aínas Nº6 . 06/2019
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AINAS MAGAZINE
Flor El magnifico sauce de la lluvia, caía. ¡Oh la luna redonda sobre las ramas blancas! Fiore Il magnifico salice della pioggia, cadeva. Oh la luna rotonda sui rami bianchi! (Federico García Lorca)
Sé que la luna o la palabra luna es una letra que fue creada para la compleja escritura de esa rara cosa que somos, numerosa y una. So che la luna o la parola luna è un segno che fu creato per la complessa scrittura della rara cosa che siamo, numerosa ed una. (Jorge Luis Borges)
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(Traduzione Giovanni Bernuzzi)
Secondo anno AÍNAS Nº6 . 06/2019 WWW.AINASMAGAZINE.COM INFO@AINASMAGAZINE.COM Direttore Roberto Cossu Condirettore Giorgio Giorgetti Direttore artistico Bianca Laura Petretto Grafica, assistenza artistica e comunicazione Sofía Arango Echeverri In copertina la fotografia dell’opera è di Chiaki Dosho: Light & Dark White 2, 2016. Trapuntatura a macchina diretta e ricamo a mano. Kimono giapponese vecchio (seta, cotone, lana, fibra sintetica), filato (seta, cotone, lana, fibra sintetica), filo (poliestere, rayon), 15 x 15 x 10 cm. Le opere delle sezioni sono di Julia Restrepo, collezione ‘‘Casas’’, oli su tela. Le poesie sono tratte da: Giovanni Bernuzzi, Tramontata è la luna. Traduzioni poetiche da Saffo al Novecento, Happy Hour Edizioni © Aínas 2019 La traduzione, la riproduzione e l’adattamento totale o parziale, effettuati con qualsiasi mezzo, inclusi la fotocopiatura, i microfilm e la memorizzazione elettronica, anche a uso interno o didattico, sono consentiti solo previa autorizzazione dell’editore. Gli abusi saranno perseguiti a termini di legge. is aínas faint is fainas . gli strumenti fanno le opere Secondo anno AÍNAS nº6 © 06/2019, reg. n° 31/01 Tribunale di Cagliari del 19 09 2001, periodico di informazione trimestrale, cartaceo e telematico. Iscrizione n° 372004 al Registro della stampa periodica Regione Sardegna, L.R. 3 luglio 1998, n° 22, ART. 21. ISSN 2611-5271 Editore Bianca Laura Petretto, Cagliari, Quartu Sant’Elena, viale Marco Polo n. 4 Direttore responsabile Roberto Cossu
B&BArt MuseodiArte contemporanea
www.bbartcontemporanea.it info@bbartcontemporanea.com
Un ringraziamento speciale a Guido Festa Progettazione e costruzione di “GLOVE BOXES” e prototipi per la ricerca farmaceutica e nucleare www.euralpha.it
Città di Todi
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info@artandpixel.com
AINAS MAGAZINE
AÍNAS Nº6 4
editorial
4 esperando un abrazo
7
chapter I . special 8 the legendary sculptor 9 s.dhanapal
19
chapter II . news 20 l’orologio di robert 22 memórias exiliadas 23 flávio cerqueira
31
chapter III . crossing 32 pic nic a esfahan 38 fac lattuga habana
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chapter IV . the new code 54 autónomo
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chapter V . pataatap 76 chiachi dosho 77 tineke smith
91
chapter VI . swallow 92 emozioni al dente
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EDITORIAL
aínas ESPERANDO UN ABRAZO
Ogni cosa ha infinite possibilità e tentare di esplorarle è forse uno dei meriti dell’arte, e di quella contemporanea in particolare. Se sfogliate questo numero di Ainas scoprite che alcuni elementi si ripetono. E non necessariamente per nostra scelta. I vasi, l’acqua, le porte, le case. Il contrasto fra bianco e nero. Il gioco dei rimandi è una superba magia, che un’arte spesso involontaria si regala, e insieme una scelta misteriosa della bellezza. Una immagine di Flavio Cerqueira potrebbe colpire più di altre: un uomo di colore scuro è disteso sul pavimento, ricoperto di libri. Un piede è piegato in modo innaturale. I volumi sono una coperta, un ammasso di detriti. I titoli che si intravedono sembrano aver perso il loro valore originario. È semplicemente carta “cattiva”, che vale ormai solo per il suo peso insostenibile sul corpo, testa compresa. Un peso fatale. I colori resistono ma non brillano, sono una possibilità delusa. Viene voglia naturalmente di leggere le parole: “Africa” è impressa più volte. Parliamo di Africa, e probabilmente di tutti i luoghi che possono essere assimilati all’Africa. Si veda quel che si vuole in quest’opera. Diciamo spesso che viviamo nell’epoca dell’immagine. E invece viviamo ancora, e più di prima, in quella della parola. Sia intelligente o stupida, necessaria o inutile. Forbita o sciatta. In ogni caso, una riserva che si autoalimenta e vive una duplice vita: ha un potere immenso e non ha alcun potere. Vagando tra le parole di questo numero si trovano frammenti che si ripetono. Finché qualcuno dice che “le parole non permettono di sperare”. Che talvolta ne hai ereditate tante per destino che ci muori sotto. Magari “esperando un abrazo” che non può arrivare. Anzi, che viene negato. In terra e in mare. Allo stesso modo non è sorprendente trovare un’immagine di Marx orbo o del Che che trova momentaneamente casa in Africa. Capiamo qualcosa di questo miscuglio di bellezza, politica e umanità che, voce per voce, rischia di perdere il suo senso? E pensare che Borges, dietro ciò che alla fine non riusciva a vedere, scriveva: “Rara cosa che siamo, numerosa e una”. Numerosa e una. Roberto Cossu
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IN TOUCH: SONG OF SONGS Tineke Smith Cotone, lana, legno, 2018. 45x 45x 20 cm
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Dettaglio opera della collezione CASAS Julia Restrepo. Olio su tela, 2011. 100 x 100 cm
I the special
SPECIAL
the legendary sculptor
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S. DHANAPAL Modernism was an art movement characterized by deliberate departure from tradition and use of innovative forms of expression. S. Dhanapal was a pioneer in the field of modern sculpture and one of the most influential and perhaps the most acclaimed in India. His style is very distinct, unique and immediately apparent to the observer. Born in the year 1919 and this year being his birth centenary, the Government of India run Lalit Kala Academy honors and celebrates S. Dhanapal’s contribution to Contemporary art. Dhanapal studied painting at the Government College of Art and Crafts Chennai, which is the oldest and prestigious art Institution in India, established in 1850 by the British Government. In 1941, he joined the institution as a faculty for sculpture and by 1957, was appointed the Head of its sculpture department. Dhanapal was an influential painter and sculptor in postIndependence India. His sculptures, in particular, served as a visual bridge between traditional Eastern and the modern, ever-changing Western aesthetic sensibilities. His award-winning “Christ Carrying the Cross”, “Avvaiyar” and the terracotta “Mother and Child’’ are his critically acclaimed masterworks. “Christ carrying the cross” is a remarkable composition done by S. Dhanapal in Bronze which was selected for a National Academy award in 1962. The other sculpture named “Christ carrying the cross” is a group sculpture, in which Christ carrying the cross with his followers depicts and expresses grief and sorrow. In both these sculptures, one can see the face and the figuration following Indian contemporary style of expression. The eyes and elongated face of Christ convey a deep sense of compassion and tolerance which are the character portrayal of Christ. He also specialized in line drawing and impressionistic watercolors but eventually chose sculpture as his medium. Dhanapal studied ancient Indian sculptures for their thematic divisions, techniques, iconography, and iconometry, studying, in particular, the grammar of Chola, Pallava as well as Mathura sculptures of the Gandhara School. Classical sculpture and folk art have both inspired Dhanapal’s art. Massive and robust, his sculptures retain the fullness of a three-dimensional form. He has experimented with various metals, terracotta, and wood with a great command over each medium. His sculptures explore varied themes, ranging from the biblical and mythology to nudes, portraits, and narratives. The fact that Dhanapal was an extraordinarily talented sculptor is widely accepted and had proved in many ways. Like Ram Kinkar for Bengal School, Dhanapal was to the contemporary school of South Indian Sculpture. His position is as important as the position of K.C.S. Panicker, the fore-runner of South Indian School of contemporary painting.Dhanapal was a versatile genius. He was a sculptor of great acclaim and a teacher of great respect. He was an artist who has contributed much to the Tamil Theatre, Classical Dance, Choreography, Playwriting and for many other areas of performing arts. Modern sculpture is generally considered to have begun with the work of S. Dhanapal, who is seen as the progenitor of modern sculpture in India. While Dhanapal did not set out to rebel against the past, he created a new way of building his works. The Madras Art movement that took place in the early 1960s was pushed creatively by visionaries and stalwarts such as S. Dhanapal in sculpture and by K.C.S. Paniker in painting.
