Techy Fatule MAY 24

TECHY FATULE

Abr-May

MARIANNA VARGAS

DÉJAME

Jessica Hasbún

YANNI:

ENTREVISTA

Manerra

ENTREVISTA

Wendy Regalado

TV MANIA Reality shows

SBZTV | Tres historias reales y una épica ficción histórica

ENTREVISTA

Carlos Graveley

ARCHIVO SBZ La árida historia de E.T. y Atari

ENTREVISTA

Gilberto Morillo

ENTREVISTA

Archie López

FINAL CUT Un país de película

11 MINUTOS CON... Gordon Gekko

ON THE COVER Marianna Vargas

ON THE COVER Techy Fatule

ENTRECULTURA por Faby Torras Soda Stereo

ENTREVISTA Antonio Espaillat

LIBRO ABIERTO

Priscilla Velázquez Rivera

LECTURAS Esto va de negocios

ENTREVISTA Domingo Bermúdez

PARASISE LOST Burning Man

INSIDE | El Nóbel se hace eco de la brecha de género

¿SABÍAS? Guinness World Records

ARTE El arte y el cambio climático

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TENGO METAS

Harvey Specter

Jessica Alba

Una mujer hecha a sí misma

Jessica Alba es de esas mujeres multitasking: actriz, modelo, ecoempresaria; además, escribió un bestseller, mantiene un matrimonio y, junto con su esposo Cash Warren, está criando a tres hijas.

Su papel en la serie Dark Angel y su participación como Sue Storm en The Fantastic Four, la catapultaron en Hollywood. Y The Honest Company, empresa de la que es cofundadora y CEO, hizo lo propio en Wall Street.

The Honest Company comercializa productos para bebés, la belleza y el hogar, y está dirigida a generar conciencia en los consumidores acerca de sus conductas de consumo, promoviendo las compras juiciosas y sustentables con productos que ofrecen empaques sostenibles, sin pruebas en animales, certificados por laboratorios ecológicos, seguros para el cliente y el planeta, y auditados por toxicólogos.

Todo comenzó en 2008, cuando Jessica sufrió una erupción en la piel, causada por un detergente que usó para lavar la ropa de su primera hija. A partir de ahí comenzó a buscar en el mercado productos más seguros y naturales, pero fue difícil encontrarlos.

Así que, junto a Brian Lee, emprendedor que había levantado grandes proyectos online; Christopher Gavigan, que dirigía una organización sin fines de lucro llamada Healthy Child Healthy World, y Sean Kane, ejecutivo de un sitio de comercio electrónico, decidió fundar The Honest Company. El capital inicial fue de seis millones de dólares.

En 2012, la empresa salió al mercado con toallitas húmedas hipoalergénicas y pañales ecológicos, no tóxicos —que siguen siendo sus productos estrella—, y vendió en su primer año 10 millones de dólares. En 2014 la facturación ascendió a 150 millones y para el 2015 Jessica fue catalogada como una de las promesas de la lista de las mujeres más ricas de Estados Unidos.

Los socios de The Honest Company apostaron por el comercio electrónico, mientras diversificaban sus productos, que hoy incluyen limpiadores domésticos, una línea de cuidado de la piel, maquillaje y ropa de bebé.

El siguiente paso: la bolsa de valores En su debut en el Nasdaq Global Select Market, en 2021, la compañía se valoró en unos 1,440 millones de dólares.

Pero no todo ha sido fácil. The Honest Company ha enfrentado varias demandas individuales y colectivas por publicidad falsa y productos supuestamente dañinos; además, ha lidiado con la rotación de sus ejecutivos, una ronda de financiación a la baja, la reducción de su personal, ha descontinuado algunas de sus ofertas y ha mejorado o reformulado el 90% de sus productos.

“Nací en una familia mexicanoamericana muy trabajadora”, dijo una vez Jessica. “Mis padres trabajaban en múltiples trabajos, haciendo lo que fuera necesario para sobrevivir”. Ese ejemplo la ha convertido en una de las pocas estrellas de Hollywood que ha fundado una empresa que cotiza en la bolsa, mientras continúa activa en la industria del entretenimiento.

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Adrien Brody (29 años, 343 días)

Richard Dreyfuss (30 años, 156 días)

Marlon Brando (30 años, 361 días)

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5

Nicolas Cage (32 años, 78 días)

James Stewart (32 años, 283 días)

Daniel Day-Lewis (32 años, 331 días)

8

Eddie Redmayne (33 años, 47 días)

All That She Wants Don’t Turn Around Young and Proud The Sign Living in Danger

Dancer in a Daydream Wheel of Fortune

Waiting for Magic Happy Nation

Voulez-Vous Danser My Mind

All That She Wants (Banghra version) Mr Ace (demo)

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¡Expecto Patronum¡ ¿Una serie de Harry Potter? ¡Bienvenida! Warner Bros. Discovery tiene planes de estrenarla en 2026, a través de Max, su plataforma de streaming

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Ace of Base, cuarteto sueco integrado por Ulf Ekberg y los hermanos Jenny, Jonas y Linn Berggren, debutó en Norteamérica y Latinoamérica con el álbum The Sign (1993), producido por Arista Records.

Llegó a la posición número 1 en al menos 14 países y vendió más de 23 millones de copias en todo el mundo.

Contiene canciones del álbum debut del grupo, Happy Nation (1992), lanzado en Europa y al que se le incorporaron nuevos temas como Don’t Turn Around, Living in Danger y The Sign, así como versiones revisadas de Voulez-Vous Danser y Waiting for Magic

La canción The Sign, que le da nombre al álbum, fue lanzada por los sellos discográficos Arista y Mega como sencillo en Europa el 1 de noviembre de 1993 y en Estados Unidos el 14 de diciembre de ese mismo año. Fue escrita por el miembro de

la banda Jonas Berggren junto con los compositores y productores Denniz PoP y Douglas Carr. “Querían algo diferente al álbum europeo para hacerlo más especial”, dijo Berggren a la revista Idolator en 2014. “Tenía The Sign apenas en mi cabeza. La primera vez que alguien la escuchó fue Denniz PoP, quien obtuvo el demo preliminar. Era solo instrumental y recuerdo que él pensó que la estrofa era el estribillo. ¡A Arista le encantó la canción!”

Entre 1993 y 1994 el álbum estableció el Récord Guinness de más semanas consecutivas en el Top 10 de la lista de sencillos de Estados Unidos, con 48. Ace of Base sería destronado en 2010 por Katy Perry, quien estuvo por 66 semanas.

El sencillo Don’t Turn Around, escrito por Albert Hammond y Diane Warren, fue grabado originalmente por la cantante estadounidense Tina Turner y lanzado como cara B de su exitoso sencillo de 1986 Typical Male

La canción All That She Wants estaba incluida en el disco Happy Nation (1992) y fue lanzada como el primer sencillo del álbum The Sign en Norteamérica. La canción procede de un demo llamado Mr Ace que el grupo grabó en 1991. El productor Denniz PoP fue el encargado de limpiar y simplificar su sonido: “Suprimió el 50 % de nuestra instrumentación”, afirmó Ulf Ekberg.

Con The Sign, Ace of Base se convirtió en el primer grupo sueco en tener simultáneamente una canción y un álbum número 1 en el Hot 100 y Billboard 200, respectivamente. Además, el álbum ganó tres Billboard Awards, tres American Music Awards, dos BMI y varios Grammy. En 2015 apareció en el mercado una remasterización del álbum y de los otros tres discos de estudio del cuarteto sueco, The Bridge, Cruel Summer y Da Capo, los cuales solo están disponibles en formato descargable.

Podría definirse como una noche mágica. Y, afortunadamente, no hay que imaginársela, porque fue registrada para la posteridad, desde todos los ángulos posibles. Todo sucedió en el Odeón de Herodes Ático, el teatro de piedras emplazado en una de las pendientes de la Acrópolis de Atenas. Aquella noche del 25 de septiembre de 1993, los dioses del Olimpo se deleitaron con una excelsa muestra del arte humano. Los cinco mil privilegiados mortales que asistieron al concierto nunca lo olvidarán. Los millones que lo hemos disfrutado a lo largo de las décadas agradecemos a aquellos que inventaron la tecnología de la filmación. Y, desde luego, agradecemos a ese talentoso artista llamado Yanni, nacido en el Peloponeso hace casi setenta años, por regalarnos Yanni Live at the Acropolis , que en este 2024 celebra los treinta años de su lanzamiento en video.

Lista de canciones

Santorini

Keys to Imagination

Until the Last Moment

The Rain Must Fall

One Man's Dream

Within Attraction

Felitsa

Marching Season

Nostalgia

Acroyali/Standing In Motion Aria Swept Away

Reflections of Passion

The End of August

Banda

Yanni – Piano y teclados

Charlie Adams – Batería

Karen Briggs – Violín

Michael Bruno – Percusión

Ric Fierabracci – Bajo

Julie Homi – Teclados

Bradley Joseph – Teclados

Royal Philharmonic Orchestra

Apolo

Yanni ya era un músico con credenciales antes de los tres conciertos que ofreció en 1993 en la ciudadela que es sinónimo de Atenas, el último de los cuales fue grabado por cámaras y micrófonos profesionales. Un año antes, por ejemplo, su álbum Dare to Dream (el octavo de su carrera) había alcanzado la certificación Disco de Oro apenas dos meses después de su lanzamiento, y más tarde sería nominado a un premio Grammy. Yanni creó su propio espacio en el panorama musical, combinando elementos de música clásica, new age, ambient y world music. Su música es rica en melodías, armonías y ritmos y evoca culturas y emociones distintas. Integra en ella instrumentación acústica (piano, violín, guitarra, arpa…) al igual que teclados y sintetizadores, añadiendo elementos vocales.

Dirección de Shahrdad Rohani ORQUESTA

No le pregunten a Yanni, que prefiere el término “música instrumental contemporánea”, pero para los admiradores en sentido general, su estilo encaja dentro del llamado new age que surgió en las décadas 60 y 70 y que se enfoca en la creación de un ambiente sereno y meditativo, incorporando elementos de diversas culturas y tradiciones musicales, incluyendo sonidos de la naturaleza, instrumentos acústicos y, a veces, influencias electrónicas. Promueve la relajación y el bienestar espiritual, siendo frecuentemente utilizado en prácticas de meditación, yoga y terapias de relajación. A diferencia de otros géneros, el new age pone énfasis en la atmósfera y el tono, creando paisajes sonoros que invitan a la reflexión y la calma interior. De la biografía de Yanni sorprende, y mucho, que su éxito en la música fue, al parecer, predeterminado por Apolo. El dios de la música lo dotó de talento, mucho talento. Yanni tocaba el piano a los seis años, porque sí, un regalo del Olimpo. Nunca estudió música (de hecho, ¡es licenciado en Psicología!) y desarrolló su propia notación musical. Fue también un nadador excepcional (en su país y a los catorce años, impuso un récord local en los 50 metros libres); por suerte para la música, Yanni no es hoy un medallista olímpico sino el creador de Yanni Live at the Acropolis.

Los tres conciertos de Yanni en la Acrópolis, en medio de los monumentos más emblemáticos de Grecia, un espacio majestuoso y de gran valor histórico, no fue un proyecto sencillo. Tomó casi un año y medio de trabajo. Yanni tuvo que superar múltiples desafíos, incluyendo obtener permisos del gobierno griego, asegurar la financiación del evento y enfrentar retos logísticos y técnicos para usar un lugar hecho en tiempos muy distintos. Yanni sabía que era un esfuerzo que valdría la pena, ya que el escenario serviría como un puente entre diferentes épocas y culturas, haciendo que la música trascendiera el tiempo. Yanni invirtió su propio dinero —unos 2 millones de dólares— para cubrir parte de la producción y puso en juego su reputación para llevar a cabo aquel sueño, sus primeros shows en la tierra que le vio nacer.

Decir que todo valió la pena es quedarse corto

El trío de conciertos fue un éxito rotundo, y el último de ellos, filmado para ser distribuido en audio y video, representó el salto de Yanni a la inmortalidad y su entrada al panteón de la música instrumental. En el inigualable escenario, Yanni, rodeado de teclados, estuvo acompañado no solo por su banda de seis músicos, sino también por nada menos que la Royal Philharmonic Orchestra, conducida por Shahrdad Rohani. Docenas de músicos e instrumentos dieron vida a un ambiente mágico en un entorno extraordinario.

Seis meses después del concierto, el primero de marzo de 1994, se pusieron a la venta el CD y el video-casete. El formato de audio alcanzó el primer lugar en los listados de new age, pero, más importante aún, subió hasta el quinto puesto en el listado general de la revista Billboard, una rareza para álbumes de música instrumental. Terminó siendo uno de las producciones de mayor venta de la historia de este género musical, consolidando a Yanni

como una figura central de la música sin voz e influenciando a generaciones de oyentes y artistas.

Al formato de video no le fue peor. Permaneció 229 semanas en los listados más importantes y se estima que ha sido visto por más de 500 millones de personas alrededor del mundo, uno de los conciertos filmados más populares de la historia.

El concierto, que constó de once canciones (todas, salvo una, compuestas por Yanni), fue emitido por la cadena de televisión estadounidense PBS el mismo día de su lanzamiento en CD y VHS; aquella transmisión hizo posible una nominación a los premios Emmy.

Al igual que los dioses de la mitología griega, y que el escenario donde se llevó a cabo, Yanni Live at the Acropolis no conoce el tiempo. Hace treinta años de su debut en las tiendas de música y videos. Dentro de treinta siglos nuestros descendientes lo disfrutarán, maravillados. Igual que los dioses del Olimpo.

El cantorelegante de la música tropical

Por Miquel Cunillera Fotos: cortesía de Manerra

Si googleas "Manerra", te saldrán, como de costumbre, los videos importantes, links a las páginas de promoción y redes sociales, pero lo más interesante son los otros nombres que incluye este ejercicio: porque Google sugiere “la gente también busca a: Victor Victor, Vicente García, Pavel Núñez, Juan Luis Guerra, Rafael Solano…” Y esto es una buena manera de iniciar esta entrevista, porque precisamente con Manerra tenemos un retorno a la música dominicana tradicional en sus definiciones de mayor calidad. Es un sonido familiar, pero en el buen sentido de la palabra. Es la música que, cuando escuchamos las propuestas populares, actuales, decimos que nos hace falta. En otras palabras: es la música que decíamos se hacía antes, pero hecha ahora con letras contemporáneas. Y aunque su música se siente muy madura, la carrera de Manerra es muy reciente y hasta cierto punto muy accidental, llena de anécdotas familiares y encuentros sorpresivos. Conozcamos más.

Tus padres están siempre presentes en tus relatos y tus actividades artísticas. Aparte de inculcarte el amor por la música y aterrizar tu forma de ver el mundo, ¿cuáles cualidades piensas heredaste de cada uno de ellos, y en cuáles te gustaría parecerte más?

¡Es una muy buena pregunta! Todos los días cuando hablo con ellos o vivo alguna experiencia a su lado me puedo ver perfectamente en su accionar o su razonamiento, es muy curioso y de hecho lo hablamos constantemente hasta llegar a "discusiones profundas" donde ellos se disputan la titularidad de una de esas "cualidades heredadas", donde siempre salen frases como "Eso es mío, lo sacaste de mi". Me da mucha risa.

De mi padre siempre me ha llamado la atención su cercanía con la gente, su dedicación por escucharlos con atención y conectar con ellos, sin importar clase social, religión o preferencias de cualquier tipo. Con el paso de los años he recibido ese feedback de mis amigos y de inmediato identifico de donde viene.

En el caso de mami, creo que el amor por la lectura, el disfrute del tiempo en el hogar, la curiosidad aplicada en el ejercicio de la vida diaria. Mami es un ser muy especial, de ella aprendí sobre resiliencia y la maravillosa enseñanza de ir por la vida con una actitud de acción de gracias constante. Sin duda soy una mezcla de los dos, ambos tienen una forma muy particular de ver la vida, que a su vez me han permitido tener una perspectiva más equilibrada de las cosas. Quisiera mantener esa sensibilidad y amor por la gente que siempre ha tenido mi papá. El ritmo de la vida que lleva mi madre, su forma de disfrutar el café y la lectura por las mañanas, su capacidad de disfrutar las cosas simples de la vida.

Antes de dar tus pasos en esta profesión, estudiaste Derecho y trabajaste muchos años en radio. ¿Se manifiestan estas experiencias en el artista que eres hoy?

Creo que sí, no puedo desprenderme de esas experiencias, son parte intrínseca de mi cosmovisión. Son herramientas que van conmigo y me ayudan a construir un pensamiento que en esta etapa termina colándose en una canción. El estudio del derecho me ha permitido tener una visión integral con un enfoque más social de todo lo que nos rodea, eso está en mis canciones. De la radio aprendí a transmitir emociones a través de los sonidos. En la mayoría de mis canciones hay decenas de layers de sonidos de ambiente, ríos, olas, risas de mis amigos, hasta sonidos de mi casa, tales como puertas, los pasos de mis padres, mis perritos ladrando… ¿Lo puedes creer? Son sonidos que forman parte de mi vida, me han traído paz y alegría por tantos años y quiero que queden para siempre en mis canciones.

