Mariana Piraquive Gómez

LA EDUCACIÓN FORMAL Y LA PRECONCEPCIÓN, COMO PREJUICIO, PARA COMPRENDER EL ARTE COMO EJERCICIO PROFESIONAL

MARIANA PIRAQUIVE GÓMEZ

A EDUCACIÓN FORMAL Y LA PRECONCEPCIÓN, COMO PREJUICIO, PARA COMPRENDER EL ARTE COMO EJERCICIO PROFESIONAL

PORTADA

LA EDUCACIÓN FORMAL Y LA PRECONCEPCIÓN, COMO PREJUICIO, PARA COMPRENDER EL ARTE COMO EJERCICIO PROFESIONAL

MARIANA PIRAQUIVE GÓMEZ

Trabajo presentado en el Colegio San Patricio para finalizar la Educación Media

ANDRES FELIPE LEÓN

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COLEGIO SAN PATRICIO Bogotรก, Colombia Noviembre, 2020

CALIFICACIONES

I Jurado: _________________________________________________________________________ _________________________________________________________________________ _________________________________________________________________________ _________________________________________________________________________ ______________________________________

II Jurado: _________________________________________________________________________ _________________________________________________________________________ _________________________________________________________________________ _________________________________________________________________________ ______________________________________

III Jurado: _________________________________________________________________________ _________________________________________________________________________ _________________________________________________________________________ _________________________________________________________________________ ______________________________________

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DEDICATORIA

Esta monografĂ­a va dirgida a todos los artistas que alguna vez fueron rechazados u objetivos de burla, a quienes les han dicho que su trabajo no vale nada y a los que han tildado de incompetentes.

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AGRADECIMIENTOS

Le agradezco infinitamente a mi tutor, quien me orientรณ a lo largo de toda la investigaciรณn, al igual que a mi familia, quienes me animaron y apoyaron constantemente.

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TABLA DE CONTENIDO

PORTADA .......................................................................................................................1 CALIFICACIONES .............................................................................................................2 DEDICATORIA .................................................................................................................3 AGRADECIMIENTOS ........................................................................................................4 TABLA DE CONTENIDO ...................................................................................................5 INDICE DE TABLAS ..........................................................................................................6 ABSTRACT .......................................................................................................................8 INTRODUCCIÓN ..............................................................................................................9 PROBLEMA..............................................................................................................9 OBJETIVOS GENERALES .........................................................................................10 OBJETIVOS ESPECÍFICOS .......................................................................................10 CAMPO DE INVESTIGACIÓN ..................................................................................10 POBLACIÓN Y MUESTRA .......................................................................................11 IMPORTANCIA DE LA INVESTIGACIÓN ..................................................................11 I.

MARCO TEÓRICO ..........................................................................................12 1.1. ÁMBITO LABORAL ..........................................................................................12 1.1.1 Campo laboral del artista hoy...........................................................12 1.1.2 Freelance ..........................................................................................17 1.1.3 Luis Camnitzer ..................................................................................18 1.1.4 Pascal Gielen, Louis Volont y Walter Van Andel ...............................18 1.2 ÁMBITO ECONÓMICO .....................................................................................19 1.2.1 Hans Abbing......................................................................................19 1.2.2 Ashley Lee Wong ..............................................................................19 1.3. ÁMBITO EDUCATIVO ......................................................................................20 1.3.2. Pierre Bourdieu ...............................................................................21 1.3.3. Gabriela Canteros ............................................................................21

II.

ENFOQUE Y SOLUCIÓN AL PROBLEMA ..........................................................22 5

III.

IMPLEMENTACIÓN, MEDICIÓN E INOVACIÓN ...............................................22 3.1. DATOS Y EVIDENCIAS RECOLECTADOS ...........................................................23 3.1.1. ENCUESTAS ......................................................................................23 3.1.2. ENTREVISTAS ...................................................................................29 3.2. DEFINICIÓN ....................................................................................................32

CONCLUSIONES ............................................................................................................34 REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS................................................................................ xxxiv GLOSARIO ................................................................................................................ xxxvi ANEXO….. ............................................................................................................... xxxvii ENCUESTA .............................................................................................................. xxxvii ENTREVISTAS ........................................................................................................... xxxix

INDICE DE TABLAS figura 1. ............................................................................................................................23 figura 2. ............................................................................................................................24 figura 3 .............................................................................................................................25 figura 4.. ...........................................................................................................................26 figura 5. ............................................................................................................................26 figura 6. ............................................................................................................................27 figura 7 .............................................................................................................................28 figura 8. ...........................................................................................................................28 figura 9 .............................................................................................................................33

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RESUMEN Este estudio se enfoca en la construcción del artista en el ámbito laboral en Colombia, como este se ve afectado de manera educativa y mercantil por los evidentes y recurrentes estigmas que el mismo trabajador creativo experimenta a lo largo de toda su trayectoria, estas preconcepciones nacen de una idea normalizada que desfavorece la percepción del arte como profesión. Mediante los métodos de investigación como la entrevista y encuesta, se evaluaron diferentes miradas tanto del artista y de los estudiantes de carreras afines al arte como, de personas no relacionadas a este campo.

PALABRAS CLAVE Artista, estigma, mercantilización del trabajo creativo, educación, el arte como profesión.

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ABSTRACT This study focuses on the construction of the artist as a whole in a working scope in Colombia, as this is affected both in and educational and a commercial way by the evident and recurring stigmas that creative workers commonly experience throughout his entire career, these preconceptions often develop from the normalized idea that discourages the perception of art as a profession. Through a variety of research methods such as interviews or surveys, the different views were evaluated from an artists’ and art students’ perspective, as well as the point of view from people distant to this field.

KEYWORDS Artist, stigma, marketization of the creative work, education, art as a profession.

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INTRODUCCIÓN

PROBLEMA La concepción que se tiene del campo de acción laboral del artista en Colombia sigue recayendo en el estigma de ser un trabajo limitado a “exponer en galerías”(otra manera de decir que tiene un campo laboral limitado) y si no se tiene esta mirada, probablemente se piense del arte únicamente como una actividad vocacional muy lejos de ser un trabajo que exija y merezca ser tratado con seriedad, este pensamiento ya normalizado y arraigado en la sociedad colombiana es una posible causa de la situación socio-económica crítica en la que se encuentra el artista hoy en día, pero, ¿esta mentalidad está directamente asociada con la poca prestación y prioridad que se le otorga a las artesen un entorno educativo? En la sociedad contemporánea cualquier tipo de producción y/o labor necesita responder al sistema capitalista, es por esto que el artista está obligado a depender de lo que el público consume como arte, que en este caso es comúnmente visto como un producto donde la parte visual y su potencial de artesanía es la prioridad.

Este problema se genera en parte por la carente sensibilización respecto al arte en el sistema educativo, esto se evidencia, por ejemplo, en la escasez de programas de educación superior relacionados a las artes, otro ejemplo es cuando se toman el arte como materia opcional en muchas instituciones de educación básica, convirtiéndose de esta manera en un círculo donde la falta de educación y la poca sensibilización lleva a un pensamiento común que limita el campo de acción de las artes en una economía que favorece las necesidades básicas, lo que nos devuelve a la educación, la cual esta desarrollada en respuesta a este modelo económico y esas ya mencionadas necesidades básicas.

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El problema puede ser ubicado tanto en un contexto socio-cultural como en uno económico y político, la percepción planteada es perjudicial para todo aquel que quiera financiarse a través del arte en Colombia, ya que el reforzar esta percepción impulsa la discriminación que sufre el artista en un entorno laboral y económico. A pesar de que la investigación esté potenciada en un principio por una causa en su mayoría social, está apoyada en diversos conceptos y análisis teóricos sobre la economía que se maneja en el ámbito artístico.

OBJETIVOS GENERALES Con esta investigación se busca explicar y hacer claro para el lector/espectador a través de distintos conceptos, testimonios, entrevistas y material audiovisual, el por que normalizar una idea errónea de lo que es el artista como trabajador, incita una situación crítica en la vida del artista, tanto en la parte del consumo y la valorización del arte como en la parte utilitaria y funcional de todo lo que comprende el arte y de esa manera buscar la reflexión del tema.

OBJETIVOS ESPECÍFICOS - Identificar la labor del artista.

- Determinar si son frecuentemente escuchados los estigmas referentes al arte como trabajo.

- Establecer algunas de las dificultades que atraviesan los artistas como trabajadores.

- Precisar si estas preconcepciones inciden en el artista, en su formación y su trabajo.

CAMPO DE INVESTIGACIÓN Para entender el problema tendremos que adentrarnos en tres burbujas temáticas distintas, una laboral donde se abarca las distintas ocupaciones que puede ejercer el artista, términos como el freelance y autores como Luis Camnitzer, Pascal Gielen, Louis Volont y

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Walter Van Andel; una económica en la cual se revisan teorías por los autores Hans Abbing y Ashley Lee Wong; y una educativa, en la que se revisan los autores Pierre Bourdieu y Gabriela Canteros. Estas tres relacionan y le dan contexto a la situación planteada, de esta manera se abordarán distintos conceptos relacionados a los respectivos ámbitos

POBLACIÓN Y MUESTRA Para esta investigación se usará un paradigma metodológico comprensivo-cualitativo ya que se busca entender la mirada que se tiene del artista y a su vez, analizar como esta percepción incide en el ámbito de la educación y de la mercantilización en los trabajadores creativos plásticos en un entorno contemporáneo en Colombia; para ello se tendrán en cuentan distintas convocatorias de estímulos que propone IDARTES (instituto distrital de las artes), la cantidad de carreras acreditadas y registradas con enfoques artísticos en relación a otros enfoques y por último, la realización de entrevistas a más de 10 artistas de diferentes entornos, desempeós, medios e historiales; tambien se aplicaran encuestas a una muestra de 287 personas que dara una imagen de la posible opinión de la población Bogotana sobre los artistas, de esta manera, visualizando la opinión y mirada hacia el artista.

IMPORTANCIA DE LA INVESTIGACIÓN Esta investigación surge de un sentimiento de impotencia presente en muchos artistas, normalmente generada por la invilización de su trabajo, este estudio podría dar paso primero, a una mejor exposición de los problemas y situaciones por las que muchos artistas pasan actualmente y segundo, dar un espacio de argumentación para que el lector se percate de la problemática de una manera más globalizada y de lo dañina que puede llegar a ser, de esta manera ayudando a los artistas que se han sentido obviados o discriminados por lo que hacen.

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I.

MARCO TEÓRICO

A continuación, se expondrán distintos conceptos y autores que definan los ámbitos resaltados para la investigación:

1.1. ÁMBITO LABORAL 1.1.1 Campo laboral del artista hoy De acuerdo con un artículo del tiempo titulado “así se perfilan los artistas”, directores y decanos de Facultades en artes en Bogotá, algunos estudiantes con vocación hacia las artes, pierden el tiempo estudiando carreras diferentes por temor a no conseguir trabajo (artículo el tiempo) En la actualidad, el campo del arte ofrece una amplia posibilidad para el ejercicio profesional, al tiempo que la misma práctica artística genera sus propios espacios y campo de acción. Se incorporan a los programas de las diferentes universidades problemáticas relacionadas con el contexto nacional e internacional, por lo que muchas empresas e instituciones tanto del sector público como privado requieren constantemente a artistas, como por ejemplo agencias de publicidad y diseño, industrias de televisión o cinematográficas, empresas editoriales, fundaciones, instituciones promotoras y organizadoras de actividades artísticas, galerías, museos, colegios y universidades, entre otras. Además, desde la educación se les orienta y capacita para ser independientes y autónomos, que valoren el trabajo colaborativo potencien su creatividad y su visión de futuro, pues dependen básicamente de su inventiva y capacidad creadora.

Muchas de las facultades de arte y diseño de las principales universidades en Bogotá han hecho un trabajo concienzudo en cuanto al estudio del perfil de sus egresados, tanto en sus carreras técnicas, de pregrado, como en las especializaciones y maestrías. Se puede decir que existe una amplia información sobre las posibilidades laborales de estas carreras, 12

basándose en las necesidades de nuestro país y mundiales, entornos cambiantes, demandas contextuales, planteadas desde el punto de vista de las universidades y no un estudio real sobre posibilidades laborales.

De acuerdo a esto sus campos de acción son tan amplios como la amplia variedad de carreras de pregrado en las principales facultades de arte en las universidades en Bogotá, en términos generales, referente a los programas de pregrado se puede decir que se enfocan en la formación de profesionales en el desarrollo integral de propuestas y proyectos personales artísticos, pero también hacia proceso sociales, educativos y hacia una relación con otras disciplinas, a continuación algunos campos de acción agrupándolas en cuatro disciplinas:

Diseño: En las que se agrupan carreras como Diseño, Diseño gráfico, Diseño de comunicación, Diseño de espacios y escenarios entre otras: Los Diseñadores son profesionales competentes para gestionar y desarrollar proyectos en el campo de la comunicación gráfica y las mediaciones visuales. Son reconocidos por acciones que van desde la materialización de propuestas gráficas hasta la generación de proyectos que posibiliten transformaciones socioculturales, al facilitar la interacción de las personas con su entorno, algunas posibilidades laborales: -

Empresas del sector de las industrias de contenidos digitales, pertenecientes a las industrias creativas o industrias culturales, conocidas como Economía Naranja.

