ARTE MODERNO by YAZMINGVEGAS

Arte moderno Vega Sanchez Yazmin Guadalupe 2023

Indice: -Arte moderno.........................................................................1-3pg -Claude Oscar Monet..............................................................4-7 pg -Vincent van Gogh..................................................................8-11pg -René F Ghislain Magritte .....................................................12-15pg -Pablo Picasso......................................................................16-19pg

Arte moderno Es conocido por su estética vanguardista y celebrado por sus artistas adelantados a su tiempo. El concepto de arte moderno puede resultar confuso porque la palabra “moderno” tiene varios significados en el uso común: en el discurso cotidiano, “moderno” suele hacer referencia a lo que sucede en el momento presente, aplicada a la historia, la Edad Moderna es el período que abarca desde el siglo XV hasta fines del XVIII. Abarca numerosos estilos, agrupaciones y tendencias que tuvieron en común una determinada mirada sobre el pasado y sobre el presente del arte. Los trabajos producidos durante este tiempo muestran el interés de los artistas en reimaginar, reinterpretar e incluso rechazar los valores estéticos tradicionales de los estilos anterioresl, la aparición de formas visuales novedosas. Estas formas tuvieron un impacto importante en los artistas europeos, ya que descubrieron modos diferentes de producir objetos visuales significativos. Es un concepto muy singular ya que tiene diferentes ámbitos en el mundo del arte sobre todo en la estética, en la historiografía, en la teoría de lo que es el arte y en el mercado. Y es que este tipo de artes pretende hacer una distinción entre la parte productiva del arte que estará identificada con unas determinadas definiciones de modernidad, es decir, el arte académico hace una representación de todo lo tradicional del arte, mientras tanto este estilo de arte experimenta para sacar cosas innovadoras. Es por ello que es un tipo de arte estético y no cronológico ya que cualquier limitación de tiempo es algo problemático para este tipo de arte. Algunos autores consideran que el francés Édouard Manet (1832-1883) fue el primer artista moderno ya que no intentó disimular la bidimensionalidad de la superficie pictórica con recursos artificiales como la perspectiva matemática, sino que buscó destacar la artificialidad de la pintura. El cuadro era un objeto artístico en sí mismo, no una representación de una realidad ajena .

Características -Se originó a partir de la nueva mentalidad social que introdujo en la sociedad de la época los conceptos de pueblo, burguesía, ciudadano, república, derechos de los ciudadanos, etcétera. -Se diversificaron los temas, las técnicas, los procesos y las investigaciones. -Se usaba la línea curva y la asimetría, tanto en la plantas y alzados de los edificios como en la decoración. -Se utilizaron imágenes femeninas delicadas y gráciles, con claro énfasis en las ondas de los cabellos de las mujeres y en los pliegues de sus vestidos. -Los cuadros modernistas, tenían una tendencia a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, llegando incluso al erotismo. -Había una gran libertad en el uso de los motivos exóticos un gran ejemplo era el uso de estampas japonesas. -Generó el interés por vincular el arte a la vida de una sociedad que estaba en permanente cambio. -Los artistas y teóricos consideraron que en la “sociedad moderna”,el arte no podía seguir limitado por las instituciones académicas que establecían sus condiciones. -Libre oferta y demanda de obras de arte, reemplazó al mecenazgo, sistema en el que el clero, la nobleza y las clases altas protegían a los artistas y condicionaban sus producciones. -Libertad de explorar nuevas formas y nuevos enfoques a su producción y contenian idealización de la realidad, imitación y belleza -Los artistas dejaron de interesarse en la representación de temas que se refirieran a juicios de valor universal, como los grandes temas históricos o religiosos, preferían trabajar con la propia cotidianeidad o con las emociones. -La obra de arte quedó abierta a interpretaciones diferentes, muchas veces no fue comprendido por el público contemporáneo. -Se diversificaron los temas, las técnicas, los procesos y las investigaciones.

