To those who strive for new horizons
Architectures impossibles, présentée au Musée des Beaux Arts de Nancy jusqu’au 19 mars, explore les multples voies empruntées par les artstes, de la Renaissance à aujourd’hui, pour faire “déraisonner” l’architecture. Réunissant plus de 150 œuvres, elle rassemble plus de 80 artstes. De Wim Delvoye, Elmgreen and Dragset ou Bodys Isek Kingelez à Bruno Taut, Wenzel Hablik ou Carel Willink en passant par Piranesi, Boullée, Hubert Robert, ou Gustave Doré, tous ces artstes puisent dans l’imaginaire architectural un puissant potentel d’évocaton propre à surprendre, déstabiliser, questonner ou dénoncer. Orchestrée en cinq chapitres thématques – caprice, démesure, égarement, menace et perte – l’expositon ofre autant de clés de lecture possibles du thème. Certains motfs comme le labyrinthe, la tour, la maison hantée, les escaliers impratcables ou la ruine, servent de fl conducteur à un voyage dans des mondes étranges, fabuleux et inquiétants. En écho à l’expositon, le musée des BeauxArts a invité 3 artstes contemporains, Laurent Gapaillard (1980), avec ses œuvres à la croisée du monde végétal et du monde minéral, Christan Globensky (1964), invité à s’emparer de l’architecture du musée pour le metre sans dessus dessous et altérer nos perceptons visuelles et spatales et Alex Chinneck (1984) qui a crée une installaton urbaine à Nancy défant les lois de la physique et de la pesanteur.
“Architeture impossibili”, presentata al Musée des Beaux Arts di Nancy fno al 19 marzo, esplora i diversi processi intrapresi dagli artst, dal Rinascimento a oggi, per creare degli universi immaginari. Atraverso oltre 150 opere, l’esposizione riunisce più di 80 artst che atngono all’immaginario architetonico un forte potenziale evocatvo capace di sorprendere, destabilizzare, interrogare o denunciare, da Piranesi, Boullée, Hubert Robert o Gustave Doré a Bruno Taut, Wenzel Hablik o Carel Willink fno a Wim Delvoye, Elmgreen and Dragset o Bodys Isek Kingelez. Orchestrata in cinque capitoli tematci – capriccio, eccesso, smarrimento, minaccia e perdita – la mostra ofre altretante possibili chiavi di letura del tema. Cert motvi come il labirinto, la torre, la casa stregata, le scale impratcabili o la rovina, fanno da flo condutore per un viaggio in mondi estranei, favolosi e inquietant, dove la presenza umana è spesso del tuto scomparsa. Facendo eco alla mostra, il Musée des Beaux Arts ha invitato 3 artst contemporanei, Laurent Gapaillard (1980), con le sue opere all’incrocio tra il mondo vegetale e il mondo minerale, Christan Globensky (1964), invitato a interpretare l’architetura del museo per capovolgerlo e alterare le nostre percezioni visive e spaziali e Alex Chinneck (1984) che ha realizzato a Nancy un’installazione urbana sfdando le leggi della fsica e della gravità.
“Impossible Architecture”, running at Musée des Beaux Arts in Nancy untl 19th March, explores the diferent processes adopted by artsts from the Renaissance to the present day to create imaginary worlds. Showcasing over 150 works, the exhibiton brings together more than 80 artsts highly skilled at using architectural imagery to surprise, destabilise, queston and critque. Artsts of the calibre of Piranesi, Boullée, Hubert Robert, Gustave Doré, Bruno Taut, Wenzel Hablik, Carel Willink, Wim Delvoye, Elmgreen, Dragset and Bodys Isek Kingelez. Set out in fve main themes – whim, excess, bewilderment, threat and loss – the exhibiton ofers all kinds of keys to interpretng these themes. Certain motfs, such as the labyrinth, tower, haunted house, unusable staircase or ruin, act as a guiding thread for a journey into foreign, fabulous and disturbing worlds, where humans ofen seem to have vanished altogether. In contnuaton with the exhibiton, Musée des Beaux-Arts invited three contemporary artsts, Laurent Gapaillard (1980), whose works stand at the crossroads between the plant and mineral worlds, Christan Globensky (1964), invited to turn the museum’s architecture upside down and alter our visual-spatal perceptons, and Alex Chinneck (1984), who has created an urban installaton in Nancy that defes the laws of physics and gravity.
Les appareils de la ligne ICONIC de Campa, la marque premium du Groupe Muller, sont conçus comme de véritables objets décoratfs. Leur technologie privilégie l’inerte et le rayonnement des matériaux nobles, tels la pierre de lave brute, le verre trempé et l’acier architecturé, qui émetent une chaleur d’ambiance douce, avec une fnesse de réglage extrêmement précise. Dotés de l’intelligence Muller Intuitv, ils se connectent et se pilotent à distance par la voix ou avec un smartphone.
I radiatori della linea ICONIC di Campa, marchio premium del Gruppo Muller, sono concepit come veri e propri ogget decoratvi. La loro tecnologia privilegia l’inerzia e l’irradiamento di materiali nobili, come la pietra lavica grezza, il vetro temperato e l’acciaio architetonico, che difondono un calore dolce, con una regolazione estremamente precisa. Dotat di intelligenza Muller Intuitv, possono essere collegat e controllat da remoto con la voce o con uno smartphone.
Radiators from Campa’s ICONIC range, a premium brand belonging to the Muller Group, are designed to be decoratve objects. Their technology favours the inerta/radiaton of noble materials, such as rough lava stone, tempered glass and architectural steel, which gently difuse heat under the utmost control. Equipped with Muller Intuitv intelligence, they can be connected and controlled remotely by voice or smartphone.
La tonalité AZENGAR®, le zinc le plus clair, le plus mat, le plus brut de VMZINC® s’enrichit de la nouvelle collecton HOWLITE avec 5 couleurs claires exclusives: Howlite laqué Sable blanc, Howlite laqué Dune, Howlite PIGMENTO® Sable gris, Howlite PIGMENTO® Blanc glacier et Howlite PIGMENTO® Blanc rivière. S’appuiant sur les tendances du marché en quête de couleurs lumineuses et intemporelles, ces nouveaux aspects de surface se conjuguent aisément à d’autres matériaux pour ofrir une enveloppe élégante et unique.
La tonalità AZENGAR®, lo zinco più chiaro, più opaco e più grezzo di VMZINC® si arricchisce della nuova collezione HOWLITE con 5 colori chiari esclusivi: Howlite laccato bianco sabbia, Howlite laccato Dune, Howlite grigio sabbia PIGMENTO®, Howlite PIGMENTO® bianco ghiaccio e Howlite PIGMENTO® Blanc rivière. Cavalcando le tendenze del mercato alla ricerca di colori luminosi e senza tempo, quest nuovi aspet superfciali possono essere facilmente combinat con altri materiali per ofrire un involucro elegante e unico.
AZENGAR®, VMZINC®’s lightest, most opaque and roughest shade of zinc, has been enhanced by an additonal 5 exclusive new light colours in the new HOWLITE collecton: Howlite sand white lacquer, Howlite Dune lacquer, Howlite sand grey PIGMENTO®, Howlite ice white PIGMENTO® and Howlite PIGMENTO® Blanc rivière. In accordance with marker trends favouring bright, tmeless colours, these new-look surfaces can easily be combined with other materials to provide an elegant and unique outside coatng.
Tournaire est la nouvelle collecton en bronze de Meljac, fabricant français d’interrupteurs haut de gamme, issue d’une collaboraton avec la Maison de joaillerie Tournaire. Grâce à ce partenariat, Meljac épouse les techniques d’excepton de la Maison, telles que la modélisaton 3D et la fonte à cire perdue. Cete gamme est proposée en 5 modèles aux motfs iconiques du joailler dont 3 pouvant être serts de pierres précieuses, “Alchimie” habillé de plus de 10 carats de diamants, “Basrelief” de 5 carats de saphirs et “Engrenages” d’1 carat de diamant. Disponibles avec 3 designs de leviers au choix : Ellipse, Seatle ou JMA, ces interrupteurs sont entèrement personnalisables avec des formes complexes, des métaux rares, des pierres précieuses.
Tournaire è la nuova collezione in bronzo di Meljac, produtore francese di interrutori di alta gamma, fruto di una collaborazione con il gioielliere Tournaire. Grazie a questa partnership, Meljac adota le tecniche esclusive della Maison, come la modellazione 3D e la fusione a cera persa. La gamma è proposta in 5 modelli con i motvi iconici del gioielliere, 3 dei quali possono essere incastonat con pietre preziose, “Alchimie”, con più di 10 carat di diamant, “Bas-relief” con 5 carat di zafri e “Engrenages” con 1 carato di diamante. Disponibili con 3 design di leve: Ellipse, Seatle o JMA gli interrutori sono completamente personalizzabili con forme complesse, metalli rari, pietre preziose.
Tournaire is the latest bronze collecton from Meljac, a French manufacturer of high-end switches, resultng from a partnership with Tournaire jewellery company. Thanks to this partnership, Meljac has been able to adopt the company’s exclusive techniques, such as 3D modelling and lost-wax castng. The range comes in 5 models bearing the jeweller’s iconic designs, 3 of which can be set with precious stones, “Alchimie” with more than 10 carats of diamonds, “Bas-relief” with 5 carats of sapphires and “Engrenages” with 1 carat of diamonds. Available with 3 switch designs: Ellipse, Seatle or JMA are fully customisable with complex shapes, rare metals, precious stones.
Parmi les nouveautés présentées par Technal, la façade TENTAL ofre un vaste choix de solutons architecturales combinant design et performances environnementales. Ses grands vitrages peuvent ateindre 12 m2 et une capacité de reprise de poids jusqu’à 820 kg maximisant la sensaton de transparence. Disponible dans diférentes applicatons, de l’aspect à grille à la façade lisse avec soluton VEC, en passant par les trames vertcales et horizontales et dans la gamme de couleurs unique de l’ofre Technal, ce système permet de personnaliser les enveloppes des bâtments garantssant les performances de la façade. Fabriqué en Hydro CIRCAL®, matériaux consttué de 75% d’aluminium postconsommaton recyclé, avec une basse empreinte carbone, ce système contribue à la constructon de bâtments durables.
Tra le novità presentate da Technal, la facciata TENTAL ofre un’ampia scelta di soluzioni architetoniche che coniugano design e prestazioni ambientali. Le ampie vetrate possono raggiungere i 12 m2 e una capacità di ripresa del peso fno a 820 kg, massimizzando la sensazione di trasparenza. Disponibile in diverse applicazioni, dall’aspeto a griglia alla facciata liscia con soluzione VEC, passando per le trame vertcali e orizzontali e nella gamma di colori unica dell’oferta Technal, questo sistema consente di personalizzare gli involucri dell’edifcio garantendo le prestazioni della facciata. Realizzato in Hydro CIRCAL®, un materiale a bassa impronta di carbonio costtuito per il 75% da alluminio riciclato post-consumo, questo sistema contribuisce alla costruzione di edifci sostenibili.
Entreprise spécialisée dans le secteur de la ventlaton et du bien-être intérieur, Alpac a étudié une soluton personnalisée de VMC décentralisée, adaptée à une inserton dissimulée à l’intérieur des modules préfabriqués de Cellia®, la façade interactve révolutonnaire conçue par Progeto CMR en collaboraton avec Focchi Group et Mitsubishi Électrique. Équipées de fltres ant-poussière, les machines VMC conçues pour Cellia® permetent un renouvellement et une purifcaton constants et contnus de l’air intérieur, au proft d’une plus grande salubrité des espaces. De plus, un échangeur de chaleur qui permet de récupérer la chaleur contenue dans l’air sortant et de l’utliser pour chaufer l’air entrant, évite les pertes de chaleur inutles et réduit les coûts liés à l’utlisaton des systèmes de chaufage et de climatsaton.
Azienda specializzata nel setore della ventlazione e del benessere indoor, Alpac ha studiato una soluzione su misura di VMC decentralizzata, adata per l’inserimento a scomparsa all’interno dei moduli prefabbricat di Cellia®, la rivoluzionaria facciata interatva frmata da Progeto CMR in collaborazione con Gruppo Focchi e Mitsubishi Electric. Dotate di fltri antpolvere, le macchine VMC progetate per Cellia® consentono il ricambio e la purifcazione costante e contnua dell’aria indoor, a favore di una maggior salubrità degli ambient. Inoltre uno scambiatore di calore, che consente di recuperare il calore contenuto nell’aria in uscita e utlizzarlo per riscaldare quella in entrata, permete di evitare inutli dispersioni termiche, riducendo i cost legat all’utlizzo di impiant di riscaldamento e climatzzazione.
One of the latest new products by Technal, the TENTAL façade ofers a wide range of architectural solutons combining good design with high environmental performance ratngs. These large glass panels can reach up to 12 m2 in size and have a weight bearing capacity of up to 820 kg to create a real feeling of transparency. Available in a variety of applicatons ranging from a grid look to smooth façades with structural silicone glazing and vertcal/horizontal textures, all in Technal’s unique colour range, this system can be used to customise building shells while guaranteeing high faced performance ratngs. Made of Hydro CIRCAL®, a low carbon footprint material made of 75% post-consumer recycled aluminium, this system helps with the constructon of sustainable buildings.
Specialising in the ventlaton and indoor wellness sector, Alpac has studied a tailor-made decentralised VMC suitable for concealed installaton inside the prefabricated modules of Cellia®, a revolutonary interactve façade designed by Progeto CMR in partnership with the Focchi Group and Mitsubishi Electric. Equipped with ant-dust flters, the VMC machines designed for Cellia® allow the constant and contnuous change/purifcaton of indoor air to create a healthier environment. In additon, a heat exchanger that allows the heat contained in the outgoing air to be recovered and used to heat the incoming air prevents unnecessary heat dispersion, reducing the costs of running heatng and air-conditoning systems.
Prismo, la nouvelle ligne de zinc lasuré de Rheinzink, est composée de six couleurs proches de la nature (or, marron, bleu, rouge, vert et noir) permetant de personnaliser le projet d’une maison ou d’un bâtment tout en s’intégrant dans l’environnement. Prismo bénéfcie de l’ensemble des caractéristques naturelles du zinc notamment sa longévité et sa robustesse qui en font un matériau naturel économique. Les six coloris de la gamme ont été sélectonnés pour se combiner harmonieusement avec d’autres matériaux naturels tels que la pierre, le bois ou le verre. Prismo or, a été choisi par les architectes AU 12 Architecture pour habiller trois des façades de la nouvelle résidence étudiante à Evry-Courcouronnes. Cete soluton esthétque et de qualité ofre en même temps une protecton sous divers climats et infuences environnementales.
Prismo, la nuova linea di zinco colorato di Rheinzink, è composta da sei colori vicini alla natura (oro, marrone, blu, rosso, verde e nero) che permetono di personalizzare il progeto di una casa o di un edifcio integrandosi nell’ambiente. Prismo benefcia di tute le carateristche naturali dello zinco, in partcolare la sua longevità e robustezza, che lo rendono un materiale naturale economico. I sei colori della gamma sono stat selezionat per combinarsi armoniosamente con altri materiali naturali come la pietra, il legno o il vetro. Prismo oro è stato scelto dagli architet AU 12 Architecture per rivestre tre delle facciate della nuova residenza studentesca di Evry-Courcouronnes. Questa soluzione estetca e di qualità ofre protezione agli edifci in diverse situazioni climatche e ambientali.
Prismo, the new range of coloured zinc by Rheinzink, consists of six very natural-looking colours (gold, brown, blue, red, green and black) that allow house or building designs to be customised and incorporated in the environment. Prismo has all the natural traits of zinc, partcularly longevity and robustness, making it both an economical and natural material. The six colours in the range were selected to ft in smoothly with other natural materials such as stone, wood or glass. Prismo oro was chosen by AU 12 Architecture architects to clad three of the facades of the two towers of the new student residence in Evry-Courcouronnes. This good-looking high-quality soluton protects the buildings against the weather and other environmental threats.
Conçu par Davide Diliberto, le nouveau sèche-servietes Veleta de Brem, permet de dissimuler les peignoirs et les servietes sans aucune paroi ou porte coulissante tout en garantssant un confort thermique de qualité. La plaque radiante en acier est coupée en deux par un pli net, créant une aile qui s’éloigne du mur. Veleta se décline en deux hauteurs (135 et 175 cm) pour une largeur de 42 ou 50 cm et développe des puissances de 660 à 1191 W. Le radiateur est disponible en blanc sablé, gris quartz, noir foncé ou d’autres coloris du nuancier Brem et en version à eau chaude, électrique ou mixte.
Disegnato da Davide Diliberto, il nuovo scaldasalviete Veleta di Brem permete di nascondere alla vista accappatoi e salviete, senza ricorrere ad ante o porte scorrevoli, garantendo nel contempo un confort termico di qualità. La piastra radiante in acciaio è divisa in due da una piega neta, creando un’ala che si allontana dal muro. Veleta è declinato in due altezze (135 e 175 cm) per una larghezza di 42 o 50cm e sviluppa potenze da 660 a 1191 W. Il radiatore è disponibile in versione ad acqua calda, eletrica o mista, e nei colori bianco sabbiato, grigio quarzo, nero scuro o altri colori della cartella colori Brem.
Nouvelle génératon de pompes à chaleur, Vitocal 250 A est une réponse parfaitement adaptée à la rénovaton grâce à des températures de départ allant jusqu’à 70°. Fiable, compacte et respectueuse de l’environnement, la nouvelle technologie de Vitocal 250 A de Viessmann utlise de manière partculièrement efcace l’énergie environnementale pour le chaufage et le rafraîchissement. Les radiateurs existants peuvent contnuer à être utlisés. Un chaufage par le sol n’est pas indispensable.
La haute efcacité énergétque, la commande pratque via l’applicaton, le fonctonnement durable et le design atrayant sont autant de caractéristques convaincantes.
Designed by Davide Diliberto, the new Veleta towel warmer by Brem can conceal bathrobes and towels from view without resortng to doors or moving parts, while guaranteeing highquality thermal comfort. The steel radiant plate is divided in two by a neat fold to create a wing that recedes from the wall. Veleta comes in two heights (135 and 175 cm) and widths of either 42 or 50 cm. It has a power ratng of 660-1191 W. The radiator is available in hot water, electric or mixed versions and in sandblasted white, quartz grey, dark black or other colours from the Brem colour chart.
A new generaton of heat pumps, the Vitocal 250 A is ideal for renovatons, thanks to fow temperatures of up to 70°. Reliable, compact and more environmentally friendly than ever before, the innovatve technology of Vitocal 250 A by Viessmann makes partcularly efcient use of renewable air energy for heatng and cooling purposes. Old radiators can contnue to be used. Its key features are high energy efciency, convenient App control, sustainable operatng and a striking design.
Nuova generazione di pompe a calore, Vitocal 250 A è ideale per le ristruturazioni grazie a temperature di mandata fno a 70°. Afdabile, compata e più ecologica che mai l’innovatva tecnologia di Vitocal 250 A di Viessmann sfruta in modo partcolarmente efciente l’energia rinnovabile dell’aria per il riscaldamento e il rafrescamento. I radiatori esistent possono contnuare a essere utlizzat. L’elevata efcienza energetca, il pratco controllo tramite app, il funzionamento sostenibile e il design accatvante sono le sue principali carateristche .
Grâce au vitrage dynamique SageGlass, les bureaux du siège de Greisch à Liège bénéfcient d’un confort thermique, visuel et acoustque propice à la concentraton. Pour rénover la verrière de ses bureaux, Greisch, l’un des bureaux d’ingénierie et d’architecture les plus pointus d’Europe, a retenu le vitrage électrochrome SageGlass®, qui adapte automatquement sa teinte en permetant de maintenir la lumière naturelle et une connexion permanente avec l’extérieur. Les produits SageGlass se teintant électroniquement ofrent simultanément une pénétraton optmale de la lumière naturelle, ainsi qu’une protecton contre la chaleur et l’éblouissement, et ce sans que l’utlisaton de volets ou de stores ne soit nécessaire. SageGlass assure constamment une température ambiante agréable, augmente le bien-être des utlisateurs du bâtment et permet de réaliser des économies d’énergie substantelles.
Grazie alle vetrate dinamiche SageGlass, gli ufci della sede Greisch di Liegi benefciano di un comfort termico, visivo e acustco che favorisce la concentrazione. Per rinnovare la vetrata dei suoi ufci, Greisch, uno degli studi di ingegneria e architetura più all’avanguardia in Europa, ha scelto i vetri eletrocromici SageGlass®, che adatano automatcamente il colore consentendo di mantenere la luce naturale e una connessione permanente con l’esterno. I prodot a colorazione eletronica SageGlass ofrono contemporaneamente una penetrazione otmale della luce naturale, nonché una protezione contro il calore e l’abbagliamento, senza che sia necessario l’uso di persiane. SageGlass garantsce costantemente una temperatura ambiente piacevole, aumenta il benessere degli utent dell’edifcio e consente un notevole risparmio energetco.
Thanks to SageGlass dynamic glazing, Greisch’s Liège head ofces enjoy ideal thermal, visual and acoustc conditons that encourage and facilitate concentraton. To renovate the glazing of its ofces, Greisch, one of Europe’s most avant-garde engineering and architectural frms, chose SageGlass® electrochromic glass, which automatcally adapts its colour to maintain natural lightng and constant interacton with the outside world. SageGlass electronically tnted products simultaneously ofer optmal penetraton of natural light, as well as protecton against heat and glare, without the need for shuters or blinds. SageGlass ensures pleasant room temperatures at all tmes, boosts the well-being of building users and enables signifcant energy savings.
isolmant.it Isolmant propose des solutons sous plancher pour le bien-être acoustque, mécanique et thermique des bâtments. Les systèmes faible épaisseur Isolmant conviennent à tous les types de fniton et de pose. Ils sont proposés en trois solutons, le système traditonnel pour la pose collée, le système innovant pour la pose fotante et le système “Nuova Frontera” pour la pose hybride. Parmi les diférentes propositons d’Isolmant : Isolmant IsolTile, pour la pose de carreaux de céramique et de parquet avec de la colle ; la souscouche isolante Isolmant Top, la plus complète pour la pose fotante, 100% naturelle avec écolabel Blue Angel et barrière vapeur intégré ; Isolmant Special 2 mm série R Fossil Free, également pour installaton fotante, consttué d’une couche résiliente de polyéthylène Isolmant.
Isolmant propone soluzioni soto pavimento per il benessere acustco, meccanico e termico, degli edifci. I sistemi a basso spessore Isolmant sono adat per tute le tpologie di fnitura e di posa e vengono propost in tre soluzioni, sistema tradizionale per la posa incollata della pavimentazione, il sistema innovatvo per la posa fotante della pavimentazione e il sistema “Nuova frontera” per la posa ibrida. Tra le diverse proposte Isolmant troviamo alcune top soluton: Isolmant IsolTile, per la posa a colla di ceramica e parquet; il materassino isolante Isolmant Top, il più completo per la posa fotante, 100% naturale con eco label Blue Angel e barriera vapore integrata; Isolmant Special 2 mm serie R Fossil Free, anch’esso per la posa fotante, formato da uno strato resiliente in polietlene Isolmant.
Isolmant ofers underfoor solutons for the acoustc, mechanical and thermal well-being of buildings. Isolmant low-thickness systems are suitable for all types of fnish and installaton and come in three designs: a conventonal system for glued installaton of fooring; an innovatve system for foatng foor installaton; and a “New Fronter” system for hybrid installaton. Isolmant ofers some top-end products: Isolmant IsolTile, for gluing on ceramic tles and parquet; the Isolmant Top insulatng matress, the most complete for foatng laying, 100% natural with Blue Angel ecolabel and integrated vapour barrier; Isolmant Special 2 mm R Fossil Free range, also for foatng installaton made of a resilient layer of Isolmant polyethylene.
WICTEC 50 NG est la façade nouvelle génératon de Wicona. Techniquement avancée elle concilie hautes performances, esthétque, facilité de fabricaton et compéttvité. Sa caractéristque innovante est l’utlisaton de la même référence du proflé en traverse et en montant, ce qui permet d’économiser 25% de matère par rapport à une façade traditonnelle. Fabriquée en aluminium recyclé Hydro CIRCAL® qui garantt une basse empreinte carbone, le mur-rideau WICTEC 50 NG peut intégrer du double ou triple vitrage jusqu’à une prise de volume de 62 mm d’épaisseur garantssant des performances thermiques maximales conformes avec le label Passive House, acoustque et d’étanchéité élevées.
WICTEC 50 NG è la facciata di nuova generazione di Wicona. Tecnicamente avanzata, unisce alte prestazioni, estetca, facilità di fabbricazione e compettvità. La sua carateristca innovatva è l’utlizzo dello stesso riferimento del proflo in traversa e montante, che consente di risparmiare il 25% di materiale rispeto a una facciata tradizionale. Realizzata in alluminio Hydro CIRCAL® riciclato che garantsce una bassa impronta di carbonio, la
facciata contnua WICTEC 50 NG può integrare doppi o tripli vetri fno a un volume di 62 mm di spessore garantendo le massime prestazioni termiche secondo la certfcazione Passive House, isolamento acustco e tenuta elevat.
LS TOUCH de Jung est le contrôleur d’ambiance numérique au format d’un interrupteur qui permet de commander tous les éléments électriques d’une pièce tout en réduisant le nombre de points de commande nécessaires. Chaque appareil compte jusqu’à 32 fonctons KNX et associe l’utlisaton intuitve pour la commande de la maison intelligente avec la visualisaton et la multtude de concepton de Jung. Ainsi, Jung combine de nombreuses possibilités de commande sur un seul écran – y compris, par exemple, le contrôle de la lumière, l’ombrage, la température, l’heure, etc. La surface Touch & Swipe innovante est proposé selon Les Couleurs® Le Corbusier et la commande Smart Home axée sur l’avenir.
WICTEC 50 NG is Wicona’s nextgeneraton façade. Technically advanced, it combines high performance, good looks, ease of manufacture and compettveness. Its innovatve feature is the use of the same kind of profle for the uprights and crossbeams, which saves 25% in material compared to a conventonal façade. Made of recycled Hydro CIRCAL® aluminium, which guarantees a low carbon footprint, the WICTEC 50 NG curtain wall can integrate double or triple glazing up to a volume of 62 mm of thickness, guaranteeing maximum thermal ratngs according to Passive House certfcaton, high acoustc insulaton and airtghtness.
LS TOUCH di Jung è il controller ambiente digitale soto forma di interrutore che consente di gestre tut gli element eletrici in una stanza riducendo il numero di punt di controllo necessari. Ogni dispositvo ha fno a 32 funzioni KNX e combina il funzionamento intuitvo per la gestone della casa intelligente con la versatlità di visualizzazione e di design di Jung. In questo modo, Jung combina numerose possibilità di controllo su un unico schermo, come il controllo della luce, l’ombreggiatura, la temperatura, l’ora, ecc. L’innovatva superfcie Touch & Swipe è proposta nella gamma Les Couleurs® Le Corbusier e il comando Smart Home orientato al futuro.
