Films+

Editora en jefe:

Adelayda Mamani Cutipa Correctora: Adelayda Mamani Cutipa

Equipo de redacción: - Alain Salazar Rocca - Adelayda Mamani Cutipa

Jefa de producción: Nayru Quispe Surco

Directora creativa:

Kiara Naomi Montalvan Timana

Artistas gráficos:

- Kiara Naomi Montalvan Timana - Nayru Quispe Surco

Fotógrafo: Aitor Julen Ubalde La Torre

Editor de imágenes: Aitor Julen Ubalde La Torre

Scott Derrickson no podría haber pedido un mejor regreso que The Black Phone. Después de dejar Doctor Strange in the Multiverse of Madness debido a diferen cias creativas, el director volvió a sus raíces de terror y no solo produjo lo que muchos consideran su mejor película hasta el momento, sino el tercer mayor éxito mundial de taquilla des de la pandemia . – aterrizando detrás de The Conjuring: The Devil Made Me Do It y A Quiet Place: Part 2 . El total bruto de la película supera ahora los 150 millones de dólares, lo que no podría ser más impresionante para una historia original, que solo genera éxito a través del boca a boca, otra campaña de marketing de Blumhouse y, por supuesto, el peso que Scott Derrickson ahora tiene con su nombre solo.

Adaptado del cuento del mismo nombre de Joe Hill, The Black Phone sigue a los hermanos Finney (Mason Thames) y Gwen (Madeleine McGraw) mientras su mundo es destro zado por una figura misteriosa en su ciudad de Colorado. El año es 1978 y el asesino en serie conocido solo como “The Grabber” (Ethan Hawke) ha encontrado formas de hacerse prácticamente invisible a la vista del público y eliminar a los niños locales uno por uno. Sus motivos no están claros, todo lo que se sabe es que una vez que caes en sus garras, no hay vuelta atrás. Cuando Finney se encuentra encerra do en la guarida de The Grabber, recibe un último salvavidas a través de un misterioso teléfono negro que puede comunicarse con las almas perdidas de víctimas ante riores. En el exterior, Gwen aprovecha su propio sexto sentido como un último intento desesperado por salvar a su amado hermano.

The Black Phone, más que cualquier otra cosa, es “un mayor testimonio del tipo de humanidad e imaginación que puede surgir del horror moderno”. Sí, tiene una atmósfera escalofriante y un nuevo ícono de terror gracias a la vibrante actuación de Ethan Hawke, pero en el centro de todo hay un vínculo entre hermanos que el público rara vez ve retratado de manera tan convincente. Es este elemento exacto el que discutimos con el propio Scott Derrickson en una entrevista exclusiva. El repertorio de terror del cineasta habla por sí solo, con películas como El exorcismo de Emily Rose y Sinister que todavía se están hablando hasta el día de hoy. Más notablemente, Sinister fue reportada una vez como

la película más aterradora de la historia según un estudio científico. En honor de The Black Phone llega a su lanza miento en Blu-ray, nos sumergimos en cómo Scott De rrickson desarrolló su oficio para la película y lo que puede hacer a continuación en el género de terror. Sin embargo, la verdadera guinda del pastel es que el director nos dice lo que piensa de todas las llamadas de los fanáticos para ver otra película con The Grabber y nuestra obsesión con los monstruos de las películas.

Antes que nada, tengo que felicitarlos por el éxito masivo de The Black Phone. A menudo has citado al gran Wes Craven al decir que el terror tiene tanto éxito porque es como una inoculación de miedo. “Las pelícu las de terror no crean miedo, lo liberan” , como diría él. ¿Cómo relacionarías este punto con The Black Phone?

Scott Derrickson: Creo que cualquier película de terror que tiene éxito tiene ese aspecto, esa liberación del miedo. Para cualquier película de terror que funcione realmente bien, lo primero que tiene que ser es miedo y suspenso, lo cual creo que [The Black Phone] es, y el público lo ha indicado. Pero creo que la calidad emocional de esta película la convirtió

“The Black Phone es “un mayor testimonio del tipo de humanidad e imaginación que puede surgir del horror moderno”

“Creo que la calidad emocional de esta película la convirtió en un éxito rotundo [...].

Realmente llegas a preocuparte por los actores principales, y el final de la película no es el típico final oscuro, o del típico tipo de victoria”

en un éxito rotundo y superó las expectativas de todos, en términos del negocio que hizo, fue el hecho de que real mente te preocupas por estos dos niños. Realmente llegas a preocuparte por los actores principales, y el final de la pelí cula no es el típico final oscuro, o del típico tipo de victoria, sino una promesa de que las cosas seguirán siendo malas.

Por lo general, matas al asesino en serie, pero luego tal vez regrese, es como suelen terminar estas películas, ¿sabes? Y creo que el hecho de que toda la película se haya construido hacia algo positivo no es común en un proyecto como este. La primera vez que Ethan [Hawke] vio la película, me envió un mensaje de texto: “La película es tan aterradora y llena de suspenso y, sin embargo, toda la película está contada desde el punto de vista del amor. Y no creo haber visto eso antes”. Todavía lo recuerdo porque pensé, sí, eso es lo que tiene esta película que es único y creo que esa es la misma razón por la que ha tenido tanto éxito.

Esa es una gran respuesta. Hablando de los dos niños, realmente son los MVP de la película. En el horror, espe cíficamente, los niños actores pueden hacer o deshacer la experiencia dependiendo de cuánto se les presione.

Entonces, ¿cómo guiar a jóvenes actores como Mason Thames y Ma deleine McGraw a través de escenas que pueden ser no solo emocio nalmente exigentes sino también realmente violentas?

Scott Derrickson: ¡Bueno, las escenas violentas son sus escenas favoritas! Esa ha sido mi experiencia trabajan do en horror con niños. En primer lugar, es como Halloween, les encanta ensangrentarse y les encanta maqui llarse. Quiero decir, Halloween es una fiesta para niños, no es una fiesta para adultos. A los niños les encanta incur sionar en lo macabro, les encanta que les pongan sangre y todo eso. Enton ces, a los niños fantasma [en la película], especialmente, les encantó eso.

La escena favorita de Madeline para filmar fue la escena del matón, ya sabes, donde ella pelea y recibe patadas en la cara, todo el asunto. Eso era lo que más le gustaba hacer porque la dejaba hacer todas sus propias acrobacias. Pero, ya sabes, la clave está en el casting. Tengo buen ojo y una buena comprensión de lo que es el verdadero talento cuando se trata de actuar y especialmente con los niños. Estuve buscando mucho durante mucho tiempo para en contrar a estos dos niños, e incluso buscando tanto como lo hice, habría tenido la suerte de encontrar a un niño tan bueno como Madeline y Mason, pero encontrarlos a ambos para la misma película es algo milagroso. Tan pronto como los audicioné, supe: “Oh, he encontrado oro aquí. Realmente golpeé en el clavo.¨

Uno de mis aspectos favoritos de The Black Phone es el uso que haces del grano de la película durante esos segmentos de flash back y sueños con The Grabber. Recuerda mucho a los segmentos de carretes de pe lícula en Sinister, así que tengo curiosidad si consideras que esto es un elemento característico de tu estilo y narración.

Scott Derrickson

Duración 102 minutos

Idioma Inglés

Recaudación 155 928 295 dolares estadounidenses “Creo que es una gran señal. [...], ya sabes, ¿Qué hace que estas extrañas anomalías funcionen?

¿Qué hace que estos monstruos hagan lo que hacen? Por supuesto, en muchos casos, no hay respuesta.”

Scott Derrickson: Sí, es material de película Super 8 es lo que es. Había filmado en Super 8 en la escuela de cine. Fui parte del último semestre en la Escuela de Cine de la USC que realmente trabajó en películas Super 8. En la primera clase que tomé allí, tenías que hacer cinco cortometrajes en Super 8. Además, mi papá tenía una cámara Super 8, así que ya tenía algo de experiencia mientras crecía y jugaba con su cámara. Entonces hice estos cinco cortos en la USC y estaba realmente enamorado de este medio. Y luego con Sinister, es parte de la historia, está encontrando películas en Super 8. Durante el proceso de prueba que hice con el DP, Christopher Norr, realmente me enamoré por lo que hace Súper 8, lo que hacen los diferentes tipos de películas, lo desordenado que es, los errores que casi inevitablemente están ahí en términos de destellos de la cámara, inestabilidad de la cámara, hay una emoción peligrosa en ello. Cuando lo explotas en la pantalla grande, nada se parece a Super 8.

Hay todo tipo de filtros de teléfono donde la gente puede intentar hacer una imita ción, pero no se parece en nada al Super 8 real. No hay nada como el grano de la película, no hay nada como los errores de obturación que obtienes y todo eso. Entonces, cuando se trataba de retratar los sueños de Gwen, pensé: “Oh, este es el me dio que puedo usar nuevamente para esto”. Sabía que la gente, por supuesto, lo relacio naría con las películas en Super 8 de Sinister, pero también elegí materiales muy diferen tes y lo filmé de maneras muy diferentes. Hay un misterio de ensueño en la sensación que tienes cuando estás viendo Super 8. Sabes, es extraño, creo que si vas al garaje de tu abuela

y encuentras una película Super 8 y la pones en un proyector, no lo sé. No importa lo que haya en él, sería un poco espeluznante.

Ahora, estoy muy interesado en escuchar su opi nión sobre la siguiente pregunta. The Black Phone es muy deliberado al decirle a la audiencia exacta mente lo que necesitan saber sobre The Grabber y nada más, pero he hablado con muchas personas que ahora piden una precuela o una secuela para aprender más sobre él. Mi respuesta a eso sue le ser como: “No necesito saber más, ese no es realmente el objetivo de la película para mí”. Pero, ¿cuál es tu opinión sobre esto? ¿Por qué crees que el público siempre quiere saber más sobre monstruos de terror?

Scott Derrickson: Creo que es una gran señal. Se sienten así porque es tan fascinante y quieren saber más. Es la misma razón por la que la gente ve do cumentales sobre crímenes reales, porque quieren saber más, especialmente sobre asesinos en serie. He visto docenas de documentales de asesinos en serie porque quiero saber más sobre los asesinos en serie, ya sabes, ¿qué hace que estas extra ñas anomalías funcionen? ¿Qué hace que estos monstruos hagan lo que hacen? Por supuesto, en muchos casos, no hay respuesta. Puedes mirar a Richard Ramírez y decir: “Sí, fue abusado cuando era niño, le sucedieron estas cosas, y de ahí vino la violencia”. Tal vez, ¿seguro? Pero muchos otros niños pasan por el mismo tipo de abuso y no se convierten en sádicos maníacos homicidas. Y luego, Jeffrey Dahmer tuvo buenos padres y una educación normal, entonces, ¿cuál es su histo ria de fondo que nos estamos perdiendo?

Creo que cuando se trata de sociopatología y verdaderos psicópatas, parte de lo que los hace interesantes es su alteridad y el hecho de que no hay una historia que pueda explicar el mis terio de lo que hacen. Y creo que los mejores villanos que hemos visto en el cine de género no intentan reducirlos a una historia de fondo

Ficha Técnica

Dirección Scott Derrickson

Producción Jason Blum Scott Derrickson C. Robert Cargill Guión Scott Derrickson C. Robert Cargill Música Mark Korven Montaje Frédéric Thoraval

Protagonistas Mason Thames Madeleine McGraw Ethan Hawke

País Estados Unidos

Año 2021 Género Terror Sobrenatural

ENTREVISTA | Scott Derrickson

que explica por qué son como son. ¿Por qué el Joker de Heath Ledger es cómo es? Nos cuenta tres o cuatro historias sobre cómo se hizo esas cicatrices, probablemente ninguna de ellas sea cierta. ¿Quizás uno de ellos es cierto? El punto es que nunca lo sabremos y eso solo se suma a su misterio. Si Hannibal Lecter tuviera una histo ria que dijera: “Es por eso que se convirtió en caníbal y comenzó a comerse a la gente”. De repente, Hannibal Lecter no sería tan interesante. Así que cuando la gente dice que quiere más, bien, quiero que quieran más. Sabes, ese es el misterio de este tipo de asesino sádico.

Así que ahora con The Black Phone detrás de ti, ¿tienes algún proyecto nuevo en mente o posiblemente incluso listo para comenzar?

Scott Derrickson: No puedo hablar es pecíficamente sobre lo que voy a hacer, pero puedo decir que tengo varias co sas. Tengo dos programas de televisión. Tengo una gran película de eventos. Tengo otra película de terror. Tengo una serie de cosas que están bastante cerca y listas para funcionar. No estoy seguro exactamente de lo que voy a hacer a continuación, o en qué orden, pero tengo mucho trabajo pendiente.

¡Oh, eso es fantástico de escuchar!

Scott Derrickson: Definitivamente estaré ocupado durante los próxi mos dos años. Hubo una gran brecha en el tiempo entre Doctor Strange y The Black Phone, y esto no va a ser así.