Has mencionado que tu intención inicial era componer para otros, y de hecho pensaste en Bachata colonial como un tema que podría haber sido una colaboración de grandes talentos para promover el turismo; en aquel momento, desafortunadamente, no encontraste muchos interesados. Ahora tienes un nombre hecho. ¿Te sigue interesando componer para otros? ¿Regrabarías Bachata colonial con esos invitados que visualizaste originalmente?

Todos los días escribo, trato de dedicarle tiempo con o sin inspiración, ya es parte de mi día, lo he asumido como una disciplina. Es un ejercicio creativo que disfruto mucho y que me ha permitido conocer personas muy

especiales; de hecho, en este momento estamos trabajando con varios artistas fuera del país. Eso me tiene muy ilusionado.

Me encantaría regrabar Bachata colonial. Me emociona mucho pensar en eso, sería muy divertido "revisitar" una canción como esa y a la vez sería un gran reto. Creo que ese momento está muy cerca, todo tiene su hora.

Lanzaste tu primer tema en el 2019 y en corto tiempo tienes ya una discografía bastante extensa. Has mencionado que eres muy organizado en la creación de tu música, y que eres una criatura de hábitos. ¿Cómo fluye tu proceso creativo?

¡Las mañanas tienen algo muy especial! Y es muy raro decirte esto porque cuando estaba en la radio regularmente mi proceso creativo era en la madrugada. Ahora, en esta etapa, las mañanas son el escenario perfecto para escribir. Luego del desayuno me gusta caminar en el patio y ver las cayenas, escuchar los pajaritos, ver el cielo, etc… Es mi forma de conectar con Dios y la naturaleza, es un momento que disfruto mucho. Luego escribo y me siento al piano.

Regularmente escribo la letra primero y después llega la música… Sin embargo, hay canciones que simplemente llegan, no importa la hora ni el lugar. Por ejemplo, Vestida de flores; literalmente soñé con la melodía, me desperté y la grabé en el celular para que no se me olvidara. En esa canción el proceso fue inverso: primero la música y después la letra.

Hay otras que no llegan tan facil, como Todo es bonito otra vez; aquí primero llegó el coro, "Porque contigo mi bien, todo es bonito otra vez". Yo me pasé días repitiéndolo y no me llegaba nada. Creo que ha sido la canción que más hemos tenido que trabajar.

todo mi corazón. Siento que recibir este premio impactó mi carrera positivamente abriendo nuevas puertas, conectándome con mas personas y nuevas posibilidades de trabajo, como salir por primera vez de gira con mi música.

En 2023 tuviste varios conciertos soldout en espacios como Casa de Teatro, y también has comenzado tu proceso de internacionalización. ¿Cuáles países has podido visitar y cuáles están en agenda? ¿Te sientes listo para espacios más grandes, tipo estadio?

El 2023 fue gran año para nosotros, en el que pudimos ver el cariño del público y cómo abraza nuestra música. Me siento tan agradecido de poder ser testigo de ese amor que se evidencia en cada presentación es una bendición de Dios.

Por primera vez fuimos a Bogotá a llevar nuestra música y ya nos estamos preparando para regresar este año, añadiendo Venezuela y Panamá y otros países por confirmar, Dios delante.

Sigo batallando con los nervios en la tarima, es algo que toma su tiempo. Esos momentos antes de salir al escenario los vivo con mucha intensidad, es parte del aprendizaje y el proceso de este trabajo. Siento los mismos nervios para una presentación en espacios reducidos o en el Teatro o en el Palacio de los Deportes. Creo que todo llega en su momento, he aprendido a disfrutar el camino y el proceso. De cada presentación hay un aprendizaje, algo que mejorar. Estoy enfocado en eso, todo lo demás llegará a su hora.

Has realizado varias colaboraciones con un pool muy talentoso de artistas emergentes, ¿Cómo llegaste hasta ellos?

¡La música nos fue acercando! Eso ha sido lo más bonito Orgánicamente desarrollamos una amistad llena de admiración mutua y luego todo ese cariño se tradujo en estas colaboraciones.

En estos tiempos, la gran mayoría de colaboraciones se hacen con un objetivo mercadológico y regularmente los artistas nuevos buscamos grabar con artistas ya reconocidos para lograr cierto posicionamiento. En este caso, el camino que elegimos fue otro, con artistas que al igual que nosotros están abriéndose camino en la industria, y eso le da un sabor especial a estas colaboraciones.

Es un aprendizaje constante y no me gusta apegarme a fórmulas, técnicas, patrones… Me gusta sentirme como el primer día frente a una hoja en blanco, con cierta incertidumbre, sin saber dónde terminará, pero con la certeza de que disfrutaré el proceso.

El año pasado recibiste el Premio Soberano al Mejor artista nuevo. ¿Cómo ha impactado esto tu carrera?

Un momento inolvidable en mi carrera, una gran sorpresa que no esperaba, y vivirla con mis padres y toda mi familia tiene un sabor muy especial, porque este reconocimiento es para ellos. Soy el resultado de su amor y es una bendición incomparable que Dios me permitiera vivir ese momento junto a ellos y honrarlos públicamente. Me siento infinitamente agradecido de que tomaran en cuenta mi trabajo, es un privilegio que agradezco con

Creo que las colaboraciones tienen un ingrediente espiritual muy importante y es muy bonito cuando surgen de manera espontánea, eso se siente y queda para siempre.

Hiciste un cover inesperado en bachata de How Deep Is Your Love, de los Bee Gees, que funcionó muy bien. ¿Es algo que volverías a hacer, covers de canciones populares? Y… ¿cuáles son tus artistas favoritos?

Hay canciones que trascienden el tiempo y el espacio; How Deep Is Your Love es el ejemplo perfecto. La verdad es que no me propuse hacer esa versión, fue algo que surgió super random mientras escuchaba la canción: en vez de cantarla en inglés, lo que se me ocurrió decir fue "Bendito tu amor", y a partir de ahí decidí darle forma a la idea.

Escucho mucha música sin importar épocas y géneros. Disfruto conectar con esas sonoridades, y de manera intuitiva y a veces inconsciente, intento abrazar la canción desde "otra esquina".

De hecho, es parte de un proyecto que estoy desarrollando ahora, así que muy pronto, Dios delante, saldrán a la luz nuevas versiones de canciones que me gustan mucho de otros autores.

¡Tengo muchos artistas favoritos! A veces quisiera mencionarlos a todos, pero aquí van algunos: Ray Charles, Fito Páez, Jobim, Solano, Juan Luis Guerra, Aldemaro Romero, Eric Clapton, Earth Wind and Fire, Víctor Víctor, Phil Collins, Manuel Troncoso, Richie Ray y Bobby Cruz, Guaco, Ilan Chester, Stevie Wonder…

Aparte de letras y música llenas de colores y ritmos, tienes también una línea gráfica de mercancía (tazas, t-shirts, abrigos…) ¿De quiénes son los diseños? ¿Qué tanto te involucras en este aspecto? ¿Qué tal las han recibido los fans?

Pues esa idea vino precisamente de mis amigos, pues me di cuenta que comenzaron a subir ciertos versos de las canciones y en ocasiones me decían, "Ese verso lo tengo pegado en mi monitor en la oficina", o "Me mandé a hacer una taza personalizada con un verso de Mantequilla y café, y de ahí "se me prendió el bombillo" y yo mismo me puse a hacer los diseños. ¡Ahora vienen más diseños!

Me agrada mucho que en estos días en los que las malas noticias están a la orden del dia, tengamos la oportunidad de tener frases que nos sirvan de aliento, inspiración y fe.

En entrevistas has compartido con mucha honestidad situaciones de carencias y dificultades por las que atravesaste antes de iniciar esta etapa de tu vida. ¿Qué consejos le darías al Manuel Ramón adolescente que estudiaba en el Conservatorio?

Que ponga a Dios en primer lugar y que recuerde que las demás cosas serán añadidas.

Que todo obra para bien, aunque en el momento no lo entendamos.

Que un "no" también nos hace bien.

Disfrutar el presente, valorar lo que tienes y hacer el bien.

Que Dios cumplirá Su propósito en nosotros, y "Aquel que la buena obra empezó, será fiel en completarla".

Finalmente: son —casi— cinco años ya de experiencias memorables. ¿Hay algún momento en particular que atesores?

¡Muchos momentos memorables!

En lo personal, poder subir a mis padres al escenario y honrarlos públicamente le ha traído mucha alegría a mi alma.

Y musicalmente hablando, el poder compartir escenario con el Maestro Solano y cantar junto a él fue surrealista. Su música impactó mi vida cuando yo era apenas un niño, y después de tantos años tener este privilegio es algo que todavía me cuesta creer. El Maestro Solano me inspiró y me sigue inspirando. ¡Es un genio con un corazón enorme! ¡Lo quiero mucho!

El superhéroe enmascarado hizo su primera aparición en la radio en 1936, en una serie de programas de veinte y tantos minutos de duración.

Britt Reid es el alter ego de El Avispón Verde. Reid es un periodista que hereda de su padre el periódico Daily Sentinel y decide luchar contra el crimen por las noches.

Britt es sobrino nieto de John Reid, mejor conocido como El Llanero Solitario.

En 1966, la serie de radio dio el salto a la televisión en la cadena estadounidense ABC. El actor Van Williams intepretó el papel principal de Britt Reid/ El Avispón Verde, y Bruce Lee encarnó a Kato, su fiel y habilidoso compañero.

La serie catapultó a la fama a Bruce Lee, conocido por su maestría en artes marciales, quien incorporó su propio estilo de lucha en las escenas de acción de la serie.

Una de las características más distintivas de la serie era el vehículo de El Avispón Verde, un sedán modificado conocido como Black Beauty, equipado con armas y dispositivos especiales.

El Avispón Verde y Kato aparecieron en dos episodios de 1967 de la serie Batman, en la que ambos primero se enfrentan a y luego se alían con los dos héroes de Ciudad Gótica.

Van Zandt Jarvis Williams (1934-2016) nació en Fort Worth, Texas. Creció en un rancho y estudió ganadería y negocios en la universidad.

A la edad de 22 años se mudó a Hawái, donde trabajó como instructor de buceo en un hotel.

En 1957, su segundo año en Hawái, el productor de cine y teatro Mike Todd (casado por entonces con Elizabeth Taylor), lo convenció de probar suerte como actor en Hollywood.

Se trasladó a California, tomó clases de actuación y en 1958 comenzó a interpretar pequeños papeles como actor invitado en algunas series de televisión.

Su gran oportunidad para darse a conocer al público llegó al año siguiente, en la forma de la serie Bourbon Street Beat. Williams obtuvo su primer papel recurrente interpretando al detective Kenny Madison durante los 36 episodios de la producción.

Tras protagonizar las series Surfside 6 y The Tycoon, en 1966 fue elegido para encarnar a El Avispón Verde en la producción epónima de la cadena ABC.

Durante el rodaje de la serie, Williams desarrolló una estrecha amistad con Bruce Lee, la cual se mantuvo hasta la temprana muerte de este último.

Williams se retiró de la actuación en 1982 para dedicarse a los negocios.

Falleció el 28 de noviembre de 2016, a la edad de 82 años, en Scottsdale, Arizona.

Aunque su carrera en la actuación fue relativamente breve, su papel como El Avispón Verde lo inmortalizó en la cultura popular

Aunque popular entre los espectadores, El Avispón Verde recibió reseñas mixtas de los críticos. Algunos elogiaron la acción y el estilo visual, mientras que otros criticaron su tono más serio en comparación con la más humorística Batman

La serie solo se emitió durante una temporada de 26 episodios. El superhéroe debutó en el cine en 2011, en una película protagonizada por Seth Rogen como Britt Reid/ El Avispón Verde y Jay Chou como Kato.

La chica con el corazón en el escenario

Espontánea y carismática. Son solo dos adjetivos de los muchos que pueden definir a Wendy Regalado. Talentosa es el primero, porque sin esa aptitud para interpretar personajes, hoy Wendy no sería la protagonista de su carrera como actriz. Llega a nuestra cita más que puntual, cargada de un entusiasmo que contagia y lista para confirmar, con su historia, que los sueños de nuestra infancia sí que pueden hacerse realidad cuando hay disciplina y trabajo.

Tu carrera internacional comenzó en Miami, donde resides actualmente, pero ¿cómo fueron tus inicios en República Dominicana?

Así es. Miami ha sido la ciudad que me ha abierto las puertas al reconocimiento internacional. Llegué en el 2008, por lo que ya

tengo poco más de quince años de carrera. No puedo dejar de recordar que yo era de esas niñas que frente al espejo recreaba momentos en los que bailaba o actuaba, y siempre soñaba con la interpretación. No tenía ningún miedo escénico, me encantaba estar frente al público, disfrutaba entretener a los demás y a la vez lo disfrutaba mucho yo misma. El acercamiento con el teatro infantil que pude hacer en mis primeros años de adolescencia fue un paso importante. Me sirvió para ratificar que era la actuación lo que quería hacer.

A pesar de tu claro interés en la actuación desde pequeña, también incluiste en tu agenda estudios universitarios…

Aunque siempre tuve el apoyo de mi familia, los padres siempre quieren que uno haga una carrera universitaria, y como me gustaba la locución y el entretenimiento, lo más lógico en mi caso era que estudiara Comunicación Social, y así fue. Durante esos años me alejé un poco del ámbito teatral, pero luego se presentó la oportunidad de emigrar, y aunque ya tenía cierta trayectoria y experiencia, tuve que empezar desde cero. Volví a tomar clases de actuación, acercarme a grupos de teatro y hacer presentaciones, con lo cual fortalecí las bases que ya tenía para iniciar de nuevo mi carrera en Estados Unidos. Poco a poco vas conociendo gente del medio, vas a audiciones, logras trabajar con un equipo de gente que te ayuda y, finalmente, comienzan a concretarse planes y proyectos.

Por José Roberto Díaz G. Fotos: cortesía de Wendy Regalado

ado

El teatro te permitió un acercamiento inicial a la actuación, pero tu gran oportunidad llegó a través de la pantalla chica. Grachi, ¿cierto?

Sí. Grachi, de Nickelodeon, fue mi primera experiencia en televisión a nivel de personaje importante. Anteriormente había participado en una telenovela de Telemundo, Perro amor, con un personaje muy pequeño. Por entonces yo estaba aprendiendo sobre cómo se trabaja en ese mercado. Audicioné para Nickelodeon, aunque al principio estaba negada porque pensé que buscaban a una actriz infantil para el papel. Me seleccionaron para el personaje de Lucía y estuve en las tres temporadas que duró la serie. Fue una producción que me dio mucha proyección internacional, a tal punto de que todavía me recuerdan por ella. Fue un valioso aprendizaje que duró tres años, y un trampolín no solo para mi carrera, también para la de los otros jóvenes que participaron en esa producción.

Dicen que los verdaderos actores, aunque hagan televisión, no pueden vivir sin pisar las tablas. ¿Es tu caso?

¡Definitivamente, sí! Después de Grachi seguí en el teatro musical infantil, en Miami, ya como adulta, y participé en importantes obras como Bodas de sangre, de García Lorca, por la cual gané un premio como actriz secundaria, y en Mucho ruido y pocas nueces, de Shakespeare. El teatro es maravilloso, es la verdadera disciplina actoral, y eso lo aprendí desde muy joven.

¿El oficio te ha dado la oportunidad de experimentar eso que llaman “desdoblarse” en escena?

¡Claro! En la última telenovela que interpreté en Telemundo tenía el papel de la villana, la antagonista. Fue una nueva oportunidad de explorar otros registros en la actuación. Dulce, el personaje, hacía cosas que yo nunca haría en mi vida personal. Luego, para Disney Plus, interpreté a una dominicana, Santa, un trabajo que disfruté mucho. Y la serie La fuerza de creer me encantó porque querían un personaje marcadamente dominicano, de una familia multicultural y que le gustara la cocina. ¡De inmediato asumí el reto! Esa mezcla de nacionalidades es algo muy normal en los Estados Unidos, y en esa producción interpreté un personaje que pasa por una serie de situaciones que la llevan a revalorizar la cocina dominicana y a reencontrarse con sus raíces, ya que su madre, en la historia, era dominicana. Fue un personaje de muchos matices, con peso, y me gustó sobre todo porque marcaba mucho la dominicanidad.

de autores reconocidos porque son un gran reto para los actores. Por supuesto, seguir en televisión es parte de la agenda, pero estoy muy interesada en hacer, además, alguna película dominicana.

¿Qué has aprendido trabajando en un mercado tan exigente?

El trabajo en el mercado latino en Norteamérica exige disciplina, puntualidad, orden. La esperanza de lograr los sueños no debe perderse nunca. Cuando era pequeña, me decía a mí misma cada vez que veía a otros niños hacer cosas,“Yo quiero hacer eso mismo algún día”. Y se cumplieron mis sueños. Cuando estoy en un escenario o en un set siento que estoy en el lugar correcto, porque ahí está mi corazón. La disciplina es esencial. Hoy en día las redes sociales, el marketing y la fama son importantes, pero no deben ser el enfoque principal. Primero está demostrar, con trabajo y disciplina, todo el talento que se tiene, no importa a la profesión a la que te dediques.

Cuéntanos sobre lo que sentiste al recibir un Hispanic Celebrities Awards.

Fue un reconocimiento que me tomó por sorpresa porque al evento yo asistí como invitada. Me sentí muy halagada porque es un reconocimiento al trabajo que hasta ahora he podido desarrollar en Estados Unidos.

Tienes toda una carrera por delante. ¿Qué piensas hacer en el futuro inmediato?