LS TOUCH by Jung is the digital room controller in switch format which enables the operaton of all power consumers within a room while reducing the number of control points required. One device for up to 32 functons: LS TOUCH combines the intuitve operaton of KNX functons for smart home control with the visualisaton and design versatlity of Jung. With up to 32 KNX functons per device, Jung combines numerous control optons on one displayincluding, for example, light control, shading, temperature, tme, etc. The innovatve touch and swipe surface is available in the Les Couleurs® Le Corbusier colours, sets new design highlights, and represents a future-oriented interpretaton of smart home operaton.
sadev.com
SABCO est le système de fxaton de garde-corps en verre de Sadev qui combine design, performance et polyvalence. Spécialement étudié pour les verres de grandes hauteurs et les verres cintrés (hauteur max 2.2m/ rayon mini 1m), ce système s’adapte à des projets privés (de 0,6 à 1KN) comme des garde-corps terrasses, publics (de 1 à 3KN), à des lieux à grande afuence tels que des tribunes de stades (de 3 à 9KN) et il peut être installé en intérieur et en extérieur. Toutes les solutons brevetées répondent aux diférentes confguratons de pose : en applique (à l’anglaise), sur dalle (à la française), sur acrotère béton, rampe escalier. Sadev a développé une large gamme d’accessoires compatble avec tous les profls de garde-corps comme main courante, visserie, capot de fniton, profl d’évacuaton, soluton d’éclairage…
SABCO è il sistema di fssaggio per balaustre in vetro di Sadev che coniuga design, prestazioni e versatlità. Appositamente progetato per vetri di grandi altezze e vetri curvi (altezza massima 2,2 m/raggio minimo 1 m), questo sistema è adato per proget privat (da 0,6 a 1 KN) come parapet per terrazze, pubblici (da 1 a 3 KN), per luoghi ad alto trafco come le tribune degli stadi (da 3 a 9KN) e può essere installato sia in interno sia in esterno. Tute le soluzioni brevetate rispondono alle diverse confgurazioni di installazione: laterale, a pavimento, su acroterio in cemento, su rampa di scale. Sadev ha sviluppato una vasta gamma di accessori compatbili con tut i profli di balaustre come corrimano, vit, soluzioni di illuminazione, ecc.
SABCO is Sadev’s
(maximum
2.2 m/minimum
1 m), this system is suitable for private projects (0.6 to 1 KN) such as terrace balustrades, public projects (1 to 3 KN), and high foot trafc venues such as stadium stands (3 to 9KN). It can be installed both indoors and outdoors. All patented solutons can cater for diferent installaton confguratons: side, foor, concrete acroter, stair ramps. Sadev has developed a wide range of accessories compatble with all kinds of balustrades, such as handrails, screws, lightng appliances, etc.
Focus wins its 4th German Design Award with the Gyrofocus in the category ‘Excellent Product Design – Design Classics/Reissues’
In 1968, Dominique Imbert, the founder of Focus, revolutionized freplace design with his pioneering suspended GYROFOCUS and its 360° rotating hearth.
To add to its long list of honours, the celebrated GYROFOCUS has just received another prestigious prize – a Gold German Design Award 2023, presented by the German Ministry of Economics and Technology. Since the creation of this groundbreaking model, the GYROFOCUS has reached the status of design icon: exhibited at the Bordeaux Contemporary Art Museum in 1996, Grenoble’s Contemporary Art Centre in 1997 and the Guggenheim Museum in New York in 1998. It has been taught in architectural schools and was voted “The World’s Most Beautiful Object” out of 100 international competitors in Italy’s Pulchra design contest in 2009.
In 2015, Focus’s new management team launched an ambitious R&D project to offer its award-winning design in closed freplaces in compliance with evolving European regulations. This was a formidable challenge, as the organic shapes of Focus freplaces were not originally designed for the energy performance targeted in recent environmental standards.
The result? Following two years of intensive R&D, the glazed GYROFOCUS, a closed version of the iconic freplace, now meets the strictest environmental standards in the world. This innovation, which involved converting the 15 pieces of the original freplace to 150 meticulously assembled parts, has been patented and received a Gold Archiproducts Design Award in 2022 with a special mention for ‘Sustainability’. This has now been reinforced by a Gold German Design Award, previously won by three other Focus models: the Slimfocus in 2017, the Boafocus in 2019, and the Bubble fre bowl in 2022.
Focus has long been acclaimed by architecture and design frms around the world and has collaborated with top architects including Norman Foster, Renzo Piano, Thibault Desombre and Snøhetta, among others. Focus exports 70% of its range of over 40 indoor and outdoor freplaces, in wood-burning, gas and now electric models, with its state-of-the-art Holographik freplace ideal for hospitality settings. All Focus freplaces are 100% Made in France, and the Group employs a 150-strong team across its two sites in the south of France.
Maisons rêvées : 40 Maisons d’architectes Made in France Editions Alternatives, Paris 2022, 240 pp
Consacré aux maisons d’architectes dans l’Hexagone, Maisons rêvées présente un panorama richement illustré de l’architecture domestique française des vingt dernières années. Il en récapitule les évolutions majeures, les grands acteurs et les réalisations phares à travers une sélection de maisons réparties en cinq thèmes : les maisons écologiques, les maisons de ville, la quête esthétique, la tradition réinventée et l’inspiration industrielle.
Dedicato alle case degli architetti in Francia, Maisons rêvées presenta un panorama riccamente illustrato dell’architettura domestica francese degli ultimi venti anni. Riassume i principali sviluppi, i principali attori e le realizzazioni chiave attraverso una selezione di case suddivise in cinque temi: case ecologiche, case a schiera, ricerca estetica, tradizione reinventata e ispirazione industriale.
Dedicated to architects’ houses in France, Maisons rêvées presents a richly illustrated panorama of French architecture for houses of the last twenty years. It summarises the main developments, key players and key constructions through a selection of houses divided into fve themes: ecological houses, terraced houses, aesthetic research, reinvented tradition and industrial inspiration.
Pier Luigi Nervi in Africa. Evoluzione e dissoluzione dello Studio Nervi 1964-1980 Quodlibet,, Macerata 2021, 264 pp
Dans les nombreuses histoires écrites jusqu’à présent sur Pier Luigi Nervi, l’un des ingénieurs et architectes les plus célèbres du XXe siècle, l’Afrique est restée un contexte totalement inexploré. Pourtant, entre 1964 et 1980, l’agence Nervi – dirigée avec ses fls Antonio, Mario et Vittorio – a développé un important réseau de contacts sur ce continent, ce qui a permis au groupe de participer à une quarantaine de projets. Grâce à des recherches approfondies dans les archives et à des enquêtes sur le terrain, ce livre permet d’illustrer, pour la première fois de manière organique, les activités de l’agence Nervi en Afrique, en les analysant sous différents aspects historiographiques. La trame des relations professionnelles, politiques, économiques et culturelles entre l’Italie et l’Afrique apparaît ainsi à contrejour, à l’heure où se redéfnit l’identité postcoloniale du grand continent.
Nelle molte storie fnora scritte su Pier Luigi Nervi, uno degli ingegneri e architetti più celebri del XX secolo, l’Africa è rimasta un contesto totalmente inesplorato. Eppure, tra il 1964 e il 1980 lo Studio Nervi – diretto insieme ai fgli Antonio, Mario e Vittorio – sviluppa una ftta rete di contatti in questo continente, che portano al coinvolgimento del gruppo in quasi quaranta progetti. Grazie a un’approfondita ricerca archivistica e a indagini sul campo, il presente volume può illustrare, per la prima volta in maniera organica, l’attività dello Studio Nervi in Africa, analizzandola attraverso diverse lenti storiografche. Emerge così in controluce l’intreccio di rapporti professionali, politici, economici e culturali tra Italia e Africa, nel momento in cui si ridefnisce l’identità postcoloniale del grande continente.
In the many books and articles so far about Pier Luigi Nervi, one of the most famous engineers and architects of the 20th century, Africa has remained a totally unexplored aspect of his work. Yet between 1964 and 1980, Studio Nervi – which he ran with his sons Antonio, Mario and Vittorio – developed a network of contacts across this continent, leading to the group’s involvement in almost forty projects. Thanks to in-depth archive research and surveys, this book carefully outlines and illustrates Studio Nervi’s operations in Africa, analysing them along various historiographic lines. This helps cast light on the intertwining of professional, political, economic and cultural relations between Italy and Africa at a time when this great continent’s post-colonial identity was changing.
Il s’agit du premier livre d’une nouvelle série d’entretiens d’investigation portant sur le processus architectural moderne. Imaginée et réalisée par l’architecte canadien Todd Saunders, établi en Norvège, l’édition des pays nordiques présente des entretiens avec trente agences d’architecture de Finlande, de Norvège, du Danemark, de Suède et d’Islande. Les entretiens abordent le rôle du déf et de l’échec, le confit et les erreurs, les chances et les coïncidences, autant d’aspects familiers du processus architectural qui sont souvent passés sous silence dans les monographies habituelles.
Primo libro di una nuova serie globale di interviste investigative sul processo architettonico moderno. Avviata e realizzata dall’architetto canadese Todd Saunders, con sede in Norvegia, l’edizione dei Paesi Nordici presenta interviste a 30 studi di architettura provenienti da Finlandia, Norvegia, Danimarca, Svezia e Islanda.
Le interviste esplorano il ruolo della sfda e del fallimento, del confitto e degli errori, del caso e della coincidenza; tutti gli aspetti familiari del processo architettonico, ma che tendono a essere sorvolati nelle monografe convenzionali.
First book in a new global series of investigative interviews about the modern architectural process. Initiated and undertaken by the Norway-based Canadian architect Todd Saunders, the Nordic Countries edition features interviews with 30 architectural practices from Finland, Norway, Denmark, Sweden and Iceland.
The interviews explore the role of challenge and failure, confict and mistakes, chance and coincidence; all familiar aspects of the architectural process yet elements that tend to be glossed over in conventional monographs.
À partir de la sélection de plus de 40 000 projets réalisée par ArchDaily au cours des quinze dernières années, cet ouvrage présente les espaces bâtis les plus innovants de notre époque, ceux qui ouvrent la voie à un avenir meilleur et plus durable. Sur le fondement des dix principes de bonne architecture énoncés par ArchDaily, ce livre présente une grande variété de projets, construits et planifés, comme un restaurant encastré offrant des vues souterraines d’une grotte méditerranéenne transformée en une résidence extraordinaire. Refétant une communauté mondiale de concepteurs internationaux, il rend hommage aux architectes les plus visionnaires et présente de nouveaux talents. Il aborde les tendances et les thèmes majeurs qui redéfnissent l’environnement bâti, caractérisant l’avant-garde de la pensée et de la pratique architecturales d’aujourd’hui, avec un regard sur l’avenir.
Basandosi sulla cura di ArchDaily di oltre 40.000 progetti negli ultimi 15 anni, mette in luce gli ambienti costruiti più innovativi della nostra epoca, quelli che aprono la strada a un futuro migliore e più sostenibile. Incentrato sui 10 principi di buona architettura , il libro presenta una ricca varietà di progetti, sia costruiti che pianifcati, da un ristorante sommerso con vista sotterranea a una grotta mediterranea trasformata in una residenza straordinaria. Rifettendo una comunità globale di plasmatori del mondo, celebra gli architetti più visionari e introduce nuovi talenti. esplora i temi e le tendenze chiave che ridefniscono l’ambiente costruito, segnando l’avanguardia del pensiero e della pratica architettonica oggi, con uno sguardo al domani.
Drawing on ArchDaily’s curation of more than 40,000 projects over the past 15 years, it spotlights the most innovative built environments of our age – those paving the way for a better, more sustainable future. Centered around ArchDaily’s 10 principles of good architecture, the book showcases a rich variety of projects – both built and planned ranean cave transformed into a remarkable residence. Refecting a global community of world-shapers, it lent. It explores the key topics and trends redefning the built environment, marking the forefront of architectural
Ce livre retrace l’évolution historique de la forme, des principes et de la conception des villes. Il sert de compendium, ou de référence, en matière de conception des villes et constitue une réfexion polémique sur la nécessité de réhabiliter la ville et une architecture urbaine contemporaine. Il commence par les cités construites en Grèce et dans l’Empire romain à partir de 500 avant J.-C., en passant par les bastides de la fn du Moyen Âge, les villes idéales de la Renaissance, les villes nouvelles baroques, jusqu’aux stratégies de planifcation urbaine du XIXe siècle et du début du XXe siècle. Il traite de l’architecture moderniste anti-urbaine et de la désintégration de la ville qui en est la conséquence. Il se termine par les efforts déployés à la fn du XXe siècle pour récupérer la ville, une architecture urbaine contemporaine et la possible contribution de l’urbanisme à la crise écologique contemporaine.
Questo libro ripercorre l’evoluzione storica della forma, dei principi e del design urbano; funge da compendio, o riferimento, del design della città; ed è una polemica sulla necessità del recupero della città e di un’architettura urbana contemporanea. Si inizia con le città pianifcate della Grecia e dell’Impero Romano a partire dal 500 aC circa, passando per le Bastide tardomedievali, le città ideali rinascimentali e le nuove città barocche, fno alle strategie urbanistiche dell’Ottocento e dell’inizio del Novecento. Copre l’architettura modernista antiurbana e la conseguente disintegrazione della città. Si conclude con gli sforzi della fne del XX secolo per recuperare la città, l’architettura urbana contemporanea e il potenziale contributo dell’urbanistica alla attuale crisi ecologica.
This book traces the historic evolution of urban form, principles, and design; it serves as a compendium, or reference, of city design; and is a polemic about the necessity for the recovery of the city and a contemporary urban architecture. It begins with the planned cities of Greece and the Roman Empire from about 500 BC, through the late-medieval Bastides, the Ideal Renaissance cities, and Baroque new towns, to the urban planning strategies of the nineteenth and early twentieth centuries. It covers antiurban modernist architecture and the resulting disintegration of the city. It concludes with late-twentieth-century efforts to recover the city, a contemporary urban architecture, and urbanism’s potential contribution to the contemporary ecological crisis.
LUIGI BRUTTI LIBERATI
Storia dell’Impero Britannico 1785-1999 Bompiani, Firenze 2022, 512 pp
MICHAEL DENNIS Temples & Towns. The Form, Elements, and Principles of Planned Towns Forward by Steven K. Peterson
Oro Editions, Novato (California) 2022, ill. col. and b/n, 504 pp
Dans ce livre, il est expliqué que l’histoire des colonies britanniques a commencé bien avant 1785, mais dans le choix de la période historique de cet essai consacré à l’Empire, il y a déjà une valeur symbolique précise. En effet, 1875 est l’année où le long processus culturel et politique visant l’abolition de la traite des esclaves a commencé en Grande-Bretagne. Par ailleurs, 1999 a été l’année de la fn du mandat présidentiel de Nelson Mandela en Afrique du Sud.
Nel libro si enuncia come la storia delle colonie britanniche ebbe inizio molto prima del 1785, eppure nella scelta dell’arco storico di questo saggio sull’Impero vi è già un preciso valore simbolico. Il 1875 è infatti l’anno in cui inizia in Gran Bretagna il lungo cammino culturale e politico per l’abolizione della tratta degli schiavi. Il 1999 è invece l’anno della fne del mandato di Nelson Mandela come presidente del Sudafrica.
This book points out that the history of British colonies began long before 1785, although the period in history covered in this essay on Empire has specifc symbolic value. Indeed, 1875 is the year when the long cultural/political quest to abolish the slave trade began in Britain. 1999, on the other hand, is the year when Nelson Mandela’s term in offce as president of South Africa ended.
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Cover
Le nuove professioni
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Cesare M. Casati
- AI ROBOT OPTIMUS
Tesla
- ORBITAL REEF
Sierra Space and Blue Origin
- KRONOS SUBMARINE
Highland Systems
Luigi Prestinenza Puglisi, Giulia Mura
TOPOI Temi chiave e protagonisti del prossimo futuro:
Atelier(s) Alfonso Femia / AF517
Questions clés et protagonistes du proche avenir
Key issues and players in the near future
Mario Pisani
- TALISMAN
- BK BOOK MUSEUM
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- RP BIO HQ
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Jeju-si, Jeju-do, South Korea
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Viviamo anni incredibili per i grandi progressi che stanno avvenendo nel mondo scientifco e tecnologico; innovazioni continue che stanno determinando, non solo nel mondo del lavoro, continui aggiornamenti. Adeguamenti che aumentano le distanze di capacità operativa soprattutto tra le generazioni, a tal punto, che nel prossimo futuro, sicuramente nasceranno nuove professioni e nuovi modi di operare.
Il mondo del design, e dell’architettura in generale, subirà mutazioni professionali formidabili nell’iniziare un nuovo progetto a partire dalla concezione dell’idea alla sua realizzabilità. Fatta salva la libera creatività nel determinare l’estetica dell’oggetto del progetto, si dovrà dipendere sempre di più dalle nuove tecnologie per determinare la sua eticità nella scelta di metodi costruttivi, materiali, sostenibilità e effcienza sociale.
Il progetto già negli anni Ottanta subì grandi trasformazioni con l’avvento di software professionali che consentirono di digitalizzare tutte le istruzioni grafche dando la possibilità di semplifcare l’ideazione di nuove forme e le istruzioni per la loro realizzazione; lasciando sempre al progettista e alla sua istruzione l’adeguamento del progetto a usi, norme e regolamenti: senza, almeno per l’architettura, riuscire a modifcare le tecniche costruttive che restano ancora del tutto artigianali. Ora dobbiamo chiederci cosa succederà quando nei prossimi anni potremo affrontare un progetto assistiti non solo da software grafci ma anche da postazioni di intelligenza artifciale munite da algoritmi che conosceranno leggi, regolamenti, norme e usi comuni dandoci istruzioni utili prima di concepire una idea corretta che, punto per punto, ci guidi nei solchi della sostenibilità.
In un secondo passo potremo anche con la realtà aumentata e la realizzazione del metaverso potremo testare colori, volumi, luci e suoni direttamente introducendoci, o facendo introdurre il cliente, nell’edifco reale costruito virtualmente.
Con l’ausilio di queste tecnologie potremo fnalmente partecipare, come avviene nel mondo del design, anche a individuare e indirizzare la produzione di edifci semplici o complessi con processi fnalmente solo industriali che prevedano sempre più la robotizzazione del loro montaggio e i loro sistemi di manutenzione e garanzia come avviene per tutti i prodotti dell’industria.
In conclusione, i prossimi anni saranno affascinanti per tutti i creativi, l’unico problema è che tutte le istituzioni universitarie sappiano velocemente adeguare i loro corsi di formazione professionale alla velocità del progresso scientifco.
Nous vivons une époque incroyable du fait des grands progrès qui sont en train de se produire dans le monde scientifque et technologique, des innovations continues qui entraînent sans cesse des mises à jour, et ce, non seulement dans le monde du travail. Des adaptations qui creusent les écarts en matière de capacité opérationnelle, surtout entre les générations, à tel point que, dans un avenir proche, de nouveaux métiers et de nouvelles façons de travailler verront certainement le jour.
Le monde du design, et de l’architecture en général, va connaître de formidables mutations professionnelles dans la création de nouveaux projets, de la conception de l’idée à sa faisabilité.
Sans préjudice de la libre créativité dans la recherche de l’esthétique de l’objet du projet, nous serons de plus en plus tributaire des nouvelles technologies pour en défnir l’éthique dans le choix des méthodes de construction, des matériaux, de la durabilité et de l’effcacité sociale.
Dès les années 1980, le projet a subi d’importantes transformations avec l’apparition de logiciels professionnels permettant de numériser toutes les instructions graphiques, ce qui a contribué à simplifer la conception de nouvelles formes et les instructions pour leur réalisation, en laissant toujours au concepteur le soin d’adapter le projet aux usages, aux règles et aux réglementations, sans parvenir pour autant, du moins pour l’architecture, à modifer les techniques de construction qui restent encore totalement artisanales.
Maintenant, nous devons nous demander ce qui se passera lorsque, dans les prochaines années, nous serons en mesure d’aborder un projet assisté non seulement par des logiciels graphiques, mais aussi par des postes d’intelligence artifcielle dotés d’algorithmes qui connaîtront les lois, les règlements, les normes et les usages courants et nous donneront des instructions utiles avant de concevoir une idée correcte qui nous guidera étape par étape sur les chemins de la durabilité.
Dans un deuxième temps, avec la réalité augmentée et la réalisation du métavers, nous pourrons également tester directement des couleurs, des volumes, des lumières et des sons en pénétrant, ou en introduisant le client, dans le bâtiment réel construit virtuellement.
Grâce à ces technologies, nous pourrons enfn participer également, comme cela se passe dans le monde du design, à l’identifcation et à l’orientation de la réalisation de bâtiments simples ou complexes avec des processus qui fnalement seront uniquement de nature industrielle et qui prévoiront de plus en plus la robotisation de leur assemblage et de leurs systèmes d’entretien et de garantie, comme c’est le cas pour tous les produits industriels. En conclusion, les prochaines années seront passionnantes pour tous les créatifs, le seul problème étant la capacité des instituts universitaires d’adapter leurs programmes à la vitesse du progrès scientifque.
We are living in incredible times with startling progress being made in the scientifc and technological realms; innovations are constantly upgrading and updating almost everything and not just in the working world. Adaptations that are widening the gaps in the skill sets of different generations to such an extent that, in the near future, new professions and new ways of working will certainly emerge.
There will be big changes in how projects are undertaken in the world of design and architecture in general, right from when ideas are thought up until their actual implementation. While leaving creativity free to shape and style new objects, the design process will increasingly depend on new technologies, so the right ethical choices can be made in terms of construction methods, materials, sustainability and social effciency.
As early as the 1980s, design underwent major transformations with the advent of professional software that could digitise all kinds of graphics to simplify the creation of new forms and the means of making them; the designer was, however, still in charge of adapting the project to uses, rules and regulations without, at least in the case of architecture, actually modifying construction methods and techniques that were still entirely artisanal.
Now we have to ask ourselves what will happen when, over the next few years, we will be able to take on projects with the help not only of graphics software but also artifcial intelligence stations equipped with algorithms that will understand all the relevant laws, regulations, norms and normal uses and be able to give us instructions before we even think up a new idea; instructions that will guide us, step by step, along the path to sustainability. Augmented reality and the creation of the metaverse will then enable us to directly test out colours, structures, lights and sounds by introducing ourselves (or allowing the client to introduce him/herself) into buildings that will have already been constructed on a virtual basis.
As is already the case in the realm of design, these technologies will fnally get us involved in dictating and directing the construction of simple or complex buildings based on what will fnally be purely industrial processes that increasingly use robotization for their assembly and maintenance to provide the kind of guarantees associated with all industrial products.
In conclusion, the next few years will be fascinating for all creative people. The only problem will be to make sure that universities quickly adapt their professional training courses to the speed of scientifc progress.
Cesare Maria CasatiOptimus utilise l’intelligence artifcielle que Tesla est en train de tester dans ses véhicules. Il s’agira d’un robot humanoïde “amical” et non d’un robot dystopique. Il sera capable d’effectuer des tâches ménagères ennuyeuses et répétitives. Il est censé être produit en série d’ici cinq ans pour un prix inférieur à 20 000 dollars américains. Son corps aura 28 degrés de liberté de mouvement et chaque main en possèdera 11. Les mains auront cinq doigts, comme celles des humains, chacune avec un pouce opposables, et des modalités de contrôle dédiées à des tâches spécifques. Il sera capable de reconnaître des objets et de les saisir.
Optimus utilizza l’Intelligenza Artifciale che Tesla sta testando nei suoi veicoli. Sarà un robot umanoide “amichevole” e non distopico.
Potrà eseguire compiti domestici noiosi e ripetitivi. Si prevede che potrà essere fabbricato su larga scala tra cinque anni a un costo inferiore ai 20.000 US$. Il suo corpo avrà 28 gradi di libertà di movimento e 11 gradi di libertà per le mani che come quelle umane avranno cinque dita e saranno dotate di pollici opponibili e modalità di controllo dedicate a specifci compiti. Potrà riconoscere gli oggetti e maneggiarli.
Optimus uses the artifcial intelligence that Tesla is testing in its vehicles. He will be a “friendly” humanoid robot and not a dystopian one. He will be able to perform boring and repetitive household tasks. It is expected to be mass-produced in fve years at a cost of less than US $ 20,000. His body will have 28 degrees of freedom of movement and 11 degrees of freedom for the hands which, like human ones, will have fve fngers and will be equipped with opposable thumbs and control modes dedicated to specifc tasks. He will be able to recognize objects and handle them.
Sous la direction de ses partenaires Sierra Space et Blue Origin, l’équipe d’Orbital Reef a terminé avec succès son System Defnition Review (SDR) avec la NASA, ce qui signife que la station spatiale peut maintenant passer à la phase de conception. Dans la seconde moitié de cette décennie, une station spatiale développée, détenue et exploitée commercialement commencera à fonctionner comme un parc commercial de nouvelle génération au-dessus de la Terre, ayant la capacité de fournir à tous un accès à l’espace.
Orbital Reef orbitera continuellement autour de la planète, à environ 250 miles au-dessus de la Terre.
La confguration Baseline présente des zones scientifques et d’habitation distinctes et peut accueillir dix personnes dans un volume presque aussi grand que celui de la Station spatiale internationale (SSI). Extensible de par sa conception, le volume total pourra facilement être agrandi en fonction des nécessités des clients et des besoins croissants.
I l team di Orbital Reef, guidato dai partner Sierra Space e Blue Origin, ha completato con successo la sua System Defnition Review (SDR) con la NASA, il che signifca che la stazione spaziale può ora procedere alla fase di progettazione. Nella seconda metà di questo decennio, una stazione spaziale sviluppata commercialmente, di proprietà e gestita inizierà a funzionare come parco commerciale di prossima generazione oltre la Terra, con la capacità di fornire accesso allo spazio a tutti.
Orbital Reef orbiterà continuamente attorno al pianeta a circa 250 miglia sopra la Terra. La confgurazione Baseline ha zone scientifche e abitative separate e supporta 10 persone in un volume grande quasi quanto la Stazione Spaziale Internazionale (ISS). Scalabile in base alla progettazione, il volume totale può facilmente espandersi secondo necessità per supportare clienti ed esigenze in crescita.
The Orbital Reef team, led by partners Sierra Space and Blue Origin, has successfully completed its System Defnition Review (SDR) with NASA, meaning the space station can now proceed to the design phase. In the second half of this decade, a commercially developed, owned, and operated space station will start operation as a next generation business park beyond Earth, with the ability to provide access to space for all. Orbital Reef will continuously orbit the planet approximately 250 miles above Earth.
The Baseline confguration has separate science and habitation zones and supports 10 people in a volume almost as large as the International Space Station (ISS). Scalable by design, total volume can easily expand as needed to support growing customers and needs.
Le sous-marin Kronos avec sa conception hydrodynamique futuriste, offre de hautes performances, une effcacité exceptionnelle et réduit considérablement les coûts d’énergie lorsqu’il est immergé. Ce navire hybride peut accueillir confortablement une dizaine de passagers et est adapté aux opérations commerciales, de sauvetage et de combat. Le sous-marin est constitué d’une coque innovante qui réduit considérablement la consommation de carburant, augmente la vitesse de pointe et assure une stabilité optimale.
Il sottomarino Kronos con un design idrodinamico futuristico, offre prestazioni elevate, eccezionale effcienza e riduce signifcativamente i costi energetici quando è in immersione. Questo natante ibrido può ospitare comodamente 10 passeggeri ed è adatto per operazioni commerciali, di salvataggio e di combattimento. Il sottomarino presenta un design innovativo dello scafo che riduce signifcativamente il consumo di carburante, aumenta la velocità massima e fornisce una stabilità superiore.
Kronos Submarine with a futuristic hydrodynamic design, delivers high performance, outstanding effciency and signifcantly reduces energy costs when submerged. This hybrid vessel can comfortably accommodate 10 passengers and is suitable for commercial, rescue and combat operations. The submarine features an innovative hull design which signifcantly reduces fuel consumption, increases maximum speed, and provides superior stability.
