Y.ES is an initiative of The Robert S. Wennett and Mario Cader-Frech Foundation. Y.ES es una iniciativa de La Fundación Robert S. Wennett y Mario Cader-Frech.
yescontemporary.org
Foreword: Mario Cader-Frech
Prefacio: Mario Cader-Frech
Y.ES Contemporary
All Things Salvadoran Art - Todo Sobre Arte Salvadoreño
Mario Cader-Frech
Founder of Y.ES Contemporary
Founding Council
Adriana Cisneros de Griffin, Beatriz Cortez, Carolina Alvarez-Mathies, Claire Breukel, Gabriela Poma, Mario Cader-Frech, Robert S. Wennett, Simón Vega.
Y.ES Team
Omar Lopez-Chahoud, International Director Patricio Majano, Programming Director
About Y.ES Contemporary
Sixteen years ago I was visiting the Venice Biennial with Tom Healy and Amy Cappellazzo, and they shared critical advice with me… support art in your home country not only by buying work from artists, but by championing programs that help foster their creativity, so they too can participate in these types of art events. Heeding this advice I went to work developing exhibitions, talks and workshops, residencies and art trips to El Salvador.
An initiative of The Robert S. Wennett and Mario Cader-Frech Foundation, Y.ES creates opportunities for outstanding Salvadoran contemporary artists to advance their artistic practice and en-gage with artists, curators, collectors, gallerists and the media within and outside El Salvador.
Concejo Fundador
Adriana Cisneros de Griffin, Beatriz Cortez, Carolina Alvarez-Mathies, Claire Breukel, Gabriela Poma, Mario Cader-Frech, Robert S. Wennett, Simón Vega.
Equipo de Y.ES
Omar Lopez-Chahoud, Director Internacional Patricio Majano, Director de Programación
Acerca de Y.ES Contemporary
Hace dieciséis años visitaba la Bienal de Venecia con Tom Healy y Amy Cappellazzo, y compartieron unos consejos críticos conmigo… apoye el arte en su país de origen no solo comprando obras de artistas, sino también promoviendo programas que ayuden a fomentar su creatividad, para que ellos también puedan participar en este tipo de eventos artísticos. Siguiendo este consejo, fui a trabajar desarrollando exposiciones, charlas y talleres, residencias y viajes de arte a El Salvador.
Una iniciativa de La Fundación Robert S. Wennett and Mario Cader-Frech, Y.ES crea oportunidades para artistas contemporáneos salvadoreños sobresalientes de avanzar en su práctica artística y colaborar con artistas, curadores, coleccionistas, galeristas y el medio artístico, dentro y fuera de El Salvador.
Y.ES Contemporary Art Loan Program
YES Contemporary Art Loan Program
With work from the Mario Cader-Frech Collection
In 2018, Mario Cader-Frech made his collection of contemporary Salvadoran art available for exhibition loan. The collection includes installations, sculptures, paintings, videos, and more, by El Salvador’s best known artists living in El Salvador and abroad.
El Programa de Préstamos de YES Contemporáneo Con trabajo de la Colección Mario Cader-Frech
En el 2018, Mario Cader-Frech puso su colección de arte salvadoreño contemporáneo disponible para préstamo de exhibición. La colección incluye instalaciones, esculturas, pinturas, videos y más, de los mejores artistas de El Salvador que viven en El Salvador y en el extranjero.
YES Art Trip 2017. Photo credit Walterio Iraheta. Créditos fotográficos Walterio Iraheta.
How to loan
Cómo hacer un préstamo
Who is eligible to apply for a loan?
Loans are available to established galleries, foundations and museums. Loans to individuals will be considered with evidence of exhibition infrastructure.
How much does a loan cost?
All artwork is crated and ready to ship. YES charges a $200 administration fee per artwork on loan, and a $100 fee per video work. Applicants cover all transport and insurance costs from the time the work leaves YES to the time of return.
How do I apply for a loan?
Download the loan application form from yescontemporary.org/loan
Complete the form and email it to YES Director Claire Breukel at claire@yescontemporary.org
Your form will be revised by YES council and staff within two weeks of the application being submitted.
What material is available?
With all approved loans, YES will provide a packet of information including the artist’s biography in English and Spanish, an artwork description, the artist portfolio, and more.
¿Quién es elegible para solicitar un préstamo?
Los préstamos están disponibles para galerías, fundaciones y museos establecidos. Los préstamos a individuos se considerarán con evidencia de infraestructura de exhibición.
¿Cuánto cuesta un préstamo?
Todas las ilustraciones están embaladas y listas para enviar.
YES cobra una tarifa de administración de $200 por obra de arte en préstamo, y una tarifa de $100 por video.
Los solicitantes cubren todos los costos de transporte y seguro desde el momento en que el trabajo deja las instalaciones de YES hasta el momento del regreso.
¿Cómo solicito un préstamo?
Descargue el formulario de solicitud de préstamo en yescontemporary.org/loan
Complete el formulario y envíelo por correo electrónico a Claire Breukel, directora de YES, al correo claire@yescontemporary.org
Su formulario será revisado por el consejo y el personal de YES dentro de las dos semanas posteriores a la presentación de la solicitud.
¿Qué material está disponible?
Con todos los préstamos aprobados, YES proporcionará un paquete de información que incluye la biografía del artista en inglés y español, una descripción de la obra de arte, la cartera de artistas y más.
Abigail Reyes
Sí Señor
Abigail Reyes
Sí Señor
Albertine Stahl
Index
Índice
José David Herrera
Oso
Fredy Solan
Graffitti Is Nothing
Karlos Cárcamo
The Wall Comes with Me
Falso Paisaje
Albertine Stahl
Falso Paisaje
Alexia Miranda
Alexia Miranda
Imágenes Contemplativas I y II
Imágenes Contemplativas I y II
Beatriz Cortez
Beatriz Cortez
Black Mirror
Black Mirror
A Concrete Movement (I – V)
Through a horizon without a body
Guadalupe Maravilla
Melissa Guevara
Anthropometry
Performance in the Center of the world
Disease Thrower #4
Ronald Morán
Boom Boom Man
Break in Case of Emergency
Crossing the Border
En el laberinto de hilo
El Fantástico
Crack Rodríguez
Crack Rodríguez
La Trinidad
La Trinidad
Recetario del Hambre
VW Neutropolitan Attack
Ernesto Bautista
Theorem of Dislocation
Epifanía Dialéctica
Lines
Massas
BB & Deja BB
Superstition Avidity
Fredy Solano
Elmer Guevara
The Wall Comes with Me
Last Days in the Flop
Graffitti Is Nothing
Ernesto Bautista
Through a horizon without a body
Massas
Epifanía Dialéctica
Guadalupe Maravilla
New Promises
Performance in the center of the
World, Times Square
The Grandmother
Toy Room
His Return
Simón Vega
Karlos Cárcamo
Gémini Duplex Chanti Capsule
A Concrete Movement (Thriller)
Rocket Bar
Kevin Umaña
Verónica Vides
Mending the Whole
A Peso
Mayra Barraza
La Barrida
Rolling Heads
Walterio Iraheta
Mauricio Esquivel
Lección de Vuelo #6
Untitled, from the Lines of Displacement series
FarAway Brothers Style
Horizonte
Melissa Guevara
Anthropometry
Natalia Domínguez
Por Venir
Rafael Díaz
Once Upon a Time
Ronald Morán
En el laberinto de hilo
Options to scape to a safest side
Break in Case of Emergency
Simón Vega
Gémini Duplex Chanti Capsule
Outerspace Colonial Tropical Suit
Rocket Bar
Sputnik Venezia-Candelaria
Guarde su distancia
Studio Lenca
Chisme
I had a dream I drank some
Kolashampan
The Fire Theory
The Game
Verónica Vides
La Barrida
A Peso
Walterio Iraheta
Lección de Vuelo #6
Horizonte, de la serie Escala de Valores
Walterio Iraheta & José David
Herrera
Shall We Dance
ABIGAIL REYES
Abigail Reyes
Sí Señor (Yes Sir), 2014-2015
Video Duration: 4 min 33 sec
Sí Señor, 2014-2015
Video
Duración: 4 min 33 seg
About the work - Acerca del trabajo
Abigail Reyes splices together excerpts from a variety of Telenovelas (Spanish-language soap operas produced primarily in Latin America), featuring female characters uttering the words “sí señor (yes sir)”. Depicted within the work place, almost exclusively in the role of secretaries or personal assistants to central male characters, these women reflexively respond to every situation with the same “sí señor (yes sir)”, albeit with different expressions and voice tonalities. The result is an avalanche of repetitive agreement that at first sounds humorous, then absurd, meaningless and even ominous. Through this evolution of emotion, Reyes repositions these secondary female characters as subjects, highlighting the degree to which their roles prescribe to gender stereotypes.
Abigail Reyes reúne extractos de una variedad de Telenovelas (producidas principalmente en América Latina), con personajes femeninos que pronuncian las palabras “sí señor”. Representadas en el lugar de trabajo, casi exclusivamente en el papel de secretarias o asistentes personales de personajes masculinos centrales, estas mujeres responden reflexivamente a cada situación con el mismo “sí señor “, aunque con diferentes expresiones y tonalidades de voz. El resultado es una avalancha de acuerdos repetitivos que al principio suena cómico, luego absurdo, sin sentido y hasta siniestro. A través de esta evolución de la emoción, Reyes reposiciona a estos personajes femeninos secundarios como sujetos, resaltando el grado en que sus roles prescriben los estereotipos de género.
Artist Biography - Biografía de la Artista
Abigail Reyes (San Salvador, 1984) is a visual artist and poet. Reyes has held solo exhibitions at the Museum of Art of El Salvador (MARTE); Poporopo Alternative Project, Guatemala City, Guatemala; Lokkus Contemporary Art Gallery, Medellin, Colombia; Extra Gallery, Guatemala City, Guatemala; Manzanita Hall Gallery California State University Northridge, USA, the Museum of Art and Design, San Jose, Costa Rica, among others.
She has participated in group exhibitions at the Museo Jumex, Mexico City, Mexico; Sies + Höke Gallery in Düsseldorf, Germany; the Palais de Tokyo in Paris, France; TEOR/éTica in San José, Costa Rica; the Taimiao Art Gallery in Beijing, China; Städtisches Galerie Wolfsburg, Germany; Context Miami, USA; Cinema Tonalá, Bogota, Colombia; Alternative Project, Guatemala City, Guatemala; National Room, San Salvador, El Salvador; Lokkus Contemporary Art Gallery, Medellin, Colombia; Cultural Center of Spain, San Salvador, El Salvador. She lives and works in La Libertad, El Salvador.
Abigail Reyes (San Salvador, 1984) es una artista visual y poeta. Reyes ha realizado exposiciones individuales en el Museo de Arte de El Salvador (MARTE); Proyecto Alternativo Poporopo, Ciudad de Guatemala, Guatemala; Galería de Arte Contemporáneo Lokkus, Medellín, Colombia; Galería Extra, Ciudad de Guatemala, Guatemala; Manzanita Hall Gallery California State University Northridge, EE. UU., El Museo de Arte y Diseño, San José, Costa Rica, entre otros.
Ha participado en exposiciones colectivas en el Museo Jumex, Ciudad de México, México; Galería Sies + Höke en Düsseldorf, Alemania; el Palacio de Tokio en París, Francia; TEOR/éTica en San José, Costa Rica; la Galería de Arte Taimiao en Beijing, China; Städtisches Galerie Wolfsburg, Alemania; Context Miami, USA; Cine Tonalá, Bogotá, Colombia; Proyecto Alternativo, Ciudad de Guatemala, Guatemala; Salón Nacional, San Salvador, El Salvador; Galería de Arte Contemporáneo Lokkus, Medellín, Colombia; Centro Cultural de España, San Salvador, El Salvador. Vive y trabaja en La Libertad, El Salvador.
ALBERTINE STAHL
Falso Paisaje (False Landscape), 2018
Mixed media on canvas
Top left 63 x 74.8 inches
Top right 63 x 55.11 inches
Bottom left 47 1/4 x 47 1/4 inches
Bottom center 47 1/4 x 47 1/4 inches
Bottom right 58 1/4 x 58 1/4 inches
Falso Paisaje, 2018
Técnica mixta sobre lienzo
Superior izquierda 63 x 74.8 pulgadas
Superior derecha 63 x 55.11
Abajo a la izquierda 47 1/4 x 47 1/4
Centro inferior 47 1/4 x 47 1/4
Abajo a la derecha 58 1/4 x 58 1/4
Albertine Stahl
About the work - Acerca del trabajo
Albertine Stahl is fascinated by the compositions of tragic imagery perpetuated in social media, on screen and in print. Appropriating these compositional patterns, Albertine Stahl montages 3-dimensional models from multiple “perspectives” of natural and human disasters. She then re-translates this imagery to canvas incorporating the shadows, folds and flows of the montages on to the flat surface to mimic narrative structures found in comics, movies and popular media. Yet, her paintings are deceptive in their simultaneously playful textures and seductively sweet hues resulting in an attraction and repulsion akin to that of witnessing a tragedy one cannot look away from. Furthering this sense of play, Falso Paisaje comprises five canvases that can be hung in different configurations, offering endless possibilities and renewed reading on these dioramas of disaster.
Albertine Stahl está fascinada por las composiciones de imágenes trágicas perpetuadas en las redes sociales, en la pantalla y en impresión. Al apropiarse de estos patrones compositivos, Albertine Stahl monta modelos tridimensionales desde múltiples “perspectivas” de desastres naturales y humanos. Luego, vuelve a traducir esta imagen al lienzo incorporando las sombras, pliegues y flujos de los montajes en la superficie plana para imitar las estructuras narrativas encontradas en cómics, películas y medios populares. Sin embargo, sus pinturas son engañosas en sus texturas, a la vez que juguetonas, y en tonalidades seductoramente dulces, lo que resulta en una atracción y repulsión similar a la de presenciar una tragedia de la que uno no puede dejar de mirar. Más allá de este sentido del juego, Falso Paisaje consta de cinco lienzos que se pueden colgar en diferentes configuraciones, que ofrecen infinitas posibilidades y lecturas renovadas en estos dioramas de desastres.
Artist Biography - Biografía de la Artista
Albertine Stahl (San Salvador, NA) is a visual artist. She studied painting at the University of El Salvador from 2006-2011. She is a two-time recipient of the EspIRA La Espora workshop scholarship in Nicaragua, and in 2010, she was awarded a scholarship for the Visions of Art program in Berlin, Germany. In 2016, she was selected for the X Central American Biennial in San Jose, Costa Rica. That same year, she presented her first solo exhibition Cuando estallan, las luces nos subliman at TEOR/éTica in San Jose, Costa Rica. In 2018, Stahl was a resident artist at The Fountainhead in Miami, USA, and participated in the year-long Zona Seis residency program at the Galería Luis Adelantado, Mexico City, Mexico.
Stahl has been published in the Mexican magazine Terremoto, as well as the Costa Rican publications Vacío and Ola. Her artwork is in the EspIRA La Espora collection in Nicaragua, and in private collections in El Salvador, Panama, Barcelona, Costa Rica and Colombia.
Currently, Stahl is manager and cofounder of Varios Artistas, a space dedicated to promoting local and regional art in San Jose, Costa Rica. In addition, she develops art workshops for the Contemporary Museum of Art and Design in San Jose, Costa Rica, where she lives and works.
Albertine Stahl (San Salvador, NA) es una artista visual. Ella estudió pintura en la Universidad de El Salvador de el 2006 al 2011. Recibió dos veces una subvención del taller EspIRA La Espora en Nicaragua, y en 2010, recibió una subvención para el programa Visions of Art en Berlín, Alemania. En 2016, fue seleccionada para la X Bienal Centroamericana en San José, Costa Rica. Ese mismo año, presentó su primera exposición individual Cuando estallan, las luces nos subliman en TEOR/éTica en San José, Costa Rica. En el 2018, Stahl fue un artista residente en The Fountainhead en Miami, EE.UU., Y participó en el programa de residencia Zona Seis por un año en la Galería Luis Adelantado, Ciudad de México, México.
Stahl ha sido publicada en la revista mexicana Terremoto, así como en las publicaciones costarricenses Vacío y Ola. Su obra de arte está en la colección EspIRA La Espora en Nicaragua, y en colecciones privadas en El Salvador, Panamá, Barcelona, Costa Rica y Colombia.
Actualmente, Stahl es gerente y cofundadora de Varios Artistas, un espacio dedicado a promover el arte local y regional en San José, Costa Rica. Además, desarrolla talleres de arte para el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo en San José, Costa Rica, donde vive y trabaja.
ALEXIA MIRANDA
Imágenes Contemplativas I y II
(Contemplative Images I and II), 2009
Video diptych
Duration: I= 3:49 min II= 3:25 min
Imágenes Contemplativas I y II, 2009
Video díptico
Duración: I= 3:49 min II= 3:25 min
Alexia Miranda
Imágenes Contemplativas I
Imágenes Contemplativas II
About the work - Acerca del trabajo
Imágenes Contemplativas I y II is a split screen video depicting the artist endlessly peeling an onion juxtaposed with an action of her floating in a lake eventually submerging in the water.
In the first screen, the artist uses the act of peeling as a metaphorical gesture signifying the removal of layers of memories and emotions within her person. It is not incongruent that she has chosen to peel an onion, a vegetable that induces tears, and the act of peeling can be read as a cathartic liberation or letting go. Continuing the metaphor of washing away past memories and emotions, in Imágenes contemplativas II the artist enters a lake carrying the onion peelings in her long white dress and in a basket. She empties the peelings in to the lake and they wash away as she too enters the cleansing water.
Combining performance and film, the work documents a solitary ritual which comes to fruition with the artist floating on the water, becoming one with the landscape and suggesting achieved peace.
Imágenes Contemplativas I y II es un video de pantalla dividida que representa a la artista pelando una cebolla sin cesar yuxtapuesta con una acción de ella flotando en un lago y finalmente sumergiéndose en el agua.
En la primera pantalla, la artista utiliza el acto de pelar como un gesto metafórico que significa la eliminación de capas de recuerdos y emociones dentro de su persona. No es incongruente que ella haya elegido pelar una cebolla, un vegetal que produce lágrimas, y el acto de pelar se puede leer como una liberación catártica o dejarlo ir. Continuando con la metáfora de lavar recuerdos y emociones pasadas, en Imágenes contemplativas II, la artista ingresa a un lago llevando las cáscaras de cebolla en su largo vestido blanco y en una canasta. Ella vacía las cáscaras en el lago y se lavan cuando ella también entra en el agua de limpieza.
Combinando performance y cinematografía, el trabajo documenta un ritual solitario que se realiza con la artista flotando en el agua, convirtiéndose en una con el paisaje y sugiriendo la paz alcanzada.