Quiero volver al teatro. En Miami se ha estado reanimando la actividad en los escenarios. Me gustan mucho las obras

Reproducir Mi lista

DIVERSIFICACIÓN

Con el tiempo, la televisión de realidad evolucionó generando una amplia gama de subgéneros, desde programas de talentos hasta programas de citas y relaciones, competiciones de cocina y documentales centrados en celebridades.

Shows de talento

Megaestrellas de la música como Harry Styles, Pentatonix, Kelly Clarkson o David Bisbal iniciaron su carrera participando en algún reality. Programas como Britain's Got Talent y The Voice han ganado fama internacional y han sido adaptados en todas las latitudes del planeta; Operación Triunfo, American Idol y The Voice Dominicana son solo algunos ejemplos. Otros shows de renombre son The X Factor y The Masked Singer, en el que celebridades salen a cantar disfrazados. Pero no solo es cantar; muchas competencias de baile como Dancing with the Stars tienen ya años de éxito acumulados.

Aventura

Celebridades

Estos a menudo se centran en la vida personal de las celebridades, como Keeping Up with the Kardashians y The Osbournes que nos permitió adentrarnos en el divertido mundo personal de Ozzy. El resultado a veces es la creación de megafiguras que han resultado famosas por ser famosas, una real paradoja.

Estilo de vida

Aquí podemos incluir programas que transforman un aspecto de la vida de un participante, como Queer Eye for the Straight Guy, donde un equipo gay asesora en aspectos de estilismo a hombres heterosexuales; o los que manejan situaciones de hoarding o de organización del hogar, como el de la gurú japonesa Marie Kondo: Tidying up with Marie Kondo.

Survivor y The Amazing Race son notables por sus formatos basados en aventuras. Sus pulidas producciones les han generado los principales premios de la industria. Otros del género: I’m a Celebrity, Get Me Out of Here —que envía a famosos a vivir situaciones incómodas—, Road Rules y The Mole.

Experimento social

Big Brother, donde los concursantes viven juntos bajo vigilancia constante, sigue siendo el ejemplo más citado. Recientemente, Jury Duty, uno de los shows más nominados en los Emmy el año pasado, organizó un juicio falso e introdujo en el jurado a un hombre —el protagonista del programa— que desconocía que todo era un engaño; los resultados fueron muy divertidos y algo controversiales. En esta subclasificación quizá podamos también incluir a series como The Real Housewives, que documenta la vida cotidiana de varias esposas situadas en diferentes latitudes.

Competencias gastronómicas

Uno de los primeros formatos (1937, Cook’s Night Out, Inglaterra) nunca ha perdido vigencia. Por el contrario, los programas de competencias culinarias son más populares que nunca. MasterChef, originario del Reino Unido, se ha convertido en un fenómeno mundial; The Great British Bakeoff sigue siendo un gigante de los ratings; y Top Chef y Hell’s Kitchen, que siguen muy de cerca no el proceso de la creación de un plato, sino el recorrido de los protagonistas para crearlos, gozan de una alta popularidad.

Citas y relaciones

Avances tecnológicos

El auge de la tecnología digital y de las redes sociales ha transformado aún más la televisión de realidad, haciéndola más interactiva y permitiendo a los espectadores participar en votaciones o proporcionar retroalimentación en tiempo real, algo que habría sido impensable hace apenas unos años.

LA CONTROVERSIA

Si bien la televisión de realidad ha tenido un impacto significativo en la cultura popular, influyendo en todo, desde tendencias en redes sociales hasta la moda, el género ha sido criticado por promover el voyeurismo, por el uso de escenarios guionizados que difícilmente muestren la “realidad” y por enfocarse en el sensacionalismo por encima de la sustancia, resultando incluso en el suicidio de participantes.

EL IMPACTO

Por otra parte, muchos de estos programas han generado conversación importante sobre temas sociales como el sida, el racismo, la diferencia de géneros, el clasismo y otras situaciones. Quizás no sean realmente el reflejo de lo que ya somos, pero en muchos casos, una proyección de lo que podríamos ser.

EN RESUMEN

Podemos amarla u odiarla, pero la telerrealidad llegó para quedarse. De hecho, si acaso, ha ido expandiendo su potencial de cobertura ya que con los recursos que tenemos a mano, cada uno de nosotros es productor en potencia de nuestro propio reality. Pero antes de compartir, tengamos muy presente que no todos estamos “listos para nuestro close-up” y a veces conviene seguir el consejo de Groucho Marx: “Es mejor permanecer callado y parecer tonto, que hablar y despejar las dudas definitivamente”.

Programas como Love Island (versiones internaciones en 24 países), The Bachelor y The Bachelorette tienen una gran base de espectadores, independientemente de que resulten o no efectivos generando relaciones permanentes. Recientemente, Love on the Spectrum, que sigue el romance entre personas en el espectro autista, han añadido alguna frescura al género.

Tres historias basadas en hechos reales y una épica fi cción histórica que competirá en los grandes premios de la televisión

DR. DEATH

2ra. TEMPORADA

E.E.U.U. | 8 episodios

ÉDGAR RAMÍREZ MANDY MOORE ASHLEY MADEKWE LUKE KIRBY

La segunda temporada cambia de escenario y protagonista, pero Dr. Death mantiene la misma fórmula de suspenso y análisis del lado oscuro de la medicina. En esta ocasión se sumerge en la historia real del doctor Paolo Macchiarini, un cirujano italiano conocido por sus innovadoras técnicas de trasplante de tráquea. Pero detrás de su fachada de genio médico, Macchiarini esconde a un hombre manipulador y egocéntrico que no duda en poner en riesgo la vida de sus pacientes para satisfacer su ambición. El actor venezolano Édgar Ramírez ofrece una actuación impecable, capturando el carisma superficial y la profunda oscuridad de un auténtico “Doctor Muerte”. La serie también presenta un elenco de apoyo sólido, encarnando personajes que van desde médicos cómplices hasta pacientes que sufren las consecuencias de la negligencia del cirujano italiano. Algunas instituciones no quedan bien paradas en Dr. Death, pues en ella se expone cómo fue posible que las malas prácticas de Macchiarini continuaran durante mucho tiempo. Al igual que su temporada anterior, la segunda ofrece una mirada a la corrupción y el engaño en el mundo de la medicina. Esta es una serie que hace reflexionar sobre la ética médica y la importancia de la responsabilidad profesional.

THE LONG SHADOW

MINISERIE

E.E.U.U. | 7 episodios

TOBY JONES DAVID MORRISSEY DANIEL MAYS KATHERINE KELLY

Miniserie de siete episodios que narra la investigación del “Destripador de Yorkshire”, un asesino en serie que aterrorizó al norte de Inglaterra durante los años 70 y 80. La trama ofrece dos perspectivas: la de las víctimas y sus familias, y la de los detectives que lucharon por atrapar al culpable. Hay que destacar el enfoque sobrio y respetuoso hacia las víctimas; The Long Shadow no se recrea en la violencia, sino que se centra en el impacto emocional que los crímenes tuvieron en las familias y en la comunidad. También critica la incompetencia y los errores de la policía durante la investigación, lo que contribuyó a que el asesino se mantuviera prófugo durante tanto tiempo. El elenco ofrece actuaciones sólidas y convincentes. Toby Jones interpreta al detective jefe Peter Sutcliffe, un hombre atormentado por la culpa y la frustración. La serie es visualmente atractiva, con una atmósfera oscura y melancólica que refleja el tono de la historia. Y no se anda con rodeos: es una mirada cruda y honesta a un capítulo oscuro de la historia de Inglaterra, y un homenaje a las víctimas y a los detectives que lucharon por atrapar a un verdadero monstruo.

THE SIXTH COMMANDMENT

MINISERIE

E.E.U.U. | 4 episodios

ÉANNA HARDWICKE TIMOTHY SPALL ANNE REID ANNABEL SCHOLEY

Retrato perturbador de manipulación y asesinato, cuatro episodios basados en la historia real de Ben Field, un joven que asesinó a dos personas mayores para obtener su herencia. La trama se enfoca en la relación entre Ben y sus víctimas, Peter Farquhar y Ann Moore-Martin, y en cómo este manipuló y controló sus vidas para beneficio personal. En términos de actuación, Hardwicke es aterradoramente convincente como el calculador Ben Field. A lo largo de la miniserie es difícil ver cómo Field se aprovecha de la vulnerabilidad de Peter y Ann, y cómo los lleva a su propia destrucción. The Sixth Commandment no es solo un thriller psicológico, sino también una reflexión sobre la fragilidad de la vida, la importancia de la confianza y los peligros de la codicia. Y nos recuerda que el mal puede esconderse en las personas más insospechadas y que la línea entre el bien y el mal puede ser muy fina.

SHŌGUN

MINISERIE

E.E.U.U. | 10 episodios

HIROYUKI SANADA COSMO JARVIS ANNA

Basada en la novela histórica homónima de James Clavell, Shōgun nos transporta al Japón del siglo XVII. El navegante inglés John Blackthorne naufraga en las costas niponas, donde se ve envuelto en un mundo de intrigas políticas y una lucha por el poder à la Game of Thrones. La meticulosa recreación del Japón feudal es digna de todos los elogios posibles. La trama, de principio a fin, está repleta de giros inesperados. Los personajes son complejos y fascinantes, en especial John Blackthorne, el inglés en tierras muy lejanas, quien debe adaptarse a una cultura completamente diferente a la suya; Toda Mariko, una mujer con un pasado misterioso y un futuro incierto; y Yoshii Toranaga, señor de tierras y ejércitos, sabio hombre de honor que lucha contra poderosas fuerzas en una pugna por el reino de Japón. Shōgun no es solo una historia épica de acción y aventura, sino también una profunda reflexión sobre el choque cultural y la búsqueda de identidad. Sin temor a equivocarnos, esta ambiciosa producción será una de las más relevantes del año y optará por premios importantes.

SAWAI TAKEHIRO HIRA

Brugal

y el entretenimiento

En la promoción de sus distintos rones, Brugal ha desarrollado una relación muy estrecha con el entretenimiento. ¿Cómo surge esta estrategia y por qué?

La estrategia de Brugal de desarrollar una relación estrecha con el entretenimiento surge de su deseo de conectar con su audiencia de una manera relevante y emocional. El entretenimiento es una plataforma para llegar a los consumidores de una forma más dinámica y memorable, permitiendo a la marca asociarse con experiencias positivas y momentos especiales en la vida de los consumidores.

Podemos ver esa relación en el patrocinio de espectáculos de grandes artistas de distintos géneros musicales. Coldplay, Bad Bunny, Michael Bublé…, solo por mencionar algunos ¿De qué maneras participa Brugal en estos eventos?

Brugal se involucra de manera activa en eventos musicales de gran magnitud, colaborando con los principales exponentes de diversos géneros. Esta alianza estratégica garantiza una presencia destacada de nuestros productos en estos eventos, brindando a los asistentes la oportunidad de interactuar directamente con la marca.

Ofrecer experiencias a los consumidores a través de eventos de patrocinio de grandes artistas musicales va más allá de crear simples

Gerente Nacional de Promociones

momentos memorables para los asistentes. Esta iniciativa tiene el poder de fomentar una conexión emocional más profunda con nuestra marca, cultivar la lealtad del consumidor y establecer relaciones duraderas con los mismos.

“ La estrategia de Brugal de desarrollar una relación estrecha con el entretenimiento surge de su deseo de conectar con su audiencia de una manera relevante y emocional"

A lo largo de un año, vemos a Brugal desarrollando o participando en otras actividades vinculadas al entretenimiento. Coméntanos un poco sobre ellas y sobre esa agenda anual y la planificación que hay detrás.

Brugal implementa plataformas promocionales estratégicas a lo largo del año, capitalizando fechas especiales y celebraciones en torno a la categoría. Estas iniciativas se planifican cuidadosamente, incluyendo acciones específicas para los diferentes tipos de establecimientos, con el objetivo de maximizar la visibilidad y generar nuevas experiencias para los consumidores. Todo esto se lleva a cabo acompañado de una campaña de consumo responsable que tiene lugar durante todo el año.

A propósito, ¿cuáles acciones implementa Brugal en los eventos que patrocina para fomentar el consumo responsable y promover una cultura de moderación entre los asistentes?”

Casa Brugal promueve el consumo responsable como parte integral de su compromiso con la sociedad y su responsabilidad como líder en la industria de bebidas alcohólicas.

Al promover el consumo responsable, Casa Brugal busca proteger la salud y el bienestar de sus consumidores, así como fomentar un ambiente seguro y responsable en torno al consumo de alcohol. Esto se traduce en acciones concretas, como proporcionar materiales sobre el consumo moderado, limitar la cantidad de cocteles servidos durante eventos y ofrecer alternativas no alcohólicas, como agua, para garantizar la hidratación y la seguridad de los asistentes.

Además, al adoptar esta postura proactiva hacia el consumo responsable, Casa Brugal demuestra su compromiso con los valores éticos y la sostenibilidad, lo que fortalece su reputación como una marca confiable y preocupada por el bienestar de sus consumidores y de la sociedad en general.

Casa Brugal reconoce y respeta a aquellos que eligen no consumir alcohol o promueven la abstinencia. Al mismo tiempo, invita a aquellos que optan por beber a hacerlo de manera moderada y responsable.

¿Seguirá en 2024 esa estrecha relación entre Brugal y el entretenimiento?

Sí, definitivamente. La estrecha relación entre Brugal y el entretenimiento seguirá siendo una parte fundamental de nuestra estrategia en 2024. Continuaremos buscando oportunidades para asociarnos con eventos y personalidades del mundo del entretenimiento, ya que esta conexión nos permite llegar a nuestra audiencia de manera relevante y ofrecer una experiencia única a nuestros consumidores.

El24 de abril de 2014, un hombre emprendió una excavación en el árido desierto de Alamogordo, en Nuevo México. Zak Penn no era precisamente Indiana Jones en busca de un exótico objeto perdido. No era arqueólogo, y en lugar de un látigo de cuero y un sombrero de cazador, lucía unos cómodos jeans que delataban que su hábitat era la ciudad y la oficina, no la aridez y la desolación. Zak Penn era guionista y cineasta.

¿Qué buscaba allí? No reliquias de una época antigua ni fósiles prehistóricos. Ayudado por formidables máquinas, modernas tecnologías y un pequeño grupo de trabajadores de la construcción, Penn cavaba hoyos en el desierto persiguiendo un mito moderno. Cámaras de vídeo y micrófonos documentaban el progreso del proyecto.

Aquel día, un miembro de la expedición, ya exhausto por el calor inclemente y las ventiscas de arena, sintió algo duro al final de su pala y lo agarró. Limpiando el polvo que cubría al objeto, palpó plástico duro y notó una inscripción: “E.T. The Extraterrestrial”.

Esta es la historia de cómo la que fue la compañía de videojuegos más grande del mundo desarrolló uno de los juegos más infames de todos los tiempos, atravesó tiempos difíciles y arrojó sus errores en medio del desierto. Esta es la historia de E.T. y Atari.

Es difícil de entender estos días. Hoy los videojuegos son parte de la cotidianidad y la cultura, ubicuos. Son un aspecto más de la vida moderna: los nuevos skin packs de Fortnite, la Fotos: fuentes externas

Por Angel Leonardo Peña

madre que distrae a su hijo pequeño con Candy Crush. Pero allá a principios de los 70, los videojuegos no eran protagonistas del presente, los videojuegos eran todavía el futuro. Y el futuro empezó en 1972.

Imaginemos. Es el invierno de aquel año, llega al colmado de la esquina una nueva máquina que dice en la parte superior “Pong”. Es voluminosa y aparenta ser torpe, y luego se enciende su pantalla en las que dos barras de luz se encuentran a cada lado y algo que asumes que es una pelota va y viene entre ellas, y lo mejor es que puedes controlarlo todo.

Para aquellos que crecieron en la era espacial, fue una manifestación tangible del progreso. Lo que antes parecía ciencia ficción, se hizo realidad con el inicio de la era del videojuego. En ese período de maravillas que vio el surgimiento de una nueva industria, una empresa joven se destacaría por encima de todas: Atari.

Leviatán

Atari conquistó el incipiente mercado, siendo pionera en la creación de la primera máquina de videojuegos tragamonedas y en el lanzamiento de una consola doméstica, el Atari Video Computer System (más conocido como Atari 2600). A pesar de su temprano éxito, la compañía enfrentó los desafíos típicos de cualquier empresa en su infancia: imitadores, competidores y dificultades para ingresar al mercado internacional. Sin embargo, superó todos estos obstáculos y para finales de los años 70, Atari se había convertido en sinónimo de videojuegos. Asteroids, Space Invaders y Centipede dominaban la escena.

Atari también se convirtió en el prototipo de la empresa de Silicon Valley, caracterizada por una cultura empresarial más relajada, reuniones en el jacuzzi, fiestas durante la semana y un código de vestimenta informal compuesto por camisetas desgastadas de The Grateful Dead y sandalias de cuero. Era un nuevo tipo de imperio empresarial en la frontera de la tecnología, pero como enseña la historia, todos los imperios están destinados a caer.

Durante casi una década, Atari dominó una industria que prácticamente había creado. Lo que comenzó como el proyecto de unos pocos nerds se convirtió en un gigante. Cuando la competencia llegó a las salas de juegos y a las tragamonedas con éxitos como Donkey Kong y Pac-Man, todos fueron trasladados al Atari 2600.

