Aquí y Ahora "Les délinquants de l'inutile. Utopie"

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AQUÍ Y AHORA Les délinquants de l’inutile. Utopie

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MAPA DE SITUACIÓN Usted está Aquí, Ahora…

Intro

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BIO

LORENA AREVALO

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NOCIONES COMUNES

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RENATA CRUZ

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ALBERTO GIL CASEDAS

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IKER LEMOS

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DIEGO LOPEZ BUENO

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LUIS MELON ARROYO

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ELIA NUÑEZ

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CRISTINA SPINELLI

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MIRIMARI VAYRYNEN

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JESUS ZURITA

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Aquí y Ahora ediciones

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Aquí y Ahora

En esta edición y siguiendo con el espíritu del programa Aquí y Ahora (AyA) hemos tomado este título a modo de paradoja sobre lo que a nivel social se entiende por la función del arte y la creación en general.

Si, socialmente y en nuestra, mal interpretada, cultura del ÉXITO y el pragmatismo funcional y racional parece ser que la creación resulta ambigua y difusa, por manejar e investigar con conceptos y “posibilidades” subjetivas, muchas veces al margen de lo establecido por convenciones sociales, políticas y económicas.

Esto marca de manera importante el ámbito y los espacios intersticiales, periféricos por los que se mueve la creación y la cultura de investigación (lo que llaman arte). También es el caso de la Filosofía: intrínsecamente relacionada con los procesos de invención creativa.

La visión y escenario principal de este campo de ensayo resulta pues marginal, por moverse en los bordes (márgenes) o límites de lo establecido, conocido y admitido dentro de nuestra “lógica” social.

La creación se mueve así en un espacio que nos quieren hacer creer estéril e inútil. La Cultura siempre es “prescindible” dicen. Solo parece tener un interés mercantilista. Carente de aplicaciones políticas o sociales.

Ocultan de este modo el verdadero valor del “verdadero” conocimiento forjado precisamente en los “limites” del saber. Paradójicamente el “Motor” fundamental de nuestra sociedad. Sobre los que basará sus cambios el “Gatopardismo” político con sus futuras pautas a seguir para que… “todo siga siendo igual”.

Siempre serán posibles otros modelos de existencia ahora marginales y temidos. Allí donde la inalcanzable utopía es el elemento moviente fundamental de crecimiento y evolución.

El título donde enmarcamos la presente edición de Aquí y Ahora (AyA): “Les délinquants de l´inutile” es el nombre de una brillante y expuesta ascensión invernal, de escalada en hielo y mixto, que abrieron en la cara norte del Vignemale, Pirineos, B. Dandonnau, C. Ravier y R. Thivel, el 24 de marzo de 1994.

Dificultad: ED(Extremadamente Difícil) Desnivel 800 metros. Aún con escasísimas “repeticiones”. Verdaderos visionarios.

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Voluntad y Utopía “El mundo es mi representación” (El mundo como voluntad y representación. Arthur Schopenhauer.)

El concepto Utopía inventado por Tomás Moro deriva de los neologismos griegos: outopia (ningún lugar) y eutopia (buen lugar). Concepto entendido como un lugar nuevo y puro donde existiría una sociedad perfecta.

Las utopías modernas están orientadas al futuro y son teleológicas, progresistas y sobre todo son una alternativa frente al orden cósmico entendido religiosamente, que no explica adecuadamente el mal y la “explotación”. Así las utopías expresan una rebelión frente a los modos de gestión y producción social en la realidad y propondrían una transformación radical, que en muchos casos pasaría por procesos revolucionarios.

ReEvolución.

Solo la voluntad puede hacer posible que la utopía pueda convertirse en un proyecto realizable. Es uno de los más preciados valores que tiene el individuo para crear y transformar aquello que le rodea. La voluntad, este polémico y controvertido concepto, es un mecanismo vital de acción que genera libertad e individualidad como consciencia del valor personal.

Diseño y dirección del proyecto Aquí Ahora Imanol Marrodán Producción Blanca Soto Arte AIR “Revealing Independent Art”

Coordinación Blanca Soto Sevilla Angela Sirvent Artero

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Hongyang Li 15

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LORENA AREVALO

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En los años setenta del siglo pasado la comunidad internacional empezó a advertir la saturación de los manidos y, ya entonces, un tanto atrofiados postulados de la llamada “modernidad”, sensación que se prolongó durante las décadas siguientes. El siglo XX demostró que era posible alcanzar en pocos años un retroceso cultural, social, de valores, de derechos… que superaba con mucho los avances realizados durante décadas. La visión optimista de una sociedad que creía caminar siempre hacia adelante ya no tenía cabida. Demostrado pues que un aspecto tan crucial como la forma de comprender el devenir histórico resultaba obsoleto, se hizo necesario reformular todos los patrones del pensamiento universal, dando lugar al concepto de postmodernidad, en evidente clave rupturista con todo lo que “antes fue”: la modernidad. Los albores de este siglo XXI nos confirman que, efectivamente, la paulatina degradación a nivel social, cultural, económico, ético o político es la tendencia.

Sabemos que el arte supo recoger la frustración y desconfianza que encerraba el clima postmoderno, en respuesta a un hartazgo casi generacional, a la consciencia de ruptura, de novedad, de “distinto” con respecto a las décadas anteriores. El rechazo de la modernidad necesariamente implicó el rechazo hacia las premisas de la vanguardia artística, debido a la incapacidad de las mismas para cumplir con su objetivo de representación de una realidad social con la que las/os artistas estaban firmemente comprometidas/os, a fin de incidir, por medio de su arte, en la generación de una conciencia crítica y participativa en la sociedad. A ojos de la postmodernidad, el arte moderno, y concretamente las vanguardias, no han servido como revulsivo para el cambio social, ni han alcanzado una influencia real en el devenir histórico, por lo que, ante tan estrepitoso fracaso, de nada sirve concebir el arte como herramienta de movilización colectiva, como estandarte del activismo político y/o social.

Entonces, ¿ha desaparecido realmente la motivación social del arte? Las sutiles (aunque existentes) diferencias entre el contexto que dio pie al arte postmoderno y el que ahora vivimos requieren un esfuerzo de superación de la etapa postmoderna en busca de un nuevo “ideario” que resulte coherente con las problemáticas, tensiones, expectativas o dilemas que ahora se plantean. Los fundamentos mantenidos hasta la fecha ya no resultan válidos para interpretar la realidad social y, por lo tanto, apremia encontrar un nuevo código que permita comprenderla y representarla.

En este marco, que algunas/os autoras/es han dado en llamar post-postmodernidad, todavía es posible identificar reminiscencias del ideal moderno, expresiones privadas en busca de un medio independiente desde el que proclamar una visión consciente y comprometida del mundo y del arte. En este contexto, el arte urbano se postula como una sub-disciplina artística capaz de recuperar este ideario vanguardista, tanto en la referente a su función social (dimensión política del arte), como en relación a su confrontación con la institución artística y su reivindicación de la libertad de expresión.

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Contracultura e identidad en la post-postmodernidad Arévalo, L. (2015). “Contracultura e identidad en la post-postmodernidad”. En Nuevas culturas y sus nuevas lecturas. Madrid: McGraw-Hill. ISBN 978-84-481-9740-7.

Si es posible entender la postmodernidad como superación de la modernidad a un nivel capaz de afectar a ámbitos diversos como la política, la economía, la ética, los valores o incluso la forma de entender el mundo (así como, qué duda cabe, el mundo del arte), tal vez, en cierto grado, estemos en situación de hablar de la superación de la postmodernidad, si no en ámbitos concretos (y completos), sí por parte de ciertos colectivos culturales contrarios a los postulados postmodernos, a la luz de las aportaciones “disidentes” de algunas/os artistas. En este contexto, el arte urbano ha conseguido, al menos por el momento, mantener su estatus de herramienta crítica, integrando el arte en la vida, poniendo de relieve el valor del cambio social a la par que el valor estético, recuperando así la utopía estético-social moderna.

1. Utopía y distopía A la hora de abordar los conceptos de utopía y distopía es posible hacerlo desde dos perspectivas distintas.

Por un lado, podemos equiparar ambas ideas a las premisas motivacionales de la modernidad y la postmodernidad, entendiendo las vanguardias modernas como una tendencia artística concebida para vincular arte y realidad (haciendo de éste una herramienta para la comprensión del mundo, de su funcionamiento, sus limitaciones y sus posibilidades de mejora), y los postulados postmodernos como la conciencia de la ineficacia y limitaciones de aquellos movimientos artísticos que, nacidos como herramienta de crítica, se han visto fagocitados por las mismas tendencias sociales que pretendían cambiar. Los modos, estilos e iconografía propios de estos movimientos de transgresión son adoptados por el nuevo contexto político, económico y social (hegemonía del mercado, liberalismo, globalización), cayendo en la perversión de la utopía crítica y liberadora.

1.1 El espejismo utópico Vidal Auladell (2002) recoge esta idea de ruptura del “espejismo utópico” en las siguientes palabras: Sin embargo, se habla del descrédito de las vanguardias y del agotamiento de sus energías utópicas en el postmodernismo debido a que no han podido escapar ni al museo ni al mercado, además de que no han logrado la integración del arte en la vida y, en aquellos ámbitos en los que sí se ha conseguido (como la publicidad) el sistema ha supeditado lo estético al valor de cambio. En definitiva, su potencial subversivo se ha integrado en el mercado, lo que supone el fracaso de su utopía estético-social.

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Así, la postmodernidad admite el olvido de los ideales utópicos, abandonándose el arte, complacientemente, a esa distopía que supone su propia prostitución en favor del mercado. Como el propio Vidal Auladell mantiene, el arte de vanguardia funcionaba como refugio de la utopía debido a su motivación liberadora. En el mundo postmoderno, dicha motivación ha sido abandonada, ante la convicción de que el arte ha fracasado en su intento de incidir de manera real en la sociedad en la que se desarrolla. Entendiendo, pues, que el arte no cumple más función que la de mero objeto estético, banal, autorreferencial y universalizado (pues al eliminar el carácter conceptual de la obra eliminamos también una cierta exclusividad intelectual inherente al arte de la modernidad), en el contexto globalizado (y post-utópico) la pieza artística, necesariamente, pasa a convertirse en mercancía, y como tal, no puede encerrar aspiración emancipadora alguna. Surge así la idea del arte “para todo el mundo”, lo que Rodin llamaría “el arte del vulgo” (Gsell, 2002), o lo que es lo mismo, el arte para el consumo “de masas”. Cabe destacar en esta afirmación dos palabras clave: consumo (término indefectiblemente ligado al mundo del mercado capitalista que en este momento cobra peso) y masas, que entendemos como colectivo impersonal, homogéneo y necesariamente acrítico. De esta forma, la pieza artística pasa a convertirse en producto vacuo que el consumidor-comprador interesado puede encontrar a su disposición en el mercado del arte, del mismo modo que el consumidor hambriento puede encontrar tomates, arroz o leche en el mercado de la alimentación. En ambos casos, la elección de un producto u otro a la hora de comprar dependerá únicamente de la apetencia del consumidor en el momento de la compra.

Pero por otro lado, también podemos analizar los conceptos de utopía y distopía no en cuanto a la funcionalidad del arte o su papel social, sino en cuanto al contenido temático, icónico o semántico del mismo.

Si la modernidad se ha afanado en acercarnos el pensamiento utópico por medio de imágenes que responden a los ideales superiores de igualdad, justicia, belleza o verdad (desde la arquitectura utópica de Ledoux, las visiones utópicas convertidas en escultura y objeto de Saraceno, pasando por la pieza musical La barque mystique, de Tristan Murail, inspirada en la obra de Odilon Redon) la postmodernidad, por su parte, ha hecho lo propio con un buen número de obras (fundamentalmente literarias y cinematográficas, aunque también correspondientes a otras disciplinas, como las esculturas de Greg Brotherton o los dibujos de Laurie Lipton, posiblemente una de las artistas de la distopía por antonomasia) que pretenden poner de manifiesto la imposibilidad de cumplimiento de esta propuestas utópicas sin que la realización de las mismas implique su corrupción (principalmente dentro del género denominado ciencia ficción).

