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HIGHLIGHTS

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RENATE BERTLMANN Der Österreichische Pavillon der Venedig Biennale 2019 präsentiert dieses Jahr Renate Bertlmann, eine Vorreiterin und ein Vorbild der frühen feministischen Performancekunst. Die Kuratorin Felicitas Thun-Hohenstein gewann in Renate Bertlmann eine Künstlerin für die Biennale, die nicht nur eine signifikante Position in der Geschichte der weiblichen Performancekunst in Österreich einnimmt, sondern auch in der internationalen feministischen Avantgarde hoch angesehen ist. Renate Bertlmann ist die erste Frau, die in der jahrzehntelangen Tradition des Österreichischen Pavillons mit einer Solo-Ausstellung ausgezeichnet wird. Das vorliegende Buch ist mehr als ein Ausstellungskatalog: Es setzt die Ausstellung im Buchformat fort. Die enthaltenen Texte von Hélène Cixous, Beatriz Colomina, Lina Streeruwitz und Catherine Wood bieten vertiefende Diskussionen, Analysen und Diskursbezüge zu Renate Bertlmanns Arbeiten. Leser können in der sogenannten Quellensammlung ihren Exkurs durch Renate Bertlmanns Gedanken und Werk fortsetzen. Sie finden hier Zugang zu dem fast unerschöpflichen Archiv der Künstlerin, bestehend aus Notizen, Skizzen und anderen Funden aus zahllosen Tage- und Skizzenbüchern, analytischem Material wie Schaubildern, assoziativen

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Zeichnungen, Skizzen von nicht ausgeführten Projekten oder Ständen in fiktiven Ausstellungen, welche die Künstlerin gerne ausgeführt hätte, ebenso wie Texte von AutorInnen, die einen großen Einfluss auf sie und ihre künstlerische Arbeit hatten. Daneben enthält das Buch von Renate Bertlmann selbst verfasste Texte, Gedichte, Manifeste und Musikpartituren. All dies eröffnet dem geneigten Leser den Kosmos der Gedanken und Gefühle einer außer­­ordentlichen Künstlerin, die nun bereits auf über 50 Jahre künstlerisches Schaffen zurückblicken kann.

EDITOR Felicitas Thun-Hohenstein PREFACE Gernot Blümel TEXTS Renate Bertlmann, Hélène Cixous, Beatriz Colomina, Peter Gorsen, Lina Streeruwitz, Felicitas Thun-Hohenstein, Maria Vogel, Catherine Wood DESIGN Christine Zmölnig, sensomatic DETAILS German/English, Paperback, 18 × 12 cm, 576 pages, approx. 400 ills. in color EURO 15,– ISBN 978-3-903269-59-0 PUBLISHED

Exhibition view, “Renate Bertlmann. Discordo Ergo Sum”, 2019, photo © Sophie Thun

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DISCORDO ERGO SUM Biennale Arte / Austrian Pavilion 2019

War of roses. A strong feminist solo position at this year’s Austrian Pavilion.

Renate Bertlmann, “Viagra”, 1998 © Renate Bertlmann

EXHIBITION 11.5. – 21.11.2019 Austrian Pavilion – Venice Biennale This year the renowned artist Renate Bertlmann, a pioneer and role model of early feminist Performance Art, is exhibiting in the Austrian Pavilion at the Biennale Arte 2019 in Venice. By selecting Renate Bertlmann, curator Felicitas Thun-Hohenstein opted for an artist whose work not only holds a significant position in the history of female performance in Austria, but who also is highly esteemed among the

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international feminist avantgarde. In presenting Renate Bertlmann, the Austrian Pavilion is dedicated to a female solo exhibition for the first time in its decades-long history. The book under consideration is more than an exhibition catalog; it is an extension of the exhibitions in book form, as the texts by Hélène Cixous, Beatriz Colomina, Lina Streeruwitz and Catherine Wood offer in-depth

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Renate Bertlmann, “Rosemaries Baby”, 1975 © Renate Bertlmann, © SAMMLUNG VERBUND, Vienna, photo © Pixelstorm

discussions, analyses, and discursive explorations of Renate Bertlmann’s works. Readers are invited to continue their excursion through Renate Bertlmann’s thought and practice in the so-called sourcebook, which offers insights into the artist’s virtually inexhaustible archive. Notes, sketches, and other finds from countless diaries and sketchbooks, analytical material such as charts, association cards,

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sketches of unproduced projects, booths in fictitious exhibitions, texts by authors who have been instrumental to Renate Bertlmann and her artistic work, her own texts about art, her poems, manifestos, and musical scores get to the heart and brain of Bertlmann’s 50-year cosmos.

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IDA APPLEBROOG EDITOR Kunstmuseum Thun, Helen Hirsch PREFACE Helen Hirsch TEXT Jo Applin DESIGN B & R / Noah Bonsma, Dimitri Reist

EXHIBITION 9.2. – 19.5.2019 Kunstmuseum Thun

DETAILS German/English, Paperback, 33 × 24 cm, 60 pages, 40 ills. in color EURO 30,– ISBN 978-3-903269-71-2 PUBLISHED

„Eine ganze Reihe von u. a. Eulen, Truthähnen, Adlern, Falken, Pelikanen, Spechten, Rotkardinälen, Gelben Finken […] warteten darauf, zu trocknen“, so Helen Hirsch, Direktorin des Kunstmuseum Thun, über ihren Besuch im Atelier von Ida Applebroog in New York im Mai 2018. In der Ausstellung „Ida Applebroog“ im Kunstmuseum Thun waren erstmals Arbeiten der amerikanischen Künstlerin in einer Einzelausstellung in der Schweiz zu sehen, die Werkserie „Angry Birds of America“ (2018) sogar das erste Mal überhaupt in einer Institution. Applebroog liebt Vögel und

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interessiert sich für Ornithologie. Ihre Werke sind stark beeinflusst von den Zeichnungen des amerikanischen Ornithologen und Zeichners John James Audubon, der durch sein Buch „Birds of America“ (1827–1838), mit lebensgroßen Abbildungen der Vogelwelt Nordamerikas, bekannt wurde.

Da sei viel Wut, viel Zorn, nicht nur bei ihr, in ganz Amerika. Ihr Gefühl, egal was sie tat, hatte mit wütenden, zornigen, toten Vögeln zu tun. Applebroog fühlte sich, als lebe sie in einer Welt, in der wir alle wütend, zornig, ja verrückt sind. Die zur Ausstellung erschienene und in enger Zusammenarbeit mit der Künstlerin entstandene Publikation mit einem Beitrag von Prof. Dr. Jo Applin vertieft diesen Bezug zur aktuellen Weltlage.

In Applebroogs Arbeiten ist die Ambivalenz zwischen Leben und Tod spürbar. Einige Vögel wirken so, als wären sie tot von einer Stromleitung gefallen. Für Applebroog sind sie eng mit ihrer Wahrnehmung der aktuellen amerikanischen Politik und der Trump-Ära verknüpft.

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Angry Birds of America

In Applebroog’s oeuvre the ambivalence between life and death is tangible.

Ida Applebroog, “Robin”, 2018, photo © Emily Poole

“She has a whole bevy of owls, turkeys, eagles, falcons, pelicans, woodpeckers and yellow finches waiting to dry,” reports Helen Hirsch, director of Kunst­ museum Thun, talking about her visit to Ida Applebroog in New York in May 2018. The exhibition „Ida Applebroog“ at Kunstmuseum Thun for the first time presents work by the American artist in a solo exhi­bition in Switzerland. The series „Angry Birds of America“ (2018) is shown for the first time in an institution. Applebroog loves birds and is interested in ornithology. Her work is very much influenced by the drawings of American ornithologist and graphic artist John James Audubon, who made a name for himself with his book “Birds of America” (1827–1838), with life-sized illustrations of North American birdlife.

In Applebroog’s oeuvre the ambivalence between life and death is tangible. A number of her birds look as if they had fallen down dead from a power line. For Applebroog, they are closely connected to her perception of current American politics and the Trump era. According to her, there is a lot of anger, a lot of rage, not only in her but throughout America. Her feelings were that whatever she did had to do with angry, irate, dead birds. Applebroog gets the feeling that she is living in a world in which we are all angry, irate, even mad. The publication that accompanies the exhibition and was produced in close collaboration with the artist features an article by Prof. Jo Applin, which goes into depth about this attitude to the current situation in the world.

Ida Applebroog, “Cardinal”, 2018, photo © Emily Poole

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CAROLINE ACHAINTRE EXHIBITION 17.5. – 15.9.2019 Belvedere 21, Wien Im Grenzbereich zwischen Abstraktion und Gegenständlichkeit arbeitet Achaintre mit Materialien wie Wolle, Keramik und Wasserfarbe, die eine spontane, intuitive Bearbeitung erlauben. Konstante Elemente in ihren beseelt wirkenden Werken sind die Maskerade, das Dunkle, Geheimnisvolle und Unheimliche. Inhaltlich und formal setzt sich die Künstlerin mit mitteleuropäischen Karnevals- und Faschingsbräuchen auseinander. Einflüsse von Horror und Science-Fiction finden ebenso Eingang in ihr Schaffen wie die Auseinandersetzung mit der musealen Präsentation von ethnologischen Sammlungen.

