Oasis de letras

TESSA BARLO

2009, "Quédate en mi memoria". Poemario

2011 "¿Es fiable la Biblia?" Ensayo

2014 "La mujer serpiente" Novela

2018 “I tu vas arribar” Poemari.

2019 “Experiencia mal aplicada” Novela

2019“Experència mal aplicada” Novel.la

2019 “La oscuridad del alma humana” Relatos cortos

2019 “El procés” - Articles

2021 “La cima de las brujas” Novela

2021 “El cim de les bruixes” Novela

Desde el 2010, publico un boletín culturalbimestral a través de la red, actualmente con doscientos suscriptores aproximadamente.

Desde el junio del 2013, colaboró con la revista bimestral

"La Vall" de Vallgorguina, escribiendo un articulo de interés actual.

(Camberwell, 1812 - Venecia, 1889) Escritor británico. Es uno de los mejores poetas ingleses del siglo XIX y el forjador de la técnica del monólogo dramático. Empezó escribiendo poesía bajo la influencia de Shelley. A partir de Paracelso (1835) y de Sordello (1840), se centró en situaciones y en personajes históricos. Obtuvo la consagración con Campanas y granadas (1841-1846). En Florencia escribió La Nochebuena y la Pascua (1850) y Hombres y mujeres (1855).

conocer de manera anónima su primer volumen de poesía, Pauline. Dos años más tarde adquirió cierto renombre con Paracelso (1835), poema dramático sobre la vida del alquimista suizo, seguido de Sordello, en 1840. Se trata del período en el que el autor se inspiró tanto en Lord Byron como en Shelley, los dos modelos reconocibles en sus versos iniciales.

En 1861 regresó a Londres, donde publicó Dramatis personae (1864) y su obra maestra, El anillo y el libro (18681869). También merece mencionarse su obra Idilios dramáticos (1879).

Hijo único de un funcionario del Banco de Inglaterra, Robert Browning siguió estudios poco sistemáticos y sólo hasta la adolescencia. En 1833 dio a

En 1844 entabló amistad con la poetisa Elizabeth Barrett, enferma y sujeta a los dulces celos de su padre, y, violando por primera y única vez las normas sociales, la convenció de huir con él a Italia tras un matrimonio secreto. Los Browning abandonaron Londres y se trasladaron a vivir a Pisa y a Florencia; en la casa Guidi de esta última ciudad vivieron tranquilamente quince años y nació su hijo, el escultor Robert Barrett (1849-1912).

Además de incursionar en la escritura teatral sin demasiado éxito, entre estos años y 1870 produjo lo más relevante de su abundante obra lírica, sobre todo a partir de Dramatic Lyrcs (1842), seguido, entre otros, por Hombres y mujeres (1855), que incluye piezas tan singulares como "Fra Filippo Lippi" y "Andrea del Sarto", sutiles artes poéticas elaboradas a través de las figuras de artistas del Renacimiento italiano.

En 1878 regresó a Italia, donde publicó Idilios dramáticos (1879-1880) y Asolando (1889); se le deben también excelentes traducciones de clásicos griegos.

Tras la muerte de su esposa en 1861, Browning regresó a Londres. Pertenecen a este fructífero período Dramatis Personae (1864) y la que se considera su obra maestra, El anillo y el libro (1868-1869), una de las composiciones líricas más largas de la tradición británica, con sus casi veinte mil versos, en los que diez personajes vierten distintos puntos de vista acerca de un crimen ambientado en la Italia del siglo XVI.

