Alejandra Aranda - Entrega Architecture Portfolio - Historia del Arte - RIBA Part 1 - ULima 2021-1

P O R T A F O L I O

HISTORIA DEL ARTE

2021 - 1

SARA ALEJANDRA ARANDA CARRERA 20202511 SECCIÓN 325 PROFESORES: CRISTINA DREIFUSS

Facultad de Ingeniería y Arquitectura

Carrera de Arquitectura - Área de XXXXX Ciclo 2021 - 1

Nombre del curso

HISTORIA DEL ARTE

Sumilla del curso El curso de Historia del Arte es una asignatura teórica obligatoria, que inicia los cursos de Historia y Teoría de la Arquitectura. En su desarrollo se ofrecerá un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días.

Objetivos del curso Objetivo general: Otorgar al estudiante una primera aproximación a la Historia del Arte, a través de la investigación en teoría y el análisis de obras, ofreciendo un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días.

Objetivos específicos: • Conocer y reconocer las principales corrientes estilísticas y formales a lo largo de la historia del arte occidental.

• Dar al estudiante ejemplos que sirvan de marco para entender el devenir del arte, al tomar a su historia como punto de partida.

• Sentar una base adecuada para el estudio posterior de la historia de la arquitectura • Desarrollar habilidades básicas de investigación científica.

Extraños Comienzos ………………………………… 08 Poder ………………………………………………………. 12

T A B L A D E

C O N T E N I D O

Placer ……………………………………………………... 18 Poder y Placer en la antigua Roma ………….. 24 Síntesis de la antigüedad …………………………. 28 Islam ………………………………………………………… 34 Románico y Gótico …………………………………… 38 Renacimiento ………………………………………….. 42 Luz en el Barroco …………………………………….. 46 Pre impresionismo ………………………………….. 50 Neoclásico ………………………………………………. 54 Trabajo Final …………………………………………… 58 CV ………………………………………………………….. 62

C R I T E R I O S

R I B A

CG2

Conocimiento adecuado de las historias y las teorías de arquitectura y las relacionadas al arte, la tecnología y las ciencias humanas.

CG3

Conocimiento de las bellas artes, como una influencia sobre la calidad del diseño arquitectónico.

CG7

Comprensión de los métodos de investigación y preparación de un sumario para un proyecto de diseño.

EXTRAÑOS COMIENZOS Semana 2 Criterios RIBA: CG2, CG3 y CG7 Calificación:2/3

Extraños Comienzos

Lo que teníamos que hacer para este ejercicio era leer la obra “Extraños Comienzos” de Gombrich. Luego tuvimos que realizar un resumen gráfico, donde debíamos que incluir 4 imágenes de obras mencionadas en la lectura.

Yo decidí trabajar con un compañero más, y decidimos hacer una pequeña infografía por cada tema tocado.

Las imágenes que elegimos fueron: - Pinturas encontradas en cuevas - El Hombre León - Venus Vestonicka - Inti

PODER Semana 4 Criterios RIBA: CG2, CG3 y CG7 Calificación:3/3

Imagen 1

Título: La Gloria Autor: Tiziano (encargo del rey Carlos V) Año: 1551 Figura de poder: De los santos

•Las posiciones de los personajes, rondando y su actitud de alabación hacia los santos.

•La iluminación que se le da a los santos es mayor.

•La paloma da una sensación del poder de los santos ya que está situada exactamente en el medio y tiene una iluminación hacia ambos.

•El color celeste de las vestimentas de los santos resaltan ante los marrones de los personajes de abajo.

•El color amarillo del cielo rodea solo a los santos.

•Están situados en lo alto y centro de la pintura (sobre el cielo) y los demás en la tierra, siguiendo como una jerarquía.

•Sus posturas reflejan tranquilidad, confianza y credibilidad.

Imagen 2 Título: Los Siete Arcángeles Autor: Massimo Stanzione Año: - Figura de poder: El arcángel San Miguel

• Sobresale la figura de San Miguel, el cual lleva una bandera roja y un casco • Todos los arcángeles miran en direcciones diferentes, a excepción del arcángel San Miguel, quien tiene la mirada al frente.

• Está ubicado en el centro de la pintura • Su vestimenta es diferente y de colores más oscuros. Además, lleva zapatos, mientras que los demás están descalzos.

• La luz viene de la parte central de la imagen y va disminuyendo su intensidad a lo largo de la pintura, dándole mayor énfasis a donde está ubicado San Miguel.

• La figura de poder se encuentra unos pasos más adelante que los demás.

• Tiene una postura firme y segura

Imagen 1

Título: Multiplicación de los panes y peces.

Autor: Juan de Flandes Año: 1496 y 1504 Figura de poder: Jesús

• Se puede ver que Jesús sobresale como figura de autoridad y liderazgo por la altura que se le da a comparación de los otros personajes.

• Está al centro de la pintura.

• El pulpito en el que se encuentra Jesus es un signo de liderazgo y enseñanza • La vestimenta que utiliza hace que resalte en la pintura.

• Los gestos como el de la mano y la cabeza inclinada que realiza transmite humildad y liderazgo.

