Tanzrauschen e.V. (Hg.): Mark Sieczkarek: Open the curtains

Open the curtains Zum Werk von Mark Sieczkarek

Vorherige Seite: Untitled, 30 x 40 cm, Collage, Jahr unbekannt

Open the curtains Zum Werk von Mark Sieczkarek

Mark Sieczkarek in „Forbidden Fruit“ (1989), Foto: Detlef Erler

Inhalt 9

Prolog

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Wege und Pfade

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Erkundungen auf den Pfaden Mark Sieczkareks / Uta Atzpodien

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Stimmen und Stationen

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September moon / Raimund Hoghe

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REFLECT / Finola Cronin

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Superman / Barbara Kaufmann

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Der ganze Mark / Urs Kaufmann

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Golden schimmerndes Laub, das sanft zu Boden gleitet / Holger Bergmann

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you and I float / Ruth Amarante

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Verborgene Juwelen / Kenji Takagi

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Spuren und Reflektionen / Michael Freundt

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Künstlerische Formen und Landschaften

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tender and rebellious / Bettina Milz

85

Tanz

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Filme

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Bilder

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Mark Sieczkarek – Leben und Werk

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Autor:innen

127

Dank

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Impressum

Mark Sieczkarek in „Eu estive aqui“ (2010), Foto: Ursula Kaufmann

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Prolog

Die Werkschau „paths through my garden – Kunst von Mark Sieczkarek“ (9. bis 26. Oktober 2025 im Schauspielhaus / Pina Bausch Zentrum under construction in Wuppertal) hat der Künstler bis zu seinem Tod am 8. 9. 2025 selbst mit vorbereitet. Sie ist zum Anlass geworden, einen Teil seines umfassenden Werkes auch in gedruckter Form sichtbar zu machen. Mit der Zeile „Open the curtains“ endet Marks Gedicht „The end“, das letzte in seinem Künstlerbuch „Highland Child“, das zeitgleich zu diesem Journal erscheint. Mark Sieczkarek hat diese Sammlung an Bildern und Gedichten aus vielen Jahren im Jahr 2025 zusammengeführt und durch letzte Arbeiten ergänzt – selbst schon gezeichnet von den Herausforderungen, die seine im September 2024 diagnostizierte Krankheit ALS mit sich brachte.

Dieses Journal lädt ein, sich auf eine Erkundungsreise über die Pfade, Stationen und in die poetischen Landschaften zu machen, die Mark Sieczkareks künstlerisches Schaffen ausmachen. Neben fotografischen Aufnahmen seiner Choreografien, Bühnenbilder und Kostüme, Eindrücken aus seinen Filmen und von seinen Bildern sind es auch die Stimmen und Positionen seiner Weggefährt:innen, die uns seine Kunst erfahrbar machen. Mark Sieczkareks künstlerisches Universum entstand in all seinen Facetten mit einer schier grenzenlosen Hingabe. Seine Teile wirken wie organisch miteinander verbunden.

Als Person hat sich Mark Sieczkarek immer bescheiden im Hintergrund gehalten.

Dieses Journal entstand mit wertvoller Unterstützung in kurzer Zeit und lädt mit Mark Sieczkareks Worten „Open the curtains“ ein, das zu entdecken, was oft im Verborgenen ruht, aufgrund der Vergänglichkeit der darstellenden Künste schnell in Vergessenheit geraten mag und uns auf diesem Weg sichtbar – dem Vergessen trotzend – weiter begleiten und berühren kann. Thank you, dear Mark!

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Wege und Pfade

Oben: Julie Shanahan und Andrey Berezin in „The tired queens garden“ (2017) Vorherige Doppelseiten: Bühnenbild „The tired queens garden“ (2017), Aida Vainieri in „The tired queens garden“ (2017), Fotos: Jens Grossmann

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Erkundungen auf den Pfaden Mark Sieczkareks Uta Atzpodien

Ein Choreograf, Tänzer und Künstler mit eigener menschlich-künstlerischer Aura Rechts an der Bühnenseite kniet eine asiatische Tänzerin.

Mit Muße klebt sie getrocknete Blumenblätter auf Papier.

Die Stimmung ist andächtig und meditativ. Pflanzenmotive finden sich in etlichen Arbeiten von Mark Sieczkarek. Die Natur inspirierte ihn. Monatelang sammelte er selbst die Pflanzen in hingebungsvoller Detailliebe, trocknete sie, klebte sie auf Papier und verwandelte sie in BühnenbildQuadrate, Wände, Lampen oder anderes. So auch in „The tired queens garden“, eine der letzten Produktionen des Tänzers und Choreografen, der aus Schottland stammte und seit 1985 seinen Lebensmittelpunkt in Wuppertal hatte.

Das Tanzstück war zweiter Teil der „Underground-V“-Trilogie des Tanztheaters Pina Bausch, umrahmt von den Choreografien der Tänzer Jorge Puerta und Rainer Behr. Kunst fand mitten in einem Wuppertaler Wirtschaftsunternehmen statt, Riedel Communications, als dort im Juni 2017 die fünfte Ausgabe der Tanztheater-Reihe „Underground V“ gezeigt wurde.

Tänzerisch sind die Szenen in „The tired queens garden“ virtuos, etwas schräg und immer wieder unerwartet. Mit den Tanztheater-Kolleg:innen Andrey Berezin, Daphnis Kokkinos, Franko Schmidt, Julie Shanahan, Kenji Takagi, Aida Vainieri und Tsai-Chin Yu war Mark Sieczkarek seit langem eng verbunden. Das wurde spürbar in der Offenheit und Intensität, mit der sich die Tänzerinnen und Tänzer auf den ganz eigenen, sinnlichen wie humorvollen ChoreografieStil einließen, zur Musik von Glass Animals, Ludwig van Beethoven, Agnes Obel, Sofia Loren, Michael Gorden und Nina Hagen. Upcycling prägte die selbstgenähten Kostüme und Gewänder, ob als Krawattenkleid, als Etiketten-Abendkleid, Kimono aus Stofftaschen, als Kleid aus Neonwesten, Haushaltstüchern oder Plastikflaschen. Sechs Monate zuvor hatte Mark Sieczkarek zusammen mit seinem Assistenten Wigabriel Soto Eschenbach begonnen, sie zu nähen. Wenn gegen Ende der Choreografie die Bewegungen der Tänzerinnen und Tänzer mit dicken schwarzen Pinselstrichen auf

einer Riesenleinwand festgehalten wurden, verwandelten sich Tanz und Körper in Bilder.

Alles, was Mark Sieczkarek machte, war vielschichtig.

Seine Kunst hat Aura, sie kann extrem sein und exzentrisch. Seine Werke sind allesamt unterschiedlich und zeigen damit, dass sich ständig alles verändert. Wichtig für ihn war es, immer kreativ sein zu können. „Kreativität kommt von oben“, wußte er und konnte in ihrem Ausdruck ganz verschiedene Formen finden, ob es Choreografie, Tanz, Bühnenbild, Kostüm oder Musikcollagen waren. Eigenwillig sind all seine Arbeiten. „So, wie die Briten es sind“, sagte Mark Sieczkarek einmal schmunzelnd. Sein Humor konnte schwarz sein, trocken und überbordend. Geboren wurde er 1962 in Inverness in den schottischen Highlands. Sein Vater war Musiker, und Mark war von klein auf fasziniert vom Tanzen. Schon als kleines Kind tanzte er zu Musik, im Alltag ganz spontan, wenn sie aus dem Fernseher erklang. In der Schule kreierte er mit sieben Jahren seine erste Choreografie. In London begann er mit zehn Jahren sein Studium am Royal Ballet, mit voller Unterstützung seiner Eltern.

Mit 18 ging er nach Amsterdam, engagiert vom klassischen Scapino Ballet, entwickelte dort erste Choreografien und suchte bald beim kollektiv organisierten Penta Theater in Rotterdam neue ästhetische Wege.

Pina Bausch war damals schon Referenz und Mythos.

Fäden entsponnen sich von den Niederlanden in die Stadt Wuppertal: Über persönliche Verbindungen von Kolleginnen und Kollegen zu Pina Bausch wurde deren Tanztheater für Mark Sieczkarek immer präsenter. 1986 tanzte er schließlich dort vor. Er stand in der letzten Reihe, dennoch wurde Pina Bausch auf ihn aufmerksam. Im Gespräch schwiegen sie mehr, als dass sie sprachen. Fest stand: Sie wollte ihn.

Von 1985 bis 1989 war er Ensemblemitglied, eine Zeit, in der Stücke wie „Viktor“, „Ahnen“ oder auch der Film „Die Klage der Kaiserin“ entstanden. Es war eine intensive Zeit mit vielen Tourneen und einem herausfordernden Arbeitsrhythmus.

Die enge Verbindung zu Pina Bausch entstand für Mark Sieczkarek über die Sensibilität, die sie in den Menschen

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„Ich war nicht gut in Englisch. Mein Leben war immer Tanz.“ Mark Sieczkarek im August 2025

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suchte. Für die Tänzerinnen und Tänzer galt, „ehrlich und sie selber zu sein“, wie er es einmal formulierte. Darüber brachte Pina das Menschliche auf die Tanzbühne und verband es mit einem kontinuierlichen Ausloten von Grenzen.

Ein stetiges „Weitersuchen und Tiefergehen“ war es, erklärte er, der schließlich sein choreografisches Debüt beim Folkwang-Tanzstudio gab, eigene Wege ging und über Jahrzehnte choreografisch seine eigenen Geschichten verfolgte.

Die Zusammenarbeit mit dem Tanztheater Wuppertal währte, bis die Krankheit sein Leben veränderte.

Tiefe und beeindruckende menschliche Erfahrungen prägten seine über 50 Choreografien, die in den letzten drei Jahrzehnten entstanden. Seine Themen spiegeln immer seine persönliche Entwicklung wider, waren in der Entstehung vielleicht auch Selbsttherapie oder Meditation.

Die von ihm erschaffenen tänzerischen Bewegungen und die Kostüme zeugen von einer erstaunlichen Theatralität.

Zugleich waren die Tänzerinnen und Tänzer immer als Menschen präsent, die ihren eigenen Charakter und ihre Persönlichkeit haben. Das menschliche Element habe er von Pina gelernt, betonte Mark.

In „Drops of rain in perfect days of June“ verarbeitete er 1995 künstlerisch den Aids-Tod seines Lebenspartners Caique Ferreira. In Gruppenchoreografien inszenierte er Abschied, Trauer und Tod über rituelle Reihen und langsame Bewegungen als Übergang und wechselte dann zu sprunghaft-freudigen Szenen. Seine Arbeiten sind deutungsoffen.

Spürbar und unaufdringlich zeichnen sich Homosexualität und Spiritualität als Leitmotive ab, auch wenn die Arbeiten möglichst offen entstanden, den Moment immer neu entdeckten und sich als Prozess verstanden.