Installation view, “Caroline Achaintre. Permanent Wave”, photo © kunst-dokumentation.com, Manuel Carreon Lopez © Belvedere, Vienna

EDITOR Stella Rollig TEXTS Charlotte Cosson and Emmanuelle Luciani, Oriane Durand, Stella Rollig DESIGN Fraser Muggeridge studio, London

Achaintres Werke weisen kunsthistorische Bezüge zum deutschen Expressionismus, zum Primitivismus, zur Artsand-Crafts-Bewegung und zum Fauvismus auf. Die Publikation begleitet eine raumspezifische Einzel­aus­stellung der deutschfranzösischen Künstlerin im Belvedere 21 und gibt Einblick in das vielfältige Werk von Achaintre, die tradierte Techniken wie Tapisserie, Zeichnung und Keramik un­konventionell anwendet.

Mardi Gras, horror, or science fiction: all influence Achaintre’s artistic expression.

DETAILS German/English, Paperback, 30 × 21 cm, 88 pages, 49 ills. EURO 19,– ISBN 978-3-903269-95-8 PUBLISHED

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Dauerwelle / Permanent Wave

Installation view, “Caroline Achaintre. Permanent Wave”, photo © kunst-dokumentation.com, Manuel Carreon Lopez © Belvedere, Vienna

At the intersection of abstraction and objectivity, Achaintre works with materials like wool, ceramics, and watercolor that enable a spontaneous, intuitive approach. Constants in her seemingly animate oeuvre are the masquerade, the dark, mysterious, and uncanny. Both thematically and formally, the artist explores Central European carnival and Mardi Gras customs. Influences from horror and science fiction find their way into her creative work, as does her examination of how ethnological collections are presented in museums. Achaintre’s work contains arthistorical references to German Expressionism, to Primitivism,

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Caroline Achaintre, “Scanner”, 2015, courtesy the artist and Arcade, London & Art:Concept, Paris

to the Arts & Crafts Movement and to Fauvism. The publication accompanies a site-specific solo show of the Franco-German artist at the Belvedere 21 providing insight into the wide-ranging oeuvre of Achaintre, who uses traditional techniques like tapestry, drawing and ceramic in an unconventional way.

Caroline Achaintre, “Trunkk P.”, 2019, photo © kunst-dokumentation.com, Manuel Carreon Lopez © Belvedere, Vienna, courtesy Caroline Achaintre and Arcade, London & Art: Concept, Paris

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REBECCA HORN EDITOR Museum Tinguely, Basel PREFACE Roland Wenzel TEXTS Barbara Engelbach, Antje von Graevenitz, Valentina Ravaglia, Sandra Beate Reimann, Lynette Roth, Stefan Zweifel DESIGN Raphael Drechsel, Lisa Eder / GREAT DETAILS German and English, Hardcover, 25 × 20 cm, 160 pages, 190 ills. in color EURO 38,– English Edition: ISBN 978-3-903269-67-5 German Edition: ISBN 978-3-903269-77-4 PUBLISHED

Rebecca Horn, “Finger gloves”, 1972, film still

In ihrem mittlerweile fünfzig Jahre umspannenden Werk hat Rebecca Horn (*1944) einen ihr eigenen symbolischen Kosmos geschaffen, der in seiner Offenheit und Poesie

bis heute berührt. Die Künstlerin choreografiert in ihren Arbeiten Bewegungen von Menschen und Maschinen. Die mechanische Motorik des Körpers und ein phantastischer Tanz der Dinge werden dabei zum Ausdruck von Emotionen, den Bewegungen des Gemüts. Ihre Werke umfassen Körperinstrumente und Aktionen, Filme, kinetische Skulpturen und Installationen. In der Präsentation „Körperphantasien“, die frühe performative Arbeiten und spätere kinetische Skulpturen kombiniert und so Entwicklungen innerhalb ihres Werks betont, stehen die Transformationsprozesse von Körper und Maschine im Mittelpunkt.

Rebecca Horn, “Berlin – Exercises in Nine Parts”, 1974–1975, film still

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Die Ausstellung des Museum Tinguely wird von einem Katalog begleitet, der Aufsätze unter anderem von Sandra Beate Reimann, Antje von Graevenitz und Stefan Zweifel umfasst, zahlreiche Farbabbildungen sowie Texte, Gedichte und Zitate von Rebecca Horn enthält und aus Werken von AutorInnen zitiert, die für Horn eine besondere Relevanz haben. Eine reich bebilderte Chronologie am Ende des Katalogs liefert einen umfassenden Einblick in die Entwicklung von Rebecca Horns Œuvre und dessen Verquickung mit ihrer Biografie.

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Körperphantasien / Body Fantasies

A statement collection of the artists’ legendary works.

In what is meanwhile an oeuvre spanning fifty years, Rebecca Horn (*1944) has created her own symbolic cosmos which, through its openness and poetry, continues to have a profound impact today. In her works, the artist choreographs movements of people and machines. The mechanical motor function of the body and a fantastical dance of objects thereby come to express emotions, the movements of human sensibility. Rebecca Horn’s works include bodily instruments and actions, films, kinetic sculptures, and installations. In the presentation, which combines the early performative works and later kinetic sculptures so as to emphasise developments within her oeuvre, the major focus is on the transforma­tional processes of body and machine.

The exhibition of the Museum Tinguely is accompanied by a catalogue which includes essays by Sandra Beate Reimann, Antje von Graevenitz, Stefan Zweifel et al., contains numerous color illustrations as well as texts, poems, and quotations by Rebecca Horn, and presents quotations from works by authors who have a particular relevance for her. A richly illustrated chronology at the end of the catalogue offers a wide range of insights into the development of Rebecca Horn’s oeuvre and its interconnection with her biography.

Rebecca Horn, “Paradise Widow”, 1975, photo

EXHIBITION 5.6. – 22.9.2019 Museum Tinguely

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Rebecca Horn, “Head Balance”, 1972, photo

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ANNA WINTELER EDITORS Ines Goldbach, Käthe Walser TEXTS Jean-Christophe Ammann, Silvia Bächli, Jacqueline Burckhardt et al. DESIGN Groenlandbasel, Dorothea Weishaupt, Sheena Czorniczek, Sinja Steinhauser

Winteler is undoubtedly one of the most inspiring Swiss video and performance artists.

DETAILS German / English / French, Paperback, 31 × 22 cm, 174 pages, numerous ills. in color and b/w EURO 30,– ISBN 978-3-903269-62-0 PUBLISHED

Die zur Ausstellung erschienene Publikation gibt einen Überblick und würdigt das umfangreiche Videoschaffen von Anna Winteler von den späten 1970er Jahren bis in die frühen 1990er Jahre. Diese bis heute ausstehende Arbeit wird in der nun vorliegenden Publikation zeitgleich dokumentiert: das inspirierende Abenteuer, das Werk von Anna Winteler, einer der unbestritten wichtigsten Schweizer Video- und Performancekünstlerinnen, aus der heutigen Perspektive und unter heutigen Fragestellungen einer Generation zu eröffnen, die bislang noch keinen Kontakt mit den Arbeiten haben konnte, und zugleich denjenigen, denen das Werk bereits seit den 1980er Jahren vertraut ist, eine neue Perspektive zugänglich zu machen.

Anna Winteler, “Horizontal Waltz for Left and Right”, 1989, film still, video

umgesetzt. Die Publikation umfasst eine große Auswahl an Werkaufnahmen, Dokumentationen und historischen Aufnahmen aus dem umfangreichen und erstaunlichen Archiv. Die Herausforderung bestand hier nicht nur darin, eine sinnstiftende Auswahl zu treffen, sondern auch die vielen bewegten Bilder und Aktionen innerhalb zweier Buchdeckel spürbar werden zu lassen.

Ausstellung und Katalog wurden gemeinsam von Anna Winteler, Käthe Walser und Ines Goldbach konzipiert und

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EXHIBITION 25.1. – 28.4.2019 Kunsthaus Baselland

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The anthology for the first time documents the artists extensive video work from the 1970s to the 1990s.

The exhibition and accompanying publication offer a survey and an appreciation of the extensive video work by Anna Winteler, from the late 1970s to the early 1990s, when she discontinued her work. This output is presented in the publication under consideration and at the same time documented: the inspiring adventure, the work of Anna Winteler, one of the undisputedly most important Swiss video and performance artists, from the present-day perspective. It asks the present-day questions of a generation that cannot yet have had any contact with the work, while at the same time opening up a new perspective to those

who have been familiar with her work since the 1980s. The exhibition and catalog were designed and realized jointly by Anna Winteler, Käthe Walser and Ines Goldbach. The publication includes a large selection of recordings of her work, documentary material and historical recordings from the extensive and remarkable archive. The challenge here was not only to make a meaningful selection, but also to allow readers to get a feel for her many moving images and actions between the covers of a book.