Temi chiave e protagonisti del prossimo futuro Questions clés et protagonistes du proche avenir Key issues and players in the near future curated
by Luigi Prestinenza Puglisi, Giulia MuraL’architettura degli effetti speciali ha sicuramente il suo fascino, soprattutto se proposta dopo periodi di astinenza di anoressia formale. Tuttavia, come i cibi molto elaborati, corre il rischio di stufare. Prova ne sia che guardiamo con sempre maggiori riserve la produzione di opere, anche di ottimo livello, di Frank O. Gehry, dello studio Hadid o di coloro che si muovono nella direzione dell’architettura parametrica e delle forme complesse. C’è bisogno di una più tranquillizzante normalità, di tornare a vedere gli edifci come eravamo abituati a vederli. Ma con un occhio nuovo. Il problema è in questo caso come non cadere nel banale, nell’insignifcante, nella produzione corrente formalmente sciatta e disimpegnata. Una delle soluzioni è il pragmatismo emozionale, cioè il cercare di mettere insieme soluzioni pratiche, essenziali e tecnicamente ineccepibili con la capacità di suscitare reazione e non distrazione. In questo senso il pragmatismo emozionale può essere visto come una continuazione del realismo magico, cioè quella poetica che, facendo leva sulla metafsica, si diede da fare per mostrare la realtà da un punto di vista spiazzante, tale cioè da incantarci. Per raggiungere lo scopo, il pragmatismo emozionale ricorre ad alcuni accorgimenti ripresi dal mondo dell’arte. Per esempio il fuori scala o il fuori posto. Servono a captare la nostra attenzione e costringerci a guardare ciò che altrimenti verrebbe tralasciato dalla nostra distrazione.
“Special effects” architecture certainly has its own special appeal, especially after lengthy periods of stylistic/formal anorexia.
However, like fancy food, it runs the risk of going stale. This is shown by our growing reservations about works, even of the highest order, by Frank O. Gehry, the Hadid frm or those who working along the lines of parametric architecture and complex forms.
We need to regain a certain tranquil normality, go back to seeing buildings as we are used to see them, but through ‘new eyes’. The problem here is how not to lapse into banality, into insignifcance or into the latest range of stylistically sloppy and disengaged works. One of the solutions is emotional pragmatism, i.e. trying to come up with designs which are simultaneously practical, simple and technically fawless, provoking reaction rather than distraction.
In this sense, emotional pragmatism can be seen as a continuation of magic realism, i.e. a form of poetics which, drawing on metaphysics, strove to show reality from a disorienting point of view, i.e. a perspective capable of enchanting us.
Un altro accorgimento è l’uso di alcuni materiali insoliti, in grado di suscitare, per le specifche caratteristiche, la nostra reazione empatica. Particolarmente intelligente, bravo e astuto nel muoversi all’interno di questa poetica è lo studio svizzero Herzog e de Meuron. Sin dalle prime opere ha saputo lavorare in un universo a cavallo tra architettura e arte. Ma spesso con un eccessivo snobismo, tutto proiettato sul versante dell’artisticità. Mentre un pragmatismo che voglia giocare sul versante delle emozioni più genuine dovrebbe accettare di muoversi su un piano più popolare, più attento alle modalità attraverso le quali la gran parte del pubblico esperisce lo spazio.
Luigi Prestinenza PuglisiL’architecture des effets spéciaux a certainement son charme, surtout lorsqu’elle est proposée après des périodes d’abstinence, d’anorexie formelle. Cependant, comme les aliments ultratransformés, elle risque de nous lasser. La preuve en est que nous regardons avec de plus en plus de réticence la production d’œuvres, même de haut niveau, de Frank O. Gehry, de l’agence Hadid ou de ceux qui s’orientent vers l’architecture paramétrique et des formes complexes. Nous avons besoin d’une normalité plus apaisante, de revenir à une vision des bâtiments telle que nous avons l’habitude de les voir, mais avec un regard neuf. Le problème qui se pose ici est de ne pas tomber dans le banal, dans l’insignifant, dans la production courante formellement bâclée et désengagée. L’une des solutions est le pragmatisme émotionnel, qui consiste à essayer de combiner des solutions pratiques, essentielles et techniquement irréprochables avec la capacité de susciter une réaction et non une diversion. En ce sens, le pragmatisme émotionnel peut être considéré comme une continuation du réalisme magique, c’està-dire de cette poétique qui, en s’appuyant sur la métaphysique, s’est efforcée de montrer la réalité sous un angle déroutant, autrement dit de manière à nous enchanter. Pour y parvenir, le pragmatisme émotionnel recourt à un certain nombre d’astuces empruntées au monde de l’art. Par exemple, le hors échelle ou le hors lieu. Ils servent à attirer notre attention et à nous obliger à regarder ce qui, autrement, nous échapperait en raison de notre inattention. Ce qui pourrait passer pour un simple arrière-plan mais qui, en revanche, vise à devenir, ne serait-ce que pour un instant, protagoniste de la perception. Une autre astuce est l’utilisation de certains matériaux inusuels, susceptibles d’éveiller notre empathie grâce à leurs caractéristiques particulières. L’agence d’architecture suisse Herzog & de Meuron s’est montrée particulièrement intelligente, effcace et astucieuse dans le cadre de cette poétique. Dès ses premiers travaux, elle a su travailler dans un univers qui se situe à mi-chemin entre l’architecture et l’art, mais souvent avec un excès de snobisme, entièrement projeté sur le versant de l’artisticité, alors qu’un pragmatisme qui veut jouer sur le terrain des émotions plus authentiques devrait accepter de se situer à un niveau plus populaire, plus attentif à la manière dont la majeure partie des gens vit l’espace. Il s’agit d’un beau pari sur lequel s’orientera une partie de l’architecture du proche avenir, un pari que, selon moi, Alfonso Femia Atelier(s), entre autres, est en train de relever avec intelligence.
To achieve this goal, emotional pragmatism resorts to certain tricks borrowed taken from the art world. For example, out-of-scale or out-of-place works. They catch our eye and force us to look at what we would otherwise fail to notice due to our distraction.
Another trick is the use of certain unusual materials capable of arousing, due to their specifc traits, an empathic reaction from us. Particularly intelligent, skilful and astute in operating in this realm is the Swiss frm Herzog and de Meuron. From its earliest works, it has been managed to work on the cusp between architecture and art. Sometimes, however with excessive snobbery projected entirely towards artistry. Pragmatism focused more on genuine emotions should be willing to operate on a more accessible level, more attentive to the ways in which the majority of the public experiences space.
Architetto, urbanista, designer e animatore culturale, Alfonso Femia è ideatore e co-fondatore, nel 1995, dello studio 5+1, divenuto 5+1AA nel 2005 e, nel 2017, Atelier(s) Alfonso Femia / AF517, con sedi a Genova, Milano e Parigi. All’instancabile attività progettuale internazionale, Alfonso Femia – in condivisione con quattro socie, Simonetta Cenci, Sara Gottardo, Liloye Chevallereau e Amandine Aubrée – affanca un approfondito lavoro di ricerca teorico e laboratoriale, attraverso indagini sul territorio, pubblicazioni e dialoghi sul campo.
Partendo da un presupposto: che l’architettura sia alimentata da sollecitazioni sociali e culturali utili ad ottenere connessioni e ibridazioni tra persone, narrazioni e geografe. Una flosofa professionale, quella di Femia, orientata a una progettualità responsabile e generosa, come si evince dalla mostra personale ospitata quest’anno al Museo900 di Firenze, immaginata come un viaggio collettivo ed esperienziale in cinque tappe, attraverso luoghi e tempi reali e immaginati, intuizioni, idee, progetti realizzati e progetti destinati a rimanere sogni.
Architecte, urbaniste, designer et animateur culturel, Alfonso Femia est le concepteur et le cofondateur, en 1995, de l’atelier 5+1 qui est ensuite devenu 5+1AA en 2005, puis Atelier(s) Alfonso Femia / AF517, en 2017, avec des bureaux à Gênes, Milan et Paris. En plus de son infatigable travail de design international, Alfonso Femia – en collaboration avec quatre partenaires, Simonetta Cenci, Sara Gottardo, Liloye Chevallereau et Amandine Aubrée –mène un travail théorique de recherche et de laboratoire, à travers des enquêtes sur le territoire, des publications et des entretiens sur le terrain.
Il part d’une hypothèse, celle que l’architecture se nourrit de stimuli sociaux et culturels qui permettent de réaliser des connexions et des hybridations entre les personnes, les récits et les géographies. Une philosophie professionnelle, celle de Femia, orientée vers un programme responsable et généreux, comme en témoigne l’exposition personnelle présentée cette année au Musée Novecento de Florence, imaginée comme un voyage collectif et expérientiel en cinq étapes, à travers des époques et des lieux réels et imaginés, des intuitions, des idées, des projets réalisés et des projets destinés à ne rester que des rêves.
Architect, town-planner, designer and cultural player, Alfonso Femia is the creator and co-founder in 1995 of 5+1 studio, which was renamed 5+1AA in 2005 and Atelier(s) Alfonso Femia / AF517 in 2017, with offces in Genoa, Milan and Paris. Alongside his relentless international design work, Alfonso Femia – working with four partners, Simonetta Cenci, Sara Gottardo, Liloye Chevallereau and Amandine Aubrée – is engaged in both theoretical and laboratory research in the name of territorial surveys, publications and interaction out in the feld.
He works on the assumption that architecture is driven by sociocultural stimuli that helps create connections and hybridizations between people, narratives and geographies. A professional philosophy, Femia’s, focused on responsible and generous design, as can be seen in the solo exhibition hosted this year at Museo900 in Florence, envisaged as a collective, experiential journey in fve stages through real and imaginary places/times, intuitions, ideas, completed projects and projects destined to remain pipedreams.
Questo è uno dei temi che Alfonso Femia sviluppa sia sul piano teorico che su quello concettuale: reale e immaginario devono nutrirsi a vicenda, in un dialogo continuo. L’architettura come atto costruttivo e metamorfosi dei luoghi deve infatti essere governata in termini pragmatici e responsabili, ma in quanto atto creativo e di invenzione, attingere a elementi del background professionale, culturale e personale, che non sempre sono immediatamente manifesti.
Ne è esempio la Dallara Academy a Varano De’ Melegari (PR) complesso che pone attenzione alla topografa, al suo inserimento nel paesaggio, alla sua doppia percezione (dall’esterno e dall’interno), e che ha la volontà di essere luogo di ricerca, progetto, incontro, eccellenza. Un edifcio veloce e lento, silenzioso e sonoro, tecnologico e poetico. Un landmark minerale composto da quattro geometrie, Quattro forme, Quattro spazi, Quattro funzioni. La scelta di utilizzare il bronzo dorato per il rivestimento esterno per esempio, non è semplicemente una scelta cromatica di rottura, ma l’evocazione di una dimensione diversa, il far accadere qualcosa nell’immaginario che sta “dall’altra parte”, quella di chi userà quegli spazi. Per il progetto di rigenerazione urbana Parco Lineare di Trieste, invece, l’obiettivo è quello di riconquistare gli spazi portuali oggi inaccessibili per renderli parte viva del tessuto e dell’identità storica. Un’occasione unica per ripensare la città coniugando lo sviluppo urbano con la presenza di sistemi verdi continui, utili a migliorare la qualità dell’aria e la biodiversità.
C’est l’un des thèmes qu’Alfonso Femia développe sur le plan théorique et conceptuel : le réel et l’imaginaire doivent se nourrir l’un de l’autre, dans un dialogue permanent. L’architecture, en tant qu’acte de construction et de métamorphose des lieux, doit certes être régie en termes pragmatiques et responsables, mais en tant qu’acte créatif et inventif, elle puise également dans des éléments du contexte professionnel, culturel et personnel qui ne sont pas toujours immédiatement perceptibles.
La Dallara Academy à Varano de’ Melegari (prov. de Parme) en est un exemple. Ce complexe prend en compte la topographie, son intégration dans le paysage, sa double perception (de l’extérieur et de l’intérieur), et dont l’objectif est d’être un lieu de recherche, de conception, de rencontre, et d’excellence. Ce bâtiment est à la fois rapide et lent, silencieux et sonore, technologique et poétique, un point de repère minéral composé de quatre géométries. Le choix d’utiliser le bronze doré pour le revêtement extérieur, par exemple, n’est pas simplement un choix chromatique de rupture, mais l’évocation d’une dimension différente, la volonté de faire en sorte qu’il se passe quelque chose dans l’imagination qui est “de l’autre côté”, celle de ceux qui utiliseront ces espaces. Pour le projet de régénération urbaine “Parc linéaire” à Trieste, en revanche, l’objectif est de reconquérir des espaces portuaires aujourd’hui inaccessibles, afn qu’ils deviennent une partie vivante du tissu urbain et de l’identité historique. Une occasion unique de repenser la ville en combinant le développement urbain avec des systèmes verts continus qui contribuent à améliorer la qualité de l’air et la biodiversité. Un parc où la plage, le port et la ville se côtoient dans un équilibre parfait.
This is one of the themes that Alfonso Femia develops on both a theoretical and conceptual level: the real and imaginary must feed off each other through constant interaction. Architecture as a constructive act and metamorphosis of places must, in fact, be controlled in pragmatic and responsible terms, but as a creative act of invention it should draw on the architect’s professional, cultural and personal background, factors which are not always immediately apparent.
An example of this is Dallara Academy in Varano De’ Melegari (PR), a complex that pays careful attention to topography, how it fts into the landscape and the two ways in which it is perceived (from outside and from inside). It strives to be a place of research, design, encounter, excellence. A fast and slow building, silent and noisy, technological and stylish. A mineralbased landmark composed of four geometric patterns, four forms, four spaces and four functions. The decision to use gilded bronze for the external cladding, for example, is not simply a chromatic means of rupture, it actually evokes a different dimension and makes us imagine something that is «on the other side», on the side of the people who will use these spaces. In contrast, the ‘Linear Park’ urban regeneration project in Trieste is aimed at reusing port spaces that are currently inaccessible to turn them into a vital part of our history and identity. A unique opportunity to rethink the city by combining urban development with landscaping and greenery to improve air quality and protect biodiversity. A park where the beach, port and city connect in perfect harmony.
Particolare attenzione viene data dallo Studio al tema della superfcie interna ed esterna, della pelle, la fligrana, l’interfaccia, la texture che mette in dialogo le architetture con i contesti in cui si inseriscono. E poco importa la loro dimensione, o la tipologia: le superfci materiche (le presenze, le assenze, e le trasparenze) avvolgono e arricchiscono i progetti. Attenzione data anche al tema delle bucature, delle soglie, dei chiaroscuri, al ritmo delle facciate. Come nel milanese The Corner, ultimato nel 2019, in cui è la valorizzazione dei prospetti a fare la differenza: l’edifcio è pensato con un involucro diverso per ciascun fronte, in un gioco costante di geometrie, rimandi e rifessi sulla città.
Anche nel progetto di housing Urbangreen, a Romainville, nella prima periferia di Parigi, i corpi gradonati si contrappongono, come se prendessero vita dal verde che li circonda. Qui la natura diventa artifcio e viceversa. “Il progetto dialoga con il contesto e si caratterizza attraverso l’uso della materia e della luce. Ogni fronte defnisce una sua specifcità e racconta il progetto in modi differenti. Due più uno, punto e linea, lucido e opaco. La ceramica diamantata, rifettendo la luce e il cielo di Parigi, fa vibrare la facciata in mille sfumature. Il legno richiama gli alberi del vicino colle”. (AF).
L’agence d’architecture accorde une attention particulière aux thèmes de la superfcie intérieure et extérieure, de la peau, du fligrane, de l’interface, de la texture qui font dialoguer les constructions avec les contextes où ils s’inscrivent. Et peu importe leur taille ou leur genre : les surfaces de la matière (les présences, les absences et les transparences) enveloppent et enrichissent les projets d’AF517, qu’il s’agisse de bâtiments administratifs, résidentiels ou culturels. Une attention particulière a également été prêtée à la question des ouvertures, des seuils, des clairs-obscurs, et au rythme des façades. Comme dans le cas de l’hôtel The Corner à Milan, achevé en 2019, pour lequel c’est la mise en valeur des façades qui fait toute la différence : le bâtiment est conçu avec une enveloppe différente pour chaque façade, dans un jeu constant de géométries, de renvois et de refets sur la ville. Dans le projet résidentiel Urbagreen, à Romainville, en banlieue parisienne, les volumes étagés sont décalés les uns des autres, comme s’ils prenaient vie de la végétation environnante. Ici, la nature devient artifce et vice versa. “Le projet dialogue avec le contexte et se caractérise par l’utilisation de la matière et de la lumière. Chaque façade présente sa propre spécifcité et raconte le projet de manière différente. Deux plus un, point et ligne, brillant et mat. Des céramiques diamantées, qui refètent la lumière et le ciel de Paris, font vibrer la façade de mille nuances. Le bois rappelle les arbres de la colline voisine.” (AF).
The frm has focused particular attention on the issue of inner and outer surface, skin, fligree, interfaces and texture that allow works of architecture to dialogue with the settings in which they are incorporated. And their size or style matter little: material surfaces (presences, absences and transparencies) envelop and enrich AF517’s projects, be they offces, housing designs or cultural facilities. Attention is also focused on the issue of perforations, thresholds, chiaroscuro effects and the rhythmic pattern of façades. This is the case with a project in Milan called “The Corner”, completed in 2019, where enhancing the elevations has made all the difference: the building is designed with a different shell on each front in a constant interplay of geometric patterns, references and refections on the city. There is also a contract between staggered structures in the Urbangreen housing project in Romainville in the inner suburbs of Paris, as if they were being brought to life by the greenery surrounding them. Here nature turns into artifce and vice-versa. “The project dialogues with its setting and makes use of material and light. Each front defnes its own specifc nature and narrates the project in different ways. Two plus one, point and line, shiny and dull. Diamond-patterned ceramics refecting the light and Paris skies make the façade vibrate in a thousand shades. The wood recalls the trees on a nearby hill.” (AF).
Il tema della relazione tra sistemi – d’acqua, di terra e di aria – resta un punto focale della flosofa di Femia, che da sempre rivolge la sua indagine al Mediterraneo, visto come elemento geografco e culturale di equilibrio, magnete, attrattore e insieme antenna. Storia, identità, arte, architettura, memoria, scienza, innovazione: su questi temi driver si articolano lavori come il complesso “8ème Art”, a Marsiglia (che trova nel blu di mare e cielo il valore identitario), “Tempodacqua” per la Biennale di Pisa (2019) o la recente esperienza per la prima edizione de la Biennale dello Stretto – spontanea prosecuzione di un altro progetto culturale, “Mediterranei Invisibili”. Ma anche progetti in corso come il Nuovo Terminal Crociere a La Spezia, pensato come un oggetto architettonico che contribuisce a costruire un paesaggio urbano al di sotto del quale realizzare i volumi che compongono le attività. Una struttura che ordina, ospita, accompagna, gestisce i fussi, demarca “territori” e funzioni sotto una copertura porosa, parzialmente utilizzabile per eventi pubblici, una “piazza sospesa sul mare”. O il Terminal Crociere Porto Corsini a Ravenna, che defnisce relazioni differenti con i due orizzonti di riferimento, quello verso il mare e quello verso il Parco delle Dune (anche attraverso il tetto verde). Ma anche con la città, grazie al rimando alle rappresentazioni iconiche bizantine nei pannelli in cemento a goccia della facciata. Il nuovo terminal non è semplicemente un elegante edifcio-infrastruttura pensato per assolvere a funzioni specifche, è una ricerca di relazione tra spazi antropizzati, spazi pubblici e la dimensione naturale.
La relation entre les systèmes – d’eau, de terre et d’air – reste un thème central de la philosophie de Femia qui a toujours orienté ses recherches vers la Méditerranée, considérée comme élément géographique et culturel d’équilibre, un aimant, un attractif et, en même temps, comme antenne. Histoire, identité, art, architecture, mémoire, science, innovation : c’est autour de ces thèmes que s’articulent des ouvrages tels que le complexe “8ème Art” à Marseille (qui trouve son identité dans le bleu de la mer et du ciel), “Tempodacqua” pour la Biennale de Pise (2019) ou la récente expérience de la première édition de la Biennale dello Stretto de Messine, suite logique d’un autre projet culturel intitulé “Mediterranei Invisibili”. Mais aussi des projets en cours, tels que le Nouveau terminal de croisière à La Spezia, conçu comme un objet architectural qui contribue construire un paysage urbain sous lequel réaliser les volumes qui servent aux activités. Une structure qui ordonne les fux, les accueille, les accompagne, les gère, qui délimite des “territoires” et des activités sous un toit poreux, partiellement utilisable pour des événements publics, une “place suspendue au-dessus de la mer”, ou le terminal de croisière Porto Corsini à Ravenne, qui défnit des relations différentes avec les deux horizons de référence, celui en direction de la mer et celui en direction du parc des Dunes (également à travers le toit végétalisé). Mais aussi avec la ville, grâce au renvoi aux représentations iconiques byzantines dans les plaques en béton en goutte d’eau de la façade. Le nouveau terminal n’est pas simplement un bâtiment élégant conçu pour des activités spécifques, il est aussi le résultat d’une recherche de la relation entre espaces anthropisés, espaces publics et dimension naturelle.
The issue of interaction between systems – water, land and air –remains a focal point of Femia’s philosophy as he has constantly concentrated on the Mediterranean as a geographic and cultural point of equilibrium, a magnet, attractive force and antenna at the same time. History, identity, art, architecture, memory, science and innovation: works such as the “8th Art” complex in Marseilles (whose identity lies in the blue of the sea and sky), “Tempodacqua” designed for the Pisa Biennial (2019) or a recent project for the frst edition of the “Biennale dello Stretto” – a spontaneous continuation of another cultural project, “Mediterranei Invisibili” – are all devised around these themes. So are certain ongoing projects such as the Nuovo Terminal Crociere (New Cruise Terminal) in La Spezia designed like an architectural object helping create an urban landscape with buildings constructed beneath it. A structure that orders, accommodates, accompanies, manages fows, marks “territories” and functions under a porous roof that can also be used for hosting public events, a “square suspended above the sea”. Similarly, Porto Corsini Cruise Terminal in Ravenna, which interacts in different ways with the sea and a Dune Park (partly through its green roof). It also dialogues with the city through references to iconic Byzantine representations in the cement panels on the façade. The new terminal is not simply an elegant building-infrastructure designed to serve specifc purposes, it is also an attempt to create interaction between man-made spaces, public spaces and nature.
Da quando il nostro progenitore uscì dalle caverne e decise di costruire il suo rifugio inizia la sfda al farlo meglio. È l’input che dà inizio alla storia dell’architettura. Ce lo rammenta Moon Hoon che nella Corea del Sud modella le sue opere con una straordinaria verve inventiva, lontana degli ismi che appaiono nelle pagine patinate delle riviste. Questo modo di procedere supera il desiderio del “facciamolo strano” per tornare a esplorare archetipi che, come la tenda – modello del padiglione coreano all’Expo di Dubai – sembravano sepolti e dimenticati. Andando sul suo sito (www.moonhoon.com) si scopre che è davvero lunga la lista delle sue invenzioni iniziate nel 2003. Terminano con BK Book Museum che rinvia ai paesaggi di Emilio Ambasz su cui poggiano volumi puri di memoria lecorbusiana. Bubble è una villa trasparente del 2017 mentre Two Moon Junction del 2015 ci parla di una collisione tra una sfera e un cubo dove rimangono tutti illesi e sembrano nascondersi in un gioco di trasparenze dove il cemento viene modellato con la raffnatezza a cui ci ha abituato Tadao Ando. Di sicuro interesse la galleria dei suoi disegni dove spicca per l’invenzione Modello 6 Wind Guest House del 2014, Hoon Moon un asciuga capelli che potrebbe appartenere al mondo di Moebius. Cosa aggiungere? Il nostro autore esprime con piglio e coraggio il desiderio di fuggire dalle forme banalizzate che si stagliano nell’orizzonte del quotidiano ed è per questo che gli siamo grati.
Mario PisaniC’est à partir du moment où notre ancêtre a quitté les cavernes et a décidé de construire son abri, que le déf de faire toujours mieux a été lancé. C’est ainsi qu’a commencé l’histoire de l’architecture. C’est ce que nous rappelle l’architecte Moon Hoon qui réalise ses ouvrages en Corée du Sud avec une extraordinaire créativité, loin des ismes fgurant sur le papier glacé des magazines.
Cette façon de travailler va au-delà de l’envie de “faire du bizarre” pour revenir à l’exploration des archétypes qui, comme la tente – modèle du pavillon coréen à l’Expo de Dubaï – semblaient oubliés et enterrés.
En visitant son site Internet (www.moonhoon.com), on découvre que la liste de ses inventions, qui ont commencé en 2003, est vraiment longue. Elle se termine avec le BK Book Museum qui renvoie aux paysages d’Emilio Ambasz où reposent des volumes d’un pur style Le Corbusier. Bubble est une villa transparente construite en 2017, tandis que Two Moon Junction, de 2015, nous parle d’une collision entre une sphère et un cube qui en sortent tous deux indemnes et semblent se cacher dans un jeu de transparences où le béton est travaillé avec le raffnement auquel Tadao Ando nous a habitués.
La galerie de ses dessins est très intéressante, où se distingue pour son invention Model 6 Wind Guest House Hoon Moon de 2014, un sèche-cheveux qui pourrait sortir tout droit du monde de Moebius. Que pouvons-nous ajouter ? Notre architecte exprime avec vigueur et courage sa volonté d’échapper aux formes banalisées qui se proflent à l’horizon du quotidien, ce dont nous lui sommes reconnaissants.
From the moment our ancestors emerged from the caves and decided to build shelters, the challenge to do it better began. This makes th4e onset of the history of architecture. We are reminded of this by Moon Hoon, who, working in South Korea, shapes his works with extraordinary inventive verve, far removed from the isms that appear on the glossy pages of magazines. This way of working goes beyond a desire to ‘make it weird’ in order to explore archetypes which, like the tent (the inspiration behind the Korean Pavilion at Dubai Expo), seemed have been buried away and forgotten. Visiting his website (www.moonhoon.com) you can fnd a very long list of his inventions dating back to 2003. It ends with BK Book Museum that evokes the landscapes of Emilio Ambasz inspired, in turn, by Le Corbusier’s pure structures. ‘Bubble’ is a transparent house from 2017, while ‘Two Moon Junction’ from 2015 tells us of a collision between a sphere and a cube in which nobody is hurt and everybody manages to hide away in an interplay of transparencies in which concrete is shaped with the kind of elegance that Tadao Ando has accustomed us to. There is a very interesting gallery of his drawings featuring his extremely inventive Model 6 Wind Guest House from 2014, and his Hoon Moon hair dryer that looks like something from the world of Moebius. What else can we add? This architectural designer works with real panache and a courageous desire to escape from the trivialised forms characterising everyday life and for that we are truly grateful.
Intorno al 2005 ho iniziato a scarabocchiare molta architettura fantastica variando su temi di azione, erotismo e biomimetismo. Il tema dell’architettura dei molluschi mi è rimasto impresso da allora. Ne ho sperimentato molte versioni diverse.