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SPECIAL
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AINAS MAGAZINE This art movement that emerged in the 1960s at Madras [Chennai], South India. Post-Independence [1947], Indian artists had to establish their identity and authenticity as did Third World nations internationally. the early 1960s within the art institution provides for a critical study of modernity exercised by them within the parentheses of the Madras Art Movement. In 1966, along with K.C.S. Paniker, Dhanapal established the Cholamandal Artists’ Village Outside Madras. In 1977 he retired as principal from the Government College of Art and Crafts, and in 1980 he won two fellowships from the Tamil Nadu Lalit Kala Academy and the Department of Culture of the Government of India. He has exhibited his work in Germany and England in the 1950s and 60s, and subsequently held several other shows of his drawings, paintings, and sculptures in India and abroad. From the late 80s, his abstract experiments were in full swing. In pieces such as Line Drawings and his numerous studies for sculpture, we see an artist translating the art that he adored in temples, villages, and homes (through the prism of European artists such as Henry Moore) to arrive at new abstract concepts and renderings. His experiments were truly exploratory, particularly his ink drawings from the last two years of his life. They show an artist that had broken free from his chains of interdependence and conformity and found his own artistic expression.
S. Dhanapal is one of the few Indian artists whose work is of significance not only in his home setting but internationally. He was greatly conscious of the contemporary problems in Indian sculpture at a decisive stage of development, and he made an original contribution towards their solutions. Dhanapal passed away in the year 2000. Edited and compiled by R.B. Bhaskaran – 11 –
MARY AND CHRIST S.Dhanapal Bronzo, 1987. 50 x 16 x 17 cm ____________________
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In 2007, a retrospective of 52 of his drawings was hosted by the Noble Sage Art Gallery in London. Today, his works are part of several private collections as well as the permanent collections of the National Art Gallery, Chennai, the National Gallery of Modern Art, New Delhi, and Parliament House, New Delhi. His sculpture Christ Carrying cross by Dhanapal is featured as a permanent collection at the West German National Museum
◀ TORSO
S.Dhanapal Bronzo, 1975. 40 x 11 x 10 cm
SPECIAL
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COMPOSITION S.Dhanapal Inchiostro su carta, 1950. 16 x 25 cm _________________________ VILLAGE DEITY S.Dhanapal Bronzo, 1987. 37 x 13 cm
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SPECIAL
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COMPOSITION S.Dhanapal Olio su tavola, 1954. 25.4 x 46.99 cm
SPECIAL
◀ MARY AND CHRIST S.Dhanapal Terracotta, 1957. 46.5 x 32 x 26 cm
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PORTRAIT S.Dhanapal Olio su tavola, 1954. 38 x 30.5 cm
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Dettaglio opera della collezione CASAS Julia Restrepo. Olio su tela, 2010. 100 x 100 cm
II news
NEWS
l’orologio di robert
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Franz Kafka diceva che si fotografano delle cose per allontanarle dalla propria mente. Un paradosso? Il concetto, che già affascinava Roland Barthes, salta alla mente vagando nei corridoi della Galleria Corsini a Roma dove fino al 30 giugno è aperta una mostra di Robert Mapplethorpe. A dire il vero, una esposizione “chiusa” più che aperta. Nascosta, in un certo senso: le immagini del fotografo americano spuntano all’improvviso tra le opere raccolte dal cardinal Neri nel 1700, in un gioco di rimandi classici che al classicissimo Mapplethorpe sarebbe sicuramente piaciuto. Le parole di Kafka diventano più squillanti – altro paradosso – davanti al “Self portrait” del 1988. Un’immagine che vale una mostra. Per il suo silenzio, santificato dalle larghe labbra chiuse. Per gli occhi aperti dell’artista, incredibilmente fissi, a scrutare più lontano possibile. Per il senso di trascendenza che emana dai pochi elementi in gioco. Per cogliere i dettagli l’arte si dovrebbe guardare ad occhi chiusi – secondo una teoria - e in questo caso è davvero forte il desiderio di chiudere gli occhi, ciò che invece non vuole fare Mapplethorpe. Se c’è un caso di fusione implacabile tra artista e spettatore, è questo. Banalmente si direbbe che l’autoritratto è un testamento, considerando che Mapplethorpe sta per morire di Aids. Se lo è, è un lascito interiore ricchissimo: sfida, volontà, forza. È come l’espressione del guerriero in attesa del nemico più potente e – forse – invincibile. Tutto scaturisce dal buio profondo. Che è e non è il nulla. Così il volto è sospeso, col suo carico di fierezza e determinazione. Forse, un istante dopo, quei lineamenti potrebbero persino sorridere. Non per irridere, ma per sottolineare con la violenza dell’arte che non c’è niente da cancellare. Che la storia è tutta da scrivere, che nessuno può indicare il vincitore. Dallo stesso sfondo nero emerge la mano di Mapplethorpe che stringe prepotentemente un bastone da passeggio sotto il pomo a forma di teschio. Quelle dita contratte con energia sembrano un viluppo di corpi, quei corpi che Mapplethorpe ritraeva senza posa nei suoi quadri-fotografie. Ma sono anche una stretta mortale al collo del teschio nel momento in cui viene esibito. La morte è qui, la mostro, la dichiaro, ma non sento la paura. Non c’è o è stata discussa. Perché la paura è nemica della consapevolezza. Il volto in alto e il teschio in basso hanno qualcosa di imperiale. Sono pose regali. Il gesto è aristocratico, affiora da nobili dinastie e da un’arte immortale. Da orgogli rinascimentali. E così Mapplethorpe conquista una fissità eloquente e ipnotica, contestando la sovranità della morte. Meglio, si appropria del potere del tempo. Dice che alla fine del torneo non è la morte a possedere lui, ma il contrario. E ci regala una meraviglia: tutto in questa opera è costruito minuziosamente. È artificio. Non c’è naturalezza nell’organizzazione. In fondo è una posa. Eppure tutto è profondamente naturale, autentico. Con un senso insopprimibile di misticismo e laicità. Altro paradosso. R.C.