Entre ambos conceptos, encontramos la idea de la heterotopía, una realidad posible constituida al margen del sistema, como una sociedad alternativa que vive y se desarrolla en coherencia con sus propias normas. Ejemplos recientes de este método de organización podrían ser las populares comunas hippies o el kibutz. Retratadas también en el mundo del arte, de nuevo con mayor peso en el cine (un buen ejemplo podría ser La Playa, de Danny Boyle), surgen generalmente como sociedades de fuerte carácter democrático y participativo en el que la auto soberanía (especialmente alimentaria) cobra un peso determinante, si bien no se encuentran exentas de caer en la trampa distópica de sus propios principios. Uno de los ejemplos más atroces de heterotopía corrompida (aunque en este caso no se trata de una sociedad constituida voluntariamente, sino que nace de un 23

contexto forzado, y que también puede remitirnos a la utopía del hombre libre) es la recogida por William Golding en su célebre novela de 1954 El señor de las moscas (que también ha tenido su versión cinematográfica, dirigida en 1990 por Harry Hook). En ella, Golding retrata una sociedad que, compuesta íntegramente por niños en el más pleno ejercicio de su libre albedrío, en un entorno natural susceptible de satisfacer sus necesidades básicas, debería caracterizarse por la bondad, la pureza y la generosidad que, siguiendo los postulados de Rousseau, definen al ser humano libre (cuánto más al niño que aún no ha sido manipulado).

Sin embargo, Golding muestra una sociedad dominada por el caos, la desconfianza, la violencia y la consiguiente destrucción (a pesar de que cada uno de los personajes encarna una faceta o tendencia de la naturaleza humana: orden, bondad, maldad, liderazgo…) en un breve periodo de tiempo, una situación que, como el autor parece dar a entender, sólo es superable por medio del orden y la disciplina que, en este caso, son representados por medio de la figura del adulto, lo que nos remite nuevamente a la realidad demostrando la imposibilidad del ideal heterotópico.

2. Contracultura y postmodernidad La industria cultural ha sido capaz de ampliar el frente conceptual del ciudadano medio occidental de manera nunca antes concebida, aumentando así sus posibilidades de acceso a estímulos culturales con una fuerte, aunque en ocasiones difusa, carga ideológica, moral y de valores. Este aumento de las posibilidades dentro de un mismo marco de referencia ideológica supone una ampliación de las perspectivas relativistas que llega justo en un momento, los últimos años del s. XX, en el que, tras la caída del Muro de Berlín, las grandes ideologías dominantes han visto cómo sus postulados iban perdiendo fuerza, decolorándose entre la maraña de nuevas y heterogéneas corrientes y propuestas que, por lo ligero de su carga ideológica y moral, resultaban especialmente apetecibles a los miembros de una sociedad hastiada de los sacrificios que traía como consecuencia el compromiso con unos ideales firmes.

La producción y distribución mundial de marcas, productos e iconos populares también repercute en el delicado campo de la identidad cultural. Esto es debido a que el ente humano es un sujeto cultural, y por tanto, cada nueva experiencia cultural (en el caso que nos ocupa, artística, concretamente como espectador/a) es vivida y asimilada por la persona de manera distinta, lo que hará germinar en ella una serie de valores, ideas, prejuicios o conocimientos que, revertidos posteriormente a la sociedad, convertirán al/la individua/o en constructor/a de cultura, de opinión, de valoración crítica con respecto al arte. Cada una de estas nuevas vivencias repercute en la configuración de la personalidad (individual y, a la larga, colectiva) a modo de input cultural. En la era de la globalización, la facilidad y rapidez con que estos inputs son transmitidos implican que el modo de recepción de los mismos se haya modificado notablemente en tres aspectos: naturaleza impersonal de los mismos.

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la llamada cultura mainstream, o bien, en caso de que su origen sea distinto, siendo absorbidos por ésta. termina por desvincular forzosamente al/la individua/o del mensaje.

En este contexto, una parte de la comunidad artística opta por realizar un homenaje a la vez que critica el llamado proceso de asimilación cultural. Estas/os artistas emplean la actual iconografía popular para, modificándola o descontextualizándola, generar nuevos y contradictorios mensajes. No en vano, algunas/os de ellas/os adaptan la iconografía propia de campos como la publicidad. Como en el caso de la contracultura, la estética, valores, iconos y pautas propias de la obra mainstream son adoptados con intenciones diametralmente opuestas a las originales. La peculiaridad está en que, lejos de adoptar formas absolutamente novedosas o distantes de las hegemónicas para la transmisión de sus mensajes, estas/os artistas se valen de estas mismas para realizar una crítica feroz. En el extremo contrario, existen también muestras de quien se vale de la industria cultural como herramienta para aumentar ventas y éxito.

Así, Takashi Murakami, cuya obra se nutre (al tiempo que la critica) de la cultura de consumo, analiza la progresiva influencia de la cultura occidental mainstream en el panorama cultural japonés, desde sus valores o costumbres hasta su alimentación y sus formas de relación, pasando, inevitablemente, por el mundo del arte.

Así, Murakami realiza una síntesis y reinterpretación de motivos culturales (inputs) “importados” de occidente en fusión con la inconografía tradicional japonesa, aplicando esta metodología a diversas disciplinas (pintura, escultura, diseño, etc.). La obra de Murakami reflexiona acerca de la colonización cultural a la que su país de origen está siendo sometido desde hace generaciones, y analiza las consecuencias que sobre él está teniendo.

El colectivo francés H5, por su parte, explora las posibilidades de la iconología popular asociada a marcas de consumo masivo a través de su corto de animación Logorama. En esta obra, “personajes” como Mr. Propper, los M&Ms, Ronald McDonald o El Gigante Verde (todos ellos creados por la industria occidental del marketing y la publicidad) adoptan roles y pautas de comportamiento humanas para protagonizar una historia de persecuciones digna de una película de acción. Cada fotograma de este corto contiene un elevado número de referentes culturales asociados al consumo, al tiempo que los autores aportan una visión personal al asociar cada icono con una personalidad concreta, en muchos casos, vinculada con la personalidad propia de la marca que representan, bien con aquella personalidad que los productores quieren asociarle, bien con la personalidad que el consumidor le asocia realmente. Así, Ronald McDonald, el “amigo de los niños”, se convierte en esta pieza en un peligroso (y temerario) delincuente. El guiño juega, por tanto, un papel determinante en Logorama.

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El caso de Barbara Kruger es el de una artista claramente interesada en los medios de comunicación, su efecto y su poder, a lo largo de su carrera. Así, fue una de las primeras artistas que empleó el lenguaje publicitario para realizar una crítica mordaz al sistema que éste representaba (valiéndose de su experiencia como diseñadora, editora y directora artística de diversas publicaciones impresas). En concreto, Kruger utilizó su obra para visibilizar aquellos “males” que, desde su posición, consideraba que existían en la sociedad contemporánea, tales como la globalización, la desigualdad de género (especialmente visible en su ámbito), el poder o la representación.

El trabajo de Barbara Kruger (junto al de otras/os artistas que partían de premisas y técnicas similares en torno a la década de los 80) dio pie al llamado movimiento Culture Jamming. La figura del Culture Jammer (agitador cultural) nació en los años 80 asociada a un activismo de resistencia cultural frente a la “comercialización de la sociedad”; concretamente, frente a la comercialización masiva de bienes de consumo cultural. El artículo Culture Jamming: Hacking, Slashing and Sniping in the Empire of Signs, publicado por Mark Dery en 1999, constituye (a pesar de ser muy posterior al comienzo de su actividad) su manifiesto fundacional. Culture Jamming es un concepto que podríamos definir como “interferencia cultural”, ya que pretende transformar los mensajes publicitarios de las marcas, manteniendo sus códigos de comunicación, y trasladándolos a su terreno, el de la reivindicación.

Para ello, el movimiento Culture Jammer hace uso de la llamada publicidad de guerrilla, también conocida como marketing radical. Se trata de una forma de comunicar que utiliza los recursos y herramientas propios de la publicidad convencional capitalista para lanzar mensajes de protesta verdaderamente impactantes.

Uno de los mayores exponentes de este movimiento es, sin duda, Adbusters (“cazadores publicitarios”). Se trata de una organización anticonsumo que, desde finales de los 80, lleva a cabo constantes ataques a los medios de comunicación y a la ideología consumista y capitalista transmitida por ellos. Su estrategia se basa en el empleo de la contrapublicidad como medio de comunicación de masas, intentando así compensar la manipulación que la publicidad tradicional ejerce sobre la sociedad. Abusters (que, al margen de sus campañas, llega al público por medio de su página web y una publicación homónima a la que se accede vía suscripción) se presenta como un espacio de diálogo y lucha contra el consumismo y el capitalismo, en el que convergen personalidades del mundo del arte, publicistas, artistas, escritoras/es, teóricas/os, estudiantes, activistas y cualquier persona que esté comprometida con la lucha anticonsumo.

En esta línea rupturista con las tendencias que la postmodernidad fue imponiendo en el sector, Kruger fue una de las primeras en plantear la dicotomía espacio público/espacio privado. Una de las características de esta concepción mercantilista del arte desarrollada con el auge del capitalismo y la obra como objeto de consumo radicaba precisamente en la hegemonía del espacio museístico como único entorno posible para el desarrollo de las actividades artísticas (exposición, estudio, compra/venta, etc.). En contraposición, Kruger (como otras/os artistas que siguieron este mismo camino) alternó la exposición en museos y galerías especializados con “la 26

calle”, aprovechando las instalación de sus obras.

distintas

opciones

ofrecidas

por

el

mobiliario

urbano

como

soportes

para

la

También en este ámbito Kruger fue pionera. Tras ella, tanto colectivos como artistas independientes tomaron ejemplo e hicieron de las calles su espacio de exposición, con obras concebidas desde un principio para la instalación en espacios abiertos y desvinculados, a priori, del terreno artístico, produciendo incluso obras creadas ad-hoc para un entorno urbano concreto. Como ejemplo podemos detenernos en la producción del colectivo (o “colectivo de colectivos”) Street Art Utopía, que tiene en el artista brasileño Eduardo Kobra uno de sus máximos exponentes.

3. Función social del arte urbano La idea de la ruptura del “espejismo utópico” se erige como característica indisociable del arte postmoderno.

Bajo esta premisa, cualquier manifestación cultural alternativa terminará siendo fagocitada por el sistema para convertirse en arma de un statu quo contra el que pretendía luchar. Sin embargo, el arte urbano se presenta como una manifestación artística que, siendo claramente hija de la postmodernidad, recupera el valor de la utopía estético-social defendida por las vanguardias, si bien su principal elemento de reivindicación se encuentra en la transgresión que supone la manifestación en sí, al margen del mensaje transmitido.

Al preguntarnos sobre el presente de Occidente, es necesario admitir (si bien esta observación no es generalizable), que el aumento de la tensión social derivada de la crisis económica y política a la que nos enfrentamos en los últimos años ha traído consigo, especialmente en aquellos países cuyos habitantes se han visto más castigados por las medidas cortoplacistas de austeridad, una oleada de movilizaciones motivadas por diversas causas, siendo cada vez más las/os ciudadanas/os que deciden salir a la calle para reclamar, de forma pacífica, justicia social y respeto a los derechos y libertades. Se habla de asediar edificios que, en teoría, deberían erigirse como estandartes de la democracia y el poder del pueblo; de ocupar viviendas que hasta hace poco eran hogares, y que actualmente se encuentran vacías por culpa de la gestión llevada a cabo durante años por los adalides de nuestro sistema financiero; en definitiva, de tomar la calle, un espacio común de encuentro que se suponía público, si bien en los últimos años ha sido víctima de un imparable proceso de privatización que no podríamos entender fuera del contexto de la globalización.