Scott Derrickson

Curiosidades sobre El Mago de Oz 1939

El mago de oz es un clásico de cine infantil pero también tiene uno de los detrás de cámaras mas curiosos y populares de todos los tiempos en el cine, además de ser una pe sadilla para los mismos actores grabar esta película En 1939 Hollywood recién co menzaba incursionar en los efec tos especiales en ese entonces era muy primitivo además de muchas de las normas que protegían a los actores en la actualidad no existían en esa época y les ha cían hacer cosas im pensables para los estándares de salud hoy en día A todo esto hubo consecuencias para los mismo ac tores por ejemplo :

Buddy Ebsen

El fue el primer hombre de hojalata y el original , el estaba cubierto de polvo de aluminio para su personaje, algo que defi nitivamente no esta hecho para ponerse en la cara y mucho menos cerca de los ojos y lo peor que uno le puede pasar al estar cerca de polvo de aluminio era inhalardo Enbsen termino contrayendo bronquitis crónica , por todo esto tuvo que ser inter

nado y MGM ( metro goldwyn mayer ) simple mente lo reemplazo por el actor Jack Haley que es el que termino de grabar y der ser el hombre de hojalata

Judy garland

Jack Haley

A Jack Haley en vez de ponerle pol vo de aluminio solo lo cambiaron por pasta de aluminio A pesar de esto le provoco una in fección de ojos estuvo ausente 2 semanas , otras de la molestias del actor esque por el traje nunca se podía sentar y muchas veces el rodaje diario duraba alrededor de 12 horas

La actriz Judy Garland era la protagonista y tenia que interpretar a una niña así que le dieron una “Dieta” que en verdad significaba “No comer “según las mismas personas en un documental mencionaban que a nadie le parecía raro que se desmaye en plena filmación

Mago de Oz

Muchos insinuaban que era por el calor y mientras que rodaban en un set que rondaba los 38 grados y es que para esta no encajaba con los estándares de belleza de esa época y la producción se enfoco tanto en cambiar su apariencia que le arruino su autoestima , la dieta, el vestido super apretado y las criticas de los medios

CURIOSIDADES | Mago de Oz

Para su papel utilizaba pintura verde en toda su cara y manos y que esta ba hecha de una sustan cia toxica que hoy en dia de ya no se utiliza mas además le costaba tanto sacarse la pintura que no se le fue hasta meses después del estreno de la película

Utilizo Piel real de león y lo peor que tenia que estar con el traje en el set de 38 grados ademas de que en los labios le ponían protesis muy diferente al de hoy en dia que prácticamente no podía comer nada almenos que sea comida molida

Margaret Hamilton

Beth Larh

ACERCA

DE | Marilyn Monroe

Así será la Marilyn Monroe de Netflix

Se acerca el estreno de Blonde, el biopic de Marilyn Monroe pro tagonizado por la actriz cubano-española Ana de Armas. Ya tene mos el primer tráiler. En otoño comienza la temporada fuerte de las plataformas de streaming, que alcanzará su punto culmi nante en Navidad. No todo son estrenos de series grandiosas como La Casa del Dragón o Los Anillos de Poder. Tam bién llegarán películas basadas en hechos rea les, como la esperada Blonde de Netflix. Blonde (Rubia) es un biopic de la mítica actriz Mari lyn Monroe, la mujer más deseada del mundo en los años 50 del siglo XX, un papel que termi nó devorando a la persona, Norma Jeane Mortenson. En el primer tráiler de la película, que se emitirá en exclusiva en Netflix, podemos ver a la actriz Ana de Armas en el papel de Marilyn Monroe, interpretando algunas de las escenas más icónicas de las películas, los posados y las actuaciones en directo.

Ana de Armas es una actriz cubana que se trasladó a España con 18 años, y aquí llevó a cabo su carrera profesional, alcan zado la fama por papeles en series muy conocidas como El Internado o Hispania, la Leyenda. También trabajó en varias películas.

En 2014 se mudó a Los Angeles, y comenzó a rodar filmes como Blade Runner 2049, llamando la atención de producto res y directores. Su interpretación de una enfermera inmi grante en Knives Out le valió una nominación a los Globo de Oro a Mejor Actriz de Comedia.

La hemos visto recientemente en la última película de James Bond, Sin tiempo para morir, y ahora tiene ante sí su papel más importante: interpretar a uno de los mayores iconos del cine de Hollywood.

Blonde está basada en la biografía escrita por Joyce Carol Oates, un best-seller que se centra en los años más problemá ticos de la actriz.

Criada en un orfanato, Norma Jeane Mortenson se casó a los 16 años. Todas las relaciones que tuvo en su vida, entre las que se incluyen deportistas, escritores, y el presidente de los Estados Unidos John F. Kennedy, fueron un desastre.

Detrás de la fachada de Marilyn Monroe había una mujer atormentada que sufría depresiones y cambios de humor. Falleció a los 36 años, por una sobredosis de barbitúricos.

Todo este drama se reflejará en Blonde, una película dirigida por el cineasta neozelandés Andrew Dominik, conocido por películas como Mátalos suavemente o episodios de series como Mindhunter.

Ana de Armas como Marilyn Monroe junto al director Andrew Dominik. (Foto: Netflix) / Matt Kennedy

La problemática de los géneros en tres películas de Bong Joon-ho

¿CINE POSMODERNO?

El surcoreano Bong Joon-ho es mundialmente reconocido por su galardonada Parásitos, película que aborda la diferencia y el conflicto de clase. Esta mirada crítica a la sociedad también se encuentra presente en otras tres películas de su filmografía, las cuales se analizarán en el presente artículo: Crónica de un asesino en serie (2003), El huésped (2006) y Okja (2017).

posmoderno?

Al igual que Martin Scorsese —quien suele trabajar con Leonardo DiCaprio en sus filmes—, Bong Joonho trabaja, en las tres películas anteriormente mencionadas, con Song Kang-ho, Byun Heebong y Park Hae-il.

Al igual que Martin Scor sese —quien suele trabajar con Leonardo DiCaprio en sus filmes—, Bong Joonho trabaja, en las tres películas anteriormente mencionadas, con Song Kang-ho, Byun Hee-bong y Park Hae-il. Además de este punto en común, resulta pertinente preguntarse por el subtexto en Crónica de un asesino en serie (Salinui chueok, 2003), El huésped (Gwoemul, 2006) y Okja (2017). ¿Qué otras semejanzas y diferencias encontramos en estas películas? ¿Cómo ha ido perfilándo se, con el paso de los años, el “estilo” de Bong Joon-ho? ¿Este estilo convierte su obra fílmica en cine posmoderno? ¿De qué hablamos cuando hablamos de cine posmoderno? ¿Esto explicaría el reconocimiento de Bong Joon-ho en la Academia y su popularidad en las salas de cine?

Para empezar, es preciso anotar que sus filmes se insertan dentro del “nuevo cine surcorea no” (Dueñas, 2020) o también denominada “nueva ola del cine coreano”, que comenzó a mediados de los noventa según Indiewire, portal web dedicado al cine independiente (Festival Internacional de Cine de Morelia, 2020).

Sostengo que, en estas tres películas de Bong Joon-ho, se plantea una crítica a la sociedad de consumo y a la sociedad surcoreana pos dictatorial, por medio de la problematización de los géneros cinematográficos como el cine negro, las monster movies y la ciencia ficción. Si bien Crónica de un asesino en serie, El huésped y Okja siguen y responden a ciertos patrones estético-ideológicos de los géneros cinematográficos anteriormente señalados, un rasgo en común que comparten estos filmes es el tratamiento explícito de la muerte y la violencia.

CRÓNICA DE UN ASESINO EN SERIE Y LA PROBLEMATIZACIÓN DEL CINE NEGRO

Esta película narra la pesquisa de tres de tectives —Park Doo-man, Jo Yong Gu y Seo Tae-yoon— para descubrir y atrapar al asesino serial de Hwaseong. Por tanto, ya tendríamos algunos elementos típicos del cine negro: la historia gira en torno a hechos delictivos y el protagonista, generalmente un antihéroe, busca asidua y perspicazmente la ver dad hasta encontrarla. Sin embargo, he ahí el princi pal “problema” que impide catalogar Crónica de un asesino como un filme del cine negro: no se revela la identidad del asesino. No se accede a ninguna verdad que alivie tanto a los personajes como a los espectadores, sino que por el contrario la película —y, particularmen te, la escena final— apela a la incertidumbre y la angustia por el absurdo en el que (sobre) vivimos. Es decir, a lo largo del relato fílmico, hemos sido testigos de que esta sociedad — posdictatorial, cabe agregar— se articula por medio de la violencia estructural.

Si bien los crímenes per petrados por el asesino serial —específicamente, si pensamos en el estado corporal de las víctimas— son la representación más obscena y gráfica de esta violencia, no es la úni ca. Tanto Park Doo-man como Jo Yong Gu, detecti ves locales de Hwaseong, presionan y torturan a los sospechosos para que estos declaren ser los responsa bles de los feminicidios. En cerrados e incomunicados en un sótano clandestino, son agredidos verbal y físicamente de forma constante. Incluso Seo Tae-yoon, el detective derivado de Seúl a Hwaseong, es testigo de la tortura, pero no opone resistencia, pues también ha normalizado esa violencia institu cional y social.

¿Cine posmoderno?

del asesino— no son pruebas suficientes para culpabilizarlo, siempre lo hallamos solo y se muestra displicente y casi inmutable durante el interroga-torio y la vigilancia policial, inclu so cuando está a punto de ser asesinado por Seo Tae-yoon.

El principal “problema” que impide catalogar Crónica de un asesino como un filme del cine negro es que no se revela la identidad del asesino. No se accede a ninguna verdad que alivie tanto a los personajes como a los espectadores.

Si pensamos en el perfil de los sospechosos, también observamos a personajes con un sentido ético ambivalente e inclusive contradicto rio. El primero de ellos es un muchacho que padece cierto síndrome y persigue a escondidas a una mujer —la primera víctima de esta serie de feminicidios—, porque se sentía atraído por ella; el segundo es un hombre casado y con hijos, respe tado y defendido por sus vecinos, cuya “desviación”, en términos de Freud, no es consumir revistas porno gráficas, sino masturbarse en el lugar donde se cometió un crimen; el tercero es un joven sensible que escucha y pide, cada vez que se suscitan los asesinatos, una canción a una emisora radial. Si bien esto y sus manos sua ves —la única descripción física que se tiene

Así pues, Crónica de un asesino en serie pro pone un conjunto de personajes contradic torios e inestables, imbuidos en una realidad hostil que ha normalizado la violencia hereda da de la dictadura. Esta violencia, no obstan te, se ejecuta principalmente en el cuerpo femenino. Las mujeres, es preciso anotar, no son atacadas en casa, sino en las calles —en ese espacio público ahora inseguro y simbóli camente vedado para ellas—, cuando cami nan solas en las noches lluviosas y cuando Hwaseong apaga sus luces y cierra sus puertas por órdenes del Gobierno. En tonces, ante la represión y la violencia institucio nal del Estado que produce o permite la aparición y la impunidad del asesino serial, observamos cómo los protagonistas pierden cier tos ideales o caracterís ticas cons titutivas de su identidad. Park Dooman no solo renuncia a su trabajo des gastante como policía, sino que también renuncia a la intuición que él creía poseer para identificar y captu

rar a los delincuentes. Jo Yong Gu pierde una pierna luego de un enfrentamiento con los comensales de un restaurante. Seo Tae-yoon pierde la compostura y la razón —que normal mente lo guiaba desde que llegó a Hwaseong— ante el asesinato y la violación sexual de una niña. Por ello, está dispuesto a “tomar la justicia por sus propias manos” y disparar a quien él cree que es el culpable, aunque todo parece indicar lo contrario. En suma, mientras más avanza la película, más nos alejamos de la verdad que suele entregarnos el cine negro —la identidad del asesino—, pero paradójica y sutilmente nos aproximamos a otra verdad más sugerente e inquietante: el asesino, al ser descrito al final de la película como una persona ordinaria, puede ser cualquiera. Entonces, la última mirada de Park Doo-man hacia nosotros, los espectadores, cobra otro sentido, otra fuerza que nos interpela aún más.

ESPECIAL | ¿Cine posmoderno?

EL HUÉSPED: LA PROBLEMATIZACIÓN DEL CINE DE TERROR Y LAS MONSTER MOVIES

Esta película narra la historia de los Park, una familia disfuncional conformada por el abuelo Hee-bong; sus hijos, Gang-du, Nam-il y Namjoo, y su nieta Hyun-seo, hija de Gang-du. Todos estos personajes son marginales: o es tán desempleados o tienen trabajos menores que apenas los sostienen económicamente. De hecho, la vivienda de Hee-bong, Gang-du y Hyun-seo funciona también como espacio laboral; específicamente, como un puesto de golosinas y comida rápida, ubicado a orillas del río Han, en Seúl.

A diferencia de otras monster movies, El hués ped presenta a su criatura a pocos minutos de iniciada la película y a plena luz del día. Las personas huyen al percatarse del peligro que representa y, en esa fuga desesperada, Gangdu confunde la mano de su hija y esta termina siendo raptada por la criatura. Es aquí donde empieza el drama familiar: ante la pérdida de Hyun-seo —la más querida y valorada por

los Park— y la falta de apoyo estatal, toda la familia se une para buscar y rescatar a la niña. Esta unión, no obstante, no está exenta de tensiones y conflictos entre ellos, lo cual desmitifica el modelo tradicional de la familia unida y, a su vez, produce el mismo efecto, con la muerte de Hyun-seo, sobre el lugar común de la “unión hace la fuerza”.

