aínas N°8 . 12/2019
Os invasores Há muito que os marcianos invadiram o mundo: são os poetas e como não sabem nada de nada limitam-se a ter os olhos muito abertos e a disponibilidade de um marinheiro em terra… Eles não sabem nada nada – e só por isso é que descobrem tudo.
(Mario Quintana)
Gli invasori Da molto i marziani hanno invaso il mondo: sono i poeti e visto che non sanno niente di niente si limitano a guardare con gli occhi ben aperti di un marinaio a terra... Non sanno niente proprio niente – e solo per questo scoprono tutto.
(Traduzione Giovanni Bernuzzi)
aínas W W W . A I N A S M A G A Z I N E . C O M
Secondo anno AÍNAS Nº8 . 12/2019 WWW.AINASMAGAZINE.COM INFO@AINASMAGAZINE.COM Direttore Responsabile Roberto Cossu Condirettore Giorgio Giorgetti Direttore artistico, direttore editoriale Bianca Laura Petretto Grafica Gabriele Congia Informatica Michelangelo Melis In copertina la fotografia dell’opera è di Catherine Jansens: Avion jaune 1, 50x35 cm., aquarelle, 2018 Le opere delle sezioni sono della serie Breath e Light Petals di Danilo Rojas © Aínas 2019 La traduzione, la riproduzione e l’adattamento totale o parziale, effettuati con qualsiasi mezzo, inclusi la fotocopiatura, i microfilm e la memorizzazione elettronica, anche a uso interno o didattico, sono consentiti solo previa autorizzazione dell’editore. Gli abusi saranno perseguiti a termini di legge. is aínas faint is fainas . gli strumenti fanno le opere Secondo anno AÍNAS nº7 © 09/2019, reg. n° 31/01 Tribunale di Cagliari del 19 09 2001, periodico di informazione trimestrale, cartaceo e telematico. Iscrizione n° 372004 al Registro della stampa periodica Regione Sardegna, L.R. 3 luglio 1998, n° 22, ART. 21. ISSN 2611-5271 Editore Bianca Laura Petretto, Cagliari, Quartu Sant’Elena, viale Marco Polo n. 4 Direttore responsabile Roberto Cossu
B&BArt MuseodiArte contemporanea
Un ringraziamento speciale a Guido Festa Progettazione e costruzione di “GLOVE BOXES” e prototipi per la ricerca farmaceutica e nucleare www.euralpha.it
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www.bbartcontemporanea.it info@bbartcontemporanea.com
info@quintaclasse.it
AINAS MAGAZINE
AÍNAS Nº8 4 editorial .
guerre in cornice . roberto cossu
7 chapter I . the special 8 scala céleste . jean-claude borowiak 18 l’enfant sauvage . bianca laura petretto 19 sibylle peretti 26 les existences élémentaires . valérie jottreau 29 catherine jansens
41 chapter II . the new code 42 united fraction . daniel nyström 46 il piacere di copiare . paola saraval
49 chapter III . portraits 50 words berger . danilo rojas 51 sofia arango echeverri 52 rosso bellezza . maria paola masala 53 flavio manzoni
57 chapter IV . crossing 58 meninas en el tráfico 59 icono urbano . virginia nesi 62 caminantes . felipe jácome 70 faccia in terra . ermenegildo atzori
75 chapter V . pataatap 76 victor soren et les enfantômes . jean-paul gavard-perret
85 chapter VI . swallow 86 natale a casa qualunque . giorgio giorgetti
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EDITORIAL
aínas GUERRE IN CORNICE
Sensazioni dalla Biennale di Venezia, nei giorni finali. L’uomo dei nostri tempi, pur col distintivo d’arte, sbatte contro i muri, è terrorizzato dal terrore ma lo pratica ardentemente, litiga con la tecnologia, non trova un nuovo linguaggio e si ingolfa in mille linguaggi, sguazza tra rifiuti e rottami. Più o meno le sensazioni delle precedenti edizioni, con un tot in più di frustrazione e insicurezza. Il mondo non capisce se stesso, e altrettanto capita all’artista che si avvolge, torna agli amati labirinti e cerca di confermare un’antica regola spesso rispettata: la cultura si esalta nei tempi e nei luoghi più cupi. Stavolta non sembra riuscirci. A conti fatti, si esalta soprattutto per i manichini, siano in una sorta di presepe familiare o a bordo piscina. Tra un padiglione e l’altro è consigliata una sosta alle bancarelle di frutta e verdura di Zhanna Kadyrova. Poco di nuovo, in poche parole. Certo, si resta a guardare il cancello di Shilpa Gupta che si apre e chiude meccanicamente infrangendosi violentemente contro il muro, idea di quel coacervo così contemporaneo e fallimentare di sicurezza e libertà, e si cammina mestamente, alzando pesantemente lo sguardo, fra le figure flosce di latex nero di Alexandra Bircken, che cercano disperatamente l’altezza aggrappandosi alle scale ed esalando immaginari sospiri di sconfitta. Ma anche quelle sensazioni sono di riporto. C’erano già. Luoghi vissuti, speranze disperse. Dovendo scegliere per impulso, c’è chi dedica più tempo agli “War Movies” di Christian Marclay. Perché? Perché è un compendio di quel mondo che non si capisce. Uno schermo che racchiude tanti schermi, una cornice televisiva moltiplicata. Accade tutto nei bordi stretti lasciati dalle sovrapposizioni: sono 48 guerre, diverse e naturalmente uguali, fra uniformi, armi, esseri umani, distruzioni, attacchi e difese. Non cogliamo l’universale, solo il particolare che sbaraglia la narrazione, e ci basta. Il tutto si confonde nel nulla e nel nulla c’è il tutto. Niente pause, solo velocità, voglia di non fare afferrare la storia, nasconderla e giocoforza inculcare l’inquietudine. E’ una cacofonia assoluta di dettagli e colori, dove trionfa il rumore. Gli infiniti rumori della Guerra, gli eventi che non si possono contare, la cifra dominante di quel mondo inspiegabile. Ferraglia di peana e violenza, uno specchio continuamente infranto. E allo sguardo è come un tunnel dei film dell’orrore. Una voragine che si restringe in fondo. Dove non vedi cosa c’è ma sai perfettamente cosa c’è. Roberto Cossu
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AINAS MAGAZINE
