| Materiales, soportes y técnicas de dibujo en la asignatura de artes visuales

MATERIALES, SOPORTES Y TÉCNICAS DE DIBUJO EN LA ASIGNATURA DE ARTES VISUALES UN RECURSO PARA EL DOCENTE

Camila Cáceres Bustos – Yocelyn Valero Vásquez

TRABAJO DE TITULACIÓN PRESENTADO A LA FACULTAD DE EDUCACIÓN DE LA UNIVERSIDAD DE CONCEPCIÓN PARA OPTAR AL TÍTULO DE PROFESOR. Profesora guía: Mg. Nelly Alejandra Soto Urrea Tesistas: Camila Fernanda Cáceres Bustos Yocelyn Gloria Valero Vásquez Registro fotográfico: Camila Fernanda Cáceres Bustos Yocelyn Gloria Valero Vásquez Colaboradores: Elisa Jackson Garcés Ignacio Sepúlveda Zúñiga Andrea Valero Vásquez Textos: Camila Fernanda Cáceres Bustos Yocelyn Gloria Valero Vásquez La reproducción total o parcial, distribución o transformación de esta obra sólo debe realizarse con la autorización de las autoras. © 2021 UNIVERSIDAD DE CONCEPCIÓN, CONCEPCIÓN.

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MATERIALES, SOPORTES Y TÉCNICAS DE DIBUJO EN LA ASIGNATURA DE ARTES VISUALES UN RECURSO PARA EL DOCENTE

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Índice CAPÍTULO

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CAPÍTULO

CAPÍTULO

HISTORIA DEL DIBUJO

NOCIONES BÁSICAS: 1.- MATERIALES 2.- SOPORTES 3.- TÉCNICAS

ELEMENTOS DEL DIBUJO

| Página 12 - 65

| Página 66 - 231

| Página 232 - 253

CAPÍTULO

CAPÍTULO

CAPÍTULO

SÉPTIMO BÁSICO | Sugerencias de Actividades 1.- UNIDAD 1 2.- UNIDAD 2 3.- UNIDAD 4

OCTAVO BÁSICO | Sugerencia de Actividades 1.- UNIDAD 1 2.- UNIDAD 2 3.- UNIDAD 4

GLOSARIO

| Página 254 - 267

| Página 268 - 281

| Página 282 - 289 5

|PRESENTACIÓN

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Este material didáctico propone ser una ayuda a la labor del los y las docentes en el aula para la asignatura de artes visuales, abordado desde la perspectiva del dibujo, enfocado en los cursos de séptimo y octavo básico.

Según Piaget (Neuchâtel, Suiza, 1896-Ginebra, 1980) “El objetivo principal de la educación en las escuelas debe ser la creación de hombres y mujeres capaces de hacer cosas nuevas, no simplemente repetir lo que otras generaciones han hecho, hombres y mujeres creativos, inventivos y descubridores, que pueden ser críticos y verificar y no aceptar todo lo que se ofrece”, es por esto, que es necesario generar un material de apoyo didáctico que entregue las herramientas y conocimientos a los y las docentes, para que le enseñen a sus estudiantes a descubrir su propia creatividad a través del dibujo.

El material generado presenta 6 capítulos, los cuales son: El capítulo 1, Historia del dibujo explica sobre la historia del dibujo, desde el origen prehistórico de la civilización humana, hasta la era digital.

El capítulo 2, Materiales, soportes y técnicas presenta un total de 40 materiales, 13 soportes y 7 diferentes técnicas que se pueden utilizar en la creación un dibujo.

El capítulo 3, Elementos del dibujo presenta los elementos básicos que son muy importantes al momento de realizar un dibujo.

El capítulo 4, Séptimo básico - Sugerencias de Actividades presenta un total de 3 sugerencias de actividades para séptimo básico, una para cada unidad didáctica (unidad 1, 2 y 4), las que serán posibles de ser implementadas en el aula.

El capítulo 5, Octavo básico - Sugerencias de Actividades, presenta un total de 3 sugerencias de actividades para octavo básico, una para cada unidad didáctica (unidad 1, 2 y 4), las que serán posibles de ser implementadas en el aula.

El capítulo 6, Glosario, presenta un glosario dedicado a términos técnicos que no se abordaron en el material de apoyo docente.

Su diagramación y contenido están pensados para ser de fácil lectura, pues entrega información relevante sobre el área del dibujo, presenta un apoyo fotográfico original y referentes visuales, acordes a los temas tratados, facilitando con ello la ampliación del conocimiento del cuerpo docente de educación general básica.

A C

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L A R A C I O N E S

 El material generado está enfocado en los cursos de séptimo y octavo básico, sin embargo, puede ser utilizado como una guía, tanto para los y las docentes, como para los mismos estudiantes, pues en los capítulos 1, 2, 3 y 6 del texto encontrarán información relevante sobre el área del dibujo.  Las pruebas de los materiales que se encuentran en el capítulo 2 de este texto fueron realizadas en un soporte y con un material para cada categoría, esto no quiere decir que no se puedan utilizar distintos materiales en diferentes soportes.  Las sugerencias de actividades para los cursos de séptimo y octavo básico que se encuentran en los capítulos 4 y 5 respectivamente, están sujetos a modificaciones que el o la docente considere pertinentes. Estas actividades se basan en los programas de estudios que entregó el Ministerio de Educación en el año 2016 para estos cursos.

 Las palabras que se encuentran subrayadas en el texto, son términos técnicos que fueron definidos en el capítulo 6.  Los materiales, soportes y técnicas descritas en el texto son en su mayoría herramientas de dibujo, pero esto no quiere decir que no se puedan mezclar con otras técnicas como la pintura o la escultura.

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Es una cosa admirable mirar un objeto y encontrarlo bello, reflexionar sobre él, retenerlo y decir en seguida: me voy a poner a dibujarlo.

Vincent van Gogh

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CapĂ­tulo 1:

Historia del Dibujo

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¿Qué es el Dibujo?

Según el diccionario en línea de la Real Academia Española (RAE), cuando hablamos de dibujar es “trazar en una superficie la imagen de algo”. (RAE,2020) La etimología del termino dibujar proviene del francés antiguo deboissier, que significa “labrar en madera” o bien significa “representar en forma gráfica”, que deriva, a su vez, de bois que significa “bosque” o “madera”.

Una acepción más abarcadora del campo indica que el dibujo es el principio fundamental del arte plástico y la base estructural de cualquier proyecto (de diseño, arquitectónico, etc.)

Tal vez también conviene considerar la definición que provee Francis D. K. Ching; para este autor, dibujo es el “proceso o técnica que se pone en práctica para representar algo –un objeto, un entorno, una idea– trazando líneas sobre una superficie”. (Ching, 1998/2010, pág. 1) 14

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En el fondo de cualquier dibujo existe un proceso interactivo de visión, imaginación y representación de las imágenes.

(Ching, 1998/2010, pág. 3)

Según este autor, “la visión es el canal sensorial primario por el que entramos en contacto con nuestro mundo. […] La visión posibilita nuestra capacidad de dibujar, en tanto que el dibujo potencia la visión”. (Ching, 1998/2010, pág. 3) Respecto a la imaginación, Ching dice: “La mente en su activa búsqueda de estructura y significado, procesa, manipula y filtra la información visual que recibe el ojo. El ojo de la mente genera imágenes que vemos que son, precisamente, las que intentamos representar en el dibujo”. (Ching, 1998/2010, pág. 3) 15

¿Qué es el Dibujo?

El dibujo no se reduce a una mera habilidad manual, sino que comprende el pensamiento visual que estimula la imaginación y, en reciprocidad, esta proporciona ímpetu para el dibujo”. (Ching, 1998/2010, pág. 3) En relación con el último punto; la representación, Ching argumenta: “Cuando dibujamos hacemos marcas en una superficie para representar gráficamente lo que vemos ante nosotros o imaginamos en la mente. El dibujo es un medio natural de expresión que crea un mundo de imágenes, independiente, pero paralelo, que habla a la visión”. (Ching, 1998/2010, pág. 3) El autor concluye con que “la actividad de dibujar no puede separarse de la visión ni de la reflexión sobre lo que se representa”, pues para él “la destreza del dibujo debe aparejar un conocimiento de aquello que nos esforzamos en representar gráficamente”. (Ching, 1998/2010, pág. 3) 16

| Algunas conclusiones sobre el Dibujo:

El dibujo es el principio fundamental del arte plástico y la base estructural de cualquier proyecto de diseño. Llamamos dibujo al proceso que ponemos en práctica para representar algo haciendo marcas sobre una superficie. Los tres pilares del dibujo son la visión, la imaginación y la representación. Para producir un dibujo, es necesario que estos tres elementos interactúen.

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Degas, E. (Artista). (1855). Autorretrato [Ă“leo sobre papel]. Museo d'Orsay, Paris. ExtraĂ­do de https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Edgar_Degas_self_portrait_1855 .jpeg

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“Dibujo no es lo mismo que forma, sino una manera de ver la forma� - Edgar Degas (18341917), artista.

Recorrido por la historia del dibujo

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          

Origen Prehistórico La era Egipcia La era Griega La era Romana Edad Media (s. VIII – s. XV) Renacimiento Renacimiento: El legado da Vinci Años 1600 – 1700 Años 1800 – 1900 Dibujo Técnico Dibujo Digital

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Origen Prehistórico Desde el inicio el ser humano ha tenido la necesidad de plasmar todo lo que le rodeaba, es decir, su naturaleza, su manera de vivir, entre otros.

Ellos encontraron en el dibujo como un medio, en el cual nos dejaron registros de sus actividades, los cuales hasta la fecha, nos ha dado conocimiento de cómo eran estas personas. Por lo menos hace 35.000 años, cuando todavía vivían los hombres prehistóricos, estos dejaban rastros de su vivencia con dibujos tallados en las cuevas, representando o tratando de expresarse por medio de los dibujos. Desde la prehistoria el hombre trató de reproducir en las paredes de las grutas las formas de los animales que había observado, logrando representar sus movimientos, la masa y la forma de los cuerpos; así, nace esta practica desarrollada por el ser humano, el cual siempre ha procurado representar los objetos como sus ojos los veían.

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Fresco de los caballos o Panel de Caballo David Huguet Cueva Chauvet - Patrimonio de la Humanidad de la Unesco 23

Origen Prehistórico La cueva de Chauvet o cueva de Chauvet-Pont-d’Arc es una cueva en el departamento de Ardèche del sur de Francia, la cual contiene un tesoro inestimable por su antigüedad, conservación y la calidad pictórica de las representaciones; pues es uno de los ejemplos más antiguos del arte parietal auriñaciense, la cual está datado entre 40.000 y 30.000 años a.C aproximadamente. En ella están representados 425 animales, centrado en la fauna salvaje, como osos de las cavernas, panteras, mamuts o rinocerontes lanudos. Las representaciones pictóricas encontradas evidencian un gran dominio de las técnicas artísticas, tanto en el uso del color (pigmentos vegetales y minerales), el naturalismo de las representaciones o el uso de la perspectiva (relieves y difuminados).

Aerografía (huellas de manos en negativo) Los paleolíticos realizaban figuras soplando pigmento sobre la pared, es decir, mediante la técnica de la aerografía. Preparaban el pigmento y lo escupían directamente alrededor de la mano. Para conseguir proyecciones más precisas, utilizaban un tubo hecho de hueso.

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Técnica de plantilla (mano negativa) por SMERGC / Perazio / Guichard Cueva Chauvet - Patrimonio de la Humanidad de la Unesco

¿Sabías qué?

Puedes realizar un recorrido virtual por la Cueva de Chauvet, solo tienes que ingresar al siguiente enlace para poder disfrutar estas representaciones pictóricas: https://archeologie.culture.fr/chauvet/fr/visiter-grotte/salle-brunel-sud 25

La era Egipcia

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os antiguos egipcios conocían la artesanía, pero el concepto de arte, como lo entendemos hoy, no existía en su vocabulario. Pues, el arte no tenía una finalidad meramente estética, sino más bien funcional, porque estaba relacionado con el culto a los dioses y debía favorecer el tránsito al Más Allá.

El dibujo fue un componente esencial en la era del antiguo Egipto, pues es el punto de partida para el desarrollo de otras técnicas artísticas como lo son la pintura, el relieve, la escultura de bulto redondo, las artes decorativas y la arquitectura. Encontramos que en ésta época los dibujantes y los pintores eran “aquellos que trazan los límites de las formas”. Esta interdependencia entre la escritura y el dibujo se refleja en el verbo sesh (que significa “perfilar” o “delimitar”), que utilizaban los egipcios para referirse al acto de escribir, dibujar y pintar, lo cual demuestra también la importancia que el contorno tenía para ellos.

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Ostracon figuré Museo del Louvre, Paris

Un rasgo típico de en la era egipcia es que las figuras se dibujaban de perfil, quedando de frente el tronco y los ojos. Además, otra de sus características es la ausencia de perspectiva y el empleo de los colores planos, es decir, sin degradar o difuminar.

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La era Griega

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Los griegos fueron los máximos representantes del dibujo, pues ellos se preocupaban por tener la expresión perfecta del ser humano y con ello obtener armonía en sus lienzos.

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En el comienzo de la era Griega los diseños eran elementalmente formas geométricas, de ahí la denominación de geométrico que recibe este primer periodo (s. IX y s. VII a. C). Con el paso del tiempo, esta civilización fue enriqueciendo la forma de ver el dibujo y marcó la pauta para nuevos estilos. Las composiciones comienzan progresivamente a cobrar volumen, aparecen los primeros dibujos de plantas y animales enmarcados por guardas denominadas “meandros”. En el periodo arcaico (s. VII y s. VI a.C) se incluye a la figura humana con un dibujo muy estilizado, la cual cobra importancia al servicio de las representaciones mitológicas.

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Según Francisco Calvo Serraller, es en la cultura griega donde se da el “salto decisivo”, en el sentido de valorar las aportaciones individuales, ya que: “... fue la primera civilización en secularizar lo artístico, dando a sus productos un valor formal propio, el derivado de plasmar belleza” (Serraller y Giménez, 2006, p.32).

Edipo interrogado por la Esfinge Museo Vaticano

Corredores durante los Juegos Panatenaicos Siglo VII a.C Cerámica pintada 29

La era Romana Un arte al servicio de un imperio El denominado arte romano hunde sus raíces en diversas influencias, especialmente del mundo etrusco y del griego. La fuerte organización y personalidad del Imperio Romano exigía un arte y una arquitectura que uniera el carácter funcional con el propagandístico. De esta forma nace un arte muy centralizado y unitario que abarca todo el imperio, no solo Roma, sino en mayor o menor medida, a todas su provincias.

El dibujo romano tuvo como precedentes los frescos de las cámaras funerarias etruscas y la pintura griega, alcanzando un gran desarrollo.

En Roma se empleó una técnica similar a la egipcia, la del fresco en los muros, que constaba de aplicar la pintura cuando el soporte estaba aún fresco, obteniendo así una fijación muy duradera. Para los cuadros, los romanos utilizaron la técnica del temple que es la unión de los pigmentos con clara de huevo y la encáustica en retratos.

Las pinturas se hallaban en las paredes de las casas de los romanos más adinerados, generalmente se trata de “pintura al fresco”, aunque también está documentada la “pintura sobre tabla”.

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Boda de CĂŠfiro y Cloris Fresco pompeyano

Retrato en vidrio dorado Siglo IV 31

E d a d M e d i a ( s. VIII – s. XV) En la Edad Media, lo que denominamos arte se produjo principalmente para glorificar a Dios y para enseñar religión. La pintura y el dibujo se fusionaron en la ilustración de las Biblias y los libros de oraciones producidos por monjes”.

El dibujo fue utilizado en las etapas preparatorias para la realización de obras de arte durante este periodo, pero pocos sobrevivieron. El papel no se fabricó en Europa hasta el año 1.100 y en un principio era muy caro y difícil de obtener. A veces, se dibujaba en pieles de animales preparados, como es el pergamino o vitela, los cuales también eran caros. Durante este periodo, se realizaron los dibujos preparatorios en tabletas hechas de pizarra, madera o cera e incluso se optaba por realizar los dibujos preparatorios directamente en el panel o pared que se iba a pintar, las cuales se terminaban cubriendo en la etapa final con la aplicación de la pintura. La mayoría de los artistas medievales son desconocidos, pues en aquel entonces, las obras artísticas se hacían en grupo y no se firmaban. En la Edad Media, los artistas y los artesanos empleados en la construcción de una iglesia se agrupaban en comunidades llamadas logias.

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Saviour Made Without Hands Desconocido The State Tretyakov Gallery

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E d a d M e d i a ( s. VIII – s. XV) La mayoría de las mujeres pintoras conocidas de la Edad Media fueron monjas o tenían una relación directa con la iglesia. Sus obras se basan, principalmente, en temáticas religiosas.  Guda: fue una monja, iluminati e ilustradora alemana considerada la primera mujer en pintar un autorretrato.  Diemoth (Diemudus): fue una escriba alemana que elaboró 45 manuscritos ilustrados.  Ende: fue una monja castellana nacida en 950 y autora de una serie de miniaturas sobre el fin del mundo expuestas en la catedral de Gerona.  Claricia: no fue monja pero dedicó su vida a ilustrar libros en monasterios alemanes.  Abadesa Hitda: ilustró un evangelio conocido como “Evangelios de Hitda de Meschede”.  Herrada de Landsberg: fue monja y abadesa autora de la enciclopedia pictórica Hortus deliciarum.  Hildegarda de Bingen: fue abadesa, profetisa, médica y artista. Una de las mujeres más polifacéticas e influyentes de la baja Edad Media en occidente.  Teresa Diez: fue una pintora desconocida, no se sabe nada sobre su vida pero sí de su obra en el Real Monasterio de Santa Clara de Toro.

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Junto a este autorretrato escribió una inscripción: Guda

peccatrix mulier scripsit et pinxit hunc librum, es decir, “Guda, una pecadora, escribió e ilustró este libro”.

Se conoce a Guda cómo una de las primeras mujeres en la civilización occidental que deja como firma un autorretrato.

