ekoizpen Artistikoko masterra amaitzen ari da Valentziako Unibertsitate Politeknikoan. Papel Engomado aldizkariobjektuaren sortzailea eta zuzendaria da.

Honako espazioetan egin ditu baterako zein banakako erakusketak: La Regenta artezentroan (Kanaria Handia), CAAMen (Kanaria Handia), TEAn (Tenerife), El Tanque kultur-gunean (Tenerife), Trapezio espazioan (Madril), Arte Garaikideko Octubre zentroan (Valentzia) eta OTR (Madril), Kir Royal Gallery (Valentzia), Artizar (Tenerife) eta BI-Box (Biella, Italia) arte-galerietan. The Others Art Fair (Turin) edo Room Art Fair #3 (Madril) azoketan ere parte hartu du.

Inguratzen edo kezkatzen nauen hori guztia erregistratzeko obsesio autobiografikotik abiatzen da nire lana. Memoriarekin eta horren eraketa linguistikoarekin zerikusia duen horretatik. Instalazioaz, oharraz, ohiko materialen erabileraz, bideoaz eta performanceaz baliatzen naiz, keinu bat (testua idaztea/ eraikitzea) errepikatuz, daukadan dislexia gogorarazten duen itsutasuna erreproduzitzeko. Hitzak, zeinu gisa, komunikatzeko edo elkarrizketa eskaintzeko gaitasuna galdu duela hauteman dut. Etorkizunen fusiorik ez dagoenez, jomuga helezina da komunikazioa, eta, beraz, ezinezkoa da diskurtsoa eraikitzea, izan ahoz, izan idatziz. Testuinguru horretan, gorputza da hitzaren egilea, eramailea eta suntsitzailea. Horregatik eramaten du idaztearen ekintzak gorputza ekintzara, performancearen bitartez.

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Mi trabajo parte de una obsesión autobiográfica por registrar todo aquello que me circunda o preocupa. Lo relacionado con la memoria y la construcción lingüística de la misma. Me valgo de la instalación, el apunte, el empleo de materiales comunes, el vídeo y la performance para reproducir, a través de la repetición de un gesto (el escribir/construir texto), una ceguera visual que evoca la dislexia que padezco. Detecto que la palabra como signo ha perdido su capacidad para comunicar u ofrecer diálogo.

Al no disponer de una fusión de horizontes, la comunicación se presenta como una meta inalcanzable, siendo de este modo imposible construir un discurso, ya sea hablado o escrito. En este contexto, el cuerpo se presenta como ejecutor, portador y destructor de la palabra. De ahí que la acción de escribir lleve al accionamiento del cuerpo a través de la performance.

PROIEKTUA I PROYECTO Noli me legere Hizkuntza, horren erabilera txarraren ondorioz, hesi sozial, kultural eta fisikotzat har daiteke. Letaniak deitu dudan sailaren bidez, hitzek eratzen duten zeharkaezintasuna edo distantzia ikusgarri egiten saiatu naiz. Letanietan, espazio, ideia, material edo elementu batek pizten didan hori bilatzen dut, eta gainazal berean behin eta berriz erreproduzitzen dudan esaldi bihurtzen. Alderantziz idazten dut, letra larriz, puntuazio-zeinurik gabe, espaziorik gabe, ageriko ordenarik zein amaierarik gabeko letren segida eraikiz. Hitza gaizki erabilita dagoela ondorioztatzen da hortik; dagoeneko ez du komunikatzeko balio, bazterketarako tresna bihurtzen da, testuinguru- eta testu-horma.

Berez, hizkuntzak komunikazioa eman beharko luke; letania bihurtuta, ordea, ezin besarkatuzko muga bilakatzen da.

Bestekotasuna sustatzen duen errezela, espazioaren, gorputzez gorputz harremanaren

eta literarioaren gainean dugun hautematea suntsitzeko.

Irakurketari urruna zaion itxura ematen diot testuari. Pieza/eszena ezin daiteke aldi berean irakur edo beha. Arreta bitan zatitzen da, izate dislexiko bihurtuz bai hitzez, bai bisualki.

Egiteko modu baten errepikapen formalaren bidez, bai eta idatzitako pentsamendu baten errepikapen obsesibo etengabearen bidez ere, pentsatutakoaren eta esandakoaren arteko ezberdintasuna sortzen da. Horrela, etengabea eta amaiezina dena ukitzen dut, itsutasun bisuala sortzeko xedez.

Maurice Blanchot-i aipamena eginez, diskurtsoa igorri edo sortu zen bezalaxe komunikatzeko ezintasun agerikoa da Noli me legere. Idazle orori egiten zaio zaila bere obra irakurtzea, eta, beraz, obrari begiratzen dion orori igarotzen zaio zailtasun hori. Izenburua eman duen termikoak, era berean, egile bakoitza gai batekin lotzen duen obsesioari ere heltzen dio; aurretik esan zuena berriro esatera behartzen duen obsesioari, alegia; leku berera, bide berberetara, objektuarena ez, baizik eta irudiarena berea izateko beharrera itzultzeko beharra irudikatuz; hau da, hitzak, zeinu edo balio beharrean, irudi edo itxura bihurtu ahal izatea eragiten duen horretara itzultzeko obsesioari heltzen dio.

Kasu horretan, pilaketa estrategia bihurtzen da, ziurgabetasun egoera etengabean dagoen desordena mentala agerian jartzen duen estrategia.

— Noli me legere El lenguaje, debido a su mal uso, puede entenderse como una barrera social, cultural y física. Con la serie que denomino letanías trato de visibilizar esta impenetrabilidad o distancia que las palabras generan. En las letanías busco lo que me suscita un espacio, una idea, un material, un elemento; y lo convierto en una frase que reproduzco una y otra vez sobre una misma superficie.

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JOAQUÍN ARTIME

Escribo al revés, en mayúsculas, sin signos de puntuación, sin espacios, levantando una retahíla de letras sin orden aparente, sin fin. De ello se deduce que la palabra está mal empleada, ya no sirve para comunicar, se convierte en una herramienta de exclusión, un muro contextual y textual.

En primera instancia, el lenguaje escrito debería otorgar comunicación, pero convertido en letanía se erige como frontera inabarcable. Una cortina que fomenta la alteridad para destruir nuestra percepción del espacio, de la relación cuerpo a cuerpo y de lo literario.

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Readapto el texto a una forma ajena a la lectura. La pieza/escena no se puede leer ni contemplar de manera simultánea. La atención se divide en dos, convirtiéndose tanto verbalmente como visualmente en un ente disléxico. A través de la repetición formal de una manera de hacer, y de la repetición obsesiva de un pensamiento escrito sin descanso, se genera una diferencia entre lo pensado y lo que dicho. De este modo, aludo a lo incesante y lo interminable con el objetivo de producir una ceguera visual.

Citando a Maurice Blanchot, Noli me legere es la imposibilidad evidente de comunicar el discurso tal cual fue emanado, incluso concebido. A todo escritor le supone una gran dificultad leer su propia obra, y por ende, esa dificultad se transfiere a todo aquel que la contempla. El término que da título también apunta a la obsesión que liga a cada autor con un tema, obligándolo a decir lo que ya dijo con anterioridad, ilustrando la necesidad de volver al mismo punto, a los mismos caminos, a la necesidad de pertenecer a la imagen y no al objeto, a lo que hace que las palabras mismas puedan transformarse en imágenes, apariencias, y ya no en signos, valores.

La acumulación se convierte en este caso en una estrategia que evidencia el desorden mental de un estado permanente de incerdumbre.

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Nerea Beriain Cebas

Graduada en Diseño y Creación por la facultad de Bellas Artes de EHU-UPV, en la rama de Cerámica, cursó el cuarto curso de la carrera en la Universidad Complutense de Madrid gracias la beca Sicue.

Complementa su formación en la Escuela de Cerámica de la Moncloa. En 2014 comienza el Máster de Cerámica: Arte y Función y actualmente se encuentra realizando el trabajo de fin de master. En noviembre de 2015 crea el Espacio Creativo Pedro Tejada Sorlekua junto con Iñigo Varona y Luis Alciturri, proyecto que busca abrir el espacio de trabajo personal de los integrantes a artistas, creadores, asociaciones y colectivos culturales del barrio desarrollar proyectos en común, compartir inquietudes, y que provocar el surgimiento de sinergias.

STATEMENT-A I STATEMENT 54

BIOA I BIO EHU-UPVko Arte Ederren Fakultatean graduatu zen, Diseinua eta Sorkuntzan, zeramikako adarrean. Madrileko Unibertsitate Konplutentsean egin zuen karrerako laugarren ikasturtea, Sicue bekari esker. Monkloako Zeramika eskolan osatu zuen prestakuntza.

2014an, Artea eta Funtzioa zeramikako masterra hasi zuen, eta, egun, master amaierako lana ari da egiten. 2015eko azaroan, Espacio Creativo Pedro Tejada Sorlekua sortu zuen Iñigo Varona eta Luis Alciturrirekin batera.

Proiektuak auzoko artistei, sortzaileei, elkarteei eta kultur-taldeei ireki nahi die kideen lanerako gunea, bai proiektuak elkarrekin garatu ditzaten, bai kezkak parteka ditzaten, bai sinergiak sortzea eragin dezaten.

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Formak, bolumenak eta objektuak sortzeko sistemak proiektatzea, bilatzea zein garatzea, arteak eta diseinuak berezkoak dituzten prozesuen bidez. Horixe izan da nire lana azken urte hauetan. “Jolasa” balitz bezala, diseinutik baino, eskulturatik hurbilago dauden objektuak eratzeko zenbait sistema sortu ditut. Zeramikarekin eta horren prozesuekin eduki dudan harremanetik eta ikaskuntzatik hartu nuen serieko ekoizpenaren kontzeptua, buztingintzak eta industriak berezkoa duten hori, moldearen bidez. Materialarekin, horren aukerekin eta manipulazioarekin lotutako prozesuaren ostean joan naiz nire sistema garatzen. Forma geometrikoak buztin gorriarekin modelatzen hasi nintzen; gero, biraketa-piezak landu nituen tornuan, eta moztu, eta igeltsuzko moldeekin eta lozazko positiboekin jarraitu nuen. Azken sistema hori da egun hobetu eta erabiltzen dudana, zeramika tradizionalaren, egituren edo minimal art-ak berezkoak dituen formen edo trasteen —nik horrela esaten diet— eskultura-objektu hibridoak eratzeko.

— Proyectar y buscar como desarrollar sistemas para generar formas, volúmenes,

objetos a través de procesos propios del arte y el diseño. Esta ha sido mi tarea en estos últimos años. Como si de un “juego” se tratara, he ido creando varios sistemas para generar objetos mas próximos a la escultura que al diseño. Tomé de mi contacto y aprendizaje con la cerámica y sus procesos el concepto de producción en serie propio de la alfarería y la industria a través del molde.

Tras un proceso relacionado con el material, sus posibilidades y su manipulación, he ido desarrollando un sistema propio. Comencé modelando formas geométricas en arcilla roja, luego torneé y seccioné piezas de revolución, continué con moldes de escayola y positivos de loza. Este último sistema es el que actualmente he perfeccionado y utilizo para generar objetos escultóricos híbridos de cerámica tradicional, estructuras o formas propias del minimal art o como yo los llamo: cacharros.

PROIEKTUA I PROYECTO Trastetegia Mugen eta analogien arteko jolasa, ekoizpenari, proiekzioari, zirriborroari, industriaekoizpenaren prozesuari, eskuz sortzeari, garapenari, aldaketa-prozesuei, arte eta diseinu eremuko sormen-prozesuari eta ikasketari dagokienean.

Horretarako, zeramikaz eta horren prozedurez eta gaiez baliatzen naiz. Industria iraultza baino lehen serieko ekoizpenaz baliatu zen diziplinatzat hartzen dut zeramika, oinarrizko makineriaren esku-hartzea duena, buztintornua eta labeak adibidez, eta artisautzatik industriarako jauzia bizi izan duena.

Hala, igeltsuzko blokeak diren molde-sistema eratzen dut, eta eraketa ezberdinak sortzeko antolatzen ditut horiek. Sistemak bilakaera, ikaskuntza eta produkzio dinamikoa egotea ahalbidetzen du, eta, horri esker, aldaketak egon daitezke, eta aukeren artean hautatu, proiektatutakoari dagokionez. Bloke-konpo-

sizioei molde erabilera emanez, espazio itxia positibatzen da, eta piezak egiten dira. Bada, konposiziorako aukera infinituak sortzen dira, eta, beraz, baita buztinezko pieza infinituak sortu ere. Sistemak bilakaera, ikaskuntza eta produkzio dinamikoa egotea ahalbidetzen du, eta, horri esker, aldaketak egon daitezke, eta aukeren artean hautatu, proiektatutakoari dagokionez.

Trastetegi deitzen ditudan forma anitzak dira moldeen emaitza. Herri-kulturan berezkoa den terminoa erabiltzen dut trasteak edo sukalderako ontziak, buztinez edo lozaz egindakoak batez ere, saltzen dituzten establezimenduak edo postuak izendatzeko. “Traste” hitzak, aldi berean, hainbat definizio dauzka: 1. Ontzia, batez ere, sukaldean erabiltzen dena edo zakarra dena. 2. Ezertarako balio ez duen objektua, baliorik ez duena edo toki batean traba egiten duena.

Standaren ezaugarriak aprobetxatuz, “produktuak” balira bezala instalatzen ditut piezak, hots, publizitatearen, erakusleiho-apainketaren eta kontsumoko objektuen salmentaren berezko eszenak birsortzen ditut.

— Cacharrería Un juego entre los límites y analogías en cuanto a la producción, el proyectar, el boceto, el proceso de producción industrial, la creación manual, la evolución, los procesos de cambio, el proceso de creación en el arte y en el diseño, el aprendizaje.

Para ello me valgo de la cerámica y de sus procedimientos y temática como disciplina que antes de la revolución industrial se ha valido de la producción en serie con la intervención de maquinaria primitiva como el torno de alfarero y los hornos, y que ha vivido el paso de la artesanía a la industria.

Así conformo un sistema de moldes consistente en bloques de escayola que se organizan creando distintas composiciones.

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Nerea Beriain Cebas

Al utilizar estas composiciones de bloques como molde, se positiva el espacio creado y se elaboran las piezas. Generando opciones infinitas de composición y, por lo tanto, de piezas de barro. El sistema permite una evolución, un aprendizaje y una producción dinámica que posibilitan cambios y la elección de opciones respecto a lo proyectado.

El resultado de los moldes son diversas formas que denomino cacharrería, usando este termino propio de la cultura popular para nombrar el establecimiento o puesto en el que se venden cacharros o recipientes de cocina, especialmente los hechos de barro o loza. La palabra “cacharro” a su vez tiene varias definiciones: 1.Recipiente, en especial el que se usa en la cocina o el que es tosco.

2.Objeto que no sirve para nada, que carece de valor o que está estorbando en un sitio.

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Aprovechando la características del stand instalo las piezas como si de “productos” propia de la publicidad, del escaparatismo y de la venta de objetos de consumo.

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Juan Antonio Cerezuela BIOA I BIO

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Cum Laude doktorea da Arte Bisualetan eta Intermedian (Valentzia, 2014), eta Arte Ederretan lizentziatua da (Granada, 2005). UIPRE ikerketako bekaduna izan zen Valentziako Arte Ederren Fakultatean (2006-2010), eta parte hartu du I+G+B ikerketa-proiektuetan, baita hainbat biltzarretan ere; besteak beste, Arte-ikerlarien I. eta II. biltzarretan (Valentziako Unibertsitate Publikoa), Artearen Erabilerei buruzko II. jardunaldietan (Arte Ederren Fakultatea, Teruel) edo NitsD´Aielo i Art 15 Ediciò jaialdian (Valentzia). Sonda aldizkariko batzordeko kidea da: Ikertzailea eta irakaslea Arteetan eta Letretan 2012tik, eta Intermedia Sorkuntzen Laborategiko kidea da 2006tik. 2008an eta 2010ean irakasle aritu zen Valentziako Arte Ederren Fakultatean, “Eskultura eta Ikus-entzunezko bitartekoak 2” ikasgaian. Hainbat sari jaso ditu; hala nola, Wearefair-eko artista onenari saria (Madril, 2016), Errioxako Arte Gaztea lehiaketako 1. saria (2015), La Cárcel galerietako Ekoizpen Artistikoko saria (Segovia) eta finalista izan zen Rizoma 2015 jaialdiko nazioarteko sarian.

Egun, Fabra i Coats herrian (Bartzelona) bizi da.

Artes de Valencia (2006-2010), participando en proyectos de investigación I+D+i y en diversos congresos como el I y II Congreso de investigadores en arte (UPV, Valencia), II Jornadas Usos del Arte (Facultad de Bellas Artes, Teruel), o Festival NitsD´Aielo i Art 15 Ediciò (Valencia). Forma parte del comité de la revista Sonda: Investigación y docencia en Artes y Letras desde 2012 y es miembro del Laboratorio de Creaciones Intermedia desde 2006. Entre 2008 y 2010 fue profesor en la Facultad de Bellas Artes de Valencia en la asignatura “Escultura y Medios Audiovisuales 2”. Ha recibido diferentes premios como el Premio al mejor artista de Wearefair (Madrid, 2016), el 1er Premio Arte Joven La Rioja (2015) y el Premio de Producción artística de Galerías La Cárcel (Segovia) y finalista en el Premio Internacional Rizoma Festival 2015.

Actualmente es residente en Fabra i Coats (Barcelona).

STATEMENT-A I STATEMENT

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Gure identitatea bitarteko eta testuinguru ezberdinen bidez nola eraikitzen den jorratzen du nire lanak. Bitarteko eta testuinguru horietan, hizkuntzak -ahozkoak eta idatzizkoak- zeregin garrantzitsua betetzen du, eta horixe da nire lana osatzen duen materia nagusia. Nire obran, dokumentu pertsonalak, egunerokoak eta sekretuak agertzen dira gai protagonista gisa, eta horiexek dira “istorioak kontatzeko” abiapuntua; zenbaitetan, fikzioarekin eta asmakuntzarekin aritzen dira. Azken proiektuetan, erregistroaren eta artxiboaren ideiarekiko interesa garatu dut, bai eta datuen masifikazioarekikoa ere, sarearen bitartez harrapatuz informazio pertsonalaren fluxua.

Obra hauetan, gainera, denboraren eta espazioaren arteko korrelazioa aurkitzeko interesa ageri da beti; denborazkotasun zehatzaren itzulpen espaziala, edo une ñimiño batean sor daitekeen informazio pertsonalaren kopurua.

Doctor Cum Laude en Artes Visuales e Intermedia (Valencia, 2014) y Lcdo. en Bellas Artes, (Granada, 2005). Fue becario de investigación FPU en la Facultad de Bellas

Mi trabajo aborda el modo en que nuestra identidad es construída a través de diferen-

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tes medios y contextos, donde el lenguaje ­­— verbal y textual­— ocupa una función importante, constituyendo la principal materia que configura mi obra. En ésta, los documentos personales, los diarios y los secretos aparecen como temas protagonistas y como puntos de partida para “contar historias” que en ocasiones dialogan con la ficción y la invención. En mis últimos proyectos desarrollo un interés hacia la idea de registro y de archivo, así como hacia la masificación de datos, mediante la captación del flujo de información personal a través de la Red. En estas obras, además, está siempre presente un interés por encontrar una correlación entre tiempo y espacio; la traducción espacial de una temporalidad concreta, o la cantidad de información personal que puede generarse en un momento minúsculo.

PROIEKTUA I PROYECTO Eguneroko arkitekturak hamaseitarrez (2016) Eguneroko arkitekturak hamaseitarrez proiektuan, nire ordenagailuko IPak sarean egiten duen elkarreraginaren ondoriozko datu-trafikoa erauztea izan nuen helburu; bisitatutako orrialdeak, Google bilatzailean egindako kontsultak eta modu pribatuan egindako beste ekintza batzuk mintzaira hamaseitarrean transkribatuta, hau da, konputazio-zientzei lotutako zenbakitzesistema posizionalean transkribatuta. Gure egunerokotasunaren zati da informazio eta datu-trafiko hori guztia; sarearen bitartez, gure eguneroko pertsonal eta pribatua osatzen du.

Hainbat proposamenen bidez gauzatu da proiektua; hala nola, hamaseitarrez idatzitako zenbait eguneroko pertsonalen bidez (Egunerokoak sistema hamaseitarrean, 2016), datu horiekin egindako paperezko arkitektura txikiak eraikiz (Eguneroko arkitekturak hamaseitarrez, 2016) edo, are, bilatzailean ezer erregistratu gabe, Googleko hasiera orrialdearen aurrean egindako minutu bateko

isilunea jasotzen duten ehundaka orrialdez egindako instalazioaren bidez (Minutu bateko isilunea Googlen, 2016).

Papera erabili da lanerako materia gisa, datu horien lurrunkortasun eta fluxuari itxura hautemangarria -eta hauskorra- emateko xedez.

Aldi berean, informazio hori guztia paperezko artxibategi ideiara eramango bagenu, datu horien neurri espaziala zein izango litzatekeen pentsatzera garamatza. Denboraren (isilune minutuak) eta espazioaren (inprimatutako datuen eta orrialdeen kopurua) arteko loturaalderdiak, gainera, nire lan berrienetan ageri diren alderdiak dira.

GetxoArte 2016ko standeko laginerako, aipatu hiru lanak instalatzea pentsatu dut: Egunerokoak sistema hamaseitarrean, Eguneroko arkitekturak hamaseitarrez eta Minutu bateko isilunea Googlen, 2016an egindakoak horiek guztiak.

— Arquitecturas de diario en hexadecimal (2016) En el proyecto Arquitecturas de diario en hexadecimal me propuse extraer el tráfico de datos resultado de la interacción de la IP de mi ordenador en la Red; desde páginas visitadas, consultas realizadas al buscador de Google, y otras acciones llevadas a cabo de forma privada, transcritas en lenguaje hexadecimal, sistema de numeración posicional vinculado a las ciencias de la computación. Toda esta información y tráfico de datos forma parte de nuestro día a día, constituye nuestro diario personal y privado a través de la Red. El proyecto se manifiesta en una diversidad de propuestas que van desde una serie de diarios personales escritos en hexadecimal (Serie Diarios en sistema hexadecimal, 2016), a la construcción de pequeñas arquitecturas de papel con estos datos (Arquitecturas de diario en hexadecimal, 2016), e incluso una instalación de centenares de páginas que recogen un minuto de silencio

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Juan Antonio Cerezuela

delante de la página de inicio de Google sin registrar nada en su buscador (Un minuto de silencio en Google, 2016).

La utilización del papel como materia de trabajo responde a la intención de configurar un aspecto tangible — y frágil — ­ a la volatilidad y flujo de estos datos. A la vez, nos remonta a la idea de cuál sería su dimensión espacial si trasladásemos toda esta información a la idea de archivo sobre papel.

Estos aspectos vinculativos entre tiempo (minutos de silencio) y espacio (cantidad de datos impresos y de páginas) son, además, aspectos que laten en muchos otros de mis trabajos recientes.

Para la muestra en el stand de Getxoarte 2016, se popone la instalación de las 3 obras mencionadas: Diarios en sistema hexadecimal, Arquitecturas de diario en hexadecimal y Un minuto de silencio en Google, todas ellas realizadas en 2016.

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Guido Di Marzio

exposiciones personales y colectivas como “Dinamiche contemporanee” comisariada por la crítica de arte Annamaria Cirillo y “Comunicazione” de Maurizio Cannavacciuolo en el Museo de Arte Contemporáneo Ex Aurum de Pescara. Actualmente vive y trabaja en Bilbao.

STATEMENT-A I STATEMENT Gizakia bere horretan ikusita, biluzik, zaurgarri, kontserba-poto batean mugikorra duela, bai eta mundu honetan giltzapetzen duten beste gailu teknologiko batzuk ere, benetako bizitza eta birtuala lerro mehe batek banantzen dituen garai honetan.

— El ser humano visto como tal, desnudo, vulnerable, en un bote de conservas con un móvil y otros aparatos tecnológicos que lo encierran en este mundo, en nuestra era en la que la vida real y la virtual están separadas por una línea sutil.

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BIOA I BIO Pennen (Italia) jaio zen, 1990ean. Pescarako G. Misticoni arte-lizeoan ikasi zuen artea, eta Veneziako eta Erromako Unibertsitateetako Arte Ederren Fakultateetan amaitu zituen ikasketak. Urte horietan zehar, baterako zein banakako erakusketetan hartu zuen parte; besteak beste, “Dinamiche contemporanee” erakusketan, Annamaria Cirillo artekritikariak komisionatua hori, eta Maurizio Cannavacciuoloren “Comunicazione” erakusketan, Pescarako Ex Aurum Arte Garaikideko museoan. Egun, Bilbon bizi da, eta bertan egiten du lan.

— Nacido en Penne (Italia) en 1990, estudia arte en el Liceo Artístico G. Misticoni de Pescara finalizando sus estudios en las Facultad de de Bellas Artes de las Universidades de Venecia y Roma. En el curso de estos años participa en diferentes

PROIEKTUA I PROYECTO Pasta sintetikoz egindako giza-irudi anitzek, modelatuek eta margotuek, osatuko dute obra. Kristalezko kontserba-potoen barruan daude, eta, liburutegi itxuraz, eguneroko egoerak erakusten dituzten eskultura txikien multzoa sortuko dute. Horietan, teknologia berrien erabilera eta horiek gizakiongan eragiten dituzten esklabotasuna / mendekotasun psikologikoa eta fisikoa da izendatzaile komuna.

Komunitate txiki baten zati izatearen sentipena transmitituko dio obraren eraketak berak ikusleari, eta, era berean, komunitatea osatzen duten kideengandik urrun sentiaraziko du.

Egungo hirietako kideak behatuz eta ikertuz sortu da ideia, aplikazioen munduan sartuta daudenak horiek, egun, aplikazioen bitartez

erosi baitaiteke, bai eta ikasi, irakurri, harreman sentimentalak eta “sexualak” eduki eta jolastu ere, eta, azken finean, inguratzen gaituzten arazoetatik eta gatazketatik ihes egin baitaiteke horien bidez.

— La obra tomará forma mediante la muestra de diversas figuras humanas creadas con pasta sintética, modeladas y pintadas que dentro de botes de conserva de cristal crearán en forma de librería un ejército de pequeñas esculturas mostrando situaciones cotidianas en las que el denominador común es el uso de las nuevas tecnologías y la esclavitud / dependencia psicológica y física que crean sobre el ser humano.

La propia configuración de la obra transmitirá al espectador la sensación de ser parte de una pequeña comunidad y del mismo modo sentirse alejado de cada uno de los miembros de la misma.

La idea surge de la observación e investigación en las urbes actuales de sus miembros inmersos en el mundo de las aplicaciones mediante las cuales hoy se permite comprar, aprender, leer, mantener relaciones sentimentales y “sexuales”, jugar y en definitiva, escapar de los problemas y conflictos que nos rodean.

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Guido Di Marzio

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Modelos Operativos Abiertos 66

BIOA I BIO “Eredu Eragile Irekiak proiektua erakusketaareto batean sortu zen, Bilboko Alhondigan.

Izan ere, bertan, irakurketa-talde baten bidez, Kontratua erakusketan azaldu ahal izan genuen gure proposamena; eta honakoa zen, eta da, proposamenaren xedea: lanerako eta ikerketarako okupatzea erakusketa-gunea.

Erakusketa-gunean egin genuen lehen sarraldi hartatik eta ikertzaile zein langile (arte garaikideko monjeak) gisa egindako lehen jarduera hartatik sortu zen Eredu Eragile Irekiak izena. Egiteko modu horrekin hartu genuen parte Bilbao Art District-en, UPV/EHUko areto nagusiari atxikitako espazio publikoan kokatutako merkataritza-edukiontzi batekin. Orduko hartan, Gosearen artistak izena hartu zuen EEIk. 2015. urtearen amaieran, gure ibilbidearen gaineko komunikazioa egin genuen 2016ko Murgilaldiak, behera lana! katalogoko eragileen biltzar batean. Duela gutxi, gure proposamena Bilboko Abangoardia galeriara eramateko aukera izan dugu, eta, bertan, arte garaikideko monjeen ordena (sarabaitak) sortze aldera egin dugu lan.”

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“Modelos Operativos Abiertos nace en una sala de exposiciones, en la Alhóndiga Bilbao donde a través de un grupo de lectura habíamos podido tener acceso a plantear nuestra propuesta para la exposición de El Contrato, que era, sigue siendo la de ocupar el espacio expositivo como lugar de trabajo e investigación. De aquella primera incursión en el espacio de exposición y de nuestra actividad como personas investigadoras, trabajadoras (monjes de arte contemporáneo) surgió el nombre de Modelos Operativos Abiertos. Con este modo de hacer participamos en el Bilbao Art District con un contenedor de mercancías situado en el espacio público adosado al Paraninfo de la UPV/EHU. En esta ocasión MOA tomó por título Artistas del hambre. A finales de 2015 hicimos una comunicación de nuestra trayectoria en un congreso de agentes de Inmersiones ¡abajo el trabajo! 2016.

Recientemente hemos tenido la oportunidad de llevar nuestra propuesta a la Galería Vanguardia en Bilbao, donde hemos trabajado en la creación de una orden de monjes de arte contemporáneo (sarabaítas).“

STATEMENT-A I STATEMENT Eredu Eragile Irekiak gizakiz osatutako lantalde baten izena da; 2014an sortutako lan egiteko elkargune, indar eta erresistentzia espazioa. Interes komunen postulatu zehatzen gainean eraiki zen taldea: arteari hurbiltzea, eremu artistiko garaikidean agertzen diren alderdiei (eta arazoei) arreta eskainiz: erakusketa-guneetan, artearen prozeduretan eta hezkuntzan inplizituak diren esanahiak eta arauak berriro eratzea, eta ekoizpen, obra edo praktika eta lan ideia. Postulatu sorta horren ondorioz, objektu (artistiko) materialak berez ekoiztetik urrundutako metodologia jarraitzen dute gure lanak eta artearen eta kulturaren aurrean dugun jarrerak.

— Modelos Operativos Abiertos es el nombre de un grupo humano de trabajo que se creó en 2014 como un espacio de convergencia

impulso y resistencia para trabajar. El grupo se edificó sobre unos postulados concretos de interés común: el acercamiento al arte atendiendo a los aspectos (y problemas) que se plantean en el campo artístico contemporáneo: la reconfiguración de los significados y convenciones implícitos en los espacios expositivos, los procedimientos del arte y la educación; y la idea de producción, obra o práctica y trabajo. Como consecuencia de esta serie de postulados nuestro trabajo y posicionamiento ante el arte y la cultura sigue una metodología alejada de la producción de objetos (artísticos) materiales en sí.

PROIEKTUA I PROYECTO Oraingo honetan, erakusketa-eremua (8 metro karratuko standa (4x2 m) eta 2,40 metroko altuera) lantoki gisa okupatzea da GetxoArteri egin zaion proposamena. Ora et labora.

Aldi honetan zehar, arte garaikideko monjeen ordena bat (sarabaitak) sortzeko proiektuarekin jarraituko dugu, artean postulatu gisa egoteko eta bizitzeko gure modua definitzen duen kontzeptua izanik hori; ikertzaile eta artista garen heinean, gai horri buruzko materiala irakurtzen, ikusten, sortzen... dugu, eta horren gainean hausnartzen. Antzekotasuna aurkitu dugu GetxoArten artisten eskura jartzen den espazioaren eta monje tradizionalek otoitz egiteko, ikasteko, barnera biltzeko eta amesteko erabiltzen duten ziegaren artean. (Modu berean erabili ahal izatea proposatzen dugu). Intsentsu-landarearen banaketa da Eredu Eragile Irekiak ezaugarritzen duen sinboloetako bat. Erakusketa-aldian egingo da praktika hori. Artearen diskurtsoarekin lotu dugun erlijio-errituaren zati da intsentsua.

Erlijioa eta mitoa izan zena ordezkatzen du artearen sinboloak.

Auto-kontratu batetik abiatzen da gure proposamena, eta, bertan, sorkuntza-ikerketa lan-egoeran arituko gara ezarritako orduetan.

Bizitzako kontuak direla-eta, kideetako batek ordu batzuez egin beharko du alde, fruta-

denda batean lan egiteko. Teknologiari esker, pertsona horrekin komunikatu ahal izango gara, eta bere presentzia birtuala bermatu.

Funtsean, Remedios Zafrak dioen bezala, une honetan bizi ditugun lan egiteko eta ekoizteko moduei egokitzea da kontua (ekoizpena deslokalizatzea eta egiazkoa eraistea).

Ekintza horren barruan, zoria eta aldizkakotasuna bezalako elementuak sartzen dira jokoan, oro har. Kontrolpean ez ditugun kontuen mende daude igorpenak, komunikazioak eta are gure presentzia ere.

Topaketa, isilune eta lan gertakizuna izango da ziegan gertatuko dena. Azken batean, egin gabe edo modu aktiboan lan egin gabe egiteko aukera.

