mambo
#14
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editorial Llega el número 14 de la versión digital de mambo cuando estamos empezando a preparar ya el segundo número de la versión sobre papel, de la que iremos informando, como siempre, a través del blog y de la fanpage en Facebook. Si todavía no te has hecho con un ejemplar del número uno, aún estás a tiempo de adquirirlo en nuestro website, mambomag.com. Este mes, la principal novedad de nuestro proyecto es el lanzamiento de la revista digital arouse (mambomag. com/arouse), una publicación sobre erotismo, que dará una especial importancia a la fotografía artística erótica y de desnudos; si eres un fotógrafo especializado en este campo y te gustaría ver tus fotos publicadas en este nuevo medio, envíanos tus trabajos a info@mambomag.com y con gusto los tendremos en cuenta. El primer número de arouse saldrá el martes 24 de abril, esperamos que os guste! José Alemany
mambo#14
abril 2012
08 exposiciones 16 Joaquim Gomis: “De la mirada oblicua a la narración visual” 30 Luismi Villaescusa 50 Pedro Rodríguez 66 Eladio de las Cuevas 88 FD Imatge 102 Manu Mendoza 118 Liliana Contrera: “Sexo” 130 Ana Núñez: “Redmetric” 146 Carl Van Vechten 176 Alfred Hitchcock, el mago del suspense 188 Directorio de fotógrafos
Lo mejor de mambo ¡ahora en papel! reserva tu ejemplar en mambomag.com
En el número 1: Juan Pérez-Fajardo, Gala Martínez, Eugenio Siliceo, Le Club Soda, Sónia Guerreiro, Michel Assis, Sergio Lardiez, Emanuel Pereira A. Ribeiro, Claudio Casparrino, Orloque
A: FOTO DE PORTAD
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© EUGENIO SILICE
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libro
Robert Mappelthorpe: La mirada de Almodóvar Edita: La Fábrica Editorial. 24 x 29 cm. Español-inglés. 72 páginas. PVP: 35e. www.lafabricaeditorial.com La Fábrica Editorial edita el libro reflejo de la exposición “Robert Mapplethorpe. La mirada de Almodóvar”, organizada por la Galería Elvira González de Madrid en junio de 2011. El cineasta Pedro Almodóvar ha sido responsable de seleccionar las 31 imágenes en blanco y negro realizadas entre 1976 y 1989 que conforman este volumen.
La escritora Siri Hustvedt firma un texto inédito y exclusivo donde analiza y confronta la obra del fotógrafo americano y la del cineasta manchego. Este volumen es el segundo lanzamiento de la colección Album que reúne trabajos concretos y escogidos de los mejores autores contemporáneos, álbumes de un momento único.
Exposición en La Rioja
Ramón Masats y Ricard Terré en “Maridajes 10”. Del 2 de abril al 31 de septiembre en Bodegas Roda (Haro, La Rioja). www.roda.es Los fotógrafos Ramón Masats (1931) y Ricard Terré (1928-2009) pertenecían a una misma generación, ambos formaban parte del movimiento “Nueva Vanguardia” y compartían un espíritu creativo común. Además, les unía una muy buena amistad que les llevó, junto con Xavier Miserachs, a exponer juntos desde sus inicios. En la 10ª edición del ciclo de exposiciones “Maridajes”, Bodegas Roda reúne a estos dos autores con una selección de sus fotografías, que forman parte de los fondos de la colección de la Fundación Foto Colectania, que pretenden destacar la singularidad de sus trabajos, sus perspectivas fotográficas afines pero diferentes, creando un maridaje entre dos de sus series más importantes “Sanfermines” (1963) de Masats y “Semana Santa” de Terré. La muestra se podrá visitar en la sala de exposiciones del 2 de abril al 31 de septiembre de 2012.
SantBoi de Llobregat, 1958. Ricard Terré
Exposición en Barcelona
Antoni Tàpies. Colección, # 2 Hasta el 22 de abril en la Fundació Antoni Tàpies. www.fundaciotapies.org La Fundació Antoni Tàpies presenta una selección renovada de obras del artista, pertenecientes al fondo de la Colección. La muestra, incluye diferentes momentos creativos desde la década de 1940 hasta la actualidad e ilustra la evolución de tipologías, técnicas y materiales utilizados por Tàpies. El recorrido se inicia con Zoom (1946), que, aunque tiene un marcado carácter primitivista y mucha influencia del simbolismo, es un precedente directo de las primeras pinturas matéricas por el uso de materiales densos, por el recurso de la doble representación –la icónica y la indicativa– y por el retrato del mundo geológico primitivo. La exposición también cuenta con un conjunto de dibujos de la serie Història Natural (1950-1951) y con una muestra de piezas más recientes donde se aprecia el interés de Tàpies por las nociones de cultura y filosofía orientales.