Ilustración del homiliario de San Bartolomé, creado entre 1250 y 1300 Guda de Weissfauen Deutsche Nationalbibliothek de Fráncfort 35

Renacimiento El dibujo moderno en Europa comenzó en 1400 en Italia, durante el período conocido como el Renacimiento. En este momento nació un amor especial por el dibujo. La producción de dibujos también aumentó constantemente, esto se debía a que el papel se había vuelto más fácil de obtener y a la nueva importancia que se le atribuye al dibujo.

El dibujo llegó a ser considerado el fundamento para el trabajo en todas las artes. Se entrenaba primero en dibujo antes de ir a la pintura, la escultura o la arquitectura. El dibujo se usó como una herramienta para el estudio de la naturaleza, que cobraba cada vez más importancia. Los artistas estudiaron cuidadosamente la estructura física del cuerpo humano por primera vez y comenzaron a dibujar a partir de modelos desnudos, en consecuencia la representación de la figura humana se hizo cada vez más realista. Los artistas del Renacimiento continuaron usando la pluma y la tinta para dibujar, pero recurrieron cada vez más a materiales más blandos, como las tizas negras, rojas y el carbón, y se introdujo el sombreado para sugerir sólidos y texturas.

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Si se observa atentamente el dibujo, se puede ver cada cabello y cada pelo de la barba, está realizado con enorme precisión, aunque el rostro no esté acabado; falta la parte superior de la frente y parte de la barba pero produce la impresión de verse.

Este autorretrato, más que ser fiel como una fotografía, es una interpretación que da Vinci da a su propio rostro, jugando con las luces y sensaciones que genera.

Autorretrato (Autoritratto) Leonardo da Vinci 1513 Biblioteca Real de Turín, Italia 37

Renacimiento

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Las pintoras más reconocidas en este siglo se destacaron por trabajar para grandes reyes o personalidades importantes de la época.

 Plautilla Nelli: fue una monja dominica considerada la primera mujer pintora renacentista y autodidacta en Florencia.  Caterina van Hemessen: fue una pintora flamenca especializada en retratos.  Sofonisba Anguissola: fue una pintora italiana considerada la primera mujer pintora de éxito del renacimiento. A los 27 años trabajó para Felipe II y pintó su retrato más conocido. Dos de sus obras están expuestas en el Museo del Prado.  Lavinia Fontana: fue una Pintora italiana del primer barroco. Llegó a ser pintora oficial del papa Clemente VIII. Se conocen 135 obras suyas aunque solo se conservan 32.

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Parece ser que Sor Plautilla Nelli recibió muchos encargos a lo largo de su vida con tematicas religiosas, desde miniaturas hasta tablas de gran formato.

Aunque, lamentablemente muy pocas se han identificado como suyas. La lamentación con santos (hoy en el Museo San Marco de Florencia), La Virgen con el Niño y cuatro ángeles, Pentecostés de la Iglesia de San Doménico de Perugia o La Última Cena del Convento florentino de Santa Maria Novella son algunas de las pocas obras que se han identificado como suyas.

Virgen dolida o dolorosa Plautilla Nelli Wikimedia Commons 39

Renacimiento  Barbara Longhi: fue pintora renacentista centrada en la pintura religiosa.  Marietta Robusti: apodada La Tintoretta fue hija ilegítima del pintor Jacopo Tintoretto. Se especializó en pintura de pequeño tamaño.  Fede Galizia: fue pintora del barroco pionera en el género del bodegón.  Clara Peeters: fue una pintora flamenca especializada en bodegones.

El Museo del Prado de España le dedicó una exposición en 2016, siendo la primera mujer pintora a la que el museo dedicara una exposición.  Lucrina Fetti: fue una pintora italiana y monja Clarisa en el convento de Santa Úrsula. Trabajó la pintura religiosa.  Artemisia Gentileschi: fue una pintora italiana representante del caravaggismo. Se considera una de las primeras pintoras feministas.  Orsola Maddalena Caccia: fue monja y pintora italiana que desarrolló su obra decorando los altares de conventos.

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Still Life with Cheeses, Almonds and Pretzels Clara Peeters 1615 Mauritshuis

| ¿Sabías qué? | En el Museo del Prado, España existe un recurso interactivo sobre la obra de Clara Peeters, solo tienes que ingresar al siguiente enlace: https://n9.cl/0wfc3 41

Renacimiento Los artistas que vivían en el norte de Europa, principalmente en Alemania, Francia y los Países Bajos en la década de 1500 fueron los que absorbieron de forma gradual algunas de las ideas y estilos que se desarrollaron por primera vez en Italia. Unos de los primeros artistas alemanes que viajó a Europa fue Alberto Durero, un gran dibujante y grabador, este artista inspiró a otros a hacer el mismo viaje. Sin embargo, la tradición artística del norte se mantuvo diferente a la italiana, pues la italiana produjo muchos estudios de trabajo para preparar sus pinturas. En cambio, la tradición artística norteña realizó muchos dibujos terminados como obras de arte para la venta, entre los más populares fueron los retratos y dibujos de paisajes.

Alberto Durero Los estudios precisos de Durero sobre personas, animales, paisajes y plantas, especialmente los que se representan en acuarela y en tiza, son ejemplos sobresalientes.

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La punta de plata es una varilla de metal afilada con la que se puede dibujar. Este estilete generalmente va resguardado en un mango de madera o plástico.

Las características de este material son: que los trazos realizados se tornan algo más oscuros al entrar en contacto con la atmósfera y acompañado de un trazo marcado, brillante y muy delimitado. Por eso crea unas composiciones limpias y firmes, las cuales no se puede borrar el trazo.

Autorretrato a los 13 años Alberto Durero 1484 Dibujo a punta de plata Museo Albertina en Viena 43

Renacimiento:

El legado da Vinci

L eonardo da Vinci es quizás el artista más reconocido de la historia del Arte, pero más allá de un artista, da Vinci era un científico interesado en todos los campos del conocimiento humano. Nace en 1452 en la villa toscana de Vinci, hijo de una campesina y un notario. Su curiosidad se manifestó desde pequeño, pues dibujaba animales mitológicos, híbridos entre la realidad y la fantasía. Se perfeccionó en el taller de Verrocchio en pintura, escultura y demás artes. No tardó en superar a su maestro y se llegó a interesar por la pintura al óleo, con la cual innovó en la composición y en el tratamiento de claroscuro.

Viaja por diferentes partes de Europa y desarrolla increíbles tratados

científicos y futuristas ingenios: el submarino, misiles, escafandras, helicópteros, entre otros. Incluso incursionó en la hostelería con Botticelli, pues abrieron una taberna llamada “La Enseña de las Tres Ranas de Sandro y Leonardo”. Son reconocidos sus estudios anatómicos del cuerpo humano, los cuales fue perfeccionando a lo largo de su vida, mediante las autopsias de cadáveres – ¡ estaban prohibidas ! – que pudo realizar a unos treinta cadáveres con los que dibujó con gran detalle y claridad gran parte de los órganos del cuerpo humano, 44

Anciano pensativo Leonardo da Vinci 1513 Colección particular

Hombre de Vitrubio Leonardo da Vinci 1487 Galería de la Academia, Venecia Planos para una máquina voladora – Leonardo da Vinci – 1488 – Institut de France, París 45

Años 1600–1700

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a precisión y el control de los dibujos del Renacimiento fueron reemplazados en el período Barroco por formas más vivas y por el uso más audaz de los materiales. Por ejemplo, las líneas de laemplo tiza y bolígrafo se hicieron más libres y fluidas.

También se utilizó los lavados de tinta y acuarela.

El Barroco trasciende del arte, pues fue un periodo cultural, científico, tecnológico, filosófico, político y económico, aunque probablemente sea en el arte el medio donde mejor se ilustra el ambiente que se estaba viviendo en el periodo barroco. El siglo XVII nace con muchos cambios políticos (los estados modernos), religiosos (la contrarreforma), tecnológicos (el telescopio) y sociales (la burguesía). En medio de esta atmósfera surge un estilo anti-clásico, que es menos racional y más apasionado. En consecuencia, el arte se volvió dinámico, teatral y efectista, pues busca sorprender y asombrar, para ello se apoyaron en el realismo, los contrastes y el desequilibrio.

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Los dibujos de Pedro Pablo Rubens de Flandes, inspirado en los pintores italianos, son buenos ejemplos de arte en el siglo XVII. Delacroix lo llamó "el Homero de la pintura, el padre de la calidez y el entusiasmo en el arte".

Visión de Ezequiel Pedro Pablo Rubens 1605 – 1608 Lápiz rojo y negro, acuarela gris en papel blanco 47

Años 1600–1700

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Rembrandt van Rijn es el artista más grande de los Países Bajos. Este artista barroco, fue la figura central en la edad de oro holandesa. Con un desarrollo excepcional de la pintura, en especial sus retratos y autorretratos, con una actitud humilde y un conocimiento acertado del ser humano.

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Los Países Bajos tuvieron su mayor período de floración artística en la década de 1600. Rembrandt van Rijn fue el pintor y grabador más famoso de Ámsterdam. También fue uno de los mejores dibujantes del mundo, pues él fue capaz de transmitir en sus composiciones la forma, movimiento y emoción con solo unas pocas líneas del lápiz.

Los artistas holandeses se especializaron en pintura paisajística. A menudo iban al campo con un cuaderno de bocetos en la mano y producían dibujos o estudios terminados para que las pinturas se completaran en el estudio.

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Autorretrato con capa y ojos muy abiertos Rembrandt van Rijn 1630 Aguafuerte y buril Rijksmuseum, Ă msterdam

Modelo desnuda en el estudio Rembrandt van Rijn 1650 Pluma y pincel sobre un dibujo de tiza

Años 1600–1700 El período Rococó de la década de 1700 estuvo dominado por el gusto y la cultura francesa. Las líneas decorativas y los temas alegres son característicos de la obra de Jean-Antoine Watteau y François Boucher. Ambos artistas a menudo dibujaban con tizas rojas, negras y blancas, en ocasiones combinaban las tres.

En el año 1797, Pierre-Maurice Quays (pintor neoclásico francés), es quien nombra a esta nueva corriente denominada Rococó, la cual es la unión de las palabras “rocaille” y “baroque”, en la cual la primera designa a la ornamentación que imita piedras naturales y moluscos, y la segunda palabra, al barroco. Este término fue aceptado – por supuesto que esta corriente existía antes que la nombrara Quays – y fue desarrollándose a lo largo del siglo XVIII por toda Europa, pero la cuna de este estilo fue en Francia. Esta corriente buscaba la delicadeza, elegancia, sensualidad y gracia. Todo era más lúdico y más sentimental, acorde con esta alta sociedad en busca de la felicidad.

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Pareja sentada Jean-Antoine Watteau 1716 Tiza roja, negra y blanca sobre papel marrรณn

Cabeza de mujer viendo hacia atrรกs Rembrandt van Rijn 1740 Tiza sobre papel Colecciรณn Privada 51

Años 1600–1700 Elizabeth Blackwell (1707-1758) fue una ilustradora botánica escocesa. Su obra es un importante reflejo de especies del Nuevo Mundo y fue utilizada como libro de consultas de plantas medicinales.

A curious herbal se publicó en partes semanales entre 1737 y 1739, cada una con cuatro láminas y una página de texto.

Ilustraciones de A

curious herbal

Elizabeth Blackwell 1737 Ilustración 52

 Giovanna Fratellini (1666 – 1731) fue una artista florentina, de soltera Marmocchini Cortesi. Fue una de las damas de corte de la Gran Duquesa de Toscana, Vittoria della Rovere, quien se ocupó de gestionar y costear su formación pictórica y musical. Las obras que más prestigio le dieron a Giovanna Fratellini fueron los retratos y miniaturas que realizó de la nobleza italiana, pero también abordó en sus cuadros temas religiosos, mitológicos e históricos. Fue comparada en su época con la pintora veneciana Rosalba Carriera, por su refinamiento y su dominio en los retratos realizados a pastel. La mayoría de sus cuadros se conservan en la Galería de los Uffizi y el villa Medici La Petraia.

Autorretrato Giovanna Fratellini 1720 Pastel sobre papel Galeria Uffizi 53

Años 1800–1900 Durante el siglo XIX se desarrollaron diferentes estilos, los lápices fueron fabricados por primera vez a principios de siglo y se convirtieron en los materiales de dibujo preferido por muchos artistas. Como por ejemplo, el artista francés Jean-Auguste-Dominique Ingres produjo dibujos de retratos altamente acabados con este material. Francisco de Goya de España es conocido por sus expresivos dibujos realizados con pincel y lavado en negro y gris. A finales del siglo, Edgar Degas lideró el movimiento realista en Francia. Experimentó con varias técnicas de dibujo (óleo sobre papel, pastel y crayones, por ejemplo) con resultados muy originales. Las escenas cotidianas, los bailarines de ballet y las carreras de caballos estaban entre sus temas favoritos. ¿La tradición se deja de lado?

La tradición de formación académica fundada en el dibujo había dominado el arte europeo desde el Renacimiento. Pero en el último cuarto de la década de 1800, los artistas se empiezan a cuestionar los méritos de esta capacitación.

Este cambio comenzó con los impresionistas, pues pintaron directamente sobre el lienzo sin utilizar dibujos preparatorios.

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The Violinist Niccolò Paganini Jean-Auguste-Dominique Ingres 1819 Lápiz Museo del Louvre, Paris

La duquesa de Alba peinándose Francisco de Goya 1796-97 Lavado de tinta china Biblioteca Nacional de España 55

Años 1800–1900 Berthe Morisot empezó estudiando música y pronto comenzó con clases de dibujo y pintura. Fue alumna de Camille Corot, famoso paisajista. En 1868 estableció una gran amistad con Édouard Manet quien le presentó al grupo de pintores expresionistas con los que expuso y a quienes ayudó en su desarrollo”.

Sus pinturas se caracterizan por su técnica basada en grandes pinceladas aplicadas en todas las direcciones, dándoles calidades transparentes, tornasoladas e iridiscentes.”

Mujer en su baño / Mujer en su toilette Berthe Morisot 1875 – 1880 Instituto de Arte de Chicago 56

Louise Catherine Breslau: El dibujo era su vía de escape frente al aburrimiento. Estudió en París donde abrió su propio estudio tras exponer por primera vez en el año 1879 en el Salón de Blanco y Negro.

Además, se convirtió en la tercera mujer y primera no francesa en recibir el premio la Legión de Honor.

| ¿Sabías qué? | Para conocer más sobre las obra de la artista Louise Catherine Breslau, solo tienes que ingresar al siguiente enlace: http://www.artnet.com/artists/marielouise-catherine-breslau/

Lesende Schwestern Louise Catherine Breslau Pastel sobre papel 57

Años 1800–1900

D esde principios de la década de 1900, el arte se ha liberado de las tradiciones pasadas, lo que significó que la definición de dibujo también se ha ampliado, pues ahora puede ser casi cualquier cosa que un artista desea que sea.

Todos los movimientos del arte occidental moderno están representados por medio del dibujo.

E estos incluyen el cubismo – un representante del cubismo es Pablo

Picasso –, el expresionismo abstracto – Jackson Pollock –, el fauvismo – Henri Matisse – y el postmodernismo – Robert Rauschenberg –.

Los artistas continúan expresándose a través del dibujo, al igual que nuestros antepasados, los cuales sintieron el impuso de dibujar en esas paredes en las cuevas hace tantos años.

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Noche estrellada Vincent van Gogh 1888 LĂĄpiz y pluma sobre papel Music (Sketch) Henri Matisse 1907 Dibujo y boceto Museo de Arte Moderno, Nueva York Las seĂąoritas de Avignon (Study) Pablo Picasso 1907 Dibujo y boceto 59

Dibujo Técnico Ahora existen dos tipos de dibujo, el artístico y el técnico. El primero clasificaba los dibujos para expresar ideas estéticas, filosóficas y abstractas. El segundo es para representar la tipografía, arquitectura, edificios, entre otros”.

El dibujo técnico, también llamado dibujo industrial, no tiene una connotación artística, aunque requiere de competencias gráficas muy especificas. Pero, ¿qué es el dibujo técnico? Consiste en representar elementos, productos, edificios, piezas industriales o planos, de manera precisa en diferentes puntos de vista. Hoy en día se trabaja con ordenador gracias a los programas de CAO (Concepción Asistida por Ordenador) y DAO (Programa de Dibujo Asistido por Ordenador).

Con el dibujo técnico se logra:  La representación formal y descriptiva de un concepto.  La comunicación técnica de datos a los profesionales implicados en la realización de un proyecto.

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T I P o s

Croquis Es el primer boceto de un proyecto. Generalmente realizado a mano alzada, es aproximativo pero da una primera idea global del concepto.

Esquema

d e

Es un dibujo normalizado que se realiza a partir de símbolos que permiten representar las funciones y características de un producto de manera D simplificada.

I Dibujo en conjunto

B u J O t É C n I C o

Es un dibujo a escala que representa el proyecto en su globalidad, de forma no esquematizada.

Dibujo de definición

El dibujo presenta de forma completa el producto, porque figuran todos sus componentes y funciones.

Diseño de fabricación / Dibujo Detalle El primero son los realizados a partir de los dibujos de definición y el segundo se trata de acercamientos de una parte del proyecto.

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Dibujo Digital

El primer pintor neoimpresionista, fue Seurat, quien creó una nueva técnica, que sería a lo que conocemos como píxeles. Él hizo que el color sea más definido en la era digital.

Neoimpresionismo: Corriente Model from the Back Georges Pierre Seurat artística posterior al impresionismo que intenta 1886 recuperar las formas que los Puntillismo, Neoimpresionismo impresionistas habían disuelto Óleo sobre madera Museo de Orsay entre luces y colores.

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El dibujo no solo se realiza en hojas de papel o lienzos, sino que ahora se convierten en dibujos digitales, es decir, pueden ser plasmados en los dispositivos digitales como computadoras o celulares.

El dibujo digital es una representación lineal vectorial, como los cliparts – imagen predefinida que se utiliza para ilustrar cualquier medio digital – o infografías. Por lo general, el dibujo digital usa programas vectoriales, como Illustrator, pero también se puede realizar en programas de edición de mapas de bits, como Photoshop.