— En esta ocasión la propuesta que se hace a Getxoarte es la ocupación del espacio expositivo (el stand de 8 metros cuadros (4x2 m) y 2.40 metros de altura) como lugar de trabajo. Ora et labora.

Durante este periodo daremos continuidad al proyecto de fundación de una orden de monjes de arte contemporáneo (sarabaítas), un concepto que define nuestra manera de estar y vivir en el arte a modo de postulado; una vida dedicada como investigadores y artistas, con la lectura, visionado, creación, reflexión etc. de material referente a este tema. Hemos encontrado una similitud entre el espacio que se pone a disposición de los artistas en Getxoarte y la celda del monje tradicional que utiliza para el rezo, el estudio, el recogimiento y el sueño. (Proponemos poder utilizarlo de la misma manera). Uno de los símbolos que caracterizan a Modelos Operativos Abiertos es el reparto de la planta de incienso. Práctica que se realizará durante el tiempo de exposición.

El incienso forma parte del ritual religioso que nosotros ponemos en relación con el discurso del arte. El símbolo que es el arte en sustitución de lo que fue la religión y el mito.

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Modelos Operativos Abiertos

Nuestra propuesta parte de un auto-contrato en el que nos comprometemos a permanecer durante las horas establecidas en situación de trabajo creación-investigación.

Dadas las condiciones de la vida, uno de los componentes del grupo tendrá que ausentarse durante unas horas para trabajar en una frutería. La tecnología hará posible la comunicación y la presencia virtual de esta persona. En definitiva, como dice Remedios Zafra, la adecuación a los modos de trabajar y de producir que vivimos en este momento (la deslocalización de la producción y el desmantelamiento de lo real).

Dentro de esta acción entran en juego elementos como el azar y la intermitencia en un sentido general. Las emisiones, las comunicaciones y hasta nuestra presencia están sujetos a cuestiones que se escapan de nuestro control.

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Lo que ocurra en la celda será todo un acontecer de encuentros, silencios y trabajo. En definitiva la posibilidad de hacer sin hacer o de trabajar de una forma activa.

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Arantza Elejabeitia

— Nacida en Ezcaray en 1998, actualmente vive en Getxo. Estudió Restauración de Arte y Antigüedades en Madrid en la Universidad de Alcalá y en paralelo se formó como fotógrafa en la Escuela BlankPaper. Ha llevado a cabo diferentes proyectos fotográficos relacionados con la técnica en Vancouver, Lima o Nueva York. Ha publicado los fanzines Bosque y BeautifulUgliness y fue seleccionada por la editorial PublicationsforPleasure como fotógrafa invitada para Brochures. Interesada en el comisariado de fotografía lleva a cabo el proyecto EzcarayPhoto Club. Ha participado en el Festival Suma de Granada junto a Argider Aparicio con la propuesta “LekuBera” en el que jugaban a fotografiar la misma ciudad ficticia desde dos ciudades diferentes. Actualmente estudia en la Escuela de Fotografía de Bilbao.

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STATEMENT-A I STATEMENT BIOA I BIO Ezkarain jaio zen, 1998an. Egun, Getxon bizi da. Artearen Zaharberritzea eta Antigoaleko Gauzak ikasi zuen Madrileko Alcala Unibertsitatean, eta, aldi berean, argazkigintzan trebatu zen BlankPaper eskolan. Teknikarekin zerikusia duten hainbat argazkigintzaproiektu egin ditu Vancouverren, Liman zein New Yorken. Bosque eta BeautifulUgliness fanzineak argitaratu ditu, eta Brochureserako argazkilari gonbidatu gisa hautatu zuen PublicationsforPleasure argitaletxeak. Argazkilaritza komisariotzan interesaturik, EzcarayPhoto Club proiektua egin zuen. Granadako Suma jaialdian parte hartu du, Argider Apariciorekin batera, “LekuBera” proposamenarekin. Horren bidez, fikziozko hiri berberari argazkiak ateratzera jolastu ziren, bi hiri ezberdinetatik.

Egun, Bilboko Argazkilaritza eskolan ari da ikasten.

Periferiako paisaiari argazkia ateratzea horren izaera globala agerian jartzeko xedez.

Toki mortuek, arkitektura errepikakorrek, nortasunik gabeek, eratzen dute nire begiradaren iruditeria. Lurralde bisual komuna, beren artean kilometroak dituzten tokietan kontatuta, baina kontsonantzia espaziala duena. Paisaia garaikideko etxekotasunaren aurkakoa bilatzen beti. Nora ezaren eta paseoaren gaineko egoera-teoriak inspirazio iturri. 35 mm-ko kamera konpaktua lantresna.

— Fotografiar el paisaje de la periferia buscando evidenciar su carácter global.

Lugares desiertos, arquitecturas repetitivas, carentes de personalidad conforman el imaginario de mi mirada. Un terreno visual común, narrado en lugares a Kilómetros de distancia entre sí, pero donde se encuentrta una consonancia espacial. Siempre buscando la anti-vernaculidad del paisaje

contemporáneo. Teorías situacionistas de deriva y paseo como fuente de inspiración.

Una cámara compacta de 35mm como herramienta de trabajo.

PROIEKTUA I PROYECTO Hiri garaikideen periferiatik ibiltzeak hainbat kilometrora dauden espazio berberak errepikatzea dakar. Urbanizazio gatzgabeak eta toki klonatuak bikoiztu egiten dira, modu nekaezinean, amaierarik gabeko kale mortuetan. Hiri berriaren iruditeriak, errepikapenean nekatzetik urrun, hiri historikoaren identitatetik askatzen du okupatzailea: post-hiria da.

Arantza Elejabeitia auzo berrietatik igarotzen da, eta nora ezean ibiltzen. Kamera eskuan duela, periferiako hirigintza berria aurkitzen du, eta hiri orokorraren topografia marraztea ahalbidetzen dio horrek. Halere, garai digitalean flâneur-a izateak beti dakar makinari aurka egin behar izatea, Google Maps-i aurre egitea, alegia: munduaren mapeorako tresna han egon da aurretik, Elejabeitia bere kartografia marrazten hasi baino lehen.

Beraz, bi aldiz mapeatzen da hiri bikoiztua: alde batetik, paseoaren baliozkotasuna eta nora ezaren herentzia dira Arantzaren armak, baina, bestetik, Google Maps-en kartografia digitalarekin lehiatu behar dira. Alabaina, lehian aritu beharrean, argazki-ekintzaren ezerezkeria arakatzen du Elejabeitiak, irudi digitalaren ondoan jarriz berak egiten duen hiri bikoiztuaren irudi analogikoa, teknologiak eskaintzen duen guztiaren zatiak ateratzearekin bat.

Alboratze keinu horixe da, hain zuzen ere, Arantzaren argazkigintzaren emaitzaren itxurazko garrantzirik eza azpimarratzen duena; aldi berean, ordea, bi argazkiak hurbiltzearekin zentzuz betetzen dena: Google Maps-ek ematen duen guztizko mapeoak ez du lortzen hiri osoa marraztea. Azken batean, honelaxe dio Elejabeitiaren argazkigintzalanaren nora ezaren herentziak: periferia harremanetarako espazio berri gisa jabetzetik

irabaziko da berriro ere toki publikoa, eta ez Googlek espazio guztiaren usurpazio akritiko gisa jasotzen dituen irudien zabaltasunetik.

Horrela, helbideak edo erreferentzia argiak kendu dizkio Arantzak espazioari, flâneur-en esperientzia garai digitalean garatu ahal izateko, tresna teknologikoari zentzua erauziz.

Sarearen handitasunean, periferiaren errepikapenera iristea ahalbidetzen dio bilaketak Arantzari, hiri bikoiztuetako harremanen espazio berrirako gakoa izaki hori.

(Garazi Pascualen testua)

— Recorrer la periferia de las ciudades contemporáneas supone repetir los mismos espacios a kilómetros de distancia. Las anodinas urbanizaciones y los lugares clonados se duplican, incasables, a lo largo de interminables calles desiertas. La imaginería de la nueva ciudad, lejos de agotarse en la repetición, libera a su ocupante de la identidad de la ciudad histórica: es la post-ciudad.

Arantza Elejabeitia transita y deambula por los nuevos barrios y descubre, cámara en mano, el nuevo urbanismo periférico, permitiéndole trazar una topografía de la ciudad genérica. Pero, ser flâneur en la era digital supone siempre enfrentarse a la máquina, confrontarse a Google Maps: la herramienta del mapeo global ya ha estado allí, antes de que ella comenzase a trazar su propia cartografía.

Por lo tanto, la ciudad replicante se ve mapeada doblemente: por una parte, la validez del paseo y la herencia situacionista son las armas de Arantza que, por otra, tienen que competir contra la cartografía digital de Google Maps. Sin embargo, en lugar de rivalizar, Arantza indaga en la futilidad de su acción fotográfica, yuxtaponiendo la imagen analógica de la ciudad replicante que ella realiza, a la imagen digital, extrayendo los fragmentos del todo que ofrece la tecnología.

Es, precisamente, este gesto de yuxta-

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Arantza Elejabeitia

posición el que incide en la aparente intrascendencia del resultado fotográfico de Arantza, pero, que por el contrario, se llena de sentido en el acercamiento de ambas fotografías: el mapeo total que ofrece Google Maps no consigue dibujar la ciudad global.

Al fin y al cabo, la herencia situacionista del trabajo fotográfico de Arantza así lo dicta: la reconquista del lugar público nace de la apropiación de la periferia como nuevo espacio relacional y no, de la vastedad de imágenes que Google recoge como usurpación acrítica del todo espacial.

De este modo, Arantza despoja al espacio de direcciones, de referencias claras, para poder desarrollar, vaciando de sentido a la herramienta tecnológica, la experiencia del flâneur en la era digital. La búsqueda de Arantza, en la inmensidad de la red, le permite llegar a la repetición de la periferia, clave para el nuevo espacio relacional de las ciudades replicantes.

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(Texto de Garazi Pascual)

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Mabel Esteban

dugu, Burgosko Unibertsitateko Código Ubu espazioan erakutsi zuena, 2016an.

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BIOA I BIO Burgosen jaio zen, 1991n. Arte Ederretan lizentziatu zen, Salamancako Unibertsitatean, pintura espezialitatean. Gero, pinturan lan eginez jarraitzearekin bat, zeramikan lan egiten hasi zen, eta Salamancako Kultur Ondasunen Kontserbazioko Goi-mailako Arte eskolako Zeramika Artistikoan egin zuen goi-mailako zikloko lehenengo ikasturtea.

2015ean, Salamanca utzi eta Bilbora lekualdatu zen, Zeramikako masterra egitera: Euskal Herriko Unibertsitateak eskaintzen duen Artea eta Funtzioa masterra, alegia.

Mabelek baterako erakusketak egin ditu, hala nola, “Materia Activa” Zink gunean, Víctor Albarekin batera, 2015ean; “Visto por 25” Zamorako Alhondiga aretoan 2014an, edo “Arezzo si tigne di Spagna” Arezzoko (Italia) Palazzo della Fraternità dei Laici jauregian, 2014an. Banakako erakusketak ere egin ditu, eta, horien artean, “Racimos” proiektua

Nacida en Burgos en 1991, es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca en la especialización en pintura.

Posteriormente sigue trabajando en la pintura mientras comienza su trabajo en la cerámica cursando el primer año del ciclo superior en Cerámica Artística de la Escuela de Arte y Superior de Conservación de Bienes Culturales de Salamanca. En 2015 deja Salamanca y se traslada a Bilbao para cursar el Máster en Cerámica: Arte y Función que ofrece la Universidad del País Vasco. Mabel cuenta con exposiciones colectivas como ‘’Materia Activa´´ en Espacio Zink junto a Víctor Alba en 2015, ‘’Visto por 25`` en la sala Alhóndiga de Zamora en 2014 o ‘’Arezzo si tigne di Spagna’’ que realiza en Arezzo (Italia) en el Palazzo della Fraternità dei Laici en 2014. También cuenta con exposiciones individuales entre las que se encuentra ‘’Racimos’’ en el espacio Código Ubu de la Universidad de Burgos en 2016.

STATEMENT-A I STATEMENT Pinturaren eta eskulturaren arteko lotura dago nire obraren erdigunean, eta eskultura gailendu da adierazpen berrienetan. Abiapuntu berbera dute biek, barne eremua jokalekuan sartuz; erraietakoa praktikan jarrita, abstrakzioaren eta figurazioaren artean eteten den hizkuntza batetik. Pinturak mintzaira espresionista hartu du, sekulako forma biribilak deskribatzen ditu; izaera sexuala dauka, baina nabaritasunik gabea. Bitartean, eskulturak osatu egiten du, material bigunekin eta zeramikarekin lan eginez, biek elkarrekin azala, barnekoa eta arraroa kontzeptuak jartzen baitituzte jokoan. Erraietakoaz eta haragizkoaz aritzea, norberaren mintzairarekin lan eginez.

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La obra que realizo se centra en la unión de la pintura y la escultura, estando la última más presente en las manifestaciones más recientes. En ambas el punto de partida es el mismo, entrando en terreno de juego el ámbito interno, lo visceral puesto en práctica desde un lenguaje que entra en suspenso entre la abstracción y la figuración. La pintura se resuelve en lenguaje expresionista, describiendo formas redondas suntuosas, con carácter sexual pero exento de obviedad.

Mientras la escultura la complementa, trabajando con materiales blandos y cerámica que juntas ponen en el terreno de juego los conceptos de piel, lo interno y lo extraño.

Trabajando en un lenguaje propio, dialogar sobre lo visceral y lo carnal.

La propuesta para GetxoArte 2016 pretende poner en escena la unión de la escultura y dibujos relacionados con la misma. La instalación en el stand pretende ser dinámica por lo que para ello se elegirán una escultura de suelo y varias esculturas colgadas. Acompañando a la escultura y enmarcados se procederá a colgar de tres a cuatro dibujos de gran formato en la pared que se pueden entender como bocetos previos o paralelos a la realización de las esculturas, quedando de esta manera hermanados.

PROIEKTUA I PROYECTO

Mi trabajo se centra en la búsqueda de lo interno, la expresión de lo visceral de lo que hay dentro de lo oculto. Cada pieza se consagra como un pensamiento personal.

Obras cargadas de lo orgánico y de lo carnal que se pueden relacionar bien con el sexo o con el mundo natural...que en definitiva son dos conceptos que guardan gran relación.

Eskulturaren eta horrekin zerikusia duten marrazkien arteko lotura taularatzeko asmoa dauka GetxoArte 2016rako proposamenak.

Standeko instalazioa dinamikoa izango da; horretarako, lurreko eskultura bat eta eskegitako zenbait eskultura aukeratuko dira.

Eskulturari lagunduz eta markoan ipinita, neurri handiko hiruzpalau marrazki eskegiko dira horman, eta eskulturak egin aurreko edo egin bitarteko zirriborrotzat har daitezke horiek. Horrela, lotuta geratuko dira.

Ikusleen arreta harrapatzea da antolamendu horren xedea, ikusleak tartean sartuz, piezak inguratzera eta horietara hurbiltzera gonbidatzearekin batera. Ikusleek daukate adierazpen artistikoen azken zatia; horregatik bilatzen dut horien arteko elkarreragina egotea.

Barnekoaren bilaketara, ezkutatuta dagoenaren erraien adierazpenera biltzen da nire lana.

Pentsamendu pertsonal bat da pieza bakoitza.

Organikoa eta haragizkoa denaz jositako obrak, sexuarekin edo mundu naturalarekin lot daitezkeenak... Azken batean, harreman handia daukaten bi kontzeptu dira.

Esta disposición busca captar la atención del público, involucrándolo e invitándolo a rodear las piezas y a acercarse a ellas. La última parte de las manifestaciones artísticas las tiene el público por lo que busco la interacción de los mismos.

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Mabel Esteban

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Ander Etxaniz

Pintura. Entre el 2013 y 2014 residió en Atenas, donde cursó en el “Ανωτάτη Σχολή Καλών Τεχνών (ΑΣΚΤ)”/ “Athens School of Fine Arts”. En este periodo expuso en varias muestras y participó en varios proyectos relacionados con el campo de la pintura y la fotografía. Ha expuesto de forma colectiva en espacios como la Sala Araba o el Centro Cívico Iturrama.

STATEMENT-A I STATEMENT Ez dut ideia handietan sinesten, ezta irudi zehatzetan edo aldez aurretik pentsatutako ideietan ere. Nire margo-lanak pixkanaka eraikitzen dira, prozesuan zehar, zoriaren funtsezko eginkizunaz jakitun.

Ez dut ezer ikusten, ez dut ezagutzen, ez dut irudikatzen.

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BIOA I BIO Oñatin jaio zen, 1992an, eta Oñatiren eta Bilboren artean bizi eta egiten du lan. Arte Ederretan graduatu zen Euskal Herriko Unibertsitatean, eta, egun, Pinturako masterra ari da egiten. 2013aren eta 2014aren artean, Atenasen bizi izan zen, eta, bertan, “Ανωτάτη Σχολή Καλών Τεχνών (ΑΣΚΤ)”/ “Athens School of Fine Arts” eskolan ibili zen. Aldi horretan, hainbat erakusketatan erakutsi zituen bere lanak, eta pinturaren zein argazkigintzaren eremuarekin zerikusia zuten zenbait proiektutan hartu zuen parte. Baterako erakusketak egin ditu Araba aretoa edo Iturrama gizarteetxea espazioetan, besteak beste.

— Nacido en Oñati en 1992, vive y trabaja entre Oñati y Bilbao. Es graduado en BBAA por la Universidad del País Vasco, y actualmente está realizando el Máster en

No creo en grandes ideas, ni en imágenes concretas como ideas preconcebidas. Mis pinturas se van construyendo durante el proceso de forma gradual, consciente del papel fundamental del azar.

No veo nada, no lo conozco, no lo imagino.

PROIEKTUA I PROYECTO Ez dut ezer irudikatu nahi. Pinturaren egitura ulertu nahi dut, inolako kanpo-eragilerik sartu gabe tartean. Aurretik ikusi dudanaren muga hautsi beharra daukat. Era berean, zehatza den horretatik urrundu nazakeen lurralde anbiguoan sakontzen dut.

Nire pinturan bitartekoak menderatzea pinturaren beraren esentzia txirotzea da.

Eduki bat eraiki nahi dut, eta ez dakit zein den bere esanahia.

— No quiero representar nada. Pretendo

entender la estructura de la pintura sin que intervenga ningĂşn agente exterior. Necesito romper la frontera de lo que ya he visto anteriormente. AsĂ­ mismo profundizo en un territorio ambiguo que me pueda distanciar de lo concreto.

Comprendo el dominio de los medios en mi pintura como agente empobrecedor de la esencia de la misma. Planteo construir un contenido, cuyo significado desconozco.

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Ander Etxaniz

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Julen García Muela

PROIEKTUA I PROYECTO Bi lan aurkeztuko ditut: JA eta Aurpegiak.

Hasierako zirrararen (jendaurreko sedukzioa) eta garapenaren (pribatutasuna) inguruan eratzen dira bi lanak.

Andreas Schulzeren izenbururik gabeko koadroa (1987), Bilboko Arte Ederren museoan dagoena, da inspirazio iturri zuzena.

Koadro horretan bezalaxe, irudikapenaren inguramendua eta mugak markatu nahi dira; aldi berean, ordea, barruan edukiz.

JA: JA laneko lehengo geruza GetxoArte 2004ko kide baten argazkia da. Irudia petatxua da, desfokuratzeak eta bere jertsearen beltzak eragindako arrarotasuna duena. Pertsonak izenarekin eta hondoarekin egiten du harremana, lan artistikoak izaki horiek. Azkenean duten sintesiaren ondorioz, plano digitalera edo errekreatibora hurbiltzen da. Simetriak fikzioa iradokitzen du, eta pertsonaren begiak dira egiazkotasunaren sokari heltzen diotenak.

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BIOA I BIO “Iaz amaitu nituen arte-ikasketak, Leioako Arte Ederren Fakultatean eta Kalostran.

Aurten, baterako erakusketa batean hartu dut parte Donostian (PANG), eta collagearen eta eskulturaren arteko irudiak, bideoak eta objektuak aurkeztu ditut hor. Unean-unean, kamisetak eta kirol-jertseak egin ditut azken bi urteotan. 2014an, Getxoarten hartu nuen parte.”

— “Terminé los estudios en arte el año pasado en la facultad de bellas artes de Leioa y en Kalostra. Este año, he participado en una exposición colectiva en Donostia (PANG) donde presenté unas imágenes, unos vídeos y unos objetos entre el collage y la escultura. Puntualmente, he producido camisetas y sudaderas estos últimos dos años. Participé en getxoarte en 2014.”

Irudia etxean irekita eduki eta hilabetera, ausardia hartu eta mugikorrak apaintzeko saltzen dituzten pegatina distiratsuak erosi nituen, paketean dekoratutako autoa ageri bazen ere. Garestiagoak direlako itxura emateko zeregina duten gauza merkeak, pentsatu nuen. Bada, ilusioz gainezka iritsi nintzen irudiaren aurrera, eta neure burua pixka bat aske utzita, lan artistikoen bertsioak egin nituen pegatinekin, maitasun handiz, irudia gehiegi ukitu gabe eta behin betiko keinurik egin gabe, ez baitut irudia estali nahi.

Begiekin nola ikusten nuen gustatu ez zitzaidanez, asalduren fluxua berriro zabaltzea erabaki nuen, ausart, berori kokatuz, espazioarekin eta pertsonekin duen harremanaren bidez.

Aurpegiak: Aurpegi kopuru handi baten harremana da Aurpegiak; aurpegi talde bat, seme-alaba bakarrak hitzekin.

— Proyecto presentar dos trabajos: JA y caras.

Estos dos trabajos se articulan en relación a una primera impresión (seducción en público) y desarrollo (privacidad) Como inspiración directa el cuadro de Andreas Schulze sín título (1987) que está en el museo de bellas artes de bilbao. Como en él, se busca marcar el contorno-límites de la representación a la vez que la contiene.

JA: La primera capa de JA es la fotografía de un compañero de getxoarte 2004. La figura es un petacho con rareza producida por el desenfoque y lo negro de su jersey. La persona se relaciona con el nombre y con el fondo que son trabajos artísticos; por la síntesis en la que éstos quedan, se acerca a el plano digital o recreativo. La simetría sospecha ficción y son los ojos de la persona los que sujetan la cuerda de la veracidad.

Un mes después de tener la imagen abierta por casa, me atrevo y compro unas pegatinas brillantes que venden para decorar móviles, aunque en el paquete aparecía un coche decorado. Cosas baratas con función de hacer parecer más caro, pensé. Bueno pues llego todo ilusionado a la imagen y dejándome un poco hago versiones de los trabajos artísticos con las pegatinas, cariñosamente, sin tocar mucho la imagen y sin gestos definitivos que la imagen no quiero taparla.

Como no me gusta como la veo con ojos determinado, me propongo abrir otra vez el flujo de las alteraciones mediante su colocación y relación con el espacio y las personas.

Caras: Caras es la relación de una gran cantidad de caras, un grupo de caras, con las palabras hijos únicos.

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Julen GarcĂ­a Muela

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Gómez Selva

trabajo. Sin embargo, y debido a una cuasi hiperestésica relación con el medio fotográfico, mi obra depende ahora de la oquedad de la mirada; de las fronteras incorpóreas que solo la cámara lúcida puede poner en entredicho.”

STATEMENT-A I STATEMENT Pertsonen eta beren ingurunearen, harreman pertsonalen eta harreman horiek garatzen diren mikrotestuinguruen arteko parekotasuna da nire ikerketa-xedea. Nire asmoa ez da intimitatearen erreferentzia publikoaren bidez muturra sartzea, argazkigintza subjektuaren espazio intimoetara (mentalak zein fisikoak) sartzeko giltza gisa erabiltzea baizik, eta begirada lizuna ezartzea bere proiekzio sozialetan.

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“Argazkilaritza pertsonak berezko duen zerbait da nire ustez; munduaren gainean dugun pertzepzioari datxekion ikuspuntua. Beraz, argazkigintzarik gabeko bizitzarik ezagutzen ez dudala esan dezaket, eta are gutxiago arterik gabea. Diziplina artistiko ezberdinen inguruan mugitu da irudi-sortzaile gisa egin dudan prestakuntza, eta nire lana hartu duten hirietan neure gain hartu dudan proiektu berri bakoitzaren izate arraroek liluratu naute. Hala ere, eta argazkilaritzarekin dudan harreman ia hiperestesikoaren ondorioz, begiradaren hutsunearen mende dago orain nire lana; kamera egokiak bakarrik zalantzan jar ditzakeen muga gorpuzgabeen mende.”

Begiak bere kabuz ikus ezin dezakeen horretara sartzea ahalbidetzen didan estrategiatzat daukat praktika artistikoa, eta, are zehatzago, argazkilaritza. Guztiok gara behatzaileak, eta guztiok behatzen gaituzte; baina bada zerbait espazioetan eta objektuetan, ukiezina, horien egunerokotasunari beste esanahi bat ematera bultzatzen nauena, diskurtso gogoetatsu eta, oro har, iradokitzaile baten alde.

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Mi objeto de estudio es la concomitancia entre las personas y su entorno, sus relaciones interpersonales y los microcontextos en los que se desarrollan. No es de mi interés hacer de la referencia pública de la intimidad una intromisión, sino utilizar la fotografía como llave para acceder a los espacios íntimos (mentales o físicos) del sujeto, e imponer una mirada impúdica sobre sus proyecciones sociales.

“Entiendo la fotografía como algo intrínseco en la persona; un punto de vista inherente nuestra percepción del mundo. Por tanto, diría que no conozco una vida sin fotografía, y mucho menos, sin arte. Mi formación como creador de imágenes ha transitado en torno a distintas disciplinas artísticas, viéndome cautivado por la extraña naturaleza de cada nuevo proyecto que he asumido en las distintas ciudades que han acogido mi

Asumo la práctica artística, y más concretamente, el medio fotográfico, como una estrategia que me permite acceder a aquello que el ojo no puede ver por sí mismo. Todos somos observadores y observados, pero hay algo intangible en los espacios y en los objetos que me sugiere re-significar su cotidianidad, en pos de un discurso reflexivo, y por lo general, sugestivo.

PROIEKTUA I PROYECTO REM loari lotutako parasomnien gainean egindako hausnarketa pertsonaletik abiatuta sortu da MOISES proiektua. Oro har, munduko biztanleriaren erdiari baino gehiagori eragiten die gaitz mota horrek, bizitzan behin gutxienez. Nire kasuan, loaren paralisi gertaerak urriak izan dira, egunerokotasuna garatzeko orduan benetako arazorik eragiteko moduan.

Hala ere, azken bi urteotan, nabarmen areagotu dira ezgaitasun igarokor horiek, nire arreta eta ikerketa bereganatzeko bezain besteko asaldura ekarriz.

Loaren egoera ezberdinetan, areagotu egin dira mintzamenaren nahasmendu jazoerak, gau-izuak eta haluzinazio hipnoponpikoak.

Dena dela, loaren paralisian zehar agertzen den alter egoa da, egiazki, gaueko bizipen horiekiko hausnarketa-lan kritikoa piztu duena.

Haluzinazio hipnoponpikoetako bigarren “ni” hori luzaroan egoteak gertatu diren egitateak erregistratzera bultzatzen nau, baina ez horiek bakarrik, izan ere, identitate horren ezaugarriak eta berezitasunak ere erregistratzen ditut, bai eta ingurua hautemateko eta inguruan ekiteko dituen patroiak ere.

MOISES, beraz, bigarren ni oniriko horren identitatean eta pertzepzioan oinarritutako proiektua da. Testualtasuna eta argazki-irudia elkartu egiten dira, aipatu arazoaren gaineko diskurtso pertsonal eta taularatua sortzeko xedez. MOISESek ez ditu benetako gertaerak jasotzen, eta ez du horiek birsortzeko asmorik. Ez du loaren paralisiaren inguruko gaia modu esplizituan jorratu ere egiten.

Espazio-denbora zehatz batean nire alter egoarekin bizi dudan egonaldi faltsuaren erregistroa aurkezten du proiektuak, gure identitateak berreginez ikuslearengan barreiatuko den narrazioa sortze aldera, proiektu osoaren jatorrizko eta benetako arazoa ezkutatuz, ordea: REM loari lotutako parasomniak ezkutatuz, alegia. Elkarrizketa eta solasaldi zehatz batzuk idatziz taularatuta, bai eta mugatutako inguruneko erregistro ia polizialarekin ere, itxuraz ezustekoa den mikrotestuinguruan kokatzen da ikuslea.

Mikrotestuinguruaren garapenak, ordea, nire alter egoak ingurunea hautemateko eta

bertan ekiteko dituen patroiak agerrarazi nahi ditu, eta patroi horiek nire obran bertan nola hedatzen diren erakutsi.

— MOISÉS es un proyecto que se origina a partir de una reflexión personal sobre las parasomnias asociadas al sueño REM. Por lo general, este tipo de trastornos afecta a más de la mitad de la población mundial, al menos, una vez en la vida. En mi caso, los episodios de parálisis del sueño han sido exiguos como para suponer una verdadera problemática en el desarrollo de mi día a día. Sin embargo, en los dos últimos años, estas incapacidades transitorias se han incrementado notablemente, suponiendo una alteración lo suficientemente relevante como para demandar mi atención, y su estudio.

Los episodios de trastornos del habla, terror nocturno y alucinaciones hipnopómpicas se han incrementado durante mis estados del sueño. A pesar de ello, es la aparición de un álter ego durante mi parálisis del sueño lo que realmente suscita una labor reflexiva y crítica para con estas experiencias nocturnas. La presencia prolongada de este segundo “yo” durante mis alucinaciones hipnopómpicas me lleva a registrar posteriormente, no solo los hechos transcurridos, sino las características y especificidades de esta identidad, así como sus patrones de percepción y actuación con el entorno.

MOISÉS es, por tanto, un proyecto basado en la identidad y percepción de este onírico segundo yo. La textualidad y la imagen fotográfica se aúnan en pos de un discurso personal y escenificado sobre la problemática en cuestión. MOISÉS no documenta episodios reales ni pretende recrearlos. Ni siquiera aborda el tema de la parálisis del sueño de forma explícita. Este proyecto presenta el registro de una falsa estancia en la que convivo con mi álter ego en un espacio-tiempo determinados, reelaborando nuestras identidades en pos de una narración que trascienda en el espectador, pero que oculta la verdadera problemática primigenia de todo

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el proyecto: las parasomnias asociadas al sueño REM. Mediante la escenificación escrita de determinadas conversaciones y coloquios, así como el registro cuasi policial del entorno delimitado, el espectador se sitúa en un microcontexto aparentemente fortuito, pero cuyo desarrollo pretende desvelar los patrones de percepción y actuación con el entorno de mi álter ego, y cómo estos trascienden en mi propia obra.

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Alvaro González

en el Centro de Experimentación Gráfica Alexandra y en la Biblioteca Central de Cantabria, todas ellas en la ciudad de Santander. De manera colectiva ha expuesto en la Galería Astarté de Madrid dentro del proyecto A3Bandas, en el Instituto Cervantes de Nueva York y en la Embajada de España en Washington. Ha participado en varias ferias de arte contemporáneo como ARCO, ARTELISBOA, ARTESANTANDER o FOROSUR.

STATEMENT-A I STATEMENT

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BIOA I BIO Madrilen bizi da, eta bertan egiten du lan.

Doktorea da Arte Ederretan, Madrileko Unibertsitate Konplutentsearen eskutik. Bakarka, Sol St arte-galeria desagertuan, Alexandra Esperimentazio Grafikoko zentroan eta Kantabriako Liburutegi Nagusian erakutsi ditu bere lanak, Santander hirian horiek guztiak. Taldean, Madrileko Astarté galerian erakutsi ditu bere lanak, A3Bandas proiektuaren barruan; baita New Yorkeko Cervantes institutuan eta Espainiak Washingtonen duen enbaxadan ere.

Arte garaikideko hainbat azokatan ere hartu du parte; hala nola, ARCOn, ARTELISBOAn, ARTESANTANDERen edo FOROSURen.

— Vive y trabaja en Madrid. Doctor en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. De manera individual ha expuesto en la desaparecida Galería Del Sol St,

Kultur adierazpen ezberdinetan aurkitutako forma itxuraz organikoak sortzeari dago zuzenduta nire pintura-lana. Dekorazioereduetan, ehun-estanpatuetan eta irudi zientifikoetan dauden errepikapen-egituren arteko antzekotasun kasuak bilatzen ditut. Artearen eta zientziaren artean dauden interrelazioen irudikapen bisualen gaineko interesa daukat.

Motibo biomorfikoetan dago oinarrituta nire praktika; ilustrazio zientifikoetatik, komunikabideetatik eta artearen historiako pieza adierazgarrietatik baitaude erauzita metodikoki. Egun, dibulgazio zientifikoak XX. mende hasierako abangoardia artistikoetan eduki zuen eragina ikertzen ari naiz, eta eragin horrek pintura garaikidean izan duen jarraitutasuna.