Antoni Tàpies, Voltor (Buitre). Serie Història Natural, 1950-1951 © Fundació Antoni Tàpies, Barcelona / Vegap. De la fotografía: © Gasull Fotografía, 2012
Exposición en Madrid
Jessica Lange: “Secuencias de México” Hasta el 20 de mayo en la Casa de América de Madrid. www.casamerica.es La Casa de América, en colaboración con diChroma Photography y gracias a la cortesía de la Howard Greenberg Gallery de Nueva York, presenta, del 31 de marzo al 20 de mayo de 2012, la exposición “Secuencias de México”, de la actriz y fotógrafa estadounidense Jessica Lange, cuya obra se expone por vez primera en Madrid. La exposición, comisariada por Anne Morin, reúne 86 fotografías de las que 58 son totalmente inéditas y producidas por diChroma photography exclusivamente para esta exposición, entre ellas una secuencia de treinta imágenes que documentan un rito ancestral indio de la región de Chiapas. Tomadas en México durante los últimos 15 años, las imágenes que componen la muestra relatan mediante secuencias casi cinematográficas viajes y paisajes, siempre entre la luz y la sombra, en el umbral de lo no visto. Se trata de un México que actúa como escenario de lo cotidiano donde -más allá de la evidencia y de lo invisible- aparece la realidad en un doble fondo, y una fascinación por el detalle, lo insignificante y lo imperceptible. La escritura fotográfica de Jessica Lange resulta singular, personal, inmediata y su retórica, simpley puntual pero generosa. Más que lo que ve, fotografía lo que experimenta, por lo que esas imágenes se convierten, de alguna forma en “equivalencias”. Transmite y transpone primero una emoción que se convierte tanto en el centro como en el objeto de la imagen. La preocupación estética queda pues relegada a un segundo plano, dejando así de ser una cuestión fundamental.
Mexico @ Jessica Lange / diChroma photography
Festival en Granada
Opera Prima en Corto Del 9 al 13 de mayo en el Teatro Alhambra y Filmoteca de Andalucía, Granada. www.operaprimagranada.com El próximo mes de mayo se realizará en Granada la tercera edición del festival de cortometrajes Opera Prima en Corto, que este año cuenta además con una sección fotográfica. La sección Ópera Prima en Foto pretende ser una plataforma de exhibición y promoción de nuevos creadores dentro del Festival de cortometrajes Ópera Prima en Corto, aunando cine y fotografía en el ámbito de la creación joven. Para esta sección dedicada a la fotografía, los organizadores han lanzado un concurso, en el cual se valoran especialmente aquellas obras relacionadas con la temática audiovisual. Las fotografías seleccionadas serán expuestas durante el festival en una exposición temporal en la Escuela de Arte Granada, patrocinador del premio a la Mejor Fotografía. El premio a la originalidad será la presencia de la foto ganadora en la prestigiosa galería de Arte AM Gallery, de Almería.
libro
Marina Abramovic
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Edita: La Fábrica Editorial. 24 x 29 cm. Español-inglés. 64 páginas. PVP: 35e. www.lafabricaeditorial.com Coincidiendo con la exposición Selected Early Works en La Fábrica Galería y la representación de Vida y muerte de Marina Abramovic en el Teatro Real, La Fábrica Editorial publica uno de los últimos trabajos de la artista serbia. El libro, realizado en colaboración directa con Abramovic, recoge nueve fotografías en color y blanco y negro inspiradas por el universo de Santa Teresa de Ávila. El proyecto fue realizado en las cocinas de la sede de La Laboral en Gijón en 2009 Mateo Feijóo firma el prólogo del libro, cuyas imágenes están acompañadas por textos de Abramovic inspirados en los escritos de la santa.
Marina Abramovic. THE KITCHEN IV. Homage to Saint Therese.
mambo will be soon in english
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Joaquim Gomis de la mirada oblicua a la narración visual
La Fundació Joan Miró presenta en Barcelona, desde el 20 de abril hasta el 3 de junio, la exposición “Joaquim Gomis: de la mirada oblicua a la narración visual”. La muestra, comisariada por Juan Naranjo, incluye una selección de casi 200 fotografías y muestra uno de los aspectos más interesantes y menos conocidos de su producción: los fotoscops.
Atmósfera Miró, Joan Miró, 1942-1959 Gelatina de plata 18,6 x 18 cm © Herederos de Joaquim Gomis. Fundació Joan Miró, Barcelona
Joaquim Gomis, nacido en Barcelona en 1902, fue unos de los fotógrafos pioneros en la utilización de un nuevo lenguaje fotográfico. Destacado personaje del tejido cultural y artístico de la burguesía ilustrada catalana, Gomis desarrolló una amplia y rigurosa producción fotográfica vinculada a los posicionamientos más innovadores de su época.
Gaudí, largo banco corrido en el Parque Güell (1911) Gelatina de plata. 18 x 18 cm © Herederos de Joaquim Gomis. Fundació Joan Miró, Barcelona
La exposición “Joaquim Gomis. De la mirada oblicua a la narración visual” se ha dividido en dos ámbitos. El primero, “La mirada oblicua”, muestra la producción fotográfica de 1922 a 1939, período en el que Gomis realizó una obra pionera avanzándose a los programas de los teóricos de la Nueva Visión, y que ha desempeñado un importante papel para entender la fotografía moderna en toda Europa. Gomis tomó gran parte de estas fotografías durante sus viajes y estancias en ciudades como París y Nueva York.
Gaudí, paso cerca de la mansarda de la casa Milà Gelatina de plata. 18 x 18 cm © Herederos de Joaquim Gomis. Fundació Joan Miró, Barcelona
El segundo ámbito de la muestra, “La narración visual”, se ocupa de los fotoscops. En estos fotolibros Gomis, junto a Joan Prats, desarrolló una visión particular a medio camino entre el lenguaje cinematográfico y el fotorreportaje. Los fotoscops fueron fundamentales en la comprensión de la obra y la figura de personalidades relevantes del arte del siglo xx como Joan Miró, Antoni Tàpies o Antoni Gaudí.
