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Una rivista digitale dedicata all’arte e alla cultura. Un’esplorazione della cultura visuale attraverso la fotografia, la grafica, l’illustrazione e la musica. Saguro in giapponese significa “Esplorazione”, per questo Saguru Magazine è per noi Una revista digital dedicada innovazione, al arte y a la cultura. ispirazione, Una exploración de la cultura ‘visual riflessione, a través de la fotografía, la gráfica, tendenza la ilustración y la música. avventura. Saguro en japonés significa “exploración”, por ello Saguru Magazine es para nosotros innovación, inspiración, reflexión, tendencia, aventura.
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SAGURU FOUNDER, ART DIRECTOR AND EDITOR IN CHIEF Roberta Lo Porto
GRAPHIC DESIGNER Roberta Lo Porto, Victor Monfort
EDITORIAL ASSISTANT Victor Monfort
COLLABORATOR / EDITOR Marta Ibáñez, Roberta Sernicola, Bea Sarrion
TRANSLATOR Ana Redon, Sara Braga, Jacopo Manna, Giulia Di Girolamo
SOCIAL NETWORKS EDITOR Roberta Lo Porto, Victor Monfort, Vera Daidone
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Paula Bonet
Produced in collaboration with
Paula Bonet, William K, Eric Mansuell, Alessandro Librio, Dawis Pulga, Fatsnare, Francesco Stinco, Giuseppa Campo, Helena Losada, Juan Hernando, Matteo Modica, Nicanor García, Paola Lo Sciuto, Vera Daidone, Elliot Manresa Flores, Marta de las Heras, Pablo LLorens, Javier Tostado, Nacho Ruipérez
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#drawmysideface Paula Bonet
Text by Bea Sarrión Paula Bonet è una grande artista che sa come avvicinarsi ed entrare in contatto con il pubblico. Le sue illustrazioni ti catturano sin dal primissimo sguardo e ti permettono di entrare in un mondo differente dal quale è difficile uscire. Ha studiato a Valencia e ha completato la sua formazione a New York, Santiago de Cile e in Italia. La sua evoluzione artistica le ha offerto la possibilità di sperimentare e di muoversi dalla pittura ad olio al rame, dal legno, le sgorbie per la penna agli acquerelli e l’inchiostro cinese, permettendole di raggiungere un risultato più immediato e diretto. Con questi elementi è nata la serie #drawmysideface, composta da “venti ritratti che insieme raccontano una storia e allo stesso tempo, individualmente, illustrano altrettante venti storie molto diverse”.
Paula Bonet es una gran artista que ha sabido acercarse al público y conectar con ellos. Sus ilustraciones cautivan desde la primera mirada y te hacen entrar en un mundo diferente del que no quieres escapar. Estudió en Valencia y completó su formación en Nueva York, Santiago de Chile y en Italia. Su evolución como artista le ha hecho cambiar los óleos, el cobre, la madera y las gubias por el bolígrafo, las acuarelas y la tinta china, cuyo resultado es más rápido y directo. Con estos elementos ha creado la serie #drawmysideface formada por “veinte retratos que en conjunto cuentan una historia y que de forma individual cuentan veinte muy distintas”.
http://www.paulabonet.com
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L’esposizione nasce da una proposta trasmessa attraverso le piattaforme di Facebook e Instagram al fine di inviare foto nelle quali i protagonisti appaiano ritratti in un profilo perfetto. All’indirizzo di posta elettronica, creato espressamente per l’occasione, arrivarono 730 proposte delle quali, alla fine, ne sono state selezionate 20 esposte presso la Escalera de Incendios fino al 2 Maggio (C/Parlament, 26 – Barcelona). Questa mostra parla di due storie parallele dove l’unione dei ritratti ci presenta una globalità divisa in tre gruppi tra i quali si instaura un dialogo che l’osservatore
La exposición surge de una propuesta planteada a través de las plataformas facebook e instagram de enviar fotos en la que los protagonistas aparecieran retratados en un perfil perfecto. A la cuenta de correo que se creó especialmente para la ocasión llegaron 730 propuestas de las que, finalmente, se seleccionaron 20 que pueden verse hasta el 2 de mayo en Escalera de Incendios (C/ Parlament, 26. Barcelona). Esta exposición habla de dos historias paralelas porque el conjunto de retratos nos presenta una globalidad dividida en tres grupos entre los que se establece un diálogo que el espectador descifra a
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decifra attraverso lo sguardo di ciascuno di essi, in base a come ogni personaggio si relaziona col ritratto che ha davanti, sotto o sopra di lui. La seconda storia sarebbe quella composta dalle venti storie individuali: in ogni illustrazione succede qualcosa di diverso. Un personaggio si sfoga piangendo, un altro si trova coinvolto in una lotta con uno scoiattolo, un altro ancora scopre una serie di costellazioni che corrispondono alle lentiggini sulle sue guance, si trasforma in puzzola o in cicogna, o semplicemente si presenta senza colori e con poche linee davanti allo spettatore.
través de la mirada de cada uno de ellos, de cómo cada personaje se relaciona con los personajes que tiene enfrente, abajo o encima de él. La segunda historia sería la que forman las veinte historias individuales: en cada ilustración sucede una cosa distinta. Un personaje llora mares que se le quedan dentro, otro se ve inmerso en una lucha con una ardilla, un tercero descubre una serie de constelaciones que forman los lunares de su mejilla, se metamorfosea en mapache o en cigüeña, o simplemente se presenta desnudo de color y con muy pocas líneas ante el espectador.
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Once Upon a Time
“Cento anni di sonno” - Xilografia e ombre proiettate su stampa digitale “Cien años de sueño” - Xilografía y sombras proyectadas sobre impresión digital
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Helena Losada Attualmente Helena Losada lavora con l’aspetto più sottile della fantasia, plasmato attraverso l’incisione e il disegno, creando un universo delicato e particolare. Il mondo della mitologia, la leggenda e il racconto rappresentano le fonti a cui attinge, sempre dalla mano di concetti fondamentali quali la vita e la morte, il bene e il male, l’illusione e la realtà... Su questa dualità si regge la sua opera, mimetizzata tra ambienti onirici e sottili che conducono al mondo dell’illusione. Percepisce l’opera come l’espressione della spiritualità del mondo interiore, partendo da concetti e leggende vicine allo spettatore, per poi condurlo al di là della pura rappresentazione, sempre accompagnato dai fili caratteristici che popolano le sue opere e che l’accompagnano ovunque.
Helena Losada actualmente trabaja con lo sutil de la fantasía plasmandolo a través del grabado y el dibujo, creando un delicado y particular universo. El mundo de la mitología, la leyenda y el cuento, son las fuentes de las que bebe, de la mano siempre de conceptos tan básicos como la vida y la muerte, lo ilusorio y lo real, lo bueno y lo malo,... Es esa dualidad la que rige su obra mimetizada en ambientes oníricos y etéreos que transportan al mundo de la ilusión. Concibe la obra como una expresión de lo espiritual del mundo interior, partiendo de conceptos y leyendas cercanas al espectador y llevándolo más allá de la pura representación, siempre acompañados de sus característicos hilos que pueblan todas sus obras y que la acompañan haya donde va.
http://helenalosada.es/
“Biancaneve” - Xilografia, puntasecca e ombre proiettate su stampa digitale “Blancanieves” - Xilografía, punta seca y sombras proyectadas sobre impresión digital
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In questo caso, l’immagine digitale e le tecniche classiche dell’incisione si mescolano e si fondono nelle immagini di Once upon a time... per creare una sorta di opera grafica che si spinge oltre il piano bidimensionale dei giochi di luce e ombra, cercando di avvicinare lo spettatore all’interno dell’opera e farlo partecipe attraverso un gioco sottile di linee su piani diversi.
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En este caso, la imagen digital y las técnicas clásicas del grabado se entremezclan y fusionan en la imágenes de Once Upon a Time... para crear una serie de obra gráfica que avanza más allá del plano bidimensional, que juega con la luz y la sombra intentando acercar al espectador al interior de la obra y haciéndolo partícipe de ella con un juego de líneas en diferentes planos.
“Nonnina, nonnina” - Xilografia, puntasecca e ombre proiettate su stampa digitale “Abuelita, abuelita” - Xilografía, punta seca y sombras proyectadas sobre impresión digital
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“Dorothy” seguendo il percorso
“Dorothy” siguiendo el camino II -
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II - Xilografia su stampa digitale
- Xilograf铆a sobre impresi贸n digital
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“Alice”- Xilografia, puntas
“Alicia” - Xilografía y punta s
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secca su stampa digitale
seca sobre impresi贸n digital
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Una donna... Eric Mansuell
“Una mujer que no sufre, baila apartada del mundo” “Una donna che non soffre, danza staccata dal mondo” Capovolge il mondo se lo vuole, lei puo farlo non teme la gravità. Avolta da un tessuto che gli permette di staccarsi da terra, e di non avvertire piu la gravità del mondo. La gravità fisica, ritorna ad essere per Eric una metafora visiva in questi scatti. Modella: Giulia Silvestri (danzatrice aerea su tessuto)
Pone el mundo al revés si lo desea, ella puede hacerlo, no le teme a la gravedad. Envuelta por un tejido que le permite separarse del suelo y de no sentir la gravedad del mundo. La física gravedad vuelve a ser para Eric una metáfora visual en estas instantáneas. Modelo: Giulia Silvestri (bailarina aérea de telas) Make up artist: Katia Orlandelli.