-

El diseño de interfaces, la producción de contenidos, el desarrollo de aplicaciones para distintas plataformas tecnológicas, así como el de proyectos transmediales, la ilustración, la animación y la gestión de contenidos digitales. De igual manera podrá contribuir al enriquecimiento de este campo por medio de procesos investigativos.

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-

Departamentos

de

comunicación

y/o

diseño

de

las

industrias

tradicionales: empresas / agencias de diseño, comunicación y/o publicidad.

Asimismo, puede participar en la creación y desarrollo de: •

Sistemas de información para orientar a las personas en espacios urbanos públicos y privados a través del diseño de íconos, símbolos, señales.

•

Sistemas de identidad visual corporativa a través del diseño de logo-símbolos, logotipos, aplicaciones de marca, rediseño de identidades, etc.

•

Diseño de superficies para empaques, embalajes y etiquetas.

•

Proyectos de Ilustración análoga y digital para medios digitales e impresos.

•

Productos audiovisuales para cine, televisión, estudios de animación, desarrollo de personajes para películas y videojuegos en técnicas 2D y 3D.

•

Piezas análogas y digitales que hacen de los productos un soporte comunicativo en forma de pantallas como libros, revistas, folletos, catálogos y cualquier tipo de medio que requiera visualización de información.

•

Interfaces de usuario para páginas web y aplicaciones móviles.

•

Proyectos de fotografía publicitaria, comercial, documental, etc.

Artes: En las que se agrupan carreras como Artes y Artes plásticas, existe un abanico amplio de posibilidades para el ejercicio profesional.

Se insertan a partir de la producción plástica, la docencia en diversos escenarios departamentos de educación, museos, casas de la cultura, proyectos de diseño,

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publicaciones, proyectos curatoriales y de investigación interdisciplinar, centros académicos, culturales o galerías.

Algunos campos laborales: - Desde sus prácticas creativas personales, a partir de su producción desde los distintos lenguajes y recursos expresivos que constituyen las artes plásticas: pintura, objetos, escultura, instalaciones, producción audio-visual, producción gráfica, performance y acciones corporales, arte y plástica con proyecciones sociales.

- En el campo académico estableciendo vínculos con la docencia, la creación y la investigación.

- En el campo institucional del arte, a partir de la participación en proyectos curatoriales, exposiciones, publicaciones y actividades diversas.

- En el campo de las industrias culturales por medio de procesos de gestión y generación de proyectos culturales. Así mismo, estableciendo empresas o proyectos ligados a lo creativo - En proyectos vinculados con comunidades heterogéneas por medio de agenciamientos artísticos y procesos colectivos.

- A través de la interacción con disciplinas afines y otros saberes transdisciplinares en proyectos que precisen el concurso de las prácticas artísticas.

Animación En las que se agrupan carreras como Animación y Artes visuales y realización en animación y fotografía:

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Algunos campos laborales como compañías en el sector de la animación, del cine, de la publicidad, del diseño y de la comunicación gráfica, el diseño web, multimedial y de videojuegos. De igual manera, pueden trabajar de forma independiente tanto para la producción de animación comisionada como de contenidos propios.

El profesional en Animación participa de manera interdisciplinar en la producción de proyectos audiovisuales animados y/o de imagen real, interactivos o no, asumiendo roles de Preproducción (diseño de movimiento y de concepto, sistemas de pre-visualización), Producción (realización animada en técnicas planimétricas y volumétricas) y/o Postproducción (graficación, colorización, VFX y composición). De acuerdo con su experticia, puede desempeñarse en distintos ámbitos comerciales, artísticos e institucionales y desarrollar animación en diferentes medios como el cinematográfico, el televisivo, la Internet y videojuegos, entre otros. Puede ocupar algunos cargos como: -

Director o supervisor de animación

-

Animador de dibujo 2D

-

Animador de articulados digitales 2D

-

Animador 3D de gráficas generadas por computador

-

Animador de modelos y personajes en stop motion

-

Intercalador, trazador 2D

-

Artista de storyboard

-

Artista de Layout

-

Creador de conceptos visuales para animación

-

Director de arte para animación

-

Especialista en Motion graphics

-

Diseñador de personajes

-

Productor de animación

Cine y televisión

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En las que se agrupan carreras como Cine, Cine y televisión, medios audio visuales, dirección y producción de cine y televisión: Un profesional de Cine y Televisión puede desempeñarse en campos dedicados a la creación y realización de producción audio visual en cine, video, televisión. Tiene la capacidad de hacer la dirección de vídeos, películas, documentales, fotografía, el manejo y dominio de emisión de programas de televisión. Abordan la generación de propuestas audiovisuales y los elementos necesarios para la consolidación de una industria cinematográfica y televisiva.

Puede ocupar un cargo en las áreas de dirección, producción, realización, edición y elaboración de guiones o libretos, en una productora cinematográfica, una programadora de televisión o un canal televisivo.

-

Escribir y realización de guiones.

-

Animación, edición, sonido.

-

Cámara de cine y vídeo.

-

Critica de medios.

-

Consultoría en medios

-

Industria televisiva: canales privados y públicos.

-

Productoras de cine y televisión.

-

Canales comunitarios.

-

Productoras de contenido multimedia.

-

Espacios educativos, sociales, económicos y culturales en donde existan ámbitos propicios para la expresión audiovisual.

1.1.2 Freelance Con la globalización y el desarrollo de nuevas tecnologías, se han abierto nuevos espacios y posibilidades para la manera de mercantilizar el trabajo, así es como el FreeLancer o

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trabajador autónomo entra en el mercado laboral, este es alguien que no depende de una empresa o trabajo estable, pero si es un trabajador que propone sus propias regulaciones y requisitos; esta oportunidad se vio bien acogida por varios artistas que no tenían ni tienen la facilidad para entrar en el sistema-arte o que encontraron complicaciones a la hora de la valorización de su trabajo. El artista FreeLancer se convierte en una parte fundamental de la comunidad artística, ya que se vuelve un medio más accesible que no está atado a la formación profesional.

1.1.3 Luis Camnitzer el estudio de Luis Camnitzer, tanto en artículos como en documentales, donde habla del concepto del sistema del arte, las contradicciones y problemáticas que se encuentran dentro de este, además expone la mala estructuración de la educación artística como el lo menciona en el artículo la enseñanza del arte como fraude “Se puede afirmar que la enseñanza del arte se dedica fundamentalmente a la enseñanza sobre como hacer productos y como funcionar como artista, en lugar de cómo revelar cosas.” (Camnitzer, 2012) el artista es educado con la intención de seguir obedeciendo al sistema-arte. También en el documental la estética vende, la ética derrocha menciona las respuestas a distintos tipos de estéticas en el arte, según si se trata de una corporativa o comercial se valorará la obra artística como producto, entonces esta respuesta común obliga al artista a responder ciertos cánones que luego se convierten en una normalidad para el tipo de estética.

1.1.4 Pascal Gielen, Louis Volont y Walter Van Andel Estos tres autores en base a una encuesta describen el concepto de biotopo creativo o artístico, el cual formula cuatro características que deben estar en equilibrio para que se le de el reconocimiento adecuado a una idea artística o se venda un producto creativo de manera exitosa en un espacio mercantil, estas cuatro características son: el dominio doméstico, o el espacio de trabajo del artista; el dominio de los pares, que habla de la 18

construcción de información propia a partir del intercambio de conocimientos con otros artistas; el dominio del mercado, el cual habla del cambio del producto artístico por dinero o la mercantilización; y por último la parte del dominio civil, donde se habla de

1.2 ÁMBITO ECONÓMICO

1.2.1 Hans Abbing Hans Abbing en su libro why are artists poor? Aborda las distintas causas y factores de la situación crítica del artista desde un enfoque económico, enfatizando en la influencia la economía en el sistema-arte, donde se obedece a una moda que establece el consumidor “Our argument as well is based on the notion that producers are relatively unimportant when it comes to directly influencing the market value of art-products.” (Abbing, 2002, pg.

62) además de esto, contextualiza al lector haciendo un recorrido por la historia de la identidad del artista y su negativa relación con la economía, él afirma que el fenómeno del artista bohemio y el querer relacionar esta falsa autonomía económica terminó convirtiéndose en una realidad para los artistas más tarde, la dependencia a los subsidios dados por grandes entidades se convierte en un problema crítico, contribuyendo a la deplorable situación económica en la que se encuentra el artista.

1.2.2 Ashley Lee Wong Ashley Lee Wong escribe un ensayo que trata lo que es la economía del artista y a su vez de la evolución del arte como pieza en el mercado, lo cual se relaciona estrechamente con la globalización y desarrollo de las nuevas tecnologías han jugado un papel crucial en lo que se refiere al campo laboral del artista, es aquí cuando surge el término FreeLancer o en español, trabajador autónomo, y aunque este tenga ciertos beneficios trae consigo notables desventajas, como lo menciona la autora, existe una mayor libertad creativa y de producción gracias a esta era digital pero también lleva a nuevas formas de explotación

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laboral, condiciones laborales precarias, trabajo sin paga y contratos temporales o engañosos.

1.3. ÁMBITO EDUCATIVO Para desempeñarse en las artes es importante tener un fondo educativo, aunque este no sea necesariamente profesional, la formación previa para trabajar en este campo puede ser empírica, en base a talleres, o extracurriculares, pero, en esta investigación solo se hablará de la formación profesional ya que es difícil evaluar los distintos tipos de formación sin una entidad que los regule.

1.3.1. Educación superior referentes a enfoques artísticos en Bogotá La primera fuente a tomar en consideración son los datos proporcionados por el SNIES o el sistema nacional de información de la educación superior, para tener claro el manejo de los siguientes datos: los programas que están acreditados con el reconocimiento de alta calidad son aquellos que están completamente capacitados y que, además son considerados excelentes en el desarrollo de su proyecto institucional. En cambio, en el registro calificado se apunta a valorar la capacidad de la institución para sostener un buen desarrollo de su proyecto institucional y educativo, aunque este no sea excelente.

Acreditación de Alta Calidad (Reconocimiento del Ministerio de Educación): -

Universidad de los Andes (Diseño, Arte)

-

Pontificia Universidad Javeriana (Artes visuales y audiovisuales)

-

Universidad Jorge Tadeo Lozano (Diseño Gráfico y Artes plásticas)

-

Politécnico Grancolombiano (Diseño Gráfico y Medios Audio visuales)

-

Universidad El Bosque (Artes Plásticas)

-

Universidad Nacional (Artes Plásticas, Diseño gráfico)

-

Universidad Distrital Francisco José de Caldas (Artes plásticas y visuales)

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-

Universidad Manuela Beltrán (Dirección y producción de Cine y Televisión)

Registro Calificado: -

Universidad de los Andes (Historia del Arte)

-

Universidad Jorge Tadeo Lozano (Cine y televisión, diseño interactivo, Realización en Animación y fotografía)

-

Universidad El Bosque (Diseño de comunicación)

-

Universidad Central (Cine)

-

Universidad Piloto de Colombia (Diseño Gráfico, Diseño de espacios y escenarios)

-

Universidad Sergio Arboleda (Diseño Digital)

-

Universidad Santo Tomás (Diseño Gráfico)

-

Corporación escuela de artes y letras (Diseño Gráfico)

-

Fundación universitaria Horizonte (Diseño Gráfico)

-

Fundación universitaria Los Libertadores (Diseño Gráfico)

1.3.2. Pierre Bourdieu Se hace alusión a Pierre Bourdieu quien explica el concepto de capital cultural como una condición que define el éxito educativo que logra un individuo, teniendo en cuenta la accesibilidad económica que se le es proveída según su clase social, esto juega una parte importante en el acercamiento y desarrollo del artista en la parte laboral y educativa.

1.3.3. Gabriela Canteros La normalización de la idea de que el arte no cumple con los estándares de un trabajo “serio” es en muchos casos degradante hacia el artista y su situación económica, como lo explica Gabriela Canteros:

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El trabajo artístico, por su parte, sufre el estigma de ser una actividad vocacional e incluso ver no determinado claramente su campo de acción.

Esta problemática que plantea el arte como trabajo favorece la precarización de los profesionales, cuando son contratados para eventos por hora, por ejemplo. O que deben dedicar parte de su tiempo a otra actividad que sirva de sostén diario y adicionalmente realizar su actividad, ocupando tiempo preciado en desmedro de la producción artística y cultural. (Canteros, 2016)

II.

ENFOQUE Y SOLUCIÓN AL PROBLEMA

Para esta investigación se usará un paradigma metodológico comprensivo-cualitativo ya que se busca entender la mirada que se tiene del artista, en un ámbito educativo y laboral, al igual que todos los problemas que rodean el estigma social que atraviesa.

Los datos investigados que se tendrán en cuentan son la cantidad de carreras acreditadas y registradas con enfoques artísticos en relación a otros enfoques; datos sobre el empleo y campo laboral del artista; Y distintas entrevistas y encuestas que establezcan la opinión y mirada hacia el artista.

Los instrumentos que se utilizaron para esta investigación son mixtos, ya que la temática aborda un universo numérico en la parte económica y un universo social, donde la evaluación de contextos y experiencias son fundamentales, esto quiere decir que, se van a utilizar instrumentos cuantitativos como encuestas e interpretación de datos, pero, también se manejarán herramientas cualitativas como entrevistas, análisis de corpus, observaciones y métodos biográficos.