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NEWS SPECIAL
memórias exiladas
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FLÁVIO CERQUEIRA Quando o herói saiu do banho estava branco louro e de olhos azuizinhos, água lavara o pretume dele. (Mário de Andrade, Macunaíma, 1928). Macunaíma, criado em 1928, por Mário de Andrade, nasceu retinto, porém, pelas águas do rio tornou-se homem branco. Esse episódio inaugura as três raças (branca, negra e índia) no romance que tece as peripécias do “nosso herói sem nenhum caráter”. Num tempo e espaço mágicos, o autor fundante do modernismo, constrói uma narrativa que envolve mitos populares e cultura colonizada para desvelar a complexidade psicológica do “povo brasileiro”. Embebidos pelos ideais que buscam as raízes do Brasil e a homogeneidade nacional, por muito tempo, artistas e intelectuais fornecem os subsídios necessários para o exílio de memórias. Essas memórias “mal resolvidas reminiscências” que expõem a segregação de grande parcela da população (negros, índios, mulheres e LGBTs*) e, assim, elas são escondidas pelo mito de nossa democracia racial. Os mais de 300 anos de escravidão (e, após 1888, de marginalização) nos dão o contexto atual: a permanência do privilégio do homem branco; o “misturar para embranquecer” e, ao mesmo tempo, o extermínio do sangue mestiço – evidente paradoxo e clara expressão do determinismo biológico que legitima a hierarquia das raças. Todos esses fatores são camuflados pela falsa meritocracia que impeliu (e ainda hoje impele) a juventude negra e mestiça à discriminação, sendo o sistema escolar um dos mecanismos mais potentes para essa exclusão. Mas, nessa “história do homem cordial”, sempre há os que denunciam e resistem. Artistas visuais, como Flávio Cerqueira (São Paulo, 1983), escancaram séculos de memórias exiladas em seus trabalhos. Simbolicamente, nos trazem a tensão e o debate que alguns insistem em manter proscritos. E, por capricho da história da arte, Flávio usa, inspirado em Rodin, o bronze – material tão caro aos monumentos que rememoram os heróis. Adequado à tradição dos monumentos, o bronze liga-se ao poder de perpetuação, voluntária ou involuntária, das sociedades históricas (é legado à memória coletiva). Para além dos nossos dias, o artista trabalha com um processo milenar (a fundição em bronze pelo processo de cera perdida) para dar forma aos seus personagens que, de certo modo, são anti-heróis. Tião, 2017, realmente, é um anti-herói dignificado pelo bronze. Ele é insubmissão da arte contemporânea que utiliza a técnica tradicional para discutir os marginalizados. Citação, ironia e resistência no dia-a-dia marcam o fazer de Flávio Cerqueira. Nas suas esculturas, negros e mestiços protagonizam situações de introspecção e reflexão. Segundo a crítica de arte brasileira, eles representam novas versões para a história oficial do país. Nesse sentido, Flávio joga com a força da tradição escultórica, através da técnica, do trabalho em atelier e da expressão figurativa, para miná-la de dentro para fora. O que faz sua arte tão contemporânea? Justamente, são o motivo (aqui já explicitado) e as pequenas subversões. E o que são as insubordinações? Vez ou outra, ele introduz objetos que rivalizam com o bronze, tais como, tinta eletrostática, espelhos, fiança, livros, escadas e troncos de árvores. Os títulos de seus trabalhos completam a reflexão sobre o motivo. Aqui tratemos de destacar algumas.
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NEWS Em Foi assim que me ensinaram, 2011, o artista nos mostra a humilhação disfarçada de educação. De frente para o canto da sala, o dito “aluno indisciplinado” cumpre seu castigo sentado nos livros que deveriam ser sua redenção, mas são a base para o seu castigo. Em Eu te disse..., 2016, o corpo do menino foi sepultado pelos livros e pela quantidade de informações. Nas duas peças, o artista-contador de “causos” nos faz rememorar a opressão do sistema educacional brasileiro. Em Eu vi o mundo e ele começa dentro de mim, 2015, da cabeça do menino de bronze brotam plantas que se entrelaçam e se lançam ao espaço que envolve a obra. Essa peça reverencia a tela Eu vi o mundo ... ele começava no Recife, 1928, do modernista Cícero Dias – obra que provocou grande escândalo por seus nus provocativos e por sua atmosfera onírica. À época, criação artística e sonhos são vistos como manifestações legítimas do inconsciente. A obra de Dias corresponde de modo imediato a essas expectativas. Mas, o mote do menino de bronze são seus sonhos e ideias que germinam e tomam de assalto o que está em volta. Já Antes que eu me esqueça, 2013, a figura defronte ao espelho busca por sua imagem no reflexo; procura por uma identidade que a história sempre tentou dissipar – os traços identitários são memórias esmaecidas, mas não apaziguadas. Amnésia, 2015, nos faz lembrar o banho de Macunaíma, mas nela a tinta branca não é mágica e tão pouco suficiente para cobrir o menino – o embranquecimento social (a face pervertida da mestiçagem) surge aqui como memória sombria que paira entre nós. Por fim, a poesis de Flávio Cerqueira nos remete às memórias que muitos preferem deixar adormecidas. Mas, são sentimentos que o artista vive (que nós vivemos e, por isso, a conexão). O artista não nos conta uma história com início, meio e fim porque nosso tempo e nossos sentimentos não são lineares. São memórias que vem e vão. Cada uma de suas peças toca em ferimentos não fechados (mas, que insistem em ser ignorados). São esculturas que dizem tanto de nós e dos “outros” e, por essa razão, cada vez mais, têm acessado o devido reconhecimento de acervos, coleções e galerias nacionais e internacionais – isto porque tratam do humano em nós. São Paulo, 06 de maio de 2019. Alecsandra Matias de Oliveira. Doutora em Artes Visuais (ECA USP) Membro da Associação Brasileira de Crítica de Arte (abca) – 24 –
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NEWS
◀ EU TE DISSE
Flávio Cerqueira Bronze e livros, 2016. Dimensões variáveis Edição de 3 + 1 PA
◀ Sinistra EU VI O MUNDO
E ELE COMENÇA DENTRO DE MIM Flávio Cerqueira Bronze, aço inox, sistema de bombeamento hidráulico, plantas aquáticas, bonsai e água, 2015. 165 x 200 x 200 cm Edição de 3 + 2 PA ____________________
◀ Destra UMA PALAVRA
QUE NÃO SEJA ESPERAR Flávio Cerqueira Bronze, 2015. 175 x 38 x 49 cm Edição de 5 + 2 PA Fotografia © E.G. Schempf
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ANTES QUE EU ME ESQUEÇA Flávio Cerqueira Pintura eletrostática sobre bronze, madeira e espelho, 2013. 123 x 35 x 20 cm Edição de 5 + 2 PA Fotografia © Edouard Fraipont
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NEWS
Pg.28-29 AMNÉSIA Flávio Cerqueira Tinta latex sobre bronze, 2015. 137 x 30 x 26 cm Edição de 5 + 2 PA Fotografia © Romulo Fialdini
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Dettaglio opera della collezione CASAS Julia Restrepo. Olio su tela, 2009. 100 x 100 cm
III crossing
CROSSING
pic nic a esfahan