Atmósfera Miró, objetos colgados en la pared, 1942-1959 Gelatina de plata. 18,2 x 18 cm © Herederos de Joaquim Gomis. Fundació Joan Miró, Barcelona
La exposición presenta fotoscops inéditos como Eucaliptus, Barcelona y la serie sobre el cuerpo femenino, así como otros que tuvieron un éxito destacado como Atmósfera Miró, Gaudí, Ibiza fuerte y luminosa y Artesanía. En este apartado se parte de una selección de fotografías, maquetas, álbumes, fichas fotográficas, proyecciones y fotolibros para acercar al público la innovadora concepción narrativa que usaron Joaquim Gomis y Joan Prats en los fotoscops.
Ibiza fuerte y luminosa, cortina de elaboración artesana con trocitos de junco, c. 1940 Gelatina de plata. 17,2 x 17,7 cm © Herederos de Joaquim Gomis. Fundació Joan Miró, Barcelona
La mayoría de las fotografías de la exposición proceden del Arxiu Joaquim Gomis, propiedad de sus herederos y depositado en el Arxiu Nacional de Catalunya. El Arxiu Joaquim Gomis consta de 70.000 imágenes y documentación complementaria como cartas, libros y catálogos. La Fundació Joan Miró, los nietos del fotógrafo y la Generalitat de Catalunya firmaron un acuerdo en virtud del cual los propietarios ceden el Arxiu en contrato de comodato a la Generalitat, que lo destina al Arxiu Nacional de Catalunya y otorga la responsabilidad de explotación de las imágenes a la Fundació Joan Miró.
Eucalipto, 1940 Gelatina de plata. 17,3 x 17,5 cm © Herederos de Joaquim Gomis. Fundació Joan Miró, Barcelona
La Fundació Joan Miró ha preparado numerosas actividades complementarias a la exposición como los talleres Miradas singulares (con cámara digital) y La caja fotográfica (taller de fotografía estenopeica).
La Fundació también organiza visitas a la exposición comentadas por fotógrafos como Margarita Andreu, Antoni Bernad, Manel Esclusa, Joan Fontcuberta y Profesor Manso, que aportarán una nueva mirada a la obra de Joaquim Gomis.
Joaquim Gomis. De la mirada oblicua a la narración visual se ha realizado con el apoyo de la Generalitat de Catalunya, el Arxiu Nacional de Catalunya y el Arxiu Joaquim Gomis, y con la colaboración de El Periódico, TV3 y Catalunya Ràdio.
Ibiza fuerte y luminosa, silla ibicenca, c. 1947 Gelatina de plata. 17,2 x 17,7 cm © Herederos de Joaquim Gomis. Fundació Joan Miró, Barcelona
luismi villaescusa www.luismivillaescusa.com
La mayor parte de mi trabajo gira en torno a las personas y la condición humana. Cada modelo tiene algo que ofrecer, y capturarlo vale la pena... Cuando presiono el disparador de mi cámara tengo presente que ése instante en el tiempo se congelará para que otros puedan disfrutar de él. Conseguir captar la imagen que tengo en mente es el desafío que me impulsa en cada uno de los disparos de una sesión fotográfica. Antes de cada sesión exploro las localizaciones y las fotografío sin modelo imaginándome las escenas que pudiesen cuadrar con cada escenario. El objetivo es que el espectador pueda respirar literalmente el ambiente de cada imagen, de manera que el escenario es tan importante
para la imagen como la propia modelo. Busco un equilibrio en la composición en el que el fondo juegue un papel importante sin llegar a predominar sobre la modelo, para mi ésta es la clave de una gran imagen. En consecuencia, me encanta llevar a la modelo no sólo a una sesión fotográfica, sino a una aventura. La base prioritaria de mis imágenes son las emociones capturadas dentro de una atmósfera a veces inquietante. Me gusta trabajar con modelos que comparten mi creatividad y estilo para hacer que el resultado final sea visualmente atractivo, y para reflejar el valor de su contribución en el desarrollo de imágenes dinámicas.
DRESSED IN A DEVASTATED WORLD (esta doble página y la página anterior): Modelo: Jennyfer García (jennyfergarcia.jimdo.com) • Maquillaje, estilismo y peluquería: Elisa Gil (www.elisagilmakeup.com) Vestuario: Chema Gago (Madrid Italian Outlet) • Fotógrafo: Luismi Villaescusa (www.luismivillaescusa.com)
Realizo fotos de moda, retrato y desnudo artístico, con una prevalencia del blanco y negro. La finalidad de mi trabajo es capturar la belleza natural intemporal de la forma femenina a través del objetivo. Para mí la fotografía es una forma de vida, el arte de ver no sólo la belleza exterior de las personas, si no mirarlas mucho más profundamente mientras muestro mis sentimientos a través de mi lente, descubriendo nuevas formas, técnicas y posibilidades de desarrollar ésta pasión creciente, deseando aprender cada día algo nuevo.