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PETIT GLOBE ET BOÎTE BLEUE Catherine Jansens 45,5x35 cm., aquarelle, 2006
LLEGARÁS Danilo Rojas, 130x130 cm., 2013
I the special
AINAS MAGAZINE
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SPECIAL
scala céleste
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AINAS MAGAZINE
JEAN-CLAUDE BOROWIAK Mon travail est la continuité de mes recherches et autres expériences professionnelles centrées sur les fonctionnement relationnels de la personne. Nous sommes, chacun d’entre nous, le centre d’un monde que nous avons construit depuis notre naissance selon un processus (Fictions/interprétations/croyances) et qui, par notre passage dans une culture, une famille, une langue, un genre… nous a permis de construire un système de réalité qui nous est propres et que nous confrontons tous les jours avec nos rencontres, nos découvertes et nos apprentissages constants. En m’efforçant de créer dans le silence de mes vouloirs faire, j’ouvre un espace de créations issu des esthétiques et des mémoires de l’Histoire de ma construction personnelle que je propose en partages dans cet espace publique de rencontres où chacun à la possibilité de dévoiler ses propres savoirs, interprétations et autres croyances… Chaque spectateur dévoilant ainsi quelques traces de son Histoire et de la construction et de ses propres fonctionnements. A chacun aussi d’y construire ses propres symbolismes. Je pense que mon travail aboutira un jour à la création d’une épopée visuelle qui sera constitué d’un ensemble important de sculptures monumentales sur roues, et à y réfléchir maintenant, ce projet global évoque aussi pour moi ce mouvant de la vie et cet impermanence de toutes choses, de toutes Cultures… impermanence de tous ces peuples qui avancent vers le néant, laissant après eux leurs créations, leurs outils... comme ces machines sur roues figées, rouillées, qui, elles aussi, vont petit à petit s’effacer dans l’oubli et la poussière... serait-il alors possible alors que ces représentations imaginaires soient également les formes d’une certaine résistance au propre néant de mon l’histoire?…
Mes sculptures sont en majorité de grandes tailles, démontables pour faciliter le transport, délicates parfois, et sont destinées à être proposées en locations d’expositions/installations, en extérieurs ou dans des halls de grandes tailles sécurisés.
http://borowiakjc.wixsite.com/jean-claude-borowiak
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SPECIAL
◀ SCALA CÉLESTE
Jean-Claude Borowiak 12 m. de haut, 8 m. de long et 4,5 m. de large
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SCALA CÉLESTE Jean-Claude Borowiak dettaglio dell’opera
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AINAS MAGAZINE
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SPECIAL
DEMOISELLE DRAGONE Jean-Claude Borowiak, 2019, in corso
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SPECIAL
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SCALA CÉLESTE Jean-Claude Borowiak dettaglio dell’opera
SCALA CÉLESTE Jean-Claude Borowiak dettaglio dell’opera
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SCALA CÉLESTE Jean-Claude Borowiak 12 m. de haut, 8 m. de long et 4,5 m. de large
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SPECIAL
Artiste pluridisciplinaire, Jean-Claude Borowiak propose une œuvre riche, éclectique et originale. Sculpteur, créateur Land Art mais aussi scénariste, il explore différentes formes d’art en poursuivant une unique interrogation questionnant notre mode d’existence au monde. En fait, sa pratique artistique est le prisme par lequel il développe un examen approfondi de la construction de nos systèmes de réalité. Dans cette perspective, toute son approche artistique se nourrit de ses recherches sur la relation qu’entretient le sujet à lui-même, aux autres et au monde qui l’entoure - la compréhension de cette interaction entre l’individu et son environnement social et naturel passant par la reconnaissance de nos sensations vécues ainsi que par la mise à jour des processus de construction de nos savoirs et de nos codes de communication. Étant donné que percevoir, c’est déjà construire une représentation et lui attribuer un lot de significations, d’interprétations et de croyances, le travail de JeanClaude Borowiak s’attache à déstabiliser volontairement les codes de lecture du spectateur à travers une constellation de références culturelles communes. Par un jeu de déplacements dans la fiction, l’imaginaire ou la fable, ses œuvres déconstruisent les perceptions immédiates. Poussant le spectateur à s’interroger, elles l’orientent vers une perception bien plus consciente à elle-même. A la façon d’un miroir magique, les œuvres de JeanClaude Borowiak révèlent en fait au sujet l’acuité de sa conscience et de son être sensoriel. Stéphanie Regimbeau
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AINAS MAGAZINE
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SPECIAL
l’enfant sauvage
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SIBYLLE PERETTI My work explores our disrupted relationship to nature, and our yearning for an ability to achieve a unity with the natural world. I try to create spaces that function as a refuge and escape and where we can reconnect to nature. Children as symbols of innocence and promise are central themes in my glass sculptures and multimedia collages, which combine photography & drawing with surface interventions such as engraving, mirroring and glass slumping. The work invites us to journey into an unknown, undefined place of possibility, mystery and beauty, where we may find answers about our own identity and how we experience ourselves in the world.