III.

IMPLEMENTACIÓN, MEDICIÓN E INOVACIÓN

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3.1. DATOS Y EVIDENCIAS RECOLECTADOS

3.1.1. ENCUESTAS La segunda fuente que se tomará será la encuesta realizada con el objetivo de visualizar la existencia de una estigmatización frente al artista como trabajador, de esta manera se formularon preguntas orientadas a la exposición de dicha percepción ya planteada, la población será Bogotá así que se tomarán los 7.413.000 de habitantes, de este modo la muestra determinada para que se tenga un margen de error de 5,8% la muestra necesaria será de 285 habitantes (en la investigación se tomaron los resultados de 287 personas disminuyendo a un mínimo el margen de error).

Se encontraron los siguientes resultados:

figura 1. ¿Cuál es su edad?

[Elaboración propia.]

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El 33,8% por ciento de los encuestados tienen entre 18 y 24 años, el 33,1% de los encuestados son menores de 18, el 13,2% tienen entre 45 y 54 años, el 7,3% tienen entre 35 y 44 años, el 6,6% tienen entre 25 y 34 años y el 5,9% tienen más de 54.

Análisis: Esta pregunta se hizo con la intención de conocer las edades de los encuestados y relacionar sus respuestas a la generación poblacional con la que se identifican, para ver si hay una diferencia significante en función a la edad.

figura 2. ¿Ha escuchado o visto comentarios negativos respecto al arte como ocupación o trabajo?

[Elaboración propia.]

El 85% de los encuestados afirma haber escuchado o visto comentarios negativos frente al arte como ocupación o trabajo y el 15% lo niega.

Análisis: Esta pregunta fue formulada con la intención de evidenciar la existencia de un estigma frente al trabajo del artista y evaluando las respuestas, si existe una percepción negativa frente a esta ocupación.

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figura 3.¿Está de acuerdo con la siguiente afirmación?: trabajar como artista no requiere un gran esfuerzo.

[Elaboración propia.]

El 90,6% de los encuestados están en desacuerdo con que trabajar como artista no requiere un gran esfuerzo, mientras que el 9,4% están de acuerdo.

Análisis: La gran mayoría de personas encuestadas afirma que el trabajar como artista sí requiere de esfuerzo, esto no contradice en su totalidad la percepción negativa que comúnmente se le es acreditada a los artistas ya que existe un 9.4% de la muestra que afirma que el arte no implica cierto empeño.

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figura 4.¿Cree que el arte es una materia importante a lo largo de TODA la educación escolar? (educación básica, media y secundaria).

[Elaboración propia.]

El 93,4% de los encuestados creen que el arte es una materia importante a lo largo de toda la educación y el 6,6% piensan que no es importante.

Análisis: La mayoría de las personas piensan que las materias que involucran artes son importantes durante toda la educación, no solo hasta ciertos cursos como normalmente se tiene planteado, esto dejaría la incógnita de por que comúnmente estas materias se ven hasta la educación media y solo se le da importancia en la educación básica.

figura 5.¿Piensa que es necesario tener cierto tipo de formación previa para desempeñarse en el campo artístico?

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[Elaboración propia.]

El 80,8% de los encuestados piensan que es necesario tener cierto tipo de formación previa para desempeñarse en el campo artístico, mientras que el 6,6% piensan que no es necesario Análisis: Aunque no fuese la mayoría, una cantidad significativa afirma que no es necesario contar con ningún tipo de formación previa para ser artista, de alguna manera desacreditando al trabajo de estos mismos, ignorando la formación de un posible artista empírico o el artista profesional.

figura 6.¿Cree que el trabajo del artista es relevante en la sociedad actualmente?

[Elaboración propia.]

El 87,1% de los encuestados piensan que el artista es relevante en la sociedad actualmente y el 12,9% piensan que no es necesario.

Análisis: La mayoría de los encuestados afirman que el trabajo del artista sí es relevante actualmente, ya que este tiene un campo laboral amplio, aunque no siempre se perciba de esa manera.

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figura 7.¿Usted cree que es posible vivir como artista? [Elaboración propia.]

El 88,5% de los encuestados creen que es posible vivir como artista mientras que el 11,5% piensan que no es posible.

figura 8. ¿Qué tan frecuente cree que es su consumo de arte?

[Elaboración propia.]

El 43,9% de los encuestados creen que su consumo de arte es muy frecuente, el 22,6% piensa que su consumo es frecuente, el 14,3% piensa que su consumo es medianamente frecuente, el 16% poco frecuente y el 3,3% respondió que no consumía arte.

Análisis:

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Teniendo en cuenta que las respuestas de la encuesta, es muy posible que las personas no sean conscientes que con el consumo de televisión, películas o música es de una u otra manera consumo de arte, ya que hay una intervención creativa en estas.

3.1.2. ENTREVISTAS Se recolectó información de más de 15 distintos artistas utilizando la entrevista con el objetivo de conocer su opinión personal sobre el trabajador creativo, esta fue realizada teniendo en cuenta la información que se considera relevante para la investigación.

La siguiente es la entrevista formulada: La mirada hacía el artista como trabajador

Proyecto de Investigación Colegio San Patricio La siguiente entrevista se hace con el objetivo de evaluar distintas experiencias de algunos artistas en la ciudad de Bogotá. Los resultados serán utilizados para sustentar y argumentar varios de los puntos problemas planteados en la investigación sobre la mirada del artista como trabajador.

Responda las siguientes preguntas: 1. ¿Qué considera usted que hace un artista?

2. ¿Ha escuchado o visto comentarios negativos respecto al arte como ocupación o trabajo? Si es así, ¿Cuáles son los comentarios que más recuerda? ¿por qué?

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3. ¿Ha comercializado o intentado comercializar su trabajo como artista? ¿cómo ha sido esa experiencia?

4. ¿Usted cree que se puede vivir del arte? ¿por qué?

5. ¿Cree que se necesita alguna formación previa para ser artista?

6. ¿Cuáles han sido las mayores dificultades que ha atravesado como artista?

7. ¿Es relevante para usted definir el arte? Si es así, ¿cómo lo define?

Esta fue dirigida a artistas plásticos, ilustradores y diseñadores en la ciudad de Bogotá, algunos de ellos con una larga trayectoria y reconocimiento, tanto nacional e internacionalmente.

Se logró efectuar más de 15 entrevistas, estas fueron realizadas a través de diferentes medios como teléfono, correo electrónico y redes sociales. Se aplicó el mismo formato de entrevista a todos ellos; como los datos son conceptos y opiniones de los artistas, estas serán tomadas como datos únicos y anexadas a la investigación.

La entrevista se analizará punto por punto: 1. ¿Qué considera usted que hace un artista?

De acuerdo a las respuestas de los entrevistados, en general todos coinciden en que el artista desarrolla una forma de expresión creativa, interna y de su entorno, con su sensibilidad y estilo propio de cómo ven el mundo y su ser propio, que éste se desarrolla con tiempo, dedicación y compromiso con su obra y con su público.

2. ¿Ha escuchado o visto comentarios negativos respecto al arte como ocupación o trabajo? Si es así, ¿Cuáles son los comentarios que más recuerda? ¿por qué?

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La mayoría de los entrevistados afirmaron haber escuchado comentarios negativos respecto al arte como ocupación y trabajo; el más recurrente fue “no se puede vivir del arte”, otros comentarios frecuentemente señalados por los artistas fueron: •

No es un trabajo, requiere de poco esfuerzo.

•

Los artistas tienen malos hábitos como: ser viciosos, perezosos o desordenados.

•

El arte es un pasatiempo o hobby.

3. ¿Ha comercializado o intentado comercializar su trabajo como artista? ¿cómo ha sido esa experiencia?

La mayoría de los entrevistados afirmaron haber comercializado su trabajo, aunque no todos viven en su totalidad del este.

4. ¿Usted cree que se puede vivir del arte? ¿por qué?

Esta respuesta fue afirmativa para todos los entrevistados, algunos afirman que son de las profesiones mas rentables, muchas respuestas coinciden en que requiere constancia y dedicación.

5. ¿Cree que se necesita alguna formación previa para ser artista?

La mayoría de los encuestados afirmaron que, aunque no les parece necesaria una educación formal o profesional para ser artistas, coinciden en que sí es importante cualquier tipo de educación previa, así sea empírica y a su vez, también son necesarios temas como la investigación constante y un equilibrio adecuado entre academia y oficio.

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6. ¿Cuáles han sido las mayores dificultades que ha atravesado como artista?

Algunas de las dificultades expresadas por los entrevistados fueron: •

Dificultad económica.

•

Formas o espacio de difusión de su obra.

•

Bloqueo artístico.

•

Carente apoyo para el estudio de las artes por la preocupación del sustento económico como artista

7. ¿Es relevante para usted definir el arte? Si es así, ¿cómo lo define?

Para la mayoría de los entrevistados no es relevante definir el arte, manifiestan que es limitarlo y que es algo subjetivo y que está en constante cambio; definen el arte como una creación, una forma de expresión auténtica que habla por sí mismo.

3.2. DEFINICIÓN Teniendo en cuenta los resultados de las encuestas y entrevistas, es posible relacionarlos con varios de los conceptos expuestos en el marco teórico, por ejemplo, cuando los encuestados respondieron que su consumo de arte era entre nulo y poco frecuente (el 19,3% de los encuestados) es una posibilidad que hayan ignorado todo el campo laboral que tiene un trabajador creativo, este va desde un diseñador hasta un cineasta.

Por otro lado, vemos reflejado en las experiencias de los entrevistados que uno de los factores que afecta negativamente el desempeño laboral del artista es efectivamente la sensibilización del arte que se tiene a lo largo del desarrollo educativo como lo menciona Luis Camnitzer.

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También es posible ver como se aplica lo dicho por Ashley Wong y Hans Abbing al momento de la comercialización del producto artístico, muchos comentaron que a la hora de tratar de vender sus piezas se veían en la duda de como se separa la pieza artística de la artesanía si responden a un mismo mercado global y capitalista, donde para sobrevivir se tiene que favorecer a las modas impuestas por el consumidor, dejando de lado de alguna manera una de las características iniciales del arte, la expresión y liberación propia.

figura 9. El biotopo artístico, Gielen, P., Volont, L., & Van Andel, W. (2018)

Por último, cuando se le preguntaba a los distintos artistas si era posible vivir del arte todos afirmaban que si era posible mientras se tuviera un equilibrio adecuado entre varios factores, esto es lo que vemos con el concepto de biotopo artístico de Gielen, Volont y Van Andel, los trabajadores creativos con una mayor trayectoria mencionaron características iguales o muy parecidas a las propuestas en el recuadro de arriba.

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CONCLUSIONES

Este estudio surge de una disconformidad la cual se pensaba era personal y egoísta, pero ahora es posible darse cuenta que es algo con lo que muchos artistas se sienten identificados, es un problema global en el mundo creativo. Como es posible evidenciar en varias de las entrevistas, todos han sido victimas de las preconcepciones laborales y todos han vivido con el peso de una estigmatización constante, de esta forma es posible concluir con toda la información ya reunida que la palabra y la visión del artista sí incide en un plano real y sí afecta en la situación tanto económica y laboral, como en la educativa del artista; además, se logró encontrar la labor del artista a través de los entrevistados e indagación propuesta anteriormente, desmintiendo uno de los posibles estereotipos más planteados basados en comentarios externos, este siendo el del campo de acción y laboral reducido y limitado.

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REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS Abbing, H. (2002). Why are artists poor?. Amsterdam: Amsterdam University Press Camnitzer, L. (Marzo de 2012). La enseñanza del arte como fraude.

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la sociología.

Gielen, P., Volont, L., & Van Andel, W. (2018). Creatividad bajo presión: Los efectos de la des-institucionalización y la mercantilización sobre el trabajo creativo. Arte Y Políticas De Identidad.

Lee Wong, A. (Junio de 2018). Artists in the creative Economy: Inoperative Modes of Resistance.

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Manual de acción, para los derechos laborales de arte contemporáneo en Latinoamérica / Jorge Sepúlveda T. ... [et al.]. - 1a edición bilingüe - Santa María de Punilla: Curatoría Forense, 2020.

Libro digital, PDF PatakkíVideo. (Septiembre de 2014). La estética vende, la ética derrocha.

Programa Nacional de estímulos. (2020). Acta y resolución de resultados 2020 Rolling, J. H. (2008). Rethinking relevance in art education: Paradigm shifts and policy problematics in the wake of the Information age. International Journal of Education & the Arts, 9 (Interlude 1).

Velthius,O. (2005). Talking Prices: Symbolic Meanings of Prices on the Market for Contemporary Art. Woronkowicz, J., & Noonan, D. S. (2019). Who Goes Freelance? The Determinants of SelfEmployment for Artists. Entrepreneurship Theory and Practice.

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GLOSARIO Arte: Actividad en la que el hombre recrea, con una finalidad estética, un aspecto de la realidad o un sentimiento en formas bellas valiéndose de la materia, la imagen o el sonido. Conjunto de obras que resultan de esta actividad, así como las diferentes tendencias o estilos de las mismas.

Artesanía: objeto fabricado o elaborado con aparatos sencillos y de manera tradicional, suele ser hecho con el único objetivo de venderse en masa o comercializarse.