FREQUENCY SEDUCTION (esta doble página y las siguientes) Modelo: Ana María Dascalescu (www.fotoplatino.com/fp9916) Maquillaje, estilismo y peluquería: Elisa Gil (www.elisagilmakeup.com) Fotógrafo: Luismi Villaescusa (www.luismivillaescusa.com)
Cerca de veinte fotografías de la serie de Luismi Villaescusa “Frequency Seduction”, en el primer número de la revista digital “Arouse” (mambomag.com/arouse), disponible el próximo 24 de abril.
arouse
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El 24 de abril lanzaremos el primer de la revista digital de erotismo arouse, con nuevos portfolios y más fotografías de: Luismi Villaescusa: “Frequency Seduction” Mimí Mitsou: “Mapas de extravío” Liliana Contrera: “Sexo” Pedro Rodríguez Angel Caraballo Sigue arouse en el blog (revista-arouse.blogspot.com.es), en facebook (facebook.com/arouse.magazine), en twitter (twitter.com/#!/arousemagazine) y el website mambomag.com/arouse Foto de la serie “Frequency Seduction”, de Luismi Villaescusa. Modelo: Ana María Dascalescu. Maquillaje, estilismo y peluquería: Elisa Gil
www.zonacinco.com.mx zvcomunicacion.com.mx pedro.rodriguez@zvcomunicacion.com.mx
pedro rodrĂguez
de la serie “alta tensión”
de la serie “plenitud�
de la serie “por aire�
de la serie “nimphes (the ten symphonies of Gustav Mahler)” sinfonía nº 5
eladio de las cuevas
https://picasaweb.google.com/114464999705623420949 eladin photo <eladin2@hotmail.com>
de la serie “paraguas”
de la serie “fantasmagorías”
de la serie “nimphes (the ten symphonies of Gustav Mahler)”. Sinfonía nº 4
de la serie “nimphes (the ten symphonies of Gustav Mahler)”. Sinfonía nº 8
de la serie â&#x20AC;&#x153;balletâ&#x20AC;?
budapest, 2006
de la serie â&#x20AC;&#x153;legsâ&#x20AC;?
lisboa, 2006
lisboa, 2006
de la serie “paraguas”
londres
madrid, 2011
budapest, 2006
budapest, 2006
budapest, 2006
praga, 2005
fd imatge FDimatge es un colectivo formado por Jordi Mullor (fotógrafo), Quico Buigues (fotógrafo) y Judith Colón (costume stylist & make up artist). Nos gusta estar siempre en movimiento, probando cosas nuevas para mejorar. De una idea sencilla, le damos una vuelta de tuerca para hacerlo un poco más interesante. Nos encanta trabajar con todo tipo de gente con la que hemos hecho algunos trabajos: diseñadores, músicos, modelos, especialistas en combate medieval, ilustradores, diseñadores gráficos... Ahora estamos haciendo algunos pinitos en video.
www.fdimatge.com Blog: fdimatge.blogspot.com.es info@fdimatge.com facebook: www.facebook.com/#!/pages/FDimatgePhoto-Video/119576094808225
tonight so bright
sweet suit delay
apocalyse brides
chrisus jist
ferrum radix
dirty window
pulm贸n negro
black pin up
happy down
checker
manumendoza.com somos un grupo de creativos que se dedican a mezclar el mundo de arte con la moda. Junto con paparazzi! models&events, nuestra agencia de moda y comunicación, impulsamos creativos proyectos que impactan y dejan huella. Nuestra incansable búsqueda de nuevas e inusuales localizaciones marcan la diferencia. Nuestras especialidades son la fotografía de moda, catálogos, imagen corporativa y marketing online entre otras actividades.
www.manumendoza.com info@manumendoza.com facebook: http://www.facebook.com/manumendozaphoto twitter: manumend0za blog: blog.manumendoza.com
manu mendoza
¿eres fotógrafo? En mambo queremos promocionar a jóvenes fotógrafos. Si quieres que una selección de tus mejores fotos aparezca publicada en las páginas de mambo, envíanos un e-mail a info@mambomag.com (asunto “fotógrafo”) con tu nombre y un enlace a algunas de tus fotografías y nos pondremos en contacto contigo lo antes posible.
liliana contrera sexo Liliana Contrera nació en mayo de 1972 en Misiones (Argentina) y vive y trabaja en Buenos Aires. Se formó en la Escuela de Arte Fotográfico de Avellaneda, estudió fotoperiodismo en la UBA en 1998 y Antropología Visual y Técnicas de Investigación, además de asistir al Taller de Ensayo fotográfico de Adriana Lestido entre 1999 y 2002. En la actualidad toma clases con el fotografo Carlos Bosch. Ha sido docente en el Centro de Formación Profesional Nº 28, y es docente particular. Ha participado en las exposiciones “30 Años estética de la memoria” (Centro Cultural Recoleta, 2006), Estudio Abierto – San Telmo, Porfolios en la vidriera en el Instituto Superior Octubre, Buenos Aires, en el Espacio Ecléctico, Museo Rock – San Telmo; “6 Fotógrafas” Biblioteca Sarmiento de Quilmes. En “Mirada Latinoamericana” (Universidad Autónoma de Cataluña); “Pasado/Presente” en C. Séller & Galerie Markt 21 (Weimar, Alemania) y en la Biblioteca Del Comune de San Giovanni A Teducio (Napoli, Italia), además de exponer en el Festival de fotografía de Roma.
lilianacontrerafotografias.blogspot.com lilithfoto@hotmail.com
anita nuñez Redmetrics
fotografía : Anita Nuñez make up/ hair: Miguel Angel Gómez modelo : Chacha Huang http://cargocollective.com/anitanuniezphoto
Me inspiran los misterios del bosque, los colores, los elefantes de porcelana, los pájaros y si, también los almendros... Me quitan el sueño las ninfas que encuentro en mi vida cotidiana, princesas disfrazadas de gente común… Creo en los indios multicolores que se esconden en los árboles y salen por las noches a hacer revolución en los corazones de la gente gris que solo espera la muerte, mientras ahi fuera están todos estos seres mágicos que espero seguir encontrando toda mi vida. Y yo también creo en lo esencial, eso que es invisible a los ojos. Anita Nuñez (26), nació en Buenos Aires y actualmente vive entre Ibiza y Madrid.