Il vetro, la delicatezza della trasparenza divengono per l’artista tedesca contenitori preziosi di forme oniriche e ludiche. Le immagini di Sibylle Peretti rappresentano persone, animali, fiori, forme immerse nella natura. Sono sguardi e pensieri che si specchiano, sono l’incedere a due. Sibylle sperimenta la scultura con la porcellana e la carta, la pittura a olio o l’acquerello, inserisce il vetro e il plexiglass. Le tecniche e i materiali divengono medium tra il suo mondo fiabesco e la storia. Scopre il fanciullo protetto e “intoccabile”, l’enfant sauvage che nel film di Truffaut si chiama Victor ed è simbolo di libertà. Per Sibylle è la purezza della forma che apre le porte alla creazione e al sogno. I luoghi di Sibylle sono quelli del sonno, del dormiveglia, di un risveglio annunciato. Sono nuovi spazi, ritratti di identità che evocano figure preraffaellite fluttuanti nell’aria. Vi è nei volti scolpiti, nelle pitture doppie qualcosa di ancestrale e misterioso, eppure conosciuto. Quei corpi senza nome immersi nelle sfere limpide traghettano la speranza. Le sue opere sono i luoghi sensibili dell’umanità. Bianca Laura Petretto
Sibylle Peretti was born in Germany where the rich tradition of glassmaking influenced the direction of her artistic training and the abundant Bavarian forests inspired her choice of landscape as a predominant theme in her work. Using two-dimensional kiln-formed panels and three-dimensional lost-wax castings, Peretti composes narratives about the beautiful and poetic yet disrupted relationship between humans and the natural world. She received her MFA in Sculpture and Painting from the Academy of Fine Arts in Cologne, and a Master in Glassmaking and Design from the State School of Glass in Zwiesel, Germany. Her work has won numerous awards, including grants from the Pollock-Krasner and Joan Mitchell Foundations. She is represented in the collections of the Corning Museum of Glass; the Montreal Museum of Fine Arts; the MAK in Frankfurt The Hunter Museum of American Art; and the Huntsville Museum of Art, among others. Sibylle Peretti works and lives in Cologne, Germany and New Orleans, USA. https://sibylleperetti.com/home.html
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SPECIAL
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THE LAND BEHIND Sibylle Peretti 36”h. x 48”w. x 1”d. painted, carved and silvered acrylic glass, laser print, 2018
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◀ VICTOR Sibylle Peretti 86”h. x 62”w. x 0.5”d. painted, carved and silvered acrylic glass, laser print, 2014
SPECIAL
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FLIGHT Sibylle Peretti 36”h. x 65”w. x 1”d. painted, carved and silvered acrylic glass, laser print, 2015
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SPECIAL
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ELDERBERRIES (detail) Sibylle Peretti 120”h. x 40”w. x 1”d. painted, carved, engraved and silvered glass, laser print, 2015
WUNDERKIND Sibylle Peretti 19”h. x 15”w. x 11”d. cast and blown glass, 2012
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SPECIAL
les existences élémentaires
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AINAS MAGAZINE
CATHERINE JANSENS Il y a ainsi, dans le cosmos des choses, des ouvertures, d’innombrables ouvertures dessinées par des virtuels. Rares sont ceux qui les perçoivent et leur donnent de l’importance ; plus rare encore ceux qui creusent cette ouverture dans une expérimentation créatrice. David Lapoujade1 L’œuvre de Catherine Jansens s’origine dans un regard. Elle saisit dans l’objet élu ce qui échappe au commun. Par cet acte fondateur, l’objet démis de ses fonctions utilitaires trouve son existence élémentaire et sa charge picturale. Dès lors, transformé en matériau, il vient prendre place dans une chambre d’attente. Ébauche d’une œuvre, il se tient, avec d’autres dans la pénombre, regardant l’artiste, peuplant son quotidien. Il va s’agir, selon Etienne Souriau, de promotions d’existences. Catherine Jansens «a charge d’âme vis-à-vis des êtres qui n’en sont pas encore, d’âme, qui n’ont que la simple et plate existence physique2». Il sera temps ensuite de s’attacher à la disposition : effectuer de fins réglages pour révéler un rapport de formes, de couleurs, de matières, de textures. Dessus ou dessous, à côté, à l’avant ou à l’arrière-plan, ou encore au fond d’un espace cosmique suspendu aux dynamiques internes des objets. Il doit en être ainsi pour que l’œuvre à faire se tienne devant, debout, chaque objet déterminant ainsi un être-forme en attente d’existence. Au préalable le dessin, dont les tracés affirment encore un peu plus la disposition qui va hanter la vue et le geste du peintre. Le dessin prend littéralement acte de la mesure, des espacements, des premiers rapports formels et physiques. Il prépare l’engagement du corps – poignet, avantbras, coude, nuque, buste et tête – et annonce la répétition à la table de travail de l’apposition des couches successives, réalisée dans des conditions d’attention et de réception micrologiques. Passé ce jeu de main silencieux à déplacer, à équilibrer même un dérèglement pour trouver la meilleure configuration, passés les premiers tracés, Catherine Jansens va déplier une intimité picturale. C’est alors qu’elle ralentit l’application de ce qui est pourtant une transparence et une fulgurance : l’aquarelle. Le papier est couché sur une planche, serti d’un ruban adhésif, selon un dispositif solide mis en place, moins pour ralentir le débordement que pour retenir les existences encore enfouies, en attente de la juste lumière qui viendra les modeler à la vie. Batailler avec l’eau à force de passages de tons pour traduire la matité d’un carton, d’une couverture ou d’une boite, le bois d’un cheval, le métal d’un globe, la bakélite d’un jouet d’enfant, le tissu d’une marionnette, le papier d’une partition, ou encore, la transparence d’un verre ou d’un reflet.
