VERLAG FÜR MODERNE KUNST by Verlag für moderne Kunst

Frühjahr / Spring 2016

3) „untitled: containers“, 2011, 1+2) Phyllida Barlow, exhibition views, LOK/Kunstmuseum St.Gallen, 2015, photos: Stefan Rohner; Courtesy the artist and Hauser & Wirth / Ursula Hauser Collection, Switzerland photo: Mike Bruce, SØR Rusche Collection Oelde/Berlin 4) Phyllida Barlow, untitled: brokenshelf 4, 2011, photo: Alex Delfanne; Ursula Hauser Collection, Switzerland

Phyllida Barlow Mix

With Phyllida Barlow, the Lokremise is featuring one of today’s most important sculptors. Phyllida Barlow’s installations result from an intensive dialog with the space that they occupy. Like no other artist of her generation, she is capable of combining vastly different materials in a refreshing way into a coherent whole. And yet, despite their apparent fragility and provisional quality, her objects appeal to emotional aspects such as aggression, the feeling of being overwhelmed, or absurdity, and transform any exhibition space into a powerful experience that seems to physically envelop the visitor.

Mit Phyllida Barlow ist eine der bedeutendsten Bildhauerinnen der Gegenwart zu Gast in der Lokremise. Barlows Installationen entstehen im intensiven Dialog mit dem Raum, den sie besetzen. Wie keine andere Künstlerin ihrer Generation versteht sie es, verschiedenste Materialien in erfrischender Weise zu einem kohärenten Ganzen zusammenzufügen. Barlows Objekte sprechen trotz offensichtlicher Brüchigkeit und provisorischem Charakter emotionale Momente an wie Aggression, Überwältigung oder Absurdität und verwandeln jeden Ausstellungsraum in einen die Besucher geradezu physisch umfassenden, eindringlichen Erlebnisraum.

Phyllida Barlow Mix Editor Konrad Bitterli in cooperation with Laura Bechter Texts Konrad Bitterli, Céline Gaillard, Claudia Hürlimann, Irina Wedlich, Design Rosebud Details German / English, Hardcover, 76 pages, 20 x 26 cm Euro 28,– ISBN 978-3-903004-70-2

Jan Švankmajer 1) Švankmajers Bilderlexikon, Unsystematische Anatomie, 1989, Collage 2) Exhibition view: Das Universum des Jan Švankmajer, Kunstraum Dornbirn, 2015, photo: Hans J.rg Kapeller 3) Exhibition view: Das Universum des Jan Švankmajer, Kunstraum Dornbirn, Flatz Museum, 2015, photo: Hans J.rg Kapeller

Das Universum des Jan Švankmajer The Universe of Jan Švankmajer

Der 1934 in Prag geborene Filmemacher, Objektkünstler, Zeichner und Poet Jan Švankmajer entwickelte seit den 1960er Jahren größtenteils animierte Kurzfilme, deren surreale, albtraumhafte Bildsprache in Verbindung mit der über viele Jahre entwickelten „Stop-Motion-Technik“ Aufsehen erregte. Seine Filme basieren häufig auf literarischen Vorlagen von Edgar Allan Poe, Marquis de Sade und Lewis Carroll. Im Kunstraum Dornbirn zeigt Jan Švankmajer Objekte, surreale, an historische Natursammlungen und Tierpräparate erinnernde Artefakte

sowie Zeichnungen, die bei näherer Betrachtung rasch als „absurde“ Wesen erkennbar werden. Neben literarischen Inspirationen schöpft Jan Švankmajer seine Themen gerne aus Natur und Naturgeschichte. Das andauernde Projekt seiner „unsystematischen Anatomie“ bildet den Höhepunkt dieser kritisch-ironischen Auseinandersetzung mit Natur und Evolution. The filmmaker, object artist, illustrator and poet Jan Švankmajer was born in Prague in 1934. Since the 1960s he has predominantly developed animated

short films, the surreal, nightmarish pictorial language of which, combined with the painstakingly developed “stop-motion” technique, caused a great sensation. At Kunstraum Dornbirn Švankmajer presents objects, surreal artefacts reminiscent of collections on natural history and preserved animals, as well as drawings that on closer inspection swiftly turn out to be “absurd” creatures. Alongside finding inspiration from literature, Jan Švankmajer also turns to nature and natural history for his subject matter. His ongoing project on an “unsystematic anatomy” is the culmination of this critical and ironic inquiry into nature and evolution.

Jan Švankmajer. Das Universum des Jan Švankmajer / The Universe of Jan Švankmajer EDITORS Kunstraum Dornbirn, Thomas Häusle TEXTS Kurt Bracharz, Thomas Macho INTERVIEW Gerald Matt with Jan Švankmajer DESIGN Sägenvier DETAILS German / English, 124 pages, Hardcover, 25 x 18 cm Euro 28,– ISBN 978-3-903004-72-6

Mit u.a. / with among others Café Leopold, Museumsquartier, Wien, 2001 Airporthotel Van der Valk, Düsseldorf, 2009 Wohn- und Geschäftshaus, Pariser Platz, Berlin, 2001 Steigenberger Hotel am Kanzleramt, Berlin, 2014 Werbeagentur Demner, Merlicek & Bergmann, Wien, 1984 Landeszentralbank, Düsseldorf, 1992 ARD Haupstadtstudios, Berlin, 1999 Boulevard Berlin, Berlin, 2009 Forum Duisburg, 2008 Wien Mitte, 2013 Europäisches Designdepot, Klagenfurt, 1992 Stadtteilzentrum Brüser Berg, Bonn, 1987 Schiffbau Theater- und Kulturzentrum Zürich, 2001 Leopold Museum, Museumsquartier, Wien, 2001 Museum moderner Kunst, Museumsquartier, Wien, 2001 SLUB Sächsische Landesbibliothek, Dresden, 2002

1) ARD Hauptstadtstudios, Berlin, 1999

2) Workstation, Klagenfurt, 1998

3) Café Leopold, Museumsquartier, Wien, 2001

4) SLUB Sächsische Landesbibliothek, Dresden, 2002

O&O Baukunst Innenansicht. Bauten und Projekte View of the Interior. Buildings and Projects (1980–2015) Das Œuvre des Architekturbüros O&O Baukunst aus „anderer“ Perspektive: Innenansichten der Bauten und Projekte von den 1980er Jahren bis heute werden in einem eindrucksvollen Querschnitt gezeigt und eröffnen ungewohnte Einsichten. Bürokonzepte, Wohnmodelle und Räume für Kunst und Kultur weisen neben ihren Repräsentationsfunktionen eine überraschende Gestaltungsvielfalt und Individualität auf. Die moderne Stadt und ihre Architektur werden homogener und kompakter, und erst im „Inneren beginnt die Möglichkeit nach einer Differenzierung, nach Polarisierung und Charakterisierung in der Gestaltung. Diese Individualität kann man erst dort erfüllen“, so Laurids Ortner. Gleichzeitig schlägt die Werkschau einen zeitlichen Bogen von der konzeptuellen Entwicklung des Designs bis hin zum Willen ständiger kreativer Veränderung.

The oeuvre of the architecture practice O&O Baukunst looked at from a “different” perspective: an impressive cross section of interiors of buildings and projects ranging from the 1980s to the present day is shown, offering unsuspected and unfamiliar insights. Office concepts, housing models, and spaces for art and culture reveal, alongside their representative functions, a surprising individuality and diversity of design. As modern city and its architecture are becoming more homogeneous and more compact, it is only “inside that the possibility for differentiation, for polarization and characterization in the design begins. This is where individuality can first be fulfilled,” says Laurids Ortner. At the same time the retrospective spans a temporal connection between the conceptual development of the design and the will for constant creative change.

O&O Baukunst Innenansicht. Bauten und Projekte / View of the Interior. Buildings and Projects (1980–2015) Editor O&O Baukunst Text Laurids Ortner Interview Manuela Hötzl with Laurids Ortner Design Carla Jahn, Marie Hareiter Details German / English, Hardcover, 228 pages Euro 38,– ISBN 978-3-903004-81-8

David Reed, geb. 1946 in San Diego, Kalifornien, gehört zu den einflussreichsten Künstlern in den Vereinigten Staaten. Für das Museum Haus Lange, Krefeld konzipierte er eine ortsspezifische Arbeit in Form eines einzigen Gemäldes, das in alle Ausstellungsräume übergreift. In Interaktion mit der Architektur von Mies van der Rohe sowie mit Yves Kleins immateriellem Raum „Le Vide“ (1961), kreierte Reed ein irritierendes Bildpanorama aus Spiegelungen, Repetitionen und räumlichen Entgrenzungen.

David Reed, born 1946 in San Diego, California, is one of the most influential artists in the United States. He has devised a completely new, site-specific work for Museum Haus Lange, Krefeld, in the form of one single painting, extending through all of the exhibition spaces. While simultaneously interacting with Mies van der Rohe’s architecture and Yves Klein’s immaterial space “Le Vide” (1961), he created a bewildering pictorial panorama made up of mirrorings, repetitions, and erased spatial boundaries.

David Reed

Studio David Reed, January 2015, © VG Bild-Kunst, Bonn 2015, photo: Martin Hentschel

The Mirror And The Pool

David Reed. The Mirror And The Pool EDITOR Martin Hentschel TEXTS Martin Hentschel, David Reed, Raphael Rubinstein DESIGN Harald Richter DETAILS German / English, 170 pages, ills. in color and b/w, Hardcover, 31 x 24 cm Euro 36,– ISBN 978-3-903004-45-0

Mit „63 Jahre danach“, einer Arbeit mit der Öffentlichkeit, stellt Jochen Gerz abermals einen neuen Anspruch an ein Denkmal, das nicht Distanz schaffen darf. Den Lesern der Grazer Tageszeitung „Kleine Zeitung“, die als Kooperationspartner agiert, wird ein riesiges Archiv mit Alltagsfotos aus der Zeit des Nationalsozialismus in der Steiermark zur Verfügung gestellt. Auf der Basis der bildlich erfassten Geschichte erging die Einladung – in mehreren Abstimmungsverfahren –,

24 Bildwerke, versehen mit den Texten der Abgeordneten zum Landtag Steiermark, und die kontextuellen Aufstellungsorte auszuwählen. Die Aufstellung der Objekte, die an eine aufgeschlagene Zeitungsseite erinnern, wurde von vier steirischen Gemeinden und an zwei Orten in Graz verweigert. Der für das Straßenamt zuständige Politiker der FPÖ lehnte nach vier Jahren, im Juni 2014, trotz mehrfacher Petitionen die Verlängerung der Aufstellungsgenehmigung

Gänse vom Feliferhof“ * hinaus kategorisch ab. Jochen Gerz gesteht, nimmt die Publikation zu internanicht nur in diesem Projekt, den Bürtionalen Arbeiten Stellung wie dem gern die Fähigkeit der Autorenschaft bis zum Verschwinden abgesenkten zu. Ihre Mitwirkung ist dem Künstler „Mahnmal gegen Faschismus“ * in seit vielen Jahren ein entscheidendes Hamburg-Harburg, den „Platz des unAnliegen. Über das aktuelle Projekt und die einzigartige für Graz geplante, sichtbaren Mahnmals“ in Saarbrücken oder „Das lebende Denkmal“ in Biron. jedoch nicht realisierte Arbeit „Die

Installation views: Colourspace – Marcus Auer & Institut für Kunst im öffentlichen Raum Steiermark 2006–2011, Newspaper pages: Kleine Zeitung & authors of the photos and texts & Institut für Kunst im öffentlichen Raum Steiermark 2006–2011, photo: Atelier Neubacher

Hg. / Ed. Werner Fenz

Arbeit mit der Öffentlichkeit / work with the public 63 Jahre danach / 63 years after Jochen Gerz

* von / by Jochen Gerz & Esther Shalev-Gerz

public’s emotional distance to the commemorated events. The project provided readers of Graz-based daily newspaper “Kleine Zeitung” with an extensive archive of photographs

In “63 years after”, a work reliant on public input and collaboration, Jochen Gerz once again addressed the issue of memorials: with the demand that these be used to decrease the

showing everyday scenes from the Nazi period in Styria. Based on this visually recorded history, the artist extended an invitation to the reading public: 24 images, with additional texts by the representatives of the Styrian state parliament, were to be selected. However,

the installation of the sculptural objects on site was rejected by four Styrian communities and two locations in Graz. The FPÖ party politician responsible for Road Administration categorically declined their erection four years after the memorial concepts were presented to parliament, in June 2014 — despite several petitions having been submitted that the authorization to install the works be extended. Jochen Gerz concedes the capacity of authorship to the public, and not just in this project. Public input is a central concern for the artist, who sees hermetically sealed memorial sculptures as problematic. The publication looks both at the current project “63 years after” and the unique piece “The Geese of Feliferhof” * — planned for Graz but not carried out — as well as his international works including “Monument against Fascism” * in Hamburg-Harburg, which was lowered into the ground to make it disappear, “Square of the invisible Monument” in Saarbrücken, or the “The living Monument of Biron”.

Arbeit mit der Öffentlichkeit / work with the public. 63 Jahre danach / 63 years after. Jochen Gerz Editor Werner Fenz Texts Paolo Bianchi, Werner Fenz, Heimo Halbrainer, Barbara Markovi´c, Milica Tomi´c Design Michael Neubacher Details German / English, Paperback, ca. 192 pages, 24,5 x 19 cm Euro 28,– ISBN 978-3-903004-95-5

Kunsthaus Graz 26.2. – 1.5.2016

1) Constantin Luser, Royales Scheitern, 2014, photo: Mario Gastinger 2) Constantin Luser, H8: Ja, was ja? Kingswood, 2015, photo: Sophie Thun 3) Constantin Luser, Rotationsquintett, 2006, photo: Markus Rössle 4) Constantin Luser, H3: Das Inselkollektiv, Versenkungen, 2015, photo: Sophie Thun

Ausstellung / Exhibition

Constantin Luser Musik zähmt die Bestie Music Tames the Beast

Die Ausstellung im Kunsthaus Graz ist eine umfassende Personale des österreichischen Zeichners und Künstlers. Im Zentrum steht der Gedanke einer Umwandlung der Zeichnung in die physisch erfahrbare Welt des Raumes, bestehend aus Haptik, Klang und Bewegung. Zur Ausstellung erscheint der erste umfangreiche Katalog von Constantin Luser. Zahlreiche Abbildungen dokumentieren sein bisheriges Schaffen, die Ausstellung „Musik zähmt die Bestie“ wird durch Installationsansichten abgebildet. Ausgewählte Texte von Kuratoren und Wegbegleitern Lusers werden erstmals publiziert. Zudem wird in einem Kapitel des Katalogs das Netzwerk vom Instrumentenbauer (Alois Mayr) über den Komponisten (Peter Jakober), den BandoneonStimmer (Carsten Heveling), den

Fotografen (Markus Rössle) bis hin zum technischen Berater (Martin Huth), mit denen er über Jahre hinweg zusammenarbeitete, befragt, um die unterschiedlichen Perspektiven und Autorenschaften hervorzuheben, die ein ganz wesentlicher Aspekt in Lusers Schaffen sind. Neben den Ausstellungskuratorinnen Katrin Bucher Trantow und Katia Huemer, die einen einleitenden Text zur Ausstellung schreiben, kommen die folgenden internationale Autoren zu Wort und stellen Lusers Schaffen in einen zeitgenössischen Kunstkontext: Hans Ulrich Obrist, Bettina Steinbrügge, Fatos Üstek. The exhibition at Kunsthaus Graz is a wide-ranging solo show by the Austrian artist and drawer. At the core of his practice lies the notion of translating a

drawing into the physically experiential world of space, made up of surface feel, sound, and movement. The catalog accompanying this exhibition provides the most comprehensive overview of the artist’s work to date. Numerous illustrations document his work thus far, with the exhibition shown in installation views. Select texts by curators and companions of Luser’s are published here for the first time. In addition, one chapter of the volume provides a platform for the artist’s network, from the instrument maker (Alois Mayr) to the composer (Peter Jakober), the bandoneon tuner (Carsten Heveling), the photographer (Markus Roessle) to the technical advisor (Martin Huth) with whom Luser worked over many years — hereby emphasizing the different perspectives and authorships that are an integral part of Luser’s work. An introduction is provided by the two curators of the exhibition, Katrin Bucher Trantow and Katia Huemer, with further articles by international authors Hans Ulrich Obrist, Bettina Steinbrügge, and Fatos Üstek placing Luser’s work in a contemporary artistic context.

Constantin Luser. Musik zähmt die Bestie / Music Tames the Beast Editors Katrin Bucher Trantow, Katia Huemer Texts Thomas D. Trummer, Hans-Peter Wipplinger, Helge Timmerberg, Daniel Baumann, Katrin Bucher Trantow, Katia Huemer, Hans Ulrich Obrist, Fatos Üstek Interview Bettina Steinbrügge with the artist Design Lichtwitz – Büro für visuelle Kommunikation Details German / English, 152 pages, Paperback, 28 x 22 cm Euro 29,90 ISBN 978-3-903004-88-7

Ausstellung / Exhibition

Kunsthaus Graz 11.3. – 21.8.2016

Das Kabinett des Malers The Painter’s Cabinet

Terry Winters

im Dialog mit der Natur Dialogue with Nature

1) Terry Winters, Area Unit, 2010, oil on linen, 168 x 213 cm 2) Terry Winters, Model Subjects, 2010, oil on linen, 224 x 285 cm

Der Katalog stellt Terry Winters Arbeiten in den Kontext der Objekte der naturkundlichen Sammlungen des Universalmuseums Joanneum. Ein eigens für das Projekt errichteter Pinterest-Account, der Winters Recherchen und Inspirationsmaterialien dokumentiert, findet Eingang in den Katalog. Im Austausch mit dem Dichter und Gründer der InternetPlattform UbuWeb, Kenneth Goldsmith, sowie mit dem österreichischen Schriftsteller Ferdinand Schmatz entstehen zwei konzeptuelle Texte, die aus unterschiedlichen Blickwinkeln Terry Winters Werk literarisch einbetten. Einen weiteren Text, der den Fokus auf die Ausstellung legt, schreibt Kurator Peter Pakesch.

The catalog places Terry Winters’ works in the context of the objects in the scientific collections of Universalmuseum Joanneum. A Pinterest account created especially for the project and documenting Winter’s research and source materials has also found inclusion in the catalog. Two conceptual texts originating from an exchange between the artist and Kenneth Goldsmith, poet and founder of Internet platform UbuWeb, and Austrian writer Ferdinand Schmatz provide a literary backdrop to, and different viewpoints on, Terry Winter’s work. A further text focusing on the current exhibition is provided by curator Peter Pakesch.