Anna Winteler, “Horizontal Waltz for Left and Right”, 1989, film still, video

Anna Winteler, “Horizontal Waltz for Left and Right”, 1989, film still, video

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SHANNON BOOL The publication under consideration on the work of Shannon Bool is, in many respects, an exploration of the importance of looking.

Bombshell Die vorliegende Publikation zum Werk von Shannon Bool ist in vielerlei Hinsicht eine Untersuchung über die Bedeutung des Blicks.

Bool’s approach to her art is a multidisciplinary one, comprising tapestries, carpets, photograms, sculptures, installations and painting. It combines media used in the fine arts with techniques and materials to which recourse has only been incidental in the traditional history of art. Her very method of proceeding is indicative of her feminist perspective, something which does not submit to an authoritative interpretation. Her projects revolve around phenomena pertaining to society, the history of art or architecture; they allow for a novel way of looking at things in order to question our customary habits of perception.

traditionellen Kunstgeschichte nur am Rande zum Einsatz kamen. Ihre Verfahrensweisen deuten von sich aus auf eine feministische Perspektive hin, die sich von der autoritativen Lesart unterscheidet. Shannon Bools Projekte kreisen um gesellschaftliche, kunsthistorische oder architektonische Phänomene und ermöglichen eine neuartige Blickrichtung, um Wahrnehmungsgewohn­ heiten zu befragen.

Bool verfolgt eine multidisziplinäre künstlerische Praxis, die Wandteppiche, Teppiche, Fotogramme, Skulpturen, Installationen und Malerei umfasst. Sie kombiniert Medien der bildenden Kunst mit Techniken und Materialien, die in der

EDITORS Musée d’art de Joliette, Agnes Etherington Art Centre, Kingston, Kunst­ verein Braunschweig, Centre Culturel Canadien, Paris TEXTS Tammer El-Sheikh, Esther Kinsky, Anne-Marie St-Jean Aubre DESIGN Studio S/M/L, Berlin

EXHIBITION 14.9. – 17.11.2019 Kunstverein Braunschweig

DETAILS German /English, Paperback, 31 × 22 cm, 176 pages, numerous ills. in color and b/w

An investi­ gation on the importance of looking.

EURO 28,– ISBN 978-3-903269-74-3 PUBLISHED

Shannon Bool, “Oued Ouchaia”, 2018, courtesy Galerie Kadel Willborn, Düsseldorf, Daniel Faria Gallery, Toronto

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ANITA ZUMBÜHL

You don’t know What you don’t know You don’t know Anita Zumbühl, “Ohne Titel“, 2016, photo © Andri Stadler

A dialogue of internal and external landscapes.

Was ist Natur? Wie nehmen wir sie wahr? Wie eignen wir sie uns an, wie gestalten wir sie? Anita Zumbühl untersucht mit ihren Arbeiten das Verhältnis von Mensch, Natur und Kultur. Sie verwendet dafür Fundstücke wie Kristalle, Äste oder Moose sowie Materialien aus dem Heimbereich wie Stopfwatte, Wolle und Stoff. Innere und äußere Landschaften treffen aufeinander und treten in Dialog. Die Künstlerin nimmt Maß am Menschen, physisch wie psychisch, indem sie Emotionen nachspürt und in Performances – unter anderem mit Salon Liz – menschliche Sehnsüchte und Ängste thematisiert.

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EDITOR Stadt Luzern and Kunstmuseum Luzern TEXTS Lena Friedli, Daniel Morgenthaler, Eveline Suter DESIGN Hi Visuelle Gestaltung, Megi Zumstein & Claudio Barandun DETAILS German / English, Paperback, 30 × 22 cm, 130 pages, numerous ills. in color

What is nature? How do we perceive it? How do we appropriate it, how do we shape it? In her work, Anita Zumbühl investigates the relationship between human beings, nature and culture. To this end, she uses objets trouvés such as crystals, branches or mosses plus materials from the domestic sphere such as cotton wool, wool and fabric. Internal and external landscapes converge and enter into dialogue. The artist measures herself on the human scale, both physically and psychologically, by sounding out emotions and using performances—among others with Salon Liz—to investigate human longings and anxieties.

EURO 30,– ISBN 978-3-903269-92-7 PUBLISHED

EXHIBITION 8.6. – 25.8.2019 Kunstmuseum Luzern

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ELISABETH VON SAMSONOW JUERGEN TELLER Der von der Niederösterreichi­ schen Landesgalerie in Kooperation mit Zuecca Projects und The PhotoPhore, Venedig, herausgegebene Katalog dokumentiert, kommentiert und komprimiert das performative Projekt „The Parents’ Bedroom Show“ von Elisabeth von Samsonow, das von Juergen Teller in 62 Fotografien festgehalten worden ist. Diese besondere Konstellation aus Performance, Fotografie und künstlerisch überarbeitetem Dokumentationsfilm (im Katalog als Film-Stills) weist einen Weg in das Verständnis intermedialer Beziehungen in der zeitgenössischen Kunst. Der Inhalt der Performance, ­ die (fiktive) Urszene, der

The Parents’ Bedroom Show (Creating Time)

Koitus der Eltern, wird im Sinne des neueren Gebrauchs dieses Terminus umgedeutet, nämlich als Begriff für die wichtigste Szene im Film (oder Leben), die alles andere organisiert.

Installation view, Elisabeth von Samsonow and Juergen Teller, 2019, photo © Maresa Jung

EXHIBITION 9.5. – 31.7.2019 Spazio Ridotto, Venedig

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“The Parents’ Bedroom Show” features the primal scene of a life.

EDITORS Landesgalerie Nieder­österreich in co­operation with Zuecca Projects and The PhotoPhore, Venice TEXTS Christian Bauer, Domenico Fallacara, Elisabeth von Samsonow, Nina Tabassomi, Felicitas Thun-Hohenstein CONVERSATION Elisabeth von Samsonow and Juergen Teller DESIGN Renate Stockreiter, Christoph Fuchs

This catalog, published by Niederösterreichische Landesgalerie in cooperation with Zuecca Projects and The PhotoPhore, Venice, documents, comments on and compresses the performance project “The Parents’ Bedroom Show” by Elisabeth von Samsonow, which was captured on film in 62 photographs by Juergen Teller. This specific constel­lation consisting of a performance, photography and an­artistically modified documen­tary (which takes the form of film stills in the catalog) indicates a path to the understanding of cross-media relationships in contemporary art. The content of the performance, the (fictitious) primal scene, i.e. the coitus of the parents, is reinterpreted in the context of the more recent usage of the term, i. e. to represent the most important scene in a film (or a life), which organizes everything else.

DETAILS German / English, Paperback with jacket, 20 × 16 cm, 200 pages, 120 ills. in color EURO 26,– ISBN 978-3-903269-80-4 PUBLISHED

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RENATE BERTLMANN Das Werk Renate Bertlmanns wird gerne mit dem Begriff der feministischen Avantgarde verbunden und auf das Kunstschaffen des Hinterfragens von geschlechtergeprägten Rollenbildern und Stereotypen konzentriert. Dem gegenüber steht der ironische, selbstreflektive und spirituelle Aspekt ihres Schaffens. „Amo ergo sum“ ist die zentrale Botschaft Bertlmanns, die 1978 entwickelt wurde und sich seit den 1980er Jahren in die Themen Pornografie, Ironie und Utopie gliedert. Die Ausstellung der Landesgalerie Niederösterreich ist die erste Museumseinzelausstellung der Künstlerin. Das Projekt wurde mit Renate Bertlmann im Spätsommer 2016 erarbeitet, lange bevor sich die Aufmerksamkeit für die Künstlerin mit dem Empfang des Großen Österreichischen Staatspreises und der Nominierung zur ersten Künstlerin mit einer Einzelausstellung im Österreichischen Pavillon der Biennale in Venedig markant entwickelt hat. Die Ausstellung der Landesgalerie, welche die Künstlerin selbst kuratierte, und die dazu begleitend erscheinende Publikation präsentieren auch neue Arbeiten von Bertlmann, der Schwerpunkt liegt aber auf legendären Werken der 1970er und 1980er Jahre.