Mark Sieczkareks Vielseitigkeit zeigt sich auch in den künstlerischen Stationen seiner Arbeit: Er war Hauschoreograf am Ringlockschuppen Mülheim, inszenierte für die Ruhrtriennale, arbeitete in Ghana, Brasilien, Costa Rica und El Salvador. Die Begegnung mit Menschen und ihren Geschichten sowie die Reisen durch die ganze Welt haben ihm geholfen, in seiner Arbeit verschiedene Einflüsse und Stile aufzunehmen. Seine künstlerische Arbeit blieb so un-

konventionell frisch und lebendig. „Moden interessieren mich nicht.“ Dabei grinste er verstohlen. Die eigentümliche Bewegungsklaviatur seiner Choreografien mag in der Tanztheater-Zeit wurzeln und hat sich doch ganz eigen weiterentwickelt. So haben ihn etwa Tai-Chi und Qigong beeinflusst, denn Entspannung war ihm bei seiner Arbeit sehr wichtig, als Ausrichtung und Atmosphäre seiner Choreografien und ebenso als Grundlage für tänzerische Virtuosität. Ein weiteres entscheidendes Merkmal: Entschleunigung, deutlich sichtbar 2015 in dem Projekt „Lebe Liebe Deine Stadt. Tanz und Performance bewegen Wuppertal“ mit der Performance „Gehe. Wege in die Stadt“, die inspiriert war von einer buddhistischen Geh-Meditation und sinnbildlich in einem großen Menschenkreis endete.

Sein beeindruckendes Talent, Menschen mit seiner Kunst zu bewegen und miteinander zu verbinden, entfaltete Mark Sieczkarek auch in seiner pädagogischen Tätigkeit.

In Kursen, Workshops und Projekten arbeitete er mit Menschen mit Bewegungseinschränkungen, mit Kindern, Jugendlichen und Menschen mit Autismus. Die Gruppen waren stets gemischt, denn die Inklusion war ihm ein besonderes Anliegen. So hatte er kein Endprodukt vor Augen, sondern war hier Verfechter von Work-in-Progress-Formaten.

Aufführungen seiner innovativen Verknüpfung von künstlerischer Expertise und sozialem Engagement wurden in „Music für a while“ (2013) in der Rudolf-Steiner-Schule und „A quiet place“ (2015) in der Immanuelskirche greifbar.

In was Tanz alles münden kann, machte auch der Atelierladen „Brunnenkunst“ auf dem Wuppertaler Ölberg 2018 greifbar, den Mark Sieczkarek über seine Bilder, Kostüme und Bühnenbilder für einige Monate schuf und mit dem er zudem ermöglichte, über sein eigenes Kunstschaffen hinaus auch das der Kolleg:innen kennenzulernen. Mit „Dancers Art“ stellte er dort Bilder von Tänzerinnen und Tänzern aus, es gab szenisch-musikalische Lesungen und vor allem die Möglichkeit, dazu in einen Austausch zu kommen. Ein Mannequin in einem mit Jägermeister-Flaschen benähten Mantel blickt auf ein altes, zur Hälfte schwarz übermaltes Landschaftsbild: In ehemaligen Gastronomieräumen am

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Oben: „A quiet place“ (2015), Performance mit Amateur:innen in der Immanuelskirche in Wuppertal, Foto: Jens Grossmann

Rechts: Installation „Don’t be afraid“ (Dezember 2020 bis März 2021) in der „Zukunftsküche“ am Wuppertal Institut für Klima, Umwelt, Energie, Wuppertal, Foto: Uta Atzpodien

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Wuppertal Institut war in der Zwischennutzung „Zukunftsküche“, die Kunst und Wissenschaft in einen Dialog gebracht hat, 2020/21 eine Installation von Mark Sieczkarek zu sehen.

Mit dem Film „Malou and Dominique“, der seine Premiere im Februar 2020 im Metropol Filmkunstkino in Düsseldorf hatte, startete eine neue Schaffensphase: In der weitläufigen Industriehalle eines Wuppertaler Unternehmens begegneten sich die Tänzerin Malou Airaudo und der Tänzer Dominique Mercy – beide langjährige und renommierte Mitglieder des Pina Bausch Tanztheaters Wuppertal – in einem faszinierenden Spiel zwischen Nähe und Ferne, zwischen alltäglichen und surrealen Momenten. Gekleidet in kuriose Kostüme verwandelten sie ihre jahrzehntelange Bühnenpartnerschaft in poetische Szenarien zu den Geheimnissen menschlicher Beziehungen – wunderlich, voller Abgründe und überraschendem Humor. Eine eigene intime Atmosphäre entstand und machte jene Magie spürbar, die auch durch seine Zeit im Tanztheater Wuppertal beeinflusst war. Hier brachte sie prägnant und skurril zugleich die wunderbare Eigenart des so vielfältigen und immer neu überraschenden Künstlers Mark Sieczkareks zum Ausdruck.

Der Tanzfilm „Streetwear“ mit der Premiere im Januar 2025 im Rexkino in Wuppertal macht seine Passagen, die über Jahre hinweg an verschiedenen Orten Wuppertals gefilmt wurden, zu einem pulsierenden Gesamtkunstwerk aus Bewegung, Mode und Poesie. 22 Performer:innen erwecken den urbanen Raum zum Leben – Treppen werden zu Bühnen, Graffiti-Wände zu Tanzpartnern und ein Fußballfeld zum Schauplatz für spektakuläre Choreografien. In „Streetwear“ gewinnt die Stadt mit Mark Sieczkarek und den facettenreichen Einzelepisoden ein faszinierendes und vielfältiges Eigenleben und sprengt dabei die Grenzen zwischen Kunst und Alltag. Persönlichkeiten aus der internationalen Tanztheaterszene treffen auf lokale Künstler, in Kostüm-Unikaten aus händisch auf der Straße gesammelten und recycelten Alltagsmaterialien. Entstanden ist der Film während der Pandemie, in einer Welt im Stillstand. Er feiert voll wilder und farbenprächtiger Formen das Leben.

Ebenso wie dieser Film zeigen alle Werke Mark Sieczkareks

mit feiner und schräger Poesie, dass Kunst da entstehen kann, wo Menschen den Mut haben, innezuhalten, zu träumen, sich jenseits von Konventionen zu äußern und sich so zu bewegen und dabei etwas zu bewegen. Mark Sieczkareks Kunstschaffen war vielfältig, neben den Choreografien, Kostümen, Bühnenbildern, Filmen entstanden zahlreiche Zeichnungen, Gemälde, Collagen und auch Gedichte, die in seinem nun letzten Werk, dem Buch „Highland Child“, zu einer Erkundungsreise einladen. Stationen sind hier Begegnungen mit Weggefährt:innen Mark Sieczkareks. Auch die großen Herausforderungen der 2024 bei ihm diagnostizierten Nervenkrankheit ALS verarbeitete er hier.

Die Produktion „The tower“ (2015) war von der Turmkarte im Tarot inspiriert, die für den Zusammenbruch überlebter Systeme und zugleich für die Chance auf einen Neubeginn steht. Dazu hat Mark Sieczkarek als Künstler immer neu beigetragen. Anregend und berührend, auslotend und immer wieder auch entspannend lädt das Werk Mark Sieczkareks ein, seinen Impulsen über „paths through my garden“ zu folgen und davon viel mit in das eigene Leben zu nehmen. /// Eine erste Version des Textes erschien in Heft 3-2018 des Bergischen Kulturmagazins „die beste Zeit“, Wuppertal.

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Pina Bausch und Mark Sieczkarek während der Aufnahmen 1988 zum Film „Die Klage der Kaiserin“ (1989) von Pina Bausch, Foto: Raimund Hoghe © Luca Giacomo Schulte

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Pina Bausch, Mark Sieczkarek und Martin Schäfer bei Dreharbeiten 1988 zu dem Film „Die Klage der Kaiserin“ (1989) von Pina Bausch, Foto: Detlef Erler

Szene aus „Viktor“(1986), ein Stück von Pina Bausch und dem Tanztheater Wuppertal, Foto: Mark Sieczkarek

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V. l. n. r. obere Reihe: Dominique Duzynski, Héléna Pikon, Lutz Förster, Finola Cronin; mittlere Reihe: Julie Anne Stanzak, Beatrice Libonati, Dominique Mercy, Anne Martin, Nazareth Panadero; untere Reihe: Jan Minařík, Héléna Pikon, Elena Mainoni, Bénédicte Billiet, Finola Cronin und Jean Laurent Sasportes, Urs Kaufmann, Momentaufnahmen während der Zeit mit Pina Bausch und dem Tanztheater Wuppertal (vermutlich 1986-88), Fotos: Mark Sieczkarek

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Mark Sieczkarek und Caique Feirrera in „Light to light“ (1991), Foto: Detlef Erler

Stimmen und Stationen

Text von Raimund Hoghe zu „September Moon“, Original vermutlich aus dem Jahr 1989, © Luca Giacomo Schulte Links: Mathias Hartmann und Mark Sieczkarek in „September Moon“ (1989), Foto: Gerno Michalke

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Mathias Hartmann in „September Moon“ (1989), Foto: Gerno Michalke

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Mark Sieczkarek in „Ahnen“ (1987), Ein Stück von Pina Bausch und dem Tanztheater Wuppertal, Foto: Monika Rittershaus

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REFLECT Finola Cronin

I don’t remember meeting Mark for the first time. His presence seemed to grow around me. Both of us from the outlying reaches of Europe, our Celtic connections served to offer solace.

Mark’s unhurried speech confounded me sometimes but he was ever ready to caution „Finola, please don’t finish my sentences!“, a response that still makes me smile. I came to understand that his slow-paced conversation was a striving for precision to organise words to describe his universe.

For a while in the 1980s Mark wore a camera. The camera seemed to allow him to withdraw from the world and to rearrange it photographically; a foreshadow of how he would subsequently create the world of his dance works.

Those early pieces that Mark presented in Germany were exotic, outlandish, intriguing, illuminating and funny.

He brought us new ideas that were brave and brimming with compassion.

I found so much real life in Mark’s work that, to quote the writer Vivian Gornick, „I had more of the world than I’d had before“. ///

Mark Sieczkarek in „Drops of rain in perfect days of June“ (1995), Foto: Georg Schreiber

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Mark Sieczkarek in „Forbidden Fruit“ (1989), Foto: Gerno Michalke

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Superman Barbara Kaufmann

Ein Gespräch mit Mark hat sein besonderes Timing. Es entsteht ein anderes Zeitgefühl. Der gegenseitige Austausch ist stärker vom Empfangen geprägt als vom Senden. Das ergibt gelegentlich gesprächiges Schweigen, durchdrungen von Augen und Blicken und seinem besonderen Lächeln.

Zum ersten Mal habe ich Mark in der Lichtburg getroffen, im Kreationsprozess von Pinas Film „Die Klage der Kaiserin“.

Am Beginn eines Probentages stürmte Mark unvermittelt in den Raum. In einem Superman-Kostüm, das sein feingliedriger Körper nicht ganz ausfüllte … Er hat nichts gesagt und auch nicht viel getan. Allein die Erscheinung hat Erstaunen, Atemanhalten, Pinas neugierigen und suchenden Blick und dann viel gemeinsames Lachen ausgelöst. Da hat er mein Herz gewonnen.

Dieser wundersame Superman ist nicht in den Film gekommen, er ist in Marks Kunst. ///

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Der ganze Mark Urs Kaufmann

„Man muss noch Chaos in sich haben, um einen tanzenden Stern gebären zu können.“ Friedrich Nietzsche Mark ist ein Stiller, denkt man. Sagt man.