Hanno un guscio esterno duro che protegge la morbida carne all’interno, che richiama molto l’idea di architettura. Ho immaginato una grande architettura di molluschi, con spazi molto fessibili come i muscoli. Di recente, in concomitanza con l’interesse per la tipografa e l’imitazione dei simboli talismanici dello sciamanesimo coreano, ho avviato un esperimento con l’architettura dei molluschi. Comincio scrivendo-disegnando con un pennello, il mio staff scansiona il disegno e lo mette nel computer per creare un modello 2D, che viene ruotato di 360° su un asse centrale verticale, molti segmenti vengono poi buttati via per trovare un aspetto esteticamente gradevole e una forma equilibrata. Questo tipo di esercizio crea una possibilità di architettura senza alcuna relazione con i programmi. Ho scoperto molti spazi interessanti e possibili utilizzi dal modulo generato dal computer. Gli angoli di molte lastre mi hanno ispirato a pensare di utilizzare questo come un cinema aperto senza pareti. L’intera struttura potrebbe essere utilizzata come centro sperimentale-culturale in un’area urbana, come il distretto di Gangnam a Seoul. Prima di diventare una realtà, penso che questo tipo di esperimento architettonico possa migliorare le esperienze spaziali digitali e virtuali, che forniranno un nuovo tipo di utilizzo del programma, inventando, scoprendo l’esperienza spaziale.
Vers 2005, j’ai commencé à griffonner beaucoup de dessins d’architecture fantaisiste sur les thèmes de l’action, de l’érotisme et du biomimétisme. Depuis, le thème de l’architecture des coquillages m’est resté en tête. J’ai essayé de nombreuses versions différentes de ce concept. Ils ont une coquille extérieure dure qui protège la chair molle à l’intérieur, ce qui correspond bien à l’idée d’architecture. J’ai imaginé une grande architecture de coquillages, avec des espaces très fexibles comme le sont les mollusques. Récemment, dans le cadre de mon intérêt pour la typographie et l’imitation des symboles talismaniques du chamanisme coréen, j’ai commencé une expérience d’architecture de coquillages. Je commence par écrire-dessiner avec un stylo pinceau. Mon équipe doit ensuite scanner le dessin et le saisir sur un ordinateur pour en faire un modèle 2D, que l’on fait pivoter à 360° sur un axe central vertical. De nombreux segments sont ensuite supprimés pour obtenir une forme esthétiquement agréable et équilibrée.
Ce type d’exercice permet d’envisager une architecture qui n’a aucun rapport avec des programmes antérieurs. J’ai découvert beaucoup d’espaces intéressants et d’utilisations possibles de la forme générée par ordinateur.
Les angles de plusieurs plaques m’ont fait penser à l’utiliser comme un cinéma ouvert sans parois.
La structure tout entière pourrait être utilisée comme centre culturel expérimental dans une zone urbaine, telle que le quartier Gangnam à Séoul par exemple. Avant de se concrétiser, je pense que ce type d’expérience architecturale peut améliorer les expériences numériques et virtuelles de l’espace, ce qui fournira un nouveau type d’utilisation des programmes, en inventant et en découvrant l’expérience spatiale.
Around 2005 I started doodling a lot fantastical architecture varying on themes of action, eroticism and bio mimicry. The shellfsh(selfsh) architecture theme has stuck with me since then. I have been experimenting with many different versions of it.
They have strong outer shell that protect the soft fesh inside, which relates much to the idea of architecture. I imagined a large shellfsh architecture, having very fexible spaces like muscles. Recently, in conjunction with interest in typography and mimicking talismanic symbols of Korean shamanism, I launched an experiment with shellfsh architecture. I start by write-drawing with brush pen, my staff would then scan it and put it to a computer to make a 2D template, which is revolved 360° on a vertical center axis, many segments are then thrown away to fnd an aesthetically pleasing and balanced form. This kind of exercise brings about a possibility of architecture without any relationships to prior programs. I discovered a lot of interesting space and possible usages from the computer generated form. The angles of many slabs inspired me to think about using this as an open cinema without walls.
The whole structure could be used as an experimental-cultural center in an urban area, such as Gangnam district of Seoul. Before becoming a reality, I think this kind of architectural experiment can enhance digital and virtual spatial experiences, which will provide a new kind of program usage, inventing, discovering spatial experience.
Circa un decennio fa, c’è stato un lento aumento di nuove e fantasiose caffetterie con gustosi pasticcini in ambienti non urbani, dove gli abitanti delle città potevano godere un po’ di tranquillità. Ora, questo tipo di edifcio, costruito esclusivamente per caffè e panetterie, sta apparendo in ogni angolo della Corea del Sud. Questa frenesia è il contesto in cui si parla di BK Book Museum. Il sito appartiene a un masterplan più ampio nella catena montuosa e rocciosa vicino al fume Imjin, a circa un’ora e mezza di auto da Seoul. Il paesaggio lungo la cima di queste basse montagne possiede viste spettacolari. Il concetto è iniziato con uno spazio quadrato simile a un mandala, con una copertura sospesa che emula i contorni della montagna e con gradini calpestabili per sedersi. I solidi ideali e utopici di sfera, piramide e cubi sono presentati come un padiglione per pozzi di luce o come un ascensore per pozzi di luce dal basso. L’interno è un ampio spazio aperto a gradini con tunnel a breve distanza che si estendono in tre direzioni. L’interno a gradini è fuso con scaffali per libri e molti gruppi di sottili colonne rotonde rifettenti che evocano il senso di una foresta che avrebbe potuto essere. Ho trasmesso l’idea di un caffè senza libri con molti scaffali vuoti, solo per essere riempiti da quaderni. I quaderni verranno consegnati ai visitatori, che scarabocchieranno o scriveranno qualcosa e lo lasceranno, per poi tornare a farlo di nuovo.
Il y a environ une dizaine d’années, nous avons a assisté à une lente multiplication de nouveaux cafés luxueux proposant des pâtisseries délicieuses dans des environnements très peu urbains, où les habitants des villes pouvaient jouir d’une certaine tranquillité. Aujourd’hui, ce type de bâtiment, construit uniquement pour les cafés et les boulangeries-pâtisseries, feurit aux quatre coins de la Corée du Sud. Cette frénésie est le contexte dans lequel s’inscrit le BK Book Museum. Le site fait partie d’un schéma directeur plus vaste dans la chaîne de montagnes rocheuses près de la rivière Imjin, à environ une heure et demie de route de Séoul. Du sommet de ces montagnes plutôt basses, le paysage offre des vues spectaculaires. Le concept s’est développé d’un espace carré ressemblant à un mandala, avec un toit suspendu qui épouse les contours de la montagne existante, et prévoit des gradins où s’asseoir. L’idéal, les solides utopiques de la sphère, de la pyramide et des cubes sont présentés comme un pavillon à puits de lumière, ou un ascenseur avec puits de lumière d’en bas. L’intérieur est un grand espace ouvert étagé avec des tunnels rapprochés qui se déploient dans trois directions.
L’intérieur étagé est agrémenté de rayonnages et de nombreux groupes de colonnes rondes et fnes réféchissantes qui évoquent une forêt qui aurait pu exister.
J’ai évoqué l’idée d’un café sans livres avec beaucoup d’étagères vides, qui ne sont remplies que par des carnets. Ces petits carnets seront offerts aux visiteurs, qui pourront y gribouiller ou y écrire quelque chose et les laisser sur place, de manière à ce qu’ils reviennent le faire de nouveau.
Maybe a decade ago, there was a slow build-up of new and fancy coffee shops with tasty pastries in very un-urban settings, where urban dwellers could enjoy some kind of tranquility. Now, this type of building, solely built for coffee and bakery shops are shooting at every corner of South Korea. This frenzy is the context where we talk about BK Book Museum.
The site belongs to a larger masterplan in the mountain and cliff range by the Imjin river, about an hour and half drive from Seoul. The scenery along the top of this low rise mountain possesses spectacular views. The concept began with a square mandala-like space, roofing, hovering above and emulating the contours of existing mountain, and providing walkable seat-steps.
The ideal, utopian solids of sphere, pyramid and cubes are introduced as either light-well pavilion or a lightwell elevator from below. The interior is a large stepped open space with short distanced tunnels extending in three directions. The stepped interior is fused with bookshelves and many clusters of slim refective round columns evoking a sense of a forest that might have been.
I conveyed an idea of bookless café with many empty bookshelves, only to be flled in by notebooks. The small notebooks will be given to visitors, who would scribble or write something and leave it, so that they would return to do it again.
Project: Moon Hoon/Moonbalsso (www.moonhoon.com)
Project Team: Yoon Sung-Bong, Park Sang-Hyuck, Park Ki-Bum, Moon Hoon
Structure Engineering: SDM
Mechanical/Electrical Engineering: Chung-hyo
La RP BIO è frutto di un’azienda farmaceutica molto famosa con una lunga storia, guidata dalla generazione più giovane dei proprietari. Il brief del progetto richiedeva un edifcio iconico con una forte vitalità e funzionalità. Volevano un edifcio per uffci con spazi culturali.
La pillola per la protezione del fegato chiamata Urusa è una pillola molto nota ai bevitori coreani. È in circolazione da più di 60 anni. La prima interpretazione del design è stata quella di utilizzare il suono della pillola in coreano, che deriva da “R-Yak”. Quindi la lettera “R” è stata l’inizio per la forma complessiva dell’edifcio. La “R” poteva funzionare come uffci impilati con movimenti orizzontali mentre l’apertura centrale e l’apertura inferiore verso il livello del suolo potevano essere utilizzate per eventi culturali e ricreativi .
I movimenti orizzontali del pavimento determinano balconi per uffci nella parte anteriore e posteriore dell’edifcio. C’è una seconda serie di balconi più piccoli casuali sugli altri lati dell’edifcio, racchiusi da un muro forato come seconda pelle, che fornisce uno spazio comune visivamente connesso a diversi livelli dell’edifcio.
Lo scultorio parco giochi sul tetto è il luogo dove esercitarsi coi colori della psichedelia.
RP BIO est une branche d’une société pharmaceutique très connue, qui a une longue histoire, et qui est dirigée par la génération la plus jeune de ses propriétaires. Le projet prévoyait un bâtiment emblématique doté d’un grand dynamisme et d’une excellente fonctionnalité. Ils voulaient un immeuble de bureaux doté d’espaces culturels.
Le médicament pour la protection du foie appelé Urusa est un produit très populaire auprès des buveurs coréens. Il existe depuis plus de soixante ans. La première approche du projet a été d’utiliser le son du mot “pilule” en coréen, qui se traduit par “R-Yak”. “R” qui signife œuf ou forme ressemblant à un œuf et “Yak” qui signife médicament. Ainsi, la lettre “R” a été le point de départ de la forme générale du bâtiment. Le “R” en question pourrait fonctionner comme bureaux superposés avec des mouvements horizontaux, tandis que l’ouverture centrale, l’ouverture du bas située au niveau du sol pourrait être utilisée pour des événements culturels et récréatifs. Les mouvements horizontaux du sol génèrent des balcons pour les bureaux situés sur le devant et à l’arrière du bâtiment. Une deuxième série de balcons plus petits disposés de manière aléatoire sur les autres côtés du bâtiment, entourés d’un mur perforé en guise de seconde peau, crée un espace commun visuellement relié aux différents étages du bâtiment. L’aire de jeux sculpturale située sur le toit permet de faire de l’exercice sous des couleurs psychédéliques.
The RP BIO is an off shoot from a very famous pharmaceutical company with a long history, headed by a younger generation from the owner side.
The project brief asked for an iconic building with strong vitality and functionality. They wanted an offce building infused with cultural spaces.
The Liver Protection Pill named Urusa is a very iconic pill for Korean drinkers. It has been around for more than 60 years.
The frst take on the design was to use the sound of the pill in Korean, which comes to “R-Yak”. So the letter “R” was a start of an overall shape of the building. The “R” itself could work as stacked offces with horizontal movements while the middle opening and lower opening towards the ground level could be used for cultural and recreational events.
The horizontal movements of the foor bring about balconies for offce space in the front and rear of the building.
There is a second set of smaller balconies at random at the other sides of the building, enclosed by perforated second skin wall, which provides a visually connected communal space at different levels of the building.
The sculptural rooftop playground is where you can exercise under the colors of psychedelia.
Project: Moon Hoon/Moonbalsso (www.moonhoon.com)
Project Team: Park Jung-Wook, Jo Gun-Young, Moon Hoon
L’isola di Jeju è molto ventosa e il tempo cambia istantaneamente. Le rocce basaltiche sono ovunque, delimitano i campi e le singole case. Le orum, una sorta di collinette, sono ovunque, più di 350 nell’isola di Jeju.
La casa simile a un bunker è scavata nella terra, con un atrio nel mezzo come primo piano. La feritoia orizzontale, come in Villa Savoye, taglia a metà la casa, una parte sommersa, l’altra galleggiante. L’insopportabile leggerezza dell’essere pesante è un’aspirazione a essere ostaggio dell’idea dell’antigravità. L’umile e basso tetto curvo rendeva omaggio alle case tradizionali di Jeju.
La rotazione della struttura ha portato molteplici punti di vista negli spazi abitativi. Ha anche dato vita a molte grandi verande dove poter ospitare diverse funzioni all’aperto
L’île de Jeju est très exposée au vent et la météo change très rapidement. Les rochers de basalte sont partout, et délimitent les champs et les maisons individuelles. Les orum, sorte de petites collines, sont également partout, l’île de Jeju en compte plus de 350. La maison, à l’architecture de type bunker, est ancrée dans la terre, avec un hall au milieu comme premier étage. La fente horizontale, comme pour la Villa Savoye, coupe la maison en deux, une partie étant immergée et l’autre fottante. L’insoutenable légèreté de l’être lourd est une envie d’être pris en otage par l’idée de l’anti-gravité. Le modeste toit bas et incurvé rend un vibrant hommage aux maisons traditionnelles de Jeju.
La torsion de la structure a permis de multiplier les angles de vue sur les espaces de vie. Elle a également permis de créer plusieurs grandes vérandas où différentes activités en plein air peuvent être organisées.
Jeju island is very windy and weather changes instantaneously. The basalt rocks are everywhere, demarcating felds, and individual houses. The orum, a sort of little hill, is everywhere, more than 350 of them in Jeju island.
The bunker-like home is trenched into the earth, with an atrium in the middle as the frst foor. The horizontal slit like Villa Savoye cuts the home in half, one submerged, the other foating. The unbearable lightness of the heavy being is an aspiration to be held hostage to the idea of anti-gravity. The humble low lying curved roof paid much homage to the traditional homes of Jeju.
The rotation of the structure has brought multiple view points to the living spaces. It also gave birth to many large verandas where different outdoor functions could be accommodated.
Client: JJ
Project: Moon Hoon/Moonbalsso (www.moonhoon.com)
Design Team: Kim Jaekwan, Kim Haeree, Park Jeonguk, Song Giwon, Tomasz Kisilewicz
Poiché l’attività si chiama Queens Bucket, Moon Hoon ha progettato una serie di volumi impilati a forma di secchio che hanno raggiunto il limite di altezza dell’edifcio. La forma è stata quindi manipolata per massimizzare lo spazio sul pavimento, consentire l’ingresso della luce naturale e rispettare i codici edilizi. due piani sotterranei sono utilizzati come deposito e come area lounge per colloqui e riunioni casuali. Il piano terra dal sofftto alto funge da fagship store dell’azienda, mentre un soppalco funge da showroom. Il micro fagship store espone molti prodotti di sesamo dorato che sono impilati verticalmente come piccoli Buddha dorati in alcuni templi buddisti coreani. I due piani successivi ospitano fabbriche per la produzione di olio di sesamo, mentre il quarto piano presenta una grande fnestra ad angolo dove è situata una cucina da forno. Al livello più alto, un tetto ha un tavolino da bar e possono essere sistemati sgabelli per le riunioni. Il micro edifcio è molto denso come un microchip, ogni parte e ogni angolo sono pensati per il miglior utilizzo dello spazio. Le porte d’ingresso nell’angolo del primo piano sono controllate a distanza e meccanicamente. Si possono battere le mani o gridare “apriti sesamo” per aprirlo. ma si saprà la verità solo quando si visiterà effettivamente l’edifcio...
Comme l’entreprise s’appelle Queens Bucket, Moon Hoon a conçu une série de volumes superposés en forme de seau qui arrivent à la limite verticale du bâtiment. La forme a ensuite été retravaillée afn de maximiser l’espace au sol, de laisser entrer la lumière naturelle et de respecter les normes de construction. Deux niveaux souterrains sont utilisés comme espace de stockage et comme coin salon pour les entretiens et les réunions.
Le rez-de-chaussée, dont le plafond est très haut, sert de magasin phare de la société, tandis qu’une mezzanine sert de salle d’exposition.
La micro boutique phare expose toute une série de produits à base de sésame doré, disposés verticalement comme les petits bouddhas dorés de certains temples bouddhistes coréens.
Les deux autres étages abritent des ateliers de fabrication d’huile de sésame, tandis que le quatrième étage est doté d’une grande baie vitrée en angle avec une cuisine de boulangerie.
Au dernier étage, le toit-terrasse est équipé d’une petite table de bistrot et de tabourets, pour les entretiens informels.
Le micro-bâtiment est très compact, comme une micro-puce, chaque partie et chaque coin sont utilisés de manière à optimiser l’espace.
Les grandes portes d’entrée dans le coin du premier étage sont commandées à distance et mécaniquement. Vous pouvez applaudir ou crier “sésame ouvre-toi” pour qu’elles s’ouvrent, mais bien sûr, vous ne connaîtrez la réalité que lorsque vous visiterez effectivement le bâtiment…
As the business is called Queens Bucket, Moon Hoon designed a series of stacked bucket-shaped volumes that reached the building’s height limit. The form was then manipulated in order to maximize foor space, allow natural light to enter, and comply with building codes. two underground foors are used for storage and as lounge area for casual talks and meetings.
The high-ceilinged ground foor serves as the company’s fagship store, while a mezzanine level functions as a showroom. The micro fagship shop exhibits many golden sesame products which are stacked vertically like little golden Buddhas in some Korean buddhist temples. The next two storeys are factories for the manufacturing of sesame oil, while the fourth foor features a large angled window where a bakery kitchen is situated.
At the uppermost level, a rooftop has a small bar table and stools for gatherings can take place.
The micro building is very dense like a microchip, every part and corner are utilized for best spatial usage. The entrance doors in the corner of frst foor are remotely and mechanically controlled. You can clap or shout “open sesame” for it to open. but you will only know the truth when you actually visit the building…
Section
Client: Queens Bucket (CEO : Park Jung-Yong)
Project: Moon Hoon + Moohoi (www.moonhoon.com)
Project Team: Kim Jae-Kwan, Park Jung-Wook, Jo Gun-Young, Park Ki-Bum
Structure Engineering: SDM Construction: Sung-an Mechanical/Electrical Engineering: Chung-hyo
Ce projet a ramené Jakob + MacFarlane dans la ville normande pour laquelle ils avaient déjà conçu le théâtre L’Eclat il y a près de deux décennies. Le nouveau complexe cinématographique est situé en bordure de Pont-Audemer (mais toujours à distance de marche du centre-ville) et défnit un futur axe commercial construit sur le site d’une fonderie démolie.
Six salles de cinéma allant de 40 à 280 places sont développées en coupe du rez-de-chaussée au premier étage. Les architectes ont décidé d’empiler les pièces, dans une séquence de petite à grande, créant un volume compact qui laisse de la place au niveau du sol pour organiser un grand hall transparent qui donne sur la nouvelle zone écologique.
L’ensemble formé du nouveau cinéma avec l’ancienne gare ferroviaire transformée en restaurant, signale le nouveau quartier commerçant et de loisir de la ville. La coque métallique de couler rose vif qui recouvre le volume en surplomb, affrme l’appartenance du bâtiment à la culture urbaine marquant l’entrée de ville et le renouveau du quartier.
Le projet répond à la norme BBC (Bâtiment Basse Consommation). Cela comprend la conception bioclimatique, l’enveloppe du bâtiment thermiquement effcace, la protection solaire, le système de récupération d’énergie pour la centrale de traitement d’air avec une effcacité supérieure à 80%, le système de free cooling en période estivale et la ventilation par déplacement. Le choix des matériaux garantit la pérennité du projet ; pour la décoration intérieure, des matériaux A + à très faibles émissions sont utilisés.
Questo progetto ha riportato Jakob + MacFarlane nella città della Normandia per la quale avevano già progettato il teatro L’Eclat quasi due decenni fa. Il nuovo complesso cinematografco si trova ai margini di Pont-Audemer (ma comunque a pochi passi dal centro del paese) e defnisce un futuro asse commerciale costruito sul sito di una fonderia demolita.
Sei sale cinematografche di dimensioni comprese tra 40 e 280 posti si sviluppano in sezione dal piano terra al primo piano.
Gli architetti hanno deciso di impilare le sale, in una sequenza da piccola a grande creando un volume compatto che lascia spazio a livello terreno per organizzare un’ampia hall trasparente affacciata sulla nuova zona ecologica. Insieme a una vecchia stazione ferroviaria riadattata a ristorante, il multisala segnala la nuova area dello shopping e dell’intrattenimento della città e grazie al rosa acceso che riveste il volume in aggetto si erge a simbolo del rinnovamento del quartiere affermando la sua appartenenza alla cultura urbana.
Il progetto soddisfa lo standard BBC (Low-Consumption Building). Ciò include la progettazione bioclimatica, l’involucro dell’edifcio termicamente effciente, la protezione solare, il sistema di recupero energetico per l’unità di trattamento dell’aria con un’effcienza superiore all’80%, il sistema di free cooling nel periodo estivo e la ventilazione a dislocamento. La scelta dei materiali garantisce la durabilità del progetto; per l’interior design vengono utilizzati materiali A+ a bassissime emissioni.
This project brought Jakob + MacFarlane back to the Normandy town for which they had already designed L’Eclat theater almost two decades ago. The new cinema complex is located on the edge of Pont-Audemer (but still within walking distance of the town center) and anchors a future commercial strip emerging on the site of a demolished foundry. Six movie theatres ranging in size from 40 to 280 seats are stepped up in section from ground to frst foor. The architects decided to stack the cinemas, with their naturally tiered shapes, into a small-to-large sequence – which created a raked volume with enough space underneath to wedge in an ample public lobby. The transparent lobby overlooks the newly created ecological zone. Together with an old train station repurposed into a restaurant, the cineplex signals the town’s new shopping and entertainment area and thanks to the strong pink enveloping the exterior of the cantilevered volume they become landmarks of the neighbourhood emphasizing their rootedness in the urban culture.
Environmental performance: The project meets the BBC (Low-Consumption Building) standard. This includes bioclimatic design, thermally effcient building envelope, solar protection, energy recovery system for the air handling unit with over 80% effciency and free cooling system the summer period, and displacement ventilation. The choice of materials ensures the project’s durability; extremely low-emission A+ materials are used for interior design.
Client: The City of Pont-Audemer Project: Jakob+MacFarlane (www.jakobmacfarlane.com)
Associate Architect: Atelier des deux anges
Engineers/Environmental consultants/Cost consultants: EGIS Bâtiments Centre Ouest Acoustics: J.-P. Lamoureux Scenography: Labeyrie & Associés
Le cabinet d’architecture italien MoDus Architects a récemment réalisé TreeHugger, le nouveau bâtiment de l’offce du tourisme de la ville de Bressanone, projet lauréat d’un concours organisé en 2016. Situé juste à la limite du centre historique de cette ville du Sud-Tyrol, à côté du Palais épiscopal, cet audacieux bâtiment en béton qui attire le regard est le dernier épisode d’une série d’“homicides architecturaux” qui date des années 1800 et va jusqu’aux années 1970. Avec ses formes sculpturales élégantes, le bâtiment, enveloppe l’espace public dans ses courbes sinueuses, et crée de nouvelles connexions visuelles, non seulement avec le bâtiment principal du Palais épiscopal, mais aussi avec les deux pavillons chinois et japonais plus petits situés aux coins des beaux jardins. Le site est caractérisé par un arbre monumental existant qui détermine la conception du projet.
TreeHugger s’enroule et tourne autour du platane central et crée un lien indissociable entre nature et architecture. Les caractéristiques visuelles et tactiles des murs rugueux en béton bouchardé et de l’écorce écailleuse du platane s’imitent mutuellement Avec le tronc d’arbre comme point d’appui, cinq portées arquées projettent le bâtiment vers le haut encadrant la cime du platane.
Afn de réaliser une surface verticale uniforme en béton, toute la hauteur des murs a été coulée d’un seul bloc et par sections successives pour former un cercle continu de 9 mètres de haut, dans lequel les plaques de béton ont ensuite été coulées.
La courbure des murs et les dalles de plancher forment une composition concertée où la forme, la structure et les façades du bâtiment ne font qu’un.
Le bâtiment est presque entièrement vitré au rez-dechaussée, qui abrite les espaces publics et les guichets d’information, pour offrir un maximum de transparence et de praticité.
L’entrée est nettement marquée par les fenêtres en retrait et le grand porte-à-faux qui s’avance vers la nouvelle place. L’étage supérieur, éservé aux bureaux de l’administration, est fermé et énigmatique du fait de la succession de ses surfaces convexes.
Avec ses courbes accueillantes équilibrées par la tectonique décisive du béton, TreeHugger dialogue avec son contexte historique tout en attirant naturellement les passants et les visiteurs.
Lo studio di architettura italiano MoDusArchitects ha recentemente completato TreeHugger, un nuovo edifcio che ospita l’Uffcio di Informazioni Turistiche della città di Bressanone, vincitore di un concorso del 2016. Situato al limite del centro storico della città altoatesina, accanto al Palazzo Vescovile, l’edifcio in cemento bocciardato dal carattere deciso è l’ultimo episodio di una serie “omicidi premeditati” di architetture che si sono susseguite dal 1800 fno agli anni ‘70. Il volume scultoreo avvolge lo spazio pubblico con curve sinuose, creando nuove connessioni visive, non solo con l’edifcio principale del Palazzo Vescovile, ma anche con i due padiglioni cinese e giapponese, di dimensioni più contenute, disposti agli angoli dei giardini signorili. Le curve insolite e sinuose dei padiglioni vengono reinterpretate nell’edifcio progettato da MoDusArchitects che si trasforma nel nuovo portale d’ingresso per la città di Bressanone. L’area è caratterizzata dalla presenza di un monumentale platano di notevoli dimensioni che modella le linee guida del design . TreeHugger si avvolge attorno all’albero a suggellare un’unione indissolubile tra natura e architettura. Le qualità estetiche e tattili delle pareti ruvide in calcestruzzo bocciardato a vista, sono in giustapposizione con la corteccia del platano e si imitano reciprocamente. Sfruttando il tronco come fulcro, cinque campate ad arco liberano l’edifcio da terra, e si avvolgono intorno all’albero incorniciandone la chioma. Al fne di ottenere continuità con il guscio esterno in cemento, le pareti a tutt’altezza sono state gettate con un unico gesto e in sezioni successive formando così un anello continuo alto 9 metri, all’interno del quale sono state inserite le lastre di cemento. La curvatura delle pareti, insieme al solaio, genera una composizione sinergica in cui forma, struttura e facciate diventano un’unica entità.
Per consentire la massima trasparenza e permeabilità, il piano terra, che ospita gli spazi pubblici e i banchi informativi, è quasi interamente vetrato. Mentre l’ingresso, nettamente individuato dalle fnestre rientranti e dal grande aggetto, si apre verso la nuova piazza . Infne, la sequenza di pareti convesse dona al piano superiore, che contiene gli uffci amministrativi, un carattere introverso ed ermetico. Con le sue curve invitanti, mitigate dalla tettonica decisa del cemento, TreeHugger accende un dialogo con il contesto storico e, come un nuovo fulcro dedicato alla condivisione della cultura locale , attrae un pubblico eterogeneo di visitatori e passanti.
