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MÉ XICO $50

Estados Unidos

DE VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD


Contenido

Estados Unidos

NÚMERO 202

MÉXICO $50

Estados Unidos DE VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD

En Portada Casa Perfect, Los Ángeles. Foto Pia Riverola

Destino: diseño Los secretos y recomendaciones de un grupo de escritores, curadores y editores.

70

Estados Unidos Tra­ve­sías Nú­me­ro 202 Noviembre 2019

DETROIT Un ejemplo de cómo el diseño puede resanar heridas del pasado.

88 L.A. Un nuevo escenario dinámico para el diseño.

52

Portafolio Don Chadwick

126


Contenido Compass

Hoteles Siete nuevas propiedades para entusiastas del diseño.

22

Las Vegas La historia de Fremont Street y sus letreros de neón.

40 48 horas Un recorrido por el pasado y presente de Miami.

46 Atelier

Agenda Las ferias que vale la pena tener en el radar.

26 Exhibit Columbus Arte público para imaginar la ciudad del futuro.

30 Gastronomía Cuatro chefs mexicanas y su legado en Estados Unidos.

36

Una selección de souvenirs de viaje.

107


Editorial

¿Qué es diseño? Nunca había sido tan difícil como ahora responder a esta pregunta. El mundo hiperconectado, sobresaturado, ultracambiante, retecomplejo se resiste cada vez más a las definiciones. Estamos lejos de la claridad que tuvieron los antiguos griegos, que le pusieron τέχνη (tékne) a todo lo que tocaba la fabricación, lo material, la producción, el artificio. Pero diseño también puede ser inmaterial. Diseño también puede ser orgánico. Diseño también puede ser especulativo. Dice Alice Rawsthorn —una de las personas más incisivas y lúcidas que escriben sobre diseño— que definir lo que es diseño es como definir lo que es amor: puede ser cualquier cosa, y para cada quien significa algo distinto. Entonces, ¿qué hace una revista de viajes acercándose a una cosa tan difusa y confusa como el diseño? Por si fuera poco, escogimos nuestro número dedicado a Estados Unidos para hablar de diseño. Nunca había sido tan complicado como ahora aproximarse a este país desde México. Nunca habíamos estado tan cerca y tan lejos. Bryan Boyer vive desde hace un par de años en Detroit, y ha dedicado buena parte de su tiempo a entender cómo el diseño está dejando de enfocarse en “soluciones discretas” —los acabados de un producto, las funciones adicionales de un programa de software, la forma de una silla— para empezar a lidiar precisamente con asuntos complejos y difíciles, los retos sistémicos de nuestro tiempo: el cambio climático, la salud pública, las relaciones exteriores, el futuro de nuestras ciudades. Esa manera de abordar lo general ensayando sobre lo particular, a escala, —a manera de prototipo— es la mejor forma de acercarse a un lugar tan complejo como Detroit, una urbe que perdió más de un millón de habitantes en un par de décadas, pero que aun así prospera. En Los Ángeles, la ciudad más hiper-, sobre-, ultra-, rete- de todas, el diseño fue la excusa perfecta para encontrarle una cara más íntima, amable, optimista y accesible. El diseño también nos amplía los horizontes de lo que vale la pena conocer de Estados Unidos, más allá de los lugares de siempre, de la mano de un grupo increíble de colaboradores, amigos y conocedores que nos compartieron sus recomendaciones y secretos. Quizás el diseño es una forma idónea para abordar lo complejo, para acercarse a Estados Unidos desde México. El diseño como puente o interfaz que nos ayuda a navegar, conocer y entender un lugar a través de lo que produce de forma cotidiana su gente.

Mario Ballesteros Dire c tor Editorial


AUDEMARS PIGUET® | FOTOGRAFÍA CON INFRARROJOS

TO BREAK THE RULES, YOU MUST FIRST MASTER THEM.


Colaboradores

Bryan Boyer @bryanboyer Arquitecto Bryan vive en Detroit y es cofundador del estudio de diseño multidisciplinario Dash Marshall, donde lidera los proyectos de Civic Futures y trabaja con clientes como Google, MoMA y Bloomberg Philanthropies. Fue miembro fundador de Helsinki Design Lab y escribe sobre temas como diseño, emprendimiento, cultura e innovación pública. También forma parte de la junta directiva de Public Policy Lab en Nueva York.

Corine Vermeulen @corine_vermeulen Fotógrafa Corine es una fotógrafa holandesa que, desde 2006, estableció su práctica de estudio en Detroit. Sus proyectos más conocidos retratan comunidades urbanas resilientes en medio de la reinvención. Ha publicado su trabajo en medios como The New York Times, Time Magazine y The Guardian. También ha realizado numerosas exposiciones (individuales y colectivas) y es profesora invitada en College for Creative Studies, en Detroit.

Don Chadwick Diseñador Además de ser uno de los diseñadores industriales más prolíficos y reconocidos de Estados Unidos, Don Chadwick es también un fotógrafo que por años ha explorado la evolución de su hogar: Los Ángeles. Nació en 1936 y estudió en UCLA, donde también fue profesor. Algunas de sus piezas más icónicas: Chadwick Modular Seating, Aeron Chair y Chadwick Chair.

Jonathan Olivares Diseñador Nacido en Boston en 1981, Jonathan es un diseñador egresado del Pratt Institute y basado en Los Ángeles. Sus diseños involucran un legado de forma y tecnología, y pretenden ser utilizados en lugar de observados. Su trabajo ha recibido varios reconocimientos internacionales —entre ellos el Compasso d’Oro— y forma parte de las colecciones permanentes de The Art Institute of Chicago, LACMA, The Victoria and Albert Museum y Vitra Design Museum.

Pia Riverola @piariverola Fotógrafa Pia nació y creció en Barcelona, pero vive entre Los Ángeles y la Ciudad de México. Su trabajo se caracteriza por un sentido agudo para el detalle y el color, enfocándose en la moda, la naturaleza muerta, el paisaje y la arquitectura. Ha colaborado en medios como Vogue, Harper’s Bazaar, Purple Magazine, DNA Magazine y Hoja Santa. Más de sus proyectos en piariverola.com.


Directorio Director Editorial Mario Ballesteros mario@travesiasmedia.com Edi­to­ra pa­ra Amé­ri­ca La­ti­na Lei­la Gue­rrie­ro leila@travesiasmedia.com Editor Gráfico Ángel Gómez angel@travesiasmedia.com Editora Digital Viviana Cohen viviana@travesiasmedia.com Coordinadora Editorial Mariana Castro mcastro@travesiasmedia.com

Presidente Javier Arredondo Directora General Luz Arredondo Director de Finanzas Juan Martín Osorio Directora Editorial Viajes María Pellicer Di­rec­tor Creativo Rigoberto de la Rocha Director de Fotografía Diego Berruecos Director de Plataformas Digitales Enrique Rocha

Coeditora Digital Karen Martínez karen@travesiasmedia.com Coordinadora de Fotografía Rita Trejo rita@travesiasmedia.com

Gerente de Circulación Alejandro González Peña Retoque Digital Armando Ortega

Redacción Diego Parás dparas@travesiasmedia.com

Producción Oswaldo Rodríguez

Coordinadora de Proyectos Especiales Evan Upchurch

Auxiliar de Circulación Eduardo Sánchez, Jorge Iván Díaz

Corrección de Estilo Paula Bouchot

Coordinadora de Marketing y RP Teresa Cristo

Redactora Digital Paola Gerez

Coordinadora de Alianzas e Intercambios Imelda Fuentes

Becarios Diego Ávila Frida Méndez

Asistente de la Dirección General María del Carmen García Anaya Sistemas Joaquín Téllez

Director de Nuevos Negocios Diego Sánchez dsanchez­@travesiasmedia.com

Auxiliares en Contabilidad Claudia Reyes, Mónica Reyes, Rafael Montaño

Directora Comercial Ma­r ía del Car­men Gó­mez-Pa­la­cio ma­ri­car­men­@travesiasmedia.com

Auxiliares de Oficina Erika Arellano, Julio Lara, Arturo Ramírez, Alejandro López, Juan Gabriel Campos, José Luis Cortés, Valentina Guardado, Alberto López

Gerente Comercial Roberto Avelar roberto@travesiasmedia.com Gerente Comercial en Estados Unidos Lisa Turner lisaturner@lmtmedia.com Asistente de la Dirección Comercial Marcela Flores marcela­@travesiasmedia.com

Tra­ve­sías Nú­me­ro 202 Noviembre 2019 Los artículos, la publicidad pagada y los anuncios son responsabilidad exclusiva de sus autores o representantes legales y no necesariamente reflejan las opiniones y juicios de Travesías Media.

travesiasmedia.com

Colaboradores en este número Aric Chen › Estados Unidos Bryan Boyer › Estados Unidos Corine Vermeulen › Estados Unidos Daniel Bañales › México Don Chadwick › Estados Unidos Dung Ngo › Estados Unidos Héctor Bialostozky › México Jennifer Dunlop › Estados Unidos Jonathan Olivares › Estados Unidos José Esparza › Estados Unidos Lucía Ortiz Monasterio › México Monica Khemsurov › Estados Unidos Mimi Zeiger › Estados Unidos Pia Riverola › Estados Unidos Rodman Primack › México Rodrigo Fernández de Gortari › México Rudy Weissenberg › México Zoë Ryan › Estados Unidos

travesiasdigital .com Suscripciones suscripciones@travesiasmedia.com

Dis­tri­bu­ción Nacional Ibermex Ibermex Distribuidora, S.A. de C.V. T. 5347 1165 y 5347 1151 Distribuidora Dabeli, S.A. de C.V. Voceadores de la CDMX. Iturbide n. 18-D Col. Centro T. 55 6111 8563 Alfesa Alfesa Comercializadora y Logística S.A. de C.V. T. 6840 7791 y 5319 3020 Preprensa e Impresión Litoprocess Impresos. San Francisco N. 102 –A, Col. Naucalpan Edo. De Mexico T. 2122-5600 Una publicación de Travesías Editores, S.A. de C.V. Amatlán 33, col. Condesa, 06140, Ciudad de México. T. 01 800 509 8933, 5211 4000 y 5211 0665 To­dos los de­re­chos de re­pro­duc­ción de los tex­tos pu­bli­­ca­dos son pro­pie­dad de Travesías Editores, S.A. de C.V. Nú­me­­ro de re­ser­va al tí­tu­­lo en dere­cho de au­tor: 04-2012-101710132400-102. Número de certificado de licitud de contenido: 8318 Número de certificado de licitud de título: 11758 ISSN 9­7166503­3­­0­­0­9


travesiasdigital .com

L A MÁ S VISTA

MÉXICO TRIUNFA EN LOS LATIN AMERICA’S 50 BEST RESTAURANTS 2019 Pujol, Pangea, Alcalde y otros nueve restaurantes mexicanos fueron incluidos en la lista de lo mejor del continente, que se dio a conocer en Buenos Aires.

DESTINOS

HOTELES

AHORA TODOS PODEMOS VISITAR EL PALACIO DE VERSALLES (Y GRATIS)

ROSEWOOD PUEBLA: LA EXCUSA PERFECTA PARA ESCAPAR DE LA CDMX

Realizada en colaboración con Google Arts & Culture, la aplicación de realidad virtual VersaillesVR permite explorar este icónico lugar.

El hotel transmite el espíritu colonial y gastronómico del destino en sus 78 habitaciones, coloridos patios y deliciosos restaurantes.

@travesiascom

@TravesiasMexico

@travesias


RECORRIDO O DESTINOal los dos? ‘

Que t

?


21

Compass Destinos / GastronomĂ­a / Hoteles / Eventos


Hoteles de diseño

22

Siete nuevos hoteles para entusiastas del diseño Por Mariana Castro

Gold-Diggers.

Cada vez son más los hoteles que se conciben enfocados en el diseño, no sólo a nivel visual, sino en las diferentes experiencias que los huéspedes obtienen al hospedarse ahí. Propiedades que, como estas recientes aperturas, se distinguen —entre otras cosas— por su atención a los detalles, los espacios llenos de vida y las amenidades con personalidad.

LOS ÁNGELES Gold-Diggers Bajo el lema “drink, sleep, record”, GoldDiggers es la opción ideal para los viajeros melómanos: una combinación de hotel boutique, bar, estudio de grabación y venue para eventos en East Hollywood, uno de los barrios musicales por excelencia de Los Ángeles. Cada una de las 11 habitaciones del hotel tiene personalidad propia, con paredes de ladrillo blanco, terciopelo de colores y un gran equipo de sonido (acompañado de una cuidadosa selección de viniles y casetes). Lo mejor, no tienes que caminar mucho para tomar un trago en el bar y disfrutar de algún concierto; puedes consultar el calendario de eventos y reservar lugar en línea (la mayoría son gratis). gold-diggers.com

Arts District Firehouse Hotel El emprendedor Dustin Lancaster y la diseñadora Sally Breer —del despacho ETC. etera— transformaron una antigua estación de bomberos en uno de los nuevos hot spots de Downtown L.A. Este hotel abrió sus puertas en abril y cuenta con nueve habitaciones (nombradas y decoradas en honor a un color), bar, café y un restaurante a cargo de la chef Ashley Abodeely (ex-Eleven Madison Park). Con la misión de conseguir “una mezcla de elegante y bizarro”, Breer conservó muchos elementos originales del edificio —como la fachada y los pisos— e invitó a distintos creativos locales a agregar su toque en forma de lámparas, vasos y hasta batas de baño. Muchas de estas piezas se pueden comprar en la pequeña boutique del primer piso. firehousela.com

FOTOS: CORTESÍA PALIHOUSE MIAMI BEACH, GOLD DIGGERS.

Palihouse Miami Beach.


23

FOTOS: CORTESÍA ARTS DISTRICT FIREHOUSE HOTEL POR AARON HAXTON, Y MOXY NYC CHELSEA.

Arts District Firehouse Hotel.

NUEVA YORK citizenM New York Bowery Encontrar un hotel bueno, bien ubicado, con caracter y por menos de 200 dólares en Nueva York no es imposible. La segunda propiedad de citizenM en Nueva York es la viva imagen de lo funcional y lo práctico, desde el self check-in hasta las 300 habitaciones —cápsulas mínimas, todas iguales— con camas comodísimas, ventanas enormes y wifi de alta velocidad ilimitado (siempre se agradece). Situado en Lower East Side, el hotel es sede del MoSA (Museum of Street Art), una exhibición permanente de grafiti que comienza en el bar del rooftop —un gran espacio para pasar la tarde— y termina en el primer piso. citizenm.com

Moxy NYC Chelsea.

Moxy NYC Chelsea Después del éxito de Moxy Times Square, Marriott International reunió al mismo equipo para la apertura de su segundo hotel neoyorquino: los despachos de diseño Yabu Pushelberg y Rockwell Group y la firma de arquitectos Stonehill Taylor. El resultado: un edificio de 35 pisos lleno de detalles verdes, desde los jardines verticales hasta una sucursal de la famosa florería Putnam & Putnam en el primer nivel. Decoradas con una paleta neutra, las 349 habitaciones de Moxy NYC Chelsea son luminosas, limpias y con bastante espacio de almacenamiento gracias a sus muebles multiusos. Las áreas comunes también son muy agradables, en especial el bar del último piso: The Fleur Room. moxy-hotels.marriott.com

MIAMI Palihouse Miami Beach El primer hotel de Palisociety en la Costa Este del país acaba de abrir sus puertas en un hermoso edificio art déco de la década de 1940 (antes el Hotel Greenbrier) en Mid-Beach. Con 71 espaciosas habitaciones, casi todas con cocina, Palihouse Miami Beach es un refugio de tonos pasteles, muebles vintage y detalles contemporáneos. Para poder disfrutar de la playa, los huéspedes tienen acceso al servicio Beach Butler, que incluye transporte ida y vuelta, sombrillas, camastros y toallas. Aunque si prefieren relajarse en el hotel, lo mejor es dirigirse a la alberca, pedir un trago y tomar el sol. palisociety.com


24 Siete nuevos hoteles para entusiastas del diseño

Et doluptate dolupiendio.

The LINE Austin.

The Siren Hotel.

citizenM New York Bowery.

AUSTIN The LINE Austin A unos pasos del lago Lady Bird, The LINE se alza como un hotel moderno, cálido y orgulloso de la vibra creativa de la ciudad. Para decorar las 428 habitaciones —108 de ellas suites— y áreas comunes, se comisionaron más de 500 piezas a distintos artistas locales emergentes (de hecho, se ha anunciado que habrá un programa de residencias próximamente). También destacan detalles en concreto, madera y cobre. Con grandes ventanales que miran hacia el centro de Austin o hacia el lago, los espacios de The LINE invitan a la convivencia, en especial la alberca infinity y Arlo Grey, el celebrado restaurante a cargo de la chef Kristen Kish. Recomendación: pedir una de las bicicletas complementarias y explorar las opciones gastronómicas, culturales, históricas y de compras que rodean al hotel. thelinehotel.com

DETROIT The Siren Hotel Ubicado en el histórico edificio Wurlitzer, en el centro de Detroit, The Siren es uno de esos hoteles que te remiten a otra época. La vibra retro de este lugar no es casualidad; el despacho neoyorquino ASH NYC planeó cada detalle del proyecto con la idea de revivir los años elegantes y glamurosos de la ciudad antes de la llegada del boom industrial. Todos los espacios del hotel —desde el recibidor hasta las 106 habitaciones— cuentan con peculiares objetos vintage; sin embargo, Candy Bar atrae más miradas que cualquier otro rincón, con un candelabro de cristal de Murano (de casi 700 kilos), una enorme bola disco y sillones y cortinas de terciopelo rojo y rosa. thesirenhotel.com

FOTOS: CORTESÍA LINE AUSTIN POR CHASE DANIEL, CITIZENM NEW YORK BOWERY HOTEL, Y SIREN HOTEL POR CHRISTIAN HARDER.


