revista TAYEL, ITEM instituto tecnológico de música y artes integradas

del mapudungun: canto sagrado

Columna de Ernesto Holman

RESISTENCIA TERNARIA

SOBRE LITERATURA Y CREATIVIDAD Por Mary Rogers

Guillermo Rifo Uno de los agentes culturales más importantes de la música chilena.

Queridos

amigos:

C

uántas veces, a través de mi experiencia como docente, formador y artista, me pregunté por qué quise estudiar un instrumento; estudiar música. ¿Quiero fama? ¿Necesito éxito para realzar mi ego? ¿Ansío tener la aprobación del público? o ¿me interesa el escenario para conquistar el género opuesto? Tal vez, en parte, logré algunos de estos objetivos pero nunca quedaba conforme al término de dichos procesos. Hubo de pasar un tiempo para entender. Al transcurrir los años, además de ver la nieve sobre mi cabeza, comencé a vislumbrar lo que el desarrollo de una disciplina como es el arte y, en este caso, el estudio del instrumento requería. De pronto surgió la respuesta y fue una revelación, algo de lo que no había estado consciente hasta entonces: ¡ sí, buscaba el autoconocimiento!

Caí en cuenta que al estudiar, con disciplina y un orden determinado, también lo podía aplicar lo aprendido a mi vida, a mis acciones y al hacer la analogía entre el desarrollo del instrumento y/ o cualquier disciplina artística, descubrí que estaban intensamente unidos. He ahí que empecé a comprender. Al tomar consciencia de esta unión encontré sentido a mi naturaleza, como persona, como músico y como ser. Coincidentemente comencé a fluir en la creación e interpretación y en la belleza de armonía en el arte de la música y la naturaleza de ésta.

Creo, amigos míos, que el crecimiento como artista y por medio de la música, es el desarrollo de nosotros mismos. Además de saber y comprender que somos parte de un grupo, es necesario asumir tal condición para llegar a integrar una sociedad consciente y con compromiso. Sólo con esa comprensión, podremos llegar a ser almas dignas y pertenecer al plano creativo del arte musical.

Estimados, los invito a que, juntos compartamos este espacio, interiorizándonos y enriqueciéndonos con pensamientos de artistas que comparten nuestro universo musical y literario.

Bienvenidos.

Vladimir Groppas K.

Director General: Vladimir Groppas K. Editora: Mary Rogers G. Diseño: Alejandro Fuentes Soporte Web: Daniel Gutierrez Colaboradores: Fernando González, Ernesto Holman, Eugenia Rodríguez, Mario Valdovinos.

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Una producción del Instituto tecnológico de música y artes integradas ITEM. Condell 456, Providencia, Santiago de Chile.

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Columna de Ernesto Holman

RESISTENCIATERNARIA E n la naturaleza vivimos en dualidad o polaridad: izquierda- derecha, arriba-abajo, claro-oscuro, positivo-negativo, par-impar etc. En esta dualidad existente también encontramos los opuestos en cuanto a ritmo, esto es: binarios y ternarios basados en el 2 y 3 (en el 1 no hay ritmo). En el plano natural estos ritmos son estructurales que cumplen la función de organizar las distintas variables de la materia, que van desde lo magnético a lo energético entre otras posibilidades. Los ritmos musicales provienen de este concepto y son aplicados por el hombre, en su origen, a lo danzable, con funciones ritualísticas para posteriormente desarrollarse en distintos estilos y usos..

Los ritmos binarios se miden (metro) en : 2 (2/16, 2/8, 2/4, 2/2 etc), 4 (4/16, 4/8, 4/4, 4/2 etc.) , poco usual 8 (8/16, 8/8, 8/4, 8/2 etc.)

Los ritmos ternarios se miden en: 3 (3/16, 3/8,3/4, 3/2 etc.), 6 ( 6/16, 6/8, 6/4, 6/2 etc.)