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È sera, a Esfahan. Gli undici ponti della città attraversano il greto di un fiume in secca. L’effetto ottico di una mancanza. Il presidente Khatami, originario di Yazd, ha dirottato il corso del fiume per irrigare quella zona. Esfahan si è ritrovata con un greto asciutto che attraversa la città. Sotto le volte del Ponte Khajou si radunano i cantanti estemporanei. L’acustica è perfetta. Se un artista è bravo, attorno avrà un capannello di gente entusiasta. Se stona o è noioso, l’audience sarà corrispondente. A pochi metri, sempre sotto il ponte, una famiglia cena con tovaglie, stoviglie e fornelletto del gas. Mi scopro a osservarli. Mi invitano a mangiare con loro. Davanti al mio diniego, mi porgono una busta con semi di girasole. Ne arraffo un pugno, sono contenti. Gli iraniani non vivono sotto i ponti né per strada. Semplicemente, adorano i pic nic e li fanno dovunque. A ogni sguardo rispondono con un sorriso e un saluto. Le bambine ti fermano incuriosite, offrono alla straniera la loro merenda. L’ospitalità, per gli iraniani, è nel Dna. Assieme al “tarof”. Si direbbe formalismo, ma neanche tanto. Il “tarof” persiano è il tassista che non vuole essere pagato, allora devi insistere almeno tre volte, perché il “tarof” deve essere reciproco e di cortesia si fa a gara. È il fornaio che, di primo mattino, fa assaggiare le focacce calde. Qui non valgono neanche i tre tentativi. Non vuole i soldi, punto. In questi luoghi, bisogna esser pronti ad accettare la generosità di chi sembra essere più povero di te. Un popolo fratello, la loro lingua, il parsi, è indoeuropea (meglio non fare sfoggi di cultura ringraziando in arabo, non è un’etnia a loro simpatica), ma soprattutto in ogni spelonca si beve un ottimo espresso. Combattuto tra la voglia di volare, l’orgoglio verso una cultura millenaria e un giogo insopportabile agli occhi del mondo, in cui si va in carcere per i reati di opinione e i “guardiani della rivoluzione” continuano a malmenare per strada le ragazze sorprese senza velo. Ma dove basta poco, una musica a porte chiuse, perché le giovani iraniane facciano una cosa inaudita e – per “i guardiani” – scandalosa: alzarsi e ballare con noi. Con i suoi chiaroscuri, l’Iran lascia dentro il suono di una poesia dimenticata. Tutto è cominciato qui. Qui l’uomo ha sconfitto l’arsura con una rete di canali sotterranei che, uniti, collegano la Terra alla Luna. Qui ha creato in mezzo ai deserti giochi di fontane con alberi di arance, padiglioni istoriati che si specchiano nelle piscine. “Giardino” in persiano si dice “Paraìs”, da cui l’italiano “Paradiso”. E di Paradisi ce ne sono tanti. A Shiraz, a Kashàn – la terra dell’olio di rose (che, spiega puntuale l’insegna di una bottega, cura mal di testa, depressione e impotenza), e millenni fa, a Pasargadae. Dove il nulla circonda la tomba di Ciro il Grande. In un sarcofago nudo giace uno dei re più potenti nella storia dell’umanità, citato anche dalla Bibbia. Poco distante, i profili fiabeschi di Yazd, la “sposa del deserto”. Si respira un’aria di quieta spiritualità, l’intonaco del centro antico ha il colore della sabbia, perché di sabbia, argilla e paglia è fatto. Tremila anni di storia – ci transitò Marco Polo – le sue viuzze sono labirinti di pulizia e giochi di luce, che al tramonto si infiammano. Tanto spartana Yazd quanto opulenta e magnificente Esfahan. Oggi un video sui social mostra l’acqua scorrere nuovamente sotto i suoi ponti. Chissà dove andranno ora a esibirsi i musicisti di strada.
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Annapaola Ricci
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Le fotografie da pagina 34 a pagina 37 sono di Annapaola Ricci.
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Capita spesso di stupirsi viaggiando, è normale. A Cuba però capita di più. Si, a Cuba di più; ti guardi intorno e sembra tutto immobile, ibernato dai tempi della rivoluzione. Invece non è cosi. Uno dei primi giorni all’Havana, girovagando senza meta e grazie ad una conoscenza casuale, mi ritrovo alla FAC. Fábrica de Arte Cubano. Un edificio in mattoni rossi con una ciminiera molto grande. La ciminiera fa anche da gps ‘analogico’ per orientarsi nel bellissimo quartiere di Vedado. In passato questa fabbrica produceva olio alimentare, credo. Oggi è uno dei luoghi più trendy della capitale. Un grande contenitore di musica, arte, cinema, spettacolo e... rum, naturalmente. Molta gente. Una lunga coda ordinata circonda due lati dell’edificio, io entro con il mio nuovo amico, Brian, che è anche uno dei dj del locale. In pochi minuti mi perdo, all’interno un numero notevole di piccoli spazi espositivi a tema e non, molta fotografia ma anche pittura, scultura, installazioni. Alla FAC si può vedere il meglio dell’arte contemporanea di Cuba. Il pubblico eterogeneo interagisce con le opere d’arte, le vive. Una avvenente donna vestita di giallo abbraccia un’opera che raffigura la mappa di cuba fatta esclusivamente di chiavi. ‘La pared negra’ ospita una mostra di ritratti fotografici in bianco e nero. Enormi piedi in fila nascondono corpi nudi sdraiati sulla spiaggia. Un letto racconta diverse umanità, sempre lo stesso letto. Un busto bianco di Karl Marx con un occhio rosso, osserva gli avventori. Bob Dylan stilicaricaturizzato. Il Che è presente, vestito di rosso. Invece Mick Jagger qui c’è stato davvero, in occasione del grande concerto degli Stones all’Havana. Nel grande spazio teatro si susseguono coreografie vivaci di croma e di danza. All’esterno un film di Charlie Chaplin accompagna gli incontri. Ci sono diversi bar, sia all’interno che all’esterno, che servono i famosi cocktails cubani, oltre a fiumi di cerveza. Un privé rende il luogo più ‘chic’, ma come tutti i privé del mondo è fottutamente noioso, quindi mi fermo giusto il tempo per fare due scatti. Ma, senza dubbio, la regina della FAC è la musica. Accompagna tutti gli ambienti. Lo spazio dj ospita sperimentazione, avanguardia ma anche r’n’b e classici della discomusic. I dj si avvicendano per l’intera serata. Avventurandosi nei vari meandri di questo luogo ci si trova nello spazio dedicato ai concerti. Una grossa sala con il soffitto basso, le pareti nere tappezzate di icone. I concerti durano poco meno di un ora l’uno. Sono bellissimi, tendenzialmente funky, cantanti bianchi e neri con voci strepitose, soprattutto le donne. La qualità è alta. Posti così noi in Europa ne abbiamo conosciuti molti e qualche cosa ci rimanda al vecchio continente. Non a caso dopo un primo approfondimento scopro che i natali degli inventori della FAC sono germanici. Ecco quindi che quel rimando si svela in Berlino o giù di lì. Ma siamo a Cuba. Questo è un valore aggiunto. Un luogo dal sapore europeo ma con un anima cubana. Accogliente, caldo, ordinato, socievole e sociale, attraente e seducente. Insomma fresco come una lattuga, come dicono i cubani. Fotografie e testo di Gianfranco Mura
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Le fotografie da pagina 40 a pagina 51 sono di Gianfranco Mura.