Freelance: Se llama FreeLancer al trabajador que desarrolla su actividad de manera autónoma: es decir, sin una relación fija y de dependencia con un empleador.

Capital simbólico: este es un concepto explicado por Bourdieu el cual se usa para describir el valor de un objeto o creación determinado por un grupo de personas en un espacio cultural específico.

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ANEXOS

ENCUESTA

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ENTREVISTAS Colegio San Patricio Entrevista a: el chico sin cabello de pan

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Ilustrador y animador Bogotano, trabaja para la revista VICE. 1.

¿Qué considera usted que hace un artista?

Para mí un artista es sensible al entorno donde vive y lo transforma o lo muestra de algún modo en las cosas que hace. También siento que los artistas nos enfocamos en preguntas que nadie necesita realmente pero que luego logramos hacer esa preguntas útiles e importantes para las personas, o al menos desde lo que yo hago, intento que sea de esa manera, hacer que se cuestionen sobre si mismos y sobre donde viven, por ejemplo.

2. ¿Ha escuchado o visto comentarios negativos respecto al arte como ocupación o trabajo? Si es así, ¿Cuáles son los comentarios que más recuerda? ¿por qué?

He escuchado miles de comentarios respecto a eso, sobre todo dentro de mi familia cuando tomé la decisión de estudiar artes, como uno obviamente no va a tener dinero no va a obtener trabajo y es verdad (risas) mentira, no es verdad, realmente 41

se hace un camino y si se tiene pasión por esto puede lograr muchas cosas, no todo el tiempo, pero siento que si se puede. Recuerdo un comentario reciente, estaba en mi universidad, me había acabado de graduar y había un señor de los que trabajan limpiando las calles o recogiendo basura y el me decía que el arte era solo para la gente rica, para la gente que todo se lo pagaban los papás y pues obviamente no podía discutirle eso, ni quería discutirle eso por que yo no era esa persona (pero bueno), lo único que le dije fue que si había alguien en su familia que quisiera estudiar arte lo apoyara por que los artistas que vienen de diferentes partes son los que pueden cambiar el mundo, si solo hay esferas o como círculos de artistas que tienen mucho dinero y solo se tiene su visión cerrada del mundo realmente no tiene sentido, pero si salen artistas de cualquier lado vamos a tener mucha información y visiones más variadas del mundo, en serio espero que el me haya entendido eso, por que todos podemos estudiar arte.

3. ¿Ha comercializado o intentado comercializar su trabajo como artista? ¿cómo ha sido esa experiencia?

Si comercializo mi arte, puede que no tan seguido pero si es algo en lo que me he apoyado últimamente para vivir, la razón por lo que no lo hago tan seguido es principalmente por que es algo que requiere mucho tiempo y conocimiento, se necesita saber sobre cosas de mercado que se salen de mis manos a veces, entonces me parece complicado y también, si tuviera mucho dinero, solo seria mandar cosas a hacer pero no es el caso.

Si encuentro el apoyo en la gente, creo que hay encontrar los productos adecuados para vender y saber cual es el público que se tiene para ello; en mi caso yo tengo una base de seguidores muy grande que me ha apoyado y les gusta lo que hago entonces yo trato de hacer productos exclusivos y muy fieles a lo que yo pienso, para mí la idea es ser muy honesto, vender algo más allá de un producto, vender una forma de sentirse 42

y verse, es mas bien eso, y vender un concepto y una idea que vaya de acuerdo a mi trabajo, no tan solo el hacer productos y ya, se haría cualquier cosa pero eso no tiene sentido, la idea es ser consciente de quien soy y saber cuales son verdaderamente mis alcances.

4. ¿Usted cree que se puede vivir del arte? ¿por qué? (risas) A ver, si se puede vivir del arte, hay muchas personas que pueden vivir de ello, pero no todos obviamente viven con las mismas comodidades y no todos tienen los mismo lujos, creo que uno puede vivir de lo que hace siendo consciente también de cuanto gasta y de cuantos lujos se da también, por que tal vez uno piensa que vivir de algo es tener fama y muchas propiedades con eso pero uno puede vivir de algo si uno simplemente no gasta tanto y uno aprende a manejar las finanzas (risas); Pero si, si se puede vivir del arte por que uno puede hacer productos provocativos que a la gente le gustan, por que siempre hay que ir más allá y si uno es muy honesto y si uno trabaja muchísimo se te van a abrir las puertas, por que no es solo una cosa de quiero hacerlo y ya esta, en el mundo del arte, a mi parecer, uno tiene que abrirse un espacio por medio del talento, por medio de los contactos que uno tiene o se abre un espacio simplemente por que es algo que falta para la gente, que es algo nuevo que la gente no ha visto y para mi el trabajo duro y el esfuerzo ha sido muy importante para poder abrirme un pequeño espacio entre la gente para que puedan conocer mi trabajo y poder ayudarme.

5. ¿Cree que se necesita alguna formación previa para ser artista?

Creo que uno puede partir desde cero para ser artista, de hecho mucha veces viene mas desde una pasión y ganas de hacer arte, que uno muchas veces no sabe que esta haciendo arte o no entiende ese concepto pero si, viene de la pasión del dibujo, de 43

bailar, de actuar o de querer cantar, si se puede partir de la nada pero la academia cambia todo completamente, por que es un acceso al conocimiento que muchas veces uno no tiene, y la academia transforma la mente de una forma increíble, en mi experiencia personal estudié primero diseño grafico y luego estudié artes plásticas, estudiar artes plásticas fue lo mejor que me pasó, por que tenía conocimientos de programas de diseño gráfico pero era algo muy básico, pero en cuando estudié arte entendí el concepto completamente y pude hacer algo diferente con eso que ya tenía.

Entonces si se puede empezar a ser artista desde cero, pero lo mejor es formarse por que hay mucha información que tienen otras personas que uno necesita para poder inspirarse también. ¡Pero! Hay artistas también muy empíricos y eso es algo válido, tampoco me parece necesario el uso de referencias por que a veces siento que las referencias limitan el trabajo de la gente, es mejor dejarse llevarse por la imaginación y por lo que uno cree, tal vez las técnicas van mejorando con el tiempo las ideas van cambiando y uno va entendiendo quien es.

6. ¿Cuáles han sido las mayores dificultades que ha atravesado como artista?

Siempre como artista la economía es un factor complicado, desde el inicio es algo abrumador que la gente quiera que tengas plata de una vez y solo se centren en eso, da mucha rabia que el trabajo se valoré solo cuando tú ganas mucho dinero, es algo que no entiendo y que me ha dolido mucho, ahora mi trabajo sí es valido únicamente por que me ven medios importantes o por que tengo ciertas ganancias, entonces ahora sí tiene sentido que sea un artista, pero no, eso no es así.

Tal vez también encontrar conocimiento muy actual, por que en un país como el nuestro muchas veces no llegan textos actualizados, no llegan cosas que realmente hablen del mundo en el que estamos viviendo o al menos no llegan en español y el idioma es una barrera. ¿Qué más? Creo que también hay dificultades mucho más personales, dentro de uno mismo, de tener esa seguridad, por que nos bombardean constantemente con la idea

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de que el arte es insuficiente, que es inútil, que es malo y de esa manera es muy difícil ir agarrando seguridad y decir: realmente lo que yo estoy haciendo es importante y puede cambiar vidas, puede ayudar a alguien, así parezca que solo es un dibujo estúpido y ya, entonces lo más complicado es ese proceso de crecimiento personal.

Y por último, hay muchas veces donde se pierden las fuerzas con respecto al arte que uno está haciendo por que no es fácil mantenerse dentro de una sociedad que no valora las cosas, o que no te lo repite y es bueno que a uno le repitan que esta haciendo algo bien por que así uno lo cree más y es una buena motivación, de pronto dentro de Colombia falta muchísimo esa parte.

7. ¿Es relevante para usted definir el arte? Si es así, ¿cómo lo define?

Para mí no es importante definir el arte por que de algún modo el arte se escapa del entendimiento de todos, tampoco se puede decir objetivamente que es y solo hay que esperar a que uno lo sorprenda un artista nuevo o algo que cambie del arte, entonces no se define algo que está cambiando y creciendo todo el tiempo como nosotros.

El chico sin cabello para Mariana Piraquive Gómez

La mirada hacia el artista como trabajador Proyecto de Investigación Colegio San Patricio Entrevista a: SAIR GARCÍA

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Maestro en Artes de la universidad Nacional de Colombia. Su trabajo se basa en la memoria y el reconocimiento de las dinámicas de violencia presentes en nuestro país, ha obtenido algunos premios o reconocimientos nacionales e internacionales, ha llevado su trabajo a muchos países.

1. ¿Qué considera usted que hace un artista?

Mi respuesta puede ser mas que lo que hace el artista, es la función que tiene que cumplir como individuo en una sociedad. Pienso que el artista está en la obligación de registrar todo tipo de sucesos, que se den en su entorno y parte de esa obligación es la que al final determina, de que manera y como se escribe la historia. Gran parte de la historia de la humanidad ha sido contada a través del arte y de los artistas, entonces es para mi una función fundamental del artista registrar todo lo que ocurre en su entorno a todo nivel, político, social, religioso.

2. ¿Ha escuchado o visto comentarios negativos respecto al arte como ocupación o trabajo? Si es así, ¿Cuáles son los comentarios que más recuerda? ¿por qué?

Eso está a la orden del día, estamos en una sociedad donde todo es o está dirigido hacia ciertos parámetros, entonces los comentarios siempre estarán a la orden del día y siempre han estado. Quizás ahora han mermado, son distintos, por que la sociedad cambió y las generaciones entendieron que el arte también hace parte de las carreras importantes 46

llamadas a generar cambios en una sociedad, prueba de eso es esta pandemia, donde quedó demostrado que este oficio al final de cuentas es el que determina muy claramente la función sicológica de las personas y las ayuda.

Pero por supuesto que los comentarios siempre han estado, los comentarios destructivos para quien quiere estudiar arte o para quien desea ejercer este oficio, principalmente vienen de la propia familia, de su propio entorno. También hay que aclarar que la carrera de artes plásticas hoy por hoy ya no es vista y no es tratada como se veía hace muchos años en la bohemia, donde el artista era mas poeta, mas loco, donde se incluían muchos elementos como el alcohol o las drogas. Ahorita es una profesión respetable, muchos artistas dejaron claro que la profesión es importantísima para la sociedad y esta misma se ha encargado a su vez de darle su lugar y darle un trato y un respeto mas que merecido.

Pero para responder la pregunta puntual de los comentarios, Si, muchos comentarios destructivos, para quienes ejercemos este oficio, principalmente del núcleo familiar.

3. ¿Ha comercializado o intentado comercializar su trabajo como artista? ¿cómo ha sido esa experiencia?

Si he comercializado mi obra, tengo la fortuna de vivir de esto, prácticamente desde que me gradué de la universidad. Soy egresado de la universidad Nacional de Colombia, voy a cumplir veinte años de haberme graduado y tengo la fortuna que prácticamente desde que me gradué la carrera ha venido funcionando muy bien. Hoy por hoy soy artista exclusivo de una galería muy importante de Colombia, la galería Duque Arango y por supuesto si se comercializa mi obra y esta galería está en este momento encargada de esos temas.

4. ¿Usted cree que se puede vivir del arte? ¿por qué?

Si se puede, por supuesto.

Obviamente se requieren muchos ingredientes, muchos

elementos que se tienen que conjugar, que se tienen que mezclar y que se tienen que

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conservar y perseverar a través de la carrera. Esta es una carrera de toda la vida, esto no tiene tiempo de caducidad, entonces se puede vivir como es mi caso. Como acabo de enunciar en la respuesta anterior se puede vivir del arte. Para mi el principal ingrediente es la disciplina, mientras se sea disciplinado y se tenga un norte definido, por supuesto que se puede. Hoy incluso hay mas opciones, mas oportunidades para el arte y para el artista de vivir de él, ya que se abren muchas puertas, con todo este tema de la globalización, del internet y que te conocen en tiempo real en otras partes del mundo, entonces el espectro se abrió muchísimo para el artista y así mismo las posibilidades de vivir del arte.

5. ¿Cree que se necesita alguna formación previa para ser artista?

Para ser artista pienso que hay que tener la convicción, no es nada mas, hay que estar muy claro en la decisión de serlo. Al final todos los seres humanos tenemos un grado de sensibilidad, unos mas altos que otros, pero pienso que se puede desarrollar a través del tiempo y ser artista es cuestión de determinación de serlo y de ser honesto con lo que se quiere y con esa decisión, apostarle a largo plazo y obviamente hay que pagar un precio bastante alto, por que estamos en una sociedad que no solo no aprecia el arte y mucho menos al artista, sino que aquí no hay aún una cultura del coleccionismo, de la apreciación del arte. Hay muchas academias, pero si bien es cierto estas academias están enseñando a los muchachos mas hacia las tendencias de lo que se hace en el mundo, que del mismo oficio de ser artista, entonces pienso que todavía hay muchas cosas por hacer, pero al tomar la determinación, la decisión de ser artista pienso que es cuestión de serle fiel y de ser honesto con esa determinación.

6. ¿Cuáles han sido las mayores dificultades que ha atravesado como artista?