Artist Biography - Biografía de la Artista
Alexia Miranda (San Salvador, El Salvador, 1975) studied Humanities, Contemporary Dance, Plastic Arts, Transpersonal Psychology and Psycho-corporeal Language. Her work has been exhibited at the MARTE Museum in El Salvador, MADC Museum in Costa Rica, MAM Museum in Santo Domingo 2008, Hard Core Contemporary Space, Miami, 2008. IV Central American Film and Video Exhibition II Ventana a Iberoamérica, Nicaragua 2011. Participated in the Espacio de Iniciarte, Sevilla- Spain “Nature Intervened” 2008; selected at the IV Inter-American Biennial of Video Art of the IDB in Washington 2008, Instituto Italo-Latino Americano, Rome 2009 and at the Santa Fe International Film Festival in Bogotá Colombia 2009, Performance DEFORMES International Biennial, Chile 2010, BAVIC Central American Biennial (2008 Honduras), (2012 Panama), (2016 Costa Rica), as well as the “Miami International Performance Festival” 2012 and the selection of EJECT International Video Performance Festival of Mexico City, Ex Teresa Arte Actual México DF. “Month Of Performance Art Berlin 2013” Gallery Meinblau, “MANIFEST” invited by the Hemispheric Institute of Policies and Performance of The Americas, Montreal, 2014. Selected in FUSO, Annual International Video Art of Lisboa 2017 and in “Pacific Standard Time”, Live Art LA / LA REDCAT, Los Angeles, U.S.A 2018. “PROJECTOR” Art Video Festival Madrid, 2018, XXI Biennial of Art Paiz “Más Allá” Guatemala, 2018 curated by Gerardo Mosquera.
She is Founder of Catapult Multidisciplinary Cultural Platform, lives and works in El Salvador as a professor and teaches alternative artistic training workshops in different institutions and within vulnerable communities.
Alexia Miranda (San Salvador, El Salvador, 1975) estudió Humanidades, Danza Contemporánea, Artes Plásticas, Psicología Transpersonal y Lenguaje Psicocorporal. Su trabajo ha sido expuesto en el Museo MARTE de El Salvador, Museo MADC de Costa Rica, Museo MAM de Santo Domingo 2008, Hard Core Contemporary Space, Miami, 2008. IV Muestra de Cine y Video Centroamericano II Ventana a Iberoamérica, Nicaragua 2011. Participó en el Espacio de Iniciarte, Sevilla- España “Naturaleza Intervenida” 2008; seleccionada en la IV Bienal Interamericana de Videoarte del BID en Washington 2008, Instituto Italo-Latino Americano, Roma 2009 y en el Festival Internacional de Cine de Santa Fe en Bogotá Colombia 2009, Bienal Internacional de Performance DEFORMES, Chile 2010, Bienal Centro Americana BAVIC ( 2008 Honduras), ( 2012 Panamá), (2016 Costa Rica), así como en el “Miami International Performance Festival” 2012 y en la selección de EJECT Festival internacional de Video Performance de la Ciudad de México, Ex Teresa Arte Actual México D.F. “Month Of Performance Art Berlin 2013” Gallery Meinblau, “MANIFEST” invitada por el Instituto Hemisférico de Políticas y Performance de Las Américas, Montreal, 2014. Seleccionada en FUSO, Anual de Videoarte Internacional de Lisboa 2017 y en “Pacific Standard Time”, Live Art LA/LA REDCAT, Los Ángeles, U.S.A 2018. “PROYECTOR” Festival de Video Arte Madrid, 2018, XXI Bienal de Arte Paiz “Más Allá” Guatemala, 2018 curada por Gerardo Mosquera.
Es Fundadora de Catapulta Plataforma Cultural Multidisciplinaria, vive y trabaja en El Salvador como catedrática e imparte talleres de formación artística alternativa en diferentes instituciones y dentro de comunidades vulnerables.
BEATRIZ CORTEZ
Black Mirror, 2016 Steel, automobile paint, zip ties, sound installation with found audio recording 12 x 8 x 12 feet
Black Mirror, 2016 Acero, pintura para automóviles, abrazaderas, instalación de sonido con grabación de audio encontrada 12 x 8 x 12 pies
Beatriz Cortez
Photo credit James MacDevitt. Créditos fotográficos James MacDevitt.
About the work - Acerca del trabajo
Black Mirror explores themes of labor through the context of a vocational school, which intersects with working class and immigrant workers. A prefabricated shell-like structure, evoking Buckminster Fuller’s designs, is bound together with cable ties. The interior forms a sound chamber, while the black sections on the exterior evoke a black mirror mosaic, like the large obsidian mirrors used in ancient Mesoamerica to foretell people’s destiny. Echoing the voice of Arthur Toogood, an educational salesman trying to convince people to join a trade school with lines such as “You can be a great carpenter,” the sound installation advertises blue-collar jobs with an overly excited tone. As if embodying the double edge irony of these educational opportunities, the black mirror simultaneously reflects and absorbs, accepts and resists, luring unsuspecting candidates with an offer of utopic shelter and safety.
Black Mirror explora los temas del trabajo a través del contexto de una escuela vocacional, que se cruza con la clase trabajadora y los trabajadores inmigrantes. Una estructura prefabricada en forma de concha, que evoca los diseños de Buckminster Fuller, está unida por ataduras de cables. El interior forma una cámara de sonido, mientras que las secciones negras en el exterior evocan un mosaico de espejo negro, como los grandes espejos de obsidiana utilizados en la antigua Mesoamérica para predecir el destino de las personas. Haciéndose eco de la voz de Arthur Toogood, un vendedor educativo que trata de convencer a la gente de unirse a una escuela de comercio con líneas como “Puedes ser un gran carpintero”. La instalación de sonido anuncia trabajos manuales con un tono excesivamente excitado. Como si encarnaran la doble ironía de estas oportunidades educativas, el espejo negro simultáneamente refleja y absorbe, acepta y resiste, atrayendo a candidatos desprevenidos con una oferta de refugio utópico y seguridad.
Artist Biography - Biografía de la Artista
Beatriz Cortez (El Salvador, 1970) is an artist and scholar. She was born in El Salvador and has lived in the United States since 1989. She holds an MFA from the California Institute of the Arts, and a PhD in Latin American literature from Arizona State University. In her work, she explores simultaneity as well as different temporalities and modernities, particularly in relation to memory and loss in the aftermath of war and the experience of migration, and in relation to imagining possible futures.
In 2016, Cortez received the California Community Foundation Fellowship for Visual Artists, and in 2018, was awarded the Rema Hort Mann Foundation Fellowship for Emerging Artists. Cortez lives and works in Los Angeles, USA.
Beatriz Cortez (El Salvador, 1970) es una artista y erudita. Ella nació en El Salvador y ha vivido en los Estados Unidos desde 1989. Ella tiene un MFA del Instituto de Artes de California y un PhD en literatura latinoamericana de la Universidad Estatal de Arizona. En su trabajo, ella explora la simultaneidad así como también diferentes temporalidades y modernidades, particularmente en relación con la memoria y la pérdida después de la guerra y la experiencia de la migración, y en relación a imaginar futuros posibles.
En el 2016, Cortez recibió la beca de la Fundación Comunitaria de California para Artistas Visuales, y en el 2018, fue galardonada con la beca de la Fundación Rema Hort Mann para artistas emergentes. Cortez vive y trabaja en Los Ángeles, Estados Unidos.
CRACK RODRÍGUEZ
La Trinidad (Trinity), 2016
Video
Duration 10 min 24 sec
La Trinidad, 2016
Video
Duración 10 min 24 seg
Crack Rodríguez
About the work - Acerca del trabajo
Documenting an action, La Trinidad shows the artist Crack Rodríguez moving three books along a busy highway using water from a hose connected to a water tanker driven behind him. The three books—the holy bible, the Salvadoran Constitution and the contested January 16, 1992 Chapultepec Peace Accords—represent ideologies at the core of the social and political situation in El Salvador today. The highway is the Monseñor Romero Boulevard named after a priest whose 1980 murder is said to have greatly escalated the Salvadoran Civil War (1980-1992). An advocate against injustice, the priest’s legacy, along with the significance of the three publications, represents a collective historical narrative the artist carries, or pushes forward, with him.
Documentando una acción, La Trinidad muestra al artista Crack Rodríguez moviendo tres libros a lo largo de una transitada carretera usando agua de una manguera conectada a un camión cisterna de agua conducida detrás de él. Los tres libros, la Santa Biblia, la Constitución salvadoreña y los impugnados Acuerdos de Paz de Chapultepec del 16 de enero de 1992, representan ideologías en el centro de la situación social y política de El Salvador en la actualidad. La autopista es el bulevar Monseñor Romero lleva el nombre de un sacerdote cuyo asesinato en 1980 se dice que intensificó enormemente la Guerra Civil salvadoreña (1980-1992). Un defensor contra la injusticia, el legado del sacerdote, junto con el significado de las tres publicaciones, representa una narrativa histórica colectiva que el artista lleva, o impulsa hacia adelante, con él.
Crack Rodríguez Hunger cookboook, 2014
Performance (Photograph by Fred Ramos)
39.37 x 25.98 inches
Recetario del hambre, 2014
Performance (Fotografía por Fred Ramos)
39.37 x 25.98 pulgadas
About the work - Acerca del trabajo
All you can refeel was a performance piece that took place in 2014, during the presidential elections in El Salvador. At this time, the leftwing party (FMLN) was gaining momentum. The presidential term between 2009-2014 was the first left-wing government for El Salvador. However, despite the fact that the population retained great hope for change, many practices of previous governments were being reproduced. At the same time, the violence crisis was becoming more and more critical.
In this context, the artist Crack Rodríguez carried out this public action at the polling venue, where he ingested part of the ballot paper in order to provoke and question political systems as power structures and voting as an effective way for citizens to participate in politics. The performance approaches the body from a fragile dimension in front of the structures of power and at the same time as a vehicle with agency capable of expressing discontent and anger.
The artist referenced experiences easely identifiable by the population and made use of direct language. Therefore, this performance made great impact on the perception of voters. As a result, Crack Rodríguez had to face and overcome a legal process when he was charged by the government for electoral fraud. Nevertheless, this action became an emblematic image that captured the political context of the moment in El Salvador.
All you can refeel, se sitúa en el año 2014, periodo elecciones presidenciales en El Salvador. En este momento el país atravesaba un periodo de resurgimiento de la izquierda en el poder. El período presidencial comprendido entre 2009-2014 fue el primer gobierno de izquierda para El Salvador, sin embargo, a pesar de que la población conservaba mucha esperanza por el cambio, muchas prácticas de gobiernos anteriores siguieron reproduciéndose, al mismo tiempo que la crisis de violencia se agudizaba cada vez más.
En este contexto, el artista Crack Rodríguez realizó esta acción pública en las elecciones presidenciales, en la que ingirió parte de la papeleta de votación con el fin de provocar y cuestionar los sistemas políticos como estructuras de poder y al voto como una forma efectiva para la población de ejercer política. El performance abordó el cuerpo desde una dimensión frágil ante los sistemas de poder y al mismo tiempo como vehículo con agencia de cambio para expresar inconformidad y rabia.
El artista partió de experiencias cercanas a la población e hizo uso de un lenguaje directo, por lo que este performance logró un gran impacto en la percepción de los votantes. Como resultado, Crack Rodríguez tuvo que enfrentar y superar un proceso legal al ser acusado por el gobierno con el delito de fraude electoral. No obstante, esta acción se convirtió en una imagen emblemática que capturó el contexto político del momento en El Salvador.
Crack Rodríguez Theorem of Dislocation, 2013
Documentation of performance
C-Print
22 x 31.5 inches
Teorema de la Dislocación, 2013 Documentación del performance Impresión C
22 x 31.5 pulgadas
About the work - Acerca del trabajo
This performance took place during an annual protest march in San Salvador, commemorating and demanding justice for the massacre of students that took place on July 30, 1975, in the prelude to El Salvador’s Civil War (19801992) during a protest organized by students from the University of El Salvador. In the performance, Rodriguez destroys a desk in the middle of the march, in front of a bonfire created by the demonstrators.
The action creates links between violence, education and Salvadoran history. This associations are not only present in this historical event, but in the pedagogical methodologies and educational politics implemented in El Salvador, that use violence and repression to establish a power hierarchy between the students and authority.
Esta acción pública de Rodríguez tuvo lugar durante una marcha que se realiza anualmente en San Salvador conmemorando y pidiendo justicia por una masacre que tuvo lugar el 30 de julio de 1975 en la antesala de la Guerra Civil de El Salvador (1980-1992) durante una marcha organizada por estudiantes de la Universidad de El Salvador. En el performance, Rodríguez destruye un pupitre en medio de la marcha, y frente a una hoguera creada por los manifestantes.
La acción crea vínculos entre la violencia y la educación y la historia de El Salvador. Estos vínculos están presentes no solamente en el hecho histórico mencionado, sino en las metodologías pedagógicas y políticas educativas implementadas en El Salvador, que hacen uso de diferentes tipos de violencia y represión para establecer la relación de poder entre estudiante y autoridad.
Crack Rodríguez VW Neutropolittan Attack, 2012
Documentation of performance
C-Print
22 x 31.5 inches
VW Neutropolittan Attack, 2012
Documentación del performance I mpresión-C
22 x 31.5 pulgadas
About the work - Acerca del trabajo
Crack Rodríguez constantly references Salvadoran history, many times through simple but ingenious and powerful gestures.
For this performance, Rodríguez went to Morazán Plaza in Downtown San Salvador, one of the most important and crowded plazas in the city, that is named after one of the most important politicians of the region, Francisco Morazán, who ruled the extinct Federal Republic of Central America (1830-1834, 1835-1838). This square has been the venue for marches and protests throughout the recent history of El Salvador.
In the plaza, Rodríguez asked bystanders for help to roll a Volkswagen Beetle —the people’s car— on its side, emulating actions performed by demonstrators in protests. This action on itself and isolated from a protests focuses attention on strength through the collectivity: an action that is only possible by spontaneous collaboration between individuals.
Crack Rodríguez aborda constantemente la historia salvadoreña, muchas veces a través de gestos sencillos pero ingeniosos y potentes.
Para este performance, Rodríguez se dirigió a la Plaza Morazán en el Centro Histórico de San Salvador, una de las plazas más importantes y populosas de la ciudad, que conmemora a uno de los políticos más importantes de la región, que fue gobernante de la extinta República Federal de Centro América (1830-1834, 18351838). Esta plaza ha sido sedes de marchas y protestas a lo largo de la historia reciente de El Salvador.
En la plaza, Rodriguez solicitó la ayuda de transeuntes para voltear por la fuerza un Escarabajo Volkswagen —el carro del pueblo— emulando acciones realizadas por manifestantes durante protestas. Esta acción aislada de una protesta centra la atención en la fuerza a través de la colectividad: una acción que es solamente posible por la colaboración espontánea entre individuos.
Crack Rodríguez Lines, 2013
Documentation of performance C-Print 22 x 31.5 inches
Planas, 2013
Documentación del performance
Impresión C 22 x 31.5 pulgadas
About the work - Acerca del trabajo
In a classroom, the artist repeats 100 times the fall from a desk. The repetition of a painful action is linked to the use of calligraphic as a didactic method in El Salvador. Rodríguez is interested in emphasizing the punitive nature of this method and the assimilation and normalization of violence in learning and the implementation of discipline and order. As in Theorem of Dislocation, Rodríguez is interested in making visible the violence exercised by the state through the educational system.
En un salón de clases, el artista repite 100 veces la caída desde un pupitre. La repetición de una acción dolorosa se vincula a la utilización de la escritura de planas como método didáctico en El Salvador. Rodríguez se interesa en enfatizar el carácter punitivo de este método y la asimilación y normalización de la violencia en el aprendizaje y la implementación de la disciplina y el orden. Al igual que en Teorema de la Desubicación, Rodríguez se interesa por visibilizar la violencia ejercida por el estado a través del sistema educativo.
Crack Rodríguez BB and Deja BB, 2012
Documentation of performance
C-Print
22 x 31.5 inches
BB y Deja BB, 2012
Documentación del performance
Impresión C
22 x 31.5 pulgadas
About the work - Acerca del
trabajo
In this performance, the artist narrates a user’s manual for a BlackBerry cell phone in San Salvador’s main square, Gerardo Barrios Plaza. Just like the preachers who frequent the plaza, Rodriguez vocalizes energetically using a megaphone.
This location is important in Salvadoran history. On March 30, 1980, one of the most significant massacres of Salvadoran civil war occurred there during the funeral of Archbishop Óscar Arnulfo Romero. Shots and explosions caused people to flee in a stampede, resulting in several mortal victims and injured people.
Rodríguez positions himself in front of the Metropolitan Cathedral of San Salvador and the National Palace and occupies this space like a preacher in a temple, acknowledging the history and energy of the place where he is, the symbols present in the space and its links to power, religion and colonialism. On the other hand, he links the excessive use of cell phones and the way in which the aspiration for a social status provided by technology and purchasing power becomes alienating.
En esta acción, el artista recita un manual de usuario de un celular Blackberry en la plaza central de San Salvador, Plaza Gerardo Barrios. Igual que los predicadores que frecuentan la plaza, Rodríguez vocaliza enérgicamente utilizando un megáfono.
Esta locación es importante en la historia de El Salvador. El 30 de marzo de 1980, una de las masacres más relevantes de la guerra civil de El Salvador ocurrió durante los funerales de Monseñor Óscar Arnulfo Romero. Disparos y explosiones causaron que las personas asistentes huyeran en estampida, dando como resultado varias personas heridas y víctimas mortales.
Rodríguez se posiciona en frente de la Catedral Metropolitana de San Salvador y del Palacio Nacional, y ocupa este espacio como un predicador en un templo, reconociendo la historia y energía del lugar donde está, los símbolos presentes en el espacio y sus vínculos con el poder, la religión y el colonialismo. Por otro lado, vincula el uso excesivo de los celulares y la manera en la que la aspiración a un estatus social proporcionado por la tecnología y el poder adquisitivo se vuelve alienante.
Crack Rodríguez Superstition Avidity, 2012
Documentation of performance
C-Print
22 x 31.5 inches
Avidez de Superstición, 2012 Documentación del performance
Impresión C 22 x 31.5 pulgadas
About the work - Acerca del trabajo
The marimba is a representative instrument of Latin American music. It is well known and used in the Central American region to the point of being considered traditional. Rodriguez addresses this history and tradition, and the relation of the instrument with the identity notions of the Latin American states to perform an interpretation that transcends a musical performance and becomes an abrupt union between the artist and the tradition.
