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ESPÍRITU DE ÉPOCA UNA DÉCADA DE PINTURA

en la Colección Ofelia Martín-Javier Núñez


ESPÍRITU DE ÉPOCA UNA DÉCADA DE PINTURA

en la Colección Ofelia Martín-Javier Núñez

SPIRIT OF THE EPOCH

A DECADE OF PAINTING

from the Ofelia Martín-Javier Núñez Art Collection


Cabildo de Lanzarote Presidente: Pedro Sanginés Gutiérrez Consejera de Centros de Arte, Cultura y Turismo: Astrid Pérez Batista Exposición Coordinación General: Museo Internacional de Arte Contemporáneo, MIAC Comisario: Paco Barragán Montaje: Servicios Técnicos Centros de Arte, Cultura y Turismo MIAC Directora: María José Alcántara Palop Conservador: Ricardo Hernández Camacho Administración: Lorena Gutiérrez Leal Departamento Educativo: Beatriz Delgado Betancort Catálogo Textos: Paco Barragán, Ofelia Martín-Javier Núñez Fotografía: Juanje Luzardo Diseño: Juanje Luzardo Traducción: Dácil Sánchez Rodríguez Impresión: Producciones Gráficas, S.L.

Depósito Legal: G.C. 1054-2011 I.S.B.N.: 13 978-84-95938-74-9 Copyright de los textos: los autores Copyright de las obras: los autores Copyright del catálogo: Museo Internacional de Arte Contemporáneo, MIACCentros de Arte, Cultura y Turismo del Cabildo de Lanzarote


ESPÍRITU DE ÉPOCA UNA DÉCADA DE PINTURA

en la Colección Ofelia Martín-Javier Núñez


Colección Ofelia Martín-Javier Núñez

PRESENTACIÓN

La exposición Espíritu de época. Una década de pintura en la Colección Ofelia Martín-Javier Núñez, nos propone una doble lectura del arte contemporáneo. Por un lado, desde la figura del coleccionista, un papel determinante en el mundo de la cultura como creador de patrimonio, pero también como mecenas de artistas; y de otra parte, una aproximación al arte de esta primera década del siglo XXI, a través de más de cien obras –instalaciones, pintura, vídeo– de 50 artistas procedentes de todo el mundo. El Museo Internacional de Arte Contemporáneo, MIAC-Castillo de San José, dependiente de los Centros de Arte, Cultura y Turismo, en colaboración con el Centro de Arte Convento Santo Domingo, del Ayuntamiento de Teguise, nos acerca obras de la colección adquiridas en los últimos diez años por los lanzaroteños Ofelia Martín y Javier Núñez, que por primera vez se exponen y muestran al público. Estas obras, que forman parte de su vida cotidiana ya que están íntimamente ligadas a la relación y complicidad de sus propietarios, se presentan ahora a la mirada de todos. La proliferación de ferias, museos y galerías de arte en las dos últimas décadas refleja el creciente interés por el coleccionismo, aunque también asoma en él una tendencia más especulativa y comercial. Alrededor de la figura del coleccionista se crean muchas aproximaciones, interpretaciones y tópicos, en muchos casos justificados y en muchos otros eliminando el papel esencial que el coleccionista ha cumplido en la historia del arte. Espíritu de época, comisariada por Paco Barragán, es una muestra del compromiso que los coleccionistas Ofelia Martín y Javier Núñez han iniciado desde la privacidad y el anonimato movidos por lo que es hoy su pasión: la pintura. Desde Caleta de Famara, Madrid o Nueva York, lugares donde se han ido gestando las relaciones y los encuentros con artistas, coleccionistas o críticos, el arte les ha facilitado conocimiento y una bien tramada red de experiencias y afectos que es lo que para ellos supone su colección. Quisiera agradecer a Ofelia Martín y Javier Núñez su colaboración en esta excelente iniciativa entre el ámbito público y privado, ya que la relación de ambas esferas contribuye, en términos generales, a ampliar y difundir el arte y la cultura en nuestra sociedad. x

Astrid Pérez Batista Consejera de Centros de Arte, Cultura y Turismo del Cabildo de Lanzarote

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Colección Ofelia Martín-Javier Núñez

INTRODUCTION

The exhibition Espíritu de época/Spirit of the Epoch: A decade of painting from the Ofelia Martín-Javier Núñez Art Collection, presents a double perspective of contemporary art. On the one hand, from the perspective of the collectors who play an essential role as creators of heritage, and also as patrons of the artists. On the other hand, as an approach to art in the first decade of the 21st century, with an exhibit of more than a hundred pieces -paintings, installations, and videos- from 50 artists from all around the world. The International Museum of Contemporary Art, MIAC-Castillo de San José, under the authority of the Art, Culture and Tourism Centres, in collaboration with the Santo Domingo Art Convent and the Teguise Town Hall, brings us this art collection which local citizens, Ofelia Martín and Javier Núñez, have been putting together for the last ten years and that is being exhibited to the public for the very first time. These works, which form part of their daily life and portray the intimacy of their relationship, are now on view for everyone to see. The proliferation of fairs, museums and art galleries in the last two decades reflects the growing interest in art collecting, although there is a more speculative and commercial aspect to it. Many opinions and interpretations surround the image of the collector, sometimes justified and sometimes not and at times completely disregarding the essential role that collectors play in the history of art. Espíritu de época/Spirit of the Epoch, curated by Paco Barragán, is a sample of the commitment that the art collectors, Ofelia Martín and Javier Núñez, have begun in their own privacy and anonymity because of their passion for painting. From Caleta de Famara to Madrid and New York, they have met and socialised with artists, collectors and art critics. Art has provided them with the knowledge, fondness and experience which informs their collection. I would like to thank Ofelia Martín and Javier Núñez for their collaboration in this magnificent initiative combining the public and private sphere, as the discourse between both contributes to the expansion and diffusion of art and culture in our society. x

Astrid Pérez Batista Consejera de Centros de Arte, Cultura y Turismo del Cabildo de Lanzarote

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Colección Ofelia Martín-Javier Núñez

Espíritu de época

Paco Barragán

Espíritu de época. Una década de pintura en la Colección Ofelia Martín y Javier Núñez plantea, como el propio título indica, una revisión de nuestra época y de su pintura al hilo de las obras pictóricas coleccionadas a lo largo de casi una década por Ofelia Martín y Javier Núñez, coleccionistas de Lanzarote. “Espíritu de época” o Zeitgeist -como dirían los alemanes- es el resultado de un esfuerzo y pasión encomiables mantenidos a lo largo de estos últimos años. En ella se ven reflejada las preocupaciones de la pintura con el advenimiento de este nuevo siglo caracterizado por la globalización, Internet, escáners, herramientas como el PhotoShop, cámaras digitales, o, más recientemente, el Facebook, Twitter y el iPhone. Como consecuencia de este nuevo contexto, que a mí me gusta llamar “tecnorreferencial”, encontramos en la colección desde ‘pintura pintura’ (como dirían los ortodoxos) hasta instalaciones, pinturas en movimiento u obras que, si bien su acabado bidimensional se asemeja a la ´pintura pintura´, en algun momento del proceso pictórico interviene un enfoque interdisciplinario y multi-mediático. Los artistas en ella representados tienen procedencias y edades dispares, desde artistas jóvenes que apenas han accedido al mercado del arte hasta otros más encaminados o con carreras ya más consolidadas procedentes del Caribe, pasando por Europa y Centro Europa hasta China o Australia. “Lo que llamas el espíritu de los tiempos es, en el fondo, el espíritu de las gentes en quienes los tiempos se reflejan” Estas palabras, que Goethe pone en boca de Fausto en la conversación que mantiene con su criado Wagner, nos permiten tender puentes entre las tendencias pictóricas aquí recogidas y determinados caracteres y acontecimientos de nuestra época. Estructura La presentación de la colección ha sido concebida en torno a 4 apartados que conjugan diferentes hilos narrativos (partes 1, 2 y 3) y, en el último caso, una preocupación formal (parte 4). Ello permite una presentación más ágil y menos previsible al tiempo que facilita también una reflexión teórica acerca de lo que aún sigue siendo una preocupación en la pintura: la abstracción. Recordemos aquí las palabras de Tom Wolfe en La palabra pintada: ´el coleccionista sólo compra arte abstracto cuando no le queda otra.´ Si bien es cierto que a muchos coleccionistas les sigue atrayendo más un tipo de pintura realista o figurativa, y que este

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Espíritu de época / Spirit of the Epoch

tipo de pintura es la que tiene más salida en el mercado, aquí, sin embargo, encontramos una amplia representación de arte abstracto. Para terminar, esta estructura es lógicamente abierta dado que algunos de los pintores contenidos en un determinado apartado bien podrían ser incluidos en otro por cuanto no dejan de compartir otros aspectos de carácter formal o conceptual. Parte #1 Po(p)lítica y vida cotidiana: lo extraordinario de lo ordinario Chus García-Fraile, Carlos Aires, Peter Atkins, Pablo Alonso, Sophia Schama, Julien Michel, Pedro Barbeito, Saso Stanojkovik y Miguel Aguirre. Parte #2 Ella lo domina todo: la redefinición de la mujer Wang Zhijie, Edith Dakovic, Zoé Byland, Myritza Castillo, Kerstin Drechsel, Santiago Ydáñez, Mariana Vassileva, Matthias Köster, Natacha Marques y Julien Michel. Parte #3 Cosa de hombres (o casi): la venganza del kitsch Luo Brothers, Melvin Martínez, Alonso Mateo, Ramón Martins, Manfred Peckl, Edgardo Larregui, Clemencia Labin y Dani Marti. Parte #4 Duros, románticos y atmosféricos: el ‘problema’ abstracto Changha Hwang, Jaime Gili, Nico Munuera, Vargas Suárez-Universal, Laura González Cabrera, Alvaro González, Oliver Johnson, Krisdy Shindler y Fabián Marcaccio. Para algunos pintar hoy día puede ser un acto provocador, y especialmente después de la tantas veces anunciada muerte de la pintura. ¿Qué papel puede desempeñar la pintura en un momento como el actual? ¿Cuál es su relación con otros medios como la fotografía, la instalación y el video en esta sociedad hiper-mediática? La Colección Ofelia Martín y Javier Núñez nos brinda interesantes respuestas que nos ayudan a entender por dónde camina la pintura al tiempo que da fe de la enorme vitalidad de este medio de expresión en este principio de siglo. x


Colección Ofelia Martín-Javier Núñez

Spirit of the Epoch

Paco Barragán

Spirit of the Epoch. A decade of painting from the Ofelia Martín-Javier Núñez Art Collection, as stated in the title, is an overview of our time and its painting through the works collected, for almost a decade, by the collectors Ofelia Martín and Javier Núñez from Lanzarote. “Spirit of the Epoch” or Zeitgeist –in German–is the result of an ongoing effort and passion throughout the past few years. The exhibition reflects the painting’s concern with the advent of a new century characterized by globalization, the Internet, scanners and tools such as PhotoShop, digital cameras and the I-Phone, and more recently by social networking sites like Facebook and Twitter. As a consequence of this new context, which I like to refer to as “techno-referential”, the collection includes pieces which range from ‘painting painting’ (as purists would call it) to installations, moving paintings and pieces whose bi-dimensional look may resemble that of ´painting painting´, but in which at some point during the painting process an interdisciplinary and multimedia approach comes into play. The artists in this collection represent diverse backgrounds and varied ages, from young artists who have barely had access to the art market, to others who are gaining recognition from the Caribbean, Western and Central Europe, China and Australia. “And what the spirit of the times men call, is merely their own spirit after all” These words, spoken by Goethe’s Fausto in the conversation he holds with his servant Wagner, allow us to build bridges between the pictorial tendencies herein, and specific characters and events of our time. Structure The collection has been conceived in 4 sections which use different narrative threads (parts 1, 2 and 3) and a formal concern (part 4). This layout allows for a more flexible and less predictable presentation at the same time as it facilitates a theoretical reflection on an ongoing concern in painting: abstraction. In the words of Tom Wolfe in The Painted Word: ´collectors only purchase abstract art when they do not have any other choice.´ It is also true that many collectors are still attracted to a more realistic and figurative style of painting which is more marketable, however, herein we find a broad representation of abstract art. In conclusion, this structure is logically open, so that an artist included in a specific part could also be included in a different one therefore, they share other formal and conceptual aspects.