Ventajas del dibujo Digital    

Facilidad para borrar, corregir y deshacer.

Ahorro de tiempo.

Múltiples efectos y estilos.

Los materiales y herramientas son inagotables.

desventajas del dibujo Digital  El control del trazo que se tiene sobre el papel y las sensaciones al dibujar se pierden al utilizar el dibujo digital.  La aproximación de la mano al soporte, la orientación de la superficie de dibujo y la inclinación y/o rotación del pincel son débiles en el medio digital.

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Dibujo Digital:

Recomendaciones de aplicaciones

El programa Adobe, por ejemplo, representa sin duda una excelente elección para un trabajo profesional. Tanto por Photoshop —para el retoque fotográfico o el diseño digital— como Illustrator —para la gráfica vectorial— o Lightroom — para la postproducción—, el paquete Adobe es una de las opciones de pago más usadas por diseñadores gráficos, ilustradores y fotógrafos.

Pero no siempre se cuenta con los recursos para pagar una suscripción mensual a uno o más programas que ofrece Adobe Creative Cloud. Es por eso que las siguientes recomendaciones de aplicaciones o programas para trabajar el dibujo, ¡son gratuitas! | Programas para hacer dibujos:

Gimp:

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Es un editor gráfico que permite retocar fotografías y componer imágenes vectoriales o de mapa de bits. Este editor gráfico es una alternativa de software libre al programa Photoshop, pudiendo realizar los mismo montajes gráficos que con este programa.

s o programas para trabajar el dibujo digital krita: es un programa enfocado principalmente a la pintura digital, aunque puede utilizarse también como herramienta de retoque o incluso editor de imágenes vectoriales. Posee una interfaz influenciada por los productos de Adobe, por lo que si tú eres usuario/a de Photoshop, te resultará más fácil familiarizarse con el programa.

| Aplicaciones para hacer dibujos: Autodesk Es una aplicación que se encuentra disponible para iOS Sketchbook: y Android y se dedica fundamentalmente a la ilustración. Cuenta con una gran variedad de pinceles y utilidades para poder convertir tu ordenador o móvil en un lienzo digital.

Ibis Paint x: Es una aplicación gratuita que se encuentra disponible

para iOS y Android y es utilizada para dibujar ilustraciones, cómics y mangas. El diseño de la interfaz está optimizado para su uso en Smartphone y tabletas.

Esta versión gratuita incluye anuncios en la aplicación, pero tras ver un anuncio se desbloquean temporalmente las herramientas disponibles.

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Capítulo 2:

Nociones Básicas Materiales, Soportes y Técnicas

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Materiales

6. m. Cada una de las materias que se necesitan para una obra, o el conjunto de ellas.

8. m. Conjunto de máquinas, herramientas u objetos de cualquier clase, necesario para el desempeño de un servicio o el ejercicio de una profesión. Material de guerra, de incendios, de oficina, de una fábrica.

(DRAE, 2020) 69

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|Lรกpiz Grafito

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Lápiz Grafito

El origen etimológico de lápiz viene del latín “lapis” que quiere decir piedra. Un lápiz es un instrumento de escritura o dibujo que presenta una barra de grafito encerrada en un cilindro de madera. De esta manera es fácil tomar el lápiz con la mano y desplazar la punta de grafito sobre papel u otras superficies para escribir o dibujar.

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¿Sabías qué?

El lápiz grafito, antes conocido como plumbago, es el utensilio básico que necesitamos para poder dibujar o escribir. Fue descubierto en el año 1560 en las minas Cumberland, en Inglaterra, pero no es hasta 1640 que llega a Francia como un nuevo medio para dibujar.

En 1792, en plena Revolución Francesa, Inglaterra rompe relaciones con Francia, eso significó que el suministro de grafito se suspendió. Pero gracias a Nicolas-Jacques Conté, este francés quien construyó un nuevo lápiz mezclando arcilla y grafito y recubriéndolo con madera de cedro, logró que el lápiz grafito se produjera a gran escala y pronto se impulso en todo el mundo.

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Conté descubrió que la mina se puede fabricar más blanda o dura – mina blanda: negro más intenso / mina dura: negro menos intenso – aumentando la cantidad de grafito respecto a la arcilla

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L á p i z G r a f i t o : Lápiz Técnico

Denominamos como técnicos a los lápices, porque estos son los se utilizan para realizar dibujo técnico, que es una rama del dibujo conocida por representar gráficamente uno o más objetos ya existentes, con el propósito de otorgar información precisa sobre las dimensiones, formas y características.

Los lápices se clasifican según su dureza y está directamente relacionada con el tipo de trazo que realiza.

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¿ qué significa h – hb – f – b ?

 H: del inglés (hard) duro. Estos tipos de lápices dejan poca huella en el papel. Estos son utilizados mayormente en el dibujo técnico. Son ideales para realizar los primeros esbozos en el papel. Son los que indican la dureza del lápiz.  HB: estos tipos de lápices son considerados neutros porque la mina es una mezcla entre blando y duro, tirando a blando. Son ideales para la escritura  F: del ingles (firm) firme. Como el anterior, también se considera un lápiz neutro. Pero la diferencia radica en que la mina es más firme ya que es la variante del HB tirando a duro.

Son lo que indican el punto fino.  B: del inglés (black) negro. Estos tipos de lápices son más blandos y por ende se consigue un negro más intenso. Cuanto mayor sea el número más blanda es la mina. Estos son utilizados mayormente en el dibujo artístico. Este lápiz se recomienda para realizar sombras. Son los que indican su grado de oscuridad.

| Prueba de material de los lápices técnico sobre block.

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L á p i z G r a f i t o : Portaminas

Llamamos portaminas al lápiz que dispone de una abertura en la punta por donde aparece la mina y si esta se termina cuenta con una cavidad para almacenar minas de repuesto. Dichas minas son barras de grafito de diferentes diámetros, que se ajustan a las necesidades de quienes los ocupen. Por ello mientras más delgada la mina, el trazo obtenido será de mayor precisión, si por el contrario necesitamos un trazo más grueso, la mina a ocupar tiene que ser de un mayor diámetro.

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Los diámetros comunes de las minas son 0,3 mm, 0,5 mm, 0,7 mm, 0,9 mm, 1,1 mm, 1,3 mm y 1,6 mm. El diámetro de 2,0 mm es de uso común en el diseño, ilustraciones e ingeniería. Por otra parte, las minas de 0,5 mm y 0,7 mm suelen ser usadas de manera más general para trabajos escolares y de oficina.

Es importante recordar que suele importar más el trazo y la fuerza con la que es usado un portaminas, que la marca de las minas que se usan.

de material portaminas 2 Prueba de material portaminas 1 Prueba 2.0 mm (izquierdo) y 1.7 mm 0.5 mm (izquierdo) y 1.3 mm (derecho) sobre papel bond.

(derecho) sobre papel bond.

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L á p i z G r a f i t o : Grafito Puro

Las barras de grafito puro, también llamadas crayones de grafito, o lápiz grafito puro, son lápices que no contienen madera, pues se elaboran con una mezcla de grafito y arcilla (la proporción de arcilla y grafito determina las diferentes graduaciones de dureza). Estos tipos de lápices son muy útiles para sombrear grandes áreas de color y se pueden afilar utilizando un sacapuntas, cuchillo cartonero, cutter o papel de lija.

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El grafito es un material muy blando que permite adaptar la forma de la barrita a nuestro gusto.

Como dato curioso el nombre grafito proviene del griego (graphein) y significa dibujar.

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Prueba de material del lápiz gafito puro sobre papel bond: 1. Línea delgada con la punta del lápiz.

2. Línea gruesa.

3. Rayado sin difuminar.

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|Lรกpiz de Color

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Lápices de Colores

Un lápiz de color es un material de arte, que está formado por una mina pigmentada, la cual es encerrada dentro de una funda cilíndrica de madera. Al contrario de los lápices de grafito, la mina de los lápices de colores están compuestas por ceras o aceites, las que contienen proporciones variables de pigmentos, aditivos y aglutinantes. Existen varios tipos de lápices de colores, entre ellos los solubles en agua (acuarela), lápices pastel, así como minas de color para portaminas 82

¿Sabías qué?

De calidad artística Las minas de los lápices de colores de calidad artística están compuestas de mayor concentración de pigmentos de alta calidad, a diferencia de los lápices de calidad estudiantil.

Su resistencia a los rayos ultravioleta del sol, la durabilidad de la mina, su resistencia a roturas y al agua, están medidas y documentadas.

Los lápices de colores de calidad artística tienen una gama de colores muy amplia.

De calidad escolar La mina de los lápices de calidad escolar varía demasiado en cuanto a los lápices de calidad artística, ya que no poseen resistencia a los rayos ultravioleta del sol, incluso si los lápices son producidos por la misma empresa, porque los usuarios de estos son distintos.

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Lápices de Colores:

Acuarelables

Los lápices acuarelables son también conocidos como lápices solubles en agua.

Los lápices acuarela son tan versátiles que pueden emplearse secos (como lápices convencionales) o bien, se les puede aplicar agua para obtener el efecto de acuarela deseado.

Para utilizarlo, se debe aplicar el pigmento seco, para luego, con un pincel agregar el agua o pincel húmedo con el fin de esparcir, mezclar e intensificar los colores.

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 Los lápices acuarela de calidad profesional, vienen con una variedad de 60, 70 o 120 colores.

| Foto de los lápices de colores acuarelables.

| Prueba de material de los lápices de colores acuarelables sobre papel para acuarela.

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Lápices de Colores:

Metalizados

Un lápiz de color metalizado es, al igual que los lápices de color convencionales, un material de arte con una mina pigmentada con colores metalizados, la cual se encuentra encerrada en un funda cilíndrica de madera

| Marcas de fabricantes de lápices de colores metalizados | Faber Castell, Heaton Cooper Studio, Hand, Milan y Lavoro.

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Este tipo de lápices se conocen como lápices de color metalizado, los cuales tienen una mina de cera con el pigmento y otros aditivos.

La variedad de colores de un set de lápices se puede determinar por el número de colores únicos que contiene.

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| Foto detalle de la punta de los lápices metalizados.

| Prueba de material de los lápices de colores metalizados sobre block.

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L á p i z d e C o l o r : Lápiz Carbón

Derivado del carboncillo, el lápiz carbón, conocido también como crayón Conté o lápiz PITT, está constituido por una mina de carbón vegetal o polvo prensado de grafito, sustancias aglutinantes, las cuales le da consistencia y permite el afilado, y un recubrimiento de madera. Se fabrican en diferentes gradaciones indicadas con números o con los términos blando (Soft), medio (Medium) y duro (Hard), dependiendo de la marca del lápiz que se adquiera.

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Ventajas de utilizar el lápiz carbón

 Ofrece un acabado limpio y denso con un negro intenso como el que deja el carboncillo pero no ensucia las manos y nos permite un trazo más preciso.  Tiene alta resistencia (pues no se rompe fácilmente, por lo que es ideal para transportar).  Se combina perfectamente con los lápices sanguina y sepia.  Se encuentra en diferentes gradaciones (o durezas).

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Prueba de material del lápiz carbón sobre papel bond: 1. Línea delgada con un lado del lápiz.

2. Línea gruesa.

3. Rayado sin difuminar.

4. Rayado difuminado con esfumino.

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Lápiz de Color:

Sanguina

El origen etimológico de la palabra sanguina viene del latín “sanguis” que quiere decir sangre. El lápiz sanguina, también llamada tiza roja, se fabrica usando óxido de hierro y tierras rojizas de color ocre con un aglutinante, por eso la barra de sanguina tiene una tonalidad de color marrón-rojizo. El tono exacto depende de la variedad de polvo de hierro empleada para fabricar el lápiz sanguina.

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Fue utilizada para dibujar hacia el año 1500 y todos los historiadores coinciden en que fue Leonardo da Vinci el primero en usar este material para dibujar.

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¿cómo usar el lápiz sanguina?

La sanguina se utilizó originalmente para pintar algunos frescos. En la actualidad, el lápiz sanguina se suele emplear sobre un papel de grano medio y tono neutro. La dificultad de su uso es similar a la técnica del carboncillo o del lápiz carbón.

También es habitual combinar la sanguina con otras técnicas como la plumilla o la tiza.

Algunos pintores más famosos que han usado la técnica de la sanguina en sus obras son Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Manet y Renoir, entre otros.

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Lรกpiz de Color:

Pitt Pastel

Los lรกpices pastel de la serie Pitt, son unos lรกpices redondeados, con una mina de 4,3 mm. Encerrada dentro de un cilindro de madera de 8,2 mm.

Estos lรกpices son del color natural de la madera que los conforma, con una capa laqueada transparente, el cual termina en una base cerrada que no deja ver la mina, con un color igual al de la mina.

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| Imagen 1 y 2 es un foto detalle a la punta de los lรกpices Pitt pastel.

1 Estos tipos de lรกpices Pitt pastel los podemos encontrar en una amplia gama de tonalidades.

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|Carbรณn

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Carbón:

Carbón de Sauce

El carboncillo es un palillo de madera ligera carbonizada, ya sea brezo, olivo, abedul, sauce, etc., siendo esta última la más común, usado para aplicar las primeras líneas al dibujo, es decir, el boceto. También puede utilizarse en una obra acabada, acompañado de sanguina o lápiz grafito, además es ampliamente valorado para la realización de retratos.

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Diferencia con el lápiz grafito El carboncillo que, a diferencia del lápiz grafito, proporciona un pigmento no graso, sucio y muy difícil de retener en el papel, aunque por estas mismas características es muy fácil de difuminar y borrar. Es por esta razón que también es utilizado en el estudio de luces y sombras, desnudos y composición.

1Carbón de Sauce.

2 Caja de carbón de Sauce.

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Carbón:

Carbón Prensado

El carboncillo comprimido es una barra de carbón prensado, el cual se mezcla con algún aglutinante e incluso a veces se le añade arcilla.

Su trazo es mucho más oscuro que el del carboncillo, por lo que es muy difícil de borrar y difuminar. Sin embargo, se presenta en tres durezas.

Recomendación Para este tipo de material, se recomienda utilizar la goma moldeable, pues es un medio de constitución menos graso que el lápiz grafito.

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 El carbón prensado se fabrica con una mezcla de polvo de carbón con algún aglutinante, puede ser cera o arcilla.  Debido a su intensidad y fluidez se parece a los lápices pastel seco. Se presenta en barras de varias durezas, por lo que al momento de usarlo, se recomienda usar algún fijador.  Su uso está recomendado para trabajar sobre papel de tipo poroso, para que el color negro intenso resalte con intensidad.

1Carbón prensado grueso.

2 Carbón prensado delgado.

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|Lรกpiz Pastel

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Lápiz Pastel

El lápiz pastel es un instrumento de dibujo, la cual es una mina de pasta hecha con pigmentos secos moldeados en una barra que se une mediante goma o resina.

Este tipo de lápiz carece de aglutinantes, por lo que el color de la barra es exactamente el mismo que se obtendrá tras su aplicación. Los lápices pastel los podemos encontrar en las siguientes categorías, lápiz cera, tizas, pastel seco y pastel graso.

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¿Sabías qué?

El momento de mayor auge de estos lápices fue en Francia del siglo XVIII con el retrato y por los impresionistas de la segunda mitad del siglo XIX. Este gran auge se debió por su facilidad de aplicación y la rapidez con que se podía trabajar los cambios infinitos del paisaje o la figura humana.

1Tiza.

entre el lápiz 2 Comparación pastel graso (inferior) y el lápiz pastel seco superior).

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Lápiz Pastel:

Tiza

El origen etimológico del la palabra tiza lo encontramos en el dialecto mexicano «tizatl» que se puede traducir como yeso.

La tiza es una barra de arcilla, la cual se utiliza para realizar trazos sobre una superficie, generalmente sobre una pizarra. Para realizar los trazos es necesario desplazar la tiza sobre la superficie, en la cual se desprenden partículas que permite crear los trazos. Para borrar, se puede limpiar la pizarra con un borrador o un paño.

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En el antiguo Egipto la tiza jugó un papel importante, porque en aquel momento era empleado para empezar muchas de sus construcciones. Esto es, porque existía una isla llamada Gypso, que era muy rica en el material.

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Prueba de material de la tiza sobre papel kraft: 1. Línea delgada con un lado de la tiza.

2. Línea gruesa con la tiza.

3. Rayado sin difuminar.

4. Difuminado con el dedo.

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Lápiz Pastel:

Pastel Seco

Los lápices pastel seco en su composición hay pigmentos puro, yeso y cola. De esa mezcla se hace una pasta que se le da forma de barra y se deja secar. Como la composición de la mezcla no lleva ningún tipo de aceite, estos no afectan la pureza y riqueza de los colores. Estos colores son cubrientes por lo que pueden mezclarse y pintarse colores claros con y sobre colores oscuros. Para este tipo de lápices se recomienda difuminar con los dedos y no con un esfumino de papel, porque el esfumino es un material seco – igual que los lápices – en cambio los dedos transpiran siempre una cantidad de sudor y grasa que ayuda a fijar a los colores en el papel.

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Recomendaciones:  El pastel se borra con goma moldeable (maleable).  El papel que se recomienda para utilizar estos lápices debe ser de grano medio o grueso.  El pastel seco se recomienda no fijar, porque altera la composición de los colores, y puede perder la opacidad y luminosidad de los colores.

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4

Prueba de material del lápiz pastel seco sobre papel de acuarela: 1. Línea delgada con un lado del lápiz pastel seco.

2. Línea gruesa.

3. Rayado sin difuminar.

4. Rayado difuminado con el dedo.

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Lápiz Pastel:

Pastel Graso

Los lápices llamados pastel graso, al óleo o a la cera, están hechos básicamente con pigmentos y aceites. Estos lápices se caracterizan por ser más blandos que los lápices a la cera y permiten poner colores más claros sobre los más oscuros, por ello proporcionan veladuras más opacas, intensas y cubrientes. Sus trazos son más brillantes y se funden perfectamente sobre el papel cuando los trazos son densos y las imágenes que se van construyendo son lo suficiente maleables como para que de tiempo para trabajarlas e ir corrigiendo una y otra vez.

