À l'interstice / The Space Between | 25-27 JAN 2024

Escape Ten Duo - Annie Stevens & Andrea Venet

Michael Schutz

Liliana Araújo

Darrell Bueckert

Russell Hartenberger

Philipe Spiesser

SIXTRUM Percussion

Damon Grant

Philippe Gauthier Boudreau

À L’INTERSTICE ET LA JOURNÉE DE LA PERCUSSION THE SPACE BETWEEN AND THE QUEBEC DAY OF PERCUSSION 25 au 27 janvier, 2024 • January 25 to 27, 2024 École de musique Schulich de l’Université McGill Schulich School of Music of McGill University 555 et 527 rue Sherbrooke ouest, Montréal, QC H3A 1E3

McGill Percussion Ensemble

Gina Ryan

Fabrice Marandola

Le Réseau Canadien de la Percussion connecte les percussionnistes de tout le pays intéressés à construire des ponts entre la recherche sur les percussions et la performance. Conçus comme un outil de rassemblement informel pour les percussionnistes canadiens au début de la pandémie de COVID-19, nous avons organisé notre premier festival en personne à McMaster en avril 2022, en collaboration avec la section ontarienne de la Percussive Arts Society. Intitulé À l’interstice / The Space Between, cet événement a réuni des dizaines de percussionnistes de cinq provinces ainsi que plusieurs des ÉtatsUnis. Grâce à une subvention de développement de partenariat (PDG) du CRSH, nous sommes heureux de continuer à offrir gratuitement un mélange d’événements virtuels et en personne pour connecter la communauté canadienne des percussionnistes.

Pour plus d’informations, veuillez consulter notre site web et rejoignez notre page Facebook pour recevoir des mises à jour régulières sur les événements à venir.

The Canadian Percussion Network connects percussionists across the country interested in building bridges between percussion research and performance. Begun as informal gathering place for Canadian percussionists at the onset of the COVID-19 pandemic, we hosted our first in-person festival at McMaster in April of 2022, in conjunction with the Ontario Chapter of the Percussive Arts Society. Titled The Space Between, that event brought together dozens of percussionists from five provinces as well as several from the US. Thanks to a SSHRC Partnership Development Grant (PDG), we are pleased to continue offering blending virtual an in-person events free of charge to connect the Canadian percussion community.

For more information, please check our website and join our Facebook page to receive regular updates on upcoming events.

Société des Arts Percussifs Québec / Percussive Arts Society La Société des arts percussifs est la plus grande organisation de percussion au monde et elle est considérée comme la source centrale d'information et de mise en réseau pour les percussionnistes et les batteurs de tous âges. Fondée en 1961 en tant qu'organisation de services musicaux à but non lucratif, la PAS s'efforce de remplir sa mission : inspirer, éduquer et soutenir les percussionnistes et les batteurs du monde entier. Aujourd'hui, la PAS compte près de 6 000 membres, avec des sections représentant les 50 États et 25 sections internationales. La PAS offre aux étudiants et aux professionnels des opportunités de développement artistique et professionnel. La PAS est fière d'attribuer chaque année plus de 60 000 dollars de bourses et de subventions. Les professionnels peuvent créer de nouveaux programmes de percussion ou se faire connaître grâce aux bourses et aux concours de la PAS. De nombreuses personnes ont eu un impact significatif sur le monde de la percussion grâce à la Percussive Arts Society, et elles sont reconnues dans nos pages Hall of Fame et Awards.

La PAS publie le journal Percussive Notes six fois par an, partage du contenu hebdomadaire sur Rhythm ! Scene™, le blog officiel de la Percussive Arts Society, et gère un site web complet de ressources pédagogiques sur la percussion. Le siège de la PAS se trouve à Indianapolis, dans l'Indiana, et abrite le Rhythm ! Discovery Center.

Chaque année, la PAS accueille la plus grande convention de percussion au monde, la Percussive Arts Society International Convention (PASIC), qui réunit les plus grands noms de la batterie et de la percussion.

The Percussive Arts Society (PAS) is the world’s largest percussion organization and is considered the central source for information and networking for percussionists and drummers of all ages. Established in 1961 as a non-profit, music service organization, PAS works to fulfill its mission to inspire, educate, and support percussionists and drummers worldwide. Today, PAS has nearly 6,000 members, with chapters representing all 50 states, and an additional 25 international chapters. PAS offers students and professionals opportunities to grow artistically and professionally. PAS proudly awards over $60,000 annually in scholarships and grants. Professionals can create new percussion programs or gain recognition through PAS grants and contests.

Many individuals have significantly impacted the world of percussion through the Percussive Arts Society, and they are recognized in our Hall of Fame and Awards pages.

PAS publishes the Percussive Notes journal six times a year, shares weekly content on Rhythm! Scene™ the official blog of the Percussive Arts Society and maintains a comprehensive website of percussion education resources. PAS is headquartered in Indianapolis, Indiana, and is home to the Rhythm! Discovery Center. Each year PAS hosts the largest percussion convention in the world, the Percussive Arts Society International Convention (PASIC), featuring the top names in drumming and percussion.

Horaire Général / General Schedule Jeudi 25 janvier 2024 / Thurday, January 25, 2024 8:30 - 9:00 Inscription / Registration - Hall d’entrée / Lobby Pavillon de musique Elizabeth Wirth Music Building 9:00 - 9:15 Accueil des participants / Welcome address – Salle Tanna Schulich Hall Fabrice Marandola ･ Michael Schutz 9:15 - 10:55 Transcription / Reconstruction - Modératrice / Moderator: Gina Ryan Dr. Nicholas Papador ･ Timothy Roth ･ Joseph Visseaux ･ Stuart Jackson 10:55 - 11:25 Pause Café / Coffee break - Hall d’entrée / Lobby 11:25 – 12:10 Performances – Salle Pollack Hall Marie Josée Simard & François Bourassa ･ Duo Simuldos : Manuel López Tovar & Crystal Kim ･ Hoi Tong Keung, Bevis Ng & Fish Yu 12:10 - 14:00 Pause dîner / Lunch break 14:00 - 15:45 Batteurs et Bien-être / Drummers and Well-being – Salle Tanna Schulich Hall - Modératrice / Moderator: Victoria Sparks Satoshi Yamaguchi ･ Martin Daigle Liliana Araújo - Conférence principale / Keynote Préparation psychologique dans le domaine de la percussion : Comment équiper les musiciens du futur ? / Psychological readiness in percussion: How to equip musicians of the future?

15:45 - 16:45 Pause Café & session d’affiches de recherche / Coffee break & Poster session - Hall d’entrée / Lobby Affiches de recherche / Research posters Anne Chabot-Bucchi ･ Joseph Chang ･ Dr Jamie Drake ･ Alexandre Ducharme ･ Jessica Flammia & Nadia Azar ･ Michael Jones ･ Kairos Quartet : Andrew Bush, Nikki Huang, Thomas Li & Bevis Ng ･ Hoi Tong Keung, Aiyun Huang & Tim Roth ･ Andres E. Elizondo Lopez ･ Dr Nicholas Papador ･ Bavo Van Kerrebroeck ･ Connor Wessel 16:50 - 18:00 Développement des communautés / Community Building – Salle Tanna Schulich Hall - Modérateur / Moderator: Shawn Mativetsky Victoria Sparks, Sage Helgason-Stoyanowski & Dr. Jody Stark ･ Dr. Jamie Drake & Queen’s University Percussion Ensemble ･ Gina Ryan 18:00 - 20:00 Pause souper / Supper break 20:00 - 21:30 Concert 1 – Salle Pollack Hall Directrice / Director: Kristie Ibrahim Ensemble à percussion de McGill / McGill Percussion Ensemble

Vendredi 26 janvier 2024 / Friday, January 26, 2024 9:00 - 10:45 Improvisation et exploration / Improvisation and exploration – Salle Tanna Schulich Hall Modérateur / Moderator: Mark Adams Jérémie Carrier ･ João Catalão & Dominic Thibault ･ Gina Ryan ･ Reynaliz Herrera 10:45 - 11:10 Pause café / Coffee break - Hall d’entrée / Lobby 11:10 - 12:00 Performances – Salle Pollack Hall Dr. Stephen Solook ･ Jérémie Carrier ･ Kairos Quartet : Bevis Ng, Andrew Busch, Nikki Huang & Thomas Li 12:00 - 13:45 Pause dîner / Lunch break 13:45 - 15:30 Percussion et Métal / Percussion and Metal - Salle Tanna Schulich Hall Modérateur / Moderator: Michael Schutz Darrell Bueckert - Conférence principale / Keynote Revisiter les cloches-plaques: à la recherche d’une performance assistée par les données / Bell Plates Revisited: The Search for Data-Assisted Performance

Philippe Gauthier Boudreau - Atelier / workshop Façonner le timbre des cymbales / Shaping the timbre of cymbals

15:30 – 16:00 Pause café / Coffee break - Hall d’entrée / Lobby 16:00 - 17:00 Analyser le rythme / Analyzing Rhythm - Salle Tanna Schulich Hall Modérateur / Moderator: Benjamin Duinker Daniel-Akira Stadnicki ･ Fabrice Marandola 17:00 – 18:00 Analyser Drumming / Analyzing Drumming – Salle Tanna Schulich Hall Modérateur / Moderator: Dr Jamie Drake Russel Hartenberger & Michael Schutz - Conférence principale / Keynote Steve Reich's "Drumming": Historical background and analysis of phasing / Steve Reich's "Drumming": Historical background and analysis of phasing

18:00 - 20:00 Pause souper / Supper break 20:00 - 21:30 Concert 2 | Marimbas! – Salle Pollack Hall SIXTRUM Percussion ･ Philippe Spiesser ･ Canadian Percussion Network marimba orchestra

Samedi 27 janvier 2024 / Saturday, January 27, 2024 9:00 - 10:00 Inscription / Registration - Hall d’entrée / Lobby Pavillon de musique Elizabeth Wirth Music Building 10:00 - 11:15 Concert 3 | Ensembles de percussion / Percussion Ensembles – Salle Pollack Hall Ensemble à percussions Pierre Laporte ･ École FACE Ensemble à percussion ･ PercUqam ･ Ensemble de percussion du Conservatoire de musique de Montréal ･ Ensemble du Cegep de Drummondville ･ Ensemble de percussion des jeunes du Conservatoire de musique de Montréal ･ Atelier de Percussion de l'Université de Montréal ･ Hypercussion 11:30 - 12:45 Table Ronde / Round Table – Salle Tanna Schulich Hall Carrières en percussion / Careers in percussion Russell Hartenberger ･ Damon Grant ･ Kristie Ibrahim 12:45 - 14:00 Pause dîner / Lunch break 14:00 - 15:00 Classe de Maître / Masterclass – Salle Tanna Schulich Hall Adjoint de Rockstar / Rockstar Adjacent Damon Grant ( Commandité par / Sponsored by: Long & McQuade, LP, Zildjian ) 15:15 - 16:15 Concert 4 | Musique de chambre / Chamber music – Salle Pollack Hall David Therrien Brongo ･ TJT Trio: Theodore Lysyk, Joseph Chang & Tate Orlita ･ Gina Ryan & Victoria Sparks ･ Denis Courchesne & Eliane MarieLaure Cantin ･ Britton-René Collins ･ Quatuor Jérémie Carrier 16:30 - 17:30 Classe de Maître / Masterclass – Salle Tanna Schulich Hall Musique entre amis : classe de maître et démonstration de musique de chambre / Music with Friends: A chamber music masterclass and clinic Escape Ten Duo: Dr.Annie Stevens & Dr. Andrea Venet (Commandité par / Sponsored by: Dream Cymbals, Timpano Percussion, Black Swamp Percussion, Remo Drumheads, Appartement Hotel) 17:45 - 18:45 Classe de Maître / Masterclass – Salle Tanna Schulich Hall Le répertoire solo avec électronique / Solo Repertoire with Electronics Philippe Spiesser (artiste invité du fonds Catherine-Thornhill-Steele, commandité par l’École de musique Schulich de l’Université McGill /Visiting Artist Sponsored by Schulich School of Music of McGill University) 18:45 - 20:00 Pause souper / Supper break 20:00 - 21:30 Concert 5 | Concert de Gala / Gala Concert – Salle Pollack Hall McGill Percussion Ensemble ･ SIXTRUM Percussion ･ Escape Ten Duo ･ Philippe Spiesser ･ Damon Grant

Programme détaillé / Detailed program Jeudi 25 janvier 2024 / Thursday, January 25, 2024

9 :15 - 10 :55 Transcription / Reconstruction - Salle Tanna Schulich Hall Modératrice / Moderator: Gina Ryan • Vessels of Song: A Visual Timeline of Klezmer Percussion Instruments and Performers Dr. Nicholas Papador - University of Windsor Cette affiche accompagnera la présentation orale du Dr. Papador pour The Space Between 2024, sur les arrangements d'ensembles à percussion klezmer. L'affiche présentera une chronologie visuelle du klezmer en tant que genre musical, en mettant l'accent sur ses instruments à percussion et ses interprètes. L'affiche présentera également certains matériaux musicaux du klezmer. Bien qu'il s'agisse d'un aspect historique méconnu dans le domaine de la percussion, l'étude du klezmer est particulièrement vitale dans le climat culturel et politique actuel et a une influence sur un certain nombre de pratiques de concert en matière de percussion.

This poster will serve as a companion component to Dr. Papador’s the Space Between 2024 oral presentation on klezmer percussion ensemble arrangements. The poster will provide a visual timeline of klezmer as a musical genre with a focus on its percussion instruments and performers. The poster will also outline some of klezmer’s musical materials. While a smaller historical thread in the area of percussion, the study of klezmer is particularly vital in today’s cultural political climate and an influence on a number of concert percussion practices.

• New Ways for Old Works: reconstructing electroacoustic works by Beecroft, Frykberg, and Saint-Marcoux mixed Timothy Roth & Aiyun Huang - TaPIR Lab, University of Toronto Dans l'histoire en évolution de l'interprétation de la musique classique avec des médias mixtes, les œuvres plus anciennes sont devenues de plus en plus difficiles à interpréter car les médias électroniques et les machines utilisés dans les œuvres sont de plus en plus difficiles à préserver ou à reproduire. Cette présentation décrit le processus de préparation et de répétition de New Ways for Old Works, un concert présentant des œuvres relativement anciennes écrites par des femmes pour des interprètes principalement des percussionnistes - utilisant des médias mixtes. Avec des pièces des compositrices Norma Beecroft, Susan Frykberg et Micheline Coulombe Saint-Marcoux, l'objectif du concert était de présenter des œuvres existantes qui ont rarement été jouées en raison d'un manque de documentation technique, d'une mauvaise conservation des supports ou d'une technologie obsolète. Ce concert, qui a eu lieu le 1er novembre 2023 à l'Université de Toronto, est l'un des nombreux efforts déployés par le Technology and Performance Integration Research (TaPIR) Lab pour explorer les méthodes de documentation, de préservation et de réalisation d'œuvres existantes pour l'électronique en direct. Choisie dans la bibliothèque du Centre de musique canadienne, chaque œuvre de ce programme a posé des défis uniques de difficultés diverses. Basée sur les méthodes de reconstruction d'œuvres anciennes pour l'électronique temps réel proposées par Roth (2023), cette présentation décrit les différentes étapes et décisions qui ont été prises afin de préparer ces œuvres pour une interprétation moderne. Des comparaisons sont également faites entre l'acquisition et la sélection des instruments de percussion et des médias mixtes. Les objectifs de ce projet sont doubles. Premièrement, ce projet vise à développer un catalogue de documentation pour les œuvres préexistantes qui sont rarement jouées afin d'encourager les représentations futures et d'accroître l'accessibilité à la technologie nécessaire. En décrivant des approches pour reconstruire et recréer les éléments électroniques, ce projet établit également des méthodes spécifiques qui peuvent être adoptées et appliquées par d'autres interprètes afin de préserver et de redécouvrir le nombre toujours croissant d'œuvres confrontées à des problèmes d'obsolescence.

In the growing history of classical music performance with mixed media, older works have become increasingly difficult to perform as electronic media and machinery used in the works become increasingly difficult to preserve or reproduce. This

presentation outlines the preparation and rehearsal process for New Ways for Old Works, a concert featuring relatively older works written by women for performers–largely percussionists–with mixed media. Featuring pieces by composers Norma Beecroft, Susan Frykberg and Micheline Coulombe Saint-Marcoux, the aim of the concert was to showcase previously existing works that have rarely been performed due to lack of technical documentation, poor preservation of media or obsolete technology. This concert, which took place on November 1, 2023, at the University of Toronto, is one of the many efforts that the Technology and Performance Integration Research (TaPIR) Lab is taking to explore methods for documenting, preserving, and realizing existing works for live electronics. Selected from the Canadian Music Centre library, each work on this program posed unique challenges of various difficulties. Based on methods for reconstructing older works for live electronics proposed

by Roth (2023), this presentation outlines the various stages and decisions that were made in order to prepare these works for modern-day performance. Comparisons are also made between the procurement and selection of percussion instruments and mixed media. The goals of this project are two-fold. First, this project aims to develop a catalogue of documentation for preexisting works that are rarely performed in order to encourage future performances and increase accessibility to the necessary technology. In describing approaches to reconstruct and recreate the electronic elements, this project also establishes specific methods that can be adopted and applied by other performers in order to preserve and re-discover the ever-growing body of works facing issues of obsolescence. l Transcription pour marimba au travers des œuvres pour piano d'André Mathieu / Transcription for marimba of

André Mathieu's piano works Joseph Visseaux - Université de Montréal André Mathieu (1929-1968) est un compositeur et pianiste canadien dont le style musical se situe au croisement de Rachmaninov/Liszt et Gershwin. Inspiré par les marimbistes Anders Elten (avec sa transcription de La Campanella de Liszt) et Adélaïde Ferrière (transcription de la Rhapsody In Blue de Gershwin), j’ai élaboré une transcription des œuvres majeures de celui qui est connu comme le “Mozart Canadien”. Rendu célèbre à l’international grâce aux interprétations d’Alain Lefèvre, André Mathieu fait partie intégrante du patrimoine culturel québécois. On lui doit notamment le fameux Concerto de Québec.

Du point de vue de la recherche, mon entreprise de revitalisation de Mathieu s’aligne sur les travaux de Georges Nicholson et Marie-Thérèse Lefebvre. Le format utilisé lors de ma présentation sera celui de conférence-démonstration. Dans un premier temps, j’exposerais les différentes problématiques auxquelles j’ai été confronté dans la réalisation des transcriptions et dans un second temps, je jouerais ma transcription pour marimba 5 octaves du Concertino n. 2 d’André Mathieu afin de démontrer de la jouabilité de cette dernière. Je serais accompagné au piano par Amanda Kohn. La présentation orale sera une synthèse des enjeux de transcriptions répartis entre les différentes œuvres de Mathieu. Ces points sont les suivants : la question du registre, les notions d'écart et de simultanéité, le concept de circulation rythmique, la question des articulations, celle de la rémanence ainsi que celle du voicing. Ces problématiques seront illustrées par des extraits de partitions, des tableaux et autres schémas. Afin de développer une approche systématique dans la manière de transcrire et d’arranger la musique de Mathieu pour marimba, chacun de ses six points sera associé à une proposition de résolution potentielle. À noter que la performance n’illustrera pas nécessairement tous les enjeux abordés mais viendra souligner la cohérence de la transcription complète d’une œuvre de Mathieu.

André Mathieu (1929-1968) was a Canadian composer and pianist whose musical style is at the crossroads of Rachmaninov/Liszt and Gershwin. Inspired by marimbists Anders Elten (with his transcription of Liszt's La Campanella) and Adélaïde Ferrière (transcription of Gershwin's Rhapsody in Blue), I have created a transcription of the major works of the man known as the "Canadian Mozart". Made internationally famous by Alain Lefèvre's interpretations, André Mathieu is an integral part of Quebec's cultural heritage. His most famous work is the Concerto de Québec. From a research point of view, my undertaking to revitalize Mathieu is in line with the work of Georges Nicholson and Marie-Thérèse Lefebvre. The format of my presentation will be that of a lecture-demonstration. First, I'll outline the various problems I've encountered in making transcriptions, and then I'll play my transcription for 5-octave marimba of André Mathieu's Concertino #2 to demonstrate its playability. Amanda Kohn will accompany me on piano. The oral presentation will be a synthesis of the transcription’s issues spread across Mathieu's different works. These are: the question of register, the notions of distance and simultaneity, the concept of rhythmic circulation, the question of articulations, that of remanence and that of voicing. These issues will be

illustrated with excerpts from scores, charts and other diagrams. In order to develop a systematic approach to transcribing and arranging Mathieu's music for marimba, each of these six points will be associated with a potential resolution. Please note that the performance will not necessarily illustrate all the issues addressed but will highlight the coherence of a complete transcription of a work by Mathieu.

l ...explosante-fixe... : Retrouver une œuvre perdue de Pierre Boulez pour vibraphone et électronique / ...explosante-fixe... : Recovering a lost work for vibraphone and electronics by Pierre Boulez Stuart Jackson - McGill University ...explosante-fixe... est le titre d'un certain nombre d'œuvres publiées par Pierre Boulez, mais peu d'informations sont disponibles sur la version pour vibraphone solo et électronique à laquelle il a travaillé entre 1977 et 1990. Grâce à des recherches dans les archives de la Sacher Stiftung de Bâle sur les partitions restantes, les diagrammes techniques et la correspondance, ainsi qu'à des entretiens avec l'interprète, Jean-Claude Forestier, et l'ingénieur, André Richard, j'ai réussi à découvrir l'histoire de ce qui était manifestement un projet incroyablement ambitieux que Boulez avait entrepris pour créer un solo de vibraphone de longue durée avec électronique à partir de la matrice ...explosante-fixe... qu'il avait publiée dans le magazine Tempo à la mémoire d'Igor Stravinsky en 1971. Bien que la seule information publiée sur l'œuvre ait fait état d'une seule création à Bâle en 1986 pour le 80e anniversaire de Paul Sacher, des recherches plus approfondies ont révélé que l'œuvre a eu une vie assez longue et qu'elle a connu plusieurs étapes d'édition ainsi que plus de 40 interprétations par le vibraphoniste Jean-Claude Forestier. La partition elle-même (sans l'électronique) est restée complète, mais la partie électronique a changé plusieurs fois au cours des années 1980, et bien que Boulez ait exprimé le désir de refaire et de finaliser la partie électronique, il a dû continuellement reporter le travail sur l'œuvre en raison de son emploi du temps chargé de chef d'orchestre. Cette présentation relatera l'histoire de cette version particulière de ...explosante-fixe... ainsi que les méthodologies que j'ai développées dans le processus de production d'une version exécutable de la partition. Bien qu'elle soit restée inédite, la partition laissée comprend huit mouvements distincts, totalisant près de 30 minutes de musique, ainsi que de nombreux documents détaillant les informations techniques pour la réalisation de l'électronique, ce qui suggère que des reconstructions de l'œuvre et des éditions ultérieures pourraient rendre à nouveau possible l'exécution de cette pièce. ...explosante-fixe... is the title for a number of published works by Pierre Boulez, but little information is available surrounding the solo vibraphone and electronics version that he was working on between 1977 and 1990. Through archival research at the Sacher Stiftung in Basel into the remaining scores, technical diagrams, and correspondences, as well as interviews with the performer, Jean-Claude Forestier, and the engineer, André Richard, I've managed to uncover the history of what was evidently an incredibly ambitious project that Boulez had undertaken to create a long-form vibraphone solo with electronics out of the ...explosante-fixe... matrix that he had published in Tempo magazine as a memorial to Igor Stravinsky in 1971. Although previously the only published information about the work recalled a single premiere in Basel in 1986 for the 80th birthday of Paul Sacher, further research has revealed the piece had quite a long life and went through several stages of edits as well as over 40 performances by the vibraphonist Jean-Claude Forestier. The score itself (without electronics) remained complete, but the electronic part changed several times over the course of the 1980s, and although Boulez expressed a desire to redo and finalize the electronic part, he had to continually postpone work on the piece due to his busy conducting schedule. This presentation will recount the history of this particular version of ...explosante-fixe... as well as the methodologies I have developed in the process of producing a performable version of the score. Despite remaining unpublished, the score left behind comprises eight separate movements, totaling nearly 30 minutes of music, as well as numerous documents detailing the technical information for realizing the electronics, suggesting that reconstructions of the work and subsequent edits could make performances of this piece possible again.

10:55 – 12:10 Pause café – Coffee break

11:25 – 12:10 Performances – Salle Pollack Hall l La route des Concertos / The road to the Concertos Marie-Josée Simard - percussion, artiste/artist Yamaha & Sabian, François Bourassa - piano “La route des Concertos” est un concert qui présente des œuvres pour marimba, vibraphone et orchestres composées spécialement pour la percussionniste Marie Josée Simard par des fleurons du jazz québécois. Les réductions d'orchestre seront jouées au piano par l’incomparable pianiste jazz François Bourassa Dans cette présentation vous entendrez de courts extraits du : 1- Concerto Intersection : 1er mvt Delta variations de Christine Jensen, 2ième mvt De résonances et d’échos de Marianne Trudel et 3ièmemvt Spirale de Jean- Nicolas Trottier. Création du concerto avec l'Orchestre National de Jazz à la cinquième Salle de la Place des Arts en décembre 2021. Commande d’œuvre de Marie Josée Simard appuyée par le CALQ et le CAC. 2- Le troisième mouvement En Exil, des Trois jazettes concertantes de François Bourassa. Création du concerto avec l’Orchestre Symphonique de Trois-Rivières en 2010, repris avec l’Orchestre Métropolitain en 2012 et joué en 2015 avec l’Orchestre Symphonique du Saguenay-Lac-St-Jean. Commande d’œuvre de Marie Josée Simard appuyée par le CALQ. "La route des Concertos" is a concert featuring works for marimba, vibraphone and orchestra composed especially for percussionist Marie Josée Simard by Quebec jazz greatS. The orchestral reductions will be played on piano by the incomparable jazz pianist François Bourassa.

In this presentation, you willl hear short excerpts from: 1- Concerto Intersection, 1st mvt Delta variations by Christine Jensen, 2nd mvt De résonances et d'échos by Marianne Trudel and 3rd mvt Spirale by Jean- Nicolas Trottier. Creation of the concerto with the Orchestre National de Jazz at Place des Arts' Fifth Stage in December 2021. Commissioned by Marie Josée Simard and supported by CALQ and CAC. 2- The third movement En Exil from François Bourassa's Trois jazettes concertantes. First performed with the Orchestre Symphonique de Trois-Rivières in 2010, revived with the Orchestre Métropolitain in 2012 and performed in 2015 with the Orchestre Symphonique du Saguenay-Lac-St-Jean. Commissioned by Marie Josée Simard and supported by CALQ.

l Un soupçon de timbales dans la musique de chambre /A Hint of Timpani in Chamber Music Duo Simuldos (Manuel López Tovar & Crystal Kim) – McGill University

Aussi étrange que cela puisse paraître, le violoncelle et les timbales peuvent très bien fonctionner en tant qu'ensemble.

La pièce "Cinq danses dogoriennes pour 5 timbales et violoncelle" d'Etienne Perruchon est un parfait exemple de ce que l'on peut obtenir avec cette combinaison. Dans le cadre de mes recherches sur le rôle des timbales dans la musique de chambre à travers l'histoire, nous interpréterons cette pièce bien composée qui devient rapidement un standard du répertoire de chambre.

As odd as it seems, cello and timpani can work extremely well as an ensemble. The piece “Cinq danses dogoriennes pour 5 timbales et violoncelle” by Etienne Perruchon is a perfect example of what can be achieved with this combination.