Aber in Marks Innenwelt ist immer ein lautes Getöse, vermute ich. Ein erstes Bild, das sich mir von Mark eingeprägt hat: In der Wuppertaler Szenekneipe Café du Congo traf man sich nach den Proben. Mark war Mitte der 80er Jahre neu im Bausch-Ensemble. Er saß bei uns am Tisch. Kann man sagen, dass er geschwiegen hätte? Nein, er hat nur nicht gesprochen. Plötzlich aber sagte er: „Coniäg“ zur Kellnerin.

Sie stellte ihm einen Cognac hin. Beim dritten Mal lächelten sich Mark und die Kellnerin nur noch an. Sie hatten eine Übereinkunft. Es stand immer ein Glas Cognac vor ihm.

Mark tanzte in dem Stück „Ahnen“ von Pina Bausch einen traditionellen scottish sword dance. Elegant, leicht und gekonnt tanzte er über Schwerter, aber nicht zu einer Dudelsackmusik, sondern zu einer Punkmusik. In solchen Momenten wird für mich der ganze Mark sichtbar.

Bei einer Probe zu einem neuen Stück fragte Pina ihn einmal, ob er das nächste Thema, die nächste Frage stellen mag. Er schlug „Sonntagnachmittag in Wuppertal“ vor.

Später hörte ich, der ruhige, leise Mark habe an gerade so einem Sonntagnachmittag seine Wohnung zertrümmert.

Zu viel äußere Stille für sein inneres Getöse?

Ich habe ihn nie gefragt, ob die Geschichte stimmte.

mer Hand und Fuß. In sehr guter Erinnerung habe ich die Choreografie „Moon Songs“, ein Duett mit Mark und der wunderbaren Tänzerin Jeong Lee. Erst war ich fasziniert von den einfachen, raumdurchschneidenden, gradlinigen, sachlichen sich wiederholenden Bewegungen, dann von den raffinierten choreografischen Strukturen, den Quadraten, Diagonalen und Kreisen, die die beiden im Raum ertanzten, dann von den subtilen musikalischen Verschiebungen. Je länger ich den beiden zuschaute, umso sichtbarer wurde für mich das, was nicht gezeigt wurde: Das Anarchische und das Rebellische.

Mark hat sein inneres Getöse in Form und Struktur untergebracht.

Im August dieses Jahres besuchte ich Inverness, die Hauptstadt der schottischen Highlands, den Heimatort von Mark.

Ich suchte nach Spuren, die ich mit ihm in Verbindung bringen konnte. Dann begegnete ich ihm, einem jungen eleganten Mann mit schwarzem Hemd, mit schwarzer Krawatte, Irokesen-Haarschnitt und einem Schottenrock.

Eine Mischfigur, ein Wesen aus Warrior and Fairy. ///

Als ich nicht mehr im Ensemble des Tanztheaters Pina Bausch war, sondern beim Kulturbüro arbeitete, besuchte Mark mich einmal im Jahr im Büro, manchmal auch nur einmal in zwei Jahren. „I want to make a piece. Hast du Geld?“ Ich konnte sehen, auch wenn er lächelnd vor mir stand, dass es in ihm brodelte. Ich kannte seine Choreografien seit Jahren. Er brauchte mir keine Hochglanzkonzepte auf den Tisch zu legen. Seine Arbeiten hatten – wortwörtlich – im-

Mark Sieczkarek in seiner damaligen Wohnung (1986), Foto: Ryszard Kopczynski

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Mark Sieczkarek und Ruth Amarante in „Macbeth“ (1996), Foto: Georg Schreiber

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Golden schimmerndes Laub, das sanft zu Boden gleitet Holger Bergmann

Der Anruf kam unerwartet: Eine Person der Wuppertaler Kulturszene rief mich an und berichtete von einer dort geplanten Retrospektive der Werke von Mark Sieczkarek. In jener Stadt, in die ihn einst sein Weg aus Inverness nahe dem Loch Ness zum Tanztheater von Pina Bausch geführt hatte.

Mich verbindet zwar eine andere Geschichte mit ihm, die nicht unmittelbar mit der Choreografin verknüpft ist, aber mittelbar ziehen sich ihre Spuren doch deutlich durch die Arbeiten von Mark.

Bereits nach ein paar Jahren in Wuppertal entwickelte er mit der Mark Sieczkarek Company eigene Choreografien, Tanzabende voll Sanftheit, Zugewandtheit, Schönheit wie Widersprüchlichkeit.

Schnell galt diese Gruppe als so etwas wie ein Geheimtipp in der NRW-Tanzszene und so öffneten wir ihm und seiner Company in unterschiedlichen Formaten den Ringlokschuppen, dessen künstlerischer Leiter ich zu der Zeit sein durfte. Er kam als Artist in Residence, für Gastspiele und für zahlreiche Koproduktionen, unter anderem für das ebenfalls von mir kuratierte freie Rahmenprogramm der ersten Ruhrtriennale.

Marks Proben waren immer ganzheitliche Events für und mit den Tänzer:innen: So erinnere ich mich an einen Abend, an dem ich äußerst spät (oder war es schon sehr früh?) immer noch Licht in der Probehalle sah. Ich klopfte leicht an, eigentlich in der Absicht, das Licht löschen zu wollen. Mark öffnete mir die Tür und ich sah fast alle Tänzer:innen mit einem kleinen Pinsel in der Hand, an einem unfassbar großen Prospekt malen. Alle malten mit dünnen Strichen kleine Schmetterlinge auf den Prospekt. In Ruhe, absoluter Ruhe, entstanden diese zarten geflügelten Tierchen, fast jedes wie ein anderes Mandala. Mit einem Blick auf die Uhr sagte Mark, da wäre noch einiges heute Nacht zu tun, und ich musste ihm recht geben. Aber es wäre alles besprochen, die Probe morgen würde etwas später anfangen. Fast war ich versucht, mich dazu zusetzen, aber ich kann leider gar nicht zeichnen und wollte keine deformierten Schmetterlinge in diesen – mir schon damals „heilig“ vorkommenden – Prospekt einarbeiten.

Einen tatsächlich mystischen Moment erlebte ich mit Mark in seinem Werk „Macbeth“, das wir gemeinsam für das Sommerprogramm 1996 produzierten. Der Abend fand im für die Öffentlichkeit normalerweise geschlossenen Innenhof des nahe am Ringlokschuppen liegenden Schloss Broich statt. Mark war es gelungen, die wunderbare Tänzerin Ruth Amarante zu überzeugen, die Lady Macbeth zu tanzen.

Und wodurch war es im geglückt? Er tanzte selbst den Macbeth, es wurde ein Abend zu zweit, mit Soli und Duetten, die nicht nur gegen die Jahrhunderte alte Ringmauer als historische Kulisse standhielten, sondern gegen das größte Ungemach, welches einem Open-Air-Tanzabend im Sommer passieren kann …

Es gab kein Bühnenbild, nur einen blutroten Tanzteppich, der als scharfes Quadrat zwischen den Ruinen des Schlosses lag, vor einer einfachen Tribüne für 120 Zuschauende. Zur Premiere kamen alle: die üblichen Grußwortsprechenden, Stadtprominenz, die Lokaljournalisten (die damals noch Kulturjournalisten fürs Lokale waren), Freund:innen, Bekannte und Unbekannte. Kaum hatten alle Platz genommen, donnerte es gewaltig. Mark und Ruth betraten die Bühne, und schon nach den ersten drei Minuten setzte ein Sommergewitter ein! Die Hexen, die nicht auf der Bühne waren, hatten ihren Zauberspruch getan; es folgte ein Sturzregen. Mark und Ruth tanzten weiter, das Publikum schützte sich mit den ausliegenden Planen und Ponchos. Die Techniker drehten das komplette Licht auf und wickelten ein, was noch nicht geschützt war. Alle verhielten sich ruhig, keiner lief hektisch umher, niemand wollte sich ins Trockene bringen.

Mark und Ruth wurden Macbeth und seine Lady; sie tanzten sich um den Verstand, von der Gier in die Tyrannei, vom Blutrausch in die Zweifel, versuchten die Liebe auf den Thron zu setzen und scheiterten an dem gegenseitigen Misstrauen und blutigen Ränken. Immer wieder blitzte es, als wäre Shakespeares Stück von 1611 tatsächlich verflucht, wie es die alte Theaterlegende von Ohr zu Ohr flüsterte.

In mehreren Wischeinsetzen wurde vergeblich versucht, die Bühne trocken zu halten. Nicht zuletzt, um die für die bei-

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den Tanzenden durchaus riskante Situation etwas abzuschwächen. Erst gegen das Ende ließ der Regen nach und beim letzten Bild war die Bühne wieder trocken: Die Hexen hatten recht, der Wald erschien aus dem Nebel der im heißen Scheinwerferlicht trocknenden Bühne, und Macbeth ging zu Boden. Ruths lange Haare bedeckten Macbeth auf dem blutroten Untergrund.

Ein Abend, den ich nie mehr vergessen werde: danke, lieber Mark, für diese Erinnerung. Und da sind wir schon beim Ende der Geschichte, immer in der Gewissheit, dass es nie wieder so kommt. Ich liebe diese Tanz- und Theatermomente – ganz besonders solche , die viele, viele Minuten dauern.

Das anfangs erwähnte Telefonat brachte nicht nur Erinnerungen zurück, sondern es hat mich auch traurig gestimmt.

Mark ist sehr schwer erkrankt, und das tut weh. Umso wichtiger ist das Erinnern – und, mit dir durch die Gärten deines Tanzes zu laufen. Dabei schießt mir immer eine ikonische Geste und Bewegung durch den Kopf: die leicht und sanft wehenden Handbewegungen, die schräge Linien nach unten in die Luft zeichnen, im Wechsel von rechts nach links. Die Hände der Tänzer:innen bewegen sich wie fallende Blätter, wie die goldschimmernden Herbstblätter in der tief stehenden Sonne. Die Tänzer:innen gehen dabei hintereinander oder stehen in Reihe, so dass vor jedem Körper ein Laubblatt zu fallen scheint. Wenn die Hände vom Brustkorb beginnend am unteren Bauch angekommen sind, gleiten sie in einer halbrunden Bewegung wieder nach oben und die Laubblätter fallen von neuen. – Mögen sie niemals auf der Erde ankommen. ///

Mark Sieczkarek und Ruth Amarante in „Macbeth“ (1996), Foto: Georg Schreiber Rechts: Szilvia Szephegyi, Eun-Sik Park, Telma de Souza in „Butterfly Word“ (2000), Foto: Georg Schreiber

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Mark Sieczkarek und Ruth Amarante in „Sometimes the wind blows and you and I float“ (2006), Foto: Ursula Kaufmann

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you and I float Ruth Cruz Amarante

Neue Aula. Das Theater für die nächsten drei Jahre meines Lebens. Gerade aus Rio angekommen, am Beginn meiner Reise als Tanzstudentin an der Folkwang-Hochschule. Ich, in meinem 25-jährigen Körper, mein Kopf voll, aber auch halb verwirrt, frisch aus dem Medizinstudium, begierig darauf, nun endlich nur tanzen zu können. Hungrig, meinen unruhigen Körper auf neuen Wegen bewegen zu lassen, die zudem mein Verlangen nach Sinn stillen könnten. Da bin ich also.