Hier ruht meine Zärtlichkeit

Installation view, “Renate Bertlmann. Hier ruht meine Zärtlichkeit”, 2019, photo © Claudia Rohrauer

EXHIBITION 25.5. – 29.9.2019 Landesgalerie Niederösterreich EDITOR Christian Bauer TEXTS Christian Bauer, Elisabeth von Samsonow DESIGN schultz+schultz– Mediengestaltung DETAILS German / English, Paperback, 21 × 26 cm, 112 pages EURO 22,– ISBN 978-3-903269-83-5 PUBLISHED

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Renate Bertlmann, “Here Rests My Tenderness”, 1976, photo © Claudia Rohrauer

Renate Bertlmann’s work is frequently associated with the term feminist avant-garde and focuses on the kind of art that questions gender-specific role models and stereotypes. Such patterns are contrasted with the ironic, self-reflective and spiritual aspect of her oeuvre. “Amo ergo sum” is Bertlmann’s central message, developed in 1978, which, since the 1980s, has been subdivided into the topics pornography, irony, and utopia. The exhibition at Landesgalerie Niederösterreich is this great artist’s first solo show at a museum. The project was developed together with Bertlmann in late summer 2016, long before she became the subject of such general attention when she received the Grand Austrian State Prize and was nominated as the first female artist with a solo show in the Austrian Pavilion at the Biennale. The exhibition at the Landesgalerie, which the artist curated herself, and the publication accompanying it present new work by Bertlmann, but the focus is on her legendary works of the 1970s and 1980s.

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ALICJA KWADE Concept artist Alicja Kwade is a relativist who skeptically questions our presumed reality. Using this approach, Kwade takes advantage of her multimedia work to examine all kinds of phenomena and hypotheses from the worlds of physics, philosophy and sociology, which she translates into her own art.

LinienLand Die Konzeptkünstlerin Alicja Kwade ist eine Relativistin, die skeptisch unsere vermeintliche Realität hinterfragt. Von diesem Ansatz ausgehend, befasst sich Kwade in ihrem multimedialen Schaffen mit unterschiedlichsten Phäno­ menen und Denkmodellen aus Physik, Philosophie und Soziologie und übersetzt sie in ihre Kunst.

fungieren gleich­zeitig als eine Art Zeitskala. Alicja Kwade setzt in „LinienLand“ ihre Überlegungen zu Raum, Schwerkraft und Zeit um.

Detail view, “LinienLand”, 2018, Museum Haus Konstruktiv, Zürich

Die hier vorgestellte neue, raumgreifende Installation ist eine begehbare Gitterstruktur, in der massive Natursteinkugeln unterschiedlicher Größe scheinbar schwerelos schweben. Die Künstlerin bezieht sich darin auf die seit der Antike viel diskutierte Idee der Parallelwelten. Vor diesem Hintergrund ist die auf Quadraten aufgebaute Struktur als Multiversum, das multiple Realitäten beherbergt, zu lesen. Die sich ergebenden Durchgänge luden die BesucherInnen ein, dieses zu betreten und die Schwerkraft der Steinkugeln zu erleben. Die Natursteine – mit ihren vielen über mehrere Millionen Jahre gebildeten Schichten – stammen von den verschiedenen Kontinenten unserer Erde, symbolisieren diese und

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This new, space-consuming installation is a walkable grid structure in which different-sized spheres of solid natural stone appear to be hovering weightlessly. With it, the artist refers to the idea of parallel worlds, an idea which has been much discussed since antiquity. With this in mind, the structure, which is based on squares, should be seen as a multi­verse containing multiple realities. The passageways that arise invite visitors to enter this multiverse and experience the spheres’ gravity. The natural stone, with its many layers that have been formed over a period of millions of years, comes from the different continents of the world, symbolizes these, and simultaneously acts as a kind of timescale. In “LinienLand” Kwade implements her deli­ berations on space, gravity and time.

EDITOR Sabine Schaschl, Stiftung für konstruktive, konkrete und konzeptuelle Kunst, Museum Haus Konstruktiv, Zürich TEXTS Wolfgang M. Schmitt CONVERSATION Alicja Kwade and Sabine Schaschl DESIGN Harald Pridgar DETAILS German/English, Hardcover, 32 × 22 cm, 90 pages, 36 ills. in color EURO 28,– ISBN 978-3-903269-70-5 PUBLISHED

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EXHIBITION 8.2. – 6.5.2018 Haus Konstruktiv, Zürich

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HANS OP DE BEECK

The Cliff EDITOR Florian Steininger TEXTS Nicolas de Oliveira, Nicola Oxley DESIGN Alexander Rendi DETAILS German / English, Hardcover, 28 × 26 cm, 192 pages, numerous ills. in color EURO 29,80 ISBN 978-3-903269-68-2 PUBLISHED

EXHIBITION 3.3. – 23.6.2019 Kunsthalle Krems

The Cliff, die titelgebende Arbeit zu Ausstellung und begleitende Publikation der Kunsthalle Krems, ist ein romantisches Naturstück als lebensgroße skulpturale Installation. Kunst und Alltag verschwimmen ineinander; real anmutende Personen und Objekte mutieren in ihrer Monochromie zur Skulptur.

The Cliff, the piece that lends its name to both the exhibition and the accompanying publication by Kunsthalle Krems, is a romantic nature piece that takes the form of a life-size sculptural installation. Art and the everyday merge together; real-looking people and objects mutate, in their monochromy, into sculpture.

Hans Op de Beeck lockt uns in melancholische Bildwelten zwischen Traum und Wirklichkeit. Es sind Bühnen der Imagination und Kontemplation; räumliche Bildsituationen der Stille, Zeitlosigkeit und Abgeschiedenheit. Teils sind sie real begehbar, teils im filmischen oder bildlichen Medium erfahrbar. Op de Beeck ist Regisseur, Choreograf, Kurator, Bühnenbildner, Maler und Bildhauer in einer Person. Die von Florian Steiniger kuratierte Ausstellung in der Kunsthalle Krems hat der Künstler persönlich choreografiert und dafür eigens neue skulpturale Installationen geschaffen. Sie wird zur Passage, zur Reise. Die Publikation wird durch Textbeiträge von Nicolas de Oliveira und Nicola Oxley ergänzt.

Hans Op de Beeck tempts us into melancholy pictorial worlds located between dream and reality. They are stages allowing visitors to engage in imagination and contemplation; spatial pictorial situations of quietude, timelessness and seclusion. They are in part actually accessible and in part can be experienced through a filmic or pictorial medium. Op de Beeck is a director, choreographer, curator, stage designer, painter and sculptor rolled into one. Curated by Florian Steiniger, the exhibition at Kunsthalle Krems was choreographed by the artist in person, who specially designed new sculptural installations for it. The exhibition becomes a passage, a journey. The publication is complemented by articles by Nicolas de Oliveira and Nicola Oxley.

Melancholy pictorial worlds located between dream and reality.

Hans Op de Beeck, “Sleeping Girl”, 2017, photo © Christian Redtenbacher

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KONKRETE GEGENWART How does contemporary art deal with the constructive, concrete and conceptual art of the projects? What is its position on the latter’s ideas and achievements or

Concrete Contemporary

on its sometimes utopian projects? Does it merely make use of its repertoire of shapes and colors or does it have recourse to the concepts behind them as well? Taking as its starting point the question of to what extent the production of present-day art latches onto our art heritage, Museum Haus Konstruktiv is presenting a major group exhibition with a statement character, showing works by 34 artists from Germany and abroad. Arranged rather like a trail during which threads from the history of art can be picked up, interwoven and elaborated, the exhibition “Konkrete Gegenwart” offers a multifaceted and lively snapshot of current-day constructive/ concrete and conceptual work, which the publication complements with numerous texts, as well as documenting and illustrating it well.

Wie geht die Gegenwartskunst mit der konstruktiven, konkreten und konzeptuellen Kunst des 20. Jahrhunderts um? Wie steht sie zu deren Ideen und Errungenschaften, wie zu ihren teils utopischen Projekten? Bedient sie sich lediglich ihres Form- und Farbrepertoires oder greift sie auch auf die dahintersteckenden Konzepte zurück? Ausgehend von der Frage, in­wiefern die gegenwärtige Kunst­produktion an unser kunst­historisches Erbe an­dockt, präsentierte das Museum Haus Konstruktiv eine groß angelegte Gruppenausstellung mit Statement-Charakter mit Werken von 34 KünstlerInnen dem In- und Ausland. Als Parcours angelegt, auf dem Fäden aus der Kunstgeschichte aufge­griffen, verknüpft und weitergesponnen werden, bot die Aus­stellung „Konkrete Gegewart“ eine facettenreiche und lebendige Momentaufnahme des konstruktiv-konkreten und konzeptuellen Schaffens von heute, was die vorliegende Publikation, ergänzt mit zahlreichen Texten, gut belegt und abbildet.

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Timo Nasseri, “Florenz-Bagdad“, 2016, photo © Stefan Altenburger

EDITOR TEXTS Max Glauner, Adam Jasper, Sabine Schaschl, Sabine Maria Schmidt, Wolfgang Ullrich and Margit Weinberg-Staber DESIGN Harald Pridgar DETAILS German / English, Hardcover, 30 × 25 cm, 192 pages, 100 ills. in color EURO 46,– ISBN 978-3-903269-69-9 PUBLISHED

A multifaceted snapshot of current-day concrete work.