• La imagen refleja que los demás personajes que están a su alrededor tienen el deseo de escucharlo y seguirlo.

• Los ojos de los personajes están en dirección hacia Jesús, esto se puede interpretar como un signo de admiración.

• La figura de Jesús llama la atención la claridad que parece surgir de la luz que irradia su persona.

PLACER Semana 4 Criterios RIBA: CG2, CG3 y CG7 Calificación:3/3

Pregunta 1 Buscar tres definiciones del término “placer”. Las definiciones tienen que pertenecer a momentos diferentes de la historia.

Edad antigua: Definición: Comienza en el siglo IV a. C. con dos figuras: Epicuro de Samos y Arístipo de Cirene. Epicúreos y cirenaicos son los primeros que ven al placer como un objeto de estudio y a la vida misma como la finalidad del pensar. Unos dirán que los placeres estables –el pensamiento, la libertad– tienen privilegio por sobre los placeres en movimiento –la comida, la bebida, la sexualidad–, y otros, lo contrario. Pero ambos pensarán la cuestión del exceso y la jerarquía de los placeres entre sí. Epicuro decía que el placer era la “ausencia del dolor”.

Autor: El planeta urbano Año: Siglo IV a. C. (Artículo -2014) Fuente: https://elplanetaurbano.com/2014/04/breve-historia-del-placer/

Edad Media: Definición: "El cuerpo tiene cinco sentidos: la vista, l'udito, l'olfatto, el gusto y el tacto, para los que se abre el alma de una manera apropiada a las cosas fuera visible y produce todo lo que es agradable, útiles y necesarias para el cuerpo, así como a la razón y de la contemplación el alma va al mundo invisible. El hombre está compuesto de una doble naturaleza, un ser espiritual y corporal así está equipado con una doble facultad cognitiva. En el interior está equipado con el derecho, que está orientado a la contemplación de lo invisible, exterior tiene la sensación de que se regocija en la contemplación del mundo visible. La razón radica en los bienes invisibles de su fruta y su placer, tales como la sensibilidad de descubrir el sabor de las mercancías sensibles a la que está adaptada. Este pensamiento ya tiene una demanda en la conciencia del hombre medieval en lo que los sentidos y el alma puede producir.”

Autor: Hugo de San Victor Scrisse (artículo por Italia Medievale) Año: 1000 - 1100 (Artículo -2005) Fuente: http://www.italiamedievale.org/portale/piacere-nel-medioevo/?lang=es

Edad Moderna: Definición: "Las diversiones en la Edad Moderna, igual que sucede en cualquier otro periodo histórico, responden a la necesidad que tiene todo ser humano de reír, disfrutar y evadirse de la realidad cotidiana marcada por el trabajo y las obligaciones que le imponen la satisfacción de las necesidades materiales, propias o familiares.

Las autoridades civiles son conscientes de su necesidad y de su utilidad política y propagandística a la vez que temen los peligros que pueden ocasionar los desórdenes públicos. También los moralistas reconocen la necesidad de la distracción pero ven en las diversiones la puerta por la que de forma sutil y placentera penetran el vicio y el pecado en el alma humana. La tensión y la búsqueda del equilibrio entre las tres instancias: personal, civil y religiosa es una constante a lo largo de los siglos modernos.”

Autor: Gascón Uceda, M.I. Año: Siglo XVI, XVII y XVIII (Libro -2009) Fuente: https://revistas.ucm.es/index.php/CHMO/article/view/CHMO0909120175A

Pregunta 2 Cada integrante debe escoger una obra de arte de la Antigua Grecia (Grecia arcaica, clásica o helénica) que sienta que a él/ella, personalmente, le produce placer. Colocar unas o varias imágenes de esta obra y sus datos (autor y fecha aproximada).

Grecia Arcaica: “Symposium Northwall” Autor: Anónimo Año: 480 - 470 a. C.

Grecia Clásica: “El Partenón de Atenas” Autor: Arquitectos Calícrates e Ictino Año: 447 a. C. y 432 a. C

Grecia Helénica: “Victoria Alada de Samotracia” Autor: anónimo Año: Siglo II a.C

Pregunta 3 Analizar, considerando las definiciones que colocaste al inicio, cuáles son las razones por las que las obras de arte escogidas les producen placer.

Considerando las definiciones investigadas encontramos una relación con la obra “Sympossium Northwall” con la definición de placer de la edad moderna, debido que representa las actividades cotidianas que permiten disfrutar de los momentos y realizar uniones de amor y también la sexualidad y ausencia de dolor, como en la edad antigua. Actividades cotidianas, como se observa en la pintura, donde las parejas, sin abandonar la posición en la que se encuentran, se dedican al juego de Kótabos, el cual consiste en acertar a un blanco lanzando vino con un kílix.

Por otro lado, encontramos una relación entre el concepto de placer en la edad media con el monumento el Partenón de Atenas, donde el placer se concentraba en los cinco sentidos, en este caso el Partenón genera un placer visual, el cual causa un agrado y contemplación a la hora de observar su arquitectura.