Figura fundamental del período victoriano, es imposible desconocer la importancia de los hallazgos formales de Browning, que perfeccionó un recurso indispensable de los grandes poetas del siglo XX, como T.S. Eliot y Ezra Pound: se trata del monólogo dramático, en el que la voz del poeta se refugia en máscaras o personificaciones extraídas de la historia o de la mera invención del artista. Consiguió así construir voces diferenciadas de extraordinaria vivacidad y delicadeza, que se presentan y se contrastan en multitud de perspectivas, lo que enriquece el poder analítico y existencial del poema.

https://www.biografiasyvidas.com/ biografia/b/browning_robert.htm

Thomas Cole (1801–1848) fue un artista estadounidense del siglo XIX considerado uno de los mejores paisajistas de todos los tiempos. Sus vívidas representaciones del paisaje y la naturaleza estadounidenses le valieron un gran reconocimiento en todo el mundo y sus obras continúan inspirando a innumerables artistas incluso hoy en día

Nacido en Bolton, Lancashire, Inglaterra, Cole emigró a los Estados Unidos con su familia en 1818. Curiosamente, aprendió los conceptos básicos de la pintura de un retratista errante llamado Stein en Ohio. Después de probar suerte con los retratos por un tiempo, Cole cambió su interés hacia el arte del paisaje, que finalmente resultó ser su verdadera vocación.

Mientras crecía, había sido testigo de la destrucción ambiental de su hogar natal como consecuencia de la industrialización. Esto influyó en las obras de Cole y le

hizo centrarse en la tranquila belleza de los paisajes naturales. Antes de los 30 años, Cole había comenzado a pintar paisajes salvajes con gran abandono. Fue uno de los primeros artistas en resaltar la magnífica escala y belleza de varios paisajes de América del Norte. A medida que adquirió más experiencia, también formó a la próxima generación de paisajistas estadounidenses como Frederic Edwin Church y Jasper Francis Cropsey. Aunque Thomas Cole falleció a la edad relativamente joven de 47 años, sus prolíficos trabajos han dejado un gran impacto en el mundo. Hoy, echaremos un vistazo a algunas de las pinturas más hermosas de este influyente artista.

https://www.todo-mail.com/ content.aspx?emailid=26105

(Kutztown, Pensilvania, 1958 - Nueva York, 1990) Artista estadounidense, el más importante de los pintores de grafiti de los años ochenta. Desde muy pequeño

Keith Haring empezó a dibujar inspirándose en los dibujos animados que veía en la televisión. Estudió arte en la Ivy School of Art de Pittsburg, donde comenzó a hacer serigrafías para imprimir en camisetas.

Prosiguió sus estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, durante 1978 y 1979, bajo la dirección de Keith Sonnier y Joseph Kosuth. En el verano de 1979 presentó una performance titulada Poetry-Word-Things en el Club 57 de Manhattan; al año siguiente, sin embargo, se volcó en los grafitis, dibujando imágenes como las de los dibujos animados, hechas con un rotulador directamente sobre anuncios en el metro de Nueva York.

A esto le siguieron una serie de historietas, hechas con tiza blanca sobre los paneles negros del metro reservados para publicidad;

la iconografía era una mezcla de elementos sexuales con platillos volantes, personas y perros, a los que se añadieron más tarde figuras corriendo, bebés gateando, halos, pirámides, televisiones, teléfonos y referencias a la energía nuclear; el tratamiento de Keith Haring de temas como el poder y el miedo a la tecnología sugiere angustia y refleja su inqui-

etud moral.

El soporte pictórico que utilizaba Haring era variado y accesible (papel, fibra de vidrio, lienzo, piezas de acero esmaltado, camisetas, vasos y vaciados en escayola de obras de arte conocidas). Sus fuentes son múltiples: desde el arte esquimal y africano hasta la cultura maya y de los aborígenes, así como la caligrafía china y los all-over de Pierre Alechinsky, Andy Warhol y Mark Tobey, a partir de los cuales evolucionó hacia su estilo semiabstracto característico, una especie de new wave azteca que recuerda a Jackson Pollock y a A. R. Penck.

pusieron en la galería Leo Castelli; en estos años hizo pinturas más abstractas, con las siluetas típicas de los puzles

En 1986 abrió una boutique, la Pop Shop, en la que vendía sus productos; su populismo iba también dirigido a los niños y adolescentes, cuyos monopatines adornaba.

Haring era el punto de unión, gracias a su formación, entre los artistas del grafiti autodidactas y la corriente principal de artistas jóvenes responsable de una forma abrasiva de expresión popular. Su actividad frenética de grafista le llevó a hacer pinturas en prácticamente todas las estaciones de metro de Nueva York,

Gruesas líneas negras bordean figuras esquemáticas en unas composiciones dominadas por un horror vacui evidente que vibran con una energía irresistible y llamativa.