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Part #1 Po(p)litics and daily life: the extraordinary within the ordinary Chus García-Fraile, Carlos Aires, Peter Atkins, Pablo Alonso, Sophia Schama, Julien Michel, Pedro Barbeito, Saso Stanojkovik and Miguel Aguirre. Part #2 She dominates all: The redefinition of the female Wang Zhijie, Edith Dakovic, Zoé Byland, Myritza Castillo, Kerstin Drechsel, Santiago Ydáñez, Mariana Vassileva, Matthias Köster, Natacha Marques and Julien Michel. Part #3 It’s a man thing (or almost): the revenge of kitsch Luo Brothers, Melvin Martínez, Alonso Mateo, Ramón Martins, Manfred Peckl, Edgardo Larregui, Clemencia Labin and Dani Marti. Part #4 Hard-edgers, Romantics and Atmospherics: the abstract ‘problem’ Changha Hwang, Jaime Gili, Nico Munuera, Vargas Suárez-Universal, Laura González Cabrera, Álvaro González, Oliver Johnson, Krisdy Shindler and Fabián Marcaccio. For some, painting nowadays may seem provocative, especially since its death has been announced on various occasions. What role does painting have nowadays? In our hyper media-driven society what relationship does it hold with other media such as photography, installation and video? The Ofelia Martín and Javier Núñez Collection offers us interesting answers which will help us understand what direction painting is taking at the same time as it depicts the enormous vitality of this means of expression at the early stages of the century. x


Colección Ofelia Martín-Javier Núñez

ENTREVISTA

Ofelia Martín Fernández y Jesús Javier Núñez González

“Creemos que la pintura de hoy ha de ser el fiel reflejo de nuestra sociedad, al igual que Rembrandt, Rubens o Picasso lo fueron de la suya”

Residentes en Lanzarote, Ofelia Martín Fernández y Jesús Javier Núñez González se iniciaron en el coleccionismo de arte allá por el año 1987. Desde entonces, Ofelia y Javier, ella maestra y él economista y auditor, han vivido esta pasión con inusitada intensidad. Fruto de ello es la exposición “Espíritu de época” que se presenta ahora en el MIAC (Museo Internacional de Arte Contemporáneo) y en el Centro de Arte Convento de Santo Domingo, ambos en Lanzarote. Al hilo de un centenar de pinturas, instalaciones y vídeos coleccionados a lo largo de los últimos 10 años, revivimos una experiencia personal que recoge fielmente este espíritu de época de la pintura contemporánea internacional más reciente.

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Conversamos con Ofelia y Javier para conocer los inicios, las motivaciones y el futuro de la colección. Paco Barragán –Empecemos por el principio. ¿Cuáles han sido las motivaciones que os han animado a iniciaros en el coleccionismo de arte? Ofelia Martín y Javier Núñez –No hubo ningún motivo especial, simplemente el gusto por la belleza. Empezamos casi por casualidad en una exposición en El Almacén, Galería El Aljibe, en el año 1987; allí adquirimos nuestra primera pieza, una obra del pintor lanzaroteño Juan Gopar. De ahí en adelante todo se desencadenó y ya nunca dejamos de comprar arte. P.B. –¿Hay también algo de filantropía en ello tal vez? O.M. J.N.– Puede que sí, aunque nunca nos lo hemos planteado de forma consciente ya que además no tendríamos capacidad económica para ello. Es un hecho incontestable que por la propia idiosincrasia de la profesión, el artista casi siempre necesita ayuda; eso ya fue así desde los Medici hasta el apoyo papal o cortesano que sustentó la vida de pintores como Tintoretto, Rubens o Goya, desembocando en formas más contemporáneas de mecenazgo como sería el caso de Francesca de Habsburgo, la hija del baron ThyssenBornemisza, y su apoyo activo a la producción de instalaciones de artistas como Ai Wei Wei o Los Carpinteros. Por otro lado, quizá ese deseo de ayudar sea un rasgo de nuestra personalidad, ya que desde hace mucho tiempo, por ejemplo, somos socios de Cruz Roja Internacional y de la organización ecologista Greenpeace. P.B. –Desde entonces habéis viajado y conocido a otros coleccionistas y a muchos actores del mundo del arte. ¿Qué es lo que en vuestra opinión ha cambiado y qué es lo que os sigue atrayendo? O.M. J.N. –El coleccionismo nos ha llevado a que, incluso, muchas veces nuestras vacaciones se organizaran en función de esta afición viajando a ferias de arte o visitando galerías, y ello nos ha permitido conocer y hacer amigos entre coleccionistas, galeristas, artistas, curadores, etc. Pensamos que lo que más ha cambiado es la facilidad de acceso a la información gracias a las nuevas tecnologías, lo que te proporciona inmediatez en el acceso a las obras y en la toma de decisiones. Pero sin duda lo mejor de todo de este mundo son los artistas, y lo que más nos sigue atrayendo es la emoción del descubrimiento y esa primera vez que uno ve su obra, que te produce ese particular cosquilleo en el estómago. P.B. –El mundo se ha globalizado y en ningún otro campo se nota tanto como en el arte. A diferencia de muchas colecciones de pintura en España, que hasta hace muy poco estaban centradas en pintura española con alguna incorporación de algún pintor establecido internacional, vuestra colección ha sido desde el principio muy internacional y muy joven. ¿Por qué?


Colección Ofelia Martín-Javier Núñez

O.M. J.N.–Nuestra formación es abierta, nada excluyente. Somos universalistas convencidos y eso se refleja en ese carácter internacional de nuestra colección donde se incluyen artistas procedentes de diferentes partes del mundo, desde nuestra isla de Lanzarote a Macedonia y Corea, China, Estados Unidos o Brasil. En cuanto a su carácter joven, ello se debe a que pensamos que es mucho más emocionante y divertido descubrir y adquirir artistas emergentes y, desde luego, muchísimo más barato. Para adquirir arte establecido o consolidado basta con tener el suficiente dinero, dado que se trata también de una opción más conservadora y menos arriesgada, que es perfectamente entendible en personas que ven en el arte una fuente de inversión más que un disfrute o una filosofía de vida. Por otro lado, nos parece magnífico, porque toda inversión en arte es poca, pero es un punto de partida diferente y, pensamos, igual de respetable. P.B. –Otro aspecto que llama la atención es que de casi todos los artistas habéis comprado varias obras, lo cual no suele ser habitual en la mayoría de las colecciones privadas. O.M J.N.–Una sola obra de cada artista es como un solo cromo, como una sola imagen de una película; con dos al menos se constituye una pequeña secuencia a través de la cual es más fácil apreciar sus características y discurso. No obstante, en instalaciones o vídeos de algunos de nuestros artistas, como Jaime Gili, Myritza Castillo, Mariana Vassileva, Krisdy Shindler o Saso Stanojkovik, solo tenemos una obra ya que, al partir siempre de un enfoque pictórico, encajaban en nuestro proyecto de colección y no consideramos necesario poseer varias obras de cada uno por cuanto sentíamos que esa instalación o ese vídeo tenía suficiente entidad por sí solo. POLÍTICA, KITSCH Y ABSTRACCIÓN P.B. –¿Cuál podríamos decir que es el hilo rojo de vuestra colección? O.M. J.N.–Históricamente la pintura se ha ido renovando en cuanto a técnica, materiales y conceptos. Hoy por hoy en la práctica pictórica intervienen desde soportes o formatos nada tradicionales hasta avanzados medios tecnológicos. Desde este punto de vista está muy vigente lo que ha dado en llamarse “pintura expandida”, concepto cada vez más utilizado y generalmente aceptado por los críticos. Nosotros, en esta línea contemporánea o actual, que no deja de ser un simple reflejo de la sociedad en la que vivimos, incorporamos a nuestro proyecto de colección formatos tri-dimensionales y obras en cuya gestación en algún momento se manifiesta un diálogo “mass-mediático” o tecnológico, como es el caso de Pedro Barbeito , Oliver Johnson o Vargas Suárez-Universal, además de instalaciones o vídeos de artistas tales como Chus García-Fraile o Fabián Marcaccio. Creemos que un artista ha de ser el reflejo de su sociedad, como Rembrandt, Rubens, Velázquez, Goya o Picasso lo fueron de la suya. Y, entonces, no tener en cuenta en la práctica pictórica actual este contexto de nuevas tecnologías, medios de comunicación y globalización sería como negar lo obvio. Y sinceramente creemos que nuestra colección recoge estas preocupaciones.

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P.B. –En la colección hay varias líneas argumentativas. Entre ellas hay algunas obras con una factura política. O.M J.N. –La política influye en nuestras vidas y todos estamos, aunque no lo creamos, politizados, y nosotros también. En este sentido, hemos adquirido obras con un cierto discurso político y social, obras que de alguna manera reflejan nuestra posición ante la vida. Así, Julien Michel nos recuerda nítidamente las influencias negativas y riesgos elevados que conllevan las especulaciones en los mercados financieros; Chus García-Fraile analiza en su atractivo discurso las falacias y los estragos del consumismo; Miguel Aguirre incide en las relaciones políticas, el deporte en la iconografía mundial, el papel secundario de la mujer o la influencia de la autoridad religiosa en las sociedades, y siempre con la corrupción como telón de fondo; Carlos Aires y su radiografía española desde la Guerra Civil a la actual inmigración, o las referencias de Pedro Barbeito a través del cómic a determinados aspectos de la sociedad actual de los EE.UU. P.B. –También encontramos un cierto gusto por una estética popular de colores llamativos, como sería el caso con las obras de los Luo Brothers, Edgardo Larregui, Melvin Martínez o Manfred Peckl que preconizan un nueva contextualización del “kitsch”. O.M. J.N. –Los colores muy llamativos y ciertos elementos “kitsch” siempre han estado presentes en la estética que conforma la cultura popular, pero también en el arte contemporáneo, desde Warhol y Rosenquist hasta Koons, Murakami o Damien Hirst. Siempre hemos pensado que nuestra colección debería estar cercana a este tipo de obras e integrarlas en ella. Tal vez el hecho de vivir en una isla como Lanzarote de colores y contrastes muy vivos, con mucha luz, contribuya a nuestro gusto por este tipo de propuestas. Así, en la obra de los chinos Luo Brothers, en pintura a la laca, se aprecia toda la tradición de la cartelería china a través de esas imágenes “feas” de animales que recuerdan a almanaques de finales del siglo XIX, pero que reflejan de manera extraordinaria ese tránsito de la China de Mao hacia el capitalismo. Por su parte, los puertorriqueños Edgardo Larregui y Melvin Martínez reúnen una serie de colores y elementos, lentejuelas, flores de plástico, purpurina, etc., que por sí mismos resultarían un poco “horteras” en otro contexto, pero que al juntarlos consiguen un resultado muy atractivo y que en ellos tienen todo su sentido: es el reflejo de esa herencia y creatividad caribeñas. Y también el austriaco Manfred Peckl, con tiritas de mapas mundi recortadas y pegadas, tipo collage, consigue un efecto pictórico interesantísimo que recontextualiza esa vertiente kitsch de una manera novedosa. Sabemos que los críticos y los curadores le tienen mucho miedo al kitsch, pero el kitsch ya hace tiempo que se incorporó, o mejor dicho, que los artistas lo incorporaron a sus propuestas artísticas. P.B. –Otro eje sería la perspectiva femenina o la posición de la mujer en el mundo. O.M. J.N. –Aunque a lo largo de la historia ha habido magníficas mujeres pintoras, este mundo del arte, como otros, ha estado y aún sigue estando dominado por hombres, pues la mujer ha sido discriminada, aunque cada día menos.