Asimismo, consideramos que en la obra “Victoria Alada de Samotracia” encontramos el placer en relación a la edad media y la edad antigua; ya que, al ser una escultura con las facciones de una mujer marcadas, representa la sexualidad ligada al placer. Además, al tener alas, nos da una sensación de libertad y descubrimiento a través de los sentidos del humano; como en la edad media.

En conclusión, elegimos estas obras porque nos da la perspectiva de todo lo que forma parte de la naturaleza y el mundo, pues nos genera intriga la historia detrás de cada una de las obras. Consideramos que se hicieron con un propósito para manifestar o representar un hecho, tradición o costumbre de su época.

PODER Y PLACER DE LA ANTIGUA ROMA Semana 5 Criterios RIBA: CG2, CG3 Calificación: 19/20

Imagen 1

Nombre: Augusto de Prima Porta Autor: Desconocido Fecha: 31 a.C. Ubicación: Museos Vaticanos. Roma Esta obra representa poder y placer.

El placer se puede ver en la posición que tiene Augusto de Prima Porta, la cual lo muestra como alguien dominante y de respeto. Tiene la mano derecha alzada, que es lo que más destaca, si se habla de su postura, en la mano izquierda tiene una lanza, la cual ayuda a darle mayor autoridad.

Asimismo, la posición de un pie adelante del otro representa mucho el realismo que el autor quería plasmar, la cual le dio un tipo de movimiento a la escultura. En el lado de poder, su vestimenta cuenta con una especie de armadura, dando la idea de ser alguien de un alto rango. También cuenta con una tela alrededor de su cintura y cadera, lo cual muestra la idea que se tenía de perfección e imperfección, donde se creía que para llegar a la belleza debía haber un equilibrio entre ambos. Otra característica, es el Cupido que se encuentra en su pie derecho, este servía como soporte y también recordaba el origen divino del emperador. En el lado del placer, esta obra nos refleja seguridad y confianza por la postura que tiene Augusto. Asimismo, el Cupido, lo relacionamos con la idea de amor y esperanza, lo cual se complementa al sentimiento anterior; por lo que, nos genera tranquilidad y apego. Además, pensamos que no solo apoya a Augusto como soporte estructural, sino que también nos refleja apoyo en el lado sentimental.

Imagen 2 Nombre: Gemma Augustea Autor: Dioskourides Fecha: 9dC – 12dC Ubicación: Actualmente está en el Museo de Historia del Arte de Viena

Esta obra Gema Augustea representa poder y placer. El poder se ve reflejado en base a las posiciones en las que están ubicados los personajes y los objetos que llevan consigo.

Además el contorno tiene en el medio superior un colgante de oro que enmarca y centra al personaje principal, el emperador Augusto, que tiene en mano una lanza que es al que todos dirigen su mirada en la escena superior. En la escena inferior se reflejan las guerras romanas, levantando el trofeo de triunfo. Esto muestra el realismo de la época al enfatizar la musculatura de los hombres y los movimientos de acción de ellos, que fueron mejorados con el tiempo. El placer lo sentimos por los colores fríos que tiene y el contraste que hay entre los tres colores de la obra, entre el fondo negro, el marco dorado y el color de la escultura. Además la representación de la vestimenta y las posturas de los personajes al estar sentados en la parte superior que reflejan una relajación y calma ante el observador que finalmente nos lleva al placer.

¿De qué manera los antiguos romanos transforman la idea de poder y la adecúan a sus propias necesidades?

Los antiguos romanos transforman la idea de poder y la adecuan a sus propias necesidades.

Anteriormente el poder estaba más ligado a la mitología, los dioses y a lo abstracto. Todo el arte que ellos hacían era para sus dioses, para representarlos en la tierra. Entonces, transformaron esta idea de poder y lo plasmaron en sus obras arquitectónicas, esculturas y pinturas con el fin de usar esta idea para representar que los antiguos romanos iban a conquistar todos los alrededores. Esto les hacía saber a las personas de culturas pasadas como Grecia o Egipto, que ahora todo giraba en torno al Imperio Romano. Ellos, ahora, mejoraron y exageraron las características de las obras de arte y junto con el placer utilizaban el arte para hablar de ellos mismo, ya no de otros, y de su propio poder, no del poder que tienen los dioses sobre ellos.

SÍNTESIS DE LA ANTIGÜEDAD Semana 5 Criterios RIBA: CG2, CG3 Calificación:3/3

Imagen 1 Lo que teníamos que hacer es escoger tres obras de arte que representan las principales ideas sobre el arte de la antigüedad.

Obra: Cuevas de Altamira Año: 15000-12000 a.C Ubicación: Cuevas de Altamira, España

Estas pinturas fueron hechas por los sedentarios, en la Prehistoria, que se establecen en cuevas usaban este arte para dejar una marca. Se caracteriza por tener una intención de movimiento y se creía que tenía cierta comunicación con el más allá. En comparación al arte de otras épocas, este no era hecho para que todos puedan verlo y se usaba ocre para crear ese tono característico de estas pinturas. Se puede observar que no hay realismo en los animales pintados, pero con el tiempo se fueron agregando texturas y relieves para que estos parezcan más reales. En esta época no se conocía la perspectiva pero aún así lograban transmitir el mensaje que querían dejar.