Das Kabinett des Malers / The Painter’s Cabinet. Terry Winters im Dialog mit der Natur / Dialogue with Nature Editor Kunsthaus Graz Texts Kenneth Goldsmith, Peter Pakesch, Ferdinand Schmatz Design Lichtwitz – Büro für visuelle Kommunikation Details German / English, 152 pages, Paperback, 28 x 22 cm Euro 29,90 ISBN 978-3-903004-89-4

Erstmals wird die international bekannte Künstlerin und Schriftstellerin Heather Phillipson mit einer Einzelpräsentation in Deutschland vorgestellt. Für die frei zugängliche Rotunde der SCHIRN hat Phillipson eine MultimediaInstallation realisiert. In ihren Arbeiten spielt das Medium Video eine zentrale Rolle, das sie zusammen mit Fotografien, Objekten, Performance, Sound und Stimme zu Installationen erweitert. Phillipson setzt die Sprache gegen die vermeintlich überwältigende Macht und Komplexität digitaler Bildinformationen ein. Das poetische Zusammenspiel von Sprache und Bild ergibt einen neuen Blick auf die Dinge, die den Menschen im täglichen Leben umgeben und seinen Alltag beeinflussen. For the first time in Germany, the internationally renowned artist and author Heather Phillipson presents a multimedia installation within the scope of a solo exhibition. Phillipson developed

a presentation for the SCHIRN’s freely accessible Rotunda. The medium video plays a key role in her works, which she enhances with the use of photographs, objects, performance, sound, and voice to become installations. Phillipson uses language to counter the reputedly overwhelming power and complexity of digital image information. The poetic interplay between language and image gives rise to a new look at the objects that surround people and have an impact on their everyday lives.

Ausstellung / Exhibition

Schirn Kunsthalle Frankfurt 20.11.2015 – 7.2.2016 Heather Phillipson EDITOR Matthias Ulrich, Max Hollein PREFACE Max Hollein INTERVIEW Matthias Ulrich with Heather Phillipson DESIGN Heike Stumpf DETAILS German / English, Paperback, 96 pages, 30 ills. in color Euro 18,– ISBN 978-3-903004-86-3

1–3) Heather Phillipson, exhibition views, details, „Heather Phillipson – Eat Here“, Schirn Kunsthalle Frankfurt, 2015/2016, photos: Norbert Miguletz, @ Heather Phillipson

Heather Phillipson

Alicia Paz Der Garten der Torheiten The Garden of Follies Ausstellung / Exhibition

1) Alicia Paz, „Riese“ / „Giant“, 2013, photo: Stephen White

2) Alicia Paz, „Düstere Flora“ / „Dark Flora“, 2011, photo: Stephen White

Kunstmuseum Kloster Unser Lieben Frauen Magdeburg 29. 11. 2015 – 6. 3. 2016

Alicia Paz, aufgewachsen in Mexiko, Studium in Kalifornien, Paris und London, steht mit ihrem künstlerischen Lebensweg für die durchlässigen Grenzen unserer Zeit und für die damit verbundenen kulturellen Überschneidungen, Reflexionen und Spiegelungen. Die in ihren Gemälden, Papierreliefs und neuerdings auch Cut-out-Skulpturen auftretenden Frauenfiguren entwickeln aus einer Melange von Stilmitteln und Motivfragmenten ein Rollenspiel mit schillernden Identitäten. Die Publikation ist eine Darstellung des malerischen Werks der letzten Jahre und zugleich eine ins Buch transformierte, sichtbar und greifbar gemachte Begegnung mit ihrem künstlerischen Denken. Die Anwendung von Bildüberlagerungen, Stanzen, Glittereffekten und Spezialpapieren verleiht dem Buch Objektcharakter.

Alicia Paz grew up in Mexico and studied in California, Paris, and London. Her paintings seem infused with the interplay of impressions gathered at all of these stations—and her life path as an artist is exemplary for our time, with its borders and the cultural overlaps, mutual contemplations, and reflections connected to this phenomenon. The invariably female personages appearing in her paintings, paper reliefs, and recently also favored medium of cut-out sculptures create a role-play of iridescent identities. The catalog book provides both an overview of her painterly oeuvre of the recent years and an opportunity for readers to engage with her artistic thought process, which is visualized and made concrete here. By employing pictorial overlaps, punching, glitter effects, and special paper inlays, the book operates with a similar diversity in terms of visual components as the art works do, hereby giving this catalog a decidedly object-like character.

Alicia Paz. The Garden of Follies Editors Annegret Laabs, Uwe Gellner Texts Uwe Gellner, Annegret Laabs, Jeannette Louie Design Fraser Muggeridge Studio Details German / English, Paperback, 104 pages, 31 x 22 cm Euro 29,90 ISBN 978-3-903004-91-7

1) A thing is a hole in a thing it is not, 2010, fivechannel video installation, Courtesy the artist, Lisson Gallery, London; Galerie Nordenhake, Stockholm; Kerlin Gallery, Dublin 2) New sexual lifestyles, 2003, three-channel video installation, photographs, 124 x 150 cm, Courtesy the artist and Lisson Gallery 3) Why it’s time for Imperial, again, 1998-2002,

Ausstellung / Exhibition

ACCA Australian Center for Contemporary Art, Melbourne 2016

Gerard Byrne

A Late Evening in the Future Symbolcover

videostill aus Single-channel video installation Courtesy the artist 4) Homme à femmes (Michel Debrane), 2004, single-channel video installation, Courtesy the artist 5) 1984 and beyond (2005-07), three-channel video installation, vinyl wall text, silver gelatine prints, Courtesy the artist and Lisson Gallery

Nach zahlreichen Einzelausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen bot „A Late Evening in the Future“ 2014 im FRAC des Pays de la Loire und 2015 im Kunstmuseum St.Gallen erstmals die Möglichkeit zu einer vertieften Begegnung mit dem Werk eines herausragenden Vertreters der Gegenwartskunst. Dabei verweist der Titel auf die unterschiedlichen Zeitebenen, die in Byrnes raumgreifenden Arbeiten aufeinandertreffen, um gleichsam Gegenwart zu konstituieren. Der Installation seiner komplexen Multimedia-Werke gilt dabei das grundlegende Interesse des Künstlers: Seine Inszenierungen nähern sich in räumlicher Strukturierung und zeitlichem Ablauf performativen Arbeiten. Die in enger Zusammenarbeit von Künstler und Grafiker Peter Maybury gestaltete, reich bebilderte Publikation thematisiert insbesondere diesen Aspekt der Inszenierung und eröffnet mit Beiträgen von Maeve Connolly und Tirdad Zolghadr einen Einblick in ein eigenwilliges künstlerisches Œuvre, das es in seiner inhaltlichen Vielschichtigkeit noch zu entdecken gilt.

Following numerous solo exhibitions and the participation in group shows, Byrne’s “A Late Evening in the Future”, shown in 2014 at the FRAC des Pays de la Loire and in 2015 at the Kunstmuseum St.Gallen, presented the first opportunity for a more in-depth encounter with the work of an outstanding representative of contemporary art. Here the title points to the different time levels that clash in Byrne’s expansive works in order to “create” the present as it were. The artist’s primary interest here is the installation of complex multimedia pieces: his presentations go far beyond the usual conventions of multimedia works, and in terms of spatial structure and temporal sequencing are closer to a piece of performance art. The lavishly illustrated publication that is the fruit of close cooperation between the artist and graphic designer Peter Maybury focuses particularly on this aspect of the presentation, and with essays by Maeve Connolly and Tirdad Zolghadr offers key insights into a unique body of work that given the multifaceted nature of its content leaves much more to be discovered.

Gerard Byrne. A Late Evening in the Future Editors FRAC des Pays de la Loire, Kunstmuseum St.Gallen, ACCA, dem Australian Centre for Contemporary Art in Melbourne Texts Maeve Connolly, Tirdad Zolghadr Design Peter Maybury Details German / English, Hardcover with jacket, 30 x 29 cm ca. Euro 35,– ISBN 978-3-903131-01-9

Which city in the world has the highest density of private contemporary art museums?

317

Which country?

#2 Germany

#1 South Korea

#3 United States

#5 Italy

#4 China What is the motivation for an art collector to open a private museum?

35% Over

Average Age of Museum Founder

20,000 Visitors per Year 19%

Female

What is the average size of private art museums and81% Male on which budget are they operating? 18

Private Art Museum Report 35%

More than 20,000

19% Less than 2,500

20% Between 2,500 - 5,000

26% Between 10,000 - 20,000 NUMBER OF VISITORS PER YEAR

Der „Private Art Museum Report“ ist die erste Studie über den globalen Stellenwert von privat gegründeten zeitgenössischen Kunstmuseen. Der Bericht zieht die größte private Kunstsammler-Datenbank der Welt, gegründet von Larry’s List, heran. Ergänzend wurde in Zusammenarbeit mit AMMA (Art Market Monitor of Artron), der größten Kunstmarkt-Informationsplattform in China, eine Umfrage durchgeführt, an der über 166 private Kunstmuseen weltweit teilgenommen haben. 37%

in this cluster the numbers can differ heavily. Museums such as the Fondazione Sandretto Re Rebaudengo hold top ranks with 90,000 to 100,000 visitors each year. The Zabludowicz Collection in London had 25,000 visitors in 2013, while the Saatchi Gallery welcomed around 1.5 million visitors in the same year.1 These numbers show that not only does the location eventually influence the visitor numbers, but also the degree of popularity of the museum. The Saatchi Gallery has the highest visitor numbers of all global private museums and is also the only private museum in the top 100 most visited museums.2 The lack of visitor can even lead to considerations to a relocation of a museum. Mega collector The “Private Art Museum Report” is the first study on the Francesca von Habsburg, who founded global significance of privately founded contemporary TBA21 in Vienna, art museums. The report recently draws on theannounced largest private that she might move her museum from Austria contemporary art collector database in the world, created to by Larry’s List, and an additional survey conducted with the Switzerland based on the low visitor figures, participation of over 166 private art museums worldwide, which are estimated to be around 10,000 per jointly executed with AMMA (Art Market Monitor of Artron), 3 annum. the foremost art-market intelligence in China.

OPENING DAYS

Less

50 -

101 -

201 -

INTERVIEW WITH WANG WEI

Private museums holding regular opening hours are in the majority with over 85% of museums employing this method. Only 15% are accessible by appointment only, which is a more favored model, particularly in the United States, France, and Greece. Regarding the scope of annual opening days, 33% only a small portion or 7% of private museums are open for less than fifty days per year, as opposed to 9% that are open for fifty to one 14% hundred days per year. Regardless, statistics Private Art Museum Report EDITORs Larry’s List Ltd., AMMA PREFACE Larry’s List, AMMA TEXTS Claire Bouchara, Max Bossier, Dr. Christine Howald, still Shashashow Liu, Christoph Kaisha Woo, Cuiyun Xu DESIGN that Noe, over 70% of these private Karen Wong DETAILS English, 106 pages, Paperback, 27 x 20 cm Euro 38,– ISBN 978-3-903004-94-8 institutions open their doors for more than two hundred days per year. 19 For a number of museums, a development Name: Wang Wei and Liu Yiqian Location: Shanghai, China Museum name: Long Museum Pudong, Long Museum West Bund Founding year of the museum: 2012 (Long Museum Pudong), 2014 (Long Museum West Bund) Interests: Traditional Chinese art, modern and contemporary Chinese art, contemporary European art Artists collected: Zao Wou-Ki, Zeng Fanzhi, Ding Yi, Mark Rothko, Amedeo Modigliani, Liu Ye

The Long Museum has two venues: one in Pudong and the other in the West Bund. Why build two museums in one city? When my revolutionary paintings were exhibited in the Shanghai Art Museum, I came to realize that I needed to build a museum. The purpose was simple, that is, to share the collections belonging to my husband and me with a wider audience. I once said that artwork becomes nothing but objects if placed in a storage room, and it won’t help people understand their cultural significance and charm. So after further discussion with my husband, we built the first museum in Pudong. The museum’s first exhibition brought together more than three hundred pieces of artwork, and since then we have organized a series of exhibitions from our own collection as well as works by outstanding artists. After the success of the Pudong museum, Sun Jiwei, the Communist Party of China secretary of the Xuhui District, invited me to open another museum in the West Bund Cultural Corridor. I thought that it would be both an opportunity and a challenge. Built and designed by Chinese architect Liu Yichun, the hall on the first floor is suitable for large-scale exhibitions of modern art, owing to its wide spaces inside. The Pudong museum focuses on classics, academic studies, and cultural exchange, while the West Bund museum highlights

Wang Wei and Liu Yiqian

CHINA

modern and international perspectives such that they prosper on the art scene on either side of the Huangpu River.

Modern private museums were born in the West, and Chinese collectors can learn from them. But some private museums in China learned the hard way. What have you learned in the past three years? You said that the Long Museum is to be the Chinese answer to the Guggenheim Museum, so what do you think we can learn from the West? We have a young, energetic, and outstanding team. But the practical problem is that our team has no background in museum operation, and they are not experienced enough. I don’t think this is a problem for us alone. The lack of professional training of museum staff is a widespread problem in the creative industry in China. I believe that we need to learn how to improve the details of an exhibition, services, and academic management. I always participate in large exhibitions in the US, UK, and Europe. …I feel that new galleries are appearing in China and beyond. The concept of galleries and museums comes from the West, which has a long tradition of system establishment and exhibit arrangement. That is what we have to see and learn, and I will study overseas with some of our core workers on a regular basis.

MUSEO

Collector: Construct Architect: Size: 16,00 Collector r Location:

Artists in c

The new home to th FR-EE arc Arup and business ty of 70 millio of the larg which can museum: “ consists o whose mo works of Ro The surrou through a museum e meters hig its façade aluminum ceramic-tile Reflecting change th to either viewer’s st of the muse

1 2

Museo Sou Archdaily, h

Jana Gunstheimer

mal als Kuratorin und Innenarchitektin ihres eigenen Œuvres. Der Korpus dieses veritablen Künstlerbuches hat seinerseits architektonische Proportionen angenommen. The catalog transports readers into a building that is in different aggregate states. On the basis of texts and floor plans, the impression emerges that the edifice presented, which is sealed on the outside, is a sort of “Noah’s Ark for things,” an archive, or a collector’s house. In each chapter of the book, Gunstheimer sketches out a room in the rambling building.

Das Katalogbuch versetzt die Leser in ein Gebäude, das unterschiedliche Aggregatzustände annimmt. Anhand von Texten und Grundrissen entsteht der Eindruck, der vorgestellte, nach außen verschlossene Bau wäre eine Art „Arche Noah für Dinge“, ein Archiv oder das Haus eines Sammlers. Gunstheimer skizziert mit jedem Kapitel einen Raum des weitverzweigten Gebäudes. Dabei ist sie mal als Autorin und grafische Gestalterin tätig, 2

Jana Gunstheimer. Image in Meditation TEXTS Fritz Emslander, Falk Haberkorn, Markus Heinzelmann DESIGN Claudia Siegel, Jana Gunstheimer DETAILS German / English, 456 pages, Paperback, 17 x 13 cm Euro 32,– ISBN 978-3-903004-68-9

1) Bad Week, 2015, Courtesy of the artist, Galerie Conrads, Düsseldorf, Kromus + Zink, Berlin, Römerapotheke, Zürich © Jana Gunstheimer 2) Image by Day and Night, 2015, 2 parts, Courtesy the artist, Galerie Conrads, Düsseldorf, Kromus + Zink, Berlin, Römerapotheke, Zürich © Jana Gunstheimer

Image in Meditation

Olaf Metzel

1) Olaf Metzel, „Besiktas Jimnastik Kulübü“, 1995, Museum Ludwig, Köln, © Olaf Metzel, photo: Leonie Felle 2) Olaf Metzel, „dermaßen regiert zu werden“, 2015, © Olaf Metzel, photo: Leonie Felle, Munich

dermaßen regiert zu werden

Depicting society today and developing three-dimensional images in the process is the sculptural mission of artist Olaf Metzel. The desire to give shape to our time, to create visibility for current topics and thus to prompt a confrontation with presently important socio-cultural issues is at the heart of his work. “dermaßen regiert zu werden” (“being governed like that”, 2015) is the name of a new work, which alongside other large installations presents the highly varied oeuvre of this sculptor. In the piece, a social panorama peppered with moments in time opens before us, aesthetically capturing our era and, moreover, current discourse.

Unsere Gesellschaft abzubilden und dabei dreidimensionale Bilder entstehen zu lassen, ist das bildhauerische Anliegen des Künstlers Olaf Metzel. Der Wunsch, unserer Zeit eine Form zu geben, Sichtbarkeit herzustellen für aktuelle Themen und damit eine Auseinandersetzung mit gegenwärtig wichtigen soziokulturellen Fragen anzuregen, liegt seiner Arbeit zugrunde. „dermaßen regiert zu werden“ (2015) heißt eine neu entstandene Arbeit, die neben anderen großformatigen Installationen das vielseitige Werk dieses Bildhauers repräsentiert. Es eröffnet sich darin ein mit Zeitmomenten gespicktes Gesellschaftspanorama, das ästhetisch unsere Ära und darüber hinaus unsere gegenwärtigen Diskurse einfängt. Olaf Metzel. dermaßen regiert zu werden EDITOR Neues Museum Nürnberg PREFACE Eva Kraus Jörg Heiser DESIGN Studio Johannes Bissinger DETAILS German / Englisch, 192 pages, Hardcover Euro 28,– ISBN 978-3-903004-77-1

TEXTS

André Butzer

136 so-called “N-Images”, produced from 2012 to 2014 and photographed by Steffen Krüger/Rangsdorf, are shown in a new artist’s book by André Butzer. Depending on the horizontal or vertical direction of their format, all paintings have been printed in the same size and put their own dimensions as well as the technical resolution of their staging in the respective studio situation into perspective. Without a doubt, the best artist’s book ever produced by André Butzer. Published by Harpune Verlag on the occasion of an exhibition at Kunstverein Reutlingen.

136 sogenannte „N-Bilder“, entstanden in den Jahren 2012–2014, fotografiert von Steffen Krüger/Rangsdorf, sind zum ersten Mal in einem neuen Künstlerbuch von André Butzer zu sehen. Alle Gemälde sind je nach ihrer horizontalen oder vertikalen Ausrichtung des Formats gleich groß abgedruckt und relativieren ihre eigenen Dimensionen sowie die technische Auflösung ihrer Abbildungen in der jeweiligen Ateliersituation. Dieses Künstlerbuch ist ein außergewöhnliches Druckwerk und mit Sicherheit das beste Künstlerbuch, das André Butzer je gemacht hat. Erschienen ist es anlässlich der Ausstellung „André Butzer“ im Kunstverein Reutlingen im Harpune Verlag. André Butzer PUBLISHERs Kunstverein Reutlingen, Harpune Verlag PHOTOGRAPHY Steffen Krüger DETAILS English, Paperback, 272 pages, 136 ills. in b/w, 16 x 11 cm Euro 15,– ISBN  978-3-903004-54-2

Jonathan Meese

Photo: Jan Bauer

Zeichnungen Drawings

Dieses Buch versammelt eine repräsentative Auswahl bisher unveröffentlichter Zeichnungen von Jonathan Meese aus allen Phasen seiner künstlerischen Aktivität und bietet so einen spannenden Einblick in sein zeichnerisches Werk. Der im Buch enthaltene Essay „Dr. No Private Meese und die Masken der Geschichte“ von Roberto Ohrt befasst sich erstmals ausführlich mit den Anfeindungen, denen der Künstler in der deutschen Öffentlichkeit in den letzten Jahren ausgesetzt war; sie führten 2013 sogar zu einer Anklage. Erschienen ist das Buch im Harpune Verlag anlässlich einer Ausstellung im 8. Salon 2015 in Hamburg/St.Pauli.

