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Manuel Alves Photo : Artur Cabral @ The New Vega Studio


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PINK IS THE NEW BLACK MARISA GONÇALVES @HADJA MODELS ANGOLA 4z Photo: Artur Cabral

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Proenza Schouler SS13


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Entrevista a

Manuel Alves

alves /gonçalves Norberto Lopes Cabaço Fotografía: Artur Cabral

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manuel alves Nacionalidad: Portugués Profesión/ Ocupación: Diseñador de Moda Marca: Alves/Gonçalves Target de Cliente: “Clientes de alto poder aquisitivo” En su rutina diaria no sale de casa sin: “Sin ponerme mi colonia” Qué hace sonreír: “Mis perros” Qué es lo que no soporta: “Espacios donde no se pueda fumar” Una ciudad: “Lisboa” Website: http://www.alvesgoncalves.com

Colaboraciones: Vestuario para película “Tráfico” de João Botelho) Vestuario para teatro “Os Gigantes da Montanha” y “Raízes Rurais, Paixões urbanas”, (Director de escena: Ricardo Pais) Vestuario para danza “Chansons de Femmes, Compañía de Danza Paulo Ribeiro (Director de Escena: Giorgio Corsetti). Vestuario corporativo de empresas: Vodafone, Galp, Hotéis Altis, Fundação Calouste Gulbenkian yTAP.

Prémios: Globo de Oro “Personalidad del Mundo de la Moda’’ 1998 Nominación: Troféu Nova Gente ‘‘Mejor Diseñador de Moda’’; Premio Look Elite ‘‘Mejor Colección’’ 2009 Elegido ‘‘Homens Fora de Série’’ 2009 por el Jornal Económico. 21


I I

nvitamos Manuel Alves para un nuevo reto:

Ser portada de Twissst, para la edición de Mayo, y para una conversación distendida para dar a conocer el hombre, el diseñador y el observador, de aquel que es la cara más reconocida de la dupla Alves/Gonçalves.Aún que su agenda estuviera llena, Manuel Alves, ha encontrado un hueco para hablar con Twissst . A las 14:30h, Manuel Alves blanca y sus inseparables vaqueros DIESEL modelo Viker que por si acaso no están disponibles cuando las necesita, bastará con una llamada para… que pasen a estarlo!.

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lutamente contemporáneo y chic de “per si”!! Porque gran parte de esta imagen es transpor tada en cada colección, comprender Alves/Gonçalves es, conocer el hombre por detrás de del diseño de Moda portugues, es como en todo lo que es extraordinario, escuchar en primera persona parte de la historia de la Moda, es una experiencia sin precio!

1-¿Se nace, por defecto, diseñador de moda? Manuel Alves (M.A.): un lugar donde nada podría indicar que me dedicaría a la moda. Soy transmontano, de Barroso, Montalegre, pero había algo en mí que me decía cual el camino a recorrer, por eso creo que se nace con un destino” M.A.: “Yo siempre he sido muy curioso con los colores, los patrones o las texturas, a los 14 años era yo quien elegía mis ropas, era muy meticuloso en todos esos aspectos, y aún que mi entorno como si algo se hubiera cristalizado en mi persona y esperaba por ser revelado. Fue a los 23 o 24 años que me he implicado en el sistema, y empecé en la industria de la moda”. 3- ¿Considera distinto el papel del diseñador de moda de hoy, frente, por ejemplo, con el del diseñador de los 80? M.A.: “Totalmente distintos, por lo general yo me considero un autodidacta, en esa época no estructura y del volumen, sentía que lo sabía, pero solo no sabía cómo hacerlo.

tendía.Siempre he tenido la noción de entender lo que es un cuerpo y cual son las posibilidades al busto, intentando buscar soluciones del punto de vista de la estructura, de cómo una pieza cae sobre el cuerpo”. 4- ¿Qué le ha llevado a crear Alves/Gonçalves? M.A.: aquel entonces, no reunía las condiciones necesarias para mi evolución como diseñador. Lisboa era el sueño y su realización, con un nuevo proyecto, la marca Alves/Gonçalves”. M.A. la música. Fue una década, un periodo de movida intelectual, el origen de nuevas estéticas que han impulsado nuestros logros como diseñadores de moda. Había un público, un nicho de merca do que entendía lo que creábamos, eran buenos oyentes y buenos clientes, adquirían algo que ideal, a los que llevaban las piezas por placer y al día de hoy ... las llevan por cualquier otra razón” 23


6-Tal como nos dice el nombre de la marca, Alves/Gonçalves (A/G) es la creativa

M.A.: al taller, lo que es la construcción de las piezas, soy yo que hago el seguimiento de los

otro, y cualquiera de nosotros puede hacer del punto de vista correcto y adecuado el

M.A.: Surge de lo que nos mueve, de las señales que la sociedad nos va concediendo, de las obsesiones de la vida cotidiana, en nuestro caso, del diseño de interiores, de en nuestro caso deriva de la evolución de la colección anterior. Una marca tiene que er la integridad de que el resultado sea reconocido, indiscutiblemente por los demás, como una prenda de Alves/Gonçalves.” después diseñan un esbozo o el proceso es al revés? M.A.: proveedores con un amplio espectro de posibilidades, a veces podrá surgir que no el rigor y la calidad que exigimos es elevadísima. “couture”, las formas son excepcionales y absolutamente contemporánea, basta con volver a las colecciones, para hombre y señora, del Verano e Invierno del 2003, del 2007/8 o del 2012, por ejemplo, para encontrar volumen y formas muy M.A.: “Así es, la verdad es que no tengo ningún problema en decirlo así, la pequeñez de nuestro país, lleva a que nuestro discurso no tenga eco.Hoy el sistema no aguanta discursos que no estén asociados al gran capital, la industria es poderosísima, y requiere gran capital para impulsar una marcaHistóricamente Portugal nunca ha contemplado este proceso de negocio, al igual que tampoco lo hace ahora.’’