A diferencia de la Prehistoria, en Mesopotamia ya había una mayor intención de representar las cosas tal cual eran y se fueron descubriendo nuevas técnicas y colores, que fueron las que ayudaban a darle forma a las expresiones en su arte.

Imagen 2 Obra: Rey Micerinos y reina Autor: Marta Pinazo Año: 2490-72 a.C Ubicación: Museo de Bellas Artes de Boston

Esta obra fue realizada en Egipto y representa al Rey Micerinos y a la reina. Ya hay una representación más realista de los humanos en comparación a Mesopotamia pero se deja de lado los detalles y la decoración excesiva. Como se puede observar en Egipto destaca la sencillez y simplicidad ante todo. Tanto las pelucas como las túnicas eran simples. Además el poder está relacionado con la rigidez de la persona, la cual era intencional y mientras más rígido esté representado, más control sobre el cuerpo tiene y por ende hay una mayor fortaleza que pertenece a una mayor jerarquía. Al estar parados firmemente y derechos lo único que sobresale del eje es el pie del Rey Micerinos, y es debido a que las creencias eran muy fuertes a comparación de Mesopotamia y esto representaba el paso al más allá y la importancia del rito de morirse.

A diferencia de Egipto, en Grecia, la pierna adelante tiene que ver con la acción que se quiere representar. Muestra el instante previo a la acción realizada. En esta época, se puede ver una mejora en la representación del cuerpo, y se ha abandonado la rigidez y hay un cierto movimiento, debido a la posición de los pies.

Hay una mayor exploración en el realismo, lo cual se representa en que un pie está más adelante del otro, y además, se comienza a expresar más las emociones o sentimientos de las personas. Algo que se buscaba en esta época era contar una historia a través de su arte, el cual usaba una técnica simple en sus pinturas y la acompañaban de dos a tres colores.

Imagen 3 Obra: Augusto de Prima Porta Año: 31 a.C Ubicación: Museos Vaticanos, Roma

Durante el Imperio Romano el arte destacó mucho y se inspiraron y aprendieron de las culturas pasadas, principalmente de Grecia, pero ellos las mejoraron y aplican su conocimiento en pinturas, estatuas, arquitectura, etc. Con respecto al arte, se vuelven muy exagerados: crean formas contorsionadas y emociones intensas. Y, se dieron cuenta que el poder podía ser representado a través de la jerarquía de las cosas que hacen.

En esta estatua de Augusto, el emperador, se rescata las cultura de Mesopotamia, donde se utilizaban emblemas para relatar cosas o hazañas sobre los personajes, por ende había detalles muy profundos pero no eran realistas.

Un ejemplo en la obra son los dioses diseñados detalladamente en la vestimenta que que han sido tallados para afirmar que el si debe estar en el poder del imperio, ser emperador, y que hay gente que lo apoya firmemente. Asimismo pasa con la cultura de Grecia durante el periodo clásico, donde los detalles son algo primordial y se comienza a representar y a notar la musculatura de los humanos, las expresiones faciales ;y, se mejora el movimiento y las proporciones reales de los humanos como sucede con Kritios. Lo mismo pasa con Augusto, su parada es firme, al igual que sus movimientos (los pies y la mano alzada); y a pesar de no tener una expresión muy exagerada, como en el periodo helénico donde todo eran exageraciones, se transmite la expresión que él tiene a través de su postura. Sin embargo, en Egipto los detalles eran mínimos, no una prioridad y el poder de la persona y su importancia dentro de la sociedad era representado a través de la rigidez, sin embargo en Augusto se ve una actitud firme, confiada y relajada que nos transmite un sentimiento de poder ante los demás que lo refuerza el estar descalzo significando que él soporta todo y que nada lo va a frenar.

ARTE ISLÁMICO Semana 6 Criterios RIBA: CG2, CG3 Calificación:3/3

Esrefoglu Mosque

Mihrab – Esrefoglu Mosque

Esta obra es una mezquita situada en Konya, Turquía que pertenece al siglo XIII. Fue inaugurada en 1296 y tiene características de la arquitectura Islámica.

Asimismo, es una de las únicas mezquitas hechas de madera con un mosaico de azulejos como un museo de mezquita de árboles. Todo el mihrab está cubierto por estos azulejos, los cuales resaltan una de las partes más importantes de la mezquita. Por otro lado, se puede apreciar que este mihrab tiene este tipo de caligrafía árabe para representar una decoración propia de su cultura.

Elegimos esta obra porque nos llamó la atención el uso del color turquesa en todo el interior, tanto los pisos, como las paredes y los techos; y, la armonía que se genera con la madera. Nos parece que tienen un contraste muy llamativo que capta rápidamente la atención de uno.

Además, nos gustó el trabajo con los azulejos y los acabados que tienen estos, junto con la caligrafía que bordea los marcos de las entradas a los ambientes.

ROMÁNICO Y GÓTICO Semana 9 Criterios RIBA: CG2, CG3 y CG7 Calificación:3/3

Nombre: Majestad Batlló Año: Mediados del siglo XII Ubicación: Procede probablemente de una iglesia de la comarca de la Garrotxa.