This book offers a representative selection of hitherto unpublished drawings by Jonathan Meese; they cut across all the phases of his work as an artist and thus give an exciting insight into his oeuvre of drawings. The book also features an essay by Roberto Ohrt entitled “Dr. No Private Meese and the Masks of History,” which deals extensively with the public animosity the artist has faced in recent years in Germany. It peaked in 2013, with his being sued. The book was published by Harpune Verlag on the occasion of an exhibition at 8. Salon in 2015 in Hamburg’s St. Pauli district.

Jonathan Meese. Zeichnungen / Drawings PUBLISHER Harpune Verlag TEXT Roberto Ohrt DETAILS German / English, Paperback, 64 pages, ills. in color, 19 x 25 cm Euro 22,– ISBN  978-3-903004-55-9

Isa Melsheimer

Werner Kallmorgens Plädoyer für ein „Kontrastbedürfnis“ im Gestalten, Betrachten und Erleben von Architektur ist Ausgangspunkt für Isa Melsheimers künstlerische Exkurse in die Hamburger Bau- und Stadtkultur. Mit Witz und Hintersinn nimmt sie dabei neben dem Ernst Barlach Haus noch weitere markante Gebäude von Kallmorgen ins Visier, erkundet deren funktionale Architekturen und deren teils dysfunktionale Geschichte(n). Werner Kallmorgen’s plea for a need for contrast in the design, observation, and experience of buildings is the starting point for Melsheimer’s artistic excursions into the architectural and urban culture of Hamburg. Apart from the Ernst Barlach Haus Isa Melsheimer wittily trains her sights on more of Kallmorgen’s striking buildings, sounding out their functional architecture and sometimes dysfunctional history.

Isa Melsheimer. Kontrastbedürfnis / Need for Contrast EDITOR Karsten Müller for Ernst Barlach Haus TEXTS Karsten Müller, Isa Melsheimer DESIGN Susanne Bax DETAILS German / English, Paperback, 86 pages, ills. in color, 27 x 21 cm Euro 20,– ISBN 978-3-903004-50-4

1) Exhibition view Ernst Barlach Haus, Hamburg, 2015, © Isa Melsheimer, photo: Andreas Weis 2) Postmoderne Ruine / Post-modern Ruin, 2013, reinforced concrete, porcelain, Courtesy Esther Schipper, Berlin, Galerie Jocelyn Wolff, Paris, and Galerie nächst St. Stephan Rosemarie Schwarzwälder, Vienna

Kontrastbedürfnis / Need for Contrast

Clare Goodwin Constructive Nostalgia Die Gemälde von Clare Goodwin sind – auf Linien, Formen und Muster reduziert – formal präzise Hard-Edge-Kompositionen. Die Betitelung der Werke mit englischen Namen, die in der Vergangenheit gebräuchlich waren, erweitert das nüchterne Feld der geometrischen Abstraktion um Humor und Intimität. Der Katalog eröffnet einen Dialog zwischen neueren Gemälden und einer Auswahl älterer Arbeiten sowie aktuellen plastischen Werken und Objekten, eingebettet in räumliche Environments. Das 1:1-Verhältnis ist ein Schlüssel zu allen Goodwin’schen Arbeiten, d.h., alles Dargestellte hat die gleiche Größe wie in der Realität. Dieses Konzept wurde auch für die Publikation angewendet, für welche Clare Goodwin eine Serie von 48 farbigen Gemälden produziert hat, die im genauen Größenverhältnis von 1:1 abgedruckt sind.

Joan, 2015, Acrylic/acrylic ink on canvas, 70 cm x 50c m

Clare Goodwin’s paintings—reduced as they are to lines, shapes, and patterns—are formally precise, hard-edge compositions. Entitling the works with English names that were commonplace in the past instils the sober sphere of geometric abstraction with humor and a sense of intimacy. The catalog fosters a dialog between newer paintings and a selection of older works, as well as current sculptural works and objects embedded in spatial environments. An insistence on life-scale representation is key to all of Goodwin’s works, i.e. everything depicted is the same size as in reality. This concept has also been applied to the publication, for which Clare Goodwin has produced a series of 48 colored paintings that have been printed in a precise 1:1 size ratio.

Clare Goodwin Editor CentrePasquArt Biel / Bienne Texts Rebecca Geldard, Daniel Morgenthaler INTERVIEW Felicity Lunn with Clare Goodwin Design Norm, Zurich Details German / English / French, Hardcover, 80 pages, 30 x 20 cm Euro 26,– ISBN 978-3-903004-78-8

Eduardo Arroyo Die Schweizer Kapitel The Swiss Chapters

Ausstellung / Exhibition

Kunstmuseum Thun 14.5. – 7. 8. 2016

Die Publikation thematisiert einerseits Eduardo Arroyos Schaffensweise und die Wirkung seiner kritisch gedachten Kunst während und nach Francisco Francos Regime. Dabei spielt die Serialität und Interdisziplinarität in Arroyos Werken eine wichtige Rolle. Darüber hinaus wird ein besonderes Augenmerk auf Eduardo Arroyos Bezug zur Schweiz gelegt. So soll ausgewählten Freunden des Künstlers das Wort übergeben werden: Peter Stämpfli, der eine persönliche Freundschaft zum Künstler pflegt, erzählt von deren Beziehung. Auf die Wirkung seiner Schaffensweise geht David Lemaire in seinem Aufsatz ein. Fabienne Di Rocco hat Sujets aufgegriffen, die von Besuchen in der Schweiz inspiriert wurden.

The publication focuses firstly on Eduardo Arroyo’s artistic approach and the impact his conceptually critical art had during and after Francisco Franco’s regime. Seriality and interdisciplinarity hereby play a central role in Arroyo’s oeuvre. Furthermore, special attention is given to Eduardo Arroyo’s relationship

with Switzerland. Select friends of the artist were asked to contribute: Peter Stämpfli, a close confidant of the artist, tells of their relationship. An essay by David Lemaire looks at the effects of the artist’s way of working. Fabienne Di Rocco looks at subject matter inspired by the artist’s visits to Switzerland.

Eduardo Arroyo. Die Schweizer Kapitel / The Swiss Chapters Editor Helen Hirsch for Kunstmuseum Thun Helen Hirsch, Eduardo Arroyo, Fabienne Di Rocco, David Lemaire Design B & R, Visuelle Gestaltung Details German / English, Hardcover, 152 pages, 24 x 18 cm Euro ca. 28,– ISBN 978-3-903004-96-2

Texts

1) Eduardo Arroyo, (37) Guillermo Hotel, 1993, lithograph, 48 x 38 cm, Courtesy of the artist 2) Eduardo Arroyo, Voyage en Suisse, 2009, oil in canvas, 61 x 50 cm, Courtesy Galerie Louis Carré & Cie

Mel Ramos

1) Mel Ramos, Candy #1, 2014, photo: Innmedia Multimedia Productions, Graz, Austria © VG Bild-Kunst, Bonn, 2016 2) Mel Ramos, Hav-a-Havana #9 (Platinum), 2014, photo: Mel Ramos/Galerie Ernst Hilger, © VG Bild-Kunst, Bonn, 2016 3) Mel Ramos, Superman, 2014, photo: Mel Ramos/Galerie Ernst Hilger, © VG Bild-Kunst, Bonn, 2016

Exceptional Editions

Der amerikanische Künstler Mel Ramos übernimmt wie seine Malerkollegen Roy Lichtenstein und Andy Warhol Motive aus den Massenmedien und der Werbung. Ramos ist PopArt-Künstler, Maler von Pin-up-Girls, ein Vertreter des Abstrakten Expressionismus und sogar der amerikanische figurative Maler par excellence genannt worden. „Exceptional Editions“ ist die Ergänzung und Fortsetzung des 2013 erschienenen Werkvereichnisses „Mel Ramos. Exhibitional Prints“. Es umfasst alle Sondereditionen von Ramos – Skulpturen, Arbeiten auf Emaille, Leuchtkästen und Basrelief-Arbeiten sowie die neuerschienenen Grafiken seit 2013.

Like his fellow painters Roy Lichtenstein and Andy Warhol, US artist Mel Ramos takes on motifs from mass media and advertising. Ramos is Pop Art artist, painter of pin-up girls, a representative of Abstract Expressionism and has even been named the quintessential American figurative painter. “Exceptional Editions” complements and continues the catalog of works published in 2013 “Mel Ramos. Exhibitional Prints.” It includes all special editions by Ramos—sculptures, works on enamel, backlit frames, and bas-relief works— but also the prints published since 2013.

Mel Ramos. Exceptional Editions EDITOR Galerie Ernst Hilger TEXTS Ernst Hilger, Anke Wiedmann DESIGN Fuhrer DETAILS English, Hardcover 72 pages, 35 ills. in color, 30 x 23 cm Euro 39,– ISBN 978-3-903004-44-3

Ausstellung / Exhibition

LENTOS Kunstmuseum Linz 23.10.2015– 21.2.2016

1) Julia Krahn, „Mother and Daugther“, 2014, courtesy of the artist 2) Gabi Mitterer, „Den Scherben aufhaben (Wearing the potty)“, 2010, courtesy of the artist 3) Viktor Tischler, Mother and Daugther, 1920–1930, photo: Reinhard Haider 4) Judith Samen, „Untitled (Cutting bread)“, 1997, courtesy of the artist © Bildrecht, Vienna 2015 5) Hansel Sato, from the series, „Men“, 2011, courtesy of the artist

Rabenmütter Zwischen Kraft und Krise. Mütterbilder von 1900 bis heute

Super Mom oder kinderlos? Es scheint, als gäbe es kein selbstverständliches Muttersein mehr, nur Perfektion oder Verzicht. Doch die Mutterrolle hat viele Facetten: Freude, intensive Lebenserfahrung, Liebesbeziehung, Lernen, Übermut – aber auch Frust, Erwartungsdruck und Versagensangst. Im 19. Jahrhundert wurde Mutterschaft kaum in Frage gestellt, auch wenn die Überhöhung des Mutterglücks im krassen Gegensatz zur Realität stand. Erst mit Karrieremöglichkeiten für Frauen entstanden Alternativen zur Mutterschaft als Ziel eines erfüllten Lebens. Nicht erst die feministische Kunst der 1960er Jahre zeichnet realistische Bilder der Mutterrolle, sondern bereits am Beginn des Jahrhunderts entstehen Darstellungen sozialer Wirklichkeit und individueller Konflikte.

Der Katalog zeigt den Wandel der Mütterbilder von 1900 bis heute und die Verschiebung des Blicks der Kinder auf ihre Mütter. Super mom or childless? It almost looks as if there were no such thing any longer as motherhood pure and simple, as if all that is left is the choice between perfectionism and eschewal. Nevertheless, motherhood has many aspects: joy, an intense

experience of life, love relationship, learning, exultation, on the one hand, and, on the other, frustration, being weighed down by expectations and the fear of being inadequate to the task. In the 19th century motherhood was never called into question even if in actual reality the rewards often fell woefully short of projected ideals. It was only the advent of career openings for women that created alternatives to motherhood as a fulfilled life. Nor did we have to wait for 1960s feminist art to produce realistic portrayals of the mother’s role, but we find renderings of social reality and individual conflicts already as early as the beginning of the 20th century. The catalog showcases not only shifts in the stereotypes of motherhood from 1900 to today but also the changes in the perspective from which children see their mothers.

Rabenmütter. Zwischen Kraft und Krise. Mütterbilder von 1900 bis heute EDITOR Lentos Kunstmuseum Linz TEXTS Renate Berger, Sabine Fellner, Gertraud Klemm, André Müller, Elisabeth Nowak-Thaller, Stella Rollig, Barbara Vinken INTERVIEWS Hannah Winkelbauer with some of the artists DESIGN Martin Bruner DETAILS German, Hardcover, 192 pages, Euro 29,– ISBN 978-3-903004-63-4

K端nstler / Artists: Omar Abusaada Mohamed Allam Art Solution Tammam Azzan Nabil Boutros Noutayel Belkadhi Arslane Bestaoui Nabil Boutros Ayoub Jaouadi DAN23 Deyaa Irena Eden Stijn Lernout Hanane El Farissi El Kousha Puppets eL Seed JR Moufida Fedhila Faten Gaddes Reem Gibriel Revolution Spring Group Inkman Mouna Jemal Siala Helmut Kandl Johanna Kandl Halim Karabibene Huda Lutfi Wadi Mhiri Selma Ouissi Sofiane Ouissi Miriam Pace Anja Pietsch Hamdy Reda Faten Rouissi Raeda Saadeh Imen Smaoui transparadiso VA-JO Li Wei

1) SUPER TUNISIAN, Moufida Fedhila, St'art, 2011, Performance auf der Avenue Habib Bourguiba, Tunis © Moufida Fedhila 2) DREAM CITY, Shut up Son of the Bitch – Yao Ming Project, 2012, interaktive Plakatkampagne, Tunis © Mohamed Allam 3) LA CHRONOLOGIE, Patricia K.Triki & Christine Bruckbauer, 2011–2016, work in progress © Patricia K.Triki

The Turn Art Practices in Post-Spring Societies

The changes and new beginnings brought about by the Arab revolution have made an impact far beyond the Arab world. This democratic movement has also effected a paradigm change in local art practices, and artists have begun to claim public space and to act as agents of civil society. The publication documents several interventions and projects that took place in public spaces in urban and rural postrevolutionary Tunisia and embeds them into an extended theoretical context for the first time. Experts, art theoreticians, anthropologists and cultural activists from Tunisia, Libya, Egypt, and Syria report about artistic interventions in their countries and reflect critically on the role of art in periods of political transformation. 2

Die Arabische Revolution führte zu Um- und Aufbrüchen, die heute weit über die Region hinausreichen. Diese Demokratiebewegung brachte auch einen Paradigmenwechsel in lokalen Kunstpraktiken mit sich. Künstler treten in den öffentlichen Raum und werden zu Akteuren der Zivilgesellschaft. Die Publikation dokumentiert Interventionen und Projekte, die sowohl im urbanen als auch im ruralen öffentlichen Raum des post-revolutionären Tunesiens stattfanden, und stellt diese zum ersten Mal in einen erweiterten theoretischen Kontext. Kunsthistoriker, Soziologen, Anthropologen und Kulturaktivisten aus Tunesien, Libyen, Ägypten und Syrien erläutern in Textbeiträgen, welche Rolle die Kunst in Zeiten der politischen Transformationen spielt. 3

The Turn Art Practices in Post-Spring Societies EDITORS Christine Bruckbauer, Patricia K.Triki, Kunst im öffentlichen Raum Niederösterreich und Kunstraum Niederoesterreich PREFACE Katharina Blaas-Pratscher, Christiane Krejs TEXTS Jumana Al-Yasiri, Michael Anranter, Megan Barry, Christine Bruckbauer, Heba El-Cheikh, Heidi Dumreicher, Khaled Mattawa, Patricia K.Triki DESIGN Wolfgang Gosch DETAILS German / English, Hardcover, 128 pages, 24 x 17 cm Euro 26,– ISBN 978-3-903131-05-7

Mit / with:

Euro 32,– ISBN 978-3-938821-05-1

Euro 32,– ISBN 978-3-939738-79-4

Guido Baselgia Peter Bialobrzeski Olafur Eliasson Georg Gatsas Candida Höfer Axel Hütte Alfredo Jaar Daniela Keiser Boris Mikhailov Cat Tuong Nguyen Uriel Orlow Shirana Shahbazi Beat Streuli Mette Tronvoll u.a. / among others 1

Euro 32,– ISBN 978-3-86984-007-9

Die sechs „Welt-Bilder“-Kataloge präsentieren seit 2005 internationale Fotografen. Das langfristige Projekt der beiden Kuratoren Andreas Fiedler und Simon Maurer ist mit mittlerweile über tausend Seiten so etwas wie ein Kompendium der zeitgenössischen Fotografie. Die Kataloge versammeln 49 differenzierte, manchmal auch widersprüchliche Einsichten in einen unerschöpflichen Gegenstand. Since 2005 the six “World Images” catalogs have presented numerous international photographers. This long-term project by the two curators Andreas Fiedler and Simon Maurer represents something of a compendium of contemporary photography spread over a total of over a thousand pages. The catalogs gather 49 different, sometimes even contradictory, insights into an inexhaustible subject.

Euro 32,– ISBN 978-3-86984-217-2

Euro 32,– ISBN 978-3-86984-494-7

1) Annelies Strba, from Noonday, 2005–2014, Pigment Print 2) Marike Schuurman, Gold 2, 2009, Pigment Ink Print 3) Lina Scheynius, from diary, 2014, Silver Gelatine Print 4) Paul Graham, Pawn Shop, Ozone Park, New York, 2013, Pigment Ink Print

Weltbilder 6 Ausstellung / Exhibition

Helmhaus Zürich 11.12.2015 – 21.2.2016

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Wir sehen die Welt in Bildern und entwickeln daraus unser Weltbild. „Welt-Bilder“, eine Ausstellungsreihe über aktuelle, internationale Fotografie, bietet seit zehn Jahren Möglichkeiten, sich anderen und anderem, aber auch sich selbst anzunähern. „Welt-Bilder 6“ zielt auf den Menschen ab: Wie er sich orientiert und Halt sucht, wie er manipuliert und auf sich selber zurückgeworfen wird, wie er Gemeinschaft und sich selbst erlebt. Geografisch bereist die sechste Ausgabe von „Welt-Bilder“ alle fünf Kontinente und Halbkontinente mit Ausnahme von Australien. Es sind Bilder, die uns mit uns selbst konfrontieren. So machen sie zum Beispiel bewusst, dass in der Großstadt genauso wie im suburbanen Niemandsland und wie im Urwald ein Gefühl von Verlorenheit droht. Dass es aber auch darum geht, diesem Gefühl mit offenen Augen zu begegnen: sich in ein Verhältnis zu setzen mit dem, was verunsichert und manipuliert.

We see the world in pictures and develop our own view of the world from these. For ten years “World Images”, a series of exhibitions featuring contemporary international photography, has been offering opportunities to get closer to others but also to oneself. “World Images 6” targets the human being: how we gain orientation and find points of reference, how we manipulate and are forced to rely on our own resources, how we experience community and our sense of self. In geographical terms, the sixth edition of “World Images” covers all five continents and subcontinents with the exception of Australia. These are images that confront us with our very selves. Thus, for example, they make us aware that in big cities, just as in suburban no-man’s-land and indeed in a primeval forest, a feeling of forlornness threatens. However, the aim is also to confront this feeling with open eyes: to enter into a relationship with that which unsettles and manipulates.