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Dettaglio opera della collezione CASAS Julia Restrepo. Olio su tela, 2007. 80 x 80 cm
IV the new code
THE NEW CODE
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La educación en museos y el desarrollo de la sociedad a través del empoderamiento de artistas autodidactas - MAMBO PFA 2018-2019 El Programa de Formación Artística del Museo de Arte Moderno de Bogotá MAMBO PFA 20182019 fue un programa gratuito que lanzó el Departamento de Educación para 160 artistas autodidactas y emergentes no profesionales, dando prioridad a personas de bajos ingresos, desde la edad de 20 años hasta adultos mayores de diferentes edades y sectores de Bogotá. Este programa fue de 192 horas de estudio, incluyó estructuras de la academia de arte, formación en diversos procesos de creación, educación disruptiva con énfasis en el autoconocimiento, las relaciones con los demás y el análisis del panorama profesional de acción de las artes en Colombia. Abrimos una convocatoria pública a través de nuestras redes sociales y de 10 espacios comunitarios de la ciudad, como casas de jóvenes, salones comunitarios, bibliotecas públicas, que contribuyeron a convocar a los habitantes de esos barrios y fueron los lugares para las clases, incluido el Museo. Se emplearon 20 tutores quienes fueron los artistas formadores, un director del programa y un coordinador de campo. La capacitación se llevó a cabo durante los fines de semana y los jueves, cada uno de los participantes recibió un kit de materiales, se brindaron lecciones prácticas y teóricas, tutorías extracurriculares, clases magistrales de artistas invitados de larga trayectoria y visitas a las exposiciones del Museo y a diferentes espacios independientes de arte. En la última etapa del programa, los participantes prepararon y presentaron sus proyectos finales para graduarse; posteriormente se evaluaron los proyectos y se seleccionaron las 25 propuestas más destacadas para recibir una bolsa de trabajo para que estos artistas participaron en la exposición del programa. Tras un largo proceso de tutorías de preproducción con los mentores, el director del programa y el Departamento de Educación, se logró un alto nivel conceptual y formal de las obras. Este grupo de artistas, propusieron indagaciones a partir de sus experiencias de vida, que a pesar, de ser planteamientos “íntimos” o “privados” reflejaron el pensamiento de diversos grupos sociales y por ende problemáticas globales. El abandono del hogar, el abuso físico, la corrupción, la vida en la calle, la espiritualidad banalizada y la desigualdad social, fueron algunas de las temáticas que interesaron a los artistas. La exposición del programa denominada Autónomo, se llevó a cabo en el MAMBO, del 14 de marzo al 4 de abril, entrada gratuita. Finalmente se exhibieron 28 obras, donde el menor de los expositores fue de 20 años y el mayor de 68 años. Los mismos artistas, entre ellos estudiantes, amas de casa, trabajadores, pensionados se empoderaron como mediadores, testigos vivos de estas situaciones y voceros de estas problemáticas. Ellos asistieron en diferentes franjas durante el horario de atención al público del Museo y ofrecieron visitas introductorias y visitas guiadas para diferentes públicos. Actualmente estamos en la etapa de preproducción de la publicación del programa. Lyda Vásquez Directora Departamento Educación
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THE NEW CODE
Ser artista en el mundo contemporáneo implica tener la conciencia y poner en práctica el ejercicio constante de constituirse como alguien autónomo. Esto implica no sólo tener una actitud emprendedora y audaz, sino también ser consciente de que se es parte de un sistema que, a pesar de estar en consonancia o no con nuestro pensamiento, nos rige históricamente. Una pedagogía efectiva abre la posibilidad de crear otras formas de proceder, de interactuar y de integrar otras dimensiones del ser, como el cuerpo y la intuición, funcionando como el catalizador de nuevas dinámicas en el campo del arte. El artista es consciente de distintos ámbitos que van desde lo íntimo a lo público, permitiéndole ser el constructor y el promotor de lógicas y prácticas emergentes con sus pares, al igual que con los espacios y públicos que surgen a la par de nuevas ideas. Este grupo de artistas, en su mayoría autodidacta, plantea indagaciones a partir de sus trayectos de vida que son experiencias con las que posiblemente nos sentimos identificados. A pesar de ser planteamientos “íntimos” o “privados” estos reflejan el pensamiento de diversos grupos sociales y por ende problemáticas globales. Las reflexiones de los artistas en la exposición Autónomo son diagnósticos que se derivan de sus indagaciones durante su formación en el programa MAMBO PFA. El abandono del hogar, el abuso físico, la corrupción, la vida en la calle, la espiritualidad banalizada y la desigualdad social, son algunas de las temáticas que interesan a los artistas. Ellos finalmente son testigos vivos de estas situaciones que los empoderan como voceros de estas problemáticas y, eventualmente, como agentes de cambio en sus contextos tanto físicos como virtuales. Franklin Aguirre Director programa MAMBO PFA
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LA ESQUINA DEL ABANDONO Martha Benavides
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El 3 de agosto de 1980, siendo muy niña, abandoné a mi Madre en una esquina del Barrio Bosque Popular de Bogotá. La palabra esquina señala la unión o la separación de dos caminos y su etimología significa hueso roto. La fúrcula es un hueso usado popularmente para pedir deseos cuando dos personas tiran simultáneamente de los extremos hasta romperlo. Se cree que se cumple el deseo a quien se quede con el fragmento más grande. En esta ocasión, yo me he quedado con esa parte y mi madre, con la porción más pequeña. Estos fragmentos impregnados de ceniza que poco a poco se han esfumado, evocan mi proceso de perdón y sanación por la pérdida. Programa de formación artística MAMBO PFA 2018 -2019 Fotografía provista por Edward Messa
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LYMPHA Luisa Gómez
Afrontar una espera prolongada producto de un diagnóstico médico, refleja la vulnerabilidad del ser humano. Descubrí que es indispensable fortalecer la escucha interior, la espiritualidad y el vínculo con el agua como sanador vital. Lympha es una pieza performática que se transforma durante tres horas debido a los elementos que la componen, 200.000 esferas de hidrogel, que absorben 200 litros de agua que circundan el cuerpo que realiza la acción, siendo expuesto a un estado de meditación en búsqueda de la paciencia. Una manifestación íntima y clara creada desde el arte, para revelar el aumento del linfoma folicular en mujeres menores de cuarenta años. Programa de formación artística MAMBO PFA 2018 -2019 Fotografía provista por Edward Messa
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◀ TIERRA QUE CONDENA, VIDAS SILENCIADAS Leonardo Gallego