Italian architecture frm MoDusArchitects recently completed TreeHugger, the new Tourist Information Offce building of the city of Bressanone, a winning entry of a competition held in 2016.
Located just outside the historical centre of the South Tyrolean city, adjacent to the Bishop’s Palace, the eye-catching concrete building is the last episode in a series of “architectural homicides” dating from the 1800s up until the 1970s. The sculptural building wraps public space with sinuous curves creating new visual connections are made, not only to the main building of the Bishop’s Palace, but also to the ancillary Chinese and Japanese pavilions that mark the corners of the Palace gardens. The exotic, sinuous curves of the corner pavilions are re-interpreted in the building designed by MoDusArchitects which transforms into a new gateway for the city of Bressanone.
The site is characterized by an existing monumental tree that governs the design. TreeHugger twists and turns around the central platanus to form an inseparable connection between nature and edifce. The visual and tactile qualities of the roughhewn walls of the bush-hammered concrete and the scaly bark of the plane-tree mimic one another in their juxtaposition. With the tree trunk as the fulcrum, fve arched spans release the building from the ground, accompanying the tree upwards to draw an open frame around the tree’s crown. In order to achieve the seamless, vertical surface of the outer concrete shell, the full height of the walls was cast from one fow and in successive sections to form a continuous 9-metre-high ring, within which the concrete plates were then poured. The curvature of the walls, together with the foor slabs form a collaborative composition in which the form, the structure and the building facades become one.
The building is almost entirely glazed on the ground foor, which houses the public spaces and info booths, to allow maximum transparency and permeability. The entrance is clearly marked by the inset windows and the large overhang that cantilevers out towards the new square. The upper foor, housing the administrative offces, is closed and enigmatic in the sequence of its convex surfaces. With its welcoming curves balanced by the decisive concrete tectonic, TreeHugger strikes up a conversation with its historical context while organically attracting passersby and visitors as a magnet devoted to the sharing of local culture.
Client: Associazione Turistica di Bressanone Project: MoDus Architects (Sandy Attia, Matteo Scagnol – www.modusarchitects.com) Project Team: Irene Braito, Filippo Pesavento Structural Engineer: Luca Bragagna Site Works: Goller Bögl Electrical Installations: Elektro Josef Graber Thermo-Hydraulic Installations, Mechanical, Hvac, Plumbing Installation, Sanitation: Pezzei Contractor: Unionbau Stone and Ceramic Flooring: Bernardi & Figli Carpet Flooring: SAXL Bodenbeläge Glass Facade and Windows: Huber Hannes Exposed Concrete Bush Hammered Finish: Designtrend Subfooring and Plasterwork: Winkler-Verputz Drywall and Painting: Cimadon Décor Insulation and Plasterboard: Cimadon Décor Doors (interiors): Aster Holzbau Lift: Kronlift Furniture: Jungmann, Trias Millwork, Custom, Finishings and Furniture: Barth Interior Partitions and Furniture: Tischlerei Goller - Anders Gmbh Sheet Metal and Roof Waterproofng: Stampf Bauspenglerei Custom Metal: Ellecosta Metallbau Multimedia: ACS Exposed Concrete Supplier: Beton Eisack Insulation and Plasterboard Products: Stiferite S, Stiferite GTE, Naturaliabau Intello Glass Doors: Vetroin Window Profles: Schüco Lighting (ground foor, ceiling): Viabizzuno n55 Carpet Flooring (frst foor): Fabromont Kugelgarn Acoustic Finish: Filzfabrik Fulda Lanisor
Le bâtiment est une importante rénovation et extension de l’ancienne usine de câbles d’Helsinki datant du début des années 1940, où étaient fabriqués les câbles pour la marine. Au début des années 1990, le bâtiment a été acquis par la ville d’Helsinki et, aujourd’hui, la Cable Factory est le plus grand centre culturel de Finlande avec des musées, des galeries, des studios, des écoles d’art et de nombreux autres espaces et activités destinés à des centaines de locataires et de professionnels créatifs.
La Dance House ajoute une note contemporaine remarquable à l’histoire de l’ancienne usine et de ses environs. Le nouveau et l’ancien se côtoient tout en interagissant entre eux.
La Dance House est comme une énorme “machine à danser” moderne, conçue pour se greffer sur une ancienne usine. Les espaces sont à l’échelle industrielle et les détails peuvent être comparés aux pièces d’une machine. La Dance House dispose d’une technologie de pointe permettant de découvrir et pratiquer la danse. Le projet, qui couvre une superfcie de 7 000 mètres carrés, comprend deux salles de théâtre de style boîte noire. L’Erkko Hall est la plus grande salle de spectacles de danse des pays nordiques avec ses 26 mètres de large, 37 mètres de profondeur et 24 mètres de haut, incluant un système de sièges télescopiques mobiles, pour 700 places assises. Cet espace modulable peut accueillir jusqu’à 1000 personnes. L’auditorium, la scène et la scène latérale de l’Erkko Hall peuvent également être séparés pour former trois espaces événementiels. La salle Pannu de l’ancienne usine de câbles a été transformée en une salle de théâtre de style boîte noire plus petite pouvant accueillir de 235 à 400 personnes. Le système de sièges modulaire et amovible offre un total de 1100 places assises. Les espaces scéniques de la Danse House conviennent aussi bien à la danse qu’au cirque et à d’autres arts du spectacle complexes.
Au cœur de la Cable Factory, un toit vitré protège la cour extérieure entre les ailes de l’usine, qui se transforme ainsi en hall multifonctionnel et en espace événementiel. À l’intérieur, outre les théâtres de la Dance House, le visiteur trouvera un hall d’entrée, un restaurant, une cave servant de club souterrain et un vestiaire. Les services des coulisses comprennent une salle verte des artistes, un atelier d’entraînement, des vestiaires et des bureaux. La danse peut être partout : des halls à l’atrium, en passant par la cour vitrée et jusqu’au Cable Square, tous équipés d’installations pour les spectacles.
Dans le hall, l’œuvre interactive lumineuse intitulée The Other a été créée par l’artiste Eetu Huhtala. Le système d’éclairage réagit en douceur aux mouvements des visiteurs qui pénètrent dans cet espace, créant ainsi une installation lumineuse délicate et expérientielle. L’œuvre lumineuse interactive se transforme en art selon les mouvements des personnes présentes dans cet espace, un peu à la manière d’une danse.
L’edifcio è una signifcativa ristrutturazione ed estensione dell’ex fabbrica di cavi di Helsinki risalente ai primi anni ‘40, dove venivano prodotti i cavi marini. All’inizio degli anni ‘90, l’edifcio è stato acquisito dalla città di Helsinki e, oggi, la Cable Factory è il più grande centro culturale della Finlandia contenente musei, gallerie, studi, scuole d’arte e molti altri spazi e funzioni per centinaia di inquilini creativi e professionisti.
La Dance House aggiunge uno straordinario strato contemporaneo alla storia dell’ex fabbrica e dei suoi dintorni. Il nuovo e il vecchio sono posti in contrasto, ma anche in dialogo tra loro.
La Dance House è come un’enorme e moderna “macchina per la danza”, progettata per collegarsi a una vecchia fabbrica. Gli spazi sono di scala industriale e i dettagli possono essere identifcati come parti di una macchina.
La Dance House fornisce una tecnologia all’avanguardia per sperimentare e danzare.
Il progetto di 7.000 m2 contiene due teatri black-box. La Erkko Hall è lo spazio più grande per spettacoli di danza nei Paesi Nordici: 26 metri di larghezza, 37 metri di profondità e 24 metri di altezza, incluso un sistema di posti a sedere telescopico mobile da 700 posti. Lo spazio fessibile può ospitare fno a 1.000 persone. L’auditorium, il palco e il palco laterale della Erkko Hall possono anche essere separati per formare tre spazi per eventi. La vecchia Pannu Hall della Cable Factory è stata ridisegnata in uno spazio teatrale più piccolo con una black-box per 235-400 persone.
Il sistema di sedute componibili e mobili ha un totale di 1.100 posti a sedere. Gli spazi per spettacoli della Dance House sono ugualmente adatti per la danza, il circo e altre arti performative.
Il progetto Dance House ospita un nuovo cuore per Cable Factory, un tetto vetrato che protegge lo spazio del cortile esterno tra le ali della fabbrica trasformandolo in ingresso multifunzionale e spazio per eventi. All’interno, oltre ai teatri, si trovano: l’atrio; un ristorante; una cantina che funge da club sotterraneo e guardaroba. Le strutture del back-of-house includono: la camera verde degli artisti; uno studio di formazione; spogliatoi; uffci.
La danza può diffondersi ovunque: dalle sale all’atrio, al cortile di vetro e più fuori a Cable Square, il tutto attrezzato con strutture per spettacoli. Nell’atrio, l’opera di luce interattiva The Other è stata creata dall’artista Eetu Huhtala. Il sistema luminoso reagisce dolcemente al movimento dei visitatori che entrano nello spazio, creando un’installazione luminosa delicata ed esperienziale. Il gioco di luce interattivo si trasforma in arte in base ai movimenti delle persone nello spazio, proprio come una danza.
The building is a signifcant remodelling and extension of Helsinki’s former cable factory dating from the early 1940s, where, , marine cables were manufactured. In the early 1990s, the building was acquired by the City of Helsinki and, today, the Cable Factory is Finland’s largest cultural centre containing museums, galleries, studios, art schools and many other spaces and functions for hundreds of creative tenants and professionals.
The Dance House adds a striking contemporary layer to the history of the former factory and its surroundings. The new and the old are placed in contrast, but also in dialogue with each other.
The Dance House is like a huge modern “dance machine”, designed to connect to an old factory. The spaces are industrial in scale and the details can be identifed as parts of a machine. The Dance House provides a state-of-the-art technology for experiencing and performing dance.
The 7,000 m2 project contains two black-box dance theatre spaces. Erkko Hall is the largest dance performance space in the Nordic countries: 26 metres wide, 37 metres deep and 24 metres high, including a mobile 700-seat telescope seating system. The fexible space can accommodate up to 1,000 people. The Erkko Hall’s auditorium, stage and side stage can also be separated to form three event spaces. The Cable Factory’s old Pannu Hall was redesigned into a smaller blackbox theatre space for 235-400 people. The modular and movable seating system has a total of 1,100 seats. The performance spaces of the Dance House are equally suitable for dance, circus, and other demanding performing arts.
The Dance House project houses a new heart for Cable Factory, a glazed roof to cover the outside courtyard space between the factory wings transforming it into multifunctional entrance and event space. Inside, in addition to the Dance House theatres, the visitor will fnd: the lobby; a restaurant; a cellar serving as an underground club and cloakroom. Back-of-house facilities include: the performers’ greenroom; a training studio; changing rooms; offces. Dance can spread everywhere: out of the halls to the lobby, glass courtyard and further out to Cable Square, all kitted out with performance facilities.
In the lobby, the interactive lightwork The Other is created by artist Eetu Huhtala. The light system reacts softly to movement of the visitors entering the space, which creates a delicate and experiential light installation. The interactive lightwork transforms into art according to the movements of the people in the space – just like a dance.
Project: JKMM (www.jkmm.f), ILO Architects (www.iloark.f)
JKMM Project Team: Teemu Kurkela, Harri Lindberg, Teemu Taskinen, Hannu Rytky, Salla Oikkonen, Marko Pulli, Reetta Aarnio, Anniina Koskela, Jarno Vesa, Edit Bajsz, Tatu Laakso, Asmo Jaaksi, Samuli Miettinen, Juha Mäki-Jyllilä JKMM Interiors Design Team: Noora Liesimaa, Paula Salonen ILO Architects Design Team: Pia Ilonen, Kati Murtola, Carolin Franke, Karoliina Hoppu Contructor: Haahtela Structural Design: A-Insinöörit HVAC Engineering: Granlund Theatre Technology Consulting and Engineering: BlueNode Geotechnical Engineering: Pohjatekniikka Acoustics and Sound Design: Akukon Fire Consultant: Paloässät Landscape Design: Nomaji maisema-arkkitehdit Transport Planning: WSP Finland IT & BIM Consulting: Byggnadsekonomi Steel Constructions: Teräsasennus Toivonen Steel Elements of Floating Facades: Kenno Tech Glass Ceilings and Walls: VMT Steel Windows: Warmeco Doors: Jaatimet Stage Structures and Lifting Doors: Ypäjän Metalli Cast-in-place Concrete Structures: AKR Betoni Concrete Floors: Lattiatohtori Inner Lining and Glass Walls: Inlook Audience Seating Systems: Hamari Fixtures: Merianto Install
Le nouveau bâtiment du musée ethnographique situé dans le Parc de la Ville (Városliget) de Budapest présente des lignes à la fois dynamiques et simples qui s’harmonisent avec l’environnement du parc tout en communiquant avec la zone urbaine qui l’entoure. Le Parc de la Ville n’est pas un site totalement inconnu pour le Musée ethnographique, puisque sa collection avait fait ses débuts ici lors de la National Millennium Exhibition de 1896. La collection, qui compte aujourd’hui 250 000 pièces provenant du bassin des Carpates et des quatre coins du monde, a été accueillie dans plusieurs installations depuis sa création en 1872, mais au cours de son histoire, elle n’a jamais été installée dans un bâtiment conçu spécialement pour répondre à ses besoins. Le siège actuel, qui abritait autrefois la Curie hongroise, est loin d’être adapté aux nécessités d’un musée, et est très limité en termes d’espace et de possibilités. À la suite du concours international de design, de la réalisation du projet et de son achèvement en mai 2022, le musée ethnographique a fnalement trouvé son nouveau siège dans un bâtiment moderne, de standing international, qui répondra aux exigences professionnelles tout en satisfaisant aux besoins de la collection et des visiteurs. Les lignes légèrement incurvées permettent au bâtiment de faire fonction de porte d’entrée et de passage reliant la ville et le parc. 60 % de la structure se trouvent sous le niveau du sol et, grâce à la toiture végétalisée et à la transparence des parties hors sol, le nouveau musée est adapté à son environnement, notamment en termes d’échelle. Le toit couvert de gazon est un espace commun agréable à la disposition des visiteurs du Városliget. La marque de fabrique du bâtiment est le mur-rideau en verre qui entoure le jardin sur le toit, qui évoque deux pentes entrelacées, et a une caractéristique unique : il est constitué de près d’un demi-million de “pixels”, une trame formée par une grille métallique inspirée de motifs ethnographiques sélectionnés dans les collections hongroises et internationales du musée. Ces “pixels” ont été incorporés à une grille en aluminium découpée au laser, et dont plus de 2 000 sont fxés au bâtiment. Les petits cubes étaient composés de 20 interprétations contemporaines hongroises de motifs ethnographiques et de 20 interprétations internationales. Les nouvelles activités et les espaces fexibles du bâtiment abritant le musée moderne et à la pointe de la technologie faciliteront une meilleure compréhension du patrimoine historique que représente la collection, ainsi qu’un grand nombre d’aspects de la société contemporaine. Outre la transmission de cet héritage historique, la réalisation de thèmes et de perspectives professionnelles et de recherche plus récentes continue de fgurer parmi les objectifs prioritaires du musée, comme en témoigne ce projet. Les espaces construits de manière créative ouvriront de nouvelles possibilités de communication avec les visiteurs, en permettant de présenter côte à côte des objets du quotidien, des phénomènes et des idées du passé et du présent. Le musée a été conçu en tenant compte le plus possible des nécessités, et par conséquent facilite considérablement le fonctionnement moderne à grande échelle, ainsi que l’exposition visuellement attractive et diversifée d’œuvres matérielles et spirituelles patrimoine de l’humanité telles que la collection présentant du matériel hongrois et international.
Il nuovo edifcio del Museo Etnografco nel City Park di Budapest (Városliget) ha linee dinamiche ma semplici che si armonizzano allo stesso tempo con l’ambiente del parco e comunicano con l’area urbana circostante. Il City Park non è una sede del tutto sconosciuta per il Museo Etnografco, poiché era qui nel 1896, alla National Millennium Exhibition. La collezione, che ora comprende 250.000 oggetti provenienti dal bacino dei Carpazi e da ogni angolo del mondo, è stata ospitata da varie strutture sin dalla sua fondazione nel 1872, ma mai nella sua storia ha operato in un edifcio progettato specifcamente per soddisfare le sue esigenze. L’attuale sede, un tempo sede della Curia ungherese, è lungi dall’essere idonea a soddisfare le esigenze di un museo, ed è fortemente limitata in termini di spazi e opportunità. A seguito del concorso internazionale di progettazione, del successo della costruzione e del completamento nel maggio 2022, il Museo Etnografco ha fnalmente ricevuto una nuova sede in un edifcio veramente moderno di uno standard mondiale di livello mondiale che soddisferà le esigenze professionali, pur soddisfacendo le esigenze della collezione e dei visitatori allo stesso modo. Le linee leggermente curve consentono all’edifcio di fungere da porta e passaggio di collegamento tra la città e il parco. Il 60% della struttura è interrato e, grazie al tetto paesaggistico e alla trasparenza delle sezioni fuori terra, il nuovo museo si adatta anche alla sua scala ambientale. L’area del tetto erbosa è un piacevole spazio comunitario che attende i visitatori di Városliget.
Il marchio di fabbrica dell’edifcio è la facciata continua in vetro che circonda il giardino pensile, che ricorda due pendii intrecciati, con una caratteristica unica: è costituita da quasi mezzo milione di pixel, un raster formato da una griglia metallica basata su motivi etnografci. I pixel sono stati inseriti in una griglia di alluminio tagliata al laser da uno speciale robot, più di 2.000 dei quali sono attaccati all’edifcio. I cubetti erano composti da 20 rivisitazioni contemporanee di motivi etnografci ungheresi e 20 internazionali.
Le nuove funzioni e gli spazi fessibili dell’edifcio museale faciliteranno la comprensione del patrimonio storico rappresentato dalla collezione e dei vari aspetti della società contemporanea. Oltre a tramandare questo patrimonio storico, la realizzazione di temi e prospettive professionali e di ricerca più recenti continua a essere tra gli obiettivi prioritari del museo. Gli spazi costruiti in modo creativo apriranno nuove opportunità per comunicare con i visitatori. Il museo è stato progettato tenendo conto della massima considerazione per le funzioni richieste, e quindi facilita in misura signifcativa il funzionamento su larga scala, moderno e di facile utilizzo dell’istituzione, insieme alla visualizzazione delle opere materiali e spirituali patrimonio dell’umanità, così come la collezione che comprende materiale ungherese e internazionale.
The new building of the Museum of Ethnography in the Budapest City Park (Városliget) has dynamic yet simple lines simultaneously harmonised with the park environment and communicating with the surrounding urban area.
The City Park is not an entirely unknown venue for the Museum of Ethnography, since it was here in 1896, at the National Millennium Exhibition. The collection, which now comprises 250,000 items from the Carpathian Basin and from every corner of the world, has been hosted by various facilities since its establishment in 1872, but never in its history did it operate in a building designed specifcally to cater to its needs. The current location, which once was home to the Hungarian Curia, is far from being suitable to meet the requirements of a museum, and is severely limited in terms of space and opportunities. As a result of the international design competition, successful construction, and completion in May 2022 the Museum of Ethnography was fnally given a new home in a truly modern building of an all-round world-class standard that will satisfy professional requirements, while catering to the needs of the collection and visitors alike.
The gently curving lines enable the building to function as a gateway and a passage linking the city and the park. 60% of the structure is under ground level, and thanks to the landscaped roof and the transparency of the sections over the ground, the new museum is adapted to its environment in its scale too. The grass-covered roof area is a pleasant community space awaiting visitors to Városliget. The trademark of the building is the glass curtainwall surrounding the landscaped roof garden, reminiscent of two intertwined hillsides, with a unique characteristic, consisting of nearly half a million pixels, a raster made by metal grid based on ethnographic motifs selected from the museum’s Hungarian and international collections. The pixels were inserted into a laser-cut aluminum grid by a special robot, more than 2,000 of which are attached to the building. The small cubes were made up of 20 Hungarian and 20 international contemporary reinterpretations of ethnographic motifs.
The new functions and fexible spaces of the state-of-theart museum building will facilitate the understanding of the historical heritage embodied by the collection as well as the various aspects of contemporary society. Besides passing down this historical heritage, the realisation of more recent professional and research themes and perspectives continues to be among the priority objectives of the museum, as confrmed by its mission. The built spaces will open up new opportunities to communicate with visitors. The museum was designed with maximum consideration for the required functions, and thus facilitates the large-scale, user-friendly operation of the institution to a signifcant degree, along with the visually display of mankind’s material and spiritual heritage, as well as the collection comprising Hungarian and international material.
Client: Városliget (Benedek Gyorgyevics, the CEO of Városliget Zrt; Lajos Kemecsi, the director of the Museum of Ethnography; László Baán, the project’s ministerial commissioner) Project: Napur Architect (www.napur.hu) Principal Architect: Marcel Ferencz Design Team: György Détári, Filó Gergely, Holyba Pál, Nyul Dávid, Grócz Csaba, Mészáros Mónika Interior Design: Czakó Építész Support Structure: Exon 2000 Szántó László Building Engineering: HVarC. Lucz Attila Landscaping: Garten Studio General Contractor: ZÁÉV Építőipari. and Magyar Építő
Photo: Palkó György
L’architecte Silvio d’Ascia réalisera le projet d’extension de la Fondation Maeght à Saint Paul de Vence, l’une des plus vastes collections d’art moderne et contemporaine d’Europe. Fondée en 1964 par le couple visionnaire Marguerite et Aimé Maeght – éditeurs et galeristes des artistes les plus importants du XXe siècle – la fondation est un lieu unique conçu par l’architecte Josep Lluís Sert en parfaite harmonie avec le paysage et les œuvres créées spécialement par Georges Braque, Joan Miró, Pierre Tal Coat, Marc Chagall, Pol Bury, Diego Giacometti ou Raoul Ubac. Le projet d’extension respecte l’architecture, la structure et l’esprit originels de Josep Lluís Sert, ʺun projet invisible – précise Silvio d’Ascia – Deux nouvelles salles se glissent sous les deux cours extérieures, dédiées à Miró et à Giacometti, dans le socle en pierre sur lequel Sert avait posé son bâtiment. Il ne fallait rien ajouter mais au contraire soustraire, en creusant dans le terre-plein du remblai du chantier des années soixante pour construire des nouveaux espaces, ouverts vers la pinède au sud, en dialogue avec la nature !ʺ
La surface agrandie (500 m2 d’extension et 80 m2 de reconversion d’espaces existants) permettra de doter la fondation d’espaces supplémentaires comme d’augmenter la qualité de visite, d’enrichir la programmation, en proposant en intérieur : conférences, projections, performances, journées d’étude et concerts. Le projet d’extension suit la relation entre art et nature, entre pleins et vides du bâtiment d’origine. Lorsque les travaux seront achevés, l’extension, visible seulement depuis le ʺchemin de rondeʺ , respectera parfaitement l’architecture novatrice de Sert et offrira une nouvelle ʺPromenadeʺ.
Les matériaux respectent le langage architectural de Sert tout en affrmant clairement l’identité de l’extension future : du béton de site pour les volumes de l’extension en continuité avec le socle en pierre, du verre pour les grandes baies vitrées et du travertin pour les revêtements de sol. Les revêtements des sols de la Cour Giacometti et de la Cour Miró seront reconstruits à l’identique avec les tomettes en terre-cuite traditionnelle comme celles d’origine. L’achèvement des travaux d’extension, prévu pour l’été 2024, coïncidera avec le 60e anniversaire de la Fondation Maeght.
L’architetto Silvio d’Ascia realizzerà il progetto di ampliamento della Fondation Maeght a Saint Paul de Vence, una delle più grandi collezioni di arte moderna e contemporanea d’Europa.
Fondata nel 1964 dalla coppia visionaria Marguerite e Aimé Maeght – editori e galleristi dei più importanti artisti del XX secolo – la fondazione è un luogo unico progettato dall’architetto Josep Lluís Sert in perfetta armonia con il paesaggio e le opere che artisti come Georges Braque, Joan Miró, Pierre Tal Coat, Marc Chagall, Pol Bury, Diego Giacometti o Raoul Ubac crearono appositamente per i Maegth.
Il progetto di ampliamento rispetta l’architettura, la struttura e lo spirito originari di Josep Lluís Sert, ʺun progetto invisibile” – specifca Silvio d’Ascia. – “Sotto i due cortili esterni vengono create due nuove sale, dedicate a Miró e Giacometti, scavate nel basamento in pietra su cui Sert aveva collocato il suo edifcio. Non è stato necessario aggiungere nulla ma al contrario sottrarre, per costruire nuovi spazi, aperti verso la pineta a sud, in dialogo con la natura!ʺ L’ampliamento della superfcie (500 m2 di ampliamento e 80 m2 di riconversione degli spazi esistenti) doterà la Fondation di spazi supplementari oltre a permettere una migliore qualità delle visite, e una più ricca programmazione di convegni, proiezioni, spettacoli, giornate di studio e concerti.
Il progetto di ampliamento sposa la relazione tra arte e natura e tra pieni e vuoti dell’edifcio originario. A lavori ultimati, l’ampliamento, visibile solo dal ʺpasserellaʺ, rispetterà perfettamente l’architettura innovativa del Sert e offrirà una nuova ʺPromenadeʺ.
I materiali affermano chiaramente l’identità del futuro ampliamento pur rispettando il progetto originario: cemento armato per i volumi dell’ampliamento in continuità con il basamento in pietra, vetro per le grandi aperture e travertino per la pavimentazione. I pavimenti della Cour Giacometti e Cour Miró saranno ricostruiti identici agli originali in cotto.
Il completamento dei lavori di ampliamento, previsto per l’estate 2024, coinciderà con il 60° anniversario della Fondation Maeght.
The architect Silvio d’Ascia will be designing the extension to the Maeght Foundation in Saint Paul de Vence, one of the largest collections of modern and contemporary art in Europe. Founded in 1964 by the visionary couple Marguerite and Aimé Maeght – publishers and gallerists for leading artists of the 20th century – the foundation is a unique place designed by the architect Josep Lluís Sert in perfect harmony with the landscape and the works that artists like Georges Braque, Joan Miró, Pierre Tal Coat, Marc Chagall, Pol Bury, Diego Giacometti and Raoul Ubac created especially for Maeghts. The extension respects the original architecture, structure and spirit of Josep Lluís Sert, ʺan invisible project,” so Silvio d’Ascia notes. “Two new rooms dedicated to Miró and Giacometti are being built beneath the two outer courtyards, carved out of the stone base on which Sert constructed his building. Nothing new need to be added, on the contrary we built the new spaces by means of subtraction, opening up to the pine forest to the south in close interaction with nature!ʺ.
Client: La Fondation Maeght
Project: Silvio d’Ascia Architecture (www.dascia.com)
Technical studies: Builders & Partners
The enlarging of the area (500 m2 extension and 80 m2 conversion of existing spaces) will provide the Foundation with additional space, as well as improving the user experience and providing a more extensive schedule of conferences, screenings, performances, study days and concerts. The extension creates closer links between art and nature and the solids and voids characterising the original building. When completed, the extension, which is only visible from the ʺwalkwayʺ, will be in perfect synch with Sert’s innovative architecture and offer a new ʺPromenadeʺ. The materials clearly enforce the future extension’s identity while respecting the original design: reinforced concrete for the extension’s main structures in continuity with the stone base, glass for the large openings, and travertine for the fooring. The foors of Corte Giacometti and Corte Miró will be reconstructed identical to the originals made of terracotta.