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clásicos de la fotografía:
carl van vechten Carl Van Vechten nació el 17 de junio de 1880 en Cedar Rapids (Iowa, EE.UU.), de donde partió en 1899 para asistir a la Universidad de Chicago. En Chicago, Van Vechten entró en contacto con el arte, la música y la ópera y, al terminar sus estudios, empezó a trabajar escribiendo crónicas de multitud de temas para el “Chicago American”, las cuales a veces tenía que acompañar con fotografías. En 1906, se trasladó a New York City, donde trabajó como crítico musical para el New York Times y, en 1909, se convirtió en el primer crítico norteamericano de danza moderna, en una época en que Isadora Duncan, Anna Pavlova y Loie Fuller llenaban los teatros de la ciudad. En 1914, Van Vechten se casó con la actriz Fania Marinoff y dejó su trabajo en el Times, aunque continuó escribiendo y publicando diversos ensayos y, em 1922, su primera novela: “Peter Whiffle: His Life and Works”. En los años 30, Miguel Covarrubias le enseñó una Leica de 35mm y Van Vechten empezó a retratar a personajes de su amplio círculo de amistades y conocidos. Su carrera como escritor y la profesión de su esposa le daban acceso a un gran número de actores, artistas e intelectuales de la época, como F. Scott Fitzgerald, Langston Hughes, Alfred A. Knopf, Bessie Smith, y Gertrude Stein. Los retratos de Van Vechten han sido exhibidos en numerosas ocasiones y han ilustrado un sin fin de libros y publicaciones; sin duda, tienen un valor documental y fotográficos que merece la pena recordar en estas páginas. Carl Van Vechten siguió en activo hasta su muerte, en 1964. Retrato de nna May Wong Library of Congress, Prints & Photographs Division, Carl Van Vechten Collection, [LC-USZ62-42516]
Retrato de Diego Rivera y Frida Kahlo Library of Congress, Prints & Photographs Division, Carl Van Vechten Collection, [LC-USZ62-42516]
Retrato de Salvador DalĂ Library of Congress, Prints & Photographs Division, Carl Van Vechten Collection, [LC-USZ62-116608]
Retrato de Giorgio De Chirico Library of Congress, Prints & Photographs Division, Carl Van Vechten Collection, [LC-USZ62-42530]
Retrato de Alexander Calder Library of Congress, Prints & Photographs Division, Carl Van Vechten Collection, [LC-USZ62-42501]
Retrato de Thomas Mann Library of Congress, Prints & Photographs Division, Carl Van Vechten Collection, [LC-USZ62-103654]
Retrato de Norman Mailer Library of Congress, Prints & Photographs Division, Carl Van Vechten Collection, [LC-USZ62-42506]
Retrato de Truman Capote Library of Congress, Prints & Photographs Division, Carl Van Vechten Collection, [LC-USZ62-103965]
Retrato de Henry Miller Library of Congress, Prints & Photographs Division, Carl Van Vechten Collection
Retrato de Billie Holiday Library of Congress, Prints & Photographs Division, Carl Van Vechten Collection, [LC-USZ62-89028]
Retrato de Mahalia Jackson Library of Congress, Prints & Photographs Division, Carl Van Vechten Collection, [LC-USZ62-120855]
Retrato de Josephine Baker Library of Congress, Prints & Photographs Division, Carl Van Vechten Collection, [LC-USZ62-93000]
Retrato de Dizzy Gillespie (John Birks) Library of Congress, Prints & Photographs Division, Carl Van Vechten Collection, [LC-USZ62-124462]
Retrato de Martha Graham y Bertram Ross Library of Congress, Prints & Photographs Division, Carl Van Vechten Collection, [LC-USZ62-116601]
Retrato de Laurence Olivier Library of Congress, Prints & Photographs Division, Carl Van Vechten Collection
Retrato de Rosemary Carver Library of Congress, Prints & Photographs Division, Carl Van Vechten Collection
Retrato deBarbara Bel Geddes Library of Congress, Prints & Photographs Division, Carl Van Vechten Collection
Retrato de Luise Rainer Library of Congress, Prints & Photographs Division, Carl Van Vechten Collection
Retrato de Marlon Brando Library of Congress, Prints & Photographs Division, Carl Van Vechten Collection, [LC-USZ62-128582]
Retrato de Beverly Sills Library of Congress, Prints & Photographs Division, Carl Van Vechten Collection, [LC-USZ62-103689]
Retrato de Gloria Vanderbilt Library of Congress, Prints & Photographs Division, Carl Van Vechten Collection
días de
circo Fotografías de Eugenio Siliceo
Irrumpía el payaso como una estridencia ambigua, y era a un tiempo manicomio, niñez, golpe contuso, pesadilla y licencia. “Memorias del circo”. Ramón López Velarde
El circo acaba de llegar a mi ciudad. Han levantado su carpa en un solar cercano al campo de fútbol y han repartido flyers por todas las tiendas. Anuncian payasos, magos, acróbatas, trapecistas, malabaristas, equilibristas… ¡y mucho más! Además de la actuación especial de Spiderman. Es, obviamente, un espectáculo para niños, al que no asistiré. Recuerdo los circos de mi niñez y veo que a éstos de ahora les falta lo más llamativo, los animales: elefantes, leones, caballos, dromedarios… alguno anunciaba hasta tiburones, aunque yo nunca los vi. Pienso en los circos de hace algunos años, cuando iba con mis hijos; para entonces, aún había animales en los circos pero ya se discutía su utilización en espectáculos. Por entonces, tuvo un cierto eco en la prensa el caso del rinoceronte blanco llamado Zimba, que “trabajaba” en el circo Mundial, montado en la plaza de toros Monumental de Barcelona. La fiscalía ordenó su incautación y, tras un esperpéntico episodio en que los responsables del circo enviaron a Zimba a Madrid, éste fue incautado por la Guardia Urbana y terminó en el zoológico de Barcelona. Días antes de la detención de “Zimba”, lo vi actuar en el circo; un número triste y patético, en que un animal espléndido apenas podía dar unas vueltas al trote alrededor de la pista del circo. Eso pasaba en 1993, harían falta casi veinte años más para que esa plaza de toros en la que Zimba actuó por última vez, dejara de ser plaza de toros.