As a hint of my research about the role of timpani in chamber music throughout history, we will be performing this wellcomposed piece that is quickly becoming a chamber repertoire standard. l Frolic by Fish Yu: Exploration de la culture de Hong Kong par la percussion et l’électronique / Frolic by Fish Yu: Exploring Hong Kong Culture through Percussion and Electronics Hoi Tong Keung, Bevis Ng, Fish Yu – University of Toronto Commandée par le KöNG Duo, "Frolic" pour percussions, électronique et cantonais parlé est une œuvre en quatre mouvements du compositeur torontois Fish Yu, qui a grandi à Hong Kong. "Frolic" a été créée sur la base de notre identité commune en tant que Hongkongais. Inspirés par les jeux populaires joués à Hong Kong, nous réimaginons sous forme de musique les jeux auxquels nous avons joué pendant notre enfance à Hong Kong. Avec "Frolic", nous avons également l'intention d'examiner les possibilités sonores entre l'acoustique et l'électroacoustique à travers l'interaction entre le malletSTATION et les

instruments à claviers conventionnels. En tant qu'étudiants étrangers, nous avons beaucoup réfléchi à nos racines et à nos identités. Outre les jeux auxquels nous avons joué à Hong Kong, nous avons intégré le cantonais parlé dans la musique, non seulement parce qu'il s'agit de notre langue maternelle, mais aussi parce qu'en tant que langue tonale, le cantonais a une sonorité intrinsèquement musicale. Nous espérons que notre public appréciera la langue d'un point de vue musical, même s'il ne comprend pas le texte parlé. En outre, en tant que musiciens formés à la tradition classique occidentale, nous sommes conscients que notre répertoire comprend des idées provenant d'autres cultures. Grâce à ce projet, nous espérons combiner notre expertise avec notre propre culture. Le malletSTATION a été utilisé dans des genres tels que les fanfares et la musique pop, mais c'est un moyen sous-exploré dans la musique classique contemporaine. En tant que percussionnistes formés au conservatoire et intéressés par la musique électroacoustique, nous utilisons "Frolic" pour explorer l'interaction entre le marimba, le vibraphone et le malletSTATION. Grâce à la technologie, nous élargissons les possibilités sonores des duos de percussion et sommes en mesure d'offrir une représentation plus vivante des jeux par le biais d'instruments virtuels et d'effets sonores. La création de "Frolic" a été soutenue par le TaPIR Lab de l'Université de Toronto.

Commissioned by KöNG Duo, “Frolic” for percussion, electronics, and spoken Cantonese, is a four-movement work by Hong Kong-raised Toronto-based composer Fish Yu. “Frolic” is created based on our shared identity as Hongkongers. Inspired by popular games played in Hong Kong, we reimagine the games we played growing up in Hong Kong in the form of music.

Through “Frolic,” we are also intending to examine the sonic possibilities between acoustic and electroacoustic sound through the interplay between malletSTATION and conventional mallet instruments. As international students, we have been reflecting a lot on our roots and identities. Apart from the games we played in Hong Kong, we incorporated spoken Cantonese into the music; not only because it is our mother tongue, but also as a tonal language, Cantonese sounds inherently musical. Through our performance, we hope our audience would appreciate the language from a musical standpoint despite not understanding the spoken text. Furthermore, as musicians trained in the western classical tradition, we realize that our repertoire comprises ideas from other cultures. Through this project, we hope to combine our expertise with our own culture. The malletSTATION has been used in genres e.g., marching bands and pop music, however, it is an underexplored medium in contemporary classical music. As conservatory-trained percussionists interested in electroacoustic music, we use “Frolic” to explore the interplay between the marimba, vibraphone, and the malletSTATION. With the use of technology, we expand the sonic possibilities of percussion duets and can offer a more vivid representation of the games through virtual instruments and sound effects. The creation of "Frolic" was supported by the University of Toronto TaPIR Lab.

12:10 – 14:00 Pause Dîner – Lunch break

14: 00 – 15:45 Batteurs et Bien-être / Drummers and Well-being Salle Tanna Schulich Hall Modératrice / Moderator: Victoria Sparks l Dystonie du batteur : Incidence et membre affecté chez 1003 batteurs japonais / Drummer’s Dystonia: Incidence and Affected Limb in 1003 Japanese Drummers Satoshi Yamaguchi - Keio University, Japan La dystonie du musicien (DM) est un trouble du mouvement qui altère le contrôle moteur habile du musicien et qui touche environ 1 % des musiciens professionnels (Altenmüller & Jabusch, Med. Probl. Perform. Art., 2010). Les parties du corps touchées par la dystrophie musculaire sont généralement associées à des exigences techniques, comme la main droite chez les claviéristes et les musiciens à cordes pincées, et la main gauche chez les musiciens à cordes frottées (Conti et al., Movement Disorders, 2008). Néanmoins, l'incidence des symptômes de dystonie et les membres affectés chez les batteurs n'ont pas été clarifiés. L'objectif de cette étude était de clarifier l'incidence des symptômes de dystonie et d'identifier les membres affectés chez les batteurs japonais. Nous avons mené une enquête par questionnaire en ligne de mars à juin 2022. Au total, 1 099

participants ont été recrutés par l'intermédiaire de Rhythm and Drums Magazine, le principal magazine de batterie au Japon, et de services de réseautage social connexes. Les données de 96 participants ont été exclues en raison de réponses incomplètes, ce qui a permis d'analyser les données de 1 003 participants, dont 202 professionnels et 801 amateurs. Vingt-trois batteurs (18 professionnels et 5 amateurs) ont déclaré avoir été diagnostiqués avec des symptômes de dystonie dans un établissement médical. L'incidence des symptômes était de 8,9 % chez les professionnels et de 0,6 % chez les amateurs, avec une différence significative entre les deux groupes (test exact de Fisher, p < 0,01). La plupart des batteurs ont signalé des symptômes dans le membre inférieur droit (56,5 %), suivi par le membre supérieur gauche (39,1 %), le membre supérieur droit (34,7 %) et le membre inférieur gauche (30,4 %). Nous avons constaté que 8,9 % des batteurs professionnels japonais présentaient des symptômes de dystonie. Bien que le biais d'échantillonnage doive être pris en considération, l'incidence de la dystonie dans cette étude était environ neuf fois plus élevée que celle rapportée dans des études antérieures (Altenmüller & Jabusch, Med. Probl. Perform. Art., 2010). Nos résultats suggèrent qu'il est important d'étudier la dystonie du batteur. La plupart des batteurs ont signalé des symptômes dans leur membre inférieur droit, le membre principalement utilisé pour jouer de la grosse caisse.

Musician’s Dystonia (MD) is a movement disorder that impairs a musician’s skilled motor control, affecting approximately 1% of professional musicians (Altenmüller & Jabusch, Med. Probl. Perform. Art., 2010). Affected body parts in MD are usually associated with technical demands, such as the right hand in keyboard and plucked-string players, and the left hand in bowed-string players (Conti et al., Movement Disorders, 2008). Nonetheless, the incidence of dystonia symptoms and the affected limbs in drummers has not been clarified. The aim of this study was to clarify the incidence of dystonia symptoms and identify the affected limbs in Japanese drummers. We conducted an online questionnaire survey from March to June in 2022. A total of 1,099 participants were recruited via Rhythm and Drums Magazine, the leading drum magazine in Japan, and related social networking services. Data from 96 participants were excluded due to incomplete responses, resulting in the analysis of 1,003 participant data, including 202 professionals and 801 amateurs. Twenty-three drummers (18 professionals and 5 amateurs) reported having been diagnosed with dystonia symptoms at a medical institution. The incidence of symptoms was 8.9% among professionals and 0.6% among amateurs, with a significant difference between the two groups (Fisher's Exact Test, p < 0.01). Most drummers reported symptoms in the right-lower limb (56.5%), followed by the left-upper limb (39.1%), right-upper limb (34.7%), and the left lower limb (30.4%). We found that 8.9% of Japanese professional drummers reported dystonia symptoms. While sampling bias should be taken into consideration, the incidence of MD in this study was approximately nine times higher than that reported in previous studies (Altenmüller & Jabusch, Med. Probl. Perform. Art., 2010). Our findings suggest the importance of investigating drummer's dystonia. Most drummers reported symptoms in their right-lower limb, the limb primarily used to play the bass drum.

l Méthodes d'analyse gestuelle pour l'étude de l'équilibre et de la technique du batteur / Gesture analysis methods for studying drummer balance and technique Martin Daigle – McGill University La nature intense du jeu de batterie peut entraîner des troubles musculo-squelettiques liés au jeu si la posture, l'équilibre et la technique ne sont pas respectés. Azar (2020) note que les problèmes lombaires peuvent affecter jusqu'à 24% des batteurs. Bien qu'il soit utile de comprendre la fréquence de ces problèmes, il est également essentiel de comprendre comment les risques diffèrent d'un batteur à l'autre en fonction de la nature de leur pratique personnelle. Nous présentons une étude sur les mouvements des membres inférieurs, l'équilibre et la posture chez des batteurs jouant différents styles de musique (jazz, rock et métal). Nous émettons l'hypothèse que les différentes techniques requises par chaque genre amènent les batteurs à se mouvoir différemment, en se penchant dans des directions particulières et en modifiant la position du pied sur les instruments actionnés par la pédale (grosse caisse/cymbale charleston). Nous avons recruté neuf batteurs de différents horizons musicaux pour qu'ils apprennent et jouent différents extraits sélectionnés par nos soins. Grâce à des entretiens et à des données quantitatives issues de la capture de mouvement infrarouge et de la plaque de force (placée sous le siège du batteur), nous avons observé des différences dans la technique des membres inférieurs lorsque les participants jouaient les trois styles.

L'analyse a montré des divergences dans le placement des talons selon les genres : les batteurs de tous horizons ont joué du métal avec les deux talons vers le haut, ont joué du jazz avec le talon droit vers le bas/le talon gauche vers le haut, et ont joué du rock avec le talon droit vers le haut/le talon gauche vers le bas. L'analyse préliminaire des données de la plaque de force indique que le placement du centre de gravité dépend à la fois des habitudes individuelles et des genres musicaux. Cette

recherche démontre comment le genre affecte les mouvements et la technique de la batterie avec des résultats quantifiables.

Comprendre comment la technique varie selon les genres pourrait aider à promouvoir une pratique saine basée sur la performance des styles musicaux.

The intense nature of drum kit performance can lead to playing-related musculoskeletal disorders if proper posture, balance, and technique are not respected. Azar (2020) notes lower back problems may affect up to 24% of drummers. While an understanding of occurrence is useful, it is also essential to understand how risks differ between drummers depending on the nature of their personal practice. We present an investigation into lower limb movement, balance, and posture amongst drummers playing different styles of music (jazz, rock, and metal). We hypothesize that different techniques required by each genre will cause performers to move differently, leaning in particular directions and altering foot position on pedal-activated instruments (kick drum/hi-hat). We recruited nine drummers of different musical backgrounds to learn and perform our various excerpts. Through interviews and quantitative data from infrared motion capture and force plate (beneath the drummer’s seat), we observed differences in lower limb technique as participants played the three styles. Analysis showed divergences in heel placement across genres: drummers from all backgrounds played metal with both heels up, played jazz with their right heel down/left heel up, and played rock with their right heel up/left heel down. Preliminary analysis of force plate data indicates that the center of gravity placement is dependent both on individual habits and musical genres. This research demonstrates how genre affects drumming movements and technique with quantifiable results. An understanding of how technique varies across genres could help promote healthy practice based on the performance of musical styles.

l Préparation psychologique dans le domaine de la percussion : Comment équiper les musiciens de demain ? / Psychological readiness in percussion : How to equip musicians of the future ?

Liliana S. Araújo - McGill University Faire de la musique en tant que profession est très gratifiant, mais c'est aussi une carrière à haut risque et exigeante, qui requiert des compétences techniques ainsi qu'une préparation physique et psychologique. En fait, la littérature sur la science de la performance a toujours fait état d'une incidence élevée de problèmes musculo-squelettiques liés au jeu et de problèmes de santé liés au stress chez les musiciens, ce qui peut affecter le succès et la durabilité d'une carrière musicale. Les risques pour la santé au travail, tels que la pratique excessive et le manque de repos, l'accès limité aux soins de santé, la charge de travail élevée et le stress, ainsi qu'une culture qui glorifie la compétition, une éthique de travail implacable et le perfectionnisme, ont été identifiés comme affectant la santé et la carrière de nombreux artistes-interprètes. Nombre de ces facteurs de risque peuvent être réduits par des changements de comportement et de mode de vie, et par la création d'environnements qui renforcent et soutiennent la préparation psychologique. Malheureusement, peu d'attention a été accordée aux défis psychologiques rencontrés par les percussionnistes, ce qui a entraîné une discussion limitée sur les stratégies visant à renforcer la préparation psychologique. Dans cette présentation, je discuterai des stratégies pratiques et fondées sur des preuves qui peuvent être utilisées dans la formation des percussionnistes et dans les environnements professionnels pour développer la préparation psychologique. Les sujets abordés seront les suivants 1) reconnaître l'impact psychologique des blessures ; 2) créer un environnement stimulant ; 3) réduire les facteurs de stress et développer des mécanismes d'adaptation ; et 4) encourager des habitudes de pratique et de performance saines.

Making music as a profession is highly rewarding but it is also a high-risk and demanding career, that requires technical proficiency as well as physical and psychological readiness. In fact, the performance science literature has consistently reported a high incidence of playing-related musculoskeletal problems and stress-related health issues among musicians, which can affect the success and sustainability of a musical career. Occupational health risks such as over practice and lack of rest, limited access to healthcare, heavy workload and stress, and a culture that glamorizes competition, a relentless work ethic, and perfectionism have been identified as affecting the health and career of many performers. Many of these risk factors can potentially be reduced through behavioral and lifestyle changes, and by creating environments that build and support psychological readiness. Unfortunately, little attention has been given to psychological challenges experienced by percussionists, resulting in limited discussion of strategies to build psychological readiness. In this presentation, I will discuss evidence-based, practical strategies that can be used in percussion training and professional environments to build psychological readiness. Topics will include: 1) recognizing the psychological impact of injury; 2) creating an empowering

environment; 3) reducing stressors and developing coping mechanisms; and 4) encouraging healthy practice and performance habits.

15 :45 – 16 :45 Session d’affiches de recherche / Poster session – Hall Tanna Schulich Lobby l Développement et mise en œuvre d'une expérience musicale immersive percutante contemporaine adaptée à la trajectoire de développement des tout-petits (0-2 ans) : un projet de recherche-création. / Development and implementation of a contemporary immersive musical percussive experience adapted to the developmental trajectory of toddlers (0-2 years) : a research-creation project.

Anne Chabot-Bucchi – Université de Montréal Ces dernières années, plusieurs initiatives ont été lancées dans le but de rendre les arts du spectacle plus accessibles aux jeunes enfants. Partout dans le monde, des ateliers et des concerts pour le jeune public (0-6 ans) sont désormais proposés, dans lesquels petits et grands sont invités à bouger, chanter et manipuler des instruments de musique (Dyonissiou et Fytika, 2017 ; Ben Moshe et Gluchankof, 2022). Ces expériences musicales précoces permettent aux enfants de s'initier à différents modes d'expression artistique (en particulier la musique), de (re)découvrir des chansons issues de leur folklore, d'apprécier de nouvelles œuvres musicales et d'apprendre, de manière non formelle (Creech et al., 2020), un contexte idéalement adapté aux performances des enfants (Higgins, 2015). Bien que certaines études indiquent que les enfants réagissent bien à différents styles musicaux (Dionyssiou et Fytika, 2017), à l'heure actuelle, la plupart des concerts destinés au jeune public se concentrent sur la musique classique tonale et/ou la musique pour enfants. Pourtant, la musique contemporaine, qu'elle soit instrumentale ou électroacoustique, explore différentes articulations du son et des paramètres musicaux. L'objectif de ce projet de recherchecréation est de proposer aux tout-petits et à leurs parents une expérience musicale collective et immersive dans le contexte de la musique contemporaine, en s'appuyant sur la recherche en psychologie du développement de l'enfant. Considérant l'apprentissage non formel comme un contexte idéal pour engager les jeunes esprits (Higgins, 2015), nous mesurons l'engagement de manière globale, en tenant compte des critères cognitifs, émotionnels et comportementaux. Cela nous permet de nous assurer que nos spectacles trouvent un écho profond auprès de notre jeune public.

Cette expérience permettra aux tout-petits de participer activement à la création d'une œuvre collective en compagnie de leurs parents, et de découvrir différents sons. Cette affiche a un double objectif : présenter des spectacles documentés adaptés aux tout-petits et souligner les éléments clés qui serviront de base à la création de notre expérience musicale percussive immersive.

J'insiste et j'explique l'importance de l'apprentissage non formel comme toile de fond idéale pour des spectacles engageants et enrichissants pour les enfants (Higgins, 2015).

In recent years, several initiatives have been launched with the aim of making the performing arts more accessible to young children. All over the world, workshops and concerts for young audiences (0-6 years) are now being offered, in which young and old are invited to move, sing, and manipulate musical instruments (Dyonissiou and Fytika, 2017; Ben Moshe and Gluchankof, 2022). These early musical experiences allow children to be introduced to different modes of artistic expression (in particular, music), to (re)discover songs from their folklore, to appreciate new musical works and to learn, in a non-formal way (Creech et al., 2020), a context ideally suited for children's performances (Higgins, 2015). Although some studies indicate that children respond well to different musical styles (Dionyssiou and Fytika, 2017), currently most concerts for young audiences focus on tonal classical music and/or children's music. Yet contemporary music, whether instrumental or electroacoustic, explores different articulations of sound and musical parameters. The aim of this research-creation project is to offer toddlers and their parents an immersive, collective musical experience in the context of contemporary music, based on research into child development psychology. Embracing non-formal learning as an ideal context for engaging young minds (Higgins, 2015), we measure engagement comprehensively, considering cognitive, emotional, and behavioral criteria. This ensures our performances deeply resonate with our young audience. This experience will enable toddlers to actively participate in the creation of a collective work in the company of their parents, and to discover different sounds. This poster serves a dual purpose: to showcase documented performances tailored for toddlers and to outline key components that will serve as the foundation for the creation of our immersive percussive musical experience. I emphasize and will explain the significance of non-formal learning as the ideal backdrop for engaging and enriching performances for children (Higgins, 2015).

l L'esthétique percussive dans les jeux vidéo - son évolution en termes de timbre et de fonction. / Percussive Aesthetics in Video Games – Its Evolution in Timbre and Function.

Joseph Chang – McGill University La percussion est définie comme un son produit lorsqu'un objet en frappe un autre. Cet acte de frappe permet aux auditeurs de percevoir des informations dans le temps musical. De même, les premiers effets sonores des jeux vidéo transmettaient des informations auditives au joueur dans le cadre de leur jeu. Ces sons, de nature percussive, se retrouvaient dans les flippers, Pong, les salles d'arcade et les jeux de console de salon. Les parallèles entre les instruments à percussion et les effets sonores en tant que forme de "bruit artistique" ont conduit les compositeurs et les programmeurs de l'ère 8-bits à faire la distinction entre les sons d'instruments à percussion et les effets de percussion. Pour ce faire, ils ont ajusté les qualités timbrales du bruit.

L'analyse du spectrogramme des effets sonores et des bandes sonores de jeux tels que The Legend of Zelda (1986), Tetris (1989), Castlevania (1986) et Mega Man (1987) révèle des différences dans des paramètres tels que les durées et la gamme de fréquences centrales. Avec le développement des méthodes de synthèse sonore à l'ère des 16 bits, les sons des instruments à percussion sont devenus plus nuancés et distincts des effets sonores, et leurs fonctions ont évolué en conséquence. Alors que les instruments à percussion ont continué à contribuer à la couleur musicale des bandes sonores non diégétiques, peu de compositeurs les ont utilisés comme indicateurs auditifs pour informer l'herméneutique du gameplay et de la narration. Karen Collins a déjà mis en évidence des exemples spécifiques, notamment dans le jeu Super Mario World (1990). Un autre exemple essentiel se trouve dans The Legend of Zelda : Ocarina of Time (1998). L'émergence de l'échantillonnage sonore au 21ème siècle brouille les frontières des effets sonores percussifs et leur fonction dans la bande sonore. Dans la série Nier, l'esthétique percussive liée à l'industrie manufacturière devient un motif rythmique qui façonne la musique. Dans Journey (2012), les effets percussifs et les sons des instruments à percussion sont synthétisés en symbiose pour augmenter la couleur texturale de la bande sonore.

Percussion is defined as a sound produced when one object strikes another. This act of striking serves as a means for listeners to perceive information within musical time. Similarly, the earliest video game sound effects conveyed aural information to the player in their gameplay. These sounds were percussive in nature, found in pinball machines, Pong, arcades, and in home console games. The parallels in percussion instruments and sound effects as a form of “artful noise” led composers and programmers in the 8-bit era to distinguish between percussion instrument sounds and percussive effects. This was achieved by adjusting the timbral qualities of noise. Spectrogram analysis in sound effects and soundtracks in games such as The Legend of Zelda (1986), Tetris (1989), Castlevania (1986), and Mega Man (1987) reveals difference in parameters such as durations and central frequency range. As sound synthesis method developed in the 16-bit era, percussion instrument sounds became more nuanced and distinct from sound effects, and their functions evolved accordingly. While percussion instruments continued to contribute as a musical color in non-diegetic soundtracks, few composers employed them as an aural indicator to inform the hermeneutics of gameplay and the narrative. Karen Collins have already highlighted specific examples, notably in the game Super Mario World (1990). Another pivotal example is found in The Legend of Zelda: Ocarina of Time (1998).

The emergence of sound sampling in the 21st century intricately blurs the boundaries of percussive sound effects and its function within the soundtrack. In the Nier series, percussive aesthetics linked to manufacturing industry become rhythmic motives that shape its music. In Journey (2012), the percussive effects and percussion instrument sounds are synthesized in symbiosis to augment the textural color of the soundtrack.

l Espace partagé : Construire une communauté à travers la musique de chambre minimaliste et post-minimaliste pour percussions / Shared Space : Building community through minimalist and post-minimalist percussion chamber music Dr. Jamie Drake - Queen's Université Dans sa thèse intitulée "The Collegiate Percussion Ensemble : Gendered and Institutional Practices in the American Academy", Haley Jo Nutt fait la distinction entre le style plus masculin de l' "orchestre à percussion" (influencé par la musique symphonique et mettant l'accent sur la grande taille de l'ensemble, la virtuosité et la direction descendante), et le style moins masculin de la musique de chambre "sans frontières", tel qu'incarné par So Percussion et Third Coast Percussion (moins d'interprètes, une plus grande variété de genres et une approche plus collaborative). Dans un ensemble de premier cycle

composé de percussionnistes de différents niveaux, il est à la fois nécessaire et pratique de s'engager dans un répertoire qui soit techniquement et musicalement réalisable pour les étudiants, qui soit gratifiant à interpréter et qui crée un sentiment de communauté parmi les interprètes (c.-à-d. une attention à l'autre et un sentiment partagé d'appartenance à travers un intérêt commun, selon Pfortmuller [2017]) au cours du processus de préparation. Je suggère donc que ce style " sans frontières " est bénéfique pour les percussionnistes de premier cycle, car la nature plus collaborative de cette approche peut mettre l'accent sur des compétences musicales telles que l'écoute empathique, la résolution de problèmes, la communication et la pensée critique, et suggère en outre que l'accent mis sur la musique minimaliste et post-minimaliste peut être un véhicule idéal pour ces objectifs. Ces musiques ont souvent des formes et des schémas harmoniques qui peuvent être déchiffrés sans analyse compliquée, et ont des parties individuelles qui sont basées sur des schémas (par opposition à des lignes "virtuoses" composées de bout en bout), ce qui les rend plus accessibles aux élèves qui développent encore leurs compétences techniques et de lecture de la musique. En outre, certaines de ces pièces obligent les interprètes à partager un instrument, ce qui les amène à se rapprocher (littéralement et musicalement) de leurs collègues et confère à chacun une plus grande responsabilité en matière de collaboration et de communication au sein de l'ensemble. Je me concentrerai sur trois œuvres pour ensemble à percussion - "Apple Blossom" de Peter Garland (1978), "Shared Space" d'Ivan Trevino (2015) et "Shell" d'Emma O'Halloran (2020) - et j'identifierai les caractéristiques qui, selon moi, en font des œuvres pédagogiques précieuses pour un ensemble à percussion de premier cycle.

In her dissertation “The Collegiate Percussion Ensemble: Gendered and Institutional Practices in the American Academy”, Haley Jo Nutt distinguishes between the more masculine “percussion orchestra” style of percussion ensemble (influenced by symphonic music and with an emphasis on large ensemble size, virtuosity and top-down direction), and the subsequent less masculine “boundaryless” style of chamber music as epitomized by So Percussion and Third Coast Percussion (fewer performers, more variety of genre, and a more collaborative approach). In an undergraduate ensemble with percussionists of varying skill levels, it is both necessary and practical to engage with repertoire that balances feeling technically and musically achievable for students, is rewarding to perform, and that builds a sense of community amongst performers (i.e., a caring about each other and shared feeling of belonging through common interest, as per Pfortmuller [2017]) during the preparation process. I therefore suggest that this “boundaryless” style is beneficial to undergraduate percussionists, as the more collaborative nature of this approach can emphasize musical competencies such as empathetic listening, problem solving, communication and critical thinking, and further suggest that a focus on minimalist and post-minimalist music can be an ideal vehicle for these objectives. These musics will often have forms and harmonic patterns that are decipherable without complicated analysis and have individual parts that are pattern based (versus through composed, “virtuosic” lines), making them more accessible to students still developing technical and music reading skills. Further, some of these pieces require performers to share an instrument, leading them to come closer (literally and musically) to their colleagues, and placing greater responsibility on everyone to collaborate and communicate within the ensemble. I will focus on three works for percussion ensemble - “Apple Blossom” by Peter Garland (1978), “Shared Space” by Ivan Trevino (2015) and “Shell” by Emma O’Halloran (2020) - and identify the characteristics that I believe make them valuable pedagogical works for an undergraduatelevel percussion ensemble.

l Trommelsafari : Enseigner la caisse-claire autrement / Trommelsafari : A new take on teaching snare drum Hermann Aigner & Alexandre Ducharme L'objectif de cette présentation est de parler du livre et de l'application Trommelsafari ainsi que de son impact chez les jeunes percussionnistes débutants. Cet ouvrage regroupe un livre et une application mobile destinée aux jeunes musiciens débutant l’apprentissage des percussions et de la batterie. Le tout se veut aussi un outil indispensable non seulement pour les professeurs de ces instruments, mais aussi pour tous les professeurs de musique de manière générale. Comme bien d’autres méthodes de caisse-claire, le Trommelsafari pourrait passer pour un livre bien ordinaire. Cela dit, c’est en s’y attardant en détail que l’on remarque rapidement que cet ouvrage se démarque par son aspect ludique qui est présent dans les deux outils de travail et ce, sur toute la ligne.

Premièrement, le livre et l’application sont présentés sous la forme d’un safari. L’élève sera amené à découvrir les différentes notions de la caisse-claire en plus de la théorie musicale. L’utilisation d’un recueil de partitions, combiné à des enregistrements audios originaux ainsi qu’un feedback en temps réel via l’application permettra à l’élève de faire des apprentissages

considérables sur le plan musical, théorique et interprétatif. Une première partie de ces apprentissages sont dues aux illustrations d’animaux. Il s’agit de dessins loufoques qui permettent d’attirer l’attention des élèves par des couleurs vives.

Chaque notion étant enseignée dans un ordre logique, l’élève sera donc amené de manière inconsciente à apprendre la théorie en jouant des études de caisse-claire. Par la suite, ces notions seront réinvesties à l’instrument dans un contexte de jeu beaucoup plus musical à l’aide d’enregistrements audios. Les lignes mélodiques des pièces d’accompagnement jouent par ailleurs la même rythmique que la partie de caisse-claire. De cette manière, l’élève se sentira impliqué de manière constante face à son jeu musical. Finalement, le feedback en temps réel de l’application permettra à l’élève de s’améliorer sur deux aspects importants de son travail, soit par sa persévérance ainsi que son écoute envers soi-même. L’application fait en sorte qu’un élève sera en mesure de rester motivé dans ses pratiques et ce, toujours dans une perspective d’amélioration de soi.

L’application émet des symboles en écoutant ce qui est joué afin d’indiquer si l’élève joue les notes en avance, en retard ou bien en même temps que la pulsation prescrite par l’exercice. D’autres outils sont à la disposition des professeurs dont un système de « langage animal » où le système Kodaly est repris de manière très similaire, mais où chaque rythme de base est remplacé par des noms d’animaux. Par exemple, le cas de la ronde où nous dirions « ron-de-lon-gue » serait remplacé par « trompe-d’é-lé-phant». Le tout permet une approche beaucoup plus douce des figures de notes pour les élèves à besoins particuliers. Toutes ces ressources-outils seront d’ailleurs expliquées en détail lors de la conférence ainsi que leur impact direct chez les élèves. Certains cas d’études d’élèves et de professeurs seront présentés afin d’appuyer les bienfaits du Trommelsafari.