The completion of the extension, scheduled for summer 2024, will coincide with the 60th anniversary of the Maeght Foundation.
En 2015, la Fondation Luigi Rovati a confé à l’agence MCA Mario Cucinella Architects la rénovation architecturale du bâtiment historique du XIXe siècle situé au n° 52 Corso Venezia à Milan, ainsi que l’agrandissement et l’annexion d’autres espaces destinés à servir de musée. Les nouveaux espaces muséaux conçus en respectant le bâtiment préexistant, intégrent l’agrandissement du premier sous-sol utilisé comme musée, et la réalisation d’un deuxième sous-sol, sous le niveau des fondations. La première tranche du chantier concernait principalement des activités préliminaires aux travaux d’excavation prévus pour la construction des deux nouveaux niveaux en sous-sol. Le bâtiment a été posé provisoirement sur des pieux de sous-fondation, ce qui a permis de démolir les vieilles structures de fondation et de construire les deux niveaux en sous-sol. On accède à l’espace souterrain depuis l’entrée principale par un escalier taillé dans la pietra serena, et on débouche sur l’espace d’exposition composé de trois salles circulaires et d’une grande salle ovale. Cet espace dans la pénombre est enveloppé de 30 000 éléments de pietra serena dessinés un à un, savamment construits et assemblés, qui englobent tout l’espace sans interruption. Cette continuité formelle confère un caractère homogène et fuide à cet espace. Les stries horizontales des pierres, créent un effet de suspension de cette masse imposante qui contraste avec les petits points brillants dus à la présence de particules de mica dans les pierres. L’espace consacré à la collection étrusque se trouve au premier niveau en sous-sol qui a été agrandi (sous le jardin) pour réaliser de nouvelles salles. Parallèlement, les travaux de fnition intérieure ont commencé aux étages hors-sol et, au premier étage (l’étage noble), où les boiseries et le mobilier préexistants ont été restaurés et repositionnés. Sur ces cinq étages, le rez-de-chaussée est destiné au hall d’entrée et au jardin, à la librairie, à la billetterie et au café bistrot. La mezzanine est destinée aux bureaux de la Fondation, le premier étage aux expositions du musée et à l’art contemporain, le deuxième étage est réservé aux événements et aux expositions temporaires, et le troisième étage abrite le restaurant. Un autre élément essentiel du projet général de restauration et de relookage du bâtiment est le jardin extérieur, conçu par le cabinet Greencure Landscape & Healing gardens de Marilena Baggio en respectant. En respectant les espèces d’arbres déjà présentes et en intégrant des éléments de végétation et des pelouses. Dès les premières étapes, une grande attention a été accordée à la question de la durabilité environnementale et énergétique, tant en termes d’installations que dans le choix des matériaux et dans les stratégies d’utilisation en général. Le bâtiment est en cours de certifcation LEED v4 New Construction and Major Renovation niveau Silver.
Nel 2015, lo studio MCA Mario Cucinella Architects è stato incaricato da Fondazione Luigi Rovati dell’intervento di recupero architettonico del palazzo storico dell’800, situato in Corso Venezia 52 a Milano, e dell’ampliamento e annessione di ulteriori aree da adibire a funzione museale. I nuovi spazi adibiti a museo sono stati pensati nel rispetto dell’edifcio preesistente e vanno a integrarsi mediante l’ampliamento del primo piano interrato adibito a museo e, la realizzazione di un secondo piano interrato, sotto il piano delle fondazioni. La prima fase dei lavori ha riguardato soprattutto le attività preliminari propedeutiche agli scavi per la costruzione dei due nuovi piani interrati: rinforzo strutturale e opere di sottofondazione. L’edifcio è stato temporaneamente adagiato sui pali di sottofondazione, consentendo la demolizione delle vecchie strutture e la costruzione dei due piani interrati. Allo spazio ipogeo si accede dall’ingresso principale: attraverso una scala da cui si arriva allo spazio espositivo composto da tre sale circolari e una grande ellittica. Questo spazio è avvolto da 30.000 conci di pietra serena che, disegnati uno a uno e sapientemente costruiti e montati, in maniera continua avvolgono tutto lo spazio. Una continuità formale che dà a questo spazio il senso unitario e fuido. Le rigature orizzontali delle pietre, dovute alla dimensione del concio, creano un effetto di sospensione di questa imponente massa che contrasta con i puntini lucenti dovuti alla presenza di scagliette di mica nella miscela della pietra.
Lo spazio dedicato alla collezione etrusca si trova nel primo livello interrato . Nei piani fuori terra si è proceduto al restauro e al riposizionamento delle boiserie e degli arredi preesistenti, . Di questi cinque piani, il livello zero è destinato alla hall di ingresso e al giardino, al bookshop, alla biglietteria e al caffè bistrot. Il piano ammezzato è destinato agli uffci della Fondazione. Segue poi il piano nobile destinato a spazi per l’esposizione museale e d’arte contemporanea e il secondo piano destinato a eventi ed esposizioni temporanee, e infne il terzo piano ospita il ristorante.
Altro elemento fondamentale nel progetto di recupero e restyling del palazzo è il giardino esterno, progettato dallo studio Greencure Marilena Baggio. Oggetto di vincolo da parte della Soprintendenza Archeologia, Belle Arti e Paesaggio.
Fin dalle prime fasi, grande attenzione è stata data al tema della sostenibilità ambientale ed energetica, sia in termini impiantistici sia di scelte dei materiali e nelle generali strategie d’uso.
Client: Fondazione Luigi Rovati
Project: MCA Mario Cucinella Architects
Project Manager: Giovanni Canciullo
Garden Project: Greencure Marilena Baggio Structural Engineering: Milan Ingegneria Plant Engineering: Manens ingegneria
Lighting Design: Piero Castiglioni
Acoustics: BioByte Lighting: iGuzzini
Stoneworks: Casone Group Frameworks: Capoferri
Exhibition Design: Fondazione Luigi Rovati (scientifc collaboration: Salvatore Settis), Gruppo Goppion Mapping and Videos: Zeranta
General Graphics: ZUP Design
Giovanni de Sandre for Fondazione Luigi
Photo: RovatiIn 2015, MCA Mario Cucinella Architects was commissioned by the Luigi Rovati Foundation to carry out the architectural renovation of an historic 19th-century building at 52, Corso Venezia and extend and annex additional areas to be used as a museum. The new museum areas were designed in synch with the old building and and integrated by enlarging the frst basement level used as a museum and constructing a second basement level below the foundations.
The frst phase of the works mainly involved preliminary operations to prepare for the excavations for building the two new underground levels: structural reinforcement and sub-foundation works. The building was temporarily placed on foundation piles so the old structures could be demolished the two basement foors constructed.
The underground space is accessed from the main entrance: a staircase which leads to the exhibition space consisting of three circular rooms and a large elliptical room. This space set is enveloped by 30,000 ashlars of pietra serena designed one by one and skilfully built and assembled that seamlessly envelop the entire space. This stylistic continuity gives the space a unifed and fuid feel. The horizontal strips of stones due to the size of the ashlar, create a suspension effect for this imposing mass that contrasts with the shiny dots of mica fakes in the stone mixture.
The space devoted to the Etruscan collection is located on the frst basement level.
On the foors above ground level, the old woodwork and furnishings have been restored and repositioned. Of these fve foors, level zero accommodates the entrance hall and garden, bookshop, ticket offce and coffee bar/bistro. The mezzanine foor is designed to hold the Foundation’s offces. Next comes the main foor designed to host museum/contemporary art exhibition spaces with site-specifc projects in selected rooms. The second foor is for hosting events and temporary exhibitions and, lastly, the third foor houses the restaurant. Another key feature of the overall renovation/restyling project for the building is the outdoor garden, designed by Greencure Marilena Baggio, subject to a constraint imposed by the Superintendency of Archaeology, Fine Arts and Landscape for the metropolitan city of Milan. From the very earliest stages, meticulous attention was paid to the issue of environmental and energy sustainability, both in terms of plant-engineering, choice of materials and overall operating strategies.
Il mio pensiero progettuale a oggi non saprei defnirlo con certezza, perché muta nel cercare di comprendere e interpretare un mondo che ogni giorno è sempre più globalizzato e diverso dal precedente, in cui l’architettura non sempre riesce ad assumere un posizione attiva.
Un ruolo importante in questa frenesia, che muta le abitudini e gli aspetti culturali delle popolazioni, è ricoperto dall’interazione quotidiana delle nostre vite con la realtà digitale attraverso i computer e i device.
Una realtà che con la sua complessità è riuscita a ridefnire i concetti di spazio e di tempo, comprimendoli a tal punto da sembrare quasi annullati in un presente dove anche le cose distanti sono accessibili nell’immediato, così da sentirci coinvolti anche da ciò succede dall’altra parte del mondo.
In un contesto con queste caratteristiche, diffcile da comprendere e interpretare, ogni spunto e suggestione anche lontana nel tempo e nello spazio, diventa un appiglio per comprendere il mondo e il presente.
Nel rispondere a una domanda su come potrebbe essere l’architettura, verrebbero fuori risposte complesse e molto spesso contraddittorie, ma una cosa è certa, gli strumenti necessari per defnirla, in tutte le sue fasi e in tutti i suoi aspetti, non possono che essere gli stessi della realtà digitale dei computer, dei device, e degli strumenti informatici capaci di elaborare, farci comprendere e far interagire tra loro dati e informazioni del mondo digitale con il mondo fsico in cui viviamo.
Alessandro SpaccesiJe ne saurais défnir précisément ma vision du projet aujourd’hui, car elle évolue à mesure que j’essaie de comprendre et d’interpréter un monde de plus en plus globalisé et qui change constamment, et où l’architecture ne parvient pas toujours à participer activement à tout ce qui se passe.
Dans cette frénésie, l’interaction quotidienne de nos vies avec la réalité numérique par le biais des ordinateurs et autres appareils joue un rôle important qui modife les habitudes et les aspects culturels des populations.
Malgré sa grande complexité, la réalité a réussi à redéfnir les concepts d’espace et de temps, en les comprimant à tel point qu’ils semblent presque effacés dans un présent où même les choses les plus éloignées sont immédiatement accessibles, de sorte que nous nous sentons même concernés par ce qui se passe à l’autre bout du monde. Dans un contexte si diffcile à comprendre et à interpréter, chaque nouvelle idée ou suggestion, même éloignée dans le temps et l’espace, peut nous aider à comprendre le monde et l’époque actuelle.
À la question de savoir à quoi pourrait ressembler l’architecture, on obtiendra inévitablement des réponses complexes et très souvent contradictoires, mais une chose est sûre, les outils nécessaires pour la défnir, dans toutes ses phases et sous tous ses aspects, doivent être ceux de la réalité numérique des ordinateurs, des appareils et des outils informatiques capables de traiter des informations, de nous aider à comprendre et de faire interagir les données et les informations du monde numérique avec le monde physique dans lequel nous vivons.
It is hard to accurately describe my design thinking up until now because it changes as I try to understand and interpret a world that is increasingly globalised and constantly changing from day to day with architecture not always managing to get actively engaged in everything that is happening.
An important role in this frenzy, which changes the habits and cultural aspects of populations, is played by the daily interaction of our lives with digital reality through computers and devices.
Despite its great complexity, reality has managed to redefne the concepts of space and time, compressing them to such an extent that they seem almost cancelled out in a present in which even distant things are instantly, so we feel involved even in what happens over on the other side of the world.
In a context like this that is so diffcult to understand and interpret, every single new idea or suggestion, even those distant in time and space, can help us comprehend the world and the present day.
Complex and very often contradictory answers are inevitably given to the question of what architecture could be like, but one thing is certain, the tools needed to defne it, in all its various stages and aspects, must be the same kind of digital technology as computers, devices, and IT tools capable of processing information, helping us understand and enabling data and information from the digital world to interact with the physical world in which we live.
Il progetto si caratterizza in stretto rapporto con l’edificio preesistente dallo sviluppo di una serie di parallelepipedi che in maniera differente si adagiano e/o appoggiano su di esso.
Le projet se fonde sur une interaction étroite avec l’ancien bâtiment par la construction d’une série de parallélépipèdes qui s’appuient et/ou s’adossent à lui de différentes manières.
The project is based around close interaction with the old building by the construction of a series of parallelepipeds that rest and/or lean on it in various ways.
La scansione della verticalità non è associata all’impiego di elementi marcapiano regolari e definiti ma da fogli sovrapposti dalle forme articolate e irregolari che, alla necessità di un’apertura, per darle risalto, si deformano ripiegandosi verso l’interno.
La verticalité ne vient pas de l’utilisation de bandes régulières bien définies, mais de l’utilisation de feuilles superposées aux formes élaborées et irrégulières qui, lorsqu’une ouverture est nécessaire, sont déformées en les courbant vers l’intérieur.
The verticality does not come from the use of regular, well-defined stringcourses, it comes from overlapping sheets in elaborate,irregular shapes, which, when an opening is required, are deformed by folding inwards.
Una massa irregolare, espressivamente contemporanea e dal carattere prorompente nel suo contesto e con i passanti che ne sono in qualche modo spettatori e origine.
Une masse irrégulière, contemporaine sur le plan expressif, exubérante dans son contexte, avec les passants qui en sont en quelque sorte les spectateurs et l’origine.
An irregular mass, expressively contemporary with an irrepressible character in its context and with the passers-by they are somehow spectators and origin.
Alessandro Spaccesi ha conseguito la laurea magistrale a ciclo unico in Architettura presso l’Università degli Studi di Roma “Sapienza” ed è abilitato alla professione di Architetto. Ha avuto esperienze di lavoro in contesti e mercati internazionali in qualità di progettista presso realtà lavorative multidisciplinari e molto diverse tra loro tra cui Devoto Design, Gianluca Peluffo & Partners e Studio Costa Architecture. In merito al lavoro di ricerca svolto nel campo dell’architettura, ha ricevuto diversi riconoscimenti attraverso pubblicazione da realtà accademiche quali l’Università di Genova (Italia) e l’Università di Bhopal (India) per la quale ha realizzato per gli studenti un video conoscitivo visibile scansionando un QR Code.
Alessandro Spaccesi a obtenu son doctorat en architecture à l’Université de Rome “La Sapienza” et est agrée à exercer la profession d’architecte. Il a acquis son expérience professionnelle dans des contextes internationaux, en travaillant comme concepteur auprès de diverses sociétés multidisciplinaires, telles que Devoto Design, Gianluca Peluffo & Partners et Studio Costa Architecture.
Ses travaux de recherche dans le domaine de l’architecture ont été publiés par plusieurs établissements universitaires, tels que l’université de Gênes (Italie) et l’université de Bhopal (Inde), pour laquelle il a réalisé une vidéo didactique destinée aux étudiants, que l’on peut voir en scannant simplement un code QR.
Alessandro Spaccesi was awarded a degree in Architecture by ‘Sapienza’ University in Rome and is a fully qualifed architect.
He has gained work experience internationally as an architectural designer working for miscellaneous multidisciplinary companies, including Devoto Design, Gianluca Peluffo & Partners and Studio Costa Architecture.
His research work in the feld of architecture has been published by numerous academic institutes, such as the University of Genoa (Italy) and the University of Bhopal (India) for which he shot an information video for students that can be viewed simply by scanning a QR Code.
Alla metà degli anni ‘60, Pino Pinelli, classe 1938, arriva a Milano dalla sua Sicilia (Catania). Nessuno degli artisti emergenti (avveduti e ambiziosi, è ovvio) sfugge al rapporto, anche indiretto, con due fgure-chiave che si chiamano Lucio Fontana e Piero Manzoni, e neanche alla consapevolezza dell’aria che tira: Nuovo Realismo, Pop Art, neoplasticismo, minimalismo, azzeramenti vari. E anche la concettualità di cui è alfere Piero col suo pieno disinteresse a contrapporre arte a arte e il suo aforisma “Non c’è nulla da dire: c’è solo da essere, c’è solo da vivere”.
Questionando sul quadro, via via Pinelli affermerà la sua personalità sul terreno della disseminazione che agita a partire dal 1975-76, in tutte le sue possibili declinazioni. A questo modo, si vota allo spazio, guardando a Manzoni e soprattutto a Fontana in ordine al loro pensiero critico e puntando a defnirne uno suo a supporto della sua intuizione della libera frammentazione. E così del quadro “restano soltanto quattro angoli testimoni” (della ricordata presenza-assenza). Verosimilmente, infuenza manzoniana nel suo concetto di presenza-assenza dell’opera per cui “il muro, da sempre destinatario passivo, diventa parte dell’opera stessa”. Un cammino tutto suo, senza più pensare a buchi e tagli, al vuoto o al pieno, all’essere o all’esserci. Inoltre, elude i percorsi consolidati. Quanto al concettuale ne assume l’essenza; quanto al minimalismo non vi si tuffa, lo attraversa tradendolo. Nel 1976, nell’occasione della sua personale alla Bertesca, a Düsseldorf, dichiara: “tendo a una estrema riduzione”. Ma preciserà quando, di lì a
poco, di “gesto minimo, essenziale, originario”. Termini più pratici riferibili a metodologie operative. E sono termini che fniscono col dare il giusto valore alla perentorietà che è in quella sua (citata) estrema riduzione. Anche perché, diversamente dai minimalisti più o meno canonici, Pinelli, quasi da adepto di John Locke, evidenzia l’importanza dei sensi. Insomma nella sua opera insiste l’estensione sensoriale e, cosa che sarebbe piaciuta a Bernard Berenson, una “area di tattilità” (ne dice in Versamento critico, Acireale, 1977). Vai a parlare di estensione sensoriale a quelli che (Donald Judd e compagni) hanno inteso portare ai minimi termini tutto, fno al costo di contrarre la propria sensibilità, per bisogno di coerenza. Ma si sa che questa coerenza è stata disattesa da taluni minimalisti più umidi. Quanto al monocromo su cui Pinelli insiste, ecco la sua consapevolezza: “Il monocromo, che poteva sembrare una barriera insormontabile, si è prestato a una infnita possibilità di investigazioni”. Tant’è che ne fa una bandiera tutta “sua”, senza cadere né nel fritto né nel rifritto. Anche perché egli stesso precisa che “il colore perde ogni caratteristica simbolica, propagandosi come emanazione luminosa nella sua fsicità”. Un valore assoluto, quindi, nella sua arte, basato sulla fenomenicità. Arte ambientale? Pinelli non è fratello di Gianni Colombo né di Dani Karavan, né di Giò Pomodoro. Egli è vicino agli artisti site specifc. Ma non progetta lo spazio né i modi di alterarlo. Ne fa un alleato sinergico dei suoi lavori (e questo intende quando sottolinea che lui allestisce le sue mostre). Obiettivo: la sua disseminazione.
Pittura 86, 1986. Dissemination of 20 elements, mixed technicque, environment dimensions
Pittura R, 2012. Dissemination of 60 elements, mixed technicque, environment dimensions (“Materia. Frammento. Ombra”, MAMM Multimedia Art Museum, Mosca, 2016)
Au milieu des années 1960, Pino Pinelli, peintre italien né en 1938 à Catane, arrive à Milan de sa Sicile natale. Aucun des artistes émergents (avisés et ambitieux, cela va sans dire) n’échappe à la relation, même indirecte, avec deux fgures incontournables qui sont Lucio Fontana et Piero Manzoni, ni au climat qui règne à l’époque : Nouveau réalisme, Pop art, néoplasticisme, minimalisme, diverses remises à zéro, ni même avec l’art conceptuel dont Pinelli est l’un des éminents représentants, avec son manque total de volonté d’opposer l’art à l’art, et sa citation : “Il n’y a rien à dire : il y a juste à être et à vivre”. Remettant en cause la toile, Pinelli va progressivement affrmer sa personnalité sur le terrain de la dissémination, qu’il brandit à partir de 1975-1976, dans toutes ses possibles déclinaisons. Il se consacre ainsi à l’espace, en regardant vers Manzoni et surtout Fontana, pour leur pensée critique et en cherchant à défnir la sienne pour étayer son intuition de la libre fragmentation. Ainsi, il ne reste de la toile que quatre coins témoins (de la présence-absence remémorée). Vraisemblablement, infuence manzonnienne dans son concept de présence-absence de l’œuvre par lequel “le mur, depuis toujours destinataire passif, devient une partie de l’œuvre elle-même.” Un chemin bien à lui, en ne pensant plus aux trous ou aux coupes, aux vides ou aux pleins, à être ou à y être. Par ailleurs, il contourne les sentiers battus. Pour ce qui est du conceptuel, il en assume l’essence, pour ce qui est du minimalisme, il ne s’y plonge pas, il le traverse en le trahissant.
En 1976, à l’occasion de son exposition personnelle à la galerie La Bertesca, à Düsseldorf, il déclare : “je tends vers une extrême réduction”. Mais il précise un peu plus tard “de geste
minimal, essentiel, originel”. Des termes plus pratiques qui renvoient à des méthodes de travail. Et ce sont des termes qui fnissent par donner la juste valeur au caractère péremptoire qui réside dans cette extrême réduction (qu’il a citée). Aussi parce que, contrairement aux minimalistes plus ou moins canoniques, Pino Pinelli, presque comme un adepte de John Locke, souligne l’importance des sens. Bref, son œuvre insiste sur l’extension sensorielle et, ce qui aurait plu à Bernard Berenson, sur une “zone de tactilité” (dont il parle dans “Versamento critico”, Acireale, 1977). Allez parler d’extension sensorielle à ceux qui (comme Donald Judd et autres) ont voulu tout réduire au strict minimum, quitte à contracter leur propre sensibilité, par souci de cohérence. Mais nous savons que cette cohérence a été ignorée par certains minimalistes. Quant au monochrome sur lequel Pinelli insiste, voici sa réfexion : “Le monochrome, qui aurait pu sembler une barrière insurmontable, s’est prêté à une infnité de recherches”, au point qu’il en fait son propre étendard, sans tomber pour autant dans le réchauffé. Aussi parce qu’il précise lui-même que “la couleur perd toute caractéristique symbolique, en se propageant comme une émanation lumineuse dans sa physicité”. Une valeur absolue, donc, dans son art, basée sur la phénoménalité.
Art environnemental ? Pino Pinelli n’est pas le frère de Gianni Colombo, ni celui de Dani Karavan ou de Giò Pomodoro. Il est proche des artistes in situ. Mais il ne projette pas l’espace ni les moyens de le modifer. Il en fait un allié synergique de son travail (et c’est ce qu’il veut dire lorsqu’il souligne qu’il installe lui-même ses expositions. Objectif : sa dissémination.
Pino Pinelli, born in 1938, came to Milan from his native Sicily (Catania) in the mid-1960s. No emerging artist (shrewd and ambitious, of course) could avoid being involved, even indirectly, with two key fgures called Lucio Fontana and Piero Manzoni, or not be the aware of a certain mood in the air: New Realism, Pop Art, neoplasticism, minimalism and other new movements. Conceptuality, whose standard-bearer was Piero himself with his complete disinterest in opposing art to art and his aphorism “There is nothing to say: we simply need to exist and to live”. By questioning painting, Pinelli gradually asserted his personality in the realm of dissemination, which he tackled from every imaginable angle in 1975-76. In this way, he devoted himself to space, drawing inspiration from Manzoni and Fontana in particular as regards their critical thinking and striving to defne his own line of thought connected with his idea of free fragmentation. And so all that was left of a painting ‘were just the four corners as witnesses’ (of its presence-absence). His concept of the presence-absence of a work of art was most likely infuenced by Manzoni, according to which “the wall, always a passive onlooker, becomes part of the work itself”. He followed his own very personal approach, no longer thinking about holes and cuts, emptiness or fullness, being or being there. He actually circumvented established paths. As regards conceptualism, he embraces its essence; as regards minimalism, he did not delve into it, he went through it, even betraying it. At his solo exhibition at Bertesca in Düsseldorf in 1976, he claimed that: ‘I tend towards extreme reduction’. But he would shortly afterwards specify ‘minimal, essential,
original gestures’. Expression that were more practical and referred to work methods. These are terms that end up giving the right value to the peremptoriness in his extreme reductionism. After all, unlike the more or less canonical minimalists, Pinelli, who was virtually a follower of John Locke, emphasised the importance of the senses. In short, his work is focused on sensory extension and, something Bernard Berenson would have liked, an ‘area of tactility’ (so he claims in “Versamento critic”, Acireale, 1977). Try talking about sensory extension to all those (Donald Judd and co.) who wanted to reduce everything to the bare minimum, even at the cost of decreasing their own sensitivity, out of the need to be consistent. But this consistency has, in fact, been disregarded by some of the les hardcore minimalists. As regard’s Pinelli’s insistence on single colours, this is what he had to say: ‘Monochromatic shades, which might have seemed an insurmountable barrier, have opened up an endless realm of possibilities. So much so that he made them ‘his own’ calling card, without lapsing into the familiar or over-familiar. Indeed, he himself stated that “colour loses all its symbolic traits, propagating itself as a luminous emanation through its physicality”. It became an absolute value in his art, based on phenomenality. What about environmental art? Pinelli cannot be compared to Gianni Colombo, Dani Karavan or even Giò Pomodoro. He has much in common with site-specifc artists. But he does not design space or ways of altering it. He makes it a synergetic ally of his works (which is what he means when he emphasises the fact that he sets up his own exhibitions. Aim: his own brand of dissemination.
www.stackabl.shop
Développé en étroite collaboration avec des fabricants régionaux, et assisté par des algorithmes et la robotique, Stacklab. Il identife les stocks de chutes de feutre dans les entrepôts (situés dans un rayon de 300 kilomètres de son établissement), et les renvoie aux machines et à ses artisans pour les réutiliser.
Benoist F. Drut/Maison Gerard
Sviluppato a stretto contatto con i produttori regionali e implementato da algoritmi e robotica, il sistema di Stacklab identifca le rimanenze di inventario in magazzini e fabbriche (situati entro un raggio di 300 Km dal loro studio) e le ricicla attraverso appositi macchinari e artigiani esperti.
Developed closely with regional manufacturers, and aided by algorithms and robotics, Stacklab’s system identifes remnant inventory in warehouses and factories (located within a 300-Km radius of its studio), puts it back through a manufacturer’s own machines, and into the hands of its own experts.
Réalisé à partir de feutre et d’aluminium recyclé, et en utilisant des LEDs puissantes à économie d’énergie.
Realizzate in feltro e alluminio riciclato e utilizzando LED potenti ma a risparmio energetico.
Made of upcycled felt and aluminum, and using powerful, yet energy-saving LEDs.
Photos source: v2com
Stefano Carta a grandi entre l’Italie et le Brésil,il s’est diplômé en Economie puis en Design Produit à l’Institut Européen de Design. En 2013, il fonde Stefano Carta Vasconcellos Design Studio. Depuis 2015, il est professeur de Design Produit à l’IED de Cagliari et expert en fabrication numérique à Sardegne Ricerche.
Cresciuto tra Italia e Brasile, si laurea in Economia e poi in Design di Prodotto presso l’Istituto Europeo di Design. Nel 2013 fonda Stefano Carta Vasconcellos Design Studio. Dal 2015 è docente di Product Design presso lo IED di Cagliari ed expert in digital fabrication presso Sardegna Ricerche.
Raised between Italy and Brazil, he graduated in Economics and then in Product Design at the European Institute of Design. In 2013 he founded Stefano Carta Vasconcellos Design Studio. Since 2015 he has been professor of Product Design at the IED of Cagliari and expert in digital fabrication at Sardegne Ricerche.