T R AV E S Í A S HACIENDA DE S AN ANTONIO

Hacienda de San Antonio

Una antigua finca cafetalera se ha transformado en uno de los mejores hoteles de todo México.

El origen de San Antonio se

catalana (al igual que todas las

remonta al siglo xix, cuando

suites), cama king size, dos baños,

funcionaba como finca de

dos chimeneas y una hermosa

café y azúcar. Hoy, se ha

vista al cráter de Colima. La

transformado en un hotel con

alberca principal, de 33 metros

paredes rosadas, una fachada

de largo, es el sitio ideal para

cubierta de enredaderas, techos

relajarse y conectar con la

abovedados, decoración colonial

naturaleza (oportunidad perfecta

y hermosos jardines que sirven

para probar la margarita insignia,

como recuerdos de otra época.

preparada con licor de mango

Los ingredientes que se utilizan en la cocina del hotel

elaborado ahí mismo). Además de disfrutar los

son orgánicos y de procedencia

frutos de su tierra, el viajero

local, ya sea del Rancho Jabalí

puede visitar el Rancho Jabalí,

(en el terreno contiguo) o

donde se pueden hacer

del huerto de Cuixmala (su

recorridos guiados por las

hotel hermano en las costas

plantaciones de café o la fábrica

de Jalisco). El restaurante se

artesanal de queso, cabalgatas y

especializa en comida mexicana

rutas de bicicleta de montaña.

con influencias internacionales,

Si bien Hacienda de San

la cual se puede disfrutar en la

Antonio es un refugio en medio

terraza o en el comedor interior.

de la naturaleza, llegar es

Por su parte, el Yellow Bar ofrece

relativamente sencillo. El hotel

cocteles de autor y bebidas

se encuentra a 50 minutos de la

refrescantes.

ciudad de Colima (manejando),

De las 25 habitaciones, la

a media hora del pueblo mágico

mejor es El Volcán. Este espacio

de Comala y a dos horas desde el

tiene un techo de bóveda

aeropuerto de Manzanillo.

P a r a m á s info r m a ci ó n , v isi t a h a ci e n d a d e s a n a n t o ni o . c o m


Una agenda bien diseñada

26 Las ferias que hay que tener en el radar Por Diego Ávila

Pas de Deux en Colony, NYCxDESIGN.

Una feria de arte es, en esencia, un evento comercial en el que diferentes galerías presentan (y venden) la obra de los artistas que representan. Sin embargo, son también la oportunidad perfecta para encender la vida cultural de un destino: los museos inauguran exposiciones, las editoriales presentan libros, se realizan conferencias, festivales, fiestas, intervenciones urbanas e incluso aparecen ferias alternativas e independientes. Lo mismo ocurre cada vez más con las ferias de diseño. En Estados Unidos, ciudades como Nueva York o Los Ángeles tienen oferta de diseño durante todo el año; sin embargo, visitarlas durante las ferias siempre es especial. Los grandes eventos como Design Miami acaparan la mayoría de los reflectores y los nombres internacionales, pero también impulsan eventos satélite que se enfocan en los creadores más jóvenes e independientes. De esta forma, una feria puede transformar la atmósfera de cada ciudad durante unos días. A continuación, preparamos una agenda para descubrir el lado más creativo de algunos de nuestros destinos favoritos:

Haines Gallery, FOG Design+Art.

ADO Urban Imprint, NYCxDESIGN.

BIENAL DE ARQUITECTURA DE CHICAGO Del 19 de septiembre al 5 de enero Con su Bienal de Arquitectura lanzada en 2015, Chicago se reafirma como la capital arquitectónica de Estados Unidos. En su tercera edición, el tema escogido fue la realidad espacial que ha rodeado (y moldeado) la historia y desarrollo de la Ciudad de los Vientos. chicagoarchitecturebiennial.org

DESIGN MIAMI Del 4 al 8 de diciembre Durante la primera semana de diciembre, Miami alberga la edición americana de Art Basel y se convierte el epicentro del arte contemporáneo del mundo. De manera paralela y justo enfrente de Basel tiene lugar esta feria de diseño, que también es una de las más importantes del continente americano. Además de combinar una oferta excepcional de galerías que presentan lo mejor del diseño moderno y contemporáneo, Design Miami presenta un programa académico que atrae tanto a coleccionistas como entusiastas del diseño por igual. miami2019.designmiami.com FOG DESIGN+ART Del 16 al 19 de enero En alianza con el Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMoMA), esta feria se ha consolidado como una de las más importantes de la Costa Oeste. En un antiguo almacén con vistas a Alcatraz y al puente de Golden Gate, FOG conjuga el arte y el diseño al reunir 45 galerías internacionales y varios dealers de diseño moderno y contemporáneo. fogfair.com MODERNISM WEEK Del 13 al 23 de febrero Famosa por haber sido el refugio de las celebridades de Hollywood, Palm Springs es un oasis en medio del desierto que además alberga algunos de los mejores ejemplos de arquitectura, interiorismo y paisajismo modernos de California. Cada año, durante diez días, muchos de estos edificios abren sus puertas para celebrar y dar a conocer su patrimonio. Además, entre el 17 y el 20 de octubre, habrá una miniversión del festival: la Modernism Week Full Preview. modernismweek.com

FOTOS: CORTESÍA NYC X DESIGN, Y FOG DESIGN+ART JKA PHOTOGRAPHY.


27

Design Pavilion - Tiny House 1; NYCxDESIGN.


28

Las ferias que hay que tener en el radar

NYCxDESIGN Del 10 al 22 de mayo Miles de diseñadores y entusiastas del diseño de todo el mundo se reúnen cada mayo en Nueva York con motivo de esta gran celebración del diseño global. Más de 300 eventos en los cinco distritos de la ciudad, desde exhibiciones hasta charlas y lanzamientos, resaltan el liderazgo de la Gran Manzana en todos los campos del diseño y las oportunidades que ofrece. Además, el festival ha generado todo un ecosistema con otras ferias satélite, como ICFF, WantedDesign y Brooklyn Designs. nycxdesign.com BROOKLYN DESIGNS Del 10 al 12 de mayo Demostrando que Nueva York no es solamente Manhattan, esta feria pone la lupa sobre la comunidad, la creatividad, el patrimonio y el estilo que emergen y se realizan únicamente en Brooklyn. bklyndesigns.com WANTEDDESIGN Del 16 al 21 de mayo Esta plataforma está dedicada tanto a promover el diseño como fomentar los intercambios entre la comunidad creativa. Aunque tiene actividades todo el año, sus principales eventos se enmarcan en la semana del diseño de Nueva York. wanteddesignnyc.com ICFF Del 16 al 20 de mayo Esta feria de nicho se enfoca únicamente en el interiorismo de lujo. Con más de 600 diseñadores tanto emergentes como consolidados de más de 30 países, ICFF es una ventana inmejorable al interior de esta industria. icff.com

Una feria de diseño es la oportunidad perfecta para acercarse a la vida cultural y las mentes creativas que habitan un destino.

LA DESIGN FESTIVAL Del 20 al 23 de junio El festival de diseño de Los Ángeles no sólo honra su economía creativa, sino que celebra el estatus de esta urbe californiana como el destino más fresco y dinámico de diseño en Estados Unidos. LA Design se extiende a lo largo y ancho de la ciudad, premia a los talentos emergentes y abarca todas las ramas de la disciplina, del interiorismo al textil y hasta el diseño experimental. ladesignfestival.org

FOTO: CORTESÍA MODERNISM WEEK.

Wexler Steel House de Donald Wexler; Modernism Week.


UNA VISITA EXTRAORDINARIA UNA EXPERIENCIA TAN REFINADA QUE SOLAMENTE UNA PUEDE EXISTIR UNA. Tenlo todo y mucho más en The Post Oak Hotel - el nuevo destino de lujo de Uptown Houston. Desde el encantador Bloom & Bee donde podrás saborear deliciosos platillos ligeros, hasta las indulgencias con inspiración parisina en Bouchée Patisserie y la cocina artesanal sureña de Craft F & B, hay mucho para estimular los sentidos y deleitarse. Continúa la noche en el elegante H Bar para disfrutar de una buena copa; realza tu belleza natural con los servicios de cabello, piel y uñas en el Salon at The Post Oak Hotel; y déjate llevar por tu obsesión por la moda y los diseñadores en 29º Norte, una boutique con una fusión de prendas de vestir y accesorios finos para hombres y mujeres.

1600 WEST LOOP SOUTH I HOUSTON, TEXAS 77027 I RESERVACIONES 844.386.1OAK (1625) I THEPOSTOAK.COM


30


Exhibit Columbus

31

FOTOS: CORTESÍA EXHIBIT COLUMBUS POR HADLEY FRUITS.

Arte público para imaginar la ciudad del futuro Por Diego Parás

Llegará el día en que las grandes urbes del mundo no aguanten más gente, o en el que las personas no soporten habitar más metrópolis enormes. De ser así, el ejemplo de ciudad a seguir podría ser una pequeña localidad en el corazón de Indiana, al norte de Estados Unidos. Con obras de Eero Saarinen, I.M. Pei, Richard Meier, Robert Venturi y otros grandes arquitectos en sus calles, Columbus —de poco menos de 50 000 habitantes— tiene uno de los mayores legados arquitectónicos, artísticos y de diseño en Estados Unidos. Para preservar (y aumentar) esa herencia, desde 2016 se lleva a cabo Exhibit Columbus, un evento que funciona como laboratorio para imaginar la ciudad del futuro. Para su edición 2019 presenta 18 instalaciones de arquitectos, diseñadores industriales y gráficos, académicos y artistas. Estas obras al aire libre utilizan el patrimonio de Columbus como inspiración y contexto mientras destacan el papel de la comunidad en el crecimiento de una metrópoli “vibrante, sostenible y equitativa”, como la describe el festival. Este año, Frida Escobedo y PienZa Sostenible fueron los encargados de representar a México con sus intervenciones al paisaje urbano. La arquitecta mexicana, a quien Exhibit Columbus otorgó el J. Irwin and Xenia S. Miller Prize, se enfrentó al reto de activar una de las plazas públicas más importantes de la ciudad, ubicada frente a la biblioteca, obra de I.M. Pei, y la iglesia del arquitecto Eero Saarinen. “Es una intervención sutil, casi como una pequeña acupuntura que puede activar el espacio público”, asegura Escobedo en un video en el que habla de

su obra, una terraza-jardín elevada con espacios que pueden ser utilizados como foros para presentaciones, juegos infantiles o simplemente para caminar y admirar los edificios que rodean la plaza. Además, la arquitecta intervino el patio trasero de la biblioteca y otro más que divide a los dos edificios que la componen, esto para recuperar ambos espacios. Las bancas-

Into the Hedge, So-Il. Arriba: Untitled, Frida Escobedo. Anterior: Filament Tower, Marshall Prado.


32

Arte público para imaginar la ciudad del futuro

Las piezas de PienZa Sostenible busca dar un espacio seguro para las abejas y, al mismo tiempo, concientizar sobre su explotación y desaparición.

Desde 2016 se lleva a cabo Exhibit Columbus, un evento que funciona como laboratorio para imaginar la ciudad del futuro. esculturas que ahora los ocupan pueden ser deconstruidas para ser llevadas dentro de la biblioteca. Por su parte, PienZa Sostenible es un proyecto que analiza, estudia, critica, vincula e implementa acciones sobre la situación actual en México. En esta ocasión trataron un problema global: la desaparición de las abejas. Para ello, instalaron afuera del Irwin Conference Center una exhibición llamada “Las Abejas” como parte de los Washington Street Civic Projects. Las piezas fueron

especialmente diseñadas por Alberto Kalach, los estudios de Tatiana Bilbao Studio, Manuel Cervantes Estudio y Rozana Montiel Arquitectos para proteger y preservar la vida de estos insectos. Cada una de ellas fue manufacturada por Pirwi y las acompaña una serie de fotografías de Fernando Marroquín. Éstas son tan sólo dos de las 18 instalaciones que ocupan las calles de Columbus del 24 de agosto al primero de diciembre. Una gran motivación para salirse de los circuitos principales de arte y diseño en el país y explorar nuevos destinos creativos.

Antes del viaje Para un acercamiento previo, recomendamos ver la película Columbus, del director coreanoestadounidense Kogonada, la cual retrata una historia de amor fuertemente marcada por el patrimonio arquitectónico de la ciudad.


Este momento irreal traído por Toroweap Overlook, Gran Cañón.

Planifica tu escapada en VisitaArizona.com.mx.


T R AV E S Í A S ARI Z ONA

Arizona: un destino que brilla en invierno

Phoenix, la ciudad más grande del estado, tiene atractivos para todo tipo de viajeros, desde los amantes de la arquitectura hasta los adictos a las compras.

exclusiva alberca en Phoenix

cantidad de resorts de lujo,

—la ciudad más grande del

restaurantes propositivos

estado— a disfrutar de la

y boutiques llenas de

nieve en Flagstaff, uno de

personalidad. Los entusiastas

los lugares de esquí más

de la arquitectura no pueden

inadvertidos de Estados

dejar de visitar el Arizona

Unidos. Además, ambos lugares

Biltmore Resort, un hotel

ofrecen naturaleza increíble,

diseñado en 1929 por Chase

arquitectura icónica, aventuras

McArthur, pero que aún

gastronómicas y, por supuesto,

conserva su elegancia clásica

excelentes opciones de compras.

en cada espacio. También está

Para la mayoría de los viajeros,

Taliesin West, la antigua casa

pensar en Arizona es pensar en un

PHOENIX:

de invierno de Frank Lloyd

destino de verano que encuentra

CULTURA Y SOFISTICACIÓN

Wright que hoy funciona como

su mejor momento durante los

Conocido como “el Valle del

escuela de arquitectura. Otra

meses calurosos; sin embargo,

Sol”, Phoenix ofrece uno de

construcción imperdible de

la temporada de invierno es

los paisajes más atractivos

Lloyd Wright en la ciudad es

ideal para aventurarse a explorar

de todo el país gracias a su

el ASU Gammage, un hermoso

este destino. En una ruta de

combinación de montañas

teatro donde los viajeros

tres horas en coche, pueden

con desierto. Aquí, los

pueden disfrutar de los

pasar de tomar el sol en una

viajeros encuentran una gran

mejores espectáculos.


Si se trata de gastronomía,

FLAGSTAFF ÁREA:

Además de las actividades de nieve, en Flagstaff se pueden visitar cervecerías artesanales y hacer glamping muy cerca del Gran Cañón.

una de las opciones más

DIVERSIÓN EN LA MONTAÑA

celebradas de Arizona es

Al norte de Arizona se alza

Kai, en Sheraton Grand at

Flagstaff, una ciudad rodeada

Wild Horse Pass Resort. La

por el bosque de pinos

propuesta culinaria de este

ponderosa más grande del

restaurante destaca los sabores

mundo. Este lugar combina el

locales con una clara influencia

encanto de un pueblo pequeño

nativoamericana. Sin duda, un

con una infinidad de actividades

imperdible. Finalmente, los

al aire libre —todo el año—:

amantes de las compras no

caminata, bicicleta de montaña,

tienen que caminar mucho para

esquí y snowboard, entre otras.

Hotel, situado justo en el borde

Brewery Trail”, una ruta por nueve

encontrar su lugar soñado,

Si bien este destino atrae a

del Gran Cañón. Pero los que

cervecerías artesanales distintas,

ya que justo a un costado

una gran cantidad de viajeros

busquen una experiencia distinta

cada una con una propuesta

de este hotel está Premium

de aventura, existen opciones

(y sin dejar a un lado el lujo)

única y especial. Además, justo

Outlets at Wild Horse Pass, un

para todo tipo de planes. Los

deben optar por el glamping de

en el centro de Flagstaff, los

popular mall donde se pueden

que prefieren disfrutar de la

Under Canvas.

visitantes pueden encontrar

encontrar todo tipo de marcas

naturaleza desde la comodidad

de lujo a los mejores precios,

de una propiedad acogedora

es conocida por su oferta

propuestas locales de diseño y

desde Nike y Coach hasta Polo

y con opciones de fine dining

cervecera. Por ende, los viajeros

piezas (auténticas) elaboradas por

Ralph Lauren.

deben hospedarse en El Tovar

no pueden perderse de “Flagstaff

nativos americanos.

Esta ciudad también

galerías de arte y tiendas con

P a r a m á s info r m a ci ó n , v isi t a v isi t a ri z o n a . c o m


Girl pagüer

36

El legado de cuatro chefs mexicanas en Estados Unidos Por Mariana Castro

De izquierda a derecha: Gabriela Cámara, Cristina Martínez, Daniela Soto-Innes y Claudette Zepeda.