Estos colores son difíciles de borrar, por lo que no se recomienda utilizar una goma, sino que se puede trabajar con un cutter o cuchillo cartonero para retirar el producto. Con este raspado, permite volver a pintar encima sin que influya el color anterior.

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Si se cubre un color claro con uno más oscuro y se dibuja encima de este con un cutter o un lápiz sin tinta, aparece el color claro de abajo. A esto lo llamamos dibujar en negativo.

Se recomienda difuminar el color claro de la primera capa, ya que si no se realiza este paso los colores se mezclarían al poner la segunda capa con el color más oscuro.

| Prueba de material de los lápiz pastel graso sobre papel bond: Dibujo en Negativo.

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Lápiz de Cera/Crayón

Un crayón es una barra hecha de cera, cuales son usados comúnmente por los niños para dibujar y pintar. Debido a que sus pigmentos son lavables, tienen una amplia gama de colores y muy fáciles de utilizar, además de que no son tóxicos y tienen una punta redondeada, son ideales para ser usados en las escuelas de todo el mundo.

En España, a los lápices de cera se les conoce con el nombre de “ceras”. En México es común que se les nombre “crayolas” por metonimia, al ser ésta la marca más popular en dicho país.

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¿Sabías qué?

La marca Crayola fabrica crayones a base de parafina, mientras que la marca suiza Caran d’Ache fabrica crayones solubles en agua, por lo que pueden ser humedecidos y mezclados, ya sea durante su aplicación o una vez coloreado el dibujo.

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Prueba de material del lápiz de cera sobre papel bond: 1. Línea delgada.

2. Rayado.

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|Lรกpiz de Pasta

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Lápiz de Pasta

También conocido como lapicera, pluma o bolígrafo, consiste en un tubo de metal o plástico el cual en su interior contiene la tinta, y en una de sus puntas se encuentra una pequeña bola de metal que regula la salida de la tinta hacia el papel. Estos lápices son los que más se fabrican en serie y por eso es que su costo es relativamente bajo.

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¿Sabías qué?

Los 2 agujeros de los lápices pasta, ubicados en la tapa y el tubo que contiene la tinta, cumple con dos funciones diferentes. En el primer caso, el de la tapa, el agujero cumple con la norma de seguridad para evitar el riesgo de asfixia en el caso de tragarse o succionar la tapa. En el segundo caso, el agujero del tubo evita las fugas de tinta, porque sirve para igualar la presión atmosférica dentro y fuera del lápiz.

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Los lápices pasta los podemos encontrar en dos grandes clasificaciones: los lápices pasta punta gruesa o punta fina o delgada.

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| Prueba de material de los lápices de pasta sobre papel bond: 1. Lápiz pasta punta gruesa.

2. Lápiz pasta punta fina.

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L á p i z d e T i n t a : Gel

Los lápices o bolígrafos gel, consisten en un tubo de polipropileno que contiene tinta, que se abre en una punta de metal y para evitar que la tinta se seque, se cierra en la parte superior con un tapón de silicona. Lo especial de estos lápices radica en la tinta, la cual se fabrica a base de agua y biopolímeros como la goma xantana o la goma tragacanto junto con algún tipo de agente espesante. Esta tinta es mas visible en el papel que la tinta utilizada en bolígrafos convencionales, ya que tiene una mayor concentración de pigmentos por la elevada viscosidad del material. Gracias a esta alta viscosidad y consistencia, la tinta penetra menos en las superficies, por lo que permite dibujar o escribir sobre papeles muy oscuros.

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A tener en cuenta:  Son menos propensos a sangrar al otro lado de un trozo de papel.  Usan más tinta, lo que lleva a recargas o reemplazos más frecuentes.  Puede escribir sobre materiales lisos y no absorbentes.

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Prueba de material del lápiz de tinta gel sobre papel bond: 1. Línea con el lápiz tinta gel 0.7 mm color azul.

2. Línea con el lápiz tinta gel 0.7 mm color negro.

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|Marcador

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Marcadores:

Fineliner

El fineliner es tipo de marcador cuya punta es estรก hecha de fibra o plรกstico y chapada en metal para asegurar su durabilidad, y ademรกs facilita su uso con la regla o plantillas pues no se dobla. Con este tipo de marcador podemos dibujar, esbozar y escribir con precisiรณn, porque permite realizar trazos finos y precisos, todo gracias al largo de su punta. De estos tipos de marcadores, los podemos encontrar de varios colores.

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Aunque el Fineliner sea un marcador ideal para dibujar y esbozar, no solo se recomienda para trabajos técnicos. Su escritura fina y suave hace que este instrumento sea el elegido por muchos para escribir.

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Líneas realizadas con un fineliner 0,4 mm sobre block.

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Foto detalle de la punta del fineliner.

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Marcadores:

Estilógrafo

Denominamos como rapidógrafo, estilógrafo o tiralíneas a un instrumento formado por un mango con puntas de diferentes grosores, intercambiables, y por un depósito en forma de cilindro en el que se almacena la tinta china. Este tipo de marcador es muy usado en arquitectura y dibujos de precisión.

Podemos encontrar:  Estilógrafos recargables: si se pueden recargar.  Estilógrafos desechables: no se pueden recargar.

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Clasificaciones

Según su material de fabricación  Estilógrafo de metal: son recargables, elaborados en metal, y funcionan a base de cartuchos y necesitan mantenimiento y limpieza.  Estilógrafos de plástico: son más baratos por su material, su funcionamiento es parecido al de los marcadores o lapiceros y no requieren de mantenimiento.

Según el grosor del trazado  Estilógrafo de serie 1: van desde 0.1 milímetros hasta 1.2 milímetros.  Estilógrafo de serie 2: van desde 0.25 milímetros hasta 2 milímetros.

Según el color Por lo general, la tinta es negra. Sin embargo, se pueden encontrar estilógrafos de otros colores como rojo o azul.

Prueba de material de los marcadores estilógrafo sobre papel texturado 140 grs: 1. Estilógrafo de 0,1 mm.

2. Estilógrafo de 0,4 mm.

3. Estilógrafo de 0,5 mm.

4. Estilógrafo de 0,8 mm.

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Marcadores:

Destacadores

Un destacador, también llamado subrayador, marcatextos o resaltador, es un tipo de marcador con tinta fluorescente de tipo graso que se encuentra dentro del cuerpo del lápiz en un material poroso, el cual se utiliza para resaltar o señalar las partes más importantes de un texto.

Los destacadores más comunes son los amarillos, aunque existe una amplia gama de colores, como el naranja, rosado, verde, etc.

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¿Sabías qué?

La pintura fluorescente es aquella que no brilla en la oscuridad, aunque sí se intensifica en presencia de la luz ultravioleta y la proyecta automáticamente en forma de iluminación.

Por el contrario, la pintura fosforescente absorbe la radiación y la almacena para emitirla posteriormente poco a poco. Por ejemplo, las estrellas que se ponen en el techo o las agujas de los relojes que brillan en la oscuridad.

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Líneas realizadas con un destacador sobre papel bond.

2

Foto de diferentes colores de destacadores.

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Marcadores:

Punta Gruesa

Denominamos como marcador de punta gruesa o jumbo a aquellos que poseen un trazo más grueso que el de un lápiz o estilógrafo. Estos marcadores cuentan con su propia tinta la cual se halla inmersa en fieltros o esponjas que se colocan en el interior del marcador, las cuales podemos encontrar en diversos colores. Existen tres tipo de rotuladores según la base en la que se sustenta la tinta:  Base acuosa: son acuarelables y permiten mejor la mezcla del color para degradados.  Base alcohol: ofrece un efecto plano y liso, por lo que requiere su técnica para que no quede marcado el trazo.  Base pintura: al acrílico y al oleo, Su cualidad es la opacidad y poder cubriente.

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| Marcas de marcadores según la base | Base acuosa Marcas como Tombow y Kuretake trabajan con base de agua.

Base alcohol Copic, W&N, Faber Castell, Lyra son algunas marcas con base de alcohol.

Base pintura (acrílico, óleo) Uni-Posca, rotulador acrílico, y Artist al óleo.

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Prueba de material de los marcadores punta gruesa sobre block: 1. Línea delgada.

2. Línea gruesa.

3. Rayado con el marcador punta gruesa.

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Marcadores:

Brush Pen (Punta de Pincel)

Denominamos como brush pen (punta de pincel) a un marcador de fibra sintĂŠtica cuya punta flexible imita a la de un pincel, por lo que permite obtener diferentes grosores de trazos en un solo movimiento, dependiendo de la presiĂłn que ejercemos sobre el papel y la inclinaciĂłn con la que escribimos o dibujamos.

Estos tipos de marcadores son muy utilizados a la hora de realizar lettering. Los podemos encontrar en diferentes colores y marcas. Algunas marcas de brush pen recomendadas son: Tombow, Koi, Prismacolor, Zig, Edding, Lyra, Kuretake, Copic Sketch y Pentel Brush.

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Es importante saber que los marcadores de punta de pincel no deberían usarse sobre un papel rugoso (tipo kraft o de acuarela) porque hace que sea muy difícil de deslizarlo y hará que la punta del marcador se desgaste en menor tiempo.

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Prueba de material del marcador de punta de pincel sobre block: 1. Línea delgada.

2. Línea gruesa.

3. Rayado con el marcador de punta de pincel.

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Marcadores:

Water Brush (Pincel de agua)

Denominados como Water Brush o pincel de agua a los marcadores que se separan en dos partes: un pincel con fibras plásticas finas y flexibles por un lado y un tubo o barril que contiene un depósito de agua que puede venir en un barril corto o un barril largo. Estos marcadores son un excelente material para hacer degradación de color o mezclarlos entre sí. Además de la diferencia de tamaño en el depósito de agua, también podemos encontrar tres diferentes tamaños en la punta del pincel. El tamaño pequeño es ideal para detalles, el medio es muy útil para todo tipo de situaciones y el tamaño grande es perfecto para crear fondos y dar color a grandes superficies.

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Ventajas  Son fáciles de usar porque puedes controlar el trazo.  Son cómodos, pues no necesitas un vaso de agua y se puede trabajar de manera más práctica.  Son transportables, si son salir a la calle para dibujar o ir de viaje con sus materiales, les resultará muy útil llevar ya cargado el pincel de agua para que, en cualquier situación, puedan colorear. | Foto detalle de la punta del pincel de agua.

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Marcadores:

Permanente (en base a alcohol)

Un marcador permanente, también llamado rotulador permanente o indeleble, es un tipo de lápiz con tinta que son resistentes al agua, en base a alcohol, los que sirven para escribir o dibujar sobre múltiples superficies como vidrio, CD y DVD, metales, rocas, etc. Existen otros rotuladores que contiene sustancias tóxicas como el xileno o tolueno. De este tipo de marcadores permanentes podemos encontrar en diferentes tonalidades.

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¿Sabías qué?

Se dice que el desinfectante de manos, es decir, el alcohol o alcohol gel, así como el quitaesmalte a base de acetona son efectivos para quitar la tinta de los plumones permanentes, sobre las superficies que no absorben líquidos como el vidrio o metales.

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Foto detalle de las puntas de los marcadores permanentes.

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Prueba de material de los marcadores permanente sobre papel bond.

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Marcadores:

Plumones

Un marcador para pizarra es un tipo de lápiz que contiene tinta de secado rápido, con una formulación de resinas, las que tienen propiedades que le permiten adherirse a las superficies no porosas y las que se pueden remover fácilmente con un paño, borrador de pizarra o la mano. De este tipo de marcadores podemos encontrar en diferentes colores de plumones.

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Estos marcadores son elaborados con tintas a base de pigmentos y no de colorantes, porque los colorantes penetran en las superficies siendo muy difĂ­ciles de borrar.

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| Foto de diferentes colores de plumones.

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|Gomas

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Gomas:

Miga de pan

Las gomas de miga de pan o miga de caucho están realizadas generalmente con caucho sintético y una de sus cualidades que tienen estas gomas es que son muy blandas, por lo que se deshacen mucho con el uso y se parten con mucha facilidad. Pero precisamente al ser blandas borran sin dañar el papel o su textura lo que es muy importante para trabajos delicados. Pueden venir en forma de barra (cuadradas, rectangulares, esquinas redondeadas, esquinas puntiagudas) y son ideales para trazos suaves. Este tipo de goma es ideal a la hora de borrar trazos de una materia grasa como el lápiz grafito, pero son poco absorbentes cuando se trata de borrar lápiz carbón, carboncillo, cretas o pastel.

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Se recomienda retirar el excedente de la goma con un cepillo. Pues si se arrastra o se barre con la mano o dedos sobre un dibujo hecho con grafito se va a difuminar el trazo y por lo tanto manchar el dibujo realizado.

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| Marcas de fabricantes de goma de miga de pan | Milan, Factis, Lancer, Talens, Faber Castell, Maped y Plantec.

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Gomas:

Plástico Duro

Las gomas de plástico duro son más compactas y están realizadas con distintos polímeros. Podemos encontrar que contienen PVC (vinilo) o otras sustancias como los ftalatos y el látex. Estas gomas de plástico son más duras y no sueltan tantas impurezas pero también dañan más el papel. Este tipo de goma, al igual que las de miga de pan, se recomienda para borrar trazos de una materia grasa como el lápiz grafito.

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¿Sabías qué?

No fue hasta el año 1770 que se descubrió que el caucho natural obtenido de la resina de ciertas plantas, podía ser usado como borrador (la palabra caucho viene de una lengua amerindia y significa “lágrimas de árbol”). En ese año, de manera fortuita, Edward Nairne, un ingeniero británico, cogió un trozo de caucho, en vez de miga de pan y lo usó para borrar marcas de lápiz. A partir de ese momento se comenzó a comercializar el caucho hasta 1778. Sin embargo, este tipo de goma no funcionaba del todo bien, porque solía desmenuzarse cuando se usaba o pasaba el tiempo, también era demasiado sensible a la temperatura y humedad, y por si fuera poco, su olor era desagradable.

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En 1839 el inventor Charles Goodyear, tras cinco años de investigación, descubrió la vulcanización del caucho.

Mediante este proceso, el caucho aumenta su durabilidad y resistencia, lo cual permitió que la goma se convirtiera en un artículo de uso doméstico.

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Gomas:

Moldeables

Las gomas moldeables o maleables suelen estar fabricadas con caucho natural, no sintético. Debido a esto no tiene una estructura sólida y apenas deja residuos en el papel. Puede moldearse al gusto y darle la forma que se requiera o sea más cómoda, si se quiere borrar con mayor precisión se le puede dar forma de punta.

Al ser tan blanda apenas daña al papel y no deja residuos al frotarla con el papel, lo cual es perfecto para papeles de alto gramaje.

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| Marcas de fabricantes de gomas moldeables | Faber Castell, Lyra, Prismacolor, Maped, Factis, Staedtler.

Utilización: Este tipo de goma al ser más absorbente, por su textura pegajosa, se recomienda para borrar lápiz carbón, carboncillo, cretas o pastel, pues son medios de constitución menos graso, al contario del lápiz grafito que es una materia grasa.

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|Difuminadores

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Difuminadores:

Esfumino

Denominamos como esfumino una especie de lápiz de forma cilíndrica y ambos extremos acaban en punta, que puede estar fabricado a base de capas de papel poroso muy compactas, prensadas y pegadas entre sí, lo que le da una consistencia rígida y uniforme, o de piel delgada de gamuza. Es utilizado comúnmente para realizar degradados y expandir los tonos en un dibujo. Para su correcta utilización, debe girar siempre en un mismo sentido y sin ejercer una presión excesiva, porque sería innecesaria. Podemos encontrar esfuminos de diferentes tamaños, pero los más comunes son, uno delgado, medio y grueso.

Siempre hay que tener en cuenta que el tamaño correcto depende de lo grande o pequeña que sea la superficie a tratar y trabajar.

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| ¿Cómo usar un Esfumino? | El difumino acaba en punta en los extremos, por lo que su uso depende de los acabados que queramos conseguir.

En punta (como un lápiz): cuando queremos hacer trazos y degradados en superficies pequeñas o de mucha precisión, es necesario utilizarlo en punta.

En ángulo : cuando queremos hacer un sombreado difuminado o degradado más uniforme en superficies un poco más grandes, es necesario utilizarlo en ángulo respecto al papel para hacer más o menos ancho de trazado.

1 2

3 4

Prueba de material del esfumino sobre block: 1. Línea delgada de pastel seco.

2. Difuminado del pastel seco con el esfumino.

3. Línea delgada de lápiz carbón.

2. Difuminado del lápiz carbón con el esfumino.

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Difuminadores:

Algodón Hidrófilo Prensado

El Algodón hidrófilo, algodón purificado o algodón absorbente está constituido por los pelos de las semillas de las variedades cultivadas de Gossypium hirsutum o de otras especies de Gossypium, (familia Malváceas) libres de impurezas adheridas, desprovistos de materia grasa, son blanqueados y esterilizados en su envase final. Gossypium deriva del árabe gos, que designa a la sustancia sedosa, suave, hirsutum deriva del latín y significa encrespado o velloso. Este tipo de algodón hidrófilo esta formado casi exclusivamente por celulosa, por lo que es soluble en solución de óxido cúprico amoniacal.

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Foto de un copo de algodón hidrófilo prensado.

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Además de su uso quirúrgico y en la industria textil, el algodón puede ser una excelente opción al momento de difuminar, solo tienen que efectuar amplios giros y una leve presión y con ello se logra homogeneizar el tono de una zona del dibujo.

2

Prueba de material: difuminado de carbón de sauce sobre papel bond.

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Difuminadores:

Hisopo de Algodón

Denominados como hisopo, cotonito, bastoncillo o cotonete es un instrumento utilizado principalmente en medicina para recoger muestras, para su posterior estudio, también es usado en cosméticos y se suele usar en la limpieza del conducto auditivo, aunque esto no es recomendable. Posee una forma de bastoncillo y en los dos extremos encontramos puntas de algodón. Es recomendado usar este material al difuminar una zona muy pequeña del dibujo, pues es muy precisa y genera un resultado algo borroso. Este material sirve para complementar el trabajo realizado con el esfumino, el algodón hidrófilo prensado o la mano.