Llega el extraterrestre

Viendo el éxito de la incipiente industria, las grandes corporaciones vieron una oportunidad de entrar en el mercado y en 1976 Atari fue adquirida por Warner Communications. Siguiendo un modelo de negocio codicioso, Warner buscaba aumentar los ingresos produciendo más juegos, sin importar su calidad.

A principios de los años 80, Atari se aventuró en el negocio de los juegos con licencia, basados en propiedades ya existentes, como películas. En 1982, la empresa decidió desarrollar un juego basado en una de las películas más exitosas de la época: E.T, el extraterrestre. Sin embargo, hubo un problema: el tiempo. Atari había pagado una cantidad exorbitante por los derechos de la película y necesitaba lanzar el juego para la Navidad. Le asignaron a Howard Scott Warshaw, un diseñador de juegos talentoso, la tarea de crear el juego en tan solo cinco semanas.

Para poner en perspectiva este corto período de tiempo, los juegos de Atari normalmente requerían entre cinco y siete meses de desarrollo. Warshaw trabajó incansablemente, incluso instalando una estación de codificación en su casa para laborar las 24 horas del día. A pesar de las probabilidades imposibles y el estrés, Warshaw logró completar el juego a tiempo. El propio Steven Spielberg lo probó y aprobó. Fue un logro increíble.

El juego se lanzó y tuvo cierto éxito inicial, vendiendo alrededor de dos millones de copias. Sin embargo, las críticas fueron desfavorables y aproximadamente 800,000 copias fueron devueltas. Dicho de otro modo, el juego era terrible. Era torpe, engorroso y difícil de entender. Las críticas fueron más que merecidas.

Atari había fabricado demasiados cartuchos, sobreestimando las expectativas de ventas de un juego más que anodino. Todo era un síntoma de una enfermedad que empezaba a afectar a toda la industria de videojuegos.

El entierro de E.T.

El mercado estaba saturado con una gran cantidad de juegos de calidad mediocre y las expectativas de ventas eran poco realistas. En 1983 inició la hoy famosa “Crisis de los videojuegos”. Las ventas, que el año anterior habían alcanzado los tres mil millones de dólares, en 1985 se redujeron a tan solo 100 millones, una caída del 97%. Ese año, Atari redujo de 10,000 a 2,000 su empleomanía. Warner Communications, que dependía en gran medida de los ingresos de Atari, se vio afectada significativamente por esta crisis. La división de Atari reportó pérdidas masivas, lo que llevó a una serie de reestructuraciones internas y a la venta de Atari en 1984.

En septiembre de 1983, un convoy de camiones cargados con cartuchos de Atari llegó al vertedero del desierto de Alamogordo. Los cartuchos fueron descargados y enterrados en una fosa gigante, cubierta con capas de concreto y tierra. A lo largo de los años, todo aquello se convirtió en una leyenda urbana. La falta de pruebas concretas y la ausencia de imágenes documentales alimentaron la especulación sobre si el evento realmente tuvo lugar. Hasta que el 24 de abril de 2014, el cineasta Zak Penn dio con la verdad.

Penn realizó sus excavaciones en el marco de un documental del que era director y que era producido por varias compañías, entre ellas, irónicamente, Xbox Entertainment Studios. Sí, Xbox, el sistema de videojuegos. James Heller, quien había sido gerente de Atari y estuvo a cargo del entierro, estuvo presente durante la excavación. A diferencia de la leyenda urbana que sugería que millones de cartuchos habían sido enterrados, Heller declaró que en realidad solo se habían sepultado 728,000.

Solo 1,300 cartuchos fueron desenterrados, y no todos eran… de origen extraterrestre. Porque junto a los de E.T., Heller había sepultado en el desierto cartuchos de Pac-Man, Ms. Pac-Man, Raiders of the Lost Ark, Defender, Berzerk

Howard Warshaw, el creador de E.T., estuvo allí en el vertedero. Al hablar con los reporteros locales, comenzó a llorar.

El juego de E.T. murió en aquellos años de los 80, a lo poco de haber nacido. Atari, como jugador importante en su industria, lo haría más tarde, una muerte más lenta. La industria de los videojuegos factura estos días la inverosímil cifra de 184 mil millones de dólares. Las compañías que hoy disfrutan de esa bonanza tienen mucho que agradecer a Atari.

La película de Spielberg sobre el encantador alienígena que desea regresar a casa es una obra maestra; veámosla de vez en cuando y enterremos en el desierto de la memoria nuestros recuerdos de aquel videojuego que tanto prometía y tan poco ofreció. Los que lo jugamos, sabemos.

Por Ángel Leonardo Peña Fotos: Camilo Joga para SHOWBUZZ

mantiene) récords de audiencia y que circuló con un éxito extraordinario a nivel internacional.

Luis, una historia que soñé y escribí además de dirigir y que toca un tema familiar muy sensible. Es el único drama que he dirigido y me siento muy orgulloso de las valoraciones y reconocimientos que ha logrado.

Tubérculo Gourmet, una película en la que tuvimos la oportunidad de arriesgarnos para construir el origen y el universo de este personaje que ya era tan popular y querido, y el resultado fue extraordinario. Una comedia costumbrista con Raymond y Miguel en performances memorables, como memorable y extraordinario fue su éxito popular.

La tercera edad es tu más reciente producción. ¿Qué puedes contarnos sobre esta colaboración junto a esas dos inmensas figuras del humor como son Roberto Salcedo y Cuquín Victoria?

Muy feliz de poder hacer la película de Cuquín y de Roberto juntos y hacer de alguna manera un homenaje al humor de su generación. Roberto es el guionista y es un privilegio que nos eligiera para llegar al cine con esta historia tan divertida.

En esta película tenemos la fórmula de figuras que se han formado en la televisión y que ahora incursionan en el cine. ¿Es garantía de éxito comercial?

El éxito es la suma de muchos factores, incluso el de la suerte, pero es verdad que cuando los actores son tan queridos y conocidos, hay mayores expectativas y posibilidades de éxito comercial. En este caso tenemos un cast espectacular, robusto, compuesto por grandes y queridos actores. Pero la película tiene que ser buena para que sea exitosa. Estoy orgulloso del trabajo realizado y el público nos ha confirmado con su apoyo que lo están disfrutando en grande.

El tema de La tercera edad resulta ser universal, lo que potencia que la película tenga atractivo más allá del mercado local.

¿Qué expectativas tienes en ese sentido?

Hemos tenido buenas experiencias con ventas internacionales de otras películas y, sí, tenemos buenas expectativas con esta

Para mí el cine es como tomar vacaciones.

Es algo que no tiene límites creativos y que hago por pasión y para disfrutarlo

Ya estamos recibiendo propuestas de compra. El tema interesa y el éxito con el público dominicano siempre es atractivo para otros territorios.

¿Qué hay en la agenda de Archie López en el futuro inmediato y para los próximos años?

La agenda es hacer lo que me apasiona, seguir desarrollando talentos nuevos, seguir trabajando junto a mis hijos (Alex, Federico y Luis) y seguir creciendo con Panamericana y junto a nuestros clientes. Para este mismo año estamos trabajando en una nueva película, se llama Me caso con tu ex, basada en una obra de Irving Alberti.

¿Me encanta el cine? No, ¡me apasiona! Hace unos quince años, me enamoré profundamente del mundo del séptimo arte. Tuve el privilegio de participar en uno de los festivales más destacados de la República Dominicana, el Festival de Cine Global de Santo Domingo. Allí, tuve la oportunidad de conocer personalmente a productores internacionales que participaban en el evento, quienes llegaban cargados de sueños para presentar sus proyectos cinematográficos y terminaron cautivados por las maravillas de nuestro país.

Con el paso del tiempo, me uní al equipo de la Dirección General de Cine (DGCINE). Cada vez que visitaba un set de rodaje, disfrutaba escuchando los testimonios entusiastas de los productores, quienes cada vez más se sentían emocionados por todo el proceso de filmación en la República Dominicana.

A través de esta experiencia, y ahora trabajando directamente con la industria local, he reafirmado el valor que nuestro país tiene al ofrecer locaciones únicas que contribuyen significativamente al crecimiento de la industria cinematográfica.

“Lo tiene todo”

UN PAÍS DE PELÍCULA

En el mundo del cine, la selección de locaciones es un arte en sí mismo; estas no solo sirven como telón de fondo para las historias que se desarrollan, sino que también desempeñan un papel crucial en la narrativa, estableciendo el tono, la atmósfera y, a menudo, convirtiéndose en personajes por derecho propio.

En este sentido, la República Dominicana definitivamente “lo tiene todo” en cuanto a locaciones se refiere. Ningún país de la región se le puede comparar. Contamos con una diversidad de paisajes: cordilleras, ríos, valles, desiertos, cascadas, bosques tropicales, junglas y, por supuesto, nuestras reconocidas playas. Asimismo, disponemos de una variedad de estilos arquitectónicos adaptables a cualquier periodo de tiempo.

Esta amplia gama de paisajes es uno de los principales atractivos que influyen en que las producciones internacionales nos elijan como destino fílmico. Nuestras locaciones forman parte de ese eslabón de sostenibilidad que impulsa el crecimiento de nuestra industria cinematográfica. La diversidad de escenarios, combina-

Por Taína Rodríguez Fotos: fuentes externas

da con servicios de producción de alta calidad y los incentivos que ofrece la Ley de Cine, convierten a la República Dominicana en un lugar excelente para filmar.

Según datos de DGCINE, las locaciones más utilizadas tanto para producciones nacionales como internacionales están ubicadas en Santo Domingo (47%), Samaná (16%), Boca Chica / Juan Dolio (14%), La Romana (13%) y Puerto Plata (10%).

Desde el 2020 hasta el 2023, el país ha sido escenario de producciones extranjeras que han atraído a grandes figuras del cine mundial, como Gael García Bernal, Dennis Quaid, Sandra Bullock, Channing Tatum, Daniel Radcliffe, Brad Pitt, Jennifer López, Josh Duhamel, Lenny Kravitz, Josh Lucas, Vin Diesel, Jake Gyllenhaal y Mark Wahlberg.

La mera presencia de estas estrellas en el país y su actividad en redes sociales al compartir que están filmando en República Dominicana representan una promoción extremadamente valiosa y gratuita. Logran posicionar nuestras locaciones a nivel mundial y, a su vez, atraen a personas interesadas en descubrir nuestras bellezas naturales. Esto fomenta el turismo cinematográfico sin incurrir en costos adicionales.

The Black Demon, dirigida por Adrian Grunberg y protagonizada por Josh Lucas.

La serie de televisión Saint X rodó en tres playas: Playa Macao en La Altagracia, Playa Caribe y Playa Juan Dolio en San Pedro de Macorís. Este thriller nos sumerge en la misteriosa muerte de una joven durante unas vacaciones en el Caribe.

La majestuosidad del Salto de Socoa: naturaleza en su esplendor

A tan solo 50 minutos en vehículo de la ciudad de Santo Domingo se encuentra la belleza natural del Salto de Socoa, en Monte Plata. Ha sido la locación perfecta para producciones como Arthur the King, dirigida por Simon Cellan Jones y protagonizada por Mark Wahlberg, y The Lost City.

Definitivamente, el “Salto de Socoa” es un destino que parece sacado de una película.

Altos de Chavón: un rincón inimitable en el Caribe

Un ejemplo notable fueron las publicaciones de Jennifer López en sus redes sociales durante el rodaje de su película Shotgun Wedding en Cabrera. Más de seis millones de seguidores dieron “me gusta” a sus publicaciones, lo que seguramente ha motivado a algunos a planificar sus próximas vacaciones en el país. Además, López expresó en una entrevista para Telemundo que fue un sueño para ella filmar en República Dominicana, considerándolo un paraíso.

El encantador “pueblo” situado en La Romana, réplica de un borgo mediterráneo del siglo XVI, es una creación arquitectónica y artística que combina la arquitectura tradicional europea con un ambiente caribeño. Sandra Bullock expresó su felicidad por rodar en esta belleza.

El rodaje en una localidad moviliza a toda una comunidad y dinamiza su economía, brindando oportunidades de empleo y beneficios a micro y pequeñas empresas. Desde el carpintero hasta el supermercado de la esquina, desde la señora que prepara los mejores sándwiches hasta el pintor más destacado, todos tienen la oportunidad de beneficiarse de esta actividad cinematográfica. Paraísos en la arena

Las playas de la República Dominicana son uno de sus mayores atractivos cinematográficos. La combinación de arenas blancas y aguas cristalinas proporciona un telón de fondo impresionante para muchas películas.Como país, tenemos un sello distintivo en comparación con otros destinos playeros. Contamos con la ventaja de ofrecer tomas acuáticas únicas y disponemos de un equipo de servicios de buceo altamente especializado, uno de los pocos en la región. Además, el país cuenta con el tanque de agua de Pinewood Dominican Republic Studios, con una extensión de 60,500 pies cuadrados, que replica las condiciones del mar para ofrecer un ambiente controlado durante la filmación.

Marianna Vargas Gurilieva, directora general de la DGCINE, ha expresado que las producciones internacionales encuentran tranquilidad al saber que, al filmar en el país, cuentan con un equipo de apoyo y proveedores de servicios altamente experimentados. Esto garantiza que la locación funcione eficientemente gracias al personal capacitado que trabaja en ella.

Entre las playas utilizadas por las producciones extranjeras se encuentra Playa el Valle en Samaná, escenario de la película Old, dirigida por M. Night Shyamalan y protagonizada por Gael García Bernal. Playa Cosón, también en Samaná, recibió con los brazos abiertos a la comedia The Lost City, protagonizada por Sandra Bullock y Channing Tatum. Durante el rodaje, el equipo de producción se alojó en Las Terrenas.

En el caso de Shotgun Wedding, dirigida por Jason Moore y protagonizada por Jennifer López y Josh Duhamel, la locación ideal fue Playa Grande en Río San Juan. Asimismo, Playa Guayacanes en San Pedro de Macorís fue el escenario perfecto para el filme

GORDON GEKKO

Me llama mucho la atención que sus dos películas hayan coincidido con momentos terribles en Wall Street.

La primera se estrenó dos meses después del crash de la bolsa en octubre del 87, y la segunda, un par de años después del inicio de la crisis financiera de 2007-2008.

¿Casualidad?

En el mundo no hay casualidades, muchacho, hay dinero. Y el dinero, lo más extraordinario y hermoso jamás inventado por nuestra especie, fue lo que causó ambas situaciones. Ganar más dinero, ganar mucho más dinero, la actividad más admirable a la que puede dedicarse un ser humano, era lo que un grupo de amigos intentábamos hacer en aquellas fechas, y lo logramos. Y no veo nada de malo en lo que sucedió después, en esas llamadas “crisis”.

Señor Gekko… Gordon, por favor.

OK. Gordon. No me respondió lo de las películas.

¡Dinero, muchacho, dinero! Durante aquellas “crisis”, Wall Street estaba en boca de todo el mundo, era un tema omnipresente. ¿Qué mejor momento para lanzar películas sobre Wall Street y el mundo de las finanzas y hacer mucho, mucho dinero?

Ya. Entiendo.

¡Se trata de dólares, muchacho! El resto es conversación.

Sí, OK. Mencionó hace un rato a un grupo de amigos. ¿Quiénes son sus amigos?

Ah, mis amigos. Todos han sido perseguidos, como yo lo fui, por lo más execrable jamás inventado por homo sapiens: el gobierno. Bernie Madoff —en paz descanse—‚ Sammy Bankman-Fried, Mantequilla… todos calumniados, enjuiciados y lanzados a una celda. Creo que al final seremos solo mi perro, mi querido Ponzi, y yo.

¿Tiene usted algún héroe?

Varios. El rey Midas. Jordan Belfort. Jho Low.

¿Cómo fue su experiencia en la cárcel?

No estuvo tan mal. Como dije en una de mis películas: no corras cuando pierdas, no te quejes cuando te duela. Es como primer grado en la escuela; a nadie le gusta un bebé llorón.

De no haberse dedicado a las finanzas, ¿qué habría sido usted?

Político, naturalmente.

¿En qué está invirtiendo estos días?

En cualquier cosa que tenga que ver con Taylor Swift.

¿En qué no invertiría estos días?

En la producción de películas de superhéroes.

A propósito, ¿cuál es su película favorita?

Wall Street. ¡Duh!

La peor película que ha visto.

Wall Street: Money Never Sleeps. Programa de televisión favorito.

Billions.

¿El peor progarama de televisión?

Los ricos también lloran

Canción favorita.

Mony mony, de Billy Idol, y It’s All About the Benjamins, de Sean Combs.

¿Habla usted español?

Solo me sé cuatro palabras: la codicia es buena.

ON THE COVER

CON UNA VISIÓN ESTRATÉGICA Y EL VIENTO SOPLANDO A FAVOR, LA DIRECTORA GENERAL DE DGCINE BUSCA CONVERTIR AL PAÍS EN EL HUB CINEMATOGRÁFICO DE LA REGIÓN, EN LA “REPÚBLICA DEL CINE”

Por Siddharta Mata Fotos: Fernando Calzada Dirección de Arte: Luis Isidor Estilismo: Joselo Franjul Maquillaje y Peinado: Elis Mesa MakeUp Group

Asistencia fotográfica: Gabriel Tamayo

Locación: Transekur

las de cine, empresas de servicios técnicos cinematográficos y estudios cinematográficos mediante una plataforma digital que automatiza eficientemente los procesos necesarios.

