le Quotidfien N° 12

27.07.21

Après le printemps...

After Spring...

Stephen Johnson © Alpimages − Fleurgerritsen

Des quatre symphonies de Robert Schumann, c'est la deuxième, en do majeur, qui divise les foules au XIXe siècle. Pour le musicologue allemand Philip Spitter, la deuxième symphonie avait, comme il l'a dit, une profondeur senimentale plus grave et plus mûre, l'audace de sa forme décisive et la richesse de son expression révélaient clairement la relation artistique entre Schumann et Beethoven.

Mais pour l'un des principaux critiques de la Grande-Bretagne de l'après-guerre, la Deuxième Symphonie était "un échec pathétique ; un ennui laborieux ; une invention thématique souvent médiocre ; une argumentation laborieuse et répétitive". Comment deux personnes manifestement clairvoyantes et musiciennes peuvent-elles arriver à des conclusions aussi différentes vis-à-vis d'un morceau ?

La raison n'est peut-être pas si difficile à trouver après tout, et je pense que c'est une conséquence de l'état mental de Schumann au moment où il l'a écrite, en utilisant ses propres mots. Schumann lui-même semble avoir deviné que la Deuxième Symphonie pourrait poser des problèmes à certains, comme il l'a admis lorsqu'il a décrit les circonstances dans lesquelles il l'a composée : "J'ai écrit ma Deuxième Symphonie en décembre 1845 et je crains parfois que mon Je crains parfois que mon état semi-invalide puisse être défini à partir de la musique.

J'ai commencé à me sentir davantage moimême lorsque j'ai écrit le dernier mouvement, mais je me sentais certainement beaucoup mieux lorsque j'ai terminé l'œuvre entière. en même temps, elle me rappelle des jours sombres."

Au XIXe siècle, il n'y avait pas non plus des endroits très agréables à vivre, mais ici, dans la Deuxième Symphonie, je pense que nous pouvons entendre beaucoup d'espoir et je peux également entendre la valeur de la confrontation, de l'approche et de l'acceptation de sa propre obscurité. Certaines personnes n'aiment pas ça, mais je pense qu'une bonne interprétation peut vraiment nous en dire long sur la façon dont nous pouvons nous accepter, et sur la façon dont l'amour peut rendre ce monde plus supportable pour tout le monde. Et je pense que c'est le message que j'ai choisi de retenir de la Deuxième Symphonie de Schumann.

Stephen Johnson

Of Robert Schumann's four symphonies, it's the second in C major that divides opinions for the crowds of great 19th century works. To the german musicologist Philip Spitter, the Second Symphony had as he put it a graver and more mature depth of feeling, its bold decisiveness of form and overpowering wealth of expression revealed distinctively the relationship in art between Schumann and Beethoven. But for one of the leading critics in post-war Britain, the Second Symphony was “a pathetic failure laborious dull often mediocre and thematic invention plodding and repetitive in argument”.

So how can two very obviously intelligent and musical people come to such different conclusions about a piece of music ?

The reason is maybe not so hard to find after all, and I think it's a consequence of Schumann's mental state at the time he wrote it, by using his own words.

There Schumann himself seems to have guessed that the Second Symphony might cause problems for some people, as he admitted when he described the circumstances in which he composed it: “I wrote my Second Symphony in december 1845 and I sometimes fear my semi-invalid state can be defined from the music, I began to feel much more myself when I wrote the last movement but i was certainly much better when i finished the whole work all the same it reminds me of dark days.”

In the 19th century, there weren't very pleasant places to be either but here in the Second Symphony, I think we can hear a lot of hope and I also can hear the value of confronting and approaching and coming to terms with one's own darkness. Some people don't like it but I think a good performance can really tell us a lot about how we can come to terms with ourselves, and how love can make this world more bearable for everyone. And that I think is the message certainly I choose to take away from Schumann's Second Symphony."

Stephen Johnson

Créer une communion musicale Creating musical communion

Quatuor Kopelman © Janosh Ourtilane

Fondé en 2002 par quatre chambristes déjà confirmés, le Quatuor Kopelman incarne la grande tradition russe du quatuor. Il se produit aujourd’hui dans les salles les plus prestigieuses du monde entier : Concertgebouw d’Amsterdam, Muskiverein de Vienne, Wigmore Hall de Londres, etc.