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“Nosotros, buenos fuera, buenĂ­simo en territorio 25


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M.A.: “No… la “couture” presupone un consumidor con alto poder adquisitivo, un consumidor o 2 meses en la ciudad para las pruebas, ya después regresaban a Portugal con el vestuario de la temporada.La “couture” se ha vuelto extremadamente cara, y la dinámica ultrapasa la realidad, es el desborde del sueño, en todos los sentidos de la palabra, desde el punto de vista de la con rimento de la realidad. Pero el mundo ha cambiado radicalmente, hoy es mucho más práctico y

M.A.: quistemos parte de ese mercado tenemos que tener un background igual de relevante en Portu gal, para que sea tu carta de presentación en el exterior”. M.A. de la moda de nuestros días.

M.A.: sola voz, la gestión tiene que saber al momento lo que hace el creador, tiene que existir plena desde la perspectiva de la vida cotidiana. Yo asumo, que hice algunas tonterías porque no tenía una gestión competente, porque no la quería tener, a veces también es necesario eso, para que te aporte algún color a la vida, aunque también comporte algunas decepciones. No me gusta M.A.: “Creo que está relacionado con el público y con los consumidores de la marca, son cliente una renovación permanente y eso promueve el dialogo entre nosotros, buscando soluciones para estos consumidores y promoviendo el dialogo para quien se viste de Alves/Gonçalves. Y eso es creo en la crítica cuando las personas la hacen con propiedad, con conocimiento. Tanto yo, como J.M.G. no nos preocupamos con la crítica, sino con quien la hace, y ahí sí, surge el dialogo, gente, no es esa nuestra preocupación”.


M.A.: del vestuario, pero no tiene que ser visible, no tiene que ser vulgar, las piezas abrazan el cuerpo con una aparente sencillez, hay después una mano llena de matices que disipa esa supuesta simplicidad. Hay una serie de aplicaciones en diversos materiales, aberturas permiten antever el cuerpo, pequeñas ventanas que invitan a la descubierta, sin más. Asimetrías que promueven el movimiento, corto por delante, largo por detrás, georgette por perspectiva platónica”. 16-¿Y para el Invierno? M.A.:

se compone de muchos yos que requieren distintas respuestas”.

M.A.: “Me gusta mucho la ropa de hombre, y es una de las cosas en que estoy pensado desde hace algún tiempo y es una decisión que sólo espera a que me despierte un día y me diga a mí mismo... es hoy.Desde el punto de vista del vestuario de los hombres, el mercado se está poniendo muy interesante, y cada diseñador tiene una visión y un “estilo” de cliente para quien

algodón macerado o peinado de excelente calidad... sin accesorios M.A.: gustaría salir de Lisboa y vivir algunos meses en Nueva York, me encanta la ciudad y también la simplicidad con que los americanos, a veces, piensan sobre determinadas situaciones, me experiencia muy interesante.Hay un proyecto que esta aliñado con el vestuario masculino… pero de momento aún no estoy en condiciones de revelarlo…”

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Entrevistamos a Artur Cabral, el fotógrafo humanista, así le llamamos en la redacción de TWISSST, por el trabajo intimista que consigue en el continente africano. Pero es más que eso, enamorado por el retrato, y un maestro en el tratamiento del color, Artur Cabral nos enseña su lado más emprendedor, hemos conocido su más reciente proyecto, el “The New Vega Studio”, en Lisboa, un espacio funcional y multidisciplinar que inauguramos con la realización de la portada de esta edición, con el consagrado diseñador de moda, Manuel Alves. Artur Cabral, el fotógrafo anteriormente arquitecto, tiene mucho que contarnos...

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Imagen por cortesĂ­a de leica

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ARTUR Entrevista a

CABRA 32


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Norberto Lopes Cabaรงo 33


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Okakuejo, Etosha, National Park Photo: Artur Cabral

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Moooi

Milan =

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Salone del

Mobile 2013 Texto: Ewa Wilkos Traducci贸n: Benedicta Moya

= Design


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urante una caótica semana en mitad de Abril, Milán se convierte en el epicentro de la creatividad del interiorismo. El fermento alrededor del Salone del Mobile, la feria de decoración de interiores y muebles más importante del mundo, supera la que se vive en cualquier de las prestigiosas ediciones de sus semanas de moda.

Es el LUGAR donde cualquier diseñador y amantes del diseño 66

tienen que estar, el lugar que inspira y que marca las tendencias futuras.

Y aquí siguen algunos de los highlights de la edición de este año.

“El que tiene ojo, encuentra lo que busca aún con los ojos cerrados”, así recitaba un aforismo del escritor italiano Italo Calvino en la pared interior del Temporary Museum for New Design. Y sin duda era un mensaje acertado,


Vitra Missoni home

Moooi dirigido a millares de compradores y visitantes que llegaron a la ciudad para admirar las últimas propuestas de los maestros del diseño así como de las nuevas promesas.

en el Espacio Prada, han atraído el interés mucho antes que empezaran, mientras otras han jugado inteligentemente con el efecto sorpresa.

Además del principal, en los espacios de la Feria en Rho, ciudad de las afueras de Milán, han tenido lugar centenares de eventos paralelos por toda la ciudad; desde los inmaculados showrooms de Brera a las vibrantes calles de la Zona Tortona.

Eso

Algunas de las exposiciones, como la nueva colección Knoll de Rem Koolhaas expuesta

reinterpretasen sus piezas originales.

ha

sido

el

caso

del

happening Moooi “The Unexpected Welcome” que ofrecía a los asistentes una experiencia total del universo Moooi. El cofundador y director artístico Marcel Wanders ha invitado algunos

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The Wood Ceramic Furniture

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l amplio showroom en Via Savona ha sido dividido en distintas “salas de estar” cada una con un producto icónico: las lámparas “Set up Shade” de Wander, los sofás “Cloud”, las sillas “5 O’Clock” de Nina Zupanc y “Paper Collection” de Studio Job.

elementos contradictorios en sí pero capaces, juntos, de crear tensiones y sorprendente armonía. Con grandes imágenes artísticas de Erwin Olaf en el fondo y colorados maniquíes de Hans Boodt preparados a lo largo de la exposición, el espacio da la ilusión de estar habitado por personas reales.