El estilo de Haring refleja el ethos de la generación Pop y de la cultura callejera del East Villagede Manhattan. Intentó plantear las cosas de la manera más simple posible. Como Andy Warhol, Haring abrazó la cultura demótica, es decir, una combinación de moda, arte y música, rompiendo barreras entre estas manifestaciones para darles una mayor extensión; este factor es básico para entender su éxito comercial en todo el mundo, en varios géneros, incluyendo murales, escultura, posters y pintura corporal.

con el correspondiente riesgo de ser detenido por atacar a la propiedad pública; le gustaba este elemento de peligro y le parecía que era un ingrediente esencial del contenido del arte del grafiti. En 1986 pintó un trozo del muro de Berlín. En 1989 creó la Fundación Keith Haring para ayudar a remediar problemas sociales. Murió víctima del sida el 16 de febrero de 1990 en Nueva Yor

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/h/ haring_keith.htm

Keith Haring hizo su primera exposición individual en la galería Tony Shafrazi de Nueva York en 1982 y, a mediados de los años ochenta, sus grandes esculturas de acero pintado se ex-

(Figueres, Gerona, 1904 - 1989)

Salvador Dalí nació en una madrugada de la primavera de 1904 en el seno de una familia burguesa, hijo de un notario bien pensante y de una sensible dama aficionada a los pájaros. Muchos años más tarde escribiría en su autobiografía

La vida secreta de Salvador Dalí (1942): "A los tres años quería ser cocinero. A los cinco quería ser Napoleón. Mi ambición no ha hecho más que crecer y ahora es la de llegar a ser Salvador Dalí y nada más. Por otra parte, esto es muy difícil, ya que, a medida que me acerco a Salvador Dalí, él se aleja de mí".

Su precocidad es sorprendente: a los doce años descubre el estilo de los impresionistas franceses y se hace impresionista; a los catorce ya ha trabado conocimiento con el arte de Picasso y se ha hecho cubista, y a los quince se ha convertido en editor de la revista Studium, donde dibuja brillantes pastiches para la sección titulada "Los grandes maestros de la Pintura".

La Residencia de Estudiantes

En 1921 abandona su Cataluña natal y se traslada a Madrid, donde ingresa en la Academia de Bellas Artes de San Fernando. Instalado en la Residencia de Estudiantes, se hace amigo del gran poeta granadino Federico García Lorca y del futuro cineasta surrealista Luis Buñuel, de quien sin embargo se distanciará irreversiblemente en 1930. En la capital adopta un extraordinario atuendo: lleva los cabellos largos, una corbata desproporcionadamente grande y una capa que arrastra hasta los pies.

En los revueltos y conflictivos meses de 1923 sufre un desafortunado contratiempo. En la Academia de Bellas Artes a la que está adscrito se producen manifestaciones en contra de un profesor, y antes de que dé comienzo el discurso oficial y se desate la violenta polémica, Salvador abandona la sala. Las autoridades creen que este gesto suyo ha sido la señal de ataque y rebelión y deciden expulsarlo durante un año. Después, de nuevo en Figueres, los guardias vienen a detenerlo y pasa una temporada en la cárcel.

A la salida de prisión recibirá dos alegrías. La primera, una prensa para grabado que su padre le regala, y la segunda, la visita de su excelente compañero de la Residencia de Estudiantes de Madrid, Federico García Lorca, quien en las calurosas noches del verano de Cadaqués lee a toda la familia Dalí sus versos y dramas recién compuestos. Es allí, junto al Mediterráneo, donde García

Lorca redacta la célebre "Oda a Salvador Dalí", publicada unos años después, en 1929, en la Revista de Occidente. Pronto será también Luis Buñuel quien llegue a Cadaqués para trabajar con su amigo Salvador en un guion cinematográfico absolutamente atípico y del que surgirá una película tan extraña como es Un perro andaluz (1929).