Jahr 1988. Zweite Hälfte. Kurz bevor die Mauer fällt. Das Jahr der brasilianischen Verfassung, formeller Bruch mit der Militärdiktatur in meinem Land. Hier: das Verwelken des Kalten Krieges. Hier eine Wende, dort eine andere. Wohl gesagt: ich, als Tochter eines Militärs, aufgewachsen in einer militärischen Enklave. Mein Leben bis zum 18. Lebensjahr dort gelebt. Abgesondert, behütet, infantilisiert, in Grenzen gehalten und doch frei in grüner, üppiger Natur: ein Bullerbü inmitten der tropischen Militärwelt, voll Ambivalenzen.

Nun gut. Ich, im Jahr 1988 in einem pulsierenden Deutschland angekommen, begann allmählich die Ruhe meines Ankommens zu spüren. Dort begegnete ich ihm – Mark.

Nein, zuerst hörte ich von ihm: von seiner Unerschrockenheit, von den unverblümten Themen, die er anschnitt.

Und bald ließ ich mir die Zärtlichkeit, die Sanftheit seines Wesens erklären. Ein Jemand, getrieben von der Suche, getragen von einer stillen Unruhe. Er bittet mich, einen seiner Tänzer zu ersetzen – wen, erinnere ich nicht mehr genau. Warum auch … Solches widerfährt uns Tänzern: Wir verletzen uns und werden ersetzt. Zweifel am Sinn?

Unsicherheit in der Ästhetik? Schwächen in der technischen Ausführung? Wir werden ersetzt.

Und dennoch gibt es sie: jene magischen Fälle leidenschaftlicher Beharrlichkeit uns Tänzern gegenüber. Und von unserer Seite: grenzenlose Hingabe gegenüber dem Schaffenden. Eine platonische, tiefe Liebe, die jede Rechtfertigung überflüssig macht. So bleibt man miteinander verbunden, oft ein Leben lang: Tänzer und Choreograf, der eine stets auf den anderen wartend. Auf jenen Augenblick,

in dem einer den anderen aus seiner unfruchtbaren Selbstversunkenheit erlöst.

Ich sah Mark. Ich badete in der Sanftheit seiner Bewegungen, die, wie ich wahrnahm, an seiner eigenen rohen Rhetorik abprallten. Es war eine schrittweise, schwankende, aufregende Annäherung – geheimnisvoll anziehend. Ein verlockendes Spiel, faszinierend, tranceartig, das mich zugleich wahnsinnig anzog und doch in schüchterner Distanz hielt. Bewegungen, die ich liebte. Mein Wunsch: mich in ihnen zu berauschen. Meine Vernunft aber weigerte sich, den Versuch zu unternehmen, sie zu verstehen – als würde diese Tat alles entkräften. Mark und das Erschmecken des intimen Träumens, der nüchternen Trance.

Er: ein vollblütiger Künstler, der choreografische Grenzen ausdehnt und zerreißt und mit allen Kanälen spielt, die ihm dienen können – bildende, mediatische, performative.

Ich: Tänzerin bis in die Knochen, verrückt nach den Sequenzen, die mich aus meinen eigenen inneren Engpässen befreien. Es gab viele Begegnungen und ebenso viele Momente des Sich-aus-den-Augen-Verlierens zwischen uns. Dann kam Macbeth, im Jahr 1996.

Mark bat mich, Lady Macbeth zu verkörpern: verzweifelt, kalkulierend. Er, mein Mark/Macbeth: dubios, fragil, darin schmerzhaft distanziert. Wir beide, in einer Kontraktion von Eingeweiden, ohne Hoffnung. Und aus seinen Händen entstand dieses Duo: zurückhaltend, nüchtern, eingemauert in Stille. Alles ist Sanftheit in seiner Erzählung; jeder Schritt flüstert, die Arme sind präzise. Die Hände strikt, und doch immer annehmend. Gesten, die ihre Wirkung kannten, ohne sie erklären zu müssen. Der so zurückhaltende Textaufbau ließ jedes Treffen zwischen uns auf der Bühne wie ein flüchtiges Seufzen der bevorstehenden Trennung erscheinen – ungeahnt, dass dies unser gemeinsames Thema war.

Kurz danach trennten sich unsere künstlerischen und die Lebenswege erneut. Bis 2006, wo wir uns im „Sometimes a Wind Blows and You and I Float“ wiederfanden. Ich, inzwischen zweifache Mutter, mit einem unstillbaren Bedürfnis, zu schweben. Und er durch sein ungestilltes Ver-

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langen in einem Leben gefesselt, das noch nicht ihm gehörte.

Ja, wir trafen uns diesmal in der Schwebe, in der Umwandlung. Ich habe mich wieder an seinen Sequenzen sattgetrunken, mich von seinem Humor umgarnen lassen, meine Augen labten sich an seiner Ästhetik und meine Seele versank darin. Und wir trennten uns erneut. Es waren einige Begegnungen, vertanzte Schritte, unendliche Tänze. Und heute, fast vierzig Jahre nach dem ersten Mal – wir beide um die sechzig – treffen wir uns wieder dort, wo die Sprache eine andere ist. Jetzt dürfen Worte nicht mehr sein.

Und es ist gut so. ///

Mark Sieczkarek und Ruth Amarante in „Sometimes the wind blows and you and I float“ (2006), Foto: Ursula Kaufmann

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Verborgene Juwelen Kenji Takagi

Wuppertal ist ein wenig spröde. Eine Verwandte aus meiner Heimatstadt Hamburg, die mich einmal hier im Tal besuchte, war schockiert, nachdem sie am Barmer Bahnhof ausgestiegen war. Sie musste die Hässlichkeit, die einige Anblicke boten, erst einmal verdauen. Gleichzeitig, nach 25 Jahren Wuppertal, kommen mir einige Gegenden in Hamburg jetzt ziemlich abgehoben und weltfremd vor. Wuppertal ist merkwürdig. In der Enge des Tals verstecken sich Überraschungen. Manchmal kommen kleine Juwelen zum Vorschein. Das alte Schauspielhaus, das zum Pina-BauschZentrum werden soll, erzählt davon. Wenn ich im Foyer an einem der runden Tische sitzend durch die Fenster in den japanischen Garten schaue, will mein Blick immer wieder die türkisgrüne, abblätternde Farbe des Wasserbeckens abtasten, als sei hinter dieser faszinierend dekadenten Oberfläche etwas Tieferes zu finden.

In diesem Haus sind wundervolle Dinge geschehen. Am 21. März 1987 tanzte Mark Sieczkarek in der Uraufführung von Pina Bauschs „Ahnen“ in Schottenrock und Lederjacke, mit zurückgegelten Haaren und Sonnenbrille zwischen Kakteen zu metallischer Punk-Disco-Musik um eine Gruppe merkwürdig maskierter Gestalten herum, die zusammenstanden wie ein schräges Familienfoto. Wow! Elektrisiert habe ich auf diese Szene geschaut, als wir bei den Proben von „Ahnen“ in der Lichtburg, dem Probensaal des Tanztheaters, die alten Videos studierten. Irgendwie geil. Irgendwie genau Mark. Alle kennen Pina Bausch, aber wer kennt noch Mark Sieczkarek? Er ist eines dieser Juwelen, die sich in dieser Stadt verbergen. Und es ist schade und auf eine Weise ungerecht, dass dieses Juwel so im Verborgenen geblieben ist.

Mark hat das Tanztheater damals nach wenigen Jahren verlassen. Seitdem war er freischaffend. Er hat unzählige

Stücke choreografiert, dazu die Kostüme und Bühnenbilder entworfen und fabriziert, Gedichte geschrieben, Filme gedreht, gezeichnet und gemalt. Bis zuletzt hat er immer weiter kreiert, trotz kürzlich schwerer Krankheit, aber ohne den riesigen Erfolg, der seiner Kunst angemessen wäre. Es gibt Menschen, die großartige Künstler sind, sich aber nicht selbst vermarkten können oder wollen. Und es gibt Menschen, die nicht ins Antrags-System für die freie Kunst passen, obwohl ihre Kunst die Förderungswürdigste ist.

Noch bevor ich selbst in Choreografien von Mark tanzte, sah ich zu Beginn meines Tanzstudiums 1994 in Essen zwei Stücke von ihm: „Easy to love“ und „Hurricane – men’s solos“.

Die Bühne war voller Müll, doch verführerisch glitzernd.

Auch die Kostüme waren aus Überbleibseln gebastelt.

Mäntel aus Bierdosen, Kleider aus Kronkorken, wie zusammengeschusterte Rüstungen von Rittern oder Königen verlassener Reiche. Ein Meer aus leeren Plastikflaschen.

Dazu vollzogen sich einsame Tänze mit rätselhaften Gesten und verspielte Kaleidoskope seltsamer Gestalten, wie Wesen von woanders her. Apokalyptisch und poetisch, surreal und magisch. Einige von den teils überraschend simplen, fast minimalen Bewegungen blieben danach noch lange im Gedächtnis, wie kleine Visionen. Hoffnungsvolle Rituale aus einer Traumwelt.

Im Oktober werden Teile von Marks Schaffen den nostalgischen Charme bewohnen, den die Räumlichkeiten des Schauspielhauses in ihrer Übergangs-Vergessenheit ausstrahlen. Seine Kostüme und Bühnenbild-Fragmente in der Ausstellung „paths through my garden“, werden uns daran erinnern, dass das Schöne und Geheimnisvolle hinter den Oberflächen lebt, auch wenn es nicht beachtet wird.

Kenji Takagi in „Drops of rain in perfect days of June“ (1995),

Dieser Text ist als Kolumne des )) freien netz werk )) KULTUR am

Foto: Georg Schreiber

1. 10. 2025 in der Westdeutschen Zeitung für Wuppertal erschienen.