Rodriguez uses his body, specifically his head, to percuss the instrument. The self-inflicted impacts can be considered a way of making visible the artist’s conflictive relationship with the history of his region.
La marimba es un instrumento representativo de la música latinoamericana. Es muy conocida y utilizada en la región centroamericana a tal punto de ser considerada tradicional. Rodríguez parte de esta historia y tradición, y de la relación del instrumento con las nociones identitarias de los estados latinoamericanos para realizar una interpretación que abandona lo musical para convertirse en un acto brusco de vinculación entre el artista y la tradición.
Rodríguez utiliza su cuerpo, en específico su cabeza, para percutir el instrumento. Los impactos autoinfligidos pueden ser considerados una forma de visibilizar la conflictiva relación del artista con la historia de su región.
Artist Biography - Biografía del Artista
Crack Rodríguez (El Salvador, 1980) is an artivist, and a founding member of the artist production collective The Fire Theory as well as the movement/collective Los Siempre Sospechosos de Todo. Their practices together and separately are intrinsically related to the social, political and popular culture, and aim to build strong ties with the public where reaction and or participation become a large part of the work.
In 2014, Rodríguez was nominated for the MISOL Foundation Emerging Artist Grant. In 2015, he was a Fellow at the Paul Klee Summer Academy, curated by Hassan Khan, in Bern Switzerland. In 2016, he was selected for the DESPINA Art and Activism in Latin America artist residency in Rio de Janeiro, Brazil, and in 2017, he participated in Open Source Project Art Residence in Brooklyn, USA, as part of The Fire Theory collective.
Rodriguez participated in Landings, curated by Joan Duran, in Merida, the Yucatan/Belize, supporting Rodríguez development in critical and political thinking. In 2017, he spoke at the Creative Time Summit, titled Homeland and Revolution, in Toronto, Canada. Currently, he lives and works in La Libertad, El Salvador.
Crack Rodríguez (El Salvador, 1980) es un artivista y miembro fundador del colectivo de producción de artistas The Fire Theory, así como del movimiento/colectivo Los Siempre Sospechosos de Todo. Sus prácticas juntas y por separado están intrínsecamente relacionadas con la cultura social, política y popular, y apuntan a establecer fuertes lazos con el público donde la reacción, y la participación se convierten en una gran parte del trabajo.
En 2014, Rodríguez fue nominado para la subvención de Artista Emergente de la Fundación MISOL. En 2015, fue miembro de la Academia de Verano Paul Klee, comisariada por Hassan Khan, en Berna, Suiza. En 2016, fue seleccionado para la residencia artística de DESPINA Arte y Activismo en América Latina en Río de Janeiro, Brasil. En 2017 participó en Open Source Project Art Residence en Brooklyn, EE. UU., como parte del colectivo The Fire Theory.
Rodríguez participó en Landings, Curada por Joan Duran, en Mérida, Yucatán/Belice, apoyando el desarrollo del pensamiento crítico y político de Rodríguez. En 2017, él habló en la Conferencia de Creative Time titulada Homeland and Revolution (Patria y Revolución), en Toronto, Canadá. Actualmente vive y trabaja en La Libertad, El Salvador.
ELMER GUEVARA
Elmer Guevara Last Days in the Flop, 2023
Oil and gel transfer on linen
120 x 79 inches
Last Days in the Flop, 2023 Óleo y transferencia de gel en lienzo
304.8 x 200.7 cm
About the work - Acerca del trabajo
Elmer Guevara creates paintings that combine images from his family archive along with memories from his childhood and asolescence. For instance, in Last Last Days In The Flop, the artist represents an abandoned house similar to those he frequented with his childhood friends.
Guevara portrays himself in the composition, surrounded by elements that are linked to his experience as a first generation Salvadoran/ American living in Los Angeles, such a torn Salvadoran flag, or the TV screen showing a clip of the LA-film American Me, a movie known for perpetuating a negative depiction of latino community in the US.
The setting unfolds in a liminal moment, where nostalgia for the past is mixed with decadence, which in turn contrasts with the scene of a construction on the horizon, illustrationg the transformation migrant communities have experienced through the decades.
Elmer Guevara crea pinturas que combinan imágenes de su archivo familiar junto con recuerdos de su infancia y asolescencia. Por ejemplo, en Last Last Days In The Flop, el artista representa una casa abandonada similar a las que frecuentaba con sus amigos de la infancia.
Guevara se retrata a sí mismo en la composición, rodeado de elementos vinculados a su experiencia como salvadoreño/ estadounidense de primera generación que vive en Los Ángeles, como una bandera salvadoreña rota o la pantalla de televisión que muestra un fragmento de la película de Los Ángeles American Me, un Película conocida por perpetuar una representación negativa de la comunidad latina en Estados Unidos.
El escenario se desarrolla en un momento liminal, donde la nostalgia por el pasado se mezcla con la decadencia, lo que a su vez contrasta con la escena de una construcción en el horizonte, que ilustra la transformación que las comunidades de migrantes han experimentado a lo largo de las décadas.
Artist Biography - Biografía del Artista
Elmer Guevara was born and raised in Los Angeles and is currently working bicoastally in New York City. In the 1980s, his parents fled a war-torn El Salvador finding refuge in the City of Angels. Along with South Central’s vibrant energy and the culture his parents brought with them, he became inspired to reflect on his upbringing and the hybridity of cultures. He often constructs narratives by sampling family photos from his youth, reframing compositions that form dialogue about identity and concepts of inter-generational trauma.
Furthermore, he depicts observations from his own and neighboring immigrant families, who dealt with issues of marginalization. Through his teenage years he met with friends, commuting throughout the city on public transit becoming obsessed with exploring the city’s crevices favoring the late nights to paint on walls and highways. This obsession later opened an appreciation for painting and an education in the arts. In 2017, he received a BFA in Drawing and Painting from Cal State University Long Beach and in 2022 an MFA at Hunter College in New York City.
Elmer Guevara nació y creció en Los Ángeles y actualmente trabaja en la ciudad de Nueva York. En la década de 1980, sus padres migraron de El Salvador devastado por la guerra y encontraron refugio en la Ciudad de Los Ángeles. Junto con la vibrante energía de South Central y la cultura que sus padres trajeron con ellos, se inspiró para reflexionar sobre su educación y la hibridación de culturas. A menudo construye narrativas tomando muestras de fotografías familiares de su juventud, replanteando composiciones que forman un diálogo sobre la identidad y los conceptos de trauma intergeneracional.
Además, describe observaciones de las familias inmigrantes vecinas, que se enfrentaron a la marginación. Durante su adolescencia se reunió con amigos, viajó por la ciudad en transporte público y se obsesionó con explorar las grietas de la ciudad, favoreciendo las noches para pintar en paredes y carreteras. Esta obsesión le abrió más tarde el aprecio por la pintura y la educación en las artes. En 2017, recibió una licenciatura en Dibujo y Pintura de Cal State University Long Beach y en 2022 una maestría en Bellas Artes en Hunter College en la ciudad de Nueva York.
ERNESTO BAUTISTA
Massas, 2009
Transparent lighter filled with human blood. Blood has three classes of anticoagulants (heparin, antithrombin and ethylenediaminetetraacetic acid, or EDTA). Massas is based on the concept of ‘the mass’ in the book The Revolt of the Masses (1930) by Spanish philosopher José Ortega y Gasset.
4 x 1 x1/2 inches
Massas, 2009
Encendedor transparente lleno de sangre humana. La sangre tiene tres clases de anticoagulantes (heparina, antitrombina y ácido etilendiaminotetraacético, o EDTA). Massas está basada en el concepto de “La masa” en el libro La Rebelión de las Masas (1930) de filósofo español José Ortega y Gasset.
4 x 1 x 1/2 pulgadas
Ernesto Bautista
About the work - Acerca del trabajo
A single lighter tempts the viewer to activate the flame and burn the red liquid, which is the artist’s blood. By offering his DNA, the artist makes himself vulnerable to a violent action that would in essence extinguish him. Questioning the value of human life within the context of contemporary El Salvador, Massas is both a provocation and a portrait.
Un solo encendedor tienta al espectador a activar la llama y quemar el líquido rojo, que es la sangre del artista. Al ofrecer su ADN, el artista se hace vulnerable a una acción violenta que, en esencia, lo extinguiría. Al cuestionar el valor de la vida humana en el contexto de El Salvador contemporáneo, Massas es tanto una provocación como un retrato.
Ernesto Bautista
Epifanía Dialéctica (Dialectic Epiphany), 2009
Installation with (8x) Five caliber .45 shell casings, M16 1.5W LEDs, batteries and acid engraving
Dimensions Variable
Epifanía Dialéctica, 2009
Instalación con (8x) Cinco casquillos calibre .45, LEDs M16 1.5W, baterías y grabado con ácido
Dimensiones Variables
About the work - Acerca del trabajo
Epifanía Dialéctica consists of scattered AK 47 9mm and 8mm bullet casings—replications handmade by the artist as part of a jewelry workshop in Morelia, Mexico. Instead of appearing ominous, a small light shines from the bullet openings, perhaps signifying hope. Further displacing the associated violent tones of the bullets each is acid engraved with miniscule text which recounts the information on a birth certificate with the only words being legible to the eye: “María del Mar.” A seeming juxtaposition, the glimmers of light and delicate words reconfigure a splay of bullets as an ephemeral constellation.
Epifanía Dialéctica consiste en casquillos de bala AK 47 de 9 mm y 8 mm dispersos- réplicas hechas a mano por el artista como parte de un taller de joyería en Morelia, México. En lugar de parecer siniestro, una pequeña luz brilla desde las aberturas de las balas, lo que quizás signifique esperanza. Desplazando aún más los tonos violentos asociados de las balas, cada uno de ellos está grabado en ácido con un texto minúsculo que cuenta la información en un certificado de nacimiento con las únicas palabras legibles para el ojo: “María del Mar”. Una aparente yuxtaposición, los destellos de luz y las palabras delicadas reconfiguran una extensión de balas como una constelación efímera.
Bautista New Promises, 2016 C-Print 2.00 m x1.30m
Nuevas Promesas, 2016 Impresión C 2.00 m x1.30m
Ernesto
About the work - Acerca del trabajo
Ernesto Bautista works with expanded poetry from and is interested in addressing alternative audiences to those found in traditional spaces of artistic diffusion. In Nuevas Promesas the artist writes the phrase “Aunque sea una frontera, prometo no detenme” on trucks that make the journey from Central America to the United States.
This phrase not only expresses the conviction of the migrants in their journey in search of better opportunities, but also moves on the same road as them, existing ephemerally in these places of transit. The truck is not only a carrier of the work, but also a reference to the economic context that has an impact on local migration phenomenon. Transnational trade and by extension the current economic system causes forces workers from El Salvador and other regions to survive with low wages and unstable conditions that motivate them to migrate.
Ernesto Bautista trabaja con poesía expandida desde su interés por abordar audiencias alternativas a las encontradas en los espacios tradicionales de disusión artística. En Nuevas Promesas el artista escribe la frase “Aunque sea una frontera, prometo no detenerme” en camiones que hacen el recorrido desde Centroamérica hasta Estados Unidos.
Esta frase no solamente expresa la convicción de los migrantes en su viaje en búsqueda de mejores oportunidades, sino que se mueve en el mismpo camino que ellos, existiendo de manera efímera en estos lugares de tránsito. El camión no solamente es portador de la obra, sino que también referencia el contexto económico que repercute en el fenómieno de la migración. El comercio transnacional y por extensión el sistema económico actual relegan a muchos trabajadores de El Salvador y otras regiones a salarios y condiciones precarias que les motivan a migrar.
Artist Biography - Biografía del Artista
Ernesto Bautista (El Salvador, 1987) is an artist and a founding member of the artist production collective The Fire Theory. He has participated in residencies at Beca Mundi at the Flora Ars + Natura in Bogota, Colombia; the ARCUS Project Residency Program in Moriya Ibaraki, Japan; the Shangyuan Art Museum Residency Program in Beijing, China; Residency of the Americas, by the Darling Foundry Centre in Quebec, Canada; and the Residency through the Ministry of Culture of Colombia and Taller 7 in Medellin, Colombia. He was awarded with the Fellowship for Emerging Artists at the Santa Fe Art Institute by the Harpo Foundation, USA.
Bautista’s recent exhibitions include: Dios, Union, Libertad curated by Omar López-Chahoud at Prosjektromnormanns in Stavanger, Norway; at the Hilger BROTKunsthalle in Vienna, Austria; the II Bienal del Sur Pueblos en Resistencia in Caracas Venezuela; X at Museum of Art of El Salvador (MARTE); Broken: Reflejos Íntimos at Ex Teresa Art Arte Actual Museum in Mexico City, Mexico; and ICE at Open Source Gallery in New York, USA. Bautista has been selected for the Sustainable Connections at the Triennial of Milan in Milan, Italy; the VII Biennial of Visual Arts of the Central American Isthmus; and the Biennial of the Frontiers in Tamaulipas, Mexico.
Bautista’s work is part of the Illy Art Collection in Venezia, Italy, and has been featured in various publications including: Editorial Turner, in the essay “Contemporary Languages of Central America” by Luisa Fuentes Guaza; and in the 2014 exhibition book Y.ES Collect Contemporary El Salvador, edited by Claire Breukel and Simón Vega. Bautista lives and works in San Salvador, El Salvador.
Ernesto Bautista (El Salvador, 1987) es un artista y miembro fundador del colectivo de producción de artistas The Fire Theory. Ha participado en residencias en Beca Mundi en Flora Ars + Natura en Bogotá, Colombia; el Programa de residencia del proyecto ARCUS en Moriya Ibaraki, Japón; el Programa de residencia del Museo de Arte Shangyuan en Beijing, China; Residencia de las Américas, por el Darling Foundry Center en Quebec, Canadá; y la Residencia a través del Ministerio de Cultura de Colombia y Taller 7 en Medellín, Colombia. Fue galardonado con la subvención para Artistas Emergentes en el Instituto de Arte de Santa Fe por la Fundación Harpo, EE. UU.
Las exposiciones recientes de Bautista incluyen: Dios, Unión, Libertad curada por Omar López-Chahoud en Prosjektromnormanns en Stavanger, Noruega; en el Hilger BROTKunsthalle en Viena, Austria; la II Bienal del Sur Pueblos en Resistencia en Caracas Venezuela; X en el Museo de Arte de El Salvador (MARTE); Broken: Reflejos Íntimos en Ex Teresa Art Arte Actual Museum en la Ciudad de México, México; e ICE en Open Source Gallery en Nueva York, EE. UU. Bautista ha sido seleccionado para las Conexiones Sostenibles en la Trienal de Milán en Milán, Italia; la VII Bienal de Artes Visuales del Istmo Centroamericano; y la Bienal de las Fronteras en Tamaulipas, México.
La obra de Bautista forma parte de la Colección de Arte Illy en Venecia, Italia, y ha aparecido en varias publicaciones, entre ellas: Editorial Turner, en el ensayo “Lenguas contemporáneas de América Central”, de Luisa Fuentes Guaza; y en el libro de exposiciones 2014 Y.ES Collect Contemporary El Salvador, editado por Claire Breukel y Simón Vega. Bautista vive y trabaja en San Salvador, El Salvador.
FREDY SOLAN
Fredy Solano (Póker)
Graffi ti is Nothing, 2014
Fredy Solan Graffiti is Nothing, 2014
El grafi ti no es nada, 2014
Clear varnish on wall
Clear varnish on wall
Dimensions Variable
Dimensions Variable
Barniz transparente en pared
Dimensiones Variables
El grafiti no es nada, 2014 Barniz transparente en pared Dimensiones Variables
About the work - Acerca del trabajo
Graffiti is Nothing is an artwork derived from a 2014 performance where Fredy Solan ‘tagged’ his artist name, Póker, on an outdoor wall. However, in opposition to the aesthetics and act of marking or “defacing” that is (mis)associated with traditional graffiti and street art, the tag is barely perceptible. Written in clear varnish and fused with the wall, the transparent name is an amiable gesture that points to the temporal nature of graffiti, as well as the precarious nature of being between existing and not existing.
Graffiti is Nothing (El grafiti no es nada) es una obra de arte derivada de una presentación de 2014 donde Fredy Solan “etiquetó” su nombre de artista, Póker, en una pared exterior. Sin embargo, en oposición a la estética y al acto de marcar o “desfigurar” que está (mal) asociado con el grafiti tradicional y el arte callejero, la etiqueta es apenas perceptible. Escrito en barniz claro y fusionado con la pared, el nombre transparente es un gesto amable que apunta a la naturaleza temporal del grafiti, así como a la precariedad de estar entre lo existente y lo que no existente.
Fredy Solano (Póker)
The wall comes with me, 2016
Fredy Solan The wall comes with me, 2016
Photograph
Photograph
86.6 x 58.3 inches
86.6 x 58.3 inches
El muro viene conmigo, 2016 Fotografía
El muro viene conmigo, 2016 Fotografía
86.6 x 58.3 pulgadas
86.6 x 58.3 pulgadas
About the work - Acerca del trabajo
On May 1, 2016, Labor Day in El Salvador, Fredy Solan orchestrated a performance for the X Central American Biennial. Inspired by an archive of photographs of protests held during the Salvadoran Civil War, and taking the form of a demonstration, Solan solicited the help of workers’ unions, street vendors, and volunteers to build a cement brick wall. The wall, comprising individual cement blocks representing each participant in the protest, was positioned across a busy street in historic downtown San Salvador blocking traffic—until such time as the participants knocked it down.
El 1 de mayo de 2016, Día del Trabajo en El Salvador, Fredy Solan organizó un performance para la X Bienal Centroamericana. Inspirado en un archivo de fotografías de protestas durante la Guerra Civil Salvadoreña, y tomando la forma de una manifestación, Solan solicitó la ayuda de sindicatos de trabajadores, vendedores ambulantes y voluntarios para construir un muro de ladrillos de cemento. El muro, compuesto por bloques de cemento individuales que representan a cada participante en la protesta, se colocó en una calle concurrida en el centro histórico de San Salvador bloqueando el tráfico, hasta el momento en que los participantes lo derribaron.