9 (9/16, 9/8, 9/4, 9/2 etc.), 12 (12/16, 12/8, 12/4, 12/2 etc.). Existe la combinación de binarios y ternarios que generan el 5, 7, 11, etc. Ej. 7 = 4+3, 5+2, 2+2+3 etc.

En la naturaleza no existe un solo polo, siempre hay dos y uno es complemento del otro, todas las cosas tienen su lado opuesto. En el hombre predomina lo masculino pero tiene un lado femenino como complemento y viceversa en la mujer que tiene fuerte su rasgo femenino con su respectivo complemento masculino, así mismo funciona lo binario y lo ternario, cuando predomina uno sobre el otro en el plano musical manifestado en una zona del planeta.

En la dualidad también encontramos que el planeta se divide en hemisferio norte y hemisferio sur; de acuerdo a lo anteriormente planteado, el H. Norte es principalmente de ritmo binario y el H. Sur es principalmente de ritmo ternario.

Ej. HS Chile, Argentina, Perú, Paraguay: cueca, chacarera, choike purrún, vals peruano, tonadas, malambo, etc. = TERNARIO.

Según un informe estadístico, el tema DESPACITO de Luis Fonsi ha sido el más escuchado y difundido en la historia de la música…

L

(IDEO

El H Norte se ha impuesto “binariamente” sobre el sur tanto tecnológicamente como culturalmente desde antiguo; Europa por sus invasiones e influencia cultural y actualmente E.E.U.U a través del cine, la radio, medios fonográficos etc, y el desarrollo tecnológico y eléctrónico principalmente, lo cual nos deja en la posición de “asimiladores culturales del modo binario”. Por esencia los del H, sur “jamás” seremos... como los del H. norte, podremos parecernos pero “aunque la mona se vista de seda, mona queda“… somos ternarios…..

MO) que el planeta

L RIT

DE OGÍA

está “polarizado” mayoritariamente bajo un solo signo gracias a la tecnología y a las comunicaciones que ahora son instantáneas. Esta polarización no es natural sino artificial producida por el hombre y que tiene influencia y consecuencias en el plano de la materia.

Cabe recordar que en la dualidad no existe un solo polo y la naturaleza busca siempre el equilibrio entre ambos, por lo tanto, lo próximo que se viene es el reposicionamiento del polo rítmico que está actualmente disminuído, a esto le llamo RESISTENCIA TERNARIA. Saquemos nuestras propias conclusiones…

El planeta entero está no solo globalizado, sino también “homogeneizado”, esto significa que nos vestimos similarmente, llevamos el mismo estilo de vida, no hay gran diferencia, lo mismo es en todos lados: celulares, tv, internet, computación, automóviles etc.etc.

Según un informe estadístico, el tema DESPACITO de Luis Fonsi ha sido el más escuchado y difundido en la historia de la música… obviamente gracias a las redes sociales, superando a los Beatles entre otros… ( Reggaeton = binario). Esta homogeinización binaria significa

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L

o docto y lo popular son parte de su expresión, consignándolo como uno de los líderes naturales del patrimonio cultural nacional.

El jazz y la fusión latinoamericana, también, han tenido en Rifo a un maestro sin igual. Asimismo, sus agrupaciones Hindemith 76 (1975), Latinomúsicaviva (1978 /2013-2014) y, antes, Aquila (1973) han sido emblemáticas. Destaca por su versatilidad y el interés por la cultura chilena y latinoamericana. A raíz de lo anterior fue uno de los motores principales para formar el Instituto Escuela Moderna de Música a fines de los 80 y dar al país una instancia de estudios populares. Allí, entregó generosamente su experiencia a varias generaciones, hasta el año 2017. Ha sido premiado en innumerables oportunidades con el Premio Altazor, El círculo de Artes de Chile, Premio Nacional de Música, entre otros. Su extensa y exitosa carrera, su aporte a la educación musical y a la creación abarcarían más de un libro. Por ello, nuestra revista quiso conversar con él para saber sobre sus actividades actuales, su pensamiento y sus proyectos.