Gabriela Cámara Bargellini Desde 2015, Cala, en San Francisco, se ha posicionado como un favorito entre locales y visitantes. Al igual que Contramar, en la Ciudad de México, este restaurante —y sus dos taquerías hermanas— reflejan la identidad culinaria de su chef, Gabriela Cámara: sabores directos, ingredientes frescos (lo más locales posible) y un enfoque sustentable. “La gastronomía ha tomado un papel importantísimo en Estados Unidos que antes no existía. La gente viaja para comer y los restaurantes son un gran atractivo. Por suerte para nosotros, la cocina más compleja y cercana geográficamente a este país es, sin duda, la mexicana.” Ahora, la chef nacida en Chihuahua se enfrenta a un nuevo reto en colaboración con Jessica Koslow, la celebrada cocinera

Estas mujeres han posicionado la cocina mexicana en Estados Unidos, recordándonos lo importante que es valorarla desde este lado de la frontera. al frente de Sqirl, en Los Ángeles. Se trata de Onda, uno de los restaurantes del recién inaugurado hotel Santa Monica Proper. “Tendremos un menú experimental que resaltará el enorme intercambio cultural entre la Ciudad de México y L.A., en particular las confluencias gastronómicas de las dos ciudades.” Sin embargo, a pesar de su éxito en Estados Unidos, la chef considera igual de importante (si no es que más) hacer labor desde México: “Es fundamental concentrarnos en la conservación y

revalorización de nuestras tradiciones, que se han perdido a pasos agigantados en las últimas décadas”. Cristina Martínez No fueron los postres de Albert Adrià ni la cocina turca de Musa Dağdeviren, fue la barbacoa de Cristina Martínez la que se robó el protagonismo de la temporada cinco de Chef’s Table, la popular serie gastronómica de Netflix. Si bien Cristina emergió como una figura casi desconocida para el público mexicano, en Estados Unidos ya había atraído las miradas de muchos entusiastas gastronómicos (apareció en la lista America’s Best New Restaurants de la revista Bon Appétit en 2016 y en un episodio de Ugly Delicious, la serie del chef David Chang). Cristina vive en Filadelfia y, después de haber sido despedida del restaurante donde trabajaba (al enterarse de que era indocumentada), comenzó a vender barbacoa en su casa, elaborada con la receta original de su familia en Capulhuac, Estado de México. El éxito fue tal que ella y su esposo Benjamin Miller movieron el negocio a un pequeño local en el barrio de Italian Market. South Philly Barbacoa (ahora en una nueva y más grande ubicación) representa

FOTOS: YVONNE VENEGAS, P’S & Q’S, THE WORLD’S BEST 50 RESTAURANTS.

Ya sea liderando restaurantes abarrotados, recibiendo reconocimientos internacionales o luchando por causas que van más allá de la cocina, estas mujeres han conseguido posicionar la gastronomía mexicana en Estados Unidos, recordándonos lo importante que es valorarla desde este lado de la frontera.


38

El legado de cuatro chefs mexicanas en Estados Unidos

Infladita de cangrejo de Cosme, uno de los platillos más icónicos del restaurante.

Daniela Soto-Innes “Un chef no es sólo el que cocina, idea las recetas y escribe los menús, es el que escucha a su equipo, los cuida y los motiva a alcanzar su mayor potencial.” En junio pasado, durante la ceremonia de The World’s 50 Best Restaurants en Singapur, la mexicana recibió el premio a la mejor chef del año con un discurso que dejó muy claro que su amor por la gastronomía está esencialmente ligado a la gente: las personalidades y las historias que se esconden en cada integrante de una cocina. Daniela es divertida, espontánea y enemiga de los protocolos de la industria. En su cocina —compuesta principalmente por mujeres— hay bromas, música y sesiones de estiramiento antes de empezar cada servicio. En 2014, después de haber trabajado juntos en Pujol, Daniela y el chef Enrique Olvera se asociaron para abrir Cosme, en Nueva York. Tres años después dieron la

bienvenida a su segundo restaurante en la ciudad: Atla. Durante este tiempo, la joven de 28 años recibió varios premios, entre ellos un James Beard Award como chef revelación. Ahora, el título de la mejor del mundo hace inminente que los ojos estén puestos sobre ella y sus proyectos futuros. Por lo pronto, se sabe que su siguiente paso será del otro lado del país, en Los Ángeles, donde abrirá dos nuevos restaurantes con Olvera: Damian y Ditroit. Claudette Zepeda Wilkins Claudette nació en San Diego, creció en Tijuana y desarrolló su amor por la cocina en Guadalajara, donde pasaba largas temporadas ayudando en el restaurante de su tía Lorenza (a quien todos llamaban “jefa” cuando iban de compras al mercado). “Comencé con la idea de ser chef repostera, pero en 2013 me cambié

al lado salado de la cocina.” Vaya acierto. En los años siguientes, la carrera de Zepeda despegó, primero como jefa de cocina de Javier Plascencia en Bracero, después con apariciones en Top Chef y Top Chef México y, finalmente, como líder de El Jardín, en San Diego, restaurante con el que consiguió una nominación como semifinalista del James Beard Award al mejor chef de la Costa Oeste del 2019. La cocina de Claudette se caracteriza por el uso de ingredientes criollos y provenientes de las culturas migrantes en México, como el arí de Chihuahua y la rosita de cacao. Hace algunos meses (y para sorpresa de muchos) la chef anunció su salida de El Jardín: “Quiero viajar por el mundo, representando y cocinando los sabores que adoro. No tengo prisa, todo a su tiempo, tal vez hasta algo en México podría resultar en el futuro”, asegura.

FOTO: THE WORLD’S BEST 50 RESTAURANTS.

la nostalgia del migrante que, lejos de su país de origen, encuentra en un consomé o un taco —con tortilla hecha a mano con maíz de Chiapas— un breve momento de tranquilidad. Dato útil: sólo abre sábado, domingo y lunes; desde muy temprano y hasta que se acabe la barbacoa. Más allá de los fogones, Cristina ha puesto sobre la mesa varios temas importantes, principalmente relacionados con el enorme papel que juegan los migrantes en la industria alimenticia estadounidense —ya sea en el campo o en las grandes cocinas— y la pésima retribución que obtienen a cambio.


T R AV E S Í A S UNI WORL D

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40


Aprendiendo de Fremont Street

41

Los signos de neón y el retrofuturismo de Las Vegas Por Rodrigo Fernández de Gortari Fotos Ritta Trejo

“Less is (a) bore” - Robert Venturi En 1940, la nueva y reluciente estación de ferrocarriles de la Union Pacific tomó el lugar que hasta entonces ocupaba el Depósito de Salt Lake City —un edificio de Estilo Misión construido por mormones, paradójicamente, fundadores de Las Vegas— en la esquina de Main y Fremont. La publicidad de su época la describía como “la primera estación de ferrocarriles para pasajeros streamlined, totalmente climatizada”. Sin embargo, el viaje en tren desde Los Ángeles, el llamado Las Vegas Holiday Special, se descontinuó en 1968 y la estación se demolió para dar paso al que sería el hotel-casino más grande del mundo: el Plaza, que desde 1971 domina la calle Fremont y sus icónicos letreros de neón. En estos letreros luminosos se puede cifrar no sólo la historia de la ciudad del juego más importante de este lado del planeta —Macao es su contraparte asiática—, sino de una parte de la historia del diseño de Estados Unidos. En la actual Fremont Street Experience sucede un espectáculo de proyecciones en el domo de una suerte de Capilla Sixtina de pantallas que recubre tres cuadras, pero también pueden verse los neones de antes —eso sí, actualizados—. Están las marquesinas y tipografías del Golden Nugget, además del Binion’s y el icónico personaje “Vegas Vic” del Pioneer Saloon, el cowboy que guiña el ojo mientras sostiene en la comisura de los labios un cigarro eléctrico. YESCO y The Neon Museum Es posible recorrer la historia de Las Vegas a través de los letreros de sus casinos. El clásico “Welcome to Fabulous Las Vegas, Nevada”, emplazado en 1959 y catalogado como sitio histórico es, por decir los menos, también el mejor ejemplo del starburst (representación de un estallido o resplandor del googie style). Creado por la compañía

Los letreros de la calle Fremont no sólo narran la historia de esta ciudad, sino también un capítulo importante del diseño en el país.


42

Los signos de neón y el retrofuturismo de Las Vegas

The Neon Museum es una especie de cementerio de piezas que resguarda las tipografías más clásicas de la ciudad.

YESCO (Young Electric Sign Company), que fuera fundada en 1920 por el pintor inglés Thomas Young, al paso del tiempo sumaría entre sus creaciones parte de la historia de la tipografía luminosa que caracteriza los años dorados de las capitales de Estados Unidos. Ejemplo de ello son los letreros de la NBC Experience Globe en Nueva York, las emblemáticas marquesinas de El Capitan Theatre y del Hollywood Wax Museum en Los Ángeles, el Arco de Reno y la mencionada figura de “Vegas Vic”. Por ello, para apreciar en forma este fenómeno es necesario conocer el deslumbrante cementerio de piezas que yace en The Neon Museum. Albergado en una de las construcciones más particulares

de la ciudad, La Concha Motel (1961) —diseñado por Paul Revere Williams, el primer arquitecto afroamericano reconocido—, es actualmente el centro de visitantes del espacio que resguarda las más clásicas tipografías luminosas de la Sin City del Rat Pack: Riviera, Algiers Hotel, Tropicana, Silver Slipper, Sahara, Yucca y el Stardust, por mencionar sólo algunos entre los muchos otros casinos que ya no existen —o sí, pero en versión contemporánea— tanto en Fremont como en The Strip, donde ahora las luces apuntan a la boutique de Louis Vuitton. En esta enorme tienda se puede visitar (con previa cita y meses de antelación) el eco de esta estética con Akhob, la experiencia inmersiva creada

por James Turrell, el máximo artista de la región de las luces estelares. Pero en definitiva, el estilo implementado por Revere en La Concha y su cercanía conceptual con arquitectos galácticos, como Félix Candela y las geodésicas de su maestro Buckminster Fuller, puede ser considerado como la culminación del populuxe o doo-wop, que tuvo su apogeo entre las décadas de 1950 y 1960 en plena cultura de la velocidad, el automóvil, los jets y la era espacial y atómica, y cuya obra máxima, el Aeropuerto Internacional de Los Ángeles (1963), lo ubican no sólo como uno de los grandes representantes del diseño de la Costa Oeste, sino como el máximo exponente del googie style.


T R AV E S Í A S NIZUC

NIZUC Resort & Spa Desde gastronomía de primer nivel hasta un premiado centro de bienestar, este hotel es ideal para los viajeros más exigentes. Situado en 12 hectáreas sobre

hasta un deleite asiático, en

una de las playas más hermosas

Indochine, o los auténticos

del Caribe mexicano, NIZUC

sabores peruanos en NI.

Resort & Spa se ha consagrado

El hotel no se queda atrás

—desde su apertura en 2013—

cuando se trata de bares.

como uno de los mejores

Entre puros y cocteles

hoteles del país. Con 274

clásicos —hay que probar el

lujosas suites, restaurantes de

mojito—, Havana Bar es ideal

clase mundial, rincones que

para una noche de fiesta al

invitan al descanso y un spa

estilo cubano. Por su parte, el

firmado por la marca ESPA,

Bar A´kan, en el área de lobby,

esta propiedad es ideal para

cuenta con una gran variedad

los viajeros que buscan las

de tequilas y mezcales.

mejores experiencias.

Pero si se trata de

Con un diseño moderno

bienestar y relajación,

y limpio que le deja el

nada como NIZUC SPA by

protagonismo a la vegetación

ESPA, el primer spa de esta

y el mar, NIZUC Resort &

firma británica en el Caribe

Spa ofrece a sus huéspedes

mexicano. En una superficie

espacios frescos, llenos

de 3 000 m2, el spa incluye

de luz y con una excelente

cabinas de tratamientos,

orientación. Las suites —de

villas para parejas, salón de

entre 70 y 170 m 2— están

belleza, gimnasio y estudio de

impecablemente decoradas

acondicionamiento físico. En

y cuentan con el mejor

2018, el spa lanzó un renovado

equipamiento. Para una

menú que incluye tratamientos

experiencia más privada y

holísticos y faciales avanzados,

tranquila están las villas —de

acompañados de técnicas de

entre 225 y 500 m2—, ubicadas

respiración y visualización.

en el corazón del resort.

Para los que viajan en familia

Los viajeros encuentran

también hay opciones, entre

en NIZUC Resort & Spa un

ellas dos canchas de tenis de

recorrido gastronómico por

nivel profesional, un lounge de

distintas regiones del mundo,

juegos y Winik´s, un programa

desde la alta cocina mexicana,

diario de actividades para el

en el restaurante Ramona,

disfrute de los más pequeños.

P a r a m á s info r m a ci ó n , v isi t a ni z u c . c o m


T R AV E S Í A S JAPÓN

Ruta del Dragón

Foto: JNTO.

Una gran manera de explorar el lado poco conocido del país nipón.

de Nagano, Hida Takayama,

por la aldea de Shirakawa-

Shirakawa-Go y Kanazawa.

go, declarada Patrimonio

En Nagano hay que visitar

Foto: ©Matsumoto city/©JNTO.

Mundial por la unesco. Aquí,

el castillo Matsumoto. Esta

uno puede hospedarse en

fortaleza medieval, construida

casas tradicionales de estilo

a finales del siglo xvi, es

gassho-zukuri, estrechas, altas

considerada como tesoro

y con un tejado triangular

nacional. Durante el invierno,

hecho de paja, el cual baja

una actividad imperdible en el

vertiginosamente hasta el

corazón montañoso de la isla

suelo para soportar el peso de

principal de Japón es ver a los

la nieve que cae en invierno.

monos de nieve que se bañan en aguas termales.

Para terminar hay que visitar el jardín Kenrokuen,

Pocos lo saben, pero Japón

En contraste, una de las

es más grande que Alemania;

mejores épocas para pasar por

del país, ubicado en Kanazawa.

con más de 350 000 km2 de

Hida Takayama es la primavera.

La familia Maeda creó el

extensión, este país tiene

Cada 14 y 15 de abril se lleva a

jardín a lo largo de varios

mucho que ofrecer. Saber por

cabo el Festival de Sannō, donde

siglos y, al día de hoy, es uno

dónde empezar puede ser un

se exhiben elaboradas carrozas

de los mejores ejemplos de

poco abrumador, pero para

de gran tamaño, acompañadas

jardín japonés, ideal para un

quienes buscan conocer lo más

en todo momento de música

paseo en cualquier época del

genuino de la cultura nipona,

tradicional a las afueras de sus

año. Éstas son tan sólo unas

existe la Ruta del Dragón.

respectivos almacenes.

cuantas actividades que el

Esta ruta, de cuatro etapas en total, cruza las localidades

Shirakawa-Go, la tercera etapa de la ruta, es conocida

uno de los tres más famosos

viajero podrá disfrutar en la Ruta del Dragón.

P a r a m á s info r m a ci ó n , v isi t a j a p a n . t r a v e l


48 horas en Miami

46

Un recorrido por el pasado y presente de la ciudad  Por Diego Parás

Faena District.

DÍA UNO Mañana Es difícil describir el estilo de Biltmore Hotel (Leonard Schultze, 1926). El mismo hotel lo hace como “si bien recuerda a lo más fino de la arquitectura clásica mediterránea, no es un palazzo italiano ni un castillo español”, a eso habría que añadirle que tiene un aire al hotel Atlantis en las Bahamas. Ubicado en 60 hectáreas de terreno, el edificio es uno de los íconos de Coral Gables, una de las zonas residenciales a las afueras de Miami.

Pérez Art Museum.

El histórico hotel cobró rápida fama entre la realeza inglesa, los políticos de Estados Unidos, las figuras de Hollywood e incluso mafiosos como Al Capone. Para llegar al siguiente destino (Villa Vizcaya) hay que tomar el automóvil y pasear por las calles de Coconut Grove. El camino en realidad es de 20 minutos, pero puede alargarse tanto como uno quiera, ya que los enormes árboles y las frondosas plantas tropicales hacen que este barrio parezca un gran jardín botánico. Villa Vizcaya se ideó como la casa de invierno de James Deering

y Paul Chalfin, quienes fueron a Italia para inspirarse y llevar el concepto de la villa a Florida. En 1912 adquirieron las primeras 52 hectáreas en la bahía y eligieron a Francis Burrall Hoffman Jr. como arquitecto. La construcción finalizó en 1916, pero no fue sino hasta 1953, después de una serie de huracanes y cambios de dueños, que la propiedad abrió al público como museo. La recomendación es, antes de entrar a la casa o almorzar en el café, pasearse por sus jardines y fijarse en los barandales y acabados de coral, un material que, como

FOTOS: MAUREEEN EVANS Y CORTESÍA LIBRERÍA DEL CONGRESO DE ESTADOS UNIDOS.