En consecuencia, El huésped no es la historia de cómo Seúl fue doblegada por un monstruo marítimo, sino de cómo la irrupción de este monstruo afectó y fracturó aún más la frágil estructura familiar de los Park. Por ende, es evidente que, además del miedo o el terror —emociones más asociadas al subgénero cinematográfico de las monster movies—, El huésped retrata y apela al dolor. Asimismo, también recurre al humor negro e inclusive paródico en determinadas ocasiones. He aquí una diferencia con Crónica de un asesino en serie, película que por momentos manifiesta sutilmente un humor negro que nunca colin daba con la parodia.

Por otro lado, otra diferencia con Crónica de un asesino en serie es la presencia de per

“El protagonismo del monstruo es desplazado por el proceso de búsqueda de los Park de la menor de sus integrantes y, a su vez, se plantea que el responsable mediato de la tragedia no es la criatura.”

“El huésped no es la historia de cómo Seúl fue doblegada por un monstruo marítimo, sino de cómo la irrupción de este monstruo afectó y fracturó aún más la frágil estructura familiar de los Park.”

sonajes norteamericanos en El huésped. En este filme, el sujeto norteamericano es retratado como el responsable indirecto del desastre, pues debido a la negligencia de dos científicos —uno es norteamericano y el otro, surcoreano—, la criatura “nace” del río Han. No obstante, la película también apunta a señalar otros responsables institu cionales —y ya no solo individuales— de la tragedia: el Gobierno y la comunidad médi co-científica que trabaja con él. Primero, el Gobierno aísla a los personajes “expuestos” a la criatura y desatiende las demandas de la familia Park de buscar a Hyun-seo. Segundo, se realizan pruebas médicas y éticamente cuestionables a Gang-du, pues lo retienen contra su voluntad en una sala médica, donde permanece incomunicado. Entonces, ante la falta de apoyo guber namental, la familia Park se ve impelida a rescatar a Hyun-seo por su propia cuenta.

Así pues, el protagonismo del monstruo es desplazado por el proceso de búsqueda de los Park de la menor de sus integrantes y, a su vez, se plantea que el responsable mediato de la tragedia no es la criatura, sino ciertas personas e instituciones.

OKJA Y LA PROBLEMATIZACIÓN DEL CINE DE CIENCIA FICCIÓN

Okja nos presenta, desde un inicio, el proyec to de gran envergadura de una corporación que busca “limpiar” su imagen y, a su vez, conseguir clientes por medio de la creación de supercerdos. Conforme avanza la pelícu la, descubrimos el trasfondo ominoso de su creación y, para ello, Bong Joon-ho diferencia explícitamente el discurso adoptado por la compañía y la realidad siniestra e invisible de los laboratorios y las fábricas de carne.

Cabe preguntarse, entonces, cómo Okja desmantela la fantasía creada y difundida por la compañía. Para empezar, habría que examinar el discurso y la performance de Lucy Mirando, su directora: es una mujer que se presenta ante el público como alguien simpática, impoluta e inofensiva. Cuando está a solas o con su equipo de trabajo, no obstante, se revela cierta angustia por lo que es y quién proyecta ser. Se trata, entonces,

de un sujeto femenino escindido entre su deseo por “limpiar” la compañía heredada de su padre —un sujeto que provocó la muerte de muchos de sus trabajadores por obligarlos a laborar en condiciones infrahumanas— y la consciencia de saber que esta “limpieza” efectuada por ella es solo superficial. Así pues, Lucy no propone un cambio estructural de su compañía. Por tanto, es comprensi ble su crisis de identidad: no quiere, pero termina reproduciendo el modus operandi del padre y el de su hermana, Nancy, aunque ahora con animales.

A partir de esta lectura, se infiere que el sistema capitalista, encarnado en la figura de la compañía, tiene dos discursos: el discurso políticamente correcto de Lucy y el discurso más vil y “honesto” de Nancy y su padre. Al respecto, llama la atención que ambas her manas sean gemelas, pues comparten no solo el mismo fenotipo, sino también la misma ideología y el mismo ethos.

Después de Lucy, no obstante, ningún otro personaje alcanza su nivel de complejidad, pues el filme establece una clara distinción entre los héroes —los activistas del Frente de Liberación Animal— y los villanos —las per sonas que trabajan en o con la compañía—. Asimismo, a diferencia de Crónica de un asesino y El huésped, hay un mayor número de personajes norteamericanos en Okja, los cuales asumen papeles más importantes y diversos. Sin embargo, esto no implica que sean menos arquetípicos.

Es decir, en lugar del humor negro, caracte rístico en menor o mayor escala en los dos filmes anteriores, encontramos en Okja una parodia de varios de sus personajes: el doctor Johnny Wilcox es el más histriónico de todos, ya sea frente o fuera de cámaras; en varias escenas, vemos cómo Heebong, el abuelo de Mija, la protagonista, le presta más atención al dinero que a su nieta (inclusive, le engaña para que la compañía se lleve a Okja); y, más allá de las motivaciones de los activistas, no

sabemos nada sobre ellos y en ningún mo mento se ahonda o problematiza su discurso de no violencia. Son, en ese sentido, perso najes unidimensionales.

Mija, por otra parte, es una niña que, hasta antes de la llegada del doctor Johnny Wilcox a su casa, vivía casi en comunión con la na turaleza. Es más, el vínculo o conexión entre ella y Okja será el nudo principal de la histo ria, porque el rapto de esta supercerdades encadena la acción de la trama. Asimismo, es precisamente por este vínculo que la película no solo apela a la risa, sino también al dolor. Así pues, el dolor que el espectador podría llegar a sentir se debe al tratamiento fílmico del vínculo entre Mija y Okja —personajes que encarnan la inocencia— y la violencia ejercida sobre los supercerdos. Es así como, a través del subtexto animalista del filme, se critica a la industria alimentaria y la sociedad de consumo.

A partir de esta lectura, se infiere que el sistema capitalista, encarnado en la figura de la compañía, tiene dos discursos: el discurso políticamente correcto de Lucy y el discurso más vil y “honesto” de Nancy y su padre.

¿Cine posmoderno?

CONCLUSIONES Y REFLEXIONES

FINALES

En conclusión, Crónica de un asesino en serie, El huésped y Okja son películas que se insertan y, al mismo tiempo, proble matizan ciertos géneros o subgéneros cinematográficos como el cine negro, las monster movies y la ciencia ficción. En primer lugar, Crónica de un asesino, a través de la investigación policial de sus protagonistas, devela el trasfondo político y social de los crímenes de Hwaseong: la violencia institucional y estructural de la dictadura en Corea del Sur. Al no revelar la identidad del asesino serial o, mejor dicho, al revelar su identidad de otra manera (“era una persona ordinaria”), Bong Joon-ho plantea una aguda crítica a la sociedad posdictatorial y el absurdo en el que los personajes (sobre)viven, con pérdidas materiales y simbólicas a cues tas. En segundo lugar, si bien El huésped puede considerarse una monster movie, el protagonismo no recae en el monstruo y

los estragos que podría haber causado en Seúl, sino en el dolor y la búsqueda incan sable de una familia marginal y disfuncio nal que vive a orillas del río Han. Unidos por la falta (el rapto y, posteriormente, la muerte de Hyun-seo), El huésped no pretende culpabilizar al monstruo de la tragedia (familiar y colectiva), sino que más bien ofrece, desde la primera escena, quiénes serían los responsables indirectos de dicha tragedia: la negligencia de un par de científicos. Sin embargo, ellos no serían los únicos responsables, puesto que Bong Joon-ho cuestiona, en el filme, la falta de apoyo real por parte del Gobierno y la comunidad médico-científica. En tercer lugar, Okja se afilia al género de la ciencia ficción por la creación y el protagonismo que adquieren los supercerdos, animales mutados para el consumo humano. A tra vés de la relación entre la protagonista y Okja, así como la violencia ejercida sobre los supercerdosy sus defensores, Bong Joon-ho busca sensibilizar al espectador sobre su consumo de carne y la violencia

animal. Por ello, este subtexto animalista eclipsa el componente sci-fi de la película y muestra, más bien, las dos caras del sis tema capitalista encarnado en la imagen y el discurso de la compañía. El problema, no obstante, es la polarización y esque matización de los héroes —los activistas— y los villanos —aquellos que trabajan en y con la compañía—, quienes son repre sentados como personajes abnegados e histriónicos respectivamente.

A raíz de lo anteriormente mencionado, se concluye que Crónica de un asesino en serie, El huéspedy Okja son películas que, a través de la problematización de géneros cinematográficos, el humor negro (o, en su defecto, la parodia) y la violencia, plantean una crítica explícita al poder. Por ende, se puede reconocer un estilo fílmico particular en proceso de experimenta ción y permanente diálogo con géneros populares. Así pues, esto vincula a Bong Joon-ho al cine posmoderno.

ACERCA DE

Blonde (en Latinoamérica: Rubia) es una película dramática biográfica estadounidense escrita y dirigida por Andrew Dominik.

Adaptada de la novela Blonde (2000) de Joyce Carol Oates, la película es una versión ficticia de la vida de la actriz Marilyn Monroe, interpretada por Ana de Armas. Adrien Brody, Bobby Cannavale y Julianne Nicholson aparecen en papeles secundarios. Dede Gardner, Jeremy Klei ner, Tracey Landon, Brad Pitt y Scott Robertson son los productores de la película que, después de un largo período de desarrollo que comenzó en 2010, comenzó a producirse en Los Ángeles en agosto de 2019. La pro ducción finalizó en julio de 2021. Blonde se estrenó en Netflix el 28 de septiembre de 2022.

Marilyn Monroe; nacida como Norma Jeane Mortenson; Los Ángeles, 1 de junio de 1926-Los Ángeles, 4 de agosto de 1962) fue una actriz, cantante y modelo estadounidense. Fa mosa por interpretar personajes cómicos de «rubia explosiva», se convirtió en uno de los símbolos sexuales más populares de la década de 1950 y principios de los 60, así como en un emblema de la revolución sexual de la época.45 Fue una de las actrices más cotizadas durante una década, y sus películas recaudaron $200 millones (equivalente a 2 billones de dólares en 2021) al momento de su muerte en 1962.6 Mucho después de su fallecimiento, Monroe sigue siendo un ícono importante de la cultura pop.7 En 1999, el American Film Institute la cla sificó en sexto lugar en su lista de las más grandes leyendas femeninas del cine de la Época de Oro de Hollywood.8

Monroe, nacida y criada en Los Ángeles, pasó la mayor par te de su infancia en hogares temporales y en un orfanato; se casó a los dieciséis años. Trabajaba en una fábrica durante la Segunda Guerra Mundial cuando conoció a un fotógrafo de la Primera Unidad Cinematográfica y comenzó una exitosa carre ra como modelo pin-up, que la llevó a contratos cinematográ ficos de corta duración con 20th Century Fox y Columbia Pic tures. Después de una serie de papeles menores en películas, firmó un nuevo contrato con Fox a finales de 1950. Durante los siguientes dos años, se convirtió en una actriz popular con papeles en varias comedias, incluyendo As Young as You Feel y Monkey Business, y en los dramas Clash by Night y Don’t Bother to Knock. Se enfrentó a un escándalo cuando se reveló que había posado desnuda en una sesión fotografíca antes de convertirse en una estrella, pero la historia no dañó su carrera

Marilyn

5

películas que Disney ha rodado un remake en los últimos años

Las películas Disney siempre han tenido y van a tener un lugar especial en nuestro corazón y eso los estudios lo saben. Es por eso que des de hace unos años están lanzando remakes live-action o haciendo uso del CGI, reinven tando estas míticas películas y haciéndonos volver a nuestra niñez.

Con motivo del más que esperado estreno del último remake de Disney, Pinocho y con un amplio catálogo de novedades que van a llegar a los cines, queremos presentaros un reportaje con las 5 últimas películas que han lanzado. Y es que seguro que los más fans (yo incluida) de Mickey y sus estudios esta mos más que emocionados con todo lo que

nos espera estos años con La sirenita y una Ariel algo diferente, Peter Pan, Blancanieves o incluso Hércules. Los estudios no cesan en sacar nuevas historias de sus filmes ya míticos cada vez más grandes y mejorados. Con cada anuncio de un nuevo remake se espera todo un espectáculo y promete grandes ventas en las taquillas y la contratación de mega estre llas para poner voz y representar a algunos de los personajes más icónicos de Disney.

Aunque adoramos las películas de animación originales con las que prácticamente nos he mos criado, no hay nada como ver a tus prin cesas o personajes favoritos cobrar vida en la gran pantalla, salvando las distancias.

Mulan (2020) Liu Yifei interpreta a la gran guerrera Hua Mulan, que se disfraza de hom bre y se alista en el ejército imperial chino para salvar a su padre enfermo. Niki Caro dirigió un reparto que incluía a Donnie Yen, Utkarsh Am budkar, Jason Scott Lee, Yoson An y Jet Li.

La Dama y el Vagabun do(2020) Maravillo sa ambientación, buenas actuacio nes y efectos es peciales que son más que acepta bles para la histo ria, La Dama y el Vagabundo es una película que busca causar reflexión al mis mo tiempo que te cuenta una tierna historia de amor.