Movimientos del arte Abarca una gran cantidad de grupos, estilos, artistas, escuelas, etcétera, algunos de ellos fueron los siguientes: -Impresionismo -Postimpresionismo -Los movimientos de vanguardia: Fauvismo Expresionismo Cubismo Suprematismo Constructivismo Futurismo Dadaísmo -Modernismo -Simbolismo -Bauhaus -Abstracción

Claude Oscar Monet Fue un pintor francés del siglo XIX y XX, máximo exponente del grupo de artistas de la corriente del Impresionismo a la que él mismo dio nombre. Las obras de Monet, considerado uno de los fundadores del impresionismo, sentó las bases de este estilo artístico. Su concepción del arte no pretendía contar una historia, sino plasmar, según su punto de vista, las impresiones y sensaciones que experimentaba a la hora de pintar. Nació en París el 14 de Noviembre de 1840 pero pasó su niñez en Le Havre donde su padre trabajaba como mercante. Allí conoció a un artista local, Eugène Boudin que le animó a convertirse en un pintor y desde pequeño demostró su habilidad con los pinceles pintando marinas, paisajes o dibujando caricatura . En 1859 Monet se trasladó a París para estudiar en la Académie Suisse, donde se convirtió en amigo íntimo de Camille Pissarro. Entre 1860 y 1862 el artista francés sirvió en Algeria como recluta y a su vuelta a París, conoció a los principales artistas franceses de la época, Renoir, Cézanne, Whistler y Manet. En 1870 Monet se casó con Camille Doncieux quien ya había engendrado a su hijo. Para huir de la Guerra Franco Prusiana, la familia se trasladó a Londres. Cuando la guerra acabó y la familia volvió a Francia, se asentaron en Argenteuil un puerto pesquero en las orillas del Sena donde acudían numerosos artistas impresionistas. En 1872 retornó a la ciudad de su infancia, Le Havre donde pintó “Impresión, Sol Naciente”. Cuando exhibió la obra en 1874 parte de su título se empleó para nombrar a un movimiento completo, el Impresionismo. Camille Doncieux murió en 1879 y Monet se puso a vivir con Alice Hoschedé, la mujer de uno de sus clientes más importantes y sus respectivos hijos. Durante 1880 Monet viajó a lo largo de Francia pintando una gran variedad de paisajes. Gradualmente alcanzó la fama y para los últimos 30 años de su vida ya era considerado el mayor exponente del Impresionismo. A partir de 1890 Monet comenzó a pintar una serie de cuadros entorno a un mismo tema, los jardínes con puentes y estanques con nenúfares. Finalmente el 5 de Diciembre de 1926, Monet murió en la ciudad de Giverny. Durante sus vida se pueden divider en tres fases las obras que realizo, una primera fase en la que el artista se centra en motivos cotidianos con corriente realista, una segunda etapa en la que Monet desarrolla una nueva corriente, el impresionismo, y por último, hacia el final de su vida Monet se centra en plasmar los jardínes de su casa de Giverny con distintas técnicas y formas.

Estilo y obras Principal exponente del Impresionismo y realizo diferente manera de plasmar la realidad, siempre amable, rebosante de sensibilidad y positivismo, sus obrtas contenían textura, la luz y las pinceladas rápidas y espontáneas cuyas marcas sobre el lienzo aportan una textura particular, alejando la pintura con el realismo y las reglas academicistas imperantes en la época y se ven aplicadas en sus obras y se observan líneas aparecen desdibujadas, algunos motivos apenas se perciben. Capto el cambio dinámico del paisaje en función de la perspectiva y la luz, usando una paleta de colores que incluía blanco de plomo, amarillo cadmio, bermellón, laca de granza, azul cobalto y verde cromo, genero un cambio dramático al contraste tonal y elimino los tonos intermedios. Utilizaba acuarelas y óleos, además, usaba hilos teñidos con granza. Plasmo la naturaleza de la manera más real posible, siendo paisajes urbanos y de campo y en los últimos años de su vida centrado en jardines incluía la repetición de imágenes, empleaba el mismo motivo en diversos cuadros, pero trataba de variar cada obra haciendo uso de distintos colores tonalidades o técnicas. Al apreciar sus obras nos resultará desdibujado; al alejarnos, los motivos representados por una simple pincelada cobran vida y resaltan con todo su esplendor.