— Mi trabajo pictórico está dedicado a la creación de formas de apariencia orgánica encontradas en diferentes manifestaciones culturales. Busco los casos de similitud entre las estructuras de repetición que habitan en los patrones decorativos, los estampados textiles y las imágenes científicas.

Estoy interesado en la representación visual de las interrelaciones que existen entre arte y ciencia. Mi práctica está basada en motivos biomórficos que son sustraídos metódicamente de ilustraciones científicas, medios de comunicación y piezas emblemáticas de la historia del arte. Actualmente estoy investigando la influencia que ha tenido la divulgación científica en las vanguardias

artísticas de principios del siglo XX y su continuidad en la pintura contemporánea.

PROIEKTUA I PROYECTO Hezur lehorren bailara Jehovaren eskua etorri zitzaidan, eta Jehovaren espirituan eraman ninduen, eta hezurrez jositako bailara baten erdian jarri.

grabatu anatomikoak. Tizianoren dizipulua izan zen. Hilotzen disekzioari buruzko obra izugarri horretan lehen aldiz erakutsi zen giza-gorputza zen bezalakoa. Leonardo Da Vinciren marrazkien legatuarekin jarraitzen du obrak, eta, era berean, zientziak -kasu honetan, medikuntzak- artearen laguntza behar duela erakusten du, giza-gorputzaren ikuspegi xehea egin nahi badu.

Vesalioren tratatuaren barruan, zati anatomiko eta botanikoak hautatu nituen, eta aurretik aire zabalean herdoildutako kobre-ogiaz estalitako erretaulen gainean serigrafiatu ziren.

10 Eta agindu zidan bezala profetizatu nuen, eta espiritua sartu zitzaien, eta bizia hartu zuten, eta bere hanketara egon; armada benetan handia.

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Ezekiel 37: 1 eta 10.

El valle de los huesos secos

Hezur lehorren bailara serigrafia- eta pintura-proiektua da, eta Ezekiel profetaren irudipen bat kontatzen duen pasarte bibliko batetik hartu da izenburua. Bailara batean sakabanatutako hezur batzuek, Jehovaren espirituaren putz bati esker, bizitza hartzen joan zirela kontatzen da profezia horretan, eta gizaki bihurtzera iritsi zirela.

Lehen begiratuan lehor, fosilduta edo ezkutuan dagoenari putz eginez, espiritua eta bizitza emateko gaitasuna daukagu, ezagutzaren bidez. Filosofiak, zientziak eta arteak, beren jatorritik, inguratzen gaituen mundua ulertzeko balio izan duten diziplinak dira, eta arian-arian alboratu dituzte dogma teologikoak. Ideia horietatik abiatuta, eta filosofiako, anatomiako, biologiako, botanikako, astronomiako eta arkeologiako tratatuak bilduz, garai ezberdinetako ikonografia zientifikoaren patroi bisualak laburbiltzen dituzten erretaula txikien saila egin nuen. Hezur lehorren bailara Ezekielen pasartea pinturaproiektu honi koherentzia eman ahalko liokeen irudi batekin harremanetan jartzeko, anatomiari buruzko mendebaldeko lehen tratatu garrantzitsuan agertutako ilustrazio laburpenaren zatiak erabili nituen nagusiki.

De humani corporis fabrica (Giza-gorputzaren egitura, 1543) da aipatu tratatuaren izenburua, eta Andreas Vesalio medikuak (1514-1564) idatzi zuen. Jan Stephen van Calcar artistari (1499-1546) egotzi zaizkio liburu horren

La mano de Jehová vino sobre mí, y me llevó en el Espíritu de Jehová, y me puso en medio de un valle que estaba lleno de huesos.

10 Y profeticé como me había mandado, y entró espíritu en ellos, y vivieron, y estuvieron sobre sus pies; un ejército grande en extremo.

Ezequiel 37: 1 y 10.

El valle de los huesos secos, es un proyecto de serigrafía y pintura cuyo título es tomado de un pasaje bíblico que relata una visión del Profeta Ezequiel. En esta profecía se narra la manera en que unos huesos dispersos sobre la extensión de un valle, fueron adquiriendo vida hasta convertirse en seres humanos, gracias al soplo del espíritu de Jehová.

Poseemos la habilidad de soplar espíritu y vida, a través del conocimiento, a lo que está seco, fosilizado u oculto a simple vista; la filosofía, la ciencia y el arte son disciplinas que han servido, desde sus orígenes, para entender el mundo que nos rodea, desbancando paulatinamente a los dogmas teológicos. Partiendo de estas ideas y mediante la recopilación de diferentes ilustraciones provenientes de tratados

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Alvaro González 92

de filosofía, anatomía, biología, botánica, astronomía y arqueología, realicé una serie de pequeños retablos que condensan los patrones visuales de la iconografía científica de diferentes épocas. Para relacionar el pasaje de Ezequiel, el valle de los huesos secos, con una imagen que pudiera dar coherencia a este proyecto pictórico, utilicé principalmente fragmentos del compendio de ilustraciones aparecidas en el primer gran tratado de anatomía occidental llamado De humani corporis fabrica (La estructura del cuerpo humano, 1543) escrito por el médico Andreas Vesalio (1514-1564). Los grabados anatómicos de este libro son atribuidos al artista Jan Stephen van Calcar (c. 14991546), un discípulo de Tiziano. Esta obra magnífica, sobre la disección de cadáveres, donde se mostraba por primera vez el cuerpo humano tal cual era, continúa con el legado de los dibujos de Leonardo Da Vinci y, también muestra, cómo la ciencia –en este caso la medicina– necesita la ayuda del arte para realizar una detallada visión del cuerpo humano.

Dentro del tratado de Vesalio, seleccioné partes anatómicas y botánicas que fueron serigrafiadas sobre los retablos previamente recubiertos con pan de cobre oxidado a la intemperie.

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Izaro Ieregi

V, Portalea aretoa, Eibar (2015); GetxoArte, Praktika Garaikideen aretoa, Getxo (2015), 23o eta 25o ikus-entzunezko erakusketa, BBVA aretoa, Bilbo eta POINT8 galeria, Baiona.

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BIOA I BIO Bilbon bizi da, eta bertan egiten du lan. Arte Ederretan lizentziatu zen, EHUn (2010).

Ikerketa eta Sormena Artean masterra (2013) eta Euskal Kulturgintzaren Transmisioan aditu titulua (2015) eskuratu ditu, EHUn eta Mondragon Unibertsitatean, hurrenez hurren. Iraganeko pasarteen bidez, oraina berregitea edo berrinterpretatzea izan da bere lan berrienen helburua. Sormen prozesuari diziplina anitzeko ikuspegitik helduta. Bere alor profesionalean nabarmentzekoa da OKELA Sormen Lantegiko kide sortzailea izatea. (2014-gaur egun) Bertan, ARTISTEN MEETING POINTA kultur- eta erakusketaproiektua eramaten dute aurrera. Bilbaoarte Fundazioaren egoiliar beka (2016) eta Bizkaiko Foru Aldundiaren produkziorako beka jaso ditu (2015), eta, gaur egun, doktore tesia egiten ari da EHUko Eskultura Sailean. Bere obra hainbat erakusketa kolektibotan erakutsi izan da, hala nola, hauetan: Politiko-poetiko

Vive y trabaja en Bilbao. Licenciada en Bellas Artes por la UPV (2010). Ha obtenido el máster de Investigación y Creación en Arte (2013) y el título de experta en Transmisión de la Cultura Vasca (2015), en la UPV y en la Universidad de Mondragón respectivamente. El objetivo de sus trabajos más recientes ha consistido en reconstruir y reinterpretar el presente mediante fragmentos del pasado. Aborda el proceso creativo desde una perspectiva multidisciplinar. En el ámbito profesional, hay que destacar su condición de miembro fundador de OKELA Sormen Lantegia (2014-actualidad), donde llevan a cabo el proyecto cultural y expositivo ARTISTEN MEETING POINT. Ha recibido la beca de residente de Bilbaoarte Fundazioa (2016) y la beca para la producción de la Diputación Foral de Bizkaia (2015), y actualmente trabaja en su tesis doctoral en el Departamento de Escultura de la UPV. Su obra se ha mostrado en varias exposiciones colectivas, como Político-Poético V, Sala Portalea, Eibar (2015), GetxoArte, Salón de Prácticas Contemporáneas, Getxo (2015), 23.ª y 25.ª Exposición Audiovisual, Sala BBVA, Bilbao, y galería POINT8, Baiona.

STATEMENT-A I STATEMENT Iraganeko pasarteen bidez, oraina berregitea zein berrinterpretatzea izan da nire lan berrienen helburua. Denok baitakigu iraganaren mende dagoela orainaren egiteko moduen interpretazioa; iraganeko arrastoak dira gaur eguneko praktikak. Manifestazio kultural ezberdinen bitartez, memoria historikoa arakatzen duten proiektuak dira; betiere, sormen prozesuari diziplina anitzeko ikuspegi batetik helduta. Testuinguru sozial, politiko eta kultural aldakor eta asaldatu batean fokua jarriz. Gertukoa eta nirea dudan testuingurua miatuz, zeinetan aldaketa historikoak gertatzearen baldintzak aurretik emanak dauden.

— El objetivo de mis trabajos más recientes ha consistido en reconstruir y reinterpretar el presente mediante fragmentos del pasado.

Porque todos sabemos que la interpretación de las maneras de formar el presente depende del pasado; las huellas del pasado son las prácticas de la actualidad. A través de diferentes manifestaciones culturales, proyectos que exploran la memoria histórica, siempre abordando el proceso creativo desde una perspectiva multidisciplinar. Centrando la atención en un contexto social, político y cultural cambiante y agitado. Examinando un contexto que considero cercano y mío, en el cual vienen dadas las condiciones para que se produzcan cambios históricos.

Tradizioa eta folklorearen antzutasunarekin eta ETAren behin betiko armagabetzearekin topo egin duen belaunaldia, sakoneko krisi batean murgilduta dagoena, eta ez ekonomikoa bakarrik, baita etikoa eta balioena ere, sistemaren zilegitasun falta osoarekin. Posttradizio, post-ETA, post-krisi belaunaldia.

— AUZKA “Las opiniones son al gigantesco aparato de la vida social lo que el aceite es a las máquinas. Nadie se coloca frente a una turbina y la inunda de lubricante. Se echan unas cuantas gotas en roblones y junturas que es preciso conocer.”

PROIEKTUA I PROYECTO

Walter Benjamin

AUZKA

Centrando la atención en el imaginario colectivo de una generación concreta, este trabajo plantea la exploración, el examen, en definitiva, la destrucción directa del documento. Un viaje del documento al monumento. Preguntar a los materiales y reducirlos a la mera forma; convertirlos en sintaxis, romper el marco. Utilizando el lenguaje de los símbolos sedimentados, propone caminos para realizar una nueva lectura, por ejemplo, la madera y la goma, la forma del bastón, las chapas metálicas grabadas y los bloques de espuma rígidos.

“Olioa makinentzat den horixe dira iritziak bizitza sozialaren aparatu erraldoiarentzat.

Inor ez da turbina baten aurrean jartzen eta lubrikatzailez gainezkatzen. Tanta gutxi batzuk botatzen zaizkie aurrez ezagutu behar diren errematxe eta junturei.”

Walter Benjamin Belaunaldi konkretu bateko iruditegi kolektiboari arreta jarriz, dokumentuaren araketa, miaketa, finean suntsiketa zuzena planteatzen du lan honek. Dokumentutik monumenturako bidaia. Materialei galdetu eta forma hutsera ekarri; sintaxi bihurtu, markoa apurtu. Sinbolo sedimentatuen hizkuntza erabiliz, irakurketa berri bat egiteko bideak proposatzen ditu, esate baterako, egurra eta goma, makilaren forma, grabatutako metal-xaflak eta espumadun bloke zurrunak.

Mugimendu sindikalaren aldarria egiten duen pegatina, gazte mugimenduaren ekintza baten dokumentazioa edota ikurriña eskuetan daraman umearen irudiaren azterketa formala eginez edota txalapartaren kolpe eta egituran arreta jarriz.

Hau guztia nire hurbileko belaunaldiaren begirada eta testuingurutik, “Y belaunalditik”.

Mediante el análisis formal de una pegatina que reivindica el movimiento sindical, de la documentación de una acción del movimiento juvenil o de la imagen de un niño que lleva en las manos una ikurriña o reparando en los golpes y la estructura de la txalaparta.

Todo ello, desde la mirada y el contexto de mi generación, «la generación Y». Una generación que se ha encontrado con la esterilidad de la tradición y el folklore y con el desarme definitivo de ETA, que se halla sumergida en una profunda crisis no solo económica, sino también ética y de valores, con una falta total de la legitimidad del sistema. Una generación post-tradición, post-ETA, post-crisis.

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Izaro Ieregi

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Helena Goñi

Tras realizar la carrera universitaria de Bellas Artes en la Universidad del País Vasco, se traslada a Londres para continuar sus estudios realizando un Máster de Fotografía en Central Saint Martins de la Universidad de Artes de Londres. Después de su graduación en Junio de 2015, tiene su primera exposición individual en la Galería Cosmos de Bilbao en Octubre de 2015 y obtiene la Beca para Artes Visuales de la Diputación de Bizkaia para continuar con un proyecto entre Octubre 2015 y Junio 2016. Gana, con este mismo proyecto, el premio a la publicación de un fotolibro en la I Convocatoria de Género y Figura que verá la luz en Mayo de 2016.

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BIOA I BIO Euskal Herriko Unibertsitatean Arte Ederretako unibertsitate-karrera egin ondoren, Londresera lekualdatu zen ikasketekin jarraitzera. Han, Argazkigintza masterra egin zuen Londreseko Artearen Unibertsitateko Central Saint Martinsen. 2015eko ekainean graduatu eta gero, banakako lehenengo erakusketa egin zuen Bilboko Cosmos artegalerian, 2015eko urrian, eta Bizkaiko Foru Aldundiko Arte Bisualetarako beka eskuratu zuen, proiektu batekin aurrera egin zezan, 2015eko urriaren eta 2016ko ekainaren artean. Proiektu horrekin, sari bat irabazi zuen argazki-liburu bat argitaratzeko, Generoa eta Irudia lehiaketaren I. deialdian. 2016ko maiatzean argitaratuko da.

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Batez ere argazkigintzan oinarritutako lana da, baina musikak gogor eragin dio, obraren zati izatera iristeraino, bideoa, serigrafia eta abar bezalako gailuekin batera, eta, bertan, egunerokotasuna islatzen da, arreta berezia eskainiz horren esperientziari, ikusmiren, porrotaren, utopiaren edo bestearekin elkartzearen bidez. Topaketa ekarriko duten egoerak eragitea, bai modu intimoan (argazkikoa eta ni), bai horren ikerketan kontzertua antolatuz, elkarlaneko performance batean parte hartzera gonbidatuta jendea.

— Un trabajo principalmente fotográfico aunque fuertemente influido por la música, llegando ésta a formar parte de la propia obra junto con otros dispositivos como el video, la serigrafía, etc. y en él refleja el día a día, prestando especial atención a su experiencia a través de las expectaciones, el fracaso, la utopía o el encuentro con el otro.

Provocar situaciones que proporcionen un encuentro, bien sea de una manera íntima (el retratado y yo) u organizando un concierto en su estudio e invitando a la gente a participar en una performance colaborativa.

PROIEKTUA I PROYECTO

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BEHIND BLUE EYES

BEHIND BLUE EYES

2013an hasi nuen diziplina anitzeko proiektua da “Behind blue eyes”. Egun, amaitzen ari naiz, Bizkaiko Foru Aldundiak Arte Bisualetarako ematen duen bekari esker. Bertan, bideoa edo serigrafia bezalako gailuekin konbinatzen da argazkigintza.

“Behind blue eyes” es un proyecto transdisciplinar que comencé en 2013 y actualmente estoy finalizando gracias a la Beca de la Diputación de Bizkaia para Artes Visuales.

En él, se combina fotografía con otros dispositivos como el video o la serigrafía.

Nerabezaroaren aldiak eragina izan du proiektuan. Bilbo hiriaren testuinguru zehatzetik begiratu diot nerabezaroari, eta obran garrantzitsua da testuinguru horrek eta zapaldu ditudan ingurune azpikulturalek nola moldatu duten nire egungo nia. Bizitako aldi baten hondarrak edo aztarnak islatzen dituzte argazkiek, bai eta aldi horrek orainaldiarekin egiten duen topaketa islatu ere.

El proyecto está influenciado por la etapa de la adolescencia, vista a través del contexto concreto de la ciudad de Bilbao y cómo éste y los círculos subculturales por los que me he movido han dado forma a mi yo actual.

Las fotografías reflejan las ruinas o los restos de una etapa vivida y su encuentro con el presente.

Aipatu identitatearen eraikuntzan ezinbestekoak izan diren egituren bideo zatiak ere proiektuaren parte dira; hala nola, itsasoa, lagun bat euskal dantzak dantzatzen edo ni neu, taldeen kamiseten bilduma janzten eta eranzten.

Bilboko Iturribide kaleko punk taberna bateko komunean dago inspiratuta proiektu honetarako amaitu dudan azken pieza. Aipatu taberna 2016ko urtarrilaren 5ean itxi zen, 21 urte zabalik egin eta gero. Nolabait, komun hori ikurra da nire belaunaldikoentzat; gainera, aldi berean, giro mota jakin batekin zerikusia duten komunetara estrapola daitekeen komuna da. Zikina, margotua eta politikoa.

“Komun” gela bat eraiki nuen nire estudioan, benetakoaren oso neurri antzekoekin (metro karratu bat). Lantegia hustu nuen, irudikapena bakarrik utziz, eta lagun batzuk gonbidatu nituen, kontzertu bat eman zezaten. Errotuladore batzuk utzi nituen “komunean”, eta jendea berehala hasi zen marrazten, gauzak itsasten, idazten eta abar. Bideoz grabatu nuen guztia, eta argazkiak atera nituen.

Oraingo ideia komuna desmuntatzea da, lan guztiaren iragankortasuna azpimarratze asmoz, eta gailu bat eraikitzea margotutako taulekin, bideoak eta argazkiak erakusteko bertan.

Forman parte del proyecto también videos fragmentados de estructuras imprescindibles dentro de la construcción de dicha identidad, como lo es el mar, un amigo bailando danzas vascas o a mí misma poniéndome y quitándome mi colección de camisetas de grupos.

La última pieza que he terminado para este proyecto, está inspirado en el baño de un bar punk de la calle Iturribide en Bilbao, que cerró el 5 de enero de 2016 tras 21 años abierto. Este baño es, de alguna manera, un emblema para las personas de mi generación y es un baño que a su vez se puede extrapolar a los baños relacionados con un cierto tipo de ambiente. Sucio, pintado y político.

Construí una habitación “baño” en mi estudio con unas medidas muy aproximadas al real (1 metro cuadrado). Vacíe el taller dejando sólo reproducción e invité a unos amigos a dar un concierto. Dejé unos rotuladores en el interior del “baño” y la gente en seguida empezó a dibujar, pegar cosas, escribir, etc. Grabé todo con video y tomé unas fotografías.

La idea ahora es desmontar el baño para subrayar el carácter efímero de todo el trabajo y utilizar los paneles pintados para construir un dispositivo en el que mostrar también el video y las fotos.

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Helena GoĂąi

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Mr. Shark

STATEMENT-A I STATEMENT Beldurrean dago oinarrituta nire lana, prozesu esperimentalen eta intuizioaren bidez, eta euskarri ezberdinetan eginez lan; parametro neurgarri bihurtzen dut beldurrak sortuta energia, lanerako material plastiko eraldatzen dut energia hori, eta ulergarri zein aztergarri egiten. Neurri bereko etsaia, gudu-zelai argiztatua. Musikarekin egiten dut lan, distortsioak, oihartzunak eta errepikapenak sortzen ditut tresna analogiko eta digitalekin, eta elementu bisualekin lotzen. Baina hau hasiera besterik ez da; gertatuko denak, oraingoz, ez dauka izenik.

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“Oso goiz erakutsi nuen artearekiko interesa; asko gustatzen zitzaidan marraztea zein margotzea, eta hainbat marrazkigintzaakademiatan amaitu nuen teknika hobetzeko xedez. Batxilergoa amaitu ondoren, Leioako unibertsitatera sartu nintzen Arte Ederrak ikastera; Arteko gradua egin nuen, zehazki.

Grabatuan interesatzen hasi nintzen, bai eta argazkigintzaren, bideoaren eta musikaren munduan ere. Pintura-teknika ezberdinekin konposatzen eta esperimentatzen hasi nintzen. Egun, grabatuarekin, musikarekin eta instalazioarekin egiten dut lan.”

— “Me interesé por el arte a muy temprana edad, me gustaba mucho dibujar y pintar y acabé asistiendo a varias academias de dibujo para perfeccionar mi técnica. Después de acabar el bachiller entré a la universidad de Leioa a estudiar Bellas Artes, específicamente el Grado de Arte. Empecé a interesarme tanto en el grabado como en el mundo de la fotografía, el vídeo y la música.

Empecé a componer y a experimentar con diferentes técnicas pictóricas. Actualmente estoy trabajando con el grabado, la música y la instalación.”

Mi trabajo se basa en el miedo, mediante procesos experimentales e intuición y trabajando en diferentes soportes, transformo la energía generada por el miedo a parámetros mensurables, transformó esa energía en un material de trabajo plástico y lo vuelvo entendible y analizable. Un enemigo de la misma talla, un campo de batalla iluminado. Trabajo con la música, genero distorsiones, ecos y repeticiones con instrumentos analógicos y digitales y la relaciono con otros elementos visuales. Pero esto sólo es el comienzo, lo que sucederá de momento no tiene nombre.

PROIEKTUA I PROYECTO Axola zait nigandik eta besteengandik ateratzea partekatzen dugun eta komunean dugun beldurra, eta atzemangarri egitea. Beldurra izanik eztanda-eragilea, gertakizun plastikoa eratu nahi dut, askotariko diziplinen kateatze formalean oinarrituko dena, ausardia biltzeko espazio eroso batean.

“Leku batetik nator, eta han ez da denborarik; segundoak ordu bihurtzen dira, urte laburrak goiz aireratu ziren, eta musikak eta koloreek ordezten dituzte gure hitz engainagarriak”.

Souvenirs d’un autre monde, Neige vocalista de Alcest.

Site-specific instalazioa eraikitzea da nire xedea. Emanaldi performatibo batean

lortutako musikara bilduko da egitura, eta erakusketaren erdigunean ere egingo da.

Digitalizazioaren bidez, soinuarekin itxura aldatuko duten irudiak eratuko dira, eta erakusketa-gunearen alde banatan proiektatuko dira horiek, beste argi-irudi mota bat igorriko duen paper islatzaile batean, eta, aldi berean, erabilitako diziplina guztiek komunean dituzten egitura egonkor eta ezegonkorren patroi bat errepikatuko duten grabatu batzuen gainean gainjarriko da aipatu argi-irudia.

— Me importa sacar de mi y del interior de los demás el miedo que compartimos y tenemos en común y hacerlo aprehensible. Con el miedo como detonante, quiero generar un suceso plástico que se fundamente en el encadenamiento formal de disciplinas diversas en un espacio confortable donde armarse de valor.

“De donde vengo el tiempo no existe, los segundos llegan a ser horas, los años cortos pronto cogieron vuelo y nuestras palabras engañosas son remplazadas por la música y los colores”. Souvenirs d’un autre monde, Neige vocalista de Alcest.

Mi objetivo se basa en la construcción de una instalación site-specific. La estructura se centrará en la música obtenida en una actuación performativa, que también se llevará a cabo en el centro de la exposición.

Mediante una digitalización se generaran unas imágenes que cambian de forma con el sonido y se proyectarán a cada lado del espacio expositivo en un papel reflectante que emitirá otro tipo de imagen-luz que, a su vez, se superpondrá sobre unos grabados en los que se repiten un patrón de extructuras estables e inestables común a todas las disciplinas utilizadas.

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Marc Herrero

STATEMENT-A I STATEMENT Bi gauzak definitzen dute garen hori. Bata, geure buruaren gainean dugun ustea, eta, bestea, garena ulertzeko aztertzen duguna.

Posizionamendu gatazka horrek neurosia sorrarazten du, eta etengabe planteatzen du belaunaldi-herentziazkoa denaren eta bizi dugun orainaren arteko lotura. Gatazka-prozesu horretan grafikoki biltzeko asmoa dauka nire lanak, non izatea eta egotea kontzeptuak modu mugagabean dauden eztabaidan.

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BIOA I BIO Arte Ederretan lizentziatu zen eta graduondokoa egin zuen Geometria Deskribatzailean, Bartzelonako Unibertsitatean. Marrazketa Teknikoko eta Artearen Historiako eskolak ematen ditu batxilergoan, Bartzelonan. Edizio eta Arte Garaikideko hainbat azokatan hartu du parte (ART LIBRIS, SWAB); baita baterako erakusketetan ere. Bi aldiz erakutsi du bere obra bakarka, Encantada arte-galerian.

Azkenengo aldiz, 2015ean. Egun, proiektu batean ari da lanean, keinu grafikoaren bidez, pribaturanzko begirada eginez.

— Licenciado en Bellas Artes y con Postgrado de geometría descriptiva por la Universidad de Barcelona. Imparte clases de dibujo técnico e historia del arte en bachillerato en Barcelona. Ha participado en diversas Ferias de Edición y Arte Contemporáneo ( ART LIBRIS, SWAB) así como en exposiciones colectivas. Ha expuesto dos veces de manera individual en la Galería Encantada, la última en 2015. Actualmente trabaja en un proyecto a través del gesto gráfico como mirada hacia lo privado.

Hay dos cosas que definen lo que somos.

Uno lo que creemos ser y otra lo que analizamos para entender lo que somos. Este conflicto de posicionamiento genera una neurosis que plantea, constantemente, el vínculo de pertenencia entre lo hereditario generacional y el presente que habitamos.

Mi trabajo trata de envolverse gráficamente en ese proceso de conflicto donde ser y estar son dos conceptos que discuten indefinidamente.

PROIEKTUA I PROYECTO Saprotrofia: turista batek zisne bat hartu du Ocrida lakuan.

Animalien, landareen eta mineralen erresuma perbertsio neurotikorako toki berri bihurtu dela islatu nahi du Saprotrofia: turista batek zisne bat hartu du Ocrida lakuan marrazki sailak.

Izenburuak, alde batetik, saprotrofiari egin dio aipamena. Jatorria beste organismo batzuetan duten hondakinez elikatzen diren organismoak deskribatzeko erabiltzen da termino hori ekologian. Beste alde batetik, egunkari batean argitaratutako albistearen titulua jaso du: “turista batek zisne bat hartu du Ocrida lakuan”. Albistean azaldu zenez, zisnea hil egin zen, berarekin selfie bat egin nahi zuen jendearen aurrean egon baitzen jarrita hainbat orduz. Toki absurdo batean kokatzen gaituzte bi enuntziatuek. Gizakiak bere habitatari dagokionean duen jokaeraren

zentzugabekeriaren metafora egiteko balio du toki horrek; galbideratu egiten baitu habitata, heriotz irrika eragin arte. Irrika suntsikor gisa adierazten da heriotz irrika hori, nagusitasun eta botere-nahiaren irrika gisa.

Toki horietan, gizakiak elkarbizitza egiten zuen lehen, nolabaiteko identitate-zentzuarekin; orain, berriz, heriotz irrika gauzatzeko testuingurutzat hartu, eta eraso egiten die.

Gozamen nagusi batek elikatzen du irrika hori, eta, bertatik, gozamen gailen horretatik, Ezerezarenganako bakartzea eraikitzen da.

miento hacia la Nada.

Este proyecto pretende plantear la posibilidad de decidir si lo que perteneciente al mundo animal, vegetal o mineral es un lugar de encuentro o de desvinculación respecto al otro.

Honako hau da proiektuak azaldu nahi duen ideia: ea aukera dagoen erabaki ahal izateko animalien, landareen edo mineralen munduari dagokiona bestearekin elkartzeko ala bestearengandik bereizteko tokia den.

— Saprotrofia: una turista coge un cisne en el lago de Ocrida La serie de dibujos Saprotrofia: una turista coge un cisne en el lago de Ocrida trata de reflejar como el reino animal, vegetal y mineral se han convertido en nuevos lugares de perversión neurótica.

El título alude, por un lado, a la Saprotrofia que en ecología se utiliza para describir a los organismos que se nutren de los residuos procedentes de otros organismos.

Por otro lado, toma el titular de una noticia publicada en un periódico “una turista coge un cisne en el lago Ocrida” en la que se explica cómo un cisne murió al estar expuesto durante horas a un público que intentaba hacerse un selfie con él. Los dos enunciados nos sitúan en un lugar absurdo que sirve como metáfora del sinsentido del comportamiento que el ser humano efectúa en relación a su hábitat pervirtiéndolo hasta generar una pulsión de muerte que se manifiesta como una pulsión destructiva, de dominio y de voluntad de poder.

En estos emplazamientos donde antes el ser humano convivía con cierto sentido identitario, ahora los aborda como contexto donde llevar a cabo cierta pulsión de muerte. Esta pulsión es alimentada por un predominante goce desde el cual se erige un ensimisma-

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Marc Herrero

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Abel Jaramillo

STATEMENT-A I STATEMENT Espazio ezberdinak ulertzeko eta betetzeko ohiko logika asaldatuko edo irauliko duten estrategien bilaketan dago oinarrituta nire lana.

Eguneroko tokietan gertatzen diren inplikazio politikoak interesatzen zaizkit, etxeko ingurunean proiektatzen diren gizarte-kontuak.

Egoeren, testuen eta irudien bidez aldatzen, testuingurutik ateratzen eta neureganatzen ditut elementu eta mezu ezberdinak, irakurketa berriak sortzeko. Diziplina aniztasunez, testuaren eta espazioaren arteko eta poesiaren eta ekintzaren arteko harremana aztertzen dut.

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Meridako Arte eta Goi-mailako Diseinu eskolan ikasi zuen (2009/2011), eta, ondoren, Arte Ederretan lizentziatu zen Cuencako Arte Ederren Fakultatean (UCLM), 2015ean. Erasmus egonaldia egin zuen Lisboako Unibertsitatean, 2013/2014 ikasturtean. Egun, Euskal Herriko Unibertsitateko (UPV/EHUko) Arte Garaikide, Teknologiko eta Performatiboko masterra ari da egiten. Ekoizpen beka eskuratu du Bilboko BilbaoArte fundazioan (2016ko uztailetik abendura) eta Bilboko Histeria Kolectiboa egoitzetan (2016ko maiatza).

— Estudió en la Escuela de Arte y Superior de Diseño de Mérida (2009/2011) y posteriormente se graduó en Bellas Artes por la facultad de BBAA de Cuenca (UCLM) en 2015, realizando una estancia Erasmus en la Universidad de Lisboa en el año 2013/2014. Actualmente cursa el Máster en Arte Contemporáneo, Tecnológico y Performativo en la Universidad del País Vasco (UPV/EHU). Ha recibido una beca de producción en la Fundación BilbaoArte en Bilbao (julio a diciembre de 2016) y en las residencias de Histeria Kolectiboa en Bilbao (mayo de 2016).

Mi trabajo consiste en la búsqueda de estrategias que alteren o subviertan la lógica habitual de entender y habitar diferentes espacios. Me interesan las implicaciones políticas que acontecen en lugares cotidianos, las cuestiones sociales que se proyectan en lo doméstico.

A través de situaciones, textos e imágenes; modifico, descontextualizo y me apropio de diferentes elementos y mensajes para crear nuevas lecturas. De forma multidisplicinar, exploro la relación entre texto y espacio, entre poesía y acción.

PROIEKTUA I PROYECTO PROIEKTUA: GUNE MATXINATUAK «Iraultzaz eta klaseen borrokaz aritzen direnek, eguneroko bizitzari berariazko aipamenik egin gabe, maitasunak bere baitan duen iraultza ulertu gabe, ez eta betebeharrei muzin egiteak duen positibotasuna ere, hilotza daukate ahoan» Raoul Vaneigem Etxeko espazioaren ohiko ordena eta erabilera asaldatuko duten forma iragankorrak bilatzen ditu Gune matxinatuak lanak; ordenarik zein errutinarik ez duten egoerak sortu nahi ditu, igarokorrak, behin betiko ezartzeko asmorik ez dutenak.

Logela bateko anabasa kaotikoa, festa baten ondorengo eguna, etxe-aldaketa edo eraberritzea... logela baten denbora edo egoera matxinatu bihurtzen dira. Tokiaren ohiko logika iraultzen dute une txiki horiek; anabasaren ondorioz, leku erosoa izateari uzten diote, igarokor eta ezegonkor bilakatzen dira. Intimotasunaren gunea izaten jarraitzen dute, ordea. Orain, baina, borrokan ageri da gure intimitatea, eta logela gorputz; intimoa den hori hartzen duen diskurtso hegemonikoaren aurka altxatzeko espazioa. Ez duzu atsedenlekurik aurkituko, erresistentziarako espazioa baizik.

descanso, sino un espacio de resistencia.