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De su actividad actual nos cuenta que acaba de terminar la composición “Alameda”,para Orquesta de cuerdas, que será interpretada por la Orquesta Marga Marga, dirigida por el maestro Luis José Recart. Pero no es lo único, su actividad es incesante.

“Estoy componiendo y haciendo arreglos musicales para un disco doble, en el

Guillermo Octavio Rifo Suárez es, sin duda, uno de los agentes culturales más importantes de la música chilena.

Percusionista, compositor, director orquestal, arreglador y académico, ha cultivado una variedad de géneros. Con más de 30 años en la Orquesta Sinfónica de Chile, también ha destacado como solista de música contemporánea. cual participan los poetas Lucía Castillo Didier y Theodoro Elssaca, los músicos, cantautores y cantantes Fernando Ubiergo, Cristina Capra, Pedro Quevedo y Bernardita Bianchi. Esta producción abarca una instrumentación de Conjunto de Cámara y será grabado, si todo resulta como lo esperamos, este fin de año por el Insigne Ingeniero de Grabación Luis Torrejón, lo cual constituye un enorme honor para todos nosotros.

Por otro lado, y contando con el apoyo de algunos de los artistas antes mencionados, estoy revisando una composición construida para la obra poética y fotográfica del escritor y artista visual Theodoro Elssaca, llamada “Rapa Nui”, lo cual también se plasmará en una producción discográfica.”

“Soy Músico” Cuando se habla de arte y creación, la gente tiende a pensar en un pasatiempo, un suntuario, algo de lo que se podría prescindir. Sin embargo, el artista conoce la importancia de su función, la que está vinculada con lo más profundo del ser humano.

“La emoción y la música existen en una unión indisoluble. Por lo tanto, cada vez que pienso, siento, sueño y vivo la música renazco en “Soy Músico”, dice el maestro y luego, ante la pregunta de qué es la música para él, enfatiza, sin dudar: “Es todo” Y es esa totalidad, la que ha sido el motor para que Guillermo Rifo haya realizado más de un aporte, como músico y educador a varias generaciones y a Chile.

Los que saben lo reconocen.

“De acuerdo a lo que el musicólogo Álvaro Menanteau y distinguidos artistas han reconocido y descrito, los aportes más importantes que he realizado relativos al ámbito educacional musical chileno son: Por una parte, la fundación de la

Cátedra de Percusión en La Pontificia Universidad Católica de Chile de Santiago y Valparaíso, en 1968, a petición del maestro Fernando Rosas.

Por otro lado, en la década de los 80, fundé, junto al maestro Francisco Larraín, el Centro de Estudios de la Música Popular, donde estudiaron, entre otros destacados músicos chilenos, Álvaro Scaramelli, Pablo Herrera, Keko Yungue, Ángel Parra, los hermanos Frugone. Este Centro de Estudios duró cuatro años.

Después, creamos, junto al maestro Eduardo Carrasco, La Escuela de Arte de La Música Popular de la Sociedad del Derecho de Autor, en 1989, la cual se convirtió, posteriormente, en la Escuela de Música de la Universidad Arcis.

También, ha constituido un hito importante en Chile la sistematización de la Enseñanza Académica de la Música Popular que se logró, de manera pionera, cuando fundé las mallas curriculares y los programas de estudio de las diferentes asignaturas de las carreras de Composición y Arreglos Musicales e Interprete Instrumental en la Escuela Moderna de Música, lo cual me permitió cofundar el Instituto Profesional de la institución”

“La música es una sola” Para el común de las personas, resulta curioso que, siendo un artista de formación clásica, haya sido pilar fundamental en la creación de las escuelas mencionadas.

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Pero ello tiene una base su concepto de la música.

la creatividad, no se fabrica, se alimenta, se desarrolla, se realiza”

“Siento que la Música es una sola y abarca diferentes estilos en función de la épocas, de las creencias, de las culturas, de la geografía, del desarrollo de los diferentes instrumentos por consecuencia de las necesidades y avances culturales. En el siglo XV también existió la música popular y la música clásica. En el siglo IV la música era la música del pueblo. Las formas de expresión, los instrumentos, las formas de instrumentar han ido cambiando. Se producen transformaciones en la técnica, en las tecnologías, en las concepciones y aplicaciones de los recursos musicales.