Esta medida busca facilitar el acceso a inversionistas en un sector que se ha destacado como uno de los más dinámicos y emergentes en el país. La simplificación de trámites no solo favorecerá la captación de divisas, sino que también estimulará la creación de empleos.

¿Cómo se está fortaleciendo en el país la formación de profesionales del cine?

Desde la DGCINE hemos trabajado la formación desde la identificación de las necesidades reales de la industria a través de nuestro “Levantamiento sectorial de capital humano”, con el que encuestamos a los agentes activos de la industria respecto a la calidad y la facilidad de contratación de las posiciones que intervienen en un proyecto audiovisual y cinematográfico.

Así, identificamos como brecha o barrera para las producciones internacionales el tema del idioma inglés y hemos gestado

acuerdos con entidades como el Latin American Training Center para lograr formar y, en algunos casos, reforzar nuestro personal en este idioma.

Es oportuno mencionar que ha sido un trabajo integral que ha incluido no solo la formación de personal, sino que también desarrollamos laboratorios y asesorías que buscan fortalecer las ideas y proyectos, logrando con ello mejores historias, con mayor viabilidad.

Adicionalmente, a nivel de capacitación, República Dominicana cuenta con un sólido respaldo educativo para el desarrollo de profesionales en la industria cinematográfica. Actualmente tenemos un total de siete universidades, escuelas e institutos que ofrecen estudios formales de cine. Estas instituciones desempeñan un papel crucial al proporcionar a los estudiantes las herramientas necesarias para destacarse en distintas áreas de la cinematografía.

MULTIPLICANDO ESFUERZOS

¿Cuál ha sido el papel del concurso FONPROCINE en el impulso del cine? ¿Cuánto ha otorgado en los últimos años?

“Cada paso que damos nos acerca más a consolidar nuestra posición como un hub cinematográfico en la región. La visión y el compromiso persistente nos indican que estamos en el camino correcto para lograr este ambicioso objetivo”

Sin duda, el Concurso Público FONPROCINE ha desempeñado un papel clave en el fomento y desarrollo del cine dominicano, consolidándose como un motor esencial para nuestra industria cinematográfica. Este concurso ha proporcionado una plataforma única que impulsa la creatividad y la producción cinematográfica local al ofrecer financiamiento y

Decía Picasso que todos los niños nacen artistas y que el problema es cómo seguir siéndolo al crecer. Techy Fatule confirma lo primero y hace tiempo demostró que supo encontrar el camino para continuar siendo artista con el paso del tiempo. Artista creció. Y la artista sigue creciendo.

Por Edwin Santana Fotos: Brenda Marvas

tengo miedo a los cambios, al contrario, los abrazo. La gran Beyonce, la inigualable Madonna siempre han sido artistas de fluidez en sus géneros musicales y estilos; y nuestro gran Juan Luis Guerra ha hecho balada, bachata, merengue, típico, salsa. Creo que todo depende de la personalidad y las prioridades del artista. A mí me falta, ya verás [risas].

Sé que quieres grabar una bachata con Romeo…

Romeo me parece un genio para escribir historias, para mantenernos la canción entera escuchando a ver qué pasará. Es bueno con las melodías y bueno con el lápiz. Me encantaría grabar con él.

Sin importar el género, compones tu música. Me gustaría conocer el proceso. Y dónde te sientas a escribir.

El proceso es sencillo: cuando mi hijo hace silencio [risas]. Yo la verdad no tengo un proceso único. Las canciones me nacen en el carro, en el baño e incluso hasta en los sueños. Me he tenido que levantar y grabar mi voz a media noche porque tengo una melodía en la cabeza.

Estudiaste en Berklee, la universidad de música por antonomasia. Por allí también pasó Juan Luis Guerra, a quien le rendiste tributo grabando versiones de cuatro de sus éxitos y para quien abriste algunos conciertos en Nueva York. ¿Han Juan Luis y tú intercambiado anécdotas de sus días en Berklee? ¿Te ha dado algunos sabios consejos?

[Risas]. En cuanto a Berklee, no. Me ha dado consejos de la industria y de la música, pero más que nada me ha abierto puertas, por lo que siempre le estaré agradecida.

¿Qué instrumentos tocas?

Guitarra. Me defiendo con el piano y el bajo. He tomado algunas clases de batería, ¡pero soy malísima!

Vayamos al pasado. Tengo entendido que ya a los cuatro años cantabas. La pregunta lógica es, ¿qué cantabas?

¡Qué no cantaba! Todo lo que mis padres ponían en la radio, lo que me inventaba yo misma. Según mis padres, compongo desde antes de saber escribir [Risas].

Hablemos de tus influencias, con nombres propios. ¿Cuáles fueron los artistas que inspiraron a una joven Techy?

Tuve varias etapas. Durante mi adolescencia, mis influencias más importantes fueron Pausini, Nathalie Imbruglia, Alanis Morissette, La Tribu del Sol, No Doubt, Avril Lavigne, Norah Jones… Luego fui descubriendo a los Beatles, a Queen, a Juan Luis, a Sergio Vargas.

Cuando entré a la universidad, me enamoré del jazz. Tuve mucha influencia de las óperas (que mi papá cantaba) y de mujeres baladistas que escuchaba mi mamá, como Ednita Nazario.

En fin, el que entra a mi Spotify o a mi Apple Music no encuentra congruencia [risas], pero sí buen gusto.

A propósito de influencias, hace doce años David y tú nombraron a su hijo Dylan. ¿Fue por Bob?

[Risas] ¡No! No creo que haya contado esta historia, pero recuerdo haber visto la película Charlie’s Angels y el personaje de Drew Barrymore se llamaba “Dylan”. Yo decía que si tenia una niña o un niño se llamaría igual. Sin segundo nombre. Y así fue.

¿Seguirá Dylan los pasos de su madre?

El dice que no. Yo veo mucho de mí en él. El tiempo dirá y ahí estaré yo detrás para apoyarlo en lo que decida.

En 2020, la revista People en Español te incluyó en su listado anual “Los 50 más bellos”. Algunos artistas dicen que no les gustan estas cosas y yo no sé si creerles. De todos modos, no es tu caso, ¿correcto?

Bueno, en mi caso no lo ando buscando ni siento que eso cambia mi vida en el día a día. Como quiera tengo que pagar colegio, coger tapones y pagar impuestos [risas]. Sin embargo, se siente muy bien cuando te agradan de esa forma. Cuando la gente toma de su tiempo para votar por ti, cuando una revista tan importante e internacional te reconoce. ¡Yo siento gratitud por eso! Fue muy lindo. Imagínate, cuando sea una abuelita le diré a mis nietos que estuve en los cincuenta mas bellos de People en Español.

Para la próxima edición de la revista estamos haciendo un trabajo sobre tatuajes, así que en este momento tengo el tema tatuado en el cerebro. Tú tienes varios; el significado de alguno es obvio (ese “Sie7e”, nombre de uno de tus cuatro álbumes, que llevas en el brazo izquierdo), y me gustaría saber qué significado encierran los demás.

Debo tener 18 o 19 tatuajes. Mi abuela los odia todos. Pero yo los amo. Casi todos tienen significado. Tengo el nombre de mi hijo, tengo el mes que cumplen años mis abuelos, tengo el numero de mi esposo, tengo la palabra “hoy” pa’ recordarme que lo único seguro es el ahora, tengo la palabra “compasión” porque nunca quiero perderla, tengo una caña de azúcar por mi abuelo, que fue director del Consejo Estatal del Azúcar, director de un ingenio y era tan amante del azúcar que hasta diabético era [risas]. Salí a mi viejito: tengo un astronauta pescando en la luna por mi papá, que es el hombre mas soñador que conozco. Tengo un “7,14,21” porque mi hijo, mi mamá y yo cumplimos 7+7+7 (Dylan el 17, mi mamá el 14 y yo el 21). Me tengo a mi cantando con cuatro años pa’ no olvidarme por qué hago lo que hago. Tengo la palabra “arte” que me tatué con mi amigo Gabriel, y tengo algunos más…

Entrecultura

Fabiana Torras

Cada año, el reconocido Rock & Roll Hall of Fame, cuyo museo se encuentra en Cleveland, suma entre cinco y doce artistas al distinguido grupo de las leyendas musicales que ya se encuentran en él. Para esto, 500 votantes alrededor del mundo, entre ellos músicos miembros que ya son parte del Salón, periodistas, productores y trabajadores de la industria musical, hacen su elección de los artistas a quienes consideran que han dejado una huella imborrable en el mundo de la música.

Conocido, además, por ser bastante inflexible en sus comienzos —y hasta no hace muchos años—, el Salón de la Fama del Rock & Roll siempre seleccionó con celo a aquellos que eran “dignos” de tener el honor de ingresar. Sesgando casi completamente sus elecciones hacia el rock estadounidense, era algo muy difícil para artistas de otros géneros ser considerados para residir eternamente dentro de ese auténtico templo de la música. Ni hablar de aquellos que no eran nativos de Estados Unidos.

Además, debe tenerse en cuenta que para poder ser nominado para el ingreso, un solista o una banda debe haber editado hace 25 años o más su primer disco, y tiene que haber un reconocimiento a nivel global del artista, lo cual, pese a lo subjetivo que puede sonar, es uno de los criterios más importantes a la hora de elegir a los candidatos. (Más sobre el Rock & Roll Hall of Fame en la próxima edición de esta revista). El “sueño stereo” de Miguel Gálvez

Dejemos, por un momento, la ciudad de Cleveland para trasladarnos a California. Allí un periodista mexicano y fan de Soda

Stereo creó e impulsa una campaña para que la mejor banda de rock de la historia de Iberoamérica acompañe en la inmortalidad a Los Beatles y a Las Supremes, a Nirvana y a Depeche Mode.

Para hacer este “sueño stereo” realidad, Gálvez reúne firmas de apoyo con la ayuda de las redes sociales, un sitio web (www. sodastereorockhalloficial.com), donde uno puede informarse día a día sobre las novedades de esta campaña, así como entrevistas a todo tipo de medios.

Miguel expresa en su cuenta de Instagram (@sodastereorockhall) que su proyecto es un agradecimiento a la carrera de Soda y al rock en español. Y, tal como dice la mítica canción Zona de promesas, destaca: tarda en llegar y al final hay recompensa.

Hay que decir que, en el caso de que Soda Stereo ingresara al Salón de la Fama del Rock & Roll, no serían los primeros latinos en hacerlo, ya que Carlos Santana, nacido en México, entró por la puerta grande en 1998. Pero hay que destacar, sin embargo, que Santana ingresó teniendo la nacionalidad estadounidense. Si Soda Stereo —o cualquier otro artista latino— ingresara en este prestigioso museo de leyendas musicales, serían los únicos con ciudadanías de sus países latinos nativos.

Si es por Chris Martin…

Una infinidad de artistas internacionales como Enrique Bunbury (Héroes del Silencio), Rubén Albarrán (Café Tacvba), el prestigioso productor Gustavo Santaolalla, Carlos Alomar (productor de Soda Stereo y de artistas de la talla de David Bowie, Iggy Pop, Mick Jagger, y Paul McCartney), hasta Bono y el cantante de Coldplay, Chris Martin, dieron su apoyo abiertamente a esta campaña. De hecho, Martin participó activamente en la gira Gracias Totales: Soda Stereo, cantando en español el éxito De música ligera, tema que además fue parte del set list de la gira mundial Music for the Spheres de Coldplay. La admiración de Martin por Soda es tan grande, que hasta lleva un tatuaje en uno de sus brazos con el inmortal “Gracias totales” de Ceratti.

El eco de la petición de firmas ha sido tan sonoro que se volvió noticia en medios como The Guardian, periódico de Inglaterra, que relató esta historia y observó que la obra de Soda ya comenzó a conquistar a un público no hispanoparlante, una barrera muy difícil de cruzar para cualquier artista que no cante en inglés.

¿2025?

Tal vez el 2025 sea el momento para que Soda tenga una oportunidad de ingresar. O quizá tarde un par de años más. Lo cierto es que los reyes del rock en español tienen todas las cualidades requeridas para su ingreso; nadie pueda hacerles sombra en la historia del rock latino.

La trayectoria y los caminos abiertos por esta banda son indiscutibles. Ha sido, y sigue siendo, la más grande de Iberoamérica, la que derribó y, a casi una década de la muerte del único y multitalentoso Gustavo Cerati, sigue derribando muros en el negocio de la música. Ejemplos de esto son el espectáculo sobre la banda que realizó el del Cirque du Soleil y los incontables tributos desde la partida de Cerati en toda Latinoamérica y España.

Debo confesar que sólo con pensar en la posibilidad de que Gustavo, Charly y Zeta obtengan este reconocimiento internacional, siento emociones difíciles de describir; una mezcla de nostalgia y alegría, en un cóctel que contiene mil sensaciones más. Cuando una banda que te acompaña durante toda la vida (y aún lo hace), que siempre sonó en la radio, y que podías ir a ver en vivo en cualquier momento del año a minutos de casa, se ve ante la posibilidad de ingresar a un templo tal como el Rock Hall —todo gracias a la fuerza de sus fans y a los artistas que inspiraron—, es algo difícil de describir. Creo que sólo me queda seguir creyendo en que dejarán de ser “Prófugos” y pasarán a ser un “Disco eterno”.

“Tardaenllegar YalfinalAlfinal, hayrecompensa”

Que una de las estaciones de radio de RCC Media en Santo Domingo (Los 40) emita en los 88.5 MHz y que otra (ZOL) lo haga en los 106.5, se nos antoja muy apropiado, porque RCC está presente de principio a fin en el dial de Santo Domingo, emitiendo pop y baladas y merengue y noticias y opiniones y entrevistas, a través de La 91 y Radio Disney y Rumba y Escándalo…

Pero las ondas de radio de su red de 50 estaciones no viajan solo por los cielos de Santo Domingo; desde Higuey hasta Elías Piña y desde Baní hasta Puerto Plata, la señal de RCC está siempre presente en una frecuencia u otra, u otra…

Este coloso de la radio, una de las empresa de medios de comunicación más importantes del país, existe gracias a la visión de su arquitecto y presidente, Antonio Espaillat, emprendedor innato y serial, a quien nos acercamos hace poco con algunas preguntas para conocer un poco más sobre RCC, la radio en sentido general y sus inicios en un medio que sin dudas le apasiona.

Empecemos por el principio: ¿qué le atrajo al mundo de la radio?

Desde mi juventud, mi atracción hacia el mundo de la radio fue influencia-da por la conexión única que esta ofrecía con mi primer negocio, la disco-teca Jet Set Club. Al darme cuenta del potencial sin igual que la radio po-seía para establecer puentes entre los artistas que actuaban en Jet Set y la audiencia radiofónica, comprendí que este medio no solo era una he-rramienta de transmisión, sino un vínculo poderoso capaz de unir expe-riencias musicales y emocionales.

La radio es un medio que va más allá de la mera transmisión de datos; es una herramienta poderosa para establecer conexiones auténticas con las personas.

El mercado de la radio en República Dominicana es muy competitivo; somos uno de los países del mundo con mayor cantidad de emisoras per cápita. ¿A qué cree se debe esto?

La radio no solo representaba una plataforma para difundir canciones, sino un canal para compartir historias, emociones y, sobre todo, para am-plificar la experiencia artística que se vivía en Jet Set. Esta conexión entre la discoteca y la radio no solo me atrajo, sino que también sentó las bases de mi aprecio duradero por la radio como un medio que va más allá de la transmisión de sonidos, convirtiéndose en un tejido vital que une a artis-tas, audiencia y experiencias memorables.

La intensa competencia en el mercado de la radio en República Dominicana es un reflejo directo de la rica diversidad de gustos y preferencias presentes en la población. Este fenómeno se atribuye a la demanda cre-ciente de contenido variado, que abarca desde música hasta programas especializados. En un país con una densidad tan notable de emisoras per cápita, cada una busca no solo destacar en términos de calidad de transmisión, sino también diferenciarse en términos de programación pa-ra atraer a audiencias específicas. Esta competencia constante impulsa a las emisoras a mantenerse innovadoras y a la vanguardia para preservar la lealtad de su audiencia en este dinámico paisaje radiofónico. En RCC Media nos enfocamos en ofrecer diversos tipos de contenidos por esta misma razón.

¿Qué ventajas ofrece el manejar una cartera diferenciada de productos como las que tiene RCC Media? ¿Cuáles aspectos se pueden centralizar? ¿Cuáles son necesarios manejar caso a caso?

La gestión de una cartera diferenciada en RCC Media ofrece una ventaja estratégica al permitirnos adaptarnos con flexibilidad a una diversidad de audiencias. La centralización de aspectos como la eficiencia operativa y la gestión de recursos compartidos optimiza nuestros procesos internos, asegurando una sinergia que potencia la calidad y alcance de cada emi-sora. Al mismo tiempo, la personalización en aspectos como la progra-mación y contenidos nos permite satisfacer las demandas específicas de cada audiencia local, garantizando que cada emisora tenga su identidad única y resuene con su público de manera auténtica. Este enfoque equili-brado nos coloca en una posición sólida para enfrentar los desafíos de un mercado radiofónico tan dinámico como el dominicano.