The aim of this presentation is to talk about the Trommelsafari book and app, and its impact on young beginner percussionists. Trommelsafari is a book and a mobile application designed for young musicians beginning to learn percussion and drums. It is also an indispensable tool not only for teachers of these instruments, but for all music teachers in general. Like many other snare drum methods, Trommelsafari could pass for an ordinary book. But on closer examination, it quickly becomes clear that this book stands out for its playfulness, which is present in both working tools, right across the board.

Firstly, the book and application are presented in the form of a safari. In addition to music theory, students are introduced to various snare drum concepts. The use of a score book, combined with original audio recordings and real-time feedback via the app, will enable the student to make considerable musical, theoretical and interpretative learnings. A first part of this learning is due to the animal illustrations. The zany drawings are designed to attract students' attention with their bright colors. As each notion is taught in a logical order, the pupil is unconsciously led to learn the theory by playing snare-drum studies. Subsequently, these notions will be reinvested on the instrument in a much more musical playing context, with the help of audio recordings. The melodic lines of the accompaniment pieces play the same rhythm as the snare drum part. In this way, students feel constantly involved in their musical playing. Finally, the application's realtime feedback will enable students to improve two important aspects of their work: perseverance and listening to themselves. The application ensures that students remain motivated in their practices, always with a view to selfimprovement. The application emits symbols as it listens to what is being played, to indicate whether the student is playing the notes early, late or at the same time as the pulse prescribed by the exercise. Other tools available to teachers include an "animal language" system in which the Kodaly system is taken up in a very similar way, but in which each basic rhythm is replaced by animal names. For example, the case of the round where we would say "ron-de-lon-gue" would be replaced by "trompe-d'é-lé-phant". All this makes for a much gentler approach to note figures for students with special needs. All these tools will be explained in detail at the conference, along with their direct impact on students.

Case studies from students and teachers will be presented to support the benefits of Trommelsafari. l Evidence for non-neutral upper limb postures as a risk factor for the development of playing-related musculoskeletal disorders in drummers / Evidence for non-neutral upper limb postures as a risk factor for the development of playing-related musculoskeletal disorders in drummers.

Jessica R. Flammia and Nadia R. Azar Drummer Mechanics & Ergonomics Research (DRUMMER) Lab Department of Kinesiology, University of Windsor Les troubles musculo-squelettiques liés au jeu (TMSLJ) sont très fréquents chez les batteurs, en particulier dans les membres supérieurs. Des données récentes de notre groupe de recherche ont révélé que 68 % des batteurs ont déclaré avoir souffert de

troubles musculo-squelettiques au cours de leur vie, et 59 % d'entre eux ont déclaré avoir souffert de troubles musculosquelettiques au niveau des membres supérieurs au cours de leur vie. Les diagnostics les plus fréquents sont la tendinite et le syndrome du canal carpien. La posture non neutre et la répétition sont des facteurs de risque connus pour ces deux types de lésions professionnelles, mais l'exposition des batteurs à ces facteurs de risque n'a jamais été examinée. Les répétitions impliquées dans le jeu de la batterie sont facilement visibles à l'œil nu, mais la capture des mouvements permet une caractérisation plus précise des postures des membres supérieurs impliquées. L'objectif est de décrire les schémas de mouvement tridimensionnels des articulations du poignet, du coude et de l'épaule de batteurs expérimentés à l'aide de données cinématiques collectées via le système de capture de mouvement Xsens MVN Awinda™. Les participants ont joué 4 chansons sur une batterie standardisée. Les historiques angle-temps des articulations pour les axes primaires de rotation des articulations des membres supérieurs ont été exportés. Cette étude a démontré que la pratique de la batterie implique une répétition importante et l'adoption fréquente et prolongée de postures non neutres des articulations du poignet et de l'épaule. Cette étude a démontré que la pratique de la batterie implique une répétition importante et l'adoption fréquente et prolongée de postures non neutres des articulations du poignet et de l'épaule, ce qui confirme les résultats antérieurs concernant les taux élevés de TMSLJ des membres supérieurs chez les batteurs et les diagnostics de TMSLJ les plus courants (tendinite et syndrome du canal carpien), et suggère un mécanisme potentiel de développement des blessures. Les différences bilatérales dans le temps passé dans des postures d'épaule non neutres et dans l'extension de l'épaule pourraient être attribuées au style de jeu charleston/caisse-claire en position croisée et au positionnement des cymbales charleston. Les résultats de cette étude peuvent être utilisés pour étayer les recommandations relatives à la configuration de la batterie afin d'aider les batteurs à réduire leur risque de développer des TMSLJ des membres supérieurs.

Playing-related musculoskeletal disorders (PRMDs) are very common in drummers, especially in the upper limbs. Recent data from our research group revealed that 68% of drummers reported a lifetime history of PRMD, and 59% reported a lifetime history of PRMD in the upper limb. The most reported injury diagnoses were tendinitis and carpal tunnel syndrome. Non-neutral posture and repetition are known risk factors for both occupational injuries, but drummers’ exposures to these risk factors have never been examined. The repetitions involved in drumming are readily visible to the naked eye, but motion capture would enable more precise characterization of the upper limb postures involved. The aim is to describe the three-dimensional movement patterns of the wrist, elbow, and shoulder joints of experienced drummers using kinematic data collected via the Xsens MVN Awinda™ motion capture system. Participants played 4 songs on a standardized drum kit. Joint angle-time histories for the primary axes of rotation of the upper-limb joints were exported. From these, the total ranges of motion, average, minimum, and maximum joint angles, and the percent of playing time spent in pre-defined joint angle ranges were calculated.

This study demonstrated that drumming involves substantial repetition and frequent/prolonged adoption of non-neutral postures of the wrist and shoulder joints. This supports previous findings of high rates of upper limb PRMDs in drummers and their most common PRMD diagnoses (i.e., tendinitis and carpal tunnel syndrome), and suggests a potential mechanism for injury development. Bilateral differences in the amount of time spent in non-neutral shoulder postures and in shoulder extension could be attributed to the closed-handed hi-hat/snare playing style and the positioning of the hi-hats. The results of this study can be used to support recommendations for drum kit setup to help drummers to reduce their risk of developing upper limb PRMDs.

l Un ensemble de choses : Vers une ontologie désanthropocentrique de la percussion / An Ensemble of Things: Towards a De-Anthropocentric Ontology of Percussion Michael Jones - University of California, San Diego Dans mon travail, je soutiendrai que l'instrumentalité de la percussion, comprise par Steven Schick comme une ontologie en tant qu'action, est une ontologie qui centre la subjectivité humaine au milieu d'un monde d'agents non humains. Cette ontologie a, au cours du siècle dernier, joué un rôle important en remettant en question les dogmes instrumentaux, en élargissant les horizons esthétiques et en générant la forme d'art de la percussion occidentale que nous apprécions aujourd'hui. Cependant, à notre époque actuelle de changement climatique, de néocolonialisme et de consommation matérielle effrénée, je soutiens qu'une nouvelle ontologie qui décentre l'humain est nécessaire pour théoriser un monde percussif qui puisse rendre compte de lui-même face à ces crises. De multiples interstices sont présents ici : l'espace entre l'interprète et l'instrument, entre l'instrument et l'œuvre musicale, et entre l'œuvre musicale et la culture, pour n'en citer que quelques-uns. S'inspirant de la phénoménologie féministe et des post-phénoménologies contemporaines telles que le réalisme spéculatif (Harman, Morton) et le nouveau matérialisme (Bennett, Barad, Latour), je soutiens qu'une ontologie de la percussion du XXIe siècle doit rendre

compte non seulement des horizons que présente la percussion, mais aussi des charges et des résistances qui se manifestent à chacun de ces points de contact. Mon article remettra en question l'attitude naturelle de nombreux percussionnistes, qui les positionne comme des radicaux, des révolutionnaires et des explorateurs. Au contraire, je soutiens qu'un percussionniste est mieux compris comme un agent, un objet parmi d'autres, et qu'il est donc limité dans son pouvoir et son efficacité. À partir de cette contrainte, je théorise une pratique plus critique et une plus grande attention à un monde qui n'est pas le nôtre pour le consommer, mais pour le gérer.

My work I will argue that percussion’s instrumentality, understood per Steven Schick as an ontology-as-action, is one that centers human subjectivity amidst a world of non-human agents. This ontology has, for the last century, served an important purpose in questioning instrumental dogma, expanding aesthetic horizons, and generating the Western percussion art form that we now enjoy. However, in our current epoch of climate change, neo-colonialism, and rampant material consumption, I argue that a new ontology that de-centers the human is necessary to theorize a percussive world that can account for itself to these crises. There are multiple interstices present here: the space between performer and implement, between implement and instrument, between instrument and musical work, and between musical work and culture, to name only a few. Drawing from feminist phenomenology and contemporary post-phenomenologies such as speculative realism (Harman, Morton) and new materialism (Bennett, Barad, Latour), I argue that a 21st century ontology of percussion is one that must account for not only the horizons that percussion presents but also the burdens and resistances that take place at each of these points of contact.

My paper will question the natural attitude held by many percussionists, one that positions them as radicals, revolutionaries, and explorers. Instead, I will argue that a percussionist is best understood as one agent; one object, among many, and is thus limited in their power and efficacy. From this constraint, I theorize a more critical practice and a heightened attunement to a world that is not ours to consume, but to steward.

l De l'écorce à l'éclosion : Le point de vue des percussionnistes sur l'efficacité des répétitions de musique de chambre / From Scratch to Hatch : Percussionists’ Perspectives on Effective and Efficient Chamber Music Rehearsal Kairos Percussion Quartet (Bevis Ng, Andrew Busch, Nikki Huang, Thomas Li) – University of Toronto Ce poster identifiera les techniques et stratégies de répétition qui ont permis la réussite de la première de "A Dotted Landscape" (2022) de Chris Mercer - un quatuor à percussion techniquement et musicalement difficile - en moins de 10 heures de répétition.

La littérature sur la musique de chambre a mis en évidence plusieurs techniques et stratégies de répétition qui permettent des répétitions efficaces et efficientes, notamment des répétitions structurées (Davidson et King 2004), une communication efficace (Bishop et Goebl 2016) et un travail d'équipe (Ginsborg 2009). Bien que la littérature actuelle donne un aperçu des techniques et stratégies fondamentales pour la répétition de la musique de chambre, l'accent a surtout été mis sur le quatuor à cordes, qui a une histoire plus longue que la musique de chambre avec percussion dans la musique d'art occidentale. L'étude du processus de répétition de la musique de chambre pour percussion apportera de nouvelles perspectives aux connaissances actuelles sur le sujet, telles que les modes de communication spécifiques à la percussion dans la musique de chambre. Les méthodologies courantes dans la littérature actuelle, notamment l'observation, l'enquête, l'entretien et l'étude de cas, mettent fortement l'accent sur la recherche par le biais d'une perspective à la troisième personne. Cependant, comme l'affirme Davidson (2016), ces méthodologies créent des difficultés pour les artistes-interprètes-chercheurs qui doivent examiner leur propre pratique d'un point de vue situé. La recherche basée sur la pratique sera idéale si l'objectif est d'améliorer sa propre pratique.

Notre recherche, en tant que quatuor interprète, est centrée sur l'auto-réflexion fréquente tout au long du processus de répétition.

En tant que musiciens, cette méthode ne contribue pas seulement à façonner notre pratique individuelle, mais elle fournit également un cadre pour que d'autres musiciens réfléchissent à leur expérience de la musique de chambre sur la base d'une méthode similaire. Nous avons l'intention de présenter nos réflexions écrites documentées de l'année dernière sur l'ensemble du processus de répétition, de la planification à la représentation. En analysant nos propres réflexions sur le processus de répétition, nous avons l'intention de résumer et d'identifier les techniques et stratégies de répétition efficaces que nous avons employées et qui nous ont permis de réussir la première représentation dans un temps de répétition limité.

This poster will identify the rehearsal techniques and strategies that enabled the successful premiere of “A Dotted Landscape” (2022) by Chris Mercer—a technically and musically challenging percussion quartet—within less than 10 hours of rehearsal time. Literature on chamber music has pointed out several rehearsal techniques and strategies that will enable effective and efficient rehearsals, including structured rehearsals (Davidson and King 2004), effective communication (Bishop and Goebl

2016), and contributed team effort (Ginsborg 2009). While the current literature provides insights on the fundamental techniques and strategies for rehearsing chamber music, emphasis has predominantly been on the string quartet, which has a longer history than percussion chamber music in western art music. Studying the rehearsal process of percussion chamber music will bring new perspectives to the current knowledge on the subject, such as percussion-specific ways of communication in chamber music. Common methodologies in current literature including observation, survey, interview, and case-study, have a strong emphasis on research through a third-person perspective. However, as argued by Davidson (2016), those methodologies create difficulties for performer-researchers to examine their own practice from a situated perspective. Practicebased research will be ideal if the goal is to improve one’s practice. Our research, as the performing quartet, is centred around. frequent self-reflection throughout the rehearsal process. As musicians, this method does not only help shape our individual practice, but it also provides a framework for other musicians to reflect on their chamber music experience based on a similar method. We intend to present our documented written reflections from last year on the whole rehearsal process from the planning until the performance. Through analysing our own reflections on the rehearsal process, we intend to summarise and identify the effective rehearsal techniques and strategies we employed that lead us to a successful premier performance within limited rehearsal time.

l Rapport du laboratoire TaPIR de l'Université de Toronto / University of Toronto TaPIR Lab Report Hoi Tong Keung, Tim Roth & Aiyun Huang - University of Toronto, TaPIR Lab Le laboratoire de recherche sur l'intégration des technologies et des performances (TaPIR) présentera une affiche résumant ses activités en 2023. En mai 2023, le laboratoire TaPIR a présenté un concert de compositeurs en résidence comprenant cinq nouvelles œuvres de Chris Dobrian, Nolan Hildebrand, Molly Jones, Steven Lewis et Reilly Spitzfaden. Ces cinq œuvres intègrent des instruments à percussion et utilisent différentes technologies actuelles, notamment le traitement en direct, l'intelligence artificielle, l'interaction vidéo et audio en direct et la comprovisation en temps réel. En novembre 2023, TaPIR Lab a organisé le concert "New Ways for Old Works", qui présentait des œuvres électroacoustiques plus anciennes - en grande partie des œuvres pour percussion - de trois compositrices canadiennes : Norma Beecroft, Micheline Saint-Marcoux et Susan Frykberg. Ce projet vise à mettre à jour et à faire revivre les technologies obsolètes des premiers innovateurs du Canada, en collaboration avec le Centre de musique canadienne et les archives Beecroft de l'Université de Calgary.

The Technology and Performance Integration Research (TaPIR) Lab will present a poster to summarize activities in 2023. In May 2023, TaPIR Lab presented a Composer-in-Residence concert featuring five new works by Chris Dobrian, Nolan Hildebrand, Molly Jones, Steven Lewis, and Reilly Spitzfaden. These five works incorporated percussion instruments and used different current technology including live processing, artificial intelligence, video and audio live interaction, and realtime comprovisation. In November 2023, TaPIR Lab organized the concert “New Ways for Old Works” featuring older electroacoustic—largely percussion—works by three Canadian women composers: Norma Beecroft, Micheline SaintMarcoux, and Susan Frykberg. This project aims to update and revive obsolete technology by early innovators of Canada in collaboration with Canadian Music Centre and Beecroft Archive at the University of Calgary.

l La complexité acoustique du triangle: une analyse spectrale du triangle / The Acoustic Complexity of the Triangle: a spectral analysis of the triangle instrument Andres E. Elizondo Lopez - McMaster University: MAPLE Lab Le triangle est souvent considéré comme un instrument simple, produisant un "ding" clair et distinct que l'on peut entendre dans une salle de concert. Il ne semble pas perturbé par le volume sonore des autres instruments. Nous examinons ici plus en détail les qualités acoustiques uniques de l'instrument triangulaire dans une grande variété de fabricants, de marques, de matériaux et de positions de frappe, en procédant à une analyse spectrale approfondie. Nous avons enregistré chaque son de triangle dans une chambre anéchoïque afin d'isoler tout son excessif et nous avons laissé chaque triangle sonner aussi longtemps que l'instrument résonnait afin de capturer toutes les informations spectrales et temporelles. Nous avons trouvé une large gamme de fréquences qui ne suit pas traditionnellement la séquence harmonique typiquement observée dans d'autres instruments de musique. Ces composantes de fréquence s'estompent individuellement à différents intervalles, modifiant le timbre de l'instrument au fil du temps. Cette complexité des changements d'amplitude spectrale et temporelle confère à

l'instrument des propriétés acoustiques uniques que nous pouvons classer pour permettre aux musiciens de communiquer et de partager leurs qualités musicales.

The triangle instrument is often interpreted as a simple instrument, providing a clear, distinct “ding” sound that can be heard across a music hall. Seemingly unfazed by how loud other instrumental peers seem to get. Here we look deeper into the unique acoustic qualities that the triangle instrument provides across a wide variety of different manufacturers, brands, materials, and striking positions by doing an in-depth spectral analysis. We recorded each triangle tone in an an-echoic chamber to isolate any excess sounds and allowed each triangle to ring as long as the instrument resonated to capture all the spectral and temporal information. We found a wide range of frequencies that does not traditionally follow the harmonic sequence typically seen in other musical instruments. These frequency components individually fade away at different offsets, changing the instruments timbre over time. This complexity of spectral and varied temporal amplitude change gives the instrument unique acoustical properties which we can categorize for musicians to communicate and share musical qualities.

l Le partenaire virtuel: synchronisation sensorimotrice dans la réalité étendue / The virtual clapping partner: sensorimotor synchronization in extended reality Bavo Van Kerrebroeck - McGill University Pour réussir à faire de la musique, il faut communiquer ses intentions expressives et trouver un bon équilibre entre l'anticipation et l'adaptation dans des dynamiques spatiotemporelles et corporelles très fines. Cette activité représente donc un terrain fertile pour tester et valider empiriquement des modèles comportementaux de coordination qui expliquent la synchronisation. Alors que la recherche musicale avec des métronomes auditifs adaptatifs a offert des aperçus fondamentaux sur les processus (neuro)physiologiques qui sous-tendent la synchronisation sensorimotrice, l'introduction d'interactions plus incarnées permettant des indices expressifs ou un miroir de la posture pourrait apporter un éclairage supplémentaire sur les processus spontanés et les stratégies planifiées dans l’exécution musicale. La technologie de la réalité étendue se prête bien à cette tâche, car sa nature numérique permet un contrôle flexible des stimuli, la reproduction des tests empiriques et l'intégration de stimuli humains animés en temps réel. En tant que telle, la recherche intégrant ces agents virtuels incarnés dans des paradigmes de partenaires virtuels a déjà permis d'acquérir des connaissances fondamentales sur les mécanismes de synchronisation des humains coordonnateurs. Cette affiche présente un tel paradigme avec une démonstration au cours de laquelle les visiteurs peuvent jouer "Clapping Music" de Steve Reich avec un partenaire virtuel adaptatif.

Successful music making requires communication of expressive intentions and a healthy balance of anticipation and adaptation in fine-grained spatiotemporal and embodied dynamics. As such, it represents a fertile ground to empirically test and validate behavioral models of coordination that explain synchronization and entrainment. While music research with adaptive auditory metronomes has offered fundamental insights into the (neuro)physiological processes underlying sensorimotor synchronization, introducing more embodied interactions allowing for expressive cues or posture mirroring could shed further light on the spontaneous processes and planned strategies in successful music making. Extended reality technology is naturally equipped for this task as its digital nature allows for flexible control of stimuli, replication of empirical testing, and integration of real-time, human animated stimuli. As such, research integrating these so-called embodied virtual agents in virtual partner paradigms has already contributed fundamental insights into the synchronization mechanisms of coordinating humans. This poster presents such a paradigm with a demo during which visitors can perform "Clapping Music"

by Steve Reich together with an adaptive virtual partner.

l Visualisation des différences entre les crashs de cymbales brillants et sombres / Visualizing differences between bright and dark cymbal crashes Connor Wessel – McMaster University, MAPLE Lab Le timbre des instruments peut être contrasté sur plusieurs dimensions. Prenons l'exemple de la luminosité perçue (McAdams, 2019) : les instruments " lumineux " tels que la trompette ont tendance à produire des sons étroits et perçants, et sont plus susceptibles d'occuper un registre aigu. À l'inverse, les instruments " sombres " comme le trombone ont tendance à produire des sons larges et moelleux, et penchent vers les registres graves (Saitis & Siedenburg, 2020). Il existe de nombreuses différences structurelles et spectrales qui définissent les sons que les instruments peuvent produire, et celles-ci intéressent les musiciens qui

cherchent à produire des sons spécifiques dans leurs performances et leurs compositions. Alors que les musiciens ont souvent une intuition de ces différences, mon affiche définira certaines de ces différences à un niveau physique en présentant des visualisations des informations acoustiques au sein des frappes de cymbales. À cette fin, j'utiliserai des enregistrements de frappes de dôme, bord et de surface sur des cymbales frappées, qui possèdent chacune des timbres uniques bien qu'il s'agisse du même instrument. Les spectrogrammes et autres visualisations montreront comment chacun de ces sons diffère sur des dimensions acoustiques telles que la distribution de l'énergie et des fréquences individuelles. Les interprétations ultérieures de ces différences peuvent ensuite être comparées au paysage sonore des contextes d'exécution typiques. Grâce à ces informations, j'espère pouvoir aider les percussionnistes à adapter les différents instruments et frappes au timbre global de leurs performances et à clarifier les distinctions acoustiques derrière la terminologie couramment utilisée par les percussionnistes (c'est-à-dire les collisions "sombres" contre "lumineuses" ; les sons "épicés" contre "moelleux", etc.)

The timbre of instruments can be contrasted on several dimensions. Consider perceived brightness as an example (McAdams, 2019): ‘bright’ instruments such as the trumpet tend to produce narrow, piercing sounds, and are more likely to occupy a high register. Conversely, ‘dark’ instruments such as the trombone tend to produce broad, mellow sounds, and skew towards low registers (Saitis & Siedenburg, 2020). There are numerous structural and spectral differences that define the sounds instruments can produce, and these are of interest to musicians looking to produce specific sounds in their performances and compositions. While musicians often have an intuition for these differences, my poster will define some of these differences on a physical level by presenting visualizations of the acoustic information within cymbal strikes. To this end, I will use recordings of bell, shoulder, and tip strikes on crash cymbals, which each possess unique timbres despite all being the same instrument. Spectrograms and other visualizations will display how each of these sounds differ on acoustic dimensions such as the distribution of energy and of individual frequencies. Subsequent interpretations of these differences can then be compared to the soundscape of typical performance contexts. Through this information, I hope to provide insight to percussionists on fitting different instruments and strikes to the overall timbre of their performances and help clarify the acoustical distinctions behind commonly used terminology used by percussionists (i.e., “dark” vs “bright” crashes; “spicy” vs. “mellow” sounds, etc.).

16 :50 – 18 :00 Développment des communautés / Community Building - Salle Tanna Schulich Hall Modérateur / Moderator: Shawn Mativetsky l Construire une communauté de percussion dans les Prairies : Une analyse des stratégies pédagogiques pour l'enseignement de la percussion / Building a Prairie Percussion Community : An analysis of pedagogical strategies for percussion education Victoria Sparks, Sage Helgason- Stoyanowski, Dr. Jody Stark - University of Manitoba Victoria Sparks et Sage Helgason-Stoyanowski ont la volonté et la détermination de promouvoir l'expression créative chez les percussionnistes de tous âges, et de développer leur confiance en soi dans le domaine du jeu l'instrument, qui grandira au fur et à mesure que les élèves atteindront les années de collège et de lycée. Sparks a créé le Prairie Percussion Workshop en 2012.

Il s'agit d'un atelier axé sur les compétences, qui vise à donner aux élèves du collège et du lycée l'occasion de développer leurs capacités techniques dans une gamme complète de domaines d'étude de la percussion, dans un environnement divertissant et engageant. Mme Helgason-Stoyanowski étudie l'éducation musicale en tant que percussionniste classique depuis quatre ans, ce qui l'a rendue curieuse des différentes façons dont les instruments à percussion peuvent être utilisés dans les classes de musique élémentaire. Elle a pu mener une étude comparative sur Orff-Schulwerk et les Louisville Leopards afin de mieux comprendre les méthodes d'enseignement des éducateurs musicaux. Ensemble, Sparks et Helgason-Stoyanowski examineront un historique de dix ans des élèves participants et les commentaires des parents, ainsi que les transcriptions d'entretiens semistructurés avec des professeurs de musique et des notes d'observation. Les résultats explorent la construction de l'identité des éducateurs musicaux, leurs connaissances pratiques personnelles et l'importance de l'enseignement de la percussion dans les salles de classe et les programmes communautaires. Sparks et Helgason-Stoyanowski s’intéressent à l'accessibilité de la percussion en matière d'éducation musicale et croient que la transférabilité des compétences rend la percussion accessible à la plupart des gens en très peu de temps. Grâce à l'atelier annuel de percussion des Prairies et à un nouveau programme

d'ensemble de percussion pour enfants, elles espèrent encourager les élèves à continuer à faire de la musique et de la percussion une partie de leur vie, quelle que soit leur activité au-delà des années scolaires. Ce faisant, elles s'efforcent de répondre à la question suivante : comment les éducateurs peuvent-ils contribuer à changer l'impression que la percussion reste hors d’atteinte, cachée derrière une barrière mythique ?

Victoria Sparks and Sage Helgason-Stoyanowski are curious and committed to promoting creative expression in percussionists of all ages and developing confidence in the instrument area that will grow as students reach their middle and high school years. Sparks established the Prairie Percussion Workshop in 2012 as a skill-based workshop, focused on giving percussion students in middle and high school the opportunity to develop their technical abilities on a full range of percussion areas of study in a fun and engaging environment. Helgason-Stoyanowski has been studying music education as a classical percussionist for the past four years which made her curious about the various ways that percussion instruments can be used in elementary music classrooms. She was able to conduct a comparative study on Orff-Schulwerk and the Louisville Leopards to better understand the ways in which music educators teach. Together, Sparks and Helgason-Stoyanowski will look at a 10year history of student participants and feedback from parents as well as transcripts from semi-structured interviews with music educators and observation notes. The findings explore music educators’ construction of identity, personal practical knowledge, and the importance of percussion education in classrooms and community programs. Sparks and HelgasonStoyanowski are drawn to the accessibility of percussion when it comes to music education and believe that the transferability of skills makes percussion accessible to most people in a very short amount of time. Through the annual Prairie Percussion Workshop and a new children’s percussion ensemble program, they hope to encourage students to keep music and percussion performance a part of their lives through any of their pursuits beyond their school years. By doing this, they are working towards answering the question: how can educators help to change the impression that percussion is being hidden behind a mythical barrier?

l Espace partagé : Construire une communauté à travers la musique de chambre minimaliste et post-minimaliste pour percussion / Shared Space : Building community through minimalist and post-minimalist percussion chamber music Dr. Jamie Drake - Queen's University Dans sa thèse intitulée " The Collegiate Percussion Ensemble: Gendered and Institutional Practices in the American Academy", Haley Jo Nutt fait la distinction entre le style plus masculin de l' "orchestre de percussion" (influencé par la musique symphonique et mettant l'accent sur la taille du grand ensemble, la virtuosité et la direction descendante) et le style moins masculin de la musique de chambre "sans frontière" tel qu'il est incarné par So Percussion et Third Coast Percussion (moins d'interprètes, une plus grande variété de genres et une approche plus coopérative). Dans un ensemble de premier cycle avec des percussionnistes de différents niveaux de compétence, il est à la fois nécessaire et pratique de s'engager dans un répertoire qui équilibre le sentiment d'être techniquement et musicalement réalisable pour les étudiants, qui est gratifiant à interpréter et qui crée un sentiment de communauté parmi les interprètes (c'est-à-dire une attention à l'autre et un sentiment partagé d'appartenance grâce à un intérêt commun, selon Pfortmuller [2017]) au cours du processus de préparation. Je suggère donc que ce style " sans frontière " est bénéfique pour les percussionnistes de premier cycle, car la nature plus collaborative de cette approche peut mettre l'accent sur des compétences musicales telles que l'écoute empathique, la résolution de problèmes, la communication et la pensée critique, et suggère en outre que l'accent mis sur la musique minimaliste et post-minimaliste peut être un véhicule idéal pour ces objectifs. Ces musiques ont souvent des formes et des motifs harmoniques qui peuvent être déchiffrés sans analyse compliquée, et ont des parties individuelles qui sont basées sur des motifs (par opposition à des lignes "virtuoses" composées de bout en bout), ce qui les rend plus accessibles aux élèves qui développent encore leurs compétences techniques et de lecture de la musique. De plus, certaines de ces pièces exigent que les interprètes partagent un instrument, ce qui les amène à se rapprocher (littéralement et musicalement) de leurs collègues et à confier à chacun la responsabilité de collaborer et de communiquer au sein de l'ensemble. Je me concentrerai sur trois œuvres pour ensemble à percussion - "Apple Blossom" de Peter Garland (1978), "Shared Space" d'Ivan Trevino (2015) et "Shell" d'Emma O'Halloran (2020) - et j'identifierai les caractéristiques qui, selon moi, en font des œuvres pédagogiques précieuses pour un ensemble à percussion de premier cycle.