En París

En 1927 Dalí viaja por primera vez a París, pero es al año siguiente cuando se establece en la capital francesa. Se relaciona con Pablo Picasso y Joan Miró y, con la ayuda de este último, se une al grupo surrealista que lidera el poeta André Breton. En 1929 expone en la Galería Goemans y obtiene ya un gran éxito; las originales imágenes de sus cuadros, en las que los objetos se muestran con irritante precisión, parecen adentrarse en unas profundidades psíquicas anormales y revelar un inconsciente alucinatorio y cruel. Pero Breton terminará expulsándolo del movimiento algunos años después, en una memorable sesión de enjuiciamiento a la que Dalí compareció cubierto con una manta y con un termómetro en la boca, aparentando ficticiamente estar aquejado de fiebre y convirtiendo así el opresivo juicio en una ridícula farsa.

De hecho, después de conocer a la que sería su musa y compañera durante toda su vida, Gala, entonces todavía esposa de otro surrealista, el poeta Paul

Éluard, Dalí declaró románticamente:

"Amo a Gala más que a mi madre, más que a mi padre, más que a Picasso y más, incluso, que al dinero."

Salvador Dalí se enamoró de Gala en el verano de 1929 y con ella gozó por primera vez de las mieles del erotismo. Es la época en que pinta Adecuación del deseo, Placeres iluminados y El gran masturbador, pintura esta última que fue atacada y desgarrada por el fanático grupo puritano los Camelots du Roy.

El surrealismo daliniano

Antes de llegar a París, el artista había realizado su primera exposición en las Galerías Dalmau de Barcelona, en 1925, y su obra había transitado por el cubismo y las corrientes realistas, como en Muchacha en la ventana (1925) o su primera Cesta de pan (1926).

A través de sus obras y siguiendo los dictados de las teorías freudianas, el artista saca a la luz los aspectos más ocultos de su vida erótica, sus fantasías y sus deseos. Dalí pretendía que sus telas fueran contempladas como sueños pintados; sus imágenes de relojes blandos, miembros hipertróficos sostenidos por muletas y elefantes de patas zancudas, por citar algunas de las más conocidas, son a la vez expresión y liberación de las obsesiones sexuales y de la angustia ante la muerte.

se apoya en una mesa; el contenido de los fruteros sobre la mesa es a su vez parte del conjunto de figuras que participan en el mercado que da título a la tela

Una magnífica ilustración del método es el cuadro titulado Mercado de esclavos con el busto evanescente de Voltaire (1940, Fundación Reynolds-Morse, Cleveland), en el que el rostro del filósofo está constituido por dos figuras que, simultáneamente, forman parte del grupo humano del segundo término. A la izquierda, contempla la escena una mujer que

El enigma sin fin (1938, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid) o las múltiples reinterpretaciones delirantes del famoso Ángelus de Millet constituyen otros excelentes ejemplos de ese reiterado juego de perversión significativa de la imagen.

La consagración internacional

Unos pocos años en el grupo bastaron para que Dalí se convirtiese en la gran figura del surrealismo y su obra alcanzase una considerable resonancia internacional. En 1934 viaja con su ya inseparable Gala a Estados Unidos, donde desembarca y se presenta ante los periodistas con un enorme pan cocido por el cocinero del trasatlántico que les ha transportado.

Dos años después se desata la atroz guerra civil en España y una de las primeras muestras de la probidad de los militares insurrectos es el infame asesinato de su amigo Federico García Lorca, crimen que conmocionó a la opinión pública mundial. Dalí escribió: "Lorca tenía personalidad para dar y vender, la suficiente para ser fusilado, antes que cualquier otro, por cualquier español."