1. David Lapoujade, Les existences moindres, Paris, Éditions de Minuit, 2017. 2. Etienne Souriau, Les différents modes d’existence, Paris, Puf, 2018.
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SPECIAL
Tel est le geste qui revient tout en cherchant sa mesure au milieu d’un fond nocturne. Prenons les billes [« Billes et boîte en carton », 2000] qui nous questionnent, regroupées au centre devant une boite en carton. En première ligne, la bille, blanc parchemin, voudrait appeler le regard, bravant toutes les autres de couleur qui s’empressent derrière elles. Scène de famille où la lumière affleure toute la tribu. Mais au détour du regard, une autre, écartée, est au seuil de la nuit pour nous rappeler que « rien, pas même nous, ne nous est donné autrement que dans une sorte de demi-jour, dans une pénombre où s’ébauche de l’inachevé, où rien n’a ni plénitude de présence, ni évidente patuité, ni total accomplissement, ni existence plénière3 ». Fragiles perceptions, fragiles participations à la vie des formes auxquelles nous convie l’œuvre de Catherine Jansens. Valérie Jottreau | Galerie Lligat. 13 nov. 2019
3. Etienne Souriau, Les différents modes d’existence, Paris, Puf, 2018.
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HOMMAGE AUX NAVIGATEURS Catherine Jansens 54,5x43 cm., aquarelle, 2006
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SPECIAL
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PARTITION 1 Catherine Jansens 53,5x20 cm., dessin crayon, 1993
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SPECIAL
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AINAS MAGAZINE
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BOUTEILLES D’ENCRE ET LIVRE ARITHMÉTIQUE Catherine Jansens 45x35,5 cm., aquarelle, 2002
ENCRE MAUVE ET LIVRET GRIS Catherine Jansens 46x38 cm., aquarelle, 2006
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SPECIAL
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◀ CHEVAL À ROULETTES Catherine Jansens 40x30 cm., aquarelle, 2018
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SPECIAL
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FLÛTE ET PETITE PARTITION Catherine Jansens 42,5x29,5 cm., aquarelle, 2006
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AUTO BLEUE ET ARDOISE Catherine Jansens 41,5x29 cm., aquarelle, 2007
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SPECIAL
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BILLES ET BOÎTE EN CARTON Catherine Jansens 28,5x21 cm., aquarelle, 2000
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AINAS MAGAZINE
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MANGLAR Danilo Rojas, 70x70 cm., 2014
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II the new code
AINAS MAGAZINE
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THE NEW CODE
united fraction
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DANIEL NYSTRÖM Il lavoro di Daniel Nyström, che spazia tra design e architettura, utilizza differenti materiali e ricerca i loro limiti. La sperimentazione artistica che indaga il processo creativo attraverso i confini dell’artista svedese tende a evidenziare gli spazi e la materia con il gioco dell’equilibrio e della dissonanza. Durante i suoi viaggi in Colombia trova nuovi stimoli nella tradizione locale che coniuga l’estetica nordica con le forme ancestrali latinoamericane. Costruisce texture che miscelano la fibra con la ceramica e crea opere di grande formato che richiamano i contenitori delle case tradizionali o le sinuose figure del mondo animale. Sono opere che sfidano il limite e si affacciano sull’universo inesplorato. Dopo aver esposto alla Galería La Cometa di Bogotà i suoi oggetti vaganti e i vascelli misteriosi, decide di esporre una delle sue opere, United Fraction, nel deserto di Villa Del Levya, un luogo che ha una tradizione legata alle cerimonie precolombiane. Questa scultura, realizzata artigianalmente con la tecnica giapponese del shou sugu ban, si presenta come un’astronave in legno che resiste agli agenti atmosferici e può ospitare contemporaneamente quindici persone che simbolicamente intraprendono un viaggio verso l’ignoto alla scoperta di nuove creatività.