In her dissertation “The Collegiate Percussion Ensemble: Gendered and Institutional Practices in the American Academy”, Haley Jo Nutt distinguishes between the more masculine “percussion orchestra” style of percussion ensemble (influenced by symphonic music and with an emphasis on large ensemble size, virtuosity and top-down direction), and the subsequent less masculine “boundaryless” style of chamber music as epitomized by So Percussion and Third Coast Percussion (fewer performers, more variety of genre, and a more collaborative approach). In an undergraduate ensemble with percussionists of varying skill levels, it is both necessary and practical to engage with repertoire that balances feeling technically and musically achievable for students, is rewarding to perform, and that builds a sense of community amongst performers (i.e. a caring about each other and shared feeling of belonging through common interest, as per Pfortmuller [2017]) during the preparation process.

I therefore suggest that this “boundaryless” style is beneficial to undergraduate percussionists, as the more collaborative nature of this approach can emphasize musical competencies such as empathetic listening, problem solving, communication and critical thinking, and further suggest that a focus on minimalist and post-minimalist music can be an ideal vehicle for these objectives. These musics will often have forms and harmonic patterns that are decipherable without complicated analysis and have individual parts that are pattern based (versus through composed, “virtuosic” lines), making them more accessible to students still developing technical and music reading skills. Further, some of these pieces require performers to share an instrument, leading them to come closer (literally and musically) to their colleagues, and placing greater responsibility on everyone to collaborate and communicate within the ensemble. I will focus on three works for percussion ensemble - “Apple Blossom” by Peter Garland (1978), “Shared Space” by Ivan Trevino (2015) and “Shell” by Emma O’Halloran (2020) - and identify the characteristics that I believe make them valuable pedagogical works for an undergraduate-level percussion ensemble.

l Explorer la régénération à travers la lentille de la recherche-création : Une enquête sur la danse et la percussion / Exploring Regeneration Through the Lens of Research-Creation : An inquiry into dance and percussion Gina Ryan - Université du Québec à Montréal La recherche artistique, ou recherche-création, est un objectif à travers lequel nous pouvons développer notre production de connaissances et étendre les méthodes de recherche à travers la pratique artistique (Huber et al., 2021). Born (2021) problématise la recherche artistique en la situant par rapport à la recherche musicale et en s'intéressant aux formes interdisciplinaires. Elle fait également référence au questionnement de Borgdorff sur la recherche artistique qui intègre " des questions et des sujets provenant de domaines plus larges de la vie " (Borgdorff, 2016, cité dans Born, 2021, p.42). Les percussionnistes et les danseurs ont longtemps travaillé ensemble dans divers contextes et genres musicaux, et la nature inter(ou intra-) disciplinaire de la collaboration entre danse et musique, en particulier entre danse et percussion, nous permet de repousser les frontières et de brouiller les rôles entre le danseur et le percussionniste. Lorsque les mouvements du percussionniste et les sons du danseur contribuent à une œuvre, comment ce double rôle influe-t-il sur la création et l'interprétation, et sur la compréhension de l'autre ? Quelles tensions peuvent être ressenties dans le processus de création ?

Comme le souligne Lilja dans son essai sur la recherche artistique, "l'objet de la recherche artistique est l'art" (2021, p.28). À travers la co-création de " L'eau au ciel ouvert ", une œuvre pour vibraphone, crotales, eau, plaque métallique, tuyaux métalliques et geste, nous explorons la mise en lumière des cours d'eau, qui est l'acte de restaurer un cours d'eau ouvert pour permettre l'accès à la lumière du jour en supprimant les barrières, telles que le béton et d'autres éléments de couverture, afin d'améliorer les conditions écologiques. Que signifie donner à un cours d'eau un accès à la lumière ? Nous explorons cette notion d'un point de vue biologique et métaphorique par le biais de l'art : que signifie, au niveau individuel, pour l'être humain, le fait d'enlever des couches, d'exposer son vrai moi ? Nous analysons en outre le processus créatif qui se situe à l'intersection de la danse et du geste / de la musique et du son en répondant à ces questions. Le contexte général de ce projet est la coconceptualisation et la production de "Régénération : Murmures d'espoir" avec la chorégraphe et danseuse québécoise Josiane Fortin, en préparation du festival télématique Earth Day Art (EDAM) en 2023.

Artistic Research, or recherche-création, is a lens through which we can develop our knowledge production and extend research methods through artistic practice (Huber et al., 2021). Born (2021) problematizes Artistic Research by situating it in relation to Music Research with a look at interdisciplinary forms. She further references Borgdorff’s questioning of Artistic Research that integrates “questions and topics from broader areas of life” (Borgdorff, 2016, as cited in Born, 2021, p.42).

Percussionists and dancers have long worked together in various musical contexts and genres, and the inter- (or intra-) disciplinary nature of dance and music collaboration, in particular dance and percussion, allows us to push boundaries and

blur roles between dancer and percussionist. When the percussionist’s movements and the dancer’s sounds contribute to a work, how does this dual role inform creation and performance, and understanding of the other? What tensions may be experienced in the creative process? As Lilja points out in her essay on Artistic Research, “the object of artistic research is art” (2021, p.28). Through the co-creation of « L’eau au ciel ouvert », a work for vibraphone, crotales, water, metallic plate, metal pipes and gesture, we explore daylighting streams, which is the act of restoring an open stream to allow access to daylight by removing barriers, such as concrete and other cover elements, to improve ecological conditions. What does it mean to give a stream access to light? We explore this notion in a biological sense and metaphorically through art: what does it mean on an individual level, for the human being, to remove layers, to expose one’s true self? We further analyze the creative process that is at the intersection of dance and gesture / music and sound by responding to these questions. The overarching context of this project is the co-conceptualisation and production of “Regeneration: Whispers of hope” with Quebec choreographer and dancer Josiane Fortin in preparation for the Earth Day Art Telematic Festival (EDAM) in 2023.

18:00 – 20:00 Pause Souper – Supper break 20:00-21:15 Concert 1 - McGill Percussion Ensemble - Salle Pollack Hall Directrice / Director: Kristie Ibrahim SUMMONS Kyoto (2011) de /by John Psathas (b. 1966) Joseph Chang · Antonin Granier · Zhuying Li · Theodore Lysyk · Tate Orlita Trois Rivières (1994) de /by Kaija Saariaho (1952-2023) Joseph Chang · Antonin Granier · Theodore Lysyk · Tate Orlita White Knuckle Stroll (2010/2014) de /by Casey Cangelosi (b. 1982) Theodore Lysyk (solo) · William Barbieri · Antonin Granier · Tate Orlita · Stuart Jackson Summons (2003) de/by Nicholas Papador (b. 1972) Manuel Tovar Lòpez (solo) · Polychronia Aretakis · William Barbieri · Joseph Chang · Aaron Carrera Lopez · Tate Orlita · Amanda Wolschleger · Sturat Jackson

Vendredi 26 janvier 2024 /Friday, January 26, 2024 9 :00 - 10 :45 Improvisation et exploration / Improvisation and exploration – Salle Tanna Schulich Hall Modérateur / Moderator: Mark Adams l Intégration de l'harmonie et de l'improvisation sur les claviers à percussion / Integration of Harmony and Improvisation on Keyboard Percussion Jérémie Carrier - Université Laval En tant que percussionniste, nous devons apprendre et comprendre de multiples instruments ainsi que des concepts relatifs à ces instruments tels que l'harmonie dans le cas des percussions à clavier. Jérémie Carrier démontrera son approche de la compréhension de l'harmonie sur les percussions à clavier, comment cette connaissance peut nous aider avec les parties de percussions à clavier et nous guider dans le choix des notes dans les contextes d'improvisation. Gary Burton a souvent dit que lorsqu'il regarde le clavier, c'est comme si les bonnes notes s'allumaient et qu'il n'avait qu'à choisir entre ces notes pour créer ses improvisations légendaires. Au cours de mes nombreuses années en tant que joueur de percussions au clavier, cette perspective du clavier s'est avérée essentielle.

As percussionist, we must learn and understand multiple instruments as well as concepts relating to those instruments such as Harmony in the case of keyboard percussion. Jérémie Carrier will demonstrate his approach to understanding harmony on our keyboard percussion and how this knowledge can help us with keyboard percussion parts and guide us in proper note choice in improvisation contexts. Gary Burton often said when he looks at the keyboard, it is as if the right notes light up and he simply has to choses between these notes to create his legendary improvisations. In my many years as a keyboard percussion player, this perspective of the keyboard has been essential.

l Intégration du logiciel Mosaïque dans le processus de création musicale en musique improvisée / Integrating Mosaïque software into the improvised music creation process João Catalão & Dominic Thibault - Université de Montréal

Depuis 2009, le duo Catalão-Thibault se consacre à une pratique artistique combinant percussions et technologie avec un intérêt particulier pour l’interprétation expressive des musiques mixtes. Les recherches entreprises dans le cadre de cette collaboration ont nettement influencé leurs carrières artistiques respectives. Leur recherche-création a progressivement évoluée, commençant par une création musicale mixte d’ordre traditionnelle, avec une notation fixe et l'utilisation de sons préenregistrés sur bande. Au cours des dernières années, le duo valorise une exploration musicale libre où l'improvisation sur des structures musicales préétablies s’accomplie à l’aide de matériaux sonores pré-composés avec le but de fusionner les sonorités acoustiques des percussions avec l'univers électronique. Cette évolution a également inclus l'exploration des modes de notation visant à intégrer l'improvisation dans la composition musicale contemporaine. Avec le présent projet, le duo approche la création pour vibraphone et synthétiseur analogique de façon unique ; il explore le potentiel expressif de la synthèse concaténative par corpus grâce au logiciel Mosaïque. Développé au Laboratoire formes · ondes avec le soutien du FRQSC, ce logiciel novateur permet la génération d’éléments sonores issus d’une large collection de son organisés en fonction de leur similarité timbrale. L’outil ouvre ainsi de nouvelles perspectives pour la création d'un vocabulaire timbral unique, fusionnant les caractéristiques sonores des percussions avec celles de la synthèse analogique. L'utilisation de microphones piézoélectriques sur le vibraphone autorise la création d'informations MIDI en temps réel, transformant le vibraphone en contrôleur du dispositif et offrant une synchronisation parfaite entre les sons. Cette approche permet de générer de nouvelles sonorités par la synthèse additive en temps réel, offrant une expérience de traitement sonore immersive. Le logiciel Mosaïque propose également une interface graphique novatrice, conçue par Dominic et son équipe de recherche, facilitant l'interaction avec les matériaux timbraux collectés, enrichissant ainsi le processus créatif en laboratoire. Pour cette conférence-démo, le duo présentera d’abord une courte improvisation sur structure explorant les timbres dans leur fusion et leur ségrégation.

Ensuite, le duo expliquera les contraintes techniques de leur dispositif menant à une telle production musicale

Since 2009, the Catalão-Thibault duo has devoted itself to an artistic practice combining percussion and technology, with a particular interest in the expressive interpretation of mixed music. The research undertaken as part of this collaboration has clearly influenced their respective artistic careers. Their research-creation has progressively evolved, starting with traditional mixed music creation, with fixed notation and the use of pre-recorded sounds on tape. In recent years, the duo has developed a free musical exploration in which improvisation on pre-established musical structures is accomplished with the aid of precomposed sound materials, with the aim of fusing the acoustic sonorities of percussion with the electronic sound-world. This evolution has also included the exploration of notation modes aimed at integrating improvisation into contemporary musical composition. With the present project, the duo takes a unique approach to creation for vibraphone and analog synthesizer, exploring the expressive potential of concatenative corpus synthesis using Mosaïque software. Developed at the Laboratoire formes - ondes with the support of the FRQSC, this innovative software enables the generation of sound elements from a large collection of sounds, organized according to their timbral similarity. The tool thus opens new perspectives for the creation of a unique timbral vocabulary, fusing the sound characteristics of percussion with those of analog synthesis. The use of piezoelectric microphones on the vibraphone enables the creation of MIDI information in real time, transforming the vibraphone into the device's controller and offering perfect synchronization between sounds. The Mosaique software also features an innovative graphical interface, designed by Dominic and his research team, which facilitates interaction with the timbral material collected, enriching the creative process in the laboratory. For this conference-demo, the duo will first present a short improvisation on structure exploring timbres in their fusion and segregation. Then, the duo will explain the technical constraints of their device leading to such a musical production.

l Des idées, pas des théories - Bicycle Beats / Ideas, Not Theories- Bicycle Beats Reynaliz Herrera – IDEAS, NOT THEORIES Reynaliz Herrera est une percussionniste, compositrice, productrice et éducatrice née au Mexique et basé à Boston. Le travail musical de Reynaliz se concentre largement sur l'utilisation du vélo comme instrument de musique. Son processus créatif et son objectif ont été d'explorer et de rechercher les capacités du vélo musical. Reynaliz compose pour les vélos et joue sa propre musique de vélo depuis 11 ans. Ce faisant, elle a exploré et étudié le vélo musical de différentes manières : elle a étudié sa large gamme de sonorités, les similitudes/différences sonores trouvées dans différents types de vélos, l'utilisation du vélo dans différents styles et formats musicaux, et bien d'autres choses encore. Elle a appliqué les recherches susmentionnées à ses propres compositions et interprétations de bicyclettes et, en même temps, ses processus de composition et d'interprétation ont rétroactivement éclairé ses recherches. Pour The Space Between 2024, Reynaliz Herrera interprétera sa composition intitulée : "Ideas, Not Theories - Bicycle Beats" : une performance musicale de 12 min d'un morceau de percussion solo écrit pour vélo, qui incorpore quelques éléments théâtraux et du théâtre physique. Composée et interprétée par Reynaliz Herrera, la performance comporte différentes sections de musique, chacune explorant les différentes sonorités du vélo musical (tubes du cadre, roue, plateau, rayons, guidon, siège, etc.) et chacune d'entre elles s'inspirant de rythmes du monde tels que la samba afro-cubaine et brésilienne, combinés à certaines techniques de composition telles que les polyrythmies. La pièce est une œuvre entièrement composée. En 2012, Reynaliz a fondé IDEAS, NOT THEORIES, une compagnie de percussion théâtrale et expérimentale pour instruments non conventionnels qui propose plusieurs programmes présentant les compositions originales de Reynaliz Herrera pour vélos et autres instruments non conventionnels (par exemple, eau, robinet et percussion corporelle, pulvérisateurs, brosses, etc). Grâce à la compagnie, Reynaliz interprète continuellement ses propres compositions et programmes, dont certains comprennent : "BIKEncerto : un concerto pour vélo solo et orchestre", un "Bicycle Orchestra", un "Bicycle Rock Band", et un "Full Staged Show".

Reynaliz Herrera is a mexican-born and Boston-based percussionist, composer, producer and educator. Reynaliz’s musical work focuses extensively on the use of the bicycle as a musical instrument. Her creative process and goal have been to explore and research the musical bike’s capabilities. Reynaliz has been composing for bicycles and performing her own bicycle music for the last 11 years. By doing this, she has explored and researched the musical bike in different ways: researched its wide range of sonorities, the sonic similarities/differences found in different bicycle types, the use of the bicycle in different musical styles and formats, and more. She has applied the above research to her own bicycle compositions and performances, and at

the same time, her compositional-performance processes have retroactively informed her research. For The Space Between 2024, Reynaliz Herrera will perform her composition entitled: “Ideas, Not Theories- Bicycle Beats”: a 12 min musical performance of a solo percussion piece written for bicycle, which incorporates some theatrical elements and physical theater.

Composed and performed by Reynaliz Herrera, the performance features different sections of music, each exploring the different sonorities of the musical bike (frame tubes, wheel, chainwheel, spokes, handlebar, seat etc) and each of them inspired by world rhythms such as Afro-cuban and brazilian samba, combined with some composition techniques such as polyrhythms.

The piece is a through-composed work.In 2012 Reynaliz founded IDEAS, NOT THEORIES, a theatrical and experimental percussion company for unconventional instruments that offers several programs featuring Reynaliz Herrera's original compositions for bicycles and other unconventional instruments (e.g water, tap and body percussion, sprayers, brushes, etc).

Through the company, Reynaliz continuously performs her own compositions and programs, some of them include: “BIKEncerto: a concerto for solo bicycle and orchestra”, a “Bicycle Orchestra”, a “Bicycle Rock Band”, and a “Full Staged Show”. l L'instrumentarium Baschet comme source d'exploration sonore / The Baschet instrumentarium as a source of sound exploration Gina Ryan - Université du Québec à Montréal Cette conférence-démonstration présentera les 14 structures sonores créées par les frères Baschet à Paris, en France. Les frères-inventeurs (ingénieur et sculpteur) ont créé une vaste gamme de structures sonores, également connues sous le nom de sculptures sonores, qui ont été utilisées dans les spectacles d'avant-garde, la musicothérapie et l'éducation musicale à partir des années 1950. Les 14 structures sonores appartiennent à l'instrumentarium pédagogique, développé dans les années 1970 (Ryan, Bouchard-Valentine & Karamanos, 2023). Les approches pédagogiques uniques développées par l'association Baschet en France se situent à la fois dans les projets scolaires et dans les projets de sensibilisation. Au cours de la conférencedémonstration, nous explorerons les familles sonores des structures, qui comprennent des instruments à tige de verre, des instruments à cordes et des instruments à percussion, y compris une démonstration de la distinction faite par les Baschet entre les sons toniques, complexes et cannelés (Bouchard-Valentine, 2000). La création musicale collective, l'écoute interactive et la responsabilisation créative sont au cœur du concept des inventeurs (Ryan, Bouchard-Valentine & Karamanos, 2023). Par conséquent, conformément à la nature de la vision des Baschets, la conférence-démonstration se terminera par une exploration sonore collective, les membres du public se joignant à la scène pour expérimenter avec l'instrumentarium Baschet de l'UQAM. This lecture-demonstration will profile the 14 sound structures created by the Baschet brothers in Paris, France. The brotherinventors (engineer and sculptor) created a vast array of sound structures, also known as sound sculptures, which were used in avant-garde performances, music therapy, and music education beginning in the 1950s. The 14 sound structures belong to the pedagogical instrumentarium, which was developed in the 1970s (Ryan, Bouchard-Valentine & Karamanos, 2023). The unique pedagogical approaches developed by the Baschet Association in France are situated in both school and outreach projects. Since the sound sculptures were conceived as multi-sensorial objects, they function as visual-kinesthetic-aural tools to mobilize a range of learners and to facilitate a range of experiences (Cuffini, personal communication).During the lecturedemonstration, we will explore the structures’ sound families, which include glass rod instruments, string instruments, and percussion instruments, including a demonstration of the Baschets' distinction between tonic, complex, and fluted sounds (Bouchard-Valentine, 2000). Collective music-making, interactive listening, and creative empowerment are at the heart of the inventors’ concept (Ryan, Bouchard-Valentine & Karamanos, 2023). Therefore, in keeping with the nature of the Baschets’ vision, the lecture-demonstration will end a collective sound exploration as audience members join on stage to experiment with UQAM’s Baschet instrumentarium set.

10:45 – 11:10 Pause café – Coffee break

11:10 - 12:00 Performances – Salle Pollack Hall l Archets, glissements et wah-wah pour vibraphone / Bows, Bends, and Wah-Wah for Vibraphone Dr. Stephen Solook - Buffalo State University Pour ma présentation, je poursuivrai la présentation de la recherche sur le vibraphone que j'ai proposée lors de la dernière conférence. Au cours de la conférence TSB de 2022, j'ai présenté ma technique de l'archet multiple, la flexion de hauteur vers le haut et les résonateurs externes en donnant des conférences à ce sujet. La présente présentation se concentrera sur la performance afin de donner un contexte musical à ces techniques. Je mettrai également à jour les informations sur le pitch bending avec les nouvelles têtes et manches de baguettes que j'utilise, ainsi que les possibilités incidentes et le type d'archets que j'utilise avec ma technique multi-archets. Les œuvres interprétées utiliseront mes techniques d'archet multiple, de flexion de hauteur et de résonateurs externes. Je présenterai brièvement chaque technique et donnerai des informations actualisées pendant la représentation. Les pièces seront choisies parmi des études publiées et des œuvres inédites.

For my presentation I will follow up on the vibraphone research I presented at the last conference. During TSB in 2022 I introduced my multi-bow technique, upward pitch bending, and external resonators by lecturing on them. This presentation will focus on performance to give musical context for these techniques. I will also update information for pitch bending with the new cores and handles I use along with the accidental possibilities and the type of bows I use with my multi-bow technique. The performed works will use my multi-bow techniques, bending pitches, and external resonators. I will briefly introduce each technique and give updated information during the performance. Pieces will be selected from published etudes and unpublished works.

l Flowing Jérémie Carrier - Université Laval En musique, le rythme est le principal moteur du mouvement. Certains défis rythmiques exigent un état d'esprit concentré et un état de fluidité s'installe. Lorsqu'un interprète a intégré la complexité au point de se libérer de l'esprit analytique, il peut simplement laisser la musique couler à travers lui. Flowing, composé par Jérémie Carrier, est une exploration de cet état d'esprit à travers le concept de subdivision irrégulière. Cet outil de composition est l'un des cinq abordés dans sa thèse de doctorat sur l'intégration des cycles rythmiques irréguliers. Il consiste à diviser le mètre régulier en de multiples cellules irrégulières afin de créer un sentiment de dualité. Le mètre régulier assure la stabilité de la musique tandis que la subdivision irrégulière crée une tension et une pulsation irrégulière au sein de cette même structure.

In music, rhythm is the main driver of movement. Certain rhythmic challenges require a focused mindset, and a state of flow takes over. When a performer has integrated the complexity to the point of freeing themselves of the analytical mind set, they can simply let the music flow through them. Composed by Jérémie Carrier, Flowing is an exploration of this state of mind through the concept of irregular subdivision. This composition tool is one of five addressed in his doctoral thesis on the integration of irregular rhythmic cycles. It consists of dividing regular meter into multiple uneven cells to create a sense duality.

The regular meter providing stability to the music while the irregular subdivision creates tension and an irregular pulse within this same structure.

l Chris Mercer : "Un paysage en pointillés" / Chris Mercer : "A Dotted Landscape" Kairos Percussion Quartet – University of Toronto Chris Mercer, compositeur basé à Chicago, est reconnu notamment pour son travail de recherche et de composition électroacoustique, ainsi que pour ses œuvres instrumentales pour instruments conventionnels modifiés et objets trouvés avec amplification et électronique en direct. Son quatuor pour percussions, A Dotted Landscape, a été créé par le Kairos Percussion Quartet au nom de l'University of Toronto Percussion Ensemble en novembre 2022. Comme son titre l'indique, l'œuvre de douze minutes explore une variété de textures pointillistes colorées à travers les nuances timbrales et la vaste étendue auditive des instruments à clavier percussifs. Tout au long de la pièce, Mercer modifie sa toile musicale par l'exploration et la manipulation des signatures temporelles, des marques de tempo, du rythme et de l'articulation pour créer une performance

fougueuse et imaginative. Chaque interprète apporte un fragment musical tonal et individuel à l'ensemble, où les parties se mélangent et fusionnent pour créer un paysage musical chromatique, ambigu et vibrant. L'utilisation par Mercer de la pédale du vibraphone et du glockenspiel, ainsi que les changements dramatiques de dynamique et d'articulation créent des transitions stimulantes pour le quatuor. En répétant et en jouant cette œuvre, nous nous sommes efforcés d'ajuster unanimement notre toucher et nos articulations pour correspondre à la scène peinte par Mercer. De plus, le choix d'instrumentation de Mercer exige une écoute active de la part des interprètes afin de créer un mélange unifié entre les instruments à clavier secs et résonnants. Le caractère compositionnel de Mercer se manifeste également par des changements stylistiques, une variété texturale et dynamique, et des interjections rythmiques excentriques. Des passages difficiles à l'unisson aux phrases polyphoniques expressives, A Dotted Landscape exige à la fois un sens aigu de la communauté et de l'individualité de la part d’un quatuor de percussion aguerri.

Chicago-based composer Chris Mercer is most notably recognized for his work in electroacoustic research and composition, as well as his instrumental works for modified conventional instruments and found objects with amplification and live electronics. His percussion quartet, A Dotted Landscape, was premiered by the Kairos Percussion Quartet on behalf of the University of Toronto Percussion Ensemble in November of 2022. As its title suggests, the twelve-minute work explores a variety of colourful pointillistic textures through the timbral nuances and vast aural extent of the percussive keyboard instruments. Throughout the piece, Mercer alters his musical canvas through the exploration and manipulation of time signatures, tempo markings, rhythm, and articulation to create a spirited and imaginative performance. Each performer brings a tonal and individualistic musical fragment to the ensemble, where the parts mix and mold together to create a chromatic, ambiguous, and vibrant musical landscape. Mercer’s use of vibraphone and glockenspiel pedaling, along with dramatic changes in dynamics and articulation creates challenging transitions for the quartet. While rehearsing and performing this work, we strived to unanimously adjust our touch and articulations to match the scene that Mercer painted. In addition, Mercer’s choice of instrumentation demands active listening among the performers to create a unified blend between the dry and resonant keyboard instruments. Mercer’s compositional character is also shown in stylistic changes, textural and dynamic variety, and quirky rhythmic interjections. From challenging unison passages to expressive polyphonic phrases, A Dotted Landscape demands both a strong sense of community and individuality from the advanced percussion quartet.

12:00 – 13:45 Pause Dîner – Lunch break

13:45 – 15:30 Percussion et Métal / Percussion and Metal - Salle Tanna Schulich Hall Modérateur / Moderator : Michael Schutz

l Revisiter les cloches-plaques : à la recherche d’une performance assistée par les données / Bell Plates Revisited: The Search for Data-Assisted Performance Darrell Bueckert - University of Saskatchewan Lorsque l'orchestre symphonique de Saskatoon a eu besoin de cinq plaques de cloche pour un concert, Darrell Bueckert et ses collègues ont décidé d'essayer de les fabriquer. Faisant équipe avec un fabricant local de marimba et un mécanicien aéronautique, ils se sont attelés à la tâche plutôt intimidante d'essayer de comprendre comment faire. Après de nombreux essais et erreurs, l'équipe a construit un ensemble de plaques de cloche utilisables qui ont en fait été utilisées pour ce spectacle.

Ces plaques ont été présentées lors de la première conférence "The Space Between" en 2022. À cette occasion, Darrell a décrit le processus de construction et a fait part de ses commentaires sur la façon dont elles fonctionnent réellement en spectacle.

Les problèmes de hauteur et de dynamique ont été soulignés comme des préoccupations du point de vue des interprètes, et la période de questions qui a suivi a clairement montré que nous disposons de très peu d'informations scientifiques sur la façon dont les décisions en matière de performance affectent la façon dont les plaques de cloche vibrent. Guidé par son insatiable curiosité, Darrell a décidé d'apporter ces plaques à la chambre anéchoïque de l'Université de la Saskatchewan pour recueillir beaucoup plus de données sur la façon dont les plaques de cloche vibrent. Au cours de cette session, Darrell décrira son

expérience et partagera ses conclusions. L'objectif est de répondre à des questions telles que celles-ci : Qu'entendons-nous réellement ? Quelles sont les fréquences spécifiques des harmoniques que nous entendons ? Quelle est la relation entre la hauteur fondamentale et les harmoniques ? Comment cela change-t-il lorsque l'on modifie le point de frappe ? Comment cela change-t-il lorsque l'on frappe avec tous les battoirs possibles et imaginables ? En bref, est-il possible de répondre à l'éternelle question de savoir où frapper, comment frapper et avec quoi frapper ?