Make up artist: Katia Orlandelli.
http://www.behance.net/ericmansuell
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Body Co
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onnexion Berna and Bertan by WilliamK
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Berna e Bertan, fratello e sorella, con sede a Berlino sono entrambi artisti circensi, ballerini, collegati mentalmente. L’artista francese William K ha cercato di ricreare questa connessione in queste foto.
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Berna y Bertan, dos hermanos, con base en Berlín, ambos son artistas de circo, bailarines y están conectados mentalmente. El artista francés William K intenta recrear esta conexión en estas fotos.
.williamk.fr/
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.williamk.fr/
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.williamk.fr/
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.williamk.fr/
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ights in Berlin Juan Hernando MAGAZINE
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http://www.sparklemotion.es
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Siempre que viajo soy de los que va con la DSLR a cuestas. Cualquier amante de la fotografía conoce las diferencias entre este tipo de cámaras y las estándar; así que merece la pena cargar con ellas si queremos una buena colección de instantáneas. Y es aquí donde entra una de mis manías favoritas, salir a pasear durante la noche para atrapar esos detalles que sólo entonces son posibles. Soy un amante de las ciudades nocturnas y, aunque es durante el día cuando podemos vislumbrar la grandeza de Berlín, es de noche cuando millones de edificios o zonas que pasaron desapercibidas a nuestros ojos, nos hipnotizan con sus neones y resplandecientes carteles. Como un enamorado más del arte, busco ese punto intermedio entre realidad y ficción; esa disputa entre el encuadre perfecto y la estética por la estética. Berlín es un paraíso artístico que mezcla estilos sin remordimientos y ofrece infinitas posibilidades a quien lleva una cámara consigo durante el viaje. Esta es una breve colección de esos pequeños y resplandecientes detalles.
In ogni viaggio che intraprendo porto sempre con me la mia DSLR. Tutti gli amanti della fotografia conoscono bene le differenze tra questo tipo di macchina e le più classiche; cos che vale la pena caricarsela in spalla se vogliamo una bella collezione di istantanee. Ed é proprio qui che entra in gioco una delle mie manie preferite, passeggiare di notte per catturare quei dettagli possibili solo a queste ore. Sono un amante delle città notturne e, seppure di giorno è quando possiamo percepire la grandezza di Berlino, è di notte quando una moltitudine di edifici o zone passate inosservate ai nostri occhi ci ipnotizzano con i loro nuovi e lucenti cartelli pubblicitari. Come un innamorato dell’arte, cerco questo punto intermedio tra realtà e fantasia; quella disputa tra l’incastro perfetto e l’estetica di per se. Berlino è un paradiso artistico che, senza rimorsi, fonde stili e offre infinite possibilità a coloro che si portano dietro una macchina fotografica. Questa è una breve collezione di quei piccoli lucenti dettagli.
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@nicanorgarcia Air’s portrait · Retrato del aire
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Construir co
@nicanorgarcia Back to the light 路 Retorno a la luz
on la mirada
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@nicanorgarcia Castles in the air · Castillos en el aire
Concentrati nel quotidiano ci dimentichiamo di prestare attenzione a molti aspetti dell’ambiente che ci circonda, un ambiente urbano nel quale vie, edifici e persone hanno continuità. E’ qui dove mi interessa focalizzare lo sguardo per ricercare, riscattandoli dall’ovvietà, edifici, paesaggi urbani o la città senza dimenticare le persone che sono le protagoniste che danno senso alla sua architettura. La costruzione delle mie fotografie nasce da un’osservazione attenta, lenta, che nasce da dove è possibile posare uno sguardo intenso e isolare un
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Concentrados en lo cotidiano dejamos de prestar atención a muchos aspectos del entorno que nos rodea, un entorno urbano en el que calles, edificios y personas tienen continuidad. Es ahí donde me interesa concentrar la mirada para ir buscando, rescatando entre lo obvio, elementos del ámbito de lo arquitectónico: ya sean detalles, patrones o sus aspectos materiales, pero también los edificios, el paisaje urbano o la ciudad, aunque sin olvidar a las personas que son las protagonistas que dan sentido a la arquitectura de la ciudad.
@nicanorgarcia Diving into the pool of your sky · Buceando en la piscina de tu cielo
soggetto, decontestualizzarlo e astrarlo. Questo ci permette di capire com’è il soggetto, come si organizza, qual’è la sua geometria, e a partire da qui mostrarlo con un’inquadratura che riconosce le sue qualità. In altre occasioni questo è il punto di partenza per trasformarlo e costruire grazie allo sguardo una realtà alternativa, una nuova architettura. Queste immagini trovano sempre riscontro in un titolo che sottolinea ciò che è evidente, cercano di rendere più potente lo sguardo. Considero queste immagini come piccoli progetti architettonici poiché il loro processo generativo è lo stesso che applico quando lavoro come architetto,
La construcción de mis fotografías parte de la observación pausada, sin prisas, que es desde donde es posible la mirada intensa y aislar un sujeto, descontextualizarlo y abstraerlo. Esto permite entender como es, como se organiza, cuál es su geometría, y a partir de ahí mostrarlo con un encuadre que reconoce sus cualidades. En otras ocasiones esto es el punto de partida para transformarlo y construir una realidad alternativa, una nueva arquitectura, gracias a la mirada. Estás imágenes siempre se apoyan en un título que fuera de subrayar lo evidente, buscan potenciar la mirada.
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@nicanorgarcia Differences of the identical · Diferencias de lo idéntico
a cominciare dall’analisi, comprendere le cose per preservarle, migliorarle oppure trasformarle. Delle fotografie realizzate come intersezione tra cittadino, fotografo e architetto, cercando il limite e l’intensità della città stessa, Barcellona.
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Considero que estas imágenes como pequeños proyectos arquitectónicos ya que su proceso de generación es idéntico al que hago como arquitecto, a partir del análisis, entender como son las cosas para preservarlas, mejorarlas o bien transformarlas. Unas fotografías realizadas en la intersección entre el ciudadano, el fotógrafo y el arquitecto, buscando el límite y la intensidad de la propia ciudad, Barcelona.
@nicanorgarcia Eyes on the ski jump 路 Ojos en la pista de salto
http://instagram.com/nicanorgarcia http://www.eyeem.com/nicanorgarcia
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Arquitectura
Official School of Languages (Sabadell) Location: Brujas, 165. 08202 Sabadell, Barcellona Author of the project: Nicanor García, architect Project Supervisor: Luis Moya Solutions architects: Xavier Humet, Jan Dinarès Engineering services: BOMA Engineering equipment: DEBID Contributors in the project: Nacho Costales, Oriol Pujol Promotor: GISA, Departament d’Educació Building Company: ACSA Sorigué Surface: 3.263 m2 Photography: Nicanor García
Nicanor García
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MEMORIA: La scuola di lingue è ubicata all’interno di un quartiere residenziale con accesso ristretto al lotto di 25 metri dalla Calle Brujas (parallela alla Calle Gran Vía). Tale aspetto ne condiziona la configurazione dell’edificio: la scuola sarà dotata di un’unica facciata di entrata e uscita o di evacuazione. Tuttavia, sorgendo in un cortile all’interno del quartiere, la sua forma e distribuzione potrebbero intaccare la tranquillità del vicinato circostante. Il quartiere è composto per lo più da abitazioni di due o tre piani, separate tra di loro da un muro divisorio. Solo in pochi casi si supera quest’altezza. Tuttavia nella zona nord si innalza un edificio di otto piani a pianta irregolare. La scuola occuperà il cortile del quartiere per intero, ma su un unico piano, sul quale si realizzeranno gli spazi dedicati agli usi più svariati: seminari, aule speciali, direzione, portineria, un piccolo bar...che riempiranno l’edificio, illuminato da una serie di cortili ordinati secondo il modello strutturale, parallelo alla facciata d’ingresso, in modo da conferire un carattere personale ai singoli spazi. I cortili terminano sempre con un muro di mattoni che risponde all’ordine dell’edificio e non a quello del muro divisorio, occultando così l’effetto intercapedine, in modo che l’utente abbia la sensazione di vivere uno spazio proprio della scuola. Dietro i cortili, a sud, si posiziona l’uscita di sicurezza e l’aerazione del parcheggio a due piani. Ad eccezione dei muri di mattoni dei cortili, sempre che sia possibile, si userà il vetro su infissi di ferro, in modo da permettere la trasparenza tra le aule e le zone di passaggio della scuola.