EXHIBITION 7.2. – 5.5.2019 Haus Konstruktiv, Zürich

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HELMUT FEDERLE Ausgehend von seinen eigenen Beständen, präsentiert das Kunstmuseum Basel die konzentrierte Ausstellung „Helmut Federle. 19 E. 21st St. Six Large Paintings“. Das Gemälde „Asian Sign“ (1980) war während des mehrjährigen Aufenthalts des Künstlers in New York City entstanden und wurde 1982 angekauft. Die auf der Form einer Swastika basierende Komposition gab Anlass für heftige und kontrovers geführte Diskussionen. Obwohl Federles Werke seither Eingang in zahlreiche Museums- und Privatsammlungen fanden, blieb die Auseinandersetzung in Basel ohne Fortsetzung. Anregung, das Gespräch wieder aufzunehmen, gibt nun die

EDITORS Kunstmuseum Basel, Josef Helfenstein, Maja Wismer INTRODUCTION Josef Helfenstein TEXTS Gottfried Boehm, Josef Helfenstein, Roman Kurzmeyer, Jeremy Lewison, Jasper Sharp, Richard Shiff, Maja Wismer DESIGN Anne Hoffmann Graphic Design

Ausstellung von sechs großformatigen Gemälden aus den Jahren 1980 bis 2005 sowie einer Reihe von Arbeiten auf Papier, kombiniert mit einer persischen Keramikschale sowie einem japanischen Teebecher – zwei Artefakten aus der Sammlung des Künstlers. Die für die Publikation entstandenen Texte ergänzen zahlreiche Abbildungen.

19 E. 21st St. Six Large Paintings Taking its own holdings as its starting point, Kunstmuseum Basel is presenting the compact exhibition “Helmut Federle. 19 E 21st St. Six Large Paintings”. The painting “Asian Sign” (1980) dates back to a time when the artist spent several years in New York City; it was acquired in 1982. Based on the shape of a swastika, the composition provoked heated discussions and was the subject of great controversy at the time. Although since then Federle’s work has found its way into numerous museums and private collections, the debate in Basel did not see a continuation. A good excuse to reopen the discussion is provided by this exhibition of six large-format paintings dating from the years 1980 – 2005 plus a number of works on paper, combined with a Persian ceramic dish and a Japanese tea mug–two artifacts from the artist’s own collection. The texts written for the publication are complemented by numerous illustrations.

Helmut Federle, “spread of a notebook”, 1977, photo © Markus Wörgötter

EXHIBITION 25.5. – 15.9.2019 Kunstmuseum Basel

DETAILS German / English, Paperback, 28 × 21 cm, 128 pages, 73 ills. in color, 81 ills. in color and b/w EURO 38,– ISBN 978-3-903269-66-8 PUBLISHED Helmut Federle, “Untitled (No Bild)”, 1986, ZKM/Zentrum für Kunst und Medien, Karlsruhe, photo © Markus Wörgötter

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OLAF NICOLAI

photo © Daily Dialogue

Für die Ausstellung „BAU [ SPIEL ] HAUS“ hat das Neue Museum Nürnberg, gefördert durch den „Fonds Bauhaus heute“ der Bundeskulturstiftung, zum 100. Jubiläum der Gestaltungsschule eine ambitionierte, dreiteilige Publikation herausgegeben: einen Katalog, einen Reader und ein Künstlerbuch. Das Konzept hierzu stammt von dem Künstler Olaf Nicolai, der gemeinsam mit dem Grafikbüro Daily Dialogue (Maximilian Schachtner, Malin Schoenberg, Marie Damageux) auch die Gestaltung übernommen hat.

Der Reader trägt über 15 Texte historischer und zeitgenössischer, internationaler AutorInnen zusammen – von Friedrich Fröbel bis Bazon Brock. Das Künstlerbuch von Olaf Nicolai beinhaltet 5 großformatige Poster zum Auseinanderfalten inklusive einen Bastelbogen und Kurztexte des Künstlers.

Olaf Nicolai, “Grid, Raster / Grid”, 2019

EDITOR TEXT Olaf Nicolai DESIGN Daily Dialogue (Marie Damageux, Maximilian Schachtner, Malin Schoenberg)

Der Katalog dokumentiert die Ausstellung der Kuratoren Thomas Hensel und Robert Eikmeyer mit dem Fokus auf das Thema „Spiel“ – als zentrales Element im kreativen Prozess – mit über 100 Werken aus über 100 Jahren. Highlight dabei ist das Display des amerikanischen Künstlers Liam Gillick.

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DETAILS German / English, Paperback, 3 volumes in plastic bag, 3 formats, 510 pages, 6 posters, numerous ills. in color EURO 49,– ISBN 978-3-903269-87-3 PUBLISHED

photo © Daily Dialogue

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BAU [ SPIEL ] HAUS

Play is the central element of the creative process. A three-part publication conceptualized by artist Olaf Nicolai.

For the exhibition BAU [ SPIEL ] HAUS, Neues Museum in Nuremberg, supported by the Bauhaus Today Fund of the German Federal Cultural Foundation, has issued an ambitious, three-part publication to mark the 100th anniversary of the Bauhaus school of design – a catalog, a reader and an artist’s book. The concept for the project was produced by artist Olaf Nicolai, who, together with design studio Daily Dialogue (Maximilian Schachtner, Malin Schoenberg, Marie Damageux), was also responsible for the design.

The catalog documents the exhibition curated by Thomas Hensel and Robert Eikmeyer, with its focus on the subject of play – as a fundamental element of the creative process – with more than 100 works from over 100 years. One particular highlight is the presentation by American artist Liam Gillick. The reader brings together more than 15 texts by historical and contemporary international authors – from Friedrich Fröbel to Bazon Brock. The artist’s book by Olaf Nicolai contains 5 large-format posters for readers to fold out and includes an arts-and-crafts sheet and short texts by the artist.

photo © Daily Dialogue

EXHIBITION 22.3. – 16.6.2019 Neues Museum Nürnberg

Olaf Nicolai, “Syntax, Chain”, 2019

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JUN YANG Jun Yangs Beitrag zum Österreichischen Skulpturenpark ist die Arbeit „Das Eis des Kaisers von China“. Sie geht dem Mythos nach, wie im alten China in den Wintermonaten Eisblöcke vergraben wurden, um dann im Sommer als Speiseeis serviert zu werden … Dafür wurde Ende November 2018 ein 1 m3 großer Eis­block in einem Erdwall im Österreichischen Skulpturenpark vergraben. Beim Frühlings­fest des Skulpturenparks am 19. Mai 2019 wurde dieser wieder ausgegraben.

Yang entschied sich, anstelle eines Katalogs zum Projekt ein Kinderbuch zu machen. Er lud den japanischen Kinderbuchillustrator Yuuki Nishimura ein, das Buch zu illustrieren.

TEXTS Elisabeth Fiedler, Jun Yang DESIGN Jun Yang, Karin Buol-Wischenau DETAILS German and English Edition, Hardcover, 20 × 27 cm, 32 pages, 31 ills. in color EURO 15,– English Edition: ISBN 978-3-903269-97-2 German Edition: ISBN 978-3-903269-98-9 PUBLISHED

Nature tells a tale from real life.

Illustration by Yuuki Nishimura

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Das Eis des Kaisers von China The Emperor of China’s Ice

Illustration by Yuuki Nishimura

How could the emperor of China have ice in the summer? Yang takes us on a discovery journey.

Illustration by Yuuki Nishimura

EXHIBITION 19.5. – 31.10.2019 Österreichischer Skulpturenpark, Premstätten

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“The Emperor of China’s Ice” is the title of Jun Yang’s contribution to the Austrian Sculpture Park. It is based on a myth according to which, in ancient China, ice blocks were buried in the winter months and then served as ice in summer. At the end of November 2018, a 1 m³ block of ice was buried in an embank­ ment in the Austrian Sculpture Park. The ice will be excavated again at the Sculpture Park’s

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spring festival on May 19, 2019. Yang decided to make a children’s book rather than a catalog to accompany the project. He invited the Japanese children’s book illustrator Yuuki Nishimura to illustrate the publication.

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OLAF OSTEN EDITORS Nina Schedlmayer, Olaf Osten TEXTS Boris Kostadinov, Nina Schedlmayer DESIGN Olaf Osten DETAILS German / English, Hardcover, 30 × 21 cm, 112 pages, 49 ills. EURO 22,– ISBN 978-3-903269-91-0 PUBLISHED IN AUGUST 2019

In “Gebiet / Area”, the artist literally sketches his territories from within his notebooks.