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ÁTOMO A GRAN ESCALA 4, 5 Y 6 Daniel Nyström 95x95x5 cm., concreto y madera, 2018-2019 Fotografia di Juan Pablo Velasco, per gentile concessione della Galería La Cometa, Bogotá
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THE NEW CODE
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NACIMIENTO Daniel Nyström 250x50x50 cm., fibra de ratán y piedra, 2019 Fotografia di Juan Pablo Velasco, per gentile concessione della Galería La Cometa, Bogotá
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UNIDAD FRACCIONADA Daniel Nyström 42x360 cm., madera, hierro, cobre y bronce, 2018-2019 Fotografia di Juan Pablo Velasco, per gentile concessione della Galería La Cometa, Bogotá
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THE NEW CODE
il piacere di copiare
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AINAS MAGAZINE
Durante la mia vita da pittrice di scena ho sempre dipinto copie, copiato cose, fatto finti marmi, finti legni, finte cose, eseguito riproduzioni più o meno fedeli, più o meno artefatte, avendo a che fare con ignobili materiali. Ho persino dovuto dipingere degli improbabili denti nella bocca di una Sibilla di Michelangelo, la cui faccia era grande come il mio salotto, per la pubblicità di un collutorio o forse un dentifricio. Ma fortunatamente il destino mi ha concesso un confortevole adagio, nel quale potermi sedere e decidere di dipingere solo per diletto. Bevendo un buon bicchiere di vino e guardando “La ragazza col turbante” di Vermeer, che avevo amorevolmente riprodotto per un’amica, pensai: questa si presta ad essere riempita di piercing... e le regalai un nuovo titolo. “Ragazza con gli orecchini da pirla”. Paola Saraval
◀ BACCHINO TATUATO
Paola Saraval 28x31 cm., idropittura su legno, 2016 Fotografia di Claudio Franzini
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RESPIRO 12 Danilo Rojas, 130x130 cm., 2004
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III portraits
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PORTRAITS
words berger To Danilo Rojas from John Berger . August 12, 2008 …a few words You promised to send me a painting of yours as a gift. Two days later the postwoman delivered a flat packet and, recognising your handwriting, I knew it was the painting. I began to unwrap it carefully and impatiently. It took quite a long while. I wonder what it is? I kept asking myself. What will it be? I knew it was a painting yet I asked this question. And, in a sense, it is a question that any painting poses, whether wrapped or unwrapped. And the answer is never final. What is it? You make a list of everything in it which doesn’t change, yet the question remains and the answer does change. This is one of painting’s secrets. Now the painting is hanging on the wall parallel to the long table on which we eat our meals in the kitchen. Beside it is a wooden cupboard, let into the wall. In the cupboard we keep flour, sugar, olive oil, coffee, lentils, etc. In the painting there’s a space like a sky or white skin. Below it is matter like earth or a homeland. At one point the space penetrates the matter. Or is it skin penetrating a homeland? In the space of the sky hangs a slender but solid object, hanging vertically like the sword of Damocles. This solid vertical intrusion into the sky makes an equation with the space that penetrates the earth, yet it’s harsher, more determined, more decisive. But is it also more instantaneous and ephemeral? This evening I think so, but tomorrow when I open the cupboard to take out a packet of Mexican coffee will the answer be the same? Sometimes a homeland is like the back of a horse.
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AINAS MAGAZINE
El 9 de Marzo del año 2000 el artista colombiano Danilo Rojas fue invitado al MACBA de Barcelona (Museu d’Art Contemporani de Barcelona) por Eulàlia Bosch al lanzamiento del libro “Te Mando Este Rojo Cadmio… Cartas entre John Berger y John Christie” editado por Editorial Actar de la cual Eulàlia era la directora de la colección. Les conoce a ellos y durante un breve encuentro le escriben lo siguiente en quizás el primer ejemplar que firmaron tras el lanzamiento: “For Danilo With warmest wishes for your paintings - and the rest! - John Berger Please enjoy these letters - John Christie” Y en un pequeño papel en blanco John Berger escribió además su dirección en Francia. Esa dirección sería el inicio de un diálogo por correspondencia. Al año siguiente, Eulàlia invitó de nuevo al artista a presentar el mismo libro en el MNAC de Barcelona (Museu Nacional d’Art de Catalunya). Realizó su presentación el día 22 de Mayo del 2001 y la llamó “...Gracias por la Miel”, un diálogo entre lo dorado del gótico y “esa naturaleza misteriosamente corpórea” que atribuye John Berger al color oro. Posteriormente a estos encuentros, tras 12 años de vivir en Barcelona y justo antes de regresar a Colombia, Danilo escribió una carta agradeciendo a John Berger, incluyendo un CD con su obra. Pocos días después de enviadas las cartas, ya de regreso en su tierra natal Colombia, recibió por mail respuesta de John Berger: “August 3, 2008 Dear Danilo, Thank you very much for your letter which touched me deeply and for the CD. What words do you want to use of mine? You’re welcome but what should I do? I looked at your paintings on the CD and saw their aspiration - but to respond more to them I have to see an image which is NOT on a screen. Tell me what’s best. Abrazo fuerte, John.” Danilo responde: “August 7, 2008 Dear John, Thanks for your response and your special generosity I understand your need to SEE a painting; today a painting was sent to you. Please accept it as a gift. Azul Casi Transparente... (Almost Transparent Blue). I would be very pleased and it would be a great honor if a few words were written for the book. a BLUE hug, Danilo.” Pocos días después, Danilo le hizo llegar a su casa en el campo esa obra de la cual Berger habla en el texto y que consolida el fruto de varios encuentros entre el artista y su faro: John Berger. Sofia Arango Echeverri
L’opera è di Danilo Rojas
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PORTRAITS
rosso bellezza
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AINAS MAGAZINE