“Lurisinca” est le nom du couteau traditionnel qui était utilisé pour l’extraction et le travail du liège (suara en langue sarde), en raison de la forme particulière de sa lame. Outre cet usage spécifque, il est très polyvalent et peut être utilisé pour beaucoup d’autres tâches.
Tipico coltello per l’estrazione e la lavorazione del sughero (suara in lingua sarda), grazie alla forma della sua lama. Nonostante questa connotazione specifca, può essere utilizzato per diverse funzioni.
Typical knife used for the extraction and processing of cork (suara in Sardinian language), thanks to the shape of its blade. Despite this specifc connotation, it can be used for diverse functions.
stefanocartavasconcellos.myportfolio.com
Couteau à fromage conçu pour le fromage traditionnel sarde. Il est réalisé en bois d’acajou et en acier spécial pour la fabrication des couteaux.
Coltello da formaggio, ideato per il formaggio tipico sardo. È realizzato con legno di mogano e acciaio specifco per coltelli.
Cheese knife, designed for the typical Sardinian cheese. It is made using mahogany wood and specifc knife steel.
Collection de lampes à poser. La structure est née du rapprochement de trois éléments de base : un câble, une barre et un cylindre. La méthode d’assemblage, sans vis ni colle, permet un démontage facile en cas de remplacement d’un composant ou pour séparer les différents matériaux, afn de faciliter le recyclage du produit en fn de vie. La famille To-Tie est disponible en deux fnitions anodisées: noir et gris aluminium.
Collezione di lampade da tavolo. La struttura nasce dalla combinazione di tre elementi base: un cavo, una barra e un cilindro. Il metodo di assemblaggio, senza viti né colla, permette un facile smontaggio in caso di sostituzione di un componente o di separare i diversi materiali, in modo da facilitare il riciclo del prodotto a fne vita. La famiglia To-Tie è disponibile in due fniture anodizzate: nero e grigio alluminio.
Collection of table lamps. The structure comes from the combination of three basic elements: a cable, a bar and a cylinder. The assembly method, without screws or glue, allows easy disassembly in case of replacement of a component or to separate the different materials, in order to facilitate the recycling of the product at the end of its life. The To-Tie family is available in two anodized fnishes: black and aluminum gray.
Prod. Flos www.fos.com
www.rds-design.jp
WF01 est un fauteuil roulant hautes performances, personnalisable. Il peut être actionné manuellement ou, lorsqu’il est équipé d’un groupe moteur, il peut se déplacer à une vitesse de 30 km/h ou plus en utilisant le levier à main. Les pièces fabriquées en fbre de carbone et imprimées en 3D sont assemblées de manière à pouvoir être personnalisées, notamment en termes de taille, de positionnement et de style.
WF01 è una carrozzina ad alte prestazioni e altamente personalizzabile. Può essere azionata manualmente, oppure, se dotata di un’unità motore, può viaggiare a una velocità massima di 30 km/h o più, agendo su una leva. Le parti realizzate in fbra di carbonio e stampa 3D sono combinate per ottenere una varietà di personalizzazioni, comprese le dimensioni e il posizionamento, nonché lo stile.
WF01 is a high performance, highly customizable wheelchair. It can be manually operated, or when equipped with a motor unit, it can travel at a maximum speed of 30 km/h or more by operating the lever at hand.
Parts made from carbon fber and 3D printing are combined to accept a variety of customizations, including size and positioning, as well as styling.
Team: RDS Co., Ltd., exiii design Inc., Magnet Inc., makesense Inc. and quod, LLC
Photo: RDS Co., Ltd.
www.furo.org
Questo robot per la mobilità è azionato da due ruote anteriori e da una ruota posteriore per sterzare. Con un sensore laser installato, può spostarsi autonomamente verso una destinazione specifca e seguire un essere umano che cammina. Può anche trasformarsi in un trasportatore personale, caratterizzato da bilanciamento attivo, maniglia a controllo bilaterale del peso, comunicazione dello stato del corpo e frenata automatica.
Ce robot de transport est entraîné par deux roues avant et guidé par une roue arrière. Il est doté d’un capteur laser intégré qui lui permet de se déplacer de manière autonome vers une destination donnée et de suivre une personne qui marche. Il peut également se transformer en véhicule de transport personnel, grâce à son système d’équilibrage actif, à la poignée de contrôle bilatéral du poids, à la signalisation de la position du corps et au freinage automatique.
This mobility robot is driven by two front wheels and steered by one rear wheel. With a laser sensor installed, it can move to a specifed destination autonomously and follow a walking human. It can transform to a personal transporter, featured by active lean balancing, bilaterally weight-controlled handle,body-sonic status communication and automatic braking.
Le corps de l’instrument est réalisé en bois naturel avec des fnitions en fbre de carbone pour une excellente réponse sonore-acoustique. Grâce à sa structure mathématique savamment dimensionnée pour son usage, il est léger et imprimé en 3D avec des matériaux polymères 100 % recyclables.
Il corpo è realizzato in legno naturale e rifnito in fbra di carbonio per una perfetta risposta sono-acustica e il telaio è costituito da una struttura matematica accuratamente calcolata per il suo scopo; leggero e realizzato con stampa 3D con polimeri riciclabili al 100%.
The body is made of natural wood and fnished in carbon fber for a perfect sono-acoustic response and the frame is made of a mathematical structure delicately calculated for its purpose; lightweight and made by 3D printing with 100% recyclable polymers.
Cité de l’architecture et du patrimoine Paris citedelarchitecture.fr
Le Global Award a été fondé en 2006 par l’architecte Jana Revedin.
La Global Award Community rassemble les 75 architectes lauréats à ce jour, travaillant dans le monde entier, qui partagent l’éthique d’une architecture durable, et poursuit des travaux de recherche, d’expérimentation et de transmission dans les domaines de l’architecture, du renouvellement urbain et de la responsabilité sociale académique. L’architecture y est défnie comme un acteur déterminant de l’émancipation des sociétés, et de la maîtrise de leur développement et de leurs droits civiques dans l’espace habité.
Le Global Award est sous le haut patronage de l’UNESCO.
Il Premio è stato fondato nel 2006 dall’architetto Jana Revedin. La Global Award Community, composta dai 75 architetti contemporanei di tutto il mondo che hanno ricevuto il premio, lavora per un’etica architettonica sostenibile e promuove la ricerca, la sperimentazione e la trasmissione nei campi dell’architettura sostenibile, del rinnovamento urbano e della responsabilità sociale accademica. Defnisce l’architettura come un agente di responsabilizzazione, autosviluppo e promozione ei diritti civili. Il Global Award è messo sotto l’alto patrocinio dell’UNESCO.
The Award was founded in 2006 by the architect Jana Revedin. The Global Award Community, which consists of the 75 contemporary architects from around the globe who have received the award, works towards a sustainable architectural ethics and fosters research, experimentation and transmission in the felds of sustainable architecture, urban renewal and academic social responsibility. It defnes architecture as an agent of empowerment, self-development and civic rights. The Global Award is put under the high patronage of UNESCO. 2022 Laureates
Concours organisé pour la conception d’une tour multifonctionnelle de 185 mètres de haut et d’un nouveau point de repère urbain (landmark) dans le centre de Tirana, une œuvre architecturale qui célèbre l’identité nationale et le patrimoine culturel de l’Albanie.
Concorso per la progettazione di una torre multifunzionale di 185 metri e di un nuovo landmark urbano nel centro di Tirana, un’opera architettonica che celebra l’identità nazionale e il patrimonio culturale dell’Albania.
Competition to design a 185-metres multifunctional tower and a new urban landmark in the centre of Tirana, an architectural piece that celebrates the national identity and cultural heritage of Albania.
Le bâtiment proposé sera le plus haut du pays, une tour emblématique inspirée par la beauté de l’Albanie et des montagnes qui entourent la capitale.
La proposta sarà l’edifcio più alto del Paese e una caratteristica torre ispirata alla bellezza dell’Albania e delle montagne che circondano la capitale.
The proposal will be the tallest building in the country and a distinctive tower inspired by the beauty of Albania and the mountains that surround the capital.
Ce concours international concernait la conception d’un espace de bureaux de 19 200 m2 dans le quartier d’affaires central de la ville. L’une des principales ambitions du projet était la réduction du carbone, grâce à un certain nombre de stratégies, notamment l’utilisation de planches de bois lamellé-croisé et de matériaux d’origine locale.
Il concorso ha richiesto la progettazione di uno spazio uffci di 19.200 m2 nel Central Business District della città. Una delle ambizioni chiave del progetto era la riduzione del carbonio ottenuta attraverso una serie di strategie, compreso l’uso di assi per pavimenti in legno lamellare incrociato e materiali di provenienza locale.
The competition, requested the design of a 19,200-m2 offce space in the Central Business District of the city. One of the key ambitions of the project was the reduction of embodies carbon, achieved through a number of strategies, including the use of cross-laminated timber foor planks and locally sourced materials.
Le projet est situé sur l’avenue Konstitucijos, dans le quartier central des affaires, sur une parcelle de terrain qui permet d’aménager un grand espace public qui mène à l’entrée du nouveau centre d’affaires. Une arcade abritant des boutiques et des cafés, ainsi qu’une rue piétonne couverte, devraient créer un environnement dynamique et agréable pour les habitants. Le bâtiment lui-même offre également une série de plateformes et de terrasses végétalisées reliés par une série d’escaliers de grande dimension.
Il progetto si trova in Konstitucijos Avenue nel Central Business District, su un lotto che consente l’organizzazione di un ampio spazio pubblico che conduce all’ingresso del nuovo business center. Un porticato di negozi e caffè, insieme a una strada pubblica coperta, spera di creare un ambiente attivo e piacevole per tutti i cittadini. L’edifcio stesso fornisce anche una serie di piattaforme e pianerottoli piantumati collegati da una serie di ampie scale.
The project is located on Konstitucijos Avenue in the Central Business District, on a plot that allows the organization of a large public space that leads to the entrance of the new business center. An arcade of shops and cafes, along with a covered public street, hopes to create an active and pleasant environment for all citizens. The building itself also provides a series of platforms and planted landings connected by an array of generously scaled stairs.
Destinée aux étudiants des universités et des écoles de design, ce prix encourage la liberté de s’exprimer d’une manière non conventionnelle qui a toujours caractérisé le travail de Bonetto, en récompensant les projets et les concepts originaux pour l’usage auquel ils sont destinés et en ne fxant aucune limite au langage conceptuel lui-même. Cinq catégories ont été évaluées, emblématiques d’une implication totale de la sphère de l’existence et de ce que seront les prochains modes d’habiter et modes de vie contemporaine : voyager, habiter, travailler, loisirs, musique (instruments).
Rivolta agli studenti di Università e Scuole di Design, l’iniziativa incoraggia quella libertà di esprimersi in modo anticonvenzionale che ha sempre contraddistinto l’operato di Bonetto, premiando progetti e concept originali per destinazione d’uso e non ponendo alcun limite nei confronti del linguaggio progettuale stesso. 5 le categorie valutate, emblematiche di un coinvolgimento completo della sfera dell’esistenza e di quelli che saranno i prossimi modi dell’abitare e del vivere contemporaneo: viaggiare, abitare, lavorare, tempo libero, musica (strumenti).
Aimed at students from Universities and Design Schools, the projct encourages that freedom of unconventional expression that has always distinguished Bonetto’s work, rewarding original projects and concepts for their intended usage and placing no limits on the style in which they are designed. Five categories epitomising across-theboard engagement in everyday life and everything ahead of us in terms of lifestyle and contemporary living: travelling, living, working, leisure, music (instruments).
Jury Marco Bonetto (President), Decio Carugati (Vice President)Edoardo Amato, Enrico Canella, Giacomo Pizzoni (IED Milano)
Swarmix
Système qui relie une ruche apicentrique spéciale, construite en matériau naturel, avec les utilisateurs et les apiculteurs eux-mêmes. En téléchargeant l’application créée à cet effet et en souscrivant un abonnement, il sera possible de surveiller l’activité et la santé des abeilles en temps réel, 24 heures sur 24, qui seront constamment soignées par un apiculteur expert, grâce à des capteurs et à des caméras intégrés à la ruche.
Sistema che mette in relazione un particolare alveare apicentrico costruito in materiale naturale, gli utenti e gli apicoltori stessi. Scaricando l’app appositamente creata e sottoscrivendo un abbonamento, infatti, attraverso sensori e telecamere integrate all’alveare sarà possibile monitorare h 24 la salute di questi preziosi insetti, costantemente curati dalle mani di un apicoltore esperto.
A system connecting a special beehive made out of natural material, its users and the beekeepers themselves. By downloading the specially created app and signing up for a subscription, through sensors and cameras integrated into the hive, you can monitor the health of these precious insects (under the constant care in the expert hands of a beekeeper) 24 hours a day by means of sensors and cameras incorporated in the hive.
Sofa Luppi Areosa, Gianluca Pegolo, Lorenzo Taccetta (Politecnico di Milano)
Petit appareil électroménager portable qui permet de préparer automatiquement plusieurs types de pâte, avec différentes farines.
Piccolo elettrodomestico in grado di preparare automaticamente tipi di pasta diversi, preparati con differenti farine.
A small appliance capable of automatically preparing different types of pasta made from different fours.
Un alveare progettato appositamente per andare incontro alle esigenze delle api, che verranno monitorate da un sistema di sensori interni.
Alessandro Ingravalle (IED Milano)
IEDEX
Service de location qui propose une expérience d’exploration touristique à bord d’un vélo électrique de marque IED, équipé d’un navigateur offrant des suggestions d’itinéraires pour découvrir des lieux ou des attractions méconnus de l’arrière-pays milanais. Grâce à l’application IEDEXApp, il est possible de planifer l’expérience souhaitée.
Servizio di leasing che offre un’esperienza di esplorazione turistica a bordo di una bici elettrica marchiata IED per riscoprire luoghi o attrazioni poco conosciute dell’hinterland milanese. Attraverso l’apposita IEDEXApp è possibile pianifcare l’esperienza desiderata.
A leasing service offering a tourist-style exploration experience on board an IED-branded electric bike to rediscover little-known places or attractions in the Milanese suburbs. The IEDEXApp measn you can plan your ow special experience.
L’applicazione è lo strumento con cui l’utente interagirà con l’intero sistema. Da qui infatti potrà gestire in tempo reale l’alveare.
L’apicoltore rappresenta un professionista del settore, una mano esperta che saprà prendersi cura delle api sempre e comunque.
“Shadows travelling on the sea of the day”
(Ombres voyageant sur la mer du jour) est le titre évocateur de l’installation d’art public réalisée à Doha, au Qatar, par l’artiste danois (mais islandais d’origine) Olafur Eliasson. Il s’agit de “miroirs qui refètent également leurs supports semi-circulaires, les complétant ainsi en cercles parfaits”, tous interconnectés avec les espaces naturels faits de sable et d’eau, pour les célébrer. L’installation vise également à sensibiliser les visiteurs non seulement à la beauté et à la complexité de l’environnement de l’installation, mais aussi à l’urgence climatique. Écrire sur cette installation délicate et féerique n’apporte pas grandchose : il faut la voir et la vivre physiquement.
Viaggiano sul mare del giorno, le ombre. Titolo suggestivo quello dell’installazione realizzata a Doha, in Qatar dall’artista danese (ma islandese d’origine)
Olafur Eliasson: si tratta di “specchi che rifettono anche i loro supporti semicircolari, completandoli in cerchi perfetti”, il tutto interconnesso agli spazi naturali fatti di sabbia e acqua, celebrandoli. Un’operazione che tende anche a rendere i visitatori più partecipi e non solo riguardo all’incanto e alla bellezza del complesso ambiente in cui l’opera è posta, ma anche a sensibilizzarli sul tema dell’emergenza climatica. Scriverne non offre granché a questa installazione delicata e fabesca che va vista e vissuta fsicamente.
Le saint de Pietrelcina fgure certainement parmi les victimes les plus malmenées par de prétendus artistes qui, dans le but (raté) de lui rendre hommage, défgurent ses traits et même sa mémoire. Un site Internet (Le statue di Padre Pio Venute Male) a rassemblé des dizaines de ces merveilles sculpturales destinées (indirectement) à polluer le mobilier urbain d’un grand nombre de petites villes. La plus absurde, pour employer un euphémisme, est une sorte de demi-lune qui devrait représenter le visage du saint, mais qui en fait, le transforme en une sorte d’extraterrestre (à Bergame) ; et puis il y a le Padre Pio avec les cheveux aux vent (raides, évidemment, s’agissant d’une statue (à Benevento), le Padre Pio qui ressemble à s’y méprendre à George Clooney, ou encore celui style nain de jardin et celui qui danse la salsa (trio de lieux non indiqués), celui qui a la forme ... d’une bouteille (statuette-gadget), celui (ou plutôt ceux) qui se retrouve avec un autre lui-même en version réduite (lieu non indiqué), celui qui est abrité sous un énorme champignonparasol en cuivre (à Scicli, en Sicile), celui qui est (délibérément) déformé comme un prisonnier inachevé à la Michel-Ange (lieu non indiqué), celui qui a l’air le plus perfde qu’on ait jamais vu chez un saint (à Castel San Pietro Terme, Bologne), et le Padre Pio couvert de neige, qui se transforme en prêtre orthodoxe pendant la saison froide, peut-être au nom d’un œcuménisme météorologique (à Corato, Bari), et pour fnir (mais la liste est infnie), un Padre Pio que les mauvaises langues ont pu trouver plutôt hard et que je ne peux pas vous décrire ici (à Margherita di Savoia, Pouilles). À ne pas manquer, donc, la visite sur le site Le statue di Padre Pio Venute Male : vous vous plongerez dans des esprits artistiques si diaboliques (sic) que vous n’aurez plus jamais l’occasion de rencontrer.
Il Santo di Pietrelcina è certamente fra le vittime più martoriate da presunti artisti che, con l’obiettivo (mancato) di omaggiarlo, ne deturpano i tratti e persino il ricordo. Un sito (Padre Pio venuto male) ha raccolto decine di queste perle scultoree fnalizzate (indirettamente) a inquinare l’arredo urbano di numerose cittadine. La più assurda, per usare un eufemismo, è una sorta di mezzaluna che dovrebbe raffgurare il volto del Santo, ma che lo trasforma di fatto in una sorta di alieno (Bergamo); poi c’è il padre Pio con capelli al vento (rigidi, ovviamente, trattandosi di statua (Benevento); il Padre Pio che somiglia come una goccia d’acqua a George Clooney, quello in stile nanetto di Biancaneve e quello che balla la salsa (terzetto di luoghi imprecisati); quello trasformato in … bottiglia (statuina-gadget); quello (anzi quelli) appaiato con sé medesimo in versione minimizzata (luogo imprecisato); quello protetto da un enorme ombrellone-fungo in rame (Scicli, Sicilia); quello (volutamente) deformato come i prigionieri incompiuti di Michelangelo (luogo imprecisato); quello con l’aria più perfda mai vista a un santo (Castel San Pietro Terme, Bologna); e il Padre Pio che, ricoperto di neve, nelle stagioni fredde si trasforma in un Pope ortodosso, forse in nome dell’ecumenismo metereologico (Corato, Bari); infne (ma il repertorio è infnito) un Padre Pio che i malevoli potrebbero interpretare in chiave hard e non si può descrivere in questa sede (Margherita di Savoia, Puglia). Da non perdere, dunque, una visita al sito Padre Pio venuto male: vi calerete in menti artistiche così diaboliche (sic) che mai più vi capiterà di incontrare.
Shadows skim across the sea by day. This is the evocative name of an installation built in Doha, Qatar, by the Danish artist (but Icelandic by decent) Olafur Eliasson: it consists of “mirrors that also refect their semi-circular supports to complete perfect circles”, all interconnected with natural spaces made of sand and water, celebrating them. A project that also tends to get visitors more involved not only in the enchantment and beauty of the complex environment in which the work is set, but also to make them aware of the climate emergency. Writing about it does not add much to this delicate, fairy-tale-like installation that needs to be seen in person and experienced physically.
he Saint from Pietrelcina is certainly among the victims most tormented by so-called artists who, with the (failed) objective of paying him tribute, disfgure his features and even his memory. A website ( Padre Pio come malefcio) has collected dozens of these sculptural ‘gems’ aimed (indirectly) at polluting the street furniture of numerous towns. The most absurd, to put it mildly, is a sort of crescent moon that is supposed to depict the saint’s face but actually transforms him into a sort of alien (Asti); then there is the Padre Pio with hair blowing in the wind (rigid, of course, since it is a statue (Benevento); there is also a Padre Pio who looks exactly like George Clooney designed like one of the dwarfs in Snow White and another dancing the salsa (in three unspecifed places); another transformed into ... a bottle (statuette-gadget); one (or rather more than one) paired with other copies in a minimised version (unspecifed place); a Padre Pio protected by an enormous copper umbrella-mushroom; another (deliberately) deformed into some sort of Michelangelo-style dungeon (unspecifed place); there is also a Padre Pio that is the most perfdious-looking saint you will ever see (Castel San Pietro Terme, Bologna); and a Padre Pio, who, covered in snow, has been turned into a winter-time orthodox Pope, possibly in the name of meteorological ecumenism (Corato, Bari); and fnally (but the repertoire is endless) a Padre Pio that looks like something so rude we cannot describe it here (Margherita di Savoia, Puglia). So, make sure you visit the website Padre Pio come malefction: you will come across devilish artistic minds of the likes you will never come across ever again.
Architect and designer TimFu (he appears as #TimFu, but we do not really know who he is) has come up with a sculpture - Flowing Free - for the square (of the hopefully near future) in Teheran depicting long loose hair blowing in the wind to represent the courage of women fghting against the regime in Iran that wants them veiled (at the very least). When a post-Muslim and postfundamentalist democracy comes to power in Iran, people crossing the square will be able to show girls of the future the Flowing Free sculpture, reminding them how Iranian women fought for freedom, sometime even paying with their lives. For the time being, it is just an AI creation, i.e. a digital design, a practice that is becoming increasingly common. “Will creative people be replaced by superintelligent robots capable of designing buildings, creating works of art or designing vehicles?” is the question Kathy Irrente poses on the website DesignMag? “And, in the future, will the only surviving architects be those treating architecture as an art” with “no room for anybody else?” Unlikely, but for now let’s just be content with symbolic creations sending out powerful messages. Like the sculpture designed by the mysterious #TimFu.
What goes through head of Michelangelo’s statue “David”? What does he do all day long? How does he get by locked up in the Museo dell’Accademia in Florence? All this has now been revealed thanks to an artifcial intelligence project entitled “Chatting with David” devised by Cecilie Hollberg, the Academy’s director, and, on the technological side, Querlo, NYC, a company specialising in deep learning. It is, of course, a game, but one that helps bring the public closer to art and art history in a clearer and more accessible way. What do you ask of a fascinating giant more than 5 metres tall that was commissioned to Michelangelo in 1501 by the consuls of the Art of Wool and the Opera del Duomo of Florence? Interesting facts about the period when the project was carried out, of course, but also, according to director Hollberg, “questions about his diet”. Some people actually asked him if he was lonely and wanted to go out, even asking him for his phone number”.
L’architecte et designer TimFu a imaginé une sculpture, appelée Flowing Free, pour la place de Téhéran (pour un futur que l’on espère proche) qui représente des cheveux au vent, pour symboliser le courage des femmes qui manifestent contre le port du voile (et pas seulement) imposé par le régime iranien. Lorsqu’un régime post-islamiste et postintégriste sera au pouvoir en Iran, les personnes qui traverseront cette place pourront montrer la Flowing Free aux flles de demain en leur rappelant que les femmes iraniennes se sont battues pour la liberté, même au péril de leur vie. Il s’agit pour le moment d’une création d’IA, c’est-à-dire d’un projet numérique, une pratique de plus en plus courante: “les créatifs seront-ils remplacés par des robots super-intelligents pour concevoir des bâtiments, des véhicules, ou créer des œuvres d’art ?” – s’interroge Kati Irrente sur le site DesignMag. “Et, dans le futur, les seuls architectes qui survivront seront-ils ceux qui pratiquent l’architecture comme un art, tandis que pour tous les autres, il n’y aura plus de place ?”. C’est peu probable, mais pour l’instant, contentons-nous de créations symboliques ayant un grand pouvoir communicatif, comme celle du mystérieux #TimFu.
L’architetto e designer TimFu (appare come #TimFu, ma chi sia non si sa) ha ipotizzato una scultura –Flowing Free – per la piazza di Teheran (del futuro, si spera prossimo) che raffgura una chioma con i capelli al vento, a rappresentare il coraggio delle donne in lotta contro il regime che in Iran le vuole velate (e non solo). Quando una democrazia post-musulmana e integralista sarà al potere in Iran, chi transiterà per quella piazza potrà mostrare alle bambine del futuro la Flowing Free ricordando loro come le donne iraniane hanno lottato per la libertà anche pagando con la vita. Si tratta per ora di una creazione AI, ovvero un progetto digitale, pratica sempre più diffusa:
“I creativi saranno sostituiti da robot super intelligenti per progettare edifci, creare opere d’arte o progettare veicoli?”, si chiede Kati Irrente sul sito DesignMag?
“E, in futuro, gli unici architetti che sopravvivranno saranno quelli che praticano l’architettura come un’arte” mentre “per tutti gli altri, non ci sarà più posto?”. Improbabile, ma per ora accontentiamoci di creazioni simboliche con forte valenza comunicativa. Come quella del misterioso #TimFu.
ALLO ? JE PARLE AVEC DAVID ?
Qu’est-ce qui passe par la tête du David de Michel-Ange ? Que fait-il toute la journée ? Comment ça se passe pour lui, enfermé comme il l’est à la Galerie de l’Académie de Florence ? Nous allons le savoir maintenant, grâce au projet d’intelligence artifcielle, intitulé “Chatter avec le David”, imaginé par Cecilie Hollberg, directrice de la Galerie de l’Académie de Florence, et, pour ce qui est de la partie technique, réalisé par Querlo, une société new-yorkaise spécialisée dans l’apprentissage profond (ou deep learning).
Bien sûr, il s’agit d’un jeu, mais il vise à rapprocher les visiteurs de l’art et de l’histoire de l’art d’une manière non pompeuse et plus digeste. Que demande-t-on à ce géant fascinant de plus de cinq mètres de haut, qui avait été commisionné en 1501 par l’Opera du Dôme de Florence et les consuls de L’Art de la Laine?
Des curiosités sur l’époque où le projet a été réalisé, bien sûr, mais aussi – selon la directrice Hollberg –, des “curiosités culinaires”. Et quelqu’un lui a demandé s’il se sentait seul et s’il avait envie de sortir, et qui est même allé jusqu’à lui demander son numéro de téléphone.”
PRONTO? PARLO CON IL DAVID?
Cosa passa per la testa del David di Michelangelo? Che fa tutto il giorno? Come se la passa chiuso al Museo dell’Accademia di Firenze? Tutto ciò ora è svelato grazie al progetto di intelligenza artifciale Chatta col David, ideato da Cecilie Hollberg, che dell’Accademia è la direttrice, e, per la parte tecnologica, da Querlo, NYC, azienda specializzata del settore del deep learning. Naturalmente si tratta di un gioco che, però, serve ad avvicinare il pubblico all’arte e alla storia dell’arte in maniera non fumosa e più digeribile. Che si chiede all’affascinante gigante alto più di 5 metri e commissionato a Michelangelo nel 1501 dai consoli dell’Arte della Lana e l’Opera del Duomo di Firenze? Curiosità sul periodo in cui è stato realizzato Il progetto, certo, ma persino, racconta la direttrice Hollberg “curiosità alimentari. E c’è chi gli ha domandato se si sentisse solo e se avesse voglia di uscire, tanto da chiedergli, persino, il numero di telefono”.