Por Miguel Cunillera y Edwin Santana Ilustración: Miguel Cepeda

Preguntas indiscretas: de las 50 estaciones que maneja el grupo, ¿cuál es la que más factura? ¿Cuál es la que más audiencia tiene en sentido general? ¿Cuáles son favoritas en sus targets?

Respeto la confidencialidad de los detalles financieros, pero cada emisora tiene su valor único y atractivo para distintos públicos y targets

RCC Media tiene tanto emisoras locales como franquicias internacionales. ¿Cómo se diferencian en su manejo?

La gestión de franquicias internacionales como Radio Disney y Los 40 en la cartera de RCC Media implica un equilibrio fascinante entre seguir sus playbooks distintivos y mantener la esencia de nuestras emisoras locales. Cada franquicia tiene su fórmula de éxito, basada en estrategias probadas y desarrolladas globalmente. Al integrar estas franquicias, respetamos y aplicamos sus modelos exitosos, adaptándolos a las preferencias cultura-les y gustos locales.

El manejo centralizado garantiza la coherencia operativa y la eficiencia en áreas comunes, pero al mismo tiempo, reconocemos la importancia de mantener la identidad única

de cada emisora. La clave radica en fusionar la experiencia global de estas franquicias con la autenticidad y conexión local que nuestras audiencias valoran. Es un equilibrio delicado que per-mite a cada emisora ofrecer una experiencia única y emocionante dentro de la familia RCC Media.

Sabemos que para todos los padres no hay hijos favoritos, pero a nivel personal, ¿de cuál o cuáles emisoras se siente más orgulloso?

Aunque todas las emisoras bajo el paraguas de RCC Media son motivo de orgullo, destaco con especial afecto a ZOL 106.5 FM. Esta emisora ocupa un lugar único en mi corazón, ya que fue la primera que adquirí. Verla crecer y evolucionar desde sus inicios hasta convertirse en una voz resonante en el espectro radiofónico es un testimonio del compromiso y la dedicación de todo el equipo. ZOL 106.5 FM no solo ha cumplido con su propósito, sino que ha marcado el inicio de una emocionante travesía en el mundo de la radio que ha enriquecido tanto a la audiencia como a noso-tros como gestores. Su éxito es emblemático de la visión y el esfuerzo in-vertidos en cada una de nuestras emisoras.

¿Cómo ha afectado el streaming y las redes sociales el trabajo de radio?  ¿Cuáles estrategias han usado para mantener el  engagement?

La irrupción del streaming ha significado una revolución beneficiosa para el mundo de la radio en RCC Media. Este avance nos ha permitido ex-pandir el alcance de nuestro contenido a través de diversas plataformas como YouTube, Spotify, Roku, Apple, entre otras. La capacidad de llegar a una audiencia más amplia, sin restricciones geográficas, ha sido una oportunidad invaluable para compartir nuestras emisoras y programas con oyentes de todo el mundo.

La versatilidad del streaming ha transformado la forma en que la audiencia consume contenido radiofónico, ofreciéndonos la posibilidad de mante-nernos relevantes en un entorno digital en constante evolución. Las estra-tegias implementadas incluyen la creación de contenido exclusivo, partici-pación activa en redes sociales y la adaptación constante a las preferen-cias de consumo de una audiencia cada vez más diversa. Este enfoque nos ha permitido no solo mantener sino también aumentar el engagement, asegurando que RCC Media siga siendo una presencia vibrante en el pa-norama radiofónico moderno y digital.

En años recientes han añadido algunas estaciones de televisión al grupo. ¿Cómo se diferencia el manejo de la televisión del de la radio?

La incorporación de Telefuturo Canal 23 al grupo en 2019 marcó un hito significativo al permitirnos llevar nuestro contenido radiofónico a la televi-sión, adaptándolo hábilmente a este formato visual. Aunque el manejo de la radio y la televisión implica diferencias en algunos aspectos, comparten la esencia fundamental de contar historias cautivadoras y brindar entrete-nimiento de calidad.

El formato televisivo nos ha brindado la oportunidad de explorar nuevas dimensiones creativas, aprovechando la potencia visual para complemen-tar la narrativa que hemos construido en el ámbito radiofónico. Aunque los procesos de producción pueden variar, la esencia de conectar auténtica-mente con la audiencia sigue siendo la misma.

Esta integración estratégica nos ha permitido ofrecer una experiencia de medios más completa, donde la sinergia entre la radio y la televisión forta-lece nuestra capacidad para llegar a diferentes segmentos de audiencia. La adaptabilidad y el compromiso con la calidad continúan siendo los pila-res fundamentales en nuestra gestión de ambas plataformas.

¿Cómo ves el futuro de la industria de la radio a nivel local y a nivel global?

El futuro de la industria de la radio, tanto a nivel global como local, se pre-senta sumamente emocionante. La revolución digital ha transformado ra-dicalmente la forma en que compartimos y consumimos contenido, y en este escenario, la radio se destaca como una poderosa narradora de his-torias y fuente de entretenimiento auténtico.

La clave para este emocionante futuro radica en la calidad del contenido que ofrecemos. En un mundo donde la audiencia tiene acceso a una in-mensidad de opciones, la diferenciación a través de narrativas cautivado-ras, programas innovadores y conexiones genuinas con la audiencia se convierte en el motor del éxito. La radio, respaldada por la revolución digi-tal, tiene el potencial de llegar a una audiencia aún más amplia, superando barreras geográficas y culturales.

La adaptabilidad a las tendencias tecnológicas, la creatividad en la pro-ducción de contenido y la habilidad para conectarse de manera auténtica con la audiencia seguirán siendo los impulsores fundamentales de este futuro radiofónico. En definitiva, la radio y su contenido está en una posición única para seguir siendo un faro de información y conexión en la era digital.

ESTO VA DE NEGOCIOS

Cinco libros de negocios que se sumergen en distintas industrias para narrar grandes historias, auscultar interesantes personajes y ofrecer muchas lecciones. Y asombrarnos.

THE RIDE OF A LIFETIME (LECCIONES DE LIDERAZGO CREATIVO | Bob Iger

Bob Iger está de vuelta como CEO de Disney. Hace unos años, publicó sus cautivadoras memorias, en las que ofrece información invaluable sobre el liderazgo, la innovación y el poder de la perseverancia. Iger comparte su notable viaje y las lecciones aprendidas a lo largo del camino con franqueza y sabiduría. Este libro no es sólo un recuento de los sus éxitos, sino una inmersión profunda en los principios que lo guiaron a través de desafíos y triunfos en una de las empresas más emblemáticas del mundo.

BARBARIANS AT THE GATE (NABISCO, LA CAÍDA DE UN IMPERIO) | Bryan Burrough, John Helyar

Aunténtico clásico de la literatura de negocios, un relato fascinante del mundo de las adquisiciones corporativas en la década de 1980. Burrough y Helyar pintan un retrato vívido y detallado de la batalla por la adquisición de RJR Nabisco. Este libro ofrece una mirada cautivadora a la intrincada red de negociaciones, estrategias y egos que impulsaron una de las mayores ofertas de compra en la historia empresarial. Con un ritmo cinematográfico y personajes tan intrigantes como reales, Barbarians at the Gates es una lectura obligada para aquellos interesados en la dinámica del poder corporativo y las altas finanzas.

THE TIMES | Adam Nagourney

El venerable The New York Times, por dentro. Nagourney nos lleva tras bastidores, revelando la intrincada red de periodistas, editores y decisiones editoriales que dan forma a las noticias que consumimos. Este relato explora la evolución del periodismo en la era digital y los desafíos que enfrenta la industria de los medios de comunicación. Con un estilo narrativo cautivador y una investigación exhaustiva, The Times es esencial para comprender no solo la historia del periódico, sino también el papel crucial que desempeña en el panorama mediático contemporáneo.

THE INNOVATORS: HOW A GROUP OF HACKERS, GENIUSES, AND GEEKS CREATED THE DIGITAL REVOLUTION (LOS INNOVADORES) | Walter Issacson

Un viaje a lo largo de la historia de la tecnología moderna. Isaacson, uno de los mejores biógrafos contemporáneos, relata magistralmente las vidas y contribuciones de los visionarios que transformaron el mundo con sus ideas disruptivas. Desde pioneros como Ada Lovelace hasta los cofundadores de Google, el libro revela la importancia de la colaboración, la perseverancia y la creatividad en el avance tecnológico. Con una narrativa envolvente y perspicaz, Isaacson ilumina los momentos decisivos que dieron forma al panorama digital actual, inspirando a los lectores a explorar nuevas fronteras en la innovación.

BILLION DOLLAR LOSER: THE EPIC RISE AND SPECTACULAR FALL OF ADAM NEUMANN AND WEWORK | Reeves Wiedeman

Una visión reveladora de la ascensión y caída de WeWork y su enigmático fundador, Adam Neumann. A través de una investigación meticulosa, Wiedeman desentraña los excesos, la ambición desenfrenada y las decisiones arriesgadas que llevaron a esta empresa a una profundísima crisis. Este libro no solo es una crónica delirante de la cultura empresarial moderna, sino también un recordatorio de las consecuencias de la codicia y la falta de supervisión. Una lectura para aquellos interesados en entender los altibajos del emprendimiento y las lecciones aprendidas de los fracasos multimillonarios.

¿Qué estás leyendo estos días?

No puedo evitar el sabor a melancolía de la pregunta. Sobre todo, por esas dos últimas palabras, que tienen el peso de todo un año que acaba. La verdad es que he estado alejada a propia voluntad de lo que me interesa leer y sujeta a las demandas de un doctorado en creación literaria de novela que realizo en la Ciudad de México. He tenido que revisitar algunos clásicos como material asignado en el programa, para reconocer, con ojo de escritor más que el de lector, las funciones de la novela. La náusea de Sartre, Las aventuras de Arthur Gordon Pym de Edgar Allan Poe, Cien años de soledad del Gabo, Nada de Carmen Laforet, han sido los títulos que he leído este mes. Siempre es un placer volver a lecturas que hice en mi juventud y que ahora critico desde el oficio de escribir, que siguen siendo objeto de asombro, y no defraudan. Tengo pequeñas montañas de obras esperándome en casa, amigos que publican, regalos que me han hecho, premiadas por la crítica. Es el precio que he tenido que pagar estos últimos tres años, leer no solo aquello que me da la gana.

¿Cuál fue el último buen libro que leíste?

Libro de familia de Patrick Modiano. Al principio tenía el ritmo lento de la cotidianidad, esa que te mece hasta hacerte dormir la siesta, pero que muestra, que es justo allí en las cosas corrientes y simples donde habita la vida. Como soy de las lectoras que no abandona ningún libro, o casi ninguno, me dejé guiar por el autor quien también narra. Y fue increíble lo que sentí al pasar la última página. Pensé: “Solo por esta última frase, había que leerlo”. Fue como una cerilla que enciende la comprensión de toda una vida. Cerré mis ojos murmurando, por supuesto..., por supuesto...

Novelistas que sobresalen en tu biblioteca:

Me traicionaría si te digo un solo nombre cuando debo tanto a muchos. Ellos: Dostoyevski, Tolstoi, Victor Hugo, Stendhal, Stefan Sweig, Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa, Saramago, Fernando Vallejo, Javier Marías, Leonardo Padura. Ellas: Virginia Woolf, Margarite Yourcenar, Elena Garro, Muriel Barbery, Carmen Imbert Brugal, Olga Tocarczuk.

Libros que sabes debiste haber leído hace tiempo y que algún día finalmente leerás:

El ruido y la furia del Faulkner. Lo he intentado varias veces y me he quedado en la primera parte. Sé que quiero y debo terminarlo. Me encantó Mientras agonizo, del mismo autor. Digamos que ha sido un tema de ánimo y

geografía. No hemos coincidido. Es un oscuro galimatías al que se entra sin mapa ni brújula, pero tengo la certeza de que esa literatura siempre promete una luminosa puerta de salida, grandiosa e inolvidable. El infinito en un junco es también un pendiente. Para este solo necesito tiempo.

¿Cuál es tu personaje literario favorito? Tengo varios. René una de las protagonistas de La elegancia del erizo, por ser una oda a la belleza y a la inteligencia. Momo el niño musulmán que narra La vida ante sí de Romain Gary. Por la ingenuidad y la ternura como contrapunto de un relato desgarrador.

De los creados en mis novelas, me quedo con mi escorpión literario, como un brillante e ingenioso testigo amoral, del descalabro de una sociedad ciega. Ni siquiera llega a encarnar al real. Como decía Dumas, es privilegio de los novelistas crear personajes de carne y hueso que maten a los de los historiadores. El escorpión literario tiene luces, no es para nada el personaje histórico sombrío al que hace alusión La cuna del escorpión.

El mejor libro que has leído y que nadie conoce:

Pienso en dos o tres que cuando los he terminado, he pensado: ¿Por qué diantres no lo escribí yo? La acabadora de Michela Murgia, es uno de ellos. Es una muy buena primera novela. Galardonada con el Premio Campiello, el de mayor prestigio de Italia. Aborda el tema de la muerte desde la única y mejor de las perspectivas, esa que está desprovista de falsos pudores: desde el amor.

El vampiro de la colonia Roma, me parece como ejercicio literario una carrera de cien metros. Es una novela estructurada en siete capítulos, sin arco narrativo definido, sin casi signos de puntuación, ni mayúsculas. Su autor, Luis Zapata lo escribió hace más de cuarenta años y lo hizo sin expectativas. Hoy es un clásico queer entrañable y todavía pone a temblar a los sectores más conservadores de la sociedad.

narrativo. Se muestran otros temas sociales, lo marginal, lo urbano, el testimonio, la autobiografía. Hay nuevos y buenos escritores en el panorama, cada uno de ellos hablará sobre el tema que los mueve, es preciso para enriquecer la literatura local. Donde seguimos teniendo un reto es en la industria editorial, no solo para obtener visibilidad en el mercado nacional e internacional, sino para incrementar la calidad de los libros que se publican. La auto-publicación es una alternativa legítima a la que cada vez se recurre más. Todo aquel que escribe quiere ser leído. Sin embargo, sin lectores no hay libros. Esta sí que debe ser una causa colectiva de todos los sectores de nuestro país, de todo dominicano, hacer crecer el público lector, sembrar el amor por la lectura en nuestro país, una mágica manera de cimentar un futuro cívico y además brillante.

¿Qué planeas leer en las próximas semanas?

Estoy incorporando literatura dominicana en mi agenda, quiero estudiarla, conocer mejor las generaciones que me anteceden. También descubrir nuevas voces con quienes comparto época. Y sin duda, el libro de Faulkner he de terminarlo, con una sonrisa, recordando esta entrevista.

¿Qué temas tiene pendiente tratar a fondo la literatura de ficción dominicana?

Esa pregunta la respondería mejor un editor o algún estudioso del género en nuestro país. Sin embargo, la celeridad con la que se ha transformado República Dominicana en muchos sectores ha repercutido en el arte y su producción. Observo una apertura en la temática de la novela, una distancia del tema histórico, o se aborda desde otro estilo

Por Siddhartha Mata y Edwin Santana Fotos: Fuente externa

Burning Man. Casi una aventura mítica, hija de los sueños contraculturales de Hunter S. Thompson y el ideal trascendentalista de Henry David Thoreau. Una visión del Edén utópica, anticapitalista, anarcoprimitivista, dadaísta, sexualmente liberada y farmacológicamente sustentada. O eso creíamos. Aunque la mística de Burning Man ha llamado la atención de millones de personas a lo largo de los años, ciertamente se ha alejado de sus humildes comienzos para convertirse en una meca para la burguesía y la clase multimillonaria, que se disfrazan de gurús espirituales mientras sus aviones privados infestan los cielos de una recóndita zona de Norteamérica.

Para los no iniciados, Burning Man es un festival de nueve días cuyo escenario es el desierto de Black Rock, Nevada. No hay eventos programados. Las personas que acuden crean o establecen diferentes actividades, ya sea exhibiciones de arte, presentaciones musicales y otras formas de expresiones artísticas (los vehículos mutantes son una de las atracciones notables), o, por otro lado, ejercicios enfocados a aspectos espirituales o psicológicos: meditación trascendental, yoga, hipnoterapia… La única idea organizativa dentro del festival es un tema elegido previamente por los organizadores, alrededor del cual se les pide a los participantes orientar sus actividades.

Burning Man ha cambiado mucho desde que se celebró por primera a mediados de los ochenta. Ni siquiera llevaba ese nombre, ni ningún otro. Había habido hogueras en Baker Beach, San Francisco, celebrando el solsticio de verano, años antes de que nuestro alto amigo de madera se encendiera en llamas, pero los principales organizadores del evento que se convertiría en Burning Man fueron dos amigos y artistas, residuos del moribundo mesianismo místico de los años 60: Larry Harvey y Jerry James.

Fue el 22 de junio de 1986 cuando se quemó la primera efigie de un hombre (y aparentemente una más pequeña de un perro). No medía más de 8 pies de alto y el número de asistentes se limitaba a amigos de Harvey y James, que no superaban la decena. Esta quema de un hombre de madera se convirtió en el elemento central de las festividades y en los años siguientes nuestro humilde amigo creció, primero hasta los 15 pies, luego hasta los 30.