El proceso de privatización del espacio público se desarrolla desde dos frentes. Por un lado, el que llamaremos institucional, deriva, curiosamente, de restricciones promovidas por las entidades públicas, generalmente las administraciones, que ceden cada vez más terreno a entidades privadas con intereses privados, en detrimento de los derechos de reunión o manifestación de la ciudadanía. Por otro, tiene lugar un proceso complementario que desdibuja los límites entre lo público y lo privado: la sponsorización de los espacios públicos, y con ellos, de las ideas. La publicidad ha cobrado tal peso en el espacio público que nuestros días 27

son un constante product placement. Nuestras vivencias urbanas parecen estar patrocinadas por marcas que inundan edificios, escaparates, marquesinas o cabinas telefónicas. Es el espacio monetarizado, en el que sólo participa aquel que consume, reimplantando el sufragio censitario con la fórmula “una compra, un voto”. Urge recuperar la esencia del ágora griega, en la que la actividad comercial, la cultural y la política convergían y se complementaban. Por eso es tan importante devolver el espacio público a la ciudadanía, a la que pertenece legítimamente, y limitar la influencia de corporaciones y administraciones.

En este proceso de empoderamiento ciudadano por medio de la recuperación de los espacios públicos el arte urbano juega un papel de gran relevancia, pues siendo una expresión privada inserta en el medio público, busca aquellos espacios que los dos grandes poderes antes mencionados, autoridades y corporaciones, dejan libres. A ello hay que sumar la vigencia de las intervenciones, asociada al carácter efímero de las obras, y al hecho de que la obra misma acostumbra a tener un vínculo conceptual, técnico o temático con el lugar en el que se emplaza. Por todo ello, no hay condicionantes. Así, en periodos en los que la movilización ciudadana y el asociacionismo civil se ven motivados por un descontento popular firme y sostenido a lo largo de los años, estas obras cobran especial relevancia como “documentos de gran formato” en los que una parte de la sociedad ha ido plasmando sus opiniones sin intermediarios, gatekeepers, comités de censura ni líneas editoriales.

En su faceta social, el arte urbano desempeña un papel especialmente relevante desde tres perspectivas. En primer lugar, muchos de sus mensajes están directamente relacionados con el contexto social, económico y político en el que éstos se desarrollan, funcionando como testimonio popular del sentir social y como herramienta de generación de opinión. En segundo lugar, los murales contribuyen a la definición y consolidación de una identidad grupal. Por último, el arte urbano juega, cada vez más, un papel destacable en lo que podríamos llamar el proceso de rehabilitación, embellecimiento o mejora de los espacios intervenidos.

El arte urbano, como soporte de libre expresión, sirve a la población para plasmar su visión del mundo por medio de códigos visuales particulares, vinculados al contexto en el que estas obras fueron realizadas. El arte urbano, por tanto, puede servir como vía de expresión de una serie de opiniones, visiones o planteamientos recurrentes en la agenda de una comunidad concreta, y al tiempo puede servir, en un proceso de retroalimentación, como base para generar nuevas ideas, pues siendo resultado de la representación visual de la opinión pública, contribuye a su vez a generar opinión pública.

Por remitirnos, de nuevo, al contexto occidental, sirvan como célebres ejemplos de esta vertiente social del arte urbano los impactantes murales realizados en las ciudades de Belfast o Berlín. Se trata de piezas generalmente anónimas, cuyos mensajes, como se ha dicho, están vinculados con el entorno en el que éstos se desarrollaron, y que funcionaron (y funcionan) a la vez como testimonio popular y como herramienta de generación de opinión, al tiempo que, y esto es igualmente importante, contribuyeron a la definición y consolidación de una identidad grupal por medio del empleo de temas, figuras o iconos fuertemente ligados al patrimonio cultural de las comunidades en las que se insertan, como parte indisociable de su imaginario 28

colectivo. Asumiendo que el sentimiento de pertenencia a una comunidad, sea cual sea el vínculo común que une a sus miembros, es fundamental para motivar la participación activa de los mismos en los asuntos concernientes a dicha comunidad, entenderemos la importancia que la recuperación de esta simbología identitaria tiene en el proceso de cohesión social.

Si hablamos de identidad grupal vale la pena destacar, además de las obras “de autor”, aquellas iniciativas basadas en propuestas colaborativas de intervención, que se han multiplicado en los últimos años, contribuyendo al empoderamiento de comunidades de todo el mundo, promoviendo la mejora de espacios y la acción participativa por parte de las poblaciones en las que actúa. A través del arte participativo, la gente no sólo modifica su entorno, sino que modifica su manera de relacionarse con él.

Un buen ejemplo de las posibilidades de cohesión que presenta el arte urbano participativo es el trabajo llevado a cabo por el colectivo madrileño BoaMistura, con su proyecto Crossroads, cuyas etapas los han llevado, hasta la fecha, a Sudáfrica, Brasil, Georgia, Argelia, Madrid, México y Panamá. En palabras del propio colectivo: “Crossroads es un proyecto artístico que pretende mejorar espacios a la vez que inspirar a las personas” En lo concerniente al proceso de recuperación y plasmación de una identidad comunitaria, si se actúa en una ciudad debe ser siempre con un fin. Este fin debe ser constructivo, y debe contribuir, además, a mejorar el soporte intervenido. Esta idea de relación directa entre intervención y espacio, vinculada a la experiencia urbana en sí misma, nos lleva a la que constituye la tercera potencialidad fundamental del arte urbano como herramienta social: lo que podríamos llamar el proceso de embellecimiento o rehabilitación de los espacios intervenidos. La/el artista tiene un compromiso con la sociedad, pero también con la propia ciudad en la que actúa. El respeto a los espacios y materiales, la recuperación del patrimonio arquitectónico y su puesta en valor son aspectos fundamentales que generan, además, una simbiosis entre espacio y disciplina, pues contribuyen a la desestigmatización del arte urbano, aún hoy considerado por ciertos sectores de la sociedad como una manifestación vandálica.

Remitiéndonos a la península ibérica, entre los muchos proyectos susceptibles de ejemplificar a la perfección estas dos últimas funciones del arte urbano, cabe destacar el festival Propuestas Urbanas Temporales de Rehabilitación e Intervención Cultural y Artística (Propostas Urbanas Temporárias de Reabilitaçao e Intervençao Cultural e Artística), o PUTRICA, cuya segunda edición fue celebrada en el mes de julio de 2014 en Freamunde, a 30 kilómetros de Oporto.

El PUTRICA nace con una clara intención de intervención en determinados espacios caracterizados por la ausencia de identidad urbana, muy ligados al desarrollo económico-social de Freamunde y, tras su abandono, 29

símbolo de su declive (especialmente fábricas y naves). El objetivo es rehabilitar estos espacios por medio del arte urbano, creando una galería al aire libre. Así, PUTRICA intenta poner en valor el patrimonio histórico de Freamunde, por lo que todo el proyecto está muy vinculado con la historia del pueblo, con su identidad, hasta el punto de que el nombre PUTRICA viene, además de por las siglas (Propostas Urbanas Temporárias de Reabilitaçao e Intervençao Cultural e Artística), del mismo vocablo putrica, una palabra tradicionalmente utilizada en Freamunde, y cuyo uso se está perdiendo, que se podría traducir como voltereta.

Así, la recuperación del patrimonio pasa incluso por el componente lingüístico, con toda la simbología que ello encierra. De esta forma, se produce una re-definición identitaria, una “voltereta contemporánea”, en palabras de su promotor, el artista y arquitecto Frederico Draw, que recupera la identidad grupal del pueblo y la integra en su contexto histórico actual. En un momento en el que la “difuminación” de las fronteras geográficas, políticas y culturales promovidas por la globalización acarrea, de manera evidente, una pérdida de la identidad cultural y social de las poblaciones, iniciativas como el PUTRICA contribuyen a garantizar lo que Ramonet y Chao (2004) llaman “la pluralidad de las civilizaciones”.

Epílogo En palabras de la colaboradora de la publicación digital Interartive, Marisa Gómez: (…) desde finales de la década de los 2000, los debates acerca de la lógica cultural postmoderna y el postmodernismo como estética dominante parecen estar tomando un nuevo rumbo; un rumbo marcado por una sensibilidad generalizada – y defendida cada vez por más analistas, entre los que figuran reconocidos teóricos de la postmodernidad como Charles Jencks, Ihan Hassan o Linda Hutcheon – de que las lógicas culturales contemporáneas ya no responden estrictamente a los valores Postmodernos y de que, por tanto, la Postmodernidad ha llegado a su fin. Un rumbo marcado, pues, por la necesidad de averiguar, definir y dar nombre a lo que viene después, a la nueva lógica cultural que se está configurando bajo nuestra – todavía perpleja – mirada a los cambios culturales, sociales y estéticos que han acompañado al nuevo siglo.

El mundo del arte ha sido uno de los primeros en desbancarse de la tendencia liberalista y mercantilista (tan vez porque ha sido uno de los primeros en padecerla) asociada a la postmodernidad erigiéndose, nuevamente, como abanderado de la reivindicación identitaria, la denuncia y el cambio social. La recuperación del arte como herramienta transcendental y conceptual de lucha política y social trajo consigo el retorno a la concepción de la pieza artística como elemento sublime (pues además de una nueva búsqueda de la belleza formal en la obra, ésta es concebida para producir un deleite en la/el espectador/a sólo alcanzable por medio de la aprehensión racional de una base conceptual que vaya unida a la belleza). Actualmente es posible identificar multitud de tendencias sociales y propuestas culturales que surgen en respuesta y rechazo de las premisas postmodernas. Tras lo visto en estas páginas, cabe pensar que la producción artística de los últimos años haya tenido alguna influencia en este sentido.

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Los muros pueden y deben funcionar como un espacio de convergencia ciudadana. Se observa un silencio preocupante en las paredes de las ciudades más castigadas por la crisis, un hecho sintomático que revela la lamentable salud democrática de una sociedad de estructura cada vez más vertical, en la que la participación ciudadana empieza a verse sancionada y en la que la búsqueda y propuesta de alternativas se castiga. El street art es en mayor o menor medida una forma de respuesta ciudadana, la punta del iceberg en un proceso de fortalecimiento del tejido asociativo. Es una forma de contrapoder, y como tal, dada su naturaleza, necesariamente contribuye al empoderamiento de la ciudadanía, tanto más si tenemos en cuenta su carácter crítico, y el hecho de que con el paso de los años ha ido cobrando peso como vehículo de expresión libre, como una forma de volcado del sentir social, un medio de comunicación más que cada vez se dirige a sectores menos marginales.

Bibliografía VIDAL AULADELL, F. (2002), Arte postmoderno y emancipación, en A Parte Rei: Revista de Filosofía, nº 23.

GSELL, p. (2002), El arte. Auguste Rodin, Síntesis, Madrid.

DERY, M. (1993), Culture Jamming: Hacking, slashing and sniping in the empire of signs, en Open Magazine Pamphlet Series, Open Magazine.

GÓMEZ, M. (2013), La post-postmodernidad: Paradigmas culturales para el s. XXI, en Interartive.

RAMONET, I., CHAO, R., WOZNIAK, J. (2004), Abecedario (subjetivo) de la globalización, Seix Barral, Barcelona.