“Here to create an environment of love, live with passion and make our most exciting dreams come true”; la frase de Wanders resume

Ricos de detalles excéntricos, hemos visto ejemplos de taxidermia y muebles con formas de animales del grupo sueco Front al lado de lámparas “Bucket” de Studio Job. Este es un renombrado dúo de diseñadores holandeses llegado a la fama por su irónica reelectura del modernismo, de la tradición y de los objetos de uso común.

perfectamente el objetivo de la exposición – crear un espacio muy personal para clientes exclusivos. Para obtenerlo, Moooi (que en holandés 68

Se oponen enérgicamente al interiorismo low cost y de masa diseñando piezas únicas para museos, galerías y coleccionistas particulares.


Para la exposición de Moooi han presentado la serie “Altdeutsche” inspirada en los tradicionales muebles pintados a mano aún reinterpretados con una decoración estilo “cómic”. A medio camino entre una presentación y una performance, “The Unexpected Welcome” puede ser considerado un perfecto y postmoderno nido de amor en que estilos y gustos distintos se completan entre si; a las antípodas del aburrimiento y de las limitaciones propias de las soluciones de masas estilo Ikea. Este año hemos asistido a un viaje de la opulencia neobarroca a un estilo -diríamos - rustico, primario y contemporáneamente primitivo. Enérgicos diseñadores como Olivia de Jong (Goats on Furniture Elia Maurizi y Francesco Pepa (Teste di Legno Fabio Targhino han combinado madera con piel, metales, plástico y piedras para crear taburetes, bancos, armarios y estanterías. La madera se convierte en

Cassina y Living Divani que han presentado estanterías realizadas con piezas de madera en bruto. La calidad eco-friendly de la madera la hace perfecta para un diseño eco-sostenible y no convencional. Ya que hoy en día la idea de muebles de “segunda mano” de cartón reciclado no representa alguna novedad, la marca italiana Riva 1920 ha intentado subir a un nivel superior el concepto de eco design; su consola “Venice” está realizada con vidrio y palos de robles extraídos de la Laguna de Venecia y mantenidos juntos por materiales exclusivamente naturales. La moda eco-compatible ha estado presente también en el Salone Satellite, un evento paralelo para jóvenes diseñadores, originarios a veces Egipto.

Moooi

Moooi 69


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Wooden Furniture Ideun

ha presentado muebles y accesorios para el hogar, incluido relojes realizados con madera descartada mientras el estudio egipcio Design for Humanity ha optado por taburetes acolchados de Plastex, un tejido realizado con bolsas de plástico recicladas. Algunos de los objetos en madera presentados de campo, sin embargo otros hacían referencia a la elegancia retro de los años ‘50 y ‘60 con sus líneas limpias y dibujos geométricos. Este año, dos clásicos diseños de Jean Prouvé - la silla “Standard” y la mesa “EM” - han sido reinterpretados por Vitra en una nueva paleta de colores y presentados en la Expo.

Slamp

Los fans del diseño futurista no han sido defraudados con las últimas propuestas en la iluminación. Formas abstractas, materiales techno y colores psicodélicos han sido la característica de lamparas y candelabros presentados por varios arquitectos. Lasvit, de la Republica Checa, usa el tradicional

SDAA- Ana Zaragoza

cristal hecho a mano en la presentación del nuevo brand Constellation; formas orgánicas de cristal fundido creadas en colaboración con visionarios como Michael Young, Ross Lovegrove y Maurizio Galante. La sección Euroluce ha albergado nuevos productos de la Slamp, como dos candelabros de Zaha Hadid; otro ejemplo, la “Etoile” de Adriano Rachele que recreaba los movimientos de un tutu de bailarina. Una pantalla negra con la “Candy Collection Lamps” del estudio Fuksas nos recuerda más a una instalación en una galería de arte contemporáneo que a un showroom. La profunda interconexión entre arte, diseño y moda hace extremadamente inspirador el dialogo que se realiza constantemente entre estas disciplinas.

Fuksas Studio - Candy Lamps 70


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colección para el hogar, Missoni se diferencia sin duda por su calidad artesanal y sus patrones zigzagueantes, desde siempre, su marca de fábrica.

Este año la empresa familiar ha celebrado sus 60 años de actividad con una especial exposición interactiva “Zigzagging”, creada por el duo de artistas Carnovsky. Una serie de coloreadas proyecciones adornaba el suelo y las paredes del showroom de Missoni creando nuevas luces en el motivo ya seña de la marca. El proyecto ha sido presentado justo unas semanas antes uno de los personajes más importante del diseño italiano. Su herencia es una prueba, ya evidente en el Salone, de que el diseño de calidad nace del amor y de la creatividad.

Missoni Showroom 71


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CFM, Maputo Photo: Artur Cabral

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la obra social de

ARAVENA

LA DEMOCRATIZACION DE LA ARQUITECTURA Texto :Mauro Parisi

“Me interesaría solucionar los problemas que pudieran interesarle a cualquier ciudadano, sea su casa, un barrio, o problemas de segregación y violencia. Estudié una disciplina que me entrega fórmulas para traducir a formas esas

Alejandro Aravena.

Quinta Monroy, Iquique - Chile

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esde siempre el oficio del Arquitecto se ha movido, como un péndulo, entre la visión “organicista y social” de los urbanistas y la visión puramente artística, incluso auto referencial a veces, del arquitecto creador de piezas únicas. Dos enfoques completamente distintos. Esta vez hemos querido acercarnos al trabajo y a la personalidad de un arquitecto contemporáneo que, aún joven, está viendo reconocida, en manera cada vez más internacional, su trabajo, análisis y solución de algunos de los problemas más impactante de las sociedades actuales.

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St. Edward University, Johnson Hall Foto: KL Parll


A L E J A N D R O

A R AV E N A Nacido hace 46 años en Santiago de Chile ha estudiado Arquitectura en la Universidad Católica de Santiago y es ahora profesor de la misma, además de profesor visitante en Harvard.Desde 2009 es miembro del jurado del premio Pritzker y miembro del Royal Institute of British Architects. tal, o mejor dicho, la idea que hay por detrás. Haber construido a través de Elemental, mas de un millar de viviendas para los sectores mas desfavorecidos de Chile y al mismo tiempo contar en su consejo de administración, con el director ejecutivo de la COPEC – la Compañía Chilena de Petróleo – es todo una prueba de la capacidad de este arquitecto de ojos grises y pelo hirsuto a la Wolverine, de llevar adelante sus ideas y conseguir los apoyos necesarios para llevarlas a cabo.Admirador del arquitecto portugués Souto de Moura y de la sensibilidad social del también portugués Alvaro Siza, Aravena ha centrado gran parte de su labor profesional en poder garantizar una solución habitacional digna a esos sectores de la sociedad incapaces de obtenerla por si solos, y eso desde una perspectiva mercantilista, de negocio; sin abandonarse en la retorica del humanitarismo.