Aladdin (2019) La nueva película fue prota gonizada por Mena Massoud como Aladdin y Naomi Scott como Jazmin, sin olvidarnos, claro está de Will Smith como el Genio. la pe lícula cuenta con las canciones favoritas de todos como Friend Like me o A Whole New World.

Dumbo (2019) La adaptación de Tim Bur ton de Dumbo aunque el remake no es tan colorido como el original, ver a Dumbo alzar el vuelo por primera vez es absolutamente impresionante y te encontrarás lloran do igual con esta película que con su original.

Christopher Robin(2018) En esta respues ta al clásico Winnie the Pooh, volvemos a encontrarnos con Christopher Robin como un hombre de familia de clase trabajadora que ha perdido toda la alegría de la vida, tras haberse despedido de su niñez y sus amigos.

CAPÌTULO 1

Trastero 36

CAPÌTULO 2

Ratas de cementerio

CAPÌTULO 3

La autopsia CAPÌTULO 4

La apariencia

CAPÌTULO 5

El modelo de Pickman

CAPÌTULO 6

Sueños en la casa de la bruja

CAPÌTULO 7

La visita CAPÌTULO 8

El murmullo

DETRÁS DE ESCENA | El Gabinete de Curiosidades

Lo primero que debes saber sobre esta serie antológica es que cada episodio es inde pendiente, por lo que a lo largo de la temporada podremos disfrutar de distintas histo rias. Algunas de estas tienen origen en la mente de los protagonistas, otras tienen que ver con seres extraterrestres, otras con situaciones sobrenaturales, brujas, monstruos, zombies, demonios y, por supuesto, fantasmas y espíritus.

Esta ficción se basa en un libro del propio Guillermo del Toro, publicado en el 2012. Allí, el autor relataba los procesos creativos que atravesó desde su obra “Cronos” hasta “Pacific Rim”. Donde incluye la manera en la que Guillermo del Toro recopila referencias y su largo proceso de investigación para sus películas más conocidas. Así, esta produc ción se presenta como una serie de antología de terror, con capítulos independientes. EL gabinete de curiosidades tiene la intención de emular el sentido modular y fragmen tado del libro. Se ha comentado que se trata de una serie que intentará crear varios pun tos de vistas sobre el terror y la fantasía, basada en el peculiar punto de vista del director.

El llamado “hacedor de monstruos” es conocido por su incli nación a crear criaturas fantásticas de considerable belleza y sensibilidad. Además de historias en la que mezcla una rara sensibilidad y el horror.

“El gabinete de curiosidades” tiene 8 episodios en total, de los cuales 2 son ideas originales del propio Del Toro y el resto fue imaginado por otros directores y guionistas elegidos por él, que se unieron al proyecto para dar vida a cada una de las narrativas basadas en cuentos cortos de maestro del terror como H.P. Lovecraft, Henry Kuttner, entre otros.

El Gabinete de Curiosidades | DETRÁS DE ESCENA

Un hombre compra una bodega llena de posesiones misteriosas para venderlas y saldar una deuda, pero pronto termina envuelto en una situación desespera da y mortal.

Will, un estudiante de Arte, conoce a Richard, un introvertido pintor, cuyas tenebrosas obras empiezan a distorsionar el concepto de realidad del joven.

SUEÑOS EN LA CASA DE LAS BRUJAS (Catherine Hardwicke)

Un ladrón de tumbas va por un botín recién llegado al cementerio, pero antes de hacerse con él, deberá sobrevivir a un laberinto de túneles y a un ejército de roedores.

LA AUTOPSIA (David Prior)

Mientras investiga la aparición de un cadáver, un alguacil veterano recurre a un viejo amigo forense para que lo ayude a desentrañar una serie de hechos escalofriantes.

RATAS DE CEMENTERIO (Vincenzo Natali) POR FUERA (Ana Lily Amirpour)

LOTE 36 (Guillermo Navarro) MODELO (Keith Thomas) LA INSPECCIÓN (Panos Cosmatos) EL MURMULLO (Jennifer Kent)

Años después de la muerte de su gemela y estimula do por una rara sustancia, un investigador se adentra a un mundo oscuro y misterioso para traer a su hermana de regreso.

Ansiosa por encajar en su entorno laboral, Stacey comienza a usar una crema que le causa una alar mante reacción, mientras un inquietante cambio va tomando forma.

Tentadas a vivir una experiencia única e irrepetible, cuatro personas visitan la lujosa mansión de un acau dalado ermitaño, pero la intriga pronto se convierte en horror.

Tras una pérdida desoladora, una pareja de ornitólo gos se muda a una casa apartada para estudiar aves. Sin embargo, la historia del lugar está escrita con sangre y dolor.

“De lo macabro a lo mágico, de lo gótico a lo grotesco o clásicamente espeluznante”

CURIOSIDADES

| Back to the Future

Estrenada en 1989, Volver al futuro II, una de las secuelas más exitosas y recordadas por los fanáticos del cine, nos muestra las aventuras de Marty McFly y el Doc Brown mientras viajan de los años 80 al 2015 y, más tarde, de vuelta a 1955, para evitar serios problemas en su línea de tiempo.

En el 2015, Marty entra a una tienda de an tigüedades y encuentra un chaleco similar al que usó en la primera película, un cartucho de Nintendo del juego de Tiburón, y un muñec o del personaje principal de ¿Quién engañó a Roger Rabbit?. Esta última cinta fue dirigida por Robert Zemeckis, el mismo director de la saga de Volver al futuro.

Originalmente, no había planes para una secuela, pero esto cambió debido al gran éxito de la primera entrega. Este segundo filme se volvió muy comentado, incluso en los últimos años, gracias a sus llamativas predicciones sobre cómo sería el futuro, así como por sus varias escenas icónicas, divertidas y hasta emotivas.

En esta nota presentamos algunas de las curiosidades y detalles más sorprenden tes de esta cinta ochentera que continuó la travesía de Marty y el Doc a bordo del DeLorean.

2. El ejemplar del diario USA Today del 2015 es del día 22 de octubre. Tal fecha es el cumplea ños de Christopher Lloyd, actor que da vida al Doc Brown.

3. En la versión alternativa de 1985, el ahora poderoso Biff Tannen amenaza a Marty con un arma para que se arroje de la terraza de su hotel. Este último reaparece parado sobre el DeLorean, donde lo estuvo esperando el Doc, y golpea a Biff con la puerta, dejándolo desmaya do. Esta escena fue improvisada por los actores.

Back to the Future

Se barajaron muchos actores para interpretar a Doc Si bien tenían bastante claro el actor para Marty McFly, no lo tenían tan claro a la hora de escoger un intérprete para Doc Brown.

Se barajaron muchísimos actores bastante conocidos por aquella época para encarnar al científico, entre ellos Mandy Patinkin, Danny De Vito, John Lithgow, Steve Martin, Mi chael Keaton, Robin Williams, Donald Sutherland... ¡E inclu so Eddie Murphy y Bill Cosby estaban entre los candidatos! Dentro de todos ellos se acabaron reduciendo las opciones entre Gene Hackman, Harold Ramis, James Woods, John Cleese, David Dukes, Ron Silver, Jeff Goldblum y Christo pher Lloyd, siendo finalmente el papel de Emmet Brown para Lloyd.

"Cuando leí el guión, dos personas me vinieron a la mente para interpretar a Doc Brown. Una fue Chris y la otra John Lithgow", comentó el productor Neil Canton. "A Bob (Gale) y Bob (Zemeckis) realmente les entusiasmó la idea de fichar a Chris, así que lo trajimos a Amblim".

Casi al final de la película, Biff persigue a Marty en un largo túnel, y este último escapa en el De Lorean volador. Dicho túnel es el mismo usado por Zemeckis para el ingreso al mundo de los dibujos en ¿Quién engañó a Roger Rabbit.

11. En una escena de 2015, Marty pasa cerca del anuncio de la película Jaws 19 (Tiburón 19). El cartel señala que el director de la película es Max Spielberg, quien es el hijo de Steven Spielberg, director de la primera entrega de Tiburón y productor de Volver al futuro II. Max nació en 1985, año en que fue lanzada esta última saga.

DETRÁS

DE ESCENA | The Midnight Club

La serie sigue a un grupo de adultos jóvenes con cáncer terminal que deciden vivir sus últimos días en Brightcliffe Hospice. todas las noches, este grupo se reúne en la bibliote ca para contarse historias de miedo. Un día los adolescentes hacen un pacto entre ellos: quien muera primero intentará enviar un mensaje desde el más allá, para mantener viva la esperanza de todos los que quedan atrás. Mientras tanto, la nueva integrante Ilonka (Iman Benson) tiene la intención de descubrir los secretos ocultos en las paredes de esta especie de hospital, incluida su historia mágica y llena de misticismo.

En uno de los episodios se puede observar el espejo de la película Oculus escondido en el sótano.

El elenco realizó la primera lectura del guiòn en la biblioteca de Brightcliffe. La cual describieron como “realmente genial”.

Con el fin de mantener la energía ligera en el set, el elenco a menudo jugaba juegos durante la filmación. En particu lar, jugaron muchas rondas de Uno.

El primer episodio de la temporada, ha esta blecido un nuevo récord Guiness Mundial al contar con la mayor cantidad de sustos en un episodio de tv. Y es que en total se contabilizan 21 sustos.

Para Adia al igual que para otros miembros del elenco, esta es su primera vez participando en un programa de televisión. En palabras de Adia: “Esta es mi primera vez en el set” “no sabía nada y fue realmente genial que nos explicara todo. Me dijo: ‘Haz todas las preguntas que quieras y está bien. Te ayudaré’”.

Ruth agregó: “Mucho de nosotros estamos en el mismo, así que simplemente nos lanzamos a eso. Nos teníamos el uno al otro”.

Aya menciona: “Creo que puso mucho cuidado y tiempo en todos y cada uno de nosotros”.

“También se siente muy colaborativo. Él escucha”, agregó Annarah.

TIK TOK

Ruth nunca antes había actuado profesionalmente, fue gra cias a TikTok que fue descubierta por los productores y el departamento de casting de The Midnight Club. Al prin cipio Ruth no se lo tomo muy en serio cuando le pidieron que adicionara pues nunca había actuado, pero tras enviar un video la llamaron para informarle que el papel era suyo.

FILMANDO EN EL SÓTANO

Las escenas más «complicadas» de filmar para el reparto fueron las que tienen lugar en el sótano de Brightcliffe. Ese escenario estaba completamente oscuro y tuvieron que usar linternas para orientarse, porque allí caminaban a ciegas. Además, las ratas que encontró Ilonka eran reales, el equipo de producción había colocado un par de jaulas con ratas de verdad.

Iman Benson dijo: “Hay una escena en particular en el guión, donde está escrito que las ratas se cruzaron frente a mí, y pensé que iban a hacer CGI. Ese día, tenían jaulas de ratas, además del sótano oscuro. Producían una sensación espeluz nante allí abajo”.

MIKE FLANAGAN

El episodio en blanco y negro Annarah se pintò de gris para que el aspecto en blanco y negro se viera correctamente en la pelìcula. De hecho esta fue la historia favorita de Annarah y Chris y para la cual ensayaron mucho.

Chris agregó: “Para ese episodio, Annarah simplemente esta ba pintada de gris mientras se desangraba en el suelo dando un monólogo asesino. Sorprendentemente, no me di cuenta en absoluto.

Durante la filmaciòn del episodio 9, donde Chris se encuentra atado a una màquina cientìfica llegò a cortarse la mano. “Habìa un tornillo que comencé a tocar mientras gritaba. Re cuerdo que en algún momento se cayó y me corté el dedo”, recordó. “Estaba sangrando y no creo que se dieran cuenta porque decían: ‘¡Sigue rodando! ¡Sigue rodando! ¡Perfecto! Sigue gritando’”. Mientras mi sangre caia al suelo. Cuando vi el resultado dije: ‘Eso fue increíble’”.

Para la filmaciòn del episodio 8 Aya recuerda estar muy ner viosa, porque en realidad tiene miedo de conducir, y para el episodio necesitaba simular que conducia en todo momento. “No sé conducir”, dijo. “Nunca he conducido un automóvil en mi vida y, de hecho, tengo miedo de conducir. Así que, durante todo el rodaje, estuve nerviosamente actuando”.

LA HISTORIA DE AMESH

Para la filmaciòn del episodio 5 Sauriyan explicó que llegaron a bloquear una calle entera para filmar el episodio. También fue “muy divertido” peinarse, maquillarse y vestirse para este episodio y luego jugar en una sala de videojuegos antigua, donde los juegos realmente funcionaban.

LA HISTORIA DE NATSUKI

DETRÁS DE ESCENA

| The Midnight Club

LA MISMA CASA DE LOCKE & KEY

Desafortunadamente para los fanáticos Brightcliffe Hospice (conocido como Rotterdam Home en la novela) no es real. Actualmente no está claro dónde se encuentra la casa, pero su exterior inusual crea la imagen perfecta para un hospicio con propiedades mágicas. Y por si te resultaba fa miliar Brightcliffe es porque ya disfrutaste de la serie de Locke&Key. Pues la fa mosa plataforma de streaming se ocupó de transformar la icónica Key House en

BASADA EN UN SUCESO REAL

Las distintas historias que cuentan los componentes del Club de la medianoche no están basadas en hechos reales, pero la propia historia que narra la serie se podría decir que sí. Aunque solo en parte.