En el aeropuerto de Miami uno se puede encontrar todo tipo de gente, desde turistas con guayaberas floreadas y el cuello rojo, diseñadores que van a Design Miami o millonarios extravagantes que van a pasar el fin de semana a sus villas. Esta ciudad tiene muchas facetas y para conocerlas todas hay que recorrer el Miami “viejo” y el Miami “nuevo”. Advertencia: es necesario rentar auto.


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Meridian Avenue.

el mármol en Italia, abundaba en la región y ahora sería impensable utilizar. Tarde La segunda parte del día empieza en el complejo de Bacardí, a 15 minutos de Villa Vizcaya. Se compone de dos edificios: el primero tiene una fachada de 28 000 mosaicos —diseñada por el artista brasileño Francisco Brennand— y fue la sede central de Bacardi Limited hasta 2009. El segundo fue añadido al complejo en 1973 y cuenta con un vitral inspirado en los patrones

Esta ciudad tiene muchas facetas y para conocerlas todas hay que recorrer el Miami “viejo” y el Miami “nuevo”.

de culturas mesoamericanas, diseñado por el artista alemán Johannes M Dietz. Actualmente, ambos forman parte de la National YoungArts Foundation. Se puede visitar la exhibición en turno, pretexto perfecto para resguardarse del calor. Para descansar del automóvil un rato y aprovechar el clima de la tarde, una buena idea es caminar por Meridian Avenue, a 15 minutos de los edificios de Bacardí. Además de ser una de las avenidas más bellas de la ciudad, resguarda una gran cantidad de casas estilo art déco que vale la pena apreciar a pie y con calma. Hay que manejar hacia el norte para introducirse a la arquitectura de Morris Lapidus, uno de los exponentes del estilo MiMo (Miami Modern), con la sinagoga Temple Menorah, construida en 1963. Noche Muy cerca de la sinagoga se encuentra otra de las obras icónicas del arquitecto: el hotel Fontainebleau. Con dos hectáreas


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1111 Lincoln Road.


49

Un recorrido por el pasado y presente de la ciudad

FOTOS: CORTESÍA 1111 LINCOLN ROAD, Y LIBRERÍA DEL CONGRESO DE ESTADOS UNIDOS.

de jardines, lobby de 650 m2 (donde vale la pena tomar un trago en Bleau Bar) y vista a la playa. El hotel abrió sus puertas en 1954 convirtiéndose en el más grande y lujoso del sur de Florida. También destaca su emblemática escalera “Stairway to Nowhere”, que ha aparecido en películas como Scarface y Goldfinger, entre otras.

DÍA DOS Mañana El recorrido por el Miami contemporáneo empieza en Lincoln Road, una calle peatonal que, entre Washington y Alton Road, concentra gran cantidad de opciones de compras y gastronomía. Uno de sus atractivos principales es 1111 Lincoln Road, a cargo de Herzog & de Meuron. Este complejo reúne oficinas, tiendas, restaurantes, estacionamiento y un lugar especial para todo tipo de eventos, ubicado en el séptimo piso. Hay que darse una vuelta por Alchemist, en el quinto piso, para conocer lo último en diseño en la ciudad. Sin museos no hay ciudad, y para entender el nuevo Miami hay que visitar Pérez Art Museum, a 15 minutos de Lincoln Road. Con una colección de más de 1 800 obras, el pamm es una parada obligada para los amantes del arte moderno y contemporáneo. El museo —también diseñado por el despacho Herzog & de Meuron— tiene un restaurante llamado Verde, que ofrece un menú fresco y de temporada, ideal para desayunar. Hay que aprovechar la visita y dedicarles tiempo a los vecinos del Pérez: el Museum Park y el Phillip and Patricia Frost Museum of Science, famoso por su increíble acuario integrado, perfecto para un plan con niños.

“Stairway to Nowhere” en el hotel Fontainbleau.

Lincoln Road es una calle peatonal que concentra opciones de compras y gastronomía. Tarde Un buen plan es ir a Miami Design District, recorrer sus calles sin prisa y comer en Mandolin, restaurante que ofrece platillos inspirados en las costas de Grecia y Turquía. En Design District —proyecto del desarrollador, emprendedor y coleccionista

de arte, Craig Robins— hay que dejarse llevar por lo que a cada viajero le llame la atención, ya que hay oferta para todos los gustos y presupuestos. El barrio cuenta con más de 200 opciones de compras y gastronomía, estudios-talleres, galerías, instalaciones y otras propuestas artísticas. Imperdible: Institute of Contemporary Art. Noche Nada como cerrar el fin de semana en Faena Hotel, que más que un hotel es un barrio —Faena District Miami Beach—. Algo así como la versión tropical de Hudson Yards en Nueva York. Para tomar un trago hay varias opciones, entre las que resalta Saxony Bar, un speakeasy que transporta a la época de oro de Miami, entre luces de neón, cocteles coloridos (y hasta un pavorreal blanco disecado en la barra).


T R AV E S Í A S H I LT O N

Lo nuevo de Hilton en México

Waldorf Astoria Los Cabos Pedregal.

Hay distintos tipos de viajeros

un servicio personalizado

cuenta con 115 habitaciones

y esto es algo que Hilton sabe

inigualable, ideales para los

y suites, todas muy amplias y

muy bien. Con cien años de

que buscan experiencias

decoradas con una paleta de

experiencia en la industria, la

memorables. Estos hoteles

colores neutros (inspirados

compañía entiende que cada

también se caracterizan por

en la naturaleza del destino).

huésped busca opciones de

estar ubicados en locaciones

Los huéspedes pueden

hospedaje con características

inolvidables. El primer Waldorf

disfrutar de tres piscinas —una

específicas dependiendo de

Astoria de Latinoamérica abrió

infinity, una para niños y otra

su plan. México es un mercado

sus puertas en Panamá y,

de agua salada—, opciones

vibrante, exigente y siempre en

ahora, la marca ha aterrizado

gastronómicas exclusivas y

crecimiento; con esto en mente

en México en uno de los

un galardonado spa con diez

—y fiel a su misión por brindar

destinos más exclusivos del

salas de tratamiento privadas.

siempre lo mejor de lo mejor—,

país: Los Cabos.

Los más aventureros pueden

Hilton da la bienvenida a dos

Waldorf Astoria Los

explorar la riqueza de la

Cabos Pedregal está situado

península con una serie de

en un espectacular acantilado

experiencias meticulosamente

Astoria Hotels & Resorts, una

rodeado por montañas, playas y

curadas por los expertos del

marca que se caracteriza por

la belleza del Océano Pacífico.

hotel. En 2021, la marca hará

hoteles exclusivos, sofisticados

Un refugio frente el mar que

su segunda aparición en México

y con impresionantes espacios

invita a los viajeros a olvidarse

con Waldorf Astoria Cancún,

públicos. Las propiedades

de todo y pasar varios días de

un hotel de 150 habitaciones

Waldorf son elegantes y ofrecen

relajación absoluta. El hotel

rodeado por manglares.

nuevas marcas al país. Primero está Waldorf


Canopy by Hilton Cancún La Isla.

La otra marca que está

Canopy by Hilton Cancún

Canopy by Hilton Cancún La Isla celebra el encanto local de uno de los destinos turísticos por excelencia en el país.

lista para conquistar al público

La Isla se perfila como un hotel

mexicano es Canopy by

urbano y versátil, situado en

Hilton. Estos hoteles de un

la zona hotelera de la ciudad.

estilo lifestyle más chic son

Sus habitaciones just-right

pensados para los viajeros

son cómodas, modernas y

que se inclinan por el buen

decoradas por murales de

gusto y el buen ambiente. Las

artistas locales. Lo mejor, las

propiedades Canopy celebran

exclusivas camas Canopy que

lo local: la música, el arte y la

garantizan el descanso. Ya sea

gastronomía del lugar donde

en el Canopy Central Café &

se encuentren. De hecho, el

Bar, en la cafetería del lobby

personal se encarga de dar las

o en el bar de la piscina al aire

mejores recomendaciones a

libre del ultimo piso, aquí los

los huéspedes en un formato

huéspedes recibirán una vibra

centro comercial La Isla está

similar al de un amigo que

relajada y llena de personalidad.

tan solo a unos pasos, ideal

comparte sus lugares favoritos.

Para los viajeros de negocios,

para una tarde de compras.

Después del éxito de Canopy

el hotel cuenta con tres salas

Los que quieran una opción

en São Paulo, la marca ahora

de juntas, espacio de trabajo

distinta pueden hacer uso de las

apunta a uno de los destinos

compartido y terraza para

bicicletas Canopy (de cortesía) y

turísticos por excelencia:

pequeños eventos o reuniones.

aventurarse a dar un paseo por

Cancún.

Como su nombre lo indica, el

la zona. P a r a m á s info r m a ci ó n , v isi t a hil t o n h o t e l s. c o m


Hecho en L.A. Entre el ensueño y el optimismo, Los Ángeles se está consolidando como un escenario dinámico para el diseño. Por Mario Ballesteros Fotos Pia Riverola


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x


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En inglés, estar en la-la land significa andar en la luna, o como dice el diccionario, “un estado mental eufórico, onírico; indiferente a las realidades más duras de la vida”. No me parece un mal apodo para Los Ángeles. El lalalandismo de L.A. —como le dice todo el mundo, borrando cualquier rastro de origen hispano— la convirtió en la primera capital de la industria creativa. Desde principios del siglo xx, Los Ángeles fue imán de cineastas, guionistas, divas en potencia, músicos y dibujantes. La construcción de fantasías como motor de crecimiento también atrajo a productores, ingenieros, constructores, montajistas, animadores y todo tipo de artesanos calificados. Atrajo diseño. El lado oscuro del lalalandismo es que también tiende a omitir, desplazar o borrar lo antiestético. Como decía Orson Welles, L.A. es un lugar brillante y culposo. En The History of Forgetting, Norman Klein aborda el hábito malsano de Los Ángeles de querer rediseñarse a partir del olvido colectivo selectivo: una ciudad que felizmente cancela su legado histórico cuando se vuelve incómodo, como la bendita amnesia tras una buena borrachera. El diseño ha consentido y facilitado esta obsesión de Los Ángeles por ser siempre nueva, joven, fresca. La tendencia angelina a cancelar lo oscuro con sonrisas luminosas y atardeceres perfectos se puede observar mientras transcurre en tiempo real en DTLA, el nuevo nombre de Downtown, porque L.A. ya no tiene centro. Aquí se destruyeron cientos de casonas victorianas para construir los primeros rascacielos de la ciudad en Bunker Hill. Aquí se junta una de las poblaciones de personas sin hogar más grande de Estados Unidos con las fachadas pulidas de instituciones de vanguardia como el Broad, un museo privado diseñado por Diller Scofidio + Renfro que aloja una impresionante colección de arte americano de la posguerra y contemporáneo. DTLA es un buen punto de partida para empezar a entender las muchas maneras en que el diseño está cambiando a Los Ángeles, para bien y para mal.

Rascacielos en Bunker Hill y la antigua fábrica de American Apparel en ROW DTLA. Anterior: distintas vistas de L.A. y esculturas de vidrio de John Hogan en Casa Perfect.

DTLA es un buen punto de partida para entender cómo el diseño está cambiando a Los Ángeles, para bien y para mal. A finales de los noventa, una ordenanza de “reuso adaptativo” abrió las puertas a que antiguos edificios industriales del DTLA pudieran convertirse en viviendas, hoteles y restaurantes. El Grand Central Market —donde Frank Lloyd Wright tuvo su oficina mientras trabajaba en sus icónicas casas angelinas, como la Ennis House o la Hollyhock House, hoy Patrimonio de la Humanidad por la unesco— se transformó en un mercado gourmet con departamentos. Se reacondicionaron grandes edificios art déco, como la torre Eastern Columbia, y llegaron los hoteles cool, como el Ace Hotel, que ocupa la torre neogótica de los años veinte que en su momento fue sede de los estudios/teatro de United Artists. Hoy ofrece habitaciones minimalistas con guiños a la Bauhaus y un rooftop espectacular. Además de atraer turismo, una de las ambiciones del nuevo DTLA fue crear una comunidad creativa fuerte. Aquí aterrizaron Jessie Young y Emiliana González cuando se mudaron de Montevideo a Los Ángeles en 2014. Poco después fundaron Estudio Persona. Sus muebles combinan una estética depuradísima con la calidez y la honestidad de los materiales de su natal Uruguay: cuero, madera, vidrio. “Diseñar juntas fue nuestra manera de conocer Los Ángeles.” Su talante las ha llevado a colaborar con despachos locales consolidados, como Atelier de Troupe o Stahl+Band, y participar en Intro/LA, una selección curada de lo más interesante del diseño local emergente durante LA Design Week. Estudio Persona sería un perfecto caso de éxito de atracción de talento

L.A.


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a DTLA, si no fuera porque se mudaron hace poco. “Estábamos en Downtown, pero era medio raro. Como que decíamos, ¿estamos en L.A.? ¿Estamos en Nueva York? Pensábamos en un principio que el Downtown iba ser más ciudad, pero tampoco es así.” Sin embargo, los desarrolladores siguen empeñados. Hace un par de años decidieron inaugurar aquí un nuevo distrito de diseño: ROW DTLA. Ocupando la carcasa de lo que alguna vez fue un antiguo mercado de abasto, este complejo de tiendas, talleres y restaurantes abarca una superficie de 120 000 m2. Antes de ROW se encontraba aquí la fábrica de American Apparel: un proyecto de diseño que quiso hacer frente al fast fashion con una línea de básicos cool para las masas, apostándole a la manufactura local sin explotación típica de la maquila en los rincones sudorosos del Tercer Mundo, y falló. La sombra de ese optimismo dosmilero sigue rondando por aquí, con su fachada rosa y su frase de Legalize LA. Hoy esa frase se siente tan inocente y fuera de lugar como el amor desbordado que le tenía a esta ciudad el crítico de arquitectura británico Reyner Banham, prendido por la cultura de los gadgets y el à go-go. Contra sus detractores, a Banham le gustaba afirmar con una sonrisa contundente: ¡Los Ángeles funciona! Hoy resulta difícil —en la época MAGA, con las políticas antimigrantes y la emergencia climática— ser tan optimista sin sonar como un ignorante. Pero L.A. no deja de intentarlo. En ROW DTLA el sol deslumbra, las vitrinas relucen perfectas, los muros de acento están pintados con grecas de colores estridentes. Los aires acondicionados perfumados se entremezclan con el olor a pan recién horneado de The Manufactory, una sucursal de la famosísima Tartine Bakery de San Francisco, y a café recién molido de Go Get Em Tiger, la cadena más modernilla de coffeebars de la ciudad. Los útiles y la papelería se organizan por colores con obsesión compulsiva en el project space de Poketo y las luminarias escandinavas parecen bailar con sus formas simples y seductoras

El taller de Estudio Persona en East Hollywood. Anterior: Jessie Young y Emiliana González, fundadoras de Estudio Persona.

en A+R. En ROW DTLA el equilibrio entre el grit —el filo, la mugre— y el paisajismo manicurado está cuidadosamente planeado, y los desarrolladores pretenden “incrustar creativos” ofreciéndoles espacios de trabajo diáfanos, clases de yoga en la azotea y estacionamiento gratuito. Sin embargo, ni siquiera esta perfección estimulante (a veces intimidante) parece haber atraído a suficientes personas como para quitarle a ROW DTLA la sensación de desalmado. Hoy sigue pareciendo un set de pueblo fantasma de diseño. Una versión más suave, más amable y más prometedora del rediseño de Los Ángeles se percibe en el noreste, en Los Feliz, Silver Lake y Echo Park y, sobre todo, en los rincones creativos emergentes de East Hollywood (a donde se mudó Estudio Persona), Frogtown, Atwater Village y Highland Park. Aquí las barreras entre clase trabajadora y clase creativa son más porosas, las marcas de lujo son mal vistas y la gente a veces camina por las banquetas. Se siente una vibra distinta a los design

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Alex Reed es uno de los residentes en Owl Bureau, un espacio compartido para creativos en Highland Park que ocupa una antigua farmacia.