St. Edward University , exterior Residenia Estudiantil. Foto: Candy Chan

Como él mismo reconoce, su solución arquitectónica no representa ninguna novedad, sobretodo en la realidad latinoamericana, donde ya en los ’50 en Cuba o en Venezuela se habían ofrecido

han ido levantando en Chile dentro de los programas sociales del gobierno nacional, parten de la constatación que es necesario el mejor compromiso posible entre las necesidades de las poblaciones y los limitados recursos económicos que un gobierno puede dedicar a un proyecto en concreto y al mismo tiempo garantizar la “rentabilidad” de esas viviendas en el futuro para sus habitantes.

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«Todos nosotros, cuando compramos una casa, esperamos que aumente su valor con el tiempo; en cambio, en la mayoría de los casos de vivienda social, se parecen más a los coches: disminuyen su valor en el tiempo» La clave era, en práctica, dedicar los fondos gubernamentales para la construcción de las viviendas en las partes que los vecinos no hubieran podido construirse por sí mismo; básicamente la estructura, el techo, la cocina y los servicios, dejando la posibilidad que la vivienda pudiera crecer sucesivamente según las necesidades de los propios habitantes; y todo eso garantizando calidad y elegancia en el diseño y capacidad de revalorización en el futuro. las viviendas sociales no tienen que concentrarse en las afueras de la ciudad sino en su interior para que su interconexión a la red de servicios – de oportunidades según la visión de Aravena - propia de una ciudad, garantice el desarrollo futuro de sus vecinos y con ellos, de los mismo barrios.

Estas ideas se plasmaron en el mas icónico proyecto realizado por Elemental; las viviendas de la Quinta Monroy de Iquique; en esa ciudad del norte de Chile en 2003 se construyeron 100 viviendas en una parcela en pleno tejido urbano para un grupo« de ciudadanos que consiguieron luego “personalizarlas” y expandirlas según sus necesidades y que se ha transformado en el emblema de este particular enfoque a la arquitectura social. Su arquitectura es simple, linear, muy racional; enfocada en las necesidades que se pretende la excesiva importancia que dan al shock que supuestamente tienen que provocar sus obras en

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St. Edwar University, Patio Interior Residencia Estudiantil. Foto: Óscar Amos

la sociedad para tratar de esconder su propia irrelevancia social. El mismo Aravena vivió en su propia piel este sentimiento cuando al acabar la carrera a principio de los ’90 se vio encasillado en diseñar para la clásica tipología de clientela que recurren a arquitectos; chalets y casas exclusivas, restaurantes, bares y tiendas de diseño fueron sus primeros encargos que le llevaron, desilusionado, a dejar de lado la arquitectura y dedicarse a regentar un bar. Tuvieron que pasar unos años antes que, gracias a la Universidad donde estudió, pudo volver a ejercer de arquitecto, cuando le encargaron la construcción de la Facultad de Matemáticas con que ganó varios premios y que fue seguida por una de sus más conocidas obra; las Torres Siamesas del departamento de Investigación tecnológica de la misma Universidad Católica de Santiago.

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Torres Siamesas Foto: Gustavo Manuel

rior se separa dando la sensación de dos torres siamesas. Esa solución, obligada por la reducida basamento revestido de madera en que se apoya. La torre está cubierta por una doble cobertufunciona de aislante térmico. El momento que marca su trayectoria profesional, dándole las bases teóricas para el desarrollo de sus proyectos urbanísticos ha sido sin duda su etapa en Harvard donde conoce al arquitecto libanés Harshim Sarkis que, como el, buscaba una forma de alejar los arquitectos de esa autosuprimis, en su país natal.

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a problemas sociales. Después del terrible terremoto y maremoto que en 2010 ha asolado parte de Chile se le ha encomendado las reconstrucción de la ciudad de Constitución donde, además de aplicar las soluciones experimentadas en la Quinta Monroy, se están poniendo en práctica los estudios realizados sobre la conveniencia en usar los arboles y el verde público como barrera contra la fuerza bosques urbanos y costaleras de árboles en clave de disipadores de energía en caso de nuevos maremotos. Y mientras Elemental sigue llevando cada vez más obras de reconstrucción urbana, Aravena se ha enfrentado en solitario a nuevos proyectos internacionales de naturaleza completamente distinta. La residencia estudiantil de la St. Edward University de Austin en Texas ha con expectativas completamente distintas.

presupuestos limitados y proyectos gubernamentales a clientes particulares con expectativas la universidad ha sido conseguido con una estructura que exteriormente, por el ladrillo elegido como revestimiento y por sus estrechas ventanas-ranuras que desde abajo corren hacia el techo, recuerda una fortaleza medieval. noso y ligero, centro de la vida comunitaria de la residencia. Y luego han venido un chalet en la ciudad china de Ordos de nueva construcción y un centro para educación infantil en el campus Vitra, al lado de obras de Gehry y Hadid.Pero su interés principal sigue siendo la intervención social; desde 2008 por ejemplo se están ocupando de la reconstrucción del pueblo borrado del mapa por la erupción del vulcano Chaitén en Patagonia. Porque, como nos recuerda, la arquitectura no es un simple acto cultural sino, más bien, social.

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THE ROOM by Joey Ho


Un mundo al revés: Entre elegancia y surrealismo Texto: Angelica Tinazzi

Metrópolis y potencia económica de Oriente, Hong Kong se convierte en atracción e intriga para arquitectos y diseñadores. La alta densidad de la población ha llevado a la construcción de espacios pequeños, inusuales a los hábitos occidentales. Y es en tan pocos metros cuadrados que la habilidad del decorador sobresale. Crear innovación y estilo se convierte en una elección meticulosa de colores y líneas.