FLAVIO MANZONI Non c’è fine al meglio, assicura Flavio Manzoni. E il meglio si chiama Ferrari. È il Centro stile da lui creato a Maranello, il rigore e l’emozione. La totale assenza del gratuito, la ricerca di qualcosa di bello e originale che risponda solo al criterio della funzionalità. Cinquantaquattro anni, da nove è Senior vice president del design Ferrari, dopo aver lavorato con Lancia, Fiat, Volkswagen. Cominciò a disegnare automobili da bambino, a Nuoro, la sua città natale. Continua a farlo adesso, convinto che la macchina migliore, come diceva Enzo Ferrari, sia quella che verrà. “La composizione è una sola, e risponde a una costruzione logica che non concede nulla al superfluo”, ama dire l’architetto-designer citando Aldo Rossi. La forma è funzione, la bellezza è rigore. Ed è emozione, quella provocata (anche) dall’aspettativa degli altri. Una proiezione nel futuro, la sua, che non dimentica i classici, ma non ha nulla a che fare con un gusto retrò caro a troppi, e - almeno nel settore automobilistico - mai stemperato da una vena d’ironia. Citazioni sotterranee e discrete, che trovano una ragion d’essere nella tradizione del marchio, ma non cadono mai in banali operazioni di remake. Il linguaggio del design automobilistico, sostiene Manzoni, non è altro rispetto al linguaggio di una costruzione letteraria o della musica. Lui lo sa bene. Appassionato pianista, adora Keith Jarrett, la sua capacità di utilizzare codici del passato in chiave moderna, fondendoli in maniera perfetta. E lo imita: cercando nei suoi progetti la vita, e non lo stile, e trovandolo proprio per questo. Come prende forma una nuova Ferrari? La sinergia tra designer, ingegneri e tecnici è alla base del successo della casa automobilistica di Maranello: erano in cinque, alla nascita del Centro Stile, a comporre il team, oggi sono 130, provenienti da dodici nazioni, e tutti felici di concorrere a progettare emozioni in un luogo così ricco di storia. Un anno fa è sorta la nuova sede. Quattro piani avvolti in una morbida seconda pelle, costituita da oltre tremila pannelli triangolari (“l’unica forma geometrica che consente di realizzare soluzioni architettoniche curvilinee”). In vetro e alluminio dorato, i pannelli hanno la duplice funzione di garantire la massima luminosità, ma anche la più efficace protezione da sguardi indiscreti. “La nostra casa tanto agognata”, la definisce questo nuorese che ha la faccia da bravo ragazzo, raccoglie lusinghieri riconoscimenti in tutto il mondo, e col suo straordinario eclettismo incarna, senza vantarsene, la personalità di un uomo rinascimentale. Maria Paola Masala
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PORTRAITS
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CENTRO STILE Fotografia di Lennen Descamps Per gentile concessione Copyright Ferrari S.p.A.
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AINAS MAGAZINE
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FLAVIO MANZONI - CENTRO STILE Per gentile concessione Copyright Ferrari S.p.A.
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Dettaglio delle mani dell’Architetto Flavio Manzoni che disegna una vettura. Per gentile concessione Copyright Ferrari S.p.A.
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RESPIRO 02 Danilo Rojas, 46x46 cm., 2004
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IV crossing
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CROSSING
meninas en el tráfico
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Icono urbano Sin mirada, nariz ni boca, se convirtieron en un símbolo de reivindicación social. Fueron el icono de una ciudad entera, artística y vanguardista a la vez. Nos referimos a las esculturas de Meninas Madrid Gallery, la exposición al aire libre que coloreó, por segundo año consecutivo, las calles de la capital española. Una muestra callejera celebrada del 1 de octubre al 30 de noviembre para homenajear al célebre cuadro del pintor sevillano Diego Velázquez. Así, del museo del Prado, las Meninas se trasladaron a las calles más transidas de Madrid. Como en 2018, tanto ciudadanos como turistas pudieron divisar por las avenidas de la capital a las célebres sirvientas de la Familia Real: las damas o ‘meninas’ de la infanta Margarita de Austria. Eso sí, en una versión más contemporánea. Con ocasión de esta iniciativa, la capital exhibió más de 50 esculturas en fibra de vidrio decoradas por un amplio número de creadores: de diseñadores de moda a artistas plásticos, pasando por cantantes, actores y músicos. Todos unidos por un mismo objetivo: reinterpretar la obra de Velázquez de una manera más moderna. El diseñador y creador de estas esculturas es Antonio Azzato. “Quería que la muestra fuese representativa de lo que es la cultura de una sociedad. Por esto invité a cantantes, escultores y pintores”, señala Azzato a Aínas. El fundador de la exposición quiso que cada artista transformara sus ‘lienzos blancos’ de meninas en función de su propia visión de la ciudad. “Este cuadro ha tenido muchísimas interpretaciones a lo largo de la historia”, cuenta Antonio. “Es una obra que habla de la reivindicación de la profesión; de hecho, el mismo Velázquez revindica su tarea en él”, añade. Una de las esculturas exhibidas en la Plaza Mayor fue de la artista Sara Gómez. La menina se llama Flora Desencadenada y representa un busto de mujer rodeado de flores. “El mensaje es que todas las mujeres tenemos la fuerza de crecer y florecer por nosotras mismas”, explica Gómez a Aínas. Algunas meninas reivindicaron los derechos de los animales salvajes, otras recordaron a célebres cantantes como David Bowie. Entre ellas, destacó aquella dedicada a Friends. Frente al Palacio Real, estuvo la réplica del célebre sofá del café Central Park junto con una menina que recordaba la serie americana. “Frente a esta escultura, pasaron unas 10 mil personas en un día. En ningún lugar ha tenido tanta repercusión”, señala Azzato. Aunque quién sabe si no superará su récord: ahora tiene pensado llevar a sus meninas a Milán y a Miami. Virginia Nesi
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Fotografia Expo Las Meninas di Virginia Nesi, 2019
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caminantes
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The Venezuela exodus How does one photograph a crisis? Do you capture the long lines to buy food? Do you focus on the wiry bodies of children? Do you zoom into the eyes of its people desperate for better days? In Venezuela a monthly salary will barely buy a couple pounds of rice or flour. Some people use the defunct Bolivares notes to make bracelets, purses, and even origami figures. But what needs to happen for money to stop being money? How does money get stripped of what Marx called its exchange value? And what are these implications for the people of Venezuela? With these questions in mind I set out to the Venezuelan border to document their exodus. I found a road lined with packs of men, women, and children (so many children), their faces riddled with chagrin, fear, grieve, nostalgia, resignation, and above all uncertainty. They call themselves “Caminantes,” loosely translated as Walkers or Wayfarers. I joined a group and trekked with them across 200 km from Cucuta to Bucaramanga, arguably one of the toughest stretches on the road leaving Venezuela. After the trip I decided to transfer the images of the Caminantes I had met on the road directly onto the defunct Bolivar currency by using a silver gelatin process. The light sensitive emulsion bonded the images of the migrants to the bills; the very symbol, cause, and consequence of the crisis. The faces on the currency of Bolivar, Miranda, Guicaipuro, Cáceres de Arismendi, Negro Primero… once proudly propping up the richness and success of Venezuela, now seem to look on to a generation ejected from their country by hunger and hopelessness. Similarly, the flora and fauna on the reverse side of the bills now speak of a lavish motherland abandoned by its people. Felipe Jácome
Le opere fotografiche da pagina 64 a 69 sono di Felipe Jácome
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Ender Perez from Barquesimento, Venezuela had been walking for 5 days before reaching the Berlin highlands. He works as a barber and is on his way to Peru.