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Empezando desde la tercera persona por la izquierda: Hongyang Li, Angela Sirvent y Almudena RĂ­os 32

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NOCIONES COMUNES 35

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Los inútiles Germán Santiago y Belén Quejigo (Nociones Comunes) (Inútil, como sinónimo de “impedido”, “lisiado”, “torcido”, “imposibilitado”, “incompetente”, “insolvente”, “ineficaz”, “inepto”, “infructuoso”…).

“improductivo”,

“incapaz”,

Las exigencias de utilidad han impregnado de manera gaseosa y autoritaria las condiciones de posibilidad de las cosas, y cada vez más de las personas y de las palabras: todo se recicla de manera constante. El temor a quedarse obsoleto sale por primera vez de las cosas y se inserta en las conciencias y desde allí impone una constante adaptación a las demandas de la maquinaria productiva. Se hace necesario sospechar que aquello que adquiere la cualidad de útil se resiste a ser asido con continuidad, se resiste a permanecer: su naturaleza es mutante. Al reducirse el tiempo de formación de nuestros deseos se reduce la vida útil de los productos que los satisfacen, de tal manera que la espiral productiva asimila con mayor facilidad la volatilidad de la oferta y la demanda y, en consecuencia, reduce el espacio de desenvolvimiento funcional del consumo. Diremos que la categoría de nuestro tiempo no es la velocidad, sino la aceleración.

Lo útil nace sabiendo que va a morir, que tiene un tiempo limitado de vida, y más importante, que tiene un tiempo aún más limitado de vida útil. Pero no todo está sujeto a caducidad, ha existido y existe una constante que se resiste a convertirse en desecho o como diría aquel, en basura: el capital. (Entendemos por capital la capacidad de acumulación de riqueza y entendemos por riqueza la condensación de bienes que aumentan las posibilidades de existencia). Siguiendo la terminología monetaria de Marx, podemos pensar que el valor de uso queda asfixiado por la aceleración del intercambio, mientras que el valor de cambio por medio de la datificación ocupa el centro en la estrechura de este nuevo ritmo productivo, de este nuevo Tiempo.

Aquellas cosas que no se ajusten a las exigencias de utilidad que marca la norma económica, quedarán fuera del circuito de la riqueza y serán castigadas con la obsolescencia si son cosas o con la marginalidad si son personas. Nace así una nueva estructura disciplinaria que castiga el incumplimiento de sus normas y purga a los elementos subversivos de una manera más sutil y novedosa que las tradicionales estructuras de control.

Aquellos que sean útiles seguirán dentro del juego mientras lo sean, los inútiles desaparecerán y lo harán mansamente, sin escándalo, bajo una apariencia de decisión (inevitable); abandonarán sus casas, sus países y sus trabajos para quedar hacinados en espacios sólo visibles a la práctica policial.

Surge así una categoría que delineará con precisión el adentro y el afuera de la norma económica, la condición necesaria de la utilidad: la solvencia.

Aquel capaz de pagar sus deudas es útil mientras conserva esta capacidad, no puede ser invisible al capital porque el capital quiere algo de este sujeto solvente, y por lo mismo, no le puede resultar indiferente una nueva oportunidad de acumular. En una sociedad que ha devenido mercado, en la que todo se compra y se vende, 37

el sujeto que no tiene nada que vender y no puede comprar, es señalado como inútil, y es el propio insolvente el que, tras haber interiorizado la norma y la sanción de la moral capitalista, se marcha al lugar asignado para los desposeídos: el suburbio.

La moral económica dominante ha vaciado la noción de utilidad introduciendo una noción de bien en su significado: la capacidad de pago, y ha criminalizando la inutilidad identificándola con la pobreza, pecado imperdonable que comenten aquellos que no pueden ser desposeídos.

Devenir inútil al capital es resistir al poder hegemónico.

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Nociones comunes, texto: Los inĂştiles.

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Donde hay poder, también hay resistencia.

El colectivo nociones comunes formando por Belén Quejigo (profesora de Filosofía) y Germán Santiago (abogado penalista). Por individual gozamos de amplios CVs en el campo de la investigación. Sin embargo, la unión en colectivo nos dio nuevas perspectivas de trabajo. El nombre del grupo es un concepto de la obra del filósofo político del siglo XVII Spinoza. Este concepto para Spinoza es la forma más excelsa de conocimiento ya que la individualidad, tan de moda en el racionalismo del XVII, según el judío, no sirve de nada si no se pone en funcionamiento en lo común y en un espacio público. Además el concepto tendrá otras relaciones de conveniencia y territorio en el más significado más puro de la noción de comunidad –aún cuando la comunidad sea entre noiguales-.

En ese mismo sentido, nuestra obra mezcla lo visual y lo discursivo y se mueve entre ambas. Es decir, nuestras obras van acompañadas casi siempre de una formación discursiva (artículo, texto) y una no discursiva (imagen).

Actualmente estamos trabajando sobre la concepción invisible del poder desde las pequeñas formas de resistencia (no sólo sociales, sino objetuales, como se ve en las imágenes que enviamos). Aunque también estamos trabajando sobre el error y la manipulación en las imágenes

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GRECIA. Fotografía

MARCAS. Fotografía

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RENATA CRUZ

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Mi trabajo consiste en crear relaciones entre textos e imágenes.

Las imágenes son construidas a partir de una rutina de trabajo con dibujo y pintura de elementos encontrados en el cotidiano como objetos, seres y paisajes.

Los dibujos y pinturas son en general organizados y desarrollados en series y sistemas de catalogaciones creados por mí. A la vez que dibujo y pinto estos elementos que encuentro, los relaciono con fragmentos de textos literarios o textos diversos.

Algunos escritores están siempre presentes en mi trabajo como por ejemplo Virginia Woolf, J. M. Coetzee, Jorge Luis Borges, pero también investigo y busco ampliar y descubrir nuevos escritores para mis selecciones de textos.

Mi criterio para escoger estos recortes, son fragmentos que me impactan y que posibilitan la ampliación de la mirada para las imágenes representadas.

Estos trabajos que desarrollo, son visualmente semejantes al mundo de los libros ilustrados, enciclopedias y sistemas de catalogaciones con fines didácticos, pero a la vez se distancian de ellos por no hacerse comprender en sus relaciones.

Mi interés por la literatura en diálogo con dibujos es intentar presentar la imagen envuelta en su propia carga literaria, excluida de ella la velocidad oficial con que nos organizamos y el exceso de información incautada en las cosas por la vida práctica.

Busco a través de esta relación, reinsertar seres, objetos y lugares a lo que creo ser su verdadero estado, al mismo tiempo que intento ofrecer a quien mira los trabajos, espacios para que coloquen su propia experiencia en ellos.

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Ă rea de soltura.2015 InstalaciĂłn. Acuarela sobre papel.

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La serie “Área de soltura sin monitoreo” consiste en la huida de pájaros brasileños, considerados en extinción o no, de los catálogos de presentación de aves del país.

En núcleo del trabajo es una hoja de 23 x 30 cm con un dibujo que representa un catálogo de pájaros que empiezan a moverse de su sitio. A su alrededor, 30 dibujos menores con representaciones de pájaros ya en vuelo, circundando el dibujo del libro.

Todas las hojas contienen además, fragmentos de textos del libro “Hojas de hierba” de Walt Whitman, donde el reverencia y celebra la vida de todos los seres y la libertad.

El nombre de este trabajo es área de soltura sin monitoreo por ser el nombre dado a áreas en Brasil destinadas a remplazar animales silvestres retirados de la naturaleza por el comercio ilegal de animales.

“Área de soltura sem monitoramento” 2015 Acuarela sobre papel, dimensiones variables.

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variadas

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“Área de soltura sem monitoramento 2”, 2015, acuarela sobre papel, instalación.

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“Instabilidade no palácio” 2015, acuarela sobre papel, instalación, dimensiones variadas.

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“Páginas imprescindíveis” (detalle) 2014, acuarela sobre papel, 300 x 1500 cm; proyeto para edición de un libro abierto con dibujos de páginas consideradas imprecindibles.

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Blanca Soto

Imanol Marrodรกn 59

Blanca Soto y Alberto Gil 60

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ALBERTO GIL 63

Alberto Gil Step out: 65209.

Calendario abstracto lineal de derivas urbanas.

2014. Tinta sobre papel. 42 piezas. 42 x 29,7 cm cada uno.

Step out: 65209 muestra la deriva urbana diaria personal a través de los pasos caminados, en los que cada paso es representado con una línea vertical de 25 cm correspondiente a la longitud personal del pie y repetida tantas veces como pasos dados en un día, obteniendo así un calendario gráfico de los trayectos urbanos.

Cada lámina, que representa un día, contiene los diversos trayectos condensados en diagramas lineales de 25 cm de alto por 29 cm de ancho (distancia entre pie y pie dentro del paso) además de la distancia recorrida, expresada también en centímetros, y el tiempo de ejecución de cada “gráfica”.

La muestra se comprime en 42 láminas organizadas en 6 filas de 7 como resultante del archivo de las ejecuciones diarias.

En torno a la idea del caminar como práctica artística Steps out: 65209. Calendario abstracto lineal de derivas urbanas muestra este proceso de apropiación del espacio urbano al propio espacio personal, en el que la ciudad se convierte en el “taller” de producción de la obra, en el que la experiencia personal va creando de forma azarosa el espacio urbano en el lugar propio.

La concepción inicial de Steps out: 65209 es visualizar la utilidad del espacio urbano a través de los distintos recorridos que durante 42 días se llevaban a cabo, en los que se entremezclan las propias derivas que se realizaban por el propio placer del andar como las itinerarios surgidos de la rutina diaria −esto es, las compras diarias, los desplazamientos a la universidad, o cualquier quehacer que surgiera−, y dando como resultado una apropiación del espacio en lugar, ya que la experiencia que surgía durante los recorridos se archivan a modo de cuaderno de Bitácora, pero en este caso con cierto aire científico, como si se tratara de inventariar o medir desde un punto de vista corporal todo el espacio urbano.

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Step out: 65209. Calendario abstracto lineal de derivas urbanas. 2014. Tinta sobre papel.

42 piezas de 42 x 29.7 cm cada una.

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83’ 27’’. USO DE LOS SIGNOS ORTOGRÁFICOS Punto / Coma / Punto y coma 2014. Máquina de escribir sobre papel. 5 piezas. 21 x 29,7 cm cada uno.

83’ 27’’ reflexiona en torno a los mecanismos de creación del metalenguaje y el rango temporal de sus normas a través de la escritura mecánica.

Se escogen tres normas del lenguaje: el uso del punto, el uso de la coma y el uso del punto y coma; que se someten a una re-construcción plástica a través del silencio visual de la escritura del uso de la norma por medio del marcaje en blanco sobre la hoja de papel manteniendo únicamente visibles y con tinta los signos a los que se aluden – puntos, comas y puntos y comas−.

La re-elaboración de las normas reformula una nueva concepción en los tiempos de lectura y pausa que quedan invertidos, de forma que, el texto alfabético adquiere un carácter más pausado y delicado de lectura, mientras que los signos adquieren un valor muchos más rápido y visual esfumando su función verdadera: la pausa dentro de una organización sintáctica.

La pieza obtiene un formato final de una serie de cinco láminas agrupadas en tres grupos, cada uno de ellos dedicado a un signo ortográfico.

El título de la obra muestra el tiempo del proceso de producción expresado en minutos y segundos.

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4232’ 32’’. MITO DE SÍSIFO [3921’ 39’’ de escritura / 310’ 59’’ de borrado] 2015. Instalación. Medidas variables.

4232’ 38’’ contempla la cuestión de pérdida de tiempo o tiempo absurdo dedicado a una acción.

La acción que se plantea surge de la idea del mito de Sísifo y de la obra literaria que lleva el mismo nombre, escrita por Albert Camus, para la que se realiza el proceso de copiado a mano literal y completamente del ensayo del escritor francés sobre una libreta en blanco en la que posteriormente se procede al borrado íntegro de todo lo escrito con anterioridad, volviendo así al estado inicial.