When the Saskatoon Symphony Orchestra needed five bell plates for one concert, Darrell Bueckert and his colleagues decided to try making them. Teaming up with a local marimba builder and an aircraft mechanic, they set out on the rather daunting task of trying to figure out how to do this. After much trial and error, the team constructed a set of serviceable bell plates that were in fact used for that performance. These plates were presented at the first “The Space Between” conference in 2022 at which time Darrell described the construction process and provided some feedback about how they actually work in performance. Pitch and dynamic issues were highlighted as concerns from the performer’s perspective, and the subsequent question period made it clear that we have very little scientific information about how performance decisions affect how bell plates vibrate. Guided by his insatiable curiosity, Darrell decided to take these plates to the anechoic chamber at the University of Saskatchewan to gather a lot more data about how bell plates vibrate. In this session Darrell will describe his experiment and share his findings. The purpose is to answer questions such as these: What are we actually hearing? What are the specific frequencies of the harmonics are we hear? What is the relationship of fundamental pitch to the harmonics? How does this change when changing the strike point? How does this change when struck with every conceivable beater? In short, is it possible to answer the age-old question of where to hit it, how to hit it, and what to hit it with?

l Façonner le timbre des cymbales / Shaping cymbals timbre (atelier / workshop) Philippe Gauthier Boudreau Au cours de la présentation, Philippe abordera les éléments qui contribuent aux différentes caractéristiques sonores d'une cymbale, tels que la hauteur, la complexité, la résonance et les méthodes qu'il utilise pour parvenir à ces nuances. Les différentes étapes de transformation, d'un disque de bronze brut en un instrument fini, seront aussi démontrées.

During the presentation, Philippe will go through the elements that contribute to the different sound characteristics of a cymbal, such as the pitch, complexity, sustain and the ways to achieve these nuances. The different stages of a cymbal, from a raw bronze disc to a finished instrument, will also be demonstrated.

16 :00 - 17 :00 Analyser le rythme / Analyzing Rhythm - Salle Tanna Schulich Hall Modérateur / Moderator : Benjamin Duinker l La théorie du tambour : Appeler et répondre au "champ percussif" de John Mowitt / Drumming Up Theory : Calling and Responding to John Mowitt’s 'Percussive Field' Daniel Akira Stadnicki - MacEwan University Plus de vingt ans après sa publication, le livre énigmatique de John Mowitt, Percussion (2002), reste unique pour ses recherches expérimentales sur le rythme et la percussion au sens large. Utilisant trois "divisions" d'analyse (musicologique, psychanalytique et sociologique), le texte révèle les dimensions tactiles, sensorielles et matérielles de la percussion, qui traitent toutes du "sujet incarné". Parfois d'une grande portée et conceptuellement désorientant, Mowitt démontre comment une vision large et généreuse des phénomènes percussifs peut produire des directions nouvelles et excitantes dans la théorie critique et culturelle (définie comme "le champ percussif"), mettant en avant la position unique des praticiens et des éducateurs de la percussion comme contributeurs clés à son discours théorique naissant. Alors que Mowitt reconnaît la percussion comme un mode distinct (et corporel) d'engagement avec le monde, les artistes-praticiens peuvent certainement s'identifier à elle, les musicologues et les batteurs-chercheurs n'ont pas encore répondu collectivement à l'invitation du texte à l'émergence d'un "champ" de la théorie percussive. Ainsi, cette présentation explorera le concept multivalent de Mowitt du champ percussif en tant qu'espace collaboratif pour le discours théorique, articulé à travers la lentille de la recherche-création (Loveless 2019 ;

Stévance et Lacasse 2017). En s'appuyant sur mon propre projet auto-théorique " taikoboy99 " - qui présente la batterie comme une technologie distincte de " worlding " (Anderson et Harrison 2010) - cet article fournira des incitations analytiques pour les praticiens qui sont engagés dans la recherche sur la batterie et la percussion, ainsi que des développements récents sur les matérialités du son - y compris la voix (Eidsheim 2015), le timbre (Fink, Latour, et Wallmark 2018), et les études sensorielles (Harris 2018) - qui peuvent aider à revigorer l'appel de Mowitt pour une théorie de la percussion aujourd'hui.

Over twenty years since its publication, John Mowitt’s enigmatic book Percussion (2002) continues to stand alone for its experimental investigations of rhythm and drumming, broadly conceived. Employing three ‘divisions’ of analysis (musicological, psychoanalytical, and sociological), the text reveals the tactile, sensory, and material dimensions of percussion, all of which address “the embodied subject” (20). At times far-reaching and conceptually disorienting, Mowitt demonstrates how a broad and generous view of percussive phenomena can produce new and exciting directions in critical and cultural theory (defined as ‘the percussive field’), foregrounding the unique position of drumming practitioners and educators as key contributors to its nascent theoretical discourse. While Mowitt’s recognition of percussion as a distinct (and corporeal) mode of engaging with the world is one that artist-practitioners can surely identify with, musicologists and drummer-scholars alike have yet to collectively respond to the text’s invitation for a ‘field’ of percussive theory to emerge. As such, this presentation will explore Mowitt’s multivalent concept of the percussive field as a collaborative space for theoretical discourse, articulated through the lens of research-creation (Loveless 2019; Stévance and Lacasse 2017). Drawing upon my own auto-theoretical project 'taikoboy99'—which figures the drum kit as a distinct ‘worlding’ technology (Anderson and Harrison 2010)—this paper will provide analytical prompts for practitioners who are engaged in drumming and percussion research, as well as outline recent developments on the materialities of sound—including Voice (Eidsheim 2015), Timbre (Fink, Latour, and Wallmark 2018), and Sensory Studies (Harris 2018)—that can help reinvigorate Mowitt’s call for percussive theory today.

l L'analyse paradigmatique dans la musique pour percussion de Xenakis / Paradigmatic Analysis in Xenakis music for percussion Fabrice Marandola – McGill University / CIRMMT Iannis Xenakis a composé plusieurs œuvres majeures du répertoire d’aujourd’hui pour percussion solo (Psappha, Rebonds) et pour ensemble de percussion (Persephassa, Pleiades, Idmen B, Okho). Reconnues pour être particulièrement difficiles à interpréter, ces pièces partagent de nombreuses caractéristiques liées à leur instrumentation et à leur organisation rythmique et polyrythmique, mais où l'aspect "mélodique" joue également un rôle important. En me basant sur les outils développés par Simha Arom pour étudier les polyphonies et les polyrythmies de la musique africaine subsaharienne, je proposerai différentes stratégies pour analyser les œuvres pour percussion de Xenakis, en faisant tout particulièrement référence à l'analyse paradigmatique et en ayant recours à la notion de transcription « rythmique » versus « métrique ». Des exemples issus de Rebonds, Psappha et Pléiades illustreront la mise en œuvre de ces méthodes analytiques et la façon dont les interprètes peuvent en bénéficier dans leur pratique instrumentale.

Iannis Xenakis composed several masters works for solo percussion (Psappha, Rebonds) and for percussion ensemble (Persephassa, Pleiades, Idmen B, Okho), most of them staples of today’s percussion repertoire. Known to be particularly challenging to perform, these pieces share many features related to their instrumentation and to their rhythmic and polyrhythmic organization, but where the ‘melodic’ aspect plays also an important role. Borrowing tools developed by Simha Arom to study the polyphonies and polyrhythms of Sub-Saharan African music, I will propose different strategies to analyze Xenakis’ works for percussion, with special reference to paradigmatic analysis and the recourse to rhythmic vs. metric transcriptions. Examples from Rebonds, Psappha and Pleaides will be used to illustrate applications of such analytical methods and how performers can benefit from it.

17:00 – 18:00 Analyser Drumming / Analyzing Drumming – Salle Tanna Schulich Hall Modérateur / Moderator : Dr.Jamie Drake l ” Drumming” de Steve Reich: historique et analyse du déphasage / Steve Reich's "Drumming": Historical background and analysis of phasing Russel Hartenberger – University of Toronto Michael Schutz – McMaster University La composition phare de Steve Reich, Drumming (1971), demande une mise en phase ou une désynchronisation progressive avec une resynchronisation ultérieure à des décalages de temps spécifiés. Cette demande d'éloignement des joueurs représente un défi intéressant pour les interprètes qui ont passé leur vie à jouer ensemble. Elle soulève également des questions sur la façon dont cette demande non traditionnelle se concrétise dans les représentations réelles. Par conséquent, en préparant son livre Performance Practice in the Music of Steve Reich (Cambridge, 2016), Russell Hartenberger a commencé à se demander "ce qui se passe vraiment" lors de l'exécution du déphasage. Pour répondre à cette question, il s'est rapproché de Michael Schutz, ce qui a donné lieu à la toute première étude scientifique du déphasage dans Drumming de Reich. Pour ce projet, Hartenberger et Bob Becker ont enregistré des extraits en utilisant des déclencheurs spécialisés créés par Ray Dillard.

L'analyse révèle que la séparation et le réalignement des voix ne sont ni lisses ni monotones. En fait, au moins un cinquième des répétitions du cycle de la voix nominalement "accélérée" ont en fait ralenti. Par conséquent, ils présentent un modèle intrigant de poussée et de traction, même lorsque les interprètes ont l'intention de jouer indépendamment. L'exposé commencera par les récits de première main de Hartenberger sur sa collaboration avec Reich dans le développement de cette composition historique avant de présenter l'analyse de ce qui se passe réellement lorsque deux des interprètes les plus expérimentés de cette musique exécutent une phase. Un aperçu de ces résultats ainsi qu'une vidéo d'introduction sont désormais disponibles à l'adresse www.maplelab.net/reich.

Steve Reich’s landmark composition, Drumming (1971), calls for gradual phasing or desynchronization with subsequent resynchronization at specified beat offsets. This request for players to drift apart presents an interesting challenge to performers who have spent a lifetime focusing on playing together. It also raises questions about how this non-traditional request is realized in actual performances. Consequently, in preparing his book Performance Practice in the Music of Steve Reich (Cambridge, 2016), Russell Hartenberger began wondering what “really happens” when executing phasing. To answer the question, he approached Michael Schutz, which led to the first-ever scientific study of phasing in Reich’s Drumming. For this project, Hartenberger and Bob Becker recorded excerpts using specialized triggers created by Ray Dillard. Analysis reveals that the separation and re-alignment of the voices is neither smooth nor monotonic. In fact, at least one fifth of the cycle repetitions in the nominally “accelerating” voice actually slowed down. Consequently, they exhibited an intriguing pattern of push and pull, even when performers intended to play independently. The talk will begin with Hartenberger’s firsthand accounts of working with Reich in developing this landmark composition before presenting the analysis of what actually happens when two of the most experienced interpreters of this music execute a phase. A preview of these findings as well as an introductory video is now available at www.maplelab.net/reich.

18:00 – 20:00 Pause Souper – Supper break

20:00-21:15 Concert 2 – P. Spiesser, SIXTRUM & CPN Orchestra - Salle Pollack Hall MARIMBAS !

Traces XVII (2021) de/by Martin Matalon (n. en / b. 1958) Philippe Spiesser 6 marimbas (1986) de /by Steve Reich (n. en / b. 1936) SIXTRUM Percussion - João Catalão · Philip Hornsey · Kristie Ibrahim · Alexandre Lavoie · Fabrice Marandola · Huizi Wang Bolero (1933) de /by Eustacio Rosales (1875-1934), arr. Clair Omar Müsser CPN Orchestra, dir. Fabrice Marandola Julien Bélanger · João Catalão · Joseph Chang · Jamie Drake · Kristie Ibrahim · Michael Jones · Sandra Joseph · Alexandre Lavoie · Theodore Lysyk · Gina Ryan · Philippe Spiesser · Michael Schutz · Annie Stevens · Andrea Venet Still Life (2006/11) de /by Jordan Nobles (n. en / b. 1969) CPN Orchestra, dir. Fabrice Marandola Mark Adam · Brydone Charlton · Antonin Granier · Raphaël Guay · Reynaliz Herrera · Russell Hartenberger · Philip Hornsey · Stuart Jackson · Nicola Loghrin · Marie-Lucie Mathieu · Shawn Mativetsky · Victoria Sparks · Sage Stoyanowski · Manuel Tovar Lòpez · Amanda Watson · David Wertheimer Video Game Medley (2023), arr. Joseph Chang (b. 1999) CPN Orchestra, dir. Fabrice Marandola Polly Aretakis · Will Barbieri · Aaron Carrera Lopez · Jérémie Carrier · Chen Chen · Mélanie Crépeau · Martin Daigle · Chelsea Jaramillo · Alex Lavoie · Zhuying Li · Tate Orlita · Nicholas Papador · Joseph Visseaux · Huizi Wang · David Wertheimer

Samedi 27 janvier 2024 / Saturday, January 27, 2024 10:00-11:15 Concert III Ensembles à percussion / Percussion Ensembles - Salle Pollack Hall École FACE Ensemble à percussion Dir. Kristie Ibrahim Classicle de/by Edward Freytag Olivier Brault･Lévi Gasse･Alder Hesselink ･Amélie Lou Marandola École Secondaire Pierre-Laporte Dir. João Catalão Greetings to Herman de/by Hans-Günter Brodmann Prelude Op. 11, no. 3 de/by Clair Omar Musser, arr. João Catalão Lukas Grumeli ･Alex Stefan Michalowski ･ Orialle Ella-Rosa Obas ･ Juan Manuel Vidal ･ Abdiel Ratnakulam ･ Abijah Ratnakulam ･ Juan David Salcedo Palta ･ Yu Song ･ Siméon Vandelac PercUqam Dir. Gina Ryan Reboisement de/by Gina Ryan Baschet Instrumentarium - Improvisation Kevin Adams ･ Klaranda Aurélien ･ Caroline Chevalier ･ Olivier Clément ･ AnneClara Dufour-Cournoyer ･ Sonia Wheaton Dudley ･ Philippe Bédard-Gervais ･ MarieEve Labrie ･ Tricia Tessier ･ Julie Vovan Ensemble de percussion du Conservatoire de Musique de Montréal Dir. Anne-Julie Caron Implosion de/by Mantle Hood Aurélien Becht ･ Chelsea Jaramillo ･ Mathias Poirier-Lacroix ･ Simon Veilleux Amores, mvt 2 de/by John Cage Aron Boutin ･ Antoine Duguay ･Adrien Faucher-Thibault Ensemble de percussion des jeunes du Conservatoire de musique de Montréal Dir. Nicolas Lapointe Nimrod de/by Edward Elgar, arr. Michael Charles Smith Niko Brunet ･ Étienne d'Aragon ･ Colin Liu ･ Lambert Sutton Ensemble de percussions du CÉGEP de Drummondville Dir. Mélissa Labbé Stubernic de/by Mark Ford Mathias Bélanger ･ Dali Brillon ･ Rémi Rondeau

Atelier de percussion de l'Université de Montréal Dir. João Catalão Unka de/by Fernando Iazzetta Chen Chen ･Alexander Pchejetski-Achmarina ･David Wertheimer Hypercussion Pillar III de/by Andy Akiho Julien Bélanger ･ Antonin Granier ･ Alexandre Lavoie ･ Theodore Lysyk 11:30 - 12:45 Table Ronde / Round Table – Salle Tanna Schulich Hall Carrières en percussion / Careers in Percussion Modérateur / Moderator: Shawn Mativetsky Damon Grant, Russell Hartenberger & Kristie Ibrahim 14:00-15:00 Classe de maître / Masterclass - Salle Tanna Schulich Hall Rockstar Adjacent Damon Grant Commandité par / Sponsored by: Long & McQuade, LP, Zildjian “Obtenir le contrat, garder le contrat ! - Construire votre indépendance sur votre instrument ainsi que votre business dans un climat post-pandémique. Ce stage vous apprendra à développer votre indépendance en tant que percussionniste et à mettre en place les éléments "hors scène" que vous devez intégrer à votre pratique pour devenir un musicien d'accompagnement ou de session performant. Vous repartirez avec des exercices et des conseils pratiques que vous pourrez mettre en pratique immédiatement.”

"Get The Gig, Keep The Gig! - Building your independence on your instrument as well as your business in a post pandemic climate. This clinic will teach you ways to build your independence as a percussionist as well as 'off the stage' stuff you should put into your practice to be a successful side-person or session musician. You can walk away with exercises and actionable advice that you can start using immediately."

15:15-16:15 Concert IV Musique de chambre / Chamber Music - Salle Pollack Hall David Therrien Brongo Cinq chansons pour percussion de/by Claude Vivier Denis Courchesne et Eliane Marie-Laure Cantin Musique pour moulin ancestral et percussions de/by Éliane Marie-Laure Cantin Britton-René Collins Erratic Bliss de/by Elias Haddad

Gina Ryan & Victoria Sparks Thou Shalt Not Apologize de/by Gina Ryan Whispers of Hope de/by Gina Ryan TJT Trio: Theodore Lysyk, Joseph Chang &Tate Orlita Okho de/by Iannis Xenakis Quatuor Jérémie Carrier Truths de/by Jérémie Carrier 16:30-17:30 Classe de maître / Masterclass - Salle Tanna Schulich Hall Musique entre amis : Cours de maître et démonstration de musique de chambre / Music with Friends: A chamber music masterclass and clinic by Escape Ten Escape Ten Duo: Dr. Andrea Venet & Dr. Annie Stevens Commandité par / Sponsored by: Dream Cymbals, Timpano Percussion, Black Swamp Percussion, Remo Drumheads, Appartement Hotel 17:45-18:45 Classe de maître / Masterclass Salle Tanna Schulich Hall Le répertoire solo avec électronique / Solo Repertoire with Electronics Phlippe Spiesser Artiste invité du fonds Catherine-Thornhill-Steele, commandité par l’École de musique Schulich de l’Université McGill /Visiting Artist Sponsored by Schulich School of Music of McGill University “Présentation de Corpus de Till Lingenberg, pour solo vibraphone et vidéo, de pièces mixtes avec électronique et discussion sur l’évolution de ces dernières dans le répertoire pour percussion solo d’aujourd’hui. “ “Presentation of Corpus by Till Lingenberg for solo vibraphone and video, and other mixed pieces with electronics, and discussion about their evolution in today's repertoire for solo percussion.”

20:00 Concert V Concert de Gala / Gala concert - Salle Pollack Hall McGill Percussion Ensemble Dir. Fabrice Marandola Pléiades – mvt Peaux de/by Iannis Xenakis Joseph Chang ･ Antonin Granier ･ Theodore Lysyk ･ Fabrice Marandola ･ Tate Orlita ･ Manuel Tovar Lòpez McGill Percussion Ensemble Dir. Kristie Ibrahim Refrakt de/by Dr. Andrea Venet Polychronia Aretakis ･ Rachel Bradbury ･ Aaron Carrera Lopez ･ Joseph Chang

Philippe Spiesser En Rythmoi de/by Octavi Rumbau Escape Ten Duo: Dr. Andrea Venet & Dr. Annie Stevens Parkway de/by Joe Locke 2300 Degrees de/by Ivan Trevino SIXTRUM Percussion Vibrafonissimo de/by Astor Piazzolla, arr. João Catalão João Catalão ･ Charles Chiovato-Rambaldo ･ Philip Hornsey ･ Kristie Ibrahim Fabrice Marandola ･ Huizi Wang

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Damon Grant & SIXTRUM Percussion J Ben Jazz de/by Vinny Valentino, arr. Damon Grant And Sammy Walked In de/by Michel Camilo, arr. Damon Grant João Catalão ･ Charles Chiovato-Rambaldo ･ Martin Daigle ･ Damon Grant ･ Philip Hornsey･ Kristie Ibrahim ･ Alexandre Lavoie ･ Fabrice Marandola ･ Huizi Wang

Biographies

Hermann Aigner Hermann a étudié la batterie jazz et la pédagogie instrumentale avec une spécialisation en percussions classiques au conservatoire de Vienne. Il est professeur de batterie à l’école de musique Ybbsfeld et conférencier lors de nombreux séminaires et ateliers. En tant que batteur, il collabore avec des artistes tels que Waldeck, Joy Malcolm, Tini Kainrath,Dorretta Carter, Saint Privat, Hubert Tubbs, et bien d’autres. Il est également l’auteur et l’éditeur du Trommelsafari.

Hermann studied jazz drumming and instrumental pedagogy with a focus on classical percussion at the Conservatory in Vienna. He is a drum teacher at the Ybbsfeld Music School and a lecturer at numerous seminars and workshops. As a drummer, he collaborates with artists such as Waldeck, Joy Malcolm, Tini Kainrath, Dorretta Carter, Saint Privat, Hubert Tubbs, and many more. He’s also the author and editor of Trommelsafari.

Nadia Azar Nadia Azar est professeure agrégée de biomécanique et d'ergonomie à l'université de Windsor. Fondatrice et directrice du Drummer Mechanics & Ergonomics Research (DRUMMER) Lab, Nadia Azar a pour objectif général de faire pour les batteurs ce que la science du sport fait pour les athlètes : les aider à atteindre des performances maximales tout en réduisant les risques de blessures. Elle a présenté ses travaux lors de la convention internationale de la Percussive Arts Society et du symposium annuel de la Performing Arts Medicine Association, a publié ses conclusions dans les meilleures revues à comité de lecture du domaine (par exemple, Medical Problems of Performing Artists, Journal of Popular Music Education), a reçu des fonds de recherche du GRAMMY Museum et a réussi à transmettre ses travaux aux membres de la communauté musicale dans son ensemble (par exemple, CBC Radio, Drum Talk TV, DrumeoBeat, et interviews sur de nombreux podcasts).

Dr. Nadia Azar is an Associate Professor of biomechanics and ergonomics at the University of Windsor. As the founder and director of the Drummer Mechanics &amp; Ergonomics Research (DRUMMER) Lab, Dr. Azar's overall research goal is to do for drummers what sport science is doing for athletes: help them to achieve their peak performance while reducing their risk of injuries. She has presented this work at the Percussive Arts Society International Convention and the Performing Arts Medicine Association's Annual Symposium, published findings in top peer-reviewed journals in the field (e.g., Medical Problems of Performing Artists, Journal of Popular Music Education), received research funding from the GRAMMY Museum, and has successfully translated this work to members of the music community at large (e.g., CBC Radio, Drum Talk TV, the DrumeoBeat, and interviews on multiple podcasts)

Liliana S. Araújo est professeure adjointe en sciences appliquées de la performance à l'École de musique Schulich de l'Université McGill, où elle dirige le Applied Performance Sciences Hub, une initiative interdépartementale visant à mener et à permettre des changements transformateurs pour la croissance artistique et des carrières saines et durables dans le domaine de la musique. Spécialisée dans la psychologie et la science de la performance, ses recherches sont interdisciplinaires et se concentrent sur la santé et le bien-être des interprètes, l'amélioration de la performance et le changement de culture. Elle a présenté des conférences internationales et donné des cours dans plusieurs Liliana S. Araújo programmes d'enseignement supérieur en sciences sociales, en arts du spectacle (danse, musique) et en médecine des arts du spectacle au Royaume-Uni, au Portugal, au Brésil et à Hong Kong. Avant de rejoindre McGill, elle a travaillé au Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance (Londres, Royaume-Uni) en tant que responsable de programme et chargée de cours en psychologie de la performance et en science de la performance dans les facultés de musique et de danse. De 2013 à 2017, elle a travaillé au Royal College of Music en tant qu'associée de recherche dans le cadre d'un important projet de recherche sur la santé des musiciens financé par le Arts and Humanities Research Council (AHRC) du Royaume-Uni. Originaire du Portugal, elle est titulaire d'un doctorat en psychologie de l'université de Minho (Portugal), elle est psychologue agréée et coach certifiée en gestion du stress et en bien-être. Elle est l'une des fondatrices de Healthy Conservatoires UK et, plus récemment, de Mental Health in Arts Canada. Elle a conçu et dispensé des formations au bien-être psychologique pour l'Orchestre philharmonique de Malte (Malte), le Southbank Sinfonia (Royaume-Uni) et l'Orchestre philharmonique de Londres (Royaume-Uni), entre autres. Liliana travaille en étroite collaboration avec le Royal Liverpool Philharmonic sur des projets axés sur le changement de culture, la performance et le bien-être.

Liliana S. Araújo is Assistant Professor of Applied Performance Sciences at the Schulich School of Music, McGill University, where she leads the Applied Performance Sciences Hub, a crossdepartmental initiative aiming to lead and enable transformative change for artistic growth, and healthy and sustainable careers in music. Specialized in performance psychology and performance science, her research is cross-disciplinary, with a focus on performer health and wellbeing, performance enhancement and culture change. She has presented internationally at conferences and lectured in several higher education programs in social sciences, performing arts (dance, music) and performing arts medicine in the UK, Portugal, Brazil, and Hong Kong. Before joining McGill, she worked at Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance (London, UK) as program leader and lecturer in performance psychology and performance science in the faculties of music and dance. From 2013 to 2017, she worked at the Royal College of Music as a research associate on a major research project on musicians’ health funded by the UK Arts and Humanities Research Council (AHRC). Originally from Portugal, she holds a PhD in Psychology from the University of Minho (Portugal), she is a chartered psychologist, and a certified stress management and wellbeing coach. She is one of the founders of Healthy Conservatoires UK and more recently, Mental Health in Arts Canada. She has designed and delivered psychological wellbeing training for the Malta Philharmonic Orchestra (Malta), the Southbank Sinfonia (UK), and the London Philharmonic Orchestra (UK), among others. Liliana works closely with the Royal Liverpool Philharmonic on projects focused on culture change, performance, and wellbeing

Darrell est diplômé de l'Université du Manitoba (B.A.) et de l'Université de la Saskatchewan (B.Mus. Mus.Ed. et M.Ed. en musique instrumentale). Il s'est produit avec de nombreux organismes professionnels, notamment l'Orchestre symphonique de Winnipeg et l'Orchestre symphonique de Saskatoon, dont il est aujourd'hui le timbalier principal. À ce titre, il a joué pour des chefs d'orchestre et des interprètes de renommée internationale, des comédies musicales de Broadway et des ballets en tournée, ainsi que pour des chorales et des troupes de théâtre locales. Ses prestations avec d'autres ensembles l'ont amené en Europe, aux États-Unis et dans de nombreuses régions du Canada, y compris une série de représentations à Inuvik et Aklavik, dans les Territoires du Nord-Ouest. En 2000, il a fondé Seashell Sound Productions à Saskatoon, spécialisé dans la production d'enregistrements acoustiques de qualité. Les performances, compositions et arrangements de Darrell ont également été Darrell Bueckert enregistrés par la radio de la CBC et présentés à la radio de la CBC en Saskatchewan. En plus de son studio d'enseignement privé, Darrell fait également partie du corps professoral du département de musique de l'Université de la Saskatchewan en tant qu'instructeur de percussion appliquée et chargé de cours en éducation musicale.

De 2006 à 2009, Darrell a également été professeur adjoint au College of Graduate Studies and Research de l'Université de Regina.

Darrell is a graduate of the University of Manitoba (B.A.) and the University of Saskatchewan (B.Mus. Mus.Ed. and M.Ed. in instrumental music). He has performed with many professional organizations including both the Winnipeg Symphony Orchestra and the Saskatoon Symphony Orchestra where he is now Principal Timpanist. In this role he has played for internationally known conductors and performers, Broadway musicals and touring ballets, as well as local choirs and theatre groups. His performances with other ensembles have taken him to Europe, the USA, and many parts of Canada including a series of performances in Inuvik and Aklavik, Northwest Territories. In 2000 he established Seashell Sound Productions in Saskatoon, specializing in producing quality acoustic recordings.

Darrell’s performances, compositions and arrangements have also been recorded by CBC radio and featured on CBC radio Saskatchewan. In addition to his private teaching studio, Darrell is also on faculty with the Department of Music at the University of Saskatchewan as Applied Percussion Instructor and Sessional Lecturer in Music Education. From 2006 to 2009 Darrell was also Adjunct Professor to the College of Graduate Studies and Research at the University of Regina.