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Mit Tanz die Angst verscheuchen „Drops of rain in perfect days of June“: Der Titel von Mark Sieczkareks neuem Tanzstück lässt ahnen, dass es nicht lustig zugehen wird. Es handelt sich denn auch um eine Art Requiem, den Abschiedsgruß an ein Aids-Opfer, den brasilianischen Schriftsteller und Theatermann Caique Ferreira, der bis zu seinem Tod vor zwei Jahren des Choreografen Lebenspartner gewesen ist. (…) Der Choreograf legt Ferreiras herbe Gedichte von Liebe und Tod, Hoffnung und Sterben über stark rhythmisch geprägte Kompositionen von geringem Eigenleben und kombiniert sie mit sanften brasilianischen Liedern und harten afro-karibischen Trommelstücken. (…)

Am schönsten ist jene Passage, in der die Tänzer grüßend an der dunklen Silhouette vorbeispringen und das allerletzte Bild, wenn ein Tänzer, nachdem er in die Hohlform getreten ist, eine Hand ausstreckt und die anderen in einer langen Kette hinter sich her in den Orkus zieht, an der Öffnung im Vorhang vorbei. Das ist das intensive, traurigschöne Stück im Einklang mit einer großen abendländischen Tradition: ein Tanz, mit dem die Lebenden die Toten ehren und ihre eigene Angst zu verscheuchen suchen.“ (aus: Jochen Schmidt, Frankfurter Allgemeine Zeitung, 31. 1. 1996)

Mark Sieczkarek in „Drops of rain in perfect days of June“ (1995) Rechts: Nina Dipla, Isabelle Boutrois und Ester Ambrosino in „Drops of rain in perfect days of June“ (1995) Fotos: Georg Schreiber

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„Drops of rain in perfect days of June“ (2012 Wiederaufnahme), Fotos: Ursula Kaufmann Seite 52: Bühnenprospekt „Drops of rain in perfect days of June“ (1995), Seite 53: Keisuke Mihara, Sergey Zhukov, Julian Stierle in „Drops of rain in perfect days of June“ (1995), Fotos: Georg Schreiber

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Chang-Wen Hsu in „Drops of rain in perfect days of June“ (2012 Wiederaufnahme), Foto: Ursula Kaufmann

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Vorherige Seite: Diana Szeinblum und Cristina Numa in „Easy to love“ (1993) Rechts: Rodolfo Seas Araya, Daphnis Kokkinos und Jordi Puigdefabregas in „Easy to love“ (1993), unten: Daphnis Kokkinos in „Easy to love“ (1993) Fotos: Georg Schreiber

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Links: Diorama Bühnenbild „Funky Drummer“ (1996), Umsetzung Mark Sieczkarek, Foto: Wolf Birke Nächste Seite: Gabrio Gabrielli, Ardan Hussain, italienischer Tänzer, Francesco Pedone in „Funky Drummer“ (1996), Foto: Georg Schreiber

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Eun-Sik Park, Telma de Souza, Szilvia Szephegyi, Alexandra Morales; vorne im Badeanzug Esther Reubold in „Shirley Valentine“ (2001), Foto: Georg Schreiber Links: Gabrio Gabrielli in „Red Hot“ (1997), Foto: Georg Schreiber

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Tanz ins Hochland „Auf dem Umweg übers schottische Hochland: „Homethoughts, from abroad“ bezieht seine tänzerischen Muster und seine Spielfreude aus der schottischen Folklore, gerät aber nie in die Gefahr, „tümlich“ zu werden. Es beginnt und endet streng, fast asketisch, und immer wieder bricht es die folkloristischen Elemente mit Momenten der Stille und der Besinnung. Die Tänzer geben dann, vor allem mit Armen und Händen sich bewegend, rätselhafte Signale in den Raum, mit Fingern das Keilschrift-Alphabet einer vergessenen Sprache zu buchstabieren, aus den Tiefen des Unbewussten sich der Runen einer untergegangenen Gesellschaft zu erinnern.

Aus lockeren Tänzen, rätselhaften Ritualen, naiven Spielen und halbrealistischen Szenen, aus tänzerischen Reihen und vergleichsweise minimalen, aber sehr reizvollen Ausbrüchen und Auflockerungen entsteht intensive Spannung; eines der schönsten reinen Tanzstücke der jüngsten Zeit.

Auf einer melancholischen Melange aus Folklore, Pop und Minimal Musik (Sinead O’Connor, Douglas Maclean, The Chieftains, Michael Nyman, John Adams, Hildegard von Bingen) dahingleitend, bewegt es sich mit somnambuler Sicherheit auf einem schmalen Grat zwischen Trauer und Lebensfreude; nicht einen Augenblick ist es in der Gefahr abzustürzen.“ (aus: Jochen Schmidt, Frankfurter Allgemeine Zeitung, 5. 5. 1999)

Gilda Rebello, Sean Smith und Evelin Stadler in „Home-thoughs, from abroad“ (1999), Foto: Georg Schreiber

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Evelin Stadler, Roberto Morales, Teresa Matos, Franko Schmidt, Gilda Rebello, Sean Smith in „Home-thoughs, from abroad“ (1999), Foto: Georg Schreiber

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Gilda Rebello und Sean Smith in „Home-thoughs, from abroad“ (1999), Foto: Georg Schreiber

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Spuren und Reflektionen Michael Freundt

Mit diesem Beitrag versuche ich einen Pfad in die Erinnerungen an die letzten Jahrzehnte Tanzentwicklung zu legen.

Ich verfolge dazu die Spuren, welche sich zu den Arbeiten von Mark Sieczkarek aus einigen Dokumenten im Netz lesen lassen. Es sind dies Verweise in den Archiven von Produktionshäusern sowie Dokumente zur Tanzplattform Deutschland. Schritt für Schritt in der Zeit zurück.

Im Archiv des Mülheimer Ringlokschuppens Ruhr zur Spielzeit 2011/2012 findet sich der Verweis auf die Choreografie „The Fool“. Der Narr als seltsamer Luftgänger, zwischen Naivität und Sinnsuche. Die Arbeit war eine Koproduktion mit dem Pumpenhaus Münster. In der gleichen Spielzeit zeigte der Ringlokschuppen „Sinfonia“ nach Henryk Goreckis 3. Sinfonie, ebenfalls eine Koproduktion mit dem Pumpenhaus. Und immer wieder ist von der „eigenen Spiritualität“ des Choreografen die Rede. Für die Spielzeit 2010/2011 ist „Moon Song“ dokumentiert. Ein Sänger, eine Tänzerin und ein Tänzer beleuchten Szenen und Rituale des Alltags – eine gemeinsame Choreografie von Ömer Temizel, Jeong Lee und Mark Sieczkarek.

In den Beschreibungen der Choreografien wird immer wieder auf das Offene, Auslegbare, Assoziative und Suchende verwiesen, die vielen Facetten dieser künstlerischen Arbeiten. So auch in den einzelnen Rezensionen, die sich im Netz finden lassen – zum Beispiel von Isabell Steinböck 2012 in den Westfälischen Nachrichten zu „The Fool“ und von Marieluise Jeitschko zu „Common Tones“ 2010 auf tanznetz.de.

Leider umfasst das digitale Archiv des Ringlokschuppens nur die Jahre ab 2008. So sind die Jahre 2001 bis 2004, in denen Sieczkarek dort als „Haus-Choreograf“ arbeitete, nicht erfasst. Auch die enge Zusammenarbeit mit dem Tanzhaus NRW findet sich – mangels Online-Archiv – nicht im Netz. Doch wird im Archiv von PACT Zollverein auf den Künstler und die Aufführungen von „Living with Aids“ (2002) und „Butterfly World“ (2000) verwiesen.

Auf „tanzplattform.de“ findet sich das Online-Archiv der biennalen Tanzplattform Deutschland, die eine Aus-

wahl von aktuellen, in Deutschland entstanden Produktionen für ein internationales Fachpublikum präsentiert.

Auch zugänglich sind die Dokumente des BRDance-Festivals 1990. Dort finden sich die Porträts der Jahre 1990, 2002 und 2004 – mit Selbstbeschreibungen, Kurzporträts und Repertoires dieser Jahre. 1990 wird „Forbidden Fruits“, in der gemeinsamen Choreografie mit Raimund Hoghe vorgestellt, die Produktion, welche auch zum BRDanceFestival eingeladen war. Mark Sieczkarek ist präsent in einer Auswahl von rund 50 Künstler:innen und Ensembles, u. a. mit Regina Baumgart, Gerhard Bohner, Susanne Linke, Neuer Tanz, Rubato, Tanztheater Skoronel. Es sind die herausragenden Positionen des Tanzes dieser Zeit jenseits der Institutionen und festen Ensembles. Zentrale Momente des Kurzporträts sind der Bezug zum Tanztheater einerseits und andererseits zur autonomen Bewegungs- und Körpersprache des Tänzers Mark Sieczkarek.

Im Porträt 2002, im Programmbuch der Tanzplattform in Leipzig, wird in Texten von Joachim Goldschmidt, Jochen Ulrich und Ann-Elisabeth Wolff die stilistische Vielfalt, die Vielfalt der Themen auch für ein internationales Fachpublikum zugänglich, verbunden mit den Hinweisen zu den aktuellen Produktionen dieser Jahre – „Shirley Valentine“ (2001), „Butterfly World“ (2000), „Now that the sun has veiled his light“ (2000) und „Home-thoughts, from abroad“ (1999). Deutlich wird die Spannweite der Produktionen im Schaffen. Das Porträt steht wiederum im Kontext von rund 50 prägenden Künstler:innen, darunter Samir Akika, Urs Dietrich, Ami Garmin, Reinhild Hoffmann, Raimund Hoghe, Anna Huber, Amanda Miller, Irina Pauls, Antoni Rizzi und Felix Ruckert.

2004, zur Tanzplattform in Düsseldorf, reflektieren das eigene Statement des Choreografen und ein Text von Nicole Strecker die künstlerischen Ansätze der tourfähigen Produktionen. Das Porträt steht neben Texten zu Labor G. RAS, Xavier Le Roy, Thomas Lehmen, NEUER TANZ, Micha Purucker, Helena Waldmann und Christoph Winkler.

Diese Fundstellen im Online-Archiv zeigen aus meiner Sicht die starke bundesweite Wahrnehmung und interna-

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tionale Reichweite von Mark Sieczkarek. Für internationale Veranstalter:innen und Ko-Produzent:innen und für das Goethe-Institut (welches einen Großteil der TanzplattformPorträts auf die eigenen Webseiten übernahm), stand die Arbeit von Mark Sieczkarek im bundesweiten Kontext des zeitgenössischen Tanzes. Hier liegen wichtige Ausgangspunkte für Koproduktionen und Gastspiele in Deutschland und weltweit.

Zu wünschen wäre, dass diese Fundstellen auch das Interesse wecken, in den Tanzarchiven tiefer in Materialien und Dokumente, in die künstlerischen Arbeiten und Kontexte einzutauchen. ///

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Beide Bilder: „Oblivion Suave“ (2011), Tanzproduktion im Theater im Pumpenhaus in Münster, Fotos: Georg Schreiber

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Mark Sieczkarek in „In Person“ (2011), Foto: Georg Schreiber

Künstlerische Formen und Landschaften

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Oben: Keisuke Mihara, Mark Sieczkarek, Wigabriel Soto Eschebach, Paul Hess, Kenji Takagi in „The Tower“ (2015), Rechts: Bühnenbilddetail „The Tower“ (2015), Fotos: Jens Grossmann

Vorherige Doppelseite: Rodolfo Seas Araya (links) und Rodolpho Leoni (rechts) in „Hurricane – men’s solos“ (1994), Fotos: Georg Schreiber

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tender and rebellious Bettina Milz

Wir widmen Mark Sieczkarek, seinen Assemblagen, Collagen, Choreografien auf der Bühne, den interdisziplinären Formaten in den Live Arts wie in den Visual Arts einen Raum.

Dieser Raum ist einer mit besonderer Geschichte, Aura, Aufladung: die Foyers des Wuppertaler Schauspielhauses „under construction“ auf dem Weg zum Zukunftsprojekt Pina Bausch Zentrum. Mit den japanischen Gärten von 1966, angelegt von der Koryphäe japanischer Landschaftsarchitektur Dr. Akira Soto in der denkmalgeschützten Architektur von Prof. Gerhard Graubner, scheint er wie für den Künstler gemacht. Japan und die Gartenkunst sind wichtige Inspirationsquellen. Mark Sieczkarek hat hier mit dem Ensemble getanzt, mit Pina Bausch geprobt, mit vielen der Künstlerinnen und Künstler, die jetzt seine Werke bewohnen. Diese werden mit uns gemeinsam das Werk erfahrbar machen, in Performance, Film, Gesprächen: Malou Airaudo, Dominique Mercy, Julie Shanahan, Finola Cronin, Jean Laurent Sasportes, Cristiana Morganti, Kenji Takagi und allen, die bis heute Protagonisten sind, wie etwa Wigabriel Soto Eschebach, Mihara Keizuke, Chrystel Guillebeaud oder der Musiker Roberto Graiff mit RitalPop. In Zusammenarbeit mit der Pina Bausch Foundation sind die großartigen Filme „Die Klage der Kaiserin“ (1989) und „AHNEN ahnen“ (1987/2014) zu sehen, bei denen Pina Bausch selbst Regie geführt und in denen Mark Sieczkarek mitgewirkt hat.