El proyecto se compone de diferentes elementos como fotografías, vídeos y telas, así como otros elementos objetuales e intervenciones directas con pintura en el espacio

Proiektuak elementu ezberdinak dauzka; besteak beste, argazkiak, bideoak, oihalak... baita elementu objektualak eta pinturarekin espazioan zuzenean egindako esku-hartzeak ere.

— PROYECTO: ESPACIOS INSURGENTES «Los que hablan de revolución y de lucha de clases sin referirse explícitamente a la vida cotidiana, sin comprender lo que hay de subversivo en el amor y de positivo en el rechazo de las obligaciones, tienen un cadáver en la boca» Raoul Vaneigem Espacios insurgentes busca formas transitorias que altere el orden y la utilización habitual del espacio doméstico, producir estados en los que no hay orden, no hay rutina, que son efímeros y que no tienen una voluntad de establecerse permanentemente.

El desorden caótico de un dormitorio, el día después de una fiesta, una mudanza o una reforma, se convierten en tiempos o estados insurgentes de un dormitorio. Estos pequeños momentos subvierten la lógica habitual del lugar, deja de ser un lugar cómodo por la presencia del desorden, se vuelve transitorio e inestable, pero sigue siendo el lugar de lo íntimo. Pero ahora nuestra intimidad aparece en lucha, y el dormitorio, como un cuerpo; un espacio desde el que rebelarse contra el discurso hegemónico que invade lo íntimo. No va a encontrar un lugar de

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Abel Jaramillo

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Adriana Laespada

STATEMENT-A I STATEMENT Godardek zinemaz aritzean esaten zuen bezala, bizitzari bere irudia bera, bere argia, lapurtzen zaion unea da argazkigintza-ekintza.

Chak. Errebelatua, muntaia, bizitzaren pizkundea. Lapurtu zaiona itzultzea bizitzari, baina eraldatuta. Hori da, baina beste zerbait da. Ñabardurak aberastea. Orain, eguneroko bizitzaren inguruan taxutzen da nire argazkigintza-praktika, eta horixe dut praktika horrekin harremana izateko eta berori ulertzeko modua. Egunerokoa eta bere poetikotasuna, bere problematika, bere irudikapena, bere zailtasuna. Bere erregistroa. Idazketari oso lotuta; narratibak sortzea, hitzen fisikotasuna bilatzea.

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Erroman bizi da, eta bertan egiten du lan.

Artean graduatu zen Euskal Herriko Unibertsitatean, eta University of Hertfordshire (Erresuma Batua) unibertsitatean eta Arriagako Juan Crisóstomo musika-kontserbatorioan osatu zituen ikasketak, kantu espezialitatean. Bizkaia aretoan, Getxoarten eta Millenium Galleries aretoetan erakutsi berri du bere lana, eta Euskalduna jauregian, Arriaga antzokian eta Campos antzokian aritu izan da. Egun, komisario laguntzailea da Erromako Fondazione Giuliani per l’arte contemporanea fundazioan.

— Vive y trabaja en Roma. Graduada en Arte por la Universidad del País Vasco, complementó sus estudios en la University of Hertfordshire (Reino Unido) y en el Conservatorio de música Juan Crisóstomo de Arriaga, en la especialidad de canto.

Ha expuesto su trabajo recientemente en Bizkaia Aretoa, Getxoarte y Millenium Galleries y ha actuado en el Palacio Euskalduna, Teatro Arriaga, Teatro Campos.

Actualmente trabaja como Asistente de comisario en la Fondazione Giuliani per l’arte contemporanea de Roma.

El acto fotográfico, como decía Godard hablando del cine, es un momento en el que se roba a la vida su propia imagen, su luz.

Chak. El revelado, el montaje, como la resurrección de la vida. Devolverle a la vida lo que se le ha robado, pero transformado. Es eso, pero es otra cosa. Enriquecer los matices. Mi práctica fotográfica se articula ahora alrededor de la vida diaria y es mi modo de relacionarme con ella y comprenderla. Lo cotidiano y su poética, su problemática, su representación, su dificultad. Su registro.

Muy unido a la escritura; generar narrativas, buscar la fisicalidad de las palabras.

PROIEKTUA I PROYECTO c’eravamo tanto amati Beti egin izan ditut argazkiak. Beti egin izan dizkidate argazkiak. Beti egin izan dizkiot argazkiak neure buruari. Beti arnastu izan dudan bezalaxe, kameraren aurrean eta atzean hazi izan naiz. Hain ekintza performatibo naturala zen, hain erregistro naturala zuena, ez nuen nabaritzen zertan ari nintzen. Gero, ordea, arrakasta gehiagorekin zein gutxiagorekin beste adierazpide batzuekin borrokatu ostean, segundo batez gelditu, eta nahikoa izan zen bilatzen ari nintzen hori dagoeneko banuela ikusteko. Gainerakoarekin osatzen

zen, eta nirekin zetorren, oinez, isilik, aspalditik. Nire harridurarako, pixkanaka-pixkanaka egin dut, 2011tik gutxi gorabehera. Ahots eta izate propioak dauzka. Hortik aztertzen dut, harrituta, nire lana; duen zentzua artikulatzen dut. Argazkigintza analogikoa. Bitarteko hori aukeratu izanaren zentzua; artean, nire bizitzan eta egunean bilioika argazki ateratzen dituen mundu globalizatuan duen zentzua. Bat-bateko irudi digitalak identitatea, harremanak, gezurrak eta nahiak eraikitzen dituen munduan. Magia, arrisku eta teknika sentipenarengatik behar dut argazki analogikoa. Bilatzen den hori lortzen ari ote den ez jakitearen sentipenarengatik. Ezusteko bideak aurkitzeko sentipenarengatik. Tiro egin aurretik pentsatu behar izatearen sentipenarengatik. Tiro egitearen eta ikusteko ezintasunaren sentipenarengatik. Argia kameraren barruan gorde eta zain egon. Denborak, isiluneak oso garrantzitsuak dira orain, musikan bezala.

Nire bizitzako une jakin batean hasi zen proiektu hau. Hogei urterekin, Ingalaterratik itzuli eta oraindik ere unibertsitatean nengoela, ezin nuela familiaren etxean bizitzen jarraitu erabaki nuen. Jendeak zorakeria hutsa dela esaten dit. Ikasten ari zara, nola ordainduko duzu, baina etxetik joango zara. Eta egin nuen, etxez aldatu nintzen. Ez naiz joan, baina mugitu egin naiz; nire lekua bilatzen dut, nire erabakiak, nire pertsonak, nire lana, nire jatekoa, nire etxea, nire bizitza. Eta, modu erabat senezkoan, egoera berri hori esploratzen hasi naiz, nire kameren bidez. Nire praktika artistiko osoa nitasunetik abiatu dela uste dut, nigandik. Zaila egiten zait hautemangarria ez den nonbaitetik abiatzen den sorkuntza egitea; egunerokotasun mingarri eta zoragarria (horrelakorik bada). Nire argazkiak, ordea, ez dira inoiz izan oroitzapenen harrapaketa hutsa; ez dute dokumentatzeko asmorik.

Kontakizun zatikatu, subjektibo eta apetatsua dira. Egia eta gezurra dira. Eraikitakoak batzuetan, zortea batzuetan, zoriaren ondorio besteetan. Erromara iritsitakoan jarraitu zuen proiektuak; maila pertsonal eta profesionalari dakarkionarekin. Uztailean hiritik alde egin eta beste atal bat amaitzen denean amaituko den unea da. Eta nire testuinguru ezagunari eta, aldi berean, ezagutzeko dudanari aurre egiten diodanean (berriz). Aldaketei aurre egiteko dudan modua jarraitzen dute ateratzen argazkiek. Ekoizpen artistikoan zentratuta

egon gabe, “ohiko” lan batean sartutako ordu eta energiek egitetik bereiziko nindutelako beldurrik izan gabe, artearen munduan eduki dudan lehen esperientzia profesionala izan da.

Lanaren eta “beste” lanaren arteko orekaren bilaketa. Emaitza? Guztiaren fusioa: lana, ekoizpena, bizitza. Eta ustekabeko bidaiak.

Italia, Espainia, Uruguai, Portugal. Aurkikuntzarako une-proiektua, non jantzarazi dizkiguten etiketak, marrarazi dizkiguten mugak -zortzietatik hiruretara artista, gero komisarioa, gero sukaldaria eta, oporretan, bidaiaria-, itxuragabetzen diren.

Bizi, ikasi egiten dut, eta, aldi berean, eraiki.

Denbora horretan, monotipoak ere egiten ditut. Eta aurkitutako objektuak biltzen ditut.

Eta idatzi egiten dut. Eta itzultzen naizenean ikusiko dut horrek ere zentzurik ba ote duen.

— c’eravamo tanto amati Siempre he hecho fotografías. Siempre me han hecho fotografías. Siempre me he hecho fotografías. Del mismo modo que siempre he respirado, he crecido delante y detrás de la cámara. Era un acto performativo y de registro tan natural que no notaba lo que estaba haciendo. Pero después, tras pelearme con otros medios de expresión con más o menos éxito me he detenido un segundo y ha sido suficiente para descubrir que lo que buscaba, ya lo tenía. Se complementaba con lo demás y venía caminando conmigo, en silencio, desde hace muchos años. Para mi sorpresa lo hecho poco a poco, desde aproximadamente 2011, tiene voz y una entidad propia.

Analizo sorprendida mi trabajo desde ahí, articulo su sentido. La fotografía analógica.

El sentido de mi elección por este medio; su sentido en el arte, en mi vida y en un mundo globalizado donde se sacan billones de fotografías al día. En el que la imagen instantánea y digital construye identidad, relaciones, mentiras y deseos. Necesito de la fotografía analógica por la sensación de magia, de riesgo, de técnica. De no saber si se está consiguiendo lo que se busca. De encontrar caminos inesperados. De tener que pensar antes de disparar. De disparar

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y no poder ver. Guardar la luz dentro de la cámara y esperar. Los tiempos, los silencios son importantísimos ahora, como en la música.

Este proyecto en concreto comienza con un momento de mi vida en el que, con veinte años, tras volver de Inglaterra y estando aún en la Universidad, decido que no puedo seguir viviendo en la casa familiar. La gente me dice que es una locura. Estás estudiando, cómo lo vas a pagar, pero te vas a ir de casa.

Y lo hago, me mudo. No me voy, pero me muevo; busco mi espacio, mis decisiones, mis personas, mi trabajo, mi comida, mi hogar, mi vida. Y comienzo, de manera absolutamente instintiva, a explorar esta nueva situación a través de mis cámaras. Creo que toda mi práctica artística ha partido del yo, de mi misma. Me cuesta concebir una creación que no parta desde lo palpable; la dolorosa y deliciosa cotidianidad (si es que eso existe). Mis fotografías sin embargo, no han sido nunca una mera captura de recuerdos, no pretenden documentar. Son un relato fragmentado, subjetivo y caprichoso.

Son verdad y mentira. A veces construidas, a veces suerte, otras fruto del azar. El proyecto continúa con mi llegada a Roma, con lo que eso supone a nivel personal y profesional.

Es un momento que culminará en julio, cuando marche de la ciudad y termine un capítulo más. Y me (re)enfrente a mi contexto conocido y al mismo tiempo, por conocer. Las fotografías siguen retratando cómo me enfrento a los cambios. Mi primera experiencia profesional en el mundo del arte no centrada en la producción artística y el temor a que el tiempo y energías invertidas en un trabajo “al uso” me desvinculasen del hacer. La búsqueda de equilibrio entre el trabajo y el “otro” trabajo. ¿Resultado? La fusión de todo: trabajo, producción, vida.

Y los viajes inesperados. Italia, España, Uruguay, Portugal. Un momento-proyecto de descubrimiento; donde se desdibujan las etiquetas que nos han hecho vestir, las fronteras que nos han hecho trazar —de ocho a tres artista, después comisaria, luego cocinera y en vacaciones viajera­.

Vivo, aprendo y, al mismo tiempo, construyo.

En este tiempo también hago monotipos. Y almaceno objetos encontrados. Y escribo. Y veré, al volver, si ello también tiene sentido.

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Claudia Rebeca Lorenzo

— Licenciada en Bellas Artes por la Facultad de Bellas Artes de la UPV-EHU, becada en 2010 con la Beca Séneca en la Facultad de Barcelona, posgraduada en el PEI (Programa de Estudios Independientes) desde el MACBA. Destaca su participación en Kalostra 2015.

Ha cursado diferentes Workshops con Asier Mendizábal, Itziar Okariz, Pedro, G. Romero, Hito Steyerl, entre otros, y desde la crítica institucional y nuevos debates del feminismo Beatriz Preciado, Marcelo Expósito, Franco Berardi Bifo, Valentín Roma, con los que cursó también clases en el PEI.

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Arte Ederretan lizentziatu zen UPV-EHUko Arte Ederren Fakultatean, Seneca beka eman zioten 2010ean Bartzelonako Fakultatean eta graduondoko graduduna da MACBAko PEIn (Ikasketa Independenteen Programan).

Nabarmentzekoa da Kalostra 2015ean parte hartu izana.

Hainbat Workshop egin ditu, besteak beste, Asier Mendizabalekin, Itziar Okarizekin, Pedro G. Romerorekin eta Hito Steyerlekin, bai eta erakunde-kritikatik eta feminismoko debate berrietatik ere, hala nola, Beatriz Preciadorekin, Marcelo Expósitorekin, Franco Berardi Biforekin, Valentín Romarekin. PEIn eskola batzuk jaso zituen horiekin batera.

Artxiboko eta ikerketako lanaren gaineko interesa dauka, eta praktikak egin ditu MACBAn “art and language” artxiboarekin.

Carles Guerra MACBAko kontserbatzaileburuaren Philippe Mealle bildumaren zati da aipatu artxiboa. 2013an egoitza-beka eman zioten Pekinen, Arteaga artisten egonaldiagatik. Baterako hainbat erakusketatan hartu du parte; adibidez, Logroñoko Arteaga artegalerian, Armen aretoan, Ziudadelan, Iruñean eta Basauriko Ariz dorrean.

Interesada por el trabajo de archivo e investigación ha realizado prácticas en el MACBA con el archivo “art and language” de la colección Philippe Mealle por Carles Guerra, conservador jefe del MACBA. En 2013 le fue concedida una beca de residencia en Pekín, por la residencia de artistas Arteaga. Ha participado en diferentes exposiciones colectivas en Galería Arteaga de Logroño, Sala de Armas, La Ciudadela, Pamplona y Torre de Ariz de Basauri, entre otras.

STATEMENT-A I STATEMENT Material ezberdinen azterketatik abiatzen da nire praktika artistikoa, bai eta horren alderdi formalen eta espazialen gaineko kezkatik ere.

Keinu txikien bidez, intuizioa lehen bulkada izanik, materialen, objektuen eta nire neure arteko topaketak ahalbidetuko dituzten planteamendu ezberdinak lantzen saiatzen naiz.

Norberaren gauzekin arazoak edukitzera ohituta egotea. TENTSIOAN egonik aztertzea gauzak horiek, figuratiboa eta abstraktua denaren artean, materialaren eta horren ezintasunaren artean, espazioaren eta denboraren artean... Eta, arazo oro ezkutatutako irtenbidea dela onartuz, “espero ez nuen” horrek indartutako kualitatetzat hartzen ditut erresistentziak/tentsioak. “Espero ez nuen” horrek gidatzen du prozesua, lan-gunean mugak eta bideak adieraziz, zentzua sortzeko nahiaz.

*Guztiari uko egitea aurkikuntza bat egiteko aukeraren alde, zentzua sortzeko gogoz.

— Mi práctica artística parte de la exploración de distintos materiales y la preocupación por sus aspectos formales y espaciales.

Con pequeños gestos en los que el primer impulso es la intuición, trato de ensayar diferentes planteamientos que faciliten encuentros entre los materiales, los objetos y conmigo misma.

Estar habituado a tener problemas con tus cosas. Explorarlas posicionándome en la TENSIÓN, entre lo figurativo y lo abstracto, entre lo material y su imposibilidad, entre el espacio y el tiempo...asumiendo que todo problema es la solución escondida, acepto las resistencias/tensiones como una cualidad intensificada por “lo que no esperaba”.

Ese “no me lo esperaba” es lo que guía el proceso, marcando límites y el camino en el espacio de trabajo, con el deseo de producir sentido *Sacrificarlo todo a la posibilidad de un descubrimiento, con el deseo de producir sentido.

PROIEKTUA I PROYECTO VILLAORTUÑO UDABERRIA Toki batera itzultzeko nahian jaio zen proiektu hau. Villaortuño Logroñon dagoen etxe okupatu bat da, Ebroren ertzean dagoena.

Fisikoki eta sinbolikoki, hiriaren bazterrean dago. Berori inguratzen duen paisaia ez da natura, ez eta hiria ere, hondarrak dira.

Kontzertuak egiten dira, zinema-proiekzioak...

Gauzak gertatzen diren toki baten bila joaten dira Logroñoko biztanleak bertara. Hondakin horietan elkartzen gara. Denborak beste modu batean egiten du aurrera han. Horrelaxe itzuli nintzen, egotera. Argazkiak atera nituen, bideoak grabatu nituen. Gero, lanean hasi nintzen.

Erakusketa-proiektu honek aurreko garapen bat izan zuen, master amaierako lanarekin

paraleloa izan zena. Bertan, urte eta erdiz egindako material guztia jarri nuen, Villaortuño hartuta abiapuntutzat.

Proiektuari dagokionez egun bizi dudan unea kontuan hartuta, espazioaren ber-artikulazio keinua egin nahi dut, lan-prozesu honen ondorioa ber-aktibatzeko asmoz, eta berori gorpuzteko.

Aukeratutako piezak bai tokian bai lanean “hor egotearekin” zerikusia duen prozesuaren ondorio dira. Orainaldi gisa “hor egotea”, gorputzez “hor egotea”, gorputzaren bidez lortzeko objekturanzko hautematea.

Kontua ez da oroitzapenarekin egitea lan, gogora ekartzearekin aritzea baizik. Gorputzean gertatzen da, inkontzientea da, gogoraraztea da. Gogora ekartzea, gogorarazitako izateari “bisualki egin” nahi zaion hori. Denbora kontua da, orainaldira ekartzea iraganeko bizipen bat. Irudia pizkunde, esaten zuen Godardek.

Doluaren ostean bakarrik eman daiteke irudia, orduan ikusten dugu irudia. Bulkada afektibo baten bidez hasi nintzenez lanean, orain nahikoa distantzia dagoela uste dut egindakoa ikusteko eta horren gainean hausnartzeko.

Dolua igaro da.

Horrela, antolamendu espazialaren berartikulazio horretan, uko egin beharko zaio zerbaiti, trukean zerbait jaso nahi bada; zentzua. Espazioa menderatu beharrean neure gain hartuz, nahi dudana (nire ideala) eta daukadana (espazioa eta piezak) negoziatuko ditut. Materialak ematen didana eta material horrekin egiteko gai naizena.

— VILLAORTUÑO PRIMAVERA Este proyecto nace de querer volver a un lugar. Villaortuño es una casa ocupada que se encuentra en Logroño, a orillas del Ebro. Se encuentra física y simbólicamente al margen de la ciudad. El paisaje que le rodea no es una naturaleza ni es ciudad, son restos. Se hacen conciertos, proyecciones de cine…los habitantes de Logroño acuden a Villaortuño en busca de un lugar donde ocurren cosas, en esos restos nos encontramos.

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Claudia Rebeca Lorenzo

El tiempo transcurre de otra manera allí.

Así volví, a estar. Hice fotos, grabé vídeos.

Después me puse a trabajar.

Este proyecto expositivo tuvo un desarrollo anterior, paralelo al trabajo fin de máster en el que dispuse todo el material realizado durante un año y medio tomando como punto de partida Villaortuño.

Teniendo en cuenta el momento en el que me encuentro actualmente con respecto al proyecto, pretendo hacer un gesto de re-articulación en el espacio, tratando de re-activar y dar cuerpo a la conclusión de este proceso de trabajo.

Las piezas escogidas son consecuencia de un proceso que tiene que ver con “estar ahí” tanto en el lugar como en el trabajo. “Estar ahí” como tiempo presente, “estar ahí” corporalmente, para conseguir una percepción hacia el objeto a través del cuerpo.

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No se trata de trabajar con el recuerdo si no con la evocación. Ésta se da en el cuerpo, es inconsciente, es revivir. Evocación como lo que pretende “hacer visualmente” a la entidad evocada. Se trata de tiempo, traer a tiempo presente una experiencia del pasado.

Imagen como resurrección decía Godard, la imagen sólo se puede dar después del duelo, entonces vemos la imagen. Al haber comenzado a trabajar mediante un impulso afectivo, considero ahora la suficiente distancia para ver y reflexionar sobre lo hecho.

El duelo ya ha pasado.

Así en esta re-articulación de disposición espacial habrá que renunciar al algo para recibir algo a cambio, el sentido. Asumiendo el espacio, en lugar de dominar, negociaré lo que quiero (mi ideal) y lo que tengo (espacio y piezas). Lo que el material me da y lo que yo sea capaz de hacer con ese material.

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Daniel Lozano

que están relacionadas con el entorno social y político, trabaja constantemente en una revisión de la sexualidad, el género y el sexo y su relación directa con la cultura capitalista y las políticas liberales, siempre desde lo audiovisual, performativo y textual, dando gran importancia a la recopilación y el archivo. Le interesa trabajar desde la multidisciplinariedad.

Constantemente. Cambiar, cmbr, kanviar, cAmBiAr, caviar.

BIOA I BIO

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Artean graduatu zen Euskal Herriko Unibertsitatean, eta, egun, Soziologiako gradua ari da egiten Urrutiko Hezkuntzako Unibertsitate Nazionalean. Aldi berean, ordea, Praktika Eszenikoa eta Kultura Bisuala masterra ari da egiten Reina Sofía arte-zentro eta museoan, Gaztela Mantxako Unibertsitatearekin elkarlanean. Ingurune sozial eta politikoarekin zerikusia duten kontuen gaineko interesa dauka batik bat, eta etengabe egiten du lan sexualitatearen, generoaren eta sexuaren gaineko berrazterketan; bai eta horiek kultura kapitalistarekin eta politika liberalekin duten harreman zuzenaren inguruan ere, betiere, ikus-entzunezkoa, performatiboa eta testuala den horretatik abiatuta, garrantzi handia emanez bildumari eta artxiboari. Diziplina aniztasunetik lan egitea interesatzen zaio.

Etengabe. Aldatzea, ldtz, haldatxea, aLdaTzeA, aldats.

— Graduado en Artes por la Universidad del País Vasco, actualmente estudia estudia el Grando en Sociología por la Universidad Nacional de Educación a Distancia y al mismo tiempo el máster en Practica Escénica y Cultura Visual en el Centro de Arte y Museo Reina Sofía en colaboración con la Universidad de Castilla La Mancha.

Especialmente interesado en las cuestiones

STATEMENT-A I STATEMENT Etengabe lantzen dut identitatearen eraikuntza, modu esperimental eta prozesuzkoan, erregistroa zer den eta artxiboa zer den formulatuz. Jakin-mina eragiten dit gorpuztasunaren eraikuntzak, oso iragazita baitago, eta erabateko lotura baitu kulturoinordearekin, gizataldeekin, nazioarekin, gizarte-koreografiekin, espazio proxemikoekin eta laburpen hori onartzeko gaitasunarekin.

Gorputzak eta elkarreragin-guneek kudeaketa behar dute, izan ere, baliteke azpiratzen gaituen etengabeko irudi-bonbardaketak esperientzia faltsutzea.

Izugarri erakartzen nau afektu txikienak, sormen-prozesua askatzen duen eta huskeria handienetan dagoen bulkadak. Hortik, “xehetasunetik”, eta ikus-entzunezkoaren, piktorikoaren, eskultorikoaren eta sinboloaren artean erraz lan eginez, betiere, gorputzetik lan eginez, lurralde eta erresistentzia performatibo berriak eraikitzea aldarrikatzen dut, zalantzan jartzeko, ironia egiteko eta geure burua berriro asmatzeko.

— Trabajo constantemente y de manera experimental y procesual la construcción de la identidad mediante la formulación de qué es un registro y qué es un archivo.

Me intriga particularmente la construcción de la corporalidad, que está altamente filtrada, y que no deja de tener que ver con el herencia cultural, la colectividad, la

nación, las coreografías sociales, los espacios proxémicos, y la capacidad de asimilación de ese compendio. El cuerpo y sus espacios de interacción piden de una gestión ya que el bombardeo constante de imágenes al que nos vemos sometidos es posible que falsee la experiencia.

Me siento altamente atraído por el afecto minúsculo, el impulso que desata el proceso creativo y que radica en las más grandes banalidades. Desde ahí, desde “lo detalle”, y trabajando fluidamente entre lo audiovisual, lo pictórico y escultórico, el símbolo, y siempre desde el cuerpo, reivindico la construcción de nuevos territorios y resistencias performativas con la intención de cuestionar, ironizar, y reinventarse.

PROIEKTUA I PROYECTO TECHNOLOLA Gorputzaren espazio politikoak testuingurutik ateraz eta ber-aktibatuz lan egiten duen pieza da TECHNOLOLA. Afektuak ez dira demokratikoak; maitasuna ez da politikoa. A priori inbaditu ezin daitezkeela diruditen espazioak, kolonizatu ezin daitezkeela diruditen horiek, bat-batean eta testuingurutik ateratzeari esker, inbaditu eta kolonizatu daitezke. Zulagarriak dira, hel daitezkeenak. Berriro eratu daitekeen esanahia. Ikusleak dira artistaren proiekzio sozial eta kolektiboa, edo, kasu honetan, aktibatzaileak; deuseztatzeko eraikitzen dute sinboloa. Norberaren plazerarekin dauka zerikusia sinbolo horrek, diskotekako onanismo folklorikoa da. Bidea eman behar zaio paradoxari, keinu ikonoklasta eta keinu bortitz gisa. Izan ere, irudiak botererik edukiko ez balu, zein arrazoi egongo litzateke irudiei eraso egiteko? Idolatria kontu batengatik, irudi-sortzaileak baztertzea proposatu zuen Platonek. Erbesteratzea.

Har diezaiogun susmoa irudiari, eta mugatu dezagun ikuspegia, mugarik gabe ez baitago irudirik. Eta horiek dira pentsamenduei tokia egiten dieten formak. Jakin gabe, zitalkeriatik ekiten duen gorputz politikoaren, artxiboa den gorputzaren egintzekin eta mugimenduekin

lotuta daudenak. Beste gorpuztasun baten indartzaileak diren sinbolo eta irudikapenak; beste testuinguru batzuek hitz egiten dute, eta beste hizkuntza batzuk nahasten. Lola Floresen irudiak technoaren ondoan. Kontrajartze hori. Bada, ezin hobeto konbinatzen dira irudiok, eta eragin ia tribala sorrarazten dute.

Bertan, gorputz-kolpea da beat elektroniko bakoitza; memoria kolektiboari begiratzeko eta igarotzeko proposamena tirokatzen dion afektua. Hortxe kudeatzen dira espazio publikoa eta begirada publikoa, irudiak eratzen dituen gorputz-herentzia. Irudia bera da gertakizuna? Gertakizun al da irudia? Pieza irudia al da? Artxiboa al da pieza bera? Modernitatearen sintoma da gauzak, objektuak, afektuak, pentsamenduak eta ideiak sailkatzea, antolatzea edo horien taxonomia egitea. Nola artxibatzen da esperientzia, ordea?

Pieza honetan, artxiboko jatorrizko teknologiatzat hartzen da gorputza, baina zer daki gorputz batek? Gorputzaren dimentsioa zein den aztertzen; hots, politikoa eta ez-demokratikoa den ore-bilakaeraren, komunitatearen eta gizartearen arteko kontrajartzearen eta horien negoziaketa-estrategien dimentsioa zein den aztertzen. Irudia agertzen denean, hitza eta prosa desagertu egiten dira, beharrezkoak izateari uzten diote. Keinua gertatzen denean, afektua baino ez da geratzen.

— TECHNOLOLA TECHNOLOLA es una pieza que trabaja desde la descontextualización y la reactivación de espacios políticos del cuerpo. Los afectos no son democráticos; el amor no es político. Esos espacios que a priori parecen imposibles de invadir, no colonizables...repentinamente y gracias a la descontextualización, lo son. Penetrables, abordables. Una significación que tiene una posibilidad de reconfiguración. El público es la proyección social y colectiva del artista o en este caso el activador, construyendo un símbolo para destruirlo, que tiene que ver con un estado de placer personal, una especie de onanismo folclórico discotequero. Hay que dar pie a la paradoja, como gesto iconoclasta y gesto violento. Porque si la imagen no tuviera

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Daniel Lozano 124

poder ¿qué razón habría para atacarla? Por una cuestión de idolatría, Platón propuso expulsar a los creadores de imágenes.

Desterrarlos.

Sospechemos de la imagen, y limitemos la visión, ya que sin límite no existe imagen posible. Y estas son formas que dan lugar a pensamientos. Que están relacionadas con los haceres y los movimientos de un cuerpo que es archivo; un cuerpo político que sin saberlo opera desde la abyección. Símbolos y representaciones que son potenciadoras de otra corporalidad; otros contextos hablan y otros lenguajes se entremezclan. Esta contraposición de imágenes de Lola Flores junto al techno, mágicamente combinan a la perfección, y producen un efecto casi tribal, donde cada beat electrónico es un golpe de cuerpo, y un afecto que se dispara una propuesta de mirada y mediación a esa memoria colectiva. Donde se gestiona el espacio público y la mirada pública, la herencia corporal generadora de imágenes. ¿Es el acontecimiento la propia imagen? ¿Es la imagen acontecimiento? ¿Es la pieza un archivo? ¿Es el archivo la propia pieza? Es síntoma de la modernidad la catalogación, organización, la taxonomía de las cosas, objetos, afectos, pensamientos, ideas. Pero, ¿como se archiva la experiencia?

El cuerpo se asume en esta pieza como tecnología primigenia de archivo pero, ¿qué sabe un cuerpo? Indagando en un análisis de cuál es la dimensión del cuerpo, de ese devenir masa que es político y no democrático, de la contraposición entre comunidad y sociedad, y las estrategias de negociación de las mismas. Cuando aparece la imagen, la palabra y la prosa desaparecen, dejan de ser necesarias. Cuando el gesto ocurre, solo queda el afecto.

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Estela Miguel

tellón), el Festival de grabado de Bilbao, el festival Incubarte (Valencia), GetxoArte `15, Festival extendido III (Cuenca) entre otros.

Actualmente está cursando el Máster en Cerámica en la UPV-EHU. Trabaja en torno a la escultura y la gráfica como medios para habitar espacios.

STATEMENT-A I STATEMENT Beti daramat koadernoa soinean, karratua, hitz gakoak idazten ditut, marraztu egiten dut eta erreferentziak jasotzen.

BIOA I BIO

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Bilbon bizi da, eta bertan egiten du lan. Gaztela Mantxako Unibertsitatean graduatu bazen ere, Madrileko Unibertsitate Konplutentsean hasi zituen ikasketak, eta Brasilen egin zuen ikasturte bat, aldebiko beka bati esker. Bilbon egin zuen azken urtea (Sicue beka). Bakarka erakutsi du bere lana Alexandra espazioan (Santander), Lamosan (Cuencan), Maumau arte-galerian (Brasil) eta TEAn (Cuenca). Baterako erakusketetan ere parte hartu du; hala nola, Marte arte garaikideko azokan (Castelló), Bilboko grabatuaren jaialdian, Incubarte jaialdian (Valentzia), GetxoArte `15ean eta III. jaialdi hedatuan (Cuenca). Egun, Zeramikako masterra ari da egiten UPV-EHUn. Eskulturaren eta grafikaren inguruan egiten du lan, espazioetan egoteko bitartekotzat hartuz horiek.

— Vive y trabaja en Bilbao. Aunque es graduada por la UCLM comenzó sus estudios en la Universidad Complutense de Madrid, realizando un curso académico en Brasil gracias a una beca bilateral y su último año en Bilbao (beca Sicue). Ha expuesto su trabajo individualmente en el Espacio Alexandra (Santander), Lamosa (Cuenca), Galería Maumau (Brasil), TEA (Cuenca). Y participado en muestras colectivas como la Feria de arte contemporáneo Marte (Cas-

Beti gustatu izan zaizkit forma organikoak, eutsitakoak, borobilak, gauzen zantzuak izan arren ezer ez direnak, harri bat, urdail bat, armiarma bat, marra zintzo bat. Hala ere, garai batetik hona, gure etxeko inguruneko objektuek seduzitu naute, eta nire testuinguruaz, etxeaz eta harremanez, bizi dugun eta eraldatzen gaituzten denboraz eta espazioaz hitz egitera gonbidatzen naute. Materia gara.