Con respecto a lo anterior, el maestro hace una recomendación a quienes ingresan a estudiar música y arte:

Relevante es el reconocimiento del mestizaje a la hora de comprender la fusión de la música clásica y la música popular. El conocimiento y manejo de las diferentes culturas musicales me ha permitido, espontáneamente, mezclar los diferentes estilos y llevarlos al lenguaje escrito, generando música de fusión escrita. Las primeras aplicaciones de esta fusión de música clásica, folclore y jazz las pude plasmar con las composiciones realizadas para el Conjunto Hindemith 76 y Latinomusicaviva. Posteriormente, muchas de mis composiciones contienen este estilo de manera característica.

También he podido plasmar este sonido en los arreglos sinfónicos de música popular”

El músico, la academia y el arte Durante los últimos años, la tendencia a abandonar la academia por parte de los jóvenes ha ido creciendo. Muchos señalan que más se aprende en la práctica y pueden tener razón.

Sin embargo, el tiempo utilizado para la adquisición

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“Dedicación, dedicación y dedicación.

Valorar y profundizar en el camino del aprendizaje hacia la excelencia, con humildad y amor, la enseñanza entregada por sus maestros. Importante es aprender a conocer la humanidad, la historia, las expresiones y diversidades; respetar la propia humanidad para descubrir, develar aquello que no se enseña, no se compra; aquello que permite conmoverse y conmover al oyente.”

...y luego, ante la pregunta de qué es la música para él, enfatiza, sin dudar: “Es todo”... de conocimientos puede requerir de un camino más extenso. Con respecto a la supuesta contradición entre los estudios y la creación, Rifo es enfático en señalar que no hay tal.

“La academia facilita el desarrollo de las habilidades y destrezas creativas de las personas a la luz de la adquisición de conocimientos y herramientas teórico prácticas integrativas que constituyen la plataforma que permite dicho desarrollo. Lo anterior no quiere decir que la academia haga el milagro que una persona sea creativa; es decir, se nace con

Finalmente, el maestro envía un mensaje que nos interpreta.

“Muchas gracias a mis padres, a todos mis maestros que ya no están, que fueron luz y siguen siéndolo en mi.

Muchas gracias a los maestros y profesores que me han acompañado y siguen acompañándome y apoyando en las labores fundacionales en la educación.

Muchas gracias a mi esposa por el aporte y apoyo en este contexto.

Muchas gracias a mis alumnos, a quienes he podido compartir los conocimientos maravillosos de la música y de la vida y de quienes he podido aprender constantemente.

Muchas gracias a los músicos con quienes he trabajado en las orquestas, a los cantautores y a todos mis compañeros en la música, a los amigos y a los trabajadores que hacen posible que un artista comunique en un escenario. A todos les deseo mucha buenaventura”

Por Fernando González

LIFESCAPE

La siguiente es la transcripción del solo de guitarra del tema “Lifescape”, realizada por el guitarrista australiano Frank Gambale en el album “Beneath the Mask” del grupo norteamericano “Elektric Band” de Chick Corea, grabado en 1991 por el sello GRP. El solo con una extensión de 40 compases, se encuentra edificado en base a una progresión de 4 acordes y 4 compases, ciclo que se repite 10 veces a lo largo de la improvisación.

El ciclo del solo comprende los acordes Dbmaj7, Dm7, Bbm7 y Fm7(Rebmaj7, Rem7, Sibm7 y Fam7) . Los acordes Dbmaj7, Bbm7 y Fm7 se encuentran emparentados como los grados armónicos I, VI y III de la tonalidad de Db mayor, siendo el acorde de Dm7 el único acorde no diatónico a la tonalidad de Db. Por lo tanto sería presumible suponer que el material tonal del solo estuviese elaborado en base a las escalas de Db mayor y posiblemente D dorio.