MEMORIA: Esta escuela de idiomas se sitúa dentro de una manzana de viviendas con un estrecho acceso a su parcela de unos 25 metros, desde la Calle Brujas (paralela a la Calle Gran Vía). Este hecho condiciona su configuración: la escuela solo tendrá una fachada de acceso y de salida o evacuación. Por otro lado, al encontrarse dentro de un patio de manzana, su forma y distribución podría condicionar la tranquilidad de los vecinos que rodean la escuela. La mayoría de la manzana está compuesta por viviendas entre medianeras de dos o tres, pisos. Solo ocasionalmente se supera esa altura. Sin embargo en el lado norte se alza un edificio de viviendas de ocho pisos de altura y planta irregular. La escuela viene a ocupar el patio de manzana por completo, pero solo en planta baja. En esta planta se distribuyen los usos más variados del edificio: seminarios, aulas especiales, dirección, conserjería, un pequeño bar... todo ello colmatando la planta e iluminado por patios ordenados según la pauta estructural, que es paralela a la fachada de acceso, y que vienen a personalizar cada uno de esos espacios de planta baja. El fondo de los patios siempre está rematado con un muro de ladrillo que responde al orden del edificio, y no al de la medianera, con lo que el usuario tiene la sensación de habitar un espacio propio de su escuela y no un intersticio. Tras ellos se coloca la salida de evacuación, a sur, y las ventilaciones de las dos plantas de aparcamiento. A excepción de esos muros de fondo de los patios, se utiliza el vidrio sobre carpintería de hierro siempre que es posible, lo que permite la transparencia entre las aulas y los espacios de paso de la escuela.
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Sopra il piano terra e perpendicolarmente ai cortili si trova lo spazio dedicato alle aule, che ingloba il maggior numero di classi della scuola. Lo spazio è interrotto dall’ascensore e dalla scala principale in modo da adattarsi all’irregolarità dell’area edificabile e separarsi dal quartiere circostante. L’area nord dispone di un’area di passaggio praticamente senza uscite, con aperture solo in punti concreti. In questo modo si assicura l’intimità degli edifici circostanti, molto più alti della scuola. Le aule guardano a sud e sono protette da lamine d’alluminio che fungono da protezione solare conferendo allo stesso modo una certa intimità nei confronti dei vicini delle case tutt’attorno. La circolazione al piano terra scorre sotto la proiezione della zona delle aule, che a sua volta consente di combinare la distribuzione degli impianti. Rispetto alla sua posizione all’interno della città, la scuola è l’elemento che completa e dà senso al quartiere circostante. Il piano terra guarda al suo interno mentre la zona delle aule, praticamente situata sopra i cortili, prende le distanze e rispetta l’area dei vicini separando la facciata.
Sobre esta planta baja, y perpendicular a los patios, está el aulario el cual acoge la mayoría de aulas de la escuela y que se quiebra en la zona de la escalera principal y ascensor para adaptarse a la irregularidad del solar y alejarse lo máximo posible de los vecinos. En su lado norte tiene su zona de paso y es prácticamente ciego, teniendo huecos solo en puntos concretos. Esto resuelve la privacidad con el bloque de viviendas, mucho más alto que la escuela. A sur miran las aulas, pero estas se protegen con lamas de aluminio siendo protección solar a la vez que otorgan una cierta intimidad respecto a los vecinos de las casas entre medianeras. La circulación en planta baja discurre bajo la proyección del aulario, lo que a su vez permite encajar la distribución de las instalaciones. Respecto a la parte de ciudad que puede ordenar, la escuela viene a ser la pieza que completa la manzana y da sentido a su sección. Internamente la planta baja mira a su propio interior y el aulario, prácticamente depositado encima de los patios, se protege y respeta a sus vecinos separándose y tamizando su fachada.
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686 design lab, Nicola Bellofatto & Giulio Pucci. Writting by Francesco Stinco
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Palma e flower nascono dall’incontro di due generazioni di designer (rispettivamente classe ‘68 e ‘86) e dalla loro ricerca negli anni di un linguaggio espressivo puro e essenziale. Il cemento è il punto d’incontro e il 686_design_lab ne ha fatto la sua specializzazione, impiegando quello che forse è il materiale da costruzione più minimale, soprattutto quando viene usato in modo diverso dal solito, come in questo caso, per la creazione di oggetti d’arredo che possono essere impiegati sia per interni che per esterni. Superfici grezze e ruvide, volutamente a vista, danno un’impronta di stile industriale in qualsiasi interno minimalista. Grazie anche alla loro tonalità cemento “genuina”, senza alterazioni cromatiche, sono capaci quindi di mettere in risalto i colori e le forme che andranno a contenere. Gli elementi sono modulari e impilabili, permettono quindi varie soluzioni di forma e altezza, oltre alla multifunzionalità.
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Palma y Flower nacen del encuentro de dos generaciones de diseñadores (clase del 68 y del 86, respectivamente) y de su investigación a lo largo de los años sobre un lenguaje expresivo puro y esencial. El cemento es el punto de encuentro y “686_design_lab” lo ha convertido en su especialidad, usando el que puede que sea el material de construcción más minimalista, sobre todo cuando se usa en modo diferente al habitual, como en este caso, para la creación de objetos de decoración que pueden ser usados tanto en interiores como en exteriores. Superficies bastas y ásperas, a sabiendas a la vista, dejan una impronta de estilo industrial en cualquier interior minimalista. Gracias también a su tonalidad cemento “genuina”, sin alteraciones cromáticas, son capaces por tanto de resaltar los colores y las formas que contendrán. Los elementos son modulares y se pueden apilar, permiten por tanto diferentes soluciones de forma y altura, además de tener múltiples funciones.
Francesco Stinco Photo Nicola Bellofatto Location: un architettura di Davide Olivieri e Daniele Benetti https://www.facebook.com/GiulioPucciDesign
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Feather Sublimio, Matteo Modica
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È nata per s!dare le convenzioni e la forza di gravità: Feather, la seduta disegnata da Matteo Modica e prodotta da Sublimio, non poggia per terra, ma sembra piuttosto “fluttuare nell’aria. Abbandonato il modello della sedia, Feather sceglie di ispirarsi alle altalene, di cui riprende la libertà e la giocosità, portandole nell’arredamento contemporaneo. Due coppie di tiranti - quasi invisibili - sostengono una seduta minimale, la cui forma, ispirata a quella di una piuma, appare modellata dal vento. È il risultato di un lungo lavoro di ricerca e semplificazione, che riduce all’essenziale il concetto di seduta e lo libera dalla staticità.
Nació para desafiar las convenciones y la fuerza de la gravedad: Feather, el asiento diseñado por Matteo Modica y producida por Sublimio, no se apoya en el suelo sino que parece más bien que flota en el aire. Abandonado el modelo de la silla, Feather decide inspirarse en los columpios, de los que rescata su libertad y alegría, llevándolos a la decoración contemporánea. Dos parejas de tirantes -casi invisiblessostienen un asiento minimal, cuya forma, inspirada en la de una pluma, aparece moldeada por el viento. Es el resultado de un largo trabajo de investigación y simplificación, que reduce a lo esencial el concepto de asiento y lo libera de la estaticidad.
Le linee eteree di Feather sono un piccolo miracolo dell’artigianato Made in Italy. Sublimio ha scelto infatti di non ricorrere alla produzione industriale, ma di produrre questa seduta solamente su richiesta, con processi artigianali di alta qualità che rendono questo oggetto al tempo stesso astratto ed umano. Dovunque appaia - appartamenti privati o spazi pubblici - Feather non manca di solleticare la curiosità di chi la vede per la prima volta, così aliena tra gli arredi tradizionali. Ad una prima incertezza - posso sedermi? - segue la sorpresa di trovarsi comodi, sicuri e liberi, nuovamente bambini con i piedi in aria.
Las líneas etéreas de Feather son un pequeño milagro de la artesanía Made in Italy. Sublimio ha decidido, de hecho, no recurrir a la producción industrial, sino producir este asiento solamente bajo pedido, con procesos artesanales de alta calidad que hacen a este objeto abstracto y humano al mismo tiempo. Donde quiera que aparezca -apartamentos privados o espacios públicos- Feather no deja de activar la curiosidad de quien la ve por primera vez, tan diferente entre el mobiliario tradicional. A una primera duda -¿puedo sentarme? - le sigue la sorpresa de sentirse cómodos, seguros y libres, de nuevo niños con los pies en el aire.
http://www.sublimio.com
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Wispul D채wis Pulga
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La visualizzazione architettonica realistica, parte integrante dell’odierna architettura, è una delle prove più impegnative per la computer grafica. La lettura dei progetti architettonici, la modellazione, lo studio dei materiali, l’inserimento ambientale, l’illuminazione, il rendering, la postproduzione, sono tutti processi che vanno definiti con un criterio sia tecnico che artistico. Collaborare, coltivare e far crescere la visione per rispondere alle esigenze e vendere idee. Un viaggio nel futuro passando attraverso la mente dell’architetto darà vita a concetti e spazi non ancora edificati, un prodotto fatto di volumi, luci ed emozioni. Sono un 3d generalista costantemente alla ricerca di nuove sfide. Sono così molteplici gli argomenti nel mondo della computer grafica che è sempre “la prima volta”. E ogni volta è sempre divertente, stimolante, esaltante. Ogni progetto ha qualcosa di nuovo, di mai provato, ci si deve documentare, bisogna studiare, ricercare, testare. Sono tutti gli esperimenti che alla fine portano al risultato, un risultato che arricchisce il bagaglio e sfama ancora un poco quella sete di sapere, di provare, di aumentare lo standard. Amo la computer grafica ed ogni pixel che si possa accendere tramite un software. Convivo in questo mondo virtuale dove con infiniti mezzi a disposizione è possibile dare un’anima all’immaginazione.