Paralelamente, se lleva a cabo la cuenta cronometrada del tiempo de escritura del ensayo y el tiempo de borrado del mismo, siendo la suma de ambos tiempos el nombre que da título a la obra, expresando de esta manera todo el tiempo invertido y perdido.

El proceso es mostrado por medio de una serie de 7 frascos que encapsulan lo comentado: los restos de goma, que a su vez forman el cuerpo argumental del ensayo y de la obra, conceptual y físicamente. Cada uno de estos frascos contiene una de las partes en las que está divido el libro, las cuales son: título y autor del ensayo, prefacio y los cinco capítulos que forman la obra, junto al tiempo de borrado de cada uno de ello.

La suma total de todo el tiempo de escritura y borrado cataloga el título de la obra.

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1,49688 m2 en blanco Prueba de leucofobia: Blanco hexadecimal 2015. Instalación. Impresión digital sobre papel. 12 piezas de 29,7 x 21 cm c/u.

1,49688 m2 en blanco explora la idea del blanco como punto de partida o el enfrentamiento que a él se produce en el momento primigenio de la creación.

El miedo al blanco, o leucofobia, supone aquella situación en la cual la superficie en blanco, ya sea física (papel, lienzo) o digital (pantalla), establece una confrontación con la incertidumbre de la creación, con el ¿qué puedo pintar? ¿qué puedo dibujar? ¿qué puedo escribir? ¿qué puedo expresar? ¿qué puedo crear?

La pieza surgida de este planteamiento establece al blanco como contenido y continente mostrándose como un rectángulo blanco conformado por doce tipos distintos de blancos hexadecimales o blancos establecidos para web(White Smoke, Mint Cream, Ghost White, Antique White, Linen, Old Lace, Lavender Blush, Seashell, Floral White, Snow, Ivory y White), exponiendo al propio blanco a través de el mismo, por medio de los distintos matices cromáticos que contiene.

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Iker Lemos 76

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IKER LEMOS Insufficient data for an imagen 2015 Díptico (Pieza 1: 80x60cm/ Pieza2: 50x70cm) Técnica: Esmalte y spray sobre papel e impresión digital.

Nos enfrentamos ante un cambio cultural, a un re-posicionamiento del valor de la palabra como transmisoras de conocimiento e información. Esto se va relacionando con las transformaciones que la revolución tecnológica han supuesto en la industria de la información, generadora de imágenes.

El predominio de lo instantáneo sobre lo gradual, de lo espacial sobre lo temporal supone nuevas valoraciones para la imagen, que se escurre por los medios de comunicación y que se resuelve en infinitas posibilidades. El paisaje del siglo XXI se ha ido poblando de múltiples imágenes, no solo visuales si no sonoras y gestuales de corta durabilidad y que circulan a una velocidad vertiginosa. Esta velocidad de representar imágenes y desecharlas nos hace cuestionarnos donde se encuentra la imagen en nuestros días, y en ese caso, como la traducción a la pintura (acción entre realidad y ficción), dentro del marco, repercute a la identidad de la imagen.

Por lo que “Insufficient data for an imagen” (Datos insuficientes para una imagen) se trata de una obra que consta de dos imágenes enfrentadas que están en relación y que hacen alusión a un conjunto de elementos no visibles que representan aspectos figurativos. Ambas imágenes carecen de la información suficiente para ser reconocibles, pero su situación en el espacio convierte esos datos en una imagen completa, que actúa con una identidad propia.

Por un lado, encontramos una imagen principalmente negra donde se ha ejercido una acción contra la misma, donde aún se pueden encontrar rastros de lo que se encontraba en ella con anterioridad y sobre la que se ha colocado una nueva imagen, un solapamiento y una yuxtaposición de elementos que anulan lo anterior, un exceso de información que se vuelve contra nosotros provocando que los datos sean insuficientes para construir una imagen reconocible. Sí en esta primera imagen la acción es por exceso, en la que se relaciona con ella, se hace actúa por defecto, es decir, los elementos son mínimos para establecer sus límites físicos dentro del papel, siendo esta la única información que encontramos.

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No obstante, el exceso de información nos genera una insuficiencia de replanteamiento de la infinidad de formas de representar una misma imagen.

datos,

paradoja

que

provoca

un

Esta manera de pintar nos hace entender la pintura como un proceso de división y de relación directa entre imagen y pintura. Teniendo la capacidad de poder pintar sobrepasando los límites de la composición o el color como elementos lógicos de la construcción de una pintura. La relación entre fotografía y pintura sirve por lo tanto como un punto de partida que parte de contradicciones que se van estrechando conforme se va trabajando.

Pintar a partir de fotografías e imágenes entendiendo que la pintura es una idea y una forma de pensar sobre la propia pintura. Un posicionamiento de partida en el que es necesario replantearse en qué lugar se encuentra uno mismo.

Este trabajo pretende reactivar la pintura, aun cuando la fotografía y otros medios son el punto de partida, encontrando una manera de construir una experiencia que conecta con lo real, bien sean cuestiones relacionadas con la historia, cuestiones personales o políticas o una mera acción cotidiana, con la emoción de lo individual y lo histórico de la pintura, otorgándole así a las imágenes una categoría que se sitúa entre lo objetivo y lo subjetivo, entre lo real y lo ficticio, entre lo individual y lo colectivo, entre la imprecisión y lo fractal.

Insufficient data for an imagen. Detalle 82

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Imagen aparente (Dentro y Fuera)2015 Óleo, spray y esmalte sobre tabla, imágenes digitales y balda de madera/ Dimensiones variables/ 2015.

Imagen aparente; Dentro y fuera se trata de una obra que tiene como principal eje discursivo el cuestionamiento de la imagen más allá de su representación pictórica. A partir de la superposición de imágenes, la extensión, plegado y demás alteraciones manuales se genera una imagen que mediante diversos materiales se traduce al lenguaje de la pintura. En este sentido se trata el espacio de la pintura desde el espacio físico de la pintura, se realiza un cuestionamiento no solo de la imagen sino también del propio medio pictórico así como de sus límites dentro del marco. Hablando del marco desde dentro del mismo, con visiones frontales, juegos de trompe-l´eoil o espacios en blanco que se confunden con la pared.

La imagen de referente funciona como un juego de repetición, donde una vez se considera finalizada la pieza pictórica se fotografía e imprime, se manipula haciéndole que pierda su identidad primigenia, generando así una nueva imagen que bien podría funcionar independientemente. Esta es nuevamente fotografiada y reproducida digitalmente, desplazando nuevamente la imagen, alterando su formato original y replanteando su situación.

Situación de la que se habla colocando esa pequeña pintura, donde se puede ver una negación de la imagen que debería estar situada ahí, una pérdida de información, una imagen que está fuera del marco pero que igualmente podemos consumir.

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Imagen abatida. Ă“leo, spray y esmalte sobre lienzo, imagen digitas y listones de madera. Dimensiones variables.2015 86

.jpg ร leo, spray y esmalte sobre tela e Impresiรณn digital/ 60x45 cm/ 2015 87

MĂłdulo lunar. (Imagen no encontrada) Ă“leo y esmalte sobre tabla/ 165x122/ 2015

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DIEGO LOPEZ

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DIEGO LOPEZ BUENO Internet crea comunidades virtuales, que no son otra cosa que agrupaciones de seres humanos que tienen algo en común.

Estas comunidades pueden venir representadas por los foros especializados o los chats. Si una ciudad está formada por un conjunto de comunidades donde los seres humanos interactúan entre sí, tanto individualmente como de manera colectiva, no es descabellado pensar que la red podría albergar una nueva forma de ciudad.

Por otra parte, el mundo del videojuego ha representado muchas veces la ciudad como escenario para sus personajes(GTA).

Ha reproducido, también, la vida en una ciudad para que el usuario interactúe con ella(Los Sims) e incluso nos ha dado la posibilidad de crear nuestra propia ciudad desde cero, administrarla y gobernarla (SimCity).Cuando aparece el modo de juego online, el usuario de Internet ya no es capaz, sólo, de ser parte de una comunidad, sino que puede, incluso, convivir con los miembros de su comunidad dentro de una ciudad virtual.

El ser humano tiene la capacidad de vivir una vida paralela en una ciudad donde no existe el carácter físico de la interacción humana y donde los conceptos de público y privado se resignifican.

2.137.209.9 habla de Internet como nuevo espacio urbano donde los seres humanos crean comunidades y construyen ciudades virtuales. En la pieza se ponen en relación los dos límites del ciberespacio: los Bulletin Board System, como primer sistema de creación de comunidades virtuales, y los videojuegos en que aparece la ciudad como escenario, en modo de juego on-- line, donde los usuarios establecen relaciones entre sí, dentro de la recreación virtual exacta de una ciudad física.

2.137.209.9 Formato: 16:9 Digital. Técnica: Found Footage

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2.137.209.9 habla de Internet como nuevo espacio urbano donde los seres humanos crean comunidades y construyen ciudades virtuales. En la pieza se ponen en relación los dos límites del ciberespacio: los Bulletin Board System, como primer sistema de creación de comunidades virtuales, y los videojuegos en que aparece la ciudad como escenario, en modo de juego on-line, donde los usuarios establecen relaciones entre si, dentro de la recreación virtual exacta de una ciudad física.

https://vimeo.com/122548676 96

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2.137.209.9 (frame video) 98

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Sobre el tiempo y la muerte https://vimeo.com/132092293 "Sobre el tiempo y la muerte" habla de la estrecha relación que guardan estos conceptos con la fotografía y el cine. Como dijo André Bazin, “La fotografía no crea, como el arte, la eternidad, sino que embalsama el tiempo.”; Lo detiene en un momento irrepetible de la historia y lo convierte en algo infinito, que solo se corromperá por el deterioro del soporte.

El referente, el objeto fotografiado, el sujeto, juega un papel imprescindible en este ensayo audiovisual. Por primera vez en la historia el retrato se convierte en acta notarial, en prueba fehaciente de que aquello que aparece en la imagen ha existido realmente. Y aquí se encuentra la gran paradoja de la imagen fotográfica: el referente muere en la vida real, pero no en la imagen reproducida.

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Futuro

https://vimeo.com/125230957 Futuro es una evaluación sobre el tipo de relación que el ser humano mantiene conforme a las máquinas. A través de los tres actos que lo abarcan, podemos intuir el ascenso y caída del sujeto creador y cómo su impecable creación perdura en el tiempo, sin necesidad de manipulación, sin necesidad de vida; un ente mecánico perfecto destinado a lograr la máxima eficiencia y productividad para el entorno, de forma autónoma y perpetua. La información cultural evoluciona y se transmite de una forma similar a la que lo hace la genética.

Cada unidad es un gen, un microchip, que puede codificar o perderse para siempre.

La celeridad de las nuevas tecnologías impedirá la creación de estructuras estables de información y provocará un colapso de la civilización en paralelo al auge de la nano-ciencia y la biotecnología."

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https://soundcloud.com/monocircle 104

https://diegolopezbueno.bandcamp.com/track/q-uit 105

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LUIS MELON ARROYO

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LUIS MELON ARROYO Plus Ultra (del latín Más Allá) es un lema latino y el lema de España.

Este lema se utilizó para animar a los navegantes a desafiar y olvidar la antigua advertencia de la mitología griega, según la cual Hércules había puesto dos columnas en el estrecho de Gibraltar, y se creía que eran el límite del Mundo, era el Non Terrae Plus Ultra (No Existe Tierra Más Allá), buscando nuevas fronteras y oportunidades.

Partiendo de esta idea de búsqueda más allá de las fronteras la obra Plus Ultra pretende crear una reflexión y un diálogo sobre los distintos tipos de inmigración que se contemplan desde el espejo para alcanzar los paralelismos y similitudes entre las diversas sociedades e individuos que dejan atrás sus fronteras en busca de un horizonte más próspero.