Egoera solidoan edo likidoan egoten gara, larru gogortasunean, sendo, edo, agian, eskuetan barreiatzen zaigun barbotina gara.

Gorpuztasunari eta sentsazioari balioa emango dioten espazioak sortzeko lantzen dut eskultura, grafika gorputz bihurtzen den instalazioak eraikiz. Bitartean, arintasuna, gela, hutsunea, errutina, kartografia, orain, intimitatea, unea eta ahuakatea hitzak GUSTATZEN ZAIZKIT. Beti ez da existitzen.

Beti ezegonkorra da.

— Siempre llevo mi cuaderno, formato cuadrado, escribo palabras claves, dibujo y apunto referentes.

Siempre me han gustado las formas orgánicas, contenidas, redondas, que son indicios de cosas pero no son nada, una piedra, un estómago, una araña, un trazo sincero. Aunque, de un tiempo a esta parte,

me he dejado seducir por objetos de nuestro entorno doméstico, que me invitan a hablar de mi contexto, del hogar y las relaciones, del tiempo y el espacio que habitamos y nos transforma. Somos materia. Nos encontrarnos en estado sólido o líquido, en dureza de cuero, consolidados o tal vez somos barbotina que se esparce en nuestras manos.

Trabajo la escultura para crear espacios que pongan en valor la corporeidad y la sensación, construyendo instalaciones donde la gráfica se integra como cuerpo. Durante, ligereza, habitación, vacío, rutina, cartografía, ahora, intimidad, instante, hábitat y aguacate son palabras que ME GUSTAN. Siempre no existe.

Siempre es inestable.

PROIEKTUA I PROYECTO PROIEKTU EZEGONKORRA Bi tigreren eta tulezko oihal baten jolas basatia Nire eskuek beti dauzkate lokatz hondarrak.

Etengabe eraikitzea, biratzeari sekula ere uzten ez dion erloju-orratzak bezala. Nire oraina, nire ezegonkortasuna eta ziurtasunik eza. Beste material batean hedatuta dagoen nire gorputzari eusteko egiturak sortzen ditut. Onirikoa eta hauskorra da, egunerokoa, errutina eta bikaintasuna. Une hori, utzi berri den burkoaren beroa, gaizki definitutako infraleve-a.

Balioa ematea prozesuzko metodoari, korrika egiteari uzten ez dion denborari eta animalia birtualak garela salatzen duen abiadurari.

Nire etxearen marrazkia eta bihotz bat eskegita.

Dantza egin nahi dut, baina lotsatu egiten nau.

Biloak pilatzen dituzten txokoek eta bilo horiei bizitza kentzen dien xurgagailuaren tutuak

erakartzen naute. Baita hamakek, zeintzuen gainean lo hartzen dugun, edo horien kulunkak ere, haur-parkeetako zabuena bezalakoak. Marragailu bat, irabiagailu bat eta iragazki bat, Mona Hatoumek zainduarazi zizkidan sukaldeko tresnak. Zenbat objektu?

Zenbat gorputz?

Asmoa duen fikzioa.

Hitz egiten saiatzea da nire helburua.

— PROYECTO INESTABLE Un juego salvaje de dos tigres y una tela de tul Mis manos siempre tienen restos de barro.

Construir constantemente, como una manilla de reloj que jamás deja de girar. Mi presente, mi inestabilidad e inseguridad.

Creo estructuras para sujetar mi cuerpo expandido en otro material. Lo onírico y lo frágil, lo cotidiano, la rutina y lo sublime.

Ese instante, el calor de una almohada que se acaba de dejar, un infraleve mal definido.

Poner en valor el método procesual, el tiempo que no deja de correr y la velocidad que nos delata como animales virtuales.

Un dibujo de mi casa y un corazón colgado.

Quiero bailar, pero me da vergüenza.

Me atraen los rincones que acumulan pelusas y el tubo de aspiradora que les quita la vida. También una hamaca sobre la que nos quedamos dormidos, su balanceo, como el de un columpio en un parque infantil. Un rayador, una batidora y un colador, utensilios de cocina que Mona Hatoum me hizo vigilar. ¿Cuántos objetos? ¿Cuántos cuerpos?

Una ficción con intención.

Mi objetivo es intentar hablar.

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Estela Miguel

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Matxalen Oñate

del Gobierno Vasco. También ha participado en numerosas exposiciones entre las que destacan: CadavreExquis, Festival Loraldia (Bilbao), “El Festín – Costa Calma” en las Juntas Generales de Bizkaia (Bilbao), 7 PREMIO UNIA (Sevilla), GETXOARTE 2014, Metamorfosis, Sala Araba-Caja Vital (Vitoria-Gasteiz), JAZPANART (Beasain) o LE MAISON en Histeria Kolektiboa (Bilbao).

STATEMENT-A I STATEMENT

BIOA I BIO

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Matxalen Oñate Esparza Artean graduatuta dago, eta graduondokoa dauka Pinturan.

Egun, doktoretza programa ari da egiten Arte Garaikideko Ikerketan, UPV-EHUko Arte Ederren Fakultatean. Aipatutako ikasketa akademikoez gain, eskultura, marrazkigintza eta ehun-diseinuari buruzko hainbat ikastaro egin ditu Londreseko Arte Unibertsitateko Central Saint Martinsen. Bilbaoarte2016 beka eta Eusko Jaurlaritzako Arte Plastikoen diru-laguntza jaso ditu. Era berean, hainbat erakusketatan hartu du parte. Horien artean, hauek nabarmentzen dira: CadavreExquis, Loraldia jaialdia (Bilbao), “El Festín – Costa Calma” Bizkaiko Batzar Nagusietan (Bilbo), UNIA 7. SARIA (Sevilla), GETXOARTE 2014, Metamorfosis, Araba-Caja Vital aretoa (Vitoria-Gasteiz), JAZPANART (Beasain) edo LE MAISON Histeria Kolectiboan (Bilbo).

— Matxalen Oñate Esparza graduada en Arte y postgraduada en Pintura, actualmente realiza el programa de doctorado en Investigación en Arte Contemporaneo en la Facultad de Bellas Artes UPV-EHU. Además de los estudios académicos mencionados, ha realizado diferentes cursos de escultura, dibujo y diseño textil en UAL Central Saint Martins. Ha obtenido becas como BilbaoArte2016 o la subvención de Artes Plásticas

Hainbat diziplinaren arteko harremantzat dauka Matxalenek bere praktika artistikoa.

Eskulturaren, bideoaren eta instalazioaren arteko bide-erdian, erakustaldiarekiko interesean eta prozesua burutzeko argibide espezifikoetan daude oinarrituta bere azken proiektuak. Itxuraz txikia den lana, kolorean oinarritua, lasaitasun ordena txikia erakusten duena.

— Matxalen entiende su práctica artística como una relación entre diversas disciplinas. Sus últimos proyectos, a medio camino entre la escultura, el video y la instalación, se basan en el interés por el despliegue y las instrucciones específicas para llevar a cabo el proceso. Un trabajo aparentemente nimio, basado en el color, que irradia un pequeño orden de calma.

PROIEKTUA I PROYECTO HEDAPENA HIRU ZATI 2 Seconds Hedagarriak Hedagarriak, Costa Calma

Problematika baterako sarrera

interpretatzen dut: asaldatu daitekeen espazioa da, hedagarrien eta horien argibideen arteko harremanak jartzeko, biltzeko eta ezartzeko tokia. Jolas-prozesua da, eta, funtsean, antolatzen joatea du xede, elkartze berriak eta aukera berriak sortuz.

2013an, Pop Up liburu bat iritsi zitzaidan esku artera. Eskuz egindako liburu moduko bat zen, eta begizta berde batek lotzen zituen bere baitan zituen bost zatiak. Tolestutako paper sorta batek osatzen zuen zatietako bakoitza, eta horiekin lan egin zitekeen. Umetan beti nahi izan nuen bat. Zuen mugimenduak harrapatzen ninduen. Espazioan izaten zuen bilakaerak, jatorrizko itxura hartzen zuen arte.

Ezusteak. Ireki eta itxi. Tolesdurak, muntatu, desmuntatu eta tolestu.

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Xedea

Desplegables

Hedagarriak da Hedapena saileko azken proiektua. Eta, bertan, Pop Up-a bihurtzen da ekoizteko arrazoi nagusia. Hainbat pieza hedagarri egingo dira, eta bi ezaugarri analogo izango dituzte guztiek:

Desplegables, Costa Calma

1) Ireki eta itxi egiten diren hiru zatik osatuko dituzte pieza guztiak.

En 2013, llego a mis manos un libro Pop Up. Era una especie de libro hecho a mano, con cinco secciones unidas por un lazo verde.

Cada una de las secciones estaba compuesta por un juego de papeles plegados con los que se podía operar. De pequeña siempre quise uno. Me atrapaba su movimiento. Su transformación en el espacio hasta volver a su forma inicial. La sorpresa. Abrir y cerrar.

Los pliegues, montar, desmontar y doblar.

2) Pieza guztiek izango dute tramankulu bat lagungarri, argibideak emateko eginkizunarekin. Pieza hedagarri bakoitzaren funtzionamenduari buruzko argibide espezifikoak emango dituzte. Hauxe da horren helburua: erabateko askatasunez, ikusleek piezaren beraren gaineko erakarpena senti dezatela, eta berori ukitzeko beharra sentitu; piezak ireki eta ixteko beharra. Objektuaren beraren eta tramankuluarekiko interesa pizten duen gertakizunaren artean elkar barneratzea; behaketa eta hautemate jarrera eduki beharrean, ekintza eta ondorio jarrera edukiz.

Metodologia Warburg-ek “mahai” izendatu du bere Mnemosyne Atlasa, “lan baten euskarri hutsa, beti zuzendu zein alda daitekeena, berriro hastea ez denean. Elkartze eta jarrera igarokorren gainaldea: bertan, txandaka jartzen eta kentzen da bere “lan planoak” hierarkiarik gabe jasotzen duen guztia, frantsesez hain ongi esaten dugun bezala. Koadroaren bakartasunari, mahai batean, etengabe irekitzen zaizkio aukera berriak, elkartze berriak, ugaritasun berriak, itxuratze berriak.”

Era berean, proiektu honetako nire praktika

DESPLIEGUE HIRU ZATI (Tres Secciones) 2 Seconds

Introducción a una problemática

Objetivo Desplegables, es el último proyecto de la serie Despliegue. En el que el Pop Up se convierte en el principal motivo de producción. Se realizarán un número de piezas desplegables las cuales tendrán dos cualidades análogas: 1) Todas las piezas estarán compuestas por tres secciones que se abren y se cierran.

2) Cada una de las piezas, irá acompañada de otro artefacto que tendrá el papel de instruir, aportando las instrucciones específicas sobre el funcionamiento de cada pieza desplegable. Con el objetivo de que, con libertad absoluta, el espectador se sienta atraído por la pieza en sí y sienta la necesidad de tocarla: abrir y cerrarlas. Una

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Matxalen Oñate

interprenetación entre el mismo objeto y el acontecimiento que despierte el interés por el artefacto, manteniendo una actitud no de contemplación y percepción, sino de acción y conclusión.

Metodología Warburg, denomina su Atlas Mnemosyne como una “mesa” un “mero soporte de una labor que siempre se puede corregir, modificar, cuando no comenzar de nuevo.

Una superficie de encuentros y posiciones pasajeras: en ella se pone y se quita alternativamente todo cuanto su “plano de trabajo”, como decimos tan bien en francés, recibe sin jerarquía. A la unicidad del cuadro sucede, en una mesa, la apertura continua de nuevas posibilidades, nuevos encuentros, nuevas multiplicidades, nuevas configuraciones.”

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Del mismo modo, interpreto mi práctica en este proyecto, como un espacio alterable, donde colocar, recopilar y establecer relaciones entre los desplegables y sus respectivas instrucciones. Un proceso lúdico cuya finalidad es, básicamente, ir organizando; creando nuevos encuentros, y nuevas posibilidades.

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Elisa Pardo Puch

anai-arrebekin batera; hala nola, Madrileko Unibertsitate Konplutentseko Arte Ederretako liburutegiko Fanzinerosos tailerrean (2015), Autoedita o Mueren (2015 eta 2013), MEA 2n (2013), +Papel+, La Trasera, Madrileko Unibertsitate Konplutentsean (2013), Papel+, La Trasera, Madrileko Unibertsitate Konplutentsean (2012). 2013tik, Los Carpinteros taldeko laguntzailea da.

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BIOA I BIO Elisa Pardo Puch (Madril, 1988) Arte Ederretan lizentziatu zen Madrileko Unibertsitate Konplutentsean (2014), eta Diseinu Grafikoan diplomatu zen Madrileko nº 10 arte-eskolan (2010). Bestetik, Pariseko Arte Duperré eskolan beka eman zioten (2009). Egun, Arte Garaikidearen Historia eta Kultura Bisuala masterra egiten ari da Madrileko Unibertsitate Konplutentsean eta Madrileko Unibertsitate Autonomoan. Kulturaren Hiriko II Encontro de Artistas Novos topagunean parte hartu zuen Santiago e Compostelan (2012), eta REAJen MOVIC beka artistikoa jaso zuen. Baterako hainbat erakusketatan hartu du parte azken urteotan, eta zenbait fanzine autoeditatu ditu; horien artean, hainbat kolektiboak dira: PIPAS (2012), La Hoguera (2013), Gabinete del dibujo (2014), Narraciones fragmentadas (2013) eta Madre (2015). Azken horiek Leo Pardo taldeak egin ditu, bere anai-arrebekin batera osatutako taldeak. Autoedizioari buruzko hainbat azoka eta ekitalditan hartu du parte

Elisa pardo Puch (Madrid 1988) es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid (2014) y diplomada en Diseño Gráfico por la Escuela de Arte nº 10 de Madrid (2010), fue becada en la Escuela de Arte Duperré en París (2009).

Actualmente se encuentra terminando el Máster de Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual impartido por la UCM y la UAM. Participó en el II Encontro de Artistas Novos en la Ciudad de la Cultura en Santiago e Compostela (2012) y recibió la beca artística MOVIC de la REAJ (2012). Ha participado en varias exposiciones colectivas en los últimos años y ha autoeditado algunos fanzines, entre ellos varios colectivos: PIPAS (2012), La Hoguera (2013), Gabinete del dibujo (2014), Narraciones fragmentadas (2013) y Madre (2015), estos últimos realizados por el colectivo Leo Pardo, un colectivo con sus hermanos.

Con ellos ha participado en varias ferias y eventos de autoedición como el taller Fanzinerosos de la biblioteca de Bellas Artes de la UCM (2015), Autoedita o Muere (2015 y 2013) MEA 2 (2013), +Papel+, La Trasera, UCM (2013), Papel+, La Trasera, UCM (2012). Trabaja como asistente del colectivo Los Carpinteros desde 2013.

STATEMENT-A I STATEMENT Marrazkiaren eta instalazioaren bidez, eguneroko espazioak berreraikitzen ditut kalean topatzen ditudan objektuak erabiliz, industrialak zein hondakinak horiek; hau da, espazioei eta bertan gertatzen diren ekintzei erreferentzia egiten dieten gauzak erabiltzen

ditut. Gero, manipulatu egiten ditut, beren esanahiak mugituz, eta erabilgarritasunik gabeko objektu anbiguoak sortzen, beste testuinguru batean aurkeztuta horiek. Marrazkiaren errealitatearen eta bizi dugun errealitatearen arteko harremana interesatzen zait, itxura fabrikatu eta industrialean aurkezten denean.

— A través del dibujo y la instalación, reconstruyo espacios cotidianos, utilizando objetos que encuentro en la calle, industriales o de desecho que hacen referencia a espacios y acciones que allí suceden. Posteriormente los manipulo, desplazando sus significados, creando objetos ambiguos sin utilidad al presentarse en un nuevo contexto. Me interesa la relación entre la realidad del dibujo y la realidad que habitamos, cuando se presenta bajo su forma manufacturada e industrial.

de patrones/ diseños para tejido, dibujos geométricos realizados con grafito y acuarela sobre cajas industriales desplegadas.

En este caso, en vez de utilizar un telar para crear el tejido, realizo un patchwork, uniendo fragmentos de bolsas de plástico.

Al igual que las telas que estas mujeres crearon, el resultado es un tejido sin una función concreta, el cual podría formar parte de una silla, ser una alfombra, un tapiz, un toldo…

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PROIEKTUA I PROYECTO Proiektu honetan, plastikozko ehundura sail bat eta horren patroiak aurkezten ditut. 1919. urtearen eta 1933. urtearen artean Bauhauseko emakume askok ehundura-tailerrean egin zuten lanean inspiratuta, ehundurarako patroi/diseinu sail bat egin dut, grafitoarekin eta akuarelarekin kutxa industrial hedagarrien gainean egindako irudi geometrikoak.

Kasu honetan, ehundura sortzeko ehungailua erabili ordez, patchwork bat egin dut, plastikozko poltsen zatiak lotuz.

Emakume horiek sortu zituzten oihalak bezala, eginkizun zehatzik gabeko ehundura izan da emaitza; aulki baten zati izan zitekeen, alfonbra bat, tapiz bat, estalki bat...

— En este proyecto presento un serie de tejidos de plástico y sus patrones. Inspirándome en el trabajo que realizaron muchas mujeres de la Bauhaus entre los años 1919 y 1933 en el taller de tejido, he realizado una serie

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Elisa Pardo Puch

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Lucía Risueño

— Graduada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid en 2013, ha realizado el Máster en Investigación en Arte y Creación entre los años 2013 y 2015, cuyo TFM ha sido publicado por la Sección Departamental de Historia del Arte III de dicha Universidad. Actualmente está terminando el grado en Historia del Arte por la UNED, a la vez que realiza unas prácticas en la Biblioteca Nacional en el proyecto de catalogación y transcripción del legado Barbieri. Ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas, y ha realizado obra gráfica para la película Vivir es fácil con los ojos cerrados de David Trueba. Recientemente también ha publicado un flipbook de imágenes en movimiento conmemorando el ejercicio de Nadia Comaneci en las Olimpiadas de 1976.

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STATEMENT-A I STATEMENT

BIOA I BIO 2013an graduatu zen Arte Ederretan, Madrileko Unibertsitate Konplutentsean. Artea eta Sorkuntza ikerketa masterra egin du 2013. eta 2015. urteen artean, eta aipatu unibertsitateko Artearen Historiaren III. Sailak argitaratu du master amaierako lana. Egun, Artearen Historiaren gradua amaitzen ari da Urrutiko Hezkuntzako Unibertsitate Nazionalean, eta, aldi berean, praktikak egiten ari da Liburutegi Nazionalean, Barbieri legatua katalogatzeko eta transkribatzeko proiektuan. Banakako eta baterako hainbat erakusketatan hartu du parte, eta lan grafikoa egin du David Truebaren Vivir es fácil con los ojos abiertos filmerako. Duela gutxi, mugimenduan dauden irudien flipbook bat argitaratu du, Nadia Comanecik 1976ko Olinpiar Jokoetan egindako lana gogoratzeko.

Tradizioak egun duen zereginari buruz hausnartzen du Lucía Risueñoren lanak, bai eta tradizioarekin eraiki dezakegun elkarrizketari buruz hausnartzen ere, berori eguneratuz, eta, azken urteotan sortu diren irudi kategoria berrien bidez, orainalditik ulertuz. Originaltasun, egiletza edo banakako jenio kontzeptuek zentzua edukitzeari utzi diote Internet osteko garaian, gailu digitalen bidez aurkezten zaigun informazio bisualak gainezka egiten baitu. Horregatik proposatzen du emanda iristen zaigun hori berriro egitea, artelanaren estatusa eta duela gutxi arte bere ikerketaren erdigunean zeuden ideiak zalantzan jartzeko.

— La obra de Lucía Risueño reflexiona sobre el papel que juega la tradición hoy en día, y el diálogo que podemos establecer con ella, actualizándola y comprendiéndola desde el momento presente a través de las nuevas categorías de la imagen surgidas en los últimos años. Conceptos como los de originalidad, autoría o genio individual, dejan de

tener sentido en la era después de Internet, marcada por la sobresaturación de información visual que se nos presenta a través de los dispositivos digitales. Es por eso que se propone una reelaboración de lo que ya nos viene dado para cuestionar el estatus de la obra de arte y las ideas que hasta hace poco eran centrales en su estudio.

PROIEKTUA I PROYECTO Arteko ikaslea naizen heinean sortu da proiektu hau. Hemendik planteatu dizkiot neure buruari arazo jakin batzuk, teknologia berriek irudiaren ekoizpenean eta harreran eragin dituzten aldaketekin zerikusia daukatenak, egiletza, originaltasuna, ugaritasuna edo kopia bezalako kontuak aztertzeko; bai eta kontzeptu horiek gaur egun duten indarraldia aztertzeko ere. Normalean, Internet izaten da artelanak bilatzeko erabiltzen dudan tresna, eta bilaketa horretan erreparatu diot artelanetara iristeko bitarteko horrek duen presentziari.

Hain pertsonala ez den ikuspegi batetik begiratuta, pentsalari eta artista ugari ari dira jorratzen kontu horiek egungo panoraman.

Artelanen argazki-erreprodukzioak agertu zirenetik, irudien azterketa bisuala jorratu du gehiago Artearen Historiak, aurrean dauden objektuena baino. Egitate horrek neurri handian zehaztu du artearekin dugun harremana.

Horregatik sortu da azken urteotan beste diziplina bat, ikerketa bisualena, eta Susan Buck-Morss bezalako egileak ditu buru.

Diziplina horretan, irudiak dagoeneko ez dira objektuen irudikapena edo erreprodukzioa, beren kabuz pentsamendua eragiten duten entitateak dira.

Webak erraz eta berehala hurbiltzen digu garai historiko guztietako informazio kopuru izugarria, eta horrexek eragiten dizkigu arteak egun duen estatusaren inguruko galdera berriak.

Google Irudiak interfazearen eskuzko kopiaren bidez azaltzen dira kontu horiek guztiak, bi garai historiko aurrez aurre jarriz horrela, eta Internetek sormenerako, hedapenerako eta jabetzeko ematen dizkigun aukerak

baliatuz. Pinturaren tradizioa eguneratzea, webaren iragazkiaren bidez iritsiz horrengana, testuingurutik ateraz eta gure lekutik ulertuz.

Marrazketa bezalako teknika tradizionalen bidez berregiten bada artelan bat bilatzen dugunean Googlek zabaltzen digun mosaikoa, originala/kopia, analogikoa/digitala, bakartasuna/errepikapena binomioen arteko jolasa proposatzen da, eta agerian jartzen du horrek zaharkituta geratuko dela irudiaren hierarkia tradizionala Internet osteko garaian.

— Este proyecto surge desde mi posición como estudiante de arte. Es desde aquí que me planteo ciertas problemáticas relacionadas con los cambios que las nuevas tecnologías han provocado en las condiciones de producción y recepción de la imagen, para analizar cuestiones como la autoría, la originalidad, la multiplicidad o la copia, y la vigencia de estos conceptos hoy en día. Es en mi búsqueda de obras de arte que realizo habitualmente utilizando internet como herramienta, cuando reparo en la presencia que ejerce el medio por el que accedo a ellas.

Desde una perspectiva ya menos personal, estas cuestiones están siendo tratadas por un gran número de pensadores y artistas en el panorama actual. Desde la aparición de las reproducciones fotográficas de las obras, la Historia del Arte se ha dedicado más al análisis visual de imágenes que al estudio de objetos presentes, lo que ha determinado en gran medida nuestra relación con el arte. Es por eso que en los últimos años ha surgido una nueva disciplina, la de los estudios visuales, encabezada por autores como Susan Buck-Morss. Desde aquí se trata a las imágenes ya no como representaciones o reproducciones de objetos, sino como entidades que generan pensamiento por sí mismas.

La web nos acerca de forma sencilla e inmediata una cantidad ingente de información de todos los tiempos históricos, y es esto lo que provoca nuevas preguntas sobre el estatus del arte hoy en día.

Todas estas cuestiones se plantean a través

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Lucía Risueño 140

de la copia manual de la interfaz de Google Imágenes, enfrentando así dos tiempos históricos y aprovechando las posibilidades de creación, difusión y apropiación que nos brinda Internet. Actualizar la tradición pictórica accediendo a ella a través del filtro de la web, descontextualizándola y comprendiéndola desde nuestra posición.

La reelaboración a través de técnicas tradicionales como el dibujo del mosaico que nos despliega Google cuando buscamos una obra propone un juego entre original/copia, analógico/digital, unicidad/repetición, que pone en evidencia la obsolescencia de las jerarquías tradicionales de la imagen para la era después de Internet.

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Cristina Santos

2015 de la Academia Albertina de Torino.

Actualmente cursa el Máster de Producción Artística en la UPV y trabaja como diseñadora gráfica. Su investigación se centra en analizar las prácticas contemporáneas del consumo visual a través de Internet, un trabajo surgido desde el cuestionamiento de la pintura que reflexiona sobre la distancia entre el lenguaje, la imagen, y la realidad.

STATEMENT-A I STATEMENT

BIOA I BIO

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Arte Ederretan lizentziatu zen, Valentziako Unibertsitate Politeknikoko San Carlos Fakultatean. Duela gutxi, Luis Adelantado artegaleriaren XVII. International Call-ean, Parés aretoaren eta Trama arte-galeriaren Art<35 BS/2015ean, GetxoArte Praktika Garaikideen aretoan eta Senyera 2015 sarian, pintura modalitatean, hautatu dute. Aipamen berezia egin diote PAM!15en gaurko edizioan, eta Torinoren Albertina akademiaren FISAD 2015ean hartu du parte. Egun, Ekoizpen Artistikoko masterra egiten ari da Valentziako Unibertsitate Politeknikoan, eta diseinatzaile grafikoa da lanbidez.

Internet bidez egiten den kontsumo bisualaren praktika garaikideak aztertzen ari da bere ikerketan. Pintura zalantzan jartzetik sortu zen lan hori, eta hizkuntzaren, irudiaren eta errealitatearen arteko distantziaren gaineko hausnarketa egiten da bertan.

— Es Licenciada en Bellas Artes en la facultad de San Carlos, UPV. Ha sido seleccionada recientemente en el XVII International Call de la Galería Luis Adelantado, en el Art<35 BS/2015 de la Sala Parés y la Galería Trama, en el Salón de prácticas contemporáneas GetxoArte y en el Premio Senyera modalidad pintura 2015. Le ha sido otorgada una mención especial en la actual edición del PAM!15 y ha participado en el FISAD

Munduak benetakoa izateari utzi dio, horren irudia ezarri da. Ukimenezkoa edo oraina izan zenaren aztarna anbiguoa da orain egia.

Pantaila aurrez aurre, murrua, eta ez leihoa.

Irudia azkarra da, ekoizteko erraza, irensteko erraza, irrika, beharra, bertigo metagarria, artxibo-gaitza. Hutsa bilakatzen den gehiegikeria. Ikusleak ez du etenik egiten asperdura-izuaren aurrean. Kitzikapen bisualaren orainaldi etengabean dago harrapatuta, eta, bertan, nekatzen denean, hizkuntza argaldu egiten da, laburtu, zentzua galtzen hasten da eta abstrakziora jotzen du.

Nire lanean, irudiaren erabileraren egiazko baldintzen gaineko hausnarketarako gonbita egiten dut, irudiak jaso duen esanahiaren errepresentaziotik harago. Hondakinaren, gordetzen ez dugun horren, geratzen denaren, soberatu denaren estetikara biltzen dut gogoa. Azelerazio bisualaren denbora pinturaekoizpenarekin alderatuz.

— El mundo ha dejado de ser real, su imagen se ha impuesto. La verdad es ahora huella ambigua de lo que fue táctil, presente. Enfrente la pantalla, el muro y no la ventana.

La imagen es rápida, fácil de producir, fácil de engullir, pulsión, necesidad, vértigo acumulativo, mal de archivo. Un exceso que se vuelve vacío. El espectador ante el horror del aburrimiento no se detiene. Está atrapado en un presente continuo de excitación visual donde, una vez agotado, el lenguaje se adelgaza, se sintetiza, va perdiendo sentido y tiende a la abstracción.

En mi trabajo invito a la reflexión sobre las condiciones reales del uso de la imagen, más allá de la representación del significado que contiene. Centrándome en una suerte de estética del residuo, de todo aquello que no llegamos a retener, de lo que queda, lo que sobra. Comparando el tiempo de aceleración visual con la producción pictórica.

PROIEKTUA I PROYECTO Oihala tenkatzeko bastidore-euskarriaren egiturak dagoeneko ez dio eusten #Pinturagaraikideari. Ezta pintura aspalditik hedatzen duen espazioak ere. Funtsean, ez dio ukigarria den zerbaitek eusten.

Egunero, fisikoki begiratu ahalko litzatekeena baino askoz ere pintura eta arte kopuru handiagoa kontsumitzen da birtualki. Erakusketagune berriak dira Instagram, Tumblr, Pinterest eta Facebook, eta, horietan, beren obraren edo beste batzuen obraren irudiak bilatzen eta argitaratzen dituzte artistek, galeristek, komisarioek...

Pinturari ez zaio nahikoa fisikoki izatea, egileari edo ikusleari ez zaio nahikoa lanaren azaletik zentimetro gutxira kokatzea. Esperientzia hori Interneten partekatu ezean, testuinguru horretan audientziarik eduki ezean, ez da artea, ez da pintura, ez da.

Bere irudira bertara biltzen da pintura, jpg formatuko bere doblera. Aldi berean desagertu egiten da, ordea, doble hori; ez baitu hitz gakoen edo hashtag-en oinarri tinkorik, #artegaraikidearen erakusketa-gunean kokatzeaz gain, gainazalean denbora gehiagoz egotea ahalbidetuko dionik, hondoratu eta hondorik gabeko putzu birtualean galdu aurretik.

— Lo que sostiene a la #Pinturacontemporanea, no es ya la estructura tradicional del bastidor sobre el que se tensa el lienzo.

Tampoco lo es el espacio por el que hace ya mucho tiempo se extiende la pintura. No es, en esencia, algo tangible.

A diario, se consume virtualmente una

cantidad de pintura, y de arte en general, muy superior a la que se podría presenciar físicamente. Los nuevos espacios expositivos son Instagram, Tumblr, Pinterest, Facebook, en los que tanto artistas, galeristas, comisarios... buscan y publican ellos mismos imágenes de su obra, o de la obra de otros.

No le basta a la pintura con ser físicamente, no le basta al autor o al espectador situarse a escasos centímetros de su piel. Si no se comparte ésa experiencia en internet, si en este contexto no tiene audiencia, no es arte, no es pintura, no existe.

La pintura se reduce a su propia imagen, a su doble en jpg. Un doble que a su vez desaparece sin una base firme de palabras clave, hashtags, que lo sitúan en ese espacio expositivo del #artecontemporaneo y que permiten que se mantenga en la superficie más tiempo, antes de que se hunda y se pierda en el pozo sin fondo virtual.

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Cristina Santos

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Saúl Sellés

Madrilen, Valentzian, Alacanten, Murtzian, Bilbon eta Mexiko DFn erakutsi du bere obra, eta honako ekitaldi hauetan aritu da: JustMad 6, MUA, MACA, Mr. Pink arte-galeria, besteak beste. A Quemarropa egoitzen kudeaketarekin eta koordinazioarekin uztartzen du bere obraekoizpena.

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BIOA I BIO Saúl Sellés artista plastikoa da, eta Alacanten bizi da. Arte Ederretan dago lizentziatuta (Miguel Hernández Unibertsitatea), eta Fórmula Santander beka jaso zuen. Horrekin, Mexiko DF hirian osatu ahal izan zituen ikasketak, Mexikoko Unibertsitate Nazional Autonomoan.

Gero, Puenting III beka jaso zuen, eta, horrekin, El luchador proiektua (2014: Mustang Art Gallery, Elche) egin zuen. Bestetik, praktikak egiteko bekaduna izan zen, Miguel Hernández Unibertsitateko Sailaren barruan ikerketa sustatzeko. Eremu akademikotik kanpo, IV. Encontros de Artistas Novos-en hautatu zuten (2014: Cidade da Cultura, Santiago de Compostela), eta Ros Aguilar fundazioak, Juan Gil Albert institutuak eta Bullaseko Udalak erosi dute bere lana, besteren artean.

Saúl Sellés es un artista plástico con residencia en Alicante, Licenciado en Bellas Artes (UMH), fue becado con la Beca Fórmula Santander que le valió para complementar sus estudios en la ciudad de México DF por la UNAM. Posteriormente fue galardonado con la Beca Puenting III con la que realizó su proyecto El Luchador (2014: Mustang Art Gallery, Elche) además de ser becario para la realización de prácticas para fomentar la investigación dentro del Departamento de Arte de la UMH. Fuera del ámbito académico ha sido seleccionado por los Encontros de Artistas Novos IV (2014: Cidade da Cultura, Santiago de Compostela), su obra ha sido adquirida por la Fundación Ros Aguilar, Instituto Juan Gil Albert y el Ayuntamiento de Bullas entre otros. Su obra ha sido expuesta en Madrid, Valencia, Alicante, Murcia, Bilbao, México DF y ha actuado en eventos tales como: JustMad 6, MUA, MACA, Galería Mr. Pink entre otros. Compagina su producción de obra con la gestión y coordinación de Residencias A Quemarropa.