En 1938 conoce por fin, gracias al escritor vienés Stefan Zweig, a Sigmund Freud, quien había sido el gran inspirador de la estética surrealista, de la que Dalí no se siente marginado pese a las bravatas de Breton; por el contrario, se considera el único y más genuino exponente del movimiento. El padre del psicoanálisis había dado pábulo a la nueva indagación del inconsciente con su libro La interpretación de los sueños (1900), pero nunca

se había tomado demasiado en serio a sus jóvenes admiradores de París. No obstante, el 20 de julio de 1938, tras el encuentro, Freud anotó en su diario: "Hasta entonces me sentía tentado de considerar a los surrealistas, que aparentemente me han elegido santo patrón, como locos integrales (digamos al 95%, como el alcohol puro). Aquel joven español, con sus espléndidos ojos de fanático e innegable dominio técnico, me movió a reconsiderar mi opinión". Por su parte, el artista realizó asombrosos y alucinantes retratos del "santo patrón" de los surrealistas.

Últimos años

En 1948 regresó a España, fijando su residencia de nuevo en Port Lligat En vida del artista incluso se fundó un Museo Dalí en Figueres; ese escenográfico, abigarrado y extraño monumento a su proverbial egolatría es uno de los museos más visitados de España.

De particular relevancia en cuanto a la evolución de su obra resulta el viaje que realizó a Italia en 1937; tras el contacto directo con los clásicos, adquirió cierto gusto por los temas religiosos y por una técnica más academicista, que durante mucho tiempo seguiría aplicando, no obstante, a lo onírico y extraño; pueden destacarse, entre otros muchos ejemplos, lienzos como Madonna de Port Lligat (1950, Museo Minami, Tokio), Crucifixión (1954, Museo Metropolitano, Nueva York) y La última cena (1955, National Gallery, Washington). Al mismo tiempo, el pintor producía una enorme cantidad de objetos decorativos carentes de la fuerza transgresora de sus primeras obras surrealistas.

Durante los años setenta, Dalí, que había declarado que la pintura era "una fotografía hecha a mano", fue el avalador del estilo hiperrealista internacional que, saliendo de su paleta, no resultó menos inquietante que su prolija indagación anterior sobre el ilimitado y equívoco universo onírico. Pero quien más y quien menos recuerda mejor que sus cuadros su repulsivo bigote engominado, y no falta quien afirme haberlo visto en el Liceo, el lujoso teatro de la ópera de Barcelona, elegantemente ataviado con frac y luciendo en el bolsillo de la pechera, a guisa de vistoso pañuelo, una fláccida tortilla a la francesa.

https://

www.biografiasyvidas.com/biografia/ d/dali.htm

Se cumplen 180 años de la primera emisión

El primer sello postal adhesivo que se conoce fue un sello británico. De esto no hay la menor duda. Sin embargo, dicha invención, que habitualmente se atribuye a Sir Rowland Hill, fue objeto en aquella época (1840) de una fuerte polémica entre éste y un librero de Dundee (Escocia), Sir James Chalmer, quien también reclamó para sí la paternidad del sello

Chalmer había enviado asimismo en 1937 dos cartas, una al diputado Wallace y otra al secretario general de Correos de Londres, en las que presentaba nuevos proyectos de sellos adhesivos.

Sin embargo, el Parlamento inglés aprobaría, dos años más tarde, el proyecto postal de Rowland Hill, a quien más tarde se elevaría a la dignidad de Par del Reino Unido, y abrió un concurso para seleccionar el primer sello postal. Se ofrecieron dos premios, de 200 y 100 libras esterlinas (suma muy importante para la época) y se obtuvo un inesperado éxito puesto que se presentaron 2.600 proyectos. Entre ellos estaba el de Chalmers, que se rechazó porque no brindaba las necesarias garantías. Aun así, nadie se llevó el premio porque fue declarado desierto, así que el propio Hill se encargó de usar el perfil de la reina Victoria con la palabra Postage (Franqueo) arriba y el valor One penny (Un penique) debajo.

Rowland Hill fue posteriormente designado secretario general de Correos y durante algún tiempo recibió correspondencia de James Chalmer, en la que éste seguía reclamando la paternidad de la invención del sello adhesivo. Una vez fallecido Chalmer en 1853, su hijo Patrick continuó la reclamación. Escribió más de treinta artículos defendiendo a su padre y zahiriendo a Rowland Hill. Entre los diversos argumentos que presentaba, figuraba el testimonio de antiguos vecinos de Dundee que habían visto las pruebas tipográficas de sellos postales realizados por Chalmers en 1834, en su imprenta.