Unser Orientierungssystem aus Raum und Zeit prägt bekanntlich unseren Alltag. Aber muss das so sein? Sind die daraus entstehenden Dynamiken zwangsläufig? Olaf Osten interessiert sich dafür, wann wir wohin aufbrechen und wann wir wo bleiben. In Form von Zeichnung, Malerei und Film fragt er nach dem, was uns bewegt. Dieses Buch nimmt uns mit in seine Arbeiten und Ausstellungen der vergangenen fünf Jahre. Der Begriff „Gebiet“ scheint einen Einflussraum zu be­zei­chnen, der sich sowohl auf einen Ort als auch auf einen Wissensbereich beziehen kann. Um wessen Raum kann es sich dabei handeln? Wer oder was gebietet über uns? Über wen oder was gebieten wir? Wer und was verortet uns wo und wann? Wo kennen wir uns aus? Was also ist unser „Gebiet“?

Calendar view, “Commuting 186”, 2016 © Olaf Osten

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Gebiet / Area As we all know, our orientation system consisting of a combination of time and space guides our everyday life. But does this have to be the case? Are the resultant dynamics inevitable? Olaf Osten is interested in when we set off for somewhere, when we stay somewhere, and where this somewhere might be. Using drawings, paintings and film, he asks about the reasons that guide us. This book documents his work and his exhibitions over the past five years.

Where and when do we go and where and when do we stay?

The term Gebiet (“territory”) appears to describe a sphere of influence that can be either a place or a field of knowledge. Whose territory might this be? Who or what holds sway over us? Over whom or what do we hold sway? Who and what locates us where and when? What are we familiar with? In other words, what is our territory? Installation view, “Commuting 2018-c”, Hamburg, 2018 © Olaf Osten

“Commuting 218”, 2018 © Olaf Osten

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“Commuting 226”, 2019 © Olaf Osten

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MARTIN STÖBICH

Three books. An optional Plexiglas slipcase.

Martin Stöbich, Tokyo, 2016 © Martin Stöbich

„Beirut / Dubai / Tokyo“ lautete der Arbeitstitel der neuesten Publikation des Fotografen Martin Stöbich. Am Ende des Tages hört „das Kind“ aber nun auf den Namen „Beirut / Tokyo 東京 and one picture of Mt. Fuji / Happy in the U. A. E.“ Etwas sperrig? Hat aber dennoch seinen Sinn. 404 Seiten. 3 Bücher. Optional ein Plexiglasschuber. Drei scheinbar willkürliche Weltgegenden. In summa 318 Bilder. Und auf gut 90 Prozent dieser Bilder finden sich keinerlei Menschen wieder. Aber was sagt uns das? Vorerst einmal nichts.

Fotografien, entstanden im Libanon, in Japan und in den Vereinigten Arabischen Emiraten in den Jahren zwischen 2010 und 2017. Diese Aufnahmen hat sich Martin Stöbich im Großen und Ganzen erwandert. Mit einer kleinen, handlichen, analogen Leica Kamera. Und beim herumwandernden Fotografieren ergeben sich im Kopf von Martin Stöbich schon die Sequenzen, welche dann in Buchform seriellen Niederschlag finden. Die Bilder sind sozusagen Filmstills der Stöbichschen Erkundungen der Gegend. Und um das geht es Stöbich auch im Wesentlichen: Gegenden zu erkunden. Die Dinge für sich einzuordnen.

Was man hier in Händen hält, ist eine sehr besondere, persönliche Sammlung von

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EDITOR Martin Stöbich DESIGN OrtnerSchinko DETAILS English, Swiss Brochure, 3 volumes, 30 × 21 cm, 404 pages, 318 photos EURO 78,– ISBN 978-3-903269-79-8 PUBLISHED

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Beirut / Tokyo 東京 and one picture of Mt. Fuji / Happy in the U. A. E. “Beirut / Dubai / Tokyo” is the working title of the latest publication by photographer Martin Stöbich. However, at the end of the day, the child is answering to the name of “Beirut / Tokyo 東京 and one picture of Mt. Fuji / Happy in the U. A. E.” Rather clunky? Nevertheless, it does make sense. 404 pages. Three books. An optional Plexiglas slipcase. Three seemingly arbitrary places in the world. A total of 318 pictures. And on a good 90% of these pictures there is no human being of any kind in sight. And what does this have to say to us? In the first instance, nothing. What we have in our hands here is a very special, personal

collection of photographs taken in Lebanon, in Japan and in the United Arab Emirates between the years 2010 and 2017. By and large, Stöbich hiked his way to these shots. With a small, handy, analog Leica camera. And over the course of these hiking photography sessions, in Stöbich’s head the sequences were already taking shape which would subsequently be translated into book form. The pictures are, so to speak, the film stills from Stöbich’s surveys of the areas. And this is basically what Stöbich was concerned with. Surveying areas. Classifying things for himself.

Martin Stöbich, Beirut, 2010/2011 © Martin Stöbich

Three seemingly arbitrary places in the world. Martin Stöbich, U.A.E., 2017 © Martin Stöbich

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SEHNSUCHTSRÄUME Die Ausstellung der Landesgalerie Niederösterreich reflektiert die Natur als Projektionsfläche für Wünsche, Sehnsüchte und Träume. Die Natur wird durch das bewusste Sehen des Menschen zur Landschaft, zu einer kulturell geprägten, auch persönlichen Landschaftsschau. Ausgehend von der niederösterreichischen Kulturlandschaft, die seit dem 19. Jahrhundert Erholungssuchenden Ruhe und Inspiration bietet, entsteht ein vielfältiger Ausstellungsparcours, der Kunstwerke des Stimmungsimpressionismus und der Klassischen Moderne mit Werken der Gegenwart in einen spannungsreichen Dialog setzt.

This exhibition at the Landesgalerie Niederösterreich reflects on nature as a surface onto which we can project our wishes, longings and dreams. When we look at it consciously, nature becomes a landscape, a landscape show, one that is both personal and shaped by agriculture. Taking as its starting point the rural landscape of Lower Austria, one that has, since the 19th century, been offering peace and inspiration to those in need of recuperation, a multifaceted exhibition layout is set to give rise to a dynamic dialog between works of art belonging to Austria’s Atmospheric Impressionism, works of classic modern art, and contemporary works.

Berührte Natur und besetzte Landschaften

Franz Hubmann, “Beim Mohndorf Armschlag”, undatet Dem malerischen Sehnsuchtsraum von Emil Jakob Schindler, Marie Egner oder Egon Schiele steht eine zeitgenössische Sicht auf die (Kultur-)Landschaft gegenüber, z. B. in den fotografischen Arbeiten von Robert F. Hammerstiel, Michael Goldgruber oder Margherita Spiluttini. Der Begriff des Sehnsuchtsraums kann in unserer Gegenwart aber auch jenseits eines touristischen Settings gelesen werden, so etwa als Zufluchtsort für Menschen auf der Flucht. Dieses aktuelle Thema wird anhand mehrerer Werke verhandelt, in aus­ sagestarken Fotografien von Ekaterina Sevrouk ebenso wie in einer großformatigen Zauninstallation von Iris Andraschek und Hubert Lobnig.

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The picturesque places of longing by Emil Jakob Schindler, Maria Egner and Egon Schiele are contrasted with a contemporary perspective on the (agricultural) landscape, e.g., in the photographic work of Robert F. Hammerstiel, Michael Goldgruber and Margherita Spiluttini. However, in our present era the term “place of longing” can also be interpreted as something beyond the reach of a touristy setting: for example, as a place of retreat for people fleeing danger. This up-to-the-minute topic is addressed by several works, in the powerful photographs of Ekaterina Sevrouk and equally in a large-format fence installation by Iris Andraschek and Hubert Lobnig.

EXHIBITION 26.5. – 19.4.2020 Landesgalerie Niederösterreich EDITORS Christian Bauer, Günther Oberhollenzer TEXTS Günther Oberhollenzer, Erwin Uhrmann DESIGN Johanna Uhrmann DETAILS German, Paperback, 21 × 26 cm, 104 pages EURO 22,– ISBN 978-3-903269-82-8 PUBLISHED

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TICKET TO THE MOON

“Far above the Moon Planet Earth is blue And there’s nothing I can do.” (David Bowie, Space Oddity, 1969) Alexandra Mir, “First Woman on the Moon”, 1999, photo © Alexandra Mir

Der Mond, oft besungen, oft gemalt, ein Sehnsuchtsort, Ort magischer Kräfte. Das Mondgesicht, Licht in der Nacht, eine poetische Metapher und gleichsam sichtbare Projektion für den Wunsch, die Welt außerhalb unseres Planeten zu entdecken, zu erforschen. Nach dem „Sputnikschock“ der 1950er Jahre beginnt ein Wettlauf der beiden Großmächte Sowjetunion und USA. Wer landet als Erster auf dem Mond? Der NASA gelingt schließlich 1969 dieser Coup. Neil Armstrong ist der erste Mensch auf dem Mond und hisst dort die amerikanische Flagge.