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| Consideraciรณn | El algodรณn es un material suave, por lo tanto es recomendado para dibujos que necesitan un difuminado leve.

1 2 Prueba de material de los hisopos de algodรณn: 1. Lรกpiz pastel seco naranjo sobre papel bond.

2. Lรกpiz pastel graso negro sobre papel bond.

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D i f u m i n a d o r e s : Mano

| Foto de las zonas que se utilizan para difuminar con la mano.

Es otro método para difuminar y quizá el más primitivo de todos, pues no necesitamos ningún material extra, sólo nuestras manos. En este caso el difuminado se lleva a cabo con los dedos, sin apretar, sino que simplemente los deslizamos en movimientos amplios, rectos, circulares o mezclados.

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Ventajas de difuminar con los dedos:

 Los dedos son blandos y esa blandura hace que se adapten a las rugosidades del papel entrando en ellas y llevando el grafito o carbón hasta lo más recóndito de ellas.  Los dedos son húmedos con una cualidad ligeramente grasienta debido a la transpiración natural, lo que facilita que el grafito o carboncillo se diluya fijándose mejor al papel y con mayor poder cubriente.  Los dedos generan calor y cuando se frota la yema de los dedos sobre la superficie con grafito, tiza, pastel o cualquier material, ese calor hace que el color se disuelva e intensifica el tono

Las manos deberán hallarse limpias y secas, pero si sudan las deberemos secar con polvos de talco y alcohol. | Foto de las zonas que se utilizan para difuminar con la mano.

Estas son las partes de la mano que se usan para difuminar, las yemas de los dedos son las que se usan habitualmente, y para trabajar extensiones grandes en el dibujo se utiliza la parte inferior de la palma de la mano.

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|Afiladores de Punta

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Cuchillo Cartonero

El cuchillo cartonero también llamado estilete o cutter está formado por dos elementos: el mango y una cuchilla. El mango es plano, sencillo y hecho de plástico para que actúe como soporte ergonómico cómodo para utilizar con la mano. La navaja o cuchilla es fina, delgada, se puede sacar con facilidad y reemplazar, pues ha sido diseñada en tramos para permitir cortarlos en la medida que se va desgastando. Su capacidad retráctil, permite sacar o esconder la cuchilla, brindándonos una seguridad adicional al momento de no utilizarla.

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Tipos de cuchillos cartoneros 1. Tradicional: usado comúnmente en manualidades, bricolaje o trabajos del hogar y corta una mayor variedad de materiales, como papel, acetato, plástico mágico, estaño, fieltro, imán autoadhesivo, vinilo, corcho, tela, cartulina o goma eva.

2. Bisturí: usado cuando se requiere cortar con precisión. Se puede utilizar sobre los mismos materiales que con el cutter tradicional. Es decir, puede cortar papel, acetato, plástico mágico, estaño, fieltro, imán autoadhesivo, vinilo, corcho, tela o cartulina.

1 Cuchillo cartonero: Tradicional. 2 Cuchillo cartonero: Bisturí.

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Sacapuntas

Un sacapuntas es una material que se emplea para el afilamiento de los lápices.

Por medio de este instrumento, es posible quitar madera del lápiz para que la punta quede al descubierto y se pueda escribir o dibujar con ella. Por ello, se utiliza cuando se necesita un trazo muy preciso y la punta del lápiz se ha engrosado debido a su utilización.

En 1828 el matemático francés Bernard Lassimonne registró la primera patente de un sacapuntas.

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¿Sabías qué?

Podemos encontrar 4 tipos de sacapuntas: 1. Escolar: son aptos para uso infantil y funcionan mediante la cuchilla y el orificio cónico. Suelen tener forma de caja o prisma y están fabricados de plástico o metal.

2. De manivela: son aquellos afiladores mecánicos operados mediante una manivela que al girarla, sacan punta.

3. De horquilla: es una cuchilla con un mango en forma de “U” que permitía sacar punta de forma más fácil y precisa que un cuchillo.

4. Eléctrico: contienen un motor eléctrico (a pilas o enchufable) que realiza la rotación de los modelos de manivela de forma totalmente automática. Normalmente el mecanismo se activa al introducir el lápiz y presionar.

1Sacapuntas: Escolar.

2 Sacapuntas: De manivela.

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|Reglas

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Regla Graduada:

Plástica y Metal

Regla es un instrumento, el cual que deriva del latín –regula- y que tiene múltiples usos. Puede tratarse de una herramienta hecha con un material sólido que permite realizar mediciones. Sin embargo, el uso de la regla se extiende a varias actividades y ramas de estudio, como son la imprenta, la geometría, el dibujo técnico, etc.

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Uso de la Regla Graduada La regla graduada es un instrumento que se usa para medir distancias o para dibujar, por ejemplo líneas rectas en un dibujo con perspectivas. Suele ser plana y rígida y las hay de distintos materiales como de acero inoxidable o plástico. Una regla graduada permite determinar la distancia que hay entre dos puntos o trazar líneas rectas y generalmente, tiene una escala graduada con distintas unidades de longitud, que pueden ser milímetros, decímetros o centímetros.

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2 1. Regla graduada de metal.

2. Regla graduada de plástico.

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R e g l a : Escuadra

La palabra escuadra se trata de un término que es el resultado la suma de dos componentes léxicos del latín:  El prefijo “ex-”, que puede traducirse como “hacia fuera”.  El verbo “quadrare”, que es sinónimo de “hacer cuadrado”.

Por lo que se puede decir que una escuadra es una plantilla con forma de triángulo isósceles, el cual es muy útil para el dibujo técnico o también si se quieren medir ángulos de 90°.

Una escuadra puede fabricarse con madera, plástico u otros materiales.

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Una escuadra posee tres ángulos, por lo que se sabe de un triángulo rectángulo isósceles, uno de sus ángulos es de 90°, por lo que los otros dos serán de 45°.

1 Foto de una escuadra.

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R e g l a : Transportador

Un transportador es un utensilio o material semicircular graduado que sirve para medir y trazar ángulos.

Existen en dos versiones:  Transportador con forma semicircular, el cual es el más común, está graduado en 180° (grados sexagesimales).  Transportador con forma circular graduado en 360°.

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¿Sabías qué?

El transportador es una herramienta de medición que nos permite medir y construir ángulos, el cual es muy útil cuando se requiere fabricar algún elemento con un ángulo no recto (90°)

1 Transportador circular.

2 Transportador semicircular.

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|Otros

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Compás

El compás es un instrumento de trazado que se emplea para trazar líneas curvas, circunferencias, arcos, etc., con un radio fijo. Así como también se puede utilizar para transportar medidas lineales sobre un dibujo. Los compases son metálicos normalmente, y pueden estar articulados o no.

El material tiene dos brazos. Uno de ellos acaba en punta, de manera que puede clavarse y servir como apoyo para el trazado de las curvas. En el otro brazo hay normalmente un trozo de mina de grafito para los trazos, pero también se pueden acoplar estilógrafos y otros instrumentos de dibujo que permiten utilizar el compás para realizar, por ejemplo, dibujos con tinta.

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Podemos encontrar que existen diferentes tipos de compás como lo son: el compás de dibujo técnico, el compás de cantero, el compás de carpintero, el compás de resorte y el tradicional compás escolar.

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Prueba de material del compás sobre papel bond: 1. Círculo dibujado con lápiz técnico 4H. 2. Círculo dibujado con lápiz técnico 4B. 171

Fijador de Dibujo

Un fijador es un líquido que se utiliza sobre un dibujo, que tiene un uso y características similares al barniz, el cual se rocía sobre un dibujo ya terminado, para poder preservarlo mejor y evitar manchas.

Los fijadores de hoy en día suelen por lo general estar basados en alcohol, envasados en cilindros y propulsado el contenido al exterior por hidrocarburos.

Además cuentan con un elevado nivel de transparencia pues no tienen color, ofrecen resistencia a los rayos ultravioleta, lo que hace que perduren en el tiempo los dibujos.

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Consideraciones al utilizar un fijador:

 El uso del fijador de dibujo debe realizarse en un lugar abierto.  Probar la bruma del aerosol para asegurarnos de que no saltan gotas antes de aplicarlo sobre el dibujo.  La hoja de papel debe colgarse utilizando pinzas sobre un soporte que se coloque verticalmente.  El pulverizado debe realizarse a una distancia de entre 30-40 cm del soporte, con un movimiento en zigzagueante comenzando por la parte superior.  Cuando acabemos de utilizarlo, giraremos el envase y apretaremos sobre el dispositivo pulverizador hasta que no salga líquido. De esta manera, el fijador se conservará correctamente la próxima vez que lo usemos.

| Algunas marcas que fabrican Fijadores de Dibujo | Artel, Schmincke, Royal Talens, Conté à Paris, Sennelier y Winsor & Newton

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Soportes

4. m. Material en cuya superficie se registra informaciรณn, como el papel, la cinta de video o el disco compacto.

(DRAE, 2020) 175

176

|Papel

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Papel

Es un vocablo que su etimología viene del catalán ”paper”, que a su vez viene del latín “papyyrus”-papiro y del griego “παπυρος” papyros.

Esta palabra se refiere a una hoja delgada, la cual es elaborada con pasta de fibras vegetales obtenidas de materiales como la madera o la paja, que es completamente molida y desmenuzada en agua. Cuando se seca, se endurece por algunos procedimientos especiales.

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¿Sabías qué? | Propiedades del Papel | Propiedades Mecánicas o de Resistencia Resistencia, rigidez y capacidad de absorción de agua son características que convierten al papel en un material propicio para usos diversos.

La rigidez depende de las fibras que conforman al papel, por ejemplo, un papel producido con mayor contenido de fibra será más largo y rígido que el papel producido con menos cantidad de fibra y más corta.

Otras propiedades mecánicas son la resistencia superficial y la resistencia al rasgado.

Propiedades Visuales o de Presentación

Blancura, brillo y opacidad son características que convierten al papel en un medio adecuado para escribir.

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Papel Bond

El papel bond es un papel biodegradable, muy blanco, con unas características estupendas y de alta calidad.

Se trata de un papel que está fabricado en su totalidad con fibras de eucalipto, las cuales son blanqueadas y cuenta con propiedades indiscutiblemente buenas: una gran resistencia, superficie y composición. Aunque algunas veces podemos encontrarlo en colores, normalmente es blanco.

Su gramaje suele estar entre los 60 y 115gr/m², lo que lo hace más resistente que otros papeles normales.

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 El papel bond es muy útil tanto en la escritura como en la impresión, la superficie de este papel ofrece resistencia al borrado, tracción y rasgado, por lo que lo hace ideal para la manipulación, plegado y archivo.

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Papel bond blanco.

2

Prueba de material del papel bond con marcadores permanentes.

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Block

El block de dibujo es un conjunto de hojas de papel de color blanco para escribir o dibujar que van unidas por uno de los lados con un poco de pegamento, por lo que es fácil despegar una hoja de la otra. Los formatos en que podemos encontrar los block de dibujo son diversos, pues puede variar el tipo de tapa en algunos casos son duras, y en otros, blandas. También podemos encontrar block de formato vertical y los de formato horizontal. Y no olvidar que también podemos encontrar de tamaños diversos.

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| Clasificación según el tamaño | - Block liceo 60 - Block medium n° 99 1/8 - Block grande n° 99 1/4 - Block grande n° 180 1/4

1

2

3

Prueba de material del lápiz de color sobre block: 1. Línea delgada con el lápiz.

2. Rayado sin difuminar.

4. Rayado difuminado con esfumino.

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Opalina

El papel opalina es un tipo de papel fabricado a partir de pulpa de madera, el cual presenta un acabado liso aunque en algunas ocasiones puede presentarse con un acabado texturizado. Este papel fue diseñado para su aplicación en cualquier tipo de impresión, pero se usa normalmente para la tarjetería o impresiones de alta calidad. Es fabricado como un papel multicapa, el que puede tener un variable número de capas internas, así como una capa de recubrimiento de pigmento mineral o sintético. La rigidez del papel opalina es elevada, por lo que se caracteriza por su excelente formación y lisura, la cual realza cualquier impresión.

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2 Opalina verde claro.

1 Opalina negra.

1

2

3

4

Prueba de material sobre opalina negra con lápiz pastel seco color amarillo: 1. Línea delgada con un lado del lápiz pastel seco.

2. Línea gruesa.

3. Rayado sin difuminar 4. Rayado difuminado con un copo de algodón hidrófilo prensado.

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Papel para Acuarela

El papel de acuarela está compuesto por agua, celulosa (pasta de madera) y fibra de algodón. De estos papeles podemos encontrar hechos con 100% celulosa, otros con 100% algodón y otros mezclados con porcentajes de cada uno. Un buen papel de acuarela debe tener al menos un 50% de algodón, pero los de mayor calidad están hechos con 100% de algodón, son más resistentes, con mejor elasticidad y mayor absorbencia. Por otro lado, debes fijarte si el papel de acuarela es libre de ácido de tal manera que dure a lo largo del tiempo sin perder el color o cambiar su tonalidad.

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Clasificación según el tipo de acabado:

Grano Grueso  Elaboración: Papel rugoso.  Propiedades: Papel más absorbente, tiende a disminuir la intensidad de los detalles ya que el agua y los pigmentos se expanden con mayor facilidad en el papel.

Grano Fino  Elaboración: Papel prensado en frío.  Propiedades: Su superficie, ni demasiado lisa ni demasiado marcada, es fácil de usar y se adapta muy bien a las necesidades de todo tipo de material.

Grano Saturado  Elaboración: Papel prensado en caliente.  Propiedades: Esta textura lisa es ideal para quienes prefieren trazos finos y detallados. Además, la densidad de su fibra hace que su absorción sea menor por lo tanto tiende a producir un secado desigual.

| Prueba de material del papel para acuarela con un lápiz acuarelable azul.

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Cartulina

La cartulina, también llamada cartón delgado, es un papel que es más grueso y más resistente que el papel bond que se utiliza para imprimir, pero es más flexible y liviano que otras formas de cartón. El gramaje estándar de la cartulina es de más de 200 g/m² (gramos por metro cuadrado) y se compone de una o más capas de materiales obtenidos de la celulosa cruda o blanqueada, de la pulpa mecánica o del papel reciclado. La textura de la cartulina puede variar, por lo que la podemos encontrar en mate, rugosa, metalizada o brillante.

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Las cartulinas las podemos encontrar en diferentes colores y tamaños, en este último puede variar desde un pliego grande individual de 53x75 cm a un tamaño de 25x32,5 cm en un folio de cartulinas de diferentes colores.

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4

Prueba de material sobre cartulina de color amarillo: 1. Línea delgada con marcador permanente negro.

2. Línea gruesa con marcador permanente negro.

3. Rayado con marcador permanente negro.

4. Líneas con un estilógrafo 0.5 mm.

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Papel Kraft

El papel kraft o papel madera es un tipo de papel grueso y de color café. Está fabricado con una pasta química, sin blanquear, donde finalmente es sometido a una breve cocción.

Se suele usar como envoltura, para bolsas, paquetes o para embalaje en general.

Debido a su alta resistencia puede usarse para empaquetar material destinado a esterilizar por medio de calor húmedo.

El papel kraft es un papel muy resistente al desgarro, tracción, estallido y a la exposición al sol. Antiguamente solía usarse como papelógrafo para las disertaciones.

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Prueba de material sobre papel kraft: 1. LĂ­nea delgada con un lado del pastel seco.

2. LĂ­nea gruesa con el pastel seco.

3. Rayado sin difuminar.

3. Difuminado con el dedo.

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Papel Vegetal

El papel vegetal, también conocido como papel diamante, se obtiene de la acción del ácido sulfúrico en un riguroso proceso natural que se desarrolla de la siguiente manera: la hoja de papel pasa durante algunos segundos por un baño de ácido sulfúrico concentrado, al cual posteriormente, se le elimina dicho ácido a través del lavado. Al contacto con el ácido, la celulosa se convierte, parcialmente, en hidrocelulosa, que es una sustancia gelatinosa que cierra los poros del papel haciéndolo impermeable. Como resultado se obtiene un papel transparente y de una fina superficie satinada.

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El papel vegetal es recomendado para calcar, porque facilita el paso de la luz a través de él.

También es muy utilizado para diseños gráficos, dibujos técnicos, dibujos en tinta china y superposición de imágenes a través de diferentes planos y bocetos.

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1Papel mantequilla.

2 Papel diamante.

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Papel Seda

El papel seda o comúnmente llamado papel volantín es un tipo de papel muy delgado, su gramaje es inferior a 25 g/m2 Existen distintas calidades de este papel, los de poca calidad están compuestos de una base de pasta mecánica, las que se usan como envoltorios. Por otro lado, los que se usan como conservantes de dibujos y estampas, se elaboran con pasta de madera, la que es depurada de forma química y blanqueada.

Este papel se utiliza para proteger las obras de arte de el efecto de la luz o el polvo.

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El gramaje del papel seda está comprendido entre 12 y 30 g/m2, mientras que el del papel kraft está entre los 20 y 100 g/m2 , a su vez el gramaje del papel bond está entre los 60 y 130 g/m2.

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El papel seda o volatín lo podemos encontrar en diferentes tonalidades.

Un pliego de papel seda rosado.

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|Cartรณn

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Cartón

Es un vocablo que etimológicamente viene del sustantivo “carta” y del sufijo “ón” que indica aumentativo, en la definición obsoleta de papel.

Es un material muy económico que consiste en viarias hojas superpuestas de pasta de papel, las cuales con la humedad se adhieren unas a otras por compresión y finalmente se extraen luego del proceso de evaporación.

Se usa principalmente para el embalaje de objetos y empaque.

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Propiedades del Cartón Durabilidad/Resistencia A simple vista, el cartón no parece un material muy resistente, pero son sus fibras las que hacen que lo sea, por lo que no se romperá con facilidad.

Rigidez La capacidad de rigidez que el cartón ofrece es muy alta. De este modo es que se usa mucho en embalaje y paquetería, ya que es capaz de proteger cualquier cosa que se introduzca sin que se rompa.