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El diseño juguetón y colorido de Another Human, estudio fundado por Leah Ring en 2017, tiene todo el sello de Hecho en L.A.

districts ideados por inmobiliarias, como ROW DTLA o el insípido Pacific Design Center, o incluso los clichés de corredor turístico de diseño de la avenida Melrose. Nadie viene hasta aquí para sacarse una selfie frente a una pared pintada de rosa. “Dios mío, Vogue ya descubrió Highland Park” se lamentaba hace poco un articulista en un blog local. Este es el típico quejido de los que creen que son los primeros en verle potencial a un lugar antes de echarlo a perder. Nos pasó a varios con la colonia Roma por ahí de 2003, que entonces, como Highland Park hoy, estaba en su punto. Sobre North Figue-

roa St. las trocas lowrider y los puestos de tacos callejeros se entremezclan con barberías estilizadas (como Rudy’s, la célebre peluquería originaria de Portland), bares cucos que sirven cocteles de tepache (Café Birdie), boliches de los años veinte reacondicionados (Highland Park Bowling, el primer boliche de la ciudad) y farmacias convertidas en hubs creativos, como el reluciente Owl Bureau. La agencia de branding (las nuevas fábricas de sueños) Chandelier Creative y su fundador, Richard Christiansen, están detrás de este espacio dedicado al placer del papel y las ediciones raras. El enorme letrero azul y na-

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ranja original de la difunta Owl Drug Company descansa en paz sobre la entrada, con ese encanto particular de la señalización pop que tanto carácter le imprimió a L.A.: el letrero de Hollywood, el LAX del aeropuerto, la señal de la cafetería Norms de La Ciénega, que el mismo Ruscha retrató. Al fondo, una puerta redonda esculpida con un simpático búho gigante recibe a clientes y curiosos. Junto con las repisas repletas de portadas relucientes y jugosas, el espacio está amueblado con una barra de lectura elíptica, sillas altas sinuosas y sillones de piel verde, todo diseñado por Waka Waka, un estudio de carpintería local con influencia japonesa. La lectura nunca había parecido tan sexy. Además de oficinas y libros, Owl Bureau aloja talleres, presentaciones, exposiciones y residencias para creativos. Uno de ellos es Alex Reed, quien hace poco se mudó con todo y su taller de cerámica. Alex es parte del éxodo de diseñadores neoyorquinos que han escapado del hacinamiento y la competencia despiadada de la Gran Manzana para respirar más tranquilo y traer nuevos aires a la escena de diseño en Los Ángeles. “Me mudé a L.A. hace seis años, para trabajar como diseñador en Heath Ceramics (un famoso taller de cerámica originario de San Francisco). Siempre he procurado enfocarme en mi propia investigación, pero desde hace más de un año trabajo exclusivamente en mis proyectos independientes.” El hambre de libertad creativa y la autonomía individualista han sido parte del mito californiano desde que se empezó a consagrar. En diseño se ha traducido en una legión de creadores y productores independientes, que trabajan en proyectos a pequeña escala en sus talleres individuales. Algo parecido sucedió aquí mismo, en Highland Park, a principios de 1900, cuando una variante local del movimiento Arts & Crafts, el Arroyo Guild, quiso rescatar oficios tradicionales y diseñar “cosas útiles de excelencia y belleza superlativas”. Ese ideal no se siente tan lejos del boom actual de las cerámicas de

Hopie Stockman, una de las fundadoras del estudio de diseño textil Block Shop. Sus coloridos tapetes y tapices se estampan a mano en India.

autor impulsado por talentosos diseñadores/ artesanos, como Bari Ziperstein, Ben Medansky, y el mismo Reed. A unos 30-40 minutos de Highland Park en Uber se encuentra Atwater Village. Nadie diría que este es un barrio “de diseño”, con sus bungalows y casitas modestas tipo tract house. En una de estas casitas vive y trabaja Leah Ring, del estudio experimental de diseño Another Human. Leah me recibe con una camiseta oversize color verde neón que hace juego con su rubio platinado, pero que palidece en comparación con el arcoíris chirriante de su sala/comedor/bodega. Hay banquitos de acrílico rellenos de piedritas de acuario de colores. Hay mesas de superficies chorreadas y patas de flotadores de alberca. Hay todo lo que uno esperaría encontrar de un diseño Hecho en L.A. “Me gusta diseñar en L.A. La gente en Nueva York puede que tenga mejor gusto, pero todo allá es muy homogéneo. Me gusta que en L.A. nadie le tiene miedo a ser hortera. Toman riesgos, hacen lo que quieren, tienen un estilo audaz. Se ve también en la arquitectura: cada casa es tan extraña y diferente de la otra, puedes manejar por cualquier barrio y de un lado tienes una Tudor, de otro una estilo hacienda de otro una cabaña de brujas. Los Ángeles es un batidillo arquitectónico. Eso a mí me va muy bien.” La heterodoxia estilística es el mantra del diseño local. Cruzando el LA River, en un conjunto de bodegas industriales convertido en espacio para talleres, estudios y oficinas, se encuentra Block Shop, un estudio de diseño textil fundado por las hermanas Hopie y Lily Stockman. “La tensión entre el brillo y el grit genera una energía creativa que sentimos en cuanto llegamos, la dicotomía entre la informalidad y el ajetreo que sientes en L.A. Hay muchos diseñadores pequeños e independientes que en su mayoría se autofinancian y trabajan esparcidos por East L.A. Sin la presión del respaldo corporativo o el financiamiento institucional, existe una tremenda sensación de libertad creativa.” En Block Shop esa energía se contagia a través de sus vibrantes tejidos estampados; alfombras, tapices, cojines, manteles y bufandas con

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La casa siempre ha sido y sigue siendo el epicentro de la vida cultural (y del diseño) en Los Ángeles.

Casa Perfect es una galería de diseño en la antigua residencia de Elvis Presley en Trousdale Estates. Representan a diseñadores como Reinaldo Sanguino y Dimore.

contrastes de colores y patrones que podrían haber salido de una pintura de Sol LeWitt, de las abstracciones de Josef y Anni Albers, o los lúdicos experimentos visuales de Alexander Girard y los Eames. Su propio taller/estudio tiene algo del encanto doméstico, íntimo pero generoso, de la casa de Charles y Ray Eames en Pacific Palisades. “Nuestro showroom lo llamamos la sala familiar. Se siente como una habitación de casa, amueblado con el trabajo de esta vibrante y extremadamente solidaria familia de diseñadores a quienes amamos aquí en Los Ángeles.” Junto con el automóvil, la casa siempre ha sido y sigue siendo el epicentro de la vida cultural (y del diseño) en Los Ángeles. Durante la Guerra Fría, los americanos huyeron de la congestión física y espiritual de las ciudades, para refugiarse en su backyard. Los Ángeles es el paradigma de ese urbanismo centrado en la casa y el coche. Un puñado de casas muestra construidas con los materiales y la sensibilidad estética de la época capturaron perfectamente ese espíritu: las Case Study Houses. Varias de éstas se pueden visitar en tours privados que se agotan con meses de anticipación. La más importante de todas es la casa de los Eames, construida enteramente con materiales estándar, prefabricados y encargados por catálogo. Los Eames fueron gurús del Mid Century Modern californiano, productores de muebles e imágenes de idilios cotidianos, anfitriones obsesivos, artistas de lo doméstico como eje vital de su tiempo.

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Una banca diseñada por Jonathan Olivares. Foto: Zoe Ghertner. Anterior: Mesa de Rooms y lámpara de Jochen Holz, en Casa Perfect.

La obsesión por la casa todavía persiste en Los Ángeles y sigue siendo el foco de atención de la mayoría de los diseñadores. Todos en L.A. sueñan con la casa perfecta: piscina, jardín, espacio, luz y vistas. Unos cuantos logran acercarse a ello. Casa Perfect es mitad residencia privada mitad galería habitable. Fundada por David Alhadeff como offshoot de su galería de diseño neoyorquina, The Future Perfect, Casa Perfect se sitúa en el exclusivo complejo privado de Trousdale Estates y perteneció a Elvis Presley. “Yo ni sabía que Elvis había vivido aquí cuando la vi por primera

vez”. me cuenta David, sentados al lado de la alberca con unas vistas que dejarían sin aliento a cualquiera. “Tiene el sabor de vivir en L.A. que queríamos, eso fue lo que nos convenció.” Es una casa Hollywood Regency, estilo que surgió en Los Ángeles como reacción al purismo modernista, cuando las personas quisieron darle a su vida un toque extra de glamour. “Es un Frankenstein arquitectónico, con sus plafones artesonados y sus tragaluces oculares. Pero también es una arquitectura que conocemos todos, gracias al cine y la televisión. No es buena arquitectura como tal, pero es una

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forma muy cómoda y familiar de percibir el espacio, de pensar en la buena vida. El hecho de que haya pertenecido a un ícono es la cereza en el pastel. Mejor, imposible.” Pero la selección de objetos y mobiliario lo hacen todavía mejor. Sillas de resina epóxica que parecen figuras de globo de payaso recién infladas, mesas ultrabarrocas de cerámica coronadas por lámparas neón, muebles espejo que deforman y amplifican las vistas y la luz, armarios multicolor con escenas amazónicas esculpidas en latón, sillas de mimbre antropomorfas con trasero y extremidades que te abrazan cuando te sientas en ellas. Casa Perfect aloja un auténtico tesoro escondido de talento de diseño local. Muchos de los diseñadores que viven y trabajan en East L.A. venden aquí, en el West, donde está el dinero en serio. En lugares como Casa Perfect, algunos de los extremos de Los Ángeles se encuentran y generan un auténtico ensueño. Una casa en la luna. ¿Vale la pena viajar a Los Ángeles para ver diseño?, le pregunto a David. “L.A. es una ciudad difícil de entender o categorizar. Pero esa dificultad es parte de su atractivo. Si te interesa el diseño, y sólo estás de visita, no va a ser fácil. Aquí no tenemos la estructura de ciudades como Nueva York, donde es fácil encontrar lo que te interesa. En L.A. tienes que rascarle un poco más. Hay poco diseño contemporáneo en Los Ángeles accesible al público. Nosotros recibimos visitas, pero tienes que hacer cita, tienes que demostrar interés, hacer tu tarea.” Beachwood Canyon es una versión menos pretenciosa de la zona alta, con vistas igual de alucinantes, rodeada de las omnipresentes palmeras, pinos, encinos, jacarandas. “Los árboles son lo mejor. Julius Shulman decía que la razón por la que sus fotos se ven tan bien y la arquitectura en Los Ángeles se ve tan bien es por los árboles”, me cuenta Jonathan Olivares, uno de los diseñadores contemporáneos más prolíficos y menos engreídos no sólo de Los Ángeles, sino de cualquier parte. “La verdad no me llevo con diseñadores, no conozco a muJonathan Olivares en el balcón de su casa en Beachwood Canyon.

cha gente aquí, no me considero un diseñador californiano. Mi único amigo diseñador en Los Ángeles es Don Chadwick, y tiene 82 años.” Chadwick diseñó la famosa silla Aeron para Herman Miller y convenció a Jonathan de mudarse a L.A. “Para mí Los Ángeles siempre fue un lugar para ejercer diseño. Hay una base fuerte de manufactura, relacionada con la industria del entretenimiento. Es un buen sitio porque hay mucha producción, pero también por la actitud optimista, de que cualquier cosa es posible. Acá los productores son más abiertos, están dispuestos a probar cosas distintas, se puede pedir fuera de menú: quiero esto, pero me gustaría combinarlo con esto y probarlo con esta otra cosa.” Diseño de menú secreto, animal style. Quizás Olivares sea más diseñador californiano de lo que le gusta admitir. Para un libro reciente sacó todos sus muebles a un estacionamiento para fotografiarlos al aire libre, como hacía Charles Eames. Está diseñando una nueva línea de muebles de fibra de vidrio con un fabricante de tablas de surf. Pero sobre todo, es creyente y practicante del optimismo reluciente del diseño angelino. Olivares se declara fanático del skate, un negocio millonario, casi más grande que la industria mueblera en Los Ángeles. “Es una actitud espiritual, una comunidad de personas que tienen una postura sobre la adaptación, la interpretación, la inventiva y la diversión; con probar tus habilidades. Hay un término de patinetos que es NBD, Never Been Done, lo que nunca se ha hecho. Un amigo mío, que es skater profesional, dice que todo lo que hago es diseño NBD. Mi obsesión con el skate es como lo que Charles Eames veía en el circo. Eames amaba el circo por colorido, porque era arte. Pero también era ingeniería, y requería mucha práctica y dedicación. El skateboard es una industria que surgió de un grupo de chavos merodeando y patinando de manera ilegal, pero también tomándoselo muy en serio, trabajando y practicando. Obsesionados con el trabajo. Así soy yo como diseñador: es todo lo que hago y pienso todo el día. Mi ego vive de lo que estoy haciendo ahorita, de qué tan bueno es lo que estoy haciendo ahorita. Para mí eso es Los Ángeles.”

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Destino: diseño Pedimos a un grupo distinguido de escritores, editores y curadores de diseño que respondieran a la pregunta: ¿cuál sería un destino de diseño en Estados Unidos al que valdría la pena viajar para conocer? Entre viviendas modernistas, proyectos comunitarios, parques escultóricos y páramos desiertos, éstos son sus secretos y recomendaciones.


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No Contest, 1991 Cortesía de Noah Purifoy Foundation ©2019.

Mimi Zeiger Editora, escritora y curadora Vayan al desierto de Mojave. En su libro America, Jean Baudrillard lo describe como un “choque profundo”. En Scenes in America Deserta, Reyner Banham se refiere al Mojave como “un paisaje en donde nada existe oficialmente y cualquier cosa se puede pensar, y consecuentemente puede suceder”. Palm Springs es ideal para deslumbrarse con Mid-Century Modern, pero el alto Mojave, cerca de Joshua Tree National Park, es puro cielo, rocas y vegetación extraña. Poco a poco se ha ido gentrificando: los precios de las casas suben, las tiendas venden piezas de cerámica de artistas que exponen en Los Ángeles (aquí tienen estudios artistas de la talla de Andrea Zittel y Ed Ruscha) y hay al menos un buen lugar para tomar café. Sin embargo, la vasta aridez del paisaje minimiza estos cambios. Las fachadas de ta-

blilla de Pioneertown se construyeron originalmente como un set de película y conservan ese cliché del Viejo Oeste hollywoodense. Los hipsters y new agers acuden a la cúpula blanca del Integratron para tomar “baños de sonido”, un tipo de meditación que busca el bienestar y la introspección auditiva. La estructura originalmente fue diseñada por un ingeniero de la fuerza aérea para comunicarse con extraterrestres. La arena sopla contra las esculturas imposibles del artista afroamericano Noah Purifoy, elaboradas con objetos diversos —respaldos de sillas, partes de aspiradoras y canaletas para lluvia— en The Noah Purifoy Desert Art Museum of Assemblage Art. Si conoces al amigo de un amigo, también puedes dar con piezas de Arata Isozaki en un camino de terracería. El sol, el tiempo y el clima lo envuelven todo.

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California Scenario, 1980-1982. Siguiente: Maqueta ©The Isamu Noguchi Foundation and Garden Museum, New York / ARS.

Jonathan Olivares Diseñador y editor California Scenario es un jardín escultórico público diseñado por Isamu Noguchi en 1982. Está situado en medio de un paisaje genérico de concreto y vidrio, muy común en el sur de California: un centro comercial y de negocios. Al igual que los sorprendentes restaurantes de sushi que existen en las plazas comerciales ordinarias de esta parte del mundo, California Scenario despierta los sentidos. De manera inteligente, Noguchi delimitó el espacio del jardín con muros que bloquean la vista hacia los estacionamientos y edificios de oficinas que lo rodean. De esta forma, los visitantes pueden enfocar su atención en los cactus y árboles endémicos, rocas, esculturas, fuentes, bancas y la composición y disposición de todos estos elementos. En la película A Sense of Place, de Michael Rich, la cual describe la construcción de California Scenario, Noguchi afirma: “El proceso de descubrimiento, lo que se podría considerar el despertar, la conciencia o incluso la iluminación, siempre da pie a otra cosa. Todo lo que sabes es que no sabes. La experiencia es meramente hacerse un poco de valor. No existe un hombre sabio, sino un largo camino para convertirse en uno”. Puedo confirmar que el proceso que Noguchi describe se traduce en la experiencia del visitante. Me gusta ir a California Scenario en momentos difíciles, para estar sólo y pensar, para saber que no sé.


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Zoë Ryan Curadora de arquitectura y diseño de The Art Institute of Chicago Soy afortunada porque vivo en Chicago y no tengo que alejarme mucho para disfrutar de la buena arquitectura y el buen diseño. De hecho, una excursión a los suburbios de Chicago es la manera ideal de dar con algunos de los hallazgos más interesantes e inesperados. Este es el caso de la Ford House, uno de mis edificios favoritos, diseñado por Bruce Goff entre 1947 y 1949. Goff fue un arquitecto inventivo, muy idiosincrásico, que actualmente estamos investigando para una futura exposición en el Art Institute. Inspirados en Frank Lloyd Wright y Louis Sullivan, sus diseños se caracterizan por ser igual de experimentales en términos de forma y materialidad. Cuando se le pidió una casa para el director de una escuela de artes en la pequeña ciudad de Aurora, Illinois, Goff diseñó una estructura de acero inspirada en las Quonset huts, una tipología de barraca de la marina de Estados Unidos del periodo la Segunda Guerra Mundial. Las formas semicirculares de la estructura le dieron rienda para el juego espacial. Además, reutilizó materiales comunes de la época (como cuerdas y partes de aviones) para hacer de la Ford House una especie de fantasía de la posguerra, muy alejada de las típicas casas estilo rancho que se construían en los suburbios de Chicago. Algunos bocetos del diseño y una película sobre el proyecto se exhiben actualmente en las galerías de arquitectura y diseño del museo.


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Van Sickle Ford Home 1951.


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Freeway Park. Cortesía de Seattle Parks & Recreation. Siguiente: Paley Park.

Rudy Weissenberg y Rodman Primack Fundadores AGO Projects Para nosotros, dos santuarios en medio del caos de la vida urbana son el Paley Park, en el corazón de Nueva York, y el Freeway Park, en Seattle. Ambos espacios públicos funcionan como agentes de congregación positiva: destellos elegantes e inesperados, diseñados y planeados para sorprender e inspirar, que brindan momentos contemplativos y nos ayudan a recargar las energías. En 1967, William Paley donó y supervisó la construcción de un parque en la calle 53 —entre Madison y la 5ª Avenida— que se volvió un referente instantáneo para los “espacios públicos de propiedad privada”. Es un ejercicio pequeño, diseñado por Zion & Breen, como un memorial para el padre del Sr. Paley.