Y es que la novela juvenil creada por Christopher Pike, se basa en una chica real y su historia, la cual lo inspiró a crear la novela y al personaje de Ilonka.

A esta chica le diagnosticaron un cáncer terminal a principios de los 90, y los padres se pusieron en contacto con Pike, la idea era que se conocieran en persona porque la chica era muy fan del escritor. Por varias semanas Pike y la joven comenzaron a escribirse cartas y tener largas llamadas telefónicas hasta que ambos por fin se conocieron. Entre sus pláticas, la joven le comentó al escritor sobre un club de lectura nocturno que tenían en el hospital en el que estaba internada, una extraña tradición que ella y otros internos realizaban todas las

La diferencia radicaba en que mientras en la serie los jóvenes narran historias de terror, en la vida real el grupo de pacientes se reunían para hablar y anali zar las novelas de Pike. Esta anécdota le dio al escritor la idea para hacer la novela que ahora adaptó Netflix en forma de serie.

Desafortunadamente la adolescente que inspiró el relato no sobre vivió para ver la novela, pero el libro sigue siendo un homenaje a la joven paciente y es por ello que, si bien la historia del show no es real, está basada en una tradición que Pike descubrió a través de su admiradora, lo cual causó un gran impacto en el escritor.

Aunque hoy en día una gran cantidad de películas hacen uso del CGI, el maquillaje de efectos especiales aún mantie ne un papel importante a la hora de crear personajes realistas y palpables. Es así como Guillermo del Toro nos entrega a dos de los personajes más icónicos en su producción “El Laberinto del Fauno”.

Lanzado en 2006, El laberinto del fauno cuenta la historia de Ofelia, de 11 años, que navega a través de la sádica y brutal España posterior a la Guerra Civil en 1944 y un mundo de fantasía extraño y cautivador lleno de criaturas misteriosas. Lleno de simbolismo y alegorías, El laberinto del fauno recibió elogios unáni mes tras su lanzamiento. Descrito como un cuento de hadas sombrío para adultos, tam bién ha superado la prueba del tiempo por sus logros técnicos y narrativos.

Los españoles David Martí y Montse Ribé, propieta rios del estudio DDT Special Effects, fueron los responsa bles de caracterizar a Doug Jones en el impresionante papel del fauno y el terrorífico hombre pálido.

Este espectacular maquillaje les permitió ganar el Óscar al mejor maquillaje en 2007. Ambos trabajaron junto a Guillermo del Toro en otras producciones como “el espi nazo del diablo” y “Hellboy”, siendo en esta su tercera colaboración.

Las ideas para el laberinto del fauno fueron evolucionando de distintas maneras hasta lle gar a la versión final de la pelícu la. El fauno se inspiró en un sueño lúcido que Guillermo del Toro tuvo repetidamente cuando era niño: cada media noche, se despertaba y un fauno salía gradualmente detrás del reloj de su abuelo. Tomando esto como base el fauno se con cibió como una criatura parecida a una cabra con patas peludas. Tras

pasar por 6 etapas de diseño es que llegamos a la versión vista en la película, con ramas en las patas y un aspecto más naturalista. Esto le otorgaba al fauno una especie de camufla je y al mismo tiempo le daba el aspecto de un ser que existió en la naturaleza por un largo período de tiempo.

Para el concepto del hombre pálido originalmente, Guiller mo había querido que el hombre pálido este sentado en la mesa y al momento en que Ofelia comía la uva el pálido se levantaría, su boca se abriría tanto que saldría una especie de esqueleto de caballo. Luego, se pondría a cuatro patas y se transformara en otra cosa, similar a la escena de “Un hombre lobo americano en Londres”. Esto para que pudiese perseguir a Ofelia, porque de lo contrario, al ser un personaje ciego, tradicionalmente no podría encontrarla. Debido a la falta de presupuesto esta idea no pudo ser concretada.

Del Toro se basó en la imagen de un hombre muy viejo y gordo. Este habría sufrido de un sobrepeso extremo y se quedó sentado frente a la mesa delante de toda esa comida sin poder comerla. Tras esto solo quedaron su piel y huesos, ocasionando que la epidermis cuelgue de sus extremidades. Se veía más como un personaje al estilo de pinocho presen tando rigidez tanto en diseño como en movimientos.

Guillermo encargó al equipo de Martí que le extrajeran la mayoría de rasgos faciales exceptuando las fosas nasales y ojos. Cuando Guillermo lo vio le pareció muy normal y sugirió quitarle los ojos. Ya hecha la prueba del maquillaje de cabeza surge la duda de como es que el personaje encontraría a Ofelia. La situación sugería que la encontrara oliendo y a tientas. Esa acción de tantear con las manos llevo a la idea de colocarle los ojos en las manos y los dedos simularían las pestañas.

David Martí y Montse Ribé tuvieron un lapso de tres meses para preparar todo, un periodo muy corto de tiempo que les produjo muchos inconvenientes, aun así, lograron concluir los trajes, el sapo, la mandrágora, los diferentes maquillajes y las prótesis de heridas como la del capital Vidal. Tuvieron que reducir el trabajado de unos seis meses en solo tres. La transformación de Doug Jones en los personajes del fauno y del hombre pálido tomó alrededor de cinco horas. El maquillaje iniciaba a las cuatro de la madrugada. Para el fau no tomaban unas cuatro horas mientras que para el hombre

pálido demoraban seis horas. El complicado proceso hacía que el actor no estuviera mucho tiempo sentado. La coloca ción del traje requería que Jones permaneciera de pie. Se requería una elaborada aplicación mecánica que necesitaba atornillarse, cerrarse, y enchufarse para su funcionamiento. El traje del fauno no requería estar pegado al 100 por ciento solo se adherían algunos sitios. Las piezas eran más fáciles de colocar y eran medio mecánicas.

Para llegar al traje en si mismo les costó mucho. Pues se pre ocupaban mucho por la comodidad del actor. No se podía hacer un traje entero por temor a que le costara moverse o le salieran rozaduras. Esto llevo a la conclusión de partir el traje en varias piezas. Una era la cabeza que era una máscara mecánica con un esqueleto de fibra de carbono que portaba los mecanismos de los ojos, nariz y orejas. Provocaba las expresiones faciales; gracias al uso de mo tores y eran operados a distancia. Este sistema producía un sonido tan fuerte que a menudo no podía oír a Ofelia decir sus líneas.

Tanto para este personaje como para el hombre pálido Doug usaba un plástico que achataba su nariz. Para poder colocar las prótesis y la máscara. No había mane ra de retirarlo hasta pasadas las 12 horas cuando le retiraban la máscara o prótesis. La máscara era colocada, se atornillaba y a posterior se ponía la piel por encima y se pegaba.

EFECTOS

ESPECIALES | El Laberinto del Fauno

Desde la parte baja de la nariz hasta la barbilla era una próte sis de maquillaje que estaba pegada a la piel. Así cuando él hablaba se movía la boca perfectamente. El cuello también era una prótesis que iba pegada.

A partir del torso ya era una especie de traje sin brazos, luego venían los brazos que traían una parte que marcaba el área de las costillas esto permitía un mejor movimiento.

Las piernas eran una especie de pantalón articulado en el área de la rodilla. Traía una prolongación en L hacia atrás que después volvía a conectar en el área de los pies. El traje incluía unas plataformas de 20 cm con las que tenía que caminar el actor. Por lo que las piernas del fauno no fueron generadas por computadora. Guillermo del toro creó un sistema especial en el que las piernas del actor controlan las extremidades falsas del fauno.

Las piernas originales de Jones fueron cubiertas con una tela verde, a menudo usada para la creación de paisajes y mundos digitales, a posterior fueron eliminadas digitalmente en sus dos personajes.

Los cuernos pesaban unas 10 libras. Eran tan pesados que tu vieron que colocarse al final.

El hombre pálido requería pegar todas las prótesis al 100 % haciendo uso de silicona espuma. Así cuando Doug se mo viera el traje lo seguiría con un movimiento más natural. Una vez dentro del traje tuvo que mirar a través de los orificios de la nariz para ver hacia donde se dirigía cuando se desplazaba por el set. Los ojos fueron dibujados en las manos y después se animaron en digital. Todas las prótesis están elaboradas a medida con látex de espuma en torso y piernas, mientras que los pliegues que le cuelgan de los brazos, las manos y la cara estaban elaboradas con gel de silicona. En la cara había un total de seis piezas.

Según comentarios del actor esa era la primera vez que interpretaba a dos criaturas en una película, donde tuvo el mínimo de incomodidad, el traje era cómodo y bien hecho. Podía retirarse a su casa sin ninguna rojez por el uso de los trajes.

También se recurrió al uso de implantes y animatrónicos para las criaturas produciendo un aspecto más realista, como es el caso de la mandrágora. Esta empleaba un sistema mecánico. Llegando el primer día de rodaje, donde incluirían a la man drágora, Guillermo llego indicando que ese día quemarían a la mandrágora. Esto es algo poco común, pues generalmente se suelen grabar primero las escenas con la mandrágora y por último se grabaría la escena donde es destruida. Pero Guillermo les encargo hacer una segunda mandrágora, pues esa sería quemada ese mismo día. A pesar de que ya no con taban con el presupuesto necesario lograron construir una segunda mandrágora.

El equipo de maquillaje hacía uso de la pantalla verde para poder quitar y alterar fácilmente los detalles en postpro ducción. Un ejemplo de esto sería una de las escenas más espantosas de la película en la que un personaje se cose las mejillas separadas. Del Toro explicó que, para obtener esta toma, habían usado piezas delicadas de prótesis que traían el corte hecho lo suficientemente profundo para que el actor del capitán Vidal pudiera atravesarlas con una aguja y pudiera coserlo al momento del rodaje, pero lo suficientemente delgadas para que pa reciera realista, lo que significaba que el actor tuvo que colocar la aguja muy cerca de su

propia piel. Pintaron la mejilla del actor en croma y digitalmente se borro ese trozo de mejilla e hicieron lo que era el interior de la boca.

Guillermo del Toro es alguien muy me ticuloso y cuando quiere cosas que ni Martí ni Montse le pueden brindar hace uso de los efectos digitales, logrando algo cordial entre el uso de ambos efectos. Martí y Montse consideran que es el director con el que trabajan más a fondo en el tema creativo. Según ambos propietarios del es tudio DDT hay muchos directores que te entregan un guion, en el guion aparece un monstruo con dientes grandes y son ellos los que se encargan de diseñarlo y trabajarlo. A diferencia de esto Guillermo ya llega con una idea de lo que desea hacer plasmada en su libreta. Esto ocasiona que no siempre sea fácil de convencer al momento de hacer cam bios, pues ya tiene ideas fijas. Según Martí se torna

más divertido darle cosas que superen lo que imaginó. A raíz del estreno de Parque Jurási co en el que empleaban los efectos especiales digitales, Martí y Montse creían que su trabajo había llegado a su fin, pero resulto en todo lo contrario. Esto les proporciono aún más proyectos; las películas que hacían uso de efectos digitales se dieron cuenta que muchas veces esos efectos requerían algo físico.

Lo cual llevo a las empresas de efectos digitales a emplear ma quetas o algo físico en lo que trabajar. Siendo ellos los que se encargaban de esto.

Entre muchos otros galardo nes, la película fue nominada a 6 Premios Oscar, ganando en Mejor fotografía (Gui llermo Navarro), Mejor dirección artística (Eugenio Caballero y Pilar Revuelta) y Mejor maquillaje para David Martí y Montse Ribé.

El Laberinto del

EQUIPO EFECTOS ESPECIALES

Pau Loewe Equipo de efectos especiales

César Abades Técnico de efectos especiales

Óscar Abades Técnico de efectos especiales

José Rodríguez Técnico de efectos especiales

Carlos Ortega Técnico de efectos especiales

Joaquín Vergara Técnico de efectos especiales

Ángel Alonso Coordinador de efectos especiales

Andy Lee Espumador

Sergio Sandoval Criaturas

David Martí Supervisor efectos especiales DDT

Montse Ribé Supervisora efectos especiales DDT

Reyes Abades Supervisor de efectos especiales

Arturo Balseiro Maquillaje de efectos especiales

Xavi Bastida Maquillaje de efectos especiales

Nelly Guimaras Maquillaje de efectos especiales

Javier Aliaga Equipo de efectos especiales (DDT SFX)

Raquel Guirro Asistente de efectos especiales (DDT)

Juan Serrano Técnico de efectos especiales (DDT)

Aleix Torrecillas Efectos especiales de maquillaje (DDT)

Daniel Vidal Maquillaje de efectos especiales

Pablo Perona Maquillaje de efectos especiales (DDT SFX)

Fauno

| EFECTOS ESPECIALES

“En el primer guion era un niño con patas de cabra. Pasó a ser adulto, dorado y al final acaba dentro de un pozo y le sa len raíces de las piernas. Nosotros le hicimos todo como una raíz y Guillermo dijo: ‘Esto es lo que es”, cuenta Martí. Guillermo del Toro estaba en el laberinto y ellos fueron

CARTELERA DE SERIES EN ESTRENO

El clásico de pinocho regresa a nosotros este 2022 en su ver sión live action, ya disponible en Disney+. En ella apreciamos algunas referencias a la película animada original de 1940, una de ellas es la colección de relojes cucú de la casa de Ge ppetto. El carpintero no solo se destaca por sus habilidades para realizar fascinantes creaciones en madera, sino por ser un ávido coleccionista de este tipo de relojes, en los cuales también podemos apreciar icónicos personajes de Disney. Se recrearon varios relojes de cuco, incluido un pequeño bar (donde un hombre sale, toma un trago de una botella y vuelve a entrar), y una madre golpeando a un niño con el fondo desnudo en la campanada, pero en el live action del

director Robert Zemeckis ella está al lado de un policía, que la bloquea con su bastón.