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◀ Andreina and her daughter start walking from Cucuta at 5am. They arrived from Venezuela 6 months before, but Andreina got involved in an abusive relationship with a Colombian man. They hope to find a new life in a different city in Colombia. While locals have become increasingly reticent to giving rides to Venezuelan migrants, many still try to help women and children like Andreina walking along the road.
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Jairo (18) and Julia (15) rest on each other after walking for 20 kilometers on the road from Cucuta to Bucaramanga, the first stretch on the migrant route out of Venezuela.
Lisette Silva, from Maracay, Venezuela hoped to reach Peru where her cousins are currently living. She left her 2 children with her mother in Venezuela. “We need to fight for those we left behind,” she said.
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A group of migrants walk on the highway from Cucuta to Bucaramanga, the first and arguably the most difficult stretch of the migrant route leaving Venezuela.
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faccia in terra
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ERMENEGILDO ATZORI Vernici, diluenti, catrame, poliuretano espanso, polveri di ferro e colate di piombo, scarti industriali altamente inquinanti che si mischiano a frammenti di terra e vetro, gommalacca e pece greca, cenere e sabbia, conchiglie triturate, foglie, licheni e bacche frullate si trovano in un volto che sprofonda nella terra. Sembianza umana deturpata da materie chimiche, “Faccia in terra” è la plastica che soffoca i pesci, i fumi avvelenati delle fabbriche, è la malattia che divora il corpo. Eppure, quel volto sprofonda nella terra e dall’orecchio spunta una piccola pianta di leccio. “Faccia in terra” è un’opera che Ermenegildo Atzori, scultore, grafico e artista sperimentatore, ha creato duplicando volti e disseminandoli nelle terre di diverse regioni italiane e in Paesi Europei. Sono opere che affondano nella terra per far spazio alla natura. Viaggiano per seminare, per far sbocciare una quercia, per far nascere la vita. Un po’ Jack London, un po’ Samurai, Ermenegildo Atzori compie un viaggio tra gli scarti inquinanti per forgiare facce e seppellirle tra le zolle. In questo atto definitivo, attraverso l’arte, la natura rinasce.
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FACCIA IN TERRA Ermenegildo Atzori 10x31x32 h. cm., mixed media, leccio, 2010 Fotografia di Rita Picci
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Alas 6 . 2016, opera di Bianca Laura Petretto, fotografia di Paolo Medas
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Logo Patafisico Š Gigi Rigamonti
VICTOR SOREN
I dettagli delle opere all’interno del logo sono di Victor Soren
V pa
taatap
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PATAATAP
VICTOR SOREN ET LES ENFANTÔMES L’œuvre de Victor Soren, par sa poétique paradoxale, permet de pénétrer dans des domaines que l’on croyait interdits ou perdus. Tout se passe au sein d’une mise en noir de l’image afin que du dessin surgisse une présence paradoxale. A travers un imaginaire en déficit de lumière, l’œuvre s’ensemence de territoires inédits proches des contes mais où les enfants apparaissent comme des fantômes. Leur virginité se rapproche du chaos originel comme s’ils étaient à peine nés et tout juste sortis de l’antre du monde. En conséquence ne demeurent que des silhouettes énigmatiques, frêles mais qui protègent néanmoins la pensée de la tentation du néant. Les ombres, telles que Soren les donne à contempler, font reculer dans leur destin hypothétique. L’artiste, à travers elles comme à travers ses animaux monstres, explore une frontière qui appelle moins à la présence qu’à l’absence, à la réalité qu’au songe. Surgit implicitement une souffrance « en souffrance » : elle n’a plus de nom et l’artiste ne la monte pas en étendard. Les enfants deviennent des errants ou des prostrés. Ils sont des portraits sublimés du créateur. A travers eux, il traduit un innommable caché au fond de lui. Dans l’impossibilité de le parler comme dans l’impossibilité de le taire, il le dessine. Et en ce sens, il fait penser à ce qu’un autre « Innommable » — celui de Beckett — écrivait : “je ne pouvais parler de moi, on ne m’avait pas dit qu’il fallait parler de moi, j’ai inventé des souvenirs”. Face à ce que l’artiste sent peut-être confusément et qui s’apparente à une sensation d’absence de corps autonome et d’une dépendance, l’œuvre devient par ses images faussement « enfantines» la répétition d’un passé lointain afin de créer un dialogue imaginaire avec lui. De tels « frères » restent les miroirs de l’artiste. De là où ils sont, assis quelque part ou nulle part, perdus dans le vide ou dans — sinon le noir — du moins ce qui reste de lumière, ces « enfantômes » deviennent les bouées de corps-morts auxquels s’accrocher pour ne pas finir noyé. Surgit ce que Julia Kristeva appelle — dans Soleil Noir de la Mélancolie — « le malaise de toute œuvre absolue ». Celle ci, fondée sur l’invincibilité d’une crise qui frappe le moi à l’origine, trouve progressivement sa traduction dans l’image d’une invisibilité paradoxale d’où perce — aussi faiblement que de manière sidérante — “quelques fois / comme quelque chose/ de la vie pas forcément” (Beckett, Poèmes). Jean-Paul Gavard-Perret