El 6 de diciembre de 1928, en la estación del tren de Ciénaga (Magdalena) y en posteriores persecuciones, soldados del gobierno de Miguel Abadía Méndez, encabezados por el general Carlos Cortés Vargas, Silenciaron las vidas de cerca de mil trabajadores colombianos de la empresa estadounidense United Fruit Company, que se manifestaban defendiendo sus derechos; este hecho de represión conocido como la Masacre de las Bananeras, es un hito histórico de un funcionamiento continuo que ha condenado a la muerte a miles de líderes defensores de derechos en Colombia, por perpetuación, omisión o descobijo del estado. Los cuerpos en estado de rigor mortis, hechos con tierra del lugar donde se perpetró la masacre, con nuestra tierra, hacen alusión al extractivismo, a la memoria, al dolor, al miedo que subyace y a la condena de algunos por nacer en ella. Programa de formación artística MAMBO PFA 2018 -2019 Fotografía de Alberto Duran @betoduran
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EL OCASO DEL ALGODÓN Luz Tibazoza
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El miércoles 13 de noviembre de 1985 ocurrió la gran tragedia de Armero donde murieron más de 20.000 habitantes a causa de la erupción del volcán Nevado del Ruiz. Antes de la tragedia, Armero tenía amplios cultivos de algodón que por años mantuvieron los campos blanquecinos. Hoy, esos mismos terrenos están inundados de maleza que surge por entre cruces y lápidas reventadas por las raíces de los árboles. En mi juventud como enfermera, apoyé a los grupos de rescate que se conformaron después de la erupción. El algodón que siempre ha hecho parte de mi vida profesional, y de la economía de lo que fue Armero, ahora es el material con el traigo al presente los recuerdos de lo que fue ese municipio y de su destrucción. Programa de formación artística MAMBO PFA 2018 -2019 Fotografía de Alberto Duran @betoduran
AUSENCIA INTERRUMPIDA George Calderón
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Según los datos oficiales de organismos internacionales, se reportan aproximadamente cuatro millones de familias venezolanas desintegradas por el éxodo masivo; mi familia no ha sido la excepción. Para el desarrollo de la propuesta, viajé para ver a mi madre de nuevo y también viví lo que sucede en la frontera. En el encuentro, ella le dio valor a este billete, que en su momento era el de más alta denominación. Hoy en día no representa en precio, ni siquiera el papel del que está hecho, pero es invaluable para mí. Este billete representa también la lucha de todas aquellas personas que resisten y esperan el retorno de sus seres queridos. Programa de formación artística MAMBO PFA 2018 -2019 Fotografía de Alberto Duran @betoduran
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◀ IMPULSOS EMERGENTES Lucas Gallego
Las áreas verdes en la ciudad de Bogotá son el resultado de desarrollos legales, informales e ilegales; donde las sesiones normativas consignadas en los planes de ordenamiento territorial, como los espacios residuales producto del autoconstrucción son insuficientes para suplir las necesidades mínimas de áreas naturales. Actualmente la cantidad de espacio verde efectivo por habitante es de 3.93 m2, este índice es muy inferior a los 15.00 m2 exigidos en la normativa vigente y se da como resultado de formas de población, densificación y urbanización excesivas. Si bien es cierto que en búsqueda de un desarrollo urbano de carácter progresista debe existir una dinámica dispuesta al cambio, también es evidente que debido a nuestra naturaleza invasora hemos modificado el valor simbólico, cultural y ecológico de la tierra, arrasando con cuanto es posible en favor de nuestra codicia; pese a este ímpetu transformador la naturaleza consigue emerger en un impulso de auto restitución, y aunque este proceso reivindicatorio es discreto y lento es la evidencia máxima del verdadero carácter fugaz de nuestras construcciones. Programa de formación artística MAMBO PFA 2018 -2019 Fotografía de Alberto Duran @betoduran
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SIN SEÑAL Diana Jaramillo
Quiero reflexionar en torno a la relación que tuve con mi padre, quien cuando era pequeña manifestaba su afecto sin mayores problemas, pero cuando crecí, la forma de expresar su cariño cambió. Él se hizo frío y distante mientras aguardaba uno de sus abrazos. Por eso, pretendo señalar cómo la paciencia se convierte en nuestra aliada para poder lidiar con este tipo de ansiedad, generado por otras formas de expresar nuestros afectos, formas que a veces no entendemos. _______________________________________ KARMA CORP Sergio Tejera
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La posibilidad de acceder a servicios que simulan una experiencia espiritual, como comprar libros de “mandalas” en el supermercado, pagar por clases de yoga, hacer peregrinajes turísticos o adoptar creencias de otros contextos culturales por moda, pone en evidencia la forma estéril y mercantilizada con la que hoy día nos acercamos a la espiritualidad. En realidad, y sin darnos cuenta, nos estamos alejando cada vez más de una experiencia auténtica y significativa. Con Karma Corp. se busca interpelar al público con una estrategia de marketing que delata tanto la facilidad con la que somos presa de este tipo de estrategias, como también, el escaso o nulo conocimiento de las diversas formas de abordar y vivir la espiritualidad. Programa de formación artística MAMBO PFA 2018 -2019 Fotografía de Alberto Duran @betoduran
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El verdugado, posteriormente llamado Guardainfante, era una prenda de vestir femenina cortesana construida con un armaz’ón de aros (verdugos) forrados y cosidos por su parte externa para formar un cuerpo cónico. Este atuendo se creó en 1468 para la Reina Juana de Porturgal con el fin de ocultar su segundo embarazo y salvaguardar su dignidad ante la sociedad. En 1994 siendo yo una adolescente menor de edad y estando cursando mi último año de bachillerato quedé en embarazo. Como consecuencia de mi estado fui señalada, rechazada y maltratada por gran parte de mi familia y vecinos, pero especialmente por las directivas del colegio al que asistía, quienes pretendían que con una modificación a mi uniforme ocultara mi embarazo.
Según el ICBF en Colombia, para el año 2018, se registraron un promedio de 66 casos diarios relacionados con el maltrato físico y psicológico a la niñez. Comúnmente, estos tipos de maltrato se asumen como acciones correctivas que sirven para educar. Así, uno de cada cuatro adultos con niños, justifica sus actos violentos como correctivos. Muchas veces, los castigos que se les infringen: inciden en su comportamiento, los incita a resolver sus problemas con actos violentos, a desarrollar baja autoestima y depresión. Seguir cuestionando estas prácticas, es una invitación a revisar hábitos saludables de crianza que garanticen la seguridad física, emocional y espiritual en las diferentes etapas del desarrollo humano.