La visualización arquitectónica realista, parte integrante de la arquitectura actual, es una de las pruebas más duras para el diseño gráfico por ordenador. La lectura de los proyectos arquitectónicos, el modelado, el estudio de los materiales, la inserción en el ambiente, la iluminación, la representación, la posproducción, etc. son procesos que se definen con criterios tanto técnicos como artísticos. Colaborar, cultivar y hacer crecer la visión para dar respuesta a las exigencias y vender ideas. Un viaje al futuro pasando por la mente del arquitecto, dará vida a conceptos y espacios aún no edificados; un producto hecho de volúmenes, luces y emociones. Soy un 3D generalista constantemente en búsqueda de nuevos retos. Son tan dispares los contenidos en el mundo del diseño gráfico digital que siempre es “la primera vez”. Y siempre es divertido, estimulante, apasionante. Cada proyecto tiene algo nuevo, algo nunca hecho antes. Hay que documentarse, estudiar, investigar, testar. Son todos los experimentos los que al final llevarán al resultado, un resultado que enriquece la experiencia y sacia un poco esa sed de saber, de probar, de mejorar los estándares. Adoro el diseño gráfico digital y cada píxel que se pueda crear mediante un software. Convivo con este mundo virtual, donde con infinitos medios a disposición es posible dotar de alma a la imaginación.
http://wispul.tumblr.com/
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http://arabafenice89.deviantart.com/
Disegno sin da bambina, dal momento stesso in cui mi è stato messo un pastello tra le mani. Ma non è stata subito passione, quella è venuta col tempo. Di sicuro deve essere una caratteristica genetica, non solo la sola in famiglia ad essere un artista. Anche mia sorella e mio fratello hanno uno spiccato talento, per non parlare di quasi tutte le mie zie. Sono sempre stata molto legata al figurativo e alle linee pulite, i miei lavori sono fortemente influenzati da artisti come Alphonse Mucha e Gustav Klimt. Per i miei ritratti, utilizzo quasi esclusivamente la grafite su foglio liscio. La grafite presenta diverse gradazioni e mi permette di scendere nei minimi dettagli dei volti ed avere a disposizione ampie sfumature. Non ho un pensiero in particolare quando ritraggo qualcuno, anzi, probabilmente non riuscirei a disegnare se fossi soprappensiero. Prima di mettere mano alla matita, passo un bel po’ di tempo a fissare la foto da ritrarre. Cerco di creare un legame emozionale e di empatia con il soggetto. Perché non è sufficiente riprodurre un gioco di luci o una particolare ombra nello sguardo per buttare sulla carta un sentimento. Sul foglio ci sono anche io, c’è più di me che della persona ritratta, è così che riesco a dare un’anima al disegno.
Dibujo desde niña, desde el mismo momento en que me pusieron un lápiz en la mano. Pero no fue una pasión inmediatamente, se convirtió en ello con el tiempo. Tiene que ser algo genético, eso seguro; no soy la única artista en la familia. Mi hermano y mi hermana también tienen un talento evidente, por no hablar de casi todas mis tías. Siempre conecté mucho con el figurativo y con las líneas puras, mis obras están profundamente influenciadas por artistas como Alphonse Mucha y Gustav Klimt. No tengo una idea en particular cuando retrato a alguien, es más, probablemente no podría dibujar si lo pensara demasiado. Antes de ponerme manos a la obra, paso un poco de tiempo observando la foto a retratar. Intento crear un vínculo emocional y de empatía con el sujeto. Porque no es suficiente reproducir un juego de luces o una sombra en particular en la mirada para plasmar un sentimiento. En el lienzo estoy yo también, hay más de mí que de la persona retratada, así consigo dotar de alma al dibujo.
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Portrait of color Elliot Manresa
Text by Victor Monfort
http://inuevan.deviantart.com/ https://www.facebook.com/ElliotManresa
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Elliot Manresa è un illustratore valenziano giovane e talentuoso che sa stupire tanto con i ritratti che realizza, quanto con la varietà di formati e le tecniche artistiche che applica a questi, come per esempio la pittura, il disegno a carboncino o la pittura di immagini digitali. La sua passione per il mondo del disegno e per i fumetti lo hanno spinto a studiare all’Accademia di Belle Arti, dove ha scoperto nuove tendenze artistiche con le quali espandere i propri orizzonti.
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Glases Pinup
Elliot Manresa es un joven y talentoso ilustrador valenciano que sorprende tanto por los retratos que realiza, como por la gran variedad de formatos y técnicas artísticas utilizadas en los mismos, tales como la pintura, el carboncillo o la pintura de imágen digital. Su afición por el mundo de la Ilustración y por el del cómic le llevaron a estudiar Bellas Artes dónde descubrió nuevas tendencias artísticas con las que expandir sus horizontes.
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Attraverso maestri come Adam Hughes, John Cassaday, Alan Lee, Antonio López o Joaquín Sorolla tra i suoi favoriti, ha sviluppato uno stile unico che lo caratterizza. La sua opera, vivace e accattivante, gioca tra il realismo fotografico e la fantasia, sorprendendo con la sua originalità, così come per la sua completezza e opacità. Questo insieme di aspetti e la sua abilità innata di riuscire a riflettere espressioni e sentimenti, creano un legame speciale tra lo spettatore e l’opera dalla quale viene catturato, così da sembrare a sua volta molto piacevole/attraente/interessante.
Con referentes como Adam Hughes, John Cassaday, Alan Lee, Antonio López o Joaquín Sorolla entre sus favoritos, ha desarrollado un marcado estilo propio que lo caracteriza. Su obra, fresca y atrayente, juega a dos bandas entre el realismo fotográfico y la fantasía, sorprendiendo tanto por su originalidad como por sus acabados y matices. Dicha mezcla de vertientes y su habilidad innata para saber reflejar expresiones y sentimientos crea un vínculo especial entre el espectador y la obra que asombra y a su vez resulta muy atrayente.
Kingyo sukui
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Hold It Against Me
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El hijo tonto Il figlio stupido è radice, gambo, un ramo sotterraneo che cresce in orizzontale lasciando germogli che possono ramificarsi in qualsiasi punto. Ogni tanto produce un’opera di teatro, improvvisazione e generazione istantanea di scene e fili semantici condizionati dallo spazio, dal pensiero, dal pubblico, dagli oggetti e dagli attori.
El hijo tonto es raíz, tallo o rama subterránea que crece de forma horizontal emitiendo brotes que pueden ramificarse en cualquier punto. Cada cierto tiempo desarrolla una pieza teatral, improvisación y generación instantánea de escenas e hilos argumentales afectados simultáneamente por el espacio, el pensamiento, el público, los objetos y los actores.
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Photography by: Pablo Santacana
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https://www.facebook.com/elhijotonto
A partir de estímulos recogidos del público y entre los cuatro improvisadores, se genera un imaginario de personajes que se almacenan y se despliegan en un espacio matriz compartido por todos. A lo largo de una hora de espectáculo se irá definiendo la constelación aleatoria obtenida contando con la música como elemento de cohesión.
A partire dagli stimoli ricevuti dal pubblico e tra i quattro improvvisatori, si genera un immaginario di personaggi che si conservano e poi appaiono in uno spazio matrice condiviso da tutti. Durante un’intera ora di spettacolo si definiranno le costellazioni aleatorie ottenute, con la musica come elemento di coesione. Il figlio stupido è nato dal fratello cattivo: Cain Teatro, gruppo di teatro della Scuola Tecnica Superiore di Architettura di Madrid (ETSAM), gruppo itinerante e permeabili che ha sede in qualsiasi scenario che a questo si presti.
El hijo tonto nació del hermano malo: Caín teatro, grupo de teatro de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM), grupo itinerante y permeable que tiene su sede en cualquier espacio que se preste a ello.