Welt-Bilder 6 / World Images 6 Artists Shan Feiming, Gilles Fontolliet, Lukas Hoffmann, Flurina Rothenberger, Lina Scheynius, Marike Schuurman, Annelies Štrba Editor Helmhaus Zürich Texts Andreas Fiedler, Simon Maurer Design sofie’s Kommunikationsdesign AG Details German / English, Hardcover, 184 pages, 21 x 27 cm Euro 32,– ISBN 978-3-903004-82-5

Mit / with Ernst Caramelle Heinrich Dunst Herbert Hinteregger Luisa Kasalicky Michael Kienzer Ingo Nussbaumer Helga Philipp Gerwald Rockenschaub Peter Sandbichler Esther Stocker Sofie Thorsen Heimo Zobernig

Ausstellung / Exhibition

Kunsthalle Krems 12.3. – 19.6.2016

1) Herbert Hinteregger, „all over – store“, 2006, installation view, Georg Kargl Permanent, Vienna, photo: Lisa Rastl, Courtesy Georg Kargl Fine Arts, Vienna 2) Heimo Zobernig, „Ein Fernsehstudio für UTV“, 1999, installation view, Kunsthalle Wien, Vienna, 1999/2000, photo: Archiv HZ, Courtesy Heimo Zobernig 3) Ingo Nussbaumer, "Passages", 2010 (detail), installation view „Working Shade. Formed Light“, Humboldt-Universität zu Berlin, photo: Michael Goldgruber, Courtesy Ingo Nussbaumer

Abstrakt – Spatial Malerei im Raum

Der Katalog versammelt künstlerische Positionen, die jeweils auf spezifische Weise Malerei im Raum praktizieren und einander auf der Ebene der abstrakt-geometrischen Formensprache begegnen. Ihr gemeinsamer Nenner ist dabei sowohl in einer diskursiven, den Malereibegriff zu Skulptur und Installation hin ausdehnenden Herangehensweise als auch im räumliche Parameter spiegelnden, konstruktivistischen Vokabular zu finden. In den teilweise speziell für die Ausstellung konzipierten Arbeiten ist die Malerei und mit ihr das Bild jene Referenzgröße, die (auch) in der Verwendung anderer Medien analysiert wird. Die Zusammenschau dieser heterogenen Ansätze, die eine mitunter starke formale Nähe auszeichnet, ermöglicht eine Reflexion des spannungsreichen Beziehungsfeldes zwischen Malerei und ihren dreidimensionalen Nachbardisziplinen.

The catalog brings together a variety of artistic positions that each work with painting in space. All the approaches have one thing in common: they rely on an abstract-geometrical formal language. The common denominator between all of the artistic positions introduced here is that their discoursedriven methods extend the concept of painting as a medium into sculpture and installation, as well as establishing a Constructivist visual vocabulary that reflects spatial parameters. Some of the works included in the exhibition were conceived especially for this show. All of the approaches exhibited see painting and the image as the central reference value (also) reflected in their use of other media. The compilation of these heterogeneous positions, some of which nevertheless have strong formal links, makes a contemplation of the tense relational framework between painting and its threedimensional neighboring disciplines possible.

Abstrakt – Spatial. Malerei im Raum Editor Verena Gamper for Kunsthalle Krems Texts Brigitte BorchhardtBirbaumer, Hans-Christian Dany, Elena Esposito, Verena Gamper, Jörg Heiser, Manisha Jothady, Susanne Längle, Ilse Lafer, Fiona Liewehr, Andreas Müller, Walter Seidl, Angela Stief, Vitus Weh, Heimo Zobernig Design Alexander Rendi Details German / English, Hardcover, 192 pages and a supplement with exhibition views, 25,5 x 21 cm Euro 24,90 ISBN 978-3-903004-97-9

Joshua Groß / Hannah Gebauer

Faunenschnitt Mit seinem Erstlingsroman „Der Trost Ein temporeicher Roman, der von Telefonzellen“ betrat Joshua Groß begleitet wird von den mit Farbe und Licht spielenden Fotografien die Szene und begeisterte viele Leser. von Hannah Gebauer, von Bildern, „Magische Rosinen“, die zweite die Raum lassen für Geheimnis und Veröffentlichung, hat bereits mehrere Entdeckung. Preise erhalten (u. a. Bayerischer Kunstförderpreis 2014; Wolfram-vonWith his debut novel “Der Trost von Eschenbach-Förderpreis 2014). Auch in seinem neuen Roman erzählt Telefonzellen” (“The Solace of Telephone Booths”), Joshua Groß burst onto the Joshua Groß wieder eine außergescene to the delight of many readers. wöhnliche und großartig überdrehte Geschichte: „Faunenschnitt“ spielt im “Magische Rosinen” (“Magical Raisins”), hochsommerlichen österreichischen Salzkammergut und handelt von einem Nazi-Geheimnis und einer bissigen Muräne, von postmoderner Traurigkeit und einem abgestürzten Segelflugzeug, von der psychiatrischen Behandlung Thomas Middelhoffs, von Dalí-Skulpturen und einem vegan ernährten Hund, vom Leuchten der Berge bei Sonnenuntergang, von Freundschaft, Liebe und Paranoia. „Faunenschnitt“ schildert die Sinnsuche eines jungen Menschen in einer gewaltgeprägten Welt, von widerständigem Trotz und schlitzohriger Intervention.

his second book, has already won several prizes (including the Bavarian Prize for the Promotion of Fine Arts and the Wolfram von Eschenbach Promotional Prize, both in 2014). Not surprisingly, in his new novel Joshua Groß once again recounts an extraordinary and magnificently highly-charged story. “Faunenschnitt” (“Mass Extinction”) is set in Austria’s Salzkammergut region in high summer and tells the story of a Nazi secret and a snappy moray eel, of postmodern sadness and a crashed glider, of the psychiatric treatment of Thomas Middelhoff, of Dalí sculptures and a dog fed on vegan food, of the rosy glow of the mountains at sunset, and of friendship, love, and paranoia. “Faunenschnitt” outlines one young person’s quest for meaning in a world marked by violence, of brave defiance and sly intervention. A fast-paced novel accompanied by the interplay of color and light in Hannah Gebauer’s photographs, by images that leave room for secrecy and discovery.

Joshua Groß / Hannah Gebauer. Faunenschnitt Publisher starfruit publications Text Joshua Groß Photography Hannah Gebauer Design Timo Reger Details German, Paperback, ca. 160 pages ca. Euro 19,90 ISBN 978-3-922895-29-9

Peter Waterhouse / Nanne Meyer

Die Auswandernden

Der 2012 mit dem Großen Österreichischen Staatspreis ausgezeichnete Schriftsteller Peter Waterhouse gilt als „kompromissloser poetischer Forschungsgeist“ (Süddeutsche Zeitung), als ein „von Präzisionskunst heimgesuchtes Himmelskind“ (Friederike Mayröcker). Mehrere Jahre hat Waterhouse an seinem neuen Roman gearbeitet, und wie die Zeitumstände es wollen, ist er nicht nur ein großes Sprachkunstwerk, sondern auch von bedrückender aktueller Relevanz. Das Buch erzählt von der aus einem kaukasischen Dorf nach Österreich geflüchteten Media, von ihrem Ringen mit der fremden Sprache, den Abgründen eines Asylverfahrens, von absurd anmutenden Einvernahmen, Protokollen und Bescheiden, kafkaesken Ämtern und Gerichten. Gleichzeitig ist es ein Roman über die Liebe des Autors zu Menschen am Rande der Gesellschaft, und natürlich über seine Liebe zur Sprache, zu Wörtern und Wortklängen, zu Sinnverschiebung und Sinnerweiterung. Darüber hinaus ist dieses Buch das Dokument einer kongenialen Kooperation von Peter Waterhouse mit der Zeichnerin Nanne Meyer: Text und Bilder finden auf verblüffende Weise zueinander und schärfen die Sinne für die Wahrnehmung unserer Welt – einer ebenso kostbaren wie verletzlichen Welt.

Writer Peter Waterhouse, who was awarded the Grand Austrian State Prize in 2012, is described as “uncompromising, poetic and by nature inquisitive” (Süddeutsche Zeitung), and as a “child of heaven haunted by the art of precision” (Friederike Mayröcker). Waterhouse spent several years working on his new novel “Die Auswandernden” (“The Emigrants”) and, as circumstances dictated, it is not only a great work of linguistic art, but also of impressive topical relevance. The book tells the story of Media, who has fled from a Caucasian village to Austria, of her struggles with the foreign language, the abysmal depths of an asylum process, of absurd-seeming interrogations, protocols, and decisions, and Kafkaesque authorities and courts. At the same time, it is a novel about the author’s love for people on the fringes of society, and of course also about his love of language, of words, and the sounds of words, of shifts and expansions of meaning. Furthermore, this book documents the congenial collaboration between Peter Waterhouse and illustrator Nanne Meyer: text and images combine in an intriguing and bewildering way and heighten the senses through which we perceive our world – a world that is as precious as it is vulnerable.

Peter Waterhouse / Nanne Meyer. Die Auswandernden Publisher starfruit publications Text Peter Waterhouse Drawings Nanne Meyer Design Timo Reger Details German, Hardcover, ca. 320 pages, 58 ills. in color ca. Euro 32,00 ISBN 978-3-922895-28-2

KMD Didier Semin. Duchamp: Das Paradigma der humoristischen Zeichnung Didier Semin. Duchamp: The Paradigm of the Cartoon Marcel Duchamp gehörte zu Beginn seiner Karriere eher in die Welt der Karikaturisten als in die Welt der Maler, und seine Zeichnungen wurden von satirischen Zeitschriften veröffentlicht. Könnte es deshalb sein, dass wir im Paradigma der Karikatur (der effektiven Verknüpfung von Zeichnung und Bildlegende) die grundsätzliche Matrix der meisten seiner Werke wiederfinden? Didier Semin Nach dem Studium der Kunstgeschichte an der Universität Straßburg Konservator am Musée de l'Abbaye Sainte-Croix des Sables d'Olonne, dann am Musée d’art moderne de la Ville de Paris und schließlich am Musée national d’Art moderne (Centre Pompidou), Paris, wo er bis 1998 für die Sammlung zeitgenössischer Kunst verantwortlich war. Seit 1999 unterrichtet er an der École nationale supérieure des beaux-arts de Paris.

At the very beginning of his career, Marcel Duchamp frequented the world of cartoonists rather than that of painters. Indeed, his first drawings were published in satirical magazines. Might not the paradigm of the cartoon (the effective combination of caption and drawing) therefore be seen as the general matrix of most of his works? Didier Semin After graduating in art history at the University of Strasbourg he entered the profession of conservator, working initially at the Musée de l'Abbaye Sainte-Croix des Sables d'Olonne, then at the Musée d’art moderne de la Ville de Paris and lastly at the Musée national d’Art moderne (Centre Pompidou), Paris, where he was responsible for the collection of contemporary art until 1998. Since 1999 he has been teaching at the École nationale supérieure des beaux-arts de Paris. Didier Semin. Duchamp: The Paradigm of the Cartoon Editor Stefan Banz for KMD — Kunsthalle Marcel Duchamp | The Forestay Museum of Art Text Didier Semin Design Stefan Banz Details German / English / French, Hardcover, 116 pages, 13 ills. in b/w, 4 ills. in color Euro 25,– ISBN 978-3-903004-56-6

KMD Kunsthalle Marcel Duchamp The Forestay Museum of Art

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-241-7

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-328-5

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-240-0

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-294-3

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-327-8

Euro 20,–ISBN 978-3-86984-416-9

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-062-8

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-080-2

Marcel Duchamp verbrachte 1946 zusammen mit einer seiner Geliebten, Mary Reynolds, fünf Wochen in der Schweiz und davon fünf Tage am Genfer See. Er wohnte im Hotel Bellevue in Bellevue bei Chexbres, genau im Zentrum des Lavaux. Duchamp war beeindruckt vom Wasserfall Le Forestay und beschloss, ihn zum landschaftlichen Hintergrund seiner berühmten letzten Arbeit „Étant donnés“ zu machen. Als Hommage an den einflussreichen Künstler haben Caroline Bachmann und Stefan Banz an diesem Ort den Verein Kunsthalle Marcel Duchamp, Cully, ins Leben gerufen. Und das hier laut der Initiatoren geschaffene „kleinste Museum der Welt“ bekommt nun eine eigene Publikationsreihe: große Künstler im Kleinformat, in Anlehnung an Marcel Duchamps „Schachtel im Koffer“.

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-500-5

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-078-9

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-356-8

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-239-4

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-326-1

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-385-8

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-423-7

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-465-7

Euro 20,– ISBN 978-3-86984-079-6

Ausstellung / Exhibition

Kunstmuseum Thurgau, Kartause Ittingen, Warth 13.9.2015 – 16.5.2016

Art therapy operates on the interface between two systems of concepts and thought: art and psychiatry. This position between two different interpretative approaches constitutes both the potential and the problem of this form of therapy. Are the resulting works art or just material? Do they merit deeper aesthetic evaluation or can they be disposed of when the therapy has ended? This publication explores these unanswered questions on the basis of a previously unknown archive containing several tens of thousands of works from psychiatric hospitals.

Die Kunsttherapie agiert an der Schnittstelle zwischen zwei Begriffs- und Denksystemen: der Kunst und der Psychiatrie. Diese Position im Spannungsfeld zweier Interpretationsansätze macht das Potenzial aber auch die Problematik dieser Therapieform aus. Sind die hier entstehenden Werke Kunst oder nur Material? Sind sie einer vertieften ästhetischen Betrachtung wert, oder können sie nach Abschluss der Therapie entsorgt werden? „Kunst oder was?“ analysiert anhand eines bis dahin unbekannten Werkarchivs mit mehreren zehntausend Arbeiten aus psychiatrischen Kliniken diese offenen Fragen. 2

Kunst oder was? Bildnerisches Gestalten im Spannungsfeld von Therapie und Kunst Editor Markus Landert, Christiane Jeckelmann, Kunstmuseum Thurgau, Kartause Ittingen, Warth Texts Gerhard Dammann, Markus Landert, Rebekka Ray Design Urs Stuber INTERVIEW Silvio Lütscher with Christiane Jeckelmann and Markus Landert; Thomas Meng with Christiane Jeckelmann and Markus Landert Details German, Paperback with jacket, 204 pages, 17,5 x 24 cm, 120 ills. in color ca. Euro 35,– ISBN 978-3-903131-03-3

1) „Offenes Atelier Münsterlingen“, exhibition view, Kunstmuseum Thurgau, 2015, with works by Gudrun Meier und Niklaus Garbini

Bildnerisches Gestalten im Spannungsfeld von Therapie und Kunst

2) Der Froschteich, Collage, 29,9 × 40 cm, Atelier Bellevue

Kunst oder was?

1) Javier Téllez, Screenwriters, 2009, installation, Courtesy of the artist and Figge von Rosen Galerie, Cologne/Berlin, photo: Markus Krottendorfer 2) Exhibition view Halle für Kunst und Medien, Graz, , Künstlerhaus KM–, Halle für Kunst & Medien, photo: Markus Krottendorfer 3) Martin Ebner, Film ohne Film (after: Mirror Animations von Harry Smith 1957/79, Shift von Ernie Gehr 1972/74, Sailboat von Joyce Wieland 1968), 2013, Courtesy the artist, photo: Markus Krottendorfer

Wörter als Türen in Sprache, Kunst, Film Words as Doors in Language, Art, Film 1

Künstler / Artists: Michael Baers

Der Katalog zur internationalen Gruppenausstellung widmet sich dem gegenseitig durchdringenden Verhältnis von Schrift zu Kunst und Film. Die Ausstellung setzt vor der eigentlichen Produktion an, in der die grundlegende Konzeption des Films auf der Ebene von Schrift und Drehbuch im Wissen um die repräsentative Funktion von Sprache entwickelt wird. Sie ist ein Versuch, den Ausstellungsraum selbst als Projektionsfläche zu verstehen, um die materiellen und kulturellen Aspekte künstlerischer Produktion bewegter Bilder oder überhaupt deren Zustandekommen beleuchten zu können.

The catalog accompanying the international group exhibition is dedicated to the mutually permeating relationship of the written word with art and film. The exhibition starts out at a point prior to actual production, where the fundamental concept of film is developed on the level of the written word and the screenplay, with cognizance of the representative function of language. It reflects an attempt at understanding exhibition space itself to be a projection surface for illuminating the material and cultural aspects related to the artistic production of moving images, or to how they were created to begin with.

Rosa Barba Stephanie Barber Bernadette Corporation Pierre Bismuth Marcel Broodthaers Martin Ebner Sonja Gangl Mario Garcia Torres Renée Green Takahiko Iimura KRIWET David Lamelas Owen Land Sonia Leimer Jeanne Liotta Christian Mayer Maria Meinild Matthias Meyer Wolfgang Plöger John Smith Frances Stark Javier Téllez John Waters

Jennifer West

Wörter als Türen in Sprache, Kunst, Film / Words as Doors in Language, Art, Film Editor Sandro Droschl for Künstlerhaus, Halle für Kunst & Medien, Graz Texts Rainer Bellenbaum, Christian Egger, Olaf Möller Design Nik Thoenen, Maia Gusberti Details German edition / English edition, Paperback, 144 pages, 23,5 x 16,5 cm Euro 22,– ISBN (German edition) 978-3-903004-47-4 ISBN (English edition) 978-3-903004-90-0

1) Erik van Lieshout, Ohne Titel, 2015, Lebensmaske von Karl Markovics Vinyl und Marker auf Gips, Leihgabe der Caritas Wien, © Christian Mendez, Alexander Rosoli, KHM 2) Hans Schabus, Schubumkehrgehäuse (Vogeltränke), 2015, Lebensmaske von Robert Menasse, Bronze, Wasser, Beton, Stroh, Leihgabe der Caritas Wien, © Christian Mendez, Alexander Rosoli, KHM

Feiert das Leben! Elf Lebensmasken werden zu Kunst

Beim Projekt „Feiert das Leben!“ wurden prominente Persönlichkeiten aus dem künstlerischen und kulturellen Bereich eingeladen, zugunsten des Hospiz der Caritas in einen Dialog einzutreten: Was bleibt von uns, wenn wir gehen? Was ist uns wichtig im Blick auf die Endlichkeit des Lebens? Welche Spuren hinterlassen wir? Wie will ich sterben? So haben sich Barbara Coudenhove-Kalergi, Christiane Hörbiger, Karl Markovics, Robert Menasse, Cornelius Obonya, Arnulf Rainer, Barbara Stöckl, Michael Landau und Josef Zotter für das Abnehmen einer „Lebensmaske“ ihres Gesichtes zur Verfügung gestellt. Die

international renommierten Künstler Daniel Knorr, Erik van Lieshout, Teresa Margolles, Arnulf Rainer, Hans Schabus, Hubert Scheibl, Deborah Sengl, Daniel Spoerri, Kader Attia und Nives Widauer haben die Masken anschließend künstlerisch verarbeitet. Das Buch dokumentiert die Ausstellung der Lebensmasken in der Antikensammlung des Kunsthistorischen Museums in Wien.

we have gone? What is important to us knowing that life is finite? What traces do we leave? How do I wish to die? Barbara Coudenhove-Kalergi, Christiane Hörbiger, Karl Markovics, Robert Menasse, Cornelius Obonya, Arnulf Rainer, Barbara Stöckl, Michael Landau, and Josef Zotter all agreed to have a “life mask” made of their faces. Subsequently, renowned international artists Daniel Knorr, Erik van Lieshout, Teresa Margolles, Arnulf Rainer, Hans Schabus, Hubert Scheibl, Deborah Sengl, Daniel Spoerri, Kader Attia, and Nives Widauer put their artistic touches to the masks. The book documents the one-off exhibition of the masks in the Antique Collection of the Kunsthistorisches Museum in Vienna.