In seinen Choreografien und Filmen, bildnerischen Werken, Objekten und Kostümen hat er seismografisch ästhetische und soziale, ökologische und ökonomische Facetten collagenartig und spielerisch verdichtet. Er hat begonnen, Ressourcen umzunutzen, als dies in der Kunst noch wenig Thema war. Kronkorken oder Textiletiketten hat er minimalistisch zu bodenlangen Tanzkleidern verwoben, PET-Flaschen zu Tutus, Klebeband und Notfallwesten zu grellen, flüchtig herstellbaren Outfits für den Tanz, ein Streifen Gaffa-Band über Augen und Brustwarzen auf einem ansonsten nackten Körper, Tweed-Jacken mit kleinen Jägermeisterflaschen bespickt, Kimonos aus Tragetaschen oder weite Kleider aus gebrauchten Schlipsen

gefertigt. Daneben der Tanz vor den gigantischen Wurzeln eines Baumes oder im Botanischen Garten in Rio. Das Eigentümliche: All diese Materialien, selbst das Kostüm aus riesigen Plastikmüllbergen, erzeugen eine große Poesie.

Ich stelle mir die Zeit vor, die es erfordert, um aus tausenden Kleidungsstücken die winzigen Textiletiketten herauszulösen und ein Vlies aus winzigen Texten, Pflegevorgaben, Herkunfts- und Materialinformationen der globalen Labels zu nähen: sehr fein, elegant, ein Abendkleid, festlich, wie aus Seide, auf eine minimale Art üppig. Die Dauer macht die Erfahrung der Widersprüchlichkeit unserer Welt erfahrbar. Mark Sieczkarek wählt einen Weg zwischen Intimität und Widerstand, zwischen Humor und Poesie, Virtuosität und einfacher Präsenz, Alltag und Ausnahmezustand, Natur und Trash, Stille und Lärm, liebevoll. Gute Musik begleitet ihn, vom Barock über Volkslieder bis zu Britney Spears „Toxic“.

Was unterscheidet den Tanz, die Performance auf dem Weg in die Museen und Ausstellungsräume, in den unbegrenzten Raum der Stadt oder der Landschaft, in Industriebrachen oder Ateliers von der Realität der Räume eines Ortes für die Performing Arts? Der zeitgenössische Tanz als Labor und Katalysator der Künste hat mit der Perspektive auf den Körper, der Sprengung von Formaten in Zeit und Raum, mit der Öffnung der Erfahrung zwischen politischen, persönlichen, kollektiven und sozialen Bedingungen unserer Welt immer wieder den Blick auf unbekanntes Terrain und auf Widersprüche geöffnet. Welche Bedingungen brauchen Tanz und Choreografie im weiteren Verständnis für Arbeit, Präsenz und Präsentation? Einen Raum bewohnen in der Kunst. Ihn öffentlich bewohnen und teilen mit dem Publikum. Eine der zentralen Qualitäten der Kunst ist für mich Dauer. Macht das den Unterschied? Wie sehen Institutionen für die Kunst von Morgen aus, die der über rund 100 Jahre gewachsenen Interdisziplinarität und Durchdringung der Künste Raum geben?

Mit der Neugründung des Pina Bausch Zentrums besteht die seltene Chance der Erfindung und Entwicklung

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einer neuen inter- und transdisziplinären Kunst- und Kulturinstitution für das 21. Jahrhundert. Es soll heute ein Ort für die Kunst von morgen geschaffen werden, der zugleich herausragende künstlerische Arbeitsprozesse, Interdisziplinarität und Internationalität, eine umfassende Teilhabe, Diversität und Nachhaltigkeit ermöglicht. Die Herausforderungen der Gegenwart werden angenommen, unsere wertvollen Orte der Kunst strukturell und inhaltlich weiterzuentwickeln, als kostbare Orte der gelebten Demokratie, der Verständigung und Begegnung für die Menschen unserer veränderten Gesellschaft zu öffnen.

Eine zeitgenössische, innovative, zugleich internationale und lokale Kunstproduktion FÜR ALLE wird beispielhaft ermöglicht. Initiiert wurde das Vorhaben angesichts der Verantwortung für das Werk und die Bedeutung der Künstlerin Pina Bausch durch die herausgehobene Förderung des Bundes und eine gemeinsame Finanzierung der Stadt Wuppertal, des Landes Nordrhein-Westfalen und des Bundes. Mit der Entscheidung für Diller Scofidio + Renfro ging der erste Preis im internationalen Wettbewerb an eines der weltweit führenden Architekturbüros für Kulturbauten. Das Schauspielhaus in seiner zeitlosen Schönheit und als einer der besten Aufführungsräume für Tanz wird saniert. Erweitert wird es um einen Neubau, der das bietet, was vielen klassischen Theaterbauten fehlt: Polyvalenz, Öffnung 24/7 und Flexibilität. Das New Yorker Büro sieht einen Glasriegel aus recyceltem Stahl und Holz mit variablen Arbeitsräumen, Innen- und Außenbühnen sowie Begrünung für das Pina Bausch Zentrum vor. Es soll zudem ein Best-Pratice-Beispiel in Sachen Nachhaltigkeit durch Materialkreisläufe, Solarenergie, eine klimaaktive Fassade und Entsiegelung der Außenflächen geschaffen werden.

Als Referenzen kann das Büro die Renovierung und Erweiterung für das Museum of Modern Art (MoMA), des Lincoln Center for the Performing Arts sowie die High Line und Kulturbauten in New York, Los Angeles, Boston, London, Budapest, Adelaide und China vorweisen.

Bis zur Eröffnung befindet sich das Pina Bausch Zentrum „under construction“ und bereitet die Zukunft vor, indem 86 Open the curtains

es in dieser Interimsphase durch Labore, Veranstaltungen und Projekte low budget und spielerisch die Zukunft vorbereitet und sich mit den Menschen und Akteur:innen der Stadt wie auch international vernetzt. Welche Infrastruktur und Gastfreundschaft braucht ein inter- und transdiziplinärer Ort der Kunstproduktion, ein Raum für die Künste, die Künstler:innen, die Menschen, die den Möglichkeitsraum Kunst aktiv oder als Besucher:innen erfahren? Die Ausstellung „paths through my garden – Kunst von Mark Sieczkarek“ ist das erste Ausstellungsprojekt, um dem Werk eines eigensinnigen Künstlers aus Wuppertal Raum in diesem Projekt zu geben. Zwischen Tanz, Bildender Kunst, Kostümen, Film, Performance, Installation, Upcycling, Musik und Gesprächen sind die Menschen auf den Wegen durch diesen „Garten“ eingeladen.

Mitten in der Endphase der Vorbereitung der Werkschau „paths through my garden“ ist Mark Sieczkarek von uns gegangen. Wir widmen diese Werkschau ihm, all seinen Freund:innen Wegbegleiter:innen, seiner Familie – in Liebe, denn sie hat ihn ausgemacht. Ein großer Dank gilt allen, die gemeinsam an dieser Werkschau mitgewirkt haben.

In unserem Key-Visual von Detlef Erler sehen wir Mark Sieczkarek im Film »Die Klage der Kaiserin« von Pina Bausch ins Offene rennend, Himmel, Pferde, eine Wiese durchlaufend, im Schottenrock und offener Jacke, Tracht seiner Heimat, samt weißer Kniestrümpfe und Trinkbeutel. Es ist das Bergische Land, das er erstürmt, und zugleich das unbekannte Terrain unserer Welt. ///

„The Tower“ (2015), Foto: Jens Grossmann Vorherige Seite: Mark Sieczkarek und Gabrio Gabrielli in „Dream“ (2007) im Museum Folkwang in Essen, Foto: Ursula Kaufmann

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Dominique Mercy und Mark Sieczkarek in „Auf dem Gebirge hat man ein Geschrei gehört“ (1987), ein Stück von Pina Bausch und dem Tanztheater Wuppertal, Fotos: Monika Rittershaus

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Oben: Mark Sieczkarek in „Viktor“ (1986), ein Stück von Pina Bausch und dem Tanztheater Wuppertal, Foto: Detlef Erler Rechts: Mark Sieczkarek in „Viktor“ (1986), ein Stück von Pina Bausch und dem Tanztheater Wuppertal, Foto: Ulli Weiß

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Mark Sieczkarek, Mu-Yi Kuo, Camilo Milton, kniend Tsai-Chin Yu in „Dream“ (2007) im Café ADA in Wuppertal, Foto: Dorothea Schwabe

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Mark Sieczkarek, in „Dream“ (2007) im Café ADA in Wuppertal, Foto: Dorothea Schwabe

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Mark Sieczkarek und Jeong Lee in „Moon Song“ (2008), Fotos: Ursula Kaufmann

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Cagda Ermis, Blanca Noguerol Ramírez, Julian Stierle, Tsai-Wei Tie, Darwin José Díaz Carrero und Chang-Wen Hsu in „July“ (2012), Foto: Ursula Kaufmann

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René Alejandro Huari Mateus, Meritxell Checa Esteban, Paul Hess und weitere Tänzer:innen, in „Fearful Symmetries“ (2008), Foto: Georg Schreiber

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Beide Seiten: „Eu estive aqui“ (2010), Fotos: Ursula Kaufmann

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Kenji Takagi, Daphnis Kokkinos und Franko Schmidt in „The tired queens garden“ (2017), links: Aida Vanieri in „The tired queens garden“ (2017), Fotos: Jens Grossmann

Vorherige Seite: Zoya Zolotareva, Clara Manderscheid, Valentina Herold, Antony Franz, Anouk Orignac, Cheryl Friedrich, Stsiapan Hurski und Antonia Stecker in „Wir werden“ (2016), Performance in der Folkwang Universität der Künste, Foto: Georg Schreiber

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Links: Tsai-Chin Yu in „The tired queens garden“ (2017), rechts: Julie Shanahan in „The tired queens garden“ (2017), Fotos: Jens Grossmann

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Malou Airaudo und Dominique Mercy im Film „Malou and Dominique“ (2020) von Mark Sieczkarek, vier Filmstills

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Gustavo Stanley, Udo Sträßer, Tsai-Chin Yu, Keisuke Mihara im Film „Streetwear“ (2022) von Mark Sieczkarek, vier Filmstills

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Telma de Souza und Wigabriel Soto Eschebach im Film „Streetwear“ (2022) von Mark Sieczkarek, zwei Filmstills

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Mum and dad, 42 x 60 cm, Acryl, Jahr unbekannt

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Mum and dad, pink, 50 x 70 cm, Acryl, Jahr unbekannt

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San Antonio, 150 x 99 cm, Acryl, 1998

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Stromboli, 78 x 94 cm x 18 cm tief, Mischtechnik, 1997

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Don’t be afraid, Stickerei, 30 x 30 cm, 2020

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Untitled, 76 x 65 cm, Collage/Mischtechnik, Jahr unbekannt

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Untitled, 31 x 40 cm, Collage/Mischtechnik, 2025 Rechte Seite oben: Untitled, 24 x 30 cm, Acryl, 2023 Rechte Seite unten: Untitled, 24 x 30 cm, Acryl, 2024

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Ricardo, Jader und Lars, 30 x 40 cm, Acryl, 2021

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Blumen, 40 x 50 cm, Acryl, 2025

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Mark Sieczkarek (1986), Foto: Detlef Erler

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Mark Sieczkarek 10. 9. 1962 bis 8. 9. 2025 / Leben und Werk

1962 Geboren am 10. September in Inverness (Schottland) als Sohn von Ildephonse Sieczkarek und Margaret ChapmanSieczkarek. Sein Bruder Jean Pierre, damals vier Jahre alt, wurde am 22. 8. 1958 geboren.