Music: Roberto García Fdez. Cast: Marta de las Heras Martínez Miguel González Castro Lucía Salas Cobos Andrés Juste Hernández Marta Muñoz Legido Luis Rodríguez Carnero María Nuñez Rodríguez
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Redescubriendo el miedo con la
Ropavejera
Director and Screenwriter Nacho RuipĂŠrez Production Ryu Media Text by Victor Monfort
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I film horror appartengono a uno dei generi cinematografici più provocatori del panorama audiovisivo. A sua volta, con l’andare degli anni, il genere horror continua a rinnovarsi, anche se il cambio implica un ritorno alle origini letterarie e alle antiche leggende che tentavano di spiegare le leggi della fisica di un universo ostile e misterioso. Possiamo affermare con tutta sicurezza che il genere horror è intrinseco nella propria natura umana. Quotidianamente sperimentiamo il sentimento della paura. Tuttavia, provare terrore e provare orrore sono due sensazioni distinte. Il terrore è legato a una paura intensa, incontrollabile ed è provocato da cause razionali.
https://www.facebook.com/laropavejera.shortfilm
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El género de terror es uno de los géneros del cine más provocadores del panorama audiovisual. A su vez, este género sigue renovándose con el paso de los años, aunque este cambio implique volver a sus orígenes literarios, a las antiguas leyendas que trataban de explicar las leyes físicas de un universo hostil y misterioso. Podemos afirmar a ciencia cierta que el género de terror se encuentra intrínseco en la propia naturaleza humana. Sufrimos miedo a diario. Sin embargo, sentir terror y sentir horror es sentir dos cosas distintas. El terror está ligado con un miedo intenso, incontrolable y viene dado a partir de causas racionales.
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Mentre l’orrore offre un’ampia gamma di possibilità illimitate per l’artista, che rompe con la realtà occupandosi di mondi fantastici e soprannaturali. L’orrore non ha limiti, così come non ha limiti il cineasta Nacho Ruipérez, che nel suo ultimo film, La ropavejera, ha rinnovato rinnovare il genere dei vampiri. Nacho segue la linea del terrore gotico-classico, dell’iperrealismo gotico (come ama dire) e lo abbina a una narrazione più vicina, creando una formula innovatrice di contenuti liberamente ispirati alla vita di Entiqueta Martí i Ripollés (l’assassina di inizio secolo, popolarmente conosciuta come “la vampira di Barcellona”) e tinti di un bianco e nero tra sangue e poesia. L’orrore è provocato da diversi fattori al margine della storia. A questo proposito, Nacho Ruipérez sostiene che “la musica è come il terzo copione di un film”, di fatti è proprio la musica che come elemento narrativo è capace di farci sobbalzare lasciandoci senza parole. Inoltre, se il nostro protagonista si trova nel mezzo di una scena a “porte chiuse”, tra chiaroscuri e atmosfere macabre, allora non ci resta che respirare a fondo e lasciarci andare a una buona dosi di terrore. Non è da sorprendere che nel genere horror l’ingrediente stella sia l’estetica, l’approccio artistico nel quale si vuole avvolgere lo spettatore. Per tale ragione, in questa storia real-drammatica, Nacho ha deciso di fare uso di effetti speciali naturalistici, cercando un’immagine impreziosita che spinga lo spettatore dentro una fantasia controllata che per certi versi si allontana dalla storia reale di Enriqueta. È risaputo che i fan dell’“horror movie” o dello “smart horror” difficilmente si stancheranno di vedere la stessa formula ripetuta sullo schermo. Tuttavia, non possiamo negare che l’idea di provare nuove formule che ci facciano ancora sobbalzare dalla poltrona ci ricorda ancora una volta il carattere smisurato di questo genere cinematografico e quanto ancora ci sia da scoprire e sperimentare. In definitiva, Nacho scommette per una fusione tra il dramma e il fantastico. Forse non ci farà paura ma di sicuro potremo godere di una storia meravigliosa che di certo farà discutere.
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Mientras que el horror ofrece un abanico de posibilidades ilimitado para el artista, quien rompe con la realidad tratando el mundo de lo fantástico y lo sobrenatural. No existen límites para el horror, del mismo modo que no los hay para el cineasta Nacho Ruipérez, quien se atreve a revitalizar el género de los vampiros en su último film, La ropavejera. Nacho se adentra en la línea de terror gótico clásico, hiperrealismo gótico (como a él le gusta decir), y lo combina con un tipo de narración más próximo, creando así una fórmula innovadora de contenidos inspirados libremente en la vida de Enriqueta Martí i Ripollés, la asesina de principios de siglo popularmente conocida como “la vampira de Barcelona”, y teñidos en un blanco y negro entre la poesía y la sangre. El horror viene dado por diversos factores al margen de la historia, de esto modo, Nacho Ruipérez se atreve a decir que “la música es como el tercer guión dentro de un film”, y es que la música como elemento narrativo es capaz de provocarnos ese sobresalto que nos deja sin habla. Y si nuestro protagonista se encuentra en un escenario de “puertas cerradas”, entre claroscuros y ambiente macabro, sólo nos queda respirar hondo y disfrutar de una buena dosis de horror. No es de extrañar que en este género el ingrediente estrella sea la estética, el enfoque artístico en el que se quiera envolver al espectador. Por esta razón, en esta historia real dramática, Nacho ha decidido hacer uso de efectos especiales naturalistas, buscando una imagen más preciosista que adentre al espectador a una fantasía controlada que se aleje en ciertos aspectos de la historia real de Enriqueta. Es bien sabido que los fans del “horror movie” o del “smart horror” difícilmente se cansarán de ver las mismas fórmulas en la pantalla, sin embargo, no podemos negar que la idea de que surjan nuevas fórmulas que nos hagan saltar otra vez de nuestra butaca, nos recuerda una vez más lo inabarcable de este género cinematográfico, todo lo que nos queda por experimentar y descubrir. En definitiva, Nacho apuesta por una fusión entre el drama y el fantástico, quizá no sintamos miedo, pero seguramente disfrutaremos de una historia maravillosa que dará mucho que hablar.
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Sicilia, inizio ‘900. Quaranta matrimoni, quaranta foto, stessa posa, stessa sposa, quaranta mariti. L’istallazione Il matrimonio di Paola Lo Sciuto si è tenuta a Roma nella galleria Delloro dal 7 Dicembre 2012 al 31 Gennaio 2013. L’opera fa parte di una più ampia riflessione dell’artista sugli archetipi del femminile, così come nelle istallazioni/performances Il segundo paso (Auditorium Parco della Musica, Roma, 2009) e Stanza di luce (Pavillon Noire, Aix en Provence, 2007). L’istallazione fotografica riporta in immagini Il Matrimonio tra l’artista e i cavatori di marmo del paese di Custonaci, in Sicilia. Il nocciolo di questa visione, afferma l’artista, è il viscerale sentimento che la lega al territorio da cui proviene, talmente intenso da sentirsi intimamente unita agli uomini che lo abitano e che lo modificano strutturalmente. Custonaci è il secondo centro marmifero d’Europa, il cui paesaggio è stato radicalmente mutilato dalle cave. Il legame del matrimonio è qui visto metaforicamente come condivisione di un destino determinato dagli altri e di cui se ne subiscono inevitabilmente le conseguenze. Allo stesso tempo, il rito del matrimonio viene qui indagato come atto simbolico di unione sacra tra due componenti filosofiche, rappresentate rispettivamente dal maschile e dal femminile, quella dell’azione trasformativa e quella dell’anima cosciente, la sophia (sapienza divina o parte femminile di Dio), spesso sacrificata e mai veramente ascoltata, a favore di un’azione sorda che distrugge continuamente la bellezza.
Sicilia, inicio del novecientos. Cuarenta bodas, cuarenta fotos, misma pose, misma mujer, cuarenta maridos. La muestra “La boda de Paula Lo Sciuto” tuvo lugar en Roma en la galería Delloro del 7 de Diciembre de 2012 al 31 de Enero de 2013. La obra forma parte de una más amplia reflexión de la artista sobre los arquetipos femeninos, al igual que en las muestras/performances “El segundo paso” (Auditorio Parco de la Musica, Roma, 2009) y “Habitación de luz” (Pavillon Noire, Aix en Provence, 2007). La muestra fotográfica cuenta en imágenes la boda entre la artista y los canteros de mármol del pueblo de Custonaci, en Sicilia. El fundamento de esta visión, afirma la artista, es el sentimiento visceral que la une al territorio del que proviene, talmente intenso que la hace sentirse íntimamente ligada a los hombres que lo habitan y lo modifican estructuralmente. Custonaci es el segundo centro marmóreo de Europa, cuyo paisaje ha sido radicalmente mutilado por las canteras. El vínculo del matrimonio es visto aquí de forma metafórica como el compartir un destino determinado por el resto y del cual se sufren inevitablemente las consecuencias. Al mismo tiempo, se investiga el rito del matrimonio como acto simbólico de unión sacra entre dos componentes filosóficas, representadas respectivamente por lo masculino y lo femenino, por la acción transformativa y por el alma consciente, la sophia (sabiduría divina o parte femenina de Dios) con frecuencia sacrificada y jamás verdaderamente escuchada, en favor de una acción sorda que destruye continuamente la belleza.
http://www.paolalosciuto.com
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graph
y by:
Carlo
Pratis
Matrimonio Text by Vera Daidone, performance by Paula Lo Sciuto
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Sicilia, 1900. Quaranta matrimoni, quaranta foto, stessa posa, stessa sposa, quaranta mariti.