João Catalão s’intéresse à la manière dont les approches théâtrales et le travail de l’acteur peuvent s’appliquer à la musique. Ce travail lui vaut un doctorat en interprétation à l’Université de Montréal et des récompenses aux Concours de composition de la PASBrésil, finaliste au IPCL de Luxembourg, et récipiendaire du prix « Contribution Exceptionnelle au Théâtre » avec SIXTRUM pour Angélique. Catalão est membre de SIXTRUM, du groupe de jazz [IKS], et marimbiste du chanteur Pierre Lapointe. Il a écrit la musique pour des spectacles comme La Grande Tortue (Sixtrum), Utopia.Arvore (J. Notari), et L’Ombre et le Hibou (La Nef). Sa pièce La prière de François d’Assise est reprise par plusieurs percussionnistes au Brésil et les États-Unis.

João Catalão João Catalão is interested in how theatrical approaches and the work of the actor can be applied to music. This work earned him a doctorate in performance at the Université de Montréal and awards at the PAS-Brésil composition competitions, a finalist at the IPCL in Luxembourg, and recipient of the "Outstanding Contribution to Theatre" prize with SIXTRUM for Angélique. Catalão is a member of SIXTRUM, the jazz group [IKS], and marimbist to singer Pierre Lapointe. He has written music for shows such as La Grande Tortue (Sixtrum), Utopia.Arvore (J. Notari), and L'Ombre et le Hibou (La Nef). His piece La prière de François d'Assise has been performed by several percussionists in Brazil and the United States.

Jérémie Carrier

Jérémie Carrier est un percussionniste et compositeur originaire de Moncton au NouveauBrunswick. Après avoir complété son baccalauréat à l'Université de Moncton en 2016, il a déménagé à Québec pour poursuivre ses études en Vibraphone Jazz. Pendant ce temps, il s'est fait un nom sur la scène jazz québécoise en tant que vibraphoniste, compositeur publié pour Malletech et Mostly Marimba, en plus de diriger une multitude de projets jazz. En 2023, il a terminé sa recherche doctorale sur les cycles rythmiques irréguliers dans la composition jazz sous la tutelle de Rafael Zaldivar. Jérémie est maintenant professeur de vibraphone jazz à l'Université Laval.

Jérémie Carrier is a percussionist and composer from Moncton New-Brunswick. After completing his bachelor's degree at Université de Moncton in 2016, he moved to Quebec City to continue his studies in Jazz Vibraphone. During this time, he has made a name for himself on the Québec jazz scene as the go to vibraphonist, a published composer for Malletech and Mostly Marimba as well as leading a multitude of jazz projects. In 2023 he completed his doctoral research on irregular rhythmic cycles in jazz composition under the tutelage of Rafael Zaldivar. Jérémie is now the Jazz Vibraphone teacher at Université Laval.

Anne Chabot-Bucchi

En tant que percussionniste, Anne Chabot-Bucchi s'implique activement dans l'enseignement de son instrument ainsi que dans la création contemporaine et les nouvelles formes d'improvisation, notamment en musique de chambre et en collaboration avec la danse.

Elle est titulaire de deux maîtrises en musique (interprétation et pédagogie) et d'un diplôme d'études supérieures en musique de chambre de la Haute École de Musique de Genève sous la direction d'Yves Brustaux, Jean Geoffroy et William Blank. Elle est également titulaire d'un Artist Diploma de l'Université McGill où elle a été supervisée par Fabrice Marandola.

Parallèlement, afin de comprendre le fonctionnement du cerveau, elle a entrepris des études en psychologie. Dans le cadre d'un projet de doctorat en recherche-création musicale qu'elle poursuit actuellement à l'Université de Montréal sous la direction d'Aimée Gaudette-Leblanc et de Jean-Michaël Lavoie, elle développe une nouvelle approche de l'interprétation musicale et de l'enseignement, notamment de la musique contemporaine, en lien avec le développement du cerveau.

As a percussionist, Anne Chabot-Bucchi is actively involved in teaching her instrument as well as in contemporary creation and new forms of improvisation, particularly in chamber music and in collaboration with dance. She holds two Master’s degrees in music (Interpretation and Pedagogy) and a Postgraduate diploma in chamber music from the Haute École de Musique de Genève under the supervision of Yves Brustaux, Jean Geoffroy and William Blank. She also holds an Artist Diploma from McGill University where she was supervised by Fabrice Marandola. At the same time, in order to understand brain function, she undertook studies in psychology. As part of a PhD project in music researchcreation that she is currently pursuing at the Université de Montréal under the supervision of Aimée Gaudette-Leblanc and Jean-Michaël Lavoie, she is developing a new approach to musical interpretation and teaching, particularly of contemporary music, in relation to brain development.

Joseph est difficile à catégoriser uniquement en tant qu'interprète ou chercheur. Il est doctorant et étudie l'interprétation des percussions à McGill, sous la direction du professeur Fabrice Marandola. Joseph est également percussionniste et arrangeur au sein de l'orchestre du 438e Escadron tactique d'hélicoptères et a joué dans plusieurs communautés à travers le Canada, notamment à Halifax, Grand Montréal, Ottawa, Québec, St. John's, Toronto et Winnipeg. Les recherches de Joseph se croisent entre la percussion, les études sur les jeux, l'idéologie et le compositeur Iannis Xenakis. Il s'intéresse principalement aux sons de percussion dans la musique 8 bits et 16 bits, Joseph Chang explorant la façon dont les compositeurs manipulent les paramètres dans des voix limitées pour différencier les timbres des sons d'instruments de percussion et les sons de percussion diégétiques. En outre, ses récentes présentations de documents établissent un lien entre le jeu Stellaris et ses racines idéologiques, d'une part, et le cosmisme russe, d'autre part. Son analyse d'Okho est également en cours d'examen par les professeurs Hasegawa et Marandola en vue d'une soumission à une conférence. N'hésitez pas à faire appel à Joseph si ces sujets vous intéressent !

Joseph is difficult to categorize solely as a performer or researcher. He is a doctoral student studying percussion performance at McGill under Prof. Fabrice Marandola as his primary advisor. Joseph is also a percussionist and arranger in the 438 Tactical Helicopter Squadron Band and has served communities throughout Canada, including Halifax, Grand Montreal, Ottawa, Quebec City, St. John’s, Toronto, and Winnipeg. Joseph’s research intersects between percussion, game studies, ideology, and the composer Iannis Xenakis. His primary research interest is percussion sounds within 8-bit and 16-bit music, exploring how composers manipulate parameters within limited voices to differentiate between timbres of percussion instrument sounds and diegetic percussive sounds. Additionally, his recent paper presentations connect the game Stellaris and its ideological roots to Russian Cosmism. His analysis of Okho is also under review with Prof. Hasegawa and Marandola for conference submissions. Please feel free to pick Joseph’s brain if these topics interest you!

Martin Daigle, lauréat en 2022 du prix "Innovateur de l'année" de Musique NB, est un interprète, compositeur, chercheur et producteur interdisciplinaire du NouveauBrunswick, au Canada. S'épanouissant à partir de bases créatives en tant que batteur et percussionniste, son travail diversifié en tant qu'interprète, compositeur et chercheur repousse les frontières entre l'art audiovisuel et électroacoustique. L'approche novatrice de Martin en matière de musique de percussion utilise des dispositifs électroniques, notamment la recherche en cours sur le développement d'une "batterie augmentée", qui combine des sons de batterie acoustiques, des échantillons numériques et des manipulations visuelles pour un résultat vraiment unique.

The 2022 winner of Music NB’s “Innovator of the Year” award, Martin Daigle is an interdisciplinary performer, composer, researcher, and producer from New Brunswick, Canada. Flourishing from creative foundations as a drummer and percussionist, his diverse work as a performer, composer and researcher pushes the boundaries between audiovisual and electro-acoustic art.

Martin’s innovative approach to percussion music utilizes electronic devices; notably, ongoing research in the development of an “augmented drum kit,” which combines acoustic drum sounds, digital samples, and visual manipulations for a truly unique result.

Martin Daigle

Jamie Drake Dr.Jamie Drake est un percussionniste, batteur et compositeur basé à Toronto, qui apprécie la collaboration et excelle dans une grande variété de contextes musicaux. Il a obtenu son D.M.A. à l'Université de Toronto et son M.M. au Conservatoire de musique de San Francisco. Jamie est membre du quatuor de percussion TorQ, avec lequel il s'est produit dans toute l'Amérique du Nord et au-delà, et codirige le séminaire de percussion TorQ. Il fait également partie du personnel artistique du Hamilton Children's Choir et s'est produit avec NEXUS, Evelyn Glennie, Beverley Johnston et Soundstreams, ainsi que pour de nombreux orchestres, chorales et productions de théâtre musical. Son premier album de percussions en solo, "Night", contient de la musique de Kevin Volans, James Tenney, Paul Elwood et Stuart Saunders Smith. Il est professeur adjoint et directeur du département de percussion à la DAN School of Drama and Music, Queen's University.

Dr. Jamie Drake is a Toronto-based percussionist, drummer and composer, who values collaboration and excels in a wide variety of musical settings. He received his D.M.A. from the University of Toronto and his M.M. from the San Francisco Conservatory of Music. Jamie is a member of the TorQ Percussion Quartet, with whom he has performed across North America and beyond, and co-leader of the TorQ Percussion Seminar. He also serves on the artistic staff of the Hamilton Children’s Choir, and has performed with NEXUS, Evelyn Glennie, Beverley Johnston and Soundstreams, as well as for many orchestras, choirs and musical theatre productions. His first solo percussion album “Night” features music by Kevin Volans, James Tenney, Paul Elwood and Stuart Saunders Smith. He is an Assistant Professor and head of the percussion department at the DAN School of Drama and Music, Queen’s University.

Originaire de Notre-Dame-des-Prairies, Alexandre Ducharme est un musicien polyvalent qui, par sa sensibilité et son ardeur musicale, nous révèle un interprète de très haut niveau. Diplômé de l’Université de Montréal, Alexandre enseigne les percussions, la clarinette et la trompette à l’École de musique Fernand-Lindsay ainsi qu’à l’École Les Mélèzes à Joliette. Que ce soit en tant que musicien, fabricant de baguettes ou bien comme professeur, toutes les occasions sont bonnes pour partager sa passion de la musique. Le Prairiquois se donne pour mission de sensibiliser jeunes et moins jeunes quant à l’importance de la musique. Le Trommelsafari ne fait pas exception à la règle. Découvert en 2020, ce livre propose une toute nouvelle approche de la caisse-claire. Étant disponible uniquement en anglais et en allemand à l’époque, l’objectif fut donc de traduire le livre et l’application mobile en français afin de rendre cet ouvrage accessible au plus grand nombre de professeurs possibles.

Trommelsafari est maintenant traduit dans trois langues et est disponible en Amérique du Nord ainsi qu’en Europe. Hermann Aigner en est l’auteur original.

Born in Notre-Dame-des-Prairies, Alexandre Ducharme is a multi-talented musician who, by his hard work and musical sensibility, Alexandre Ducharme shows us his great musicianship. Having graduated from the Faculty of Music at the University of Montréal, he currently teaches percussion, clarinet, and trumpet at FernandLindsay’s music school and the École Les Mélèzes in Joliette. Every occasion lets him share his passion for music even though if he acts as a musician, a mallet maker or a music teacher. His main goal is to bring awareness about the importance of music to everyone. Trommelsafari makes no exception. Discovered in 2020, this book proposes a whole new approach in regard to teaching snare drum. Only available in English and German at the time, the main goal was to translate the book and the mobile app in French to make it more accessible to a broader audience.

Trommelsafari is now translated in three languages and is available in North America and Europe. Hermann Aigner is the original author and editor of the book.

Duo Simuldos Formé en 2022, le Duo Simuldos est un duo percussionvioloncelle dont la mission est de découvrir de nouvelles combinaisons sonores et d'élargir les frontières musicales de deux groupes d'instruments d'orchestre très contrastés. Sa passion est non seulement d'interpréter de nouvelles œuvres qui remettent en question le statu quo de la musique de chambre, mais aussi de rendre cette musique accessible à tous les publics.

Le mot Simuldos a été inventé en s'inspirant de 22, le chiffre porte-bonheur du groupe, et d'une combinaison des langues maternelles des deux membres. Le mot vingt en coréen peut être romanisé en "simul" et le mot deux en espagnol est "dos", d'où le nom Simuldos. Ses membres, Manuel López et Crystal Kim, poursuivent actuellement un doctorat et un diplôme d'artiste, respectivement, à l'Université McGill. Ils apportent au duo de nombreuses années d'expérience en matière d'orchestre et de musique de chambre.

Formed in 2022, Duo Simuldos is a percussion-cello duet whose mission is to discover new combinations of sound and expand the musical boundaries of two very contrasting orchestral instruments. Its passion is to not only perform new works that challenge the status quo of chamber music, but to also make this music accessible for all ranges of audiences. The word Simuldos was coined with the inspiration of 22, the group's lucky number, and a combination of the two members' native languages. The word twenty in Korean can be romanized into the word "simul" and two in Spanish is "dos", hence the name, Simuldos. Its members, Manuel López and Crystal Kim, are currently pursuing a doctorate and an artist diploma, respectively at McGill University. They bring to the duo many years of orchestral and chamber music experience.

Ensemble à Percussion de McGill Fondé par Pierre Béluse en 1969, l'Ensemble à percussion de McGill est actuellement codirigé par Kristie Ibrahim et Fabrice Marandola à l'École de musique Schulich de l'Université McGill.

L'ensemble joue un répertoire très varié, interprétant des œuvres emblématiques pour percussion écrites par des compositeurs renommés, tout en créant et en découvrant les nouvelles œuvres des compositeurs les plus en vue d'aujourd'hui. L'ensemble a participé à des festivals locaux et internationaux, notamment Montréal Nouvelles Musiques, MusiMars, Cool Drummings, Made Music New York, Scotia Chamber Music Festival, Open Ears Festival et Eurocuivres. En collaboration avec le département de composition de l'École de musique Schulich, l'ensemble crée chaque année deux nouvelles œuvres d'étudiants compositeurs de l'École de musique Schulich en résidence avec l'ensemble, et se produit chaque année lors de la Journée de la percussion de la Société des arts de la percussion - chapitre québecois.

L'Ensemble à percussion de McGill est ravi d'être l'hôte de la Journée de la percussion de la PAS-Québec en 2024 !

Founded by Pierre Béluse in 1969, the McGill Percussion Ensemble is currently under the codirection of Kristie Ibrahim and Fabrice Marandola at the Schulich School of Music of McGill University. The ensemble performs a wide variety of repertoire, playing iconic works for percussion written by renowned composers, while simultaneously creating and discovering the new works of today’s most prominent composers. Local and international festival performances include Montreal New Music, MusiMars, Cool Drummings, Made Music New York, Scotia Chamber Music Festival, Open Ears Festival and Eurocuivres. In collaboration with the Schulich School of Music Composition Area, the ensemble premieres two new works by SSM student composers in residence with the ensemble each academic year and performs annually at the Percussive Arts Society – Quebec Chapter Day of Percussion.

The McGill Percussion Ensemble is thrilled to host the 2024 QC-PAS Day of Percussion!

Escape Ten Duo Escape Ten est un duo de percussions formé en 2012 par la Dre Annie Stevens (professeure associée, Virginia Tech) et la Dre Andrea Venet (professeure associée, University of North Florida). Dédiées à explorer tous les genres et à les exprimer de façon créative à travers le monde de la percussion, une grande partie de leur répertoire comprend des arrangements innovants et des compositions commandées exclusivement par le duo. Le duo s'est produit et a donné des conférences dans plus de 35 universités, lors de cinq conférences internationales, et a été présenté à l'émission "Performance Today" de NPR. Plus récemment, elles ont été invitées en tant qu'artistes à la Prairie Music Residency à Saskatoon, au Canada, et à Montréal pour la Journée de la percussion. Le duo maintient un calendrier régulier de représentations, effectuant des tournées nationales et internationales, et présente régulièrement des concerts et des cliniques dans des festivals de musique, des séries de concerts, des conférences et des universités. Le duo a notamment participé à la première américaine du double concerto pour percussion et orchestre de John Psathas avec le Roanoke Symphony en 2022, ainsi qu'aux festivals Ágora Actual Percussion et WASBE 2019 (Espagne), à l'Academy of the Performing Arts (UTT) de Trinidad, à la Barnes Foundation de Philadelphie, à la Percussive Arts Society International Convention, à l'Eastman Summer Percussion Festival et au Leigh Howard Stevens Marimba Seminar. Grâce à une collaboration avec le compositeur Eric Guinivan, les percussionistes sont les récipiendaires d'une commande de duo de marimba attribuée par la prestigieuse Fondation Fromm, intitulée Illuminations (2018). Parallèlement aux baguettes signature par l'intermédiaire de Malletech, elles ont leur propre série de publication d'œuvres écrites pour le duo par l'intermédiaire de KPP. Escape Ten a sorti deux albums : Our Favorite Things (Ravello 2020) et Colours of a Groove (2014). Leur premier spectacle a été une tournée de trois semaines à travers le pays, de la Virginie à Los Angeles, dans dix villes du pays. Leur nom "Escape Ten" provient de leurs tournées de spectacles de style roadtrip dans une Ford Escape, avec de nombreux kilomètres parcourus sur l'I-10. Escape Ten est fier de représenter Malletech, DREAM Cymbals, Black Swamp Percussion et Remo drumheads.

Escape Ten is a percussion duo formed in 2012 by Dr. Annie Stevens (Associate Professor, Virginia Tech) and Dr. Andrea Venet (Associate Professor, University of North Florida). Ardent about exploring all genres and expressing these creatively through the world of percussion, much of their repertoire includes innovative arrangements and compositions commissioned exclusively by the duo. The duo has performed and lectured at over 35 universities, at five international conferences, and was featured on NPR’s "Performance Today." Most recently having been invited as guest artists to the Prairie Music Residency in Saskatoon, Canada, and Montreal for the Day of Percussion, they maintain a steady performance schedule touring nationally and internationally, consistently featured as chamber artists and clinicians at music festivals, concert series, conferences, and universities. Select appearances include the U.S. premiere of John Psathas’ double concerto for percussion and orchestra with the Roanoke Symphony in 2022, as well as performances at the Ágora Actual Percussion and WASBE 2019 festivals (Spain), the Academy of the Performing Arts (UTT) in Trinidad, the Barnes Foundation in Philadelphia, the Percussive Arts Society International Convention, the Eastman Summer Percussion Festival, and at the Leigh Howard Stevens Marimba Seminar. Through a collaboration with composer Eric Guinivan, they are the recipients of a marimba duo commission awarded from the prestigious Fromm Foundation entitled Illuminations (2018). Alongside signature mallets through Malletech, they have their own publication series of works written for the duo through KPP. Escape Ten has released two albums: Our Favorite Things (Ravello 2020) and Colours of a Groove (2014). Their inaugural performance endeavor was a three-week cross-country tour where they drove from Virginia to LA performing in 10 cities across the country. Their name ‘Escape Ten’ originates from their trademark roadtrip style performance tours in a Ford Escape, with many miles traveled on the I10. Escape Ten proudly endorses Malletech, DREAM Cymbals, Black Swamp Percussion, and Remo drumheads.

Le compositeur Fish Yu, né à Hong Kong et basé à Toronto, est passionné par la création de musique mêlant des sons acoustiques et électroniques. L'un des moments forts de 2023 a été la composition et la production de son premier projet Dolby Atmos intitulé "The Sounds of Cities". Fish poursuit actuellement son doctorat en composition musicale à l'Université de Toronto et est titulaire d'une maîtrise en technologie musicale et médias numériques de la même université.

Fish Yu Hong Kong-born Toronto-based composer Fish Yu is passionate about creating music that blends both acoustic and electronic sounds. One of his highlights in 2023 was serving as the composer and producer for his first Dolby Atmos project titled "The Sounds of Cities." Fish is currently pursuing his doctoral degree in Music Composition at the University of Toronto and holds a Master's degree in Music Technology & Digital Media from the same university.

Jessica Flammia Jessica Flammia est diplômée du département de kinésiologie de l'Université de Windsor et est actuellement instructrice à temps partiel. Elle a terminé sa maîtrise en sciences de l'activité physique dans le laboratoire DRUMMER (Drummer Mechanics &amp ; Ergonomics Research) avec le soutien des superviseurs Nadia Azar et Dave Andrews. Jessica a combiné sa formation en musique avec une formation en biomécanique et en prévention des blessures/réadaptation pour étudier les schémas de mouvement impliqués dans la performance musicale et les facteurs de risque associés au développement de troubles musculo-squelettiques liés à la pratique de la musique. Elle apprécie les aspects uniques de la recherche scientifique interdisciplinaire et le défi que représente la communication des résultats de la recherche à des personnes d'horizons divers.

Jessica Flammia is a graduate of the University of Windsor’s Department of Kinesiology and a current Sessional Instructor. Completing her Master of Human Kinetics in the Drummer Mechanics &amp; Ergonomics Research (DRUMMER) Lab with the support of supervisors Dr. Nadia Azar and Dr. Dave Andrews, Jessica combined her training in music with educational background in biomechanics and injury prevention/rehabilitation to look at the movement patterns involved with musical performance and associated risk factors for developing playingrelated musculoskeletal disorders. She enjoys the unique aspects of interdisciplinary scientific research and the challenge of communicating research results with people with varying backgrounds.

Philippe Gauthier Boudreau, fabricant de cymbales artisanales, est le seul artisan du genre au Canada. Ayant démarré PGB Artisan Cymbales dans un sous-sol de Rosemont (Montréal), Philippe s'est rapidement forgé une réputation internationale grâce à ses instruments offrant des sonorités audacieuses et uniques. En hiver 2018, Philippe a approfondi ses connaissances en étudiant les techniques traditionnelles lors d'une visite auprès de son mentor Francisco Domene, à Avare, Brésil. Depuis lors, il met de l'avant l'exploration et l'expérimentation comme processus de création, permettant la découverte de nouvelles possibilités sonores, tout en testant les limites de son médium de prédilection, le bronze. Ses cymbales sont jouées et appréciées par des artistes tels Joy Williams (Beyoncé), JD Beck, Jeremy Dutton, Mike Mitchell (Kamasi Washington), les percussionnistes de l'Orchestre Métropolitain, et plusieurs autres.

Philippe Gauthier Boudreau, a maker of artisanal cymbals, is the only artisan of this kind in Canada. Having started PGB Artisan Cymbals in a basement in Rosemont (Montreal), Philippe quickly established an international reputation for himself with his instruments that boast bold and unique sounds. In the winter of 2018, Philippe deepened his knowledge by studying traditional techniques during a visit to his mentor Francisco Domene in Avare, Brazil. Since then, exploration and experimentation take a main part in his creative process, allowing for the discovery of new sonic possibilities while pushing the boundaries of his preferred medium, bronze. His cymbals are played and appreciated by artists such as Joy Williams (Beyoncé), JD Beck, Jeremy Dutton, Mike Mitchell (Kamasi Washington), the percussionists of the Orchestre Métropolitain, and many

Philippe Gauthier Boudreau

Damon a enregistré sur des albums de Joe Louis Walker et Randy Rainbow qui ont été nommés aux Grammy Awards. Il a également travaillé avec Madonna sur son spectacle de la mitemps du Super Bowl, sa tournée et la Damon Grant première de son DVD. En tant qu'accompagnateur professionnel, Damon s'est produit dans le monde entier et a travaillé dans de nombreux genres avec des musiciens de classe mondiale, notamment Mary J. Blige, Charlie Hunter, Morgan James, David Ryan Harris, Eric Hutchinson, Javier Colon, Erich Bergen, Norbert Leo Butz, Horacio "El Negro" Hernandez, Stefon Harris et un nombre incalculable d'autres. Il a joué dans l'orchestre de l'émission American Idol et a participé à des soirées de soutien à l'ACLU, à Gods Love We Deliver, à Broadway Loves.... Et à bien d'autres. Damon, ainsi que son groupe, The Damon Grant Project, ont été présentés dans les magazines Modern Drummer et Latin Beat et se sont produits à Londres lors du gala de l'équipe olympique américaine de 2012. Il a été membre du Cadets Drum Corps, 10 fois champion du monde DCI, et s'est produit avec eux aux Jeux olympiques d'été de 1996 à Atlanta. Damon a également fait partie du groupe The Bomb Squad, qui a fait l'objet d'un article dans People Magazine et a remporté un American Music Award.

Il a fait partie de la distribution originale du spectacle Blast ! qui a remporté une Emmy et un Tony Award.

Damon has recorded on Grammy-Nominated albums for Joe Louis Walker & Randy Rainbow. He also worked with Madonna on her Super Bowl halftime show, tour, & DVD premiere. As a professional side-person, Damon has performed around the world, and worked across many genres with world-class musicians including Mary J. Blige, Charlie Hunter, Morgan James, David Ryan Harris, Eric Hutchinson, Javier Colon, Erich Bergen, Norbert Leo Butz, Horacio “El Negro” Hernandez, Stefon Harris, & countless others. He has played in the house band for American Idol, and benefits supporting the ACLU, Gods Love We Deliver, Broadway Loves…. and several others.

Damon. as well as his group, The Damon Grant Project, have been featured in Modern Drummer and Latin Beat Magazines and performed in London at the gala event for the 2012 U.S. Olympic team. He was a member of the 10-time DCI World Champion, Cadets Drum Corps, and with them, performed at the 1996 Summer Olympic Games in Atlanta. Damon was also a member of the group The Bomb Squad which was featured in People Magazine and won an American Music Award. He was an original cast member of the show Blast! which won both an Emmy and a Tony award.

Le professeur émérite Russell Hartenberger est l'ancien titulaire de la chaire de percussion à music@UofT et l'ancien doyen de la faculté de musique. Il est membre du groupe de percussion Nexus et de Steve Reich and Musicians depuis 1971. Il est titulaire d'un doctorat en musique du monde de l'Université Wesleyan, spécialisé dans la musique d'Afrique de l'Ouest, d'Inde du Nord et du Sud, et d'Indonésie. En tant que membre de Nexus, il s'est produit avec les plus grands orchestres d'Amérique du Nord, d'Europe et d'Asie. Avec les membres de Nexus, il a créé la bande sonore du documentaire complet primé aux Oscars, The Man Who Skied Down Everest (L'homme qui a descendu l'Everest à ski). Avec Steve Reich and Musicians, il a enregistré pour ECM, DGG et Nonesuch Records, et a participé à l'enregistrement de Music for 18 Musicians, qui a remporté un Grammy Award. Il a joué et/ou enregistré avec des Russell Hartenberger musiciens aussi divers que Gil Evans, John Cage, Steve Gadd, Peter Erskine, Michael Nyman, Pablo Casals, Canadian Brass, Kronos String Quartet, Peter Schickele, Richard Stoltzman, Toru Takemitsu, Jack DeJohnette et Yo-Yo Ma. Ses compositions comprennent The Invisible Proverb, Telisi Odyssey et Cadence, publiées par Keyboard Percussion Publications, et Raghavan, publié par HoneyRock. Ses arrangements pour percussions comprennent Persian Songs avec la chanteuse iranienne Sepideh Raissadat et Moondog Suite. Son article "Encounters with John Cage" est paru dans le numéro de septembre 2012 de Percussive Notes et son essai, "Clapping Music : A Performer's Perspective", figure dans The Ashgate Research Companion to Minimalist and Postminimalist Music (Ashgate 2013).

Professor Emeritus Russell Hartenberger is former chair of percussion at music@UofT and former Dean of the Faculty of Music. He has been a member of both the percussion group, Nexus, and Steve Reich and Musicians since 1971. He holds a Ph.D. in World Music from Wesleyan University, specializing in the music of West Africa, North and South India, and Indonesia. As a member of Nexus, he has performed with leading orchestras in North America, Europe and Asia, and along with members of Nexus created the soundtrack for the Academy Award-winning Full-Length Documentary, The Man Who Skied Down Everest. With Steve Reich and Musicians, he recorded for ECM, DGG and Nonesuch Records, and performed on the Grammy Award winning recording of Music for 18 Musicians. He has performed and/or recorded with such diverse musicians as Gil Evans, John Cage, Steve Gadd, Peter Erskine, Michael Nyman, Pablo Casals, Canadian Brass, Kronos String Quartet, Peter Schickele, Richard Stoltzman, Toru Takemitsu, Jack DeJohnette, and Yo-Yo Ma. His compositions include The Invisible Proverb, Telisi Odyssey, and Cadence, published by Keyboard Percussion Publications, and Raghavan, published by HoneyRock. His arrangements for percussion include Persian Songs with Iranian vocalist, Sepideh Raissadat, and Moondog Suite. His article “Encounters with John Cage” appeared in the Sept. 2012 issue of Percussive Notes and his essay, “Clapping Music: A Performer’s Perspective,” is in The Ashgate Research Companion to Minimalist and Postminimalist Music (Ashgate 2013).