As part of the “Celebrate Life!” project prominent figures from the realms of art and culture were invited to engage in a dialog in aid of the Caritas Hospice: What remains of us when

Feiert das Leben! Editors Cathérine Hug, Robert Menasse PREFACES Sabine Haag, Michael Landau Texts Cathérine Hug, Manuela Laubenberger, Robert Menasse Design Karin Holzfeind Details German / English, Hardcover, 136 pages, 18 x 12 cm Euro 20,– ISBN 978-3-903004-62-7

1) Haruko Maeda, Franz Stephan von Lothringen / Francis Stephen of Lorraine, 2014/15, oil on canvas, Courtesy of the artist, photo: Marco Prenninger 2) Heiko Bressnik, Memento Mori – Portrait eines Schädels, 2002–2007, Courtesy of the artist, © Bildrecht Vienna

Das Letzte im Leben Einträge zu Sterben und Trauer 1765 bis heute Bis heute erinnern die Prunkräume der Innsbrucker Hofburg an den Tod von Kaiser Franz Stephan von Lothringen, der dort 1765 plötzlich verstarb. Im 250. Todesjahr bringt der Katalog zur großangelegten Ausstellung den aufwendigen Totenkult der Habsburger zurück und vergegenwärtigt unseren eigenen Umgang mit dem Tod. Er geht auf die Geschichte wie die Zukunft von Ritualen ein und der Topografie des Sterbens nach.

To this day, the staterooms in Innsbruck’s Hofburg remind us of the death of Emperor Francis Stephen, Duke of Lorraine, who died there suddenly in 1765. To mark the 250th anniversary of his death, the catalog for the exhibition highlights the elaborate death cult practiced by the House of Habsburg and brings to mind our own way of dealing with death. It presents the history and future of rituals and explores the topography of death.

Das Letzte im Leben. Einträge zu Sterben und Trauer 1765 bis heute EDITOR Brigitte Felderer in cooperation with Burghauptmannschaft Österreich, Tiroler Landesmuseen and Tiroler Hospiz-Gemeinschaft TEXTS Ilsebill Barta, Rosanna Dematté, Brigitte Felderer, Andreas Heller, Birgit Heller, Romed Hörmann, Anna Horner, Michaela Lindinger, Thomas Macho, Herlinde Menardi, Ernst Strouhal, Cosima Terrasse, Andreas Winkler DESIGN schienerld/ad DETAILS German, 128 pages, 80 ills. in color, Paperback, 24 x 17 cm Euro 22,– ISBN 978-3-903004-32-0

1995–2015 Jubilee

Die evn sammlung bietet nichts weniger als einen Überblick über das internationale Kunstgeschehen der letzten zwanzig Jahre. Der Jubiläumsband dokumentiert die lebendige Auseinandersetzung mit aktuellen künstlerischen Positionen wie u.a. Paweł Althamer, Phyllida Barlow, Thomas Demand, Mark Dion, Marlene Dumas, Peter Doig, Liam Gillick, Douglas Gordon, Carsten Höller, Mike Kelley, William Kentridge, Roman Ondák, Elizabeth Peyton, Anri Sala, Rudolf Stingel oder Rosemarie Trockel.

The evn collection shows nothing less than a comprehensive survey of the international art of the past twenty years. The publication to celebrate the jubilee attests to a lively exploration of cutting-edge art positions like Paweł Althamer, Phyllida Barlow, Thomas Demand, Mark Dion, Marlene Dumas, Peter Doig, Liam Gillick, Douglas Gordon, Carsten Höller, Mike Kelley, William Kentridge, Roman Ondák, Elizabeth Peyton, Anri Sala, Rudolf Stingel, Rosemarie Trockel, and others.

1995–2015 Jubilee. evn collection EDITOR EVN AG / evn sammlung TEXTS Brigitte Huck, Heike Maier-Rieper, Hans Ulrich Obrist, Markus Schinwald, Thomas D. Trummer, Wolfgang Ullrich IN SITU PHOTOGRAPHY Lisa Rastl a.o. DESIGN Christoph Steinegger / Interkool DETAILS German / English, 440 pages, Swiss brochure Euro 38,– IBSN 978-3-903004-52-8

1) Clegg & Guttmann, Magister Lidi (Collaboration with Martin Kippenberger), 1986 Cibachrome on MDF, 167 × 141 × 4,5 cm, photo: Clegg & Guttmann 2) Maurizio Cattelan Richard I., 1995, 23 x 9 x 22 cm, photo: evn sammlung 3) Evn headquarters, on-site-photography, 2012–2015 with: Maizena Nowak, Ohne Titel (Ball), 2011, oil on steel, ø ca. 80 cm, photo: Lena Deinhardstein

evn collection

Hg. / Ed. Franz Wojda

Das Sammeln zeitgenössischer Kunst Ein ganzheitlicher Ansatz

Dabei werden neben einer Gesamtbetrachtung der Kunstwirtschaft Themen wie das Kunstwerk selbst, die Orientierung am Kunstmarkt, Arten von Sammlern und der Sammlungsprozess mit den Entscheidungen über Schwerpunkte in der Sammlung bis hin zum Sammlungsbudget, die Präsentation und Verwaltung einer Sammlung und die rechtlichen und steuerlichen Rahmenbedingungen behandelt.

“Das Sammeln zeitgenössischer Kunst” (“Collecting Contemporary Art”) is a useful guide for all those art „Das Sammeln zeitgenössischer Kunst“ ist ein Ratgeber für collectors and art lovers who want to be able to rely on alle Sammler und Kunstbegeisterte, die sich mithilfe von instructions, practical insights, and tips when finding their Handlungsanleitungen, Erfahrungsberichten und Tipps feet in what is an ever more complex “art business”. In the book, in der immer komplexer werdenden „Kunstwirtschaft“ Franz Wojda takes his cue from a wish to achieve two things: bewegen wollen. Die Begeisterung spüren zu lassen, die highlight the enthusiasm that drives art collectors, and at the einen Kunstsammler treibt, und gleichzeitig einer Kunstsame time provide a rational basis for art collections. This sammlung eine rationale Verankerung zu geben sind die is likewise the approach behind the articles in the book by Ziele des methodischen Ansatzes von Franz Wojda und der international art and art market experts, and the interviews ergänzenden Artikel internationaler Experten für Kunst with important artists. Alongside an appraisal of the art und Kunstmarkt sowie der Interviews mit bedeutenden business as a whole, the guide also addresses topics such as Künstlern wie John M. Armleder, Erwin Bohatsch, Martin the work of art itself, how to find one’s way around the art Guttmann (Clegg & Guttmann), Erwin Federle, Katharina market, types of collectors, the collection process and decisionGrosse, Markus Huemer, Manuel Knapp, Brigitte Kowanz, making with regard to focal points of the collection, through to Karin Sander, Eva Schlegel, Esther Stocker, Günter Umberg collection budgets, presenting and managing a collection, legal oder Heimo Zobernig. parameters, and tax issues. Franz Wojda. Das Sammeln zeitgenössischer Kunst. Ein ganzheitlicher Ansatz Editors Franz Wojda, Werner Rodlauer Texts Winifried Bullinger, Katharina Garbers-von Boehm, Bernhard Hainz, Michael Huber, Stefan Kobel, Edelbert Köb, Harald Krämer, Doris Leutgeb, Alexander Oldenburg, Anders Petterson, Adriano Picinati di Torcello, Julien Robson, Nina Schedlmayer, Christoph Schimmer, Gernot Schuster, Franz Wojda, Stephan Zilkens Design Alice Burger Grafik + Typografie Details German, Paperback, 216 pages Euro 25,– ISBN 978-3-903004-66-5

Cover: Cover: Sofie Thorsen, Spielplastiken | Play Sculptures, 2013, detail, photo: Christian Wachter, Vienna 1) Sofie Thorsen, Spielplastiken | Play Sculptures, installation view, detail, tresor, Kunstforum Wien, 2013, photo: Christian Wachter, Vienna 2) Spielplastiken. Ruhe-Störung. Streifzüge durch die Welt der Collage | Play Sculptures. Disturbing the Piece. An expedition through the world of collages, installation view, detail, Marta Herford, 2013, photo: Hans Schröder, Herford 3) Slide, Arenbergpark, Vienna, 1958, photo: Courtesy Archiv Josef Schagerl, Vienna 4) Spielplastiken | Play Sculptures. Schnitt A-A’, installation view, detail, Kunsthaus Graz, 2012, photo: Nicolas Lackner / UMJ, Graz

Sofie Thorsen Spielplastiken Play Sculptures

Die Monografie rückt ein bislang kaum gewürdigtes Phänomen der Wiener Nachkriegszeit in den Fokus – von Künstlern gestaltete Spielplastiken für Kinder, die im Rahmen eines „Kunst am Bau“-Programms für den kommunalen Wohnbau initiiert wurden. Die avancierte Formensprache der Spielplastiken brachte ein seltenes utopisches Moment in die triste Architektur des Wiederaufbaus ein. Die Publikation präsentiert die umfangreiche Spurensuche von Thorsen, die die Typologie der Spielplastik als spezifische Verschränkung von abstrakter Skulptur, Architektur und Städteplanung, Ästhetik und Gesellschaft sowie Kunst und Spiel analysiert. Ausgehend von fotografischem Archivmaterial, setzt sie dieses mit internationalen Entwürfen von Egon Møller-Nielsen, Aldo Van Eyck oder Isamu Noguchi in Beziehung und verarbeitet es zu Fotografien, Collagen, Papierskulpturen und Installationen.

The monograph focuses on an artistic phenomenon in postwar Vienna that has been granted little recognition to date – playground sculptures for children. Artists created these as part of an “art-in-architecture” initiative for a communal housing scheme. The playground sculpture’s advanced shape injected a rare utopian element into the dull architecture of postwar reconstruction. The publication presents the extensive historical exploration into the typology of the playground sculpture Thorsen has conducted with her specific interweaving of abstract sculpture, architecture and urban planning, aesthetic and society, alongside art and play. Thorsen relies mostly on photographic archival material and places them in relation with international urban planning proposals by Egon Møller-Nielsen, Aldo Van Eyck, or Isamu Noguchi. From these she then makes photographs, collages, paper sculptures, and installations.

Sofie Thorsen EDITORS Heike Eipeldauer, Sofie Thorsen TEXTS Heike Eipeldauer, Mari Laanemets, Susan G. Solomon DESIGN Martha Stutteregger DETAILS German / English, 156 pages, Hardcover, 28 x 21 cm Euro 28,– ISBN 978-3-86984-505-0

Cover) Alfredo Barsuglia, „Trockenblumen“, 2014 1) Alfredo Barsuglia, „Fragmente“, installation view, Projektraum Viktor Bucher, Wien, 2013 2) Alfredo Barsuglia, „Social Pool“, Mojave Desert, CA / USA, 2014 (in Kooperation mit / in cooperation with MAK Center for Art and Architecture, Los Angeles) 3) Alfredo Barsuglia, „Wien, 17. Februar 2007“, installation view, Neue Galerie Graz, Universalmuseum Joanneum, Graz, 2010 4) Alfredo Barsuglia, „Hotel Publik“, Vorplatz Landesmuseum Ferdinandemum, Innsbruck, 2013-2014 all photos: Alfredo Barsuglia

Alfredo Barsuglia Rosa

Die Publikation „Rosa“ stellt das komplexe Œuvre vor, das Alfredo Barsuglia rund um Themen wie gesellschaftliche Normen und die Dechiffrierung von Realitäten entwickelt hat. Namhafte Autor kommen zu Wort, visuell verdichtet sich der Einblick in sein Schaffen in einer Grafik, die auf die Vielschichtigkeit des künstlerischen Werks Bezug nimmt. Der methodische Zugang Alfredo Barsuglias zeigt sich in codierten Hinweisen für weiterführende Interaktionen, so auch zwischen ihm und den Lesern von „Rosa“.

The publication “Rosa” presents the complex oeuvre that Alfredo Barsuglia developed around themes such as social norms and the deciphering of realities. Renowned writers explore the facets of his work, while the readers’ grasp of the artist’s creations is enhanced by a graphic design that illustrates the many-sided nature of his work. Alfredo Barsuglia’s methodology hinges on coded hints for further interactions, including between himself and the readers of “Rosa”.

Alfredo Barsuglia. Rosa Texts Janina Falkner, Anne Katrin Feßler, Lucas Gehrmann, Roman Grabner, Theresia Hauenfels, Barbara Horvath, Andreas Krištof, Maya McKechneay, Kimberly Nichols, Verena Oberauer, Helmut Ploebst, Jasper Sharp, Claudia Slanar, Stephanie Weber, Rolf Wienkötter, Marlies Wirth Design Zara Pfeifer, buero 8 Details German / English, Paperback with poster jacket, 224 pages Euro 28,– ISBN ISBN 978-3-903004-53-5

1) Ohne Titel, 280 x 200 cm, acrylic on canvas, 2013, Courtesy of the artist and Galerie Meyer Kainer Vienna, photo: Tina Herzl 2) Ohne Titel, 86,4 x 86,4 cm, acrylic on canvas, 2011, Courtesy the artist, photo: Barb Choit 3) Ohne Titel, 86,4 x 86,4 cm, acrylic on canvas, 2011, Courtesy the artist, photo: Barb Choit 4) Ohne Titel, 75 x 100 cm, acrylic on canvas, 2012, Courtesy of the artist and Galerie Meyer Kainer Vienna, photo: Tina Herzl

Stefan Sandner 1

Ausstellung / Exhibition

Die Ausstellung, die im Oberlichtsaal der Kunsthalle Krems den Fokus auf für diesen Anlass neu konzipierte und realisierte Arbeiten legt, soll durch die Publikation ergänzt werden. Die Präsentation in Krems versucht eine Verdichtung von Sandners aktuellem Schaffen, die eine diskursive wie spannende Auseinandersetzung mit dem Werk Sandners und dem Medium der Malerei als solches ermöglichen soll. Die Publikation bettet den Künstler in einen kunsthistorischen Kontext – wie Konzeptkunst und Minimalismus – ein und versucht darüber hinaus, die Bedeutung seiner Arbeit im Zusammenhang aktueller malerischer Tendenzen zu verdeutlichen und dabei besonders rezeptionsspezifische Blickwinkel einzubeziehen. Die Arbeiten der Ausstellung in Krems werden durch einen umfangreichen Überblick über die vergangenen Schaffensjahre des Künstlers erweitert.

Kunsthalle Krems 12.3. – 19.6.2016

This publication complements the exhibition in the Skylight Room at Kunsthalle Krems, which focuses on works conceived and realized specially for the presentation – by providing a broader and more in-depth perspective. The show in Krems aims to consolidate Sandner’s current approach and provides an exciting contribution to the discourse and analysis of Sandner’s work as well as of painting as a medium. The publication places the artist in an art historical context, one that encompasses Conceptual Art and Minimalism, while further clarifying the importance of his work in relation to current trends in painting. Indeed, it notably also integrates viewpoints specific to the reception of this medium. The works exhibited in Krems are expanded in this catalog by an extensive overview of the work the artist has produced in recent years and in earlier phases of his artistic career.

Stefan Sandner Editor Juliane Feldhoffer for Kunsthalle Krems Texts Juliane Feldhoffer, Chris Sharp Design Dorothea Brunialti Details German / English, Hardcover, 128 pages, 25,5 x 21 cm Euro 21,90 ISBN 978-3-903004-98-6

Anna Jermolaewa Good Times, Bad Times

1) Both White (After Valeria Mukhina), 2015, installation, Courtesy of the artist 2) Methods of Social Resistance on Russian Examples, 2012, video, Courtesy of the artist

Die Publikation zeigt Anna Jermolaewas (in St. Petersburg geboren, lebt und arbeitet seit 1989 in Wien) Arbeiten aus den letzten fünf Jahren. Der Schwerpunkt liegt auf den sehr persönlichen Projekten wie „Shopping with Family“ (2013), „Untitled (Gulag)“ (2012) oder „Methods of Social Resistance on Russian Examples“ (2012). In vielen Werken spielen Tiere eine entscheidende Rolle. Andrea Braidt schreibt über diesen Aspekt aus feministischer Perspektive und Ekaterina Degot nimmt die oppositionellen Bewegungen in Russland als Ausgangspunkt für ihren Text.

Born in St. Petersburg, Anna Jermolaewa has lived and worked in Vienna since 1989. The publication shows works from the last five years. The focus lies on highly personal projects such as “Shopping with Family” (2013), “Untitled (Gulag)” (2012), or “Methods of Social Resistance on Russian Examples” (2012). In many works animals play a decisive role. Andrea Braidt writes about this aspect from a feminist perspective and Ekaterina Degot’s bases her text on the opposition movements in Russia.

Anna Jermolaewa. Dobre czasy, złe czasy / Good Times, Bad Times EDITORS Anna Jermolaewa, Christiane Erharter TEXTS Andrea B. Braidt, Ekaterina Degot INTERVIEWS Anna Jermolaewa with Christiane Erharter; Anna Jermolaewa with Valeria Mukhina DESIGN Dorota Karaszewska, Maciej Sikorzak DETAILS English / Polish, Paperback, 96 pages, ills. in color, 24 x 18,5 cm Euro 25,– ISBN  978-3-903004-38-2

Corporate

Xu Zhen is one of the most virtuosic among the leading figures of a more recent generation of Chinese artists. This catalog focuses on the works produced by Xu Zhen since 2009 in conjunction with his firm, MadeIn Company. It addresses his engagement with art as a product both in the accompanying essays and in the provocative design. 1

Xu Zhen ist eine der virtuosesten Leitfiguren einer jüngeren Generation chinesischer Kunstschaffender. Der Katalog legt einen Schwerpunkt auf jene Arbeiten, die Xu Zhen seit 2009 mit seiner Firma MadeIn Company produziert, und greift sowohl in den Texten als auch in der provokativen Gestaltung seine Beschäftigung mit Kunst als Ware auf. 3

Corporate. Xu Zhen (Produced by MadeIn Company) PREFACE Peter Pakesch, Katrin Bucher Trantow Christopher Moore, Petra Pölzl, Philip Tinari INTERVIEW Katrin Bucher Trantow with Xu Zhen DETAILS German / English, Paperback, 28 x 22 cm Euro 29,90 ISBN 978-3-903004-51-1

TEXTS

1) Xu Zhen, Sphynxxxxxxxx, 2014, Courtesy of the artist and MadeIn Company, photo: Courtesy of the artist 2) Exhibition view, Sausage Voice, 2015, photo: Universalmuseum Joanneum/J.J. Kucek 3) Exhibition view Kunsthaus Graz, 2015, photo: Universalmuseum Joanneum/J.J. Kucek

Xu Zhen (Produced by MadeIn Company)

Stephanie Senge Konsumidealismus Idealistic Consumerism

1) Stephanie Senge, „Glad“, 2011, photo: Simon Vogel 2) Stephanie Senge, „Leinwand Demo“, 2011, Wilhelm-Hack-Museum Ludwigshafen, photo: Haubner Fotografie 3) Stephanie Senge, „Konstruktivistische Konsummöbel“, 2015, photo: Saskia Wehler

Stephanie Senge’s insights: It is not industry that is guilty of alienating things, but we ourselves. (Aus / from: Kunst für eine bessere Welt, von/by Gesine Borcherdt, Art Magazine, 12.2014)

Die Berliner Künstlerin Stephanie Senge setzt sich in ihrer künstlerischen Arbeit schon seit vielen Jahren mit der Warenwelt und unserem Verhältnis zu Gegenständen und Konsum auseinander. Sie möchte zu einem bewussten Umgang mit den Dingen einladen. In ihrer neuen Serie des „Konsumkonstruktivismus“ bezieht sie sich mit Bildern aus Verpackungen auf Ikonen der konkreten und konstruktivistischen Kunst. Es geht ihr um die Ästhetik des Alltags. Die Publikation selbst ist keine klassische Monografie, sondern als „KonsumObjekt“ konzipiert, für das Senge auf das Cover ihr „KonsumidealismusManifest“ geschrieben hat. Die Kunst kommt in den Supermarkt und der Supermarkt ins Museum!