Con sus paredes verdes cubiertas de hiedra, una cascada sonora que enmarca el espacio y árboles de copas amplias, el espacio es un oasis modernista en una arboleda. Freeway Park, en cambio, es un enorme parque brutalista diseñado por el famoso arquitecto paisajista Lawrence Halprin, que abrió al público en 1976: una mezcla de concreto con vegetación y agua que abarca una superficie de 21 000 m2. Lo interesante es que se construye como un puente, una manera más consciente y estética para cruzar un enorme autopista —añadiendo espacios contemplativos y emblemáticos. Ambos parques son ejemplo de cómo el buen diseño puede cambiar nuestra experiencia y calidad de vida.


Destinos de diseĂąo


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José Esparza Director de Storefront for Art and Architecture Mi destino de diseño sería el New York Panorama, comisionado por Robert Moses para la Feria Mundial de Nueva York de 1964, que se encuentra en el Queens Museum of Art ( qma ). El mismo museo fue originalmente el pabellón de Estados Unidos en las ferias de 1939 y 1964, así como la sede temporal de la onu mientras se construía su nuevo edificio. El qma se encuentra dentro de Flushing Meadows, también planeado por el controversial Moses. Además, Flushing tiene una de las poblaciones de inmigrantes más grandes y encuentras comida increíble ahí. (También está el pabellón de NY de Philip Johnson, el Unisphere y un domo de Bucky Fuller dentro del parque).


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New York Panorama CortesĂ­a de Queens Museum.


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Miller House Cortesía de Dung Ngo.

Dung Ngo Editor de la revista August Cuando hablamos de las casas paradigmáticas del Mid-Century Modern, la versión americana del modernismo, las dos costas son las que se llevan toda la atención. Pensemos en las glamurosas Case Study Houses en el sur de California o los rigurosos pabellones en New Canaan, Connecticut. Pero para mí, la mejor obra residencial del país está en el “prescindible” Medio Oeste. La Miller House, diseñada por el arquitecto estadounidense de origen finlandés Eero Saarinen, se ubica en la pequeña ciudad de Columbus, Indiana. Con una población aproximada de 50 000 habitantes, Columbus tiene más premios Pritzker por kilómetro cuadrado que cualquier otro lugar en el mundo. La ciudad cuenta con una biblioteca diseñada por I.M. Pei, una escuela primaria de Richard Meier y varios edificios de oficinas de Kevin Roche, por mencionar sólo algunos ejemplos. Columbus puede agradecerle a J. Irwin Miller, presidente de la compañía local Cummins Engines, por ser patrono de estos grandes proyectos de arquitectura pública. Sin embargo, el Sr. Miller guardó la mejor parte para él mismo: una casa diseñada en 1957 por su querido amigo Eero Saarinen, en su mejor momento creativo y productivo. Construida con vigas de acero en forma de X, pintadas de blanco, la Miller House moderniza la geometría palladiana clásica con los materiales del siglo xx. El espacio más famoso de la casa es el “pozo de conservación”, un invento de Saarinen y de Alexander Girard, quien estuvo a cargo del colorido y alegre diseño de interiores. Si sumamos el paisajismo riguroso y sereno de Dan Kiley, tenemos aquí el mejor ejemplo de gesamtkunstwerk del modernismo estadounidense.

Para agendar una visita a la Miller House: columbus.in.us/miller-house-and-garden-tour


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Butterfly House Cortesía de Tim Hursley.

Jennifer Dunlop Fletcher Curadora de arquitectura y diseño del SFMOMA Una de las mejores maneras para entender cómo la arquitectura puede transformar a una comunidad es una visita a los proyectos de Rural Studio en Hale County, Alabama. Crecí muy cerca de ahí —en una de las regiones más pobres de Estados Unidos—, en los alrededores de la Universidad de Auburn, donde los arquitectos Samuel Mockbee y D.K. Ruth lanzaron este programa en 1993. El modelo educativo de Rural Studio enseña a los estudiantes de arquitectura a entender las necesidades del cliente, sumergirse en la comunidad y aprender a diseñar y construir con recursos limitados. Con más de 200 proyectos completados, es muy inspirador ser testigo de un gesto creativo tan poderoso en colaboración con los habitantes, quienes encuentran en Rural Studio un profundo sentido de empoderamiento después de sentirse olvidados por aquellos en el poder. Aquí las visitas de paso y sin detenerse carecen de sentido. Los proyectos de Rural Studio son una oportunidad para involucrarse con las comunidades, con los sentidos y con el corazón.


Cortesía de George Nakashima Woodworkers SA, Ltd. New Hope, PA.

Aric Chen Director curatorial de Design Miami Ubicado a una hora y media de Nueva York (en coche), el complejo George Nakashima Woodworker es una propiedad de casi cinco hectáreas donde se encontraba la casa estudio del maestro artesano, artista y ebanista. Vale la pena visitarla no sólo por las 21 edificaciones diseñadas por Nakashima, sino también porque ahí opera el taller de carpintería donde su hija Mira aún mantiene vivo el legado de su padre, elaborando piezas de mobiliario madera de formas libres y orgánicas. El paisaje es hermoso, los edificios sublimes y la oportunidad de aprender cómo se crea cada pieza es una experiencia única. También hay que visitar la sala de lectura Nakashima, instalada permanentemente en el Michener Art Museum, en la ciudad vecina de New Hope.

Para consultar horarios de apertura: nakashimawoodworkers.com


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Pyramid House Cortesía de Michael Heeney.

Monica Khemsurov Cofundadora de Sight Unseen Existen dos conjuntos de vivienda increíbles en Estados Unidos que me encantaría visitar si tuviera oportunidad (lo cual es complicado, porque la mayoría son privadas): Earthships, en Taos, y las casas de Prickly Mountain, en Vermont. Earthships —una iniciativa pionera del arquitecto Michael Reynolds en la década de 1970— es un complejo de casas fantásticas y caprichosas, casi estilo Gaudí, construidas con material de desecho. Las casas de Prickly Mountain, a su vez, son construcciones inventivas, de geometrías muy elaboradas, diseñadas por un grupo de arquitectos graduados de la Universidad de Yale, más o menos en la misma época. Me encanta el modernismo clásico, como a todos, pero cuando las cosas comienzan a ponerse extrañas es cuando se vuelven especialmente interesantes para mí. Hace poco me enteré de que una de estas casas, la Tack House, cuenta con un departamento que se puede rentar en Airbnb —así que, ¡a planear un viaje!


Prototipo americano Detroit es una prueba piloto, un ejemplo de cómo el diseño puede resanar heridas del pasado, construir un presente más amable e imaginar un futuro mejor para sus habitantes. Por Bryan Boyer Traducción Annuska Angulo Fotos Corine Vermeulen


El trabajo de Matthew Angelo Harrison, uno de los artistas mĂĄs importantes de la ciudad, explora temas como el colonialismo en Ă frica. Anterior: parque Lafayette y murales de Diego Rivera en el Detroit Institute of Arts.

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Como sus propios habitantes suelen decir, si quieres saber cómo se ve el futuro, ven a Detroit. Pero sólo hasta que llegues descubrirás si se trata de una invitación o de una amenaza. Algunas ciudades te seducen con sus rascacielos, otras te enganchan con su belleza natural, otras te inspiran con su oferta cultural. Detroit tiene todas esas cosas, pero Detroit no se trata de ti, se trata de Detroit. Cuando vengas, te encontrarás con una ciudad orgullosa de ser lo que es hoy por hoy, al mismo tiempo que trabaja sin descanso para dirigirse hacia lo que sea que le depare el futuro. No es un lugar para consumir perezosamente: es un lugar que te transforma. Sea lo que sea que termines haciendo aquí, como residente o visitante, dice más de ti que de Detroit. El devenir ha sido parte del espíritu de este lugar desde antes de que se llamara Detroit. Los anishinaabe utilizaban la orilla del río para cazar y recolectar alimentos. Los colonos franceses se asentaron aquí a principios del siglo xviii por su ubicación estratégica para el comercio de pieles, en el medio de los Grandes Lagos. Dos siglos más tarde, como epicentro de la industria, Detroit fue un ejemplo para otras ciudades. Como hogar de la clase media afroamericana, fue un modelo que trajo esperanza a millones de personas. Y como símbolo del colapso económico, se convirtió en una advertencia, el punto más bajo de la escala con la que se midieron todas las otras urbes. Y ahora Detroit es un prototipo. Pensar en Detroit como un prototipo es adoptar el término de Matthew Angelo Harrison, uno de los artistas locales contemporáneos más importantes. Su trabajo explora temas de colonialismo en África, a menudo usando figuras de artesanía o huesos de animales que disecciona con mucho cuidado para después moldearlos y transformarlos en esculturas minimalistas sorprendentes. Harrison utiliza el término “prototipo” para describir el “estado intermedio” de objetos que pueden ser “tanto una realidad como una posibilidad”, es decir, que son al mismo tiempo un objeto real en el mundo y una indicación de lo que el mundo puede llegar a ser en el futuro. Como prototipo, la realidad de Detroit es la posibilidad.

Sea lo que sea que termines haciendo aquí, como residente o visitante, dice más de ti que de Detroit.

Aunque el colapso financiero le costó un ojo de la cara a Detroit, el otro lado de esta catástrofe fue la oportunidad de imaginar una nueva realidad donde prevalece la comunidad creativa —en una ciudad que previamente había sido impulsada por la industria. En su momento álgido, aquí vivían más de dos millones de personas. Eventualmente dos tercios se marcharon, algunos a los suburbios cercanos, otros más lejos, en busca de mejores trabajos y una vida más fácil. Los políticos hablan de repoblar Detroit, de hacerla crecer de nuevo, pero los creadores haciendo el trabajo de campo nos demuestran una mejor idea. Una analogía sencilla: la mejor parte de la fiesta siempre es en la cocina, ¿verdad? Eso sucede porque es más sencillo que una habitación pequeña se sienta a reventar. La vibra de una buena fiesta depende más de la densidad que del número de personas. Si la sensación es que la fiesta está a tope, todo está bien; si no, todos se rajan. Así que mientras los políticos tratan de llenar la ciudad de cuerpos, la gente que está construyendo sobre el terreno se enfoca en crear nudos de densidad en los tejidos urbanos donde ya hay actividad y vida, aunque otras zonas sean más bucólicas. El Eastern Market es un buen ejemplo de esto. Hace honor a su nombre, porque se encuentra justo al oriente del centro de la ciudad. Aquí se procesan, producen y venden alimentos, y hay un mercado de productores todos los sábados que ha operado de una for-

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Como parte del proyecto “Murals in the Market”, muchas de las paredes de Eastern Market han sido intervenidas por artistas locales. Siguiente: Dequindre Cut.

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ma u otra desde hace casi 200 años. La zona está atravesando un periodo de cambio en estos momentos, con gran temor de la palabra innombrable: gentrificación. Si caminas por el mercado temprano por las mañanas, tal vez veas (o por lo menos, huelas) el ganado que traen aquí para sacrificar, o la prodigiosa cosecha de productos frescos de Míchigan que se descarga y distribuye en los distintos puntos de la ciudad. Muchas de las paredes del mercado están decoradas con murales de artistas locales y del mundo como parte del proyecto “Murals in the Market”. Gracias a la presencia del College for Creative Studies y la Cranbrook Academy of Art (a las afueras de Detroit), la ciudad tiene una población considerable de artistas y artesanos, algunos de los cuales han pintado estos murales. De hecho, hay tantos artistas que no todos pueden dedicarse a ello de tiempo completo. Pero esa energía creativa

tiene que canalizarse de algún modo, y por eso en Detroit todo el mundo tiene un proyecto “aparte” en el que están trabajando, ya sea un mural o lo que sea. Ya sabes: el mesero que es artista conceptual, el abogado dueño de un gimnasio o el arquitecto que escribe para revistas de viaje mexicanas. Detroit es la ciudad de las chambitas “aparte”. En estos momentos el espacio del mercado está empezando a expandirse también. En Division St. se encuentra un tosco edificio de ladrillo que hasta hace poco era un cascarón vacío, en desuso y olvidado. Hoy es el hogar de Floyd, una compañía de muebles que empezó como campaña de Kickstarter en 2014 y ahora vende mesas, camas y sofás (muy bonitos) que armas tú mismo. Floyd es la respuesta de Detroit a Ikea. Menos extravagante de lo que imaginabas y más durable de lo que sospechabas. En Detroit, hasta los edificios tienen chambitas aparte: resguardado entre las dos alas

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El año pasado, Ford Motor Company compró Michigan Central Station (la antigua estación de trenes de la ciudad) con la intención de remodelarla y convertirla en un centro de investigación tecnológica de la compañía.

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Ochre Bakery, un pequeĂąo restaurante ubicado en el barrio de Core City, sirve platillos dulces y salados elaborados con ingredientes locales.


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de las oficinas de Floyd está el café Anthology, de Joshua y Annie Longsdorf. Aunado a lo que hacen, también tuestan y sirven sus propios granos, y han diseñado sus empaques para el café y los interiores del local. Y si te pones a platicar con los clientes, te das cuenta de que algunas personas en Detroit tienen tantos “apartes” que son más bien polígonos. Floyd y Anthology son un soplo de aire fresco en un antiguo almacén de carne. Aunque no tengan ninguna conexión como negocios, juntos crean un primer intento de densificación que ayuda a que empiece la fiesta. El mismo espíritu de muégano continúa en el centro. Roslyn Karamoko creó la marca de ropa Détroit is the New Black en 2013, un negocio que empezó en la sala de su casa y evolucionó hasta convertirse en una boutique, donde no sólo vende sus diseños, sino también una selección curada de otras marcas, algunas tan experimentales que toda su línea se limita a unas pocas piezas. Lo que comenzó como un “trabajo aparte” se ha convertido en uno de los nuevos negocios más exitosos de Detroit. La tienda se encuentra en la avenida Woodward, la arteria principal de la ciudad y la primera autopista pavimentada en América (prototipo por derecho propio, es también ejemplo de cuando la posibilidad abruma a la realidad). En Detroit, como en la mayoría de las metrópolis, sobran las autopistas. Las calles más interesantes de Detroit no son las avenidas, sino los callejones. Durante el auge industrial de la ciudad, estos callejones se utilizaban para dar servicio a los edificios (meter suministros, sacar basura), y como esa época coincidió con la Prohibición en América, es probable que también fluyera por ahí una cantidad nada desdeñable de alcohol ilícito. Estos callejones estaban prácticamente abandonados hasta que Library Street Collective, una galería local de arte urbano, decidió renunciar a la calle perfecta hacia la cual mira su galería y abrir un bar en el callejón detrás de su espacio. Ese pequeño bar se convirtió en dos bares, y después en dos bares más un club subterráneo, y algo de arte público. Ahora la zona se conoce como The Belt


98

Después de la crisis, dos tercios de la población de Detroit se marcharon, algunos a los suburbios cercanos, otros más lejos. (el cinturón), bautizada así porque al igual que un cinturón mantiene la ropa en su lugar, esta calle mantiene la vitalidad y el espíritu de comunidad durante las concurridas tardes. Los fines de semana The Belt es una de las zonas al aire libre con más densidad, aunque a una o dos cuadras esté totalmente desierto. Como en un buen reventón, no es el número de personas lo que cuenta, sino la concentración. Las megaciudades tienen que hacer malabarismos para controlar la densidad y que los habitantes puedan escapar y no sentirse aplastados, pero las pequeñas ciudades, como Detroit, hacen todo lo contrario. Nosotros tenemos que fabricar la sensación de que sí hay gente, y esto genera situaciones inesperadas como The Belt. A pocos minutos en coche desde el centro está Core City Park, un espacio público al aire libre desarrollado por la iniciativa privada de Philip Kafka, un promotor y habitante de Detroit (ambas cosas de medio tiempo), que llegó hace unos años de Nueva York, donde había operado una compañía de espectaculares. ¿Qué les decía de las chambitas aparte? Si te fijas bien en el diseño de Core City Park, es una metáfora de la misma Detroit: una mezcla de materiales reciclados, cada uno testimonio de su pasado, partes de casas, negocios y muchas otras cosas valiosas, y al mismo tiempo un símbolo de las posibilidades de la recuperación. Estos pedazos de concreto, tiras de asfalto, ladrillos sueltos y piedras talladas también son un recordatorio de que cualquier futuro se construye sobre un pasado. Los edificios que rodean Core City Park son una extensión de esta metáfora. Dentro de lo que

fueron una bodega, un taller de reparación de radiadores y una tienda de electrodomésticos al por mayor, hoy hay oficinas, un estudio de joyería y algunos de los restaurantes y cafés más interesantes de la ciudad. Actualmente, se están construyendo allí viviendas y comercios que pondrán más carnita en este nuevo desarrollo. En pocos años, Core City Park será un espacio abierto en el centro de un anillo relativamente denso de estructuras experimentales de varios tipos, arropado por los barrios arbolados de Woodbridge y el epónimo Core City, ambos residenciales. Un par de kilómetros adelante, siguiendo el West Grand River, se encuentra el MBAD African Bead Museum. Aunque éste no es un museo-museo, como el Detroit Institute of Arts (dia ), es igualmente vital. Instituciones del siglo xx como el dia son solemnes y se preocupan de la impresión que dan hacia el exterior. Un espacio como el MBAD se nutre no sólo de la primera impresión, sino de la produc-

Detroit


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Izquierda: Worldwide Fellowship Church, Poletown. Arriba: Detroit Epitaph por Anthony Gross. Abajo: Checo y su Impala customizado, Southwest Detroit.