Ejemplos:

Camille o la mujer del vestido verde (1866)

Mujeres en el jardín (1866)

Amanecer de (1872)

Mujer con sombrilla (1875)

Pajares (1890 – 1891)

Nenúfares (1896 – 1926)

Las casas del Parlamento al atardecer (1903)

Ninfas (1904)

Vincent van Gogh Fue un famoso pintor desconocido que después de su muerte y durante su vida luchó contra las enfermedades mentales. Nació el 30 de marzo de 1853 en Groat-Sunder. Holanda. Era hijo de un ministro y de un artista, especializado en acuarelas. tenía 5 hermanos. Cuando tenía 15 años, su familia tenía dificultades económicas. Dejó sus estudios y trabajó para su tío en una concesionaria de arte. Van Gogh era multilingüe y hablaba francés, alemán, inglés y holandés. A los 20 años fue a la Groupie Gallery de Londres. Vincet pasaba su tiempo libre visitando las galerías de arte de la época. Era un gran fanático de las obras literarias. Por ejemplo, Charles Dickens y George Eliot. Van Gogh tiró sus libros a la basura y dedicó su vida a Dios, por un rechazo amoroso que afectó su vida laboral. Provocó y dijo que era arte barato. Fue despedido. En 1878, con 25 años, Van Gogh se trasladó al sur de Bélgica. Comenzó a predicar la religión y cuidó a los enfermos. Comenzó a hacer retratos de los mineros y sus familias. Lo llamaban el Cristo de las minas de carbón. A finales de la década de 1880, Van Gogh se trasladó a Bruselas con la intención de convertirse en pintor y su hermano THEO lo apoyó económicamente. Van Gogh estudió arte, por lo que el autodidacta y la pintura mejoraron la estabilidad emocional. El se enamoró de muchas mujeres. Por ejemplo, como su primo o una prostituta alcohólica. En 1885, Van Gogh, pintó su primera obra, «los comedores de patatas». Su hermano consideraba que su trabajo no era muy commercial y a principios de 1888, Van Gogh se mudó al sur de Francia, compró pinturas en lugar de comida y enfermo y estado mental empeoró y bebió trementina y comió sus propias pinturas. Van Gogh fue a un burdel y se ofreció a pagar a una prostituta con su propia oreja y regresó a casa con soledad y depresión. Siguió pintando para encontrar la paz interior, pero no lo consiguió asi que se mudó a un manicomio y dijo que era un hombre peligroso. En 1889, pintó y fue invitado a mostrar sus pinturas y envió 6 de ellas. Salió a pintar una mañana con una pistola en la mano, disparándose en el pecho y quedando gravemente herido. El 29 de julio de 1890 falleció en brazos de su hermano.

Estilo y obras Principal exponente del postimpresionismo y pintó un total de 900 obras y más de 1600 dibujos, sin embargo, solamente fue capaz de vender una de sus pinturas. No fue hasta años más tarde de su muerte cuando la calidad de su obra fue reconocida por el mundo artístico. En la actualidad es uno de los pintores más famosos de todos los tiempos. Empleo colores puros y puros con carga emotiva importante. Los colores le ayudan a expresar sus sentimientos y emplea unos u otros según la época de su vida y la temática común a la vida real o de la naturaleza. En sus obras se observan pinceladas largas, gruesas e inclinadas, puntillistas y líneas ondulantes de sus cuadros son consideradas sublimes por los expertos, el pintor no sólo dominaba una técnica innovadora para su tiempo, sino que logró construir una propuesta estética sólida, en la que conviven trazos impresionistas, contrastes surrealistas y formas con gran fuerza expresiva. Fue pionero en el empleo de la técnica Impasto. Una técnica de pinceladas gruesas y diluidas que añaden dimensión a las pinturas y la empleaba para dotar de emociones y movimiento a sus obras. Empleó una amplia variedad de técnicas de pintura en sus obras, tales como la pintura al óleo, la pincelada gruesa, la paleta de colores amplia, la técnica de impresión y la combinación de colores complementarios, creando así obras de gran belleza y profundidad que influyeron en el desarrollo del arte moderno. Estas técnicas continúan siendo una fuente de inspiración para artistas de todo el mundo. Ejemplos:

Los comedores de patatas (1885)

“Terraza de café por la noche” (1888)

Viñedos tintos en Arles (1888)

“Marina Les Saintes Maries de la Mer” (1888)

“Casa en campo de trigo” (1888)

“La noche estrellada” (1889)

Autorretrato con oreja vendada (1889)

Prisioneros en ejercicio (1890)

René Ghislain Magritte Nació en 1898 en Lessines, Bélgica. Aunque se sabe poco sobre su infancia, esta fue una época difícil para Magritte, ya que su madre se suicidó cuando tenía 13 años. Interesado por el dibujo y la pintura, estudió en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, y expuso por primera vez en el Centro de Arte de Bruselas en 1920, con obras que mostraban influencias del cubismo, orfismo, futurismo y purismo. A partir de la inspiración de La canción de amor de Giorgio de Chirico, Magritte comenzó un nuevo estilo en el cual expresaba su sentido del misterio del mundo por medio de la irracional yuxtaposición de objetos en una atmósfera silenciosa. En 1922 contrajo matrimonio con Georgette Berger, quien le sirvió de modelo para alguna de sus obras, iniciando una etapa surrealista en París, junto con artistas como Éluard, Breton, Miró y Dalí. Sin embargo, regresó a Bruselas en 1930, huyendo del polémico ambiente parisino. Ahí pasó el resto de sus días, realizando algunas obras hasta su fallecimiento en 1967. La vida Magritte estuvo marcada por tragedias y entornos complicados, como el suicidio de su madre y la Segunda Guerra Mundial, ello modeló su pensamiento y su quehacer artístico significativamente. En cuanto a su personalidad, se caracterizó por ser: juguetón y fantasioso en su juventud; excéntrico, provocador y egocéntrico en su edad más adulta. Dueño de una pericia enorme en el manejo del pincel, Magritte forjó un catálogo de obras muy particular, que recuerdan al estilo desarrollado por Dali, aunque menos grandilocuente. Magritte se embarcó en varios movimientos pictóricos, siendo el Surrealismo donde más cómodo se sintió, pero no logró la fama de otros pintores surrealistas como Dalí estando en vida, sino que esta le vino a posteriori, en la década de 1960, cuando sus obras ganaron popularidad en Estados Unidos. A diferencia de otros pintores no plasmaba sus sueños, sino que fue un surrealista conceptual, interesado en la ambigüedad de las imágenes, de las palabras y en el cuestionamiento de la relación entre lo pintado y lo real.

Estilo y obras Tiene obras ingeniosas y provocativas, las cuales se basaban en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras, poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y uno real. Imaginación provocadora pues sus pinturas desafiaron la realidad, explorando el significado oculto en objetos cotidianos. Su meticulosa técnica y enfoque conceptual influyeron en generaciones de artistas, fusionó arte y publicidad, cuestionando límites convencionales. Genero obras de doble significado, pues inducen reflexión profunda sobre dualidad y percepción con conceptos filosóficos creando un impacto duradero en el arte moderno y la cultura visual.Los temas principales en el arte de René Magritte incluyen la relación entre imagen y realidad, la dualidad, la contradicción y la exploración de los límites de la percepción. No estan inspiradas 100% en sueños, sino en la realidad sacando su esencia y producir imágenes sorprendentes e ingeniosas. Cuestionar la realidad misma donde reprodujo objetos y personas convencionales de manera paradójica. Uso la asociación libre e inesperada de elementos sin relación alguna y produjo una sensación extraña y misteriosa, se baso en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras.