La obra consta de dos banderas, una de España y otra de Alemania de 2 x 1,5 m cada una, realizadas con ropas de inmigrantes en el país representado. La primera de ellas, española, está formada por prendas pertenecientes a inmigrantes ilegales africanos que entraron en el país saltando la valla de Melilla.

La otra bandera, alemana, está configurada con prendas de inmigrantes españoles que estuvieron o se encuentran en Alemania trabajando.

En ambas aparece cosido el lema “Plus Ultra", en la española al derecho y en la alemana al revés, a modo de un espejo lacaniano que las separa y las une a un tiempo separando y uniendo las dos representaciones de la inmigración, con la intención de que como en la teoría de Lacan y el espejo, aprendamos a reconocernos en esa imagen que nos es devuelta.

En estos dos planteamientos diferentes sobre la visión de esta problemática, los inmigrantes siempre son los otros, el elemento externo estableciéndose a demás dos tipos de inmigración, de primera y segunda clase, según del continente que provenga: por una parte la de los desesperados que se desgarran la ropa en las concertinas de Melilla intentando alcanzar el sueño europeo y por otra la de los españoles forzados a inmigrar a Alemania causa de la crisis económica en España con la intención de encontrar empleo, situación que no es nueva en absoluto y que iniciaron nuestros padres y abuelos.

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Plus Ultra Técnica: Mixta.

Dos banderas (2 x 175cm x 130 cm) La española realizada con telas procedentes de ropa abandonada por los inmigrantes subsaharianos que entraron en España saltando la valla de Melilla. La bandera alemana realizada con telas procedentes de ropa de inmigrantes españoles que han tenido que emigrar a Alemania Fotografías de 45cm x 33cm.

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Enumeraciones La aplastante realidad a menudo, y más aún en momentos críticos, deja poco espacio para el optimismo. Muchos artistas, conectados con las vicisitudes de su tiempo y empeñados en no tener una actitud indiferente ante todo lo que ocurre a su alrededor, se comprometen con los conflictos de variada índole que asolan al mundo y dejan constancia en sus obras de la parte más atrabiliaria y pesimista de la condición humana. Aunque nosotros como contemporáneos sufrimos y estamos más pendientes de lo que ocurre en la conflictiva y tensa realidad de nuestros días, el fenómeno no es en absoluto nuevo. En el caso español son las conocidas series de las Pinturas negras o los grabados de los Caprichos, los Disparates o los Desastres de la guerra de Francisco de Goya el ejemplo más paradigmático de esa actitud en el que la crítica a un estado de cosas y el retrato de la España negra emerge con toda su fuerza.

Es en esa tradición es en la que podemos enmarcar la última producción de Luis Melón.

Se trata de una serie que lleva por título Enumeraciones y consiste, precisamente tal y como apunta su título, en una serie de pinturas performativas que trabajan con las estadísticas más vergonzosas generadas por la sociedad hoy, desde las personas muertas al intentar cruzar el Estrecho de Gibraltar hasta aquellas que son desahuciadas de sus viviendas. Enumeraciones surge del interés del artista por entender cómo la sociedad recopila los datos negativos y los maneja o reescribe para amortiguar cualquier carga afectiva o traumática que puedan generar. Con esta premisa el artista trata de explorar y re-definir el metalenguaje que hay dentro de las estadísticas que abordan temas relacionados con los problemas más oscuros y tabúes de nuestra sociedad.

Enumeraciones Muertos en España (serie) 21000 puntos 21000 inmigrantes muertos al cruzar el estrecho de Gibraltar desde el año 1988 al año 2013 100cm. x 100cm. Acrílico sobre lienzo. 2014 112

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54768 puntos (54768 personas muertas por V.I.H en España desde el año1982 al año 2010) 100cm. x 100cm. Acrílico sobre lienzo. 2014 114

38950 puntos (38950 personas muertas por suicidio en España desde el año 2000 al año 2013) 100cm. x 100cm. Acrílico sobre lienzo. 2014 115

1222 puntos (1222 personas asesinadas víctimas del terrorismo en España desde el año 1968 al año 2014) 100cm. x 100cm. Acrílico sobre lienzo. 2014 116

88000 puntos (88000 personas muertas que continúan enterradas en fosas comunes en España víctimas de la represión franquista )100cm. x 100cm. Acrílico sobre lienzo. 2014 117

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726 tizas, 6735 nombres. 2015 Instalación acción realizada de la performance colectiva conmemorativa del día internacional de las "Víctimas de Desapariciones Forzadas y los Represaliados” fue realizada los días 11 y 12 septiembre de 2015 en León bajo el título “Todos los nombres”.

La acción consistió en escribir con tiza en el pavimento de la plaza de San Marcos de León el nombre y apellidos de los más de seis mil nombres de los reclusos y reclusas que estuvieron en el campo de concentración de San Marcos (actualmente reconvertido en Parador Nacional), edificio que da nombre a la plaza en la que se ubica. El actual Parador fue campo de concentración de prisioneros republicanos durante la Guerra Civil (desde el 25 de julio de 1936) y la Posguerra. Fue entre 1936 y 1940 uno de los establecimientos represivos más severos y saturados de la España franquista, alcanzando una población reclusa de 6.735 hombres y mujeres. Fue el símbolo de la represión en el norte de España y costó 791 fusilados (con juicio), 1563 paseados (sin juicio) y 598 sin asignar, ejecutados, paseados, muertos en los campos, etc.

La realización corrió a cargo del propio artista y cuantas personas anónimas quisieron colaborar escribiendo nombres durante más de 20 hs. ininterrumpidas. Los nombres se pintaron en tiza para que con el paso de los días fueran borrados y pisoteados, un símil de la actual desidia del gobierno y las instituciones sobre los represaliados, las fosas y cualquier cosa que tenga que ver con la memoria histórica.

Con ella se pretendía rendir un homenaje a las personas que fueron encarceladas por defender el orden democrático establecido y a su vez poner en valor la historia del Parador (y de España), una historia que se intenta ocultar y tergiversar al no poder admitir ciertos pasajes de ella o pasar de puntillas. Del mismo modo, hacer un llamamiento a las instituciones para que se active la Ley de la memoria histórica de una vez por todas y visibilizar a las asociaciones que se encargan de las exhumaciones.

A modo de curiosidad, comentar que terminada la performance, el Ayuntamiento de León no tardó ni una hora en ordenar borrar todos los nombres con mangueras de agua a presión, causando la correspondiente indignación y revuelo y abriendo de nuevo el debate en la ciudad sobre el pasado del insigne edificio y la necesidad de hacer un reconocimiento en firme a las víctimas, cuyos muchos de sus familiares asistieron como voluntarios a colaborar en la realización de la misma.

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ELIA NUÑEZ 125

ELIA NUÑEZ BAREZ Una reflexión sobre el tiempo y sus imágenes o sobre las imágenes y su tiempo. Con ella, se pretende subrayar lo efímero del momento en que vivimos.

Las nuevas tecnologías nos absorben, y parecen atrofiar nuestro sentido de la estética, a golpe de click, o quizás intentan demostrarnos que sólo permanecerá lo que merezca la pena.

A veces, parece que no habrá nada que nos sorprenda, que ya está “todo inventado”, y sin embargo, la propia vida puede ser una sorpresa, y nuestro día a día una aventura.

Contradicciones.

En la actualidad el tiempo ya no corre, sólo fluye. Pero aunque nuestra vida fluya, nuestros pasos siguen teniendo la misma dimensión que los pasos de nuestros antepasados.

A diario, nos movemos a una velocidad, que quizás ya no es la “velocidad reinante”, la velocidad que impera en nuestro entorno, básicamente tecnológico.

Parece extraño que no “paguemos un precio” por el ritmo frenético que nos está imponiendo el uso de la tecnología.

En esta instalación, se presentan unas pinturas digitales, los warpaintings o pinturas de guerra, donde el color se emplea a modo de protesta.

Pinturas digitales realizadas con una aplicación móvil, unas veces “pintando” sobre fotografías digitales de carácter cotidiano y otras sobre lienzos en blanco.

@presents 2015. Instalación formada por vinilo en vidrio o pared, empleo de aplicación móvil y reparto de warpaintings o pinturas digitales. (Alvaro) 126

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Con esta intervención en una vitrina, escaparate o pared se plantea una forma diferente de exponer arte: En un espacio al alcance de cualquiera que pase por delante.

Haciendo uso de: Un teléfono, anónimo.

Una aplicación: whatsapp, "muy común"(o no tanto en estos tiempos-la exclusión de todo aquel que no tenga un llamado "smartphone") Unas imágenes, los warpaintings o pinturas de guerra digitales donde el color se emplea a modo de protesta sobre imágenes fotográficas o sobre un lienzo en blanco en la pantalla del móvil.

El consumo del arte, de esta forma, se transforma con los tiempos.

Todo esto se presenta "gratuitamente" en un lugar de consumo. Para ello, el espectador-usuario tendrá que pagar el precio de perder su timidez, y mostrarse a través de su teléfono móvil, sólo así recibirá a cambio una imagen digital, "sin autor", que ya será suya.

Modo de empleo: - Envía un whatsapp al teléfono indicado en la vitrina solicitando un warpainting (pintura digital de guerra) - Recibirás una imagen inédita y única, creada por la autora para ti, de la que podrás disponer libremente.

Explicación práctica de la instalación: Adhesivo de color rojo con texto y mi número de teléfono que irá adherido directamente al cristal de la vitrina, pared o escaparate. (también podrá utilizarse pintura fotoluminiscente si el lugar (con alto tránsito de público) lo requiriese) La duración es de 24 horas desde el día de su instalación hasta el día de su retirada. esto quiere decir, que cuando el espectador pierda su timidez y me envíe un whatsapp solicitando un warpainting, recibirá una pintura de guerra inédita de la que podrá disponer totalmente.

A mayores, va adherida a la vitrina un a3 con la explicación inicial de la instalación y su “modo de empleo” (esto es todo el texto que va en negrita y cursiva en el párrafo anterior)

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#warpaintings (desde 2012 en adelante), pinturas digitales realizadas y expuestas de forma digital.

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“Gracias a ellas, consigo olvidarme de mis desgracias” palabras de Ovidio sobre sus poesías.

Según Nuccio Ordine en su manifiesto "La utilidad de lo inútil", Ovidio afronta de manera explícita la cuestión de la utilidad de lo inútil, afirmando en ocasiones, acerca de su poesía: "Por más que me esmere en encontrar qué puedo hacer, no habrá nada más útil que estas artes, que no tienen ninguna utilidad" Se pretende de la misma manera, con estas piedras naturales diferenciadas con esmalte de uñas aplicado sencillamente subrayar esa necesidad vital de lo inútil, esa necesidad existencial vinculada a la importancia de lo inútil. Es por tanto mi necesidad de la búsqueda de lo bello y lo simple en el vivir, lo que cobra importancia en esta ocasión, con la realización de prácticas aparentemente tan inútiles, pero tan útiles en definitiva, por su poder liberador.

De la utilidad de lo inútil 2015.

Instalación formada por 116 piedras naturales identificadas con esmalte de uñas y fotografías documentales en pared, 150x150x8cm 132

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Reykjavík (one day / one pic:::text) (september 2015) Algunos fragmentos del diario…

002 / Caminar es una apertura al mundo Elogio del caminar / David le Breton

004 / "Esta fotografía es ya una metáfora del malestar del mundo (...) La rabia que se siente ante la muerte es una metáfora que transcurre en silencio, como el dolor que le sigue."