Harvey afirma que quemar la efigie fue un acto de autoexpresión radical. Niega haber visto la película clásica de culto de los años 70 The Wicker Man, donde una secta pagana quema a un gran hombre de madera al final de su festival de la cosecha. Las similitudes parecen demasiado grandes como para ignorarlas, pero mi abogado me ha aconsejado que no haga ciertas afirmaciones que podrían considerarse difamatorias.

En 1988, el evento se llamó formalmente Burning Man, y, aunque la asistencia creció en esos años, todavía se limitaba a amigos y asistentes "de boca en boca". En 1990, varios miembros dadaístas de un colectivo, Michael Minkel, Kevin Evans y John Law, estaban planeando otro evento en el árido desierto de Black Rock, Nevada. La idea en desarrollo era la creación de una especie de zona autónoma en la que el arte situacionista sería el protagonista. Al mismo tiempo, en Baker Beach, Harvey y James encontraron algunos obstáculos con las autoridades locales, que no permitían la quema de la efigie por falta de permiso. Ya sea por casualidad o por destino, el compañero de cuarto de Harvey conocía a los organizadores del proyecto de Nevada y el hombre de madera fue transportado a aquel estado de inmediato. Así quedó combinado el enfoque en la autoexpresión artística radical de Nevada con la quema pagana de la efigie de San Francisco, creando la base del Burning Man que hoy conocemos.

A lo largo de los años, el número de asistentes aumentó y se benefició de una mejor organización. En 1996, el festival se abrió al público, y después de unos años de reubicación dentro de Black Rock, una mayor preocupación por la seguridad y un crecimiento exponencial de participantes, el Hombre Ardiente se consolidó.

Desde sus humildes comienzos, con menos de 20 personas, el festival creció hasta convertirse en un gigante que atrae a 80,000 visitantes. Debemos dejar claro que la noción de amor bohemio, democracia directa radical y absolutismo artístico de Burning Man se ha ido desvaneciendo, si es que no ha llegado a ser completamente extinguido, desde hace bastante tiempo. Lo que solían ser unos hippies divirtiéndose en el desierto ahora se ha convertido en la reunión de los ultra ricos, de ese nuevo tipo de amo corporativo que cree en los cristales, tienen rosarios budistas y microdosis de psilocibina, mientras que al mismo tiempo le niega a sus trabajadores el derechos de organizar un sindicato. Ya sabes de qué tipos estoy hablando; no el de los narcisistas de traje de Brooks Brothers de Wall Street, sino el de los narcisistas con sandalias de Silicon Valley. Elon Musk bien lo dijo: "Burning Man es Silicon Valley”.

Cualquier principio rector que quedara ya no existe en la práctica. Estos nuevos aristócratas no solo traen su dinero y sus maletines Louis Vuitton, también su arrogancia y sus debilidades. A pesar del principio de "no dejar huella", cada año se encuentra más y más basura en las arenas de Black Rock (recogida por los residentes del área a posteriori), eso sin contar la contaminación creada por el enjambre de aviones privados multiplicando por diez la huella de carbono en la zona.

Ni siquiera entremos en el principio de la "autosuficiencia radical", porque eso se convierte más en una broma de mal gusto que en una afirmación fáctica. ¿Dónde está la autosuficiencia en las tiendas de campaña del "Glamping", que pueden albergar decenas de personas, con aire acondicionado, baños y duchas funcionales, seguridad personal y cocineros privados? No son exactamente las afirmaciones luditas de las que todavía presume Burning Man. Sin mencionar las numerosas violaciones de la legislación laboral y denuncias de agresión sexual.

Inclusión radical Regalar

Desmercantilización

Autosuficiencia radical

Autoexpresión radical

Esfuerzo comunitario

Responsabilidad cívica

Sin dejar huella

(No dejar nada que afecte la ecología)

Participación

Inmediación

(Proximidad con la naturaleza, el ser interior y los demás)

Todas estas contradicciones se hicieron realidad en la última edición. Primero se enfrentó a una protesta climática que bloqueaba el acceso al evento. "Burning Man debería aspirar a tener el mismo tipo de impacto político que Woodstock tuvo en la contracultura", dijo Mun Chong, organizador de Extinction Rebellion, en un comunicado. "Si somos honestos acerca del cambio de sistema, debe comenzar en 'casa'. Prohibir inmediatamente… los aviones privados". No hace falta decir que estos manifestantes —que imaginaban algunos de los principios originales de Burning Man— fueron recibidos con violencia y represión. Burning Man genera alrededor de 100,000 toneladas de dióxido de carbono. ¿Quién pensaría que alojar a 80,000 personas en el desierto durante una semana sería malo para el medio ambiente?

Todo esto llegó a una conclusión desastrosa cuando, hacia el final del festival, una dramática lluvia hizo imposible salir de los campamentos. La arena se había convertido en barro y la gente entró en pánico. Había rumores de un brote de Ébola, y algunas personas sufrieron quemaduras químicas como resultado del alto contenido alcalino del barro.

Llámenlo Karma, llámenlo como quieran, pero fue difícil encontrar algún tipo de simpatía hacia los “supervivientes” de un evento cuyas entradas cuestan hasta 2,800 dólares, y las crisis de inflación, desempleo e inseguridad laboral parecen no afectar a sus asistentes. Al igual que en festivales desastrosos del pasado, como el Fyre Fest, se vuelve cada vez más difícil empatizar con aquellos que han hecho de la idea de una visión utópica el patio de recreo de los multimillonarios.

Esta apropiación de visiones radicales de la vida por parte de los poderosos no es nueva. Desde la marihuana y las drogas psicodélicas hasta la política de identidad, todo lo que alguna vez fue radical ahora ha sido absorbido por el sistema. Algunos podrían decir que éstas son sólo las consecuencias del progreso, que al incluir estos elementos en el discurso de los poderosos se ha logrado una victoria. Creo que hay algo más siniestro detrás de esto. Al incluir estos elementos, antes radicales, las propias estructuras de poder les roban su potencial liberador, los transfigura de radicales a superficiales, de transformacionales a teatrales.

Cualquiera que sea la razón, parece que todas las cosas que alguna vez parecieron cool ahora son banales; incluso la idea del amor libre y el sexo comunitario ha perdido su atractivo. Lo que antes era una búsqueda radical de la eliminación de jerarquías sexuales y la belleza del otro, se ha reducido a un esfuerzo en busca de lo trendy y de los likes en Instagram.

Quizás los años ya me están pegando, pero sigo creyendo que la visión utópica sigue ahí. El sueño todavía es posible. Si solo pudiéramos deshacernos de los malditos jets

Los estudios de Claudia Goldin sobre la fuerza laboral femenina la hicieron merecedora del premio Nobel de Economía. Sus hallazgos demuestran lo que actrices, directoras y productoras llevan años denunciando: la brecha salarial y de oportunidades entre hombre y mujeres persiste.

a economista estadounidense Claudia Goldin, especialista en historia económica y economía laboral, ha dedicado décadas de su vida al estudio de la fuerza laboral femenina, la brecha de género en los ingresos, la desigualdad, el cambio tecnológico, la educación y la inmigración, llegando a conclusiones que desafían concepciones simplistas e incluso erróneas sobre el tema.

Su investigación la hace pionera en estudios económicos con enfoque de género y, como señala el comité del Nobel, descubrió "factores clave" de las diferencias de género en el mercado laboral y "proporcionó el primer relato completo de los ingresos de las mujeres y su participación en el mercado a lo largo de los siglos”. Esta es la tercera vez que la Academia sueca de las Ciencias premia a una mujer con el Nobel de Economía, y la primera en solitario.

Los hallazgos de la también profesora de Harvard y miembro de la prestigiosa Oficina Nacional de Investigación Económica, revelan lo que muchas mujeres de distintas áreas han venido denunciando: la brecha salarial de género persiste en todos los ámbitos. En los deportes, las mejores jugadoras de fútbol de Estados Unidos interpusieron en 2016 una demanda por la diferencia salarial con sus contrapartes del equipo masculino; la tenista Serena Williams también ha hablado de esto en diferentes oportunidades.

Por Miguel Cunillera Fotos: fuentes externas

En la meca del cine, Meryl Streep, Jennifer Lawrence, Jessica Chastain, Amy Adams, Emma Stone, entre otras, han denunciado reiteradamente recibir menos que sus colegas masculinos por trabajos equivalentes o, en muchos casos, de mayor presencia en pantalla. La vicepresidenta de EE.UU., Kamala Harris, también se ha pronunciado sobre el tema; al igual que lo han hecho abogadas, ingenieras, doctoras alrededor del mundo… Esta es una realidad y no se puede tapar el sol con un dedo. Mujer, trabajadora y mamá

Claudia Goldin demostró que, históricamente, la participación laboral femenina no ha crecido de forma constante, sino que se parece más a una "U". Su trabajo muestra que en 1790 más de la mitad de las mujeres casadas participaba en el mercado laboral, porcentaje que cayó a menos del 10% en 1900, y luego comenzó a subir con el aumento en las expectativas, el acceso a mayores niveles de educación y la introducción de la píldora anticonceptiva. Estos cambios, a su vez, fueron el motor de otros: la postergación del matrimonio y la maternidad, y la reducción en el número de hijos.

Sin embargo, señala la investigación que hoy día una de las razones de la persistente brecha salarial continúa siendo la dificultad para conciliar la vida laboral y personal. Las profesiones exigen una alta disponibilidad y suelen “pasar factura” a las mujeres, especialmente si son madres. Los papeles tradicionales de género llevan a que las mujeres enfrenten penalizaciones salariales y de carrera cuando requieren flexibilidad.

Goldin ha examinado cómo las mujeres han debido incrementar su participación en la educación superior para lograr incorporarse al mercado laboral. Es decir, en muchos casos es necesario que tengan un mayor nivel educativo para conseguir los mismos puestos que sus contrapartes masculinas, lo que evidencia que no hay una real igualdad de oportunidades.

Además, se demostró que la brecha salarial también es el resultado de la discriminación. La investigadora encontró que las mujeres son menos propensas que los hombres a ser promovidas a puestos de alta dirección, incluso cuando tienen las mismas calificaciones. También sugiere que las mujeres han sido excluidas de ciertos sectores de la economía, como la ciencia y la ingeniería, y esto ha tenido un impacto significativo en sus oportunidades económicas.

El estudio invita a reflexionar sobre las políticas implementadas por las empresas y el Estado con respecto a su personal femenino. De acuerdo a la autora, la discriminación es uno de los factores que contribuyen a la infrarrepresentación de las mujeres en los puestos de trabajo. A esto se suman los estereotipos y prejuicios que pueden dificultar su ascenso en la empresaW y que las hacen ser percibidas como menos competentes o menos comprometidas con su carrera debido a sus responsabilidades familiares.

En este contexto, políticas públicas que promuevan la igualdad de género en la educación y el empleo podrían ayudar a aumentar la participación de las mujeres en la fuerza laboral, lo que conduciría a un aumento de la representación de las mujeres en los puestos gerenciales de todas las industrias, incluyendo la del entretenimiento.

La brecha de género en las pantallas y detrás de ellas

El entretenimiento no ha estado ajeno a las brechas de género. Llama la atención que la representación femenina en los puestos gerenciales de la industria de la música es mayor que en la industria del cine; también que existen más mujeres en cargos de directivos en la industria en países desarrollados que en los países en vías de desarrollo.

Afortunadamente, las cosas parecen ir cambiando. En tiempos recientes, ha habido una mayor conciencia y activismo, principalmente a través de redes sociales, que ha generado una presión creciente por aumentar la representación de mujeres en roles delante y detrás de cámara, así como en posiciones de poder dentro de la industria. Esto ha crecido en gran medida gracias a movimientos como #MeToo y Time’s Up, con denuncias sociales que están en consonancia con los hallazgos y recomendaciones de Claudia Goldin.

Las teorías de la economista norteamericana se pueden observar en el cine y la televisión, cuyo contenido nos refleja como sociedad. Algunas películas y series son: Hidden Figures (2016), que narra la historia de tres matemáticas afroamericanas que trabajaron en la NASA durante la carrera espacial; The Marvelous Mrs. Maisel (2017), que muestra la trayectoria de una ama de casa que se convierte en comediante en el Nueva York de los años 50; y The Crown (2016), que retrata los desafíos y dilemas de la reina Isabel II como jefa de Estado y madre de familia. Estas obras evidencian cómo las mujeres han luchado por su autonomía y reconocimiento en distintos contextos históricos y culturales. Estos son algunos trabajos adicionales a explorar:

SERIES DE TELEVISIÓN:

Mad Men (2007-2015) Ambientada en una agencia de publicidad en la década de 1960, esta serie destaca las actitudes y prácticas sexistas que prevalecían en el mundo corporativo de la época.

The Morning Show (2019-) Esta serie se centra en el mundo de las noticias matutinas y aborda temas como el acoso sexual en el lugar de trabajo y las dinámicas de poder desequilibradas entre géneros.

The Good Wife (2009-2016) Sigue la historia de una mujer que regresa al mundo laboral como abogada después de que su marido es encarcelado, explorando los desafíos que enfrenta como mujer en un campo dominado por hombres.

Parks and Recreation (2009-2020) Aunque la serie es principalmente una comedia, aborda temas de género y el trato diferencial a mujeres en posiciones de poder.

Big Little Lies (2017-2019) Toca temas de violencia doméstica y desigualdad de género, mostrando cómo las mujeres pueden ser menospreciadas y subestimadas en el ámbito laboral.

The Handmaid’s Tale (2017-) Basada en la novela de Margaret Atwood, esta serie distópica trata de una sociedad en la que las mujeres son oprimidas y privadas de sus derechos laborales y personales.

PELÍCULAS:

Norma Rae (1979) Basada en una historia real, sigue a una mujer que lucha por los derechos de los trabajadores y enfrenta discriminación de género en el proceso.

9 to 5 (1980) Una comedia sobre tres secretarias que se unen para vengarse de su sexista y egoísta jefe.

Erin Brockovich (2000) Una mujer sin formación formal en dere cho lleva a cabo una batalla legal contra una poderosa empresa, enfrentando prejuicios de género y estereotipos en el proceso.

Bombshell (2019) Basada en hechos reales, se centra en las acusaciones de acoso sexual contra el CEO de Fox News, Roger Ailes, y las experiencias de varias mujeres en la organización.

Thelma y Louise (1991) Cuenta la historia de dos amigas que deciden emprender un viaje por carretera. Las protagonistas se enfrentan a los prejuicios y a la discriminación por parte de los hombres, y también al machismo imperante en la sociedad.

Working Girl (1988) Tess McGill, una secretaria que se hace pasar por la socia de su jefe para conseguir un ascenso. Tess se enfrenta a la discriminación por parte de sus compañeros masculinos, y también a la desigualdad salarial.

Estas son solo algunas de las muchas películas y series que han abordado las diferencias laborales de género. Al mirarlas, se puede ver una evolución en cómo se retratan estos temas, reflejando los cambios en la sociedad y un mayor reconocimiento de las desigualdades de género en el plano laboral.

Las páginas de los Récords Guinness concentran a las personas y hechos más inverosímiles que existen en la actualidad. La colección más grande de cubos Rubik (2,753 objetos), la persona más joven en descubrir un cometa (12 años) y el mayor número de quesos variados en una pizza (254) son prueba de ello. Algunos cambian de dueño rápidamente, otros quizás jamás vuelvan a ser superados.

Por María del Mar Mejía Ruiz

Primera edición del libro Guinness (1955)

Norris y Ross McWhirter

Fotos: fuentes externas

La peculiaridad del origen de los Récords Guinness incluye una cacería, cervezas y una incógnita. Nos ubicamos en Wexford, Irlanda, a principios de los años 50. Como era costumbre, un grupo de hombres importantes se encontraba en una fiesta de caza. Mientras esperaban a su próxima víctima, entraron en un acalorado debate acerca de cuál era el ave de caza más rápida de Europa. El punto medio nunca se alcanzó. Al retornar del viaje, uno de los participantes del evento, Sir Hugh Beaver (1890-1967), director general de la cervecería Guinness —una de las más grandes del mundo— se propuso buscar respuesta a la inquietud. Sus esfuerzos fueron en vano. Todavía no existía documento que certificara cuál era tal animal. Al darse cuenta de la oportunidad que la vida le brindaba, y tomando en consideración que los irlandeses e ingleses amaban apostar mientras bebían, decidió encargar un libro que diera fin a las eternas y constantes discusiones en los pubs.

Los encargados de la tarea fueron los periodistas Ross y Norris McWhirter quienes tenían una agencia de documentación que proveía “datos y cifras a periódicos, anuarios, enciclopedias y anunciantes”, según señala la página web de su fundación. La redacción de la obra tomó trece semanas y media. Eso sí, trabajaron 90 horas semanales incluyendo fines de semana y días festivos. Unas 12 o 13 horas por día.

Tras largas tandas de investigación y composición, la primera edición comercial se publicó el 27 de agosto de 1955 en Inglaterra. Su portada fue minimalista. Apenas un arpa y el nombre en letras doradas adornaban el forro verde que cubría el libro. En 198 páginas se escondían las más grandes hazañas del momento y otros tantos datos curiosos que nunca habían sido registrados en papel. Lo interesante del caso es que inmediatamente se convirtió en best-seller en

Récords que ponen en alto nuestra bandera

2012- Más personas jugando dominó: 3,344

2016- Mojito más grande del mundo: 3,519 litros

2019- Mayor cantidad de parejas bailando merengue: 422

2021- Baile de bachata más grande: 489 parejas.