STATEMENT-A I STATEMENT Kirolaren eremua jorratzen dute nire ikerketak eta ekoizpen artistikoak, lehia ikuskizun gisa. Lehiatik abiatuta, paralelismoak eta antzekotasunak sortu nahi ditut artearen munduaren eta kirol-lehiaren artean.

Performancearen garapenean zentratuta, proiektu bakoitzean egindako ekintzen ikerketa eta diseinua da nire ekoizpena; izan entrenamenduko ariketa funtzionalak, izan pole dance, kalistenia edo yoga bezalako diziplinen ikaskuntza eta entrenamendua, eta, gero, mintzaira gisa erabiltzen ditut horiek

nire performanceetan. Nire lanean etengabe erabiltzen dut lehia hitza, eta, horrekin, borrokaren aurrean dudan jarrera ezagutarazten da, bai eta porrotaren presio etengabearen eta porrotaren beraren aurrean dudana ere.

Ondorioz, porrotaz lehenengo pertsonan aritzeko diskurtsoa sortzen dut. Bestetik, nire lan plastikoenak kirol-hizkera erabiltzen du, burututako ekintzen eta ohiko erakusketaguneen artean loturak sortzeko eta indartzeko xedez.

— Mi investigación y producción artística reside en el campo del deporte y la competición como espectáculo. A partir de ésta busco generar diferentes paralelismos y símiles entre el mundo del arte y la competición deportiva. Centrado en el desarrollo de la performance, mi producción nace como el estudio y diseño de las acciones realizadas en cada proyecto; ya sean ejercicios funcionales de entrenamiento, como el aprendizaje y entreno de disciplinas como el Pole Dance, Calistenia, Yoga… que posteriormente empleo como lenguaje en mis performances.

El uso insistente en mi obra de la palabra competición da a conocer mi posicionamiento ante la lucha y la continua presión por el fracaso y la derrota, esto hace que elabore un discurso donde hablo de la derrota en primera persona. Por otra parte mi obra más plástica usa del lenguaje deportivo para crear y fortalecer los lazos entre las acciones llevadas a cabo y el espacio expositivo al uso.

PROIEKTUA I PROYECTO Doble Protect Kirolerako eta entrenamendurako espazio kodean pentsatutako proiektua. Entrenatzen eta giharrak indartzen jarraitzeko gimnasio artistikoa eratu nahi du Doble Protect proiektuak ohiko erakusketa-gunean (kasu honetan, 8 metro karratuko espazioetan).

Betiereko entrenamendua balitz bezala, pres-

tatzen jarraitzen du artistak, ikusgarritasuna eta arrakasta artistikoa eskuratzeko borrokan.

Horrelaxe taxutu du GETXOARTEn erakutsiko dudan obra. PVCzko egitura bat da, kalisteniaparke txiki baten modukoa, eta artistaren zenbait artelan erakutsiko dira bertan. Kasu honetan, margotutako olana batzuk dira, eta moto-kasko batzuk ikus daitezke horietan.

Babesaren iruditzat erabili dira kaskoak obra honetan, modu zehatzean gehiago, moto-lasterketetan diren bezain erabilgarri. Istripuetatik, abiadura handietatik eta zerbitzatzen duten arriskugarritasunetik defenditzeko eta babesteko balio diete objektu horiek lehiakideei, baina babes horren mendekotasuna eragiten diete, bizi-asegurua balira bezala.

Horretarako, babes artistiko gisara erabiltzen dut kaskoa.

Erakusketa-gunean egin dut horren irudikapena, edozelako erabilgarritasuna kenduta, arterako defentsa-itxura emanez. Artearen munduan arrakastara eta handitasunera iristeko asmoz egiten den hiltzerainoko lasterketa, arrakasta jarraitua edukitzetik haragoko muga hori, porrotaren eta erorketaren mehatxua atzean duela beti, bai eta istripuaren ondoriozko porrotaren, lasterketa txar baten, eraso txar baten edo defentsa txar baten mehatxua eduki ere.

Kirolaren munduan (diziplina ezberdinen maizko praktikatzailea naizen heinean) zein artearen munduan eta nire bizi-esperientzian aurrez aurre ditudan kezkak islatzen ditu obra honek. Hobetzeko ahalegin etengabea, eta, asfalto gainera erortzea eta gure osotasunari kalte egitea saiheste aldera, sortu behar ditugun babes ezberdinak.

— Doble Protect Proyecto pensado en clave de espacio para el deporte y el entreno. Doble Protect busca del espacio expositivo al uso (en este caso los espacios de 8 metros cuadrados) para generar una gimnasio artístico donde seguir entrenando y fortaleciendo los músculos.

Como en un eterno entreno, el artista sigue formándose y luchando por la visibilidad y

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Saúl Sellés

éxito artístico. Es así como planteo la obra a exponer en GETXOARTE, una estructura de PVC a modo de pequeño parque de calistenia, sobre él que se expone y exhiben varías obras del artista, en este caso unos lonas pintadas donde se pueden apreciar varios cascos de motocicleta.

Esta obra utiliza los cascos como imagen de protección, más en concreto como útil en las carreras de motos. Estos objetos sirven al competidor como defensa y protección de un accidente, las altas velocidades y la peligrosidad a la que sirven hacen depender de esta protección como modo de seguro vital.

Para ello, me sirvo del casco a modo de

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protección artística, la representación del mismo en un espacio expositivo desprovisto de la total utilidad, dotándole de un aspecto defensivo para el propio arte. La carrera a muerte por llegar al éxito y la gloria en el mundo del arte, meta más allá que el éxito continuo, acechado siempre por el fracaso y la caída, la derrota por el accidente, una mala carrera, un mal ataque o una mala defensa.

Esta obra plasma las inquietudes a las que me afronto tanto en el mundo del deporte (como practicante asiduo de diferentes disciplinas) como en el mundo del arte y en mi experiencia vital. El continuo esfuerzo por mejorar, y las diferentes protecciones que debemos de crearnos para no caer en el asfalto y dañar nuestra integridad.

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Cristóbal Tabares BIOA I BIO

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Cristóbal Tabares (Tenerife 1984) Arte Ederretan lizentziatu zen La Laguna Unibertsitatean, eta masterra dauka Artea, Lurraldea eta Paisaian. Galiziako II Encontro de Artistas Novos en la Ciudad de la Cultura-rako hautatu zuten, baita Gaztela Leongo Artisten I. topaketarako ere, eta “Plastikoa” proiektuarekin hautatu zuten Art RoomFair #2 y #4-rako (Madril), Ikas-Arterako (Bilbo), Alberto estudiorako (Lugo) eta Art Miamirako, DillonGallery-rekin (New York). Baterako erakusketetan hartu du parte; hala nola, “Maskaren jokoa” erakusketan TEAn eta La Regentan, Movember-en, TheVyner Studio Gallery-n (Londresen), “In medias res” erakusketan Kanarietako Arkitektoen Elkargo Ofizialean edo “Plastikoa” erakusketan Tenerifeko Arte Ederren Zirkuluan eta Kanarietako Artearen eta Paisaiaren biurteko azokan eta “Negutegiko dotoreena” erakusketan Granadan, Shakespeare&cía, San Chinarro kultura-zentroan. La Casa Encendidaren “Tximinia” proiektuan parte hartu du.

Hauek izan dira banakako erakusketak: “Artxipelago” proiektua La Lagunako Ateneoan eta “XIN XIN” proiektua Metro arte-galerian izan dira. Orain Liberté, Egalité, Varieté ari da prestatzen Santa Cruz Tenerifekoko La Recova aretoan.

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Cristóbal Tabares (Tenerife 1984) Licenciado en Bellas Artes y Máster en Arte, Territorio y Paisaje por la Universidad de La Laguna. Seleccionado para el II Encontro de Artistas Novos en la Ciudad de la Cultura de Galicia, el I Encuentro de artistas de Castilla y León, con el proyecto “Plástico” para Art RoomFair #2 y #4, (Madrid), IkasArt (Bilbao), Estudio Aberto (Lugo), Art Miami, con DillonGallery (Nueva York). Ha participado en exposiciones colectivas como “Juego de máscaras” en TEA y La Regenta, Movember, TheVyner Studio Gallery (Londres) , “In medias res” Colegio Oficial de Arquitectos de Canarias o “Plástico” en el Círculo de Bellas artes de Tenerife y en la Bienal de Arte y Paisaje de Canarias y “La más elegante del invernadero” en Granada, Shakespeare&cía, en el centro cultural San Chinarro. Ha participado en el proyecto “Chimenea” de La Casa Encendida.

“Archipiélago” en el Ateneo de La Laguna y “XIN XIN” en la Galeria Metro han sido sus exposiciones individuales. Ahora prepara Liberté, Egalité, Varieté en la Sala La Recova de Santa Cruz de Tenerife.

STATEMENT-A I STATEMENT Plastikoa dena, objektua dena eta faltsua dena konbinatu egiten dira eta nire jomuga bihurtzen.

Gaurkotasunaren isla direla onartzen dugu, eta horien bilakaera gure errealitate nola bihurtzen den ikusten.

Hedapen asiarra harrapatzen / aztertzen / islatzen dut, baita bertako fetitxeak ere, edota hedapen asiarrak gure hirietan egin duen finkapena ere, eta agertoki faltsuen eta plastikozko identitatearen jatorritzat hartzen dut hori.

Ikono eta jokamoldeen eredu berrien berehalako fenomenoa. Hainbat belaunaldiren iruditegiaren zati diren uneen eta pertsonaien katalogoa. 15 minutuko ospea olio-pinturan islatuta.

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Lo plástico, el objeto, lo falso, se combinan y se convierten en mi punto de mira. Asumimos que son el reflejo de la actualidad y vemos cómo su evolución se convierte en nuestra realidad.

amaigabea islatzeko. Arrakasta iragankorra izan duten pertsonaiek osatzen dute iruditegi hori, eta telebistako prime time saioek edota sare sozialetako irudi-kontsumoak eman die 15 minutu “warholdarreko” ospea.

Me interesa la sociedad de consumo, dependiente y seguidora de mundos artificiales que son venerados por permitir una felicidad comprada. Sigo a estos santuarios cotidianos que se presentan como bodegones actuales y plasman escenas en donde las gasolineras se convierten en las nuevas catedrales. La costumbre se convierte en obra.

Idoloa bufoi eta bufoia begiratzen dutenen eta begiratzen direnen arteko ispiluzko errealitatearen subjektu antolatzaile. Pertsonaiaren itxuragabekeria edo duintasuna. Erretratuen galeria sortzea bulego eran, formatu ezberdinetan, egungo irudi eta idoloetatik abiatuta, egun bateko loreak, pertsonaia eroriak, azoka txikiko divak, abesti arineko izar handiak... masen dibertimendua edo garai bateko ikonoak. Irrealtasunean oinarritutako konstelazio surrealista, eta nola etorri zaigun hori, abisatu gabe, hemen geratzeko. Era berean, gaurko esentzia erradikalerako bidaia da proposamen hau, modu hurbilean, freskoan, librean eta ezagut daitekeenean adierazitako sintesia.

Klik! Eta izan dezagun arrakasta!

Capto/ Analizo/ Plasmo la expansión asiática, sus fetiches y su asentamiento en nuestras ciudades como origen de escenarios falsos y de una identidad de plástico.

Creo estampas territoriales como acotaciones de los espacios del artificio. Busco en el territorio sus límites y coloco lo cotidiano en islas urbanas.

El fenómeno inmediato de los nuevos iconos y modelos de conducta. El catálogo de momentos y personajes que han forman parte del imaginario de varias generaciones.

15 minutos de fama plasmados en óleo.

PROIEKTUA I PROYECTO MISIELO Egile gisa dudan nolabaiteko eutsi ezinetik sortu da proiektu hau, nik neure buruari ezarri diodan behar batekin loturik; hau da, pertsonen aitortza eta memoria kolektibo berriena osatzen duten gertaerak azpimarratzeko beharrarekin loturik. Hautatutako pertsonaien katalogoa eratzea da ideia. Horietako batzuk, guk geuk, like baten bidez, ikono bihurtu ditugun bat-bateko fenomenoak izateagatik hautatu ditut, eta, beste batzuk, hain zuzen ere, antiheroiak izateagatik, hain beharrezkoak eta garaileak horiek. Kontrapuntua lortzen da horrela, maitatzeko eta gorrotatzeko erreferenteak azkar eskatzen dituen gizarte jatun

— MISIELO Este proyecto surge de cierta incontinencia como autor, unido además, a la necesidad autoimpuesta de poner el acento en el reconocimiento de personas y acontecimiento que forman y conforman la memoria colectiva más recientes. La idea es configurar un catálogo de personajes seleccionados, algunos, por ser fenómenos instantáneos que nosotros mismos hemos convertido en iconos a golpe de “like”; y otros, por ser precisamente unos antihéroes tan necesarios como los triunfadores, contrapunto en los que se refleja una sociedad voraz que demanda rápido referentes a los que amar y odiar. Este imaginario lo constituyen personajes de éxito efímera cuyos 15 minutos “warholianos” de fama han sido otorgado por el prime time de programas de televisión o el consumo de imágenes en redes sociales.

El ídolo como bufón y el bufón como sujeto articulador de una realidad de espejos entre quienes miran y son mirados. El esperpento o la dignidad del personaje.

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Cristóbal Tabares 152

Este proyecto busca crear una galería de retratos en forma de gabinete, en diferentes formatos, a partir de las imágenes de ídolos actuales, flores de un día, personajes decadentes, divas de mercadillo, grandes estrellas de la canción ligera... divertimentos de masas o iconos de una época. Una suerte de constelación surrealista basada en la irrealidad y cómo esta se ha presentado sin avisar para quedarse. Esta propuesta, así mismo, constituye un viaje a la esencia radical de hoy en día, una síntesis expresada de una forma cercana, fresca, libre y reconocible. ¡Click! Y a triunfar!

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Álvaro Talavera

aukera izan du: Circumstance, Bill Balaskas, Franck Leibovici, Mattin, Espada eta Monleón, Carole Douillard, Teresa Margolles, Adrian Dan, John Richards (Dirty Electronics), Weiwei Jin (Double Wei Factory) eta Los Torreznos, besteak beste.

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BIOA I BIO Álvaro Talavera (Murtzia, 1992) Arte Ederretan graduduna da, Madrilgo Complutense Unibertsitatean, eta Ikerketa eta Sormena Artean Masterra egiten ari da Euskal Herriko Unibertsitatean. BilbaoArte Fundazioak eta Dados Negros Holografia eta Arteen Zentroak beka ematen diote; Campus Sonoro soinu-artearen inguruko hitzaldi eta tailerren zikloa berriki komisariatu du Euskal Herriko Unibertsitatean, eta Párraga Zentroan (Murtzia, 2015) eta Bronx Museum of the Arts museoan (New York, 2014) jarri ditu bere obrak ikusgai. 2013 eta 2015 urteen artean, Bluecoat, Liverpool Biennial 2014 eta Dos de Mayo Artearen Zentroan (CA2M) lan egin du.

Horri esker, hainbat artistarekin lan egiteko

Álvaro Talavera (Murcia, 1992) es graduado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, y realiza un máster en Investigación y Creación en Arte en la Universidad del País Vasco. Está becado por la Fundación Bilbao Arte y por el Centro de Holografía y Artes Dados Negros; ha comisariado recientemente el ciclo de conferencias y talleres de arte sonoro Campus Sonoro en la Universidad del País Vasco, y ha expuesto en el Centro Párraga (Murcia, 2015) y en el Bronx Museum of the Arts (Nueva York, 2014). Entre 2013 y 2015 ha trabajado en el Bluecoat, en la Liverpool Biennial 2014 y en el CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, lo que le ha llevado a colaborar con artistas como Circumstance, Bill Balaskas, Franck Leibovici, Mattin, Espada y Monleón, Carole Douillard, Teresa Margolles, Adrian Dan, John Richards (Dirty Electronics), Weiwei Jin (Double Wei Factory) y Los Torreznos, entre otros.

STATEMENT-A I STATEMENT Bere askotariko ibilbide artistikoan zehar, Talaverak aktibotasunaren eta pasibotasunaren muga zehazgaitza esploratzen jardun du, ekintza batean inkontzienteki parte hartzen den egoeran arreta jarriz. Bere proiektu askok parte hartzeko bide-sorta bat ahalbidetzen dute, askotan arauz edo ohituraz ezarritako arauetatik kanpo daudenak. Alde batetik, bere lanak orainaren hausnarketa kritikoa egiteko espazioa sortu nahi du; beste alde batetik, nebulosa bat proposatzen du, ziurgabetasun eta nahasketa egoera, non publikoa pasibotasunaren edozein nozioren kontra borrokatzen den.

— A lo largo de su variada trayectoria artística, Talavera se ha centrado en la exploración de la difusa línea fronteriza entre lo activo y lo pasivo, incidiendo en aquella condición en la que se toma parte en una acción de manera inconsciente. Muchos de sus proyectos ponen en juego una serie de canales de participación que a menudo derivan de las reglas establecidas por norma o por costumbre. Por un lado, su trabajo pretende generar un espacio de reflexión crítica del presente; y, por otro, propone una nebulosa, un estado de incertidumbre y confusión donde el público lucha contra cualquier noción de pasividad.

PROIEKTUA I PROYECTO Gugandik hurbilen dagoen ingurua askotariko gehigarri eta osagarriz eratuta dago, gizartearen oinarrizko ondasun eta mendekotasunen zati handia ezagutzera ematen dutenak: aire egokituko gailuak, antenak, telekomunikaziozerbitzuetarako ohiko azpiegiturak, kable elektrikoak, hodiak... Agertu zirenetik, batez ere XX. mendearen erdialdean, eraikinetako fatxadetan instalazio hauek jartzea etxebizitza egokitzen duen praktika sozial berri bihurtu da, barrutik (bizitzeko prestatzen) zein kanpotik (esku hartzen).

Getxoarte 2016 programaren ustez, Talaverak herritarren esku-hartze hori dokumentatzen duen dokumentu fotografikoa aurkezten du.

Espazio publikoan esku-hartze pasiboa egiten duena, non banakakoak eta kolektiboak zeregin nagusia duten. Bilbo, Liverpool, Oporto eta Madrilgo fatxada ugarien bidez, proiektuak praktika sozial mota hauek eragiten duten kutsadura bisuala jakitera ematen du. Izan ere, praktika horiek, guztiz kontzienteak ez badira ere, gizarteko klase guztietan errotuta daude. Talaverak agerian uzten du eta aditzera ematen du elementu horiek eraikinetako kanpoko konfigurazioa aldatzen dutela eta arkitektoen lana hondatzen dutela. Hori guztia

egia ez ezik, agerikoa ere badela frogatu eta erakusten du.

— Nuestro entorno más inmediato está compuesto por todo un conjunto de añadiduras y accesorios diversos que en primera instancia revelan una buena parte de las pertenencias y dependencias más básicas de la sociedad: aparatos de aire acondicionado, antenas, infraestructuras comunes para el acceso a los servicios de telecomunicación, cableado eléctrico, tuberías... Desde su aparición, sobre todo a mediados del siglo XX, el emplazamiento de estas instalaciones en las fachadas de los edificios se ha convertido en una nueva práctica social que acondiciona la vivienda, tanto por dentro (preparándola para ser habitada), como por fuera (interviniéndola).

Para Getxoarte 2016, Talavera presenta un proyecto fotográfico que documenta esa intervención ciudadana; una intervención pasiva en el espacio público en la que lo individual y lo colectivo desempeñan un papel central. A través de múltiples fachadas de Bilbao, Liverpool, Oporto y Madrid, el proyecto pone de relieve la contaminación visual causada por este tipo de prácticas sociales que, sin ser del todo conscientes, se encuentran consolidadas en todas las clases de la sociedad; hace patente y manifiesta la certeza de que dichos elementos alteran la configuración externa de los edificios y echan por tierra el trabajo de los arquitectos; prueba y muestra que no solo es cierto, sino claro.

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Ă lvaro Talavera

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Iñigo Varona Sánchez

berean eman zioten graduondokoaren titulua, Artea eta Funtzioa zeramikako masterrean (2014).

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BIOA I BIO Bilbon bizi da, eta bertan egiten du lan.

Doktoregaia da Arte Ederretan, UPV-EHUn. Pedro Tejada Sorlekua sorkuntza-gunea sortu zuen 2015eko azaroan, Luis Alciturri eta Nerea Beriainekin batera. Pedro Tejadaren Ontzia proiektua egin zuen UrbanBat 2015ean, eta saritu egin zuten, IdeiakMartxan-en Buztin Kulturak (2015) eta Bilbao Art District-en IngelesenLandakoGarraioak (2015) proiektuak egiteko. “Lurraldea zapalduz” proiektua izan zen master amaierako lana, eta UPV-EHUko Leioako Arte Ederren Fakultatean aurkeztu zuen (2014). Valladolideko Arte Eskolan hasi zuen arte-trebakuntza, Arte Plastikoak eta Diseinua Eskulturan Aplikatutako Arteetan, goi-mailako teknikari gisa (2009). Salamancako Arte Ederren Fakultatean jarraitu zituen ikasketak, eta, gero, Arte Ederretan lizentziatu zen, eskulturan espezializatuz, Leioako Arte Ederren Fakultatean (UPV-EHU). Zentro

Vive y trabaja en Bilbao. Doctorando en Bellas Artes por la UPV-EHU. Fundador del espacio creativo Pedro Tejada Sorlekua en noviembre del 2015 junto a Luis Alciturri y Nerea Beriain. Ha llevado a cabo proyectos como La Nave de Pedro Tejada en el UrbanBat 2015, premiado para la realización de los proyectos como Culturas de Barro (2015) en IdeiakMartxan, IngelesenLandakoGarraioak en Bilbao Art District (2015). “Pisando el territorio” proyecto fin de máster presentado en la facultad de Bellas Artes de Leioa UPV-EHU (2014). Su formación en arte comienza en la Escuela de Arte de Valladolid como Técnico Superior de Artes Plásticas y Diseño en Artes Aplicadas de la Escultura (2009). Continuó sus estudios en la Facultad de Bellas Artes de Salamanca y posteriormente se licenció en Bellas Artes, especializándose en escultura, en la Facultad de Bellas Artes de Leioa (UPV-EHU). Titulado de postgrado en el mismo centro con el Máster en cerámica: Arte y función (2014).

STATEMENT-A I STATEMENT Arkitekturekin, hondarrekin, hiriarekin, hirigintzarekin, memoriarekin lotutakoa zulatu, eraiki, berreskuratu eta ikertu. Etengabea da hori nire egungo lanean. Eskultura nozio berria, aztertu dudan eremua, lurralde urbanoak edo horien periferia hartzen dituena.

Mendian zuloa eginez hasi zen abiapuntua, hondakin bat atera nuenean lurpetik, tokia itxuraldatuz, baina ez berori berreraikiz edo birsortuz; lan-prozesu luze dinamiko eta aldakortzat hartzen dut proiektua, bere konplexutasunean. Memoria eta historia zama handia dauka. Ikertu eta auzotarrekin hitz egin ondoren jakin nuen auto-eraikitako auzune batenak zirela arrasto horiek, 40. hamarkadan sortutakoa hori, desarrollismo bilbotarraren ondorioz.

Eszenatoki berria, mende hasierako pabilioi abandonatua, nortasun handiko beste eraikin batzuekin batera, kale batean, narriatuta, instituzioak noiz eraitsiko zain. Nire tailer bihurtu da, bete egin dut, eraiki eta zaharberritu, eta, aldi berean, tailerrak eratzen dituen arkitekturak eta paisaia aztertzen eta erregistratzen ditut, nire praxi artistikoaren eta dokumentazioaren bidez.

— Cavar, construir, recuperar, investigar, relacionado con arquitecturas, ruinas, ciudad, urbanismo, memoria, es una constante en mi trabajo actual. Una nueva noción de escultur, que expande mi campo analizado territorios urbanos o su periferia.

El punto de partida comenzó cavando en el monte, desenterrando una ruina, reconfigurando un lugar, no reconstruirlo o recrearlo; entendiendo el proyecto en su complejidad como un proceso de trabajo largo dinámico y cambiante. El componente de memoria e historia es fuerte, esos vestigios tras investigar y hablar con los vecinos eran de una barriada autoconstruida surgida en los años 40 debido al desarrollismo bilbaíno.

Un nuevo escenario, un pabellón de principios de siglo abandonado, en una calle con otros edificios con gran identidad, degradados a la espera de ser derribados por la institución. Se convierte en mi taller, lo habito, construyo y restauro, a la par que estudio y registro las arquitecturas y el paisaje que generan, a través de mi praxis artística y documentación.

PROIEKTUA I PROYECTO PARTICULAR DEL NORTE Hiri-memoriaren egiturak Particular del Norte kaleari (Abando, Bilbo) lotutako ikerketa-proiektu teoriko-plastikoaren zati da lan hau. Pasa den mendean sortu zen aipatu kalea, merkataritzaren eta trenaren bidezko merkantzia-garraioaren inguruan.

Kalean zehar altxatzen diren pabilioiak eta horiek eratzen duten paisaia dira ikerketaren xedea. Pabilioi horietako batean, olioen eta likoreen antzinako biltegia dago, duela bi urtetik estudio-tailer gisa erabiltzen dudana.

Hiri-eraldaketarako eta iraganeko aztarnen (industrialak, merkataritzakoak, langileenak) suntsiketa programaturako politika dela-eta, aipatu arkitekturen eta horien arkitekturaelementu gehigarrien eskalazko erregistroa egin dut zeramikaz. Etorkizuneko belaunaldiek, artearen bidez, hiriaren historia iker eta ezagut dezaten lekuko izateko balioko du erregistro horrek.

— PARTICULAR DEL NORTE Estructuras de memoria urbana Esta obra forma parte del proyecto de investigación teórico- plástico vinculado a la calle Particular del Norte (Bilbao- Abando), surgida en el pasado siglo en torno al comercio y transporte de mercancías, a través del ferrocarril. Son los pabellones que se erigen a lo largo de la calle y el paisaje que conforman, el objeto de estudio. En uno de ellos se ubica un antiguo almacén de Aceites y Licores, que uso como estudio-taller desde hace dos años.

Debido a la política de transformación urbana y la destrucción programada de los vestigios del pasado (industrial-comercialobrero), el registro en cerámica a escala de estas arquitecturas y parte de sus elementos extra arquitectónicos, servirá de testigo para el estudio y conocimiento de la historia urbana, a través del arte por las generaciones futuras.

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IĂąigo Varona SĂĄnchez

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Iratxe Yáñez

participado en varias exposiciones colectivas, como en Ikas-Art 2010 y en la exposición Gorantz en la Galería Windsor Kulturgintza en 2012. A su vez ha sido premiada con el segundo premio en el XXIII Concurso de ideas para la realización de un múltiple fin de año UPV/EHU. Ha sido participado en dos ediciones de Arteshop Bilbao, quedando finalista en la edición del 2013 con su intervención en un espacio comercial.

También ha participado con la comunicación titulada “De la fotografía a la pintura” en el I. Congreso Internacional Arte, Memoria y Democracia, Bilbao, Gernika-Lumo. En éste último año 2014 ha participado en el Festival Embarrat (Tárrega). Actualmente se encuentra desarrollando lo que será su tesis doctoral, dentro del programa doctoral Investigación en Arte Contemporáneo EHU/ UPV.

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Iratxe Yañez artista plastikoa Bilbon bizi da, eta bertan egiten du lan. Arte Ederretan lizentziatu zen Euskal Herriko Unibertsitatean (2010), eta Artearen Ikerketa eta Sorkuntza masterra egin du UPV/EHUn (2013). Baterako hainbat erakusketatan hartu du parte; hala nola, Ikas-Arten (2010) eta Windsor Kulturgintza arte-galeriaren Gorantz erakusketan (2012). Era berean, bigarren saria eman zioten Ideien XXIII. lehiaketan, UPV/EHUn ikasturte amaiera anizkuna egin zezan.

Arteshop Bilboren bi ediziotan hartu du parte, eta finalista geratu zen 2013ko edizioan, merkataritza-espazio batean egindako jarduerarekin. Bestetik, “Argazkigintzatik pinturara” komunikazioarekin ere parte hartu du Artea, Memoria eta Demokraziari buruzko Nazioarteko I. biltzarrean, Bilbon, GernikaLumon. 2014an, Embarrat jaialdian (Tarrega) hartu zuen parte. Egun, bere doktoretza tesia izango dena garatzen ari da, EHU/UPVko Arte Garaikidearen Ikerketa doktoretza programaren barruan.

STATEMENT-A I STATEMENT

—

Mi trabajo se centra en el campo experimental de la pintura y tiene como origen el propio proceso del sujeto creador. Mi práctica experimental como artista plástica parte de imágenes fotográficas como excusa de creación. Encontramos imágenes fílmicas, como imágenes fotográficas personales

Iratxe Yañez artista plástica vive y trabaja en Bilbao. Es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco (2010) y ha realizado el Máster en Investigación y Creación en Arte por la UPV/EHU (2013). Ha

Pinturaren eremu esperimentalean dago oinarrituta nire lana, eta subjektu sortzailearen prozesua bera du jatorri. Nire praktika esperimentala, artista plastikoa naizen heinean, argazki-irudietatik abiatzen da, sormenerako aitzakia gisa. Film-irudiak aurki ditzakegu, hala nola, argazki-irudi pertsonalak eta nire iruditeriari atxikitako irudiak, memoria partikularra osatzen dutenak horiek.

Abiapuntutzat erabiltzen dut argazki-irudia, bere narratibaz gabetzeko gero, eta, horrela, bere plastikan zentratu ahal izateko. Sormen prozesuaren bidez, irudiaren jatorrizko adierazleak galtzen dira; jatorrizko irudiarekin, irudiaren memoriarekin, erreferentzia ikusgarri edo ageriko oro galtzen da, eta, horrela, bere presentzia hartzen du objektu plastikoak.

—

e imágenes pertenecientes al imaginario propio, que son constituyentes de una memoria particular.

Utilizo la imagen fotográfica como punto de partida, para después despojarla de su narrativa y así poder centrarnos en su plástica. Mediante el proceso creativo se pierden los significantes originales de la imagen, se pierde toda referencia visible o aparente con la imagen original, con la memoria de la imagen, y así , este objeto plástico va cobrando presencia propia.

PROIEKTUA I PROYECTO Lera hitzak gaztelaniazko trineo esan nahi du euskaraz. Mailegu erromanikoa da, irrist egiteko ekintzari egiten diona erreferentzia.

Proiektu honek hitz hori hartu du izenburutzat, bertan ikusten baitut islatuta pintura-egintzan ere gertatzen den labaintzearen ekintza.

Bestetik, izenburu hori hautatu dut, proiektu honen pintura-egintza ahalbidetu duten irudiek, pinturaren irristadura-egoera leherrarazten duten irudiek, etxeko bideo batean dutelako jatorria, eta, eski pista batean behera doan lera ikus daitekeelako bertan.

Gropo kamera batekin hartu ziren irudiok.

Kamera horrek, duen ikusmen-gaitasun apartaz gain, begien gainean eraman ahal izateko berezitasuna dauka. Horrela, buruaren mugimenduak zuzentzen ditu grabatzen dituen irudiak, eta ematen dituen irudiak modu zuhurragoan hurbiltzen zaizkio begirada batek une berean jaso ditzakeen plano ezberdinei.

Horrekin, bizipena modu fede-emaileagoan adieraz dezaketen planoen irudiak atera ditzaket. Irudi horietan jasotakotik abiatzen den sormen-prozesua ahalbidetzen da horrela. Gero, irudi horiek manipulatuz eta plano ezberdinak moztuz eta itsatsiz, mundua lera batetik nolakoa ikusi nuen islatuko duen pintura sortzera irits naiteke.

Suitzako mendietara egindako hamar eguneko bidaian zentzumenezko esperientzia bizi ondoren, etxera iritsi eta bidaian jasotako material filmiko eta fotografiko guztia ordenatzen du batek. Eta bidaia osoan zehar sentitu duen

beharra sentitzen du. Margotzeko beharra.

Mundua ikusteko moduak erakusten dituen proposamen piktorikoa baino ez da proiektu hau.

— Lera es la palabra en euskera que define trineo. Un préstamo románico, que hace referencia a la acción de resbalar. Este proyecto coge esta palabra como título porque en ella veo reflejada esa acción de resbalar que sucede también en el acto pictórico. Por otra parte utilizo esta palabra como título porque las imágenes que permiten el acto pictórico de este proyecto, las imágenes que detonan la situación del resbalar de la pintura, son imágenes procedentes de un video casero en el que puede observarse una bajada de trineo por una pista de esquí.

Estas imágenes fueron grabadas con una cámara go pro, la cual, a parte de su gran capacidad de visión, tiene la particularidad de poder ir sujeta por encima de los ojos.