Sage Helgason-Stoyanowski est récemment diplômée du programme d'éducation musicale de la faculté de musique Desautels. Elle a passé les quatre dernières années à étudier les percussions classiques avec Victoria Sparks à l'Université du Manitoba. L'été dernier, Sage a reçu une bourse de recherche de premier cycle de l'Université du Manitoba pour en apprendre davantage sur l'enseignement et l'apprentissage de la musique. Grâce à cette bourse, elle a obtenu sa certification Orff-Schulwerk de niveau I et a eu l'occasion de se rendre à Louisville pour découvrir les Louisville Leopards, un ensemble de percussions pour enfants basé au Kentucky. Ses recherches ont consisté en des entretiens semi-structurés avec divers éducateurs musicaux et en l'observation de l'enseignement et de l'apprentissage de la musique dans le cadre du cours d'OrffSchulwerk et du camp d'été des Louisville Leopards. Sage est ravie de créer son propre ensemble de percussions pour enfants de Winnipeg, The Peg City Polar Bears !

Sage Helgason-Stoyanowski is a recent graduate of the Music Education program in the Desautels Faculty of Music. She has spent the last four years studying classical percussion with Victoria Sparks at the University of Manitoba. This past summer, Sage received an Undergraduate Research Award from the U of M to learn more about music teaching and learning.

Through this grant, she obtained her Orff-Schulwerk Level I Certification and had the opportunity to travel to Louisville to learn about the Louisville Leopards, a children’s percussion ensemble based out of Kentucky. Her research involved semi-structured interviews with various music educators and observing music teaching and learning in the Orff-Schulwerk course and Louisville Leopards summer camp. Sage is excited to be starting Winnipeg’s very own children’s percussion ensemble, The Peg City Polar Bears!

Sage Helgason-Stoyanowski

Basée à Boston et originaire du Mexique, Reynaliz Herrera est une percussionniste, compositrice et éducatrice qui s'est produite au Mexique, aux États-Unis, au Canada, dans les Caraïbes et dans toute l'Europe. Son parcours comprend des percussions classiques, contemporaines et multidisciplinaires.

En 2012, Reynaliz Herrera a fondé Ideas, Not Theories et agit en tant que directrice, compositrice et interprète principale. La compagnie s'est produite à travers les États-Unis, le Canada, le Mexique et la Barbade, notamment au PASIC, au Bridgetown International Arts Festival (Barbade), au Festival international des arts et des idées, à l'Institute of Contemporary Art Boston, au Currents New Media Festival (NM), aux Harvard Museums, au NYU/KoSA/HLAG Day of Percussion, au Flea Theater NY, au World Maker Faire, au Centre national des arts du Canada. En 2021, elle a créé sa toute nouvelle composition "BIKEncerto : a concerto for solo bicycle and orchestra". Ses compositions ont également été interprétées par des universités, JU Percussion Group, FORT percussion, etc.

Reynaliz a étudié à l'ESMD, à l'Université d'Ottawa et au Conservatoire de Boston, et a reçu des prix du Canada, du Mexique et de Cuba.

Boston-based and originally from Mexico, Reynaliz Herrera is a percussionist, composer, and educator, who has performed in Mexico, US, Canada, Caribbean, and throughout Europe. Her background includes classical, contemporary and multidisciplinary percussion. In 2012 Reynaliz Herrera founded Ideas, Not Theories and acts as director, composer, and lead performer. The company has performed throughout the U.S, Canada, Mexico and Barbados, including PASIC, Bridgetown International Arts Festival (Barbados), International Festival of Arts & Ideas, Institute of Contemporary Art Boston, Currents New Media Festival (NM), Harvard Museums, NYU/KoSA/HLAG Day of Percussion, Flea Theater NY, World Maker Faire, National Arts Center of Canada. In 2021 she premiered her newest composition “BIKEncerto: a concerto for solo bicycle and orchestra”. Her compositions have also been performed by Universities, JU Percussion Group, FORT percussion, etc. Reynaliz studied at ESMD, University of Ottawa, and The Boston Conservatory, and has received Awards from Canada, Mexico, and Cuba.

Reynaliz Herrera

Aiyun Huang Aiyun Huang mène une vie musicale en tant que soliste, musicienne de chambre, chercheuse, enseignante et productrice. Reconnue mondialement depuis qu'elle a remporté en 2002 le premier prix et le prix du public du Concours international de musique de Genève, Aiyun Huang est une championne du répertoire existant et une voix importante dans la création collaborative de nouvelles œuvres. Huang a commandé et créé plus de 200 œuvres au cours de ses trente années de carrière en tant que soliste et chambriste. Le critique Robert Everett-Green du Globe and Mail décrit le jeu de Mme Huang comme "captivant à écouter et à regarder" et son choix de répertoire comme capable de "rénover nos habitudes d'écoute". Née à Taïwan, Aiyun est titulaire d'un DMA de l'université de Californie à San Diego. Elle est actuellement responsable des percussions à la faculté de musique de l'université de Toronto. Elle dirige l'ensemble de percussions de l'université de Toronto et le laboratoire de recherche sur l'intégration de la technologie et de la performance (TaPIR). Elle est directrice artistique du festival soundSCAPE, qui se déroule au Centre musical Hindemith de Blonay, en Suisse.

Aiyun Huang enjoys a musical life as soloist, chamber musician, researcher, teacher, and producer. Globally recognized since winning the 2002 First Prize and Audience Prize of the Geneva International Music Competition. She is a champion of existing repertoire and a prominent voice in the collaborative creation of new works. Huang has commissioned and premiered over two hundred works in her three decades as a soloist and chamber musician. The Globe and Mail critic Robert Everett-Green describes Huang’s playing as “engrossing to hear and to watch” and her choice of repertoire as capable of “renovating our habits of listening.”Born in Taiwan, Aiyun holds a DMA degree from the University of California San Diego. She currently serves as the Head of Percussion at the Faculty of Music, University of Toronto. Aiyun directs the University of Toronto Percussion Ensemble, and the Technology and Performance Integration Research (TaPIR) Lab. She is the Artistic Director of soundSCAPE Festival which takes place at the Hindemith Music Centre in Blonay, Switzerland.

La percussionniste Kristie Ibrahim est titulaire d’une Maîtrise en musique de chambre de l’Université McGill et elle s’est produite sur la scène internationale avec des ensembles de chambre et des orchestres symphoniques au Canada, aux USA, en France, au Mexique et en Nouvelle Zélande. Passionnée par les collaborations artistiques, elle a travaillé comme designer sonore et interprète avec des chefs de chœur, chorégraphes et metteurs en scènes de renom.

Membre fondatrice de Sixtrum, ainsi que du duo Akrostick avec Fabrice Marandola, une large part de sa carrière est dédiée à l’expérimentation et aux nouvelles œuvres pour percussion.

Educatrice expérimentée, Kristie enseigne les percussions à clavier et co-dirige l’Ensemble à percussion de McGill à l’École de Musique Schulich de l’Université McGill. Elle est tutrice en percussion à l’école FACE de Montréal et assure la vice-présidence du chapitre québécois de la Société des Arts Percussifs.

Kristie Ibrahim Percussionist Kristie Ibrahim has a Master’s degree in Chamber Music from McGill University and has performed internationally with chamber ensembles and symphony orchestras in Canada, USA, France, Mexico, and New Zealand. She has also collaborated extensively as a performer and sound designer with local and international choral directors, choreographers, and theatre directors. A co-founder of Montreal percussion ensemble Sixtrum, and percussion duo Akrostick with Fabrice Marandola, Kristie is dedicated to creating new works and new performance experiences for percussion. Devoted to arts education for all ages, Kristie is currently an instructor of keyboard percussion and co-director of the McGill Percussion Ensemble at The Schulich School of Music of McGill University, a tutor of percussion at FACE School in Montreal, and is a vice-president of the Quebec Chapter of the Percussive Arts Society.

Stuart Jackson est un percussionniste et un joueur de cornemuse originaire de Virginie, maintenant établi à Montréal, au Canada. Comme beaucoup d'interprètes de musique nouvelle et expérimentale, il a créé de nombreuses œuvres de compositeurs vivants, mais il se spécialise dans la remise en question des approches de la réalisation d'œuvres pour percussion du XXe siècle, ainsi que dans l'élaboration de méthodes de reconstruction et d'archivage d'œuvres expérimentales peu documentées de l'histoire récente. Il s'est produit dans des lieux tels que le Musée d'art contemporain de Montréal (MAC), Ausgang Plaza et la Galerie SBC à Montréal ; Pioneer Works et le King's Theatre à Brooklyn, NY ; Harvestworks à New York ; Wesleyan University à Middletown, CT Cummings Arts Center à New London, CT ; la Salle ClaudeChampagne de l'Université de Montréal. Il s'est également produit dans des films et des pièces de théâtre, travaillant avec le Soho Rep Theatre à New York et en tant que soliste de uilleann pipes avec le Wordless Music Orchestra. Il poursuit actuellement un doctorat en percussion à l'Université McGill à Montréal, sous la direction de Fabrice Marandola et de Robert Hasegawa.

Stuart Jackson is a percussionist and uilleann piper from Virginia, now based in Montreal, Canada. Like many interpreters of new and experimental music, he has premiered many works from living composers, but specializes in rethinking approaches to the realization of existing works for percussion from the 20th century, as well as developing methods for reconstruction and archiving of poorly documented experimental works in recent history. He has performed at venues such as the Musée d'art contemporain de Montréal (MAC), Ausgang Plaza and SBC Gallery in Montréal; Pioneer Works and the King's Theatre in Brooklyn, NY; Harvestworks in New York; Wesleyan University in Middletown, CT Cummings Arts Center in New London, CT; Salle Claude-Champagne de l’Université de Montréal; and others. He has also performed in film and theatre settings, working with the Soho Rep Theatre in New York and as an uilleann pipe soloist with the Wordless Music Orchestra. He is currently pursuing a doctorate in percussion performance at McGill University in Montréal, under the supervision of Fabrice Marandola and Robert Hasegawa.

Stuart Jackson

Michael Jones (he/they) est un percussionniste basé à San Diego, en Californie. Son travail créatif et universitaire se concentre sur le toucher, la résonance, le rythme et la phénoménologie des objets de percussion. Il se produit régulièrement avec l'ensemble de percussions red fish blue fish et d'autres projets de musique contemporaine dans le sud de la Californie. Il s'est produit au festival de musique d'Ojai, au festival Noon-to-Midnight du LA Philharmonic, au festival Other Minds, au festival Dog Star Orchestra et au festival de musique nouvelle de Hartford. Il a effectué entre autres des résidences au festival d'été de Nief-Norf (Tennessee), aux cours de Darmstadt pour la nouvelle musique (Allemagne) et au Centre de Banff pour les arts et la créativité (Canada). On peut l'entendre sur les étiquettes Naxos, New Focus, Edition Wandelweiser, Cold Blue et New World. Il est diplômé de l'Université de Hartford, où il a étudié avec Benjamin Toth, et de l'Université de Californie à San Diego, où il étudie avec Steven Schick.

Michael Jones (he/they) is a percussionist based in San Diego, California. His creative and scholarly work focuses on touch, resonance, rhythm, and the phenomenology of percussion objects. He regularly appears with the percussion ensemble red fish blue fish and other contemporary music projects around southern California. He has performed on the the Ojai Music Festival, LA Philharmonic’s Noon-to-Midnight Festival, the Other Minds Festival, the Dog Star Orchestra Festival, and the Hartford New Music Festival. He has completed residences at the Nief-Norf Summer Festival (Tennessee), the Darmstadt Courses for New Music (Germany), the Banff Centre for Arts and Creativity (Canada) and others. He can be heard on the Naxos, New Focus, Edition Wandelweiser, Cold Blue, and New World labels. He holds degrees from the University of Hartford, where he studied with Benjamin Toth, and the University of California, San Diego, where he studies with Steven Schick.

Michael Jones

Kairos Percussion Quartet Kairos Percussion Quartet est un collectif de musique de chambre fondé et basé à Toronto, au Canada, en 2022. Les membres Bevis Ng, Nikki Huang, Thomas Li et Andrew Busch poursuivent tous actuellement des études supérieures à l'Université de Toronto, étudiant avec Aiyun Huang, Beverley Johnston et Charles Settle. Kairos Percussion Quartet a interprété la première mondiale de "A Dotted Landscape" de Chris Mercer en 2022, et doit jouer un concerto avec l'Orchestre symphonique à vent de l'Université de Toronto en février 2024.

Kairos Percussion Quartet is a chamber music collective founded and based in Toronto, Canada in 2022. Members Bevis Ng, Nikki Huang, Thomas Li, and Andrew Busch are all currently pursuing graduate degrees at the University of Toronto, studying with Aiyun Huang, Beverley Johnston, and Charles Settle. Kairos Percussion Quartet performed the world premiere of Chris Mercer’s “A Dotted Landscape” in 2022 and are scheduled to perform a concerto with the University of Toronto Wind Symphony in February 2024.

Originaire de Hong Kong, KöNG Duo (Bevis Ng et Hoi Tong Keung) est un duo de percussion basé à Toronto qui se spécialise dans la musique classique contemporaine.

Ils s'efforcent d'élargir les possibilités du genre grâce à l'instrumentation et à l'incorporation du multimédia. Après un premier concert réussi au Banff Centre en 2022, le Duo s'est produit localement dans le cadre de la série inaugurale Celebration of Small Ensembles Series de Music TORONTO et internationalement à TROMP Percussion Eindhoven (Pays-Bas).

Originally from Hong Kong, KöNG Duo (Bevis Ng and Hoi Tong Keung) is a Toronto-based percussion duo specializing in contemporary classical music. They strive to expand the possibilities of the genre through instrumentation and the incorporation of multimedia. Following their successful début concert at the Banff Centre in 2022, the Duo has performed locally at the inaugural Celebration of Small Ensembles Series by Music TORONTO and internationally at TROMP Percussion Eindhoven (The Netherlands).

KöNG Duo

Andres E. Elizondo Lopez est étudiant en deuxième année de doctorat à l'Université McMaster et travaille sous la direction du Dr Michael Schutz dans le laboratoire MAPLE. « J'ai une forte passion pour la musique et la psychologie, la cognition musicale étant le pont qui permet de joindre ces sujets et me permet de faire des recherches sur les aspects musicaux de notre perception. J'ai obtenu un diplôme avec mention en psychologie, neuroscience et comportement à McMaster en 2021. Je m'intéresse à la compréhension de la gêne sonore, de la détection, du masquage auditif et à l'utilisation des qualités musicales acoustiques pour informer la conception et les technologies d'alarme. »

Andres E. Elizondo Lopez is a 2nd year PhD student at McMaster University working under Dr. Michael Schutz in the MAPLE Lab. “I have a strong passion for music and psychology, music cognition being the bridge to join those subjects and allows me to research musical aspects of our perception. I graduated with an Honours in Psychology, Neuroscience & Behaviour at McMaster in 2021. I am interested in understanding sound annoyance, detection, auditory masking, and using acoustic musical qualities to inform alarm design and technologies.”

Andres E. Elizondo Lopez

Fabrice Marandola Fabrice Marandola est depuis 2005 Professeur agrégé de percussion et de musique contemporaine à l’École de Musique Schulich de l’Université McGill à Montréal. Il a auparavant enseigné dans les conservatoires d’Auxerre, Angers et Grenoble, au Conservatoire de Paris (Pédagogie), et a été professeur invité de la Crane School of Music (SUNY-Potsdam, USA). Très actif dans le domaine de la musique de création, il commande et interprète de nouvelles œuvres en solo ou en formation de chambre, notamment avec l’ensemble canadien à percussion Sixtrum dont il est l’un des fondateurs. Fabrice Marandola est directeur du CIRMMT (Centre Interdisciplinaire de Recherche en Musique, Médias et Technologie) depuis 2020. Il est titulaire d’un PhD en ethnomusicologie obtenu à Paris IV-Sorbonne et a réalisé de nombreuses recherches de terrain au Cameroun. En 2015-16, il occupait une Chaire de Recherche Senior au Muséum National d’Histoire Naturelle (Paris), pour le projet GesteAcoustique-Musique de Sorbonne-Universités.

Fabrice Marandola is an Associate Professor of Percussion and Contemporary Music at the Schulich School of Music of McGill University (Montreal). Previously, he was a professor of percussion at the conservatories of Angers and Grenoble in France, a pedagogy instructor at the Conservatory of Paris, and an invited professor at the Crane School of Music (SUNY-Potsdam, NY). A founding member of Canadian percussion ensemble Sixtrum, he has an active career on the New Music scene, commissioning, performing and recording new works for solo and chamber ensembles. Marandola holds a PhD in Ethnomusicology from Paris IV-Sorbonne and has conducted in-depth field research in Cameroon. He became the Director of the Centre for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology of Montreal (CIRMMT) in 2020.

As Senior Research Chair at Sorbonne-Universités (2015-16), Marandola led a multidisciplinary research project on Musical Gesture (Geste-Acoustique-Musique).

Nicholas Papador Nicholas Papador est professeur de musique à l'université de Windsor (Ontario). Il est membre fondateur du Noiseborder Ensemble et du Marassa Duo. Il s'est produit au Transplanted Roots Research Symposium, au Puerto Rico Conservatory International Percussion Festivals, à l’Open Ears Festival et au Percussive Arts Society International Convention. Les enregistrements de Papador sont disponibles sur les labels Centrediscs et Redshift. Il a joué à l'écran dans le film River of Fundament, réalisé par Matthew Barney en 2014. Compositeur associé du Centre de musique canadienne, ses compositions sont publiées par un certain nombre d'éditeurs. Papador a reçu des subventions du Conseil des arts de l'Ontario, du Conseil des arts du Canada, du Conseil de recherches en sciences humaines et de la Fondation canadienne pour l'innovation. Papador est un artiste interprète de Yamaha et un artiste qui endosse les baguettes et les maillets de Vic Firth, les cymbales de Sabian et les peaux de tambour d'Evans. Le livre de Papador, Vessels of Song, est à paraître chez Heartland Marimba Publications.

Nicholas Papador is a Professor of Music at the University of Windsor in Ontario. He is a founding member of the Noiseborder Ensemble and Marassa Duo. He has performed at the Transplanted Roots Research Symposium, Puerto Rico Conservatory International Percussion Festivals, the Open Ears Festival, and the Percussive Arts Society International Convention.

Papador’s recordings can be heard on the Centrediscs and Redshift labels. He was an on-screen performer in Matthew Barney’s 2014 film River of Fundament. An Associate Composer with the Canadian Music Centre, his compositions appear with a number of publishers. Papador has received grants from the Ontario Arts Council, Canada Council for the Arts, Social Sciences Humanities Research Council, and Canada Foundation for Innovation. Papador is a Yamaha Performing Artist and an artist endorser for Vic Firth Sticks and Mallets, Sabian Cymbals, and Evans Drumheads. Papador’s book, Vessels of Song, is forthcoming from Heartland Marimba Publications.

Queen's University Percussion Ensemble

L'ensemble de percussions de l'université Queen's est l'un des nombreux ensembles de l'université Queen's qui associent la recherche de l'excellence musicale et l'engagement auprès des communautés musicales de Queen's et de Kingston. L'ensemble, actuellement composé d'étudiants de premier cycle de l'école DAN, donne ses principaux concerts au Isabel Bader Centre for the Performing Arts, et a joué de la musique allant du xylophone ragtime des années 1920 à des pièces post-minimalistes récemment composées au Kazakhstan.

The Queen's University Percussion Ensemble is one of many ensembles at Queen's University that combine a striving for musical excellence with a focus on engaging with the wider Queen's and Kingston music communities. The ensemble, currently made up of undergraduate students from across the DAN school, performs its major concerts at the Isabel Bader Centre for the Performing Arts, and has played music ranging from ragtime xylophone music of the 1920's to recently composed post-minimalist piece from Kazakhstan.

Timothy Roth est un percussionniste, technologue et chercheur basé à Toronto, au Canada. En tant qu'artiste et chercheur, il s'intéresse à divers sujets tels que la performance en direct, l'analyse musicale et la musicologie des archives. En tant qu'interprète - à la fois derrière et devant la table de mixage - il aime s'attaquer à des œuvres pour interprètes avec de l'électronique en direct, qu'elle soit nouvelle ou ancienne. Tim a présenté ses recherches lors de conférences en Amérique du Nord, en Europe et en Asie, et s'est produit au 2023 New Music Gathering à Portland (Oregon) et au 2022 Transplanted Roots Percussion Research Symposium à San Diego (Californie). Titulaire d'une double maîtrise en interprétation des percussions et en technologie musicale/médias numériques de l'Université de Toronto, il contribue activement en tant qu'assistant de recherche au laboratoire de recherche sur l'intégration de la technologie et de la performance (TaPIR), tout en étant professeur auxiliaire au Niagara County Community College.

Timothy Roth is a percussionist, technologist and researcher based in Toronto, Canada. As an artist and researcher, he has a diverse range of interests ranging from topics in live performance, music analysis, and archival musicology. As a performer–both behind the mixing board and in front of it¬¬–he enjoys tackling works for performers with live electronics, both new and old. Tim has presented his research at conferences in North America, Europe and Asia and performed at the 2023 New Music Gathering in Portland, Oregon and the 2022 Transplanted Roots Percussion Research Symposium in San Diego, California. Holding dual Masters degrees in Percussion Performance and Music Technology/Digital Media from the University of Toronto, he actively contributes as a research assistant at the Technology and Performance Integration Research (TaPIR) Lab while also serving as an Adjunct Instructor at Niagara County Community College.

Timothy Roth

Gina Ryan est professeure au département de musique de l'Université du Québec à Montréal.

En tant que compositrice et percussionniste, elle a présenté ses œuvres au Canada, aux ÉtatsUnis, en Thaïlande, au Mexique, en France, au Japon et en Chine. Son spectacle interdisciplinaire " Régénération : Murmures d'espoir " a récemment fait l'objet d'un concert au Earth Day Art Model Telematic Festival (Indiana University Purdue University). En tant que YouTubeur actif, elle a publié plus de 80 vidéos sur sa chaîne, y compris des performances et des tutoriels, et elle a travaillé avec plusieurs compositeurs canadiens, dont Éric Champagne, Brian Cherney et Stacey Brown. Mme Ryan est régulièrement invitée à donner des ateliers et des classes de maître et à faire office de juge au Canada et à l'étranger. Elle est titulaire d'un doctorat en éducation musicale et d'une maîtrise en interprétation de l'Université McGill, ainsi que d'une licence en interprétation musicale de l'Université de Toronto et d'une licence en éducation musicale de l'Université Memorial de Terre-Neuve.

Gina Ryan is a professor at the department of music at the University of Quebec in Montreal. As a composer and percussionist, she has performed her works in Canada, the United States, Thailand, Mexico, France, Japan, and China. Her interdisciplinary show, « Regeneration: Murmurs d’espoir » was recently a concert feature at the Earth Day Art Model Telematic Festival (Indiana University Purdue University). As an active YouTuber, she has published over 80 videos on her channel, including Gina Ryan performances and tutorials, and she has worked with several Canadian composers, including Éric Champagne, Brian Cherney and Stacey Brown. Dr. Ryan is regularly invited to give workshops and masterclasses and to serve as an adjudicator both here in Canada and abroad. She has her PhD in music education and master’s in performance from McGill University, as well as a bachelor’s in music performance from the University of Toronto and a bachelor’s in music education from Memorial University of Newfoundland.

Connu pour son profil novateur en performance, enseignement et recherche, le Dr Michael Schutz est actuellement professeur agrégé de cognition musicale/percussion à l'Université McMaster, où il est actuellement University Scholar en reconnaissance de son travail reliant la performance musicale et la perception de la musique. Il est le directeur et fondateur du MAPLE Lab et l'un des principaux membres du McMaster Institute for Music and the Mind. Les recherches du Dr Schutz sont soutenues par Michael Schutz des subventions d'organismes canadiens tels que la Fondation canadienne pour l'innovation (FCI), le Conseil de recherches en sciences naturelles et en génie (CRSNG), le Conseil de recherches en sciences humaines du Canada (CRSH) et la Bourse de début de carrière de l'Ontario, ainsi que d'organismes internationaux tels que les National Institutes of Health (NIH) et l'American Academy of Audiology. Il a participé à des émissions de télévision et de radio, notamment On The Nature of Things, Quirks & Quarks et Ontario Today with Rita Celli. Ses découvertes reçoivent l'attention de la presse écrite et figurent désormais dans plusieurs manuels, notamment Psychology of Music (Tan, Pfordresher, & Harre, 2010, Psychology Press), Cognitive Psychology (Robinson-Riegler & Robinson-Riegler, Pearson-3e édition), et The Psychology of Music in Multimedia (Tan et al., 2013, Oxford University Press).

Michael est actif au sein de la Percussive Arts Society (PAS) et de la Society for Music Perception and Cognition (SMPC), et a été président du comité de programmation de la SMPC 2013 (Toronto).

Il a été élu pour un mandat de trois ans au conseil d'administration de la SMPC en 2014.

Known for his innovative blend of performance, teaching and research, Dr. Michael Schutz is currently Associate Professor of Music Cognition/Percussion at McMaster University, where he is currently University Scholar in recognition of his work connecting music performance and music perception. He is the founding director of the MAPLE Lab and a core member of the McMaster Institute for Music and the Mind. Dr. Schutz’s research is supported by grants from Canadian agencies such as the Canadian Foundation for Innovation (CFI), Natural Sciences and Engineering Research Council (NSERC), Social Sciences and Humanities Research Council ofCanada (SSHRC), and Ontario’s Early Researcher Award (ERA), as well as international agencies such as the National Institutes of Health (NIH) and the American Academy of Audiology.

He has been featured on both television and radio broadcasts including On the Nature of Things, Quirks & Quarks, and Ontario Today with Rita Celli. His findings receive attention in print media, and now appears in multiple textbooks including Psychology of Music (Tan, Pfordresher, & Harre, 2010, Psychology Press), Cognitive Psychology (Robinson-Riegler & Robinson-Riegler, Pearson3rd edition), and The Psychology of Music in Multimedia (Tan et al., 2013, Oxford University Press). Michael is active in the Percussive Arts Society (PAS) and the Society for Music Perception and Cognition (SMPC) and served as Chair of the Programming Committee for SMPC 2013 (Toronto). He was elected to a three-year term on SMPC Board in 2014.

Marie-Josée Simard Percussionniste remarquable, Marie-Josée Simard a été la première femme à obtenir un premier prix de percussion au Conservatoire de musique de Montréal en 1979. Elle s'est ensuite perfectionnée à Londres sous la direction de James Blades de la Royal Academy of Music, puis à New York auprès de l'éminent marimbiste Leigh Howard Stevens. Au cours de ses quarante ans de carrière, elle s'est beaucoup produite au Canada, au Mexique, en Corée, en Chine, en Pologne et en France. Dans son pays d'origine, elle n'a cessé de promouvoir la création d'œuvres canadiennes, tant pour orchestre symphonique que pour musique de chambre, ainsi que d'œuvres solo en percussion. En septembre 2015, elle a obtenu la bourse Studio/Résidence du CALQ au Tokyo Wonder Site Residency. Elle y a vécu pendant trois mois et a travaillé avec la marimbiste de renommée internationale Keiko Abe, professeure à l'école Toho Gaguen. En 2016, Marie-Josée Simard a entrepris une tournée de dix-sept concerts en Chine, suivie en 2019 de neuf concerts avec le Trio En Trois Couleurs, un ensemble créé à son initiative avec la complicité artistique des pianistes François Bourassa et Yves Léveillé. Artiste YAMAHA (marimba) et SABIAN (cymbales), elle a formé en 2017 un duo avec la célèbre pianiste contemporaine Louise Bessette dédié à la musique des 20e et 21e siècles. Elle a récemment créé un 14e Concerto pour marimba et vibraphone avec l'Orchestre National de Jazz, composé par Christine Jensen, Marianne Trudel et Jean-Nicolas Trottier, à la Cinquième salle de la Place des Arts de Montréal en décembre 2021. La discographie de Marie-Josée Simard comprend neuf CD avec dix créations, quatre compositions originales et 27 adaptations d'œuvres classiques et de musique du monde. Après plus de quarante ans d'activité dans le domaine artistique, Mme Simard s'est forgé une solide réputation internationale qui fait l'admiration du public mélomane et de ses pairs.