2021- Jugador de mayor edad en disparar 30 jonrones en una temporada: el dominicano Nelson Cruz

Curiosidades del Guinness World Records

Reino Unido. De acuerdo con los hermanos McWhirter, cada bar tenía su propia copia debajo del mostrador para solventar los dimes y diretes de los que eran testigos todas las noches. Por eso, de ahí en adelante se le conoció como “un libro para iniciar discusiones... ¡y para terminarlas!”.

• El nombre original fue Guinness Book of Records, pero en el año 2000 se cambió al nombre actual.

• En 1974 se convirtió en el libro de derechos de autor más vendido de la historia. Para 2019 se habían impreso más de 143 millones de copias.

• Desde sus inicios, la recopilación solo se ha dejado de publicar en 1957, 1959 y 1963.

• Hasta ahora, ostenta el título del libro más robado de las bibliotecas.

• Algunas categorías se han descontinuado por el peligro que suponen para las personas, animales o el medioambiente, como es el caso del gato más gordo, la mayor ingesta de cerveza en una hora o la mayor liberación de globos de fiesta.

• Desde 2004 se celebra el Día de Guinness World Records, con el propósito de incentivar y romper nuevas marcas mundiales.

Todo iba de maravilla hasta que en 1975 la torta se viró. No nos referimos a que cayeron en bancarrota ni nada por el estilo, sino que uno de los hermanos McWhirter, Ross, pereció a manos de dos miembros del Ejército Republicano Irlandés. Poco tiempo atrás, Ross había ofrecido una recompensa por las cabezas de aquwellos integrantes de la banda paramilitar irlandesa. Saquen ustedes las conclusiones.

llevó durante gran parte de su vida. Desde los nueve años ingirió metal y vidrio cual si fuera pan con queso.

Llegó a comerse 18 bicicletas, 15 carritos de supermercado, siete televisores, seis candelabros, dos camas, un par de esquís, una avioneta Cessna de bajas calorías, una computadora e incluso un ataúd. Murió de causas naturales en 2007.

Récords que harán volar tu cabeza

• Mayor cantidad de burbujas de jabón sopladas dentro de una gran burbuja: 1,339

• Colección más grande de Harry Potter: 5,284 piezas

• Mayor cantidad de Big Mac consumidas en la vida: 28,788 unidades y contando

• Bola de pelo humana más grande del mundo: 225.13 libras de peso.

• Mayor cantidad de nueces aplastadas con el codo en un minuto: 315

Después del trágico suceso, su hermano Norris continuó editando el libro hasta su jubilación en 1995. Desde entonces, Guinness World Records se ha transformado en todos los sentidos posibles. Por ejemplo, la cervecera Guinness se desvinculó de la publicación y ahora la maneja el grupo canadiense Jim Pattinson. Además, poseen centros de atracciones, programas de televisión, tiendas y museos. Su crecimiento exponencial en las últimas décadas le ha permitido distribuir sus logros superlativos en más de 100 países. Por si fuera poco, reciben miles de solicitudes semanales y monitorean más de 60 mil títulos de récords activos.

He aquí la responsable de todo El Mergus Serrator es oficialmente la especie de ave de caza que vuela más rápido. Su velocidad de vuelo máxima registrada fue de 130 km por hora.

La capital francesa vio en junio de 2016, tan solo meses después de la redacción allí del Acuerdo de París, el histórico tratado para combatir el cambio climático (a través de la aceleración e

PorSiddharthaM

en las últimas décadas, consecuencia de las torrenciales lluvias que elevaron a más de seis metros el nivel de río Sena. Un claro recordatorio para todos de que nada ni nadie escapa a las múltiples reacciones de la naturaleza tras décadas y décadas de agresión por parte de la civilización humana.

Las edificaciones a la orilla del Sena, guardianas de un inmenso patrimonio cultural, fueron las más amenazadas. El Museo de Orsay, morada de obras de artistas impresionistas como Van Gogh, Renoir, Cézanne, Claudel, Monet, Degas y un largo etcétera; el Arsenal y la Biblioteca Nacional de Francia, con sus textos literarios del siglo XVI al siglo XIX; el Grand Palais, con su estilo Beaux-Arts, y el emblemático Museo del Louvre, el más visitado del mundo 0 millones de turistas entrando por sus puertas cada año, movilizaron a su personal y activaron los planes de emergencia para adelantarse a los efectos catastróficos de la crecida del río.

Las autoridades francesas ya venían dando alertas desde el año 002, pero con la inundación de 2016 se reunieron para analizar la situación y decidir cuáles debían ser las acciones a tomar para evitar daños en las obras almacenadas.

2002, analizar ser momento casi 10,000 m²

35,000 las

En el Louvre, lo primero que hicieron sus responsables fue determinar la prioridad de las obras a evacuar. Según declaró en su momento a la prensa francesa Jean-Luc Martínez, director del museo, comenzaron por evacuar las zonas “más sensibles”, es decir, las que están al borde del río y que ocupan casi 1 subterráneos. Esas zonas corresponden al Departamento de Arte del Islam, las reservas de los departamentos de Antiguedades Griegas, Etruscas y Romanas, y el periodo copto de la colección de Arte Egipcio. Martínez comentó, además, que llevaban casi dos décadas preparándose para una externalización de las piezas, desde que la Prefectura de Policía de París advirtiera por primera vez que el Louvre estaba en peligro.

Gracias a ese aviso, las obras ya estaban acondicionadas para ser desplazadas por los equipos del museo, en contenedores con ruedas que permitieron un desplazamiento rápido. En esa ocasión, 5,000 piezas fueron llevadas desde sus depósitos en el sótano a áreas más altas en tan solo 48 horas, movimiento que requirió cerrar las puertas del Louvre durante cuatro días, a un costo para el museo de alrededor de 1.8 millones de dólares en ingresos perdidos.

Encontrar una solución permanente se hizo imperativo y surgió la idea de reagrupar en un único lugar las obras de las reservas del museo, ya que habían sido repartidas en más de 6 distintas para su protección. Un “búnker” para el arte

0 ubicaciones

Un edificio de vidrio y acero de 1 ciudad de Liévin, en la región Norte-Paso de Calais, a dos horas aproximadamente de París, y fue llamado Centro de Conservación del Louvre. Liévin también es hogar del Louvre-Lens, una extensión del museo que alberga las colecciones nacionales francesas.

El Centro de Conservación del Louvre fue diseñado por el estudio de arquitectura británico Rogers Stirk Harbour and Partners, para proteger las obras allí almacenadas en el peor escenario climático

8,500 m² fue construido en la inundaciones. para energética. inundaciones. como del con 10

imaginable. La estructura está construida en suelo calcáreo y arenoso con buen drenaje, lo que disminuye el riesgo de inundaciones. Además, es doblemente impermeable con sistema de detección de fugas, y permite regular la temperatura y la humedad para proteger el arte del calor extremo que puede degradar la madera y aumentar el riesgo de plagas de moho e insectos. El edificio está concebido para ser bioclimático: su energía procede de bombas de calor, un tercio de ellas de geotermia, lo que garantiza un alto nivel de eficiencia

El exterior fue diseñado para integrarse con el entorno local, con un techo cubierto de hierba donde crecen flores silvestres en la primavera, ayudando a gestionar el agua de lluvia para evitar

El Centro de Conservación del Louvre no es solo un almacén, sino que está pensado para convertirse en uno de los centros de investigación y formación artística más grandes de Europa, visitado por expertos en museos, conservadores y académicos de todo el

El Centro de Conservación del Louvre en la ciudad de Liévin

mundo. El concepto incluye poder ser receptor de obras de países en conflicto armado.

Cuando el “búnker” estuvo listo, en 2019, comenzó el traslado de más de 250 mil obras amenazadas por el Sena. La meta: hacerlo en cinco años, comenzando por las piezas más grandes. Del pastelazo a la Mona Lisa a la sopa contra Los Girasoles

Mientras unos gastan millones de dólares para proteger del calentamiento global las obras que son patrimonio artístico de la humanidad, otros las utilizan —o las agreden, dependiendo de la óptica con que se vea— para llamar a la conciencia sobre el cambio climático. ¿Ironía o paradoja? Al parecer, una mezcla de ambas.

Precisamente el Louvre fue el escenario de la primera protesta, el 29 de mayo 2022, cuando un hombre tapado con una manta y un gorro, y en una silla de ruedas, entró al museo, se acercó a La Gioconda a través de la zona para minusválidos, se levantó de pronto, golpeó el cristal que la protege y luego le arrojó un pastel. Finalmente, y ante la mirada atónita de los visitantes, repartió rosas. La obra maestra de Leonardo Da Vinci no sufrió daños.

protegen las obras, pegaron sus manos a los marcos y escribieron proclamas en las paredes de las salas donde reposan.

Una avalancha de opiniones encontradas se desató: ¿Qué culpa tiene del cambio climático La Gioconda? O Pescadores en flor, de Van Gogh, o La carreta de heno, del pintor británico John Constable, o La Primavera, de Botticelli? ¿Por qué atentar contra obras que son patrimonio de la humanidad para generar interés sobre un tema que responde a causas de otra índole?

No hay lugar a dudas de que estas acciones logran su cometido: llamar la atención, aparecer en los titulares de las noticias y provocar. Entonces es cuando la ironía entra en el juego que muchos califican de absurdo y vandálico. ¿Es necesario un escándalo para abrir el debate sobre la calidad de nuestra existencia presente y futura en el planeta? Quizá es la conciencia de la humanidad la que necesita que le den un pastelazo de vez en cuando para reaccionar, y no la Mona Lisa

El personal de seguridad del museo lo atrapó y mientras lo escoltaban a la salida el hombre vociferó en francés: “Hay personas que están destruyendo la Tierra (...) Los artistas, piensen en la Tierra. Por eso lo he hecho. Piensen en el planeta”.

No era la primera vez que la Mona Lisa era atacada: en diciembre de 1956, un boliviano le lanzó una piedra y le dañó el codo izquierdo; y en agosto de 2009, una turista rusa estrelló una taza de té vacía contra el cristal. Pero aquel domingo de mayo fue la primera ocasión en la que fue agredida por razones ambientalistas. Aquí comienza la paradoja.

Los activistas ambientales coinciden en que no tienen ningún interés en el arte, y mucho menos en dañar ninguna de estas famosas obras. Su único objetivo es concienciar sobre la emergencia climática y atraer nuevos miembros. El mensaje que envían es claro y directo: “No hay arte en un planeta muerto”.

Anna Holland, la joven de 20 años que lanzó la sopa de tomate contra un Van Gogh, dijo después a la prensa que había ensayado toda la noche en el baño cómo hacerlo y que “no lo habría hecho si no hubiese un cristal protector”. De nuevo la ironía. Agregó que “un cuadro no vale tanto como la vida de tus hijos”. Además, consideró “inspirador” que dos jóvenes españoles siguieran su ejemplo pegándose a Las Majas de Goya en el Museo del Prado.

Este hecho se tomó al principio como algo aislado, pero se repitió en diversas ocasiones durante el año a lo largo del planeta; al menos catorce ataques ocurrieron durante el 2022. Pero un pico se vivió entre octubre y noviembre, lo que preocupó a expertos y autoridades de los museos, que intensificaron las medidas de seguridad y firmaron una carta manifestando su nerviosismo. Masacre en Corea, de Picasso, expuesto en Melbourne; Los Girasoles de Van Gogh, en Londres; Les Meules, de Claude Monet, en Alemania; La joven de la perla, de Johannes Vermeer, en La Haya; El sembrador, de Van Gogh, en Roma; Las Majas de Francisco de Goya, en Madrid; Latas de sopa Campbell, de Andy Warhol, en Canberra, y un carro customizado por este artista, expuesto en Milán; y Muerte y vida de Gustav Klimt, en Viena. Todas fueron víctimas.

Grupos ambientalistas como Extinction Rebellion, Just Stop Oil, Stop Fossil Fuel Subsidies y Última Generación repitieron el patrón del pastel y hasta se pusieron más creativos en las acciones de protesta: lanzaron pintura y sopa de tomate sobre los cristales que

Hasta el día de hoy no se puede decir que estas protestas han surtido un efecto ni tampoco que hayan cambiado en algo la situación. Sin embargo, una encuesta realizada por el Centro de Políticas Públicas de Annenberg, en la Universidad de Pensilvania, y publicada en noviembre del 2022, sugirió que el apoyo del público a las protestas contra el cambio climático podría disminuir tras los ataques. “Descubrimos que el público desaprueba las protestas climáticas no violentas y disruptivas. Una pluralidad de encuestados (46%) informa que estas tácticas disminuyen su apoyo a los esfuerzos para abordar el cambio climático. Solo el 13% reporta un apoyo cada vez mayor”, señalaba el estudio.

La eficacia de las protestas no debería ser parte de la discusión. La realidad es que el cambio climático es una amenaza para el arte, así como lo es para toda la humanidad. Entender que estamos frente a una emergencia y que es necesario actuar de inmediato para preservar el planeta, y así poder garantizar las condiciones para las futuras generaciones, es ineludiblemente una responsabilidad de todos.

EDWIN SANTANA SHOWBUZZ edwin@showbuzzrd.com

El mundo siempre recordará la gala de los Oscar de 2022 por aquella desafortunada escena protagonizada por Will Smith y Chris Rock. Yo, en cambio, la evoco estos días por la solidaridad que tanto la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas como múltiples actores mostraron esa noche hacia el pueblo ucraniano, que poco más de un mes antes había sido agredido por el matón del barrio. Es un recuerdo que, tras contrastarlo con lo ocurrido (o lo que que no ocurrió) en la edición de los Oscar de este 2024, me ha impulsado a profundizar sobre el alma de esa abstracción que conocemos con el nombre de Hollywood.

“¡Viva Ucrania!” Así concluyó Francis Ford Coppola su discurso luego del tributo que aquella noche de marzo de 2022 recibió El padrino por su 50 aniversario. Antes del inicio de la gala, Sean Penn afirmó en CNN que fundiría las dos estatuillas doradas que ha ganado en su carrera si la Academia no le brindaba a Volodymyr Zelenskyy, presidente de Ucrania, la oportunidad de hablar durante la ceremonia. (Zelenskyy no habló y desconozco qué hizo Penn con sus estatuillas). En la alfombra roja, Jason Momoa, luciendo un pañuelo de bolsillo con los colores de la bandera ucraniana, comentó a una cadena de televisión: “Es absolutamente importante crear conciencia sobre la crisis de refugiados [ucranianos].”

Pedro Almodóvar, Diane Warren y Tyler Perry caminaron sobre la misma alfombra con una cinta en la que se leía “#WithRefugees”. Durante la gala, los televidentes pudimos ver a Amy Schumer cuando dijo: “Hay un genocidio en marcha en Ucrania”. Mila Kunis, por su parte, comentó: “En tal devastación, es imposible no conmoverse por su resiliencia”. Se refería a la de los ucranianos. Y agregó: “Uno no puede evitar sentirse asombrado por aquellos que encuentran la fuerza para seguir luchando en medio de una oscuridad inimaginable”.

La Academia, como institución, también elevó su voz, por así decirlo, en solidaridad con Ucrania. Luego de un número musical a cargo de Reba McEntire, el escenario quedó a oscuras y una pantalla mostró las siguientes palabras: “Nos gustaría tener un momento

de silencio para mostrar nuestro apoyo al pueblo de Ucrania que actualmente enfrenta invasión, conflicto y prejuicios dentro de sus propias fronteras”. Y a continuación: “Si bien el cine es una vía importante para que expresemos nuestra humanidad en tiempos de conflicto, la realidad es que millones de familias en Ucrania necesitan alimentos, atención médica, agua potable y servicios de emergencia. Los recursos son escasos y nosotros, colectivamente como comunidad global, podemos hacer más. Les pedimos que apoyen a Ucrania en todo lo que puedan. #StandWithUkraine”.

Podría continuar con otros gestos y palabras de apoyo en aquella noche. Pero me quedo sin espacio. Vayamos a los Oscar 2024.

La gala se llevó a cabo el 10 de marzo. Por entonces, treinta mil personas, la mayoría mujeres y niños, habían muerto en Gaza desde el pasado mes de octubre. El número de heridos era más alto, incluyendo a los mutilados. Y mucho más alto todavía el número de los que vivían —sobrevivían— en condiciones espantosas, ya sea en la propia Gaza o en tierras foráneas, como refugiados. Los números, desde esa fecha, han aumentado y continúan aumentando.

Aquella noche, en Hollywood, en los Oscar, la Academia se mantuvo muda. De las estrellas no emanó la luz de la solidaridad.

Solo Jonathan Glazer habló por los inocentes de Gaza. El director, cuya película “The Zone of Interest” ganó como Mejor película extranjera, aceptó su premio diciendo que tanto él como el productor del filme estaban allí “como hombres que refutan su judaísmo y el Holocausto secuestrado por una ocupación que ha provocado conflictos para tantas personas inocentes, ya sean las víctimas del 7 de octubre en Israel o el ataque en curso contra Gaza”.

La anatomía dorada del icónico Oscar lucirá por siempre una profunda cicatriz, las páginas de la historia de la Academia, una oscura mancha. Y el brillo de muchas estrellas ha perdido intensidad.

Mi solidaridad con las víctimas inocentes: en Ucrania, en Israel, en Gaza…

MARIANNA VARGAS

CONSTRUYENDO LA REPÚBLICA DEL CINE