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Sicilia, 1900. Cuarenta bodas, cuarenta fotos, misma pose, misma mujer, cuarenta maridos. MAGAZINE
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Passaggi sonori. MAGAZINE
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. Palermo a Venezia Performance by Alessandro Libro, text by Salvatore Davi
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Le città sono un coagulo di itinerari sensoriali dentro i quali gli individui agiscono creando meccanismi di appropriazione e interpretazione. Lo spazio urbano si presenta, dunque, come luogo di sedimentazione di tutti gli elementi semiotici prodotti al suo interno; questo meccanismo crea processi di negoziazione culturale, di instabilità, di sovrapposizioni e di mutazioni che coinvolgono il territorio e mettono in continua discussione le certezze percettive di chi lo vive. Alessandro Librio, musicista e artista siciliano, lavora sulle strutture che sgretolano queste certezze, sugli elementi perturbatori che scavano all’interno del paesaggio sonoro di un tessuto urbano. Il 4 giugno del 2011, in occasione della Biennale di Venezia, l’artista propone Palermo a Venezia, una installazione ambientale che sposta in tempo reale le sonorità del capoluogo palermitano; un nuovo ‘soundscape’ contamina Venezia per ventiquattro ore e sette minuti. La città lagunare accoglie un abbraccio sonoro inusuale e il traffico automobilistico si impossessa dei percorsi pedonali veneziani. Il concept dell’opera mira, attraverso ‘l’errore’ percettivo imposto, ad elaborare un’osservazione, un modello di contaminazione culturale che parta dall’elemento acustico.
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Las ciudades son un coágulo de itinerarios sensoriales dentro de los cuales los individuos reaccionan creando mecanismos de apropiación e interpretación. El espacio urbano se presenta, por tanto, como lugar de sedimentación de todos los elementos semióticos producidos en su interior: este mecanismo crea procesos de negociación cultural, de inestabilidad, de superposición y de mutaciones que involucran el territorio y cuestionan continuamente las certezas perceptivas de quienes lo viven. Alessandro Librio, músico y artista siciliano, trabaja con las estructuras que hacen que se desmoronen estas certezas, con los elementos perturbadores que excavan dentro del paisaje sonoro de un tejido urbano. El 4 de junio de 2011, con motivo de la Bienal de Venecia, el artista propone “Palermo en Venecia”, una instalación ambiental que traslada en tiempo real la sonoridad de la capital siciliana; un nuevosoundscape contamina Venecia durante veinticuatro horas y siete minutos. La ciudad de la laguna acoge un abrazo sonoro inusual y el tráfico automovilístico se apodera de los recorridos peatonales venecianos. El concepto de la obra pretende, mediante el “error” perceptivo impuesto, elaborar una observación, un modelo de contaminación cultural partiendo del elemento acústico. http://www.alessandrolibrio.com
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Bioshock Infinite
Text by Juan Hernando I videogiochi possono essere una forma di espressione artistica? Che sia l’interattività che offrono quello che manca all’arte contemporanea per uscire dal suo stagnamento? Da questo punto di vista, al più puro stile narrativo della saga Bioshock, io direi che si. Alcuni anni abbiamo avuto la fortuna di conoscere Rapture ( immagine 1), una buia città sottomarina dove si erano inabissate morale e società. Lontano da questi temi, che misero il giocatore davanti a una complesso crocevia etico e politico, siamo stati testimoni di come l’arte può essere applicata al videogioco. Ciò non è nuovo, dal momento che tutti i progetti nascondono un attento disegno artistico in accordo con l’universo circostante. Tuttavia possiamo affermare che Bioshock migliorò uno stile artistico storico portandolo a un livello superiore. Sono stati capaci di trasmettere, location dopo location, la grandezza del movimento
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¿Pueden ser los videojuegos una expresión artística? ¿Acaso la interactividad que ofrecen es lo que le falta al arte contemporáneo para salir de su estancamiento? Bajo estas cuestiones, al más puro estilo narrativo de la saga Bioshock, yo afirmaría que sí. Hace unos años tuvimos la suerte de conocer Rapture (imagen_01), una sombría ciudad submarina donde la moral y la sociedad se habían inundado. Lejos de estos argumentos, que pusieron al jugador en una compleja encrucijada ética y política, fuimos testigos de cómo el arte puede aplicarse en los videojuegos. Esto no es nuevo, ya que todos los proyectos esconden un diseño artístico cuidado y acorde con el universo instaurado. Pero podemos decir que Bioshock elevó un estilo artístico histórico a otro nivel. Fueron capaces de transmitir, localización tras localización, la grandeza del movimiento Art
http://www.bioshockinfinite.com
dell’Art Decò, spingendolo oltre grazie alle infinite possibilità che offrono gli intorni tridimensionali attuali. Oggigiorno i videogiochi si sono evoluti e continuano a lottare per raggiungere l’agognato iperrealismo; qualcosa a cui forse l’essere umano non è ancora preparato, abituato a fuggire da ciò che non è reale e da quello che si avvicina troppo alla realtà senza esserlo. É qui che la squadra di Irrational Games ha fatto un gran lavoro, applicando un tocco spigliato che evita questa eterna comparazione. Dopo due consegne ambientate a Rapture, in questa terza occasione viaggeremo a Columbia (immagine 2), una città fluttuante. “Cambieremo quello stile artistico tanto esuberante e oscuro per uno più conservatore e luminoso. A Columbia abbonda il Neoclassico, il Coloniale e l’Eduardiano (una variante meno ornamentale dello stile
Img 1
Decó llevándolo un paso más allá gracias a las infinitas posibilidades que ofrecen los entornos tridimensionales actuales. Hoy en día los videojuegos han evolucionado y siguen peleando por conseguir el ansiado hiperrealismo; algo a lo que quizás el ser humano aún no esté preparado, acostumbrado a huir de lo falso y de aquello que se asemeja demasiado a la realidad sin serlo. Es aquí donde el equipo de Irrational Games ha hecho un gran trabajo, aplicando un toque más desenfadado que evita esa eterna comparación. Y es que, tras dos entregas ambientadas en Rapture, en esta tercera ocasión viajaremos a Columbia (imagen_02), una ciudad flotante. Cambiaremos ese estilo artístico tan exuberante y oscuro por uno más conservador y luminoso. En Columbia abunda el Neoclásico, el Colonial y el Eduardiano (una vertiente menos ornamental del
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vittoriano)”, queste le parole che mi dedicò KEN LAVINE (direttore creativo del gioco) in twiitter. Grazie a questi stili architettonici distingueremo una complessa direzione artistica capace di lasciare con la bocca aperta l’utente. Parlo, soprattutto, del momento in cui apriamo la porta e incontriamo per la prima volta la città. E’ incredibile vedere come la creatività di un team è capace di portare la realtà alla fantasia con una forma tanto perfetta. Non vedremo mai case fluttuanti ( o almeno credo), ma qui tutto è possibile e ha una spiegazione logica,
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estilo Victoriano); estas fueron las palabras que me dedicó Ken Levine (director creativo del juego) en Twitter. A través de estos estilos arquitectónicos distinguiremos una compleja dirección artística capaz de dejar con la boca abierta al usuario. Hablo, sobre todo, del momento en el que abrimos las puertas y percibimos la ciudad por primera vez. Es increíble ver como la creatividad de un equipo es capaz de llevar la realidad a la ficción de una forma tan hermosa. Jamás veremos casas flotantes (o eso creo), pero
Img 2 o forse no? A Columbia ritorneremo agli stessi temi narrativi delle produzioni anteriori e affronteremo un conflitto religioso. Questa volta in un universo più onirico dove, in più di una occasione, percepiremo la stessa perplessità che produce David Lynch, regista che sono sicuro il proprio Levine ammira; bisogna solo vedere come finisce il gioco per rendersene conto. Questo si, dovrete completarlo se volete capirlo.
aquí todo es posible y tiene una explicación lógica ¿O quizás no? En Columbia regresaremos a los mismos argumentos narrativos de las anteriores entregas y nos enfrentaremos a un conflicto religioso. Esta vez en un universo más onírico donde, en más de una ocasión, sentiremos el mismo desconcierto que produce David Lynch, director al que estoy seguro que el propio Levine admira; sólo hay que ver el final del juego para cerciorarse de ello. Eso sí, deberéis completarlo si queréis comprenderlo.