El vaquero Woody de la franquicia “Toy Story”, el Pato Do nald, el babuino Rafiki y el cachorro de león Simba de “El Rey León” (1994), la bruja Maléfica y la princesa Aurora de “La Bella Durmiente” (1959), el elefante Dumbo, la princesa Blan canieves, la Reina Malvada y los enanitos de “Blancanieves y los Siete Enanitos” (1937), Aladino, Jessica y Roger Rabbit de la película “quién incriminó a Roger Rabbit” , estos son algunos de los muñecos que podemos apreciar en algunos de los relojes cucú de Geppetto.

LAS PELÍCULAS QUE NOS ENSEÑAN

JORGE ESLAVA

En esta ocasión conversamos con el escritor y educador Jorge Eslava sobre el cine como medio de educación tanto para escolares como para universitarios, apropósito de su nuevo libro MiradordeIlusiones.

Además de Mirador de Ilusiones, has escrito obras similares que también muestran una preocupación por el tema educativo. ¿Cómo se vinculan con tu más reciente libro?

Mirador de ilusiones es, ciertamente, un frag mento de un proyecto mayor que está orienta do al deseo de capacitar a nuestros maestros. Estoy convencido de que el docente es el agen te cultural más importante de una sociedad. Sería ideal dejar a nuestros hijos en manos de un buen docente; culto, sensible y compasivo. Así como me ha interesado la lectura en la es cuela, ahora estoy realizando un trabajo en el que trato de abordar otras facetas, desde las artes tradicionales hasta el cómic o el cine. Es en Mirador de ilusiones donde el cine ocupa un lugar central.

¿Por qué el cine sería tan im portante para la educación?

Es una necesidad que nace de comprobar que el cine y la música son los productos que más consumen nuestros jóvenes. Los chicos están sometidos a un bombardeo de información, de propuestas; sin embargo, no tenemos un sistema educativo que acoja esos intereses, que abra las puertas de la escuela para que ingresen y esa ausencia debería ser un motivo de reflexión. Está muy bien ver cine, pero sería mejor que se acostumbraran a ver buen cine. A la larga apreciar el cine supone un entre namiento, un acto de ejercitar la sensibilidad y la reflexión crítica, que es lo que educa. No son dones naturales y la escuela es el ámbito ideal para el aprendizaje de niños y adolescentes.

En una de las últimas ediciones presenciales de la Semana del Cine me encontré con un alumno quien, tras ver El libro de imágenes (Le

Livre d’image, 2018) de Jean-Luc Godard, me dijo: “siento que la película me ha pateado la cabeza”. Muchos jóvenes están acostumbra dos a un cine popular, pero de pronto puede aparecer la necesidad de encontrar herra mientas para entender otro tipo de cine.

No se trata de estar en contra o no de mani festaciones populares, porque después de todo el cine es un producto comercial. Lo que sí puede ser reprochable es que sea primor dialmente comercial. Un cine elaborado para un consumo rápido y elemental. Siempre hago la analogía entre la comida chatarra y la nutritiva. Si somos razonables y respon sables con nuestro cuerpo vamos a optar de una manera saludable.

Vuelvo a la idea de la escuela como el lugar donde se recibe una brújula para emprender la aventura del pensamiento. Ese chico que te dice “me han patea do la cabeza” es porque sale aturdido del cine, confundido, pero si ve la película un par de veces y conversa con amigos, empieza a esclarecer esos conceptos que están en la nebulosa. Hay una suerte de convocatoria en el arte donde uno, dentro de lo enigmático, se siente atraído y no entiende por qué. Entonces un amigo o maestro le da una guía para descubrir sentidos tal vez ocultos en las películas.

Tuve una experiencia reveladora en 1970. Lo recuerdo claramente, era el año que termina ba la secundaria. En Magdalena, donde vivía, había un cine muy modesto, el Gardelito le decíamos, cuyo dueño era hijo de italianos y siempre ofrecía una cartelera de películas europeas. Vi una película de Claude Sautet titulada Las cosas de la vida (Les choses de la

vie, 1970). Me produjo una verdadera con moción. Un remezón de tener que des cifrar una película con un planteamiento técnico que yo no había visto antes. Con planos picados, escenas interrumpidas y dilatados silencios. En aquel momento terminé desconcertado. Me dije: “¿qué me están contando?” Pero de a pocos fui armando ese rompecabezas y empecé a descubrir un placer; esa palabra me parece clave en cualquier arte: descu brir. De eso se trata también la tarea del docente, de conducir y orientar al estudiante hacia el descubrimiento. Esa es una zona de placer profun do: el regocijo que recibimos como espectadores, cuando uno consigue desenmarañar la propuesta y armar las piezas que habían sido alteradas deliberadamente y con un propósito de eficacia en el efecto, de recepción del producto estético.

Algo más...

Jorge Eslava nació el 26 de diciembre de 1953 en Lima. Publicó varios poemario premiados en diferentes concursos. Como autor actualmente ha publicado más de 100 libros entre antologías, cuentos, poemas e investigaciones.

Su labor de investigación y reflexión se ancarga de valorar el trabajo docente a travez de sus obras.

“A la larga apreciar el cine supone un entrenamiento, un acto de ejercitar la sensibilidad y la reflexión crítica, que es lo que educa.”

Jorge Eslava

ENTRE PLATAFORMAS Y REDES

Dicto un curso de lenguaje audiovisual, en el que normalmente muestro películas, y las discuto en clase. No solo los aspectos técnicos, sino también lo que nos tratan de comunicar. El espacio educativo te permite ir más allá, compartir las películas con los estudiantes, y no “desampararlos” en la comprensión de ellas. ¿Cuál crees que es la importancia de estas conversaciones sobre el cine en la educación?

Esas conversaciones a las que convocas a los alumnos me parecen la forma apropiada de enseñar y apreciar el cine. Es lo que se practi caba en los cineclubes. En realidad, te coloca frente a un múltiple sistema de vínculos con el arte. Desde la “fábula”, el qué te cuentan y qué te muestran, hasta el cómo te lo cuen tan. A veces conviene detenerse en planos, secuencias, recursos de cámara, porque es el “cómo” está contada la película. Son los recursos que permiten la eficacia narrativa.

Es curioso, pero una de las primeras pregun tas que planteaba en clases era: “¿Quiénes van al gimnasio?” El que va al gimnasio sabe lo que cuesta entrenarse; al comienzo no le gus ta, le da flojera y le duelen los músculos, pero luego le encanta e incrementa su rutina. Algo similar ocurre con el arte, que es una forma de disciplina intelectual. Uno va probando nuevos ejercicios, fortaleciendo y tonificando la mirada. Conversar con los alumnos sorprende y alecciona, especial mente cuando hay docilidad, en el sentido pedagógico de San Agustín: aquel estado en el que hay disposición para aprender.

Un caso inte resante para considerar es el de las

redes sociales. Los jóvenes en Instagram o TikTok no solo procesan lo audiovisual frente una pantalla. A la vez realizan productos audio visuales, sin necesidad de haber pasado por una institución educativa que les enseñe a hacerlo.

Es una proyección, como la sombra de los chicos. A mí me ha costado sangre, sudor y lágrimas aprender este len guaje del universo tecnoló gico para las clases virtuales. No uso celular ni participo de las redes. Pero una de las lecciones que la pandemia me ha dado es perderle miedo a la tecnología. Me ha sorprendido. En el curso de Storyte lling, por ejemplo, en el que los alumnos crean una historia y luego tienen que convertirla a una plataforma virtual, consiguen hacer unos trabajos en video que me parecen increíbles. Que un estudiante de dieciocho o diecinueve años, incluso en mi curso de literatura, creen un audiolibro con imágenes y música en pocos días… es impresionante. Lo que corresponde a los docentes es capitalizar esas cualidades.

Un ejemplo sencillo podría ser: cuando prepa ran un audiolibro y utilizan imágenes indiscri minadamente, pues orientarlos a buscar una unidad estética. Proponerles el uso de ilustra ciones o fotos, a color o en blanco y negro. Con esa indicación basta y ellos se organizan para buscar la concordancia conveniente. Ese toque pedagógico le corresponde al maestro. Y nada mejor que el diálogo para propiciar cultura. En Mirador de ilusiones el hilo conductor es la mayéutica: está escrito como si diera una clase, con anécdotas y ejemplos. Y cierro cada capítulo con entrevistas a especialistas, bien a críticos o realizadores, que termina por orga nizar todos los temas planteados.

REVELANDO LA CULTURA DE PAZ

¿Cómo has apreciado las vinculaciones que se pue den hacer entre el cine y la cultura de paz en un entorno educativo?

Mirador de ilusiones es un libro voluminoso y está orga nizado en secciones. Se abre con una “toma” que presenta un planteamiento teórico y sociológico, contextualizan do el momento y planteando algunas categorías del cine. Es seguido por una entrevista y concluye cada capítulo con una amplia muestra de películas. Así abordo, por ejemplo, el tema de la paz y ofrezco una se lección de veinticinco películas al respecto. No es el maestro quien va a explicar el concepto, sino que se transparenta a través de una serie de películas, sobre todo en la encrucijada que forja diálogo con los estudiantes.

Al final del libro hay una sección que abre temas diversos de la actualidad y está atravesado por la búsqueda de paz. Aquí propongo cincuenta pelícu las de impronta formativa, como la violencia o las drogas. Ninguna plantea un pro selitismo a la bar barie, sino todo lo contrario. Yo creo que el arte te pone el mundo al frente para que lo obser

ves en sus detalles y formules mil interrogan tes. Una película como Trainspotting (1996), por ejemplo, deja a los jóvenes impactados. No es un largometraje que dé una lección explí cita, lo que muestra es un drama terrible, con esos jóvenes desquiciados, que van a la deriva y que solamente sacian sus vidas con drogas. No hay forma de no terminar horrorizado.

En este momento estamos al borde de una Tercera Guerra Mundial. Uno ve una película como La lista de Schindler (Schindler’s List, 1993) o El niño con el pijama de rayas (The boy in the stripped pijamas, 2008) y queda espeluznado ante el holocausto. En el Perú, por ejemplo, hemos tenido una producción interesante sobre el periodo de la violencia política. Una película como La boca del lobo (1988), advierte y plantea una reflexión como ciudadano. Nos revela cuán lejos hemos vivido de las grietas históricas del país. Más que una película que conmueva o agite nuestros sentimientos, nos interpela a optar de manera racional. Cintas como ésta hasta las últimas películas que hemos visto sobre la violencia política terminen siendo más contundentes y profundas que la clase brillante de un profesor.

“No uso celular ni participo de las redes. Pero una de las lecciones que la pandemia me ha dado es perderle miedo a la tecnología.”

Trainsportting (1996)

FORMANDO EL AMOR POR EL CINE

El cine también presenta una variedad de constructos ideológicos. Las películas tienen miradas del mundo que pueden ser contradic torias y antagónicas. Toda esta complejidad ante la que nos coloca el cine es justamente la posibilidad de abrir debate, y, de forma directa, mostrar lo terrible del mundo. Creo que el cine, ante todo, tiene una gran fortaleza, que es retratar la fragilidad humana.

Es que el cine es una inmersión dentro de la piel. Y agregaría: una incursión en la conciencia. Hay una dimensión que ni los psicoanalistas han podido descifrar, donde burbujea el gusto, la sensibilidad y el juicio crítico. Ahí es donde se instala el poder del arte y lo paradójico es que mientras nos muestra la fragilidad humana, a la vez nos exhibe su grandeza y compleji dad. Yo creo que esa es una facultad del arte, preservar cierta conciencia ética. La poe sía, la narrativa o el teatro ingresan a un órgano desconocido de nuestro cuerpo y nos deja una conmoción. Igual con el cine. Cuántas veces sale uno remecido de una película y, no obstan te, quieres volverla a ver e incluso compartirla. Es la necesidad que tengo como maestro, por ejemplo, de compartir muchas películas con mis alumnos.

Esta atmósfera de complicidad es lo que uno vivía en los cineclubes. Eran salas muy peque ñas auspiciadas por sindicatos y universidades,

y ese apoyo garantizaba cierta línea en la se lección de las películas. Al ingresar te entre gaban una hoja impresa con la ficha técnica de la película y luego había un presentador del filme, un apasionado como Juan Bullita, que te hablaba de la película con tal exaltación que la gente empezaba a aplaudir… a veces para que detuviera su discurso e iniciara la proyección. Las películas se veían con gran expectativa y terminada la función quedaba una veintena de personas para comen tarla. A veces se armaban verdaderas broncas.