Sin duda, hemos evolucionado, como lo ha hecho también el circo. Acróbatas, contorsionistas y malabaristas entretienen y asombran al público con sus actuaciones desde hace más de tres mil años, tanto en las culturas del Extremo Oriente, como las occidentales. Desde los acróbatas de la antigua China, hasta los levantadores de pesos de la Grecia clásica y las compañías de artistas ambulantes de la Edad Media. No obstante, comunmente se considera que el creador del circo moderno fue el inglés Philip Astley, nacido en Newcastle en 1742. Astley era un maestro en el arte de hacer acrobacias sobre un caballo y no tardó en darse cuenta de que éstas eran muy apreciadas por el público. En 1768, realizó una actuación en Londres y, en lugar de utilizar la habitual pista recta, decidió actuar en una pista circular: de la pista circular de Astley nacería la palabra “circo”. El nuevo formato obtuvo un gran éxito y Astley decidió añadir un payaso para que entretuviera al público en los intermedios de sus actuaciones ecuestres. Dos años después, en 1770, se estableció en un local fijo, donde montó una escuela de equitación. Por la mañanas daba clases de monta y por las tardes realizaba sus espectáculos de acrobacia. Astley empezó a ganar prestigio y dinero y, tras dos temporadas actuando en Londres, decidió que tenía que añadir algunas novedades a su espectáculo, de manera que contrató a otros jinetes, músicos, payasos, equilibristas, malabaristas y hasta un domador de perros bailarines: había nacido el circo tal y como lo conocemos en nuestros días. Si bien Astley no había inventado la doma acrobática de caballos ni ninguna de las otras disciplinas, fue él quien reunió a todos estos artistas sobre una pista circular y los ofreció al público como un único espectáculo. La pista original de Astley tenía 19 metros de diámetro, que luego fueron reducidos a 13, lo que continúa siendo una medida estándar para los circos de todo el mundo. La fórmula tuvo tanto éxito, que Astley fue invitado a actuar para el Rey Luis XV en Versalles y llegó a montar otros 19 circos estables en diferentes ciudades europeas. Sin embargo, Astley nunca llamó “circo” a su espectáculo, sino “Anfiteatro Astley de Artes Ecuestres”. El primero en utilizar la palabra circo fue Charles Dibbin, quien en sociedad con Charles Hughes, 4 de noviembre de 1872 inauguró el Royal Circus, a poca distancia del local de Astley, en Londres. Philip Astley murió el 27 de enero de 1814 y su Royal Amphitheatre continuó funcionando hasta 1893. La obra de Astley, aunque con dificultades, contínua viva. Como en el circo ambulante, que ahora se ha instalado en mi ciudad, heredero de aquél. Han colgado de las farolas grandes carteles con la cara blanca de un payaso de nariz roja y labios enormes, un Augusto pelirrojo cuya expresión y maquillaje resultan más inquietantes que divertidos. El payaso es sin duda el personaje más complejo del mundo del circo y el que más admiro. Gracioso, tierno, torpe, divertido, triste, transgresor, el payaso es capaz de provocar carcajadas y también una enorme tristeza, cuando no terribles pesadillas. Y en Catalunya, decir payaso es decir Charlie Rivel. Charlie Rivel, nombre artístico de Josep Andreu Lasserre (1896-1983), es uno de los pocos payasos que ha llegado a convertirse en una auténtica estrella a nivel mundial. Como antes Grock y los Fratellini, Rivel era amado en toda Europa, desde las clases más populares hasta la realeza. Sus extraordinarias aptitudes artísticas y su talento para la pantomina le permitieron crear un personaje, un payaso, completamente original, que aún es uno de los grandes iconos del circo.