Descripción: Tallada en madera (cabeza y cuerpo), sauce (brazos), olmo (madero de la cruz) y encina (travesaño de la cruz). Era un elemento de devoción, el cual simboliza su triunfo sobre la muerte. Se caracteriza por su carácter solemne, se trata de un Cristo muy geométrico pero que a su vez se muestra con un aspecto lujoso por la túnica que lleva.

Románico.

Nombre: El Cristo de las Penas de Valencia Año: siglo XII o XIV Ubicación: Iglesia San Juan del Hospital de valencia Autor: Anónimo Descripción: Las imágenes de la Virgen y San Juan Evangelista, son tallas de madera. Tiene una altura de 123 cm. Asimismo, lleva un soporte de madera de una sola pieza sin ensamblajes.

San Juan lleva un libro en la mano izquierda, su evangelio. Por otro lado, tiene una expresión de dolor marcada en el rostro. Gótico.

El arte románico se va transformando poco a poco al arte gótico buscando representar las características de las personas de una manera más realista, y no solo centrarse en cuanto al físico, sino también al lado emocional y como este es transmitido al mirar una obra. El arte románico no es realista sino simbólico; en cambio, el gótico aún tiene esta característica simbólica, pero hay una corriente que va llevándolo poco a poco al realismo.

Como podemos observar en las esculturas escogidas, en ambas es posible entender lo que está sucediendo, una crucifixión, debido al conocimiento que tenemos sobre el tema. Sin embargo, si se observa, en la segunda escultura vemos como las proporciones del mismo Cristo han sido perfeccionadas hasta el punto que se notan los músculos del mismo y podemos llegar a sentir la emoción que pudo sentir en ese momento; ya que, la expresión facial fue una característica que destacó en el arte gótico. Otro factor que marcó el cambio es el uso del color, durante el arte románico el color es algo imprescindible y llamativo que opacan la imperfección de las proporciones del hombre. Pero, en el arte gótico el color pasa a un segundo plano y se utilizan tonos más claros que se asemejan más a la realidad de lo que se representa y deja de ser súper decorativo. El realismo se intensifica también con el uso de los materiales, en ambas artes se enfatizan los detalles pero en lo románico de una manera más ilustrativa con contenido de miniaturas en él, como se observa en las prendas. Poco a poco se va a ir convenciendo a las personas que el realismo no es malo en ciertas situaciones y esto ayuda a que quienes lo observan, entiendan un poco más cuál es el mensaje de Dios a través del arte. Finalmente, en la segunda escultura, se trata de imitar la posición de un Cristo dolorido, y esto se ve reflejado en la curvatura de las piernas, la espalda y la cabeza.

Se encuentra mayor movimiento, a diferencia de la primera escultura, la cual se trata de un Cristo más rígido y con poca representación de emociones, reflejando otra característica del arte románico, el simbolismo. https:// artsandculture.google.com/usergallery/la-crucifixion-en-arte/SgJSJOHyjCL 2LA

RENACIMIENTO Semana 9 Criterios RIBA: CG2, CG3 y CG7 Calificación:3/3

Nombre: Christ Crucified Año: Alrededor de 1655 Autor: Francisco de Zurbarán Ubicación: Museo Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona Descripción: Esta pintura es del período Renacimiento y el artista utilizó óleo en tela para elaborarla. Asimismo, el artista hizo énfasis en las líneas del cuerpo de Jesucristo.

Desde nuestro punto de vista, lo que diferencia esta pintura, del periodo del Renacimiento, con el arte Románico y el Gótico es el detalle realista que hay en la representación del hombre. Podemos observar que ya hay una musculatura clara en todas partes del cuerpo que va en proporción a la realidad. Asimismo, la expresión facial ya forma parte de la representación y se puede llegar a sentir lo que la pintura transmite en la crucificcion; destaca el sufrimiento de Jesús tal cual fue en la realidad.

Pero no solo eso, además el nivel de detalle también forma parte de las texturas tanto de su falda y el pelo, como de la cruz de madera. Se ve claramente los pliegues de su falda y el dolor y la sangre que generan los clavos en las manos y pies, poniendo un color rojizo alrededor de ello. La madera ya no es solo un color, ahora se observa el relieve a lo lejos y se distinguen los diferentes planos que hay en la pintura, reflejados a través del color del fondo.

Algo que ayuda a darle este realismo es el uso de las sombras en todo el cuerpo y la vestimenta, como el detalle de la tela caída, diferenciándolo claramente del Románico y Gótico, ya que esto aún no se conseguía en esos períodos. Se puede ver que poco a poco se llegaba a conseguir esa idea de mostrar las cosas tal y como son. El fondo neutro y no tan opaco o oscuro permite apreciar con mayor detalle la sombra del cuerpo. Lo curioso de esta pintura es la mirada, que a comparación de los otros períodos, esta es perdida; logrando así un mayor énfasis en la idea de transmitir el mensaje de Dios. Finalmente podemos decir que, antes no se tomaba mucho en cuenta los gestos de los personajes, en cambio, en este caso se puede apreciar una boca abierta, lo cual nos transmite un mensaje de lo que está pasando en la escena, el sufrimiento de Cristo.