En la China moderna un joven talento ha aparecido: el arquitecto taiwanés Joey Ho. Se graduó en arquitectura en la Universidad de Hong Kong y en la Universidad Nacional de Singapur; en 2008 ha sido reconocido como uno de los diez mejores arquitectos y diseñadores del país

el “Joey Ho Design Limited” en Hong Kong, con que ha ganado más de 50 premios internacionales y ha establecido

institucional.

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Entre sus creaciones más importantes a nivel nacional encontramos el pabellón de Hong Kong en la Exposición Universal de 2010 de Pekín y el Arthous Cafè de Hangzou.

arquitectura debe crear espacios que comporten una mejor calidad de vida para los que los utilizan.

Aprovechando un espacio desfavorable Joey ha creado una obra maestra, el restaurante The Room; en treinta metros cuadrados ha creado un lugar excéntrico y lineal. La exuberancia aparece en el techo estilo “habitación”; no es un lugar físico, sino una visión onírica “rociada” de ventanas y escaleras en homenaje al artista Maurits C. Escher. Clásico en la elección de los colores con predominio del

reequilibria las sensaciones.

Su ubicación añade más encanto; se encuentra en el Olimpic City Center en la peninsula de Kowloon, una franja de terreno frente a la isla de Hong Kong permite la

rascacielos que iluminan las noches con sus psicodélicas luces.

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ROBERTA GONZALEZ La gran desconocida. Texto: José Manuel Delgado Ortiz

Hija de uno de los personajes más infravalorados de la época dorada del arte, mujer rebelde y distinta a las de su generación, que consiguió los elogios de los más grandes maestros, esa era Roberta. Nace en Francia, en París en el año 1909. Pasa toda su vida rodeada de creatividad. Su padre Julio González, entre escultura y escultura, elogia los dibujos que su hija de cuatro años realiza con ingenio y soltura; una ciencia, la pintura, que no entraba dentro de sus habilidades cómo artista, muy a su pesar. Siendo niña enfermó de gravedad y pasó una infancia difícil ingresada en el sanatorio para niños. En este tiempo aprendió a estar sola, se enfatizó su mundo interior y su timidez se vió acrecentada. 5 días a la semana en el sanatorio recluida en “una celda” y 2 días junto a su padre en el taller de las maravillas. Esta dualidad convierte a Roberta en un artista desbocado por la creatividad tras pasar un gran número de días alejada de ella en reclusión.

“ El mejor amigo de mi padre era Picasso” 86


Sans Titre

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a salida del sanatorio coincide con sus 18 años, ingresa en una academia artística dónde al poco tiempo comprende y critica que no hay mejores maestros que los amigos de su padre. Se pasó los siguientes años siendo el orgullo de su padre al contemplar en ella el sueño no cumplido durante su vida, que le acompañaba en toda ocasión. Conoció al que sería su futuro marido Hans Hartung, icono del movimiento conocido como el informalismo, y esto supuso pasar de ser la sombra de su padre a la sombra de su marido. Siempre entre hombres, como esas grandes primeras damas cuyas cualidades pueden incluso superar a la de los hom bres a los que sustentan y dan apoyo. Roberta

en el ámbito artístico es una de ellas, como bien es sabido “detrás de un gran hombre hay una gran mujer”. Pero ¿qué tiene Roberta que no tienen sus hombres?, podríamos decir que una sensibilidad que normalmente esta negada al género masculino. Es una mujer que desde muy temprana edad tuvo a su cargo a dos hombres de gran personalidad, geniales sí, pero también difíciles de tratar y a los que Roberta daba todo su apoyo y cariño basándose en una personalidad fuerte y positiva apoyada en vivencias personales duras y en la religión. Es una mujer hecha a sí misma y con pocos resquicios para que se asiente la duda.


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Entramos en los años sesenta, su padre lleva ya casi 20 años muerto; con su pérdida empezando a superarse, Roberta comienza una fase de maduración artística basada en el símbolo, sin

y cromatismo contenido; serían de esta época obras cómo: “Sin título” de 1952. En su segunda etapa produce un gran número de dibujos de pájaros, posiblemente compartía con su amigo Brancusi el gusto por las aves. Representa al pá-

perfecta entre todas las etapas. Encuentra un guras, sus escenas que rozan lo metafísico, algo que sería imposible de ser representado 20 años antes por su padre utilizando el metal cómo soporte y elemento creativo. Crea un universo poético único que se nutre de su experiencia personal, de la experiencia de sus familiares y de su ya ex-pareja el célebre Hans Hartung.

u obra es en sí propia y colectiva, más empeñada en gastar su tiempo promocionando y ayudando a su padre y marido que en su propia producción, Roberta se dedicó , entre otras artes, a la música; faceta que desde pequeña su padre Julio la introdujo apuntándola a clases de Violín. La música tiene un papel fundamental en su obra. Podemos dividir su obra en tres etapas; en la primera desta-

incluso una espontaneidad más propia de artisproduce una evolución pictórica que supone un trampolín para su estilo ya más depurado y propio que veremos en la siguiente fase.

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Una artista se debe a sus referencias, a sus mentores pero

su estilo. Este estilo te puede acercar o alejar de tus raíces creativas pio y único ya que nadie “coge el pincel “ de la misma manera que otro. Roberta aprendió esto pero tuvo la intención de separarse y comenzar un camino propio, pero sin el afán de sobresalir, de saberse y libre. Roberta desencadenada usando los símbolos, los colores vivos y el misticismo para romper grilletes que ella misma se había colocado. Nació rodeada de modernidad, en una familia dedicada al arte por completo, la tolerancia era lo más practicado en su círculo vital; en cambio ella rodeada de modernidad, de cambio social, de reivindicación de la mujer, dedicó su vida a ensalzar y proteger la obra de su padre y su exmarido, promoras por encima de la suya propia. Lo hizo por amor o por un deber natural que algunas personas tienen desde su nacimiento y desarrollan a lo largo de su vida. Probablemente éste afán del deber, de la responsabilidad familiar la llevó a ser prácticamente desconocida y olvidada en la actualidad, sólo reconocida en exposiciones temporales en las que el genio de su padre está presente. Picasso comentó una vez, “Qué bien dibuja ésta niña, ¡no parece tu hija, Julio¡“ ¿Habrá sido éste el único halago que le llegó al corazón dicho de la boca de un genio ajeno a su familia? nunca lo sabremos, pero yo, en mi humilde opinión, tiendo a pensar que sí y que ciente pare ésta hija, esposa y por último, gran artista

.