Rencontre avec les musiciens, à l’issue d’une répétition.

Vous revendiquez votre appartenance à tradition russe du quatuor à cordes.

Que faut-il entendre par là ?

Nous avons tous eu la chance d’étudier au Conservatoire de Moscou au moment de son âge d’or, lorsque l’on pouvait y voir Dimitri Chostakovitch, David Oïstrakh et Sviatoslav Richter. Nous avons eu des pédagogues de premier plan. Notre altiste Igor Sulyga a travaillé avec Fiodor Droujinine, ami de Chostakovitch et dédicataire de sa Sonate pour alto op. 147. Notre violoncelliste Mikhail Milman a étudié auprès de Valentin Berlinski, fondateur du Quatuor Borodine, ainsi que Mstislav Rostropovitch et Natalia Gutman. Certains d’entre nous ont travaillé les quatuors de Chostakovitch avec Chostakovitch lui-même.

Pour le violon, il faut citer les professeurs Boris Belenki et Iuri Jankélevitch. Ce dernier disait : « Pour jouer du violon, tu dois écouter les grands chanteurs italiens et trouver ta voix ». Autrement dit, choisir de quelle façon tu souhaites faire chanter ton instrument.

Il est impossible de définir la tradition russe en quelques mots. Elle est cet héritage que

nous avons reçu. Nous le partageons depuis la fondation du Quatuor en 2002. Aucun d’entre nous n’est parti depuis cette date. Presque vingt ans sans changer un seul musicien du Quatuor, c’est une chose rare dans la vie d’un ensemble !

Votre répertoire est-il surtout russe ?

Nous jouons Tchaïkovski, Borodine, Chostakovitch, mais aussi beaucoup Schubert.

Notre répertoire est très large. Nous aimons donner des concerts monographiques, autour d’un seul compositeur. Ce soir, le programme est par exemple consacré à Brahms.

Vous donnez ce soir avec András Schiff le Quatuor avec piano N° 2 op. 26 de Brahms. En quoi consiste le travail quand vous répétez pour la première fois avec un musicien comme Andras Schiff, alors que vous avez tous déjà joué des centaines de fois la partition, et que vous êtes tous interprètes de premier plan ?

Nous écouter ! Nous sentir musicalement ensemble, créer une communion musicale. Cela se produit rarement d’emblée. Parfois, pourtant, vous jouez pour la première fois avec un nouvel artiste et dès les premières mesures, et tout se passe comme si vous vous connaissiez déjà.

András Schiff est un interprète extraordinaire sur le plan de l’émotion, comme de la pensée.

De telles rencontres sont exceptionnelles.

Propos recueillis par Laetitia Brancovan

The Kopelman Quartet was founded in 2002 by four established chamber musicians and embodies the great Russian quartet tradition.

Today, it performs in the most prestigious concert halls around the world: Amsterdam's Concertgebouw, Vienna's Muskiverein, London's Wigmore Hall, etc.

We met the musicians after a rehearsal.

You claim to belong to the tradition of Russian string quartet. What does that mean?

We were all lucky enough to study at the Moscow Conservatory during its golden age, when you could see Dmitri Shostakovich, David Oistrakh and Sviatoslav Richter. We have had great teachers. Our violist Igor Sulyga worked with Fyodor Druzhininin, a friend of Shostakovich's and the dedicatee of his Viola Sonata Op. 147.

Our cellist Mikhail Milman studied with Valentin Berlinski, founder of the Borodin Quartet, as well as Mstislav Rostropovich and Natalia Gutman.

Some of us have worked on Shostakovich's quartets with Shostakovich himself.

For the violin, we should mention the teachers Boris Belenki and Iuri Jankélevitch. He used to say: "To play the violin, you have to listen to the great Italian singers and find your own voice".

In other words, choose the way you want your instrument to sing.