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Desde este punto de vista, nos parecía interesante que la colección tuviese una presencia significativa de mujeres, en cuanto a artistas y a obras. No se trata de establecer cuotas, que tal vez aún sean necesarias en muchos campos, pero el hecho es que hay muchas más mujeres artistas que antes y nosotros nos hemos guiado por aquello que nos interesaba, o sea, la calidad y no el género. Además, la aportación del punto de vista femenino al arte contemporáneo nos parece sumamente interesante por cuanto facilita una visión mucho más compleja de la sociedad que cuando sólo disponemos de una visión predominantemente masculina. Y esto aporta una perspectiva necesaria, diferente y fresca, como podemos observar a través de las obras de Zoé Byland, Clemencia Labin, Natacha Marques o Kerstin Drechsel. P.B. –Y, finalmente, encontramos una gran presencia de pintura abstracta. Esto no deja de ser muy llamativo porque por lo general el coleccionista privado no suele coleccionar con tanta intensidad pintura abstracta y se siente más a gusto en el mundo de la figuración. En vuestra colección hay diversidad y profundidad. O.M. J.N. –Es cierto que dentro del coleccionismo clásico la pintura figurativa siempre ha tenido un papel protagonista. Todos recordamos expresiones como “la pintura abstracta no es pintura” o, en referencia a las composiciones de Mondrián, “eso lo sabe hacer mi hijo”. Por supuesto que a nosotros nos gusta la pintura abstracta porque también supone un mayor reto, y como espectador te permite más libertad y también cierta posibilidad de “escape” que va más allá de una bonita composición o trazo, como sería el caso, con todos nuestros respetos, de un Eric Fischl, una Elizabeth Peyton o un John Currin. Además, hay que tener en cuenta que hoy día con los escáners, las cámaras digitales, Facebook y Twitter, el Photoshop… se abren unas posibilidades enormes que posibilitan unas incursiones fantásticas en el campo de la abstracción que toman como punto de partida “el píxel”. En este sentido, y a modo de ejemplo, sólo basta fijarse en la obra de artistas como Vargas Suárez-Universal, Barbeito, Changha Hwang, Marcaccio o Krisdy Shindler. SENTIMIENTOS (ENCONTRADOS) P.B. –Todo coleccionista –como decía Peggy Guggenheim– ha dejado escapar obras en algún momento de su vida. Mi pregunta no es tanto qué artistas u obras habéis dejado escapar, sino ¿con qué obras de vuestra colección tenéis una relación sentimental o de alguna manera especial? O.M J.N. –En efecto, siempre hay alguna obra que por una razón u otra se deja escapar. Esa obra jamás se borrará de tu mente. Y sí, siempre se tiene una relación muy intensa y especial con algunas obras. En nuestro caso esto sucede de modo muy particular con un vídeo de Mariana Vassileva, The Milkmaid (La Lechera), basado en la misma pintura barroca del holandés Jan Vermeer, y que incorpora música electrónica y cantos gregorianos. Desde las peripecias para adquirirla hasta hoy todo fue un proceso largo y

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apasionado, aunque en algún momento estresante. Pero ahora nos sentimos totalmente felices de haber conseguido esta obra tan magnífica, que consideramos icónica dentro de nuestra colección por cuanto ejemplifica de manera muy atractiva esa particular relación que el artista contemporáneo mantiene con la propia Historia del Arte al tiempo que se sirve de los medios a su alcance. Esta reinterpretación de Mariana de la obra de Vermeer nos parece sencillamente sublime. P.B. –Y también me gustaría haceros la siguiente pregunta: ¿qué obras que forman parte de vuestra colección os resultaron más complejas para adquirir y convivir? O.M. J.N. –La más difícil de todas fue una serie de la artista canadiense residente en Alemania Edith Dakovic. Se trata de de obras sobre piel de cerdo infladas, en formato de cuadro, con tatuajes pintados y lunares y pelos como los de la piel humana. Abordan un apasionante discurso sobre la emigración, el dolor, la ausencia, la muerte… En fin… que estuvimos casi tres años contemplándolas hasta que acabaron entrándonos por el ojo. Hoy les tenemos un cariño muy especial, el mismo que a Edith que ha terminado siendo nuestra amiga. También nos resultó complejo comprar una instalación de Jaime Gili, artista venezolano residente en Londres y con fuertes vínculos con Barcelona. Esta pieza ocupa una habitación completa e incluye dos cuadros de tres por dos metros. Y hoy día nos llena de satisfacción, y también el hecho de que a Jaime le vaya tan bien. P.B. –El mundo del arte concita a muchas personas por motivos muy diversos, desde prestigio social hasta inversión o simple y llanamente especulación: Pinault, Arnault, Saatchi, los Rubell… ¿Cuál ha sido vuestra experiencia en este sentido? O.M. J.N. –Todos los nombres que citas, utilizando un símil futbolístico, son de la primera división del coleccionismo y por supuesto nosotros no ‘jugamos” en esa liga. La mayoría de coleccionistas que hemos conocido no venden sus obras, no especulan con ellas. Desde luego que con el tiempo normalmente se produce una cierta revalorización de la obra de arte, lo que no es muy diferente a lo que ocurre con una casa o un apartamento de playa, pero queremos pensar que nadie se inicia en el mundo del coleccionismo por motivos especulativos o de prestigio social. Y si el prestigio social fuera una de las motivaciones, nos parece estupendo. En todo caso, en muchas ocasiones serían consecuencias no buscadas, como las que puedan existir con motivo del desarrollo de otro tipo de actividades profesionales o deportivas. Un buen cirujano o un gran tenista, por ejemplo, disfrutan del prestigio derivado del ejercicio de su profesión, y a nadie le extraña eso. P.B. –Después de un coleccionismo tan intenso, el espacio se vuelve un asunto importante por no decir trascendental. ¿En qué sentido afecta o ha afectado la adquisición de compra de obras? O.M. J.N. –Pues sí, sobre todo en los inicios de la colección el espacio era un asunto importante. Inevitablemente, cuando nos planteábamos alguna adquisición siempre


Colección Ofelia Martín-Javier Núñez

surgía la pregunta: ¿…y dónde lo colgamos? Incluso nos costó alguna que otra pequeña discusión. A partir de un determinado momento eso quedó superado y ya forman parte de nuestra colección piezas de gran formato, muchas de ellas sin colgar, pero las disfrutamos de todos modos. De hecho, cuando dejó de preocuparnos el problema del espacio es cuando creemos que empezamos a sentirnos auténticos coleccionistas, siempre dentro de nuestras posibilidades. P.B. –Tenéis ya un número importante de obras, como refleja “Espíritu de época”. ¿Cuál es el futuro de vuestra colección? ¿Abrir un espacio propio tal vez como suelen hacer los coleccionistas americanos como los De la Cruz, Margoulis o los Rubell? O.M. J.N. –Realmente no nos hemos planteado esa cuestión con detenimiento. No obstante, lo que sí tenemos claro es que nos gustaría compartirla, y en ese sentido no descartamos que en el futuro la colección esté expuesta en un espacio de Lanzarote, bien público o privado. Esto último nos permitiría también establecer convenios de residencia con artistas que nos interesaran ayudándoles en la producción y facilitándoles un espacio expositivo, y luego adquirir obras para la colección. Otra ventaja de disponer de un espacio sería hacer intercambios con otros coleccionistas privados y exponer nuestras obras en sus espacios y las de ellos en el nuestro. Es un poco la misma idea que preside por ejemplo la exposición “Investigations of a Dog. Works from the FACE Collections”, que ahora se puede ver en La Maison Rouge parisina, y en la que se muestran obras de la Fondation Antoine de Galbert, la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Magasin 3, DESTE y Ellipse Foundation. Es ahí, en este tipo de iniciativas, aunque a un nivel más discreto para nosotros, donde pueden surgir sinergias de colaboración interesantes entre coleccionistas privados sin tener que depender del Estado. P.B. –Coleccionar arte es una forma de vida y una forma de compartir. ¿Cómo lo definiríais vosotros? O.M. J.N. –Son ambas cosas. Por supuesto que un modo de vida, que además tiene un determinado estilo y códigos, puesto que llega un momento en que la colección, las gestiones que conlleva y las relaciones con personas del mundo del arte absorben gran parte del tiempo que uno deja de dedicar a su actividad profesional: viajas, compartes intereses, opiniones, muestras tus obras, ves las de otros… Dicho esto, tampoco cabe duda de que cuando de verdad compartes tu colección es cuando la exhibes públicamente, es casi como desnudarte espiritualmente, mostrar tu alma. Alguien dijo aquello de que hacer arte es “hacerlo público”, y en este sentido, mostrarlo sólo sería una parte más de ese proceso. P.B. –Vuestro caso es bastante inusual en Lanzarote. ¿Qué recomendaríais a otras personas que se quieran iniciar en el coleccionismo?

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O.M. J.N. –Coleccionar arte contemporáneo es una pasión y un gran placer, y ello supone un gran esfuerzo y dedicación, aunque como todas las cosas del corazón, más que de la razón, se hacen casi sin darse cuenta. Por ello, todo el que quiera coleccionar debe vivirlo con gran intensidad y, nos atreveríamos a sugerir que, sobre todo, compre siempre lo que le guste, al margen de cualquier otra opinión. P.B. –Muchas gracias. x


Colección Ofelia Martín-Javier Núñez

INTERVIEW

Ofelia Martín Fernández and Jesús Javier Núñez González

“In our opinion, contemporary painting should be an accurate reflection of our society, as it was the work of Rembrandt, Rubens and Picasso”

Residents of Lanzarote, Ofelia Martín Fernández and Jesús Javier Núñez González started collecting art around 1987. Ever since then, Ofelia, a teacher, and Javier, an auditor and economist, have lived their passion with exceptional intensity. The result of this is the exhibition “Espíritu de época/Spirit of the Epoch” now showing in MIAC (International Museum of Contemporary Art) and in the Santo Domingo Convent Art Centre, both in Lanzarote. On exhibition there are about 100 paintings, installations and videos which have been collected over the past 10 years. One can relive this personal experience which faithfully represents the spirit of the epoch of the most recent international contemporary painting. We spoke to Ofelia and Javier in order to find out more about their beginnings, motivations and the future prospects of their collection. Paco Barragán.- Let’s start from the beginning, What motivated you to start collecting art? Ofelia Martín and Javier Núñez.- No particular reason, just our devotion to beauty. We started almost by chance at an exhibition in the El Aljibe Gallery in El Almacén, in 1987. That was when we purchased our first piece by the painter Juan Gopar, from Lanzarote. This experience triggered our interest and we kept on buying art. P.B. –Is there also an element of philanthropy perhaps? O.M. and J.N.- There might be, although we have never looked at it that way and we would not be able to afford to do so either. It is obvious that due to the nature of the profession, artists often need the help of others. Painters such as Tintoretto, Rubens and Goya received papal and courtier support as well as sponsorship from patrons of the arts such as the Medici family. There are also contemporary examples of this type of sponsorship as in the case of Francesca von Habsburg, daughter of Baron Thyssen-Bornemisza, an active supporter in the production of the work of artists such as Ai Wei Wei and Los Carpinteros. On the other hand, perhaps the will to help is part of our character, since we have been members of the International Red Cross for quite some time and also the ecological organisation, Greenpeace. P.B.– Since then you have had the opportunity to travel and meet other art collectors

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as well as artists themselves. In your opinion, what has changed and what continues to appeal to you? O.M. and J.N.-Being involved in art collecting, we often organise our holidays to suit our interest. We visit art fairs and galleries and this has helped us to make friends with art collectors, artists, curators, gallery owners and directors, among others. What has changed most is easy access to information thanks to new technologies, providing quick access to art and quick decision-making. But without a doubt, artists themselves are the best part of it all. What keeps on appealing to us is the excitement of that very first time you see a piece of art, and you get butterflies in your stomach. P.B.– Globalisation has had a big effect on the art world. Your collection has proven to be quite international and young from the very beginning, in contrast with other collections in Spain which up until very recently have focused only on Spanish art including only here and there a piece by some well-established international artist. How come? O.M. and J.N.- We have open non-exclusive minds when it comes to art. We are universalists and this is portrayed in the international input of our collection in which we include artists from all around the world, from our own Lanzarote to Macedonia, Korea, China, the United States and Brazil. Regarding its young feel, we find that discovering and purchasing art from emerging artists is much more thrilling and exciting as well as more affordable. Purchasing art from well-established artists requires a higher budget. It is also a more conservative and less risky option, which is perfectly understandable for people who view art more as an investment than a philosophy of life. We are delighted that people invest in art as much as they can, and although it is a different point of view to ours, it is equally worthy of respect. P.B.– Something else that stands out, is that you seem to have purchased several pieces by the same artists which is quite unusual in most private collections. O.M. and J.N.- Having one and only one piece by an artist, is like having just one shot of a movie. It takes at least two to create sequences through which we can appreciate the characteristics and idea portrayed. However, we have only one work or video by some of our artists, such as Jaime Gili, Myritza Castillo, Mariana Vassileva, Krisdy Shindler and Saso Stanojkovik, as we felt that due to the nature of those pieces, they fitted nicely into our collection without the need to include any others. POLITICS, KITSCH AND ABSTRACTION P.B.– What would you say is the main thread going through your collection? O.M. and J.N.- Historically, painting has developed techniques, materials and ideas. Nowadays, unconventional and high-tech techniques are used. From that point of view, the very current term “expanded painting” is used more and more every time and is