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LA MORSURE Victor Soren 52x39 cm., 2017
◀ LE REMPLAÇANT Victor Soren 18x23 cm., 2016
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UNE RENCONTRE Victor Soren 39x55 cm., 2018
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LE GESTE Victor Soren 32x33 cm., 2017
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FASCINATION Victor Soren 120x150 cm., 2017
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RESPIRO 16 Danilo Rojas, 100x100 cm., 2005
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natale a casa qualunque
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C’era una volta il Fronte dell’Uomo Qualunque. Se l’era inventato, nel 1944 (la Seconda guerra mondiale non era ancora terminata), il giornalista Guglielmo Giannini, che ce l’aveva a morte con la politica allora corrente. Il motto era lapidario: “Questo è il giornale dell’uomo qualunque, stufo di tutti, il cui solo, ardente desiderio, è che nessuno gli rompa le scatole”. In campagna elettorale arrivò a promettere “un pollo in ogni piatto”, per esser concreti. Nel 1951, l’editore Corrado Tedeschi, a Firenze, fondò allora il Partito della Bistecca. Questa volta, nell’italica terrina, sarebbe giunta la ciccia vera, quella che si vedeva ancora con il binocolo, perché il boom economico non era lontanissimo ma più in là dell’orizzonte visibile sì. La situazione era questa. E se sorridi, è perché oggi si ha più paura che fame. Un tempo, invece, la fame c’era. Se ti chiedi perché si mangia tanto durante le feste, ora lo sai. Per fare un salto nel Paese della Cuccagna. È storia: la fame genera l’utopia dell’abbondanza poiché chi è davvero affamato sogna solo di riempirsi fino a scoppiare. La povertà frugale, innocente, lieta di contentarsi del poco e del giusto, non è mai esistita: semmai, è stata la propaganda di chi stava bene a volerla e a immaginarla (o a usarla, nel caso). L’Italia è il Paese che va in solluchero per un pollo nel piatto o, meglio ancora, per una braciola. Figuriamoci se si lascia scappare l’occasione della festa, dove la Cuccagna davvero scende dal cielo e per un attimo s’incarna sul serio, ingolosente spirito santo! I cibi delle feste nascono qui, dove l’indigenza si taglia con il coltello. La festa del patrono, la Pasqua, il Natale, il matrimonio a cui s’invita la cittadinanza tutta: il cibo s’ostenta e quasi si sperpera, ci s’indebita per riempire piatti e vassoi, si sciorinano gravidi simboli che risarciscano le sofferenze di tutti i giorni e proiettino i sogni verso una sopravvivenza che, se ancora non è vita vera, almeno sia dignitosa. Mangiar l’uva a Capodanno porta soldi e altrettanto ne portano le lenticchie, si sa. E non si può evitare almeno una fetta di cotechino o di zampone (grassi, fertili, ubertosi) sperando che così siano anche i giorni dell’anno nuovo. Pieni zeppi di cibo. E poi i dolci. Lo zucchero, per saecula saeculorum, è stato appannaggio dei nobili, dei ricchissimi. E non metterti a pensare che, tanto, chissà quanto miele c’era in giro! Il gusto del dolce, a trovarlo, era quello della frutta, soprattutto appassita, che faceva venire più carie di una caramella ma quella c’era, ed era già tanto. A Natale, però, la dolcezza si rovesciava negli stampi delle torte. Lo zucchero si andava a cercare e, se proprio non si trovava, allora sì che si provava con il miele… L’importante era che la torta diventasse simbolo d’abbondanza. Nascono così i grandi pani ricchi d’uvette, canditi e frutta secca della tradizione, che nella cucina davvero popolare restarono pani piuttosto pesanti, spesso grevi. Più tardi, quando sorsero i negozi di pasticceria e si cominciò a vendere alla borghesia, i prestidigitatori della seconda, della terza e dell’ennesima lievitazione gonfiarono all’inverosimile le paste ricche di burro, ingravidandole di promesse e speranze. Un popolo come il nostro, troppo a lungo escluso dal banchetto, non si farà passare la fame per pochi istanti di diete vegane… Giorgio Giorgetti
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ALAS 1 Bianca Laura Petretto 2018 Finito di stampare nel mese di dicembre 2019
ISSN 2611-5271 € 33.00
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