Durante los años setenta habían alrededor de siete u ocho cineclubes que funcionaban simultánea mente en Lima y crea ron una consciencia de cultura, de gusto por arte cinematográfico. Surgie ron grupos, revistas, era como formar parte de un posgrado de cine.

¿Tú sientes que todavía persiste en el mundo es colar una visión del cine como arte menor?

Creo que el cine es sub estimado por el sistema educativo porque no es comprendido por las autoridades. Yo he dictado cursos en los últimos años a maestros, y siempre hago encuestas que apuntan a saber qué leen, qué películas ven o quiénes son sus cineastas preferidos. Muchos no contestan. Con actores y actrices mencionan uno o dos nombres populares. Su concepción de cine responde a una tendencia francamente comer cial. Para ellos, en general, el cine no supera los límites del pasatiempo. Y, por lo tanto, proyectar una película en la escuela significa una pérdida de tiempo. Difícilmente se atreven a pasar una película porque van a ser vistos con

recelo por las autoridades. Es la idea de que el profesor está ahorrándose unas horas de clases. No conciben que una película puede ser motivo de reflexión y a veces con un efecto más eficaz que una clase.

En la escuela pública simplemente no se atiende al cine y si alguna vez los estudiantes asisten a una película lo hacen como un acto festivo. Lo mismo que ir al parque de diversiones o hacer una parada en el mall. Es solo un rato de diversión y esparcimiento. Así que el cine sigue siendo visto como un arte menor y no hay la idea siquiera de que algunos directores de cine son grandes intelectuales y artistas.

Además, es curiosa esa visión porque el cine es una suma de varias artes.

Por eso le llaman el séptimo arte. Es la confluencia de varias disciplinas: la danza, la arquitectura, el teatro, la música, la pintura. Y, modestamen te, esa es la intención o la misión del Mirador de ilusiones. Por un lado, que el profesor conozca el valor artístico de una película, las múltiples aristas estéticas y sociales que tiene un filme, lo extraordinario que tiene a nivel de texto, imagen y sonido. Por otro lado, una vez reconocidos los valores artísticos, utilizarlos como una he rramienta pedagógica para acercarse mejor al universo psicológico de un niño o adulto, y también compren der mejor los comportamientos de una sociedad. Hemos mencionado las guerras, hemos hablado de la violencia política y de las drogas. En todos estos campos los caminos que nos ofrece el arte, como resultado de una mirada vigilante y contestataria, es el camino que nos conduce al entendimiento y la paz, tal vez a la virtud.

LA SÉPTIMA VÍCTIMA (THE SEVENTH VICTIM, MARK ROBSON, 1943)

Un grupo de brujos y adoradores del demonio en el Greenwich Village. Eso es lo que descubre la protagonista de esta película, cuyo tono y carácter de ambigüe dades sexuales desconcertaron en su momento, pero que hoy es considerada una de las mejores cintas producidas por Val Lewton. Aterradora y desconcertante, estamos ante uno de los grandes clásicos del cine de terror.

EL PROYECTO DE LA BRUJA DE BLAIR (THE BLAIR WITCH PROJECT, DANIEL MYRICK Y EDUARDO SÁNCHEZ, 1999)

Otro clásico que volvió el found footage un recurso popular dentro del mainstream. Un grupo de jóvenes van a un bosque a buscar a una bruja, solo para ir viviendo una serie de situaciones aterradoras. El desconcierto y el miedo son palpables en esta película que, con recursos muy escasos, y con un inteligente uso del fuera de campo, llega a sacudirnos en medio de sus largas secuencias de aparente registro documental.

JÓVENES BRUJAS (THE FLEMING, 1996)

Esta película junta el cine de terror con la da lugar a un resultado disparejo pero atractivo. res cruzados y distintas formas de bullying de amor, embrujos para hacer daño y venganzas

CUANDO LAS BRUJAS ARDEN (WITCHFINDER GENERAL, MICHAEL REEVES, 1968)

Vincent Price da una notable actuación en esta película sobre un cazador brujas que va de pueblo en pueblo torturando y matando personas. muestra personajes perversos, siempre al límite, conduciendo su vida pulsiones e instintos.

LAS BRUJAS (THE WITCHES, NICOLAS 1990)

La adaptación de la novela de Roald Dahl tiene una serie de elementos inolvidable: Anjelica Huston en el rol de la bruja más malvada posible, maquillaje extraordinario, el talento de Jim Henson al momento un humor inglés siempre presente, y (quizá lo más importante) singular perversidad, como la historia de la niña embrujada que un cuadro que ven sus propios padres.

SUSPIRIA (DARIO

Una joven llega a un internado de brujas. Esta es la excusa climas basados en colores tante estilización. Un regocijo el director italiano en su

CRAFT, ANDREW

película de adolescentes, lo que atractivo. Traumas juveniles, amo bullying se mezclan con las pociones venganzas sobrenaturales.

(WITCHFINDER

cazador de La cinta nos vida en base a sus

NICOLAS

ROEG,

(DARIO ARGENTO, 1977)

internado de danza que es manejado por una serie excusa argumental que usa Dario Argento para crear colores saturados, música potente y formas de inquie regocijo para los ojos y los sentidos es lo que ofrece su mejor filme.

ARRÁSTRAME AL INFIERNO (DRAG ME TO HELL, SAM RAIMI, 2009)

Una joven que no ayuda a una mujer con un problema bancario de pronto es embrujada por esta, y ahí comienzan una serie de encuentros terroríficos, divertidos y exagerados con fuerzas demoniacas, de una forma no tan distante del slapstick gore apreciado en su famosa saga de The Evil Dead.

EL BEBÉ DE ROSEMARY (ROSEMARY’S BABY, ROMAN POLANSKI, 1968)

¿Qué más se puede decir de esta película de Roman Polanski? Pues que sigue inquietando, con esos vecinos tan (perturbadoramente) amables que rodean al personaje de Mia Farrow. Detrás de estos personajes, se esconde un mundo de brujería y adoración del diablo. La capacidad de la película para enrarecer lo cotidiano y para volver perverso lo amable es única.

LA BRUJA DEL AMOR (THE LOVE WITCH, ANNA BILLER, 2016)

Con estilo camp, esta cinta sobre una bruja que hace, a través de distintos artilugios, que los hombres se enamoren de ella, tiene una propuesta sexy que combina la comedia, el terror y un uso fascinantes del tecnicolor.

LA BRUJA (THE VVITCH: A NEW ENGLAND FOLKTALE, ROBERT EGGERS, 2015)

Robert Eggers crea en esta película climas inquietantes basados en el silencio, en la fotografía contrastada (que le debe mucho a la pintura de Rembrandt pero también al cine de Carl T. Dreyer), y en aquello que no se ve y no se dice, pero que se siente. Una familia puritana sobre la que cae una extraña maldición comienza a caer en una trágica espiral conducida por la misteriosa presencia de la cabra llamada Black Phillip. Uno de los clásicos modernos del cine de terror.

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA

Premios Oscar 2022: Lista de ganadores

Los 94° premios de la Academia se celebraron el domingo por la noche en el Dolby Theatre de Hollywood.

‘CODA’ dio la sorpresa en los Oscars 2022 y terminó lleván dose el máximo galardón a la mejor película. Consulta el lis tado completo de ganadores.

Con ‘El poder del perro’ de Jane Campion a la cabeza con doce nominaciones (casi colándose entre las películas con más nominaciones en la historia de los Oscars) y estrellas como Will Smith (‘El método Williams’) y Jessica Chastain

MEJOR PELÍCULA

‘CODA’ (GANADOR)

‘Belfast’

‘No mires arriba’

‘Drive My Car’

‘Dune’

‘El método Williams’

‘Licorice Pizza’

‘El poder del perro’

‘West Side Story’

MEJOR DIRECCIÓN

JANE CAMPION POR RO’ (GANA DOR)

Kenneth Branagh por ‘Belfast’

Ryûsuke Hamaguchi por ‘Drive My Car’

Paul Thomas Anderson por ‘Licorice Pizza’

(‘Los ojos de Tammy Faye’) brillando en las categorías inter pretativas, la noche de los Oscar, que será recordada eter namente por el puñetazo que Will Smith le propinó a Chris Rock, ha coronado como gran triunfadora a ‘CODA’ (aquí te contamos dónde puedes verla), que durante las últimas se manas ha ido ganando fuerza como favorita y finalmente se ha llevado tres premios.

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA

JESSICA CHASTAIN POR ‘LOS OJOS DE TAMMY FAYE’ (GANA DOR)

Olivia Colman por ‘La hija oscura’

Penélope Cruz por ‘Madres paralelas’

WILL SMITH POR

‘EL

MÉTODO WI LLIAMS’ (GANADOR)

Javier Bardem por ‘Being the Ricardos’

Benedict Cumberbatch por ‘El poder del perro’

Andrew Garfield por ‘Tick, Tick, Boom’

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

ARIANA DEBOSE POR ‘WEST SIDE STORY’ (GANADOR)

Jesse Buckley por ‘La hija oscura’

Kirsten Dunst por ‘El poder del perro’

Judi Dench por ‘Belfast’

MEJOR ACTOR DE REPARTO

TROY KOTSUR POR ‘CODA’ (GANA DOR)

Ciaran Hinds por ‘Belfast’

Jesse Plemons por ‘El poder del perro’

Kodi Smit-McPhee por ‘El poder del perro’

MEJOR PELÍCULA INTERNA CIONAL

‘DRIVE MY CAR’ (JAPÓN) (GANA DOR)

‘FLEE’ (DINAmarca)

‘Fue la mano de Dios’ (Italia)

‘Lunana: A Yak in the Classroom’ (Bután)

‘La peor persona del mundo’ (Noruega)

Premios Emmy 2022

La edición 74 de los Premios Emmy, los más importantes de la televisión, se celebró este lunes en el Microsoft Theatre de Los Ángeles. “Ted Lasso” y “Succession” fueron las grandes ganadoras de la noche. En esta ceremonia se premia a las me jores series tanto en formato regular como en streaming, así como a sus creadores y talento.

Zendaya es la primera mujer negra en ganar dos veces el premio a mejor actriz en una serie dramática, y es la doble ganadora más joven en la historia de los Emmy en todas las categorías.

La estrella de “Squid Game”, Lee Jung-jae, tuvo una victoria histórica el lunes. Es el primer actor surcoreano en ganar un Emmy como actor principal en un drama. La serie distópi ca, en la que los concursantes que necesitan dinero juegan juegos infantiles mortales para ganar premios en efectivo, se convirtió en un fenómeno de la cultura pop cuando debutó en septiembre pasado. Es la primera serie en idioma no inglés nominada a la serie dramática destacada Emmy.

Como en años anteriores, HBO y Netflix ocupaban la atención de la mayor parte de las nomina ciones con 140 y 105 cada una. Este año, también, Apple TV + con algunas sorpresas entre los títulos elegidos: Ted Lasso y Se paración contaban con un nutrido número de candidaturas.

Al final, los Emmy 2022 se han de cantado por Succession y The White Lotus, ambas de HBO Max; algo que ha complementado Zendaya repitien do victoria con Euphoria. Ted Lasso, de la firma de Apple, ha mantenido su victo ria continuista respecto a otros años. Y, la gran sorpresa de la noche fue, El juego del Calamar. La primera serie de habla no inglesa que era nominada y que, además, logró llevarse el premio a mejor actor protagonista. La se rie coreana ha marcado un antes y un después en la historia de los pre mios de la televisión.

Esta es la lista completa de ganadores:

MEJOR SERIE DE DRAMA DE LOS EMMY 2022 Succession - Ganadora -Better Call Saul -Euphoria -Ozark Separación -El juego del calamar -Stranger Things -Yellowjackets

MEJOR ACTOR PROTAGO NISTA DE UNA SERIE DE DRAMA

Lee Jung-jae por El juego del calamar - Ganador -Jason Bateman por (Ozark) -Brian Cox por (Succession) -Bob Odenkirk por (Better Call Saul)

-Adam Scott por (Separación) -Jeremy Strong por (Succession)

MEJOR ACTRIZ PROTAGO

NISTA DE UNA SERIE DE DRAMA

Zendaya por EuphoriaGanadora

-Jodie Comer por (Killing Eve)

-Laura Linney por (Ozark)

-Melanie Lynskey por (Yellowjac kets)

-Sandra Oh por (Killing Eve)

-Reese Witherspoon por (The Morning Show)

MEJOR SERIE DE COMEDIA

Ted Lasso - Ganadora

-Barry

-Curb Your Enthusiasm -Hacks

-The Marvelous Mrs. Maisel

-Only Murders In the Building -What We Do In The Shadows

MEJOR ACTOR PROTAGO

NISTA DE UNA SERIE DE CO MEDIA

Jason Sudeikis por Ted Lasso - Ganador

-Steve Martin por (Solo asesina tos en el edificio)

-Martin Short por (Solo asesina tos en el edificio)

-Donald Glover por (Atlanta) -Bill Hader por (Barry) -Nicholas Hoult por (The Great)

MEJOR ACTRIZ PROTAGO

NISTA DE UNA SERIE DE CO MEDIA

Jean Smart por Hacks - Ga nadora

-Rachel Brosnahan por (The Mar velous Mrs. Maisel)

-Quinta Brunson por (Abbott Ele mentary)

-Kaley Cuoco (The Flight Atten dant)

ESPECIAL | Errores en películas

Errores en Peliculas.