It is impossible to define the Russian tradition in a few words. It is this heritage that we have received. We have been sharing it since the quartet was founded in 2002. None of us has left since then. Almost twenty years without changing a single musician in the Quartet is a rare thing in the life of an ensemble!

Is your repertoire mainly Russian?

We play Tchaikovsky, Borodin, Shostakovich, but also a lot of Schubert. Our repertoire is very broad. We like to give monographic concerts, based on a single composer. Tonight, for example, the programme is devoted to Brahms.

Tonight you are performing Brahms' Piano Quartet No. 2, op. 26, with András Schiff.

What is it like to rehearse for the first time with a musician like Andras Schiff, when you have all played the score hundreds of times before, and you are all first-rate performers?

To listen to each other! To feel ourselves musically together, to create a musical communion. This rarely happens right away.

Our repertoire is very broad it's as if you already know each other. András Schiff is an extraordinary performer in terms of emotion and thought.

Such encounters are exceptional.

Interviewed by Laetitia Brancovan

La Banque Julius Baer met un coup de projecteur sur Gabriel Prokofiev Bank Julius Baer shines a spotlight on Gabriel Prokofiev

Gabriel Prokofiev © Droits Réservés

Plusieurs siècles séparent les débuts de la musique classique de ceux de la musique électronique. Cependant, les deux styles peuvent s’harmoniser parfaitement, comme Gabriel Prokofiev en fait régulièrement la démonstration.

Le petit-fils du compositeur Sergueï Prokofiev ne recule pas non plus devant les noms célèbres lorsqu’il fusionne les deux genres. Pour le Verbier Festival 2021, le compositeur, DJ, producteur, propriétaire de label et gérant de boîte de nuit s’est réapproprié la Symphonie n°6 de Beethoven. Il a jeté son dévolu sur la «Pastorale» composée en 1808 pour sa description des beautés de la nature.

Les beautés de la nature, à l’existence très compromise 200 ans plus tard, est le thème sur lequel Prokofiev veut attirer l’attention avec sa «Pastorale 21», composée spécialement pour le Verbier Festival. C’est à la fois une réponse à la Symphonie n°6 de Beethoven et un appel à un plus grand respect de l’environnement en adoptant un mode de vie plus écologique.

Chez Julius Baer, nous sommes sensibles à ces thèmes. Avec notre stratégie de développement durable, nous voulons continuer d’intégrer les facteurs de l’environnement, de la politique sociale et de la gouvernance d’entreprise (ESG) dans notre processus d’investissement; mettre davantage en œuvre les principes de développement durable et réduire notre empreinte écologique de façon proactive.

Pour tous ceux qui ne pourront pas assister sur place à la première mondiale de la « Pastorale 21» le 29 juillet, nous accompagnerons Gabriel Prokofiev avant, pendant et après sa représentation. Un documentaire sera publié par la suite sur les réseaux sociaux du Verbier Festival et de Julius Baer.

Centuries lie between the beginnings of classical and electronic music. Nevertheless, the two fit together perfectly, as Gabriel Prokofiev has proved repeatedly. When it comes to fusing the two styles together, the grandson of composer Sergei Prokofiev does not shy away from the big names. For this year’s Verbier Festival, the composer, DJ, producer, and record label owner has taken on Beethoven’s Sixth Symphony. He deliberately chose the “Pastorale”, composed in 1808, because it describes the beauty of nature.

The beauty of nature, which 200 years later is in existential danger, is precisely what Gabriel Prokofiev wants to draw attention to with his “Pastorale 21”, which he composed especially for the Verbier Festival. It is not only an answer to Beethoven’s Sixth Symphony, but also an appeal for greater environmental awareness and an ecological lifestyle. These issues are also very important to us at Julius Baer. With our sustainability strategy, in the future, we also want to continue to integrate environmental, social, and governance (ESG) factors into our investment process, implement sustainability principles even more strongly and proactively reduce our ecological footprint.

For all those who cannot be there in person to experience the world premiere of “Pastorale 21” on 29 July, we will be accompanying Gabriel Prokofiev before, during and after his performance and produce multimedia content. A documentary will be available on the social media channels of Julius Baer and the Verbier Festival.