Sin embargo Frank Gambale visualiza cada acorde por separado, otorgando a cada uno una escala modal diferente, alejándose de esta manera del presumible centro tonal mayor para Db. El resultado final es el uso del modo lidio para Dbmaj7 y dorio para cada uno de los acordes Dm7, Bbm7 y Fm7.

La elaboración melódica aparece con la presentación de un motivo inicial en los 2 primeros compases, el cual aparece inmediatamente variado y repetido en los compases siguientes, para luego ir lentamente acumulando tensión a través del empleo de pasajes cromáticos y rápidos que desenbocan en un clímax agudo en el compas 33, seguido de un segmento de “release” que desemboca en la presentación de la melodía de la obra por parte del saxofón.

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Por Mario Valdovinos

E

rayuela

l ladrillo apareció en mi preadolescencia y me asustó su volumen, si bien yo era lector desde la infancia, debido a la cultura familiar. Los libros eran un tema de conversación en la mesa dominical, sin importar su extensión. La rayuela alude en Chile al juego de tejos que se arrojan, desde la distancia, a un cuadrado de barro, atravesado por una lienza. Se practica con el luche, un pedazo de alga comestible aplastado con los zapatos en el suelo. Pero en las ciudades, donde no está el alga marina, era reemplazada por cáscaras de naranja y se iba arrojando a los cuadrados del cielo y el infierno.

Juego infantil y, sin duda, metafísico. ¿Una novela con ese nombre?

Raro, por tanto, fascinante. Me propuse el desafío de leerla y emprendí un primer intento que fue absolutamente fracasado, la encontré árida, subversiva, caótica, impenetrable. Deseché cualquiera de las formas de lectura propuestas por el autor y me lancé como siempre de a hasta z, cartesiano y metódico, sin más. No pude acceder al desenlace de las más de 600 páginas, no llegué y permanecí atascado en el camino.

Me derrotaron el intelectualismo, los juegos incomprensibles, la densidad de los personajes, sus tentativas impenetrables. ¿Qué demonios buscaban en París y Buenos Aires?, dos capitales que aún no anhelaba conocer ni vivir. Ya conocía a Cortázar por influencia de la brillante maestra que tuve en los dos últimos años de la enseñanza media, había accedido a Bestiario, 1951, donde me deslumbró el enigma de Casa Tomada y, por sobre todo, Las armas secretas, volumen de 1959 en el que aparecen los cuentos Las babas del diablo, la historia de una foto equívoca y su vínculo con la corrupción de un adolescente, y El Perseguidor, centrada en la patética existencia del saxo alto Charlie Parker y de Bruno, su obstinado biógrafo. Es más que probable que de allí venga mi pasión por el jazz, si bien por encima de aquellas lecturas y de toda lectura, exceptuando a Neruda, a los trece o catorce años no había más que The Beatles. Nadie es serio a esa edad sentenció, a esa misma edad, Rimbaud.

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Años después, ya en la universidad y alumno del curso de Literatura Hispanoamericana, volví a sus páginas y ocurrió el deslumbramiento, me deslumbré y no miento. La novela ofrece al lector, o antilector, la posibilidad de armarla él mismo, con la guía o perdedero que ofrece el autor, animado del espíritu de la patafísica que planteó Alfred Jarry y recogieron y potenciaron, un tiempo después, en los años veinte del siglo pasado, los dadaístas

y aún más los surrealistas. Capítulos del lado de acá, Buenos Aires, y del lado de allá, París, dos ciudades que, tras leer Rayuela, empecé irremediablemente a visitar, a recorrer y a amar, solo y también con mis seres más queridos. Un lector bajo hechizo inevitablemente va a reconocerse en los protagonistas del libro que lee, subraya, comenta, divulga, y con Rayuela se dedica, entre muchas cosas, a solidarizar con las búsquedas de Horacio, que se niega a entregar su vida al trabajo embrutecedor, durante décadas, y consagra su tiempo anárquicamente a recoger desperdicios para volverlos esculturas cuya utilidad no existe; ese lector se obstinará en sucumbir, como un enamorado ciego, a las intuiciones de la Maga, se sentirá extasiado ante sus desbordes inocentes frente a las cosas que no entiende o se niega a entender para asumirlas como un pájaro, dándoles un rodeo y mirándolas sin apropiarse de ellas ni destruirlas.