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generally accepted by critics. In this contemporary or current context, which is a reflection of the society in which we live, we include in our collection three-dimensional formats and pieces which portray a “mass-media” or a technological idea, as in the work of Pedro Barbeito, Oliver Johnson and Vargas Suárez-Universal, as well as the work or videos by artists like Chus García-Fraile and Fabián Marcaccio. In our opinion, artists should portray a reflection of the society they live in like Rembrandt, Rubens, Velázquez, Goya or Picasso did. Therefore, to exclude the context of new technologies, the media and globalisation in art would be to deny the obvious. We feel that our collection shows these concerns. P.B.– There are several themes represented in your collection. Some of them include a political agenda. O.M. and J.N.- Politics has an influence in our lives and everyone, even if we don’t think so, is politicized, including ourselves. Because of this, we have purchased pieces which represent a certain political and social agenda, and reflect our standpoint. Julien Michel clearly reminds us of the negative influence and high risks of speculating in financial markets; Chus García-Fraile’s attractive discourse reminds us of the fallacies and damage caused by consumerism; Miguel Aguirre places the spotlight on political relationships, the worldwide iconography of sports, the secondary role of women and the influence of religion in society, always portraying corruption in the background; Carlos Aires and his Spanish interpretation of the Civil War to the current immigration situation, and the references made by Pedro Barbeito using comic illustrations to portray certain aspects of the current society in the United States. P.B.- There also seems to be a tendency towards a bright and colourful popular aesthetic, like in the case of the Luo Brothers, Edgardo Larregui, Melvin Martínez or Manfred Peckl who praise a new contextualisation of “kitsch”. O.M. and J.N.- Bright colours and certain “kitsch” elements have always been part of the aesthetic which shapes popular culture, as well as contemporary art from Warhol and Rosenquist to Koons, Murakami and Damien Hirst. We have always believed that our collection should be close to this kind of art and that’s why we have included it. Perhaps living on an island like Lanzarote, which is full of colours and contrasts, has an influence on our preferences for these kinds of choices. In the work of the Chinese Luo Brothers, using lacquer painting, one can appreciate the traditional Chinese posters through “ugly” images of animals which remind us of calendars from the end of the 19th Century, but also extraordinarily reflect the transition from Mao’s China to capitalism. The Puerto Ricans Edgardo Larregui and Melvin Martínez gather a series of colours and elements, using sequins, plastic flowers and glitter, which by themselves could appear slightly “tacky” in a different context, but that put together result in a very attractive portrayal which reflects the creativity of their Caribbean heritage. Also, the Austrian Manfred Peckl using strips of an atlas cut out and pasted collage-style, reintroduces kitsch style in a more innovative way, giving his piece an interesting picturesque effect. We know

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Espíritu de época / Spirit of the Epoch

that critics and curators are afraid of kitsch, but kitsch has long been included by artists in their work. P.B.- The female perspective and position of women in the world, is another theme. O.M. and J.N.- Although throughout history there have been many wonderful female painters, the world of art, like many others, has been and continues to be dominated by men. Women have always been discriminated against. However, this is changing as time goes by. In this way, we thought it would be interesting to include a significant female presence to our collection, including the artists and their work. It is not about establishing a quota which perhaps may be necessary in other fields, but to acknowledge the fact that there are many more female artists than there used to be and that we have been guided by what appealed to us, which is quality, not gender. Besides, we find the female input in contemporary art extremely interesting as it provides a much more complex view of society, as opposed to just having one predominant male perspective. This gives a necessary, fresh and different approach as we can appreciate through the work of Zoé Byland, Clemencia Labin, Natacha Marques and Kerstin Drechsel. P.B.– Lastly, there is a significant presence of abstraction in your collection. This is notable because private collectors generally don’t tend to focus on abstraction and feel more comfortable in the world of figurative art. Your collection is both diverse and deep. O.M. and J.N.- It is true that in classic collections, figurative painting has always been the main trend. We all remember expressions such as “abstract paintings are not paintings” or, regarding Mondrian’s work, “my child could do that”. Of course we like abstraction because it’s challenging, and it gives the viewer more freedom and the possibility to “escape” further from a mere straight forward composition. With all due respect to Eric Fischl, and also Elizabeth Peyton or John Currin. Furthermore, we must take into account that nowadays scanners, digital cameras, Facebook, Twitter and Photoshop, open up a huge number of possibilities of working with abstract art, taking “pixels” as a starting point. It just takes one look at the work of artists such as Vargas Suárez-Universal, Barbeito, Changha Hwang, Marcaccio or Krisdy Shindler to appreciate this. MIXED FEELINGS P.B. – Every collector -Peggy Guggenheim said- has let pieces of art slip through their fingers at some point in time. I would like to know, not so much which artists or pieces have slipped through your fingers, but which of your pieces you feel you have a soft spot for? O.M. and J.N.- Indeed, there is always some piece that you have let go for one reason or another, and you will never forget it. And yes, one always has a soft spot for some of their pieces. We particularly feel that way about a video by Mariana Vassileva, The Milkmaid, based on the Baroque painting by Dutch artist Jan Vermeer, which combines


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electronic music and Gregorian chant. Although it was a long and passionate process from the moment we purchased it until today, it was at times quite stressful. We are now delighted to have purchased such a magnificent piece of art which we consider iconic to our collection. It portrays, in a very attractive manner, the unique relationship that contemporary artists have with the History of Art in conjunction with the use of resources available to them. In our opinion, Mariana’s interpretation of Vermeer’s work is simply sublime. P.B.– I would also like to ask you the following question: Which of the pieces of your collection did you find hardest to purchase and live with? O.M. and J.N.- The most difficult of them all was a series by the Canadian artist, Edith Dakovic, who lives in Germany. It consists of a series of bloated pieces of pig skin, with tattoos, beauty spots and hair which represent human skin and passionately deal with issues of emigration, pain, absence, and death. We had been looking at the pieces for almost three years until they managed to fully catch our eye. We now have a fondness for this work and for Edith herself, who has ended up becoming our friend. We also had difficulty in purchasing a piece by Jaime Gili, a Venezuelan artist who lives in London and has a strong attachment to Barcelona. His piece takes up a whole room and includes two three-by-two metre paintings. Today, this piece and Jaime’s success give us great satisfaction. P.B.– The world of art appeals to different people for totally different reasons, from social prestige or investment to simple speculation, like in the case of Pinault, Arnault, Saatchi or the Rubells. What’s your view on this matter? O.M. and J.N.- To use a football metaphor, everyone you have just mentioned is in the first division of collectors, and we do not even “play” in that league. Most art collectors we have met don’t sell their art, they don’t speculate. Of course, in time, there is an increase in the value of art, which is more or less what happens to houses and holiday homes, but we would like to think that no one gets started in collecting to speculate or gain social prestige. If social prestige turns out to be one of the motives that some people have then, good for them. Regardless, one is often not looking to get into this, you just end up doing so. The same thing happens to people in certain professional paths or sports. For instance, a good surgeon or a great tennis player enjoys social prestige as a result of their career, and no one thinks anything of it. P.B.– After collecting so intensely, space becomes significant or even transcendent. How do you factor that in when purchasing new art? O.M. and J.N.- Indeed, especially at the beginning of our collection space was a significant issue. Unavoidably, when we were thinking about new purchases the question “Where will we hang it?”, would always arise. We have even had some arguments about it. After a while, we got over that and now we have large-format pieces as parts of our collection, many of them have not been hung yet but we still get to enjoy them. In fact, as soon as we

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Espíritu de época / Spirit of the Epoch

stopped worrying about the space we had available, we started to feel like true collectors, always, of course, within our means. P.B.– You already have a significant number of pieces of art in your possession, as we can see in “Espíritu de época/Spirit of the Epoch”. What are the future prospects of your collection? Perhaps to open up your own exhibiting space as in the case of some American collectors like De la Cruz, Margoulis or the Rubells have done? O.M. and J.N.- We haven’t really thought about it in detail. However, we would definitely like to share our collection, so we won’t rule out exhibiting it in Lanzarote in the future, either publicly or privately. The latter would allow us to also establish residence agreements with some artists that we could have an interest in, assisting them in the production of their pieces and making it easier for them to exhibit their work, before we purchase it and add it to our collection. Another advantage of availing of your own exhibiting space would be to exchange pieces with other private collectors, exhibit our collection in their space and have them exhibit in ours. That’s kind of the idea behind the exhibition “Investigations of a Dog. Works from the FACE Collections”, which can now be seen at the Parisian La Maison Rouge, and where you can find the work of the Foundation Antoine de Galbert, the Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Magasin 3, DESTE and the Ellipse Foundation. It’s in these types of initiatives that important collaborations may arise without having to depend on the State. P.B.– Collecting art is a way of sharing, and also a lifestyle. How would you describe it? O.M. and J.N.- It’s a bit of both. It’s most definitely a lifestyle, with a specific style and code. And there comes a time in which managing your collection as well as managing relationships with people involved in the world of art, travelling, sharing interests and opinions, exhibiting your collection and viewing that of others, takes up a great deal of your time, meaning that you stop investing that time in your career. Having said that, there is no doubt that when you truly share your collection is when you exhibit it publicly, it’s like posing naked spiritually, like putting your soul on display. Somebody once said that to make art is to “to make it public”, and in that sense, showing it would only be one more step in that process. P.B.– Your situation is quite unusual in Lanzarote. What would you recommend to other people who would like to get started in collecting art? O.M. and J.N.- Collecting contemporary art is a passion and a great pleasure, and it involves a great deal of effort and dedication. Although like everything that has to do with decision-making from the heart as opposed to from the mind, you do it almost effortlessly. That is why anyone who wishes to become a collector must live it intensely, and we would even dare to suggest always buying what you really like above anything else. P.B.– Thank you very much. x


“En Puerto Rico se le llama “tierra” a la gente maliciosa, corrupta, a personas que son destructivas, ya formen parte del sistema o lo ejerzan a nivel individual. Tomo esta clasificación de los vicios mencionados en las primeras enseñanzas del Cristianismo y la traslado a los tiempos actuales. El mural es como los caminos de hormiga debajo de la tierra, y ahí en esos caminos y cavernas acontecerán situaciones muy dispares: personas teniendo sexo con animales, concursos de glotonería televisada, Santa Claus entregándole armas de destrucción masiva a los Reyes Magos, etc. Pero como todo cuento de Hollywood tendrá un final”. “In Puerto Rico we call malicious, corrupt, destructive people, “tierra”(dirt)”, regardless of whether they are part of the system or whether they behave like this at an individual level. I have taken the vices mentioned in the teachings of Christianity and applied them to life nowadays. The mural is like a trail of ants under ground, and it is there in those paths and caves where a great deal of diverse situations take place: there are people having sex with animals, televised gluttony competitions and Santa Claus handing weapons of mass destruction to The Wise Men. But just like any Hollywood fairytale, every story comes to an end”.

El joven artista puertorriqueño Edgardo Larregui (Bayamón, 1976) intervino uno de los muros de la ciudad de Arrecife (Lanzarote) creando el mural “Por debajo de la tierra”, cuya temática parte de los 7 pecados capitales. The young Puerto Rican artist Edgardo Larregui (Bayamón, 1976), intervened in one of the walls of the city of Arrecife (Lanzarote), by creating a mural called “Por debajo de la tierra” (Under ground), whose subject matter deals with the 7 deadly sins.