1973–1981 Ausbildung an der Royal Ballet School in London.

1981–1983 Engagement und erste professionelle Choreografien am „Scapino Ballet“ in Amsterdam: „Je bent“ (1982), „Highland Fling“ (1982), „There is no business as shoe business“ (1982), „Play it again Sam“ (1983), „Kaskop“ (1983).

1983–1985 Tänzer im Kollektiv „Penta“ in Rotterdam: „Veronique le printemps est la“ (1984) und „Lucky Linda“ (1985).

1985–1988 Tänzer am Tanztheater Wuppertal Pina Bausch. In dieser Zeit tanzte er in „Viktor“ (Premiere 14. 5. 1986) und „Ahnen“ (Premiere 21. 3. 1987). Zudem wirkte er in den Filmen von Pina Bausch „AHNEN ahnen“ (1987/2014) und „Die Klage der Kaiserin“ (1989) mit. Darüber hinaus tanzte Mark Sieczkarek in den Stücken „Das Frühlingsopfer“, „Die sieben Todsünden“, „Kontakthof“, „Arien“, „Nelken“ und „Auf dem Gebirge hat man ein Geschrei gehört“.

1988 Seit 1988 war Mark Sieczkarek als freischaffender Choreograf und Künstler aktiv. „September Moon“ am Folkwang Tanzstudio, Essen

1989 „Forbidden Fruit“ im Proberaum der Deutschen Oper am Rhein / Düsseldorf 1990 „Return to sender“ am Folkwang Tanzstudio, Essen „Wohl ist sie schön, die Welt“ im Theater Kampnagel, Hamburg 1991 „Light to light“ (Premiere 10. 5. 1991) in der Werkstattbühne, Düsseldorf 1993 „Easy to love“, Folkwang Tanzstudio im Theater im Depot, zu den Ruhrfestspielen, Recklinghausen 1994 „Hurricane – men’s solos“ in der Fabrik Heerder, Krefeld 1995 „Tutú“ in der Folkwang Universität der Künste, Essen „Drops of rain in perfect days of June“ (Premiere 18. 10. 1995) im Korzo Theater, Den Haag, Niederlande 1996 „Macbeth“ im Schloß Broich, Mülheim „Funky Drummer“ in der Folkwang Universität der Künste, Essen Träger des Förderpreises des Landes Nordrhein-Westfalen 1997 „Red hot“ im Choreografischen Zentrum NRW, Essen 1998 „Singing of the times“ im Tanzhaus NRW, Düsseldorf Gründung der „Mark-Sieczkarek-Company“

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1999 „Home-thoughts, from abroad“ (Premiere 30. 4. 1999) im Tanzhaus NRW, Düsseldorf Träger des nach Wolfgang Max Faust benannten Preises der deutschen Aids-Stiftung 2000 „Butterfly word“ im Ringlokschuppen, Mülheim an der Ruhr „Now that the sun hath failed his light“ (Premiere 13. 9. 2000) im Ringlokschuppen Ruhr, Mülheim an der Ruhr 2001 „Living with Aids“ mit der Dance Factory im National Theatre, Ghana „Shirley Valentine“ im Ringlokschuppen Ruhr, Mülheim an der Ruhr 2002 „Daytime – men’s solo“ im Ringlokschuppen Ruhr, Mülheim an der Ruhr 2003 „Broke“ in Ghana und im Ringlokschuppen Ruhr, Mülheim an der Ruhr 2004 „Spartacus III“ im Rahmen der Ruhrtriennale im Ringlokschuppen Ruhr, Mülheim an der Ruhr 2005 „Garden of order“ in Mülheim an der Ruhr „Auf Glas“ (Premiere 5. 11. 2005) in der Fabrik Heeder, Krefeld „Seasons of love“ (Premiere 17. 12. 2005) mit der Palucca Hochschule für Tanz im Staatsschauspiel Dresden 2006 „Sometimes the wind blows and you and I float“ (Premiere 1. 9. 2006), im Folkwang Museum, Essen

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2007 „Dream“ (Premiere 25. 10. 2007) im Café Ada, Wuppertal und Folkwang Museum, Essen „Black is the colour …“ (Mark Sieczkarek und Malou Airaudo) im Teatro Goldoni, Florenz, Italien „Dulce Tropico“ im Teatro de la Danza, San José, Costa Rica „Nothern Dawn“ im Café Ada, Wuppertal „Mein Mann“ im Theater Roxy Theater, Birsfelden (Basel) 2008 „Fearful Symmetries“ in der Folkwang Universität der Künste, Essen „Cipo“ im Teatro delle Voci, Treviso, Italien „Slow Bolero“ in San José, Costa Rica „Olhos fechados no sol“ (Premiere 28. 3. 2008) im Teatro São Pedro, Porto Alegre, Brasilien „Moon Song“ (Premiere 30. 9. 2008), im Kulturzentrum die börse, Wuppertal 2009 „Waiting in vain“ (Premiere 6. 5. 2009) im Kulturzentrum die börse, Wuppertal 2010 „Tabang“ in der Folkwang Universität der Künste, Essen „Common Tones“ (Premiere 9. 10. 2010), im Theater Münster „Eu estive aqui“ (Premiere 15. 12. 2010) im Theater im Pumpenhaus, Münster 2011 „In Person“ (Premiere 11. 5. 2011) im Theater im Pumpenhaus, Münster „Oblivion Suave“ (Premiere 15. 5. 2011) im Theater im Pumpenhaus, Münster, im Rahmen von tanz NRW 11 „Symfonia“ (Premiere 6. 10. 2011) in der Fabrik Heeder, Krefeld

2012 „July“ (Premiere 20. 1. 2012) im Folkwang Tanzstudio, Neue Aula, Essen „The fool“ (Premiere 4. 5. 2012) im Theater im Pumpenhaus, Münster 2013 „Music for a while“, ein Stück mit Amateur-Tänzerinnen (Premiere 21. 3. 2013) in der Rudolf-Steiner-Schule, Wuppertal „Solo“ (Premiere 18. 4. 2013) im Kulturzentrum die börse, Wuppertal „Silencio“ (Premiere 25. 10. 2013) mit der Compania de Camera Danza Escuela de Danza (UNA) im Teatro de la Danza, San José, Costa Rica „Otros mares“ (Premiere 7. 12. 2013) mit der Compania de Danza de Centroamerica y el Caribe (CODACA) im Teatro Nacional, San Salvador, El Salvador 2015 „A quiet place“, ein Stück mit Amateur-Tänzer:innen (Premiere 21. 6. 2015) im Kulturzentrum Immanuel, Immanuelskirche, Wuppertal „The Tower“ (Premiere 18. 4. 2015) im soziokulturellen Zentrums die börse, Wuppertal „Gehe Wege in die Stadt“ (19. 9. 2015), Gehperformance im Rahmen von „Lebe Liebe Deine Stadt. Tanz und Performance bewegen Wuppertal“, ein Projekt des soziokulturellen Zentrums die börse, Wuppertal.

2018 Film „Men at work“, Projektionen im öffentlichen Raum Wuppertals (2019/2020) „Brunnenkunst“ (März bis Juli 2018), Nutzung eines Ladenlokals als Ausstellungs- und Veranstaltungsraum auf dem Wuppertaler Ölberg 2020 Film „Malou and Dominique“ (Premiere 16. 2. 2020), im Metropol Filmkunstkino, Düsseldorf Installation „Don’t be afraid“ (Dezember 2020 bis März 2021) in der „Zukunftsküche“ am Wuppertal Institut für Klima, Umwelt, Energie, Wuppertal 2022 Film „Streetwear“ (Premiere 29. 1. 2025) in der Reihe „Tanzrauschen im Kino“ im Rex-Filmtheater, Wuppertal 2024 Im September 2024 wird bei Mark Sieczkarek die Nervenkrankheit ALS diagnostiziert.

2025 Die Werkschau „paths trough my garden – Kunst von Mark Sieczkarek“ und das Künstlerbuch „Highland Child“ hat Mark Siezckarek bis zu seinem Tod mitgestaltet.

Am 8. 9. 2025 stirbt Mark Sieczkarek in Wuppertal.

2016 „Wir werden“ (Premiere 21. 6. 2016) in der Folkwang Universität der Künste, Essen 2017 „The tired queens garden“ (Premiere 30. 6. 2017) in der Reihe Underground des Tanztheaters Wuppertal in den Riedel-Hallen, Wuppertal

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Autorinnen und Autoren

Mark Sieczkarek in Porto Alegre, Brasilien 2008 mit der Cia de dança, Foto: Tânia Baumann

Ruth Amarante Geboren 1963 in Rio de Janeiro, Brasilien. Aufgewachsen in Sao José dos Campos, einer damals kleinen Stadt im Bundestaat São Paulo. Mit 18 Jahren in die Metropole São Paulo gezogen, um zu tanzen. Zwei Jahre später weiter nach Rio für das Medizinstudium. 1988 für das Tanzstudium an der heutigen Folkwang Universität der Künste in EssenWerden angekommen. Getanzt von 1991 bis 2022 bei Pina in Wuppertal. Seit 2000 das Leben mit Jorge teilend. 2001 ist Manuela geboren. 2003 folgte Lara. 2008 kam Kalu. Seit 2022 zurück in der Medizin, als Ärztin für Psychiatrie und Psychotherapie. Dazwischen das Leben.

Uta Atzpodien Geboren 1968 in Freiburg. Sie ist Dramaturgin, Kuratorin, Autorin und Transformationsmanagerin für Nachhaltige Kultur. Mit „Szenisches Verhandeln“ promovierte sie über zeitgenössisches Theater in Brasilien. Mit transdisziplinären Impulsen engagiert sie sich für einen gesellschaftlich nachhaltigen Wandel und eine kreative Stadtentwicklung.

Seit 2006 lebt sie in Wuppertal, hat zwei Söhne und ist im Vorstand von )) freies netz werk )) KULTUR, dem Kulturort INSEL e. V. und dem und.Institut für Kunst, Kultur und Zukunftsfähigkeit e. V. aktiv.

Holger Bergmann Geboren 1965 im Ruhrgebiet. Er ist Kurator, Mentor und leitet als Geschäftsführer den Fonds Darstellende Künste.