Adaptabilidad La adaptabilidad del cartón es importante ya que puede doblarse y cortarse de forma rápida y segura, por lo que es fácil hacer distintos tipos de embalajes o imprimir sobre él.

Aislamiento Como es sabido, la energía y el calor no circula bien sobre las fibras de madera, por lo que el cartón es un gran aislante para los distintos cambios climáticos.

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Cartón Piedra

El cartón piedra es un material rígido, de color gris, que se elabora a partir de un pasta de papel, yeso y aceite secante. Puede decirse que es como un papel maché de fabricación industrial. Se fabrica con papel recuperado y es un producto reutilizable, biodegradable y 100% reciclable. Su rigidez y su gran resistencia lo convierten en una elección ideal para aplicaciones escolares y de oficina.

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Características del cartón piedra Es un tipo de cartón de alta resistencia y rigidez.

Presenta una textura lisa por uno de sus lados, y una textura granulada en el otro.

Tiene una amplia estabilidad dimensional.

Es un material con una elevada resistencia mecánica y soporta muy bien la humedad.  El cartón piedra es un producto completamente reciclable, reutilizable y biodegradable.    

El cartón piedra lo podemos encontrar en una variedad de colores, ya que tenemos el color gris, color negro, cartón piedra kraft, color negro solo en una cara o también podemos encontrarlo en azul, rojo o verde.

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Cartón entelado

El cartón entelado es un cartón que se utiliza para bocetos, el cual es una alternativa a los lienzos tradicionales, ya que son ideales para realizar trabajos de dibujo y sobre todo pintura, al ser una opción más barata.

El cartón entelado está compuesto de una lámina de cartón dimensionado, el cual posee una tela blanca generalmente de algodón o lino natural, donde finalmente se prepara para la pintura.

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1 Detalle cartรณn entelado.

2 Detalle cartรณn entelado.

203

Cartón forrado

El cartón forrado es un cartón que posee por característica principal el tener dos caras de diferente color, una que es de color café y la otra de color blanco, aunque hay cartones forrados de ambas caras blancas e incluso en colores. Este cartón es ideal para proyectos en pequeña escala, pues es fuerte y de fácil trabajo, aunque en proyectos de mayor envergadura es recomendable otro cartón más grueso, porque al poseer menor grosor pierde resistencia en trabajos a mayor escala.

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| Grosor del cartón forrado | Los grosores de este cartón son: 0.3 - 0.5 - 0.8 - 1.0 - 1.2 y 1.5 mm.

Ventaja: Una buena ventaja de este cartón es que las texturas de las caras son diferentes, puesto que la cara blanca es de tipo liso y la café es rugosa, lo cual nos da dos buenas alternativas de textura, por eso este cartón es utilizado preferentemente para forrar maquetas.

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|Plรกsticos

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Mica de acetato

Las micas de acetato, también conocida como mica de PVC, es un compuesto formado a partir de la celulosa y ácidos, como lo es el ácido acético y el ácido sulfúrico. Estas micas se presentan en láminas u hojas transparentes que se pueden encontrar en diversos tamaños y grosores, concretamente desde los 0,1 mm a 0,5 mm. Este tipo de plásticos se pueden utilizar para realizar calco, pues se puede utilizar un marcador a base de alcohol para marcar la superficie.

Además, está disponible en distintos colores o texturas y es muy fácil de recortar para dar la forma que uno desee.

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Las ventajas de la mica son su transparencia, la variedad de colores en que se nos presenta, la facilidad de corte y de maleabilidad de esta. Sin embargo, en algunos proyectos a gran escala se recomienda que sea fijada a un material como el cartón, pues por sí sola no es resistente.

“

1 2 3

| Prueba de material sobre la mica de acetato con marcador o rotulador con base de alcohol: 1. Línea delgada con la punta del marcador.

2. Línea gruesa.

3. Rayado.

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Plástico Autoadhesivo/Conta

El plástico autoadhesivo o también llamado papel contact es un tipo de plástico autoadhesivo, el cual puede encontrarse en diferentes versiones, transparente y con estampado.

El transparente suele usarse para forrar cuadernos, libretas, libros, etc. Sin embargo, con un poco de creatividad se pueden crear dibujos autoadhesivos, con un excelente resultado.

El papel contact estampado suele usarse como tapiz de muebles y muros.

210

ct

| Detalle papel autoadhesivo.

| Prueba de material del papel autoadhesivo con marcadores permanentes.

211

TĂŠcnicas:

5. f. Conjunto de procedimientos y recursos de que se sirve una ciencia o un arte.

(DRAE, 2020) 213

Dibujo a lápiz grafito La técnica del dibujo a lápiz es aplicada en dos etapas: ❑ La primera se basa en dibujar el esqueleto del dibujo. ❑ La segunda es la que abordará el sombreado.

Como se mencionó en las páginas 74 - 75 , existen distintas graduaciones de lápices, que harán el trazo más o menos duro, lo que influirá en la técnica del sombreado del dibujo. Las minas blandas son utilizadas para dar matices y las minas duras son para los contornos o primeras líneas del dibujo.

El sombreado puede ser en zigzag, líneas paralelas, o líneas mixtas. Otra forma de hacer un sombreado, aunque mucho menos ocupada, es el circulismo, la cual consiste en emplear una serie de círculos muy pequeños, los que se superponen entre sí. Esta técnica sirve mucho para sombrear rostros, debido a su acabado irregular.

Por otro lado está el suavizado, la que consiste en pasar un esfumino, algodón, hisopo o los dedos (páginas 146 - 153) sobre el contorno del dibujo lo que generará un efecto que dará otra apariencia al dibujo.

214

| Proceso del dibujo a lápiz grafito de un perro siberiano.

Realizado por Camila Cáceres Bustos.

1 Técnica: Circulismo

2 Técnica: Suavizado

215

Dibujo a carboncillo y carbó La técnica con carboncillo, el cual es uno de los primeros materiales utilizados por la humanidad, para representar algún hecho sobre una superficie, sirve para crear los primeros esbozos del dibujo e incluso colorearlo, pues este material que fue visto en las páginas 96 a la 99 de este libro, es de fácil borrado y se difumina muy bien.

El uso del carbón es adecuado para crear tanto líneas, como manchas, por lo que es muy útil a la hora de hacer sombreado.

El carboncillo es seco, duro o blando y por lo tanto muy quebradizo, por lo que hay que tener mucho cuidado a la hora de su utilización.

Para los lápices carbón, es recomendable el uso de un cutter o bisturí a la hora de sacar punta, ya que esta es muy sensible

El grosor de la línea será tan ancha o delgada según la inclinación que se le de al lápiz o varilla de carbón.

216

ón

Desnudo de mujer María Fuentealba Museo de Arte y Artesanía de Linares

Estudio Pedro León Museo Histórico Nacional

Prueba de material carboncillo sobre papel bond. Realizado por Camila Cáceres Bustos

2

1 | Prueba de material del carboncillo (carbón de sauce) sobre papel bond.

1. Línea delgada 2. Línea gruesa

217

Dibujo a lápices de colores La técnica del dibujo con lápices de colores, material que fue visto en las páginas 82 - 83 de este libro, es un medio ideal para iniciarse en la pintura y aprender a mezclar colores y contrastes.

No se necesitan más que tres colores (primarios: azul, rojo y amarillo), el negro y el blanco del papel para componer todos los demás colores.

Recomendaciones:

❑ Se recomienda que los dibujos se hagan con un color azul claro, siena o gris claro, según la tendencia del dibujo que se quiera realizar. ❑ El color blanco será el del papel, sin embargo, si el papel es de otro color, se puede utilizar el lápiz blanco. ❑ Las mezclas de colores se hacen por superposición y transparencia. ❑ Siempre se debe pintar de menos a más, para tener un control de los valores e intensidades de colores. ❑ Siempre hay que tener en consideración el tipo de papel que se está usando, ya que los papeles muy porosos, suelen dejar espacios en blanco, por lo que hay que tener cuidado.

218

| Dibujo a lápices de colores de un jaguar y su cría sobre block.

Realizado por Camila Cáceres Bustos

El corredor de los sueños difíciles Valentina Cruz Pinacoteca UdeC

1

Dibujo realizado con el color azul claro sobre papel bond.

2

Dibujo realizado con el color gris claro sobre papel bond.

3

Dibujo realizado con el color siena sobre papel bond.

219

Dibujo a lápices de colores La lección de van Gogh Vincent van Gogh desde que tenía 19 años hasta que murió a los 37, escribía cartas a su hermano Theo, fueron un total de 256 cartas.

En ellas, se expresan los sentimientos y la soledad de van Gogh, así como también todos sus conocimientos sobre dibujo y pintura. En una de ellas dice textualmente: “…No hay en la naturaleza más que tres colores verdaderamente elementales (primarios) los cuales, mezclados por parejas, engendran otros tres colores compuesto llamados binarios”.

Esta teoría se ilustra con el siguiente ejemplo:

Autorretrato Musée d´Orsay, París 220

Mezcla de colores elementales según van Gogh.

1 Colores primarios: azul, rojo y amarillo.

2 Colores secundarios: verde, naranja y morado.

221

Dibujo a bolígrafo La técnica del dibujo con bolígrafos, material descrito en las páginas 114 – 115 de este libro, es un instrumento que cualquier persona puede utilizar sin problema alguno, tanto para los artistas en general, como para los aficionados de los garabatos.

Recomendaciones: ❑ Se recomienda que en la técnica del bolígrafo se utilicen trazos lineales, es decir, la combinación de diferentes tramas paralelas. ❑ Al sombrear, se debe crear una buena base con trazos lineales, para luego acentuar las sombras sobre esta base, superponiendo trazos continuos con poca presión. ❑ La práctica del degradado es importante para lograr el dominio del trazo con una adecuada presión del bolígrafo, para lograr la intensidad y tonalidad adecuados. ❑ Cada degradación debe ser difuminada para lograr el juego de luz y sombra, así logrando el efecto de profundidad. ❑ Hay que practicar trazos lineales de forma progresiva, superponiendo capas y disminuyendo la presión al final.

222

“

A pesar de que no existen patrocinios oficiales, las empresas de bolígrafos han mostrado su apoyo a los artistas que utilizan los productos con sus marcas.

“

Uchuu Neko Parade (Desfile del Gato Extraterrestre) Lennie Mace Bolígrafos de varios colores 223

Dibujo a lápiz pastel La técnica del dibujo con lápiz pastel (seco y graso), material descrito en las páginas 102 a la 109 de este libro, es un buen medio para realizar dibujos de forma realista, ya que no existe solo una forma de ocuparlos.

Lo primero que se debe saber es que los lápices pastel no se mezclan en una paleta o en alguna superficie aparte, sino que se mezclan directamente sobre la hoja donde se está dibujando, superponiendo capas y utilizando las transparencias.

Recomendaciones para realizar trazos con el lápiz pastel: 1. Se recomienda utilizar un lado del lápiz para crear un color sólido en la hoja. Es utilizado para cubrir grandes áreas.

2. Se recomienda utilizar el borde del lápiz para dibujar una línea delgada y precisa.

3. Se recomienda utilizar las bases del lápiz para obtener un color más intenso.

224

Niña con un gato Rosalba Carriera Museo Nacional de Bellas Artes

1

Estudios de piedra José Perotti Museo Nacional de Bellas Artes

2

Ejemplo de los trazos del lápiz pastel seco: 1. Un lado del lápiz pastel seco.

2. Borde del lápiz pastel seco.

| Prueba de material lápices pastel seco sobre cartulina negra. Realizado por Camila Cáceres Bustos

3 3. Base del lápiz pastel seco.

225

Dibujo a lápiz pastel Técnicas para la utilización de los lápices pastel, secos y grasos: ❑ Técnica de Difuminación:

Consiste en extender el polvo o la mancha de lápiz pastel con los dedos, esfumino, hisopo, etc. Esta técnica se usa para dar un aspecto sólido al color. ❑ Técnica del toque:

Consiste en superponer capas de color sin difuminar. De esta forma se obtiene una representación más realista y detallada. ❑ Técnica del pastel diluido:

Esta técnica es utilizada con los pasteles secos, ya que se pueden mezclar con agua. Los pasteles secos se pueden reducir a polvo, diluirlos en agua y utilizarlos con un pincel.

226

| Técnica Difuminación (hisopo) sobre papel bond.

| Técnica del Toque sobre papel bond.

| Técnica del Pastel Diluido sobre papel para acuarela.

227

Dibujo a marcador/rotulador La técnica del dibujo con marcadores, aunque de igual forma se llaman rotuladores, los cuales fueron descritos en las páginas 120 a la 135 de este libro, es una técnica policroma – muchos colores – húmeda.

Esta técnica es muy expresiva, ya que los colores son intensos y brillantes, se puede trabajar con líneas y grandes áreas de color, además de que se pueden combinar estando húmedos, sobre todo los con base de alcohol.

Hay tres tipos de rotuladores: ❑ Base acuosa: Permiten resultados parecidos a la acuarela y permiten hacer degradados. ❑ Base de alcohol: Son los más comunes. Estos marcadores ofrecen un efecto liso y plano, por lo que los trazos no quedan marcados. ❑ Base de pintura: Su mejor cualidad es su gran opacidad y colores cubrientes, hacen a este tipo de marcadores un gran aliado a la hora de pintar sobre superficies no porosas, es decir, vidrio, acrílicos, plásticos, etc. Puede ser tanto pintura acrílica como al oleo.

228

r

| Prueba de material Marcador base acuosa sobre papel bond.

| Dibujo de cabellos con marcador de base acuosa sobre papel para acuarela. Realizado por Camila Cรกceres Bustos

| Prueba de material Marcador base de alcohol sobre papel bond.

| Dibujo de flores con marcador de base de alcohol sobre papel para acuarela. Realizado por Camila Cรกceres Bustos

| Foto de un marcador a base de pintura.

229

Dibujo a técnica mixta La técnica mixta consiste en combinar las distintas técnicas y materiales descritos anteriormente, los que se emplean en distintos pasos del dibujo para conseguir acabados variados.

La combinación de técnicas se aplica en todos los ámbitos de la ilustración tradicional, por ejemplo, ilustración editorial, infantil, publicidad, etc.

Ejemplo de técnica mixta: ❑ Se utiliza primero una técnica aguada para dar color de base al

dibujo. ❑ Se continúa con una técnica seca, por ejemplo lápiz de color, para dar volumen y definición. ❑ Finalmente, se recomienda utilizar algún material empastado, como acrílicos o témperas para los detalles.

Técnica aguada 230

Técnica seca

Técnica empastada

 Mezclar técnicas ofrece a los artistas posibilidades infinitas para la creación artística.

Obra basado en el busto de semi perfil derecho de una figura femenina.

La mujer retratada sostiene su cabeza con la mano derecha y su mano izquierda cadavérica apoyada sobre la falda

Tan Callando Carmen Aldunate Técnica mixta Museo Nacional de Bellas Artes 231

CapĂ­tulo 3:

Elementos del Dibujo

233

Espacio, punto, línea y tono Para aprender a dibujar y dar al dibujo un uso efectivo como instrumento de diseño es indispensable adquirir ciertas artes fundamentales como trazar líneas y aplicar tonos”.

El componente definitivo y distintivo del dibujo es la línea, y muchas veces cuando pensamos en esta disciplina, generalmente la relacionamos con ese elemento gráfico, pero no se debe olvidar que el punto, el tono y el espacio son igualmente importantes para definir este campo.

Para entender y comprender estos elementos, se presentarán de manera independiente cada uno de estos. Donis A. Dondis recomienda: “Para analizar y comprender la estructura total de un lenguaje es útil centrarse en los elementos visuales, uno por uno, a fin de comprender mejor sus cualidades específicas”. (Dondis, 1973/2007, pág. 54) Se comenzará por realizar una diferenciación entre espacio y plano, y luego continuaremos con el punto, la línea y el tono.

234

Espacio Cuando hablamos de espacio, nos referimos, por un lado, al fenómeno psicológico a través del cual la figura se separa del fondo, y por otro lado, a la experiencia conceptual que se produce a través de las posiciones, formas, distancias, dimensiones, direcciones y movimientos que establecen los cuerpos representados al relacionarse entre si.

Plano Según Kandinsky, el plano básico es “la superficie material destinada a abarcar el contenido de la obra” (Kandinsky, 1923/1995, pág. 129), La característica fundamental del plano es su doble dimensión: vertical y horizontal.

Figura representativa de espacio realizada en el programa Photoshop, por Yocelyn Valero.

1

2

Figura 1 y 2 representativa del Plano vertical y horizontal realizada en el programa Photoshop, por Yocelyn Valero.

235

Espacio, punto, línea y tono Punto Según Dondis, el punto es la unidad más simple de la comunicación visual (Dondis, 1973/2007, pág. 55).

Por ello, los puntos pueden conectarse y dirigir la mirada. También según la disposición cercana de estos, pueden crear formas y figuras. Y, en gran densidad, los puntos pueden dar la sensación de tono. ¿Sabías qué?

El puntillismo fue un estilo pictórico que surgió en Francia a partir del postimpresionismo, en 1884. Su técnica consiste en aplicar sobre el lienzo –en vez de trazos o pinceladas– pequeños puntos de colores primarios que, combinados y mirados desde cierta distancia, forman en la retina la imagen y el cromatismo deseados por el artista

Figura que representa la conexión de puntos realizada en el programa Photoshop, por Yocelyn Valero.

236

Formas y figuras a partir de puntos realizada en el programa Photoshop, por Yocelyn Valero.

Tono a partir de una gran densidad de puntos realizada en el programa Photoshop, por Yocelyn Valero.

237

Espacio, punto, línea y tono Línea Dondis dice que “la línea raramente existe en la naturaleza”, si bien acepta que puede manifestarse en algunos fenómenos visuales como las grietas en la acera, los cables telefónicos cuando se recortan contra el cielo, las ramas sin hojas de los árboles durante el invierno, etc. (Dondis, 1973/2007, pág.

58).