LUZ EN EL BARROCO Semana 9 Criterios RIBA: CG2, CG3 y CG7 Calificación: 2/3

Ejercicio Lo que teníamos que hacer en este ejercicio, era ver la película “La joven de la Perla”, tomar capturas de pantalla de dos escenas en las que se muestre cómo la luz contribuye a las emociones que busca recrear una determinada escena. La luz debe analizarse no solo como un componente funcional sino como un elemento que puede acentuar las emociones.

ESCENA 1 En esta escena fue al final de la película, cuando Griet había sido botada de la casa en la que trabajaba porque la esposa descubrió que había usado sus joyas y dejado que el amo la pintara mostrando una situación obscena. Se puede ver el dolor y sufrimiento en su rostro, el cual se enfatiza cuando se apoya en la puerta y el rayo de luz es reflejado directamente, dejando ver como las lágrimas caen por su mejilla. Esto genera un impacto en la persona que está observando la escena, causando nostalgia y tristeza.

ESCENA 2 Cuando Griet llegó a la casa, le generaron la idea de que el amo era una persona muy cuidadosa y reservada cuando se hablaba de su arte, no le gustaba que le tocaran ya que era muy posesivo con ellas. Esta es la escena en la que Griet fue mandada a limpiar la habitación en la que se encontraban las pinturas del amo. Se muestra un pasillo oscuro, donde en el fondo se encuentra una puerta semi abierta, de la cual sale un rayo de luz. Esta escena estaba acompañada de misterio, no se sabía que había detrás de esa puerta. La poca luz y la música en la película ayuda a generar una sensación de temor, al igual que la tenue luz que sale de la habitación. Ayuda a enfatizar el sentimiento de saber que hay detrás, creando misterio e incertidumbre, pero a la vez curiosidad. El pasillo y la poca iluminación te obliga a frenar un poco y genera una voz en tu cabeza que te dice “detente, no entres”. Algo que en cierta forma vendría a ser el objetivo del amo, ya que no le gustaba ser interrumpido y trabajaba en silencio. Se crea una idea de una habitación a la cual se le debe tener temor, pero en realidad cuando se entra, es un mundo colorido y completamente lo opuesto a lo que presenta en su exterior

PRE IMPRESIONISMO Semana 11 Criterios RIBA: CG2, CG3 y CG7 Calificación: 2/3

Ejercicio Lo que teníamos que hacer era: 1.

2.

Encontrar 5 diferencias con respecto al barroco, al neoclásico y/o al romanticismo. Considerar técnica, temas representados, paleta de colores, función, etc. ¿Cuál crees que es el rol del espectador en la pintura elegida?

Nombre: Boulevard Montmartre, Spring Año: 1897 Autor: Camille Pissarro

Pregunta 1 El trazo no trata de enfocarse en la perfección al representar objetos, edificaciones, personas, etc. A comparación del neoclasicismo, donde predominan las figuras con más rigidez respecto a la realidad, siendo más realistas y teniendo más importancia que el color.

El romanticismo, se enfoca en mostrar un aspecto más dramático de aquello que se quiere representar, y se usan colores oscuros para agregar misterio e intensidad a la escena. En este cuadro se puede ver que la paleta de colores es suave y se crea así armonía entre las diferentes tonalidades.

En cuanto a la diferencia con el barroco, que se enfoca en temas religiosos, podemos notar que en el cuadro lo predominante no es la religión. Sino, trata de representar otros temas como los paisajes teniendo en cuenta el día a día.

Otro aspecto a tomar en cuenta del arte barroco es la cantidad de detalle y la minuciosidad que se encuentra en sus pinturas, algo que claramente no ocurre en esta obra de Pissarro, ya que no se enfoca tanto en el detalle de cada cosa sino en mostrar la esencia de la escena.

Durante el renacimiento la temática principal era hacer retratos; sin embargo, en el impresionismo destacan los paisajes o las escenas cotidianas que sucedían en la ciudad, dando un enfoque más profundo en el conjunto de la pintura, que en el detalle de cada parte de la cara para que el retrato termine estando a la perfección.

Pregunta 2 El rol que el artista le quería dar al espectador es que se viera el día a día de un usuario que habitaba en la ciudad de París. Parece que aquella escena que se logra ver del Boulevard Montmartre, estuviera siendo contemplada desde una de las ventanas de un edificio pegado a la izquierda, permitiendo tener una visual de las calles del “boulevard’’, por el cual se transita durante todo el día ya sea a caballo o a pie. De esta manera, al mostrar la pintura desde una vista alta, nos obliga de cierta forma a meternos en la pintura y que nosotros, los espectadores, sintamos que estamos en París teniendo una visión de lo que pasa a través de nuestra ventana, contemplando toda la ciudad y el movimiento y vida que tiene esta.c