Oh Maga, en cada mujer parecida a vos…, esta exclamación de Horacio comienza a volverse un mantra.

Los laberintos de la trama, alambicada y caótica, que forma redes de sucesos, contenidos y significados, sin jamás dejar de cuestionar el instrumento que se usa para expresarlos, vale decir, el lenguaje, vuelto bocanadas de aire puro o acto seguido ráfagas de viento huracanado, se adhieren a la memoria y también a otras formas de acceso a la trama, ojos, manos, pies, se te enredan en el pelo los encuentros azarosos de Horacio con la Maga, el arbitrario y espléndido modo de reunirse para hacer nada, y contribuir con la nada, del Club de la Serpiente, los manuscritos de Morelli, el escritor, que muere atropellado, como le pasó a Roland Barthes, las existencias bonaerenses de Talita y Traveler, todos esos fragmentos se te pegan en las uñas y en el caminar. Ves un pájaro y piensas que voló desde las hojas del ladrillo de portada negra, llueve y dejas que el libro se moje para después recorrer con los dedos sus páginas húmedas. Pocas veces ocurren milagros así con un libro.

Como si todo aquello fuera poco la novela no termina, pues puede entenderse que la forma cíclica de la trama, o antitrama, remitirá inexorablemente al inicio, y esa huella sinuosa puede volverse la adecuada o la que mejor se adapta a tu manera de emprender su lectura. Dos ojos que recorren, en silencio, lápiz en mano, sus miles de palabras impresas en hojas de papel.

Una pausa filosa y cristalina que acababa por derrumbarse tristemente como un paraguas mojado que se cierra.

Capítulo 1.

MV. Septiembre 1918

Por Mary Rogers

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urante dos o tres años, en épocas diferentes, he realizado talleres literarios. Cada vez que conozco a un grupo nuevo, me sorprendo por la diversidad de pensamiento y percepción de los distintos acontecimientos y lecturas realizadas.

La riqueza de aquella experiencia sólo puede compararse con la de un psicólogo o un sacerdote. Poco a poco, cada uno de los participantes se va abriendo al la dinámica colectiva y muestra, en escritos y comentarios, parte de su alma, de sus inquietudes y aspiraciones.

Asimismo, al poco tiempo de trabajar en el taller, el cauce que toman sus relatos comienza a ser claro y enfocado, dejando sólo espacio para desarrollar su propio estilo dentro de la ficción. Creo que sólo se aprende a escribir escribiendo. Por ello, cada técnica narrativa utilizada en nuestras reuniones semanales es, en realidad, una excusa para la creación.

En un mundo en que todo es inmediato, resulta casi imposible escribir a diario, entonces la sesión programada se hace necesaria para motivar a los asistentes al taller, para que todos encontremos un espacio de creatividad y debate. La creación literaria está al alcance de todos.

Bastan unas cuantas gotas de pasión por la escritura, perseverancia y una historia que contar para construir un mundo.

Algunos consejos prácticos para comenzar a escribir Los que nos dedicamos a la literatura solemos soñar con una cabaña frente al mar y todo el tiempo del mundo para escribir. Sin embargo, si conseguimos el

Escribir es una necesidad. Para algunos es urgencia -aquellos que no pueden, ni quieren hacer otra cosa que escribir-; para otros, hacerlo forma parte de su expresión en momentos determinados.

Cuando el sentimiento apremia, la palabra salva.

escenario “ideal”, nos daremos cuenta de que no basta el entorno. De no existir el motor que nos obliga a romper la inercia, ningún ambiente será el adecuado para realizar la obra.