Con la reforma, se unificaban las tarifas y una carta de hasta media onza de peso podía enviarse a cualquier lugar del Reino Unido por un penique. El pago del servicio se realizaba de forma anticipada por el remitente, justificando el pago, mediante un pequeño papelito engomado, que se colocaría en la parte superior derecha del envío, para facilitar su matasellado que impediría su reutilización. Con el penique negro que se puso a la venta el 6 de mayo de 1840 había nacido el primer sello del mundo y el primer matasello con él.

Con la reforma, se unificaban las tarifas y una carta de hasta media onza de peso podía enviarse a cualquier lugar del Reino Unido por un penique. El pago del servicio se realizaba de forma anticipada por el remitente, justificando el pago,

mediante un pequeño papelito engomado, que se colocaría en la parte superior derecha del envío, para facilitar su matasellado que impediría su reutilización. Con el penique negro que se puso a la venta el 6 de mayo de 1840 había nacido el primer sello del mundo y el primer matasello con él.

Lo cierto es que la reforma empezó a funcionar antes de la aparición del sello, pues la tarifa unificada se aplicó a partir del 1 de enero. Con la aparición del sello, se revolucionaron los servicios postales británicos, duplicándose en un año el envío de cartas en el Reino Unido. Otros países siguieron a los pocos años el ejemplo británico y en 1860 ya había 85 Estados y territorios emitiendo sellos.

El penique negro lleva dos estrellas en las dos esquinas superiores y dos letras en las esquinas inferiores, ésta última característica hace a cada sello único y determina su posición en la plancha. Las planchas se confeccionaban con 240 sellos, dispuestos en 12 columnas y 20 filas debido a la distribución de la moneda inglesa: Una libra tenía 240 peniques y un chelín 12 peniques, con lo que, por este precio, se expendía una fila completa de sellos, y por una libra un pliego. Las letras de las esquinas inferiores de cada sello se introdujeron para que, con la fineza del grabado y la filigrana, se di-

ficultase la falsificación. El grabado en talla dulce incorporaba los cartuchos de las esquinas en una segunda fase de la operación y el tipo de las letras se modificaba según las tiradas, dando lugar a lo largo del primer periodo de cuatro alfabetos. Esta emisión marca un hito importante para los coleccionistas, pues además incorpora el número de plancha en el diseño, facilitando enormemente la reconstrucción de las planchas.

También se sustituyeron las estrellas superiores por otras dos letras, que son las mismas que las inferiores, cambiadas de orden. La posición en la plancha se sigue marcando por las letras inferiores (Primera letra la fila y segunda la columna). Tanto en las emisiones de dos letras como de cuatro, las posibilidades para el coleccionista son muchas, siendo la más habitual la reconstrucción de una determinada plancha, siendo mucho más difícil la reconstrucción de las planchas con dos letras, pues la identificación, se lleva a cabo buscando pequeñas diferencias en el texto, malformaciones o pequeños defectos, lo que hace a veces muy difícil llegar a identificarla, sobre todo por la necesidad de encontrar los ejemplares limpios. También está muy extendido el coleccionismo de letras iguales. Sólo hay 12 sellos de este tipo en cada plancha, los que están en la diagonal AA a LL. Se destaca además el interés del coleccionismo de los primeros sellos británicos donde, para la identificación del sello, a veces es necesario barajar características múltiples como alfabeto, tipo de grabado, filigrana, dentado, tono del papel y plancha: un trabajo minucioso y entretenido.

Ahora bien, ¿Por qué Reino Unido es el

único país del mundo al que se le permite no poner su nombre en los sellos? La respuesta es muy simple y se reduce a un nombre: Victoria. Sinónimo de triunfo, de la reina y emperatriz más famosa de su historia. Britannia rules over the waves. Bastaba con su inconfundible perfil para reconocer la procedencia de la estampilla original, que ha pasado a la Historia como Penny Black.