Dificultades todas a través de la carrera, también tener en cuenta de donde se sale para tener la determinación de ser artista. En mi caso, llegué de un pueblo que se llama Barrancabermeja, en el año 96 a estudiar en la Universidad Nacional y dificultades, ya se

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imaginarán, todas, económicas, sociales, de toda clase. Pero como dije en la respuesta anterior, hay un precio alto que se debe pagar y hay una cuestión mas de determinación y cuando esa decisión ya se tomó y se quiere llegar hasta las últimas consecuencias, dificultades de toda naturaleza se van a encontrar en el camino. Los rechazos de los salones de arte, de los concursos, no tener para comer, no tener para sostener un espacio donde se trabaja, no tener para materiales, en fin. Son muchísimas cosas que se conjugan también adversas, pero como dije anteriormente, cuando ya tomaste la decisión tienes que ir hasta lo último.

7. ¿Es relevante para usted definir el arte? Si es así, ¿cómo lo define?

Ese es el gran dilema de la humanidad, definir que es arte. Pienso que no, no es necesario definirlo, por que este tema tiene un espectro demasiado gigante, demasiado grande, donde caben muchísimas cosas que pueden ser arte. Pero al final de cuentas para mi, el arte es mi forma de vida, es la forma como me expreso ante una sociedad, del mundo y la forma como puedo develar mis pensamientos y mis sentimientos a través de la materialización que termina siendo o llamándose una obra. Básicamente para mi es eso el arte, una forma de vida.

La mirada hacia el artista como trabajador

Proyecto de Investigación Colegio San Patricio Entrevista a: GUSTAVO VILLEGAS

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Artista, publicista y director creativo. Expresa una búsqueda de la libertad y rebeldía, ha realizado exposiciones individuales y colectivas, tanto nacional como internacionalmente.

Responda las siguientes preguntas: 1. ¿Qué considera usted que hace un artista?

Pienso que el artista para serlo, debe tener una manera de expresarse única y muy especial, que se encuentra “conectada” creativamente con la realidad; su misión es poner de manifiesto, explorar, crear, advertir y expresar una nueva y fresca mirada ante el mundo y esas realidades muchas veces difíciles de revelar por las mentes formales en general. Un artista no es una persona común, pues los talentos presentes en disímiles disciplinas, aportan esa visión innovadora y única, muchas veces madurada y curtida por la academia o simplemente modelada a fuerza por la vida de manera empírica. Esa forma de ser, actuar y entender, le otorga una “fresca” manera de interpretar las realidades mundanas y una exclusiva forma de responder a los estímulos que la realidad impone a diario.

El artista es entonces un reformador o re-creador de la realidad, mucho más allá del intelecto “per se” y se convierte en el encargado de ofrecer una nueva propuesta que invita a revisarnos como seres humanos, repensar las realidades, explorar una postura crítica, dentro de un marco necesariamente estético con una propuesta lúdica, y para trascender debe: conmover, sorprender, seducir, sensibilizar, clarificar.

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2. ¿Ha escuchado o visto comentarios negativos respecto al arte como ocupación o trabajo? Si es así, ¿Cuáles son los comentarios que más recuerda? ¿por qué?

Sí claro; los escuché toda mi vida y provenían de la gente más cercana y más preocupada lógicamente por mi futuro profesional. Es curioso pero las artes y sus diversas aplicaciones se encuentran frecuentemente mal interpretadas por el “mundo corporativo” siendo víctimas de interpretaciones erradas; sin embargo, los más exitosos artistas en cualquier disciplina son elevados a niveles de gloria y reconocimiento inalcanzables para los “ejecutivos” del común.

“Del arte no se vive” – “esa es una actividad de gente rara” – “no es rentable” – “los artistas son locos, viciosos y desordenados”.

La gente se equivoca al calificar la elección de una vida en el arte como una decisión de inferior nivel; quizás ninguna actividad sea tan ardua, rigurosa y desgastante como el proceso creativo y esa búsqueda incesante de lograr el carácter tan íntimo, personal e identificador de la propuesta que logre convertir al artista en un verdadero maestro en su arte. Son necesarios mucho tiempo, esfuerzo, estudio, dedicación y el sacrificio casi integral del ser con ese propósito tan elevado del ser artista; es una de las más valientes determinaciones de un ser humano. Es una decisión arriesgada pues supone la entrega total e individual con las limitaciones propias en la búsqueda que indefectiblemente lleva al encuentro con el yo y no con las expectativas que los demás puedan tener. Es por ello que muchas veces las intenciones artísticas chocan de plano con la lógica y la normalidad del esperado “y qué vas a hacer con tu vida”. En definitiva, el arte supone un enfrentamiento conceptual con el yo y con las estructuras tradicionales de “la mayoría”.

Al terminar mis estudios del colegio me dio mucho temor tomar de inmediato el camino del arte; pero después de mucho tiempo pienso que pude haberlo hecho. Para mi seguridad en la juventud, elegí una vida profesional en agencias de publicidad acompañando desde el área creativa y estratégica la construcción publicitaria de marcas muy reconocidas. Crecí en

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el departamento creativo de grandes agencias conviviendo con el diseño gráfico, fui director creativo, redactor y productor de publicidad, aunque siempre tenía encendida la llama de mi arte. Y mi pintura, que siempre me acompañó tras bambalinas, pudo aflorar cuando sentí que ya era tiempo de poder explorar esa faceta de mi vida de manera más activa y definitiva.

Sólo me arrepiento de no haberlo decidido más temprano en mi vida pues hoy lo disfruto muchísimo.

3. ¿Ha comercializado o intentado comercializar su trabajo como artista? ¿cómo ha sido esa experiencia?

La venta del trabajo artístico es el sueño de todo artista emergente. Poder vivir del arte es una constante para todos los aventureros de este mundo.

Por fortuna mi experiencia ha sido positiva, pues en los inicios en mi infancia y adolescencia, cuando dibujaba y pintaba por afición, mi mamá y mi papá eran unos decididos promotores para mi. Mi mamá me motivaba para pintar y me llevaba a exposiciones en sitios muy interesantes, me inscribía en concursos y su confianza y credibilidad en mi, conseguía que me invitaran a exposiciones, festivales y demás que se realizaban en mi ciudad natal, Armenia. Mis dibujos se vendían algunas veces, baratos, pero se vendían; y alguna vez tuve la suerte de que me comprara una obra alguna persona que no era cercana a mi familia. Eso fue muy importante para mi confianza.

Posteriormente, durante mi vida en la publicidad, pintaba febrilmente en los fines de semana; era como una necesidad interior; y las obras se iban fácilmente para las paredes de mis amigos, familia, clientes y demás, muchas veces sin precio o por unos pocos pesitos.

Prácticamente no tengo ninguna obra de esa época. Actualmente he logrado comercializar mi obra de manera interesante con la ayuda de promotores y galeristas que me han apoyado y confían en mi obra, y aunque siempre se espera más y mejor precio y un desarrollo incremental es un objetivo permanente, puedo decir que “no me puedo quejar”.

La obra está siendo colgada en “muy buenas paredes” en Colombia y ha viajado al exterior a sitios que jamás imaginé que pudiera llegar a verse una obra mía.

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4. ¿Usted cree que se puede vivir del arte? ¿por qué?

Claro que sí. Como digo, no es fácil elegir una vida en el arte, en ninguna de sus disciplinas porque no se garantiza el sustento. Pero al ver cómo nuestros pintores, escultores, músicos, nuestros actores, fotógrafos, bailarines, cantantes y demás artistas en todas las expresiones logran tener éxito, no puedo dejar de creer en la posibilidad de que cada vez haya más futuro para muchos en la vida artística. Una verdad, el arte latinoamericano está de “Moda” y es una coyuntura muy interesante para alguien que elija el camino con carácter determinado y con la convicción suficiente para arriesgarse a soportar el camino inicial que muchas veces no es fácil.

Pienso también que es interesante poder tener una actividad productiva de “Back up” que permita respaldar la actividad artística mientras “despega”, pues no será fluida y sostenida desde un comienzo.

Esta misma pregunta me la han hecho algunos amigos cercanos que no ven en el arte una línea productiva, pero les respondo que con una propuesta realmente interesante, con la suficiente energía y determinación, tocando puertas, acercándose con respeto al medio artístico y sobre todo respaldado en una buena obra, gestionando con las personas correctas tal y como se haría en el marcado corporativo, se puede llegar a tener una forma de vida que permita sustentar la actividad e incluso poder ver como la carrera puede progresar de manera satisfactoria.

5. ¿Cree que se necesita alguna formación previa para ser artista?

Estoy claro en que a la maestría sólo se llega a través de un profundo proceso de involucramiento personal, estudio, práctica, preparación, exploración, intervención y experimentación. La realidad demuestra que la formación académica es de un gran valor en lo técnico y la escuela favorece obviamente el vivir el mundo del arte desde su esencia, lo que termina por poner al artista en una posición de privilegio de cara al mercado. Sin

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embargo, pienso y siento que el artista no se hace, el artista Nace. Son muchísimos los casos de extraordinarios maestros que provienen de diferentes disciplinas incluso no relacionadas directamente con el arte y ello no ha sido obstáculo para que puedan lograr descollar y obtener el reconocimiento que su obra merece.

En mi caso, tengo formación en diseño gráfico, publicidad y mercadeo y la cercanía natural de estas actividades con el arte, la imagen, la fotografía, la innovación, las artes gráficas y demás es innegable. Gracias al apoyo recibido en mi familia, tuve en mi infancia y adolescencia alguna oportunidad de contar con escuela técnica y un desarrollo inicial del oficio de dibujar y pintar, con maestros de mi región, pero puedo decir que el desarrollo de un lenguaje propio lo obtuve realmente en una exploración íntima, muy personal, profunda y de manera autodidacta.

En cuanto al “mercado del arte”, estoy en la línea de pensar que en ocasiones se cae en un exceso de “academicismo” y una atmósfera demasiado estructurada, sobrecargada de “Expertos”, “Galeristas” “Curadores” “Dealers”, “Promotores” que terminan calificando o descalificando el trabajo de algunas promisorias propuestas y pueden “desestimar” o por el contrario “inflar” el desarrollo y la carrera de los artistas, creando un espejismo muy complicado de descifrar.

6. ¿Cuáles han sido las mayores dificultades que ha atravesado como artista?

El peor enemigo he sido yo mismo, mis miedos, mis preconceptos, el excesivo respeto, la falta de decisión.

En algún momento decisivo, tomar la decisión de abandonar el figurativo, vencer la percepción de que el arte es una elaboración lúdica y estética muy propia de la realidad y en tal sentido centrarse en crear un estilo en un expresionismo tan intuitivo y libre.

No fue fácil liberarme del proceso lógico, tan técnico, abandonar la pincelada, ha sido difícil explorar lo desconocido, intentar cambiar y romper esquemas; entender que mi pintura se expresa más apasionadamente en una íntima relación con lo que viene del alma y no

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permitir el excesivo intelectualismo, para darle espacio a la libertad y a la pasión de simplemente manchar.

Otro tema: la percepción esa de que del arte no se vive, termina por afectar la confianza.

Y otro elemento que dificulta el proceso, es el poder integrarse de manera fluida en el mundo del arte cuando se llega de alguna manera tardía. En mi caso, el proceso se hace más lento cuando no cuentas con la escuela que aporta el proceso en el tiempo y que permite saber qué hacer para dar a conocer la obra de manera más eficiente y poder contar con el concurso de los diferentes integrantes de la cadena de valor necesaria para que la obra tenga el correcto devenir.

7. ¿Es relevante para usted definir el arte? Si es así, ¿cómo lo define?

Conversando con el maestro Alfredo Araujo Santoyo, me dio una definición que define en buena medida la palabra arte. Entre algunas palabras y conceptos, me dijo algo así como…

“Arte es todo aquello que un hombre llega a dominar con maestría. En tal caso un alfarero que produce artículos con arcilla de manera tan diestra, sencilla y perfecta, es un artista consumado.

Un neurociriujano que ha llegado a perfeccionar su trabajo de manera que le produce placer y el resultado es cercano a la perfección, es un artista también.

Todo lo que pueda ser sorprendente, conmovedor, hermoso, sorprendente, único, llevado a la máxima expresión de la destreza, que pueda ser practicado de manera sostenida, sin ser repetitivo y que deje la huella de un estilo, puede ser llamado arte.

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Proyecto de Investigación Colegio San Patricio Entrevista a: CRISTIAN PARDO BARRETO (Pollogato)

Diseñador gráfico, ilustrador y artista de cómic.

Responda las siguientes preguntas: 1. ¿Qué considera usted que hace un artista?

Pienso que un artista crea, de acuerdo a sus sentires y al material del que dispone, justamente tratando de representar ese sentimiento tan puro como le sea posible, para que lo que siente, y lo que tiene concebido en su mente pueda ser interpretado como una realidad.

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2. ¿Ha escuchado o visto comentarios negativos respecto al arte como ocupación o trabajo? Si es así, ¿Cuáles son los comentarios que más recuerda? ¿por qué?

Sí, aunque he tenido mucha suerte de tener en mi formación desde niño comentarios positivos en mi núcleo cercano, puedo decir que a un nivel mayor y menos personal el arte se ve como un pasatiempo, siempre me ha incomodado el comentario de que cuando alguien crea algo de forma artística suelen decir cosas como "que desocupe" o "que desocupado", cuando realmente crear arte no es una actividad nula, realmente representa mucho esfuerzo y dedicación, tiempo, vida y sentimiento.