Bruce Nauman (né à Fort Wayne, Indiana, en 1941, vit et travaille au Nouveau-Mexique) a contribué à écrire l’histoire de l’art contemporain depuis le milieu des années 1960, grâce à ses recherches avancées dans différents médias, dont les installations, la vidéo, la sculpture, les performances, la photographie, le dessin et le son. Son art se distingue par un intérêt pour la compréhension de l’expérience humaine et de ses conventions, ainsi que pour le fonctionnement intime de la psyché, qu’il explore à travers la perception du corps et les interactions avec l’espace, le temps et le langage. Dans son travail, il utilise fréquemment les jeux de mots, à travers lesquels il explore d’autres modes de communication. L’exposition de Milan se concentre sur son approche spatiale et architecturale, en présentant un grand nombre de ses couloirs et de ses salles spectaculaires.
Bruce Nauman (Fort Wayne, Indiana, 1941; vive e lavora nel New Mexico) ha contribuito a scrivere la storia dell’arte contemporanea dalla metà degli anni 60, grazie alla sua ricerca pionieristica con una varietà di media, tra cui installazione, video, scultura, performance, fotografa, disegno e suono. La sua arte si distingue per l’interesse a comprendere l’esperienza umana e le sue convenzioni, nonché il funzionamento interno della psiche, che indaga attraverso la percezione del corpo e le interazioni con lo spazio, il tempo e il linguaggio. Il suo lavoro fa anche un uso frequente di giochi di parole, con i quali esplora metodi di comunicazione alternativi. La mostra a Milano si concentra sulla sua pratica spaziale e architettonica, compreso un gran numero dei suoi corridoi e stanze iconici.
La città del Leone. Brescia nell’età dei Comuni e delle Signorie Through 29/1/2023 www.bresciamusei.com
Bruce Nauman (b. Fort Wayne, Indiana, 1941; lives and works in New Mexico) has contributed to writing the history of contemporary art since the mid-1960s, thanks to his pioneering research across a variety of media, including installation, video, sculpture, performance, photography, drawing, and sound. His art is distinguished by an interest in understanding the human experience and its conventions, as well as the inner workings of the psyche, which he investigates through the perception of the body, and interactions with space, time, and language. His work also makes frequent use of wordplay, with which he explores alternative methods of communication. The exhibition in Milan focus on his spatial and architectural practice, including a large number of his iconic corridors and rooms.
Àl’occasion des cérémonies d’ouverture organisées dans le cadre de “Bergame – Brescia. Capitale de la culture”, l’exposition présente 120 œuvres sélectionnées pour retracer l’histoire et les origines de la ville de Brescia, en évoquant des aspects inédits et inconnus de son passé. Un parcours chronologique qui, à travers des peintures, des sculptures, des documents et du matériel numismatique, analyse la période qui va de la seconde moitié du XIIe siècle, lorsqu’apparaissent les premières traces d’institutions civiques communales, jusqu’en 1425, année où la ville fait partie du territoire de la République de Venise.
In occasione dell’inaugurazione delle celebrazioni di “Bergamo – Brescia. Capitale della cultura”, prende avvio la rassegna che presenta 120 opere selezionate per ripercorrere la storia e le origini della città di Brescia, illustrando gli aspetti inediti e sconosciuti del suo passato. Si analizza un arco cronologico che parte dalla seconda metà del XII secolo, allorché emergono le prime tracce delle istituzioni civiche comunali, sino al 1425, anno della dedizione alla Repubblica di Venezia mediante pitture, sculture, documenti, materiale numismatico.
T he start of the celebrations for ‘Bergamo - Brescia . Capital of Culture’ marked the opening of an exhibition presenting 120 works selected to trace the history and origins of the city of Brescia, illustrating unpublished and unknown aspects of its past. It is set out in chronological order, starting from the second half of the 12th century, when the frst traces of civic communal institutions emerged, through to 1425, the year when the city became part of the Republic of Venice. There is a wide selection of paintings, sculptures, documents and coins.
Visita guidata Through 31/1/2023 www.comune.siena.it
Speciali visite guidate del cantiere di restauro del celeberrimo ciclo pittorico esteso sulle pareti della Sala della Pace, affrescata da Ambrogio Lorenzetti tra il 1338 e il 1339. Dopo due mesi dedicati all’intervento manutentivo a porte chiuse, si potrà accedere in sicurezza nella Sala, dove è installato un ponteggio speciale che innalza il piano di calpestio di circa 2,5 m dal livello del pavimento, consentendo la visione completa dei dipinti e assicurando un rapporto perfetto con l’opera.
Visites guidées spéciales du site de restauration du célèbre cycle pictural réalisé sur les murs de la Sala della Pace peinte à fresque par Ambrogio Lorenzetti entre 1338 et 1339. Après deux mois consacrés à des travaux d’entretien à portes closes, il sera possible d’entrer en toute sécurité dans la salle, où est installé un échafaudage spécial qui hausse le niveau du sol d’environ 2,5 mètres, ce qui permet de voir entièrement les peintures et de bénéfcier d’une relation parfaite avec l’œuvre.
Special guided tours of the restoration work on the famous cycle of paintings covering the walls of the Sala della Pace frescoed by Ambrogio Lorenzetti between 1338 and 1339. After two months’ maintenance work behind closed doors, visitors will be able to enter the room safely, where special scaffolding has been installed that raises the foor level by about 2.5 m from foor level to provide a complete view of the paintings and perfect interaction with the work.
Make Do With Now: New Directions in Japanese Architecture Through 12/3/2023 www.sam-basel.org
Cette exposition collective met en lumière de jeunes talents peu connus de l’architecture japonaise, dont les conceptions et les processus répondent à des questions contemporaines urgentes – crise climatique, changement social, néolibéralisme –et redéfnissent ainsi le rôle des architectes. Débutant leur profession après le tremblement de terre du Grand Est du Japon en 2011 et la catastrophe nucléaire de Fukushima, cette génération développe une gamme d’approches critiques, écologiques et sociales qui exploitent de manière créative des ressources limitées, des matériaux locaux et des espaces existants. À travers des photographies, des flms et un large éventail de modèles, l’exposition offre un portrait à multiples facettes de cette génération et suggère de nouvelles compréhensions de ce que l’architecture peut être – et faire.
©Yoshiro Masuda
L’esposizione fa luce su una generazione emergente di architetti giapponesi entrati nel mondo professionale dopo il terremoto del Grande Giappone orientale del 2011 e il disastro nucleare di Fukushima. Questi giovani professionisti stanno sviluppando approcci critici, ecologici e sociali che si si confrontano in modo creativo con risorse limitate, materiali locali e spazi esistenti, cercando risposte adeguate all’urgenza dei problemi contemporanei. Attraverso fotografe, flmati e un’ampia gamma di modelli commissionati di recente, la mostra offre un ritratto sfaccettato di questa generazione e suggerisce nuove comprensioni di ciò che l’architettura può essere e fare.
Sean Scully. Material World Through 5/3/2023
www.thorvaldsensmuseum.dk
Le musée tout entier est utilisé pour l’exposition où Sean Scully présente des œuvres qui interagissent avec l’architecture, les couleurs et l’environnement. L’artiste a choisi les matériaux de ses nouvelles œuvres avec soin et en se référant à la vie et à l’art de Bertel Thorvaldsen, ainsi qu’à l’histoire du Danemark. Trois de ces œuvres ont été réalisées spécialement pour ce musée : les œuvres de grand format comprennent une sculpture de dix mètres installée dans le hall d’entrée du musée, une sculpture de quatre mètres en marbre noir de Carrare et une œuvre de huit mètres datant du XVe siècle, destinée au parvis du musée et réalisée en bois danois local. En outre, l’exposition comprend plusieurs autres sculptures et dessins faisant partie de l’œuvre de Sean Scully, ainsi que ses peintures emblématiques.
ake Do With Now” sheds light on an emerging generation of architects and urban practitioners in Japan. Largely entering professional practice following the 2011 Great East Japan Earthquake and Fukushima nuclear di-saster, this generation is developing a range of critical, ecological, and social approaches that creatively ‘make do’ – with limited resources, found materials, and existing spaces –while seeking appropriate responses to the urgent problems of the present. Through newly commissioned photographs, flms, and a wide range of models, the exhibition provides a multifaceted portrait of this generation and suggests new understandings of what architecture can be – and do.
Sections/Intersections – 25 Years Of The Guggenheim Museum Bilbao Collection Through 26/2/2023
www.guggenheim-bilbao.eus
En 2022, le musée Guggenheim Bilbao fêtera son 25e anniversaire et accueillera pour l’occasion une exposition ambitieuse de sa collection privée qui occupera tout l’espace de présentation. Intitulée Sections / Intersections, l’exposition mettra en valeur les fonds du musée de manière thématique, en tissant de nouveaux liens entre les différents langages artistiques et en pointant les principaux tournants et tendances de l’histoire de l’art moderne. Les acquisitions les plus récentes du musée ne seront pas moins intéressantes et comprennent des œuvres d’artistes qui ont participé à des expositions mémorables au cours des dix dernières années, comme Jenny Holzer, Henri Michaux et Ernesto Neto, ainsi que des artistes basques de renommée internationale.
Nel 2022, il Museo Guggenheim di Bilbao celebra il suo 25° anniversario attraverso un’ambiziosa mostra della sua Collezione che occupa l’intero spazio espositivo presentando tematicamente il patrimonio del Museo, tracciando nuove connessioni tra molteplici linguaggi artistici ed evidenziando importanti pietre miliari e tendenze nella storia dell’arte moderna. Anche le acquisizioni più recenti del Museo svolgono un ruolo importante e comprendono opere di artisti presenti in mostre memorabili che si sono svolte nell’ultimo decennio, tra cui Jenny Holzer, Henri Michaux ed Ernesto Neto, nonché opere di artisti baschi riconosciuti a livello internazionale.
In 2022, the Guggenheim Museum Bilbao celebrates its 25th anniversary through an ambitious showing of its Collection that takes up its entire exhibition space presenting the Museum’s holdings thematically, tracing new connections between multiple artistic languages and highlighting important milestones and trends in the history of modern art. The Museum’s more recent acquisitions also play an important role and include works by artists present at memorable exhibitions that have taken place over the past decade, including Jenny Holzer, Henri Michaux, and Ernesto Neto, as well as works by internationally recognized Basque artists.
L’intero museo è utilizzato per la mostra, in cui l’artista presenta opere che interagiscono con l’architettura, i colori e l’ambiente circostante. Scully ha scelto i materiali per le sue nuove opere con attenzione e con riferimento alla vita e all’arte di Bertel Thorvaldsen, nonché alla storia della Danimarca. Tre delle opere sono state realizzate appositamente per il museo: le opere di grandi dimensioni contano una scultura di 10m nella sala d’ingresso, una scultura di 4 m in marmo nero di Carrara e un pezzo di 8 m per la piazza antistante il museo, realizzato in legno locale danese che risale al XV secolo. Inoltre, la mostra comprende molte altre sculture e disegni, nonché dipinti iconici di Scully.
The entire museum is utilized in the exhibition, in which the artist showcases works that interact with the architecture, colors and surroundings. The artist has chosen the materials for his new works carefully and with reference to Bertel Thorvaldsen’s life and art as well as the history of Denmark. Three of the artworks have been made specifcally for the museum: the large-scale works count a 10 m sculpture in the museum front hall, a 4 m sculpture in Carrara black marble and a 8 m piece for the square in front of the museum, made from local Danish wood that dates back to the 15th century. Furthermore, the exhibition includes several other sculptures and drawings from Scully’s oeuvre as well as his iconic paintings.
PALAZZO REALE
Bosch e un altro Rinascimento
Through 12/03/2023
www.palazzorealemilano.it
Une centaine d’œuvres d’art, comprenant des peintures, des sculptures, des tapisseries, des gravures, des bronzes et des livres anciens, ainsi qu’une trentaine d’objets rares et précieux provenant de wunderkammern, constituent un extraordinaire corpus d’œuvres, parmi lesquelles certains des chefs-d’œuvre les plus célèbres de Bosch, sont réunies pour la première fois dans une même exposition. L’exposition fait dialoguer des chefs-d’œuvre de Jérôme Bosch avec des œuvres d’une grande importance réalisées par d’autres maîtres famands, italiens et espagnols, dans un rapprochement qui permet de mettre en évidence les différents facteurs de la Renaissance qui, au fl du temps, ont infuencé des artistes célèbres tels que Raphaël, Dosso Dossi, El Greco et d’autres.
Sono in mostra un centinaio di opere d’arte costituite da dipinti sculture, arazzi, incisioni, bronzetti e volumi antichi, nonché una trentina di oggetti rari e preziosi provenienti da wunderkammern, che costituiscono un corpus straordinario di lavori tra i quali eccellono alcuni fra i più celebri e celebrati capolavori di Bosch, per la prima volta riuniti in un’unica mostra.
La mostra pone in dialogo capolavori frmati Bosch e opere di grande importanza eseguite da altri maestri famminghi, italiani e spagnoli, in un confronto capace di indicare fattori rinascimentali differenti che nel corso del tempo hanno infuenzato artisti famosi come Raffaello, Dosso Dossi El Greco e altri.
Adisplay of around one hundred works of art including paintings, sculptures, tapestries, engravings, bronzes and ancient books, as well as around thirty rare and precious artefacts from various Wunderkammern to form an extraordinary collection of works, including some of Bosch’s most famous and celebrated masterpieces, all on show together for the frst time at one single exhibition.
The exhibition enables masterpieces by Bosch to dialogue with major works by other Flemish, Italian and Spanish masters to showcase the various different Renaissance factors that infuenced, over a lengthy period of time, such famous artists as Raphael, Dosso Dossi El Greco and others.
Hieronymus Bosch, Trittico delle Tentazioni di sant’Antonio, c. 1500 (Museu Nacional del Arte Antiga, Lisbona)
Through 6/3/2023 citedelarchitecture.fr
L’ exposition montre comment la France a su, dans les années 1920, infuencer l’architecture, les décors, le mode de vie et le goût de l’Amérique du Nord. Elle fait le récit d’échanges transatlantiques qui débutent bien avant la Première Guerre, se poursuivant pendant le confit puis lors de l’érection des monuments commémoratifs, passeurs du nouveau style.
Avec plus de 350 œuvres réunies, l’exposition permet d’aborder le style d’une époque, aussi bien dans son architecture que dans l’ensemble des arts. Elle s’accompagne de l’évocation d’un esprit du temps, résolument tourné vers la modernité et les révolutions sociales et techniques.
La mostra evidenzia come la Francia sia stata in grado, negli anni ‘20, di infuenzare l’architettura, l’arredamento, lo stile di vita e il gusto del Nord America. Racconta la storia di scambi transatlantici iniziati ben prima della prima guerra mondiale, proseguendo durante il confitto e poi durante l’erezione di monumenti commemorativi, portatori del nuovo stile.
Con oltre 350 opere riunite, la mostra permette di avvicinarsi allo stile di un’epoca, sia nella sua architettura che in tutte le arti. È accompagnato dall’evocazione di uno spirito dei tempi, risolutamente rivolto alla modernità e alle rivoluzioni sociali e tecniche.
The exhibition highlights how France was able to infuence architecture, furniture, lifestyle and taste in North America in the 1920s. It tells the story of transatlantic interaction that began well before the First World War, continued during the confict and then continued throughout the construction commemorative monuments designed in a new style.
This exhibition of over 350 works provides an insight into the style of a very distinctive era in terms of both its architecture and all the arts in general. It evokes the spirit of an age that was frmly focused on modernity and social/ technical revolutions.
Empire State. A History. Illustration pour la couverture d’une brochure publicitaire édité par l’Empire State Building retraçant l’histoire de sa construction (©Cité de l’architecture et du patrimoine / musée des Monuments français)
CASTELLO DI NOVARA Milano. Da Romantica a Scapigliata Through 12/3/2023
www.ilcastellodinovara.it
L’ exposition, qui se tient actuellement dans les espaces du château de Novara, a été organisée par Elisabetta Chiodini et présente, à travers environ soixante-dix chefs-d’œuvre réalisés par les artistes les plus signifcatifs de la culture fgurative du XIXe siècle, huit sections qui retracent l’évolution de la peinture lombarde, du romantisme à la Scapigliatura, un phénomène culturel de rébellion contre les conventions sociales de l’époque. Parmi les noms prestigieux des protagonistes, citons Francesco Hayez, Giuseppe Cannella dit “i Piccio”, les frères Domenico et Gerolamo Induno, Filippo Carcano, Federico Faruffni, Mosè Bianchi, Tranquillo Cremona et Daniele Ranzoni.
La mostra, in corso negli spazi del Castello di Novara, è stata curata da Elisabetta Chiodini e pone in evidenza, mediante circa settanta capolavori creati dai più signifcativi interpreti della cultura fgurativa ottocentesca, disposti in otto sezioni, l’evolversi della pittura lombarda dal Romanticismo alla Scapigliatura, quale fenomeno culturale in contrapposizione alle convenzioni sociali del tempo. Tra i nomi prestigiosi dei protagonisti quello di Francesco Hayez, Giuseppe Cannella detto i Piccio, I fratelli Domenico e Gerolamo Induno, Filippo Carcano, Federico Faruffni, Mosè Bianchi, Tranquillo Cremona e Daniele Ranzoni.
This exhibition, currently being held on the premises of Novara Castle, is curated by Elisabetta Chiodini and showcases about seventy masterpieces by some of the most signifcant exponents of nineteenth-century fgurative art arranged in eight sections outlining the evolution in Lombard painting from Romanticism to Scapigliatura as a cultural phenomenon opposing the social conventions of the time. The exhibition features such famluos names as Francesco Hayez, Giuseppe Cannella known as i Piccio, the brothers Domenico and Gerolamo Induno, Filippo Carcano, Federico Faruffni, Mosè Bianchi, Tranquillo Cremona and Daniele Ranzoni.
Focus on Future. 14 fotograf per l’Agenda ONU 2030 Through 19/2/2023 museireali.beniculturali.it
Àtravers des images d’une puissance narrative unique, quatorze photographes professionnels proposent un voyage inédit consacré aux conditions de fragilité de notre planète, en traitant de questions essentielles pour le bien-être, la survie et le progrès de l’humanité, telles que la suppression de la faim et de la pauvreté, l’égalité d’accès à la justice, le droit à la santé, à l’éducation et à un travail décent, l’obtention de la parité hommes-femmes, les actions pour faire face au changement climatique.
ANTWERP MOMUMirror Mirror – Fashion & The Psyche Through 26/2/2023 www.momu.be
Un dialogue inattendu et surprenant entre installations artistiques et mode d’avant-garde, met en lumière des sujets tels que la dysmorphie corporelle, les multiples signifcations et l’histoire complexes des répliques humaines telles que les poupées et les mannequins, ainsi que la symbiose entre l’art, la mode et la technologie sous la forme de cyborgs et d’avatars. Les vêtements et le style ne sortent pas uniquement de la tête des grands couturiers, mais peuvent aussi être créés dans l’isolement, dans l’intimité d’un salon ou même dans un hôpital psychiatrique. Ils peuvent transmettre un message ou répondre à des aspirations profondes, tout en entamant un dialogue avec le monde de la mode.
Un dialogo inaspettato e sorprendente tra installazioni artistiche e moda d’avanguardia mette in luce temi come la dismorfa corporea, i signifcati stratifcati e la storia delle repliche umane, come bambole e manichini, e la simbiosi tra arte, moda e tecnologia sotto forma di cyborg e avatar. Abbigliamento e stile non emergono solo dalle menti di noti stilisti, ma possono essere creati in isolamento, nell’intimità del soggiorno di qualcuno o anche di un ospedale psichiatrico. I capi di vestiario possono inviare un messaggio o essere il compimento di profondi aneliti, e continuare a dialogare con il mondo della moda.
Attraverso immagini dalla potenza narrativa unica, 14 fotograf professionisti propongono un inedito viaggio dedicato alle situazioni di fragilità del nostro pianeta, affrontando temi essenziali per il benessere, la sopravvivenza e il progresso dell’umanità quali la sconftta della fame e della povertà, il pari accesso alla giustizia, il diritto alla salute, all’istruzione e al lavoro dignitoso, il raggiungimento della parità di genere, le azioni per combattere il cambiamento climatico.
mages with unique narrative power by 14 professional photographers takes us on an unprecedented journey around situations of fragility on our planet, addressing issues essential for the well-being, survival and progress of humanity, such as the battle against famine and poverty, equal access to justice, the right to health, education and decent work, greater gender equality and action to combat climate change.
An unexpected and surprising dialogue between art installations and avant-garde fashion highlights such themes as body dysmorphia, the layered meanings and history of human replicas, such as dolls and mannequins, and the symbiosis between art, fashion and technology in the form of cyborgs and avatars.
Apparel and style do not emerge solely from the heads of wellknown fashion designers, but can be created in isolation, in the privacy of someone’s living room or even a psychiatric hospital. Garments can send a message or be the fulflment of deep yearnings, and go on to engage in dialogue with the world of fashion.
MOMA
Just Above Midtown Through 18/2/2023 www.moma.org
Just Above Midtown, ou JAM, était une galerie d’art et un atelier fondé par Linda Goode Bryant qui mettait au premier plan des artistes afro-américains et des artistes de couleur. Ouverte de 1974 à 1986, cette galerie un lieu où l’art africain s’épanouissait et où les discussions étaient encouragées. La galerie a offert leurs premières occasions à des artistes aujourd’hui reconnus comme protagonistes de l’art de la fn du XXe siècle, tels que, entre autres, David Hammons, Butch Morris, Senga Nengudi, Lorraine O’Grady et Howardena Pindell. Cette exposition présente des artistes et des œuvres d’art qui ont été précédemment exposés au JAM dans un large éventail de supports, tandis que des documents d’archives et des interventions d’artistes contextualisent la démarche expérimentale qui a caractérisé la galerie.
Après Rome et Paris, c’est à Milan que le Balloon Museum présente Pop Air, l’exposition itinérante parrainée par la Ville de Milan, avec une nouvelle installation dynamique et ludique qui accueille les œuvres de dix-huit artistes et collectifs d’art internationaux. L’air fait l’objet d’une recherche commune de la part des artistes en question, en passant d’élément constructif et tangible, véritable sculpture à la forme inattendue et monumentale, à enveloppe métaphysique et suspendue, de nature nébuleuse et impalpable. Chaque installation “gonfable” crée de nouveaux espaces de socialisation physique, numérique et culturelle en interagissant avec l’utilisateur. Le visiteur se retrouve en effet au centre d’un parcours expérientiel qui implique ses sens, en suscitant l’émerveillement, la curiosité et la réfexion sur des thèmes contemporains.
Dopo Roma e Parigi, approda a Milano la mostra di Balloon Museum – patrocinata dal Comune di Milano – con un nuovo allestimento dinamico e ludico che coinvolge le opere di diciotto artisti e collettivi internazionali. L’aria è oggetto di indagine comune per gli artisti coinvolti: da elemento costruttivo e tangibile, vera e propria scultura dalla forma inaspettata e monumentale, ad atmosfera metafsica e sospesa, dal carattere nebuloso e impalpabile. Ogni installazione gonfabile, attraverso l’interazione con il fruitore, crea nuovi spazi di socializzazione fsica, digitale e culturale. La persona è, infatti, al centro di un percorso esperienziale che coinvolge i suoi sensi generando stupore, curiosità e rifessioni su tematiche della contemporaneità.
After visiting Rome and Paris, the Balloon Museum exhibition – sponsored by the City of Milan – is coming to Milan with a dynamic and playful new display of works by eighteen international artists and collectives. Air is the subject matter for all the artists involved: both as a tangible, constructive element, an authentic means of sculpting unexpected and monumental forms, and also a
GRAZ, HDA
Changing Conditions. An exhibition by + about Snøhetta Through 5/2/2023 hda-graz.at
suspended metaphysical kind of atmosphere of a nebulous and impalpable nature. Each infatable installation interacts with the user to create new spaces of physical, digital and cultural socialisation. People are, indeed, at the centre of an experiential journey engaging their senses and generating amazement, curiosity and the stimulus to think about cutting-edge issues.
Just Above Midtown, o JAM, era una galleria d’arte e un laboratorio guidato da Linda Goode Bryant che metteva in primo piano artisti afroamericani e di colore. Aperta dal 1974 al 1986, era un luogo in cui forì l’arte nera e si coltivava il dibattito. La galleria ha offerto le prime opportunità per artisti ora riconosciuti come fgure fondamentali nell’arte della fne del XX secolo, tra cui David Hammons, Butch Morris, Senga Nengudi, Lorraine O’Grady e Howardena Pindell. Questa mostra presenta artisti e opere d’arte precedentemente mostrate al JAM in un’ampia gamma di mezzi, con materiale d’archivio e interventi degli artisti che contestualizzano l’etica sperimentale che ne ha defnito l’attività.
J ust Above Midtown, or JAM, was an art gallery and laboratory led by Linda Goode Bryant that foregrounded African American artists and artists of color. Open from 1974 until 1986, it was a place where black art fourished and debate was cultivated. The gallery offered early opportunities for artists now recognized as pivotal fgures in late-20th-century art, including David Hammons, Butch Morris, Senga Nengudi, Lorraine O’Grady, and Howardena Pindell. This exhibition presents artists and artworks previously shown at JAM in a wide range of mediums, and archival material and artist interventions contextualize the experimental ethos that defned the gallery.
Depuis sa création, l’agence norvégienne d’architecture Snøhetta a prouvé que l’architecture peut apporter une contribution signifcative en matière de durabilité sociale et écologique. Le large éventail de défs actuels se refète dans les nombreux bâtiments et projets développés par Snøhetta qui constituent son travail diversifé. À partir de projets spécifques, cette exposition présente l’approche de Snøhetta en matière de design, ainsi que l’histoire de son développement. Les projets sélectionnés montrent la diversité de ses œuvres, que l’on peut voir dans les agglomérations urbaines du monde entier et dans les paysages norvégiens et alpins.
F
in dalla sua fondazione, lo studio norvegese Snøhetta ha dimostrato che l’architettura può dare un contributo signifcativo nei campi della sostenibilità sociale ed ecologica. L’ampia gamma di sfde attuali si rifette nei numerosi edifci e progetti sviluppati da Snøhetta che compongono la loro variegata opera. La mostra utilizza progetti singoli per delineare l’approccio di Snøhetta al design e la storia del suo sviluppo. I progetti selezionati mostrano la diversità del loro lavoro, che si può trovare negli agglomerati urbani di tutto il mondo, nonché nel paesaggio norvegese e alpino.
Ever since its foundation, Norwegian practice
Snøhetta has been proving that architecture can make a signifcant contribution to the felds of social and ecological sustainability. The wide range of current challenges is refected in the many buildings and projects developed by Snøhetta that make up its diverse oeuvre. The exhibition uses individual projects to outline Snøhetta’s approach to design and the story of its development. The selected projects show the diversity in their work, which can be found in urban agglomerations all over the world as well as in the Norwegian and alpine landscape.
Façade pour des panneaux verriers d'un format et d'un poids supérieurs Selon les estimations, d'ici 2050, 70 % de la population mondiale vivra dans des agglomérations urbaines. Cela remet en question la façon dont nous concevons et construisons les bâtiments. Le système de façade modulaire WICTEC 60 NG offre une flexibilité maximale, associée à une rentabilité, une sécurité et une rapidité de pose accrues. Avec notre nouvelle façade, vous avez aujourd'hui l'assurance de bâtir une ville meilleure pour demain.
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