Colección Ofelia Martín-Javier Núñez

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ÍNDICE / INDEX

#1 Po(p)lítica y vida cotidiana: lo extraordinario de lo ordinario Po(p)litics and daily life: The extraordinary within the ordinary 36

Miguel Aguirre

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Carlos Aires

38

Pablo Alonso

39

Peter Atkins

40

Pedro Barbeito

41

Chus García Fraile

42

Julien Michel

43

Sophia Schama

44

Saso Stanojkovic

#2 Ella lo domina todo: la redefinición de la mujer She dominates all: The redefinition of the female 48

Zoé Byland

49

Myritza Castillo

50

Edith Dakovic

51

Kerstin Drechsel

52

Matthias Köster

53

Natacha Marques

54

Julien Michel

55

Mariana Vassileva

56

Santiago Ydáñez

57

Wang Zhijie


#3 Cosa de hombres (o casi): la venganza del kitsch It’s a man thing (or almost): The revenge of kitsch 60

Clemencia Labin

61

Edgardo Larregui

62

Dani Marti

63

Melvin Martínez

64

Ramón Martins

65

Alonso Mateo

66

Manfred Peckl

#4 Duros, románticos y atmosféricos: el ‘problema’ abstracto Hard-edgers, Romantics and Atmospherics: The abstract ‘problem 70

Jaime Gili

71

Álvaro González

72

Laura González Cabrera

73

Changa Hwang

74

Oliver Johnson

75

Fabián Marcaccio

76

Nico Munuera

77

Krisdy Shindler

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Vargas Suárez-Universal

#4 TEXTOS DE ARTISTAS / ARTIST’S WRITINGS

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#1

Po(p)lítica y vida cotidiana: lo extraordinario de lo ordinario

Po(p)litics and daily life:

The extraordinary within the ordinary

En este apartado están reunidos artistas cuya obra tiene una factura pop y/o figurativa que indaga en aspectos cotidianos, de la cultura popular o de carácter político: Miguel Aguirre, Carlos Aires, Pablo Alonso, Peter Atkins, Pedro Barbeito, Chus García Fraile, Julien Michel, Sophia Schama y Saso Stanojkovic. This section brings together artists whose work has a pop and or figurative element which analyses political aspects, daily life and pop culture: Miguel Aguirre, Carlos Aires, Pablo Alonso, Peter Atkins, Pedro Barbeito, Chus García Fraile, Julien Michel, Sophia Schama and Saso Stanojkovic.


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Espíritu de época / Spirit of the Epoch

Miguel Aguirre (Perú / PERU)

Un estudiante iraní hace el signo de la victoria con una piedra en la mano durante la manifestación de solidaridad con el pueblo palestino, 2010 Óleo sobre tela / Oil on canvas 39 x 29 cm

El presidente Barack Obama saluda a sus simpatizantes tras un discurso en Chicago, 2010 Óleo sobre tela / Oil on canvas 39 x 29 cm

El tenista español obtiene por segunda vez el ´doblete´ Roland Garros-Wimbledon y conquista su octavo ´grande´ con 24 años, 2010 Óleo sobre tela / Oil on canvas 39 x 29 cm

Benedicto XVI reza durante su visita a Valencia, en julio de 2006. A la derecha, Francisco Camps, 2010 Óleo sobre tela / Oil on canvas 39 x 29 cm

Cristiano Ronaldo celebra el segundo gol del Madrid, 2010 Óleo sobre tela / Oil on canvas 39 x 29 cm

Felipe González (de frente) y Adolfo Suárez en 1977, 2010 Óleo sobre tela / Oil on canvas 39 x 29 cm


1. Po(p)lítica y vida cotidiana / Po(p)litics and daily life

Carlos Aires (España-Bélgica / SPAIN-BELGIUM)

Una gran lliure, 2010 Discos de vinilos y plexiglass / Vynil records and plexiglass 182 x 134 cm

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Espíritu de época / Spirit of the Epoch

Pablo Alonso (España-Alemania / SPAIN-GERMANY)

Wappen, 2005 Acrílico sobre poliuretano sobre tela / Acrylic, polyurethane on canvas 230 x 160 cm

Gruppenbild, 2005 Acrílico sobre poliuretano sobre tela / Acrylic, polyurethane on canvas 230 x 160 cm


1. Po(p)lítica y vida cotidiana / Po(p)litics and daily life

Peter Atkins (Australia)

Two separator, 2003 Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 100 x 100 cm

Paper cup handle, 2003 Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 100 x 100 cm

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Espíritu de época / Spirit of the Epoch

Pedro Barbeito (España-Grecia / SPAIN-GREECE)

Captain America: Shield I, 2006 Técnica mixta sobre lienzo / Mixed media on canvas 198 x 122 cm

Captain America: Shield II, 2006 Técnica mixta sobre lienzo / Mixed media on canvas 198 x 122 cm


1. Po(p)lítica y vida cotidiana / Po(p)litics and daily life

Chus García-Fraile (España / SPAIN)

Sneaker 1, 2002 Óleo s/lienzo / Oil on canvas 210 x 100 cm

For sale I, 2007 DVD 3’32’’

Sneaker 2, 2002 Óleo s/lienzo / Oil on canvas 210 x 100 cm

For sale II, 2007 DVD 3’32’’

Sneaker 3, 2002 Óleo s/lienzo / Oil on canvas 210 x 100 cm

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Espíritu de época / Spirit of the Epoch

Julien Michel (Francia / FRANCE)

Black market nº 3, 2003 Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 114 x 162 cm

Black market nº 2, 2003 Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 114 x 162 cm


1. Po(p)lítica y vida cotidiana / Po(p)litics and daily life

Sophia Schama (Bulgaria-Alemania / BULGARIA-GERMANY)

Hai (Red Shark), 2008 Acrílico sobre tela / Acrylic on canvas 170 x 250 cm

Red blue shark, 2008 Acrílico sobre tela / Acrylic on canvas 130 x 70 cm

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Espíritu de época / Spirit of the Epoch

Saso Stanojkovic (Macedonia)

Film Marathon, 2003 DVD 30’


#2

Ella lo domina todo: la redefinición de la mujer

She dominates all:

The redefinition of the female

En este apartado reunimos obras donde la figura de la mujer es redefinida a través de una presencia decidida, consciente, en momentos intimista o convertida en protagonista de lo que acontece: Zoé Byland, Myritza Castillo, Edith Dakovic, Kerstin Drechsel, Matthias Köster, Natacha Marques, Julien Michel, Mariana Vassileva, Santiago Ydáñez y Wang Zhijie. This section brings together pieces which show a redefined image of women with a leading role, and a confident and aware appearance, intimist at times: Zoé Byland, Myritza Castillo, Edith Dakovic, Kerstin Drechsel, Matthias Köster, Natacha Marques, Julien Michel, Mariana Vassileva, Santiago Ydáñez and Wang Zhijie.


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Espíritu de época / Spirit of the Epoch

Zoé BYLAND (Suiza / SWITZERLAND)

Amor o muerte, 2008 Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 120 x 130 cm

Hope, 2008 Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 160 x 110 cm


2. Ella lo domina todo / She dominates all

MYRITZA CASTILLO (Puerto Rico - USA)

Under construction, 2008 video (5’) y escultura / video (5’) and sculpture 66 x 61 x 26 cm

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Espíritu de época / Spirit of the Epoch

EDITH DAKOVIC (Canadá-Alemania / CANADA-GERMANY)

Anchor and bandaid, 2008 Silicona, pigmento y pelo humano / Silicone, pigment and human hair 40,6 x 40,6 cm Winged Heart, 2008 Silicona, pigmento y pelo humano / Silicone, pigment and human hair 40,6 x 40,6 cm

Swallow, 2008 Silicona, pigmento y pelo humano / Silicone, pigment and human hair 40,6 x 40,6 cm Bandaid and Skull, 2008 Silicona, pigmento y pelo humano / Silicone, pigment and human hair 40,6 x 40,6 cm

Sailor girl, 2008 Silicona, pigmento y pelo humano / Silicone, pigment and human hair 40,6 x 40,6 cm Sailors dream, 2008 Silicona, pigmento y pelo humano / Silicone, pigment and human hair 40,6 x 40,6 cm


2. Ella lo domina todo / She dominates all

KERSTIN DRECHSEL (Alemania / GERMANY)

Diary..., 2007 Acuarela / Aquarelle 33,5 x 41 cm (c/u - each)

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Espíritu de época / Spirit of the Epoch

MATTIAS Köster (Alemania / GERMANY)

Charlotte Rampling, 2005 Óleo sobre aluminio / Oil on aluminium 45 x 25 cm

Kim Bassinger, 2005 Óleo sobre aluminio / Oil on aluminium 45 x 25 cm

Madonna, 2005 Óleo sobre aluminio / Oil on aluminium 45 x 25 cm

Klaus Kinsky, 2005 Óleo sobre aluminio / Oil on aluminium 45 x 25 cm

Sharon Stone in Casino, 2005 Óleo sobre aluminio / Oil on aluminium 45 x 25 cm

Monica Vitti, 2005 Óleo sobre aluminio / Oil on aluminium 45 x 25 cm


2. Ella lo domina todo / She dominates all

NATACHA Marques (Portugal)

Untitled, 2004 Ă“leo sobre tela / oil on canvas 195 x 130 cm

Untitled, 2010 Ă“leo sobre tela / oil on canvas 195 x 130 cm

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Espíritu de época / Spirit of the Epoch

Julien Michel (Francia / FRANCE)

Ofelia, 2003 Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 61 x 50 cm

Untitled, 2003 Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 61 x 50 cm


2. Ella lo domina todo / She dominates all

MARIANA VASSILEVA (Bulgaria-Alemania / BULGARIA-GERMANY)

The milkmaid, 2006 DVD 3’ – Vocal: Dominique Vellart/Actriz-Performer: Maria Dabow

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Espíritu de época / Spirit of the Epoch

SANTIAGO Ydáñez (España / SPAIN)

Ofelia, 2005 Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 150 cm diam.

El grito, 2000 Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 150 cm diam.


2. Ella lo domina todo / She dominates all

WANG ZHIJIE (China)

Girl 51, 2010 Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 100 x 80 cm

Girl 52, 2010 Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 100 x 80 cm

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#3

Cosa de hombres (o casi): la venganza del kitsch

It’s a man thing (or almost): The revenge of kitsch

En esta sección incluimos artistas que utilizan materiales kitsch o bien juegan formalmente con el kistch, y con ello hacen una recuperación y una nueva contextualización del ´kitsch´ que persigue lecturas irónicas o críticas de la sociedad: Luo Brothers, Clemencia Labin, Edgardo Larregui, Dani Marti, Melvin Martínez, Ramón Martins, Alonso Mateo y Manfred Peckl. In this section we have included artists that use kitsch materials or that from a formal point of view play with kitsch, and in doing so, reinvent and re-contextualize ´kitsch´ portraying ironical and critical views of society: Luo Brothers, Clemencia Labin, Edgardo Larregui, Dani Marti, Melvin Martínez, Ramón Martins, Alonso Mateo and Manfred Peckl.