2019 jährt sich die Mondlandung nun zum 50. Mal. Die Kunsthalle Krems nimmt dieses Jubiläum zum Anlass für eine vielgesichtige Ausstellung zum Thema „Mond“. „Ticket to the Moon“ widmet sich künstlerischen Kommentaren zur Mondlandung und dem Mond als Symbol für menschliche Träume, Sehnsüchte und Spekulationen. Gezeigt und besprochen werden Werke ab dem Wettlauf zum Mond in den 1950er Jahren, direkte Reaktionen auf die Mondlandung ab 1969 sowie ganz aktuelle künstlerische Positionen auch jüngerer Künstlerinnen und Künstler.

EXHIBITION 14.7. – 3.11.2019 Kunsthalle Krems

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The Moon, often sung about, often painted, a subject of longing, a place with magic powers. The face of the Moon, light in the darkness of night, a poetic metaphor and, as it were, a visible projection of our desire to discover and investigate the world beyond our planet. The “Sputnik Shock” of the 1950s was followed by a race by the two superpowers that were the Soviet Union and the USA. Which would be the first to land on the Moon? In the end, it was NASA that was to succeed in pulling off this coup in 1969. Neil Armstrong was the first man on the Moon and he planted an American flag there. 2019 is the 50th anniversary of the lunar landing. Kunsthalle Krems is taking advantage of the occasion to mount a multifaceted exhibition on the subject of the Moon. To accompany the exhibition, Ticket to the Moon devotes itself to

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artistic commentaries on the lunar landing and the Moon as a symbol of man’s dreams, longings and speculations. It shows and discusses works as of the race to the Moon in the 1950s, direct reactions to the lunar landing as of 1969, as well as current artistic positions, some of them by younger artists.

EDITORS Florian Steininger, Andreas Hoffer TEXTS Andreas Hoffer, Dona Jalufka, Christian Köberl, Rebekka Reuter, Florian Steininger, Erwin Uhrmann DESIGN Johanna Uhrmann DETAILS German / English, Paper­back, 21 × 21 cm, 176 pages, numerous ills. in color EURO 26,90 ISBN 978-3-903269-86-6 PUBLISHED IN JULY 2019

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ICH BIN ALLES ZUGLEICH EDITORS Christian Bauer TEXT Christian Bauer DESIGN Johanna Uhrmann

Selbstdarstellung von Schiele bis heute

DETAILS German, Paperback, 26 × 21 cm, 104 pages, numerous ills. in color EURO 22,– ISBN 978-3-903269-85-9 PUBLISHED

A look behind the human façade.

„Ich bin alles zugleich“ thematisiert die künstlerische Selbstdarstellung in einem Aufeinandertreffen unterschiedlicher Perspektiven und Deutungen vom 19. Jahrhundert bis zur Gegenwart.

Ausstellung und Publikation vereinen Werke von Egon Schiele, Oskar Kokoschka, Richard Gerstl, Irene Andessner, Renate Bertlmann, Adolf Frohner, Gelatin/Gelitin, Gottfried Helnwein, Birgit Jürgenssen, Elke Krystufek, Hermann Nitsch, Arnulf Rainer, Oswald Tschirtner, August Walla u. v. a.

Der thematische Parcours nimmt in der revolutionären Selbstsicht Egon Schieles seinen Ausgang. Seit den Werken des niederösterreichischen Weltkünstlers fängt die Selbstsicht den Blick hinter die Fassade des Menschen ein und legt Rollenspiele, seelische Befindlichkeiten und künstlerische Strategien frei. Die Selbstdarstellung ist ein zentrales Thema der Landessammlungen Niederösterreich, wodurch ein hochklassiger Querschnitt des österreichischen Kunstschaffens entsteht, der durch wichtige Werke aus zahlreichen Museen und Privatsammlungen ergänzt wird.

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Erwin Wurm, “Ich und über-Ich”, 2018, Sammlung Oesterreichische Nationalbank

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“Ich bin alles zugleich” looks at self-portrayals in art, bringing together different perspectives and interpretations from the 19th century up until the present day.

been assembled, comple­ mented by important works from numerous museums and private collections. The exhibition and publication bring together works by Egon Schiele, Oskar Kokoschka, Richard Gerstl, Irene Andessner, Renate Bertlmann, Adolf Frohner, Gelatin, Gottfried Helnwein, Birgit Jürgensen, Elke Krystufek, Hermann Nitsch, Arnulf Rainer, Oswald Tschirtner, August Walla and many others.

The journey starts with Egon Schiele’s view of himself. Since the work of this world-class artist from Lower Austria, self-portrayals of this kind have succeeded in looking behind the human façade and revealing role-play, people’s states of mind and artistic strategies. Selfportrayal is a very important subject for Landessammlungen Niederösterreich, meaning that a first-class cross-section of Austrian creative work has

EXHIBITION 25.5. – 16.8.2019 Landesgalerie Niederösterreich

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TALKING HEADS Die Erforschung des Gesichts und seiner Ausdrücke oder vielmehr der zugeschriebenen Bedeutungen stellt ein faszinierendes Abenteuer dar, das eine lange (Kunst-)Geschichte vorweisen kann. Die Ausstellung „Talking Heads“ möchte allerdings weniger einer ver­trauten (abendländischen) Erzählung des Porträts nachgehen als vielmehr den Kopf als eigenständiges ästhetisches Motiv in den Mittelpunkt stellen. Ausgehend von Franz Xaver Messerschmidts „Charakter­köpfen“, welche der bedeutende Bildhauer im 18. Jahrhundert anfertigte, setzt die Ausstellung „Talking Heads“ Kopf- und Gesichtsbilder und deren künstlerische Konzeptionen und Rezeptionen in den Mittelpunkt einer dialogischen Auseinandersetzung mit nam­haften Positionen des 20. Jahrhunderts. 16 dieser „Köpfe“, die in den Gesichtern unterschiedlichste menschliche Gefühlszustände und Affekte auf direkt affizierende Weise festhalten, befinden sich in der Sammlung des Belvedere. Sie zählen zu den absoluten Publikumslieblingen des Hauses und regen zur Nachahmung und Nachempfindung des gezeigten Mienenspiels an, erzählt Direktorin Stella Rollig im Vorwort zur Publikation.

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Contemporary Dialogues with F. X. Messerschmidt Exploring the face and its expressions or rather the meanings ascribed to these expressions represents a fascinating adventure, one which can look back over a long history (in art). However, the exhibition “Talking Heads” is less concerned with engaging in one of those familiar (Western) narratives on the portrait and more with focusing on the head as an independent aesthetic motif.

Starting with Franz Xaver Messerschmidt’s “Charakterköpfe,” which the prominent sculptor produced in the 18th century, the exhibition “Talking Heads” makes pictures of heads and faces as well as their reception and the artistic concepts behind them the focal point of a dialogic discussion on notable 20th-century positions. Sixteen of these “heads,” whose faces capture all kinds of human feelings and

emotions in a manner that affects visitors directly, are to be found in the Belvedere collection and are some of the absolute favorites of visitors to the museum, challenging them to imitate or empathize with the facial expressions shown to them, as the museum’s director Stella Rollig explains in the foreword to the publication.

EDITORS Stella Rollig, Axel Köhne PREFACE Stella Rollig TEXTS Johanna Aufreiter, Axel Köhne, Georg Lechner, Bert Rebhandl, Judith Elisabeth Weiss DESIGN Willi Schmid DETAILS German / English, Paperback, 24 × 17 cm, 280 pages, 127 ills. in color EURO 38,– ISBN 978-3-903269-51-4 PUBLISHED

EXHIBITION 8.3. – 29.7.2019 Orangerie, Unteres Belvedere

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Franz Xaver Messerschmidt, The Simpleton, 1777/1783 © Belvedere, Vienna

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CONNECTED PETER KOGLER WITH …

George Antheil with Friedrich Kiesler with Hedy Lamarr with Fernand Léger with Charlotte Perriand with Franz Pomassl with Winfried Ritsch with Franz West Die Ausstellung im Kunsthaus Graz und die dazu erscheinende Publikation bringen die Werke des Aufbruchs des Jahrhunderts mit zeitgenössischen Arbeiten zusammen. Ikonische Leihgaben und Archivmaterialien von Fernand Léger und Charlotte Perriand bilden gemeinsam mit den Kompositionen von George Antheil und Franz Pomassl in einer neuen, immersiven Arbeit Peter Koglers einen erfahrbaren Kosmos eines reproduzierbaren, programmierten und geheimnisvoll verbundenen Architekturund Medienraums.