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É Pra Poncha: diseño, diversión, exclusividad Colores y formas de la noche de Oporto Texto: Angelica Tinazzi

El mundo de la noche está siempre en búsqueda de entretenimientos únicos en cada ciudad. Color y exclusividad se encuentran en las fronteras de Europa, en Portugal, en el club É Pra Poncha. Ubicado en la más exclusiva zona de Porto, É Pra Poncha es uno de los bares más nuevos de la Rua de la Galería de Paris. 90


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de espacios largos y estrechos, el club recrea en el interior una cueva multicolor. El techo y las paredes reproducen estalactitas y formas naturales de las rocas. Ese diseño ha permitido modelar elespacio en función de su uso permitiendo así crear una zona de bar, una zona de despensa, baño y un trastero. É Pra Ponchanos sumerge en un mundo paralelo a la naturalidad de la tierra. Una combinación de imaginación y realidad. Para crear ambientes diferentes durante la noche se han instalado luces LED que cambian colores. El diseño es moderno y vanguardista. A través de un estudio cuidadoso trata de reinterpretar el mundo natural y oscuro las formas naturales contrasta con el uso de materiales industriales y modernos. La oscuridad, propia de las cuevas, colores de los LED.

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É PRA PONCHA NOS SUMERGE EN UN MUNDO PARALELO A LA NATURALIDAD DE LA TIERRA. UNA COMBINACIÓN DE IMAGINACIÓN Y REALIDAD.

personalidad y la ideología de su creador, el arquitecto AntonioFernandez. Después de estudiar en la Universidad de Porto y obtener un master en

ciudad donde desarrolla proyectos de arquitectura, interiorismo y urbanismo.


comunes del antiguo concepto de “vivir” buscando diseño alternativo. Se remonta al mundo para desarrollar jóvenes y modernas ideas. En la mayoría de sus proyectos vemos obvias referencias a la naturaleza y a la tierra. Sin embargo es un pensador futurista en

sus líneas, colores, estudios innovadores y uso de materiales modernos. É Pra Poncha, nombre que invoca una bebida típica de la isla de Madeira, apunta a su singularidad en las formas y en la atmósfera. Un sitio joven y fresco, de gran impacto y fuerte participación.

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Backstage PEDRO PEDRO @ ModaLX TRUST Photo: Artur Cabral

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Serengueti National Park Photo: Artur Cabral

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Rhinocerors - Department of Theatre, York University


El “peligro” de querer aprender inglés … ¡con un manual de conversación básica! Texto: Eleonora Maggioni


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a segunda guerra mundial ha marcado un antes y después. En muchos ámbitos. Las sociedades salidas de este acontecimiento han tenido que reinventar nuevos códigos y el teatro no fue una excepción.Una corriente empieza a tener éxito a comienzos de los años 50 y sigue siendo hoy en díauna forma impactante de hacer teatro; el teatro del absurdo.

La agonia del Rey - Natalia Lama

Nacido por la necesidad de dar un nuevo impulso a la literatura y por la perplejidad que las violencias de la guerra habían causado, este nuevo teatro se levanta con la intención de expresar lo absurdo de las dinámicas en las relaciones de la nueva sociedad de la postguerra. En realidad no hay reglas concretas que seguir y

Sin embargo existe una necesidad común de superar el teatro convencional, una falta de implicación social y política y una ausencia de interés para describir el día a día. De hecho la vida no se puede comprender ni explicar, los personajes de estas nuevas obras son seres angustiados, personas que sin lograrlo esperan y sueñan con encontrar una salida que sin embargo no llega. Se mueven sin avanzar, hablan sin comunicar ni entenderse. El lenguaje sustituye la acción, los nuevos dramaturgos juegan con las palabras, las distorsionan y las manipulan desestructurándolas Ionesco - The Chairs - Theatre sfsu

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Lo absurdo de las palabras y de las frases acompaña los gestos de los personajes, dejando al espectador desorientado en las butacas. Cuando pensamos en el teatro del absurdo el primer nombre que salta a la cabeza es él de Samuel Beckett que, con su obra “Esperando a Godot”, se vuelve el símbolo de esta nueva corriente teatral.


Ionesco - The Chairs - Theatre sfsu

Sin querer quitarvalor a la obra y a la capacidad de su autor de crear una historia en que no pasa nada, pero que deja al espectador pegado a su butaca hasta el último minuto, del absurdo no tendría ninguna duda en elegir La cantante Calva de Eugène Ionesco; de algunos años anterior a la obra de Beckett, se estrena por la primera vez en 1950 en Paris y deja, como suele pasar con las obras maestras,

Tienen que pasar cinco años más y el espectáculo se vuelve a proponer en la misma ciudad y obtiene un éxito que sigue sorprendiendo al espectador gracias a las numerosas adaptaciones que se siguen haciendo. Desde esta primera obra se reconoce el sello de Ionesco que, profesor en Bucarest, se acerca al teatro por casualidad. de Ionesco

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Rhinocerors - Department of Theatre, York University

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Él mismo cuenta cómo nace la idea de la sinopsis de la Cantante Calva:

“Compré un manual básico de conversación del francés al inglés. Empecé a estudiar y conscientemente copié para aprenderlas de memoria las frases de mi manual. Volviéndolas a leer atentamente aprendí entonces, no el inglés, sino unas verdades asombrosas: que hay siete días en la semana, por ejemplo, cosa que ya conocía, o que el suelo está abajo, el techo arriba (...)Con mi gran asombro, la Señora Smith ponía en conocimiento de su marido que tenían muchos hijos, que vivían en las afueras de Londres, que su apellido era Smith, que el señor Smith era un empleado (...) Me decía a mí mismo que el señor Smith tenía que saberlo ya todo, pero, nunca se sabe, hay gente muy distraída...”