Detroit


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La marca de ropa Détroit is the New Black se ha convertido en uno de los nuevos negocios más exitosos de la ciudad. Arriba: Floyd, una compañía de muebles que comenzó como campaña de Kickstarter.

Detroit


ción y continuación de la cultura de persona a persona. El “museo” y su tienda son una y la misma cosa, todo está a la venta, y todo viene con una buena dosis de conversación e historias incluidas —un hilo metafórico que conecta las cuentas (beads) con su origen en otro continente—. En el dia podrás admirar las obras maestras de Diego Rivera, sus murales industriales, en un patio interior al fondo del museo, pero Olayami Dabls, el propietario de MBAD, ubicó sus murales magistrales en el exterior de los modestos edificios que forman el pequeño campus de su museo. En una urbe tan extensa, imposible de experimentar a pie, te conviene que tu edificio sea imposible de pasar desapercibido desde el coche. El uso

extensivo de los murales es una buena manera de disipar la atención del triste saldo que han tenido que pagar estos edificios después de años de falta de mantenimiento. MBAD ha logrado recaudar fondos y está empezando a reparar sus estructuras, pero esto es muy reciente. Los años duros aquí fueron muy complicados, como en gran parte de Detroit. Las dificultades que sufrió Detroit, y que de alguna forma sigue experimentando, aquí se agudizan. Los habitantes tienen que luchar por derechos fundamentales, como escuelas, seguridad pública y agua potable (la ciudad cercana de Flint sufrió en 2014 una falla catastrófica en la infraestructura hidráulica debido a la negligencia de la administración). Detroit ha tenido que batallar durante mucho tiempo con presupuestos públicos cada vez más limitados (y episodios de corrupción); pero lo que falta en servicios públicos, sobra en sentido comunitario. Rosa Parks se vino a vivir aquí después de ayudar a iniciar el movimiento por los derechos civiles. Martin Luther King ensayó aquí su discurso “I have a dream” ante un público de más de 125 000 personas. Líderes sindicales como Grace Lee Boggs o el sindicato de trabajadores del automóvil utilizaron a Detroit como plataforma para hablar de los derechos de los trabajadores de todo el mundo. Detroit es una ciudad de asociaciones vecinales, de gente cuidándose mutuamente, de iglesias y centros comunitarios. Puedes visitar Detroit, pero hasta que no conoces a la gente, no has llegado aún, así que sonríe y saluda cuando te cruces con un extraño en la calle. Lafayette Park es un buen lugar para probar este experimento. Los vecinos están acostumbrados a ver extraños porque aquí se encuentra un gran conjunto de edificios del famoso arquitecto alemán Ludwig Mies van der Rohe. Conocido por sus muebles de lujo y sus exquisitas villas privadas, Mies van der Rohe diseñó los edificios y rascacielos de Lafayette Park como viviendas de clase media. El conjunto se extiende alrededor de un espacio compartido lleno de árboles, donde niños “de libre pastoreo” juegan en los jardines sin sus padres rondando cerca, algo inusual en la América del siglo xxi, y una clara señal del sentido de comunidad que se palpa aquí nada más paseando como visitante.

Detroit


Floyd, en Division St. Enfrente: Little Tony y sus padres, Southwest Detroit. Siguiente: Transmat Records, sello discogrĂĄfico fundado por el mĂşsico Derrick May.

102

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104

Detroit


105

Ludwig Mies van der Rohe diseñó los edificios de Lafayette Park como viviendas de clase media. Poco después de que fuera construido, a finales de 1950 y principios de 1960, se convirtió en un modelo de vivienda cooperativa, lo cual es una situación muy rara en América (y por eso muy importante). Mientras que la mayoría de los habitantes agonizaban para sobrevivir el colapso financiero, y ahí están sus cicatrices para demostrarlo, la naturaleza colectiva de Lafayette Park ayudó a que siguiera prosperando como paisaje, como ejemplo de arquitectura prístina y como una comunidad de vecinos llena de energía. Este lugar es también un prototipo. El modelo de cooperativa no es para todo el mundo, pero a los que viven aquí les une la idea de compartir posibilidades. Las cooperativas representan una forma de pensar la vivienda distinta al modelo comercial que predomina en todas partes. Esto es importante en un momento en el que Detroit y casi todas las ciudades americanas tienen que batallar con el elevado costo de vida. Pero hay otra razón más profunda por la que es importante encontrar alternativas para crear tejido social: necesitamos comunidades integradas y diversas para lidiar con las complejidades de nuestro propio pasado. La realidad de Lafayette Park es que se levanta sobre un terreno que en su momento fue el corazón de la vida afroamericana en Detroit, antes de que un programa federal lo declarara un barrio marginal, procediera a arrasar con todo lo que había ahí y a sustituirlo por los edificios de Mies van der Rohe y una autopista. Ninguna cantidad de elogios Poco después de que fuera construido, Lafayette Park se convirtió en un modelo de vivienda cooperativa.

ni lugares comunes acerca de la significancia arquitectónica de esta zona de ingreso mixto y diversidad demográfica puede encubrir este hecho, que se encuentra literalmente en el piso bajo nuestros pies. Las casas se pueden quedar sin muebles, los barrios sin habitantes, pero las historias se quedan para siempre en el lugar. De la misma forma, aunque los edificios y los espacios públicos se han preservado y eventualmente se vuelven a habitar de (esperemos) nuevas maneras, los artistas y activistas de Detroit excavan el pasado para proteger las muchas historias que componen la ciudad, para que las lecciones del pasado ayuden a dar forma al futuro. En Lafayette Park y en cada esquina, una de las cosas que hacen tan especial a Detroit es que todo el tiempo escuchas estas historias sin edulcorar. Puede que termines analizando el racismo de la vigilancia policiaca mientras esperas en la fila a que salgan tus costillas asadas; tal vez oigas hablar de las políticas de exclusión en viviendas mientras paseas junto al río. Algunas historias tal vez no sean agradables o incluso te hagan sentir vergüenza, pero vas a ser una mejor persona si las escuchas, y me atrevo a sugerir que todos seremos mejores seres humanos si decides unirte a la conversación. Una advertencia: si quieres molestar a la gente de aquí, pregúntales si Detroit “está de regreso”. Una partida de cartas se colapsa cuando la gente se retira, pero una ciudad no funciona así. Detroit con menos personas sigue siendo Detroit. Puede que sea la ciudad más grande de América en declararse en bancarrota, pero también es una capital asentada en el mero centro del 20% de todas las reservas de agua dulce del planeta. Es el lugar que dio el automóvil al mundo y también la cadena de producción fordiana. Es el hogar del Motown y el tecno americano (seguramente cuando vengas escuches ambos tipos de música como banda sonora). Detroit es todos estos lugares al mismo tiempo: una comunidad extraordinaria de gente tenaz, un prototipo de la ciudad americana y una prueba decisiva que separa a los optimistas de los turistas.

Detroit


107 Atelier

Atelier OBJETOS, MODA, TECNOLOGÍA, BELLEZA E HISTORIAS DE MARCA

Los objetos que compramos durante un viaje suelen convertirse en preciadas posesiones. Con esto en mente, hicimos una selección de tiendas cuyos productos reflejan el espíritu creativo de algunas de nuestras ciudades estadounidenses favoritas.

A la hora de comprar recuerdos, los artículos de papelería no suelen ser la primera opción. Hightide Store hace que reconsideremos esto con objetos tan simples como coloridos. Escogimos estas lapiceras y sobres de plástico, perfectos para mantener todo en orden. hightidestoredtla.shop

Souvenirs


108 Atelier Los Ángeles

Poketo Ted Vadakan y Angie Myung fundaron Poketo en 2003, y gracias a sus colaboraciones con artistas, la marca rápidamente se convirtió en un referente de estilo de vida y estética. Además, este año lanzaron su primer libro: Creative Spaces, un homenaje a los mejores interiores inventivos en Estados Unidos. Sus cuatro tiendas (todas en L.A.) ofrecen talleres que sirven como punto de reunión para la comunidad creativa de sus barrios. La que está en ROW DTLA es ideal para hacerse de algún artículo de papelería impecable como estos calendarios.

FOTOS: CORTESÍA POKETO.

poketo.com


109 Atelier San Francisco

Heath Ceramics Lo que inició como una pequeña fábrica de cerámica —fundada en 1948 por Edith y Brian Health— ha crecido hasta convertirse en un referente de calidad y diseño californiano. La compañía fue adquirida por Robin y Cathy Petravic en 2003, y desde entonces ha colaborado con artistas y diseñadores jóvenes. Su showroom se ubica en Mission District y alberga la fábrica, un colectivo de estudios de diseño y una tienda con revistas y botanas. También es el sitio perfecto para encontrar una taza, una vajilla o un florero para traer a casa. FOTOS: CORTESÍA HEATH CERAMICS.

heathceramics.com


110 Atelier Chicago

Martha Mae Algunas veces los objetos más útiles y las herramientas que más utilizamos son a las que menos atención les prestamos. Martha Mae: Art Supplies & Beautiful Things busca remediar esto. La tienda es un espacio lleno de objetos simples, hermosos y prácticos —de todas partes del mundo— en el barrio de Andersonville. También cuenta con productos diseñados por talentos locales, como esta serie de cucharas y bowls de latón y cerámica elaborados por el artista local Aron Fischer de Facture Goods.

FOTOS: CORTESÍA MARTHA MAE.

marthamae.info


112 Atelier Los Ángeles

Tortoise General Store Una “tienda general” es un establecimiento que ofrece todo lo que se puede necesitar en la vida diaria, desde artículos para cocina hasta zapatos. Después de un viaje a Hawai en 2007, Keiko y Taku Shinomoto se dieron cuenta de que este tipo de negocios no existían en Los Ángeles. A medio camino entre Venice Beach y Culver City, Tortoise General Store ofrece un sentimiento de comunidad y una selección de objetos esenciales de inspiración japonesa. Escogimos un set de recipientes de tortoiselife.com

FOTOS: CORTESÍA TORTOISE GENERAL STORE.

cobre, ideales para guardar todo.


T R AV E S Í A S T EL E URB AN

TELE URBAN celebra a México

El principal medio de comunicación con el usuario del transporte público premia el talento mexicano.

El pasado 26 de

Durante el evento, la

septiembre, la empresa llevó

Fundación Teletón dio un

a cabo la séptima edición

reconocimiento a TELE URBAN

de la entrega de premios y

por el apoyo brindado a la

reconocimientos “Mexicanos

difusión de sus mensajes ante

Brillando por México”. Los

la presencia de autoridades del

galardonados fueron Iker

gobierno federal, gobierno de

Alonso Hernández, campeón

la Ciudad de México, gobiernos

No todos los viajes significan

mundial de cálculo mental;

estatales, presidentes y directivos

salir de la ciudad y mucho

Lorena Dromundo, campeona

de la iniciativa privada, así como de

menos del país. Durante 19

nacional y panamericana

celebridades del ámbito deportivo,

años, TELE URBAN ha sido el

de downhill; y, por último,

artístico y social.

principal canal de comunicación

Adriana Kupijy Vargas,

que acompaña a los usuarios

promotora de bibliotecas

100% mexicana— es el canal digital

del transporte público durante

comunitarias en la sierra Mixe

móvil más grande de América,

los trayectos diarios en

en Oaxaca. Los testimonios

que genera más de 47 millones

distintas ciudades del país, con

de estos personajes son

de impactos mensuales en una

monitores de alta resolución

difundidos diariamente en

red de transportes que abarca

y bocinas de gran fidelidad

las pantallas de TELE URBAN

el Estado de México, Ciudad de

que se encuentran dentro de

con el propósito de inspirar

México, Puebla, Guadalajara y

autobuses y trenes urbanos.

conciencia y superación.

Cancún.

TELE URBAN —una empresa

P a r a m á s info r m a ci ó n , v isi t a t e l e ur b a n . t v


114 Atelier Por Diego Parás

La perla de San Antonio Al norte de San Antonio, en lo que de 1883

quien dejó la compañía a su esposa Emma

a 2001 fue el hogar de la J.B. Belohradsky

Koehler al fallecer en 1914. El astuto

—la cervecería texana más importante

liderazgo de Emma llevó a la cervecería

del siglo xix—, se encuentra Pearl, uno de

a sobrevivir la época de la Prohibición

los atractivos culinarios y culturales de la

en Estados Unidos, tiempo en el que fue

ciudad. Un proyecto que reúne tiendas,

reorganizada como Alamo Industries y

restaurantes, espacios verdes y un anfiteatro

Alamo Foods Company, que fabricaban

junto al río; todo en un mismo lugar.

la cerveza The Pearl, agua mineral,

San Antonio, la compañía cervecera

productos lácteos y hielo. Tras la muerte de Emma, en 1933, Otto

fue adquirida en 1883 por un grupo de

A. Koehler —sobrino de Otto y Emma— fue

inversionistas de la San Antonio Brewing

electo presidente de la compañía, cargo

Association, entre ellos Otto Koehler,

que sostuvo hasta su muerte en 1969. Al

FOTOS: CORTESÍA HOTEL EMMA.

Construida en 1881 a orillas del río


115 Atelier

año siguiente, la cervecería se fusionó con

Antonio, el Pearl Farmers Market y más de

que con la mezcla de madera, hierro, pieles y

la Corporación Southdown, terminando 84

15 ofertas gastronómicas, entre las que

tabique expuesto logró un delicado equilibrio

años de historia familiar. Tiempo después,

destacan The Boiler House Texas Grill & Wine

entre el pasado y lo contemporáneo. Algunos

fue adquirida por Jax Beer Company y

Garden, ubicado en un edificio restaurado

espacios imperdibles son la alberca en la

luego por Pabst Brewing Company, dueños

de 1896. Pearl también es conocida por sus

azotea y la biblioteca de 3 700 ejemplares.

hasta su cierre definitivo en 2001. Un

tiendas, incluyendo The Sporting District,

año más tarde, Silver Ventures compró

The Twig Book Shop, The Tiny Finch y

haciendas, naves industriales y demás

la propiedad y comenzó una renovación

Adelante Boutique, por mencionar algunas.

edificios antiguos convertidos en proyectos

que lo transformaría en una vibrante aldea culinaria y cultural.

Otro de los protagonistas del complejo

Cada vez es más común ver fábricas,

culturales y gastronómicos regados por el

es el Hotel Emma, situado en lo que solía ser

mundo. Quienes han visitado más de uno

el Brewhouse, edificio que data de 1894. La

saben que cada proyecto tiene su propia

menos de nueve hectáreas— es el hogar

propiedad de 146 habitaciones y siete suites

personalidad, y la de Pearl, sin duda, vale la

del Instituto Culinario de América, San

fue diseñada por la firma Roman and Williams,

pena ser experimentada.

Hoy en día, Pearl —que ocupa poco

Izquierda: Pearl es uno de los principales atractivos culturales y gastronómicos de la ciudad. Arriba y derecha: recibidor y bar del Hotel Emma.


116 Atelier Por María Pellicer

Jacques Piccard y Don Walsh saludan desde el batiscafo Trieste con el que bajaron a más de 10 916 metros.

Salvar juntos al planeta En 1953, sir Edmund Hillary y Tenzing Norgay

naturales para poner a prueba sus piezas

fueron los dos primeros hombres en llegar

de precisión, llevándolas a los extremos.

se celebran los Premios Rolex a la

a la cima del Everest, a 8 848 m s.n.m.