3. ¿Ha comercializado o intentado comercializar su trabajo como artista? ¿cómo ha sido esa experiencia?

Sí, desde mis comienzos como artista he contado con la suerte de vender mis trabajos, siento que mi carrera en diseño gráfico me ha facilitado en cierta manera poder materializar lo que hago, tanto de forma efectiva como financiera buscando materiales de calidad, pero también buen precio etc., al comienzo siempre es una aventura, explorar texturas, tipos de papel y estilos.

4. ¿Usted cree que se puede vivir del arte? ¿por qué?

Actualmente todos mis ingresos vienen del arte y el diseño.

5. ¿Cree que se necesita alguna formación previa para ser artista?

No es necesaria, conozco artistas que nunca fueron a una escuela de arte y son exitosos en su carrera trabajando en marcas de renombre. Sin embargo, creo que cualquier tipo de formación artística es ideal, encuentras formas de solucionar

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diferentes retos de una forma diferente, estudiar siempre abre nuevas puertas para explorar miles de formas para afrontar tu labor como artista, la experiencia y la formación son parte importante en la formación de todo artista.

6. ¿Cuáles han sido las mayores dificultades que ha atravesado como artista?

Siento que el mayor reto siempre es el valor de mi trabajo ¿cuanto debo cobrar? es lo más difícil, y justamente seria muy valioso poder tener esa formación en la academia, y como gremio.

7. ¿Es relevante para usted definir el arte? Si es así, ¿cómo lo define?

Bueno esta la dejaría como la primera respuesta, debido a que el arte para mí es una manera de materializar de una forma u otra lo que como seres humanos queremos transmitir a partir de un medio, es parte de la comunicación y la interpretación, pero siento también que el arte es algo supremamente subjetivo, todos tenemos una concepción diferente y eso hace que sea más valioso poder explorar tantas diferentes formas de expresarse, la comunicación es un recurso muy valioso y el arte tiene tantas formas de poder explorar todos estos recursos y pienso que esto que es maravilloso.

Cristian Pardo para Mariana Piraquive Gómez

Proyecto de Investigación Colegio San Patricio Entrevista a: CECI ARANGO

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Diseñadora Industrial con maestría en artes plásticas, docente, realiza Arte y diseño desde la Identidad cultural.

1. ¿Qué considera usted que hace un artista?

Expresar por medio de las artes, un mensaje desde su mirada personal, que considera valioso para otros y para sí mismo.

2. ¿Ha escuchado o visto comentarios negativos respecto al arte como ocupación o trabajo? Si es así, ¿Cuáles son los comentarios que más recuerda? ¿por qué?

Si. Que los artistas somos drogadictos y que tenemos malos hábitos.

Supongo que, porque algunos lo han sido y le han dado esa imagen al público, que no conoce a los artistas híper sanos, más sanos que el común de la gente e híper rigurosos con sus hábitos, más que el común.

Que los artistas tenemos malos valores.

Supongo que, por lo mismo de arriba, y estos se han hecho famosos con esos valores.

Y porque en las artes hay una posición contestataria respecto a la sociedad. Los artistas vemos el mundo de manera diferente al común de la gente, no nos comemos

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el cuento como lo hace el común. Nos aislamos para pensar. Somos más tolerantes que el común de la gente, aceptamos las ideas diferentes, así no sean las nuestras y así no estemos de acuerdo, pero no pensamos que se tenga que ir por una sola línea de pensamiento o actitud. Y al contrario, la mayoría promovemos mejores valores que los comúnmente aceptados en la sociedad.

Que los artistas somos desordenados.

El cerebro tiene cuatro hemisferios, el frontal derecho es el creativo, visionario, librepensador, ese lo tenemos muy desarrollado. El frontal izquierdo es el matemático, yo lo tengo muy desarrollado, pero le gana el frontal derecho. El posterior izquierdo es el de las relaciones interpersonales, algunos artistas lo tienen muy desarrollado, supongo que los músicos y los artistas escénicos, pero no todos los artistas. Yo lo tengo algo desarrollado, pero no es mi especialidad. El hemisferio posterior derecho es procesual, lo tienen muy desarrollado los abogados, supongo que los administradores de empresas y los contadores. Ese lado del cerebro no es tan afín a las artes, pero sí al orden, pues al ser procesual, no da mucha libertad a la creatividad. Todos los seres humanos tenemos los cuatro hemisferios algo desarrollados, sólo que la especialidad del desarrollo de algunos hemisferios hace que tengamos unas capacidades más desarrolladas que las otras. Yo soy muy ordenada porque me toca serlo y porque soy muy matemática, pero no soy tan organizada como quiere mi contadora, por ejemplo.

Que no podemos vivir del trabajo.

Es verdad si nos comparamos con personas del común y si somos artistas del común, Pero creo que hay una línea donde se supera esta barrera y se puede aún ganar más que la gente del común. Aunque cuando se llega a esta barrera ya uno ha sufrido mucha precariedad económica y la familia de uno ya ha sufrido las consecuencias. Es el caso de Botero. Pero si uno es apasionado por lo que hace, tiene que tomar decisiones de vida o buscar una alternativa paralela para la supervivencia económica.

Muchos la encuentran en la docencia y así sobreviven muy bien, económicamente siendo artistas de profesión al ciento por ciento, medio tiempo en docencia en artes y

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medio tiempo en producción de arte. Esto da la posibilidad de investigar y de cuestionarse permanentemente. Es magnífico.

3. ¿Ha comercializado o intentado comercializar su trabajo como artista? ¿cómo ha sido esa experiencia?

Si. Desde 1994 estoy dedicada al arte de tiempo completo, junto con mi actividad en diseño, que es paralela y entrelazada con mi trabajo de arte. Sin embargo, no vivo del arte, vendo, pero mi trabajo es realizado por artesanos y pago arriendos y costos altos de materiales, por lo tanto, todo se devuelve a ellos y a mi no me queda nada. Pero como soy absolutamente apasionada por lo que hago, lo sigo haciendo. Es excesivamente duro. He sido docente, pero no todo el tiempo. Claro, al ser docente uno gasta mucho tiempo en cosas administrativas de la docencia y es muy desgastante, pero muy enriquecedor. Como no he sido docente tanto tiempo, he tenido más tiempo para trabajar en mi obra, pero he sufrido las consecuencias de trabajar aislada y de estar desligada de la actividad intelectual con compañeros de arte. Yo recomiendo la docencia a los jóvenes artistas.

4. ¿Usted cree que se puede vivir del arte? ¿por qué?

Como dije en el punto 3 en la tercera parte.

5. ¿Cree que se necesita alguna formación previa para ser artista?

Claro, no tengo ninguna duda. Los artistas que no han estudiado arte, se les nota ue algo les falta. Claro, el exceso de academia y poco oficio, también es muy malo, hay artistas que son muy intelectuales, pero su obra se siente excesivamente intelectual y poco sensible desde el punto de vista del que hacer artístico. Es decir, desde el oficio.

El punto medio es el mejor: Intelecto más oficio o que hacer artístico, sea cual sea.

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6. ¿Cuáles han sido las mayores dificultades que ha atravesado como artista?

La parte económica, el rechazo de la sociedad por los conceptos negativos que se tiene de los artistas.

7. ¿Es relevante para usted definir el arte? Si es así, ¿cómo lo define?

No es relevante. Es muy amplio el universo de posibilidades del arte, definirlo encasillaría en una limitante. Lo hice en el primer punto para tratar de definirlo, pero puede que me equivoque.

Ceci Arango para Mariana Piraquive Gómez

Proyecto de Investigación Colegio San Patricio Entrevista a: FEDERICO Y CAMILO GAITÁN QUINTERO Artistas Plásticos, con un trabajo pictórico y escultórico, sobre la diversidad cultural y ancestral de nuestro país. Han participado en exposiciones y subastas a nivel nacional e internacional. Han desarrollado proyectos en intervención del espacio público y como gestores culturales.

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FEDERICO GAITÁN QUINTERO

1. ¿Qué considera usted que hace un artista?

Los artistas nos consideramos soñadores, visionarios, genios, filántropos. Realmente un artista se considera así mismo, una persona que debe ser noble y dado a la sociedad, es lo mas importante dar a la sociedad, ya que todo lo que hacemos es un legado para generaciones futuras.

2. ¿Ha escuchado o visto comentarios negativos respecto al arte como ocupación o trabajo? Si es así, ¿Cuáles son los comentarios que más recuerda? ¿por qué?

Los comentarios negativos, es un estigma que han tenido los artistas desde hace mucho tiempo, en una época, los artistas estaban tachados de viciosos o de perezosos, por lo cual se generó ese estigma que acompaña hasta la actualidad a los artistas. En ocasiones, al comienzo de nuestra carrera, no apostaban por nuestro trabajo o por que fuéramos a vivir del arte, eran los comentarios, que se nos estaban dando. Hoy en día después de 10 años de trabajo, uno recorre un camino y al tener ese camino ya uno lo que hace es que esos comentarios negativos se vuelven todos positivos y tu obra es la que habla por si misma y ese estigma se rompe.

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3. ¿Ha comercializado o intentado comercializar su trabajo como artista? ¿cómo ha sido esa experiencia?

Si hemos comercializado, hemos intentado y realmente vivimos cien por ciento del arte, lo que quiere decir pues que un artista si puede vivir del arte y el intento de vender no se debe llamar un intento, todo lo que se intenta se queda en intento, realmente uno lo que hace es vender y promocionar su obra 4. ¿Usted cree que se puede vivir del arte? ¿por qué?

Claro que se puede vivir del arte, el arte es un proyecto, que es como una carrera común y corriente. Si lo haces con una dedicación, ocho horas mínimo de trabajo todos los días, vives del arte y puedes llegar a tener grandes satisfacciones y muchos logros tanto en lo económico, como en lo laboral y en lo personal.

5. ¿Cree que se necesita alguna formación previa para ser artista?

Hay dos estigmas o dos paradigmas, si se necesita realmente estudiar, pero no tienes una formación formal de una universidad, uno debe tomar talleres, cursos y a medida que encuentras tu camino, ya sea escultura, pintura, performance, instalación y ahí se debe seguir investigando, ya puede ser a nivel personal, que realmente te formará para tener unos criterios para hacer una obra, entonces es muy importante formarse así sea a nivel personal, no necesita un nivel universitario, pero si a nivel personal.

6. ¿Cuáles han sido las mayores dificultades que ha atravesado como artista?

Creo que ninguna dificultad, las dificultades se las pone uno mismo, realmente la carrera te permite hacer todo. Si tu te pones en negación tendrás dificultades, en mi caso, jamás he tenido ninguna dificultad con el arte, todo lo contrario, se me han abierto todos los caminos.

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7. ¿Es relevante para usted definir el arte? Si es así, ¿cómo lo define?

El arte es todo, el arte es vivir, el arte es reír, sonreír. El hombre sin arte sería realmente estéril, entonces es totalmente vital que las personas tengan el arte, que es la parte de la alegría de la esperanza, sin arte creo que el mundo sería muy triste, entonces es vital.

Federico Gaitán para Mariana Piraquive Gómez

CAMILO GAITÁN QUINTERO 1. ¿Qué considera usted que hace un artista?

Yo creo que un artista se hace con el tiempo, la dedicación y el compromiso que tenga con su obra y con el público que es quien en realidad lo considera un artista y lo va a volver un artista, pero lo mas importante del artista es siempre su compromiso con su obra y buscar su lenguaje propio.

2. ¿Ha escuchado o visto comentarios negativos respecto al arte como ocupación o trabajo? Si es así, ¿Cuáles son los comentarios que más recuerda? ¿por qué?

Los comentarios suceden mas que todo cuando empieza la carrera y siempre hay personas que dicen que uno no va a vivir del arte, yo creo que ese es el comentario mas agresivo y el comentario mas feo que puede existir en el medio, lo dicen mucho los familiares de uno, cuando uno empieza y las que uno conoce.

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3. ¿Ha comercializado o intentado comercializar su trabajo como artista? ¿cómo ha sido esa experiencia?

Si comercializo mi trabajo, a nivel nacional e internacional. Es la mejor oportunidad de conocer amigos, relacionarse con clientes, que después se te van a volver los mejores amantes de tu trabajo, entonces un artista debe tener esa influencia de comercialización.

Esa experiencia es muy interesante, la mayoría de las personas que compran tu trabajo, se vuelven grandes amigos. Algunos son grandes mecenas que te colaboraran en la vida, en el caso que hemos tenido nosotros y uno debe comercializar su trabajo, debe ser comprometido y así lo puede vender mucho mas fácil.

4. ¿Usted cree que se puede vivir del arte? ¿por qué?

Bueno yo no creo que pueda vivir del arte, yo de hecho vivo cien por ciento del arte, yo no hago otra actividad económica. El arte a mi me ha dado para todo, se ha posicionado bien en el mercado, a pesar que estamos en pandemia yo sigo vendiendo, el arte en realidad es una muy buena profesión y si la vez desde el punto de vista económico es una de las profesiones mas rentables que puede existir.

5. ¿Cree que se necesita alguna formación previa para ser artista?