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Espíritu de época / Spirit of the Epoch

LUO BROTHERS (China)

World famous brand, 2002 Laca y pintura sobre madera / Lacquer and oil on canvas 66 x 56 cm

World famous brand, 2002 Laca y pintura sobre madera / Lacquer and oil on canvas 66 x 56 cm


3. Cosa de hombres (o casi) / It’s a man thing (or almost)

CLEMENCIA LABIN (Venezuela-Alemania)

Pulpita, 2007 Telas pintadas sobre gomaespuma / Painted quilts on foam rubber 23 x 15 cm

Pulpa cubo negro, 2010 Lycra negra, algodón de poliéster, madera y laca acrílica / Black lycra, poliester cotton, wood, and acrylic lacquer 80 x 84 x 60 cm

Megapulpa platino, 2007 Telas pintadas sobre gomaespuma / Painted quilts on foam rubber 130 x 300 x 20 cm

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Espíritu de época / Spirit of the Epoch

EDGARDO LARREGUI (Puerto Rico - USA)

Bombom candy, 2008 Acrílico sobre tela / Acrylic on canvas 160 x 95 cm

Bombones en Condado, 2008 Acrílico sobre tela / Acrylic on canvas 245 x 175 cm


3. Cosa de hombres (o casi) / It’s a man thing (or almost)

DANI MARTI (España-Australia / SPAIN-AUSTRALIA)

European monarchs. Infanta Margarita Take 1, 2007 Poliéster, nylon, cadenas de acero sobre madera / Polyester, nylon, stainnless steel on wood 193 x 120 cm

European monarchs. Infanta Margarita Take 2, 2007 Poliéster, nylon, cadenas de acero sobre madera / Polyester, nylon, stainnless steel on wood 193 x 120 cm

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Espíritu de época / Spirit of the Epoch

MELVIN MARTÍNEZ (Puerto Rico - USA)

New Formula, 2007 Técnica mixta sobre lienzo / Mixed media on canvas 200 x 200 cm

Space odissey 2021, 2006 Óleo, purpurina, flores de plástico y barniz sobre lienzo / Oil, glitter, plastic flowers, and varnish on canvas 200 x 200 cm


3. Cosa de hombres (o casi) / It’s a man thing (or almost)

RAMÓN MARTINS (Brasil - BRAZIL)

Sin título, 2007 Acrílico y spray sobre tela / acrylic and spray on canvas 210 x 160 cm

Sin título, 2007 Acrílico y spray sobre tela / acrylic and spray on canvas 210 x 160 cm

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Espíritu de época / Spirit of the Epoch

ALONSO MATEO (Cuba)

Los reyes de España, 2005 Acrílico sobre tela / Acrylic on canvas 195 x 130 cm

Los príncipes de Asturias, 2005 Acrílico sobre tela / Acrylic on canvas 195 x 130 cm


3. Cosa de hombres (o casi) / It’s a man thing (or almost)

MANFRED PECKL (Austria-Alemania / AUSTRIA-GERMANY)

Plan fuer morgen, 2005 Papel sobre madera / Paper on panel 60 x 70 cm

Waterfall, 2005 Papel sobre madera / Paper on panel 100 x 60 cm

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#4

Duros, románticos y atmosféricos: el ‘problema’ abstracto

Hard-edgers, Romantics and Atmospherics: The abstract ‘problem

Este apartado incluye artistas que reflexionan en torno a la abstracción desde diferentes perspectivas: aquellos que realizan una abstracción ´hard-edge´, otros con un tono más romántico o atmosférico: Jaime Gili, Álvaro González, Laura González Cabrera, Changa Hwang, Oliver Johnson, Fabián Marcaccio, Nico Munuera, Krisdy Shindler y Vargas Suárez-Universal This section includes artists who reflect on abstraction from different perspectives: those with a ´hard-edge´ abstraction, and others with a more romantic or atmospheric tone: Jaime Gili, Álvaro González, Laura González Cabrera, Changa Hwang, Oliver Johnson, Fabián Marcaccio, Nico Munuera, Krisdy Shindler and Vargas Suárez-Universal


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Espíritu de época / Spirit of the Epoch

Jaime Gili (VENEZUELA-Inglaterra / VENEZUELA-ENGLAND)

SSSS Deberna, 2005 Instalación de carteles y dos pinturas acrilico sobre lienzo, dim. var. / Installation posters and 2 paintings acrylic on canvas, dim. var 70 x 70 cm


4. Duros, románticos y atmosféricos / Hard-edgers, Romantics and Atmospherics

ÁLVARO GONZÁLEZ (Venezuela)

Luxuria primordia 1, 2010 Técnica mixta sobre papel / Mixed media on paper 100 x 70 cm

Luxuria primordia 3, 2010 Técnica mixta sobre papel / Mixed media on paper 100 x 70 cm

Luxuria primordia 10, 2010 Técnica mixta sobre papel / Mixed media on paper 100 x 70 cm

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Espíritu de época / Spirit of the Epoch

LAURA GONZÁLEZ Cabrera (España / SPAIN)

What Are You Doing Here?, 2011 Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 180 X130 cm

How Long Are You Staying For?, 2011 Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 180 X 130 cm


4. Duros, románticos y atmosféricos / Hard-edgers, Romantics and Atmospherics

CHANGHA HWANG (Corea / KOREA)

Red Hook, 2009 Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 81,3 x 76,2 cm

Makeshift, 2008 Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 145 x 213 cm

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OLIVER JOHNSON (Inglaterra / UNITED KINGDOM)

Colour composition, 2003 Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 100 x 100 cm

Colour composition, 2003 Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 100 x 100 cm


4. Duros, románticos y atmosféricos / Hard-edgers, Romantics and Atmospherics

FABIáN MARCACCIO (ARGENTINA- Estados unidos / ARGENTINA-USA)

Gesture´s Responsabilities, 2002 DVD 59’’

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NICO MUNUERA (España / SPAIN)

Boda... 33.2, 2005 Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 180 x 150 cm

Boda... 33.1, 2005 Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 180 x 150 cm


4. Duros, románticos y atmosféricos / Hard-edgers, Romantics and Atmospherics

KRISDY SHINDLER (Canadá / CANADA)

A Reciprocal Process of Becoming, 2006 DVD 3’15’’

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Vargas Suárez-Universal (México-USA / MEXICO-USA)

Delta: Eberswalde, 2005 Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 180 x 163 cm

Surveyor, 2005-6 Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 137 x 167 cm

Eberswalde, 2005-6 Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 152 x 137 cm


TEXTOS DE ARTISTAS / ARTIST’S WRITINGS


1: Po(p)lítica y vida cotidiana PO(P)LITICS AND DAILY LIFE Miguel Aguirre (Lima, Perú, 1973). Vive y trabaja en Barcelona / Lives and works in Barcelona “Estas piezas pertenecen a la serie DD/ MM y se enmarcan dentro de mi línea de trabajo que emplea páginas de periódicos. Se respeta el tamaño original tanto de la página como de la imagen escogida eliminando todo texto o cualquier otra imagen que pueda aparecer. Los títulos de cada pintura respetan al máximo el pie de cada imagen. Para mí no existen imágenes ‘auténticas’ dado que cada imagen lleva implícita un determinada lectura”. “These pieces are part of the DD/MM series in my line of work in which I use newspaper pages. The original size of the chosen pages and images is maintained while excluding any other irrelevant text or images. The names of each one of the paintings stick as much as possible to the caption of each image. In my opinion, there are no ‘authentic’ images since each image implies a specific interpretation”. Carlos Aires (Ronda, 1974). Vive y trabaja en Madrid / Lives and works in Madrid “Una gran Lliure” (Una grande libre) es un retablo realizado con discos de vinilos y

piezas en metacrilato recortados. Este altar barroco es un retrato de la España actual compuesto por iconos ibéricos. Una parte importantísima de esta obra es la ácida y lúdica relación entre los títulos de los discos –como por ejemplo “Quiéreme aunque te duela”, “¿No te da pena que llore?”, “Y se quedó sin aliento”– y las siluetas. The piece “Una gran Lliure” (One Big and Free Nation), consists of an altarpiece made out of vinyl records and pieces of methacrylate. This Baroque-style altar, which consists of Iberian icons, is a portrait of contemporary Spain. The acidic and playful relationship between the silhouettes and the names of the songs on the records is essential to this piece – for instance “Love me, even if it hurts”, “Don’t you feel sorry to see me cry?”, “Breathless”. Pablo Alonso (Gijón, 1969). Vive y trabaja en Berlín / Lives and works in Berlin “Descontextualizar es una forma de controlar el ritmo y asegurar que los espectadores asimilen toda la información contenida en los cuadros poniendo en entredicho la ideología de masas. En este caso, las apropiaciones de imágenes no son utilizadas como referencias, sino como un icono de un icono, lo cual complica aún más el proceso de circulación en masa y el consumo de imágenes”. “Decontextualizing is a way of controlling


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the rhythm and ensuring that the viewer assimilates all the information contained in the painting by subverting mass ideology and mass media. In this case, the appropriations of images are not references, but in fact an icon of an icon, which complicates still further the process of mass circulation and image consumption”. Peter Atkins (Mururrundi NSW, Australia, 1963). Vive y trabaja en Melbourne / Lives and works in Melbourne “La premisa conceptual de mi trabajo como pintor durante los últimos 25 años ha sido sustentada por la apropiación de formas y diseños abstractos ya existentes en el medio urbano. Desde señalizaciones, a publicidad exterior, empaquetado de productos, libros y portadas de discos, embalaje, dibujos en camiones y diseños angulares en los costados de caravanas”. “The conceptual premise of my painting practice over the past 25 years has been underpinned by the appropriation of ready-made abstract forms and designs that exist in the urban environment. From street signage, outdoor advertising, product packaging, book and record covers, store packaging, patterns on trucks and the angular designs from the sides of caravans”. Pedro Barbeito (La Coruña, 1969). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York “En estos cuadros que van desde el 2006 al 2007, me centro en el papel del medio digital en representaciones de violencia. En concreto, examino la forma en que ciertas formas de violencia se consumen con entusiasmo y son algo natural en nuestro día a día. Desde comics de super héroes (de los años 1940 y los 1950, pasando por

Fighting Yank, el Capitán América y Battle Brady), hasta video juegos con imágenes (como Gears of War y Halo3) e imágenes de la guerra de Irak. Los cuadros “Captain America: Shield I” y “Captain America: Shield II” se refieren a la vulnerabilidad que América experimentó a partir del 11 de septiembre, tanto en casa como en Irak”. “In these paintings from 2006-2007, I focus on the role of digital media in depictions of violence. In particular, I examine the way certain forms of violence are eagerly consumed and normalized in our daily experience, from early superhero comics (1940’s-1950’s --Fighting Yank/ Captain America/ Battle Brady), to video game imagery (Gears of War/Halo3...), to imagery from the Iraq war. The paintings “Captain America: Shield I” and “Captain America: Shield II” refer to the vulnerability that America experienced post 9/11 both at home and in Iraq”. Chus García-Fraile (Madrid, 1965). Vive y trabaja en Madrid / Lives and works in Madrid “Recodifico aquellos detalles que para mí representan y constituyen nuestra realidad, la realidad de la llamada sociedad del bienestar. Para ello tomo pequeños objetos de consumo como latas, tapacubos o zapatillas de deporte. Así, en la serie “Sneakers” desarrollada entre 2002 y 2004, me intereso por la marca como símbolo de estatus social y como registro de la sociedad contemporánea. La técnica en estas pinturas es fotorrealista, donde el objeto sobredimensionado y sacado de contexto es elevado a icono”. “I recode those details that in my opinion represent and shape our reality, the reality of the so called welfare state. In


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order to do so, I use small objects which represent consumerism like cans, dustbins and trainers. In my “Sneakers” series, put together between 2002 and 2004, I am interested in labels as symbols of social status and as traits of contemporary society. A photorealistic technique is employed in these paintings, where an oversized object is taken out of context and raised to the status of an icon”. Julien Michel (París, Francia, 1973). Vive y trabaja en París / Lives and works in Paris La serie “Black Market” fue realizada en 2003, y en ella Julien Michel retrata el universo de la bolsa. Visto desde el presente hallamos algo de premonitorio en estas pinturas donde el contraste entre el primer plano de las figuras y el fondo se ve realzado por el contraste figuración-abstracción. Los primeros planos confieren a la composición un aspecto cinematográfico al tiempo que el uso de colores suaves o apagados actúa a modo de extrañamiento. (PB) The “Black Market” series was created in 2003, and in this, Julien Michel portrays the world of the stock market. Seen from a current perspective, there’s a premonitory element in these paintings in which the contrast between the close-up of the figures and their background is enhanced by a figuration-abstraction contrast. The main shot confers a cinematographic look and the use of faint soft colours gives it a distancing effect at the same time. (PB) Sophia Schama (Sofía, Bulgaria, 1966). Vive y trabaja en Berlín / Lives and works in Berlin “En mi práctica pictórica reflexiono acerca de la ambivalente relación entre

la persona y la naturaleza en un mundo urbanizado, como también acerca de diferentes formas artísticas de apropiación de la jungla relacionadas con un cierto temor hacia ella que subyace en nuestro inconsciente colectivo. En este sentido, el motivo del tiburón representa elementos como peligro, fuerza, rapidez, avaricia, belleza o falta de fiabilidad”. “In my painting style I reflect on the ambivalent relationship between people and nature in an urban environment. I also focus on different artistic ways of appropriation of the jungle which are associated with a certain fear underlying our collective unconscious. In this sense, the shark represents elements of fear, strength, speed, greed, beauty and lack of reliability”. Saso Stanojkovik (Skopje, Macedonia, 1962). Vive y trabaja en Skopje / Lives and works in Skopje “El video ‘Film Marathon’ consiste en una proyección en DVD de 30 minutos de un cuadro grabado. El cuadro representa al público de una película en un cine, que fue pintado fiel a una fotografía encontrada en el Archivo Cinematográfico de Skopje. Llevé el cuadro a una sala de cine real y lo coloqué entre las filas de asientos y pedí al operador que proyectara una película delante del cuadro. En el verano de 2003 todos los cines de Skopje fueron cerrados debido al mercado no regulado de cintas VHS y DVDs pirateados”. “The work ‘Film Marathon’ consists of a 30 minutes DVD projection of a recorded painting. The painting depicts the film audience in a cinema that was painted according to a photograph found in the Film Archive in Skopje. I brought the completed painting in a real cinema theatre