Programa de formación artística MAMBO PFA 2018 -2019 Fotografía de Alberto Duran @betoduran
Programa de formación artística MAMBO PFA 2018 -2019 Fotografía de Alberto Duran @betoduran
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GUARDAINFANTE Diana Alcalde
SER PADRES AYER, SER PADRES HOY Jenny Falla
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◀ MEMORIA PULSAR Paulina Moncada
La instalación habla del desasosiego que experimentó mi familia cuando Felipe, mi hermano, fue diagnosticado con esquizofrenia. Escenario que no sólo habla del sufrimiento y la dificultad, sino también del amor que siempre mantuvo viva la esperanza. Tango, nuestro perro, logró que en el corazón de mi hermano permanecieran los deseos de vivir, permitiéndole estar más cerca de su estabilidad. El recipiente en el que se dan los pulsos de movimiento, es donde bañábamos a Tango cuando era cachorro, estos pulsos muestran la intensidad de las diferentes interacciones a lo largo del video. El silencio da cuenta de la calma que Felipe logra en compañía de Tango. Programa de formación artística MAMBO PFA 2018 -2019 Fotografía de Alberto Duran @betoduran
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LO QUE NO DESATAS, TE ANUDA Carolina Bohorquez
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Mi exploración es una narración en torno a los límites impuestos, las experiencias y los conflictos no resueltos que se manifiestan como nudos que impiden el fluir natural de la vida, aludiendo a situaciones de violencia y momentos críticos que desde pequeña tuve que vivir. El haber callado para evitar conflictos, y el no procesar cada situación en su momento, desencadenó en mí, una serie de nudos que promovieron el desarrollo de la fibromialgia: una anomalía en la percepción del dolor. Algunos de los síntomas son: ansiedad, depresión, trastorno del sueño, baja tolerancia al esfuerzo y cansancio. Quiero hacer una invitación a conectarnos de nuevo con nuestro centro, así como a reconocer y darle valor a nuestra propia experiencia individual, permitiéndonos de nuevo el fluir natural. Programa de formación artística MAMBO PFA 2018 -2019 Fotografía de Alberto Duran @betoduran
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◀ TRANSMUTACIÓN Martha Diaz
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OMONÍMODO Daniel Alfonso
Desde pequeña he presenciado y vivido la constante agresión contra nosotras. Según varios estudios, la mayor parte de violencia que se ejerce hacia la mujer, proviene de los seres más cercanos, generalmente de su pareja sentimental. Con esta pieza me uno a las múltiples voces que se han atrevido a denunciar y a seguir visibilizando esta situación. Quiero hacer evidente desde mi experiencia, y desde mi práctica de tejer, la humillación que sienten las mujeres maltratadas al mostrarle al mundo su rostro agredido. Los moretones y heridas suelen ser escondidas y justificadas como accidentes caseros o situaciones fortuitas, lo que hace que se naturalice el maltrato. Programa de formación artística MAMBO PFA 2018 -2019 Fotografía de Alberto Duran @betoduran
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La diversidad sexual es aún un tema vetado por muchas familias colombianas. Pero, ¿qué hay de incorrecto e inmoral en tener una orientación sexual distinta a la hegemónica? En esta pieza busco cuestionar asuntos como el cuerpo, la dominación, el rechazo y el miedo que genera el tabú. Omnímodo, es un símbolo de la lucha que muchos tenemos al querer que se nos vea como seres diversos en la igualdad, sin miedo de ser reconocidos por lo que deseamos ser y sentir. Vulvas y penes se originan del mismo tejido germinal, aluden a la condición biológica que todos tenemos hasta la octava semana de gestación, en donde no hay distinción. Su enclaustramiento evoca el rechazo y la opresión de las instituciones y los moralismos obsoletos, sobre de los gustos y deseos que nos caracterizan. Programa de formación artística MAMBO PFA 2018 -2019 Fotografía de Alberto Duran @betoduran
THE NEW CODE
NAKED ANGELS Randy Espitia
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Bareback o ‘a pelo’ es el término que se utiliza para referirse al acto sexual (penetración) sin preservativo, esta práctica se ha popularizado fuertemente entre la población gay, haciendo que las cifras de contagio de VIH aumenten considerablemente, siendo este un problema de salud pública a nivel mundial. Bogotá, se ha convertido en un referente continental en la configuración de mega-orgias, donde aproximadamente el 30% de las personas follan sin condón. En estos eventos, existen códigos visuales para informar el rol sexual de los asistentes (activo, pasivo o versátil), se observa en pisos y paredes, objetos y fluidos que reflejan la decadencia entre el placer. La visibilización de esta práctica es una invitación a ejercer responsablemente la sexualidad, donde la salud y el amor propio sean las auténticas prioridades de una vida larga y placentera. Programa de formación artística MAMBO PFA 2018 -2019 Fotografía de Alberto Duran @betoduran
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◀ ENTRE TRIGALES Maria Dolores Venegas
En mi infancia, junto a mis hermanos, vivimos entre trigales y montañas; fuimos amados y cuidados por nuestros padres. Ellos nos mantuvieron protegidos de las agresiones del mundo, evitando que viéramos otras realidades. El visillo color trigo, habla de ese entorno tranquilo y feliz, que nos impidió ver la parte dolorosa de la vida y que en esos tiempos, como ahora, es la de muchos otros, representada por el visillo negro. Programa de formación artística MAMBO PFA 2018 -2019 Fotografía de Alberto Duran @betoduran
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GIF ME MORE Milton Riaño
La historia de la humanidad está llena de vacíos e imprecisiones. Como humanos, tenemos la necesidad de definir de manera unívoca la realidad, por lo que buscamos explicaciones para imponer verdades sobre aquello que se nos escapa, desconociendo que es en lo misterioso e insondable donde reside la magia de la existencia. Esta es una propuesra que acude a las micronarrativas en loop para invitarnos a contemplar y repensar múltiples versiones de lo que aún está incompleto en nuestra historia y para liberarlo de su rigidez a través de la repetición. _____________________________________ AUSENCIA Beranyer Sanabria
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A partir de mis recuerdos de infancia, he configurado una pieza que devela la fragilidad y la susceptibilidad a la que se encuentran expuestos los niños en condición de calle. El rechazo y el silencio de la familia, los vecinos y la sociedad misma, terminan conduciendo a los niños a sentir un vacío envuelto de tristeza y soledad, llevándolos a la marginación y a la no adaptación social. Muchos crecen habitando en entornos difíciles y hostiles, y se hace visible la violencia y el consumo de sustancias psicoactivas. Es lo cotidiano. Programa de formación artística MAMBO PFA 2018 -2019 Fotografía de Alberto Duran @betoduran
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Logo patafisico di Š Gigi Rigamonti
V pataatap
chiachi
dosho She majored in Japanese literature in university. After university, she studied fashion, followed by quilt. She found quilt was very profound and interesting. She made traditional quilt first. She made her first original art quilt two years later. Ten years later, she studied textile in Art University. She has been making quilt for 31 years. Her work is very unique. It is art quilt, but also it is fiber art. She uses a lot of original techniques. First, She cuts cloth into small peaces. She sews them on a base one by one . This is one of her original techniques “Light & Dark�. It shares its name with her series witch this work belongs to. Her challenge of creating new techniques goes on. I am committed to making the original works. I see life overlapped with natural wind, flowers, water, and light and shadow. I think they are identical to our lives. At the same time, I think about the time in our lives. Our time flows in a spiral from the past to the present, and to the future. The spiral of time follows the wind and make flower petals flutter. Water sparkles and flows down the axis of time. A lot of things, which will be light and shadow happen. I make artworks while seeing those things overlapped with the decreasing time that is life in my life. A number of lives are lost because of political actions, natural disasters, incidents and accidents. The fact that we are alive is a miracle. I would like to express that precious time through my artworks.