Según el mismo autor, la línea se utiliza como un elemento visual que sirve para expresar la yuxtaposición de dos tonos: “La línea se emplea muy a menudo para describir esa yuxtaposición y cuando así se hace es un procedimiento artificial.”

(Dondis, 1973/2007, pág. 58). Lo que quiere decir, es que la línea es sobre todo un fenómeno cultural, pues se 238

utiliza para comunicar ideas dentro del área del dibujo porque con ella, básicamente , como señala más adelante “la línea describe un contorno”. (Dondis, 1973/2007, pág. 58).

Las líneas las podemos clasificar según la: 1. Velocidad: si los trazos se realizan rápido, si bien se puede perder un poco el control, representa un carácter energético y seguro, mientras que cuando se realiza una línea lenta, generalmente se puede leer como un trazo inseguro.

2. Dirección 3. Estilo

Figura que representa la velocidad de puntos, la línea superior es un línea rápida y la inferior es una línea lenta, realizadas con la herramienta Pluma (suave) de la aplicación para celulares Ibis Paint X. Figura que representa un estilo de línea rota realizada con la herramienta Lápiz de Primaria en la aplicación para celulares Autodesk SketchBook, por Yocelyn Valero.

Figura que representa la dirección de las líneas realizadas con la herramienta Marcador de la aplicación para celulares Ibis Paint X. Figura que representa un estilo de línea clara realizada con la herramienta Rapidógrafo en la aplicación para celulares Autodesk SketchBook, por Yocelyn Valero.

239

Espacio, punto, línea y tono Tono Para Dondis, “vivimos en un mundo creamos la sensación y apariencia táctil bidimensional y el tono es uno de los que denominamos textura”. (Ching, mejores instrumentos de los que dispone 1998/2010, pág. 39). el visualizador para indicar y expresar esa dimensión” (Dondis, 1973/2007, pág.

63).

Ching dice que, las líneas son un elemento esencial para delimitar el contorno y la forma de los objetos, estos no bastan para definir algunas características importantes de la superficie y el volumen de los mismos: “Para acentuar las formas y modelar sus superficies hacemos uso de los tonos. La interacción de estos nos Doble cono o bicono del modelo HSL permite comunicar una sensación Recuperado de intensa de luz, masa y espacio, y https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Doble combinándolos con las líneas y tonos _cono_de_la_coloraci%C3%B3n_HSL.png 240

s egún el libro Neurología de la visión, escrito por César Urrutia Vicario

en el apartado Atributos del color, dice que cada color tiene tres características de orden psicofísico que lo individualiza, que son las siguientes: 1. Tono: es el atributo de la sensación visual por la que una determinada zona del campo visual (objeto) parece caracterizase por uno de los siguientes colores; rojo, amarillo, verde o azul; o por una combinación de dos de ellos.

2. Luminosidad o brillo: es el atributo de una sensación visual por la que un objeto parece emitir más o menos luz.

3. Saturación o pureza: depende de la cantidad de gris mezclada al color, por lo que un color es tanto más puro o saturado cuanto menos gris tenga. (Urrutia, 1996)

El Modelo de Color HSL (del inglés Hue, Saturation, Lightness – Matiz, Saturación, Luminosidad) es utilizado en dibujo digital para los tratamientos de color y las aplicaciones que lo utilizan son: las aplicaciones gráficas de Adobe como Illustrator y Photoshop.

241

Composición Podemos decir que la composición es la manera en la que se disponen los elementos en la obra visual, considerando el peso, el equilibrio, las formas, las direcciones, el tono y los signos.

Según Betty Edwards, “se llama composición a la manera en que el artista dispone los elementos que componen un dibujo”. (Edwards, 1979/2000, pág.

148). Dicho con otras palabras, la composición es un sistema de organización estructural en el que voluntariamente se ordenan unidades visuales dentro del campo visual. Y para lograr un resultado de unidad y armonía, se necesita regirse por las leyes perceptuales. (Crespi y Ferrario, 1971/1977, pág. 17).

Las composiciones de lectura clara son las que el fondo se separa claramente de la figura, y las composiciones de lectura confusa son en las que el fondo tiende a ser más complejo y por ello resulta más difícil de discernir o diferenciar entre fondo y figura.

242

Forma, fondo y espacios negativos Los espacios negativos o espacios en negativo son el fondo que rodea las cosas, en relación a esto, existen tradiciones estéticas en las que el fondo es tan importante como la figura, y así también lo explica Betty Edwards, ya que dice “los espacios en negativo son tan importantes como las formas en positivo” (Edwards, 1979/2000, pág. 146). Un ejemplo de esto es la estampa “La gran ola de Kanagawa” (1830-1833) de Hokusai, es una demostración del equilibrio de forma y fondo, e incluso una representación del espacio negativo, esto lo podemos observar en el fondo de la ola – la “no ola” – es como una ola de vacío casi idéntica a la de la figura.

La gran ola de Kanagawa Katsushika Hokusai

La gran ola invertida Katsushika Hokusai

243

Valor, luz, y sombra

“

Es de gran importancia aprender a observar y entender la lógica de la luz y la sombra, por un lado, para ser capaces de representar lo que vemos, y por otro lado, para poder aplicar luces y sombra de memoria.

“

Porque las luces y las sombras también pueden ayudarnos a construir nuestros dibujos. Crespi y Ferrario, lo explican de la siguiente forma: “valor a los grados de claridad u oscuridad que existen entre dos extremos de valor, por ejemplo, blanco y negro. El valor pone de manifiesto un mayor o menor grado de la posibilidad lumínica, ligada esta siempre a la claridad u oscuridad del mismo”. (Crespi y Ferrario, 1971/1977, pág. 103)

| Escala de grises 244

Leyes fundamentales en relación a la luz Andrew Loomis dice que hay tres leyes fundamentales en relación con la luz, las cuales son las siguientes: 1. La luz procedente de cualquier foco simple se propaga en línea recta, por lo que no puede iluminar más de la mitad de una figura o forma redondeada.

2. Toda superficie está iluminada según el ángulo que forma con la dirección del haz lumínico.

3. Sólo las superficies planas pueden estar uniformemente iluminadas, ya que en las superficies curvas y redondeadas se observa siempre una gradación de tonos. (Loomis, 1961/1983, pág. 79).

| Volumen de una esfera modelada digitalmente con el programa Paint y editada con el programa Photoshop para conocer sus partes, por Yocelyn Valero.

245

Perspectiva

l

a perspectiva es un sistema de representación y organización de los elementos gráficos dentro del campo visual, por lo cual este sistema nos permite representar la profundidad de la tridimensionalidad en un plano bidimensional.

Según esto, Ching afirma: “El término perspectiva se refiere a cualquiera de las distintas técnicas gráficas que se emplean para representar en una superficie plana volúmenes y relaciones en el espacio”. (Ching, 1998/2010, pág. 201) Para Metzger, “la perspectiva es, simplemente, un conjunto de técnicas que permiten trasladar una escena tridimensional a una superficie de dos dimensiones. Se trata de un método para producir efectos de profundidad en un dibujo o pintura”. (Metzger, 1988/1991, pág. 4)

246

Algo interesante que Metzger plantea, y es algo que algunos autores muchas veces olvidan, es un método de perspectiva bastante intuitivo en el que se puede definir la profundidad de un espacio simplemente variando el tamaño relativo de objetos del mismo tamaño (Metzger, 1988/1991, pág. 10). Por otro lado, menciona medidas; “los tamaños reales no son los que interesan, los que debe saber son los relativos” (Metzger, 1988/1991, pág. 11). Este autor recomienda el uso del pulgar para medir esos tamaños relativos. También menciona la definición de los detalles y los contornos como un aspecto relevante a tener en cuenta a la hora de encarar un dibujo de perspectiva (Metzger, 1988/1991, págs. 16-18).

Finalmente, recalca la importancia del color y del valor para reforzar la idea de distancia, por eso señala lo siguiente:  Las cosas más cercanas generalmente se ven más oscuras y las más alejadas más claras.  En relación con los colores, los que estén “cerca” del ojo del espectador se verán más saturados, y los que estén más alejados irán perdiendo tinte hasta verse completamente desaturados y blanquecinos por la incidencia de la luz sobre las partículas de polvo que flotan en la atmósfera.

247

Tipos de Perspectiva Perspectiva Jerárquica Es aquella en la cual las figuras representadas se disponen por tamaños o alturas según la importancia y relevancia en la obra. En este tipo de perspectiva, se suele observar personajes representados con dimensiones reducidas en contraposición a otros que son plasmados a una escala mayor, en el idioma inglés se conoce como “Hierarchical Proportion” (que no se refiere a perspectiva sino a “Proporción Jerárquica”).

La perspectiva jerárquica permite al espectador centrar la mirada en determinados aspectos visuales narrativos y para ello se utiliza la distorsión del tamaño de las figuras.

Históricamente, esta perspectiva tiene una tradición antigua, por ejemplo, en algunas pinturas prehistóricas los animales están representados de manera tal que parecen excesivamente grandes, mientras que en ciertas paredes pintadas del antiguo Egipto los animales son muy pequeños en relación con las personas.

Un excelente ejemplo de perspectiva jerárquica es el de ”La batalla de Karbala” de Abbas Al-Musavi, en la pintura vemos al hermano de Husayn, en el centro de la composición, clavándole la espada a su adversario, también de gran tamaño. El resto de personajes van disminuyendo en tamaño hacia los bordes.

248

La batalla de Karbala - Abbas Al-Musavi - Museo de Brooklyn.

Detalle de Escena de caza y pesca, 1400-1380 a. C. Tumba de Najt, Necrรณpolis de Tebas (Egipto).

249

Tipos de Perspectiva Perspectiva Militar La perspectiva militar o cabinet es un tipo de proyección paralela oblicua, pues es un sistema de representación que utiliza los tres ejes cartesianos (X, Y, Z).

La principal ventaja de este sistema de proyección radica en que las distancias en el plano horizontal mantienen sus dimensiones y proporciones. Tenemos que tener en cuenta a la hora de usar este método, que se trata de un sistema de representación hipotético, ya que la única manera en que los ejes X e Y presenten 90° sería si los miráramos desde arriba, lo cual, evidentemente a un distancia regular que jamás podríamos tener en la realidad.

250

Z

Y

X

Perspectiva militar realizado con el programa Photoshop y Paint, por Yocelyn Valero.

En esta representación, el eje Z es el vertical, mientras que los ejes X e Y forman un ángulo de 90° que determina el plano horizontal que sirve para representar el suelo.

Perspectiva Caballera Este sistema de representación también utiliza la proyección paralela oblicua. En este tipo de perspectiva todas las dimensiones están en su verdadera magnitud, tanto las del plano proyectante frontal como las de los elementos paralelos al él.

En la perspectiva caballera, las dos dimensiones X y Z se proyectan en su verdadera magnitud (alto y ancho) y la tercera que sería Y (profundidad) con un coeficiente de reducción. En conclusión, X y Z no presentan distorsión angular, pero la dimensión Y se reduce a una proporción determinada (1:2, 2:3 o 3:4 son las más habituales).

Perspectiva caballera realizado con el programa Photoshop y Paint, por Yocelyn Valero En la perspectiva caballera, las formas planas que son paralelas al plano frontal mantienen su forma original, mientras que las que se dibujan en los planos horizontal y de perfil quedan deformadas y reducidas en el sentido del eje Y. 251

Tipos de Perspectiva Perspectiva Axonométrica Es un sistema de representación gráfica que consiste en representar elementos geométricos o volúmenes en un plano. Esta perspectiva utiliza proyección paralela o cilíndrica que depende de los tres ejes ortogonales, de forma tal que los volúmenes representados conservarán sus proporciones en cada una de las tres direcciones del espacio, que son: X, Y, Z (altura, anchura y longitud, respectivamente). Este tipo de perspectiva cuenta con dos características importantes que permiten distinguirla de la perspectiva cónica, que son: primero que la escala de los objetos representados no depende de su distancia al observador y segundo, que dos líneas paralelas en la realidad –por ejemplo, los dos costados de una mesa– son también paralelas en su proyección axonométrica. ¿Sabías qué?

SketchUp es un programa de diseño gráfico y modelado en tres dimensiones basado en caras. Este software es utilizado para el modelado de entornos de planificación urbana, arquitectura, ingeniería civil, diseño industrial, videojuegos o películas.

252

Proyección isométrica realizada utilizando Google SketchUp, por Yocelyn Valero.

Perspectiva Cónica Es un sistema de representación gráfico que se basa en la proyección de un cuerpo tridimensional sobre un plano en el cual se hacen rectas proyectantes que pasan por un punto que corresponde con el ojo del observador. De ahí que el punto fuerte de este tipo de perspectiva es un resultado que se aproxima a la visión que tendría el ojo si estuviera situado en dicho punto. ¿Sabías qué?

Fue Filippo Brunelleschi quien, en 1451, formuló las leyes de la perspectiva cónica, demostrando a través de sus dibujos las construcciones en planta y alzado, e indicando las líneas que se dirigen al punto de fuga.

Perspectiva cónica desde un punto de fuga realizado con el programa Photoshop y Paint, por Yocelyn Valero.

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Capítulo 4:

Séptimo Básico Sugerencia de Actividades

255

256

|Sugerencia de Actividades

257

A c t i v i d a d p a r a l a U n i d a d 1: Sugerencia de Actividad “Dibujando el Paisaje” Asignatura: Artes Visuales Curso: 7° Básico

Semestre: 1

Unidad 1: Creación en el plano y diversidad cultural

N° horas pedagógicas: 4hr

Objetivo de Aprendizaje: OA 2 Crear trabajos visuales a partir de intereses personales, experimentando con materiales sustentables en dibujo, pintura y escultura.

Protocolo para la Situación Evaluativa Situación Evaluativa: “Dibujando el Paisaje” Objetivo: Valorar la cultura tanto propia como extranjera por medio de la creación de un dibujo de un paisaje utilizando la técnica del collage.

Indicaciones:  Disponga a los y las estudiantes a trabajar de forma individual o en parejas.  Cada grupo de trabajo deberá entregar un collage con el tamaño de un block ⅛  Para los elementos del collage, los y las estudiantes pueden usar revistas, papel lustre, hojas de colores, etc.

258

Sé

éptimo Básico  La temática del trabajo es la cultura, tanto propia como extranjera.  Algunos elementos bióticos que pueden usar, son: Huemules, Cóndores, Pudúes, Zorros, Copihues, Araucarias, Piñones, otras plantas autóctonas, etc.  Algunos elementos de culturas extranjeras que pueden usar, son: Elementos de la cultura nórdica, culturas europeas, asiáticas, etc.

Consideraciones:  El o la docente deberá decidir la duración de la actividad.  El o la docente deberá decidir si agrega o quita aspectos de esta actividad.

Materiales:  Block ⅛ .  Revistas.  Papeles de colores.  Tijera.  Pegamento en barra.  Regla, 259

A c t i v i d a d p a r a l a U n i d a d 2: Sé Sugerencia de Actividad “Mi autorretrato” Asignatura: Artes Visuales Curso: 7° Básico

Semestre: 1

Unidad 2: Espacios de difusión de las artes visuales y fotografía

N° horas pedagógicas: 4hr

Objetivo de Aprendizaje: OA 2 Crear trabajos visuales a partir de intereses personales, experimentando con materiales sustentables en dibujo, pintura y escultura.

Protocolo para la Situación Evaluativa Situación Evaluativa: “Mi autorretrato” Objetivo: Crear un autorretrato utilizando distintos materiales a partir de una fotografía.

Indicaciones:  Disponga a los y las estudiantes a trabajar de forma individual.  Cada estudiante deberá tomarse una fotografía frontal de su rostro.

260

éptimo Básico  Cada estudiante deberá imprimir la fotografía (opcional).  Con la utilización de distintos materiales, el o la estudiante deberá dibujar su autorretrato en una hoja de block o cartulina, para luego pintarla (opcional) con los materiales que desee o en escala de grises.

Consideraciones:  El o la docente deberá estar pendiente de las dudas de los y las estudiantes.  El o la docente deberá decidir la duración de la actividad.  El o la docente deberá decidir si agrega o quita aspectos de esta actividad.

Materiales:  Hojas de block o cartulina.  Lápices variados (grafitos, de colores, acuarelables, etc.).

261

A c t i v i d a d p a r a l a U n i d a d 3: Sé Sugerencia de Actividad “Boceto de mi escultura” Asignatura: Artes Visuales Curso: 7° Básico

Semestre: 2

Unidad 3: Creación en volumen y género

N° horas pedagógicas: 4hr

Objetivo de Aprendizaje: OA 2 Crear trabajos visuales a partir de intereses personales, experimentando con materiales sustentables en dibujo, pintura y escultura.

Protocolo para la Situación Evaluativa Situación Evaluativa: “Boceto de mi escultura” Objetivo: Dibujar un boceto de una escultura que represente lo femenino y lo masculino, mediante procedimientos de dibujo.

Indicaciones:  Disponga a los y las estudiantes a trabajar de forma individual o en parejas.  Cada grupo de trabajo deberá entregar dos dibujos con el tamaño de un block 1/16 (block liceo).

262

éptimo Básico  La temática del trabajo es lo femenino y lo masculino, sin embargo, puede ser en cualquier área.

Consideraciones:  El presente trabajo tiene por finalidad la creación de dos bocetos sobre lo femenino y lo masculino, que luego serán llevados a cabo tridimensionalmente.  El o la docente deberá decidir la duración de la actividad.  El o la docente deberá decidir si agrega o quita aspectos de esta actividad.

Materiales:  Block 1/16 (block liceo).  Lápiz grafito  Lápices de colores.  Goma.  Marcadores.  Regla.

263

A c t i v i d a d p a r a l a U n i d a d 4: Sé Sugerencia de Actividad “Dibujando a escala” Asignatura: Artes Visuales Curso: 7° Básico

Semestre: 2

Unidad 4: Imágenes digitales en las artes visuales e iconos sociales

N° horas pedagógicas: 4hr

Objetivo de Aprendizaje: OA 2 Crear trabajos visuales a partir de intereses personales, experimentando con materiales sustentables en dibujo, pintura y escultura.