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and put it between the seat rows and then I asked the cine-operator to project a film in front of it. During the summer 2003 all cinemas in Skopje were closed due to the unregulated market of pirated VHS tapes and DVD’s”. 2: Ella lo domina todo SHE DOMINATES ALL Zoé Byland (Berna, Suiza, 1975). Vive y trabaja en Viena / Lives and works in Vienna “Un aspecto muy importante de mis cuadros es el encuentro y combinación de gráficos, con técnicas de pintura clásica y dibujo. Combino formas de representación tradicionales con contemporáneas, elementos sub-culturales con temas de la cultura pop, el comic, el arte de la calle y el tatuaje en un contexto artístico. Retrato a mis personajes en un mundo mezclado entre basura y poses exageradas, en contraste con un ambiente clásico y romántico. Se encuentran a sí mismos entre las escenas, pero con creencias ideologías sinceras”. “A very important aspect of my paintings is the meeting and combination of graphic, classical painting technique and drawing. I combine traditional representation forms with contemporary, sub-cultural elements and subjects out of a pop culture, comic, street art, and tattoo art context. I portrait my characters in a mixed up world between trash and exaggerate poses in contrast to a vintage, romantic atmosphere. They find themselves between the scenes, but with sincere ideological beliefs”. Myritza Castillo (San Juan, Puerto Rico, 1981). Vive y trabaja en San Juan / Lives and works in San Juan

“En mi video cuestiono de manera irónica la continua necesidad de lo ‘nuevo’. De este modo observamos a una misteriosa persona encapuchada que está destruyendo un cuadro trozo a trozo y que introduce los restos en una caja de cristal. Una vez se ha completado la acción, la persona desaparece y el ciclo de reconstrucción finaliza. Soy yo quien pinta la obra en un principio, para luego destruirla”. “In my video I question ironically the ongoing necessity of the ‘new’. We observe thus a mysterious hooded person that is destroying a painting piece by piece and introduces the remains in a crystal box. Once the action has been completed, the person disappears and the deconstruction cycle comes to an end. It’s me who painted the work first, and then destroyed it”. Edith Dakovic (Moen, Alemania, 1963). Vive y trabaja en Berlín / Lives and works in Berlin “Mis Cuadros Inflados’ toman una mirada irónica al mundo/mercado del arte. Este trabajo reflexiona sobre la fuerza y barbaridad yuxtapuestas con lo débil y flemático; también señala nuestro consumismo incesante. Las imágenes clásicas del tatuaje -“Tattoo”- hablan de nostalgia y deseo. Una vez inflado el “Artist’s Breath” (Aliento de artista), el aire se escapa lentamente de las piezas, enfatizando el aspecto efímero de la obra”. “My ‘Bloated Paintings’ take a wry look at the Art World/Art Market. The work reflects on strength and barbarity juxtaposed with being frail and phlegmatic; they also point to our incessant consumerism. The classic Tattoo images speak of longing and desire. Once inflated the “Artist’s Breath”


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or air slowly dissipates out of the pieces, emphasizing the ephemeral aspect of the work”. Kerstin Drechsel (Reinbek, Alemania, 1966). Vive y trabaja en Berlín / Lives and works in Berlin “Capto momentos íntimos en los cuales un individuo o un grupo expresa o se identifica a través de rituales o ambientes que crean a su alrededor. En la serie ‘Daily Series’, llevada a cabo con técnica de pintura con acuarela, la mujer se muestra absorta en actividades o placeres diarios. Los cuadros usan tonos pastel que imitan los que se encuentran en una paleta de colores de maquillaje”. “I capture intimate moments where an individual or group expresses or identifies themselves through the rituals or environments they create around them. In the ‘Daily Series’ executed with watercolor painting technique, women are shown selfabsorbed in daily activities or pleasures. The paintings use pastel tones that echo those found in a make-up palette”. Matthias Köster (Detmold, Alemania, 1961). Vive y trabaja en Düsseldorf y Empoli / Lives and works in Düsseldorf and Empoli “Los primeros retratos provienen de películas emocionantes que he visto en la televisión y el cine con Monica Vitti, Charlotte Rampling, y Klaus Kinski; estas películas son increíbles invenciones visuales que me afectaron de manera muy significativa. Estas caras juegan con alegorías y con el mito de ‘La Dolce Vita’. La luz que aparece en estas películas y las caras, siempre me recuerdan a la luz utilizada en los cuadros de Tiziano,

Velázquez y Goya. Los retratos son pintados sobre aluminio: se pintan de forma rápida ‘a la prima’, de una pincelada, como en un fresco recién pintado”. “The first portraits came from exciting films I ever saw on television and cinema with Monica Vitti, Charlotte Rampling, and Klaus Kinski; these films were unbelievable visual inventions that affected me strongly. These faces play a game with allegories and the myth of ‘la dolce vita’. The light in these films and faces always reminds me of the light in the paintings of Titian, Velázquez, and Goya. The portraits are painted on aluminum: they are painted painted ‘a la prima’, in one stroke, like in a wet fresco”. Natacha Marques (Cascais, Portugal, 1975). Vive y trabaja en Cascais / Lives and works in Cascais “Mi trabajo pretende ser un estudio de la existencia humana, una reflexión interior y la búsqueda de la identidad universal, consolidada en una fijación de valores poéticos y belleza. En cada cuadro intento capturar un momento concreto, aunque esquivo, generalmente reflejado en un rostro humano. En esencia, la intención de los cuadros es ser percibidos como una reflexión de nosotros mismos, una visible representación de la invisibilidad de nuestra alma”. “My work aims to be a study regarding the human existence, an inward reflection and search of universal identity, consolidated in a fixing of poetic values and beauty. In each painting I attempt to capture a specific moment, although elusive, usually reflected in a human face. In essence, the paintings are intended to be perceived as a reflection of ourselves, a visible representation of our soul’s invisibility”.

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Mariana Vassileva (Antonovo, Bulgaria, 1964). Vive y trabaja en Berlín / Lives and works in Berlin “Desde que vi la primera vez el retrato de “La lechera” de Vermeer no pude quitármelo de la cabeza. La verdad es que la luz es un elemento que siempre me ha fascinado. Evidentemente, el contexto ha variado mucho. Tal vez podemos preguntarnos qué es lo que ha quedado y qué es lo que ha cambiado. Me pregunté qué música escucharía Vermeer. Me interesó integrar diversos medios como la escultura, la fotografía, el vídeo y la instalación con el fin de realizar una obra total”. “From the very first time that I saw the portrait of “The Milkmaid” by Vermeer, I couldn’t get it out of my head. To tell you the truth I have always been fascinated by light. The context has obviously changed a lot. We could ask ourselves what has remained the same and what has changed. I asked myself, what music was Vermeer likely to listen to. I thought it interesting to integrate media such as sculpture, photographs, videos and art installations in order to come up with the final piece”. Santiago Ydáñez (Jaén, España, 1969). Vive y trabaja en Berlín / Lives and works in Berlin “Aquí hay primero un retrato de una niña a caballo entre el ensimismamiento y la locura; el segundo es la expresión de un grito y pertenece a mis primeros rostros donde lo teatral se mezclaba con la animalidad humana. Utilizo mi rostro como filtro de sentimientos a la manera de los actores. Cuando pinto un rostro son varias ideas contrapuestas las que emergen en él: desde la animalidad humana, lo

infantil-animal, hasta la evasión o el ensimismamiento”. “The first piece consists of a portrait of a girl riding a horse seemingly somewhere between absorption and insanity; the second one depicts a scream which is part of one of the first faces I created where the theatrical meets human animality. I use the face as a filter of emotions, in the same way that actors do. When I paint a face, several opposing ideas emerge from it, ranging from human animality and childlike-animality to evasion and engrossment”. Wang Zhijie (Qi Xian, Shanxi, China, 1972). Vive y trabaja en Beijing / Lives and works in Beijing Wang Zhijie exhibe dos obras de la conocida serie “Little Girl”. Sus obras entonan con esa característica estética china contemporánea que conjuga el gusto por colores llamativos, escenas y composiciones un punto caricaturescas y surrealistas, y que es deudora de la estética pop. Sus niñas mezclan la inocencia con gestos y posturas provocadoras en su intento por comportarse como mujeres adultas, y bien podríamos ver en ello una referencia hacia el momento de indefinición y convulsión que vive el país. (PB) Wang Zhijie exhibits two pieces from the renowned series “Little Girl”. His work is in keeping with characteristic contemporary Chinese aesthetics which combines a liking for bright colours, slightly caricaturistic and surreal scenes and compositions, indebted to pop aesthetics. His girls fuse innocence with provocative postures and gestures trying to pose as adult women. This may be read as a reference to an undetermined moment of upheaval currently being experienced in the country. (PB)


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3: Cosa de hombres (o casi) IT’S A MAN THING (OR ALMOST) Luo Wei Bing (1972), Luo Wei Dong (1963), Luo Wei Guo (1964), Guanxhi, China. Viven y trabajan en Beijing / Live and work in Beijing En sus obras, los hermanos Luo analizaron la sociedad consumista y sus consecuencias sociales, políticas y culturales. Esto lo logran con colorido, composiciones gráficas, que mezclan lo tradicional con lo vanguardista, lo político con lo económico, lo profano con lo piadoso y lo artesanal con lo artístico. Imitando los calendarios chinos clásicos –que a su vez han servido de modelo para carteles publicitarios- los hermanos elaboran una imaginaria näif entre el realismo socialista, el pop y el kitsch. (PB) In their works, the Luo brothers analyzed the consumer society and its social, political and cultural consequences. This they achieve with colourful, pictorial compositions that mix the traditional with the avant-garde, the political with the economic, the profane with the pious and the artisanal with the artistic. Imitating classic Chinese calendars –which in turn have served as the model for propaganda posters– the brothers elaborate naif imaginary between socialist realism, pop and kitsch. (PB) Clemencia Labin (Maracaibo, Venezuela, 1946). Vive y trabaja en Hamburgo / Lives and works in Hamburg “My ‘Pulpa’ - fruit flesh (“Mi mundo ‘Pulpa’- carne de fruta), es una obra principalmente abstracta que rebosa humedad, fragancia y color. Protuberancias, almohadas y manchas, las formas que creo son siempre amorfas,

saliéndose del formato rectangular de un cuadro como pulpa suculenta. Donde se encuentran las curvas de lo material, fisuras sensuales se abren generalmente cubiertas con pintura acrílica brillante. En mi técnica uso tela rellena que le da a estas piezas una cualidad orgánica incuestionable, ya que es un tejido con ambas apariencias y es suave al tacto”. “My ‘Pulpa’ (fruit flesh) world is mainly abstract and my pieces are brimming with moisture, fragrance and color. Protuberances, pillows and blobs, the forms I create are always amorphous, bursting out of the rectangular format of painting like luscious flesh. Where the curves of material meet, sensual fissures open up usually coated with acrylic gloss paint. In my technique I use stuffed fabric that gives these pieces an unquestionable organic quality, as it is fabric which both looks and is soft to the touch”. Edgardo Larregui (Bayamon, Puerto Rico, 1976). Vive y trabaja en San Juan / Lives and works in San Juan “La serie ‘Dicotomía de la belleza’ trata de la poderosa industria alimenticia que vende mucha comida manipulada. Por otro lado, analizo de manera crítica la cultura de exhibicionismo tan puertorriqueña y latinoamericana en general, de ir mostrando el escote, pantalones apretados y moviendo las caderas con orgullo, que sirven para resaltar el ‘sabor’ y la identidad sensual isleña. Es esa contradicción que surge entre esos dos extremos lo que me interesa analizar en mis obras”. “The series ‘Dicotomía de la belleza’ (Dichotomy of Beauty) depicts the powerful food industry which sells modified food in great quantities. I also critically analyze the