Er lebt in Berlin. Studien der Theaterwissenschaft 1990 bis 1995 an der Ruhr-Universität Bochum. Gründungsmitglied und von 2002 bis 2014 Künstlerischer Leiter des Theaterproduktionshauses Ringlokschuppen Ruhr. Eigene Inszenierungen an Freien Theatern und zahlreiche insbesondere partizipatorische Projekte mit Künstler:innen und Kollektiven des frei produzierenden Theaters. Mitglied in Kuratorien, Jurys und in kulturpolitischen Organisationen sowie Initiativen. Berater für strategische Kulturentwicklung für Kommunen und Institutionen.

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Finola Cronin Geboren 1956 in Dublin. Sie absolvierte ihre Tanzausbildung in Dublin und London. In Deutschland tanzte sie mit der Kompanie Vivienne Newport, dem Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, mit Mark Sieczkarek und Raimund Hoghe. In Irland trat sie mit der Liz Roche Company auf und arbeitet derzeit mit der Junk Ensemble Dance Company. Sie ist emeritierte Assistenzprofessorin und ehemalige Leiterin des Fachbereichs Theaterwissenschaften an der School of English, Drama and Film des University College Dublin.

Michael Freundt Geboren 1966 in Erfurt. Er studierte Theaterwissenschaft, Philosophie und Tanzwissenschaft. Er war freier Journalist, Regisseur, Dramaturg und Theaterproduzent. Von 1997 bis 2002 war er für das Festivals euro-scene Leipzig tätig, von 2003 bis 2020 arbeitete er als stellvertretender Direktor des Internationalen Theaterinstituts (ITI) – Zentrum Bundesrepublik Deutschland. Mit der Gründung der SK Tanz (jetzt: Dachverband Tanz Deutschland) wurde er im März 2006 zum Geschäftsführer berufen.

Barbara Kaufmann Geboren 1959 in Braunschweig. Sie begann ihre Tanzausbildung 1977 in München, tanzte ab 1984 im Folkwang Tanzstudio und begann 1987 ihr Engagement im Tanztheater Wuppertal Pina Bausch. Sie tanzte in vielen Repertoirestücken und Neukreationen, übernahm dazu ab 2002 Assistenzen und Einstudierungen. Zahlreiche Gastspielreisen mit dem Tanztheater führten sie um die Welt. Ab 2011 arbeitete sie im Archiv der Pina Bausch Foundation und ist bis heute an Einstudierungen von Repertoirestücken in verschiedenen Tanzkompanien beteiligt. Sie ist Mutter von zwei Söhnen und engagiert sich im buddhistischen und rotarischen Kontext für Frieden, Kultur und Bildung.

Urs Kaufmann Geboren 1956 in Luzern. Er wurde an der Folkwang Hochschule zum Bühnentänzer ausgebildet. 1979 erstes Engagement beim Ballett der Deutschen Oper am Rhein. Von 1980 bis 2002 war er Mitglied des Tanztheaters Wuppertal Pina Bausch. Er gehört zur Originalbesetzung von zehn Pina Bausch-Produktionen, u. a. „Bandoneon“, „Walzer“, „Nelken“, „Viktor“. 2010 stand er zuletzt in „Komm tanz mit mir“ mit dem Bausch-Ensemble auf der Bühne. 2002 wechselte er zum Kulturbüro der Stadt Wuppertal. Seit 2021 ist er in Rente. Urs Kaufmann ist Vater von zwei Söhnen.

Bettina Milz Geboren 1959 in Neuwied am Rhein. Sie ist seit April 2022 Leiterin und inhaltliche Koordinatorin des Pina Bausch Zentrums under construction in Wuppertal. Nach dem Studium der Angewandten Theaterwissenschaft in Gießen arbeitete sie u. a. an der Universität Frankfurt bei Prof. HansThies Lehmann, als Dramaturgin, Kuratorin, Dozentin und Autorin in allen Sparten des Theaters mit Schwerpunkt Tanz und interdisziplinäre Experimente, dazu an der Staatsoper Stuttgart, beim Internationalen Sommerlabor / TANZLABOR_21, für die Hessische Theaterakademie am Mousonturm Frankfurt. Sie geht einer umfassenden Lehrtätigkeit nach und leitete das Referat für Theater und Tanz im Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen.

Kenji Takagi Geboren 1972 in Berlin. Er ist freischaffender Tänzer, Choreograf und Pädagoge. Von 2001 bis 2008 war er Ensemblemitglied beim Tanztheater Wuppertal Pina Bausch. Er erhielt den Deutschen Theaterpreis „Der Faust“ für herausragende darstellerische Leistung im Tanz. Zuletzt wirkt Kenji insbesondere in spartenübergreifenden Kontexten. Seit 2018 ist er Mitglied der inklusiven Kompanie „Pour-Ensemble“.

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Dank

Ein großer Dank geht an alle Ermöglicher:innen und Unterstützer:innen dieses Journals und der Werkschau, jene, die Vorhänge öffnen und den Garten Mark Sieczkareks weiter pflegen. Dazu gehören Fotograf:innen, die Marks Leben und Werk verfolgt und sichtbar gemacht haben, wie Georg Schreiber, Jens Grossmann, Ursula Kaufmann, Detlef Erler, Gerno Michalke, Monika Rittershaus, Ulli Weiß und Rysczard Kopczynski. Die freundliche Unterstützung seitens der Pina Bausch Foundation war hier sehr wertvoll. Die Autorinnen und Autoren Ruth Amarante, Holger Bergmann, Finola Cronin, Michael Freundt, Raimund Hoghe, Barbara und Urs Kaufmann, Bettina Milz und Kenji Takagi haben eine Stimmenvielfalt ermöglicht. Darüber hinaus haben Einordnungen und hilfreiche Informationen weiterer Personen die Arbeit am Journal bereichert. Eine wichtige Unterstützung für den Umgang mit dem umfassenden Werk Mark Sieczkareks war das Werkschau-Team mit Wigabriel Soto Eschebach, Roberto Graiff, Lars Hoffmann, Franziska Hartmann, Felicitas Willems und Bettina Milz.

Sollten trotz intensiver Recherche in engem Zeitfenster Rechteinhaber unberücksichtigt geblieben, Einordnungen und Namensnennungen nicht vollständig und korrekt sein, bitten wir dies zu entschuldigen. Der größte Dank gilt Mark Sieczkarek – und natürlich allen Tänzer:innen und Mitwirkenden, die daran beteiligt waren, sein Werk umzusetzen. Mark Sieczkarek hat uns mit seinem Leben und Werk ein großes Geschenk, einen weiter zu bergenden Schatz hinterlassen.

Untitled, 75 x 49 cm, Collage/Mischtechnik, 2003

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Die vorliegende Publikation wird im Rahmen der Werkschau „paths through my garden – Kunst von Mark Sieczkarek“ veröffentlicht.

Die Werkschau wird von TANZRAUSCHEN produziert und ist Teil der Vorbereitungsphase des Pina Bausch Zentrums. Weitere Kooperationspartner sind der Dachverband Tanz, die Pina Bausch Foundation und das Deutsche Tanzarchiv Köln.

Die Werkschau kann dank der Förderung der Kunststiftung NRW, des Fonds Darstellende Künste, des Kulturbüros der Stadt Wuppertal, der Dr. Werner Jackstädt-Stiftung Wuppertal, des Sparkassenfonds für Kunst und Kultur in Wuppertal und der Stiftung Kalkwerke Oetelshofen realisiert werden.

Das Pina Bausch Zentrum ist ein Projekt der Stadt Wuppertal, gefördert durch das Land Nordrhein-Westfalen und den Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien, in Zusammenarbeit mit dem Tanztheater Wuppertal Pina Bausch und der Pina Bausch Foundation.

TANZRAUSCHEN ist ein als gemeinnützig anerkannter Verein in Wuppertal und wird gefördert durch das Kulturbüro der Stadt Wuppertal.

Bibliografische Informationen der Deutschen Nationalbibliothek Die Deutsche Nationalbibliothek verzeichnet diese Publikation in der Deutschen Nationalbibliografie; detaillierte bibliografische Daten sind im Internet über http://dnb.dnb.de abrufbar.

Texte und Abbildungen sind urheberrechtlich geschützt. Jede Verwertung, die nicht ausdrücklich im UrheberrechtsGesetz zugelassen ist, bedarf der vorherigen Zustimmung der Rechteinhaber. Das gilt insbesondere für Vervielfältigungen, Bearbeitungen, Übersetzungen, Mikroverfilmung und die Einspeisung und Verarbeitung in elektronischen Medien.

Abb. Umschlag außen: Mark Sieczkarek in „Die Klage der Kaiserin“ (1989) von Pina Bausch © Detlef Erler Abb. Umschlag innen, beide: Mark Sieczkarek in „In Person“ (2011) © Georg Schreiber Originalausgabe, Oktober 2025 © bezgl. des Werkes von Mark Sieczkarek: Erben Mark Sieczkarek © für Texte und Fotos bei den Autor:innen und Fotograf:innen Alle Rechte vorbehalten.

ISBN 978-3-95749-600-3 (Paperback) ISBN 978-3-95749-601-0 (ePDF) Herausgegeben von: Tanzrauschen e. V., Wuppertal, www.tanzrauschen.de Redaktion: Dr. Uta Atzpodien, Wuppertal Layout, Satz: Kerstin Hamburg / hamburg wuppertal, www.hamburgwuppertal.de Bildbearbeitung: Wolf Birke Fotografie, Wuppertal Lektorat: M. C. Graeff, Wuppertal Druck und Bindung: Optimal Media, Röbel/Müritz Printed in Germany Verlag Theater der Zeit Winsstraße 72 | 10405 Berlin | Germany www.tdz.de | info@tdz.de

„Open the curtains. Zum Werk von Mark Sieczkarek“ lädt als Journal zu einer Erkundungsreise in das facettenreich inspirierende Schaffen des Choreografen und Künstlers Mark Sieczkarek (10. 9. 1962 – 8. 9. 2025) ein. In Schottland geboren, kam er über Pina Bausch nach Wuppertal und folgte dann bald seinem eigenen künstlerischen Weg. Anlass für das Journal war die Ausstellung „paths through my garden – Kunst von Mark Sieczkarek“ vom 9. bis 26. Oktober 2025 im Schauspielhaus/ Pina Bausch Zentrum under construction in Wuppertal. Bis zu seinem Tod hat der Künstler die Werkschau mit vorbereitet. Im Journal finden fotografische Aufnahmen seiner Choreografien, Bühnenbilder und Kostüme ihren Raum, die in über 50 Produktionen in vier Jahrzehnten entstanden sind, ebenso wie Verweise auf seine Filme und Skizzen, Zeichnungen und Bilder. Ergänzt werden die Zeugnisse seiner vielfältigen künstlerischen Aktivität durch Stimmen und Betrachtungen mehrerer künstlerischer Weggefährt:innen.

In „Highland Child“ beendet Mark Sieczkarek sein letztes Gedicht „The end“ mit der Zeile „Open the curtains“. Zeitgleich zum Journal erscheint dieser Band als 2025 zusammengeführte Sammlung eigener Bilder und Gedichte. Sieczkareks letztes Lebensjahr war geprägt von den Herausforderungen der Krankheit ALS. Journal und Künstlerbuch laden nun als posthume Würdigung in Mark Sieczkareks sanftes und zugewandtes, irritierendes und rebellisches Universum ein.

ISBN 978-3-95749-600-3