De esta manera las imágenes que graba son dirigidas por el movimiento de la cabeza, pudiendo aportar imágenes que se acercan de una forma más certera a los diferentes planos que una mirada puede recoger en un mismo momento. Esto me permite poder extraer imágenes de diferentes planos que pueden ejemplificar de una forma más fehaciente la experiencia vivida. Facilitan un proceso creativo que parte de la recogida de estas imágenes para más tarde y mediante su manipulación, y una acción de corta-pega de diferentes planos, pueda llegar a crear una pintura donde yo vea reflejado como vi el mundo desde un trineo.

Después de vivir una experiencia sensorial durante diez días en un viaje a las montañas suizas, una llega a casa y ordena todo el material fílmico y fotográfico recogido durante su viaje. Y siente una necesidad que lleva todo el viaje sintiendo. Pintar. Este proyecto no es otra cosa que una propuesta pictórica que enseña formas de ver el mundo.

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Iratxe Yáñez

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(a)

TATAMI jolas-eremu bat da, prozesu eta metodologia desberdinak dituzten baina lotura-ildoak dituzten bi artisten arteko elkarrizketarako espazio bat (Iago Rey eta Ágeda Cuadra). “Muntaia”ren kontzeptutik borrokarako, elkartzeko eta hausnartzeko lur-eremu bat.

— (b)

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TATAMI es un campo de juego, un espacio de diálogo entre dos artistas (Iago Rey y Ángela Cuadra) con procesos y metodologías distantes pero con nexos de unión. Un área de suelo para el combate, el encuentro y la reflexión desde el concepto de “montaje”.

PROGRAMA KURATORIALA (a) PROGRAMA CURATORIAL (b) TATAMI Ángela Cuadra & Iago Rey

TATAMI 168

BIOA I BIO Ángela Cuadra, (Madril//Madrid, 1978)

—

Madrilen bizi da, eta bertan egiten du lan.

Vive y trabaja en Madrid.

Madrileko Unibertsitate Konplutentsean amaitu zituen Arte Ederretako ikasketak (2003an), eta, ondoren, azoka eta baterako erakusketa askotan hasi zen parte hartzen Oporto, Bartzelona, Krakovia, Tallinn edo Stockholm bezalako hirietan. Honako gune hauetan erakutsi du bere lana bakarka: Madrileko Arte Joven aretoan (2006), Madrileko Frágil espazioan (2010), Santanderreko Josédelafuente arte-galerian (2013 eta 2014), Madrileko La Eriza aretoan (2013), Arte Santander aretoan (2014) eta Madrileko CRUCE + Josédelafuente arte-galerietan (2015). Eskuratu dituen sarien artean, hauek nabarmentzen dira: Arte Plastikoen Zirkuitoak saria, Madril (2012), Interferentziak (2013), María José Jove Fundazioaren Nazioarteko Arte saria, Coruña, eta Máximo Ramos Nazioarteko Grafikaren XIII. saria (2014). Salón praktika garaikideen esperimentazio-guneko zuzendaritzarekin osatzen du bere jarduera artistikoa.

Finalizados sus estudios en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid (2003), comienza a participar en múltiples ferias y exposiciones colectivas en ciudades como Oporto, Barcelona, Cracovia, Tallin o Estocolmo. Su obra ha sido exhibida individualmente en la Sala de Arte Joven, Madrid (2006); Espacio Frágil, Madrid (2010); Galería Josédelafuente, Santander (2013 y 2014); La Eriza, Madrid (2013); Arte Santander (2014); y CRUCE + Josédelafuente, Madrid (2015). Entre sus premios obtenidos destacan el Premio Circuitos de Artes Plásticas, Madrid (2012), Interferencias (2013), Premio Internacional de Arte Fundación María José Jove, La Coruña, y el XIII Premio Internacional de gráfica Máximo Ramos (2014). Complementa su actividad artística con la dirección de Salón, espacio experimental de prácticas contemporáneas.

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BIOA I BIO Iago Rey de la Fuente, (Zarautz, 1977) Euskal artista da, eta, egun, Bilbon bizi da eta bertan egiten du lan. Goi-mailako teknikaria da eskulturari aplikatutako arteetan (Santiago de Compostela), eta lizentziaduna da Arte Ederretan (EHU/UPV). Zenbait beka jaso ditu, hala nola, Daniel Txopitea beka (2014), Bilbao arteko eskultura tailerreko lankidetza-beka (2015), Eusko Jaurlaritzako ekoizpen-beka (2015), Kalostra arte esperimentaleko eskolan parte hartzeko hautatutako ikaslea da (2015), Bizkaiko Foru Aldundiko beka (2016), eta zenbait gunetan egin ditu erakusketak, besteak beste, Windsor kulturgintza artegalerian, Rezola zementuak museoan, Bilbao Arte fundazioan eta Eremuak-en Harriak programan.

— Artista vasco que actualmente reside y trabaja en Bilbao, es Técnico Superior en

artes aplicadas a la escultura, (Santiago de Compostela), y licenciado en bellas artes por la EHU/UPV. Ha recibido varias becas, como la beca Daniel Txopitea (2014), beca de colaboración en el taller de escultura en Bilbao Arte (2015), beca de producción del Gobierno Vasco (2015), alumno seleccionado para participar en la escuela experimental de arte Kalostra (2015), beca Diputación de Bizkaia (2016), y ha expuesto en espacios como galería Windsor kulturgintza, Museo cementos Rezola, Fundación Bilbao arte y programa Harriak de Eremuak, entre otras.

TATAMI

collage color

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« Poètes, parlez sans cesse d’éternité, d’infini, d’immensité, du temps, de l’espace, de la Divinité, des tombeaux, des mânes, des enfers, d’un ciel obscur, des mers profondes, des forêts obscures, du tonnerre, des éclairs qui déchirent la nue : soyez ténébreux» Diderot

sensualidad Jugar es hacer algo para generar una respuesta en el otro.

Quizá lo que se busca con eso es generar un movimiento de acciónreacción que nos saque de la inercia del momento presente. Una suspensión del tiempo lineal que nos intro-

ganar-perder… Pienso que todo juego tiene su ori-

duzca en un juego de

gen en formas místicas arcaicas, antiguos ritua-

contrarios: esconder-

les de reconciliación de lo que está separado, lo

buscar, situar-dejar

que en un pasado mítico se rompió… son prácticas

caer,

de restauración e instauración de lo inefable en

perseguir-escapar,

el discurrir de lo contingente.

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TATAMI

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(a)

Hierarkia ordenarik gabe, eta ordena tematikorik gabe, aktibo eszenikoen talde baten lana erakustea, artetik datozenak edo artetik doazenak, batzuetan ikus-entzuleak dituzten eta beste zenbaitetan ez dituzten idulkiak igarotzen dituztenak. Gorputzari, mugimenduari, bokalari, eszenografiari, dramari, egunsentiraino dantzatzeari, masiboari, neoizko argiei buruzko interesarekin zerikusia izan dezakeen zerbait.

— (b)

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Mostrar sin orden jerárquico, ni temático, el trabajo de un grupo de activos escénicos, que vienen del arte o que se van del arte, que transitan peanas que a veces tienen público y a veces no lo tienen. Algo que puede tener que ver con un interés sobre el cuerpo, el movimiento, lo vocal, la escenografía, el drama, bailar hasta el amanecer, lo masivo, las luces de neón.

PROGRAMA Eszenikoa (a) PROGRAMA Escénico (b)

Jaime de los Ríos Lander Echevarría Aimar Pérez Gali Isabel León Rosana Antolí Vacas Venereas

Jaime de los Ríos 176

BIOA I BIO Jaime De Los Rios, (1982) Donostian jaio zen, eta ARTEKLAB Artea eta Zientzia hibridazio-laborategiaren sortzailea da. Diziplina horien eta sistematikaren elkargunean jartzen du arreta bere karrerak, mekanismo, erritmo eta patroi naturalei dagokienez. Bere lanetan, gizakien nahien eta hizkuntza teknologikoaren alde politikoaren artekoa jorratzen du; horregatik da aditua Softwarean eta Hardware Librean. Bere lanean, oso elkarlanekoa izaki, jokaera naturala konputazionalarekin lotzen duten ingurune murgilgarriak zein lan dinamikoak aurkitzen ditu. Azken urteotan, mediak, zibernetikak eta gizaki-makina harremanak gizartean dituzten eraginak aztertu ditu Jaimek, eta lantaldeetan erakutsi, eragin eta garatu ditu proiektu irekiak, nazioarteko artistei lagunduz eta sormen-protokoloak eta ekoizpen horizontala eginez.

—

Nacido en San Sebastián, es fundador del Laboratorio de hibridacion Arte y Ciencia ARTEKLAB. Su carrera se centra en la intersección de estas disciplinas y la Sistémica, en relación a los mecanismos, ritmos y patrones naturales. Sus trabajos conciernen al espacio entre las aspiraciones humanas y lo politico del lenguaje tecnológico, por ello es especialista en Software y Hardware Libre, encontrando en su trabajo, gran parte del cual es colaborativo, entornos inmersivos así como obras dinámicas que relacionan el comportamiento natural con el computacional. En estos últimos años Jaime ha explorado las implicaciones sociales del media, la cibernética y la relación humano-maquina, exponiendo, accionando y desarrollando proyectos abiertos en grupos de trabajo, prestando apoyo a artistas de carácter internacional y elaborando protocolos de creación y producción horizontales.

Lander ECHEVARRÍA BIOA I BIO

—

Lander Echevarría, (Portugalete, 1977)

Es violista. Cursó sus estudios en el Conservatorio Superior de Bilbao, el Conservatorio de Amsterdam y Escuela Reina Sofia de Madrid. Ha formando parte de la Joven Orquesta Nacional de España y la Joven Orquesta de la Unión Europea. Como miembro fundador del Cuarteto Quiroga obtiene el “Premio Ojo Crítico” de RNE en el año 2007 en la categoría de Música Clásica.

Desde el año 2008 reside en Inglaterra donde desarrolla una intensa labor como miembro de la London Simphony, junto a la cual ha tocado en la Every Fisher Hall de New York, el Suntory Hall de Tokio o la Musikverein de Viena bajo la batuta de grandes maestros entre los que destacan Valery Gergiev o Sir. Colin Davis. En paralelo, ha sido invitado a liderar la sección de violas en la Filarmónica de Londres, Orquesta de Cámara de Escocia, Orquesta Sinfónica de Bilbao, Orquesta Sinfonica de Euskadi o la Orquesta Nacional de Cataluña. Sus intereses personales como músico tienen que ver con la música de cámara, la revisión de los grandes clásicos y los formatos y proyectos de tipo experimental, así como la tarea docente, que también ejerce. Recientemente ha sido profesor de viola en la Joven Orquesta Nacional de España.

Biola-jotzailea da. Bilboko Goi-mailako Kontserbatorioan, Amsterdameko Kontserbatorioan eta Madrileko Reina Sofía eskolan ikasi zuen. Espainiako Gazte Orkestra Nazionalean eta Europar Batasuneko Gazte Orkestran ibili zen. Quiroga laukotearen kide-sortzaile gisa, RNEko “Begi Kritikoa” saria jaso zuen 2007an, musika klasikoaren kategorian. 2008tik, Ingalaterran bizi da, eta, bertan, jarduera bizian dabil London Simphony-ko kide gisa. Izan ere, orkestra horrekin batera, New Yorkeko Every Fisher Hall-en, Tokioko Suntory Hall-en eta Vienako Musikverein-en jo du, maisu handien zuzendaritzapean. Horien artean, Valery Gergiev edo Sir Colin Davis nabarmentzen dira. Aldi berean, honako orkestra hauetan biolen arloan buru izatera gonbidatu izan dute: Londreseko Filarmonikoan, Eskoziako Kamerako Orkestran, Bilboko Orkestra Sinfonikoan, Euskadiko Orkestra Sinfonikoan edo Kataluniako Orkestra Nazionalean. Musikari gisa dituen interes pertsonalek kamerako musikarekin, klasiko handien berrikuspenarekin eta formatu zein proiektu esperimentalekin daukate zerikusia, baita irakasle-jarduerarekin ere, horretan ere aritzen baita. Duela gutxi, biolako irakaslea izan da Espainiako Gazte Orkestra Nazionalean.

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Aimar Pérez Gali 178

BIOA I BIO Aimar Pérez Galík dantzaren eta zuzeneko arteen eremuan garatzen du bere praktika artistikoa, dantzari, koreografo, ikertzaile, pedagogo eta idazle gisa. Erreferentziazko gunetzat dauka beti gorputza, eta dantza, helburu beharrean, eraldaketa kritikorako tresnatzat hartzen du. Amsterdameko Arteen Goi-mailako eskolan / Theaterschool-en ikasi zuen dantza modernoa, eta master bat egin du Teoria Kritikoan eta Museologian Bartzelonako Arte Garaikideko Museoko (UAB) Ikasketa Independenteen programan. Espazio Prácticoko baterako sortzailea eta zuzendaria da 2010etik, eta, 2014tik, irakaslea da Bartzelonako Danza del Institut del Teatre-ko Goi-mailako Kontserbatorioko Koreografia eta Interpretazioa Sailean.

— Aimar Pérez Galí desarrolla su práctica artística en el campo de la danza y las artes en vivo como bailarín, coreógrafo, investigador, pedagogo y escritor, siempre entendien-

do el cuerpo como lugar de referencia y la danza no como un fin en sí mismo sino como una herramienta de transformación crítica.

Estudió danza moderna en la Escuela Superior de Artes de Amsterdam / Theaterschool y ha cursado un máster en teoría crítica y museología en el Programa de Estudios Independientes del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona / UAB. Es co-fundador y director de Espacio Práctico desde 2010 y desde el 2014 es docente del Departamento de Coreografía e Interpretación del Conservatorio Superior de Danza del Institut del Teatre de Barcelona.

Isabel León 179

BIOA I BIO

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Artista, kultur-dinamizatzaile independentea eta irakaslea. Argazkigintzatik eta bideotik ekintzako arterako bilakaera eduki du bere lanak. 2007tik biziki aritzen da jarduera horretan, eta topaketa zein egonaldi ugaritan hartu du parte bai Espainian, bai atzerrian; adibidez, Kanadan, Marokon, Finlandian edo Alemanian.

EXCHANGE Live Art proiektuko baterako kidea da. Proiektu horren bidez, komunikazioaren gainean ikertzen dute sormen-laborategietatik abiatuta. Aldi berean, tailerrak ematen ditu hainbat zentro eta erakundetan.

Artista, dinamizadora cultural independiente y docente. Su obra ha evolucionado desde la fotografía y el vídeo al arte de acción, práctica a la que se dedica intensamente desde 2007, participando en numerosos encuentros y residencias tanto en España como en el extranjero, como Canadá, Marruecos, Finlandia o Alemania. Cocreadora del proyecto EXCHANGE Live Art, en el que investigan sobre la comunicación a partir de laboratorios de creación. Paralelamente imparte talleres en diferentes centros e instituciones.

Berehalakotasunarekin egiten du lan, “hemen eta orain” leloaren pean, aurrez aurreko inguruabarrekin, lana espazio eta egoera zehatz bakoitzetik sortzea ahalbidetuz horrela. Gauza txikiekiko interesa dauka, itxuraz garrantzirik ez duten edo azalekoak diren horiekikoa; eta, sarri, memoriarekin eta oroitzapenekin egoten dira lotuta. Jolasa, erronkak, absurdoa eta zentzugabekeria ditu gustuko, bai eta mugak zabaltzera bultzatzen duten egoerak edo bizipenak eragitea ere.

Trabaja con la inmediatez, con el “aquí y el ahora”, con las circunstancias presentes, permitiendo que el trabajo surja de cada espacio y situación concretas. Le interesan las cosas pequeñas, lo aparentemente insignificante o trivial, a menudo relacionadas con la memoria y los recuerdos. Le gustan el juego, los retos, el absurdo y el sinsentido, y provocar situaciones o experiencias que le empujen a dilatar las fronteras.

Rosana Antolí

arte-saria 2016an, Royal British Society of Sculptors Bursary, Gasworks International Fellowship edo Dubaiko International Emerging Artist Award 2014an.

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Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Valencia y máster en en Performance y Escultura por el Royal College of Art. Su práctica artística tiene como eje la intersección de arte, coreografía, y las acciones cotidianas del día a día. El carácter utópico es central a su práctica, y por tanto el consiguiente fracaso de las acciones con las que muchas veces trabaja.

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BIOA I BIO Rosana Antolí, (Alcoi, 1981) Arte Ederretan lizentziatu zen Valentziako Unibertsitatean, eta masterra dauka Performancea eta Eskulturan (Royal College of Art). Artearen, koreografiaren eta eguneroko ekintzen arteko gurutzadura da bere praktika artistikoaren ardatza. Izaera utopikoa bere praktikaren erdigunean dago, eta, hortaz, baita horren ondoriozko ekintzen porrota ere, zeinarekin askotan egiten duen lan.

Duela gutxi, bakarka erakutsi du bere lana Bartzelonako Miró fundazioan, Zuricheko LagerHaus62-n, Kordobako (Argentina) CCECn eta Palmako Casal Solleric museoan.

Baterako erakusketei dagokienez, La Habanako CAC Wilfredo Lam-en, Madrileko ABC museoan eta Londreseko Ceryl Churchill Theatre-n erakutsi du bere lana. Besteren artean, honako sariak jaso ditu: Belaunaldiak

Ha expuesto recientemente su trabajo de forma individual en la Fundación Miró de Barcelona, LagerHaus62 en Zürich, el CCEC de Córdoba (Argentina) o el Museo Casal Solleric en Palma; y de forma colectiva en el CAC Wilfredo Lam de La Habana, en el Museo ABC de Madrid o el Ceryl Churchill Theatre de Londres. Ha sido premiada, entre otros, con el premio de arte Generaciones 2016, Royal British Society of Sculptors Bursary , Gasworks International Fellowship, o el International Emerging Artist Award de Dubai en 2014.

—

Vacas Venereas

zentroan, Indigo Magazinearen aurkezpenjaialdian VACIADOR 34n, BULLSHIT FEST jaialdian Pradillo antzokian, eta, duela gutxi, arrakasta handia izan dute El Mataderoko udako plazan.

Vacas Venereas es el proyecto artístico formado por el tándem brasilovasco Natasha Padilha y Daniel Lozano. Ambas se conocen en el Master en Práctica Escénica y Cultura Visual organizado por Artea y el Centro de Arte y Museo Reina Sofía en Madrid y desde entonces comparten casa, trabajo y actualmente incluso marido, que les hace las veces de técnico escénico y diseñador gráfico.

PROIEKTUA I PROYECTO Natasha Padilha eta Daniel Lozano tandem brasildar-euskaldunak osatutako proiektu artistikoa da Behi benereoak. Arteak eta Madrileko Reina Sofía arte-zentro eta museoak antolatutako Praktika Eszenikoa eta Kultura Bisuala masterrean ezagutu zuten elkar, eta, ordutik, etxea, lantokia eta are senarra ere partekatzen dituzte. Teknikari eszeniko eta diseinatzaile grafiko lanetan aritzen da senarra.

Cultura Poligonera blogaren arabera, elektro-disgusting espainiar izendatutakoan suspertzen ari diren talentuetako bat dira; 15 hautatuen artean geratu ziren CA2M-k antolatutako AUTOPLACER maketa-lehiaketan, eta NEO2 aldizkaria bezalako online bitartekoetan agertu dira. Debutatu zutenetik, Madrileko toki ñabarrenak zeharkatu dituzte, honakoetan arituz: La Juan Gallery-n, 3PECES3

Son consideradas como uno de los talentos emergentes en el denominado electrodisgusting español de acuerdo con el blog Cultura Poligonera, quedaron dentro de los 15 seleccionados en el concurso de maquetas AUTOPLACER organizado por el CA2M, y han aparecido en medios online como la revista NEO2. Desde su debut han recorrido los lugares más variopintos de Madrid, actuando en La Juan Gallery, en el centro 3PECES3, la fiesta de presentación de Indigo Magazine en VACIADOR 34, el festival BULLSHIT FEST en el Teatro Pradillo y recientemente fueron la sensación de La plaza en verano en El Matadero.

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Getxoko Praktika Garaikideen Aretoko edizio honetan, bertako artista den Usoa Fullaondo karparen espazioan parte har dezan gonbidatu da, bere lana gainontzeko programekin batuz.

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En esta edición del Salón de Prácticas Contemporáneas de Getxo la artista local Usoa Fullaondo ha sido invitada a intervenir el espacio de la carpa, haciéndo confluir su trabajo con el resto de programas.

ARTISTA GONBIDATUA (a) ARTISTA INVITADA (b) Usoa Fullaondo

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BIOA I BIO Usoa Fullaondo, (Getxo, 1979) artista, ikertzailea eta irakaslea da. Euskal Herriko Unibertsitateko Pintura Sailean doktoratu zen 2010ean. Egun, alboko irakaslea da sail horretan bertan, eta eskolak ematen ditu Arteko graduan eta Artearen Ikerketa eta Sorkuntza masterrean. 2007tik, UPV/EHUko hainbat ikerketa-proiektutan hartu du parte. Eskolak eman ditu Oslo and Akhersus University College of Applied Sciences unibertsitate-eskolan, eta, datorren urtean, egonaldia egingo du Concordia University-n, Montrealen.

Duela gutxi, bere lana erakutsi du Valentziako Luis Adelantado arte-galerian, Madrileko Arte Joven aretoan eta San Diegoko Space4Arte aretoan. Bizkaiko Foru Aldundiaren, Etxepare Institutuaren eta Eusko Jaurlaritzaren bekak jaso ditu, eta Espainiako lehiaketetan saritu izan dute, adibidez, Injuve lehiaketan.

Egonaldiak egin ditu Fundación Bilbaoarte Fundazioan eta Banff Centre zentroan, Kanadan. 2016 martxoan, Un Atletismo Afectivo liburua argitaratu zuen, Eusko Jaurlaritzaren laguntzarekin.

— Es artista, investigadora y docente. Se doctoró en el Departamento de Pintura de la Universidad del País Vasco en el 2010.

En la actualidad trabaja como profesora adjunta en el mismo Departamento e imparte clases en el Grado de Arte y en el Máster de Investigación y Creación en Arte.

Desde el 2007 ha participado en diferentes proyectos de investigación de la UPV/EHU. Ha impartido clases en Oslo and Akhersus University College of Applied Sciences y el próximo año realizará una residencia en Concordia University, Montreal.

Recientemente ha expuesto su trabajo en la galería Luis Adelantado de Valencia, la Sala de Arte Joven de Madrid o en Space4Arte de San Diego, entre otros. Ha recibido becas de la Diputación Foral de Bizkaia, el Instituto Etxepare o el Gobierno Vasco y ha sido premiada en concursos nacionales

como Injuve. Ha realizado estancias en la Fundación Bilbaoarte Fundazioa y en Banff Centre, Canadá. En marzo del 2016 publicó el libro Un Atletismo Afectivo subvencionado por el Gobierno Vasco.

STATEMENT-A I STATEMENT 2012tik, aurrez pentsatu gabe eraikitzeko modu batean dago zentratuta bere lanprozesua, eta aurkitutako materialen zatiak eta hurbiltasunean bakantzen diren bizipen errepikatuak bateratzen dituzten marrazkiak, objektuak, posterrak, koadroak eta instalazioak sortzen dira hortik. Izate zaurgarriak izaten dira, hala nola, burkoen publizitateetiketa bat, apurtutako poltsa bat, egur zati bat edo paper zimurtu bat. Egiten jarraitzea ahalbidetzen dute, ekintza berri bati eginez tokia.

Un Atletismo Afectivo (2016) argitalpenak prozesu horren zati bat hartzen du. Izenburuak Antonin Artaud-ek El teatro y su doble lanean proposatzen duen analogia hartu du erreferentziatzat. Lan horren bidez, “bihotzeko atletatzat” hartzen du Artaudek aktorea.

Bertan, muskulatura afektibo moduko bat bereizten du, sentimenduen kokagune fisikoei dagokiena. Korrikalariak berezko dituen gorputz-kokaguneak, mugimenduak eta tentsioak artistaren egitekora eta horren egunerokotasunera lekualdatzen direla erakutsi nahi dute piezek, irudiek, testuek eta, batez ere, horien artean ezartzen diren harremanek eta asoziazioek, norberaren esperientzia eta praktika izaki horretarako tresnak. Egitekoa eta ekintzak, gutxieneko keinuak eta afektuaren zein hutsala denaren duintasuna azpimarratzen ditu.

— Desde el 2012 su proceso de trabajo se centra en una manera de construir de forma no predeterminada que da lugar a dibujos, objetos, pósters, cuadros e instalaciones que ponen en común fragmentos de materiales encontrados y de experiencias vividas de manera repetida que se singularizan en su

proximidad. Existencias vulnerables como una etiqueta publicitaria de almohadas, una bolsa rota, un trozo de madera o un papel arrugado que afectan y posibilitan seguir haciendo, dando pie a nueva acción.

La publicación Un Atletismo Afectivo (2016) recoge parte de este proceso. El título hace referencia a la analogía que Antonin Artaud propone en El teatro y su doble por medio de la cual define al actor como un “atleta del corazón”. En él distingue una especie de musculatura afectiva que corresponde a las

localizaciones físicas de los sentimientos.

Las piezas, imágenes, textos y sobre todo las relaciones y asociaciones que se establecen entre estos, tratan de mostrar la traslación de estas ubicaciones corporales, movimientos y tensiones propios del corredor en este caso, al hacer del artista y a su cotidianidad desde la experiencia y práctica propias.

Enfatiza el hacer y las acciones, los gestos mínimos y la dignificación del afecto y lo banal.

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PROIEKTUA I PROYECTO LEMONADE Duela lau urte, plastikozko erregela bat erosi nuen outlet batean, euro baten truke. Fluxudiagramak eraikitzen dituzten forma geometrikoak dauzka. Algoritmo edo prozesu baten eskematizazioa irudikatzeko modu grafikoa da fluxu-diagrama. Horren zeregin nagusia arazo baten irtenbidea lortzeko jarraitu behar diren urratsak erakustea da.

Laukizuzenak, zehazki, egin behar den ekintza zehazten du; bai aukera baten ondorioa izanik, bai prozesu baten abiapuntua izanik. Limoi bat aurkitzea. Limoia usaintzea. Ukitzea. Limoi horri zukua ateratzea. Zukua egitea.

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Ez ditut konpondu beharreko arazoak planteatzean; ordena kontua da batez ere, eta aurkezpen eta irudikapen maila ezberdinetan jartzea aurkitutako elementuak zein beti hortxe egon diren objektuak. Limoiak. Baina kafea, loreak, arkatzak, paperak, apar-goma zatiak, pintura, tenkatzaileak eta abar ere lot daitezke, esakune patafisikoaren izaera hartzen doazen muntaketak eta testuak sortuz, modu formal eta kontzeptualean lantzen jarraitzen ditudanetatik abiatuta. Coffee Connector, Lemon Communication Line, Flower Fluid, Glitter Fluid, Be Bird, Grass Decision, Floor Visual Display.

Bizi dudan espazioa ber-aurkitzen dut horrela: etxekoa eta korrika egiten dudanean bizi dudan paisaia, barruan dagoena eta kanpoan dagoena, baina beti gorputzetik oso hurbil.

Toki sentipena sortu nahi dut, toki eta esperientzia horietara itzultzea ahalbidetuko duen sentipena. Horretarako, ezaugarri fisikoak eta benetako koordenatuak erabili ordez, memoriari eta afektuari lotutako piezak, argazkiak, marrazkiak eta posterrak egiten ditut.

Bakartutako prozesu horretan, arrakala sortu da duela hilabete gutxi. Haustura horrek zerikusia izan du Aixerrotako zelaietan urtero-urtero uztailaren 25ean ospatzen den gertaera batekin (2016an egun bat aurreratu zen, uztailaren 24ra): Paellen Nazioarteko Lehiaketarekin eta ekimen horrek berekin dakarren festarekin, alegia. Egun horretan, ia

egunero zeharkatzen dudan toki hori urteko gainontzeko egunetan betetzen duen espaziotik bereizten dela dirudi, eta laguntzarik behar ez duen unitate bihurtzen dela, non denbora deuseztatzen den eta afektu mota oro muturreraino areagotzen diren. Hein handi batean, gazte koadrilek prestatzen dute ekimena, prestaketa-fase baten bidez, eta berentzako espazioa sortzen dute, ez baitaukate udalak emandako eguzki-oihalik. Prestaketa-faseak bi hilabete inguru irauten ditu (ekaina eta uztaila).

Egun, ikus-entzunezko pieza batean ari naiz lanean, eta koadrila horiek egiten duten prestaketaren fase ezberdinak (espazioa aukeratzea, gunea mugatzea, espazioa zaintzea, txabola eraikitzea, txabola apaintzea eta uztailaren 25erako edaria eta janaria erostea) hartzen ditu ardatz nagusitzat.

Ekintza horien ondorioz, nolakotasun sentikor hutsak pizten dituen lurraldea eraikitzen da, eta, bertan, etxeko espazioan bezala, funtzio organiko asko eraldatzen dira; hala nola, sexualitatea, ugalketa, oldarkortasuna eta elikadura. Horrelaxe asaldatzen da izugarri pertzepzioa, eta espazioa eta afektuak eteten dira. Prestaketa-prozesu horren eta lorategiko txoriek sortzen duten espazioaren arteko analogia bisuala erakusten du ildo narratiboak. Animalia-prozesu berezi eta bitxi horretan, lotura-desioa da eraikuntzaren motorea, eta eraikuntza horrek eragiten du â&#x20AC;&#x201C;edo ezâ&#x20AC;&#x201C; ekimena arrakastatsua izatea. Eta hori, era berean, sormen-prozesuak berezkoa duen ezaugarria da.

Getxoarte 2016rako proposatu dudan jarduera egoera batetik beste baterako trantsizioprozesuan (laukizuzenean) dago zentratuta; bakartze sortzailetik gehiegikeriaren ondoriozko hausketarako prozesuan, eta gainerakoekin lotzeko nahian. Posterraren ideiatik abiatuta, analogia hauek erakusten saiatuko naiz: zenbait piezaren jatorria diren objektu jakin batzuekin eta espazio zehatz batekin dudan harreman afektiboaren eta paellen jaialdia egiteko bideratzen den espazioaren eraikuntza-prozesuaren eta hazkuntza izugarriaren artean dauden analogiak.

â&#x20AC;&#x201D;

LEMONADE Hace cuatro años compré por un 1€ en un outlet una regla de plástico que contiene las formas geométricas con las que se construyen los diagramas de flujo. Un diagrama de flujo es un modo gráfico de representar la esquematización de un algoritmo o proceso.

Su función principal es mostrar los pasos a seguir para alcanzar la solución de un problema.

El rectángulo en concreto determina la acción a realizar, sea ésta la consecuencia de una elección, sea el punto de partida de un proceso. Encontrar un limón. Olerlo.

Tocarlo. Exprimir ese limón. Hacerse un zumo.

No suelo plantear problemas que solucionar; es más una cuestión de orden y de poner en relación a diferentes niveles de presentación y representación elementos encontrados y objetos que siempre han estado ahí.

Limones. Pero también café, flores, lápices, papeles, fragmentos de gomaespuma, pintura, tensores etc. se asocian dando lugar a montajes y textos que van adquiriendo carácter de sentencia patafísica a partir de los que sigo trabajando de manera formal y conceptual. Coffee Connector, Lemon Communication Line, Flower Fluid, Glitter Fluid, Be Bird, Grass Decision, Floor Visual Display.

Re-descubro así el espacio que vivo: lo doméstico y el paisaje que experimento al correr, lo que está dentro y lo que está fuera, pero siempre muy cerca del cuerpo.

Trato de producir una sensación de lugar que posibilita regresar a esos lugares y experiencias a través de la realización de piezas, fotografías, dibujos y pósters asociados a la memoria y al afecto, más que por medio de unas características físicas o unas coordenadas reales.

Este es un proceso ensimismado en el que hace pocos meses se ha producido una brecha. Esta ruptura tiene que ver con un acontecimiento concreto que se celebra todos los 25 de julio (en este año 2016 se adelantó un día, al 24 de julio) en las campas de Aixerrota: el Concurso Internacional de Paellas y la fiesta que este evento conlleva.

Este día, parece que ese lugar que recorro casi diariamente se sustrae del espacio que ocupa el resto del año, convirtiéndose en una unidad autosuficiente en la que se suspende el tiempo y se intensifican de forma extrema todo tipo de afectos. En gran medida, lo que constituye el acontecimiento viene dado por una fase de preparación del evento llevada a cabo por cuadrillas de jóvenes que construyen un espacio propio ya que no cuentan con un toldo facilitado por el Ayuntamiento. Esta fase de preparación dura aproximadamente dos meses (junio y julio).