Fredy Solan
Fredy Solano (Póker)
The wall comes with me, 2016
The wall comes with me, 2016
Video
Video
Duration: 18 sec
Duration: 18 sec
El muro viene conmigo, 2016
El muro viene conmigo, 2016
Video
Video
Duración: 18 seg
Duración: 18 seg
Fredy Solano (Póker) Fredy Solan
Through the horizon without a body, 2017
Through the horizon without a body, 2017
Photographs (x6)
Photographs (x6)
35.4 x 47.2 inches
35.4 x 47.2 inches
A través del horizonte sin cuerpo, 2017 Fotografías (x6)
A través del horizonte sin cuerpo, 2017 Fotografías (x6)
35.4 x 47.2 pulgadas
35.4 x 47.2 pulgadas
Fredy Solano (Póker)
Fredy Solan
Through the horizon without a body, 2017
Through the horizon without a body, 2017
Video Duración: 1 min 18 sec
Video Duration: 1 min 18 seconds
A través del horizonte sin cuerpo, 2017
Video
A través del horizonte sin cuerpo, 2017
Duración: 1 min 18 seg
Video Duración: 1 min 18 segundos
About the work - Acerca del trabajo
Winner of the IV Cidade da Cultura de Galicia open call for artist intervention in Galicia, Spain, Through the horizon without a body is a light intervention between the Hedjuk Towers in Galicia Spain. Originated by John Hejduk in 1992 and completed by Peter Eisenman, the towers are a memorial to Hejduk who passed away before their completion. Using nylon threads mathematically positioned to catch the most light, Solan created a translucent “third tower” between the two buildings. Echoing the form of Mount Gáias in Santiago de Compostela in the distance, the color reflection on the threads evolves according to the time of day. Recorded as a timelapse video, and documented in photographs every 4 hours for 24 hours, Solan’s performance offers a solution for utopic possibility—a construction that works in tandem with its environment.
Ganador de la IV Convocatoria abierta para la intervención artística en Galicia, España de la Cidade da Cultura de Galicia, A través del horizonte sin cuerpo es una ligera intervención entre las Torres Hedjuk en Galicia, España. Originadas por John Hejduk en 1992 y completadas por Peter Eisenman, las torres son un monumento a Hejduk que falleció antes de que se completaran. Usando hilos de nylon colocados matemáticamente para atrapar la mayor cantidad de luz, Solan creó una “tercera torre” translúcida entre los dos edificios. Haciéndose eco de la forma del Monte Gáias en Santiago de Compostela en la distancia, la reflexión del color en los hilos evoluciona según la hora del día. Grabado como un video de lapso de tiempo y documentado en fotografías cada 4 horas durante 24 horas, el rendimiento de Solan ofrece una solución para la posibilidad utópica-una construcción que funciona en conjunto con su entorno.
Artist Biography - Biografía del Artista
Fredy Solan started his career in 2006 as a graffiti artist. His current practice is dedicated to the production of site-specific installations and actions within public spaces.
Solan had a solo exhibition Before and After at the Cultural Center of Spain; participated with the work Fusilamiento at the Eclectic Festival of the Arts (FEA); and Graffiti is Nothing at the Festival of Interventions in Public Spaces (ADAPTE), all in San Salvador, El Salvador. In 2015 Solan showed From the tangible to the intangible at VOLUMES in Zürich, Switzerland; and Tropical Taboo, a collective exhibition at Benedictine University, Lisle, USA. He has also been a recipient of the RAPACES residency in Carazo, Nicaragua, and participated in the 2016 X Central American Biennial.
Solan was featured in the 2015 article Salvador: Silent Spring by Luisa Fuentes Guaza; Art adventures with El Museo del Barrio: El Salvador by Rocío Aranda; and in Sites and Citations published by the Cisneros Foundation.
Fredy Solan comenzó su carrera en el 2006 como artista de grafiti. Su práctica actual está dedicada a la producción de instalaciones y acciones específicas del sitio en espacios públicos.
Solan tuvo la exposición individual titulada Antes y Después en el Centro Cultural de España; participó con la obra Fusilamiento en el Festival Ecléctico de las Artes (FEA); y Grafiti no es nada en el Festival de Intervenciones en Espacios Públicos (ADAPTE), todo en San Salvador, El Salvador. En 2015, Solan mostró De lo tangible a lo intangible en VOLUMES en Zürich, Suiza; y Tropical Taboo, una exposición colectiva en la Universidad Benedictina, Lisle, EE. UU. También ha sido beneficiario de la residencia RAPACES en Carazo, Nicaragua, y participó en la X Bienal Centroamericana 2016.
Solan apareció en el artículo de 2015 Salvador: Silent Spring de Luisa Fuentes Guaza; Aventuras artísticas con El Museo del Barrio: El Salvador de Roció Aranda; y en Sitios y Citaciones publicados por la Fundación Cisneros.
GUADALUPE MARAVILLA
Guadalupe Maravilla (formerly Irvin Morazán)
Performance in the Center of the World, 2011
Performed for El Museo Del Barrio’s S-Files Biennial 2011 in Times Square
Photograph 30 x 40 inches
Performance in the Center of the World, 2011
Realizado para S-Files Biennial del Museo del Barrio en Times Square, 2011 Fotografía
30 x 40 pulgadas
About the work - Acerca del trabajo
“Guadalupe arrived in New York in 1984 from El Salvador and the sound in the city was booming. New York City was full of graffiti and there were Ghettoblasters everywhere. Ghettoblasters playing different music all at once trying to be louder than the other. I’m louder than you, you’re even louder than me. It was an urban ritual among the youth. Today, this ritual had been silenced by having the sounds pushed internally by headphones. iPhones playing at the same time, no sound. The sculpture was built in 2009, it has been in over thirty performances and gets modified after every performance allowing it to evolve fluidly.
In Guadalupe’s multidisciplinary work he creates and choreographs fictionalized rituals that incorporate my pre-colonial ancestry, fiction, and autobiography. His work traces the history of displacement and cultural exchange and explores the parallels between ancient cultures and current events and how they get transformed into another version of themselves through the process of hybridization.”
- Guadalupe Maravilla
“Guadalupe llegó a Nueva York en 1984 desde El Salvador y el sonido en la ciudad estaba en auge. La ciudad de Nueva York NYC estaba llena de grafiti y radios por todas partes. Las radios tocando diferente música y a la vez tratando de ser más fuerte que el otro. Soy más ruidoso que tú, eres incluso más fuerte que yo. Fue un ritual urbano entre la juventud. Hoy, este ritual ha sido silenciado al tener los sonidos empujados internamente por los auriculares. iPhones reproduciendo al mismo tiempo, sin sonido. La escultura fue construida en 2009, tenido más de treinta representaciones y se modifica después de cada actuación, lo que le permite evolucionar de forma fluida.
En el trabajo multidisciplinario de Guadalupe crea y coreografía rituales ficticios que incorporan mi ascendencia, ficción y autobiografía pre colonial. Su trabajo rastrea la historia del desplazamiento y el intercambio cultural y explora los paralelos entre las culturas antiguas y los acontecimientos actuales y cómo se transforman en otra versión de sí mismos a través del proceso de hibridación.”
- Guadalupe Maravilla
, 2019
Gong, steel, wood, cotton, glue mixture, plastic, loofah, and objects collected from a ritual of retracing the artist’s original migration route
96 x 57 x 63 inches
Disease Thrower #4, 2019
Gong, metal, madera, algodón, mezcla de pegamento, plástico, lufa, objetos recolectados de un ritual de recorrer la ruta original de migración del artista 96 x 57 x 63 pulgadas
Guadalupe Maravilla Disease Thrower #4
About the work - Acerca del trabajo
Disease Thrower #4 is part of a series of sculptures function as shrines, garments, and musical instruments that the artists utilize in healing ritual sound baths. Maravilla is inspired by his own experience as a cancer survivor, establishing a relationship with healing rituals and non-western medicine practiced in El Salvador, as well as other regions. Maravilla also generates connections with precolonial cultures from a region in El Salvador, formerly known as Kuskatan, by using traditional objects and icons from this culture. Maravilla’s healing rituals are focused on addressing trauma, especially trauma generated by war and migration, and often address minority and undocumented communities in the United States. Maravilla’s work goes beyond its formal aspect as activism that speaks to, for and about vulnerable communities.
Disease Thrower #4 es parte de una serie de esculturas que funcionan como santuarios, prendas e instrumentos musicales que el artista utiliza en rituales curativos sonoros. Maravilla se inspira en su propia experiencia como sobreviviente de cáncer, estableciendo una relación con los rituales de curación y la medicina no occidental practicada en El Salvador, así como en otras regiones. Maravilla también genera conexiones con culturas precoloniales de una región de El Salvador, antes conocida como Kuskatan, mediante el uso de objetos e íconos tradicionales de esta cultura. Los rituales de curación de Maravilla se centran en abordar el trauma, especialmente el generado por la guerra y la migración, y a menudo se dirigen a comunidades minoritarias e indocumentadas en los Estados Unidos. El trabajo de Maravilla va más allá de su aspecto formal, y se establece como activismo que entra en conversación con comunidades vulnerables.
Edition 1/5
Photomural Substrate
To be printed and adhered to the exhibition wall
30 x 40 inches
Boom Boom Man, 2011
Edición 1/5
Sustrato Fotomural
A ser impreso y adherido al muro de exhibición
30 x 40 pulgadas
Irvin Morazán (Guadalupe Maravilla)
Boom Boom Man, 2011
About the work - Acerca del trabajo
Within his prolific practice, Irvin Morazan (Guadalupe Maravilla) readily conflates references across time periods, cultures, and borders defining a visual language that is based on his indigenous/ mestizo background, anthropology, animism, urban subcultures, as well as current affairs. For the performance, Boom Boom Man, Morazan draws an analogy between characteristics of human forms depicted in ancient Mayan murals and that of the bodily movements of contemporary break-dancers. Merging these ancient and contemporary references through a process of hybridization or “mestizaje”, Morazan creates a new amalgam where a headdress, symbol of a fox, gold coloring, camouflage and more, flow between multiple references while also assuming new meaning within his own contemporaneous action. Applied as a poster that is in and of itself a work of art, this substrate photograph adopts both the application of urban poster culture and the immediacy of mural painting.
Dentro de su prolífica práctica, Irvin Morazán (Guadalupe Maravilla) fusiona fácilmente referencias a través de períodos de tiempo, culturas y fronteras, definiendo un lenguaje visual que se basa en su origen indígena/ mestizo, antropología, animismo, subculturas urbanas, así como en temas de actualidad. Para esta acción, Boom Boom Man, Morazán establece una analogía entre las características de las formas humanas representadas en los antiguos murales mayas y las de los movimientos corporales de los bailarines contemporáneos. Fusionando estas referencias antiguas y contemporáneas a través de un proceso de hibridación o “mestizaje”, Morazán crea una nueva amalgama donde un tocado, símbolo de un zorro, coloración dorada, camuflaje y más, fluyen entre múltiples referencias al mismo tiempo que asumen un nuevo significado dentro de su propia acción contemporánea. Aplicada como un cartel que es en sí mismo una obra de arte, esta fotografía de sustrato adopta tanto la aplicación de la cultura del cartel urbano como la inmediatez de la pintura mural.
Crossing the Border, performance, Ruidosa, Texas, 2011
C-Print
20 x 24 inches
Cruzando la Frontera, performance, Ruidosa, Texas, 2011
Impresión C
20 x 24 pulgadas
Irvin Morazán (Guadalupe Maravilla)
About the work - Acerca del trabajo
The topic of immigration is a central theme within Irvin Morazan’s (Guadalupe Maravilla’s) artwork as he himself was undocumented when he first came to the United States as a child. In 2011, in response to this experience and others, Morazan conducted the Crossing the Border performance crossing and recrossing the Rio Grande on the US-Mexico border. Negating camouflage, he did this wearing a large sculptural and reflective headdress to amplify the sunlight. Using the symbol and meaning of the word coyote as a point of inspiration, Morazan draws an analogy between El Coyote, the name given to a person that smuggles illegal immigrants, and its symbolism for Mayan shamans in rituals conducted in Mesoamerican times to signify spiritual transcendence. In these contexts, the El Coyote and the coyote animal share the role of being a conduit for crossing, both physically and metaphysically. Morazan shares that in this performance he wanted to create a “new visual memory for the entangled genealogy of the border crossing stories.”
El tema de la inmigración es un tema central dentro de la obra de arte de Irvin Morazán (Guadalupe Maravilla), ya que él mismo era indocumentado cuando llegó por primera vez a los Estados Unidos cuando era niño. En 2011, en respuesta a esta y otras experiencias, Morazán realizó el performance Crossing the Border cruzando y recruzando el Río Bravo en la frontera entre Estados Unidos y México. Negando el camuflaje, lo hizo usando un gran tocado escultórico y reflectante para amplificar la luz del sol. Usando el símbolo y el significado de la palabra coyote como punto de inspiración, Morazán establece una analogía entre El Coyote, el nombre que se le da a una persona que trafica con inmigrantes ilegales, y su simbolismo para los chamanes mayas en los rituales realizados en la época mesoamericana para significar la trascendencia espiritual. En estos contextos, El Coyote y el animal coyote comparten el papel de ser un conducto para cruzar, tanto física como metafísicamente. Morazán comparte que en esta acción quería crear una “nueva memoria visual para la enredada genealogía de las historias del cruce fronterizo”.
Irvin Morazán (Guadalupe Maravilla)
El Fantástico, 2010
Museo Del Caribe, Barranquilla, Colombia
C-Print
20 x 24 inches
El Fantástico, 2010
Museo del Caribe, Barranquilla, Colombia
Impresión C
20 x 24 pulgadas
About the work - Acerca del trabajo
The photograph of El Fantástico or The Fantastic depicts a performance by Irvin Morazan (Guadalupe Maravilla) that was conducted at the Museo Del Caribe, in Barranquilla, Colombia. Wearing a fantastical headdress with a mask covering his face, Morazan invited audience members to share their personal stories and secrets with this abstract anonymous portrait in exchange for a golden egg. Originated from a tale, the idiom ‘killing the goose that lays the golden eggs’ is a reference to the destruction of a valuable resource, perhaps a metaphor for the destruction of immigrants lives within the United States despite many immigrants offering invaluable labor, knowledge, and cultural resources. Irony-laden and layered with references spanning Pre-Columbian mythology, urban street culture, and more, Morazan sits on a mat posing as a spiritual shaman reading good and evil spirits in an exchange that is purposefully incongruous in its eclectic blurring of cultures, stereotypes, and interpersonal exchange.
La fotografía de El Fantástico o The Fantastic representa un performance de Irvin Morazán (Guadalupe Maravilla) que se llevó a cabo en el Museo del Caribe, en Barranquilla, Colombia. Con un tocado fantástico y una máscara que cubría su rostro, Morazán invitó a los miembros de la audiencia a compartir sus historias y secretos personales con este retrato anónimo abstracto a cambio de un huevo de oro. Originado a partir de un cuento, el modismo “matar la gallina de los huevos de oro” es una referencia a la destrucción de un recurso valioso, tal vez una metáfora de la destrucción de las vidas de los inmigrantes dentro de los Estados Unidos a pesar de que muchos inmigrantes ofrecen mano de obra, conocimiento y recursos culturales invaluables. Cargado de ironía y con capas de referencias que abarcan la mitología precolombina, la cultura callejera urbana y más, Morazán se sienta en una estera haciéndose pasar por un chamán espiritual leyendo buenos y malos espíritus en un intercambio que es deliberadamente incongruente en su ecléctica enredo de culturas, estereotipos e intercambio interpersonal.
The Grandmother, 2010 C-Print 20 x 24 inches
La Abuela, 2010 Impresión C 20 x 24 pulgadas
Irvin Morazán (Guadalupe Maravilla)
About the work - Acerca del trabajo
The figure of a grandmother seated on a wooden chair is poised in a position of listening while wearing a headdress with a yellow deflective facial covering that reflects both the sunlight and the audience’s image.
The figure of a grandmother is seated and meditating while wearing a headdress with a yellow deflective facial covering that reflects water and light. The grandmother wears a headdress consisting of loofas and other objects referring to ancient Mayan feathered serpent deities such as Quetzalcoatl. Serpents slithering and shedding their skin was believed to be the mode by which celestial bodies such as the sun and stars moved across the skies. The Grandmother’s grand towering headdress and shawl-style covering afford her a shaman-esque presence as she sits poised for interaction.
La figura de una abuela sentada en una silla de madera está en posición de escuchar mientras usa un tocado con una cubierta facial deflectora amarilla que refleja tanto la luz del sol como la imagen de la audiencia.
La figura de una abuela está sentada y meditando mientras usa un tocado con una cubierta facial deflectora amarilla que refleja el agua y la luz. La abuela lleva un tocado compuesto por esponjas y otros objetos que hacen referencia a antiguas deidades mayas serpientes emplumadas como Quetzalcóatl. Se creía que las serpientes deslizándose y mudando su piel eran el modo en que los cuerpos celestes como el sol y las estrellas se movían por los cielos. El gran tocado imponente de la abuela y su cubierta estilo chal le brindan una presencia de chamán mientras se sienta lista para interactuar.
Irvin Morazán (Guadalupe
His Return, 2012
Twilight Performance at Untitled Art fair
C-Print
20 x 24 inches
Su Retorno, 2012
Twilight Performance en la Feria de Arte
Untitled Impresión C
20 x 24 pulgadas
Maravilla)
About the work - Acerca del trabajo
A ritualistic performance commissioned for the 2012 Untitled Art Fair in Miami Beach; His Return depicts the artist (formerly known as Irvin Morazan) adorned in camouflaged attire with a large golden headdress. Urban cultural references—a large boom box are sculpted alongside a gold coyote and owl, both ritualistically significant animals within ancient Mayan civilization—adorn the headpiece. Holding a large mirror to the audience the artist poured monster energy drinks over its surface essentially washing the reflections of onlookers with the fueled liquid in an ironic action that references a ritual of pouring water over a subject’s reflection to cleanse the soul. Combining contemporary and ancient references and performing this action using energy drinks, Maravilla creates a hybrid spectacle that highlights the pace of current day living in the context of human values inherent within ancient beliefs and practices.
Un performance ritual comisionado para la Feria de Arte Untitled en 2012 en Miami Beach; His Return muestra al artista (anteriormente conocido como Irvin Morazán) ataviado con un atuendo camuflado con un gran tocado dorado. Referencias culturales urbanas: un gran equipo de sonido está esculpido junto con un coyote dorado y un búho, ambos animales ritualmente significativos dentro de la antigua civilización maya, adornan el tocado. Sosteniendo un gran espejo frente a la audiencia, el artista derramó monstruosas bebidas energéticas sobre su superficie, esencialmente lavando los reflejos de los espectadores con el líquido alimentado en una acción irónica que hace referencia a un ritual de verter agua sobre el reflejo de un sujeto para limpiar el alma. Combinando referencias contemporáneas y antiguas y realizando esta acción utilizando bebidas energéticas, Maravilla crea un espectáculo híbrido que destaca el ritmo de vida actual en el contexto de los valores humanos inherentes a las creencias y prácticas antiguas.