Protocolo para la Situación Evaluativa Situación Evaluativa: “Dibujando a escala” Objetivo: Crear una réplica a escala de una obra de un artista nacional o extranjero por medio de la técnica de la cuadrícula.

Indicaciones:  Disponga a los y las estudiantes a trabajar de forma individual.  Cada estudiante deberá investigar sobre un artista visual chileno o extranjero.  Cada estudiante deberá escoger una de las obras del artista investigado e imprimirla en el tamaño que el o la docente proponga.

264

éptimo Básico  Con la ayuda de una regla, cada estudiante deberá crear una cuadrícula sobre la obra impresa, siguiendo las instrucciones de el o la docente.  Con la ayuda de una regla, cada estudiante deberá dibujar una cuadrícula en la hoja de block, siguiendo las instrucciones de el o la docente.  El o la estudiante deberá pintar la obra dibujada con los materiales que desee.

Consideraciones:  El o la docente deberá dar las instrucciones sobre el tamaño de las obras impresas.  El o la docente deberá estar pendiente de las dudas de los y las estudiantes.  El o la docente deberá decidir la duración de la actividad.  El o la docente deberá decidir si agrega o quita aspectos de esta actividad.

Materiales:  Hojas de block ⅛ .  Lápices variados (grafitos, de colores, acuarelables, etc.) o pinturas.  Pinceles.  Regla.

265

Trabajo Interdisciplinario:

Activ

Sugerencia de Actividad “Dibujando el Paisaje” Asignatura: Artes Visuales

Curso: 7° Básico

Unidad 1: Creación en el plano y diversidad cultural

Semestre: 1 N° horas pedagógicas: 4hr

Objetivo de Aprendizaje: OA 2 Crear trabajos visuales a partir de intereses personales, experimentando con materiales sustentables en dibujo, pintura y escultura.

Se relaciona con la asignatura de:  Ciencias Naturales: Al tratar temas ambientales y biodiversidad.  Historia, Geografía y Ciencias Sociales: Al tratar temas sobre la geografía local y la historia del lugar.

Sugerencia de Actividad “Mi autorretrato” Asignatura: Artes Visuales

Curso: 7° Básico

Unidad 2: Espacios de difusión de las artes visuales y fotografía

Semestre: 1 N° horas pedagógicas: 4hr

Objetivo de Aprendizaje: OA 2 Crear trabajos visuales a partir de intereses personales, experimentando con materiales sustentables en dibujo, pintura y escultura.

Se relaciona con la asignatura de:  Orientación: Al tratar temas sobre la autoestima.  Ciencias Naturales: Al tratar temas sobre las características físicas de las personas, los genes dominantes y recesivos.

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vidades para Séptimo Básico Sugerencia de Actividad “Boceto de mi escultura” Asignatura: Artes Visuales

Curso: 7° Básico

Unidad 3: Creación en volumen y género

Semestre: 2 N° horas pedagógicas: 4hr

Objetivo de Aprendizaje: OA 2 Crear trabajos visuales a partir de intereses personales, experimentando con materiales sustentables en dibujo, pintura y escultura.

Se relaciona con la asignatura de:  Orientación: Tratar sobre el género, identidad de género, lo femenino y masculino, etc.  Ciencias Naturales: Diferencias físicas entre hombres y mujeres, características de cada uno.

Sugerencia de Actividad “Dibujando a escala” Asignatura: Artes Visuales

Curso: 7° Básico

Unidad 4: Imágenes digitales en las artes visuales e iconos sociales

Semestre: 2 N° horas pedagógicas: 4hr

Objetivo de Aprendizaje: OA 2 Crear trabajos visuales a partir de intereses personales, experimentando con materiales sustentables en dibujo, pintura y escultura.

Se relaciona con la asignatura de:  Lenguaje y Comunicación: Tratar sobre los textos sobre las obras o los pintores, artistas, etc.  Matemática: Tratar sobre temas de escala, proporciones, figuras geométricas.  Historia, Geografía y Ciencias Sociales: Tratar sobre la historia de las pinturas u obras de inspiración.

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CapĂ­tulo 5:

Octavo BĂĄsico Sugerencia de Actividades

269

270

|Sugerencia de Actividades

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A c t i v i d a d p a r a l a U n i d a d 1: Sugerencia de Actividad “Diseñando mi espacio público” Asignatura: Artes Visuales Curso: 8° Básico

Semestre: 1

Unidad 1: Creación visual, persona y naturaleza

N° horas pedagógicas: 4 hr

Objetivo de Aprendizaje: OA 1 Crear trabajos visuales basados en la apreciación y el análisis de manifestaciones estéticas referidas a la relación entre personas, naturaleza y medioambiente, en diferentes contextos.

Protocolo para la Situación Evaluativa Situación Evaluativa: “Diseñando mi espacio público” Objetivo: Valorar la relación que existe entre las personas y el medioambiente, por medio de la realización de un diseño de un espacio público para la comunidad.

Indicaciones:  Disponga a los y las estudiantes a trabajar de forma individual.  Cada estudiante deberá entregar un diseño en un block de 1/8 o entregar el diseño en forma digital por medio de una imagen JPG o PNG.  La temática del trabajo es diseñar un espacio público para la comunidad (en la que residen) para mejorar la relación entre las personas y el medioambiente.

272

Oc

ctavo Básico Consideraciones:  El diseño del espacio público se puede trabajar de dos modalidades: la primera es el diseño en una hoja de block de 1/8 y la segunda modalidad puede ser en dibujo digital por medio de la aplicación Ibis Paint X.  Preguntas de reflexión para desarrollar el trabajo: ¿Qué elementos consideras necesarios que estén en tu diseño de espacios públicos?, ¿Cuál sería el aporte a la comunidad en la que vives, el diseño de tú espacio público? y ¿Qué función cumpliría este espacio público? (es decir, familiar, social, interacción, etc).  El o la docente deberá decidir la duración de la actividad.  El o la docente deberá decidir si agrega o quita aspectos de esta actividad.

Materiales:  Block ⅛ .  Lápiz grafito.  Marcadores (fineliner, punta gruesa, permanente, etc.).  Goma.  Si trabajan en forma digital, pueden utilizar la aplicación Ibis Paint X. 273

A c t i v i d a d p a r a l a U n i d a d 2: Oc Sugerencia de Actividad “Creación de un esfumino casero” Asignatura: Artes Visuales Curso: 8° Básico

Semestre: 1

Unidad 2: Creación visual, persona y medioambiente

N° horas pedagógicas: 1 hr

Objetivo de Aprendizaje: OA 2 Crear trabajos visuales a partir de diferentes desafíos creativos, experimentando con materiales sustentables en técnicas de impresión, papeles y textiles.

Protocolo para la Situación Evaluativa Situación Evaluativa: “Creación de un esfumino casero” Objetivo: Creación de un material para difuminar a partir del papel bond.

Indicaciones:  Realizar un esfumino casero a partir del papel bond para difuminar lápices técnicos, carboncillo y lápiz carbón.  Disponga a los y las estudiantes a trabajar de forma individual.

Consideraciones  Seguir las instrucciones descritas en el “Paso a Paso”, porque ahí están registradas una serie de fotografías para la realización del esfumino casero con papel bond.

274

ctavo Básico Materiales:  Papel bond.

1

 Pegamento en barra.  Cuchillo cartonero.  Tijeras.

| Paso a Paso

2

3

4

1. La hoja de papel bond 2. Corta la hoja en dos. dóblala por la mitad.

3. Pega los extremos de 4. Comienza a enrollar la cada hoja. hoja de papel bond.

Asegúrate que quede todo muy comprimido.

5

7

6

5. Cuando te quede unos 6. El esfumino debe 7. Ahora a uno de los 2 cm por terminar de quedarte así. extremos le sacamos enrollar, aplica punta con el cuchillo pegamento en barra. cartonero. ¡Y está listo!

8 8. Prueba de material del esfumino casero sobre el lápiz carbón en papel de acuarela.

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A c t i v i d a d p a r a l a U n i d a d 3: Oc Sugerencia de Actividad “Boceto de mi instalación” Asignatura: Artes Visuales Curso: 8° Básico

Semestre: 2

Unidad 3: Instalación y arte contemporáneo

N° horas pedagógicas: 4hr

Objetivo de Aprendizaje: OA 3 Crear trabajos visuales a partir de diferentes desafíos creativos, usando medios de expresión contemporáneos como la instalación.

Protocolo para la Situación Evaluativa Situación Evaluativa: “Boceto de mi instalación” Objetivo: Dibujar un boceto de una instalación a partir de un tema de su interés, mediante procedimientos de dibujo.

Indicaciones:  Disponga a los y las estudiantes a trabajar de forma grupal.  Cada grupo de trabajo deberá entregar dos bocetos en el tamaño de un block 1/8.  La temática del trabajo es a partir de un tema del interés de los y las estudiantes.

276

ctavo Básico Consideraciones:  El presente trabajo tiene por finalidad la creación de dos bocetos a partir de los intereses de los y las estudiantes, que luego serán llevados a cabo tridimensionalmente.  En los bocetos deberán incluir: tema o concepto que abordará la instalación, materiales y objetos que se utilizarán, procedimientos y estrategias para llevar a cabo la instalación, como por ejemplo el tiempo y el lugar de la instalación.  El o la docente deberá decidir la duración de la actividad.  El o la docente deberá decidir si agrega o quita aspectos de esta actividad.

Materiales:  Block 1/8  Lápiz grafito.  Lápices de colores.  Goma.  Marcadores.

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A c t i v i d a d p a r a l a U n i d a d 4: Oc Sugerencia de Actividad “Diseñando una postal para mi ciudad” Asignatura: Artes Visuales Curso: 8° Básico

Semestre: 2

Unidad 4: Espacios de difusión, diseño y naturaleza.

N° horas pedagógicas: 4 hr

Objetivo de Aprendizaje: OA 1 Crear trabajos visuales basados en la apreciación y el análisis de manifestaciones estéticas referidas a la relación entre personas, naturaleza y medioambiente, en diferentes contextos.

Protocolo para la Situación Evaluativa Situación Evaluativa: “Diseñando una postal para mi ciudad” Objetivo: Creación de una postal a partir de la naturaleza endémica chilena para la valorización de nuestra biodiversidad.

Indicaciones:  Disponga a los y las estudiantes a trabajar de forma individual.  Cada estudiantes deberá entregar una postal de 15x10 cm, formato horizontal.  La postal debe tener dos caras, la cara A (anverso) es donde va a ir el dibujo de lo que el o la estudiante elija para representar la naturaleza endémica chilena.

Y en la cara B (reverso) es donde tiene que ir una línea vertical divisoria en la mitad de la postal, en el lado izquierdo es de libre elección, ya que puede ir un 278

ctavo Básico texto que acompañe al dibujo de la cara A o puede ser un símbolo. Y en el lado derecho de esa división debe ir un recuadro en el margen superior derecho para el sello postal y más abajo un espacio para escribir un mensaje.  La temática del trabajo es la valorización de la naturaleza endémica chilena.

Consideraciones:  La definición de endémica es: Especie con una distribución limitada a una zona.  Ejemplos de flora endémica chilena son: alerce, araucaria, canelo, chagual, chilco, copihue, olivillo y el ciprés de la cordillera.  El o la docente deberá decidir la duración de la actividad.  El o la docente deberá decidir si agrega o quita aspectos de esta actividad.

Materiales:  Block o papel de acuarela  Tijera  Regla  Goma  Lápices y marcadores diversos.  Referentes visuales de naturaleza endémica chilena.

279

Trabajo Interdisciplinario:

Activ

Sugerencia de Actividad “Diseñando mi espacio público” Asignatura: Artes Visuales

Curso: 8° Básico

Unidad 1: Creación visual, persona y naturaleza

Semestre: 1 N° horas pedagógicas: 4 hr

Objetivo de Aprendizaje: OA 1 Crear trabajos visuales basados en la apreciación y el análisis de manifestaciones estéticas referidas a la relación entre personas, naturaleza y medioambiente, en diferentes contextos.

Se relaciona con la asignatura de:  Ciencias Naturales: Al tratar temas ambientales y biodiversidad.  Historia, Geografía y Ciencias Sociales: Al tratar temas sobre la geografía local y la historia del lugar.

Sugerencia de Actividad “Creación de un esfumino casero” Asignatura: Artes Visuales

Curso: 8° Básico

Unidad 2: Creación visual, persona y medioambiente

Semestre: 1 N° horas pedagógicas: 1 hr

Objetivo de Aprendizaje: OA 2 Crear trabajos visuales a partir de diferentes desafíos creativos, experimentando con materiales sustentables en técnicas de impresión, papeles y textiles.

Se relaciona con la asignatura de:  Tecnología: Al tratar temas sobre experimentación con materiales sustentables.  Ciencias Naturales: Al tratar temas sobre experimentación con materiales sustentables y biodegradables.

280

vidades para Octavo Básico Sugerencia de Actividad “Boceto de mi instalación” Asignatura: Artes Visuales

Curso: 8° Básico

Unidad 3: Instalación y arte contemporáneo

Semestre: 2 N° horas pedagógicas: 4hr

Objetivo de Aprendizaje: OA 3 Crear trabajos visuales a partir de diferentes desafíos creativos, usando medios de expresión contemporáneos como la instalación.

Se relaciona con la asignatura de:  Orientación: Al tratar temas de su interés.  Lenguaje y Comunicación: Al tratar que el tema de su interés se explique por medio de la escritura y el medio oral.

Sugerencia de Actividad “Diseñando una postal para mi ciudad” Asignatura: Artes Visuales

Curso: 8° Básico

Unidad 4: Espacios de difusión, diseño y naturaleza.

Semestre: 2 N° horas pedagógicas: 4 hr

Objetivo de Aprendizaje: OA 1 Crear trabajos visuales basados en la apreciación y el análisis de manifestaciones estéticas referidas a la relación entre personas, naturaleza y medioambiente, en diferentes contextos.

Se relaciona con la asignatura de:  Ciencias Naturales: Al tratar temas de valorización de la biodiversidad chilena.  Historia, Geografía y Ciencias Sociales: Al tratar temas sobre la naturaleza local y la historia del lugar.

281

CapĂ­tulo 6:

Glosario

283

284

A

 Aditivo: Sustancia que se agrega a otras para añadir cualidades de las que carecen o mejorar las cualidades que estas poseen.  Aglutinante: Es una sustancia líquida que se utiliza para aplicar a cualquier pigmento pues proporciona adherencia al soporte. Por ejemplo, el óleo es pigmento más aceite.

B D

 Biodiversidad: Incluye toda la diversidad de especies y ecosistemas existentes, además de las interacciones que existan entre los individuos.  Diámetro: En geometría es la línea recta que pasa por el centro de un circulo o circunferencia y une dos puntos opuestos, por lo que divide al circulo en dos semicírculos.  Dimensionado: Evaluar o determinar la dimensión o tamaño de algo.

E

 Ergonómico: Dicho de un utensilio, mueble, máquina, herramienta o material que se diseña para que coincidan con las características fisiológicas y anatómicas del usuario.  Esbozo: Es el primer trazo o bosquejo que se realiza sobre un soporte o superficie.  Escala: Que se ajusta a una escala, en relación al tamaño.

G

 Gama: Elementos que pertenecen a la misma serie de cosas, la misma clase o categoría.  Gradaciones: Es la organización de algo por medio de grados (es decir, según valores, estados o niveles) sucesivos, ya sean descendentes o ascendentes.  Graduada/o: Mostrar en algo los grados en que se divide.

285

 Gramaje: Es el peso en gramo del papel por metro cuadrado. Un papel de 70-90 gr, se considera un papel de uso cotidiano. De 90-120 gr. se considera un papel más grueso que el anterior y podemos encontrarlo en un terminado mate o brillante. De 120-170 gr. se considera un papel grueso o cartulina.

Y de 170-260 gr. es considerado como un papel de alto gramaje.  Grosor: Es la distancia que existe entre las dos caras del papel.

286

I L

 Indeleble: Que no se quita ni se borra.  Laqueada/o: Barnizado o cubierto con laca.  Lettering: Es el arte de dibujar letras, porque se utiliza para ilustrar de cierta manera una información.

 Léxico: Conjunto de palabras de un idioma, el vocabulario de una región, actividad o campo semántico.  Lino: Materia textil que se casa del tallo del árbol del lino.

M

 Maleabilidad: Es la propiedad que presentan los materiales a los cuales se le puede dar otra forma, sin que se rompa o destruya.  Metonimia: Palabra que consiste en designar algo con el nombre de otra cosa, tomando el efecto por la causa o viceversa, un autor por las obras, el signo por el significado, etc.

P

 Pasta mecánica: Es el papel que se fabrica a partir de la mezcla de madera con agua, la cual es sometida a una intensa fricción y trituración hasta obtener una pasta de celulosa.

287

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 Pasta química: Es el papel que se fabrica con elementos químicos que separa la celulosa de las partes no útiles de la madera.  Pigmento: Material que se usa en la pintura para dar color.  Píxeles: Un píxel (unidad física) es un punto cuadrado o rectangular que se utiliza para definir a la parte más pequeña de una pantalla. Gracias al conjunto de píxeles de diferentes colores, se forman las imágenes en las pantallas.  Plumbago: Mineral de color negro y metálico, formado por un carbono cristalizado que se emplea para fabricar la mina de un lápiz grafito.  Polipropileno: Es un plástico ligero muy resistente al calor, disolventes orgánicos y agentes químicos activos, pero sensible a la luz solar. Este plástico se utiliza para la fabricación de los tubos de los lápices pasta.

S

 Sexagesimal: Referente a un sistema de numeración que tiene como base la división de la unidad en sesenta partes iguales.  Soluble: Que puede disolverse.

V

 Veladura: Consiste en capas muy delgadas de pintura, de forma que se trasparente la capa inferior y lograr suavizar y dar ambiente a la mezcla de color base en el soporte. Este es el último paso, pues es necesario que la capa inferior esté completamente seca.  Viscosidad: Es una de las principales características de los líquido y se refiere a la resistencia que poseen algunos líquidos durante su fluidez y deformación.

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Universidad de Concepciรณn Facultad de Educaciรณn Enero, 2021.