En 1874 la Unión Postal General, posteriormente rebautizada como UPU (Unión Postale Universelle, es decir, Unión Postal Universal), una organización internacional creada en 1863 con sede en Berna (Suiza), decretó que todos los sellos debían llevar el nombre de su país emisor, pero eximiendo de ello a Reino Unido como homenaje, por haber sido la nación que acogió la primera emisión.

http://ambitointernacional.com/reinounido-primer-sello-postal/

La Casa De La Mona Lisa Que Inspiró a Da Vinci

Todos conocemos a la Mona Lisa. Algunos de nosotros incluso hemos viajado al Museo del Louvre para observar de cerca la famosa obra de arte de Leonardo da Vinci de principios del siglo XVI. La misteriosa sonrisa de la mujer hizo del cuadro uno de los más famosos del mundo, y por tanto también una de las obras más protegidas. Hace unos años, se reveló el secreto sobre la identidad de la bella mujer. Resultó ser Liza Giardini, la esposa de un comerciante de Florencia, Italia. Ahora, la impresionante casa de Giardini está a la venta. Las siguientes fotos te permitirán echar un vistazo al interior de la casa de la mujer

que intrigó a millones de amantes del arte y la historia en todo el mundo.

Esta villa, donde vivía Lisa con su marido, que era comerciante de telas, se encuentra en la campiña toscana, a unos tres kilómetros de Florencia, y está rodeada de verdes jardines. La propiedad fue propiedad de la pareja entre 1498 y 1517 y actualmente se ofrece en venta por aproximadamente 20 millones de euros.

https://www.todo-mail.com/ content.aspx?emailid=26469

Actor de cine estadounidense de origen británico, de verdadero nombre James Leblanche Stewart, nacido el 6 de mayo de 1913 en Londres (Inglaterra) y fallecido el 16 de agosto de 1993 en Los Ángeles (California, Estados Unidos).

Vida

Formado en la prestigiosa WebberDouglas School of Dramatic Arts, renunció pronto a un modesto trabajo de comparsa teatral para intervenir como extra en varios largometrajes que le permitieron ir ascendiendo a papeles de mayor relevancia. Con todo, fue en los escenarios teatrales donde lograría darse a conocer trabajando junto a Vivien Leigh en la obra Serena blandís, uno de los indiscutibles éxitos londinenses de 1939.

do villano, o César y Cleopatra (1945), en la que encarnó al mercader Apolodoro, le permitieron forjarse una imagen de galán de recia masculinidad ideal para películas de aventuras románticas.

En el mundo cinematográfico, por su parte, alcanzó la popularidad gracias a So This is London (1939), filme que también le abrió las puertas a un contrato de siete años con Arthur Rank. Títulos como La Madona de las siete lunas (1944), donde interpretó a un pérfi

Su debut allí no pudo ser más afortunado, puesto que la MGM (véase Metro Goldwyn Mayer) les puso el vehículo idóneo a sus características con Las minas del Rey Salomón (1950). La belleza paisajística del continente africano (donde se rodó parte del largometraje), el esplendor del sistema Technicolor y una historia apasionante prendaron a la audiencia, y Granger se convirtió de inmediato en un ídolo erótico para infinidad de espectadoras

Con todo, los largometrajes de esta primera mitad de los cincuenta que arrasaron en las taquillas y más contribuyeron a engrandecer la fama como galán de Stewart Granger fueron Scaramouche y El prisionero de Zenda (ambas de 1952). En las dos encarnó a la perfección el prototipo de aventurero atlético que se enfrenta a la adversidad, dentro de la mejor línea de los caballeros andantes.

Evidentemente, la Metro Goldwyn Mayer se dispuso a explotar este filón, situándole como explorador antártico en Norte salvaje (1952), rudo aventurero en Tres soldados (1951), ballenero en Todos los hermanos eran valientes (1953) o atractivo centurión romano enamorado de la explosiva Rita Hayworth en Salomé (1953).