A remarkable percussionist, Marie-Josée Simard was the first woman to be awarded a First Prize in percussion at the Conservatoire de musique de Montréal in 1979. She went on to perfect her skills in London under the direction of James Blades of the Royal Academy of Music, and then in New York with eminent marimbist Leigh Howard Stevens.During her forty-year career, she has performed extensively in Canada, Mexico, Korea, China, Poland and France. In her home country, she has consistently promoted the creation of Canadian works, both for symphony orchestra and chamber music, as well as solo works in percussion. In September 2015, she was awarded the CALQ Studio/Residency grant at the Tokyo Wonder Site Residency. She lived there for three months and worked with the internationally renowned marimbist Keiko Abe, professor at the Toho Gaguen School. In 2016, Marie-Josée Simard undertook a seventeen-concert tour of China, followed in 2019 by nine concerts with the Trio En Trois Couleurs, an ensemble created at her initiative with the artistic complicity of pianists François Bourassa and Yves Léveillé. A YAMAHA (marimba) and SABIAN (cymbals) artist, in 2017 she formed a duet with renowned contemporary pianist Louise Bessette dedicated to the music of the 20th and 21st centuries. She recently premiered a 14th Concerto for marimba and vibraphone with the Orchestre National de Jazz, composed by Christine Jensen, Marianne Trudel and Jean-Nicolas Trottier, at the Cinquième salle de la Place des Arts de Montréal in December 2021. Marie-Josée Simard's discography includes nine CDs with ten premieres, four original compositions, and 27 adaptations of classical and world music works.

After more than forty years of activity in the artistic field, Ms. Simard has built a sterling international reputation that is admired by both the music-loving audience and her peers.

SIXTRUM Percussion SIXTRUM propose une exploration débridée de la percussion contemporaine tout en maintenant un lien solide avec les œuvres majeures du XXe siècle. Formé de virtuoses aux multiples talents, SIXTRUM renouvelle sans cesse son univers en se confrontant à d’autres disciplines et genres artistiques. Chacune des collaborations du groupe vise à trouver des formes d’expression inédites et des manières originales de toucher le public. L’objectif : transformer notre rapport avec la musique.

Les spectacles de SIXTRUM s’adressent aux curieux et aux amateurs de nouvelles expériences. À travers ses concerts, ateliers et animations, l’ensemble se met en scène pour partager sa passion pour l’expérimentation et la création. L’excellence et le plaisir de la découverte sont au cœur des motivations de ses membres. SIXTRUM aspire à devenir un pôle majeur de la percussion de demain. SIXTRUM est en résidence à la Faculté de musique de l’Université de Montréal et bénéficie du soutien des conseils des arts de Montréal, du Québec et du Canada.

With roots firmly planted in the major classics that formed the percussion ensemble genre of the 20th Century, today SIXTRUM embarks on an unbridled exploration of contemporary percussion.

Made up of virtuosic and multi-talented performers, SIXTRUM renews its artistic universe through constant confrontation with other art forms and other musical genres. Every collaboration aims to investigate new forms of expression and new modes of presentation that will form new links between music, musicians and audience.

Striving for excellence and the thrill of discovery are key motivators as SIXTRUM aims to become a reference in the percussion world of tomorrow. Whether in concert, spectacle, workshop or discussion, when SIXTRUM takes the stage, it is to share a passion for creation, experimentation, and percussion. SIXTRUM’s music is ideal for the curious listener of any age. SIXTRUM is in residence at the Faculty of Music of the Université de Montréal and is supported by the Conseil des Arts de Montréal, the Conseil des Arts et des Lettres du Québec, and the Canada Council for the Arts.

Stephen Solook Le percussionniste et spécialiste de la musique nouvelle Stephen Solook est basé à Buffalo, dans l'État de New York. En 2021, il a été finaliste du prix de l'artiste de l'année décerné par Art Services Inc. Spark Awards, a reçu les meilleurs prix du concours de composition The Vibraphone Projects, et a reçu un New York State Council on the Arts Individual Award pour composer une grande œuvre pour vibraphoniste parlant. Solook enseigne les percussions à l'université d'État de Buffalo, accompagne le département de danse de l'université de Buffalo, travaille pour l'orchestre philharmonique de Buffalo en tant que figurant et artiste enseignant, et fait partie du duo Aurora Borealis (pour voix et percussions). Ses compositions sont publiées par Bachovich Music Publications. On peut entendre Steve sur les labels Bridge, Vortex et Mode, et il est le talent à l'écran de la populaire série "Standard of Excellence" sur les caisses claires. Ses recherches portent sur le développement du vibraphone et sur le croisement de la dyslexie et des processus d'apprentissage de la musique.

Percussionist and new music specialist Stephen Solook is based in Buffalo, NY. In 2021, he was a finalist for Artist of the Year from Art Services Inc. Spark Awards, received top awards in The Vibraphone Projects composition competition, and received a New York State Council on the Arts Individual Award to compose a large composition for speaking vibraphonist. Dr. Solook teaches percussion at Buffalo State University, is a dance accompanist for the University at Buffalo Dance Department, works for the Buffalo Philharmonic Orchestra as an extra and teaching artist, and is in the duo Aurora Borealis (for voice and percussion). His compositions are published by Bachovich Music Publications. Steve can be heard on Bridge, Vortex, and Mode record labels, and is the on-screen talent for the popular “Standard of Excellence” snare drum series. His research is on developing the vibraphone, and the cross intersection of dyslexia and music learning processes.

Victoria Sparks Victoria Sparks est une percussionniste de Winnipeg qui se produit en tant que timbalière et percussionniste principale avec le Manitoba Chamber Orchestra, et travaille régulièrement avec d'autres organisations artistiques manitobaines, notamment le Winnipeg Symphony Orchestra et la Groundswell New Music Series.

Férue de musique solo et de musique de chambre, Victoria se produit avec le duo clarinette/percussion Viðarneisti aux côtés de Catherine Wood. Elle a récemment créé un nouveau concerto pour percussions, Waking the Lion, de la célèbre compositrice canadienne Alexina Louie. Victoria est responsable du secteur des percussions à la Faculté de musique Desautels de l'Université du Manitoba, où elle donne des cours, dirige l'ensemble de percussions et enseigne les techniques de percussion. Elle est la fondatrice et la directrice du MBA Prairie Percussion Workshop (depuis 2012), un événement annuel d'éducation et de performance pour les étudiants en percussion. Elle est présidente du conseil d'administration de Groundswell Inc. et trésorière de l'Association des professeurs de l'Université du Manitoba. Victoria est une artiste Yamaha et est fière de soutenir leurs projets créatifs et éducatifs.

Victoria Sparks is a Winnipeg based percussionist who performs as principal Timpani/Percussion with the Manitoba Chamber Orchestra and regularly works with other Manitoban arts organizations, including the Winnipeg Symphony Orchestra and the Groundswell New Music Series. An avid solo and chamber musician, Victoria performs with the clarinet/percussion duo Viðarneisti alongside Catherine Wood. She recently premiered a new percussion concerto Waking the Lion by renowned Canadian composer Alexina Louie.

Victoria is the Percussion Area Head for the Desautels Faculty of Music at the University of Manitoba, teaching lessons, directing the percussion ensemble and teaching percussion techniques. She is the founder and director of the MBA Prairie Percussion Workshop (since 2012), an annual education and performance event for percussion students. She serves as the President of the executive board of Groundswell Inc and as Treasurer for the University of Manitoba Faculty Association. Victoria is a Yamaha Artist and proud to support their creative and educational projects.

Né en 1971 dans la région de Strasbourg au sein d’une famille de musiciens invétérés, Philippe Spiesser a été plongé dans l’univers de la musique depuis le plus jeune âge. Il étudiera ensuite au Conservatoire de Musique de Strasbourg, dans la classe de Jean Batigne, célèbre fondateur des Percussions de Strasbourg. En 1997, il est Lauréat du Concours Européen des Jeunes Talents : plus qu’un simple percussionniste, il se révèle alors en musicien captivant et atypique. Philippe Spiesser reste toujours en mouvement et s’enrichit au contact d’autres univers artistiques, comme la danse, le théâtre, la vidéo ou encore les nouvelles technologies. Il multiplie les expériences inédites et les rencontres variées avec des créateurs d’origines diverses. Il est ainsi dédicataire et premier interprète de très nombreuses oeuvres pour percussion des compositeurs tels que Ph. Hurel, P. Jodlowski, B. Mantovani, M. Matalon, Ph. Leroux, J-M Lopez Lopez, M. Lupone, A. Carretero, E. Sikora, C. Lauba, D. Kaufmann, B. Letort, M. Zavala, D. Tosi, B. Dubedout, L. Bianchini, M.Hosseini, A. Corrales, M-H Fournier, D. Dufour, K. Narita, J. Sarwas, A. Vert, J-M Fernandez. Concertiste passionné, Philippe Spiesser est invité en tant que soliste dans les plus prestigieux festivals de création musicale, Philippe Spiesser notamment à La Biennale de Venise, l’Electronic Music Week de Shanghaï, le PAS Festival de Pékin, HKU de Hong Kong, Asbury-Park à New York, Arte Scienza et RomaEuropa à Rome, Tchaïkovski Festival de Moscou, Autumn Festival de St Petersburg, Ars Musica à Bruxelles, Gaida Festival de Vilnius, Festival de Wroclaw, Ritmo Vital de Madrid, Italy PAS de Pescara, Percussive Days de Paris, Musica à Strasbourg, Aujourd’hui Musiques à Perpignan, Novelum à Toulouse, Palais de Tokyo à Paris, Label Suisse à Lausanne.Plus récemment, il a joué les concertos pour percussion, Variations IV de Philippe Hurel et D Tourner de Philippe Leroux avec le Lemanic Modern Ensemble sous la direction de Jean Deroyer, a enregistré le Concerto pour percussion de Xavier Benguerel avec la Camerata de France et a été invité à jouer en soliste avec les Orchestres Symphoniques de Pékin et de Shenyang, l’Orchestre Universitaire de Strasbourg, et les ensembles Neopercusion, Amores et Kontakte.

Toujours en quête d’apprentissage et de perfectionnement, Philippe Spiesser s’investit depuis quelques années dans la recherche musicale et les nouveaux modes d’expression artistique qu’offre les nouvelles technologies. Depuis 2012, il est ainsi en résidence au Centro Ricerche Musicali de Rome où il participe activement à la recherche sur de nouveaux instruments acoustiques transformés par l’électronique, Feed Drum et SkinAct, inventés par le compositeur et chercheur, Michelangelo Lupone. En parallèle, il est responsable depuis 2013 de deux projets de recherche développés à l’Institut de recherche en musique et arts de la scène (IRMAS) au sein de la Haute Ecole de Musique de Genève. « SkinActive », projet visant à développer un instrument de percussion à peau augmenté par l’électronique et capable de changer les hauteurs de son et les timbres, en partenariat avec le Centro Ricerche Musicali de Rome. Et « GeKiPe »,

projet visant à développer un outil de captation gestuelle générant images et sons, modulés en temps réel, en partenariat avec l’IRCAM Centre Pompidou de Paris.Pédagogue reconnu et apprécié, Philippe Spiesser a été nommé professeur de percussion à la Haute Ecole de Musique de Genève en 2009. Il y est désormais professeur principal et responsable de la classe de Percussion. Tout jeune professeur, Philippe Spiesser a semé son talent de professeur passionné au CRR de Perpignan, et ce pendant 26 ans, ainsi qu’à l’Escola Superior Neopercusion de Madrid durant 5 ans, au Conservatori Superior de Música des Îles Baléares durant 5 ans et encore au CRR de Toulon durant 4 ans. Toujours désireux de transmettre sa passion, il donne régulièrement des Masterclass dans les plus grands Conservatoires et Universités à travers le monde tels que Royal Academy of Music de Londres, Alfonso X à Madrid, Esmuc à Barcelone, Conservatoire Royal de Bruxelles, Santa Cecilia à Rome, Hochschuhle de Stuttgart, Mannheim, Conservatoires Supérieurs de Paris, Conservatoire Supérieurs de Pékin, Shanghai, Sheynyang, Dalian, Université de Honk Kong, Université de Lima, Université d’Izmir. Jury dans de nombreux concours internationaux, il a été en 2019, le président du jury du prestigieux Concours International de Genève.

More than a percussionist Philippe Spiesser is an atypical and enthralling musician. Born in 1971 in France, and coming from a family of musicians, he studied percussion at the Strasbourg Superior Conservatory of Music. Winner of the European Competition for Young Talents in 1997, he is always travelling and searching for new experiences and meetings with creators from all artistic origins such as dance, theatre, image and electronic sounds. Polymorphous musician, he performs throughout the world as a soloist and as a chamber musician in numerous international festivals like Electronic Music Week in Shanghaï, Percussion Festival in Beijing, Musicá in Lima, Arte Scienza and RomaEuropa in Rome, Ars Musica in Bruxelles, Musica in Strasbourg, Présences in Paris, Ritmo Vital in Madrid, Gaida in Vilnius, Italy PAS in Pescara, where he promotes new projects and is keen on premiering pieces by composers such as Hurel, Jodlowski, Mantovani, Manoury, Narita, Lopez Lopez, Lupone, Vert. Philippe Spiesser is also invited to play as soloist with orchestras such as Strasbourg Philharmonique Orchestra, Camerata de France, Chinese Shenyang orchestra, Modern Lemanic Ensemble, Languedoc Mediterranean Orchestra. Pedagogue unanimously appreciated; Philippe Spiesser is head teacher in charge of the Percussion Studies at the HEM Geneva Superior Conservatory of Music in Switzerland. Previously he has been teaching 26 years at the National Conservatory of Perpignan in France, 5 years in Madrid Neopercusion and 5 years in Palma de Mallorca Superior Conservatory of Music. Additionally, he gives masterclasses in numerous Music Universities around the world, such as Royal Academy of Music in London, Alfonso X in Madrid, Esmuc in Barcelona, Conservatoire Royal de Bruxelles, Santa Cecilia in Rome, Hochschuhle in Stuttgart, Mannheim, Superior Conservatories in Paris, Beijing, Shanghai, Sheynyang, Dalian, Honk Kong, Lima, Izmir… Since 2012, he also has an artist residence at the Centro Ricerche Musicali in Rome, where he is dedicated to research on new music with acoustic instruments processed by electronics, in particular SkinAct and Feed Drum invented by the composer and researcher Michelangelo Lupone. In the same area, since 2015, Philippe Spiesser is leading a new research project on gesture capture, GeKiPe, at the HEM Geneva Superior Conservatory of Music in partnership with the IRCAM Center Pompidou in Paris. Jury in many international competitions, Philippe Spiesser was in 2019, the president of the jury of the prestigious Geneva International Competition.

Daniel Akira Stadnicki

Daniel Akira Stadnicki est un batteur primé, un chercheur et un éducateur de musique populaire basé à amiskwaciwâskahikan (Edmonton, Alberta). Il enseigne actuellement la batterie et les percussions à l'université MacEwan et a publié des articles sur une grande variété de sujets liés à la batterie, notamment pour MUSICultures (à paraître), le Journal of Popular Music Education (2017, 2021), The Drummers Journal (2013) et le Cambridge Companion to the Drum Kit (2021). Outre ses travaux universitaires, Daniel Akira a participé à plus de 40 enregistrements professionnels et continue de se produire avec plusieurs artistes roots et world canadiennes, dont Farhad Khosravi, Spencer Murray et The McDades.

Daniel Akira Stadnicki is an award-winning drummer, scholar, and popular music educator based in amiskwaciwâskahikan (Edmonton, Alberta). Currently teaching drums and percussion at MacEwan University, he has published on a wide variety of drumming-related topics, including for MUSICultures (forthcoming), the Journal of Popular Music Education (2017, 2021), The Drummers Journal (2013), and the Cambridge Companion to the Drum Kit (2021). In addition to his scholarly work, Daniel Akira has also appeared on over 40 professional recordings and continues to perform with several Canadian roots and world artists, including Farhad Khosravi, Spencer Murray, and The McDades.

Percussionniste établi à Montréal, David Therrien Brongo mène une carrière d’interprète, de pédagogue et de chercheur. Reconnu pour sa virtuosité, sa musicalité et son travail rigoureux, il cumule les collaborations avec différents ensembles, dont l’Orchestre de l’Agora et l’Orchestre symphonique du Saguenay-Lac-Saint-Jean, où il occupe les postes de timbalier-percussionniste solo, et le Duo AIRS, duquel il est membre fondateur. De 2016 à 2023, il a occupé le poste de percussionniste solo de l’ensemble Paramirabo. Il est aussi surnuméraire au sein de nombreuses formations, telles que l'Orchestre symphonique de Montréal, l'Orchestre Métropolitain, l'Orchestre symphonique de Québec, la Société de musique contemporaine du Québec, l’ensemble Sixtrum et le Nouvel Ensemble Moderne. David a obtenu un doctorat en interprétation de l’École de musique Schulich de l’Université McGill sous la direction de Fabrice Marandola, où ses recherches, financées par le Conseil de recherches en sciences humaines, portaient sur la percussion solo au Québec.

Percussionniste établi à Montréal, David Therrien Brongo mène une carrière d’interprète, de pédagogue et de chercheur. Reconnu pour sa virtuosité, sa musicalité et son travail rigoureux, il cumule les collaborations avec différents ensembles, dont l’Orchestre de l’Agora et l’Orchestre symphonique du Saguenay-Lac-Saint-Jean, où il occupe les postes de timbalier-percussionniste solo, et le Duo AIRS, duquel il est membre fondateur. De 2016 à 2023, il a occupé le poste de percussionniste solo de l’ensemble Paramirabo. Il est aussi surnuméraire au sein de nombreuses formations, telles que l'Orchestre symphonique de Montréal, l'Orchestre Métropolitain, l'Orchestre symphonique de Québec, la Société de musique contemporaine du Québec, l’ensemble Sixtrum et le Nouvel Ensemble Moderne. David a obtenu un doctorat en interprétation de l’École de musique Schulich de l’Université McGill sous la direction de Fabrice Marandola, où ses recherches, financées par le Conseil de recherches en sciences humaines, portaient sur la percussion solo au Québec.

David Therrien Brongo

Dominic Thibault Dominic Thibault est un musicien électronique, un compositeur, un improvisateur, un codeur, un enseignant, membre du duo Tout Croche, co-directeur du label The Silent Howl. Sa musique est à la croisée de la musique concrète, de la noise, de la techno minimale et du paysage sonore. En tant que professeur adjoint à la Faculté de musique de l'Université de Montréal, il enseigne la composition, l'informatique musicale et les techniques de studio au 1er cycle. Il supervise également des étudiants supérieurs dans le domaine de la création sonore et la composition. Il est co-directeur du Laboratoire Formes·Ondes et membre actif du CIRMMT et de l'OICRM. Dominic Thibault s'intéresse aux systèmes d'interaction qui se construisent dans le domaine des musiques numériques. Plus particulièrement, il porte son attention sur les interactions humain-machine et à leur impact dans le cadre de la création musicale. Sa recherche-création prend la forme de compositions électroacoustiques, de performances audiovisuelles, de logiciels musicaux, d'improvisations bruitistes.

Son enseignement aborde principalement l'informatique musicale et la créativité en studio. Il Ses musiques ont été publiées chez les maisons discographique The Silent Howl, Entr'acte, Kohlenstoff et Mikro Climat. Ses recherches sont financées par les organisation suivantes : Fonds de recherche du Québec – Société et culure (FRQSC), Observatoire interdisciplinaire de création et de recherche en musique (OICRM), le Centre for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology (CIRMMT) et le Conseil des arts et lettres du Québec.

Dominic Thibault is an electronic musician, composer, improviser, coder, teacher, member of the Tout Croche duo and co-director of The Silent Howl label. His music is at the crossroads of musique concrète, noise, minimal techno and soundscape. As assistant professor at the Université de Montréal's Faculty of Music, he teaches composition, computer music and studio techniques at the undergraduate level.

He also supervises graduate students in sound creation and composition. He is co-director of the Formes-Ondes Laboratory and an active member of CIRMMT and OICRM. Dominic Thibault is interested in the interaction systems built up in the field of digital music. More specifically, he focuses on human-machine interactions and their impact on musical creation. His creative research takes the form of electroacoustic compositions, audiovisual performances, musical software and noisy improvisations. His teaching focuses on computer music and studio creativity. His music has been published by The Silent Howl, Entr'acte, Kohlenstoff and Mikro Climat. His research is funded by the following organizations : Fonds de recherche du Québec - Société et culure (FRQSC), Observatoire interdisciplinaire de création et de recherche en musique (OICRM), Centre for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology (CIRMMT) and Conseil des arts et lettres du Québec.

Bavo Van Kerrebroeck Je travaille comme chercheur post-doctoral au sein du Sequence Production Lab et de l’Input Devices and Music Interaction Lab de l'Université McGill. Auparavant, j'ai obtenu un doctorat en musicologie à l'IPEM, le laboratoire de recherche sur la cognition musicale incarnée de l'université de Gand, ainsi qu'un master en informatique et ingénierie à l'IRCAM et à la KULeuven.

I am working as a post-doctoral researcher in the Sequence Production Lab and the Input Devices and Music Interaction Lab of McGill University. Previously, I completed a PhD in Musicology at IPEM, the research lab investigating embodied music cognition at Ghent University, and obtained Master degrees in computer science and engineering at IRCAM and the KULeuven.

Percussionniste polyvalent s’exprimant par le biais de la musique classique, contemporaine ou jazz, Joseph obtient, en 2018, une maîtrise en percussion mention “Exceptionnel” dans la classe de Julien Grégoire à l’Université de Montréal. Durant ses premières années à Montréal, Joseph se fait rapidement remarquer comme chambriste et soliste de premier plan. Il est finaliste du concours de concerto de l’Orchestre de l’Université de Montréal et remporte le premier prix du concours de concerto de l’Orchestre Philharmonique des Musiciens de Montréal en 2019 ce qui lui octroie sa première expérience avec un orchestre dans le concerto de vibraphone de Nathan Daughtrey. Dans le cadre de ses études de doctorat, Joseph se spécialise en marimba et s’attelle à un travail conséquent de transcription du répertoire pour piano du compositeur André Mathieu.

L’objectif de sa démarche est de participer à l’élargissement du répertoire pour marimba ainsi qu’à la revitalisation du patrimoine musical québécois.

A versatile percussionist who expresses himself through classical, contemporary and jazz music, Joseph graduated in 2018 with a master's degree in percussion with "Exceptional" honors in Julien Grégoire's class at the Université de Montréal. During his early years in Montreal, Joseph quickly made a name for himself as a leading chamber musician and soloist. He was a finalist in the Orchestre de l'Université de Montréal concerto competition and won first prize in the Orchestre Philharmonique des Musiciens de Montréal concerto competition in 2019, which gave him his first experience with an orchestra in Nathan Daughtrey's vibraphone concerto. As part of his doctoral studies, Joseph specializes in marimba, and is currently working on a major transcription of composer André Mathieu's piano repertoire. His aim is to help expand the marimba repertoire and revitalize Quebec's musical heritage.

Joseph Visseaux

Connor Wessel Connor Wessel est un étudiant en deuxième année de doctorat au laboratoire MAPLE de l'Université McMaster, sous la supervision du Dr Michael Schutz. Les recherches de Connor portent sur la psychoacoustique, c'est-à-dire sur la façon dont les caractéristiques du son s'intègrent à la perception et au comportement qui en découle. Il a d'abord obtenu sa licence et sa maîtrise à l'université de Plymouth, en Angleterre, où il a mené des recherches sur les alarmes auditives avec le Dr Judy Edworthy. Ses recherches actuelles au laboratoire MAPLE portent sur la façon dont l'ajout de timbres métalliques aux sons peut améliorer leur détection et leur discrimination les uns par rapport aux autres. Outre ses activités de recherche, Connor est également un musicien passionné qui aime jouer de la trompette, du piano et chanter dans des chorales.

Connor Wessel is a second-year PhD student at McMaster University's MAPLE lab, under the supervision of Dr. Michael Schutz. Connor's research focuses on psychoacoustics - how features of sound map onto perception and subsequent behaviour. He originally completed his Bachelor's and Master's degree at the University of Plymouth in England, where he conducted research into auditory alarms with Dr. Judy Edworthy. His current research at the MAPLE lab focuses on how adding metallic timbres to sounds can improve their detection and discrimination from one another. Aside from his research activities, Connor is also an avid musician who enjoys playing trumpet, piano, and singing in choirs.

Satoshi Yamaguchi est le batteur de RADWIMPS, un groupe de rock japonais très populaire en Asie, aux États-Unis et en Europe. Leur popularité a été en partie alimentée par la chanson thème du film d'animation "your name", qui est devenu un succès mondial. Malgré le succès du groupe, son parcours musical a pris un tournant inattendu il y a neuf ans, lorsqu'on lui a diagnostiqué une dystonie du musicien. Après une longue interruption, Yamaguchi a rencontré un neuroscientifique qui mène actuellement une étude sur la dystonie du musicien chez les batteurs à l'université de Keio.

Satoshi Yamaguchi is the drummer of RADWIMPS, a Japanese rock band with a strong following across Asia, as well as in the US and Europe. Their popularity was partly fueled by the theme song for the anime feature ‘your name.’ which became a global hit. While the band was successful, his music journey took an unexpected turn nine years ago when he was diagnosed with musician’s dystonia. Following a prolonged hiatus, Yamaguchi met a neuroscientist, and he currently conducts a study on musician’s dystonia in drummers at Keio University.

Satoshi Yamaguchi

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Remerciements / Thank you!

Merci aux artistes qui ont participé à ces trois jours de percussion formidables co-produits par le Réseau Canadien de la Percussion et la Société des arts percussifs du Québec, et qui nous ont offert leur grand talent, contribuant ainsi au succès de ces journées.

Thank you to all the artists who participated in these three amazing percussion-filled days, coproduced by the Canadian Percussion Network and the Quebec Chapter of the Percussive Arts Society, and who shared their special talents, contributing to the success of this event.

Nous tenons à remercier chaleureusement / Warm thank you to Le comité d’organisation / The organizing committee Fabrice Marandola ･ Michael Schutz ･ Kristie Ibrahim ･ Shawn Mativetsky Le comité de revue du RCP / The CPN reviewing committee Mark Adam ･ Claude Bonzon ･ Aiyun Huang ･Fabrice Marandola ･Mark Morton ･ Scott Deal ･ Gina Ryan ･ Michael Schutz Les membres du comité QC-PAS / QC-PAS Committee Members Shawn Mativetsky, Président ･ Raphaël Guay, Vice-Président ･ Kristie Ibrahim, Vice-Présidente ･ Brydone Charlton, Secrétaire Les étudiants et professeurs du studio de percussion de McGill / McGill Percussion studio students and professors Polly Aretakis ･ William Barbieri ･ Emilio Biggs ･ Aaron Carrera Lopez ･ Joseph Chang･ Charles Chiovato Rambaldo ･ Martin Daigle ･ Antonin Granier ･ Stuart Jackson ･ Legeine Kok ･ Manuel López Tovar ･ Zhuying Li ･ Theo Lysyk ･ Tate Orlita ･ Huizi Wang ･ Amanda Watson ･ Amanda Wolschleger Kristie Ibrahim ･ Alexandre Lavoie ･ Fabrice Marandola ･ Shawn Mativetsky L’équipe logistique / The logistics team Brydone Charlton (directeur technique Journée de la percussion / Technical Director Day of Percussion) ･ Martin Daigle (Électronique / Electronics) ･ Manuel López Tovar (Pollack Hall) ･ Theo Lysyk (Tanna Schulich Hall) ･ Huizi Wang (Video) L’École de musique Schulich de l’Université McGill / Schulich School of Music of McGill University Communication & Production Studio de composition électronique / Digital Composition Studio CIRMMT - Centre Interdisciplinaire de Recherche en Musique, Médias et Technologie / Centre for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology Coordinatrice du Réseau Canadien de la Percussion/ Canadian Percussion Network Coordinator Julie Park (MAPLE Lab) Graphisme / Graphics Julie Ferland ･ Huizi Wang

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L'appel à propositions est maintenant ouvert. / Call for proposal is now open: La date limite de dépôt des candidatures est fixée au 15 mars 2024. / Submissions are due March 15th,2024