A lo largo de la historia del cine contemporáneo o moderno como del cine clásico tuvieron siempre sus Errores ya sea en su producción o postproducción haciendo que este a su vez se vea reflejado en la toma final de la grabación de la cinta pasando por desapercibido hasta su estreno causando en ciertos casos revuelos o simplemente estando como un hecho curioso y hasta cierto punto gracioso para el espectador. Por lo que aquí te contamos de los que en su entonces se volvieron virales de maneral general y estos a su vez siendo detectados por el espectador o medios audiovisuales externos.

Gladiador – (2000)

¿Saben lo que es un Oopar? Es un objeto que se encuentra fuera de sus coordenadas temporales, un “Out Of Place Artefact”. En el cine también se cuelan a veces objetos que no corresponden a su época, aunque en este caso es mucho más fácil encontrar la solución al por qué ha sucedido algo así.

Pulp Fiction – (1994)

Una de las escenas más famosas de la gran película de Quentin Tarantino es cuando un joven sale del baño y las balas vuelan hacia Vicent y Jules. Sin embargo, podemos observar cómo antes de que se abra la puerta del baño, ya hay dos agujeros de bala en la pared de enfrente.

Errores en películas

Troya – (2004)

Uno de los gazapos más famosos del cine se encuentra en la famosa película Troya. Probablemente hayas oído hablar del avión que se cuela en el primer plano de Brad Pitt en su papel de Aquiles.

CRÍTICA | Beeteljuice

SAMMY DAVIS JR. En un principio, Tim Burton quería a Sammy Davis Jr. para el papel de Betelgeuse. Fue el produc tor David Geffen quien sugirió a Michael Keaton para papel que fue definitivo.

El presupuesto de efectos especiales para Beetlejuice era de solo un millón de dólares. Por eso, Tim Burton le dio los efectos de una película de serie B para ahorrar dinero.

Bitelchús: 30 cosas que (quizá) no sabías del genial filme de Tim Burton y Michael Keaton

En marzo de 1988 se estrenó en cines esta película que con sagró todavía más al particular director y que, gracias a su delirante humor negro, recaudó hasta 73 millones de dólares solo en Estados Unidos. Winona Ryder, Alec Baldwin, Geena Davis, Catherine O'Hara y Jeffrey Jones completan el reparto de una cinta con 30 curiosidades que no te querrás perder. CAMBIO DE NOMBRE Al estudio no le gustaba Beetlejuice y quiso llamar a la película House Ghosts.

SEGUNDA OPCIÓN Catherine O'Hara no era la primera opción para encarnar a Delia Deetz. El papel estaba desti nado a ser interpretado por Anjelica Huston, pero tuvo que declinar la oferta por problemas de salud.

NOS OBSERVAN... Cuando Adam y Barbara llegan a la ofici na de Juno, se ve una sala de cine llena de fantasmas a través de la ventana de su oficina. Esto creaba la ilusión de que los espectadores de la película eran a su vez observados por los fantasmas.

Bitelchús iba a ser un monstruo pero no tenía forma exacta definida. Se fue inventando sobre la marcha y gracias al propio Michael Keaton y los ingeniosos cambios de vestuario y maquillaje, se formó al personaje.

Para muchos lo de Bitelchús o Beetlejuice ya suena raro. Pero es que la primera idea del estudio fue llamar al proyecto House Ghosts (Casa de fantasmas). A Burton no le gusta ba ese nombre y propuso Scared Sheetless (algo parecido a 'Asustados sin sábanas'). Se dio vueltas al asunto y se eligió Beetlejuice que era un juego de palabras (entre Beetle, esca rabajo y Juice, zumo o jugo) que provenía de la constelación de Orión y su estrella Betelgeuse.

En España, como siempre, se traducía por entonces casi todo y de Beetlejuice se pasó a un incomprensible y raro título de Bitelchús cuya procedencia casi nadie comprendía. Por supuesto, con un subtítulo en el cartel aún más ridículo: "El Fantasma que a todos pasma".

CURIOSIDADES | Breaking Bad

Breaking bad CURIOSIDADES

Breaking Bad es una serie de TV que se estrenó el 20 de enero del año 2008, y desde el primer episodio, fue bien recibida por el públi co, que se enganchaba más y más cada episodio nuevo debido a su historia tan única.

En resumen, la serie nos adentra en la vida de Walter White, un profesor de química que es diagnosticado con cáncer de pulmón, quien además tiene problemas monetarios, por lo que decide tanto pagar su tratamiento como proveer económicamente a su familia al cocinar y vender una droga como las metanfetaminas.

Esta es una de las series mejor puntuadas por los usuarios y los críticos en diferentes plataformas que se dedican a ello, pero, aunque se haya visto la misma, siempre es bueno conocer más allá con las siguientes curiosidades de Breaking Bad más destacadas

No querían a Bryan Cranston

Es realmente difícil imaginar a otra persona que no sea Bryan Cranston como Walter White, y lo curioso es que AMC no lo quería para el papel, pero el creador de la serie, Vince Gilligan se impuso, y dijo que tendría que ser él o no podría ser nadie más.

Simbolismo del color en la serie

El simbolismo del color estuvo presente en todo Breaking Bad. Al principio, Walt solía usar ropa más ligera, como blancos y amarillos. Pero hacia el final, su atuendo consistía en él vestido de negro y azul que refleja el monstruo en el que se había convertido.

Sin embargo, esto es solamente un ejemplo, ya que a lo largo de la serie se ve como se hace uso del color para crear otros simbolismos, solo hay que ser más observa dor. Esto nos da una idea de lo bien que estaba pensada la serie en cada pequeño detalle. Un químico real en la serie Marius Stan fue el químico al que se le consultaba para cuestiones de química avanzada en la serie, quien también era profesor habitual, aunque lo interesante es que también era el dueño del lavadero de coches.

Aaron Paul quedó inconsciente Durante la escena de la pelea con Jessie Pinkman y Tuco Salamanca, Aaron Paul quedó inconsciente y sufrió una conmoción cerebral de bido a un golpe real, pero accidental, por lo que necesitó tratamiento médico.

Dean Norris quiso salir de Breaking Bad

Dean Norris, es decir, el querido Hank, se le ofreció un papel en una comedia de situación durante la quinta temporada de Breaking Bad, un papel diferente al resto que había hecho que quería interpretar.

Desmentidos por Mythbusters

En la temporada 1 de Breaking Bad, episodio 3, vemos que el ácido clorhídrico atraviesa la bañera y luego el techo. Esto causó un gran lío en la casa de Pinkman, y deja a Walter y Jessie en un gran problema.

Pero en realidad, Mythbusters, Los cazadores de mitos, pu dieron demostrar que ninguna cantidad de ácido clorhídrico podría haberse comido la bañera, y mucho menos el techo, por lo que es mentira.

Walter White como inspiración para RR Martin

Después de ver el episodio de Breaking Bad, Ozymandias, el autor de Game of Thrones, George RR Martin dijo que en ese episodio le pareció que Walter White fue todo un monstro, tomándolo como inspiración para repensar a algunos de sus personajes.

Preparándose

para ser Jessie Pinkman

Aaron Paul estuvo tan comprometido con el personaje que pasó horas y horas con adictos y ex-adictos cuando investiga ba para el papel de Jessie Pinkman, por ello no es de extrañar que haya interpretado tan bien su papel.

Saul Goodman significa en español…

El abogado favorito de Breaking Bad, Saul Goodman, lleva el nombre de la frase traducida al español que signifi ca, todo bien hombre, un tema que se profundiza en la precuela de la serie llamada Better Call Saul.

El azul se hizo popular en las drogas Debido a la popularidad de Breaking Bad, y dado al hecho de que el pro ducto de los protagonistas era azul, algunos traficantes de drogas comen zaron a agregar azul a sus productos para su comercialización.

Tienda de caramelos asociada a Brea king Bad

Si eres un fanático de verdad de Brea king Bad y por casualidad vas a visitar Albuquerque, asegúrate de visitar The Candy Lady, una tienda boutique de dulces en Albuquerque.

La muerte de Jane fue difícil de filmar Como era de esperar, la muerte de Jane fue la más difícil de filmar para Aaron Paul. La escena tam bién fue dura para Bryan Cranston, quien, según los informes, pasó 15 minutos llorando después de que se completó la filmación.

El equipo de The Walking Dead tuvo presencia Vince Gilligan reclutó al equipo de efectos proté sicos detrás de The Walking Dead para la escena de la muerte de Gustavo, la cual es una de las más icónicas de todo Breaking Bad, por ser tan cruda, aunque está bien lograda.

Solo 62 episodios por una buena razón Breaking Bad terminó siendo de solo 62 epi sodios por una razón que es totalmente valida, pues en la tabla periódica, el elemento número

62 es el samario, que es esencial para ayudar a tratar el cáncer de pulmón.

Georgina Campbell, la actriz que pro tagoniza esta película, en ese sentido explicó que una vez que tuvo acceso al guión, simplemente no pudo parar. “Lo leí y me atrapó por completo de principio a fin. Realmente, hay tantos giros y vueltas que, mientras lo lees, estás tan comprometida y sigues queriendo saber adónde va, adónde va, ¿adónde va?”, dijo.

Sin entrar en detalles, los lugares a los que va esta película son comple tamente inesperados respecto a lo que plantean los minutos iniciales de Barbarian. “[Al l eerlo] No tenía idea de lo que estaba pasando. Estaba tan intrigado. El guión era diferente a todo lo que había leído. Comienza como una comedia romántica bien escrita, lo cual es realmente difícil de hacer. El diálogo era muy fluido y natural. Luego suceden cosas que rompen tantas reglas”, remarcó Justin Long, quien interpreta a un personaje importante de la película.

El reparto de Barbarian está encabe zado por los actores Georgina Camp bell (Sospechosos, Todos me odian, A ciegas, Wildcat) y Bill Skarsgård (The Nosferatu, John Wick 4, Clark, El diablo a todas horas).

Completan el elenco Justin Long (House of Darkness, Spin the Bottle), Jaymes Butler (Snowden, Spides), Trevor Van Uden (La memoria de un asesino, April 29, 1992), J.R. Esposito (Infierno de cristal, La memoria de un asesino), Sophie Sörensen (Migra ine), Kalina Stancheva (Forecast) y Matthew Patrick Davis, quien debuta con esta película.

La trama de 'Bar barian' es una pe sadilla con la que cualquiera podría familiarizarse. Tess (Georgina Camp bell) viaja a Detroit para una entrevista de trabajo. Cuando llega a su Airbnb, se encuentra con Keith (Bill Skarsgård), que está viviendo ahí tras haber reservado el apartamento a través de otra web de alquileres.

¿Te quedarías igualmente a pasar la noche? Ese es el dilema que Tess tiene que resolver, pero al no tener más opciones y con la entrevis ta a primera hora de la mañana, decide hacerlo. Keith parece ser un absoluto caballero, ofreciéndole la habitación a ella y diciendo que él dormirá en el sofá.

El trío de interpretaciones es excelente a partes igua les, Georgina Campbell nos sirve de guía a través de la oscuridad. Tess puede tomar ciertas decisiones "típicas" de las películas de este género, pero lo hace de forma justificada y, lo más crucial, quieres que sobreviva ante cualquier horror que se le ponga delante.

La acompañan principalmente Bill Skarsgård, que roza la línea entre lo siniestro y lo entrañable exitosa mente; Justin Long, que representa brillantemente a un tipo detestable; y un par de interpretaciones sorprendentes más, que no pueden explicarse sin entrar en spoilers.

La razón que reafirma lo buena que es ‘Barbarian’ llega en el último acto. Después de que sus horrores hayan sido desvelados y haya puesto los nervios a flor de piel durante 90 minutos. Zach Cregger finaliza su película con una sorprendente y punzante nota. Esto, sumado a todo lo demás, modifica tus expectativas de lo que “el final” de una historia de terror debería ser y lo hace de manera perfecta.

Tal vez no hayas oído hablar de ‘Barbarian’ antes del anuncio de su estreno pero, a final de año, será de lo único que podrás hablar. Se trata de la mejor película de terror del año.

Cregger va juntando los fragmentos de la histo ria gradualmente, construyendo cada aspecto y consiguiendo enganchar al público a cada paso. Cada elemento no solo da más luz a la historia, también la cambia y la diferencia de lo que podrías creer estar viendo desde el principio, manteniéndote constantemente alerta.

No es solamente la brillantez de la narrativa lo que hace de 'Barbarian' una espectacular película de terror. Tam bién posee instantes genuinamente tensos, a menudo acompañados de unas imágenes impactantes que será difícil olvidar. (Para que no entendamos: no volverás a ver un biberón de la misma forma. Nunca más.)

Octubre| CARTELERA

LA CASA DEL CARACOL EL CORAZÓN DE LA LUNA

HALLOWEN: LA NOCHE FINAL LILO LILO COCODRILO FILMS+ | 59