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sí Ionesco decide que quiere que el espectador conozca estas verdades esenciales, pero las desarticula, les quita cualquier sentido lógico, las utiliza como herramienta para transformar completamente la realidad de una pareja, los Smiths, atrapada en el día a día de una existencia

una tormenta de palabras y estereotipos que no llevan a ningún conocimiento más profundos. Los Smiths son de hecho la imagen de una pareja normal, que vive en una casa normal en las afueras de Londres, con unos hijos y unos amigos normales. Son el símbolo del hombre ordinario, y por eso su historia, para el espectador de entonces y de hoy. Como en todas las obras de Ionesco el espectador sonríe durante la mayoría de la comedia, ríe por la incoherencia de los diálogos, se divierte por lo innovador que resulta el espectáculo. Poco a poco el ambiente cambia, la fachada de cartón de los personajes en apariencia felices se derrumba, empiezan a aparecer los primeros avisos de la desesperación por vivir una vida sin ningún sentimiento real. De esta forma en La Cantante Calva la educación estereotipada de las dos parejas en la casa burguesa de los Smiths, deja el sitio en el último acto al instinto animal, los personajes pierden el control.Ya no hablan educadamente de la nada, sino gritan, en el comienzo cada uno por su cuenta y después juntos la misma frase “No por aquí, sino por ahí”. Todo se interrumpe de repente y la comedia termina con la misma imagen del comienzo, pero esta vez son los Martins los que interpretan el papel de los Smiths. al espectador, quizás representen la característica más importante del teatro de Ionesco, el cambio de una situación de normalidad donde el espectador se siente arropado y puede sonreír gracias a la ironía con la que se cuenta la historia, y el derrumbe

la terrible angustia que los personajes llevan al escenario. Mucho más que en Beckett, Ionesco en el comienzo divierte, irónico y acre; la acción es rápida aunque sin sentido, el espectador no se aburre. Reímos, nos relajamos, nos ponemos cómodos y exactamente en ese mismo instante, se da 102

un giro inesperado a los acontecimientos que deja al espectador sin aliento. Cuando baja el telón necesitamos tiempo para recomponernos antes de salir del teatro y poder enfrentarnos otra vez a la realidad que el autor ha tan dolorosamente descuartizado. Pasa lo mismo con Las Sillas, donde los preparativos de una pareja mayor para la llegada de una multitud de invitados invisibles (solo los dos ancianos los ven) termina en la trágica constatación de la imposibilidad de conocer la verdad sobre el sentido de la vida. De hecho la espera y la excitación de la pareja por la llegada de la persona que podrá desvelar los secretos de la humanidad se apaga con la entrada en el escenario del


En Ionesco el hombre se mueve como una marioneta que no se puede oponer a él que tira de los hilos; es como un pez fuera del agua que no puede huir a su destino.

La cantante calva - Banci Malinverno

orador que empieza a hablar mostrando… ser sordomudo! El murmullo de la multitud se hace cada vez más fuerte, hasta cuando el telón baja y deja al espectador solo frente a la falta de respuestas a las grandes preguntas sobre la existencia. En La Lección se puede observar la misma forma narrativa. Un profesor se vuelve poco a poco un asesino psicópata de estudiantes ignorantes y alegres. En un juego de poder la chica se somete al profesor y la prueba es el lenguaje que se vuelve la herramienta para ejercer el poder. También en El Rey muere Ionesco subraya que el destino es más fuerte que cualquier

cosa, también de un Rey. Lo único que podemos hacer frente a la impotencia del ser humano y a la muerte es asumir los límites del tiempo, la imposibilidad que nos recuerden. En Ionesco el hombre se mueve como una marioneta que no se puede oponer a él que tira de los hilos; es como un pez fuera del agua que no puede huir a su destino. El absurdo no es ridículo y solo el comienzo puede parecer divertido. Una vez que se haya comprendido las dinámicas de las obras, la ironía se vuelve acre, la falta de armonía deja perplejos. 103


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Rhinoceros - Helms Theatre

n el teatro de Ionesco caen todos los pilares de la existencia: la seguridad de podernos entender a través del lenguaje, la sensación que si podemos explicar el mundo es porque esto existe, la seguridad de que siempre hay soluciones racionales para lo que vivimos.

El destino cruel envuelve las obras de Ionesco y sus personajes viven y se mueven por casualidad, no por voluntad propia.

Todos estos axiomas lógicos se derrumbany dejan sitio al vacío, a la incapacidad de comunicar, de seguir adelante, de desear ser realmente felices.

Y todo esto por casualidad: el deseo de querer aprender a hablar inglés con un manual de conversación básica!

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El pensamiento del Maestro del absurdo supera los límites de las tablas de teatro y humana.


PINK IS THE NEW BLACK MARISA GONÇALVES @HADJA MODELS ANGOLA 1 Photo: Artur Cabral

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Image courtesy of MATC

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Foto: Jeremy Rowland

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CALENDARIO CULTURAL Egon Schiele, el dibujo (26 junio - 29 septiembre . Museo de Bellas Artes, Budapest, Hungría) Después de la exposición sobre Klimt, el Museo de Bellas Artes de Budapest, ofrece una visión de la obra del artista más destacado de la siguiente generación: Egon Schiele. Las 70 obras procedentes del Museo Leopold de Viena, la más rica colección del mundo sobre Schiele, se complementarán con dibujos y pinturas procedentes de otras colecciones de prestigio además de obras de Oscar Kokoschka y Carl Moll. Viena es la capital del Art Nouveau a principios del siglo XX y las relaciones artísticas con Budapest son muy estrechas y fructíferas en ese periodo; prueba de eso la profunda conexión que los hermanos Klimt, Schiele y los demás artistas del momento tenían con la capital húngara. Los hermanos Klimt son los reyes de la modernidad. Schiele con un estilo más salvaje y rebelde generó partidarios entusiastas y críticos extremos.