The exhibition at Kunsthaus Graz and the accompanying publication bring together works from the beginning of the century and contemporary work. In a new, immersive work by Peter Kogler, iconic loans and archive material by Fernand Léger and Charlotte Perriand together with compositions by George Antheil and Franz Pomassl form a perceptible cosmos of an architectural and media space that is

EDITOR Katrin Bucher Trantow, Kunsthaus Graz TEXTS Ami Barak, Katrin Bucher Trantow, Monika Holzer-Kernbichler, Mauro Piccinini DESIGN Karin Buol-Wischenau COVER Michael Posch, Peter Kogler

Im Zentrum steht die Reflexion des wegweisenden und revolutionären Ballet Mécanique von Fernand Léger und George Antheil. Das bis heute nachhallende Werk wollte, in den Worten von Antheil, „dem (heutigen) Zeitalter sowohl die Schönheit wie auch die Gefahr seiner unbewussten mechanischen Philosophie und Ästhetik klarmachen.“

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reproducible, programmed and mysteriously connected. Central to the work is a reflection on the ground-breaking and revolutionary Ballet Mécanique by Fernand Léger and George Antheil. The objective of this art film, which still reverberates today, was in Antheil’s words “to clearly show to the (current) age both the beauty and the danger of its unconsciously mechanical philosophy and aesthetics.”

EXHIBITION 28.6. – 20.10.2019 Kunsthaus Graz

DETAILS German / English, Paperback, 28 × 22 cm, 216 pages EURO 29,– ISBN 978-3-903320-06-2 PUBLISHED JUNE 2019

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JOCHEN GERZ EDITOR Söke Dinkla TEXTS Söke Dinkla, Jochen Gerz, Claudia Posca, Sonja Rothweiler DESIGN büro uebele visuelle kommunikation, Stuttgart

THE WALK Keine Retrospektive THE WALK No Retrospective „‚THE WALK‘ von Jochen Gerz ist Arbeit an der Demokratie.“ (Thomas Krützberg, Kulturdezernent der Stadt Duisburg)

Fragen danach, wohin die Geschichte geht oder wie bin ich Teil in ihr und im öffentlichen Leben, wurden aufgeworfen.

Jochen Gerz arbeitet seit dem Ende der 1960er Jahre mit neuen Medien. Nach mehreren documenta-Beiträgen sowie seiner Teilnahme 1976 (mit Beuys und Ruthenbeck) an der 37. Biennale von Venedig im Deutschen Pavillon arbeitet er seit Mitte der 1980er Jahre im öffentlichen Raum an gesellschaftlichen Prozessen. Im Zentrum dieser Arbeit steht die Öffentlichkeit selbst, ohne deren Teilnahme seine Kunst nicht mehr entstehen kann.

Für die Arbeit wurden vom Museum in Zusammenarbeit mit der Handwerkervereinigung Duisburg zehn Flüchtlinge angeheuert, die den Aufbau begleiteten und die Zuschauerinnen und Zuschauer durch die Ausstellung führten. Teil der künstlerischen Arbeit ist die Teilhabe an ihren Erfahrungen, Wünschen und Träumen. Für die Publikation hat Jens Dirksen (Westdeutsche Allgemeine Zeitung), Interviews mit ihnen geführt, von denen fünf auch in der WAZ erschienen sind.

Die textuelle Installation „THE WALK“ im Lehmbruck Museum Duisburg führte über eine Fußgängerbrücke entlang der Glasfassade der Institution. Der darin zu lesende Text verband Arbeit und Leben des 1940 in Berlin geborenen Künstlers aus acht Dekaden Zeitgeschichte.

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DETAILS German / English, Paper­back, 35 × 25 cm, 196 pages, numerous ills. in color EURO 24,– ISBN 978-3-903269-72-9 PUBLISHED

“‘THE WALK’ by Jochen Gerz is a work about democracy.” (Thomas Krützberg, Head of Cultural Affairs of the City of Duisburg) Jochen Gerz has been working with new media since the end of the 1960s. After several contributions to the documenta and his participation (along with Beuys and Ruthenbeck) in the 39th Venice Biennale in 1976 (at the German Pavilion), since the mid-1980s he has been working in the public domain on social processes. The focus of his work is on the members of the public themselves, without whose participation his work would not be possible. The textbased installation “THEWALK”

EXHIBITION 23.8.2018 – 5.5.2019 Lehmbruck Museum

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at the Lehmbruck Museum in Duisburg leads over a pedestrian bridge along the institution’s glass façade. The text to be read in it links the life and work of the artist, who was born in Berlin in 1949, and thus has participated in eight decades of history, as Jens Dirksen points out in his foreword. Questions are raised, questions about where the story is heading or how I am a part of it and of public life. For the work, the museum, in collaboration with Duisburg’s association of tradespeople, engaged ten refugees to help with the organization and to accompany the audience through the exhibition. Part of the artistic work is the participation in their experiences, wishes and dreams. For the publication, Jens Dirksen (“Westdeutsche Allgemeine Zeitung,” WAZ) conducted interviews with the refugees; five of these interviews also appeared in the WAZ.

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100 GREEN SPACES

100 SPACES hat sich in den vergangenen Jahren als Schnittstelle zwischen Architektur und Design, ArchitektInnen und BauherrInnen sowie Architekturinteressierten und Fachpublikum etabliert.

Carla Lo Landschaftsarchitektur, “Johann-Nepomuk-Berger-Platz”, photo © Johannes Hloch

100 GREEN SPACES zeigt ein kuratiertes Œuvre von Landschaftsarchitektur und Gartenkultur, das sich im neuen Heft zu einem inspirierenden Spektrum fügt und mit grünen Ideen für unsere Städte komplettiert wird. Das großzügig gestaltete „Coffeetable Magazine“ ist ein nachhaltig inspirierendes Kompendium für gestaltete Natur und grünes Design.

EDITOR Manuela Hötzl, 100 Medien GmbH TEXTS Mariella Beier, Christoph Benkeser, Isabella Diessl, Julia Gmeiner, Lucia Kamleitner, Chloe Lau, Andreas Maurer, Michaela Putz, Johann Redl, Julia Riefenstahl, Rosa Schaberl, John Sokol, MariaSteinwender, Claudia Tschabuschnig, Mladen Zecevic-Tadic, Jan Zimmermann DESIGN Rosebud

100 GREEN SPACES widmet sich Megatrends wie Urban Gardening, vertikalen Biotopen, atmenden Fassaden, gestalteten Landschaften und lebendigen Gärten. In dieser Ausgabe liegt der Fokus auf Seed Dating, Gestaltungsstilen und Designvarianten: privaten Gärten, Grünflächen, Balkonen, Terrassen und Parks.

DETAILS German, Paperback, 33 × 23 cm, 208 Seiten, numerous ills. in color EURO 14,90 ISBN 978-3-903269-61-3 PUBLISHED

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Gilles Brusset, “L’enfance du pli”, photo © Pierre-Yves Brunaud

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Großes Kino & Gutes Klima

Marshall Blecher and Magnus Maarbjerg, “KBHØ1”, photo © airflix.dk

Inspired by the scope of green landscape architecture and other green ideas.

100 GREEN SPACES is once again presenting a curated oeuvre of landscape architecture and horticulture. In the new publication we are greeted by an inspiring spectrum of green landscape architecture, horticulture and green ideas for our cities. This generously proportioned “coffee-table magazine” is an enduringly impressive

“Georunde Rindberg”, photo © Adolf Bereuter

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Over the past years, 100 SPACES has succeeded in establishing itself as a point of interface between architecture and design, between architects and developers and between people inter­ested in architecture and a specialist audience.

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compendium of landscape design, styled nature and green design. 100 GREEN SPACES is devoted to mega-trends such as urban gardening, vertical biotopes, breathing façades, styled landscapes and living gardens. In this issue the focus is on seed dating, design styles and different types of design: private gardens, green spaces, balconies, terraces and parks.

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MANAGING DIRECTOR AND PUBLISHER Silvia Jaklitsch SENIOR PUBLISHERS Ralf Herms Manfred Rothenberger MANAGEMENT ASSISTANT Julia Bromirski MARKETING & SALES Katharina Pötz PROJECT MANAGEMENT Gabrielle Cram BEAUTIFUL THINGS / SHOP / BLOG Dajana Dorfmayr SALES COOPERATIONS WITH starfruit publications, starfruitpublications.de Harpune Verlag, harpune.at 100 Häuser, 100haeuser.de PAMPAM Publishing

DISTRIBUTION

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BERLIN, HAMBURG, NORTH GERMANY, NRW Julia Bromirski Schwedenplatz 2/24 1010 Vienna +43-699-191619-95 bromirski@vfmk.org ITALY, SPAIN, PORTUGAL, GREECE & CYPRUS Bookport Associates Ltd. via Luigi Salma, 7
 20094 Corsico (MI) Italy Phone +39-02-4510-3601 Fax +39-02-4510-6426 bookport@bookport.it SWITZERLAND Markus Wieser Kasinostraße 18 8032 Zürich Switzerland Phone +41-44-2603605 Fax +41-44-2603606 wieser@bluewin.ch

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VFMK SUMMER 2019  

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