Elizabeth Gilbert - autora de Comer, rezar y amar- dice en su libro La gran magia que el/la escritor/a no puede pedirle a su talento que lo/la mantenga, es necesario tener un empleo diario. De hecho, no fue hasta que la obra que dio nombre a la película no se convirtió en súper ventas que ella pudo dedicarse exclusivamente a la literatura. Antes, trabajaba durante el día y escribía por la noche. Y aquí viene el primer consejo: si realmente quieres escribir, debes encontrar un momento para hacerlo cada día, así sean unos minutos. No hay excusa.

Una vez que comienzas en este camino, está absolutamente

prohibido abandonarlo. Si tienes una idea para una historia, piensa en ella mientras conduces, a la hora en que corres, cuando te duchas. Persigue esa idea y mírala desde todos los ángulos para que veas lo que otros no ven. El imaginario es tu principal herramienta, juega con él y luego pon manos a la obra, porque las ideas están en el inconsciente colectivo; si no la desarrollas tú, alguien más lo hará. Y no es broma.

Finalmente, lee. Lee todo lo que puedas.

Cada letra, cada frase, aunque sea aquella oración leída al pasar desde la micro, trae una historia para ti y sólo tú eres la persona indicada para descifrarla y luego transmitirla al mundo.

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Por Eugenia Rodríguez Moretti

H

abían transcurrido varios meses del año 2015, desde que había comenzado a trabajar para saldar una deuda que mantenía pendiente con Violeta Parra, en mi calidad de mujer guitarrista, pese a que las transcripciones de estos temas se habían publicado el año 1994. (1.)

Grande fué mi impresión, cuando, un día, escuchando las versiones originales de la misma compositora, en busca de un mayor acercamiento a su estilo interpretativo, me pareció oír el canto de un gallo mezclado con el ruido ambiente propio de una grabación "casera", lo que me generó un verdadero Deja Vu. Al poco tiempo de esta experiencia, tuve la oportunidad de reunirme con Don Miguel Letelier Valdés (2.) quién había realizado estas grabaciones en la misma "casa de palos" de Violeta , en la comuna de la Reina, en el sector oriente de Santiago de Chile, en en los años 60.

En esta ocasión, aproveché de preguntarle sobre ese gallo que se escuchaba a lo lejos en dichas grabaciones. Me respondió muy coloquialmente - como reviviendo ese momento con alegría-, que mientras él grababa las interpretaciones de la folclorista, el gallo de ésta se comía las pepas de sandías que estaban sobre la mesa y de pronto se ponía a cantar.

Tengo la certeza de que dicho instante fue fundamental en mi búsqueda de conexión con este repertorio de la Parra, generándome la necesidad de ahondar en el conocimiento de su biografía personal, emocional, social y musical. La experiencia me permitió comprender

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que en todas sus expresiones artísticas podemos leer un contenido referente a su hábitat personal, temporal, cultural y político, lo que constituye el verdadero sentido y razón de ese torrente creativo inextinguible, mediante el que esta singular artista universal hizo carne el mensaje de su coetánea Gabriela Mistral: "Lo que el alma hace por el cuerpo es lo que el artista hace por su pueblo".

De esta forma, mientras más me adentraba en el universo musical que Violeta creó en forma intuitiva y experimental, luego de "doctorarse" en la universidad de las voces de su mismo pueblo, fueron apareciendo en mi consciente, pingüinos emperadores con su torpe caminar y su cotidianeidad casi humana, reflejada en pasajes musicales de ánimos contrastantes formas y frases irregulares, como es el devenir de los momentos que transcurren cada día.

La Anticueca N°2 se me presentó en forma de una mula que sube un cerro con

paso cansino y luego se encabrita, tirando patadas para terminar con una carrera desenfrenada.

De igual forma, en la Anticueca N°4, fue un arroyuelo al amanecer el que, en forma de ritornello, parece representar el paradigma circular de la vida.