Artist Biography - Biografía del Artista
Guadalupe Maravilla (El Salvador, 1976) is an artist who is formerly known as Irvin Morazán. He adopted his undocumented father’s fake last name, Maravilla, to show solidarity, and as an expression of political empathy. Maravilla utilizes performance, sculpture, and video to explore fictional and autobiographical rituals sparked by current events.
Maravilla’s work has been recognized with numerous awards and fellowships including: a Creative Capital Grant; Joan Mitchell Emerging Artist Grant; Art Matters Grant; VMFA 2017; VCU Fountainhead Fellowship; Dedalus Foundation Fellowship; Cisneros Foundation Travel Grant; and The Robert Mapplethorpe Award for Photography. He has participated in residencies at the LMCC Workspace, SOMA in Mexico City, Mexico, and at the Skowhegan School of Painting and Sculpture, USA.
Maravilla’s performances have been featured New York institutions, The Whitney Museum, The New Museum. The Metropolitan Museum of Art, The Bronx Museum, El Museo Del Barrio and the Jersey City Museum. He has also shown at the Masur Museum of Art in Louisiana, USA, the Caribbean Museum in Colombia, the Museum of Art El Salvador (MARTE) in El Salvador, the Mercosur Biennial in Brazil, the X Central America Biennial in Costa Rica, the XI Nicaragua Biennial in Nicaragua, Performa 11, Performa 13, Saud Haus in Berlin, Vooruit in Belgium, and more. Currently, he works as an Assistant Professor of Sculpture + Extended Media at Virginia Commonwealth University, USA.
Guadalupe Maravilla (El Salvador, 1976) es un artista que anteriormente se conocía como Irvin Morazán. Adoptó el apellido falso de su padre indocumentado, Maravilla, para mostrar solidaridad y como expresión de empatía política. Maravilla utiliza el performance, la escultura y el video para explorar rituales ficticios y autobiográficos provocados por los acontecimientos actuales.
El trabajo de Maravilla ha sido reconocido con numerosos premios y becas, entre los que se incluyen: una Subvención de Capital Creativo; Joan Mitchell Emerging Artist Grant; Art Matters Grant; VMFA 2017; VCU Fountainhead Fellowship; Dedalus Foundation Fellowship; la subvención de viaje de la Fundación Cisneros; y el Premio Robert Mapplethorpe para Fotografía. Ha participado en residencias en LMCC Workspace, SOMA en la Ciudad de México, México, y en la Skowhegan School of Painting and Sculpture, EE. UU.
Los performances de Maravilla han sido presentados en las instituciones de Nueva York, The Whitney Museum, The New Museum. El Museo Metropolitano de Arte, el Museo del Bronx, El Museo del Barrio y el Museo de Jersey City. También ha exhibido en el Museo de Arte de Masur en Louisiana, EE. UU., El Museo del Caribe en Colombia, el Museo de Arte de El Salvador (MARTE) en El Salvador, la Bienal del Mercosur en Brasil, la X Bienal de América Central en Costa Rica, el XI Bienal de Nicaragua en Nicaragua, Performa 11, Performa 13, Saud Haus en Berlín, Vooruit en Bélgica, y más. Actualmente, trabaja como Profesor Asistente de Sculpture + Extended Media en Virginia Commonwealth University, EE. UU.
KARLOS CÁRCAMO
Carcamo A Concrete Movement (Thriller), 2010
Black vinyl records, custom wood pedestals 15 x 15 x 15 inches
A Concrete Movement (Thriller), 2010
Discos negros de vinil, base de madera 15 x 15 x 15 pulgadas
Karlos
About the work - Acerca del trabajo
A Concrete Movement (Thriller) takes inspiration from graffiti, DJ Culture, hip hop and Latin American Neo-Concrete art, and are a visual reference to Lygia Clark’s “bichos” sculptures. Much like a DJ would manipulate music, Carcamo creates a mash-up of urban culture, architecture and art history that merges ‘high’ and ‘low’ art within the bent, cut and collaged vinyl records that simultaneously represent both music and form.
A Concrete Movement (I – V) se inspira en el grafiti, la cultura DJ, el hip hop y el arte neo-concreto latinoamericano, y es una referen-cia visual de las esculturas “bichos” de Lygia Clark. Al igual que un DJ manipularía la música, Cárcamo crea una mezcla de cultura urbana, arquitectura e historia del arte que fusiona el arte “alto” y “bajo” con los discos de vinilo doblados, cortados y combinados que repre-sentan simultáneamente tanto la música como la forma.
Artist Biography - Biografía del Artista
Karlos Cárcamo (El Salvador, 1967) is an artist born in El Salvador and raised in Jamaica, Queens, New York. He received an MFA degree from Hunter College in 2000. Since then, Cárcamo’s art has been exhibited in various venues throughout New York and abroad, including Artists Space; The Brooklyn Museum; PS1 Center for Contemporary Art; El Museo del Barrio; PS122 Gallery; Longwood Art Gallery; White Box; Queens Museum of Art; The Bronx Museum of the Arts. Other prestigious exhibition venues include: Museo de Arte de El Salvador (MARTE), El Salvador, The Jersey City Museum, Jersey City, NJ, THE Untitled Art Fair, Miami, FL, PINTA Art Fair, NY and solo both presentation at the NADA Art Fair.
Cárcamo’s work can be found in many private and public collections, including: El Museo del Barrio, New York, USA; Deutsche Bank Art Foundation, New York, USA; and the Museo de Arte de El Salvador (MARTE), El Salvador. Currently, Cárcamo is based in Beacon, New York and works at the Museum of Modern Art in New York City.
Karlos Cárcamo (El Salvador, 1967) es un artista nacido en El Salvador y criado en Jamaica, Queens, Nueva York. Recibió una maestría de Hunter College en el 2000. Desde entonces, el arte de Cárcamo ha sido exhibido en varios lugares de Nueva York y el extranjero, incluyendo Artists Space; El Museo de Brooklyn; PS1 Center for Contemporary Art; El Museo del Barrio; Galería PS122; Longwood Art Gallery; White Box; El Museo de Arte de Queens; El Museo de las Artes del Bronx. Otros lugares de exhibición prestigiosos incluyen: Museo de Arte de El Salvador (MARTE), El Salvador, El Museo de Jersey City, Jersey City, NJ, LA Feria de Arte Untitled, Miami, FL, PINTA Art Fair, NY y presentación individual en la Feria de Arte NADA.
El trabajo de Cárcamo se puede encontrar en muchas colecciones privadas y públicas, que incluyen: El Museo del Barrio, Nueva York, EE. UU. Deutsche Bank Art Foundation, Nueva York, EE. UU; y el Museo de Arte de El Salvador (MARTE), El Salvador. Actualmente, Cárcamo tiene su sede en Beacon, Nueva York y trabaja en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York.
KEVIN UMAÑA
Kevin Umaña Mending the Whole, 2023
Acrylic, oil, vinyl, paint, flock, sand, gouche, and ceramics on canvas
20 x 16 inches
Mending the whole, 2023
Acrílico, óleo, vinil, pintura, fibra, arena, gouche y cerámicas sobre tela
20 x 16 pulgadas
About the work - Acerca del trabajo
Kevin Umaña’s pieces are a complex mix of colors, textures and planes created with a variety of paintings and ceramic materials. These different elements come together to create organic forms inspired by nature and the aesthetics of the people who inhabited the region of El Salvador prior to colonization. On the other hand, Umaña is also inspired by memories of places and experiences from his childhood in El Salvador and Los Angeles.
These references manifest in dynamic artworks that invite the viewers to engage with their materiality, exploring the different layers of meanings and experiences embeded in the work.
Las piezas de Kevin Umaña son una compleja mezcla de colores, texturas y planos creados con una variedad de materiales pictóricos y cerámicos. Estos diferentes elementos se juntan para crear formas orgánicas e inspiradas en la naturaleza y en la estética de los pueblos que habitaron la región de El Salvador previo a la colonización. Por otro lado, Umaña también se inspira en recuerdos de lugares y experiencias de su niñez en El Salvador y Los Ángeles.
Todas estas referencias se traducen en piezas dinámicas cuya materialidad invita al espectador a interactuar y vincularse con la obra, explorando las diferentes capas de significados y experiencias presentes en la obra.
Artist Biography - Biografía del Artista
Kevin Umaña was born in 1989 and grew up in El Salvador and Los Angeles. He received a BFA from San Francisco State University in 2014 and lives and works in Kansas City. Umaña’s early practice focused on geometric paintings and has since expanded to include ceramics. His recent work investigates the history of the Nahua people—the Indigenous group of his family ancestry—native to the western and central areas of present-day El Salvador.
Umaña is the co-founder of The Ekru Project, an artist-run Kansas City gallery focused on contemporary, emerging and underrepresented artists. In 2017, he created a permanent installation at The United Nations Headquarters in New York City. He has completed residencies at the Josef and Anni Albers Foundation (2024); Archie Bray Foundation for the Ceramic Arts, Helena, MT (2023); The Center for Book Arts, New York (2019); Plop Residency, London, England (2018); and SIM Residency, Reykjavik, Iceland (2018). His work was featured in “Pattern Recognition,” curated by Amy Lincoln at Sperone Westwater in 2022. Institutions owning his work include The United Nations Art Collection, New York; Everson Museum of Art, Syracuse, NY; Munson, Utica, NY; Fidelity Mutual Funds Collection; Center for Book Arts Library, New York; and The Marin Museum of Contemporary Art.
Kevin Umaña nació en 1989 y creció en El Salvador y Los Ángeles. Recibió un BFA de la Universidad Estatal de San Francisco en 2014 y vive y trabaja en Kansas City. La práctica inicial de Umaña se centró en pinturas geométricas y desde entonces se ha expandido para incluir la cerámica. Su trabajo reciente investiga la historia del pueblo Nahua, el grupo indígena de su ascendencia familiar, nativo de las áreas occidental y central de lo que hoy es El Salvador.
Umaña es cofundador de The Ekru Project, una galería de Kansas City dirigida por artistas centrada en artistas contemporáneos, emergentes y subrepresentados. En 2017, creó una instalación permanente en la Sede de las Naciones Unidas en la ciudad de Nueva York. Ha realizado residencias en la Fundación Josef y Anni Albers (2024); Fundación Archie Bray para las Artes Cerámicas, Helena, MT (2023); El Centro de Artes del Libro, Nueva York (2019); Plop Residency, Londres, Inglaterra (2018); y SIM Residency, Reykjavik, Islandia (2018). Su trabajo apareció en “Pattern Recognition”, comisariada por Amy Lincoln en Sperone Westwater en 2022. Las instituciones con obra de Umaña incluyen la Colección de Arte de las Naciones Unidas, Nueva York; Museo de Arte Everson, Siracusa, Nueva York; Munson, Utica, Nueva York; Colección de fondos mutuos de Fidelity; Biblioteca del Centro de Artes del Libro, Nueva York; y el Museo Marin de Arte Contemporáneo.
MAYRA BARRAZA
Dry-point engraving on Arches paper
27.6 x 19.7 inches each
Arches
27.6 x 19.7 pulgadas cada una
Mayra Barraza Rolling Heads, 2010
Rolling Heads, 2010 Grabado en punta seca sobre papel
About the work - Acerca del trabajo
In this artwork, the artist has engraved a single female head isolated from its bodies. This head is repeated four times to appear as if it is rolling across the pages. This playful composition adds a macabre contrast to the violent scene of a decapitation. Barrazza’s work addresses the issue of gender violence and the way in which it is so easily dismissed. Barrazza points to the normalization and invisibility of this type of violence, especially prevalent in El Salvador where domestic abuse is a pervasive problem.
En esta obra, la artista ha grabado una única cabeza femenina aislada de sus cuerpos. Esta cabeza se repite cuatro veces de manera que parece que está rodando por las páginas. Esta divertida composición añade un contraste macabro a la violenta escena de una decapitación. La obra de Barrazza aborda el tema de la violencia de género y la forma en que tan fácilmente se descarta. Barrazza señala la normalización y la invisibilidad de este tipo de violencia, especialmente frecuente en El Salvador, donde la violencia doméstica es un problema generalizado.
Artist Biography - Biografía del Artista
Mayra Barraza (El Salvador, 1966) obtained a bachelor’s degree in arts at The Corcoran School of Art in Washington D.C. in 19891990. Winner of the Drawing Award from the Museum of Latin American Art of Long Beach, California (2008); the First Prize at the Santo Domingo Drawing Salon in the Dominican Republic (2007); and the 2009 Ibero-American Print Biennial of Cáceres, Spain, among other recognitions. In 2016 she was a Guest Visitor of the Federal Republic of Germany to Berlin Art Week, and recipient of a Travel Grant in 2015 by the Patricia Phelps Cisneros Foundation to attend the CIRMA Forum in Tokyo. In Spain, she was selected for the XXXI Pontevedra Biennial: “Utrópicos” curated by Santiago Olmo in 2010, and for “Meso-America: Oscillations and Artifices” at the Atlantic Center for Modern Art in Las Palmas Gran Canarias in 2002, as well as awarded an Artists Residency at the Fundación Valparaíso in Almería. Between 2006 and 2010 she developed a body of work under the title “Republic of Death”, which was exhibited at the Spanish Cultural Centers in El Salvador, Honduras, and Guatemala. Barraza has actively created and engaged with community projects such as the art and literature E-Magazine El Ojo de Adrián of which she was Founding Member and Editor between 2009 and 2012. Over the last 25 years, she has exhibited her work at the Museo del Barrio in New York, the Instituto de Cultura Puertorriqueña in Puerto Rico, the Museum of Modern Art in Guatemala and the II Biennial of Lima, Peru. In 2013 her work was shown as part of “Mixtape”, curated by Selene Preciado at MoLAA, and of “Nine Women in the Arts” at the National Chiang Kai-Shek Cultural Center in South Korea. Mayra Barraza lives and works in London, England.
Mayra Barraza (El Salvador, 1966) obtuvo una licenciatura en artes en The Corcoran School of Art en Washington D.C. en 1989-1990. Ganadora del Premio de Dibujo del Museo de Arte Latinoamericano de Long Beach, California (2008); el Primer Premio en el Salón de Dibujo de Santo Domingo en República Dominicana (2007); y la Bienal Iberoamericana de Grabado de Cáceres, España 2009, entre otros reconocimientos. En 2016 fue Visitante Invitada de la República Federal de Alemania a la Semana del Arte de Berlín y recibió una Beca de Viaje en 2015 de la Fundación Patricia Phelps Cisneros para asistir al Foro CIRMA en Tokio. En España fue seleccionada para la XXXI Bienal de Pontevedra: “Utrópicos” comisariada por Santiago Olmo en 2010, y para “Mesoamérica: Oscilaciones y Artificios” en el Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas Gran Canarias en 2002, así como como ganador de una Residencia de Artistas en la Fundación Valparaíso en Almería. Entre 2006 y 2010 desarrolló una obra bajo el título “República de la Muerte”, que fue expuesta en los Centros Culturales de España en El Salvador, Honduras y Guatemala. Barraza ha creado y participado activamente en proyectos comunitarios como la revista electrónica de arte y literatura El Ojo de Adrián, de la que fue miembro fundadora y editora entre 2009 y 2012. Durante los últimos 25 años, ha exhibido su trabajo en el Museo del Barrio de Nueva York, el Instituto de Cultura Puertorriqueña de Puerto Rico, el Museo de Arte Moderno de Guatemala y la II Bienal de Lima, Perú. En 2013, su trabajo se mostró como parte de “Mixtape”, comisariada por Selene Preciado en MoLAA, y de “Nine Women in the Arts” en el Centro Cultural Nacional Chiang Kai-Shek en Corea del Sur. Mayra Barraza vive y trabaja en Londres, Inglaterra.
MAURICIO ESQUIVEL
Mauricio Esquivel Untitled, from the Lines of Displacement series, 2013
1261 handcut quarter coins
30 x 30 inches
Sin título, de la serie Línea de Desplazamiento, 2013 1261 monedas de 25 centavos cortadas a mano
30 x 30 pulgadas
About the work - Acerca del trabajo
Mauricio Esquivel intervenes by cutting 25 cent coins by eliminating the figure of the Eagle, the national bird of the United States of America. El Salvador has legally used the US dollar since 2001. The adoption of this currency strengthened its economic and political dependence on the United States. A clear example of this dependence are the remittances sent from the United States to El Salvador, which are one of the most important sources of income for many families and constitute an important part of the Gross Domestic Product of El Salvador.
Esquivel’s piece removes one of the most important national symbols of the United States of America from its own currency, which is, however, the same currency as El Salvador. It is a gesture that stems from decolonial thought but does not ignore the complexities of geopolitical power and dependency relations.
Mauricio Esquivel interviene monedas de 25 centavos de dólar cortando y eliminando la figura del Águila, el ave nacional de Estados Unidos de América. El Salvador utiliza el dólar estadounidense de manera legal desde 2001. La adopción de esta moneda fortaleció una dependencia económica y política hacia Estados Unidos. Un ejemplo claro de esta dependencia son las remesas enviadas desde Estados Unidos a El Salvador, las cuales son una de las fuentes de ingresos más importantes para muchas familias, y constituyen una parte importante del Producto Interno Bruto de El Salvador.
La pieza de Esquivel elimina uno de los símbolos nacionales más importantes de Estados Unidos de América de su propia moneda que es, sin embrago, la misma moneda de El Salvador. Es un gesto que parte del pensamiento decolonial pero que no ignora las complejidades de las relaciones de poder y dependencia geopolíticas.
Artist Biography - Biografía del Artista
Mauricio Esquivel (El Salvador, 1983) graduated with honors in the career of Visual Arts and Design from the National University in El Salvador where he was a teacher for two years. He has resided in Nicaragua, Cuba, Mexico, Costa Rica, London, and the United States, currently lives and works in New York.
He is one of the co-founders of Virgin Studio, and member of the curatorial group The Fire Theory based in Colombia, El Salvador and New York.
He has participated in the talks “Central Themes”(Temas Centrales) coordinated by TEOR/éTica Foundation in Costa Rica in 2012 and in “The day that we came contemporary” in the Museum of Contemporary Art and Design in San Jose Costa Rica in 2014.
Relevant solo shows include “Las Hieleras”, Marte Museum, El Salvador (2018); “At the Borders” Lokkus Arte Contemporáneo, Medellín, Colombia (2017); Glitch & Landscapes, Guatemala (2015). Relevant group shows include “Material with Meaning” Bronx River Art Center, NY (2019); “Donde Hubo Fuego” Semi permanent show at the MARTE Museum, El Salvador (2018); Volta13 Basel, Switzerland (2017); Art/ To, Toronto, Canada (2016); Context, New York, US (2016); Art Lima, Perú (2016).