Fragmento del artículo de opinión de Juan Cruz para El País

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005 / "Google y las redes sociales, que se presentan como espacios de libertad, se han convertido en un gran panóptico, el centro penitenciario imaginado por Bentham en el siglo XVIII, donde el vigilante puede observar ocultamente a todos los prisioneros. El cliente transparente es el nuevo morador de este panóptico digital, donde no existe ninguna comunidad sino acumulaciones de EGOS incapaces de una acción común, política, de un nosotros. Los consumidores ya no constituyen ningún fuera que cuestionara el interior sistemático. La vigilancia no se realiza como ataque a la libertad. Más bien, cada uno se entrega voluntariamente, desnudándose y exponiéndose, a la mirada panóptica. El morador del panóptico digital es víctimay actor a la vez" Fragmento de "La sociedad de la Transparencia" Byung-Chul Han

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007 / Siria #warpainting (pintura digital)"(...)

Lo que está claro es que algo tiene que cambiar, está muy claro que algo tiene que cambiar...O se irá todo a la mierda, se irá todo a la mierda, dispuestos a tirar juntos de la misma cuerda (...)"

010 / "Ronald Barthes define la esfera privada como esa zona del espacio y del tiempo en la que no soy una imagen, un objeto. Visto así, habríamos de decir que no tenemos hoy ninguna esfera privada, pues no hay ninguna esfera donde ya no sea ninguna imagen, donde no haya ninguna cámara."

Fragmento Benavente

En el enjambre / Byung-Chul Han

del

tema

musical

"Década"

de

León

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013 / (...)

028 / procesos

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Cristina Spinelli 139

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CRISTINA SPINELLI

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CRISTINA SPINELLI

Relatos de tono íntimo: el paso del tiempo, el recuerdo, la ausencia…

Un gesto de mi generación: digitalizar nuestros recuerdos para impedir su pérdida, su olvido.

La inutilidad de éste: pues el elemento que generamos es aún más frágil que su matriz analógica. ¿Por qué crecimos? es una serie de imágenes generadas a partir de la digitalización de fotografías analógicas de mi infancia. El deterioro de los archivos digitales se produce mediante la introducción de un mensaje en su código fuente, un mensaje dirigido a los retratados. ¿Por qué creciste? ¿Por qué crecisteis? ¿Por qué crecimos?

Mi proceso a seguir tiene como primer paso el digitalizar esas imágenes —un gesto muy de nuestro tiempo para evitar que se pierdan nuestras antiguas fotos analógicas— y proceder a un deterioro deliberado de estos archivos digitales, pues éstos también pueden sufrir daños y perderse.

Lo que utilizo para deteriorar la imagen es la anotación que hizo mi madre: la introduzco en el código de texto del archivo, lo hago en un lugar aleatorio y después veo el resultado.

Paradójicamente es el afán por salvaguardar un recuerdo el que termina destruyéndolo.

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¿Por qué crecimos? 2015 Dimensiones variables.

Duración: 1’ 57’’ Pieza de videoarte para instalación.

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Detalle del cรณdigo de texto de Una imagen. (pag. anterior) Detalle proyecciรณn video instalaciรณn.

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Archivo, memoria, autobiografía.

Relatos de tono íntimo: el paso del tiempo, el recuerdo y la ausencia.

El deterioro de las imágenes (siempre procedentes del archivo familiar): la pérdida de nitidez hasta desvanecerse en el desenfocado; la desaparición de los protagonistas desdibujados con disolventes y la aparición en forma de manchas palpitantes; el daño y la deformación del archivo digital introduciendo mensajes en su código, mensajes dirigidos a los ahí retratados.

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Hablamos siempre de lo mismo: es el código lo que se conjuga con el traspaso de la fotografía de un soporte a otro, de digital a analógico y viceversa.

Este proyecto —en el que lenguaje y discurso anteceden y exceden al sujeto— atiende a un ‘lenguaje individual’ socioculturalmente determinado, entendiéndose cada pieza como fragmento al servicio de la historia, pero que no deja entrever más que esbozos al espectador; es él quien deberá crear los lugares referenciales entre todos estos fragmentos. Es su mirada la que me retrata.

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ÂżPor quĂŠ crecimos? 2015 Imagen perteneciente a la serie 148

Imagen intervenida digitalmente alterando su cรณdigo de texto.

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Family Portraits PodrĂ­an ser los recuerdos de familia de cualquiera.

Al final todos desaparecen, se desdibujan.

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Mirimari Väyrynen 155

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MIRIMARI VAYRYNEN 157

A View from Saari, 2015 Derribo y vuelvo a construir paisaje.

Me acerco al sujeto de paisaje a través de cuestiones de medio ambiente y la relación humana con la naturaleza y el mundo. En el contexto de arte contemporáneo, investigo sobre el paisaje como un ambiente donde la percepción y la interacción con el mundo ocurre. Además exploro fenómenos y valores de la época actual, la sociedad y diferentes culturas como un esbozo de cómo la memoria, la identidad y el tiempo están incrustados en el paisaje.

La obra A View from Saari consiste en una lámina de plexiglás transparente en la pared y una pintura de paisaje instalada en el suelo apoyando a la pared. La pintura está hecha sobre una lámina plástica con una técnica tradicional de oleo que requiere mucho tiempo. Posteriormente el soporte de la pintura esta fundido de tal manera que pierde su forma cuadrada y el paisaje parece arrugado como fuese un objeto sin valor.

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A View from Saari 2015, รณleo sobre lamina plรกstica y plexiglรกs, 180 x 200 x 20 cm.

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Detalles de A View from Saari 161

El origen de mi trabajo artístico está en la exploración de significados sobre el ambiente sociológico y ecológico que habitamos. A través de mis obras investigo valores y fenómenos de nuestro entorno y época.

Derribo y vuelvo a construir al paisaje. Examino nuevos contextos y formatos…, perspectivas alternativas del paisaje. Además tomo una posición con respecto a cuestiones globales sobre el medio ambiente. Mi trabajo artístico consiste en utilizar y combinar diferentes métodos del arte sin recelo, y me acerco a los sujetos a través de la experimentación. A parte de pintura, empleo materiales como árboles naturales, plantas y plástico entre otros. Además genero agrupaciones de objetos y materiales, que toman su forma definitiva en el espacio de su lugar expositivo. Me interesa el paisaje por ser una atmósfera omnipresente con la que las personas están en un inseparable diálogo. Formado por capas sociales, historia y cultura, que graba su profunda huella en la persona y la moldea constantemente. El paisaje es un ámbito en donde la percepción e interacción con el mundo surge como escenario donde la vida está en un estado y proceso interminable.

Kulotettu 2014, Oil on canvas and fire.200 x 220 cm.

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Autorretrato, 2015, pintura acrĂ­lico, plĂĄstico y cables, 100 x 80 x 45 cm.

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Antes era, 2015, planta, pintura plástica y estructura de metal y madera, 170 x 65 x 45 cm.

La obra consiste en una planta natural que está instalada al revés y sus raíces están expuestas a la vista. El sustrato para las plantas esta moldeado por la maceta y mantiene su forma. Las hojas de la planta están parcialmente cubiertas con una pintura plástica verde pastosa y brillante. La combinación de los elementos naturales y artificiales de los que la obra está compuesta aluden, por un lado, a la cultura de consumo actual y por otro, a la relación que el ser humano tiene con la naturaleza.

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Notes on dialective, 2015, oleo sobre plexiglรกs, plรกstico y post it -papeles de nota, 200 x 400 cm.

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Useless and casted-off, 2015, fotografias arrugadas de paisaje, 25 x 40 x 5 cm.

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Landscape, 2012- 2013, รณleo sobre tela, madera y ceniza, 210 x 750 x 25 cm.

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JesĂşs Zurita 173

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JESUS ZURITA 175

La intención es propiciar escenas desde, y para, la memoria, tomando objetos personales y encontrados, e iconografías heredadas, para reconstruir un corpus estético que bascule entre la ironía y la objetividad, bajo la búsqueda de la pervivencia de elementos y estructuras estéticas del pasado, analizando su grado de vigencia en la contemporaneidad.

El proyecto que aquí se presenta tiene por objeto la construcción, por medio del procedimiento del dibujo, de escenas en las que intervienen aspectos contemporáneos como la cultura del ego y el culto al cuerpo, puestos en relación con iconografías pasadas, asumidas por el imaginario colectivo.

Este proyecto se asienta sobre el soporte constituido por papeles antiguos; documentos notariales o extraídos de legajos y archivos protocolarios datados en los siglos XVIII – XX. Con el uso de este soporte, a través de la apariencia que de él se deriva, se pretende fabricar una serie de objetos que puedan agruparse bajo la denominación de falsos históricos. Este concepto designa la pretensión de construir una obra en el presente asumiendo la estética de un tiempo pasado. La elección del lenguaje del dibujo se justifica en las atemporales características técnicas y de conservación del procedimiento, al ser el dibujo a grafito una técnica inalterable frente al paso del tiempo, que se presta a una interpretación ambigua a la hora de determinar el momento en el que fue ejecutada.

Los elementos centrales de las composiciones que se proponen pertenecen a dos tiempos, siendo constante la relación constructiva de la imagen a través de las variables fondo/figura. Los fondos están ocupados por imágenes extraídas de la tradición pictórica y gráfica, que se reconstruyen y alteran según criterios propios.

A su vez, la figura central es ocupada por una representación contemporánea del cuerpo, que es extraída de los canales de difusión masiva de imágenes, tales como redes sociales, publicidad, cine y televisión. En muchos casos estas representaciones del cuerpo son el retrato de un autorretrato, reflejo de la intención de definir el propio auto-concepto que caracteriza la época y del cual son ejemplo patente las redes sociales.

Para ejemplificar lo aquí planteado, sirva como muestra el caso de La caza del unicornio (2014), página siguiente, en que el cuerpo de una joven extraído de una red social se superpone al conocido tapiz flamenco expuesto en el Metropolitan Museum de Nueva York, que lleva por título el mismo nombre. Aquí queda manifiesta la relación que se produce entre la iconografía heredada y la figura contemporánea, una relación por contraste que posibilita una doble lectura. Por un lado, la reinterpretación de lo viejo y distante al relacionarlo con lo nuevo y cercano; y por otro lado la lectura de la imagen contemporánea desde la perspectiva de lo pasado.

La producción plástica gira, por tanto, en torno a las variables conceptuales de tiempo y memoria iconográfica, asentándose en soportes históricos que sirven de escenario sobre el que construir imágenes presentes. Con ello se establece un diálogo entre la tradición y la posmodernidad en el que se interpreta, revaloriza y pervierte la imagen heredada. Este objetivo de ver pervertidas las imágenes se consuma en la construcción de composiciones a partir de la manipulación consciente de las mismas.

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La caza del unicornio. Medidas: 60 cm. x 91 cm. Técnica: grafito sobre papel decimonónico (página anterior) 178

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“La sensibilidad unida al dominio técnico y una sutil ironía fruto del talento, se conjugan en la obra de Jesús Zurita dando lugar a una extraña suerte de alquimia. El paso del tiempo reflejado en los papeles que Jesús encuentra como soporte, podríamos decir “papiers trouvés” al modo duchampiano, nos van sumergiendo en un clima preparatorio para su discurso. Estos papeles le sirven de escenario perverso, ya que al manipularlos y dibujar sobre ellos cobran una nueva dimensión. Sobre ellos aparecen diferentes aspectos de las postrimerías, en los que de algún modo retoma el tema de ”vanitas” recordándonos la vacuidad del hombre y lo efímero del paso del tiempo. Estas alusiones iconográficas a lo perecedero, unidas a las huellas que el tiempo dejó en los papeles, transmiten curiosas emociones que el espectador podrá experimentar al profundizar en estas obras.”

Daniel Bilbao. Profesor titular de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla. Departamento de dibujo.