Berlin artist Stephanie Senge has been dealing with the world of commodities and our relationship with objects and consumption in her artistic practice for many years now. She is concerned with inviting her viewership to enter into a more conscious relationship with the objects that surround us. Her new series, “Consumption Constructivism” references icons of concrete and constructivist art by employing images from product packaging. Senge is concerned with the aesthetics of everyday life. The publication itself is not a classic monograph, but is conceived as an “object of consumption”, for which Senge wrote her “Manifesto of Idealistic Consumerism” on the cover. Art invades the supermarket as the supermarket infiltrates the museum!

Stephanie Senge. Konsumidealismus / Idealistic Consumerism PUBLISHER Stephanie Senge, Museum für Konkrete Kunst, Ingolstadt TEXTS  Bazon Brock, Miriam Fuggenthaler, Simone Schimpf, Wolfgang Ullrich INTERVIEW Wolfgang Ullrich with Stephanie Senge DETAILS German / English, 336 pages, ills. in color, Hardcover, 20 x 15 cm Euro 30,– ISBN  978-3-903004-25-2

Neben seiner Beteiligung an dem Duo Böhler & Orendt arbeitet Christian Orendt (geb. 1980 in Sighisoara / Rumänien) kontinuierlich an einem eigenständigen zeichnerischen Werk. Seine dritte, als Künstlerbuch gestaltete Monografie enthält eine Auswahl der in den letzten Jahren entstandenen kleinformatigen Arbeiten auf Papier. In ihnen untersucht der Künstler die naheliegenden Alltäglichkeiten und die entlegensten Winkel der uns

umgebenden chaotischen Lebensrealität sowie die verzweifelten Versuche des Menschen, dieser eine sinnhafte Struktur zuzuschreiben. Größtenteils auf einem Zusammenspiel von Textund Bildelementen beruhend, dekonstruieren die abgebildeten Arbeiten die vermeintliche Sinnhaftigkeit des Realen und sind dabei meist gleichermaßen melancholisch, spöttisch, tragisch und komisch. Ein begleitender Textbeitrag von Michael Glasmeier reflektiert und kontextualisiert Christian Orendts künstlerisches Vorgehen.

Christian Orendt

1) Weltenenden, 2010, 29,5 x 22,5 cm

2) Der Geist des Aufbegehrens, 2010, 28,7 x 27,9 cm, Collection of Evangelische Landeskirche Bayern

Begeisterungsbereitschaftsbekundungsbedürfnislosigkeitszustand Alongside his involvement in the duo Böhler & Orendt, Christian Orendt (born 1980 in Sighisoara/Romania) works continually on the independent body of his own drawings. This, his third monograph designed as an artist’s book, contains a selection of pieces from this oeuvre, created over the last few years as small-format works on paper. In these works, the artist examines both the commonplace features and the furthest corners of the chaotic reality that surrounds us in life, as well as people’s desperate attempts to assign a meaningful structure to it. Largely based on the interplay between text and pictorial elements, the artworks depicted deconstruct the supposed meaningfulness of reality, and in doing so appear generally melancholy, derisive, tragic, and comic in equal measure. An accompanying essay by Michael Glasmeier reflects on and contextualizes Christian Orendt’s artistic approach.

Christian Orendt. Begeisterungsbereitschaftsbekundungsbedürfnislosigkeitszustand Michael Glasmeier Design Christian Orendt Details German / English, Flexcover, 112 pages, 28 x 21,5 cm Euro 20,– ISBN 978-3-903131-00-2 Text

TOMAK Malpractice

Nach einer Schaffensphase der vorwiegend Schwarzund Weiß-Fokussierung zeigt der österreichische Künstler TOMAK eine veränderte Herangehensweise an seine Werke. Neben den beeindruckenden Zeichnungen sind zahlreiche Gemälde und Skulpturen sowie performative Aktionen ausführlich mit Ausstellungsansichten und Atelierfotografien sowie Interviews und Textarbeiten dokumentiert. TOMAK ist selbst Teil seiner komplexen Kompositionen, und dies gilt nicht nur für die Selbstdarstellungen auf Papier oder Leinwand. Der Mythos wird von ihm gelebt, performed und zelebriert.

After a creative period during which he focused predominantly on black and white, Austrian artist TOMAK has changed the way he approaches his work. In addition to his impressive drawings, numerous paintings and sculptures as well as performative actions have been documented by means of exhibition views, studio photographs, interviews, and texts. TOMAK himself is part of his complex compositions, and that is not only the case in self-portraits on paper or canvas. He lives, performs, and celebrates the myth. 2

TOMAK. Malpractice TEXTS TOMAK, Roman Grabner, Elsy Lahner, Yoab Vera, Florian Rist PHOTOGRAPHY Alek Kawka, Martin Nussbaum, Bengt Stiller, Roland Kraus, Florian Rist, David Hausbacher DESIGN Alek Kawka, urschler+urschler DETAILS German / English, Paperback, 258 pages, 180 ills. in color, 96 in b/w, 30 x 22 cm Euro 38,– ISBN 978-3-903004-35-1

1) TOMAK, MDNA, 2014, photo: Alek Kawka 2) TOMAK, Nero - Noir, 2014, photo: Alek Kawka

TOMAK Das Schützenfest

AKTIONSRAUM LINkZ, with its vision of serving as a vibrant art venue, opened in January 2016 with a show by Viennese artist TOMAK. The accompanying publication documents more than just his new series of works: Confronting the historical dimension of the city of Linz, he produced complex networks of motifs and positions in tune with the times. Roman Grabner offers an introduction to the artist’s conceptual world and artistic interpretation, while Christian Strasser and Gabriele Spindler present the newly established autonomous art space in Linz’s Urfahr district.

1,3 + 4) TTOMAK, Kassette LINkZ, 2015, photos: Heidi Pein 2) TOMAK, Kassette LINkZ Gold, 2015, Blatt 4, photo: Heidi Pein

LINkZ zwo drei vier – Mit der Vision eines lebendigen Kunstdepots eröffnete der AKTIONSRAUM LINkZ im Jänner 2016 mit einer Ausstellung des Wiener Künstlers TOMAK. Die begleitende Publikation dokumentiert mehr als seine neue Werkreihe: Aus seiner Konfrontation mit der historischen Dimension der Stadt Linz entstanden vielschichtige Motiv-Vernetzungen und Positionen am Puls der Zeit. In die Gedankenwelt und Lesart des Künstlers führt Roman Grabner ein, Christian Strasser und Gabriele Spindler stellen den in Linz-Urfahr neu gegründeten autonomen Kunstraum vor.

TOMAK. Das Schützenfest EDITOR AKTIONSRAUM LINkZ TEXTS Dr. Christian Strasser, Roman Grabner, Gabriele Spindler, TOMAK PHOTOGRAPHY Heidi Pein, Roland Krauss DETAILS German, Paperback, 143 pages, 93 ill. In color, 11 ills. b/w, 20 x 25,5 cm Euro 28,– ISBN 978-3-903004-93-1

Tilo Schulz

A new series of so-called “capsule exhibitions” has been launched at Haus der Kunst in October 2014, to showcase not-yet-established artists. The first exhibition in the series featured a new production by Tilo Schulz. He used simple materials to create a room that audiences were able to experience in a visual, physical, and acoustic sense, and which simultaneously functions as a metaphor for displacement, borders, and control. The book reflects the various aspects of this piece: text, architecture. and movement. Lyrical text takes on a central function hereby—both as a spoken text on a vinyl LP as well as printed on the cards inserted in the book.

Das Haus der Kunst eröffnete im Oktober 2014 eine neue Serie, genannt „Kapsel-Ausstellungen“, in der noch wenig etablierte Künstler präsentiert werden. Den Auftakt bildete eine neue Produktion des Künstlers Tilo Schulz. Er schuf mit einfachen Materialien einen Raum, der optisch, physisch und akustisch erfahrbar war und als Metapher für Verdrängung, Grenzen und Kontrolle fungierte. Das Buch spiegelt die verschiedenen Aspekte der Arbeit wider: Text, Architektur und Bewegung. Der lyrische Text nimmt einen zentralen Platz ein – sowohl als gesprochener Text auf der Vinyl-LP als auch auf den Einlegekarten. Tilo Schulz. Schritt, Zwischen EDITORs Haus der Kunst, Munich, Federkiel, Munich PHOTOGRAPHY Maximilian Geuter DESIGN Ulrike von Dewitz DETAILS German / English, slipcase with records and 5 leporellos, 34 x 27 cm Euro 35,– ISBN 978-3-903004-57-3

1+2) Tilo Schulz, exhibition views, "Tilo Schulz. Schritt, zwischen", Haus der Kunst, Munich, 2014/2015, photos: Maximilian Geuter

Schritt, Zwischen

Birgit Knoechl

Out of control_revisited – the Autonomy of Growth_0IV, 2006/12, cut out installation, ink on paper, 355 x 458 x 155 cm, exhibition view, Albertina, Vienna

Aspects of Growth

Die Intention der Arbeit von Birgit Knoechl beruht im Wesentlichen auf der Erforschung eines erweiterten Begriffs der Zeichnung im Kontext räumlicher Fragen sowie der Visualisierung von organischen und anorganischen Wachstumsvorgängen. Aus Papier und Pappe schneidet sie zweidimensionale Cut-outs und re-sampled diese unter anderem zu dreidimensionalen Objekten. Es entstehen vielschichtige Liniengefüge – hybridartige Gebilde, die sich immer weiter auszudehnen scheinen. Auf diese Weise gelingt es der Künstlerin, die Flächigkeit der Zeichnung zu verlassen und sie stattdessen in raumgreifende, modulare Objekte und in ein Künstlerbuch zu überführen.

The essential thrust of Birgit Knoechl’s work is to explore an expanded notion of drawing in the context of spatial questions as well as the visualization of organic and inorganic growth processes. She takes paper and cardboard and creates two-dimensional cut-outs from them, re-samples these, turning them into three-dimensional objects, among other things. The result is a complex fabric of lines—hybrid shapes that appear to continually expand. In this way the artist manages to leave behind the flat surface of the drawing and instead translate it into expansive, modular objects and into an artist’s book.

Birgit Knoechl. Aspects of Growth TEXTS Julya Rabinowich, Ursula Maria Probst, Franz Thalmair, Jan Verwoert DESIGN Simona Koch DETAILS German / English, Paperback, 102 pages, 7 fold-out pages, 33 x 24 cm Euro 29,– ISBN  978-3-903004-59-7

Daniel Domig

2) My Brothers Name, Voice and Skin, 2014, oil on canvas, 190 cm x 150 cm

media. Domig was born in Canada in 1983, studied at the Academy of Fine Arts Vienna and now lives and works in Vienna. His monograph “The Quiet After Word” provides an extensive look at his work, with the main focus on his works of the last five years.

in Wien, wo er heute lebt und arbeitet. Mit „The Quiet After Word“ liegt eine umfangreiche Monografie mit den Arbeiten aus den letzten fünf Jahren vor. Daniel Domig’s painting has changed over the recent years. This has allowed for the works to gain an intensity and denseness seldom found in contemporary art contexts. He deliberately paints in a way that counters the cursory glance of fast-paced image consumption as shaped by digital 3

Daniel Domig. The Quiet After Word TEXTS Velten Wagner, Daniel Domig DESIGN Thomas Weitzman DETAILS German / English, Hardcover, 168 pages, ills. in color, 29 x 25 cm Euro 28,– ISBN  978-3-903004-21-4

1) The Sacrifice Walks On, 2014, oil on canvas, 170 cm x 155 cm

In den letzten Jahren hat sich die Malerei von Daniel Domig verändert. Ihre Lesbarkeit gewinnt dadurch eine Intensität und Dichte, wie sie nur selten im Kontext zeitgenössischer Kunst erlebt wird. Domig malt bewusst gegen den flüchtigen, von digitalen Medien geprägten Blick des schnelllebigen Bilderkonsums. Domig wurde 1983 in Kanada geboren, studierte an der Akademie der bildenden Künste

3) External, 2013, oil on canvas, 190 cm x 155 cm

The Quiet After Word

1) Werth, 2013, acrylic on canvas, 155 x 200 cm

2 + 3) Painting Conversation (Sophie, Dan & Sandro), 2014, acrylic on canvas, each 210 x 150 cm

4) Wir Zwei , 2014, acrylic on canvas, 190 x 150 cm

Dietmar Lutz

Dietmar Lutz offenbart metaphorische Impressionen von Privatsphären; zugleich sind seine Malereien reflektierte und durch kunsthistorische Verweise beeinflusste Beobachtungen, die der Frage nach der eigenen Rolle in der Welt nachspüren. Die Monografie wird erstmalig einen Einblick geben in die Frage der Vorlagen bzw. Bildfindungsprozesse und Methodik. Durch ein Interview, das Catherine Wood mit Lutz führte, wird die Leserschaft in seine Praxis eintauchen können. Die Publikation wird zudem durch analytische, kunsthistorische Texte von Robert Fleck sowie von der Kuratorin des Kunstvereins, Ute Stuffer, ergänzt. Werth, 2013

rei n, 2014

Acryl auf Baumwolle 155 x 200 cm

Acryl auf Leinwand 150 x 130 cm

Dietmar Lutz unfurls metaphorical impressions of private spheres. At the same time, his paintings are thoughtful observations infused with art historical references that pursue the question of our role in the world. This monograph provides both extensive images of the artist’s most recent works, as well as showcasing the reference materials used and visualizing his working processes and methods. An interview with Lutz, conducted by Catherine Wood, will give readers a deeper insight into this practice. This is complemented by analytical, art historical texts by Robert Fleck and Kunstverein curator Ute Stuffer. Pa i n t i n g c o n v e r s at i o n ( D a n & s a n D r o ) , 2 0 1 4

Acryl auf Baumwolle Diptych, je 210 x 150 cm

4 3 Pa in tin g con ve rs ation ( Da n & sa n Dro ) , 2014

Acryl auf Baumwolle Diptych, je 210 x 150 cm Wir ZW ei, 2 0 1 4

Acryl auf Leinwand 190 x 150 cm

Dietmar Lutz Editors Kathleen Rahn, Kunstverein Hannover, Hans-Jürgen Hafner, Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf Texts Robert Fleck, Kathleen Rahn, Ute Stuffer Interview Catherine Wood with Dietmar Lutz Design Adeline Morlon, Dietmar Lutz Details Hardcover, 160 pages, 30 x 23,5 cm ca. Euro 28,– ISBN 978-3-903004-37-5

1) Hartmut Skerbisch, „reden blattartig“, 1976, photo: Michael Schuster, © Estate Hartmut Skerbisch 2) Hartmut Skerbisch, Manfred Wolff-Plottegg, „Putting Allspace in a Notshall“, 1969/2012, installation view, media.art.collecting, Kunsthaus Graz, 2012, photo: UMJ, N. Lackner 3) Hartmut Skerbisch, „Toward the True Vision of Reality“ (detail), 1976, © Estate Hartmut Skerbisch

Hartmut Skerbisch Leben und Werk Life and Work

Hartmut Skerbisch (1945–2009) from Graz was one of Austria’s most distinguished contemporary visual artists. The volume is published in conjunction with the exhibition held at Kunsthaus Graz. From the outset, his focus lay on questions about space. Whether it is his first architectural designs, his media works, sculptures, or dialog with literature and music, the issue of space is always present. Electronic space removes places, brings the far-off nearer and redefines space—it attempts to lead us to our present.

Der Grazer Hartmut Skerbisch (1945–2009) war einer der profiliertesten bildenden Gegenwartskünstler Österreichs. Die Publikation erscheint anlässlich der Ausstellung im Kunsthaus Graz. Es sind Fragen des Raumes, die ihn von Beginn an beschäftigt haben. Egal, ob das seine ersten Architekturentwürfe, seine Medienarbeiten, Skulpturen oder seine Auseinandersetzung mit Literatur und Musik betrifft, die Auseinandersetzung mit Raum bleibt permanent gegenwärtig. Der elektronische Raum hebt Orte auf, bringt Fernes näher und definiert den Raum neu – er versucht uns an unsere Gegenwart heranzuführen.

Hartmut Skerbisch. Leben und Werk / Life and Work EDITOR Verein der Freunde von Hartmut Skerbisch Elisabeth Fiedler, Christine Frisinghelli, Rainer Fuchs, Günther Holler-Schuster, Franz Niegelhell, Regina Novak, Peter Pakesch, Ralph Schilcher, Georg Skerbisch, Martina Scholger, Fabian Wallmüller DESIGN Georg Skerbisch, Michael Neubacher DETAILS German / English, 336 pages, ills. in color and b/w, Paperback Euro 29,90 ISBN 978-3-903004-67-2

TEXTS

Irrwisch

Die Bilder und Zeichnungen von Jan Bräumer (geb. 1970) gewinnen ihren Reiz aus einer speziellen Form der ironischen Aneignung scheinbar einfacher Bildmotive und -konzepte. Nach dem Motto „Technik ist keine Lösung, sondern lediglich Mittel zum Zweck“, nutzt der Künstler – jedem Dogmatismus und jedem Formalismus abhold – für seine Bildfindungen die verschiedensten Ausdrucksformen und Stilmittel. Er vermeidet eine normierte Sicht auf die Dinge und integriert in seine humorvollen Bildwelten inhaltliche und formale Stolpersteine, die im Auge (und Gehirn) des Betrachters noch lange nachwirken.