Josep Andreu nació en Cubelles, cuando sus padres viajaban a Francia en busca de mejores oportunidades económicas y debutó en el circo Dusoulier con apenas dos años de edad, participando en el acto de equlibrismo de su padre. En la década de 1910, en los circos eran habituales las imitaciones del personaje de Charlot creado por Chaplin. En 1916, Josep introdujo su propia imitación de Charlot en su número de trapecio, número que fue presentado como Charlie y los Rivels, lo que finalmente daría lugar a su nombre artístico. Cuenta la leyenda, que Charlie Rivel ganó una vez un concurso de imitadores de Charlot, al que se había presentado de incógnito el propio Chaplin; al terminar el concurso, Chaplin habría dicho al payaso: “no sé si usted me imita a mí, o si yo lo imito a usted”. Pero la historia más bonita que se cuenta sobre Charlie Rivel es la que dice que, durante una función, el llanto de un niño, probablemente asustado al ver por primera vez a un payaso, le impedía empezar su actuación. Rivel, al ver que no podía iniciar su número, decidió acercarse al niño e intentar calmarlo pero sólo consiguió que éste llorara aún más. Tras unos instantes, Rivel, gran conocedor de la psicología infantil, se retiró, fue al centro de la pista, se sentó en el suelo y empezó a llorar tan fuerte como podía. El niño, al ver que el payaso también lloraba, dejó de hacerlo. Entonces Charlie se levantó, se acercó una vez más al niño y éste, en lugar de volver a asustarse, regalo al payaso su piruleta, entre una gran ovación del público. Tras una larguísma carrera, una vida entera dedicada al circo, Charlie Rivel murió el 26 de julio de 1983, en el hospital de Sant Pere de Ribes. Para entonces, su fama era tal y se le guardaba tanto cariño en todo el mundo, que al día siguiente a su muerte –por poner un ejemplo– los escaparates de las tiendas de Estocolmo aparecieron adornados con una foto de Charlie rodeada de flores.
Las fotos que ilustran este artículo son del fotógrafo mexicano Eugenio Siliceo. Sarcástico, irreverente, transgresor, a veces surrealista y siempre bromista, Siliceo a través de su cámara no nos muestra una realidad, sino que se mete en ella, la evoca y nos la hace ver tal y como es. El payaso con el cuello de acordeón, el domador de calamares, la mujer barbuda (que es un hombre) y su muñeca también barbuda, el piano diminuto con la vaca… No son fotos de un circo, es hacer circo con las fotos. Pueden verse más fotos de Eugenio Siliceo en su website (www.pixelesmexicanos.com) o en la revista de fotografía mambo (mambomag.com), publicada por esta misma editorial.
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por Alexis Racionero
Alfred Hitchcock el mago del suspense
Si hay un director que ha sabido conectar con el público de distintas generaciones, alguien que ha servido de modelo de academias de cine, respetado por la crítica y considerado tanto autor como maestro del entretenimiento ese es Alfred Hitchcock. Su secreto residía en un profundo conocimiento de la técnica cinematográfica, aprendida en sus primeros años como asistente y director que le llevaron a los estudios alemanes de la UFA, donde se gestó el expresionismo cinematográfico de Murnau, Lang y compañía. Hitchcock entró en el cine como dibujante y cartelista de intertítulos, lo que da una idea de su capacidad visual. Sus películas son por ello cine en estado puro, donde la imagen y el montaje bastan para expresar cualquier idea, sentimiento o acción por difícil que resulte, con una claridad expositiva deslumbrante. “Psicosis” (“Psycho”, 1960) de la que este año se cumple el 50 aniversario, “Vértigo” (1950) , “La ventana indiscreta” (“Rear Window”, 1954), “Encandenados” (“Notorious”, 1946) o películas de su etapa británica como “The Lodger” (1926) o “Los 39 escalones” (“The 39 Steps”, 1935) dan buena muestra de ello.
Sus películas son cine en estado puro, donde la imagen y el montaje bastan para expresar cualquier idea, sentimiento o acción por difícil que resulte, con una claridad expositiva deslumbrante. Para las escuelas y academias de cine Hitchcock es el guión de hierro, la maestría en la planificación previa al rodaje. La capacidad de transcribir un guión literario en una cantidad de planos que aparecen premontados en la cabeza del director. De este modo, el cine se convierte en una maquinaria de precisión y ejercicio de manipulación, al servicio del entretenimiento de la audiencia mediante unas premisas que garantizan
La ducha de “Psicosis”, la escalera, el beso o el bosque de los talones”, son sólo una muestra de todas esos fragment vez que pasan una de sus películas en tv es muy fácil qued
e secuoias de “Vértigo”, o la avioneta de “Con la muerte en tos de su cine que nos acompañan. Por si fuera poco, cada darse enganchado, aunque se haya visto varias veces.
el éxito. De una parte, un protagonista a lo Cary Grant o James Stewart convertidos en divertidos falsos culpables que se ven envueltos en tramas criminales en las que ejercen de héroes improvisados. “Con la muerte en los talones” (“North by Northwest”, 1959) o “El hombre que sabía demasiado” (“The Man Who Knew Too Much”, 1956) son dos buenos ejemplos. Por otro lado, el cine de Hitchcock se sustenta en “malos” de inteligencia fascinante como James Mason o el increíble Joseph Cotten de “La sombra de una duda” (“Shadow of a Doubt”, 1943), la película favorita del propio Hitchcock. Sin embargo, lo que siempre se ha asociado al cine de este cineasta británico es la idea de suspense, ese mecanismo en el que el espectador sufre porque sabe que el protagonista desconoce algo que supone un peligro para él. Si a esto se añade una dilatación temporal, el sufrimiento y enganche del público esta garantizado. De hecho, a Hitchcock no le preocupaban demasiado los guiones y sus historias, la mayoría eran adaptaciones de novelas menores, salvo honrosas excepciones como “Extraños en un tren” (“Strangers on a Train”, 1951) de Patricia Highsmith. Al mago del suspense le interesaba atrapar al espectador haciéndole sufrir por esa mujer que está a punto de ser asesinada por un ladrón detrás de una cortina y que al final se salva matando con unas tijeras (“Crimen Perfecto” / “Dial M for Murder”, 1954) o por la que
lo que siempre se ha asociado al cine de este cineasta británico es la idea de suspense, ese mecanismo en el que el espectador sufre porque sabe que el protagonista desconoce algo que supone un peligro para él. Si a esto se añade una dilatación temporal, el sufrimiento y enganche del público esta garantizado.