Bueno la formación previa para ser artista, hay muchos artistas que dicen como yo que no es tan necesaria la formación académica, es mas importante la investigación que debe realizar el artista para conocerse, esa investigación viene amarrada a su trayectoria familiar, viene amarrada a su contexto social y es lo que se expresa a través de su trabajo, la técnica y digamos las otras apreciaciones es lo de menos, por que a medida que tu vas trabajando vas a encontrar tu técnica propia y no considero que el artista se forme en una escuela.

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6. ¿Cuáles han sido las mayores dificultades que ha atravesado como artista?

Bueno las mayores dificultades fueron al principio, cuando sales a enfrentarte a las galerías es muy difícil entender o encontrar un espacio que te haga la difusión. Yo creo que eso fue lo mas difícil de la carrera, ya después que te conocen es mas fácil abrir campos, también si tu trabaja ya es mas contundente, el mismo abre las oportunidades.

7. ¿Es relevante para usted definir el arte? Si es así, ¿cómo lo define?

Para mi no es relevante definir el arte, yo creo que el arte es la manifestación del ser humano en todo su esplendor, considero que el arte esta ligado tanto al teatro, a la pintura, la escultura, la danza contemporánea y es la expresión del cuerpo. Entonces una definición del arte no se puede encasillar, digamos el arte contemporáneo que estamos viviendo nosotros, no lo podríamos encasillar, ya que es una expresión del ser humano y es completamente válida y nadie puede juzgar que es hermoso y que no, por que la expresión es auténtica.

Camilo Gaitán para Mariana Piraquive Gómez

Proyecto de Investigación Colegio San Patricio Entrevista a: Checho

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Diseñador gráfico e ilustrador.

1. ¿Qué considera usted que hace un artista?

Un artista expresa, libera y muestra sus emociones como persona y obviamente como artista, también expone como se ve el mundo desde sus ojos y como su mente y alma sienten lo que le rodea.

2. ¿Ha escuchado o visto comentarios negativos respecto al arte como ocupación o trabajo? Si es así, ¿Cuáles son los comentarios que más recuerda? ¿por qué?

Muchas veces he escuchado que “hacer dibujitos o mamarrachos” no son lo suficiente para considerarse como una ocupación y lo que las personas ignoran por pura moda es que el contenido que ven sus hijos pequeños en televisión son los mismos a los que se refieren como “dibujitos y mamarrachos” 3. ¿Ha comercializado o intentado comercializar su trabajo como artista? ¿cómo ha sido esa experiencia?

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Si, cuando estuve en el colegio duré un tiempo vendiendo los dibujos que hacía y respecto a la experiencia fue buena y mala a la vez, porque ganaba experiencia y claramente dependiendo de los gustos de cada persona podía absorber técnicas y estilos de dibujo totalmente distintos a lo que normalmente yo hacía y por otro lado fue malo porque para los demás dibujar no vale mucho y querían todo prácticamente gratis.

4. ¿Usted cree que se puede vivir del arte? ¿por qué?

Estoy totalmente convencido de que si, en lo personal soy muy fanático del anime y del manga, he logrado darme cuenta que si uno es constante y dedicado puede lograr resultados muy buenos para vivir de todo esto, claro está que también hay que tener paciencia ya que es algo difícil pero no imposible.

5. ¿Cree que se necesita alguna formación previa para ser artista?

Para mí depende mucho de cada persona, yo desde los 6 años dibujo y hasta el 2019 decidí entrar a estudiar algo relacionado con este mundo y durante estos años las cosas que hago y aplico las he aprendido por mí mismo y acá es cuando digo que depende de cada persona ya que no todas tenemos el mismo enfoque artístico, porque en lo personal me gusta animar y es lo que me hacía falta para hacer mis proyectos y demás cosas.

6. ¿Cuáles han sido las mayores dificultades que ha atravesado como artista?

Lo que generalmente se me ha dificultado es a lo que le llamamos “bloqueo artístico” y seguido de eso la falta de inspiración, creo que son dos cosas que afectan mucho en el proceso para ser un artista, también estar invirtiendo mucho tiempo en

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esto satura la mente, así que es bueno de vez en cuando descansar un poco de este mundo artístico.

7. ¿Es relevante para usted definir el arte? Si es así, ¿cómo lo define?

Si lo es y bastante ya que para mí significa toda mi vida, el arte me ha hecho encontrarme como persona y la verdad estoy agradecido por ser parte del mundo del arte, defino el arte como todo lo que nos rodea.

Checho para Mariana Piraquive Gómez

Proyecto de Investigación Colegio San Patricio Entrevista a: Mariana Hernández

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1. ¿Qué considera usted que hace un artista?

Un artista es una persona que se encarga de transmitir un mensaje a través de una técnica y estilo propio, y que se destaca por tener una capacidad o habilidad especial en su campo de trabajo.

2. ¿Ha escuchado o visto comentarios negativos respecto al arte como ocupación o trabajo? Si es así, ¿Cuáles son los comentarios que más recuerda? ¿por qué?

Por supuesto que sí, la gente considera que hacer arte es un trabajo inferior y menos exigente que los demás, por lo que no merece una retribución económica similar al de otras profesiones.

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Los artistas se mueren de hambre

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Todos los artistas son drogadictos

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Todos los artistas están locos

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Ser artista no es un trabajo real

3. ¿Ha comercializado o intentado comercializar su trabajo como artista? ¿cómo ha sido esa experiencia?

No, hasta el momento no lo he intentado.

4. ¿Usted cree que se puede vivir del arte? ¿por qué?

Yo creo que sí, llegar al punto de hacerlo puede ser complicado porque es un área muy competitiva y hay mucha gente que se dedica a esto, sin embargo, mientras uno tenga la

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genialidad, el talento, la pasión, la constancia y un estilo propio, no es difícil llegar a poder vivir del arte.

Por otro lado, también considero que existen áreas dentro del arte que son más competidas que otras y que requieren de un sustento económico de base mayor, como es el caso del cine.

5. ¿Cree que se necesita alguna formación previa para ser artista?

No, hay gente que se dedica toda su vida a estudiar arte y no es exitoso porque carece de talento y genialidad, pero hay gente que nunca estudia formalmente nada y logran triunfar.

6. ¿Cuáles han sido las mayores dificultades que ha atravesado como artista?

Creo que no recibir el apoyo de mis papás para comenzar una carrera dedicada a las artes, principalmente porque le preocupaba que no pudiera tener un sustento económico sólido.

7. ¿Es relevante para usted definir el arte? Si es así, ¿cómo lo define?

Mi concepción del arte es bastante amplia, para mi no es un conjunto puntual de elementos o virtudes, y es algo que se puede encontrar perfectamente en la cotidianidad y en todo lo que nos rodea, es más de saber donde encontrarlo y dedicarse a buscarlo.

Mariana Hernández para Mariana Piraquive Gómez

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Proyecto de Investigación Colegio San Patricio Entrevista a: CONNIE GÓMEZ

Artista plástica y Administradora de Empresas, con exposiciones individuales y colectivas en Colombia y el extranjero.

1. ¿Qué considera usted que hace un artista?

Un artista muestra el mundo que vive a través de sus emociones, deja contada la historia del ser humano y del mundo desde sus sentimientos, desde lo interno.

2. ¿Ha escuchado o visto comentarios negativos respecto al arte como ocupación o trabajo? Si es así, ¿Cuáles son los comentarios que más recuerda? ¿por qué?

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Claro que si, es muy frecuente encontrar personas que no ven el arte como una profesión, piensan que es un juego, que no hacen mucho o con muy poco esfuerzo y que por lo tanto no debe ser valorado como las demás profesiones. Es muy común escuchar de padres no permitirle a sus hijos con inclinaciones artísticas desarrollar su proyecto de vida en base al arte, aunque lo vean muy importante en su educación primaria, luego lo descartan por que no les parece una profesión rentable o por otros perjuicios, como en mi caso.

Pienso que esto surge del desconocimiento del proceso, formación y trabajo de un artista.

3. ¿Ha comercializado o intentado comercializar su trabajo como artista? ¿cómo ha sido esa experiencia?

Claro que si, el artista trabaja y ese trabajo como todos debe ser remunerado. Mi obra se vende bien y el trabajo como tal me ha dado grandes experiencias y satisfacciones.

4. ¿Usted cree que se puede vivir del arte? ¿por qué?

Claro que si se puede vivir del arte, el artista debe aprovechar todas las oportunidades y como todos los trabajos con esfuerzo, pasión y constancia puede lograr lo que se proponga.

Viéndolo como un trabajo común al que hay que dedicarle mucho esfuerzo y compromiso, puede inclusive ser mas rentable que otros trabajos.

5. ¿Cree que se necesita alguna formación previa para ser artista?

Creo que si es muy importante tener una formación académica, pues este conocimiento te da herramientas para desarrollar adecuadamente tu proyecto de vida, además de la investigación constante, que es esencial para crecer y aprovechar las oportunidades.

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6. ¿Cuáles han sido las mayores dificultades que ha atravesado como artista?

El no contar con ese apoyo inicial para desarrollar una carrera en artes, pues en ese entonces para mis padres no era válido estudiar algo diferente a las carreras comunes.

7. ¿Es relevante para usted definir el arte? Si es así, ¿cómo lo define?

El arte es crear valiéndose de esa sensibilidad innata que no todos tienen, es contemplar, conocerse, apreciar el mundo, la naturaleza, nuestra identidad, nuestra historia e inclusive la ciencia, toda la existencia humana con los ojos y sentimientos que solo puede tener un artista.

Connie Gómez para Mariana Piraquive Gómez

Proyecto de Investigación Colegio San Patricio Entrevista a: Stephini

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Ilustradora de cómics y artista digital.

1. ¿Qué considera usted que hace un artista?

Un artista es una persona que tiene las ganas de crear por lo que aprende alguna habilidad para expresar eso que quiere hacer.

2. ¿Ha escuchado o visto comentarios negativos respecto al arte como ocupación o trabajo? Si es así, ¿Cuáles son los comentarios que más recuerda? ¿por qué?

Sí, el más común es "no da lo suficiente para vivir". Porque en realidad es algo en parte cierto.

3. ¿Ha comercializado o intentado comercializar su trabajo como artista? ¿cómo ha sido esa experiencia?

Sí, en Colombia ha sido complicado, siendo que es un área que no es lo suficientemente valorada, las personas suelen pensar que es algo que no tiene mucho esfuerzo. Me ha ido mejor con el mercado internacional.

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4. ¿Usted cree que se puede vivir del arte? ¿por qué?

Sí se puede, pero se necesita mucho compromiso y esfuerzo de la mano de la pasión.

Además de mantener estabilidad física y emocional. Uno mismo tiene que funcionar como una empresa.

5. ¿Cree que se necesita alguna formación previa para ser artista?

Se puede ser autodidacta y conseguir clases o cursos para acelerar el proceso, pero no siento que sea tan necesario asistir a una escuela de artes especificamente.

6. ¿Cuáles han sido las mayores dificultades que ha atravesado como artista?

No me desempeño 100% como artista, tengo trabajo de tiempo completo y lo más complejo ha sido el manejo del tiempo para poder hacer ambas cosas.

La mayoría de las veces me gana el cansancio y por eso no puedo ponerle tanto empeño como necesito. Lo que me lleva a bloqueos y burnouts.

7. ¿Es relevante para usted definir el arte? Si es así, ¿cómo lo define?

Sí, lo defino como: La capacidad de crear algo único desde tu imaginación y sentimientos.

Stephini para Mariana Piraquive Gómez

Proyecto de Investigación Colegio San Patricio

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Entrevista a: Alejandra

Estudiante de Diseño Gráfico.

1. ¿Qué considera usted que hace un artista?

-El artista crea mundos, plasma pensamientos y emociones en sus obras y las trasmite a su público.

2. ¿Ha escuchado o visto comentarios negativos respecto al arte como ocupación o trabajo? Si es así, ¿Cuáles son los comentarios que más recuerda? ¿por qué?

-Si, “el arte no le va a dar de comer” “en este país no puede triunfar como artista” Fue por parte de familiares, fue bastante estresante no poder explicar cómo planeaba proyectarme en el futuro.

3. ¿Ha comercializado o intentado comercializar su trabajo como artista? ¿cómo ha sido esa experiencia?

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-Hice el intento una o dos veces, sin embargo, las personas no estaban de acuerdo con el valor que le di a mis trabajos y prácticamente querían que bajara el precio porque “sólo era un dibujo”.

4. ¿Usted cree que se puede vivir del arte? ¿por qué?

-Si se puede, pero al igual que otros trabajos se necesita constancia y sobre todo compromiso, se comienza desde lo más bajo y con dedicación y amor por la labor se va creciendo, puede llegar a ser complicado dependiendo del ambiente en el que te desempeñes, pero si puedes vivir de esto.

5. ¿Cree que se necesita alguna formación previa para ser artista?

-Como todo, depende de lo que quieras lograr y del público que desees alcanzar, puedes lograr mucho sin tener estudios previos, pero personalmente pienso que si se debería tener fundamentos básicos, así el arte no se apegue a unas reglas, es bueno tener una pequeña guía.

6. ¿Cuáles han sido las mayores dificultades que ha atravesado como artista?

-El momento de hablar con mis cercanos acerca de mis planes, esperando la aprobación. De igual forma la búsqueda de medios para crecer y darme a conocer, es complejo no lograr ser conocido por el esfuerzo y no encontrar fácilmente una ayuda que facilite decidir el qué hacer.