It is his ironic appropriation of seemingly simple pictorial themes and concepts that makes the pictures and drawings by Jan Bräumer (born 1970) so fascinating. Informed by the motto “technology is not a solution, but a means to an end,” the artist employs highly diverse forms of expression and stylistic devices to create his images. With his aversion to all manner of dogmatism or formalism he avoids a standardized view of things and integrates thematic and formal stumbling blocks into his humorous imagery, which leave a lasting visual and intellectual impression on the observer. 5

Jan Bräumer. Irrwisch EDITOR Insitut für moderne Kunst Nürnberg TEXT Anke Schlecht DESIGN Ernst Christian Dümmler DETAILS German / English, Hardcover, 128 pages, numerous ills., 25 x 18 cm Euro 32,– ISBN 978-3-903004-65-8

1) Vom professionellen Umgang mit schwarzen Löchern/ Prentive detention for black holes 2013, acrylic, collage, 31,5 x 22 cm 2) Pinguin/Penguin, 2014, acrylic on canvas, 140 x 110 cm 3) Alien attack – Picasso 2015, acrylic on canvas, 60 x 50 cm 4) Mars attacks 2013, acrylic on canvas, 110 x 90 cm 5) Die Sonne schien und schien, ansonsten war weiter nichts/The sun went on shining otherwise nothing else happened 2015, ink, 26 x 21 cm

Jan Bräumer

Christoph und Markus Getzner Von der Kürze der Dauer Für die Ausstellung im Kunstraum Dornbirn präsentieren die Brüder Christoph und Markus Getzner eine für den Ort geschaffene Installation mit Objekten und Tafelbildern. Die verwendeten Materialien sind meist recyclebare Stoffe wie Papier, Holz, Wachs und Beton, die sowohl an Kreisläufe und Zyklen in Hinblick auf biologische Prozesse im Naturablauf erinnern als auch auf soziologische und gesellschaftspolitische Strukturen verweisen und philosophische Fragen zur menschlichen Existenz aufwerfen.

For the exhibition at Kunstraum Dornbirn, brothers Christoph and Markus Getzner present a site-specific installation with objects and panel paintings. They tend to use recyclable materials such as paper, wood, wax, and concrete that draw our attention to cycles qua biological processes in nature while also referencing sociological and sociopolitical structures and asking philosophical questions about human existence.

Christoph und Markus Getzner. Von der Kürze der Dauer EDITOR Kunstraum Dornbirn TEXT Friedmann Malsch INTERVIEWS Herta Pümpel, Thomas Häusle DESIGN Elisabeth Grübl DETAILS German / English, Hardcover, 62 pages, 30 x 21 cm Euro 18,– ISBN 978-3-903004-73-3

Giorgio Hupfer / Elia Hopper Der Vierte Mann A handwritten manuscript by Nuremburg musician, poet, and artist Giorgio Hupfer (1958–2012) served as inspiration for the edition of the artist’s book “Der Vierte Mann”. The publication also contains memories provided by Giorgio Hupfer’s friends and companions along with photographs that Peter Roggenthin took shortly after the artist’s death in his deserted office. The result is a multifaceted portrait of Giorgio Hupfer. The intention was not to create an academic reappraisal of his oeuvre, but a personal memory of this exceptional artist.

Giorgio Hupfer / Elia Hopper. Der Vierte Mann EDITORS  Institut für moderne Kunst Nürnberg, Giorgio Hupfer Gemeinnützige Unternehmergesellschaft TEXT Giorgio Hupfer DESIGN  Timo Reger DETAILS  German, 96 pages, 13 ills. in color, 1 ill. b/w, Hardcover Euro 24,– ISBN  978-3-903004-79-5

Photo: Peter Roggenthin

Ausgangspunkt für die Herausgabe des Künstlerbuches „Der Vierte Mann“ war ein handschriftliches Manuskript des Nürnberger Musikers, Dichters und Künstlers Giorgio Hupfer (1958–2012). Die Publikation enthält außerdem Erinnerungen von Freunden und Weggefährten Giorgio Hupfers sowie Fotografien aus dessen verwaistem Atelier, die Peter Roggenthin kurz nach dem Tod des Künstlers aufgenommen hat. Entstanden ist ein facettenreiches Künstlerporträt, das sich nicht als wissenschaftliche Nachlass-Aufarbeitung versteht, sondern als intimes Erinnerungsbuch an einen Ausnahmekünstler.

Eva Beresin Acht und neunzig Seiten

Das Tagebuch der Mutter von Eva Beresin, Sári Erdélyi, aus der Zeit nach der Befreiung aus dem Konzentrationslager Auschwitz, ist zum Gravitationszentrum einer künstlerisch gestalteten Auseinandersetzung. Beresins Malereien zeigen Porträts und Szenen aus der noch unbeschwerten Zeit der Mutter vor dem Einmarsch 1944 und der Deportation nach Auschwitz. Das Cover bildet einen Musterentwurf ab, den die Mutter während des Studiums in Budapest gestaltet hat. Die Arbeiten von Beresin offenbaren, wie real und wirkungsmächtig Fantasie, Wahrnehmung und Nachahmung auf das Unbenennbare zu antworten vermögen.

1+2) Eva Beresin, paintings, 2015, photos: Dóra Békefi

Die formale Verbindung zwischen ihrer Schrift, ihrer Geschichte und meinen Arbeiten: »Berührung«, »Nachziehen«, »Abzug«. Der Zugang auf künstlerischer Ebene eröffnete sich mir durch die kreative Arbeit meiner Mutter. Die Modernität ihres Textilentwurfes, den ich fand, machte mir sowohl den privaten als auch den beruflichen Aspekt ihres Lebens deutlich. Ich traf eine 23-jährige, junge Frau, die eigenständig in Budapest lebte und auf einer Kunstschule studierte. Sie liebte Kunst, Literatur und Design, war stylish und modern. Sie war gerade sehr verliebt und voll von Plänen und Hoffnungen. Von einem Tag zum anderen löste sich ihre Welt, die Selbstverständlichkeit ihres Lebens auf.

Wie kann ich ihre Geschichte durch meine Figuren und Gesichter darstellen? Bilder oder Objekte in den Raum stellen? Etwas abdecken? Die Arbeiten zerschneiden, zerreißen und als Collagen neu zusammensetzen? Ist ihre Geschichte, und wie sie sich gefühlt haben musste, durch meine Figuren und Gesichter überhaupt darstellbar? Schließlich entdeckte ich Fotos, die 1943 entstanden waren und ihre noch heile Welt vor der Deportation nach Auschwitz zeigen. Dadurch wurde mir klar, was ich erzählen möchte. Ich habe diese Schwarz-Weiß-Fotos in Malereien um- und in Farben übersetzt, die in meiner Vorstellung waren. Ich setzte außerdem ihre Idee des Grundmusters ihres Textilentwurfes in einen Rapport um, verwandelte die kleinste Einheit in einen Stoff, den ich weben ließ. Aus diesem entwickelte ich eine Installation aus einem »Schiwa-Hocker« und der Abdeckung eines Spiegels, die das Ende ihrer unbeschwerten Welt symbolisiert.

The diary of Eva Beresin’s mother, Sári Erdélyi, which she wrote in the days following her liberation from Auschwitz concentration camp, becomes the center of gravity for an artistic endeavor. Beresin’s paintings depict portraits and scenes from her mother’s happy days, before the Germans invaded Hungary in 1944, and her subsequent deportation to Auschwitz. The cover shows a design her mother drafted while studying in Budapest. Beresin’s works reveal that imagination, perception, and mimesis are tangible and powerful forces in finding answers to the ineffable.

Acht und neunzig Seiten. Eva Beresin TEXTS Sári Erdélyi CONCEPT  Eva Beresin DESIGN Eva Beresin, Eszter Békefi DETAILS German, 104 pages, 17 ills. in color, 17 ills. in b/w, Paperback, 27 x 15 cm Euro 35,– ISBN  978-3-903004-58-0

Arcadia in Decay

Moni K. Huber arbeitet an einer Gemäldereihe, die sich mit der Ferienarchitektur der 1960er und 1970er Jahre des ehemaligen Jugoslawiens und dessen heutigem Erscheinungsbild beschäftigt. In ihren Gemälden kommt die Collagetechnik zum Einsatz, die auf der Leinwand zu einem Vexierspiel zwischen Malerei und Fotografie wird. Die Publikation zeigt die Verschränkung ihrer großen Bilder mit ihren Aquarellen, versammelt außerdem ältere Werkserien und gibt damit einen Überblick über das vielfältige Schaffen der Künstlerin.

Moni K. Huber is working on a series of paintings, which explore the hotel architecture from the 1960s and 1970s in former Yugoslavia and show what such buildings look like today. Her paintings work with the collage technique used on the canvas, and which becomes a game of deception between photography and painting. The publication shows the convergence between her large pictures with her water colors and also includes older works, providing an overview of the artist’s diverse oeuvre.

Moni K. Huber. Arcadia in Decay EDITOR Moni K. Huber TEXTS Pia Jardí, Maroje Mrduljaš, Günther Oberhollenzer DESIGN Elisabeth Czihak DETAILS German / English, 93 pages, numerous ills. in color, Paperback, 28 x 23 cm Euro 24,– ISBN 978-3-903004-39-9

1) Moni K Huber, Hotelruine Haludovo #4 / Hotel Ruin Haludovo #4, 2015, oil, watercolour, paper on canvas, 140 x 190 cm 2) Moni K Huber, Ruine Motel Panorama #1 / Ruin of Motel Panorama #1, 2015, oil, watercolour, paper on canvas, 140 x 190 cm 3) Moni K Huber, Hotelruine Haludovo #3 / Hotel Ruin Haludovo #3, 2015, oil, watercolour, paper on canvas, 140 x 190 cm

Moni K. Huber

Maureen Kägi

1) Untitled, 2012, Öl auf Papier, 219 x 151cm, Courtesy Galerie Mezzanin, Geneva, photo: Leonhard Hilzensauer 2) Exhibition view: Still Life without a Magnolie, 2015, Galerie Mark Müller, Zürich, performance: Malika Fankha

One could say that it was a paranoid gesture from my side Maureen Kägis Spektrum reicht von Zeichnungen, malerischen prozesshaften Arbeiten bis hin zu Installationen und Performances. Charakteristisch für ihre Arbeiten mit Ölfarbe, Fineliner, Kugelschreiber und Grafit sind die reduzierte Formgebung und die Wiederholung einzelner Bildelemente, aneinander oder übereinander gelagerte Flächen oder Linien, die ein eindeutiges Figur-GrundVerhältnis vereiteln. Die Publikation präsentiert einen breiten Überblick über Arbeiten aus den letzten Jahren stellt wechselseitige Querbezüge her. Die Werke von Maureen Kägi stehen im Dialog mit den Texten der Autorin MarieAlice Schultz. In ihren politischen Kommentaren und Aufrufen werden vorgefundene Gegebenheiten hinterfragt und mitunter poetisch kommentiert.

Maureen Kägi’s spectrum ranges from drawings, painterly process-based works and even installations and performances. Characteristic of these works with oil paints, Fineliner, ball-point and graphite are the reduced creative approach and the repetition of individual image elements, surfaces or lines placed next to or over each other, undermining any unequivocal figure/background relationship. The publication presents a broad overview of works from recent years forges any number of cross-links. The works of Maureen Kägi enter into a dialog with the texts by author Marie-Alice Schultz. In her political commentaries and calls for actions, she questions existing states of affairs and in part comments on them most poetically.

Maureen Kägi. One could say that it was a paranoid gesture from my side Texts Oliver Kielmayer, Elsy Lahner Lyrics Marie-Alice Schultz Design Eve Hübscher Details German / English, pages, Paperback, 134 pages plus 28 pages with lyrics, 25,5 x 18,5 cm Euro 30,– ISBN 978-3-903131-09-5

Sabine Kacunko Die Publikation folgt der künstlerischen Entwicklung von Sabine Kacunko – von analoger Schwarz-WeißFotografie, Dia-Fotografie und fotografischen Installationen bis zu interaktiven Licht- und „closed circuit“-VideoInstallationen, Media Performances und permanenten Installationen. Die Bandbreite umfasst auch Audio- und Netzwerk-Skulpturen sowie Choreografien, Performances und Projekte im öffentlichen Raum, die in Kooperation mit wichtigen Kulturerbestätten und wissenschaftlichen Institutionen, Medienpartnern und diplomatischen Ämtern verwirklicht wurden. Die Publikation erscheint anlässlich des Projekts „INVINCIBLE – A Big Bacteria Project“ (UNESCO Schirmherrschaft) für das Colosseum in Rom im Zusammenhang mit dem „International Year of Light and Light-Based Technologies 2015“. The book follows the major tracks of Sabine Kacunko’s artistic development which commenced with analogue b/w photography, slide photography and photographic installations and led to interactive light and closed circuit video installations, media performances and permanent installations. The range also covers audio and networked sculpture and choreography as well as performances and projections in public spaces, conceived for and accomplished in collaboration with major cultural heritage sites and scientific institutions, media partners and diplomatic offices. The volume appears on the occasion of the project “INVINCIBLE—A Big Bacteria Project” for Colosseum, Rome (UNESCO-patronage) in the context of the International Year of Light and Light-Based Technologies 2015.

Sabine Kacunko. Bacteria, Art and other Bagatelles EDITOR Slavko Kacunko, Micro Human introduction Slavko Kacunko DESIGN Florian Hawemann DETAILS English, Hardcover, 272 pages, ills. in color and b/w Euro 38,– ISBN 978-3-903004-83-2

1) Sabine Kacunko, Invincible, Colosseum, Rome, 2015, trial projection on the surface on the NW-façade of the Colosseum, photos: Sabine Kacunko

Bacteria, Art and other Bagatelles

six memos for the next …

1) Anja Utler, Text-Wand-Arbeit „jana, vermacht (Textinstallation)“ 2) David Sempere, Fresko 2013, Courtesy Clement & Schneider Galerie, Bonn

For a period of two years, Magazin4 – Bregenzer Kunstverein hosted the curatorial experiment “six memos for the next …” . The goal was to re-explore how art can be staged and presented appropriately. The idea was to focus on the artwork and exhibition as events for the senses, without stripping them of their socio-political relevance. Six terms that were taken from a book by Italo Calvino (as was the project title itself ) offered six perspectives in this context: Lightness, Swiftness, Accuracy, Vividness, Multiplicity and Constancy. Six curators worked together as the team devising and realizing the project.

Das Magazin4 – Bregenzer Kunstverein war für die Dauer von zwei Jahren Gastgeber für das kuratorische Experiment „six memos for the next …“. Ziel war es, Inszenierung und Vermittlung von Kunst neu zu befragen. Kunstwerk und Ausstellung sollten dabei als sinnliche Ereignisse ins Zentrum rücken, ohne an gesellschaftspolitischer Relevanz zu verlieren. Sechs Begriffe, die, wie der Projekttitel einem Buch Italo Calvinos entliehen waren, gaben hierfür sechs Perspektiven: Leichtigkeit, Schnelligkeit, Genauigkeit, Anschaulichkeit, Vielschichtigkeit und Beständigkeit; sechs Kuratoren waren als Team für die Konzeption und Umsetzung verantwortlich.

six memos for the next ... EDITOR Jörg van den Berg, Sandra Boeschenstein, Wolfgang Fetz, Barbara Köhler, Schirin Kretschmann, Tilo Schulz PHOTOGRAPHY Ulrike von Dewitz, Dietmar Wanko DESIGN Ulrike von Dewitz DETAILS German / English, 252 pages, 26 x 20 cm Euro 22,– ISBN 978-3-903004-87-0

Tamara Grcic Dreiteiliges Skulpturenprojekt / Three-part sculpture project

Tamara Grcics Skulpturenprojekt „46 Farben“ bezieht sich auf naturkundliche Farbbezeichnungen für Gesteinsproben. Die Künstlerin bringt Farben auf verschiedene Weisen zum Sprechen.

In einem Video im Museumsraum in Graz flüstern 46 Personen 46 Farbnamen. Dieselben Begriffe tauchen als flüchtige Schrift im öffentlichen Raum der Stadt auf und verschwinden wieder: Schülerinnen und Schüler schreiben sie mit Kreide auf die Straßen von Graz und auf Hauswände. 46 mundgeblasene Glaskörper sind an einem naturgeschützten Ort auf einer Felswand bei Klöch in der Südoststeiermark installiert.

Tamara Grcic’s sculpture project “46 colors” references the scientific color code used for rock samples. The artist makes colors speak in various ways. In a video shown in the museum space in Graz, 46 people whisper the names of 46 colors. The same terms fleetingly reappear as writing in public spaces, before disappearing again: pupils use chalk to write them on streets and walls around of Graz. 46 mouth-blown glass shapes are installed in a rock face near Klöch, an environmentally protected area in South-Eastern Styria.

Tamara Grcic Editor Institut für Kunst im öffentlichen Raum Steiermark Texts Elisabeth Fiedler, Tamara Grcic, Dirck Möllmann Design Harald Pridgar Details German / English, 188 pages, numerous ills. English brochure, 22,5 x 16 cm Euro 23,– ISBN 978-3-903004-05-4

1+3) Video, color, sound, 5 min., Universalmuseum Joanneum, Natural History Museum, Joanneum Quarter / Mineralogy, Graz

2) Glass bulbs in the Zara Forest near Klöch, south-eastern Styria

46 Farben

Transform 1) Roland Roos, 2013, VA3, performance, photo: Michael Epp 2) Katharina Anna Wieser, 2013, VA2, installation, photo: Samuel Blatter 3) SUPE (Susanne Schär, Peter Spillmann), 2014, VA3, installation, photo: Capts&Partner, Pius Bacher 4) Julian Sartorius, 2015, VA4, soundperformance, photo: Capts&Partner, Pius Bacher

Kunst Raum Prozesse

Der Fokus in den Künsten liegt heute vermehrt auf dem Entstehungsprozess und der Interaktion. Dokumentationen sind deshalb umso wichtiger geworden. Das Projekt „Transform“ fand bislang seit 2011 in vier Versuchsanordnungen in zwischengenutzten Räumen in Bern statt. Kunstschaffende aus der Musik, den bildenden und darstellenden Künsten waren eingeladen, vor Ort und mit dem Ort zu arbeiten. „Transform“ hinterfragt nicht nur starre Abgrenzungen zwischen den Gattungen, sondern stellt sich bewusst ins Dazwischen. Die Publikation erzählt die verschiedenen Prozesse als eine Art Zwischenbericht nach und vertieft in sechs Beiträgen ausgewählte kunsttheoretische Ansätze. The focus in the arts now increasingly lies on the process of formation and on interaction. As this leaves almost nothing concrete to look at, documentation has become increasingly important over the recent years. The project “Transform” has taken place in four experimental set-ups in temporary locations in Bern between 2011 and 2015. Artists working in music and the fine and performative arts were invited to work in and with the spaces. “Transform” hereby not only puts strict boundaries between genres and mediums into question, but intentionally places itself in the space between. This publication recounts the various processes as a kind of interim report and provides a deeper insight into the art theoretical approaches underlying the works in six texts.