Su contrato con la MGM expiró en 1957, después de una serie de fracasos consecutivos por seguir explotando ese perfil en cintas de argumentos cada vez más rutinarios y con un Granger demasiado maduro para interpretar convincentemente su personaje habitual. La Twentieth Century Fox le ofreció dos nuevas oportunidades en sendos títulos crepusculares del género aventurero: Harry Black y el tigre (1958) y Alaska, tierra de oro (1960). Pero el fracaso de estas cintas, así como una calamitosa selección de proyectos (cabe recordar que en esta época rechazó el papel de Mesala en la multioscarizada Ben-Hur que dirigió William Wyler), le mandaron de vuelta a Europa, donde participó en diversos peplums rodados en el seno de las industrias cinematográficas italiana, alemana e incluso yugoslava. Únicamente esporádicas intervenciones en largometrajes de cierto éxito, como El último Safari (1967), dirigida por Henry Hathaway, le devolvieron de forma fugaz un brillo que estaba perdiendo a marchas forzadas.

trayectoria cinematográfica de Granger, quien por otra parte ya se había convertido para entonces en uno de los mayores inversores inmobiliarios de la Costa del Sol española. En 1993 falleció de cáncer.

Así las cosas, desde la segunda mitad de la década de los sesenta Stewart Granger se limitó apenas a poner su nombre como actor invitado en numerosas series televisivas, caso de El perro de Baskerville, espaciando sus apariciones en el cine durante lustros. En ese sentido, Patos salvajes (1978) fue el definitivo canto de cisne para un actor venido ya a menos pero que había ejercido durante un tiempo como encarnación misma del cine de aventuras. Oro fino (1987), dirigida por José Antonio de la Loma como reclamo publicitario de la ciudad andaluza de Jerez, cerró la

El porte atlético, la elegancia innata y un acusado espíritu cínico fueron características fundamentales de uno de los más grandes actores que jamás haya dado el género de aventuras, cuyo estilo interpretativo supo moldear a la perfección esa mezcla de virilidad a flor de piel y cortesía sensible ante el sexo femenino. Stewart Granger disfrutó de una enorme popularidad como sucesor de otros grandes del cine, caso de John Barrymore o Errol Flynn, y alcanzó el estrellato dentro de una productora de extenso firmamento: la Metro Goldwyn Mayer. Sin embargo, y quizás como consecuencia de una prolongada carrera que al final discurrió por subproductos de escasa categoría, su nombre no ha acabado de formar parte de la gran mitología de Hollywood salvo cuando se aborda la década de los cincuenta, en la que Granger reinó sin ningún tipo de discusión.

https://www.mcnbiografias.com/ app-bio/do/show?key=granger-stewart

La Novena sinfonía o Sinfonía nº 9 es una de las composiciones más emblemáticas de Ludwig van Beethoven, quien la llevó a cabo entre 1818 y 1824 por encargo de la Sociedad Filarmónica de Londres. Su importancia es tal que fue declarada patrimonio de la humanidad en el año 2002.

Cuando la obra se estrenó, Beethoven estaba sordo. Cuentan que dirigió la Novena sinfonía valiéndose de su estupenda lectura, aunque cuando el último movimiento acabó, incapaz de escuchar los aplausos del público, tuvo que ser alertado por los músicos de la orquesta para que se diera la vuelta.

Esta, que fue su última aparición pública, fue también el nacimiento de una leyenda: el hombre que cambió la histo-

ria de la música había quedado sordo, y estando sordo esto sí que fue un acto de genialidad , escribió la Novena sinfonía que constituyó, sin ninguna reserva, una auténtica revolución musical.

La Novena sinfonía y sus innovaciones

En apariencia, Ludwig van Beethoven desarrolla la Novena sinfonía siguiendo la estructura convencional: cuatro movimientos. Sin embargo, estos movimientos son desarrollados de tal manera que abren paso a una nueva percepción fenoménica de la música y extienden su duración hasta unos sesenta minutos aproximadamente, un cambio sensible en las costumbres de la música y el espectáculo.

https://www.culturagenial.com/ es/novena-sinfonia-de-beethoven/

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Tessa Barlo nace a partir de entrar en el mundo literario y con el primer libro de poesías. En 2009

Teléfono: 699.053.118

Correo electrónico: Tessabarlo@hotmail.com

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