Mauricio Esquivel (El Salvador, 1983) se graduó con honores en la carrera de Artes Visuales y Diseño de la Universidad Nacional de El Salvador donde fue docente durante dos años.
Ha residido en Nicaragua, Cuba, México, Costa Rica, Londres y Estados Unidos, actualmente vive y trabaja en Nueva York.
Es uno de los cofundadores de Virgin Studio y miembro del grupo curatorial The Fire Theory con sede en Colombia, El Salvador y Nueva York.
Ha participado en las charlas “Temas Centrales” coordinadas por Fundación TEOR/éTica en Costa Rica en 2012 y en “El día que nos volvimos contemporáneos” en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de San José Costa Rica en 2014.
Muestras individuales relevantes incluyen “Las Hieleras”, Museo Marte, El Salvador (2018); “At the Borders” Lokkus Arte Contemporáneo, Medellín, Colombia (2017); Glitch & Landscapes, Guatemala (2015). Las exhibiciones grupales relevantes incluyen “Material with Meaning” Bronx River Art Center, NY (2019); Exposición semipermanente “Donde Hubo Fuego” en el Museo MARTE, El Salvador (2018); Volta13 Basilea, Suiza (2017); Art/To, Toronto, Canadá (2016); Context, Nueva York, EE. UU. (2016); Art Lima, Perú (2016).
MELISSA GUEVARA
Melissa Guevara
Anthropometry, 2012
Human bone powder and hourglasses
(3 x) 10 x 3 x 3 inches
Anthropometry (Antropometría), 2012
Polvo de hueso humano y relojes de arena
(3 x) 10 x 3 x 3 pulgadas
About the work - Acerca del trabajo
Human bone powder passes through three transparent hourglasses. Ground to different densities, the content of each hourglass takes its own time to run through, signifying time passing and the inevitable cycle of life. Purchased at an informal market in El Salvador, the bones’ origins are unknown. In this way, the hourglasses function as three anonymous portraits, where the fate of the people the bones belong to could be attributed as much to war and gang violence—stereotypically associated with El Salvador—as with old age.
El polvo de hueso humano pasa a través de tres relojes de arena transparentes. De tierra a diferentes densidades, el contenido de cada reloj de arena toma su propio tiempo, lo que significa el paso del tiempo y el ciclo inevitable de la vida. Comprados en un mercado informal en El Salvador, los orígenes de los huesos son desconocidos. De esta manera, los relojes de arena funcionan como tres retratos anónimos, donde el destino de las personas a las que pertenecen los huesos podría atribuirse tanto a la guerra como a la violencia de pandillas, asociada estereotípicamente con El Salvador, al igual que con la vejez.
Artist Biography - Biografía de la Artista
Melissa Guevara (El Salvador, 1984) is an artist and a founding member of the artist production collective The Fire Theory. Focusing on the mind, body, and spirituality, Guevara’s work reflects on the dissection of the physical being with the metaphysical by using death as process. She has been an artist in residence at the RAPACES program, and received the Spanish Cultural Center’s X Youth Art award in 2010 and the 2011 Museum of Art of El Salvador SUMARTE award. Guevara has had solo exhibitions in El Salvador including No moriré del todo at Luis Poma Theater in San Salvador; Transmigraciones at the Spanish Cultural Center, San Salvador and in Honduras at the Equivalence Relation for Women in the Arts (MUA) in Tegucigalpa. Guevara has also exhibited in galleries throughout Austria, Germany, and the USA.
She has participated in group exhibitions Dios, Union, Libertad at Prosjektrom Normanns in Stavenger, Norway, and as a part of The Fire Theory in ICE at Open Source Gallery in New York, USA. Guevara was selected for the 2012 VIII Biennial of Visual Arts in Central America, and in 2015 for the 10th Mercosur Biennale in Porto Alegre. Guevara lives and works in San Salvador, El Salvador.
Melissa Guevara (El Salvador, 1984) es una artista y miembro fundadora del colectivo de producción de artistas The Fire Theory. Centrándose en la mente, el cuerpo y la espiritualidad, el trabajo de Guevara se refleja en la disección del ser físico con lo metafísico utilizando la muerte como proceso. Ha sido artista en residencia en el programa RAPACES, y recibió el X Premio de Arte Juvenil del Centro Cultural Español en 2010 y el premio de SUMARTE 2011 del Museo de Arte de El Salvador. Guevara ha tenido exposiciones individuales en El Salvador, incluyendo No moriré del todo en el Teatro Luis Poma en San Salvador; Transmigraciones en el Centro Cultural Español, San Salvador y en Honduras en la Relación de Equivalencia para Mujeres en las Artes (MUA) en Tegucigalpa. Guevara también ha expuesto en galerías de Austria, Alemania y los Estados Unidos.
Ha participado en exposiciones colectivas Dios, Unión, Libertad en Prosjektrom Normanns en Stavenger, Noruega, y como parte de The Fire Theory en ICE en Open Source Gallery en Nueva York, EE. UU. Guevara fue seleccionada para la VIII Bienal de Artes Visuales de 2012 en Centroamérica, y en 2015 para la 10a Bienal del Mercosur en Porto Alegre. Guevara vive y trabaja en San Salvador, El Salvador.
NATALIA DOMÍNGUEZ
Natalia Domínguez Por Venir series, 2024
23 framed drawings and text on wall
5.12 x 8.27 inches
Edition 1/2
Por Venir, 2024
23 dibujos enmarcados y texto sobre pared 13 x 21 cm
Edición 1/2
About the work - Acerca del trabajo
Por Venir is the artist’s reimagination of the Major Arcana from the Rider-Waite Tarot, inspired by the observation that many individuals seek solace in divination during moments of future uncertainty, often leading to feelings of unease, anxiety, and remorse.
The artist infuses the tarot images with the principles of Hoʻoponopono —a Hawaiian practice centered on reconciliation, healing, and forgiveness within relationships—. In the process of reimagining the Tarot, the artist transforms feelings of future uncertainty and anxiety, aiming to inspire hope and instill confidence, offering a positive resolution to an uncertain future.
Por Venir es la reinterpretación de la Arcana Mayor del Tarot Rider-Waite, inspirada por la observación de que muchas personas buscan confort en la adivinación en momentos de incertidumbre sobre el futuro, lo que usualmente lleva a sentimientos de inseguridad, ansiedad y culpa.
La artista insulfa las ilustraciones del tarot con los principios del Hoʻoponopono —una tradición de origen Hawaiano que se enfoca en la reconciliación, sanación y el perdón entre personas cercanas—. A través del proceso de reimaginar el Tarot, la artista revierte los sentimientos de incertidumbre y ansiedad, y busca inspirar esperaza y confianza, ofreciento una posible resolución a un futuro incierto.
Artist Biography - Biografía del Artista
Natalia Domínguez studied visual and multimedia arts in La Esmeralda, Mexico City. Her notable solo exhibitions include: Museo de Arte de El Salvador, AURORA, 2023-2024; Museum of Art of El Salvador, ESTIGMA, 2019. Salarrué National Exhibition Hall in San Salvador, FUE, 2015; Area, project site, UNREST AREA, Puerto Rico 2009-2010. Caguas Museum, EVICTED, 2010 Puerto Rico.
She has participated in EL PASADO ADELANTE, Casa América, Spain, 2022; Landings Projects, 2003-2007; Central American and Caribbean Art Biennial in Guatemala, 2015; Reunión performance festival in La Tigra, Tegucigalpa 2018. Contemporary art symposium at the Rufino Tamayo Museum in Mexico City, and participated twice in Espira la Espora, artistic residencies in Nicaragua. Her work is part of the collection of the MOLAA Museum of Latin American Art, Long Beach, Reina Sofía Museum and private collections inside and outside El Salvador.
She is co-founder of Proyecto Ensayo y Error, an art management, education and curatorial platform focused on visual arts in San Salvador.
Natalia Domínguez cursó estudios en artes visuales y multimedia en La Esmeralda, Ciudad de México. Sus exhibiciones individuales destacadas incluyen: Museo de Arte de El Salvador, AURORA, 2023-2024; Museo de Arte de El Salvador, ESTIGMA, 2019. Sala Nacional de Exposiciones Salarrué en San Salvador, FUE, 2015; Área, lugar de proyectos, ÁREA DE LOS DISTURBIOS, Puerto Rico 2009-2010. Museo de Caguas, DESALOJADOS, 2010 Puerto Rico.
Ha participado en EL PASADO ADELANTE, Casa América, España, 2022; Landings Projects, 2003-2007; Bienal de arte Centroamericana y del Caribe en Guatemala, 2015; Festival de performance Reunión en La Tigra, Tegucigalpa 2018. Simposio de arte contemporáneo en el Museo Rufino Tamayo en Ciudad de México, y participó en dos ocasiones Espira la Espora, residencias artísticas en Nicaragua.
Su obra forma parte del patrimonio del MOLAA Museo de arte Latinoamericano, Long Beach, Museo Reina Sofía y colecciones privadas dentro y fuera de El Salvador.
Es co-fundadora de Proyecto Ensayo y Error, plataforma de gestión, formación y curaduría de artes visuales en San Salvador.
RAFAEL DÍAZ
Rafael Díaz Once Upon a Time, 2019
24 drawings on acid-free paper
300 grams, 60% cotton, 40% linen, Guarro & Canson.
21x29.7 cm
Once Upon a Time, 2019
24 dibujos en papel libre de ácido
300 gramos, 60% algodón, 40% lino, Guarro & Canson.
21x29.7 cm
About the work - Acerca del trabajo
Dr. Rafael Díaz (Santa Ana, El Salvador, 1972) practices medicine. To make the work Once Upon A Time, he shared authorship with his patients by giving them a mini-test used to determine their mental state. The mini-mental state examination is a method commonly used in clinical practice to detect cognitive impairment and monitor its evolution in patients with neurological disorders such as Alzheimer’s and other forms of dementia. In this test the patient has to answer basic questions (Where are you? What is the current year? How much is 100 minus 7?...) and to try to draw a clock in three specific steps. The responses and drawings determine the patient’s degree of cognitive impairment and the severity of the disease. Together, artist and patient create scientific documents that also generate a line of critical thinking between disease, ethics, and society and, in conjunction with a potent visual charge, reflect human nature in its maximum vulnerability.
El Dr. Rafael Díaz (Santa Ana, El Salvador, 1972) practica medicina. Para hacer el trabajo Once Upon A Time, compartió la autoría con sus pacientes dándoles una mini prueba utilizada para determinar su estado mental. El mini examen del estado mental es un método comúnmente utilizado en la práctica clínica para detectar el deterioro cognitivo y controlar su evolución en pacientes con trastornos neurológicos como el Alzheimer y otras formas de demencia. En esta prueba, el paciente tiene que responder preguntas básicas (¿Dónde estás? ¿Cuál es el año actual? ¿Cuánto es 100 menos 7? ...) y tratar de dibujar un reloj en tres pasos específicos. Las respuestas y los dibujos determinan el grado de deterioro cognitivo del paciente y la gravedad de la enfermedad. Juntos, artista y paciente crean documentos científicos que también generan una línea de pensamiento crítico entre la enfermedad, la ética y la sociedad y, junto con una potente carga visual, reflejan la naturaleza humana en su máxima vulnerabilidad.
Artist Biography - Biografía del Artista
Rafael Díaz (El Salvador 1972) is a Bachelor in Internal Medicine and General Surgery by the Evangelic University of El Salvador. Selftaught artist, he developed his early work in the workshop of Salvadoran painter César Menéndez, where he combined painting with his studies in medicine first, and with his career as a doctor later, which strongly influences his artistic production, where human experience of sickness and death are recurrent themes. Living in Spain in 2002 he starts exploring photography and other media, as a way to transfer his particular vision of medicine and portrait the social reality of sick people.
Rafael Díaz (El Salvador 1972) es licenciado en Medicina Interna y Cirugía General por la Universidad Evangélica de El Salvador. Autodidacta en Arte, desarrolla su obra más temprana en el taller del pintor salvadoreño César Menéndez, donde compagina la pintura con sus estudios de Medicina primero, y más tarde con el ejercicio de su carrera como médico, faceta que influye poderosamente en su producción artística, en la que la vivencia humana de la enfermedad y la muerte son temas recurrentes. Ya en España, en 2002 comienza a explorar la fotografía y otros medios, como vehículo para trasladar su particular visión de la medicina y retratar la realidad social de los enfermos.
RONALD MORÁN
Ronald Morán
En el laberinto de hilo (In the labyrinth of tread), 2014
Oil on canvas 59 x 47 inches
En el laberinto de hilo, 2014 Óleo sobre tela 59 x 47 pulgadas
About the work - Acerca del trabajo
Multimedia artist Ronald Morán creates installations made of thread, and invites viewers to navigate the delicate boundaries of the space. In this painting, En el laberinto de hilo Morán is depicting a glimpse of a body in motion passing by a labyrinth of thread. Appearing intangible, the body is immersed in the mirage of a timeless moment.
El artista multimedia Ronald Morán crea instalaciones hechas de hilos e invita a los espectadores a navegar por los delicados límites del espacio. En esta pintura, En el laberinto de hilo Morán está representando una visión de un cuerpo en movimiento que pasa por un laberinto de hilo. Apareciendo intangible, el cuerpo está inmerso en el espejismo de un momento atemporal.
Ronald Morán Options to scape to a safest side, 2007 Photograph
1st set 12 x 18 inches each
2nd set 23 x 35 inches each
Opciones para escapar a un lado más seguro, 2007
Fotografía
1st set 12 x 18 pulgadas cada una 2nd set 23 x 35 pulgadas cada una
About the work - Acerca del trabajo
In this piece, Ronald Morán utilizes a minimalist landscape to talk about migration. Three scenarios are marked by human traces and paths. Each one represents 3 ways in which people migrate: by air, by land and by sea.
The artwork addresses a phenomenon that affects almost all Salvadorans, as well as people from other regions. The preferred method of transport is determined by the specific geography of the route, as well as by the people’s privileges.
For instance, migrants from Central America migrate mainly to the United States of America. People with Visa privileges tend to migrate by air, while those who do not have a Visa do so by land, which is a hard and dangerous route. Every route represents risks.
The artwork also alludes to the territories transited while migrating: the territory that is being left behind, the one the migrant arrives to, and all the territories transited in between.
En esta pieza, Ronald Moran utiliza un paisaje minimalista para hablar de la migración. Tres escenarios están marcados por rastros humanos. Cada uno representa 3 formas en que las personas migran: por aire, por tierra y por mar.
La pieza aborda un fenómeno que afecta a casi todos los salvadoreños, así como a personas de otras regiones. El método de transporte preferido está determinado por la geografía específica de la ruta, así como por los privilegios de las personas.
Por ejemplo, los migrantes de América Central migran principalmente a los Estados Unidos de América. Aquellas personas con privilegios de Visa tienden a migrar por vía aérea, mientras que aquellas que no poseen Visa lo hacer por la vía terrestre que es dura y peligrosa. Toda ruta representa riesgos.
La obra también alude a los territorios transitados al migrar: el territorio que se va dejando atrás, al que llega el migrante y todos los territorios transitados en medio.
Break in Case of Emergency, 2007
Mixed media, Gun, Glass, Metal
20.85 x 16 x 6.25 inches
Break in Case of Emergency (Rómpase en caso de emergencia), 2007
Medio mixto, Arma, Vidrio, Metal
20.85 x 16 x 6.25 pulgadas
Ronald Morán
About the work - Acerca del trabajo
First shown in 2009 as a public installation in Morazán Park in the center of downtown San Salvador, Break in Case of Emergency is a red frame glass case that, instead of encasing a fire extinguisher, contains a loaded pistol. Regularly associated as a signifier of violence, especially within this context of a high crime environment, the pistol is available to everyone and therefore offers a dual purpose—to defend oneself or to attack.
In this way, Morán’s work is a proposition or a provocation for the viewer to make a decision as to how they would, and could, use the loaded pistol—be a savior or an aggressor. Easily accessed by a single break of the glass, Morán places the pistol and the viewer in a tense proximity to question definitions of necessity and challenge ethical boundaries.
Inaugurada en el 2009 como una instalación pública en el parque Morazán, en el centro de San Salvador, Break in Case of Emergency es una caja de vidrio con marco rojo que, en lugar de tener un extintor de incendios, contiene una pistola cargada. Regularmente asociado como significante de violencia, especialmente en este contexto de alto ambiente delictivo, la pistola está disponible para todos y, por lo tanto, ofrece un doble propósito: defenderse o atacar.
De esta manera, el trabajo de Morán es una proposición o una provocación para que el espectador tome una decisión sobre cómo utilizaría la pistola cargada y cómo podría usarla— ser un salvador o un agresor. Fácilmente accesible por una sola ruptura del cristal, Morán coloca la pistola y al espectador en una tensa proximidad para cuestionar las definiciones de necesidad y desafiar los límites éticos.
Artist Biography - Biografía del Artista
Ronald Morán (San Salvador, 1972) was named by Exit Madrid as one of the 100 most influential contemporary Latin American artists of our time. Ronald Morán has participated in over 150 exhibitions throughout the United States, Latin America, Europe and Asia. In 2007, Morán represented El Salvador at the Venice Biennale. He has also exhibited at the Bienal Cuvee in Austria, the Tenth Habana Bienal, the Dorsky Curatorial Project in New York and the Margulies Collection in Miami as well as the Beijing Biennale in 2010. His work addresses the silence of power and aggression, the white cotton wrapping his pieces projecting a benign appearance that belies their true nature.
Ronald Morán (San Salvador, 1972) fue nombrado por Exit Madrid como uno de los 100 artistas latinoamericanos contemporáneos más influyentes de nuestro tiempo. Ronald Morán ha participado en más de 150 exposiciones en los Estados Unidos, América Latina, Europa y Asia. En el 2007, Morán represento a El Salvador en la Bienal de Venecia. También ha expuesto en la Bienal Cuvee en Austria, la Décima Bienal de la Habana, el Proyecto Curatorial Dorsky en Nueva York y la Colección Margulies en Miami, así como la Bienal de Beijing en 2010. Su trabajo aborda el silencio del poder y la agresión, el algodón blanco envuelve sus piezas proyectando una apariencia benigna que oculta su verdadera naturaleza.
SIMÓN VEGA
Gémini Duplex Chanti Capsule, 2015
Sculptural Installation
Coroline corrugated roofing sheets, wood, cloth, objects, light, live plants
71 x 71 x 103 inches
Gémini Duplex Chanti Capsule, 2015
Instalación escultural Láminas corrugadas para techos
Coroline, madera, tela, objetos, luz, plantas vivas
71 x 71 x 103 pulgadas
Simón Vega
About the work - Acerca del trabajo
Gémini Duplex Chanti Capsule is a life-size, satirical recreation of the two-astronaut Gemini space capsule developed by the NASA space program between 1960-1966. Mimicking stateof-the-art first-world technology, but made from found and inexpensive materials, Gémini Duplex Chanti Capsule recalls provisional architecture found in favelas, shantytowns, and slums of the “Third” world.