En esta obra, el virtuosismo idiomático de la Parra nos permite reconocer el sonido del agua, con un inesperado dominio técnico y dinámico del instrumento, comparable con el agua que corre por las piletas del Palacio de la Alhambra genialmente descritas por Tárrega en su inmortal trémolo.

Finalmente, es la Anticueca N°5 dónde Violeta desborda todos los límites de la razón transitando por la música contemporánea, descriptiva y dodecafónica, delatando una genialidad digna de un planteamiento arquetípico Junguiano.

Referencia al pié de página: (1.) Composiciones para Guitarra Sola de Violeta Parra, registradas por Miguel Letelier Valdés en 1960, transcritas por Mauricio Valdebenito, Rodrigo Torres, Olivia Concha, Rodolfo Norambuena y Martín Pino y publicadas por Fundación Violeta Parra y SCD con apoyo del gobierno sueco, 1994).

(2.) Compositor y organista Chileno, Premio Nacional de Música 2008.

Entrevista Vladimir Groppas Radio Usach

Actividades Jam

Presentación libro "Al alero de las copas"

l i r Ab

o y a M

Presentación Marisol González

Presentacion libro.

Actuación Tomás del Real

clase abierta saxofón

Groppas Trío

bajo eléctrico

saxofón contrabajo

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o i n Ju Clase Fernando González

Concierto didáctico The English Institute

Clase Magistral Fernando González

encuentro de cantautores

o i l Ju

Matías Baeza

Trio Ladies

Voce di tango

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Mitcheaux

o t s o g A Admisión Colegio San Agustín

Admisión Colegio San Agustín

Admisión Colegio San Ignacio

Admisión Colegio Santa Marta

Marcelo Rosa Alumnos Barbara Perelman premiados

Presentación alumnos infantil piano y guitarra clásica

Septiembre

Octubre

Halchic

Eugenia Rodríguez La otra guitarra para Violeta

GAP en la ruta del café

Presencia en el Festival del San Agustín

Kandyan Dance Presentación libro de Armonía de Luis Cheul

Presentación LA BÚSQUEDA

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Mateo Parra

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Festival Interescolar

de

Cantautores ITEM Semi-finalistas

Manuela Rondón

Daddy Potter

Antonia Fariña Antonia Meza

Sofía Jimenez

Colombalá

Diego Muñoz

Baja Rodgers Fabián Mancillas Maite Moreira Lágrima Mateo Parra Las cenizas del jardín Colombalá Carambola Caray

Maite Moreira Liceo María Luisa Bombal The Grange School

Diego Muñoz Orquídea

Colegio Artístico Salvador

Antonia Meza Glowing

Liceo Carmela Carvajal

Fabián Mancilla Gettin Over

José Victorino Lastarria

Manuela Rondón Áspero Baja Rodgers Meant to be (Daddy Potter) Feítos los dos Trinidad Godoy Sigo esperando Isidora Valenzuela No te vayas Antonia Fariña Cheer with me Sofía Jiménez Quizás te perdía

Isidora Valenzuela

Barrie Montessori

Kimen Montessori Nido de Aguilas Liceo Claudio Matte Colegio Parroquial Sta Marta Boston College Alto Macul Nido de Aguilas Liceo Carmela Carvajal

Trinidad Godoy

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Agenda enAgenda *Viernes 26 de octubre 18:00 horas Semi-final 1er Festival Interescolar de Cantautores ITEM (En HUB Providencia, Manuel Montt 101)

Taller de autobiografia para adultos

*Sábado 27 de octubre 18:00 horas Final 1er Festival Interescolar de Cantautores ITEM (En HUB Providencia, Manuel Montt 101) *Viernes 9 de noviembre 20:30 horas Concierto de Claudia Stern *Miércoles 14 de noviembre 18:00 horas Clínica de batería con Felipe Van der Mer *Viernes 16 de noviembre 20:30 horas Concierto Esteban Pavéz

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info@item.cl