Transform. Kunst Raum Prozesse EDITOR Kanton Bern, Franz Krähenbühl DESIGN Eva Rolli, Maia Gusberti DETAILS German, 54 pages, Paperback, 23 x 15 cm Euro 32,– ISBN 978-3-903004-74-0

Unsicheres Terrain Destabilized Ground SOHO in Ottakring 2008 – 2014

Die Publikation dokumentiert die vergangenen sieben Jahre des gleichnamigen Kunstfestivals mitten in der Wiener (Vor)Stadt und ist gleichsam Zeugnis der immensen Veränderungen des Stadtviertels in diesem Zeitraum. Die Darstellung dieser umtriebigen Szene von Kunstund Kulturschaffenden und aktiv am öffentlichen Leben Teilnehmenden ist nicht zuletzt auch ein Stück Wiener Kulturgeschichte. Die im Rahmen von SOHO in Ottakring entstandenen Kunstprojekte werden mit zahlreichen Illustrationen vorgestellt, Schwerpunkte und Jahresthemen sowie wesentliche Aspekte des urbanen Festivals und seiner beiden „Spielräume“ im 16. (und teils 17.) Wiener Gemeindebezirk – Brunnenviertel und Sandleiten – werden beleuchtet. This volume documents the past seven years of the art festival held in the heart of the eponymous Viennese suburb, and at the same time is testimony to the immense changes the district has undergone during this period. The presentation of this vibrant scene of artists and other cultural producers and those who participate actively in

public life has long since established itself as a firm element in Viennese cultural history. The art projects that have developed within the context of SOHO in Ottakring are presented in the form of numerous illustrations, while focal areas and annual themes are outlined along with key aspects of the urban festival and of the two “venues” in Vienna’s 16th (and partly 17th) district—namely Brunnenviertel and Sandleiten.

SOHO in Ottakring. Unsicheres Terrain / Destabilized Ground. SOHO in Ottakring 2008 – 2014 EDITORS Ulla Schneider, Wolfgang Schneider, Beatrix Zobl TEXTS Erhan Altan, Shams Asadi, Peter Autengruber, Betül Brettschneider, Julius Deutschbauer, Angelika Fitz, Birgit Haehnel, Marie-Christine Hartig, Robert Hobl, Rudolf Hübl, Andrea Klement, Christoph Laimer, Delphine Mae, Szilvi Nagy, Elke Rauth, Hansel Sato, Ula Schneider, Wolfgang Schneider, Reinhard Seiß, Katrin Sippel, Sári Stenczer, Dan S. Wang, Beatrix Zobl DESIGN Emilia López DETAILS German / English, Paperback, 240 pages, 28,5 x 21 cm Euro 28,– ISBN 978-3-903004-76-4

Cover) „SOHO in Ottakring“, Cover, photo: Krisztina Erdei 1) „SOHO in Ottakring, 100 Jahre Freudenrequiem“, 2012, performatives Projekt von Delphine Hsini Mei, Hsu Che-Yu und Ho Yi Ming aus Taiwan, photo: Krisztina Erdei 2) „SOHO in Ottakring, Unsicheres Terrain“, Plakatsujet, 2012, photo: Krisztina Erdei 3) „SOHO in Ottakring, Silent Rasen Disco“, 2014, Performance von Oliver Hangl, photo: Thaddäus Stockert

SOHO in Ottakring

Kunst im öffentlichen Raum Niederösterreich

Kunst im öfftl. Raum Nieder österreich Band 11 2011–2013

1) Kozek Hörlonski, LGBQT, 2011, Reinsberg, photo: Wolfgang Wössner 2) Steinbrener/Dempf, Bonbons, 2013, Mistelbach, photo: Wolfgang Wössner 3) Peter Sandbichler, Schwarze Schafe, 2012, Stockerau, photo: Christian Wachter

Public art in Lower Austria 2011–2013 Seit den 1980er Jahren entstehen in Niederösterreich künstlerische Projekte im öffentlichen Raum. Die künstlerischen Arbeiten reichen von der autonomen Skulptur über Stadtmöblierung bis hin zur temporären Kontextualisierung und kommunikativen Intervention, Gestaltung von Plätzen, Konzepten von Mahnmalen und Kunstprojekten in Zusammenarbeit mit der Bevölkerung. Der

Arbeiten, Performances und Installationen werden mit zahlreichem Bildmaterial und ausgewählten Texten von renommierten Kunst- und Kulturkritiker entsprechend aufbereitet und dargestellt. Inklusive eines

aktuelle Band beinhaltet die umfassende Dokumentation der von Kunst im öffentlichen Raum NÖ zwischen 2011 und 2013 realisierten Projekte. 18 temporäre und 12 permanente

Verzeichnisses aller teilnehmenden Künstler, Lageplänen sowie umfassenden Hintergrundinformationen zu den einzelnen Projekten. Artistic projects have been developed in and for the public sphere of Lower Austria since the 1980s. The artworks here range from autonomous sculptures to street furniture to temporary

contextualizations and communicative inventions, designs for plazas, concepts for memorials and art works carried out in collaboration with the public. This volume includes comprehensive documentation of the Kunst im öffentlichen Raum NÖ public art projects carried out in Lower Austria between 2011 and 2013. 18 temporary and 12 permanent pieces, performances and installations are illustrated and elucidated by way of extensive visual material and select texts by renowned art and culture critics. It includes a directory of the participating artists, site maps and wide-ranging background information on the individual projects.

Kunst im öffentlichen Raum Niederösterreich / Public art in Lower Austria. 2011–2013 Editors Katharina Blaas-Pratscher, Katrina Petter Texts Hildegund Amanshauser, Katharina Blaas-Pratscher, Silvia Eiblmayr, Martin Fritz, Renée Gadsden, Manisha Jothady, Franziska Leeb, Hubert Lobnig, Reinhard Müller, Katrina Petter, Cornelia Offergeld, Anna Soucek, u.a. Design Enrico Bravi Details German / English, Paperback, 448 pages, 21 x 15 cm Euro 28,– ISBN 978-3-903004-75-7

John Skoog In seinen Foto-, Film- und Videoarbeiten verbindet John Skoog historische und alltagsgeschichtliche Recherche mit einer poetischen und fiktionalen Atmosphäre, die in der filmischen und literarischen Tradition der skandinavischen Moderne gründet. Ausgezeichnet wurde er auf der Art Basel mit dem Balois Kunst-Preis für das Video „Reduit“ (Redoubt) von 2014, das mit zwei weiteren Filmen „Sent pa Jorden“ (Spät auf Erden) von 2011 und „Förår“ von 2012 eine Trilogie bildet, die im Zentrum des ausstellungsbegleitenden Katalogs steht.

In his photography, films, and videos, John Skoog combines research into history and everyday life with a poetic and fictional atmosphere that is grounded in the film and literary traditions of Scandinavian modernism. At Art Basel he received the Baloise Art Prize for his 2014 video “Reduit” (Redoubt). This work forms a trilogy with two other films entitled “Sent pa Jorden” (Late on Earth) from 2011 and “Förår” (early spring) from 2012, which is at the center of the exhibition catalog.

John Skoog Editors MMK Museum für moderne Kunst Frankfurt and mumok – Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien Preface Susanne Gaensheimer & Karola Kraus Texts Klaus Görner, Rainer Fuchs, Anne Carson, Andrea Picard, Amalia Smith Design Richard Ferkl Details German and English edition, 208 pages, 60 ills. in color, Paperback, 21 x 14 cm, Euro 24,95 ISBN German edition 978-3-903004-27-6 ISBN English edition 978-3-903004-28-3

John Skoog, „Reduit (Redoubt)“, 2014, 4k auf HD-Video, 1,67:1, color, stereo, 14 min / 4k to HD-Video, stereo sound, 14 min, courtesy of the artist and Pilar Corrias Gallery, London

Värn

1) Christian Andersson, Reanimator, 2012, C-Print, Courtesy der Künstler und Cristina Guerra, Contemporary Art, Lisbon; Galerie Nordenhake, Berlin / Stockholm; von Bartha, Basel 2) Christian Andersson, Everything looked the same, 2014, Courtesy der Künstler und Cristina Guerra, Contemporary Art, Lisbon; Galerie Nordenhake, Berlin / Stockholm; von Bartha, Basel, Ausstellungsansicht von Bartha, 2014, photo: Andreas Zimmermann / von Bartha 3) Christian Andersson, F for Fake, 2002, Courtesy der Künstler und Cristina Guerra, Contemporary Art, Lisbon; Galerie Nordenhake, Berlin / Stockholm; von Bartha, Basel, Ausstellungsansicht The Suitable Gallery, Chicago, 2002, photo: Christian Andersson

Christian Andersson Legende

In seinen Arbeiten schafft der schwedische Künstler Christian Andersson alternative Interpretationsmöglichkeiten für die Wahrheit: Er stellt Fragen über das Denken und Sehen. Ausgehend von der Kunst- und Architekturgeschichte, der Alltagskultur, Literatur und dem Wertekanon der westlichen Zivilisation erinnert Andersson den Betrachter daran, dass es immer Alternativen und andere Sichtweisen auf die Welt gibt. Er präsentiert vergessene oder unterdrückte Geschichten in neuer Art und Weise und stellt so Denkmuster in Frage, die zu oft starr geworden sind. Indem Andersson Gefühl und Vernunft einander gegenüberstellt, schafft er in seinen raumfüllenden Installationen genügend momentanen Zweifel, um unser Auffassungsvermögen auf die Probe zu stellen.

Swedish artist Christian Andersson creates possibilities for alternative interpretations of truth in his work by formulating questions about our thought processes and visual perception. Andersson reminds viewers that there are always alternatives and other ways of looking at the world by referencing art and architectural history, everyday culture, literature and the values of Western civilization. He presents forgotten or suppressed stories in a new way, thereby questioning patterns that have often become too rigid. Andersson’s large-scale installations create a moment of doubt long enough to put our perceptual faculties to the test by juxtaposing feeling and rationality.

Christian Andersson Editor Helen Hirsch for Kunstmuseum Thun Preface Helen Hirsch Texts Helen Hirsch, Annabel Rioux Interview Christian Andersson and Filipa Ramos Design B & R Noah Bonsma Details German / English, 112 pages, numerous ills., Paperback, 27 x 18 cm Euro 35,– ISBN 978-3-903004-19-1

Unter 30 XI. Junge Schweizer Kunst. Kiefer Hablitzel Preis 2015

Die Kiefer Hablitzel Stiftung ist eine der bedeutendsten Schweizer Stiftungen für die Förderung des kulturellen Nachwuchses. Im Rahmen ihres Förderprogramms richtet die Stiftung alljährlich einen Wettbewerb für bildende Künstler unter 30 Jahren aus. Dieses Jahr wurden 17 Kunstschaffende in die zweite Runde des Wettbewerbs eingeladen, ihre Werke während der Swiss Art Awards in Basel zu zeigen. Die Publikation vermittelt einen guten Einblick in das junge Schweizer Kunstschaffen. 2015 fand die Ausstellung zum zweiten Mal im Kunsthaus Glarus statt. The Kiefer Hablitzel Foundation is one of the most important Swiss foundations for the promotion of up-and-coming culture. In the context of its sponsorship programme the foundation holds an annual competition for visual artists under 30. This year 17 artists were invited to take part in the second round of the competition, showing their works during the Swiss Art Awards. The publication presents a good insight into young Swiss art. In 2015 the exhibition was being held at Kunsthaus Glarus for the second time.

Unter 30 XI. Junge Schweizer Kunst. Kiefer Hablitzel Preis 2015 EDITORS Judith Welter, Kiefer Hablitzel Stiftung, Ernst Göhner Stiftung TEXTS Marcel Bleuler, Jean-Paul Felley, Séverine Fromaigeat, Daniel Horn, David Khalat, Claudia Spinelli & Rolf Bismarck, Geraldine Tedder, Sarah Wiesendanger DESIGN Julia Künzi, Maria Trenkel DETAILS German / English / French, 120 pages, ills. in color, Hardcover, 24 x 17 cm Euro 25,– ISBN  978-3-903004-64-1

1) Exhibiton view, Kunsthaus Glarus, 2015, with works by Sonia Kacem, Alfredo Aceto, photo: Stefan Jaeggi 2) Exhibiton view, Kunsthaus Glarus, 2015, with a work by Tobias Nussbaumer, photo: Stefan Jaeggi 3) Exhibiton view, Kunsthaus Glarus, 2015, with a work by Tobias Nussbaumer, photo: Stefan Jaeggi

Arbeit / Work gesammelte Fotografien / collected photographs

Invited to examine the world of work with their own individual ideas and viewpoints, seven Austrian photographers present their works. The different positions reveal an undreamt-of diversity in the artistic examination of production work and the people involved in this as well as the environment and landscape in which they live and which they change through their work.

1) Markus Krottendorfer, Comanesti No 1, 2015 3) Anita Schmid, Untitled, 2015

2) Rita Nowak, Untitled, 2015

Eingeladen, sich mit ihren ganz individuellen Auffassungen und Betrachtungsweisen intensiv mit der Arbeitswelt zu beschäftigen, zeigen sieben Fotografen aus Österreich ihre Ergebnisse. Die unterschiedlichen Positionen eröffnen eine ungeahnte Vielfalt in der künstlerischen Auseinandersetzung mit Produktionsarbeit und den Menschen, die sie verrichten, mit der Umwelt und Landschaft, in der sie leben und die sie mit ihrer Arbeit verändern.

Arbeit / Work. gesammelte Fotografien / collected photographs Editor Holzindustrie Schweighofer Text Gerald A. Matt Design Thies Design Details German / English / Romanian, 108 pages, Softcover, 21 x 25 cm Euro 28,– ISBN 978-3-903004-84-9

Im Gleichgewicht

For the artists Karin Blum and Meide Büdel inner and outer balance play a fundamental role, while the objectification of subjective experiences is also intrinsic to their work. While Blum has devoted herself wholly to the medium of collage, Büdel relies on the tension between different materials. The catalog provides a retrospective of the artists’ oeuvre to date, focusing on works produced in the last ten years.

3) Meide Büdel, Ohne Titel, 2009, 94 x 250 x 24 cm, photo: Annette Kradisch 4) Karin Blum, Traumsequenzen, 2013, 12 parts, each 31 x 23 cm, photo: Riese Photography 5) Karin Blum, Hausgötter, 2010, 4 parts, each 21,5 x 15,5 cm, photo: Riese Photography 6) Karin Blum, photo: Stephan Minx

Karin Blum / Meide Büdel

Für die Künstlerinnen Karin Blum und Meide Büdel spielt die Frage nach der inneren wie äußeren Balance eine wesentliche Rolle, ist die Objektivierung subjektiver Erfahrungen ein charakteristischer Bestandteil ihres Schaffens. Während Blum sich vollständig dem Medium der Collage verschrieben hat, vertraut Büdel auf die Spannung zwischen verschiedenen Materialien. Der Begleitband gibt einen Rückblick auf das bisherige Schaffen der Künstlerinnen und stellt als Schwerpunkt Arbeiten der letzten zehn Jahre vor.

Karin Blum / Meide Büdel. Im Gleichgewicht EDITOR Andrea Dippel, Matthias Strobel, KunstKulturQuartier TEXTS Helmut Braun, Günter Braunsberg, Andrea Dippel, Barbara Leicht DESIGN Wolfgang Gilitzer, Lucie Huster DETAILS German, 112 pages, numerous ills. in color, Paperback, 24 x 17 cm Euro 29,– ISBN 978-3-903004-71-9

1) Meide Büdel, Ohne Titel, 2007, Ø 22 cm, private collection, photo: Annette Kradisch 2) Meide Büdel, photo: Stephan Minx

und Verlagsleitung

Silvia Jaklitsch Publishers / Verleger

Head office / verlagsbüro

VfmK Verlag für moderne Kunst GmbH Salmgasse 4a A – 1030 Wien Tel +43-1-535 49 70-15 E-Mail: hello@vfmk.org

Ralf Herms Silvia Jaklitsch Senior Editors

Manfred Rothenberger Karl Gerhard Schmidt

Representatives / VERTRETUNGEN Germany East, West, North & Berlin / Deutschland Ost, West, Nord & Berlin

Distribution / AUSLIEFERUNGEN Europe (expect Great Britain & Switzerland) / Europa (mit Ausnahme von Großbritannien & Schweiz )

LKG Leipziger Kommissions- und Großbuchhandelsgesellschaft mbH An der Südspitze 1-12 D – 04571 Rötha Tel +49-34206-65107 Fax +49-34206-65110 E-Mail: elisabeth.kaiser@lkg-service.de GReat Britain / GroSSbritannien

Cornerhouse Publications HOME 2 Tony Wilson Place GB – Manchester M15 4FN Tel +44-161-212 3468 E-Mail: publications@homemcr.org

buchArt Verlagsvertretungen Jastrow + Seifert + Reuter Office: Cotheniusstr. 4 D – 10407 Berlin Tel +49-30-44732180 Fax +49-30-44732181 Showroom: Greifenhagener Str. 15 D – 10437 Berlin Tel +49-30-44737260 E-Mail: service@buchart.org Germany South & Austria / Deutschland Süd & Österreich

Stefan Schempp Verlagsvertretungen Wilhelmstraße 32 D – 80801 München Tel +49-89-23077737 Fax +49-89-23077738 E-Mail: stefan.schempp@mnet-mail.de Italy, Spain, Portugal, Greece & Cyprus / Italien, Spanien, Portugal,

Switzerland / Schweiz

Griechenland & Zypern

AVA Verlagsauslieferung Centralweg 16 CH – 8910 Affoltern am Albis Tel +41-44-7624200 Fax +41-44-7624210 E-Mail: avainfo@ava.ch

Bookport Associates Ltd via Luigi Salma, 7 I–20094 Corsico (MI) Tel +39-02-4510-3601 Fax +39-02-4510-6426 E-Mail: bookport@bookport.it

Worldwide / Weltweit

Switzerland / Schweiz

Artbook / D. A. P. 155 Sixth Avenue, 2nd Floor USA – New York, NY 10013 Tel +1-212-6271999 Fax +1-212-6279484 E-Mail: eleshowitz@dapinc.com

Markus Wieser Kasinostraße 18 CH – 8032 Zürich Tel +41-44-2603605 Fax +41-44-2603606 E-Mail: wieser@bluewin.ch

Cover: Jan Bräumer, Fünf Möglichkeiten, was alles schiefgehen kann / Five ways everything can go wrong, 2012, Acryl auf Leinwand / acrylic on canvas, 50 x 40 cm Diese Seite / this page: Clare Goodwin, Constructive Nostalgia (Book Paintings), 2015, acrylic and acrylic ink on canvas, 31 x 21 cm each Copyright: Bildrecht Wien / Vienna für die Arbeiten von / for the works by Christian Andersson, Eduardo Arroyo, Alfredo Barsuglia, Heiko Bressnik, Martin Ebner, Kozek Hörlonski, Monika Huber, Jochen Gerz, Michael Goldgruber, Paul Graham, Jana Gunstheimer, Anna Jermolaewa, Markus Krottendorfer, Dietmar Lutz, Jonathan Meese, Olaf Metzel, Nanne Meyer, Gabi Mitterer, Mel Ramos, David Reed, Judith Samen, Hans Schabus, Stephanie Senge, Anita Schmid, Anneliese Schobinger-Strba, Steinbrener/Dempf, Heimo Zobernig Paper cover / Papier Umschlag: Galaxy Metallic, 250 g/qm, color Chamois, exclusively available at Europapier Austria GmbH

Managing Director / Geschäftsführung