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Puerto Rican and Latin American culture of exhibitionism in general, which is portrayed when the locals show a bit of cleavage, wear tight trousers and proudly shake their hips, to highlight the ‘flavour’ and sensual identity of the island. It’s this contradiction which arises from both extremes that I am interested in exploring in my pieces of work”. Dani Marti (Barcelona, España, 1963). Vive y trabaja en Glasgow y Sidney / Lives and works in Glasgow and Sydney “Mis obras de tejido a gran escala, insinúan asociaciones con el Minimalismo a través de su enfoque cool, reductivo, y a menudo literal de lo material. Mi proceso se mantiene fiel a más y más formas expresionistas de trabajo. Mi relación con mi temática es consistentemente fija: un intento obsesivo, laborioso, y a menudo guiado por el deseo de representar algo que va más allá de las apariencias”. “My large-scale, woven works invite associations to Minimalism through their cool, reductive, and often literal approaches to material, my process adheres more to more expressionistic ways of working. My relation to my subject is consistently fixed: an obsessive, laborious, and often desiredriven attempt to represent something of his subject that is beyond appearances”. Melvin Martínez (San Juan, Puerto Rico, 1976). Vive y trabaja en San Juan / Lives and works in San Juan “El proceso se inicia con la selección de materiales y elementos como la purpurina, el acrílico, óleo, tejidos, collares y confeti entre otros. Posteriormente, los materiales se clasifican por colores y categorías. Cuando el lienzo está listo, se mezclan

los materiales sobre él empezando así el proceso creativo. El ‘caos’ inicial se transforma en diferentes texturas y formas en las cuales intervengo, experimentando con el equilibrio, la composición, el color, la masa y el volumen. Mis cuadros recrean una escena en la que siempre ocurre algo: ¡como la vida misma!”. “The process starts with the selection of materials and elements as glitter, acrylic, oil, textiles, necklaces, confetti, and others. Then the materials are organized by color and categories. When the canvas is ready, it is the when all the materials are mixed over the canvas to begin the creative process. The initial ‘chaos’ develops into different textures and shapes in which I intervene, experimenting with balance, composition, color, mass and volume. My paintings recreate the scene where always something happens: life itself!”. Ramón Martins (Sao Paulo, Brasil, 1981). Vive y trabaja en Brasilia / Lives and works in Brasilia Ramón Martins es un joven artista brasileño que revela en su propuesta pictórica un enfoque interdisciplinario en el que se conjugan referencias al arte callejero y el graffiti, la música o la pintura barroca brasileña. Sus obras coquetean formalmente con lo kitsch y lo neo-barroco y desde un punto conceptual con lo multicultural: un gusto por cierta simbología ‘manga’. (PB) Ramón Martins is a young Brazilian artist who depicts in his paintings an interdisciplinary approach, combining references to street art, graffiti and Brazilian Baroque music and painting. His work formally flirts with kitsch and neo-Baroque styles, from a conceptual and multicultural


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standpoint: with an interest in certain ‘manga’ symbolism. (PB) Alonso Mateo (La Habana, Cuba, 1964). Vive y trabaja en Miami / Lives and works in Miami “‘New Courtesan Paintings’ (Nuevos cuadros cortesanos), es una serie de retratos de familias reales pintadas de fotos sacadas de revistas como el ‘Hola’, ‘Vanity’, etc. Las figuras son estiradas por medio de Photoshop y pintadas sobre un fondo que imita cortinas de palacio. El alargamiento de las figuras hace referencia al status social del sujeto, y, además, a los aspectos psicológicos y culturales que entran en juego para entender la obra” “‘New Courtesan Paintings’ are a series of portraits of royal families painted from photos taken from magazines such as ‘Hello’, ‘Vanity’, etc. The figures are stretched in photoshop and painted with a background that mimics palace curtains. The elongation of the figure refers to the social status of the subject, and refers also to the psychological and cultural aspects that come into play at the reception of the work”. Manfred Peckl (Wels, Austria, 1968). Vive y trabaja en Frankfurt / Lives and works in Francfort “El tema central del mapa collage es el cambio del mundo: geográficos, ya que el mundo cambia por sí mismo, al mismo tiempo que en política radical (no más fronteras), y cultural (una total pérdida de orientación). Las obras “Jungle” (Jungla) y “Plan für morgen” (Plan para el mañana) son ejemplos de una mirada distante hacia el futuro”. “The central theme of the map collages is the change of the world: geographical as

the world changes itself as well as radical political (no more borders), and cultural (a complete loss of orientation). The works “Jungle” and “Plan für morgen” (plan for tomorrow) are examples of a far view into the future”. 4: Duros, románticos y atmosféricos HARD-EDGERS, ROMANTICS, AND ATMOSPHERICS Jaime Gili (Caracas, Venezuela, 1972). Vive y trabaja en Londres y Caracas / Lives and works in London and Caracas “Las obras expuestas aquí, incluyen algunos de los primeros cuadros de la serie ‘Alma’. Cuando se pintaron exclusivamente en blanco y negro, se colocaron en carteles también en blanco y negro, de los primeros que realicé en el 2007, como se pudo ver en la Kunsthalle Bern. La sobreimpresión del cuadro en el diseño y su inusual disposición es una versión contemporánea de un ambiente constructivista, en línea con mi continuación de rutas modernas del siglo XX inacabadas”. “The work on show here includes some of the first paintings of the ‘alma’ series of paintings, when they were painted exclusively in black and white, placed on top of black and white posters of the first ones produced by me in 2007 as shown in Kunsthalle Bern. The superimposition of the painting on the pattern and the unusual disposition of the painting is a contemporary re-writing of a constructivist environment, in line with my continuation of unfinished modern routes from the 20 century”. Álvaro González (Mérida, Venezuela, 1979). Vive y trabaja en Madrid / Lives and works in Madrid

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“La serie sobre papel ‘Luxuria primordia’ usa como base fotografías e ilustraciones de moda de diversas épocas, imágenes que son descompuestas dando origen a otras. En esta serie cobran importancia los tejidos, volúmenes, estampados y texturas presentes en la ropa, desechando cualquier rastro de humanidad, es decir no se toma en cuenta al modelo que viste dicha ropa. Las deconstrucciones se realizan mediante el dibujo, el collage y la pintura”. “The series on paper ‘Luxuria primordia’ uses as its basis, fashionable photographs and illustrations from different eras, images created from other images that have been previously taken apart. This series focuses on the importance of textiles, volume, patterns and texture of clothing and not the model who wears such clothes. These deconstructions are created by means of drawing, collage and painting”.

‘Screen Pictures’ series I approach painting as if it were a screen where the condensation of pictorial matter works as resistance to the dissolving speed of pixels”. Changha Hwang (Corea, 1969). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York. “Lo que busco constantemente cuando pinto es crear una tensión visual que genere información para el proceso de entendimiento de las relaciones entre espacio y tiempo. Dichas relaciones sincronizan con la relación que existe entre Mí Mismo y Dios, o el ser humano y el Universo, o Yo y los Demás”. “What I am constantly looking for when I paint is to build up visual tension. That creates information for the process of understanding relationships of space and time. The relationships of space and time synchronizes with that of Myself and God, or Human and the Universe, or I and the Others”.

Laura González Cabrera(Las Palmas de Gran Canaria, España 1976). Vive y trabaja en Las Palmas / Lives and works in Las Palmas “Nuestra percepción está condicionada por la acelerada circulación de las imágenes en el mundo contemporáneo. A través de la pintura intento salir al encuentro de este vértigo, ampliar la imagen, darle definición, tiempo. En la serie ‘Screen Pictures’ abordo el cuadro como una pantalla donde la condensación de la materia pictórica funciona como resistencia a la velocidad disolvente del píxel”. “Our perception is conditioned by the rapid circulation of images in our contemporary world. In my paintings, I try to come face to face with that vertigo, blow up the image, and give it definition, time. In the

Oliver Johnson (Londres, Reino Unido, 1972). Vive y trabaja en Valencia / Lives and works in Valencia “Las series ‘Colour Compositions’ (Composiciones de color), surgió del deseo de explorar los límites de la pintura incorporando diferentes procesos en su creación. Utilicé un diseño uniforme de lunares para crear colores compuestos mezclando visualmente dos o más colores. La composición depende de factores contradictorios tales como la repetición y continuidad y el caos y la casualidad; el diseño es contaminado con la sensualidad de formas corrientes, pero excluye cualquier decisión guiada por el gusto individual”. “The ‘Colour Compositions’ series arose from a desire to explore the limits of painting by incorporating various processes in its


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creation. A uniform pattern of dots was used to create compound colours by visually mixing two or more colours. The composition depends on conflicting factors such as repetition and continuity and chaos and chance; the pattern is contaminated with the sensuality of common forms, yet excludes any decision guided by individual taste”. Fabián Marcaccio (Rosario, Argentina, 1963). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York Fabián Marcaccio es un artista interdisciplinario cuyo lema principal es la pintura en todas sus formas posibles. La obra ‘Gesture’s Responsibilities’ (Responsabilidad del gesto), es el primer video de Marcaccio y muestra la predisposición por el Barroco, abstracto y mutante; aquí la gruesa pincelada del artista es muy explícita. Es como si Marcaccio hubiera ido un paso por delante al crear composiciones en movimiento con saltos entre la abstracción y la figuración y entre lo micro y lo macro de manera fluida y natural. (PB) Fabián Marcaccio is an interdisciplinary artist whose leitmotiv is painting in all its possible forms. The piece ‘Gesture’s Responsibilities’ is the first video of Marcaccio and it displays the predisposition for the baroque, abstract and mutant; here the artist thick stroke is very explicitly. It is as if Marcaccio had gone a step further by creating moving compositions whose movement jumps between abstraction and figuration and the micro and the macro in a fluid and natural manner. (PB) Nico Munuera (Lorca, España, 1974). Vive y trabaja en Valencia / Lives and works in Valencia

“Estas dos obras pertenecen a la serie ‘La Grosse Badaboum’. Este nombre fue tomado de un minúsculo libro encontrado en una librería perdida de París. Fue el principio de entender la pintura como una gran onomatopeya, un gran gong que resuena ante nuestros ojos, pero sobre todo que golpea nuestro interior. Una manera de entender el referente pictórico como algo intangible”. “These two pieces are part of the ‘La Grosse Badaboum’ series. This name was taken from a tiny book found in a quaint book store in Paris. That was the start of coming to understand painting as a great onomatopoeia, an enormous gong echoing before our eyes, and inside of us. It is a way of understanding painting as intangible”. Krisdy Shindler (Vancouver, Canada, 1977). Vive y trabaja en Vancouver y Glasgow / Lives and works in Vancouver and Glasgow “Mis animaciones buscan elevar la pintura como un medio hacia sus propios límites, a la vez que sugerir formas alternativas de ver la práctica tanto histórica como actual. La disciplina juega un papel importante en mi obra, ya que considero que mis animaciones son cuadros en sí mismos. Sin embargo, a la vez son películas que mueven imágenes que tienen lugar en el tiempo, que intrínsicamente crean un sentido de la narrativa y de la historia que va más allá de lo que podría ofrecer un cuadro tradicional”. “My animations aim to push painting as a medium to its limits, while also suggesting alternative ways to view the practice both currently and historically. Disciplinarity

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Espíritu de época / Spirit of the Epoch

plays an important role in my work since I consider my animations to be paintings in their own right. However, they also are films, moving images that take place in time, which inherently creates a sense of narrative and story, beyond what a singular traditional painting could achieve”. Vargas Suárez-Universal (México DF, México, 1972). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York “El delta Eberswalde proporciona la primera evidencia clara, de que algunos valles de Marte experimentaron un continuado y persistente flujo de un líquido con las propiedades físicas del agua durante un largo período de tiempo, como

los ríos en la Tierra. Estos tres cuadros son los primeros de una serie basada en las actividades geológicas e hidrológicas que tuvieron lugar en un área de entre 14 Km x 19 Km. Encuentro que este panorama es muy misterioso”. “The Eberswalde delta provides the first clear, ‘smoking gun’ evidence that some valleys on Mars experienced on going, persistent flow of a liquid with the physical properties of water over an extended period of time, as do rivers on Earth. These three paintings are the first of a series based on the geological and hydrological activities that happened in a 14 Kmx19 Km area. I find this landscape to be very mysterious”. x



MIAC Lanzarote. Espíritu de época: Una década de pintura en la colección Ofelia Martín-Javier Núñez