NEOCLÁSICO Semana 14 Criterios RIBA: CG2, CG3 y CG7 Calificación:3/3

Nombre: Eros y Psique Autor: Antonio Canova Año: 1787-1793 Estilo: Neoclásico Material: Mármol Ubicación: Museo del Louvre, París

Describir brevemente cuál es el mito o evento histórico que el artista está representando En la escultura Psique reanimada por el beso del amor se ve representado el mito de Psique la hija menor del rey de Anatolia en Asia. Este consta de que la menor y más bonita de las tres hermanas fue envidiada por las personas haciendo que la diosa Afrodita mande a su hijo Eros para que la flechara y haga que se enamore del hombre más despreciable y feo de todos. Cuando Eros vió por primera vez a Psique se enamoró plenamente de ella y lanzó su flecha al mar y esperó que Psique se duerma para que pueda transportarla fácilmente volando hasta su palacio. Fue ahí donde Eros la visitaba con frecuencia en las noches con el fin de seducirla y contemplarla. Una noche asustada, Psique le lanza un poco de cera, cosa que lo hizo enfurecer y largarse de aquel palacio. Psique para recuperar su amor tuvo que hacer trabajos, el último consistía en recoger de la diosa del infierno un jarrón con el secreto de la belleza para entregarle a Venus. Y, por pura curiosidad, Psique abrió el jarrón y se quedó dormida. Es inmediatamente después la escena que se ve representada en la escultura, el momento en el que Eros despierta a Psique de aquel sueño a través de un beso. Felizmente pudieron llegar a casarse gracias a que Afrodita se dio cuenta del verdadero amor y pasión que se tenían y le dió el consentimiento a su hijo, que se casara con la belleza de Psique.

Explicar cómo ese mito o evento histórico se ve reflejado en el cuadro. ¿Qué escena se escoge? ¿Qué elementos/emblemas/detalles se utilizan?

La escena del mito que al autor le pareció más importante y la representó mediante esta escultura es el momento cuando Eros reanima de su sueño a Psique mediante un beso después de haberla llevado al palacio. Por otro lado, en esta escultura se puede apreciar el dinamismo que existe en la composición, los cuatro ejes que son denotados por las alas de Eros y los otros dos ejes por los mismos cuerpos. También se puede ver la delicadeza con la que Eros sostiene a Psique, aquí el autor realizó un perfecto acabado para que esta característica se plasmara en un material tan sólido que es el mármol. Al ver la escultura da la sensación de cómo el cuerpo de Psique se está moviendo lentamente, esto se puede dar por la posición en la que están sus piernas, adelantando la pierna izquierda sobre la derecha. Asimismo, se ve que la representación anatómica es muy realista, todos los elementos del cuerpo humano están muy bien proporcionados; inclusive, las plumas de las alas tienen un buen nivel de detalle, se puede ver cada fibra de esta como si tuviera una textura más liviana. Además, la expresión en sus rostros va acorde con la escena, pues se puede ver que transmiten serenidad y una emoción contenida, también la expresión corporal que denota esta escultura se plasma por el círculo formado por los brazos de ambas figuras, la cual enmarca el beso del reencuentro de los personajes, convirtiéndose en el foco de atención de la composición.

¿Cuál creen que es la idea principal detrás de la obra, más allá de la narración del mito o evento histórico?

Esta obra tiene como protagonista a Eros, quien era el dios del amor y la fertilidad, y a Psique, quién era la personificación del alma humana. La idea principal detrás de la obra es representar el amor y deseo entre dos personas. Se puede ver que los rostros de ambos personajes se encuentran muy cerca el uno del otro, a punto de darse un beso, representando así el amor que había entre ellos. Algo curioso de esta obra es que no se encuentra expresión alguna en sus rostros, pero sí se puede encontrar el mensaje oculto en la posición del cuerpo. Uno de los brazos de Eros, se halla sosteniendo la cabeza de Psique, representando así el cariño que se tenían, ya que se observa un trato gentil, delicado y cuidadoso. Por otro lado, la otra mano se encuentra en su pecho, lo cual representa el deseo y la pasión. El deseo de por fin estar junto a la persona que amaba y la pasión que crecía cada vez más entre ellos. Se puede concluir entonces, que esta obra no solo muestra una bella historia de amor, sino que también representa, el cariño y la pasión que se tenían dos amantes.

TRABAJO FINAL Semana 14 Criterios RIBA: CG2, CG3 y CG7

Suspendiendo por un momento criterios éticos y prácticos, si pudieras robarte una obra de arte, ¿cuál sería y por qué?

“Victoria Alada de Samotracia” Autor: anónimo Año: Siglo II a.C

Personalmente, la obra que me robaría sería la “Victoria Alada de Samotracia”, porque yo viajé a Francia y tuve la oportunidad de ver esta obra en vivo en el museo de Louvre, y desde ese momento me encantó. Se trata de una mujer desnuda con alas, la cual está cubierta por un manto delgado.

Lo que más me gustó de toda esta escultura fue el nivel de detalle que se tuvo al momento de esculpirla, pues el manto arrugado le da un toque especial. A pesar de solo tener un ala, esta obra, para mi, significa libertad, ya que parece que el viento choca con su cuerpo y el manto y sus alas son elevados por este.