Although humorous in its ironic inability to fly, Gémini Duplex Chanti Capsule recalls the impact of the Salvadoran Civil War, termed the Cold War due to then USSR and USA interference, on the political, economic and cultural condition of El Salvador. Neither utopic nor dystopic, the Gémini Duplex Chanti Capsule exists within a space of resourcefulness and uselessness, humor and candor, temporality and permanence, reflecting the in-between position many Salvadorans find themselves in.
Gémini Duplex Chanti Capsule es una recreación satírica de tamaño natural de la cápsula espacial Gémini de dos astronautas desarrollada por el programa espacial de la NASA entre 1960-1966. Imitando la tecnología de vanguardia del primer mundo, pero hecha de materiales encontrados y baratos, Gémini Duplex Chanti Capsule recuerda la arquitectura provisional que se encuentra en las favelas, barrios marginales y barrios marginales del “Tercer” mundo.
Aunque humorística en su irónica incapacidad para volar, Gémini Duplex Chanti Capsule recuerda el impacto de la Guerra Civil Salvadoreña, llamada la Guerra Fría debido a la interferencia de la URSS y los Estados Unidos, en la condición política, económica y cultural de El Salvador. Ni utópico ni distópico, Gémini Duplex Chanti Capsule existe dentro de un espacio de ingenio e inutilidad, humor y candor, temporalidad y permanencia, reflejando la posición intermedia en la que se encuentran muchos salvadoreños.
Vega Outerspace Colonial Tropical Suit, 2021 Repurposed second hand “Hawaiian” shirts, found materials, bamboo, live plants
78.74 x 41.73 x 37.40 inches
Outerspace Colonial Tropical Suit, 2021 Camisas “Hawaianas”, objetos encontrados, bamboo, plantas vivas 78.74 x 41.73 x 37.40 pulgadas
Simón
About the work - Acerca del trabajo
Continuing with the artist’s series of pieces related to aerospace technology, Simón Vega presents a space suit created with reused fabrics and materials. Additionally, the piece includes patches that reference elements of Salvadoran popular culture and politics.
The spacesuit is presented using a traditional display often utilized by ethnographic exhibitions to exhibit clothing and textile pieces, so that this tropical astronaut is presented as an exotic and alienated being. In this sense, the piece is contextualized within the same geopolitical relations between the “first world” and “third world”, the relations of power and the history of colonization of the West.
Continuando con la serie de piezas relacionadas a la tecnología aeroespacial, Simón Vega presenta un traje espacial creado con telas y materiales reutilizados. Adicionalmente, la pieza incluye parches que referencian elementos de la cultura popular y la política salvadoreña.
El traje espacial es presentado utilizando la forma de montaje tradicional utilizada por la etnografía para prendas de vestir y piezas textiles, de manera que este astronauta tropical se exhibe como un ser exótico y alienado. En este sentido, la pieza se contextualiza dentro de las mismas relaciones geopolíticas entre el “primer mundo” y “tercer mundo”, las relaciones de poder y la historia de colonización del occidente.
Simón Vega
Rocket Bar, 2015
Mixed media installation
Dimensions Variable
Rocket Bar, 2015
Instalación de medio mixto
Dimensiones Variables
About the work - Acerca del trabajo
Commissioned by YES for the 2014 exhibition, Transgressions, Simón Vega’s Rocket Bar is a remake of NASA’S Saturn V rocket. Made for human exploration of the moon, NASA’s Saturn rocket was designed for the Apollo program with German expertise to give NASA an edge over there Soviet rivals. It is the heaviest, tallest and most powerful rocket built to date. In contrast, Vega’s rocket is fashioned from everyday, found materials rendering the rocket incapable of flight. Rather its function is that of a social sculpture. Rocket Bar is stocked with a bucket for ice, pockets for cups, soda and bottles of arguadiente, a strong Salvadoran liquor. Vega provides an alternative space for social interaction, while recalling the oppositional intervention of the US and the USSR in the Salvadoran Civil War (1980-1992), and highlighting the disparity that (still) exists between what he terms “First World” aspirations of space exploration and the realities of the “Third World”.
Curada por YES para la exhibición del 2014, Transgressions, la Rocket Bar de Simón Vega es una reconstrucción del cohete Saturn V de la NASA. Hecho para la exploración humana de la luna, el cohete Saturno de la NASA fue diseñado para el programa Apollo con la experiencia alemana para darle a la NASA una ventaja sobre sus rivales soviéticos. Es el cohete más pesado, más alto y más poderoso construido hasta la fecha. En contraste, el cohete de Vega está hecho materiales encontrados de uso diarios, que hacen que el cohete sea incapaz de volar. Más bien su función es la de una escultura social. Rocket Bar está provista de un cubo para hielo, bolsillos para tazas, refrescos y botellas de aguardiente, un fuerte licor salvadoreño. Vega ofrece un espacio alternativo para la interacción social, al mismo tiempo que recuerda la intervención de oposición de los EE. UU. Y la URSS en la Guerra Civil Salvadoreña (1980-1992), y resaltó la disparidad que existe (aún) entre lo que denomina aspiraciones de “Primer Mundo” de La exploración espacial y las realidades del “Tercer Mundo”.
C-print with unique intervention in acrylic
27.56 x 67.72 in
Sputnik Venezia/Candelaria, 2013
C-print intervenida con acrílico
70 x 142 cms
Simón Vega Sputnik Venezia/Candelaria, 2013
About the work - Acerca del trabajo
In 2013, Simón Vega presented the sculptural Installation titled Third World Sputnik at the Venice Biennale. During that time, Vega also created a series of prints featuring the piece presented at the Biennale, each print with a unique intervention.
The piece Sputnik Venezia/Candelaria presents the forced landing of a Third World capsule inspired by Sputnik (a satelite put into orbit by the Soviet Space Program during the sixties) in a city that interweaves elements of the city of Venice in Italy and the Candelaria neighborhood in San Salvador. Through the representation of the capsules, the artists comments in a humorous and personal way on the effects of the Cold War in El Salvador, mixing select high-tech vehicles that are built with improvised and informal techniques, typical of Third World countries.
The image has been worked entirely with independent lines that intertwine to form a multicolored plot, inspired by the painting techniques of the Venetian Renaissance and French Impressionism and used to represent an urban planning that mixes buildings from Venice and the eroded architecture more typical of Central American cities (like the Candelaria neighborhood).
En 2013, Simón Vega presentó la instalación escultórica titulada Third World Sputnik en la Bienal de Venecia. En esa época, Vega también creó una serie de grabados que mostraban a la pieza presentada en la Bienal, cada grabado con una intervención única.
La pieza Sputnik Venezia/Candelaria presenta el aterrizaje forzoso de una cápsula del Tercer Mundo inspirada en el Sputnik (satélite puesto en órbita por el Programa Espacial Soviético durante los años sesenta) en una ciudad que entrelaza elementos de la ciudad de Venecia en Italia y el barrio de Candelaria. en San Salvador. A través de la representación de las cápsulas, el artista comenta de manera humorística y personal los efectos de la Guerra Fría en El Salvador, mezclando vehículos selectos de alta tecnología que son construidos con técnicas improvisadas e informales, propias de los países del Tercer Mundo.
La imagen ha sido trabajada íntegramente con líneas independientes que se entrelazan formando una trama multicolor, inspirada en las técnicas pictóricas del Renacimiento veneciano y del Impresionismo francés y utilizada para representar un urbanismo que mezcla edificios de Venecia y la arquitectura derruída más propia de las urbes centroamericanas (como el barrio de Candelaria).
Bus seat
68 x 45 x 20 inches
Photograph by MGH Photography
Guarde su Distancia, 2004
Asiento de bus
68 x 45 x 20 pulgadas
Fotografía por MGH Photography
Simón Vega Guarde su Distancia, 2004
About the work - Acerca del trabajo
To create this series of three individual artworks, Simón Vega collaborated with bus drivers working in San Salvador. Guarde Su Distancia (Keep Your Distance) is the name of this series taken from an instruction posted at the back of trucks and buses all over El Salvador for vehicles following to leave a safe space. This warning is sometimes handwritten, carefully crafted by a sign painter, or created with vinyl decals. Activating a sense irony, an element used throughout Vega’s work, the artist manufactured a large commercial sign in the typography commonly seen used on trucks and buses, to seduce the viewer through its appearance as an advertising slogan, while simultaneously sharing the warning to back off. This oxymoronic push and pull is part of what Vega describes as El Salvador’s idiosyncratic identity.
Para crear esta serie de tres obras de arte individuales, Simón Vega colaboró con conductores de autobús que trabajan en San Salvador. Guarde Su Distancia es el nombre de esta serie tomado de una instrucción colocada en la parte trasera de camiones y autobuses en todo El Salvador para que los vehículos que siguen dejen un espacio seguro. Esta advertencia a veces está escrita a mano, cuidadosamente elaborada por un pintor de letreros o creada con calcomanías de vinilo. Activando un sentido de ironía, un elemento utilizado en toda la obra de Vega, el artista fabricó un gran letrero comercial en la tipografía que se usa comúnmente en camiones y autobuses, para seducir al espectador a través de su apariencia como un eslogan publicitario, al tiempo que comparte la advertencia de retroceder. Este tira y afloja oximorónico es parte de lo que Vega describe como la identidad idiosincrásica de El Salvador.
About the work - Acerca del trabajo
This light was shown together with a bus seat and vinyl paintings as part of an artist collaborative exhibition in San Salvador in 2006. At that time, Vega was part of the artist collective Adobe working and exhibiting together while producing their own work. Within his own practice Vega was interested in the insignia and symbols many bus drivers in the city created and reappropriated to decorate their buses to attract customers. Often appropriated, recontextualized and infused with new meaning, the insignia intermingle as graphic representations of spiritual icons, national flag symbols, tattoos, and more. Fifteen monochromatic paintings, including two in red, are made from bus seat vinyl fabric overlayed with cut out adhesive vinyl, a material used to adhere symbols on the side of a bus. Adopting the material applications of actual bus decorations, the paintings are shown together to echo the conflated context in which they are shown, in tandem elevating them to art status within enclosed square frames and highlighting a new contemporary dialogue of meaning.
A bus seat is sculptured into a bench where the sitter can look at themselves and those around them in rearview and side bus mirrors. A gear shift colorfully depicts Jesus Christ on its handle and is further adorned with flowing brightly colored plastic tassels. Beneath the seat a glowing light purple LED light gives the illusion that the seat may just levitate.
Esta luz se mostró junto con un asiento de autobús y pinturas de vinilo como parte de una exhibición colaborativa de artistas en San Salvador en 2006. En ese momento, Vega era parte del colectivo de artistas Adobe trabajando y exhibiendo juntos mientras producían su propio trabajo. Dentro de su propia práctica, Vega estaba interesado en las insignias y símbolos que muchos conductores de autobuses en la ciudad creaban y reapropiaban para decorar sus autobuses para atraer clientes. A menudo apropiadas, recontextualizadas e infundidas con un nuevo significado, las insignias se entremezclan como representaciones gráficas de íconos espirituales, símbolos de banderas nacionales, tatuajes y más. Quince pinturas monocromáticas, incluidas dos en rojo, están hechas de tela de vinilo para asientos de autobús superpuesta con vinilo adhesivo recortado, un material utilizado para adherir símbolos en el costado de un autobús. Adoptando las aplicaciones materiales de las decoraciones reales de los autobuses, las pinturas se muestran juntas para hacer eco del contexto fusionado en el que se muestran, elevándolas al estado de arte dentro de marcos cuadrados cerrados y destacando un nuevo diálogo contemporáneo de significado.
Un asiento de autobús está esculpido en un banco donde el pasajero puede mirarse a sí mismo y a los que lo rodean en los espejos retrovisores y laterales del autobús. Una palanca de cambios representa a Jesucristo en su manija y está adornada con borlas de plástico de colores brillantes que fluyen. Debajo del asiento, una luz LED violeta brillante da la ilusión de que el asiento puede levitar.
Vega Guarde su Distancia, 2004
Vinyl paintings
12 x 12 inches each (15 artworks)
Photograph by MGH Photography
Guarde su Distancia, 2004
Pinturas en vinil
12 x 12 pulgadas cada una (15 piezas)
Fotografía por MGH Photography
Simón
Simón Vega
Guarde su Distancia, 2004
Sign, metal and LED light
59 x 7.9 x 4 inches
Photograph by MGH Photography
Guarde su Distancia, 2004
Rótulo, metal y luz LED
59 x 7.9 x 4 pulgadas
Fotografía por MGH Photography
Artist Biography - Biografía del Artista
Simón Vega (El Salvador, 1972) graduated with a BFA from the University of Veracruz in Mexico in 2000 and obtained an MFA from Complutense University in Madrid in 2006.
Vega creates sculpture, installations and happenings inspired by local markets, colloquial architecture, and vendor carts unique to Central America. Many of his works are parodies of Cold War submarines, spaceships and capsules, Mayan pyramids, and Modernism’s iconic buildings and contemporary surveillance systems; creating a humorous fusion between the “First” and “Third” worlds.
Vega has exhibited extensively throughout Europe, the United States, and Latin America. In 2013 was selected for the 55th Venice Biennial, Italy and in 2006 for the IX Havana Biennial, Cuba. He has exhibited as part of Museo del Barrio’s 2011 S-Files, New York, and at the Hilger BROT Kunsthalle in Vienna, Austria in 2010, 2013, and 2017. Most recently, he created a monumental sculpture for the Coachella Music Festival in Indio, California, USA. Vega lives and works in La Libertad, El Salvador.
Simón Vega (El Salvador, 1972) se graduó con una Licenciatura de Bellas Artes (BFA) de la Universidad de Veracruz en México en 2000 y obtuvo un Máster en Bellas Artes (MFA) de la Universidad Complutense de Madrid en 2006.
Vega crea esculturas, instalaciones y happenings inspirados en los mercados locales, la arquitectura coloquial y los carritos de venta exclusivos de Centroamérica. Muchas de sus obras son parodias de submarinos de la Guerra Fría, naves espaciales y cápsulas, pirámides mayas y edificios icónicos del Modernismo y sistemas de vigilancia contemporáneos; creando una fusión cómica entre el “Primer” y el “Tercer” mundo.
Vega ha exhibido extensamente en Europa, los Estados Unidos y América Latina. En 2013 fue seleccionado para la 55ª Bienal de Venecia, Italia y en 2006 para la IX Bienal de La Habana, Cuba. Ha expuesto como parte de 2011 S-Files del Museo del Barrio, Nueva York, y en Hilger BROT Kunsthalle en Viena, Austria en 2010, 2013 y 2017. Recientemente, creó una escultura monumental para el Festival de Música de Coachella en Indio, California, EE. UU. Vega vive y trabaja en La Libertad, El Salvador.
STUDIO LENCA
Studio Lenca Chisme, 2021
5 painted wood cutouts
Figure 1: 80 x 38 x 2 inches
Figure 2: 85 x 41 x 2 inches
Figure 3: 79 x 48 x 2 inches
Figure 4: 84 x 38 x 2 inches
Figure 5: 79 x 48 x 2 inches
Stand dimensions: 24 x 48 x 4 inches
Chisme, 2021
5 figuras pintadas en madera
Figure 1: 80 x 38 x 2 pulgadas
Figure 2: 85 x 41 x 2 pulgadas
Figure 3: 79 x 48 x 2 pulgadas
Figure 4: 84 x 38 x 2 pulgadas
Figure 5: 79 x 48 x 2 pulgadas
Tamaño de la base: 24 x 48 x 4 pulgadas
About the work - Acerca del trabajo
Chisme (slang for gossip in Spanish) is an immersive, sculptural installation of five life-size figures in wood, painted in Lenca’s characteristic style. The installation captures the moment a group of Latinx figures enter the white walled space of an art gallery. The work explores themes of exclusion based on the artist’s own experience of the arts. The gallery, a complex ecosystem of social codes, is linked to historical issues of class and race, and are transgressed and disrupted by the work.
This piece was made by the artist in collaboration with WeCount!, a membership-led organization of low-wage immigrant workers in South Florida who made drawings of plants, trees, and seeds on the back of the figures.
Chisme es una instalación escultórica inmersiva de 5 figuras de tamaño natural en madera, pintadas en el estilo característico de Lenca. La instalación captura el momento en que un grupo de figuras latinx ingresan al espacio de paredes blancas de una galería de arte. El trabajo explora temas de exclusión desde la propia experiencia del artista en el mundo del arte. La galería, un complejo ecosistema de códigos sociales vinculados a cuestiones históricas de clase y raza son transgredidos y alterados por la obra.
Esta pieza fue hecha por el artista en colaboración con WeCount!, una organización dirigida por miembros de trabajadores inmigrantes de bajos salarios en el sur de Florida que hicieron dibujos de plantas, árboles y semillas en la parte posterior de las figuras.
Studio Lenca I had a dream I drank some Kolashampan, 2021-2022
Spray and Acrylic on unstretched canvas 9x12 feet
Soñé que tomaba Kolashampan, 20212022
Spray y Acrílico sobre tela no tensada 2.74 x 3.66 metros
About the work - Acerca del trabajo
Studio Lenca’s paintings reference personal anecdotes which are layered with folkloric iconography. The work tells his own story of migration from El Salvador to the USA, and later to the UK.
In this painting, the artist depicts a central figure drinking Kolashampan, a Salvadoran traditional soda, which was branded as “the flavor of El Salvador” and even featured the Salvadoran map on their logo. This character is surrounded by a flock of birds. These references to El Salvador are presented in a scene that is charged with nostalgia and place making.
Though his paintings, Studio Lenca creates through the lens of his own sense of belonging and joy, aiming to defy the narrative surrounding the Salvadoran migrant community.
Las pinturas de Studio Lenca hacen referencia a anécdotas personales superpuestas con iconografía folclórica. La obra cuenta su propia historia de migración desde El Salvador a Estados Unidos y posteriormente al Reino Unido.
En esta pintura, el artista representa una figura central bebiendo Kolashampan, un refresco tradicional salvadoreño, que fue promocionado como “el sabor de El Salvador” e incluso incluía el mapa salvadoreño en su logotipo. Este personaje está rodeado por una bandada de pájaros. Estas referencias a El Salvador se presentan en una escena cargada de nostalgia y como un ejercicio de creación de un lugares.
A través de sus pinturas, Studio Lenca crea a través de la lente de su propio sentido de pertenencia y alegría, con el objetivo de desafiar la narrativa que rodea a la comunidad migrante salvadoreña.