Mucho ha cambiado desde entonces, y ese

Iniciativa, un programa que reconoce a

En 1960, Jacques Piccard y Don Walsh

espíritu de exploración ha ido mutando,

quienes están trabajando por mejorar

fueron los primeros en bajar a la Fosa de

adaptándose a los retos con los que

el mundo, en áreas tan amplias como la

las Marianas, a más de 10 916 metros de

nos enfrentamos en el siglo

sociedad, la cultura y la naturaleza. Los

profundidad, en pleno océano Pacífico,

preservación del planeta se ha convertido

laureados son personas excepcionales,

a bordo del batiscafo Trieste. En ambas

en nuestro reto más importante.

como Francesco Sauro, geólogo de la

ocasiones, Rolex fue parte de la historia

xxi ,

donde la

Este 2019, celebrando el espíritu de

Desde 1976, cada dos años

Universidad de Boloña, que se dedica

acompañando a estos aventureros a llegar

Hans Wilsdorf, pero con la mira puesta

a estudiar las cuevas más remotas,

hasta los límites de nuestro planeta. Estas

en nuevos desafíos, Rolex ha lanzado la

llegando a lugares donde ni la luz ni el

alianzas no fueron casualidad: el fundador

campaña “Perpetual Planet” que busca dar a

sonido han entrado por millones de

de Rolex, Hans Wilsdorf, veía a nuestro

conocer las tres líneas de acción con las que

años. Sauro, por ejemplo, fue el primero

planeta como un laboratorio viviente

hombres y mujeres de distintos países están

en ingresar al sistema de cuarzos más

y a estos exploradores como aliados

enfrentándose a los retos de nuestro tiempo.

largo del mundo. Los galardonados


117 Atelier

están además en todas partes, desde Joseph Cook, que trabaja en Groenlandia tratando de entender la relación que existe entre los microorganismos y las capas de hielo, hasta Cristian Donoso, quien ha recorrido la Patagonia en su kayak para documentar esta región con la esperanza de transmitir el incalculable valor que tiene para la humanidad cuya labor es crucial para la continuidad de la vida en el planeta, o Maritza Morales, quien desde Mérida hace una importante labor educando a niños y jóvenes sobre conservación de flora y fauna de la península. Gracias a los premios se ha conseguido también apoyar esfuerzos de conservación en al menos 17 ecosistemas de enorme riqueza y valor ecológico, como la Reserva de la Biosfera Sierra Gorda, en Querétaro; FOTOS: ©THOMAS J. ABERCROMBIE/NATIONAL GEOGRAPHIC CREATIVE - ©ALESSIO ROMEO - ©MARIUSZ POTOCKI/NATIONAL GEOGRAPHIC - ©DAVID DOUBILET.

la Reserva de Desarrollo Sostenible de Mamirauá, en el Amazonas brasileño, o el Gran Chaco, al sur del continente americano, y un total de 23 especies en peligro de extinción se han visto beneficiadas por los esfuerzos de los laureados, desde un pequeño caballo de mar hasta el tiburón ballena, pasando por tigres, mantarrayas y, este año, uno de los más grandes peces de agua dulce. Entre todos estos diversos programas que apoya la relojera suiza, uno de los más emblemáticos es el de la bióloga marina Sylvia Earle, Testimonial de Rolex desde 1982 y pieza clave en la lucha por la preservación de los mares y océanos. Earle es la responsable de la creación de los “Hope Spots”, espacios que siguen el exitoso modelo de los famosos parques nacionales de Estados Unidos y que funcionan como santuarios para la vida marina. A partir de 2010, y a través de su iniciativa “Mission Blue”, Earle ha conseguido trabajar con comunidades y gobiernos replicando este modelo en varios países. Desde el 2014, y con el apoyo

Expedición al Everest. Arriba: las cuevas que explora Sauro en Sudamérica.


118 Atelier

Earle tiene más de 80 años y continúa trabajando y buceando para conservar los mares y oceános del planeta.

de Rolex, el número de “Hope Spots” ha

enfrentan los mares del planeta. Desde el

legado adaptándose a los desafíos que

aumentado de 50 a 132 con el objetivo de

2011, Rolex es aliado de esta organización.

enfrentamos hoy apoyando, promoviendo

conseguir que un 30% de los mares queden

En 2017, Rolex extendió también su

y difundiendo el trabajo de hombres

protegidos dentro de este modelo para el

colaboración con National Geographic

y mujeres que dedican su vida a la

año 2030.

Society para promover exploraciones

conservación del planeta y de quienes

que podrían ser claves para entender

habitamos en él.

Muchos otros exploradores han trabajado de la mano de la casa relojera. En

los cambios y desafíos que enfrentamos.

el 2010, “Deepsea Under the Pole by Rolex”

En abril de este año, un equipo de

se aventuró a fotografiar y grabar imágenes

investigación subió al Everest con la

submarinas en el Ártico, con un equipo que

finalidad de comprender cuáles están

recabó información sobre el estado de los

siendo los efectos de la crisis climática, y

polos. Ese mismo año se lanzó “The Monaco

así poder asegurar los recursos de agua

Blue Initiative”, un programa encabezado

para más de mil millones de personas que

por el príncipe Alberto de Mónaco, y que

habitan la región.

reúne cada año a un grupo de expertos para discutir los problemas y retos que

Bajo esos mismos valores que movían a Hans Wilsdorf, Rolex busca continuar ese

Más información sobre los proyectos y emprendedores que trabajan de la mano de Rolex en rolex.org #Perpetual


120 Atelier Por Javier Arredondo

El nuevo pase “Epic for Everyone” puede ser utilizado en cualquiera de las más de diez propiedades de Vail Resorts, repartidas en Estados Unidos y Canadá.

Cómo conquistar la montaña Cuando Robert Katz fue nombrado CEO

que permite esquiar de manera ilimitada

de Vail Resorts en 2006 dijo: “Tengo la

en los mejores destinos del mundo a un

intención de mantener mi enfoque en

precio nunca antes visto y que, por ende,

nuestro valor central de proporcionar

cambió el panorama de la industria del

a nuestros huéspedes experiencias de

esquí tanto para los viajeros como para

vacaciones inolvidables”. Haciendo eso,

los resorts.

él y su equipo han llevado las ganancias

El nuevo pase “Epic for Everyone”

netas del parque de 61.397 millones de

aumenta la flexibilidad y disminuye el

dólares, en 2007, a 379.898 millones, en

costo de esquiar y practicar snowboard,

2018, según los reportes anuales para

sin importar si es un día o todos los de la

accionistas que publica la empresa.

temporada en cualquiera de las más de diez

Una de las acciones más recientes

propiedades de Vail Resorts, en Estados

que han contribuido a dicho crecimiento

Unidos y Canadá. Esta clase de iniciativas,

es el lanzamiento del pase “Epic for

asegura el CEO, ayudan a la compañía a tener

Everyone”, el hermano joven del Epic

flujo de dinero incluso antes de que empiece

Pass, un pase sin precedentes que lanzó

la temporada, lo cual le permite tener mayor

Vail hace 11 años bajo la dirección de Katz,

liquidez a lo largo del año.


121 Atelier

Robert Katz inició su trayectoria en Vail Resorts en 1991 y fue nombrado CEO en 2006.

Y es que Vail —como resort y empresa—

de que cualquier proyecto nuevo de la

cartas fuertes. Epic Discovery, un parque

compañía va a tener los mismos estándares

de aventura en Vail, Colorado, es ejemplo

de calidad.

de ello. Con Adventure Pass, la versión

Apenas en julio, la empresa anunció

del Epic Pass pero en verano, el viajero

un movimiento que marcará la pauta de lo

tiene acceso ilimitado a tirolesas, rutas de

que está por venir: la adquisición de Peak

bicicleta de montaña, una montaña rusa y

Resorts, dueños de 17 áreas de esquí en

más de 15 actividades.

Estados Unidos. “Las áreas de esquí dentro

Katz inició su trayectoria en Vail Resorts

FOTOS: CORTESÍA VAIL.

uno de los más importantes para VR—

ha apostado por el verano como una de sus

de la cartera de Peak Resorts ejemplifican

en 1991, por lo que maneja los valores y la

el espíritu de nuestro deporte, así como la

esencia de la empresa de manera tal que los

misión de nuestra empresa de proporcionar

ha logrado comunicar y preservar, incluso

una experiencia única en la vida para los

cuando las condiciones y actividades

huéspedes”, dijo Katz en conferencia de

son completamente distintas. Ese mismo

prensa, un discurso que no dista mucho del

conocimiento es el que da confianza a los

que dio cuando lo presentaron como CEO

clientes —entre ellos el mercado mexicano,

hace 13 años.


122 Atelier Por María Pellicer

Conocer a los viajeros del futuro Hace unas semanas estuvimos en ILTM North America, una de las ferias de viajes de lujo más importantes del continente, donde agentes de viajes y proveedores de la industria se dan cita cada año para ponerse al día en tendencias y opciones para sus clientes. Ahí aprovechamos para platicar con Simon Mayle, su director, sobre su más reciente proyecto: Proud Experiences. “En la industria del turismo de lujo hablamos todo el tiempo de experiencias y personalización, pero creo que uno de los grandes problemas es que esto no llega al viajero

lgbtq .

Hay ciertos detalles que los

hacen sentir bienvenidos y cómodos en un destino o un hotel”, explica Simon Mayle, también a cargo de Proud Experiences, una feria de turismo que atiende a un sector muchas veces incomprendido. “No se trata de un evento para el mercado gay, sino de ayudar a los viajeros y a sus agentes a elegir los productos y destinos que entiendan sus necesidades. De hacer sentir a todos cómodos y garantizar experiencias a la medida”, agrega Mayle, quien asegura que Proud —celebrada en junio en Nueva York— es muy diferente al formato de otros eventos de ILTM. “Hay citas preagendadas como en otras ferias, pero la parte del contenido es mucho más grande. En la última edición tuvimos 28 speakers que Mayle comparte con nosotros una serie de estadísticas que dejan claro por qué se trata de un mercado en crecimiento: 8%

lgbtq

fuera un país, sería el tercero más

grande del planeta. Con una comunidad

lgbtq

en constante

de los baby boomers (nacidos entre 1946 y

evolución, Proud es una oportunidad única

frente a un

para acercarse y conocer las iniciativas que

1965) se identifican como

lgbtq

31% de centennials (nacidos entre 1990 y

el turismo de lujo está desarrollando para

Para más información, visita

2000). Según los números, si la comunidad

atender a este sector.

proudexperiences.com

FOTOS: CORTESÍA PROUD EXPERIENCES.

cubrieron todo tipo de temas.”


123 Atelier Por Lucía Ortiz Monasterio

San Diego para primerizos San Diego tiene historia, museos, parques siempre verdes y playas para disfrutar del océano. En esta ciudad prevalece un carácter muy particular y todo parece ligero, ventilado, lleno de luz. En honor a este destino optimista —que en 2019 festeja sus 250 años—, va una pequeña guía con sus atractivos más clásicos, ésos que hacen que quieras volver. La Jolla es una pequeña comunidad playera donde casi todos los departamentos miran hacia el mar.

Balboa Park En 1915, Balboa Park fue sede de la exposición “Panamá-California”, que conmemoraba la apertura del canal de

Bochner, Mark Bradford, Kelsey Brookes y

descubrió la bahía de San Diego, y donde

Panamá. Se construyeron museos y edificios

John Baldessari, que hizo el Brain/Cloud

están algunas de las residencias más vistosas

extravagantes de estilo español renacentista,

adyacente al océano Pacífico: una pieza

de la ciudad. El arquitecto modernista Robert

convirtiendo este parque en una especie de

enorme que se ve desde el Ocean Terrace

Mosher (el mismo que diseñó el puente

Smithsonian pastoral, con un zoológico, un

y la Jolla Cove (una forma distinta de ver el

de Coronado y la sala oeste del San Diego

anfiteatro Estilo Misión, 500 hectáreas de

mar).

Museum of Art) construyó allí varias casas e iglesias con ventanales que dan al mar. En

bosque, restaurantes, un Globe Theatre y 17 museos. El parque urbano más grande de

Mission Beach

la punta de Point Loma está el monumento

Estados Unidos combina el carácter relajado

Mission Beach es la sinopsis del California

al explorador Cabrillo y un faro que ilumina

de San Diego con la ciencia, la historia y la

dreaming. La amplia rambla al lado de la

todo.

arquitectura. No hay que dejar de visitar el

playa funciona como pasarela de gente en

Museo de Arte, el de Historia Natural y el

patines que toma jugos cold pressed y vive la

diminuto Museo de Arte Timken, también

buena vida. Pero aquí también hay un lugar

llamado “el alajero del arte”, donde las

más especial que los demás: Belmont Park.

ventanas —altas y amarillentas— son lo más

Este parque de diversiones clásico es pura

californiano posible.

Americana: la heladería, la hamburguesería,

FOTO: GETTY IMAGES.

la tienda de dulces en frascos de vidrio, La Jolla

el carrusel, el trenecito y la Giant Dipper,

La Jolla es una pequeña y pudiente comunidad

una de las dos montañas rusas de madera

playera, donde todo refleja el mar. Si uno no

que quedan en la Costa Oeste de Estados

lo está mirando directamente, lo verá titilando

Unidos. La construyeron en 1925 y aunque

en las ventanas de los departamentos con

a uno le duela el cuello después de subirse,

vista hacia la bahía. Desde 2010, la iniciativa

hay que hacerlo, ya que la vista marina

“Murals of La Jolla” se encarga de comisionar

desde esas alturas es inigualable.

proyectos de arte público en los muros de distintas propiedades privadas del distrito. A

Point Loma

la fecha, locales y visitantes pueden admirar

Esta pequeña península es el lugar donde el

obras de artistas como Terry Allen, Mel

marinero español Juan Rodríguez Cabrillo

¿Dónde comer? Tahona Bar Este nuevo restaurante en Old Town es un pequeño tributo a Oaxaca, sus sabores y sus espíritus (incluyendo el del agave). Es el epicentro de mezcal en San Diego y tienen algunas de las mejores marcas. Jeune et Jolie Ubicado en Carlsbad, este bistró es uno de los lugares más estéticos y deliciosos. Recomendación: el Ris de veau (mollejas con tocino y cebolla) y el Mille Feuille (pistache, maracuyá, miel y lavanda). ¡SALUD! Los tacos más ricos de Barrio Logan, un espacio de resistencia chicana donde impera esa combinación fascinante entre México y Estados Unidos. Hay que pedir de carne asada, de lengua o de pastor. Sobra decir que van con una IPA helada.


124 Atelier Por Daniel Bañales Fotos Ritta Trejo

Colorindio: tejedoras de historias El tejido, desde la época prehispánica,

Durante la visita, los socios de Club Travesías

una gran mayoría, es tradicional de las

se ha relacionado con la cosmovisión de

pudieron ver una muestra de algunos textiles

artesanas. Lo único que nosotras hacemos

los pueblos originarios sobre la realidad.

que forman parte de las colecciones de

es un trabajo de observación en el que

En 2009, Libia Moreno y Paulina Parlange

Colorindio. Manteles, servilletas, cobijas,

analizamos qué tipo de diseño utilizan

fundaron Colorindio, una empresa que

almohadas, chales, bufandas y huipiles son

para el rebozo con el que cargan a sus

busca enaltecer el tejido de las mujeres

confeccionados con precisión aquí. Además

niños, la tela que usan para envolver sus

indígenas a través de la comercialización y

de homologar y profesionalizar el trabajo de

tortillas o simplemente lo que visten.

venta justa. Club Travesías pudo conocer su

las artesanas, Colorindio también mejora las

Esos diseños los trasladamos a otras

nuevo showroom —en la colonia Condesa—

condiciones salariales de las familias al brindar

prendas y logramos hacer una mezcla

y colección, inspirada en los diferentes

un flujo constante de ingresos con base en la

entre lo artesanal y lo contemporáneo”,

momentos del día —rosados y lilas del alba

cantidad de piezas que entregan. Con ello se

dice Paulina Parlange.

y azules oscuros de la noche— en el que las

busca evitar el regateo, la incertidumbre y la

mujeres tejen sus historias.

propia devaluación de los tejidos.

Cada habitación del showroom es una

Actualmente, Colorindio trabaja con

ventana a la vida cultural de las tejedoras

alrededor de 200 mujeres agrupadas en

y cada pieza está inspirada en una mujer

diferentes cooperativas de los Altos de

¿Quieres vivir las

Chiapas. “El diseño que tenemos en textiles,

experiencias que

que pone toda su atención en el tejido.

Club Travesías tiene diseñadas para ti? Visita clubtravesias.com

clubtravesias.com

@ClubTravesias


Los Ă ngeles Portafolio: Don Chadwick


1993 STREET


1993 STREET


1994 LA BREA FLEA MARKET


2005 LICENCE PLATES


2005 SIGNS


1994 PARKING METRE

Don Chadwick es uno de los diseñadores industriales más notables de nuestro tiempo, dedicado a la innovación en mobiliario, asientos y técnicas de producción. Durante décadas, Chadwick también ha sido un fotógrafo prolífico, documentando su entorno con un ojo curioso: la cultura, el crecimiento, la decadencia y las maravillas técnicas que nos rodean; el desgaste de los objetos manufacturados; la formación de Los Ángeles, su ciudad natal, a través de tensiones sociales y desastres naturales. Siguiendo la misma tradición que Charles Eames y George Nelson, Chadwick ha recurrido a la fotografía como herramienta de investigación de diseño, en donde las relaciones y la estética específicas se ven reflejadas en su propia producción. Presentamos aquí una pequeña muestra de las fotografías seleccionadas cuidadosamente por otro diseñador, Jonathan Olivares, en el libro Don Chadwick Photography 1961-2005, publicado en julio de este año por Apartamento. Como afirma Olivares, la fotografía de Chadwick “presenta una forma única de ver y completa un capítulo perdido en la historia del diseño global”. Queremos agradecer a Jonathan Olivares y Don Chadwick por su generosidad al compartir estas imágenes con Travesías.


PREMIOS TRAVESÍAS OCTUBRE 2019 PRESENTADOS POR

Lo mejor de los viajes en las Américas


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Travesías - Número 202 - Noviembre 2019  

Nuestra edición especial dedicada a Estados Unidos utiliza al diseño como puente para conocer, aprender y entender cómo distintas ciudades d...

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Nuestra edición especial dedicada a Estados Unidos utiliza al diseño como puente para conocer, aprender y entender cómo distintas ciudades d...