Si tenemos que relacionarlo con un tema en especifico, diría que sería poder y placer. El placer se encuentra a la hora de mostrar el cuerpo humano cubierto por un manto, pero a la vez dejando que este revele un poco la cintura de esta mujer, mostrando así su sensualidad y delicadeza, la cual está ligada al placer.

El poder se encuentra en la posición que tiene, ya que aún sin mostrar un rostro, el hecho de tener las alas abiertas te genera una idea de empoderamiento y respeto hacia ella. Al haberla visto en persona, me pude dar cuenta que se trataba de una escultura muy grande, la cual si la miras desde una altura humana promedio, te da la idea de que un ángel acaba de aterrizar al frente tuyo, generando paz y confianza. Algo que se busca a la hora de representar un personaje de poder. Además, esta se encuentra arriba de unas escaleras, la cual, si la miras desde un nivel más bajo, esta te genera una sensación de respeto.

Finalmente, me gustaría decir que aunque en la actualidad la ala rota ya ha sido reconstruida, el mensaje detrás de esta obra sigue siendo el mismo, y va a ser una de mis obras favoritas.

Imagina que estás conociendo a una persona que te parece interesante. Le preguntas cuál es su obra de arte favorita. ¿Qué tendría que responder para que te vayas y lo/la dejes y por qué?

Obra: La Fuente Autor: R. Mutt

Sinceramente yo he sido siempre creyente de que cada persona es libre de expresar sus sentimientos de la forma que se les haga más fácil. Creo que el arte se trata de eso, de transmitir lo que uno lleva dentro. Puede que a algunos les guste ser detallistas en su arte y otros más abstractos.

Sin embargo, yo considero que la obra “La Fuente”, no expresa aquello que yo considero como arte. Se trata de un urinario el cual tiene la cual dice: R. Mutt, pintado de negro.

Tal vez suene como una broma, pero esta obra fue nombrada como “la obra más influyente del siglo XX”. Yo creo que aunque se trata de solo una pieza, específicamente de un urinario, siento que a la vez expresa un significado de burla hacia el arte. No lo digo porque en verdad ese sea el significado, sino que, la primera vez que la vi, la primera idea que se me vino a la mente fue: El arte no sirve y es basura. Aunque suene un poco fuerte u ofensivo, sentí que se estaba tratando de decir que cualquier obra que una persona pueda crear, no tendría valor y no importaría si esta es tirada por un inodoro, o en este caso, un urinario.

Algo que en lo personal me generó una mala sensación, porque como dije en un principio, considero que cada persona es libre de expresar sus sentimientos y se puede llamar arte si es que lo considera así. Entonces, me hizo pensar que en cierta forma se estaba burlando de aquello que sintió una persona al pintar en un lienzo o al modelar arcilla.

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Sara Alejandra Aranda Carrera 27/04/2002

Mi nombre es Sara Alejandra Aranda Carrera y estoy en tercer ciclo de la carrera de Arquitectura en la Universidad de Lima. Desde pequeña me ha gustado mucho el arte, jugar con Legos y dibujar. He ganado algunos concursos de pintura desde los 4 años y también de diseños de logos y he participado en varias exposiciones de arte. Estudié primer grado de primaria en el colegio Mentes Brillantes, Trujillo. Tengo estudios de segundo grado de primaria en adelante y secundaria en el colegio Fleming College, Trujillo. Estudié inglés en Cornwall, Inglaterra y en Londres. Finalmente estudié alemán en Hamburgo, Alemania. Además, tengo un estudio del Programa de Bachillerato Internacional en el colegio Fleming College. Sé hablar inglés y español avanzado y francés intermedio. Pertenecí a la selección de basquet y voley de mi colegio. Participé en muchos voluntariados, tanto en proyectos personales como públicos.

He apoyado a organizaciones como: Magia, Acción contra el hambre, Sayariy, Ponle Corazón, Teletón, etc.

CV

EDUCACIÓN 2008 Primaria Colegio Mentes Brillantes 2009 – 2013 Primaria Fleming College 2014 – 2018 Secundaria Fleming College 2018 – 2019 Programa de Bachillerato Internacional Fleming College 2020 – 2024 Pregrado Universidad de Lima RECONOCIMIENTOS o Primer puesto en concurso de logo de Juegos o Florales Fleming College a nivel secundaria 2018 o Voluntariado en la Organización Magia 20182019 Voluntariado con la Fundación Acción contra el hambre 2019 o Voluntariado con el periódico La Industria y AldoDiego & Co 2019 PROGRAMAS o SketchUp o o o

Microsoft Office AutoCad Revit

IDIOMAS o Español o Inglés o Francés o Alemán INTERESES o Voley y Basquet o Teatro

(básico) (avanzado) (intermedio) (intermedio)

(avanzado) (avanzado) (intermedio) (básico) o o

Música Dibujar y pintar

ACTIVIDADES ACADÉMICAS 2020-2 o La propuesta de zonificación de Lurín, conversatorio virtual, 06 de abril del 2021 o Catedra compartida con la PUCE

SARA ALEJANDRA ARANDA CARRERA