En la actualidad trabajo en una pieza audiovisual que tiene como eje principal las diferentes fases de preparación por parte de estas cuadrillas (elección del espacio, delimitación del espacio, mantenimiento del espacio, construcción de la chabola, decoración de la chabola y compra de bebida y comida para el día 25). La consecución de estas acciones construye un territorio del que emergen cualidades sensibles puras y donde al igual que en el espaciocasa, muchas funciones orgánicas como la sexualidad, la procreación, la agresividad y la alimentación se transforman. Es así cómo se produce esa alteración brutal de la percepción, esa interrupción espacial y afectiva. La línea narrativa muestra una analogía visual entre este proceso de preparación y la disposición del espacio que llevan a cabo los pájaros jardineros. Este particular y peculiar proceso animal en el que el deseo de vínculo funciona como motor de una concienzuda construcción que hace —o no­— que el acontecimiento sea un éxito, es asimismo una característica propia del proceso de creación.

La intervención propuesta para Getxoarte 2016 se centra en el proceso (rectangular) de transición de un estado a otro; del ensimismamiento creador a la ruptura por exceso y deseo de vínculo con el resto. Partiendo de la idea de póster, trataré de mostrar las analogías existentes entre mi relación afectiva con ciertos objetos y un espacio concreto que son el origen de la realización de ciertas piezas y el proceso de construcción y crecimiento brutales del espacio destinado a la celebración de la fiesta de paellas.

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Hainbat erakunderekin, enpresarekin, elkarterekin eta sorkuntzarako gunerekin lankidetzan arituta, Getxoarten begirada desberdinak hartzen ditugu, arte eta kultura garaikidearen arlo profesionaletik datozenak.

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En colaboración con diferentes organismos, instituciones, empresas, asociaciones y espacios de creación, incorporamos a Getxoarte diferentes miradas que provienen del mundo profesional del arte y la cultura contemporánea.

PROGRAMA hedatua (a) PROGRAMA Expandido (b) La Taller Fem Box

La Taller

La Taller gune hibridoa da; tailerra, editorea eta arte-galeria aldi berean, Bilbon (Bizkaian) dagoena. 2010eko irailean inauguratu zen La Taller, eta Maite Martínez de Arenaza du zuzendaria.

Tailer eremua prestakuntzari, ikerketari, proiektu-ekoizpenari eta obra grafikoaren edizioari zuzenduta dago.

Grafikaren mugak zalantzan jartzen dituzten eta grafika beste diziplina batzuekin lotzen duten adierazpen artistiko garaikideak erakusten eta jendarteratzen ditu bertako erakusketa-proiektuak. Beraz, eremu hedatuko grafikan edo adierazpen grafiko bihurtzen diren beste teknika batzuen hedapenetan zentratzen da.

Horretaz gain, aurten, lokala eta proiektua handituko ditugu. Inprenta ardatz hartuta, erredakzio txikia abiaraziko dugu egunkariprototipoak ekoizteko. Tania Arriaga Azkarate izango da atal horren zuzendaria.

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— La Taller es un espacio híbrido, taller, editora y galería a un tiempo, situado en Bilbao, Bizkaia. La Taller se inauguró en septiembre del 2010 y está dirigido por Maite Martínez de Arenaza.

La zona de taller está dedicada a la formación, investigación, producción de proyectos y edición de obra gráfica.

El proyecto expositivo se centra en la exposición y divulgación de las manifestaciones artísticas contemporáneas que cuestionen los límites de la gráfica, poniendo ésta en relación con otras disciplinas. Se centra, por tanto, en la gráfica de campo expandido o en las expansiones de otras técnicas que desemboquen en manifestaciones gráficas.

Además de esto, este año, acometeremos una ampliación, tanto de local como de proyecto. Tomando la imprenta como eje, vamos a poner en marcha una pequeña redacción para producir prototipos periodísticos. Esta sección estará dirigida por Tania Arriaga Azkarate.

Aizpea Lasa // Clara López Aizpea Lasa Villa eta Clara López gara, Arte Ederretan lizentziadunak, UPV-EHUn. 2008an ezagutu genuen elkar, baina 2013an hasi ginen elkarrekin lan egiten. Denbora batez, kolektiboaren enbrioia eduki genuen, eta erakusketak zein hainbat proiektu grafiko egin genituen horrekin. 2015ean, gure lana kolektibotzat jotzeko modua eraldatu egin zen, eta bikote gisa hasi ginen lan egiten, gure estiloak konbinatuz eta euskarri ezberdinetara eramanez horiek. Urteen poderioz, gure interesak mugatzen eta zehazten joan gara, autoedizio grafikorantz zuzenduz gure urratsak.

— Somos Aizpea Lasa Villa y Clara López, licenciadas en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco. Nos conocimos en 2008 aunque no fue hasta 2013 cuando empezamos a trabajar juntas. Mantuvimos durante un tiempo un embrión de colectivo con el cual realizamos exposiciones y varios proyectos gráficos. En 2015 nuestra forma de entender el trabajo como colectivo se transformó y empezamos a trabajar como dúo, combinando nuestros estilos y trasladándolos a diferentes soportes. Con los años hemos ido acotando y definiendo nuestros intereses, dirigiendo nuestros pasos hacia la autoedición gráfica.

STATEMENT-A I STATEMENT Gure laneko ardatz nagusia marrazketa da.

Teknika eta euskarri ezberdinekin esperimentatzen dugu. Ideia zehatz batetik edo erabateko kaosetik abiatuta sortzen ditugu irudiak. Gure estiloak konbinatzen ditugu, eta prozesuan sortzen diren behar grafikoei egokitzen dizkiegu.

Identitateari, bakardadeari, espazioari, gorputzari eta emakumeei buruz hitz egiten dugu, barne-begiradazko ikuspuntutik begiratuta. Ez dugu gustuko diskurtsoaren esku uztea pisu

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guztia. Irudiek beren kabuz hitz egin ahal izatea gustatzen zaigu, eta askotariko irakurketei egon dakizkiela zabalik. Gainerakoek gure bizipenen beraien bidez hausnar dezatela nahi dugu.

— El principal eje de nuestro trabajo es el dibujo. Experimentamos con diferentes técnicas y soportes. Creamos imágenes partiendo de una idea concreta o del caos absoluto. Combinamos nuestros estilos y los adaptamos a las necesidades gráficas que van surgiendo durante el proceso.

Hablamos sobre la identidad, la soledad, el espacio, el cuerpo y la mujer desde un punto de vista introspectivo. No nos gusta que recaiga todo el peso en el discurso.

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Buscamos que las imágenes puedan hablar por sí mismas y estén abiertas a múltiples lecturas. Queremos hacer reflexionar a los demás a través de nuestras propias vivencias.

PROIEKTUA I PROYECTO Papera gustatzen zaigu. Eta gauzak ukitzea.

Mundu paraleloak eraikitzeak liluratzen gaitu; errealitatea eraldatu eta giro exotikoei egokitzea. Talde baten eta bakardadearen zatitzat hartzen dugu norbanakoa, elkarreraginean egon arren.

Berezitasuna gune komunetan proiektuak fanzinea dauka euskarri nagusi, eta gure lanak autoedizio grafikorantz egin duen bilakaeraren ondorioz sortu da. Hainbat formatutan egindako zenbait argitalpenez, argitalpen horien jatorrizko laminez eta in situ landuko dugun mural batez osatuta dago lana.

Zenbait pieza bakan sortuko ditugu hortik, fanzine formatuan.

— Nos gusta el papel. Y tocar cosas. Nos fascina construir mundos paralelos, trasformar la realidad y adecuarla a atmósferas

exóticas. Dialogamos sobre el individuo como parte de un grupo y de la soledad a pesar de la interacción.

Singularidad en espacios comunes es un proyecto que tiene como soporte principal el fanzine . Surge a raíz de la evolución que ha tenido nuestro trabajo hacia la auto edición gráfica. Se compone de varias publicaciones realizadas en diferentes formatos, láminas originales de éstas, y un mural que trabajaremos in situ y que transformaremos en piezas únicas en formato fanzine.

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Perimetroak Getxoartek, Berdintasunerako Arloarekin eta Getxokirolak-ekin batera, Perimetroak beka sortu du, genero-irudikapenak kirolean nola gertatzen diren jorratzeko, artearen ikuspuntutik. Oihana Torre Landak parte hartu du beka eskuratzeko prozesuan, eta aretoan erakutsi da bere lana, “beste gorpuztasun batzuk” eta genero-praktiken alboko ikuspegia ikusgarri egiteko saiakeraren zati gisa.

— Getxoarte, en colaboración con el Área de Igualdad y Getxokirolak, ha desarrollado la beca Perimetroak para abordar la cuestión de las representaciones de género en el deporte a través de la mirada del arte. El trabajo de Oihana Torre Landa, participante del proceso de selección de la beca, se muestra en el Salón como parte de un esfuerzo por visibilizar “otras corporalidades” y una visión lateral de las prácticas de género.

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BIOA I BIO Oihana Torre Landa Arte Ederretan lizentziatu zen Euskal Herriko Unibertsitatean, eta Artearen Ikerketa eta Sorkuntza masterra egin du. Bestetik, masterra dauka 3Dko Animazioan (Madrileko CICE eskola). 2015ean, Bizkaiko Foru Aldundiaren ekoizpen-beka jaso zuen, eta 2014an, hirugarren saria jaso zuen ERTIBILen. Baterako hainbat proiektutan hartu du parte.

Horien artean, hauek nabarmentzen dira: “Hello Bone” Mongolia gunean, “La Vrecha” La Brocha arte-galerian edo ARTESHOP. HANGAReko (Bartzelona) tailerretan prestatu da Alex Posadasekin batera, eta, egun, irakaslea eta ilustratzaile grafikoa da.

2014. Ha participado en diferentes proyectos colectivos entre los que destacan “Hello Bone” en Espacio Mongolia, “La Vrecha” en la Galeria La Brocha o ARTESHOP. Se ha formado en los talleres de HANGAR (Barcelona) junto a Alex Posadas y actualmente trabaja como docente e ilustradora gráfica.

PROIEKTUA I PROYECTO “Getxoko boxeo-talde bateko kidea naiz. Izarrak Boxing da taldearen izena, eta Fadurako kiroldegian garatzen du bere jarduera. Oso klub txikia ginen hasieran, eta, azken urtean, asko hazi da. Hau da klub honetatik beti gustatu izan zaidan eta azpimarragarritzat jotzen dudan gauza bat: txandala jantzita ezagutzen dugu guztiok elkar. Ez daukagu informazio “osagarri” eta normalean baldintzatzailerik gure kideei dagokienean. Ez dakigu zer-nolako janzkera dugun, zein lekutara joaten garen edo gizarteko zein “sektorekoak” garen. Ez dago aurreiritzirik elkar ezagutzeko eta elkarrekin harremana edukitzeko orduan.

Inoiz ikusi dudan gune askeenetako bat aurkitu nuen klub honetan. Pentsamendu politiko ezberdinak, erosteko ahalmen ezberdina, genero ezberdina...

Hainbat urte daramatzat boxeoa egiten, eta, lehiatzen ez banaiz ere, mundu horrekin lotutako guztia hurbilagotik behatzeko aukera izan dut argazkigintzaren bidez, lan hori egiten baitut kluberako. Argazkiak ateratzen dizkiet antolatzen ditugun gaubelei, baita parte hartzeko gaubelei ere, edo entrenamenduei, sparringei... Geldiunea egiten dut behatzeko eta argazkiak ateratzeko... Eta, boxeoari dagokionari argazkiak ateratzeaz gain, boxeoak boxeoa egiten eta bizi dutenengan eragiten duen horri guztiari ere ateratzen dizkiot argazkiak.”

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Es licenciada en Bellas Artes, Máster en Creación por la Universidad del País Vasco y Máster en Animación 3D por la escuela CICE de Madrid. Ha recibido la beca de producción de la Diputación Foral de Bizkaia en 2015 y el tercer premio en ERTIBIL en

“Pertenezco a un club de boxeo en Getxo, Izarrak Boxing que desarrolla su actividad en el polideportivo de Fadura. Empezamos siendo un club muy pequeño que en el último año ha crecido mucho. Una de las cosas que siempre me ha gustado y considero remarcable en este club, es que todxs

nos conocemos en chándal. No tenemos información “adicional” y normalmente condicionante respecto a lxs compañerxs.

Nadie sabemos cómo vestimos, qué lugares frecuentamos o a qué “sector social” pertenecemos. No hay prejuicios a la hora de conocernos y relacionarnos. Encontré en este club uno de los espacios más libres que he visto. Distintos pensamientos políticos, distinto poder adquisitivo, distinto género….

Llevo varios años practicando boxeo y aunque no compito, he tenido la oportunidad de observar más de cerca todo lo relacionado con su mundo a través de la práctica fotográfica ya que me dedico a realizar esta labor para el club. Fotografío las veladas que organizamos o en las que participamos, los entrenamientos, los sparrings….me paro a observar y retratar...y no sólo he podido presenciar lo relativo al boxeo en sí, si no a todo lo que genera en aquellxs que lo practican y experiencian.

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Hezkuntza-programak azalpen-planteamenduetan, programa orokorretan eta espazio-proposamenetan dauka sorburua eta publiko adituari eta, oro har, publikoari zuzendutako tailerrak hartzen ditu barne.

Tailerrak antolatzen ditu heldu, nerabe eta haurrentzat.

— (b)

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El programa educativo se desprende de los planteamientos expositivos, el programa general y las propuestas espaciales, e incluye actividades dirigidas a público especialista y público general, con talleres para adultos, adolescentes y niños.

PROGRAMA HEZIGARRIA (a) PROGRAMA educativo (b) Elkarretaratze komisariala I Encuentro Comisarial

Patricia Carrasco JesĂşs Alcaide Semiramis GonzĂĄlez Bisita gidatuak I Visitas guiadas

Nora Aurrekoetxea Haurrentzako tailerrak I Talleres infantiles

Teo Arkibiriak Gazteentzako tailerrak I Talleres juveniles

TTIPI Studio Helduentzako tailerrak I Talleres adultos

Pablo Salvaje

Mahai-inguruak I Coloquios

i Temps de Joana Cera para el Festival Lilliput, Exposició a Ripollet de Joan Saló para el Consorcio Cultural del Vallés. En la actualidad es responsable de comunicación en Ana Mas Projects, Barcelona y San Juan (Puerto Rico).

Patricia Carrasco

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Giza zientzietan lizentziatu zen Pompeu Fabra unibertsitatean, eta Pensar l’art d’avui masterra dauka, arte garaikidearen teoriari buruzkoa (Bartzelonako Unibertsitate Autonomoa). Bertan, arteari eta bitarteko berriei buruzko ikerketa bat egin zuen, Antoni Muntadas artista kataluniarraren obran zentratuz.

2006tik, masART arte-galerian dabil zuzendari laguntzaile lanetan, eta koordinatzailea izan da Encantada arte-galerian.

2008tik, modu independentean antolatu ditu erakusketak. Horien artean, Joana Cerak Lilliput jaialdirako egin zuen Terra i Temps eta Joan Salók Valleseko Kultura Partzuergorako egin zuen Exposició a Ripollet erakusketak daude. Egun, komunikazioko arduraduna da Ana Mas Projects-en, Bartzelonan eta San Juanen (Puerto Rico).

— Licenciada en Humanidades por la Pompeu Fabra y Máster en Pensar l’art d’avui, máster en teoría el arte contemporáneo por la Universitat Autónoma de Barcelona en el que desarrolla una investigación sobre arte y nuevos medios centrada en la obra del artista catalán Antoni Muntadas. Desde 2006 trabaja en masART Galería como asistente de dirección, ha sido coordinadora del espacio directora de la Galería Encantada.

Desde 2008 ha comisariado exposiciones de forma independiente, entre ellas Terra

Jesús alcaide Jesús Alcaide (Kordoba//Córdoba, 1977) artekritikaria da, eta komisario independentea.

Antolatu dituen erakusketa eta proiektuen artean, hauek nabarmentzen dira: Rock My Illusion (2007), Ezustekoa (2010), Dutch Play: Netherlands Media Art Institute-eko bildumako ikus-entzunezko mintzaira berriak (2010), Mario Montez. It’s Wonderful (2014), Aitaren izenak (2013), Sub/bertsoak (2014) eta Agustín Parejo School (2016).

2010aren eta 2011ren artean I+Cas (Sevillako kulturarako eta arterako zentro esperimental eta teknologikoa) zuzendu zuen. Era berean, Hipertestua (2006-2009) eta Testropiak (2011) proiektuen zuzendari artistikoa izan da. Testua, irudia eta soinua ekoizteko gailu teknologiko berrien interferentziak literatura sorkuntza eraldatzeko duen moduari buruzkoak dira horiek. Bestetik, “Xake instituzioari” topaketaren baterako zuzendaria izan zen. 2015eko abuztuan egin zen hori, Baezan, eta Andaluziako Nazioarteko Unibertsitateak antolatu zuen.

Mahai-inguruak I Coloquios

— Es crítico de arte y comisario independiente.

Entre las exposiciones y proyectos que ha comisariado destacan Rock My Illusion (2007), Contratiempo (2010), Dutch Play: Nuevos lenguajes audiovisuales en la colección del Netherlands Media Art Institute (2010), Mario Montez. It’s Wonderful (2014), Los nombres del Padre (2013), Sub/versos (2014) y Agustín Parejo School (2016).

Entre el 2010 y 2011 dirigió el I+Cas .

Centro experimental y Tecnológico para la Cultura y las Artes de Sevilla. También ha sido el director artístico de proyectos como Hipertexto (2006-2009) y Textropías (2011), sobre las transformaciones de la creación literaria a partir de las interferencias de los nuevos dispositivos tecnológicos de producción de texto, imagen y sonido, así como co-director del encuentro “Jaque a la Institución” que tuvo lugar en agosto del 2015 en Baeza organizado por la Universidad Internacional de Andalucía.

Konplutentsean, Reina Sofía museoan.

Susperraldian dauden artisten “La New Fair” baterako erakusketa antolatu du New Galleryn (Madril), Ruth Montiel Arias artistaren “Ikusi nahi ez duguna” Cero arte-galerian (Madril), Estefanía Martín Sáenzen “1-600” Gema Llamazares arte-galerian (Xixon) edo, duela gutxi, “Basatia den horretan” La Puntualen (Bartzelonan). Arte garaikideari buruzko bloga dauka, eta, horrekin, ARCO Bloggers proiektuan eta LABoral arte-zentroaren LABlog proiektuan hartu du parte. Azken horretan, koordinatzailea izan zen.

Egun, Museu Es Baluard-eko Museu proiektuaren bloga koordinatzen du, eta ikuskatzailea da PhotoEspaña Aurkikuntza Astean.

— Es licenciada en Historia del Arte y ha cursado el Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual en el Museo Reina Sofía por la Universidad Complutense. Ha comisariado la colectiva de artistas emergentes “La New Fair” en La New Gallery (Madrid), “Lo que no queremos ver” de Ruth Montiel Arias en Galería Cero (Madrid), “1-600” de Estefanía Martín Sáenz en la galería Gema Llamazares (Gijón) o más recientemente “En lo salvaje” en La Puntual (Barcelona). Tiene también un blog de arte contemporáneo con el que ha participado en el proyecto ARCO Bloggers, y en LABlog, blog de LABoral Centro de Arte, del que fue coordinadora.

Actualmente coordina el blog del Proyecto Museu de Museu Es Baluard y es visionadora en la Semana de Descubrimientos PHotoEspaña.

Semiramis González Semíramis González (Xixon//Gijón, 1988) Artearen Historian dago lizentziatuta, eta Arte Garaikidearen Historia eta Kultura Bisuala masterra egin du Unibertsitate

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Nora Aurrekoetxea

Bisita gidatuak I Visitas guiadas

BIOA I BIO Euskal Herriko unibertsitatean Arte Ederretan lizentziaduna eta Sexologian masterduna Madrilgo Instituto Científico Sexológico, In.Ci. Sex. Nora Aurrekoetxeak Laura Ruiz artistarekin batera lan egiten du gaur egun, kontestu gatazkatsuetan ematen diren identitateen eraikuntza, lurraldetasuna, iruditegi kolektiboa eta memoria historikoaren inguruko ikerketa eta sormenerako lan taldea osatuz.

Azken urte honetan Bizkaiko Foru Aldundiaren Produkziorako Beka jaso du, honi esker, Atenasen kokatzen den Yresidency–n artista erresidentea izanik. Aldi berean BilboArte Fundazioan bakarkako erakusketa izan berri du.

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Bilbon kokatzen den OKELA sormen lantegiko kide fundatzailea da, Euskal Herriko kontestu artistikoaren inguruko kudeaketa, difusio eta ikerketan aritzen dena ain zuzen ere. Bertan komisariotza eta programazio kulturaleko lanak garatzen ditu bere praktika artistikoarekin tartekatuz.

—

Artista plástica licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, cursó un máster en Sexología en el Instituto Científico Sexológico In.Ci.Sex de Madrid.

Nora Aurrekoetxea trabaja actualmente con la artista Laura Ruiz funcionando ambas como un equipo de investigación y creación que desarrolla proyectos relacionados con la construcción de identidades, la territorialidad, la memoria histórica y el imaginario colectivo en contextos de conflictos sociopolíticos como valor artístico.

El ultimo año ha recibido la beca de producción de la Diputacion Foral de Bizkaia, gracias a la cual ha sido artista residente en Yresidency, Atenas y tambien ha sido seleccionada para la realización de una exposición individual en BilbaoArte.

Es co-fundadora de OKELA sormen lantegia, espacio situado en Bilbao dedicado a la gestión, difusión e investigación del tejido artistico de Euskal Herria, donde desarrolla proyectos de comisariado y programación cultural.

Teo Arkibiriak

Haurrentzako tailerrak I Talleres infantiles

Haurrentzako arkitektura-topaketak antolatzen ditu TEOARKIBIRAK egitasmoak, adin ezberdinei egokituta. Jolasen eta tailerren bidez, zapaltzen dugun ingurunearen gainean hausnartzera bultzatu nahi ditugu haurrak.

Eskala txiki eta hurbilenetik hasi eta eskala handi eta abstraktueneraino, arkitektura beste diziplina artistiko batzuekin lotuz.

Horrela, beren irudimena aktibatzen da, non eta nola bizi nahi duten amestu dezaten.

Getxoarteko espazioa egituratzen duen lau angeluko moduluan bertan daude oinarrituta Getxoarterako garatu diren tailerrak, eta esku-hartze orokorra tailerrak gauzatzearekin lotzen da modu horretara. Haurrek geometriarekin, naturarekin eta artearekin zerikusia duten kontzeptuekin egingo dute lan, horiek lantzeko eta ulertzeko tresnak eskuratuz: espazialtasuna, neurriak eta eskalak, modulazioa...

Tailerrak bi taldetan egingo dira, adin-tartearen arabera (4-7 urte eta 8-11 urte).

— TEOARKIBIRAK desarrolla encuentros de arquitectura para niños, adaptados a distintas edades. A través de juegos y talleres tratamos de incitar a los niños a reflexionar sobre el entorno en que vivimos. Desde la escala más pequeña y cercana hasta la más grande y abstracta, relacionando la arquitectura con otras disciplinas artísticas.

De este modo se activa su imaginación para soñar dónde y cómo quieren vivir.

Los talleres desarrollados para Getxoarte se basan en el mismo módulo cuadrangular que estructura el espacio, relacionando de esta manera la intervención general con la materialización de los talleres. Los niños trabajarán conceptos relacionados con la geometría, la naturaleza y el arte adoptando herramientas para trabajar y entender los mismos: espacialidad, medidas y escalas, modulación...

Los niños desarrollarán los talleres repartidos en dos grupos en función de la franja de edad (4-7 años y 8-11 años).

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TTIPI Studio

Gazteentzako tailerrak I Talleres juveniles

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eraldaketarako diseinua Publikoan eta pribatuan parte hartzeko eta harremanak egiteko beste modu batzuekin esperimentatzeko beharretik eta nahitik sortu zen Ttipi Studio; elkarlanezko eta proposamenezko jarreretan oinarritutako moduak dira horiek, komunitate sortzaileago eta autonomoagoak sortuko dituzten moduak, etorkizuna bera eratzeko gaitasuna dutenak.

Lurraldeekin, erakundeekin eta pertsonekin egiten dugu lan, ohiko funtzionamenduereduak eta -eskemak eraldatu nahi dituzten proiektuetan.

Diseinuaren arloan egiten dugula lan esatea gustatzen zaigu, baina irtenbideak eratzeko tresnatzat jotzen dugu diseinua; pertsonen bizi-baldintzak, eskubideak, askatasunak, gaitasunak eta trebetasunak hobetzeko irtenbideak sortzeko tresnatzat.

Gure proiektuetan, diseinu-prozesuak irekitzen saiatzen gara (espazio kolektiboen diseinua, estrategiak, erabakiak hartzea, ikasketa-programa, kultura-programak eta abar), diseinatzaile-erabiltzaile, programatzaile-publiko eta beste dikotomia batzuen rolak

hackeatuz. Horregatik, sustatzen ditugun prozesu eta zerbitzuek beti bilatzen dute tartean dauden pertsonek eta eragileek zuzenean eta modu aktiboan har dezatela parte, bottom-up edo behetik gorako logikatik.

Diseinuaren prozesuak eta diseinatzailearen irudia bir-pentsatzea proposatzen dugu, prozesu komunitarioen eta sortzaileen bidez.

Eraldaketarako diseinuan eta diseinuaren bidezko eraldaketan sinesten dugu.

Ane Abarrategi Zaitegik eta Maddi Texeiro Tarazagak osatzen dugu Ttipi Studio, baina beste familia eta saldo batzuetan ere bizi gara; adibidez, hauetan: Wikitoki, Txikiark, Karraskan edoEIDE. Azken lau urte hauetan, Elkartoki bezalako proiektuak abiarazi ditugu. Bi ikasturtez garatu da programa hori eta, bertan, beren jolastokia diseinatu eta eraiki dute haurrek, eskola-jolasen guneetan genero-berdintasuna eta bizikidetza sustatzeko xedez. Gainera, honako programa hauek sustatzen ere egin dugu lan: Hibrilaldiak, Gure Txoko, Pop Up Commerce, Zubiaur Plazara, Leinn Colaborative Space Design edo Getxoberpiztu, besteren artean.

diseño para la transformación Ttipi Studio nace de la necesidad y el deseo de experimentar con otras maneras de participar y relacionarnos en lo público y lo privado; maneras basadas en actitudes colaborativas y propositivas, que lleven a crear comunidades más creativas y autónomas, capaces de configurar su propio futuro.

Trabajamos con territorios, organizaciones y personas, en proyectos que buscan transformar los modelos y esquemas de funcionamiento convencionales.

Nos gusta decir que trabajamos en el área del diseño, pero entendemos el diseño como una herramienta para generar soluciones que mejoren de las condiciones de vida, derechos, libertades, capacidades y habilidades de las personas.

En nuestros proyectos tratamos de de abrir los procesos de diseño (diseño de espacios colectivos, estrategias, toma de decisiones, programas de aprendizaje, culturales, etc.), hackeando los roles diseñador-usuario, programador-público y otras dicotomías.

Es por esto que los procesos y servicios que impulsamos, buscan siempre la implicación directa y activa de las personas y agentes involucrados, desde una lógica bottom-up o de abajo hacia arriba.

Proponemos re-plantear los procesos de diseño y la figura del diseñador a través de procesos comunitarios y creativos. Creemos en el diseño para la transformación y en la transformación a través de diseño.

Ttipi Studio lo conformamos Ane Abarrategi Zaitegi y Maddi Texeiro Tarazaga, pero juntas también habitamos otras familias y manadas como Wikitoki, Txikiark, Karraskan o EIDE. En los últimos cuatro años hemos puesto en marcha proyectos como Elkartoki, un programa que se lleva desarrollando dos cursos escolares y donde los niños/as diseñan y construyen sus propio patio con el objetivo de fomentar la igualdad de genero y la convivencia en los espacios de juego escolares. Además hemos trabajado en el impulso de programas como Hibrilaldiak, Gure Txoko, Pop Up Commerce, Zubiaur Plazara, Leinn Colaborative Space Design o Getxoberpiztu entre otros.

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PABLO SALVAJE

Helduentzako tailerrak I Talleres adultos

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BIOA I BIO

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Pablo Salvajek ez du eskuekin egiten lan.

Pablo Salvajek bihotzarekin egiten du lan.

Sevillan jaio zen, eta Arte Eszenikoak eta Interpretazioa ikasi zuen han; tintarekiko, paperarekiko eta ilustrazioarekiko grinarekin bateragarri egin zuen aktore karrera. Txikitatik egon zen harremanetan estanpazioaren munduarekin; baita bere familiaren inprenta zaharrean izugarrizko abiaduran inprimatzen zuten makina erraldoien zaratarekin ere.

Pablo bidaiari eta ikertzaile izateko jaio da.

Grabatuaren tekniketan sakontzen jarraitzeko xedez, Bartzelonara lekualdatu zen 2013an.

Egun, bertan bizi da, eta La Selva Bcn estudioa sortu du beste artista batzuekin batera. Sormen-espazioa da hori, eta, bertan, tailerrak ematen ditu, eskuzko estanpazioaren artea ikusle mota orori hurbilduz horrela. Naturan topatzen ditu inspirazio-iturriak; jasotzen dituen enborretan, hostoetan, harrietan... beti dago oroitzapen bat, bere zigiluen bidez bakarrik konta daitekeen istorio bat.

Pablo Salvaje no trabaja con sus manos.

Pablo Salvaje trabaja con el corazón. Nacido en Sevilla, donde estudió Artes Escénicas e Interpretación, compatibilizó su carrera como actor con su pasión por la tinta, el papel y la ilustración. Desde pequeño siempre estuvo en contacto con el mundo de la estampación y el ruido de enormes máquinas que imprimían a velocidad de vértigo en la antigua imprenta de su familia. Pablo es un viajero e investigador nato. Para seguir profundizando en las técnicas de grabado, en 2013 se trasladó a Barcelona, donde actualmente reside y funda con otros artistas el estudio La Selva Bcn, un espacio de creación en el que ejerce la labor de tallerista, permitiéndole acercar el arte de la estampación manual a toda clase de público.

Encuentra en la Naturaleza sus fuentes de inspiración; en los troncos, hojas y piedras que recoge, siempre hay un recuerdo, una historia que sólo puede ser contada a través de sus sellos.

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ANTOLAKUNTZA I ORGANIZACIÓN GETXOKO KULTUR ETXEA | AULA DE CULTURA DE GETXO Luzia Martin Ruiz

PROGRAMA KURATORIALA | PROGRAMA CURATORIAL TATAMI - Ángela Cuadra // Iago Rey

GETXOARTE ZUZENDARITZA | DIRECCION GETXOARTE Eduardo Hurtado

PROGRAMA Eszenikoa |PROGRAMA Escénico Jaime de los Ríos Lander Echevarría Aimar Pérez Gali Isabel León Rosana Antolí Vacas Venereas

PROGRAMA OROKORRA | PROGRAMA GENERAL Xare Álvarez Berakoetxea Joaquín Artime Nerea Beriain Cebas Juan Antonio Cerezuela Guido Di Marzio Modelos Operativos Abiertos Arantza Elejabeitia Mabel Esteban Ander Etxaniz Julen García Muela Gómez Selva Alvaro González Izaro Ieregi Helena Goñi Mr. Shark Marc Herrero Abel Jaramillo Adriana Laespada Claudia Rebeca Lorenzo Daniel Lozano Estela Miguel Matxalen Oñate Elisa Pardo Puch Lucía Risueño Cristina Santos Saúl Sellés Cristóbal Tabares Álvaro Talavera Iñigo Varona Sánchez Iratxe Yáñez

ARTISTA GONBIDATUA | ARTISTA INVITADA Usoa Fullaondo PROGRAMA hedatua | PROGRAMA Expandido La Taller - Aizpea Lasa // Clara López Fem Box - Oihana Torre Landa PROGRAMA HEZIGARRIA | PROGRAMA educativo Patricia Carrasco Jesús Alcaide Semiramis González Nora Aurrekoetxea Teo Arkibiriak TTIPI Studio Pablo Salvaje PROGRAMA OROKORREKO EPAIMAHAIA | JURADO PROGRAMA GENERAL Haizea Barcenilla Nadia Barkate Javier Martín GETXOARTE BILDUMAKO EPAIMAHAIA | JURADO COLECCIÓN GETXOARTE Daniel Castillejo Jesús Alcaide Eduardo Hurtado

katalogoa I catálogo ARGITARATZAILEA | EDITA Getxoko Kultur Etxea | Aula de Cultura de Getxo KOORDINAZIOA | COORDINACIÓN Eduardo Hurtado TESTUAK | TEXTOS Eduardo Hurtado EUSKERAZKO ITZULPENA | TRADUCCIÓN a euskera On Global Language Marketing DISENUA eta EKOIZPENA | diseño y producción Mikel Rico - www.aktuart.com INPRIMAKETA | IMPRESIÓN Imprenta Arenas ISBN 978-84-939723-4-9 LEGE-GORDAILUA | DEPOSITO LEGAL BI-1417-2016

ANTOLATZAILEAK // ORGANIZADORES

BABESLEAK // PATROCINADORES

LAGUNTZAILEAK // COLABORADORES