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La exposición está centrada en Egon Schiele, cuya breve carrera artística que abarca sólo diez años, está ilustrada con una cincuentena de obras. y artistas europeos del momento como Van Moser). Mientras los desnudos femeninos de Klimt se caracterizan por un erotismo edulcorado y velado, los de Schiele son angustiados, dibujados en líneas atormentadas rozando, incluso hoy en No sorprende que la autoridad pública se interesó a sus obras siendo hasta encarcelado por inmoral e impúdico. La exposición presenta obras de otros integrantes del Neukunstgruppe como Oskar KokosVon Faistauer. Si pasáis por Budapest, no os perdáis esta exposición, digna de un Imperio ya desaparecido!


Anish Kapoor in Berlin Bauhaus, Berlín, Alemania) Anish Kapoor, nacido en Bombay en 1954 es tes de Reino Unido y con obras expuestas en -

delijk Museum de Amesterdam. Después de haber expuesto en el Royal Academy de Londres le toca a Berlín, elegida por su fuerte comunidad artística y por ser un centro pulsante del arte alternativo. Alrededor 3.000 m² de un piso entero del Marmuchas de las cuales expresamente creadas por la ocasión La pieza central se llama Symphony for a beloved sun: bajo un amplio lucernario, ligada a las paredes y al suelo por cables, se eleva una enorme estructura metálica con un disco rojo en el centro vertiendo cera como si de un ser viviente se tratara. Una obra enigmática, como muchas de Kappor que deja que las mismas transmitan cada espectador , su pro-

Krakow Photomonth Festival 2013 (16 Mayo – 16 Junio . Bunkier Sztuki, Cracovia, Polonia) Nacido en 2002, el Krakow Photomonth ha rápidamente escalado el ranking de los festivales dedicado a la fotografía y es actualmente uno de los mas respetados de Europa, capaz de concentrar no solo a siempre nuevos talentos sino a maestros ya reconocidos a nivel mundial. El tema de este año es el Fashion en sentido amplio del termino; no solo glamour y imágenes de semana de moda sino todo lo que se do por cada individuo. eventos paralelos que durante este mes transformaran la ciudad en un centro de arte fotógrafo en plein air

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ROBERT MOTHERWELL: COLLAGES, el principio enheim Collection, Venecia, Italia)

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Se trata de una exposición centrada exclusivamente en las obras de papiers collés y en las década de 1940 y 1950. Se podrán ver los orígenes del estilo del artista y su encuentro revelador con la técnica del papier collé que miento artístico.” vos cómo abstracciones puras a lo largo de cias surrealistas prevalecen en estas primeras obras dieron paso a su estilo maduro distintiabstracto. La exposición contará con aproximadamente 60 obras procedentes de colecciones públicas y privadas en de Estados Unidos y del extranjero. Un catálogo de la exposición completamente ilustrado ofrecerá una reevaluación fundamental de la obra de Motherwell. Amantes del collage, ¡no se la pierdan¡.

(19 Mayo - 15 Septiembre . Ara Pacis, Roma, Italia) Comisariado por Lélia Wanick Salgado, mujer del conocido fotógrafo brasileño, la exposición reúne más de 200 fotografías tomada a lo largo de sus viajes alrededor del mundo. Se trata de fotografías, todas, en blanco y negro que recogen paisajes humanos en 5 distintas secciones: Planeta Sur, África, el Norte, la Amazonia, Pantanal y los Santuarios de la Naturaleza. El enfoque de la exposición es altamente informativa/formativa ya que cada leyenda aporta todas las informaciones para poner en ciencia de la fragilidad en que cada una se encuentra.

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Le Corbusier en MOMA (15 Junio - 23 septiembre 2013 . MOMA, New York, Estados Unidos) MoMA presenta su primera gran exposición sobre la obra de Le Corbusier, que abarca su trabajo como arquitecto, diseñador de interiores, artista, urbanista, escritor y fotógrafo. La exposición nos presenta desde sus primeras acuarelas hasta los dibujos realizados en la India, las fotografías de sus viajes formativos y los modelos de sus proyectos a gran escala. posición más grande jamás producida en Estados Unidos sobre este genial y carismático arquitecto.

Alta moda Pedro de Osma, Lima, Peru) grafos de moda mas relevante del mundo, nos acerca a su país natal – Perú – sin dejar de lado su campo de interés. Jugando con la irónica doble lectura de su titulo, esta exposición nos presenta los trajes típicos de la región de Cuzco, la antigua capital Maya asentada a 3.400 metro de altitud, a través del objetivo del fotógrafo que como pocos ha estrechado tanto su nombre a la moda. 27 fotografías retratan en tamaño natural otros tantos conjuntos tradicionales en que los detalles y los contrastes cromáticos son la llave de lectura. Esta exposición es fruto de un largo trabajo preconseguir que la misma fuese una perfecta fusión de clásico y moderno, de tradicional y de vanguardista y, es una justa conclusión a un etapa marcada por trabajos-tributos a su país narepresentativas del Perú moderno publicado en Vogue Paris.

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Japonismo. La fascinación por el arte japonés (14 Junio – 15 Septiembre . Caixa Forum, Barcelona, España)

En el Museo del Prado de Madrid, del 12 de Junio al 06 de Octubre se podrán dos excepcionales obras procedientes del Museo Seikado

En ocasión del año dual España-Japón, los amantes del Sol Levante pueden aprovechar de relevantes exposiciones centradas en acercar este país y su cultura al grande publico. En Barcelona, en el Caixa Forum se podrá asistir a una exposición enteramente dedicada al Japonismo, el movimiento artístico muy en boga a

tro estaciones junto a un arroyo. Se trata de dos biombos tradicionales, pintura sobre pape de arroz pertenecientes a periodo Edo, de total y absoluta clausura del imperio del Sol Levante al resto del mundo. Aprovechando de la presencia de esas dos obras invitadas se exhibirá una selección de estampas japonés desde el siglo XVII al XIX propias del Prado pero nunca antes expuestas al publico.

recién descubierto mundo estilísticos japonés. En España se fusionó con la corriente del Modernismo y está presente en numerosas obras tan distintas como las de Maria Fortuny, Joan Miró o de ilustradores como Xaudaró o Baldrich.

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Backstage NUNO BALTAZAR @ ModaLX TRUST 1 Photo: Artur Cabral

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Twissst Issue #3 ES Edition