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Fats
sanare
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Il progetto comincia a Roma nel 2009 con l’obiettivo di produrre musica elettronica dal sound energico ed originale. Il gruppo è attualmente formato da Muf, Caffeine, Revolt ed Eckovibe, impegnati nella scena musicale italiana già da anni e provenienti da stili musicali differenti. Approcciamo alla produzione con un setup flessibile che ci premette di unire le sonorità grasse dei sintetizzatori analogici alla velocità graffiante dei software digitali...e quando si somma un Moog ad un Massive il risultato “vibra”! Breaks campionati e pattern ritmici viaggiano su tempi Drum’n’bass e Dubstep, un computer, due monitor e quattro teste, il resto viene da se! Riguardo la creazione delle tracce non ci sono regole precise, generalmente ci piace suonare in gruppo ma può capitare di lavorare tutti insieme ad un’idea di uno di noi Cercando di sfruttare al meglio il background musicale di ogni singolo membro del gruppo ci ritroviamo spesso ad arrangiare i nostri brani con chitarre, parti di batteria acustica e scratchs. Grazie e buon ascolto!
http://soundcloud.com/fatsnare
El proyecto empieza en Roma en 2009 con el objetivo de producir música electrónica de un sonido enérgico y original. El grupo está actualmente formado por Muf, Caffeine, Revolt y Eckovibe, habituales de la escena musical italiana desde hace años y provenientes de estilos musicales diferentes. Enfocamos la producción con un setup flexible que nos permite unir la sonoridad gruesa de los sintetizadores analógicos a la velocidad prodigiosa delsoftware digital... y cuando añadimos un moog a un massive el resultado “vibra”! Breaks y patrones rítmicos viajan en los ritmos Drum’n’bass e Dubstep, un ordenador, dos monitores y cuatro cerebros, ¡el resto llega solo! En cuanto a la creación de las pistas no hay reglas concretas, generalmente nos gusta pinchar en grupo pero a veces trabajamos todos juntos en la idea de alguno de nosotros. Intentando explotar al máximo la experiencia musical de cada miembro del grupo, nos descubrimos a nosotros mismos organizando nuestros fragmentos con guitarras, partes de batería acústica y scratchs. ¡Gracias y feliz escucha!
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Stop Motion
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Photography by Clay Animation
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Clay Animation
Text by Victor Monfort
Il Museo Valenziano dell’Illustrazione e della Modernità (Muvim) espone per la prima volta a Valenzia una mostra senza precedenti in tutta Europa. Stop Motion Don’t Stop è una mostra che raccoglie una vasta selezione tra le opere più importanti dei tre disegnatori valenziani più apprezzati e rinomati del settore della Claymation. E se vi state chiedendo cos’è la Claymation... beh, allora continuate a leggere.
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El Museo Valenciano de la Ilustración y de la Modernidad (Muvim) exhibe por primera vez en Valencia una exposición sin precedentes en toda Europa. Stop Motion Don’t Stop, es una muestra dónde se recogen una amplia selección de los trabajos más importantes de tres de los animadores valencianos más relevantes y reconocidos dentro del sector del claymation. Y os preguntaréis, ¿y qué es eso?, pues seguid leyendo.
Photography by Clay Animation
Photography by Victor Monfort
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Photography by Victo
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or Monfort
La Claymation è una variante della Stop motion (o passo uno), una tecnica di animazione che simula il movimento di oggetti statici per mezzo di una sequenza fotografica. Nella Claymation si impiega plastilina e altri oggetti. Di questa tecnica, Juan Tostado (Clay Animation), Pablo Llorens (Plotens Plastianimation) e Sam Ortí (Conflictivos Productions) sono dei veri e propri esperti.
El claymation, es una variación del stop motion, una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una secuencia de fotografías. En el claymation, se anima plastilina y otros objetos, y en esto, Juan Tostado (Clay Animation), Pablo Llorens (Plotens Plastianimation) y Sam Ortí (Conflictivos Productions) son auténticos expertos.
Le loro opere sorprendono il visitatore per la complessità, la varietà di dettagli ma soprattutto per l’orginalità incontenibile. Oggi, grazie al Muvim, i tre artisti si mettono in mostra per farci conoscere i retroscena della Clayanimation: si potranno osservare i personaggi da vicino, il processo creativo dal disegno al risultato finale, e si potrà persino assistere alle riprese dal vivo.
Sus creaciones sorprenden al visitante por su complejidad, variedad de infinitos detalles y sobretodo por su desbordada originalidad; ahora y gracias al Muvim se exhiben en esta muestra en dónde descubriremos los entresijos del clayanimation: veremos de cerca a los personajes, el proceso creativo, desde el diseño hasta el resultado final e incluso asistiremos al rodaje en directo.
http://www.muvim.es/
by Muvim
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The Golden Age
Text by Juan Hernando
Woodkid, o altrimenti detto: Yoann Lemoine, ha appena finito di registrare il suo disco d’esordio “The Golden Age”. Una raccolta di 14 temi dove la immaginazione e le emozioni oscillano costantemente senza dar tregua all’ascoltatore. Ci incontriamo davanti a un percorso musicale elegante, classico, orchestrale e decisamente epico; degno di formar parte della colonna sonora di un colosal cinematografico. Ma l’arte di Woodkid non si ferma qui e parliamo di lui proprio per concentrarci su di lui come regista. Questo giovane francese nato a Lione (1983) con studi come illustratore e in animazione può contare con avere alle sue spalle una reputata carriera come regista di videoclip.
Woodkid, o lo que es lo mismo: Yoann Lemoine, acaba de editar su disco de debut “The Golden Age”. Una recopilación de catorce temas en los que la imaginación y a las emociones oscilan constantemente sin dar tregua al oyente. Nos encontramos ante un recorrido musical elegante, clásico, orquestal y muy épico; digno de formar parte de la banda sonora de cualquier superproducción cinematográfica. Pero la labor de Woodkid no se queda aquí y es que precisamente hablamos de él para centrarnos en su faceta como director. Este joven francés nacido en Lyon (1983) con estudios de ilustración y animación cuenta, a sus espaldas, con una reputada carrera como director de videoclips.
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Videoclip “Run boy run”
Senza spingerci troppo in la, ha diretto per esempio Kate Perry (teenage party) o Lana del Rey (Blue Jeans, Born to die). Nonostante ciò, sono le sue proprie creazioni ad averlo reso famoso a livello mondiale. La sua trilogia di videoclip formata da Iron, Run Boy Run y I Love You (canzoni del suo album di debutto) è un buon esempio di come il formato del video musicale può evolversi e dar luogo a piccole opere d’arte audiovisiva. E’ stato premiato con moltissime nomination e riconoscimenti. Vale la pena perdersi nei suoi paesaggi onirici e deliziarsi con le sue canzoni.
Ha dirigido para Katy Perry (Teenage dream) o Lana del Rey (Blue Jeans, Born to Die) sin ir más lejos. Pero aun así, son sus propias creaciones las que le han hecho conocido a nivel mundial. Su trilogía de videoclips formada por Iron, Run Boy Run y I Love You (canciones de su álbum de debut) es un buen ejemplo de cómo el formato del video musical puede evolucionar y dar lugar a pequeñas piezas de arte audiovisual. Ha sido galardonado con montones de nominaciones y premios. Merece la pena perderse en sus oníricos paisajes y deleitarse con sus canciones.
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“It´s time for a change… …time to take a new attitude on” MAGAZINE
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Poster: Cannes 2013
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Poster: New kind of love
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The 66th Cannes Film Festival
Text by Marta Ibañez
Se le origini del festival del cinema più famoso al mondo ritrovano le proprie radici nel Festival del cinema di Venezia, la locandina della 66ª edizione è un tributo e remake a una delle migliori pellicole del 1963.
Si los orígenes del festival de cine más famoso del mundo encuentran sus raíces en el Festival de cine de Venecia, el poster de esta 66º edición es un remake y homenaje a una de las mejores películas del 1963.
“Il festival è una terra di nessuno apolitica, un microcosmo di come dovrebbe essere il mondo se la gente potesse entrare in contatto l’una con l’altra in modo diretto e parlando la stessa lingua” Jean Cocteau
“El festival es una tierra de nadie apolítica, un microcosmos de lo que sería el mundo si los hombres pudieran relacionarse entre sí directamente y hablar el mismo idioma” Jean Cocteau
Intervistare una prostituta e innamorarsene sono temi che sfidano totalmente i paradigmi degli anni ‘60. La produzione e la presentazione di questo genere di film era un’autentica provocazione nel quadro del contesto storico dell’epoca, e così, come contrapposizione alla censura e come difesa perpetua della libertà d’espressione. Questa 66ª edizione viene ancora una volta premiata con un omaggio al film del del ‘63 con Paul Newman e Joanna Woodward, considerata come un’altra espressione di rivendicazione sociale e di eccellenza cinematografica.