7. ¿Es relevante para usted definir el arte? Si es así, ¿cómo lo define?

-No estoy segura de cómo definirlo, el arte abarca tantos campos, puntos de vista y situaciones que en mi opinión, definirlo es limitar su alcance. Dependiendo de la persona, el arte puede llegar a significar hasta la propia existencia del humano,

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mientras que para alguna otra, el arte no significa nada ya que no se siente vinculado a él. Es algo que existe, que sé que está presente en la mayoría de cosas (por no decir todas) y que le da otra mirada al mundo.

Alejandra para Mariana Piraquive Gómez

Proyecto de Investigación Colegio San Patricio Entrevista a: Viviana

Estudiante en la ASAB. 1. ¿Qué considera usted que hace un artista?

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Yo pienso que un artista es una persona que produce a partir de la sensibilidad. Sea algo auditivo, algo visual, performance o cualquier cosa. Pienso que un artista trabaja o produce a partir de la sensibilidad, para generar mas sensibilidad, valga la redundancia.

2. ¿Ha escuchado o visto comentarios negativos respecto al arte como ocupación o trabajo? Si es así, ¿Cuáles son los comentarios que más recuerda? ¿por qué?

Si, comentarios negativos, siempre van a haber. A veces ni siquiera son los comentarios, sino los gestos de las personas. Digamos por ejemplo cuando me preguntan ¿Qué estudias? Y digo Artes plásticas, las caras que hacen, dicen mas que mil palabras.

En cuanto a comentarios me han dicho que por que no publicidad, por que no mejor algo que genere mas ingresos, mas ingresos fijos, algo mas estable. Que si tengo una segunda opción, que cual hubiera sido mi segunda opción, que si eso es hacer plastilina, que creo que es el comentario mas ofensivo que me han dicho, por que estudio artes plásticas. Son los comentarios mas usuales.

3. ¿Ha comercializado o intentado comercializar su trabajo como artista? ¿cómo ha sido esa experiencia?

Es difícil, vender obra es un poquito complejo, pero pienso que todo esta en la constancia, me ha ido bien. He vendido cuadros que se han remunerado bien, en una ocasión rife uno, no se lo ganaron, pero igualmente, la plata de la rifa me quedo para mi. De por si la experiencia comercializando, ha sido amena. Hace mucho no vendo, creo que vendí mas cuando estaba en el colegio, pero en la universidad casi no, es chevre que hayan personas que les guste lo que haces y la manera como tu reflejas que percibes el mundo.

4. ¿Usted cree que se puede vivir del arte? ¿por qué?

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Yo si creo que se puede vivir del arte, es viable, en Colombia es un poquito complejo, en el exterior como Europa, donde tienen un poquito mas de esa apreciación hacia el arte si, pero reitero lo que dije en la pregunta anterior y es que todo es a partir de la constancia.

5. ¿Cree que se necesita alguna formación previa para ser artista?

Si, digo que si. Un artista empírico puede vender pero no tiene bases y siento que a veces las bases que se muestran o presentan en la academia, son buenas bases, para tener fundamento tanto teórico como práctico. La academia, es muy necesaria para la formación de un artista, me ha pasado que encuentro perfiles de Instagram, y se nota cuando son empíricos, no tienen noción de anatomía o perspectiva, no saben manejar la pincelada.

6. ¿Cuáles han sido las mayores dificultades que ha atravesado como artista?

Un poquito, algunas veces no hay tanta demanda. Cuando vivía en Villavicencio, los ganaderos o las personas adineradas, si tienen como ese incentivo, en Bogotá es complejo comercializar y también es un poquito complejo que te reconozcan, por que conozco muchos artistas, todos nos conocemos entre todos, y a veces es difícil salir de ese gremio de artistas y que te reconozcan terceros.

7. ¿Es relevante para usted definir el arte? Si es así, ¿cómo lo define?

Pienso que no es tanto de definirlo, sino de sentirlo. Como estudiante de artes plásticas, cuando me preguntan de que se trata tu carrera, muchas veces, uno no sabe que responder, simplemente es cuestión de sentirlo y de transmitirlo. Creo que estaría muy ligado a mi primera respuesta, el arte está en función de la sensibilidad, para lograr mas sensibilidad pero en terceros, que eso es lo complejo.

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Viviana para Mariana Piraquive Gómez

Proyecto de Investigación Colegio San Patricio Entrevista a: SARAI SOFÍA RAMÍREZ LOZANO Estudiante en la ASAB

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1. ¿Qué considera usted que hace un artista?

Siento que un artista es un creador de ideas, de lenguaje, de comunicación y de movimiento. Es ver mas allá de lo que nos imponen, de lo que nos dicen, de lo que intentan hacernos creer, es salirse de eso y empezar a utilizar la crítica y a repensar el mundo desde la obra, desde la creación, desde el lenguaje del alma. Básicamente no siento que uno deba como estudiar una carrera para tener el título, sino que hay gente que innatamente lo tiene en su ser, como todos.

2. ¿Ha escuchado o visto comentarios negativos respecto al arte como ocupación o trabajo? Si es así, ¿Cuáles son los comentarios que más recuerda? ¿por qué?

Claro que si. Dicen que no sirve para nada, que estas haciendo, que no da plata, que no es un trabajo serio, en esta sociedad tan mercantilizada, que quieren que produzcamos, vendamos y hacer las cosas masivamente, sin pensar, sin sentido.

Comentarios como: para que sirve eso, o para que yo necesito eso, pero realmente son mas los comentarios buenos que he obtenido que los malos, por que la sociedad va evolucionando, pero nos falta mucha cultura y mucha identidad.

3. ¿Ha comercializado o intentado comercializar su trabajo como artista? ¿cómo ha sido esa experiencia?

Si, empecé un proyecto que se llama “vida y expansión”, es la realización de cuadros con los diferentes sentires, es una construcción de narrativa desde la palabra de la persona y mi interpretación desde la obra plástica. Me ha ido muy bien, he conocido muchas personas hermosas que quieren ver mas allá, que quieren entenderse, desde las palabras, desde la imagen y eso es lo mejor, ninguna persona desmerita tu trabajo. Las personas me han buscado y se ha dado todo muy genuinamente,

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hemos hecho un tejido muy bonito y muy importante que me ha servido para darme cuenta que uno no está solo y que puede avanzar en lo que quiere y en lo que crea.

4. ¿Usted cree que se puede vivir del arte? ¿por qué?

Estoy segura que si se puede, con muchas ganas y con mucha pasión. Si se puede por que es un trabajo, una forma de vivir, de pensar, de conocer el mundo, de conocerse a través de diferentes experiencias y claro que si es muy difícil monetariamente, pero siento que se puede vivir con lo necesario y no todo tiene que ser el reconocimiento al exterior, sino que puede ser algo mas cercano desde el territorio, desde el barrio, para poder vivir y poder complementar con el otro. Depende de las expectativas que se tengan y de lo que se quiera como proyecto de vida, pero estoy segura que se puede y conozco muchas personas, muy talentosa que lo están haciendo, con métodos diferentes, viajando y haciendo muchas cosas hermosas.

5. ¿Cree que se necesita alguna formación previa para ser artista?

Siento que como lo decía al principio no necesariamente, por que hay dones hay talentos, hay cosas de la gente que se van generando a partir de otras cosas. Para las técnicas, el conocimiento de teorías me parece que si es muy valioso, a demás de que para mi la educación es algo muy importante y si uno quiere ser un artista crítico, debe estar en el contexto social en el que está viviendo, la educación es lo mas importante y por lo que luchamos ahora mismo.

6. ¿Cuáles han sido las mayores dificultades que ha atravesado como artista?

Siento que monetariamente no, pero en muralismo y en algunos campos hay mucha competencia, se ven las jerarquías y los monopolios que hay en la misma ciudad, pero por ahora no, estoy en mi camino de la creación, de la búsqueda, del ver a otro; también desde el servicio social y es dejar el ego a un lado y empezar a ver el arte como otra manera de ver las cosas.

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7. ¿Es relevante para usted definir el arte? Si es así, ¿cómo lo define?

Para mi no es tan relevante, lo definiría como un lenguaje del alma, de las vísceras, de ver al otro, de la importancia de compartir saber y de colectivizar ese saber. Pero no lo definiría por que es un sentir, no solo el arte plástico, sino la música, el teatro, ese lenguaje del cuerpo, de la mente de las voces. Es algo demasiado bello como para definirlo o encasillarlo en una sola cosa, sino que todo el mundo lo siente diferente y lo ha sentido, no es consiente, pero está en todo, ha ido cambiando y siempre va ha estar en cambio porque cada sociedad se transforma.

Sarai Ramírez Lozano para Mariana Piraquive Gómez Proyecto de Investigación Colegio San Patricio Entrevista a: IVAN

Estudiante de artes plásticas en la Universidad el Bosque.

1. ¿Qué considera usted que hace un artista?

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Crear. No necesariamente algo nuevo, o algo nunca antes visto. Si no, a partir de los medios que tome, 'crear' algo digno de ser llamado arte.

2. ¿Ha escuchado o visto comentarios negativos respecto al arte como ocupación o trabajo? Si es así, ¿Cuáles son los comentarios que más recuerda? ¿por qué?

En mi colegio, arte era el tema favorito para "como ser un fracasado”.

Recuerdo que en las pruebas de orientación vocacional siempre me salía humanidades-arte, pero los directivos y algunos profesores se encargaron de sembrar miedo y odio a esta rama, tanto que casi terminé estudiando Administración de Empresas; todo por el odio que le tenia al arte.

"Lo importante es que a ti te guste", "¿Y de qué vas a trabajar?", "¿Cuál es tu plan B?", "¿De eso sí hay trabajo?", "En Colombia no vas a lograr nada con eso", "¿Tú quieres ser profesor?", "Patético", "Estudiar arte en Colombia es una mierda", "Sí de verdad quieres vivir de eso, te tienes que ir de acá́", "A mí me gusta, pero no me quiero morir de hambre", Lo más gracioso es que estudiando Artes Plásticas, he escuchado los comentarios más despectivos sobre vivir de ello. "Dios me libre de enseñar Introducción al Dibujo", "El arte clásico está muerto", es la frase que se repite en mi cabeza desde primer semestre.

"Nadie comprar arte moderno" fue dicho por nuestro profesor, a mitad de clase, a mitad de carrera. Comentarios así,́ dichos por los mismos profesores, nos dejan en el limbo a mí y varios compañeros.

3. ¿Ha comercializado o intentado comercializar su trabajo como artista? ¿cómo ha sido esa experiencia?

Una vez quise vender parches pintados a mano, fue muy bueno, tuve unos 4-5 pedidos individuales y uno de 8 en combo. Pero al momento de la entrega tuve demasiados 87

problemas de transporte, y los planetas se alinearon para que a mis clientes les pasara algo al momento de la entrega y no pudiera dar con ellos.

Al final del día, sin haber podido entregar nada, me deprimí ́ y nunca volví ́ a responderle a mis clientes, o sacaba una escusa. Estaba tan asustado de que mi primera vez hubiera sabido tan mal que no quise volver a intentarlo. Pero si en ese momento hubiera persistido, tengo mucha fe de que hubiera logrado mucho vendiendo parches.

4. ¿Usted cree que se puede vivir del arte? ¿por qué?

Sí. Pero se necesita mucha valentía y un buen "producto".

El tipo de arte que se quiera vender debe estar dirigido a un público específico. Por ejemplo, yo como intento de artista, nunca compraría un dibujo, una fotografía, un paisaje o bodegón, tendría que encantarme muchísimo. Pero en cambio, sin pensarlo, compraría grabados (las matrices, aunque también alguna serie), esculturas o pines. Compraría arte que, además de ser lindo, hablara, que quiera decir algo.

El grabado de unas manzanas no dice mucho, pero esas manzanas al poder reproducirse infinitas veces, les hace tener un mayor peso. Pero para gustos colores, por eso mismo tengo fé de que el arte, sí vende.

5. ¿Cree que se necesita alguna formación previa para ser artista?

El estar rodeado de gente que también inspira a ser artista, tener profesores que ya lo son, mejora muchísimo las cosas. Por ello, no confió en los autodidactas, siempre es necesario un profesor, una segunda, y ya experta, opinión sobre el trabajo que el alumno realiza. Pero es muy diferente recibir una formación europea a una colombiana. Y por mucho quien haya recibido una estricta europea, tendrá́ mejores y más definidas bases como artista.

6. ¿Cuáles han sido las mayores dificultades que ha atravesado como artista?

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Estudiar arte.

Estar en la universidad, en un país que poco o menos le importa el arte, me ha cortado las "alas". El enfoque de mi universidad es arte conceptual, es totalmente una obligación. Un artista no debería limitarse en su formación a hacer sólo un tipo de arte. Y menos uno tan "nuevo" y caótico en criticas.

Estoy seguro de que si hubiera seguido tomando cursos o me hubiera ido a México o Brasil (sólo por nombrar Latinoamérica), mi carrarera como artista estaría mucho mejor, Sería un artista más libre.

7. ¿Es relevante para usted definir el arte? Si es así, ¿cómo lo define?

En lo personal, lo único que debería definirse del arte, es que hable por sí mismo. Explicar la obra, tener que depender de una retórica rebuscada para entender la pieza, no es arte.

Iván para Mariana Piraquive Gómez

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