Ejemplos:

El hombre del mar (1927)

“Los amantes” (1928)

Esto no es una pipa (1928-1929)

En el umbral de la libertad (1930)

“El imperio de las luces II” (1950)

La sala de escucha (1952)

Golconda (1953)

Decalcomanía (1966)

Pablo Picasso Fue un artista versátil e innovador conocido por su capacidad para explorar temas sociales y políticos y crear obras en una variedad de técnicas y estilos, incluidos el cubismo, el surrealismo y el arte abstracto con su estilo único y su habilidad para romper con las convenciones. Pablo Ruiz Picasso nació en Málaga, España, el 25 de octubre de 1881. Su padre, José Ruiz Blasco, era un profesor de arte y pintor, y su madre, María Picasso y López, era una aficionada al arte. Desde joven, Picasso mostró un gran talento para el dibujo y la pintura, y a los 16 años se mudó a Madrid para estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. En 1900, Picasso viajó a París por primera vez, donde se unió al círculo de artistas y escritores de la época, como Henri Matisse, Georges Braque y Gertrude Stein. Durante su estancia en la capital francesa, Picasso experimentó con diferentes estilos y técnicas, y en 1907 creó su obra más importante y revolucionaria: «Les Demoiselles d’Avignon», una pintura que rompió con todas las convenciones del arte tradicional y se considera uno de los hitos del arte moderno. En los años siguientes, Picasso continuó explorando diferentes estilos y corrientes artísticas, incluyendo el cubismo, el surrealismo y el neoclasicismo. Durante la Segunda Guerra Mundial, se estableció en Francia y se unió a la Resistencia Francesa contra los nazis. A lo largo de su vida, Picasso produjo una obra vasta y diversa, que incluye pinturas, esculturas, grabados y cerámica. Sus obras han sido expuestas en museos de todo el mundo, y se consideran algunas de las más importantes y valiosas del siglo XX. Picasso falleció en 1973 en Mougins, Francia, a los 91 años debido a un edema pulmonar, dejando un legado artístico y cultural que sigue siendo relevante en la actualidad. Picasso fue un gran coleccionista de arte y poseía una colección de más de 5.000 obras de arte, entre pinturas, esculturas, dibujos y grabados, tenía un gran interés por el teatro y escribió y dirigió varias obras durante su vida. También diseñó numerosos carteles y decorados para obras de Teatro y fue un hombre muy creativo y produjo más de 50 000 obras de arte durante su vida, incluidas más de 50 000 pinturas, 100 000 dibujos y 300 esculturas.

Estilo y obras Es ampliamente considerado como uno de los principales representantes del cubismo, un movimiento artístico que fragmenta y deconstruye la forma de los objetos y que consiste en descomponer los objetos y las figuras en formas geométricas básicas para crear una composición compleja y abstracta. Exploro de temas sociales y políticos: muchas de las obras tratan como la guerra, la violencia y la explotación. El artista español utilizó el arte como forma de denuncia y crítica social, su estilo de expression son intensas y emotivas, transmitiendo un fuerte sentido del drama y la pasión. Fue versátil e innovador en sus técnicas, utilizando una variedad de materiales en sus obras, incluyendo pintura, escultura, dibujo y collage. Se inspiró en el arte africano y primitivo, y utilizó elementos como las máscaras y los ritos tribales en su obra, en muchas de sus obras, Picasso distorsionó las formas y las figuras para crear un efecto visual impactante. Su innovación y experimentación: A lo largo de su carrera, Picasso rompió con las convenciones del arte tradicional y experimentó con diferentes técnicas, estilos y corrientes artísticas. Su obra refleja una búsqueda constante de nuevas formas de expresión y un deseo de ir más allá de los límites del arte convencional. La calidad y la diversidad de su obra: A lo largo de su vida, Picasso produjo una obra vasta y diversa, que incluye pinturas, esculturas, grabados y cerámica. Sus obras han sido expuestas en museos de todo el mundo, y se consideran algunas de las más importantes y valiosas del siglo XX. Ejemplos:

El picador (1890)

Mendiga agachada (1902)

El viejo guitarrista ciego (1903)

Campesinos (1906)

Retrato de Ambroise Vollard (1910)

figuras a la orilla del mar (1931)

Retrato de Dora Maar (1937)

Gato atrapando un pájaro (1939)

Te invito a saber un poco de 4 artistas dentro del arte moderno, esto puede resultar confuso porque la palabra “moderno” tiene varios significados en el uso común: en el discurso cotidiano, “moderno” suele hacer referencia a lo que sucede en el momento y este barco numerosos estilos, agrupaciones y tendencias que tuvieron en común una determinada mirada sobre el pasado y sobre el presente del arte. Dentro de este arte se encuentran distintos movimientos y abarca una gran cantidad de grupos, estilos, artistas, escuelas, etcétera. Algunos de ellos fueron los siguientes: Impresionismo, Postimpresionismo, Los movimientos de vanguardia: fauvismo, expresionismo, cubismo, suprematismo, constructivismo, futurismo, dadaísmo, etcétera. Modernismo, Simbolismo, Bauhaus, Abstracción. Pero dentro de estos movimientos y técnicas destaqué a unos artistas donde cada uno vivió y experimento el arte de distinta manera, su legado dentro del arte fue un beneficio y una inspiración por ello la selección de ellos y en los artículos contenidos hablaremos acerca de su biografía, estilos, técnicas, herramientas, entre otras cosas, pero además de ejemplos de obras realizadas entre ellas encontramos a Claude Oscar Monet - Fue un principal exponente del Impresionismo y realizo diferente manera de plasmar la realidad, siempre amable, rebosante de sensibilidad y positivismo, sus obras contenían textura, la luz y las pinceladas rápidas y espontáneas cuyas marcas sobre el lienzo aportan una textura particular, alejando la pintura con el realismo. Vincent van Gogh-quien fue un famoso pintor desconocido que después de su muerte y durante su vida luchó contra las enfermedades mentales, en sus obras se observan pinceladas largas, gruesas e inclinadas, puntillistas y líneas ondulantes de sus cuadros son consideradas sublimes por los expertos, el pintor no sólo dominaba una técnica innovadora para su tiempo, sino que logró construir una propuesta estética sólida, incluir a René F Ghislain Magritte - quien estuvo en varios movimientos pictóricos, siendo el Surrealismo donde más cómodo se sintió, tiene obras ingeniosas y provocativas, las cuales se basaban en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras, poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y uno real, provocadora la imaginación pues sus pinturas desafiaron la realidad, explorando el significado oculto y Pablo Picasso-Considerado como uno de los principales representantes del cubismo, fue un artista versátil e innovador conocido por su capacidad para explorar temas sociales y políticos y crear obras en una variedad de técnicas y estilos, utilizó el arte como forma de denuncia y crítica social, su estilo de expression son intensas y emotivas, transmitiendo un fuerte sentido del drama y la pasión.donde más cómodo se sintió, tiene obras ingeniosas y provocativas, las cuales se basaban en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras, poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y uno real, provocadora la imaginación pues sus pinturas desafiaron la realidad, explorando el significado oculto. Pablo Picasso-Considerado como uno de los principales representantes del cubismo, fue un artista versátil e innovador conocido por su capacidad para explorar temas sociales y políticos y crear obras en una variedad de técnicas y estilos, utilizó el arte como forma de denuncia y crítica social, su estilo de expression son intensas y emotivas, transmitiendo un fuerte sentido del drama y la pasión..

Vega Sanchez Yazmin Guadalupe 08/11/2023