Entrevistar a una prostituta y además enamorarse de ella, son argumentos que desafían totalmente los paradigmas de la década de los 60. La producción y la presentación de este tipo de películas era una auténtica provocación dentro del contexto histórico y como contraposición a la censura y defensa perpetua de la libertad de expresión. Volver a premiar, con un homenaje, en esta 66º edición, a la perspicaz película del 63, protagonizada por Paul Newman y Joanne Woodward, es otra expresión de reivindicación social y excelencia cinematógrafica.
http://www.festival-cannes.fr/
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Già dalla prospettiva dell’illustrazione è possibile stabilire un chiaro vincolo tra la locandina della 66ª edizione dell’agenzia Bronx di Parigi e l’illustrazione di Leblanc del primo Festival del cinema, dove il tema principale è raffigurato da una coppia di amanti. Nessuno dei manifesti delle edizioni precedenti aveva come protagonisti due soggetti, e ancor meno due soggetti uniti dal tema dell’amore. L’amore si trova fisicamente al centro dell’immagine della locandina, che, volendo spingerci oltre, potremmo tradurre come un amore al centro del mondo. Una verità in mezzo all’incertezza, simboleggiata dalla solitudine dell’isola circondata dall’acqua o dal nulla, in bianco e nero, che avvolge le due figure del manifesto di quest’anno. Potremmo considerarla una forma audace di voler risaltare il bisogno di libertà di espressione unita al desiderio di dimostrare, nell’attualità, che il cinema continua ad essere libero? Da ogni punto di vista, il cinema è una grande fonte di ispirazione sociale, di espressione e opportunità, non solo per il gran numero di artisti anonimi con il potenziale di diventare un domani icone dell’arte, ma anche per tutti coloro che come noi recitano nel gran palcoscenico della vita.
Poster: Ca
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Desde la perspectiva Ilustrativa, podemos establecer un claro vínculo entre el poster de esta 66º edición, de la agencia “the Bronx” (París), y la ilustración de Leblanc, que tenía la portada del 1er Festival de cine. Donde el objeto principal de la ilustración es una pareja de amantes. En ninguna de la ediciones antecedentes, los carteles y sus ilustraciones han contado con dos sujetos, y mucho menos con dos sujetos, donde la temática que les une es el amor. Yendo más allá, es un amor que físicamente se encuentra en el centro de la imagen del poster, lo cual podría traducirse como un amor en el centro del mundo. Una verdad en medio de la incertidumbre, que viene representada por el aislamiento en la isla rodeada de agua o el vacio, en blanco y negro, alrededor de las figuras del poster de este año. ¿Podría ser esta una audaz forma de ensalzar la necesidad de libertad de expresión unida a al deseo de hacer patente, aún en la actualidad, que el cine sigue siendo libre? Desde cualquier punto de vista, el cine es una gran fuente de inspiración social, de expresión y oportunidades, no sólo para el gran número de artistas que siendo hoy anónimos, mañana pueden llegar a ser grandes iconos del arte, sino también para todos los que actuamos en el gran escenario de la vida.
annes 1946
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Literatura en pequeñas dosis
MICRO
RELATOS
Beatriz Sarrión
Il micro racconto è una costruzione letteraria narrativa distinta dalla novella o dallo stesso racconto. La sua caratteristica principale è essere breve. Non è un fenomeno nuovo, ma, sì è una scommessa su di una forma creativa diversa. In un mondo dove il tempo è denaro, dove tutto accade rapidamente e i lettori sono costantemente “bombardati” da messaggi, il micro racconto cerca di catturare l’attenzione del lettore in pochi istanti e lasciare il segno. La letteratura attualmente è accessibile a tutti, dai più ricchi e con molto tempo disponibile a coloro che, anche se rovistassero a fondo nelle proprie tasche, non incontrerebbero niente più che pochi minuti al giorno da dedicare alla lettura. Per loro e per tutti coloro a cui, per alcuna inspiegabile ragione, leggere tocca i tasti più profondi del cuore, nascono i micro racconti. Ma anche per quegli scrittori che vogliano mettere a prova la propria capacità di sintesi, che credono che un buon racconto, se breve, è doppiamente buono, Per coloro che vivono una generazione dove le nuove forme di comunicazione obbligano a condensare il messaggio in 140 caratteri. Scrivere un micro racconto è un obiettivo, giacche il semplice fatto di dover usare poche parole implica non poter usare “parole superflue”, devi scegliere e misurarle bene quelle che si rimarranno impresse nella carta e quelle, non necessarie, che resteranno solo nella tua immaginazione. Attualmente non solo i grandi scrittori hanno accesso al mondo editoriale, ma attraverso le nuove tecnologie possiamo apprezzare piccole grandi opere e gli scrittori hanno così la opportunità di condividere le loro creazioni che altrimenti rimarrebbero dimenticate nella cartella di un computer.
El microrrelato es una construcción literaria narrativa distinta de la novela o el cuento. Su característica principal es la brevedad. No es un fenómeno nuevo, pero, sí es una apuesta por una forma de crear diferente. En un mundo donde el tiempo es oro, todo ocurre muy deprisa y los lectores están bombardeados de mensajes constantemente, el microrrelato trata de captar la atención del lector en un instante y dejar “huella”. La literatura, actualmente, es accesible para todo el mundo, desde personas adineradas y con mucho tiempo disponible, hasta personas que aunque rebuscaran en los bolsillos no encontrarían más de unos minutos al día para dedicar a la lectura. Para ellos y para todos los que disfrutamos cuando al leer algo, de alguna forma inexplicable, nos toca el corazón, se hacen los microrrelatos. También para aquellos escritores que quieren poner a prueba su capacidad de síntesis, que creen que “lo bueno, si breve, dos veces bueno”, para aquellos que viven en una generación donde una de los nuevas formas de comunicarse más extendidas obliga a condensar su mensaje en 140 caracteres y triunfa. Escribir un microrrelato es un reto, ya que el hecho de usar pocas palabras, implica que no puedes incluir “palabras superfluas”, tienes que elegir y medir bien las palabras que se quedan y aquellas que no son necesarias y se quedarán sólo en tu cabeza. Ya no tenemos sólo grandes escritores que tienen acceso al mundo editorial, a través de las nuevas tecnologías, podemos disfrutar de pequeñas grandes obras y los escritores tienen la oportunidad de compartir sus creaciones que de otra forma podrían quedar en el olvido en un archivo en un ordenador.
Letteratura in piccole dosi MAGAZINE
SAGURU
1+1 ≠ 2 Dopo averti sognato e aver giocato a incontrarti, ti ho incontrato, mio verde principe, venivi a salvarmi dalla solitudine. Mi insegnasti come doveva essere una donna per bene, qualcuno metterà in dubbio i tuoi metodi, tuttavia, io imparai due lezioni, che ero tua e non potevo fuggire. Oggi con la mia valigia carica di paura e con un sorriso agrodolce sulle labbra penso che a volte un fallimento è una vittoria.
Invisibile
Sara dormiva abbracciata al suo orso di peluche. Lui la proteggeva dal mostro che, alcune notti, si aggirava furtivamente dietro la porta. Chiudeva gli occhi, nascondeva la testa sotto il cuscino, nonostante ciò, l’eco delle grida e dei colpi arrivavano comunque al suo letto. Il giorno dopo, vedeva i segni che il mostro aveva lasciato sopra sua madre e poteva percepire la sua paura. Tutti restavano in silenzio e mantenevano il segreto. Rimanevano zitti per non svegliare il mostro, pensò. Sognava che un giorno, un coraggioso principe, venisse a salvarla, ma non sapeva che il mostro si nascondeva dentro l’uomo che lei chiamava papà.
Mi dispiace
Mi dispiace, se mi sono persa nella routine, se hai gridato e non ti ho sentito, se mi hai aspettato e non sono venuta. Mi dispiace che non ascolti la mia voce quando la notte grida la tua assenza, quando nella mia mente appunto le cose che vorrei condividere con te. Mi dispiace che tu non possa vedermi quando guardo le tue foto e immagino di stare al tuo fianco. E mi dispiace non poterti toccare, per darti un abbraccio e, finalmente, tornare a essere completa.
MAGAZINE
SAGURU
1+1 ≠ 2 Después de soñar contigo y jugar a encontrarte, te encontré, mi príncipe verde, venías a rescatarme de la soledad. Me enseñaste cómo debía ser una buena mujer, algunos dudarán de tus métodos, pero, yo aprendí dos lecciones, que era tuya y que no podía escapar. Hoy con mi maleta cargada de miedo y una sonrisa agridulce en los labios pienso que a veces un suspenso es una victoria.
Invisible
Sara dormía aferrada a su oso de peluche. Él, la protegía del monstruo que, algunas noches, acechaba tras la puerta. Cerraba los ojos, se escondía debajo de la almohada, pero, a su cama llegaban los ecos de gritos y golpes. Al día siguiente, veía las marcas que el monstruo había dejado sobre su madre y podía sentir su miedo. Todos guardaban silencio y mantenían el secreto. Callaban para no despertar al monstruo, pensó. Soñaba que un día, un valiente príncipe, les rescataría, pero, no sabía, que el monstruo se escondía dentro del hombre al que llamaba papá.
Siento
Siento, si me perdí en la rutina, si gritaste y no te oí, si me esperaste y no aparecí. Siento que no escuches mi voz cuando en la noche grita tu ausencia, cuando anoto en mi mente las cosas que querría compartir contigo. Siento que no puedas verme cuando miro tus fotos y me imagino a tu lado. Y siento no poder tocarte, para darte un abrazo y, por fin, volver a estar completa.
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