Studied dance, theater and art at the Hogeschool van de Kunsten in Amsterdam and Utrecht. Visualizing the synthesis of imagination of the crossing of poetry, dance, music and image. Always the dialogue: a preference for nature, natural colors, the earthly, motion, life, the combination of different materials, and most of all for recycling: to retake the past both in history, politics, materials and the image into this moment and the future. With a sense for poetry and art history she translates the poetical /poetry in her mainly conceptual 3-D art, never fixed on one material but rather combinations like glass and iron, wood, rubber, wool and gelatin. Thematic art inspired by the narrative tradition from the Bible and mythology. Experimental, research, minimalistic but manifesting monumentality. Tineke Smith has exposed all over Europe and known for her work ‘the seven acts of mercy’, ‘humus-humane’ and ‘revividus-recycle’. With her art work, paintings as well as sculptures, she did win many international awards. Bianca Laura Petretto
smith
tineke
◀ THE PROFOUND
Chiaki Dosho Trapuntatura a macchina diretta e ricamo a mano. Kimono giapponese vecchio (seta, cotone, lana, fibra sintetica), filato (seta, cotone, lana, fibra sintetica), filo (poliestere, rayon), 2015. 108 x 158 cm
◀ ACTS OF MERCY VII: BURY THE DEAD Tineke Smith Vetro, 2011. Misure non disponibili
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MEMORY 1 Chiaki Dosho Trapuntatura a macchina diretta e ricamo a mano. Kimono giapponese vecchio (seta, cotone, lana, fibra sintetica), filato (seta, cotone, lana, fibra sintetica), filo (poliestere, rayon), 2008. 135 x 170 cm
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◀ ACTS OF MERCY I: FEED THE HUNGRY Tineke Smith Vetro e ferro, 2012. Misure non disponibili
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THE CROSSING TIMES 13 Chiaki Dosho Trapuntatura a macchina diretta e ricamo a mano. Kimono giapponese vecchio (seta, cotone, lana, fibra sintetica), filato (seta, cotone, lana, fibra sintetica), filo (poliestere, rayon), 2017. 200 x 120 cm
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LIGHT & DARK 2 Chiaki Dosho Trapuntatura a macchina diretta e ricamo a mano. Kimono giapponese vecchio (seta, cotone, lana, fibra sintetica), filato (seta, cotone, lana, fibra sintetica), filo (poliestere, rayon), 2009. 120 x 180 cm
PATAATAP
◀ SONG OF SONGS:
CLOACK OF LOVE 4:16 Tineke Smith Lana riciclata, lana ovina toscana, gelatina, calcio, allume, pigmento, 2018. Misure non disponibili
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AINAS MAGAZINE
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THE CROSSING TIMES 7 Chiaki Dosho Trapuntatura a macchina diretta e ricamo a mano. Kimono giapponese vecchio (seta, cotone, lana, fibra sintetica), filato (seta, cotone, lana, fibra sintetica), filo (poliestere, rayon), 2015. 100 x 130 cm
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LIGHT & DARK 11 Chiaki Dosho Trapuntatura a macchina diretta e ricamo a mano. Kimono giapponese vecchio (seta, cotone, lana, fibra sintetica), filato (seta, cotone, lana, fibra sintetica), filo (poliestere, rayon), 2016. 140 x 150 cm ___________________________ LADDERS ON EARTH: ANGELS DESCEND AND CLIMB Tineke Smith Vetro e acciaio inossidabile, 2015. Misure non disponibili
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PATAATAP
◀ ACTS OF MERCY II:
GIVE DRINK TO THE THIRSTY Tineke Smith Vetro e ferro, 2012. Misure non disponibili
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LAST SUPPER Tineke Smith Vetro e ferro, 2012. Misure non disponibili _____________________
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XENOS: GUEST AND HOST Tineke Smith Vetro e ferro, 2012. Misure non disponibili
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Dettaglio opera della collezione CASAS Julia Restrepo. Olio su tela, 2007. 80 x 100 cm
VI swallow
SWALLOW
emozioni al dente
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AINAS MAGAZINE “Scarpe eleganti o informali?” chiede il questionario. E non è un dettaglio, la sommessa domanda del maggiordomo. Il glamour non c’entra. Lo chiede il cuoco. Lo chef. Meglio ancora, il “personal chef”. Che a un certo livello deve sfoggiare l’indiscrezione. Eh sì, sondare, scavare, scoprire, accertare, vagare proustianamente nella mente del cliente, per stabilire se in questo caso l’anatra è preferibile alla sogliola. “Cliente”, la parola forse fa rabbrividire Giorgio Giorgetti, “personal chef” appunto. Che dopotutto - si direbbe - deve semplicemente preparare un menù. Per un compleanno, un battesimo, un rendez-vous. Ma qui il livello sale: se stasera vuoi un certo risotto bisogna sapere come vesti. Non solo. Urge conoscere i tuoi pensieri, frugare fra gli scampoli di memoria, far affiorare desideri dimenticati, ideali sbiaditi, fraternizzare. Insomma siamo davanti a un artista-psicologo-chef? <Ma no. Nessuno dei tre>, si schermisce Giorgetti, che però su questa figura ultra contemporanea ha costruito una professione. Un brand. Quel che conta <è l’authority>, dice. Chi richiede i suoi servigi pretende credenziali. Da trovare agevolmente on line. E di cui fidarsi. La posta in gioco è alta: <Entro in casa d’altri, chiedo, faccio, potenzialmente posso rovinare un momento importante. Insomma, è un terno al lotto>. Si rischia, e parecchio. <Eppure mi ci sono buttato dentro>. Contro molti competitors, che però spesso vivono di riciclo esistenziale: madri di famiglia, cuochi di ristoranti in cerca di un successo apparentemente facile. Giorgetti viaggia invece su binari più solidi: <Oggi un cuoco deve imparare a pensare che la cucina è più scienza che arte o almeno che si danno la mano>. La mamma lo ha svezzato bene secondo la regola primaria “Fai e non limitarti a mangiare”. Ma con un occhio critico alla tradizione. Perché prima di cucinare l’anatra le si tagliavano le zampe? <Perché si fa così>, rispondeva secca la genitrice. Curiosità infantile, la stessa domanda si girava alla nonna e alla bisnonna. E la risposta giusta finalmente arrivava: <Perché la teglia era troppo piccola>. C’è talvolta una miopia della tradizione gesti senza senso, scopiazzature. E Giorgetti cosa fa di diverso? <Realizzo un sogno>. Il suo e quello di chi si rivolge a lui: <Organizzare qualcosa che resta nella testa>. Preparare una cena come <se si scrivesse un racconto di quella persona>. Parlare, scambiare, interrogare, <scoprire se c’è un piatto che è rimasto dentro il cervello. Magari i ravioli farciti mangiati al primo incontro d’amore>. La cena è una seduta, un vertice, i fornelli si accendono dopo. Questione (anche) di libertà: <Costruire un menù insieme al cliente. Che non subisce passivamente: contribuisce al suo sogno>. Lo chef non ripeterà l’opera. Il che vale come una performance artistica contemporanea. Giorgetti incontra i diffidenti, gli incerti, casi complicati. Del tipo “Sono allergico, posso mangiare solo carne, arance e cioccolato fondente. Bere? Solo acqua”. Beh, proviamo. E la felicità magari esiste. E comunque <io sono irriducibile. Insisto. Non mollo. Dico al cliente che potrei stare una vita a intervistarlo>. Per facilitare le cose è nato anche il questionario. Profilo gustativo, detto nobilmente. Che abbina il gusto alla cultura. Scarpe comprese. Alle spalle c’è un lungo apprendistato: giornalista (utile per intervistare), una cultura nelle riviste, l’empirismo, il possesso della tecnica: <Devi imparare ciò che sta dietro il cibo>. Oltre le ricette abracadabra: <La ricetta è perfetta quando spiega la tecnica>. Dai mestoli al taglio delle melanzane. In fondo che differenza c’è con un pittore che prepara colori e tavolozze? È l’epoca del cibo, santificata dalla tv e dall’editoria che langue. Secondo uno schema bizzarro: <Il cibo ci tenta, ci eccita. Ha qualcosa di sensuale>. Una specie di droga. <Siamo costantemente a dieta fisica e mentale. Ci dicono che se mangiamo troppo e male la prospettiva di vita è diversa. E allora affiora la paura e il cibo è una tentazione irresistibile. Siamo come i fumatori che vorrebbero smettere di fumare>. In più, <sta passando l’idea che la bellezza e la bontà devono essere alla portata di tutti. Non a caso i grandi chef aprono ristoranti minori, a prezzi più accessibili. Qualità per tutti>. Quella qualità che forse è solo sullo schermo. E il personal chef? Cerca di capire. A tua immagine, “Ti piace mangiare il cibo con le mani?”. – 93 –
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Dettaglio dell’opera SIN TÍTULO Julia Restrepo Olio su tela, 2006. 100 x 80 cm Finito di stampare nel mese di giugno 2019
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