está siendo envenenada sin saberlo (“Encadenados”). La fascinación de Hitchcock por lo criminal le llevó a convertir en protagonistas a asesinos de guante blanco como la pareja de “La soga” (“Rope”, 1948), “Extraños en un tren” o ponernos del lado de Norman Bates en “Psicosis” u otros psicópatas como el de “Frenesí” (“Frenzy”, 1972). La mujer fue sin duda, otra de sus obsesiones. Inteligente, vulnerable, bella y voluptuosa como la increíble Madeleine (Kim Novak) de “Vértigo”. Casi siempre rubias sofisticadas y elegantes, tratadas de forma fetichista insistiendo en motivos como los pies, el pelo recogido y otras obsesiones que evidenciaban la parte misógina de este director casado con una montadora cinematográfica y que durante su vida acosó sexualmente a muchas de sus actrices. Otros traumas provenían de su infancia, como la desconfianza en la polícia debido a un padre que lo castigó llevándolo a comisaria. Todo ello conformó el particular universo de este director que supo combinar el puro entretenimiento con retos experimentales como “Los pájaros” (“The Birds”, 1963) que acaba en un final abierto; “Psicosis”, en la que mata a la protagonista a media película; “La soga”, rodada en continuidad, en un solo plano secuencia, o “La ventana indiscreta”, contada por un personaje pasivo que se limita a contemplar el patio interior de su vivienda. Dentro de su filmografía hay títulos vinculados a la exploración psicológica y el subconsciente como “Recuerda” (“Spellbound”, 1945) que incluye esa maravillosa secuencia onírica diseñada por Dalí, “Vértigo” o “Marnie” (1964).
La fascinación de Hitchcock por lo criminal le llevó a convertir en protagonistas a asesinos de guante blanco como la pareja de “La soga” (…) o ponernos del lado de Norman Bates en “Psicosis”…
La fotografía de Robert Burks y especialmente la música de Bernard Herrmann son fundamentales para comprender la potencia formal del cine de Hitchcock que tanto conmueve, asusta como hace reír. Somos muchos los que nos convertimos en cinéfilos gracias al maestro inglés, como François Truffaut que lo “adoró” con una famosa entrevista, hoy en día convertida en libro de cabecera de todo buen aficionado al cine. Hitchcock fue el primer director estrella de la historia, en un tiempo en el que el star system sólo apuntaba a los actores. Se “colaba” en sus propias películas en esos cameos que suponían un juego con el espectador y que contribuyeron a convertirle en una figura conocida. Como Groucho Marx, tuvo su programa de televisión y apareció en todas partes con su rechoncha y simpática silueta. En su vida privada fue un bon vivant, amante del buen vino y la comida, dotado de un gran ingenio para la conversación y ese humor negro que afloraba en sus películas.
Hitchcock fue el primer director estrella de la historia, en un tiempo en el que el star system sólo apuntaba a los actores. Desde que llegó a EEUU en 1940 para rodar “Rebecca” con David O. Selznick, mantuvo una guerra con sus productores. Batalla de la salió vencedor dado que pudo trabajar en Hollywood manteniendo el control de sus producciones, gracias a una planificación exacta que dificultaba montar la película de otra manera a la que él había concebido. Además, produjo muchos de sus films y los éxitos de taquilla le otorgaron libertad dentro de la industria. En alguna ocasión, como en “Sabotaje” (“Sabotage”, 1937) o “Pánico en la escena” (“Stage Fright”, 1950) Hitchcock cosechó fracasos pero son muchas las grandes películas que dejó para la posteridad. Más de treinta años después de la muerte del mago del suspense y aunque el cine ha cambiado, nadie parece haberle olvidado porque muchas de las imágenes que ideó, forman parte de nuestro inconsciente colectivo. La ducha de “Psicosis”, la escalera, el beso o el bosque de secuoias de “Vértigo”, o la de la avioneta de “Con la muerte en los talones”, son tan sólo una muestra de todas esos fragmentos de su cine que nos acompañan. Por si fuera poco, cada vez que pasan una de sus películas en televisión es muy fácil quedarse enganchado, aunque se haya visto varias veces. ¿Cuál es el secreto? Sinceramente, pienso que no es tan sólo la treta del suspense, sino algo más que el mago se llevó consigo y que tantos cineastas contemporáneos tratan de mantener vivo. Puede haber a quien no le guste su cine, por ser algo tramposo, manipulador y dotado de personajes planos, pero Hitchcock sigue vivo como ejemplo de la capacidad de expresarse puramente con imágenes. El mago del suspense es hoy patrimonio de la cultura occidental del siglo XX.
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