Artist Biography - Biografía del Artista
Studio Lenca (La Paz, El Salvador,1986) is the working name of artist Jose Campos —‘Studio’ referring to a space for experimentation and constantly shifting place; ‘Lenca’ referring to the name of the artists ancestors from El Salvador. Jose Campos was born in La Paz, El Salvador and like many had to flee the country during its civil war during the late1980s. He travelled to the US by land, illegally with his mother. Studio Lenca is focused on ideas surrounding difference, knowledge and visibility. He works with performance, video, painting and sculpture. Studio Lenca’s process starts with personal memories and is underpinned by social activism and different forms of praxis.
Recent solo exhibitions include: Chisme, Parrish Art Museum, New York (2023); Alquimia, Fina Cortesin, Malaga (2023); El Jardin, Tang Contemporary, Bangkok (2023); Ni de aquí, ni de allá, Untitled Art Fair, Miami (2022); A Losing Game, Soho Revue, London (2022); The Journey Becomes You, Artual Gallery, Beirut (2022); I’m working on leaving, Tang Contemporary, Seoul (2022); The Dreamers, Foundry, Dubai (2022). His work is part of the Parrish Art Museum collection, Patricia Phelps de Cisneros collection, Elie Khouri Art Foundation collection, The MER Foundation collection, and The Poma Collection.
Studio Lenca holds an MA Arts & Learning by Goldsmiths University of London (2019), Art & Design PGCE by Goldsmiths University of London (2015), and an MA Contemporary Dance London Contemporary Dance School (2013).
Studio Lenca (La Paz, El Salvador, 1986) es el nombre de trabajo del artista José Campos —‘Studio’ se refiere a un espacio para la experimentación y un lugar en constante cambio; ‘Lenca’ refiriéndose al nombre de los antepasados artistas de El Salvador. José Campos nació en La Paz, El Salvador y, como muchos, tuvo que huir del país durante la guerra civil a fines de la década de1980. Viajó a los EE. UU. por tierra, ilegalmente con su madre. Studio Lenca se centra en ideas en torno a la diferencia, el conocimiento y la visibilidad. Trabaja con performance, video, pintura y escultura. El proceso de Studio Lenca parte de la memoria personal y se sustenta en el activismo social y diferentes formas de praxis.
Exposiciones individuales recientes incluyen: Chisme, Parrish Art Museum, Nueva York (2023); Alquimia, Fina Cortesin, Málaga (2023); El Jardín, Tang Contemporary, Bangkok (2023); Ni de aquí, ni de allá, Untitled Art Fair, Miami (2022); A Losing Game, Soho Revue, Londres (2022); The Journey Becomes You, Artual Gallery, Beirut (2022); I’m working on leaving, Tang Contemporary, Seúl (2022); The Dreamers, Foundry, Dubái (2022). Su obra forma parte de la colección del Parrish Art Museum, colección Patricia Phelps de Cisneros, colección Elie Khouri Art Foundation, The MER Foundation collection, y la colección Poma.
Studio Lenca tiene una maestría en Artes y Educación de Goldsmiths University of London (2019), Certificado de Posgrado en Educación en Arte y Diseño de Goldsmiths University of London (2015) y una maestría en Danza Contemporánea de London Contemporary Dance School (2013).
THE FIRE THEORY
The Fire theory The Game, 2016
Digital Video Edition 1/3
NTSC
1280 x 720 05 minutes 07 seconds
El Juego, 2016
Video Digital Edición 1/3
NTSC
1280 x 720 05 minutos 07 segundos
About the work - Acerca del trabajo
The game is a project carried out by The Fire Theory collective that reflects on reconciliation and peace 24 years after the end of the civil war in El Salvador (1980-1992). The work documents a soccer game in which members of both combatant sides participated: the Armed Forces of El Salvador, and the Farabundo Martí National Liberation Front (FMLN). The participants formed two mixed teams disregarding their previous affiliation. The soccer match took place on the field of the Los Quebrachos community in Morazán, one of the most active areas during the armed conflict.
The video includes footage from the game as well as interviews and testimonials from people who were involved in the war, talking about their experiences. This project utilized the most popular sport in El Salvador to dismantle the polarization that had prevailed in the political context of El Salvador since the time of the war.
El juego es un proyecto realizado por el colectivo The Fire Theory que reflexiona sobre la reconciliación y la paz 24 años después de finalizada la guerra civil de El Salvador (19801992). La obra documenta un juego de futbol en el cual participaron miembros de ambos bandos combatientes: la Fuerza Armada de El Salvador, y el Frente Farabundo Martí para la Liberación Nacional (FMLN). Estas personas se incorporaron a dos equipos, sin tomar en cuenta su afiliación previa. El partido de futbol tuvo lugar en la cancha de la comunidad Los Quebrachos en Morazán, una de las zonas más activas durante el conflicto armado.
El video incluye imágenes del juego, así como entrevistas y testimonios de las personas que estuvieron involucradas en la guerra, hablando sobre sus experiencias. Este proyecto utilizó el deporte más popular de El Salvador para desarticular la polarización predominante en el contexto político de El Salvador desde la época de la guerra.
Artist Biography - Biografía del Artista
The Fire Theory (El Salvador, 2010) is an art production collective formed by Melissa Guevara, Mauricio Kabistan, Mauricio Esquivel and Crack Rodríguez, that focuses on collaborative and interdisciplinary work for the production of art, curatorial projects, theory, and art space management, aiming to generate knowledge and discussions regarding contemporary art, its processes and its relation to social issues. TFT has exhibited, curated, and collaborated in different exhibitions in El Salvador, Honduras, Guatemala, Colombia, Switzerland, the United States, Norway, Italy, and Australia. Recent exhibitions include ISTHMUS curated by Tania Cañas at Wyndham Art Gallery, Melbourne, Australia; INTERGALACTIX curated by Daniel Lieja Quintanar at LACE, Los Angeles Contemporary Exhibitions; Los Angeles California; X Central American Biennial (2016) San José, Costa Rica. Relevant recognitions include a curatorial residency in 2021 at the Royal Academy of Spain in Rome as part of the Reactivando Videografias program; 2019 YES Contemporary Grant; 2019 TEOR/éTica Catalyst Grant; winners of the “Soledades Open Call” (2014) of the Cultural Center of Spain in El Salvador. TFT was part of a collaborative and exhibition project focused on social cohesion between European and Latin American cities with BOZART and INTERARTS (2016-17). TFT also co-curated “Re: Construction Project”, an itinerant exhibition that traveled through the United States in 2017 and El Salvador in 2018. The Fire Theory has been published in “Contemporary Languages from Central America” by Luisa Fuentes Guaza , Turner Publishing.
The Fire Theory (El Salvador, 2010) es una productora de arte conformada por Melissa Guevara, Mauricio Kabistan, Mauricio Esquivel y Crack Rodríguez, que se apoya en el trabajo colaborativo e interdisciplinario, para la producción de arte, curaduría, teoría, y gestión de espacios, con el objetivo de generar conocimiento y discusión acerca de los procesos relacionados al arte contemporáneo y su relación con los diversos aspectos sociales que le generan. TFT ha exhibido, curado y colaborado en diferentes exposiciones en El Salvador, Honduras, Guatemala, Colombia, Suiza, Estados Unidos, Noruega, Italia y Australia. Las exhbiciones recientes incluyen ISTHMUS curada por Tania Cañas en Wyndham Art Gallery, Melbourne, Australia; INTERGALACTIX curada por Daniel Lieja Quintanar en LACE, Los Angeles Contemporary Exhibitions; Los Angeles, California; X Bienal Centroamericana (2016) San José, Costa Rica. Entre sus reconocimientos destacan la estancia curatorial en el año 2021 en la Real Academia de España en Roma como parte del programa Reactivando Videografias; ganadores de la YES GRANT 2019 de YES Contemporary; ganadores de la Beca Catalizadora 2019 de TEOR/ética; ganadores de la “Convocatoria Soledades” (2014) del Centro Cultural de España en El Salvador. TFT fue parte de un proyecto colaborativo y de exhibición enfocado en la cohesión social entre ciudades europeas y latinoamericanas con BOZART e INTERARTS (2016-17). Además es co-curador de “Re: Construction Project” exposición itinerante que inició en Estados Unidos en el 2017 y terminó en El Salvador en el año 2018. The Fire Theory ha sido publicado en “Lenguajes contemporáneos desde Centro América” por Luisa Fuentes Guaza, Editorial Turner.
VERÓNICA VIDES
Video
Duration: 3 mins
Duración: 3 minutos
La Barrida, 2010 Video
La Barrida, 2010
Verónica Vides
About the work - Acerca del trabajo
La Barrida depicts a group of twenty ex-combatants, each of whom suffered immense hardship during the Salvadoran Civil War (19801992), sweeping the ruins of the Aguacayo church. The church, in ruins, is one of many living examples of the destruction caused by armed conflict in the country. The video proposes that the activity of cleaning could somehow improve the situation, but in the end the action only serves to absurdly multiply the dirt, adding to the burden.
La Barrida representa a un grupo de veinte excombatientes, cada uno de los cuales sufrió enormes dificultades durante la Guerra Civil Salvadoreña (1980-1992), barriendo las ruinas de la iglesia de Aguacayo. La iglesia está en ruinas, y es uno de los muchos ejemplos vivientes de la destrucción causada por el conflicto armado en el país. El video propone que la actividad de limpieza podría de alguna manera mejorar la situación, pero al final la acción solo sirve para multiplicar absurdamente la suciedad, lo que aumenta la carga.
A Peso, 2003
Beach towel and embroidery
30 x 60 inches
A Peso, 2003
Toalla de playa y bordado
30 x 60 pulgadas
Verónica Vides
About the work - Acerca del trabajo
The image of an old El Salvadorian coin, the colón, is embroidered on a popular souvenir beach towel of a US dollar.
In 2001, El Salvador converted its currency to the US dollar signifying not only the entrenchment of the United States as El Salvador’s main trade partner, but also impacting the economy in a way that according to Vides “was bad for the vast majority of the Salvadoran population and very good business for the minority.”
Using irony and humor, Vides merges the fanciful dollar beach towel with a mirage of the past colón to draw attention to the exploitative processes of capitalism, and the unequal power structures that exist on both sides of the coin.
La imagen de una vieja moneda salvadoreña, el colón, está bordada en una toalla de playa popular de recuerdos de un dólar estadounidense.
En 2001, El Salvador convirtió su moneda al dólar estadounidense, lo que no solo significa el afianzamiento de Estados Unidos como el principal socio comercial de El Salvador, pero también afectando a la economía de una manera que, según Vides, “era malo para la gran mayoría de la población salvadoreña y un muy buen negocio para la minoría”.
Utilizando la ironía y el humor, Vides combina la extravagante toalla de playa con un espejismo del pasado colón para llamar la atención sobre los procesos explotadores del capitalismo y las estructuras de poder desiguales que existen en ambos lados de la moneda.
Artist Biography - Biografía de la Artista
Veronica Vides (El Salvador, 1970) is a Salvadoran artist with a background in Graphic Design. An early accolade included winning first place at the JUANNIO art contest in Guatemala in 2003. That same year she was invited to participate in Arte Paiz Biennial and HABITART in El Salvador. In 2004, Vides received honorable mention at the IV Central American Biennial, and in 2010 was selected to participate in the 1st Triennial of the Caribbean, Dominican Republic as well as the VII Central American Biennial. In 2011, Vides participated in CHANGE at the World Bank in Washington, D.C., USA , and in 2014 was awarded the Honor Prize at Salón Artes Plásticas in Esquel, Argentina. In 2016 she participated in the Plan de Evasion residency at the Tunca Foundation, and the X Biennial of Central America in Costa Rica. In 2018, Vides participated in the exhibition Donde hubo fuego… at Museum of Art in El Salvador (MARTE).
Her artwork is part of many public collections, including: Ministerio Relaciones Exteriores, México; World Bank, USA; MADC and TEOR/éTica in Costa Rica; Museum of Art in El Salvador Collection; and the Ortiz Gurdián Foundation Collection, Nicaragua. Currently, she lives and works in Patagonia, Argentina.
Verónica Vides (El Salvador, 1970) es una artista salvadoreña con experiencia en Diseño Gráfico. Uno de los primeros galardones que recibió fue ganar el primer lugar en el concurso de arte JUANNIO en Guatemala en 2003. Ese mismo año fue invitada a participar en la Bienal Arte Paiz y HABITART en El Salvador. En 2004, Vides recibió mención honorífica en la IV Bienal Centroamericana, y en 2010 fue seleccionada para participar en la 1ra Trienal del Caribe, República Dominicana, así como en la VII Bienal Centroamericana. En 2011, Vides participó en CHANGE en el Banco Mundial en Washington, D.C., EE. UU., Y en 2014 recibió el Premio de Honor en Salón Artes Plásticas en Esquel, Argentina. En 2016 participó en la residencia Plan de Evasión en la Fundación Tunca y en la X Bienal de América Central en Costa Rica. En 2018, Vides participó en la exposición Donde hubo fuego... en el Museo de Arte de El Salvador (MARTE).
Su obra de arte es parte de muchas colecciones públicas, entre ellas: Ministerio Relaciones Exteriores, México; Banco Mundial, Estados Unidos; MADC y TEOR/éTica en Costa Rica; Museo de Arte en la Colección El Salvador; y la Colección de la Fundación Ortiz Gurdián, Nicaragua. Actualmente, ella vive y trabaja en la Patagonia, Argentina.
WALTERIO IRAHETA
Walterio Iraheta
Lección de Vuelo #6 (Flight Lesson #6), 2006
Installation with plastic toy birds and pencil drawing
Dimensions variable
Lección de Vuelo #6, 2006
Instalación con pájaros plásticos de juguete y dibujo a lápiz
Dimensiones variable
About the work - Acerca del trabajo
Superman leads a flock of plastic toy birds north, echoing the migratory pattern of many Salvadorans during the Salvadoran Civil War (1980-1992) and today. Superman, as the quintessential American hero, appears to offer solace and guidance yet, as a fantasy character underpins the fictitious narrative of an often unattainable American Dream.
Superman conduce una bandada de pájaros de juguete de plástico hacia el norte, haciéndose eco del patrón migratorio de muchos salvadoreños durante la Guerra Civil Salvadoreña (1980-1992) y hoy. Superman, como el héroe estadounidense por excelencia, parece ofrecer consuelo y guía aún, ya que un personaje de fantasía respalda la narrativa ficticia de un Sueño Americano a menudo inalcanzable.
Walterio Iraheta
Horizonte (Horizon), from the series Escala de Valores (Scale of Values), 2012
Burnt wooden matches
Dimensions Variable
Horizonte, de la serie Escala de Valores, 2012 Fósforos de madera quemados
Dimensiones Variables
About the work - Acerca del trabajo
El Salvador is rated by the United Nations Development Program as one of the most violent countries in the world. It is also one of the most deforested countries per square foot in the world. These deductions have been made based on statistics and ratios.
In Horizonte a single line of burned matches extends from a wall. As if in a line up, these matches are a visual measure and calculation, perhaps representing fallen trees or perhaps people. Partially burned the matches are useless in their inability to ignite, and protrude as skeletal remnants of a former functional form.
However, looking more closely at the anonymous line of burned matches, it becomes apparent that each match bears unique marks. How many individually burned matches need to be collated until the number is significant enough to be given a value deduction?
El Programa de Desarrollo de las Naciones Unidas califica a El Salvador como uno de los países más violentos del mundo. También es uno de los países más deforestados por pie cuadrado en el mundo. Estas deducciones se han realizado en base a estadísticas y ratios.
En Horizonte, una sola línea de fósforos quemados se extiende desde una pared. Como en una alineación, estas coincidencias son una medida visual y un cálculo, tal vez representando árboles caídos o quizás personas. Quemados parcialmente, los fósforos son inútiles en su incapacidad para encenderse, y sobresalen como restos esqueléticos de una forma funcional anterior.
Sin embargo, al observar más de cerca la línea anónima de fósforos quemados, se hace evidente que cada fósforo tiene marcas únicas. ¿Cuántos fósforos quemados individualmente se deben recopilar hasta que el número sea lo suficientemente significativo como para obtener una deducción de valor?
Artist Biography - Biografía del Artista
Walterio Iraheta (El Salvador, 1968) studied Graphic Arts at the Universidad Dr. José Matías Delgado in El Salvador, and attended The Chicago Cultural Center in Chicago, USA and at the School of Visual Arts La Esmeralda in México.
In 1998, Iraheta was awarded first prize at the Central American Isthmus Biennale of Contemporary Art. In 2004 he received an Honorable Mention at the Contemporary Art Competition of Palma de Mallorca in Spain and in 2007, Iraheta received the first place at the Biennial of Art Paiz in El Salvador. He has participated in many biennials, including: The Biennale de Valencia in São Pablo, Spain in 2008; the 10th Havana Biennial, Cuba in 2009; the first Pontevedra Biennale, Spain in 2010; and the 54th Venice Biennale, Italy in 2011.
Currently, his work is interested in issues related to migration, movement, and hybrid cultures, with an emphasis on exploring the values and traditions between people of different regions. Iraheta lives and works in El Salvador.
Walterio Iraheta (El Salvador, 1968) estudió Artes Gráficas en la Universidad Dr. José Matías Delgado en El Salvador, y asistió al Chicago Cultural Center en Chicago, EE. UU. Y en la Escuela de Artes Visuales La Esmeralda en México.
En 1998, Iraheta recibió el primer premio en la Bienal de Arte Contemporáneo del Istmo de América Central. En 2004 recibió una Mención de Honor en el Concurso de Arte Contemporáneo de Palma de Mallorca en España y en 2007, Iraheta recibió el primer lugar en la Bienal de Arte Paiz en El Salvador. Ha participado en muchas bienales, entre ellas: La Bienal de Valencia en São Pablo, España en 2008; la 10ma Bienal de La Habana, Cuba en 2009; la primera Bienal de Pontevedra, España en 2010; y la 54ª Bienal de Venecia, Italia en 2011.
Actualmente, su trabajo está interesado en temas relacionados con la migración, el movimiento y las culturas híbridas, con énfasis en la exploración de los valores y las tradiciones entre personas de diferentes regiones. Iraheta vive y trabaja en El Salvador.
For more information contact:
Y.ES International Director Omar Lopez-Chahoud - lopezchahoud@yescontemporary.org
Y.ES Program Director Patricio Majano - patricio@yescontemporary.org
Para más información contacta a:
Director Internacional de Y.ES Omar Lopez-Chahoud - lopezchahoud@yescontemporary.org Director de Programación de Y.ES Patricio Majano - patricio@yescontemporary.org
@yescontemporary