La historia de Nostagio degli Onesti. Grafito sobre papel. 120 x 180 cm. 2015 180

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LORENA AREVALO Vigo 1984 COMUNICACIONES, SEMINARIOS Y CONGRESOS -Arévalo, L., Rodríguez, J., López, C. (2015). La percepción social del terrorismo nacionalista a través del arte urbano: el caso de la ciudad de Vigo. Congreso Internacional de la Asociación Española de Semiótica. 4-6 octubre de 2015. Facultad de Ciencias de la Información, Universidad del País Vasco.

-Arévalo, L. (2015). Arte urbano e interacción comunitaria en el IES Beade. Estudio de caso. Xornadas de Doutorandos. 6 de julio de 2015. Facultad de Traducción, Universidad de Vigo.

-Arévalo, L. (2014). Recuperando la utopía estético-social. CUICIID 2014. 22-23 de octubre de 2014. Facultad de Ciencias de la Información, Universidad Complutense de Madrid.

-Arévalo, L. (2014). Street art as a means of community cohesion in the Europe of XXI century. ISSEI 2014. 4-8 de agosto de 2014. Escola das artes, Universidade Católica do Porto.

-Arévalo, L. (2014). As potencialidades do Street Art como elemento de coesão na criação de comunidade. En Conversas Informais: Arte Urbana – Reflexões. 29 de mayo de 2014. Edificio AXA, Porto.

-López, A., Arévalo, L. (2013). El discurso dominante de la te tico (2011-2013). I Congreso Infoxicación. 2022 noviembre de 2013. Facultad de Comunicación, Universidad de Sevilla.

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-Arévalo, L. (2013). Arte urbano y comunicación pública. El caso de Galicia. CUICIID 2013. 15-16 octubre de 2013. Facultad de Ciencias de la Información, Universidad Complutense de Madrid.

-Arévalo, L. (2013). Comunicando los DDHH. III Seminario Xornalismo social e cooperación internacional. 26 febrero-7 mayo de 2013. Facultad de Ciencias de la Comunicación (USC).

-Arévalo L. Puñal, A.B. (2012). Representacións mediáticas do Xénero na Cooperación Internacional. I Xornadas de Periodismo social e Cooperación Internacional. 16-20 de abril de 2012. Facultad de Ciencias de la Comunicación (USC).

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-Arévalo, L. (2011). A xustiza social dende a perspectiva de xénero. II Xornadas sobre Información e Xénero. Ámbitos de especialización. 21-25 de marzo de 2011. Facultad de Ciencias de la Comunicación (USC).

PUBLICACIONES -Arévalo, L. (2014). “Contracultura e identidad en la post-postmodernidad”. En Nuevas culturas y sus nuevas lecturas. Ed. McGraw Hill (pág. 35-48). Madrid: McGraw Hill. ISBN: 978-84-481-9740-7 -Arévalo, L., Bolás, A. (2015). “Medios alternativos como respuesta al proceso de homogeneización informativa.

La prensa gallega”. En Comunicar(se) en el siglo xxi. Doce propuestas de estudio sobre la comunicación. Ed. Comares. (pág. 13-30). Granada: Comares. ISBN: 978-84-9045-237-0.

-Arévalo, L. (2014). “El muralismo en Galicia. Arte urbano y crítica social”. En Parámetros actuales de evaluación para la comunicación persuasiva. UCM. (pág. 27-47). Madrid: UCM. ISBN: 978-84-15965-98-5.

-Arévalo, L. (2014). Principales figuras del Street Art en Galicia. En Historia y comunicación social. ISSN: 1137-0734.

-Reimondez, M, Arévalo, L. (2011). “A Xustiza social dende a perspectiva de xénero”. En Rompendo moldes. Áreas de especialización e Xénero no Xornalismo. USC. (pág. 117-129). Santiago de Compostela: USC. ISBN: 978-84-6154247-5 ESTANCIAS -Abril/Junio de 2014. Escola das Artes. Universidade Católica Portuguesa. Estancia predoctoral.

BECAS Y CONTRATOS DE INVESTIGACIÓN -Febrero 2015/Actualidad: Contrato de investigación y docencia. Universidad de Vigo.

PROYECTOS (CON TIL DIACRÍTICO) -Espazo CreActivo. Pontevedra, España (en proceso).

-Leaving Home. AFSNIT I. Egedal, Dinamarca (noviembre 2015).

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-Phonezine. 10x10 Zaragoza (presentación). Zaragoza, España (octubre 2015).

-Fibes. Lugo, España (septiembre 2015).

-Vigo, una ciudad de color. Vigo, España (marzo 2015).

EXPERIENCIA LABORAL -Febrero 2015-Actualidad: Universidad de Vigo (grupo de investigación CS1). Investigadora y docente.

-Enero 2014-Actualidad: Til Diacrítico (cultura para la reapropiación del espacio público, Pontevedra). Directora creativa.

-Enero 2013-Julio 2013: Universidad de Vigo (grupo de investigación CS1). Investigadora en formación.

-Septiembre de 2010/Junio de 2012: Implicadas no Desenvolvemento (ONGD, Vigo). Coordinación de comunicación.

-Enero-Julio de 2008: Bob Comunicación-Zapping/MCSaatchi (agencia de nueva publicidad, Madrid). Redactora creativa.

-Septiembre de 2007/Enero de 2008: Publitia (agencia de comunicación, Vigo). Gabinete de prensa.

-Julio/Agosto de 2007: TeVemos agencia de comunicación, Vigo). Gabinete de prensa.

-Julio/Septiembre de 2006: Anónimo (agencia de publicidad, Vigo). Redactora creativa.

EXPERIENCIA EN ORGANIZACIONES SOCIALES/DE COOPERACIÓN -Julio 2013/enero 2016: Amnistía Internacional Galicia. Coordinación del equipo de comunicación autonómico.

-Marzo 2012/noviembre 2015: ECOAR plataforma ciudadana. Coordinación del equipo de comunicación.

-Diciembre 2008/junio 2013: Amnistía Internacional Vigo. Coordinación del equipo de comunicación.

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NOCIONES COMUNES Germán Santiago y Belén Quejigo, Mota del Cuervo, Cuenca. 1986 https://www.diagonalperiodico.net/tags-autores/belen-quejigo

Experiencia laboral 1-2016-Actualidad. Profesora de Secundaria y Bachillerato de Historia de la Filosofía y Filosofía y Ciudadanía en el Colegio Salesianos Atocha de Madrid.

2-2013-2016. Profesora de Secundaria y Bachillerato de Historia de la Filosofía, Filosofía, Ética, Educación para la ciudadanía, Lengua y Literatura castellana y Ciencias Sociales en Colegio Alameda de Osuna (Madrid).

3-2015- Actualidad Colaboradora y redactora Periódico El Diagonal.

4-2015Actualidad.

Docente del curso “Foucault: introducción a los límites http://www.jotdown.es/events/michel-foucault-introduccion-a-los-limites-del-pensamiento/

del

pensamiento”.

5-2013. Agosto-Noviembre. Profesora universitaria de filosofía “Estética cinematográfica: pensar el cine con Gilles Deleuze” en CIRCO 2.12. Instituto Cinematográfico Nacional. Ciudad de México, dirigido por la directora de la Cineteca Nacional, Paula Astorga.

6-2013- Agosto-Noviembre. Profesora universitaria de filosofía “La filosofía política Micropolítica y segmetaridad” en la Facultad de Ciencias Sociales y Políticas de la UNAM.

Gilles

Deleuze:

7-2013. Febrero-Junio. Profesora universitaria de filosofía. Curso “Michel Foucault: una antihistoria de la dominación” en la Facultad de Ciencias Políticas de la UNAM. 8-2013. Febrero-Junio. Profesora universitaria de filosofía en el curso “Arte, Política y Filosofía en el siglo XX” en el Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM. 9-2011- 2012. Secretaria y recepcionista en Academias Aprendalia (1 año) 10-2010-2011. Prácticas en el Instituto Ramiro de Maeztu de Madrid (3 meses). Filosofía, Historia de la Filosofía, Ética y Educación a la ciudadanía en bachillerato internacional.

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11-2009- Actualidad. Editora y colaboradora de la revista de creación Apeiron. Universitat de València. ISSN 1889-8122. D.L.:V-2894-2009.

12-2009-2014. Profesora de apoyo en lengua y literatura, Filosofía, Arte e Historia en Academia Velázquez y Aprendalia. Profesora de Bachillerato, Educación Secundaria Obligatoria y Primaria a todos los niveles en Academia Aprendalia en: a. Apoyo escolar. i. Primaria: todas las materias. ii.Secundaria y Bachillerato: especialidad. Filosofía, Humanidades, Historia del Arte, Plástica, Música, Ciencias Sociales, Geografía, Historia. Lengua y literatura. b. Enseñanza del español. c. Técnicas de estudio. d. Inglés nivel primaria y ESO. e. Educación y preparación de acceso a la Universidad para mayores de 25. f. Preparación de exámenes para graduado escolar. g. Preparación de Pruebas de Acceso a la Universidad. h. Atención psicopedagógica para alumnos con TDH y otros trastornos de conducta. i. Atención tutorial a alumnos de Primaria a Bachillerato.

13-2009. Especialista libros Fnac Librerías Callao. Madrid.

14-2009-2010. Monitora de visitas guiadas a museos: Museo del Prado, Museo Nacional de Arte Contemporáneo Reina Sofía y Museo del Romanticismo.

Idiomas 1-Curso de Inglés especialización lingüística en Ciencias Sociales y Humanidades Internacional Menéndez Pelayo, nivel B1 en el Marco Europeo de Referencia (40 horas).

2-Acreditación oficial B1 en inglés. Universidad Autónoma de Madrid.

Participación en proyectos de investigación 1-Comunidad de indagación de Pedagogía. Media-Lab Prado, Madrid, 2015.

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en

la

Universidad

2-“Performatividades y performance en México en el siglo XX, desde lo vivencial, la teoría y la representación” en el Instituto de Investigaciones Estéticas de Ciudad de México a cargo de la Doctora Elia Espinosa López en 2013 (duración 10 meses. Febrero-Diciembre).

3-“Gilles Deleuze: diferencia, tiempo y sentido” en la Universidad Nacional Autónoma de México a cargo del Doctor Gerardo de la Fuente Lora durante el segundo semestre del curso 2009/2010. (Duración 6 meses).

4-Colaboración en el Departamento de Metafísica y Teoría del Conocimiento de la Universidad de Valencia con el proyecto “Empirismo y subjetividad: una mirada deleuziana a la filosofía de Hume” a cargo del Doctor Nicolás Sánchez-Durá (1 año).

Becas obtenidas 1-Beca de investigación de la Secretaría de Relaciones Internacionales (SRE) para estancia de investigación doctoral. (Febrero-Diciembre 2013).

2-Beca para maestros y profesores para la inmersión lingüística (inglés) y habilitación en Ciencias Sociales y Humanidades.

3-Beca de movilidad para estudiantes de posgrado a la Universidad Nacional Autónoma de México durante el segundo semestre del curso 2009/ 2010.

4-Beca Santander-CRUE para jóvenes investigadores

2010.

5-Beca de colaboración para estudiantes de último curso de licenciatura en el departamento de Metafísica y Teoría del Conocimiento de la Universidad de Valencia durante el curso 2008/2009 expedida por el Ministerio de Educación.

6-Beca SÉNECA-SICUE de movilidad interuniversitaria española con destino a la Universidad Complutense de Madrid expedida por el Ministerio de Educación.

Cursos de formación añadida 1-2016. Arquitecturas especulativas impartido por Félix de Azúa en el Museo del Prado y Universidad Camilo José Cela. (40 horas).

2-2016. El cine como creación e instrumento pedagógico. Museo del Prado (8 horas).

3-2015. Creación literaria. Instituto Cervantes de Madrid. (30 horas).

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4-2015. Curso de resolución de conflictos en el aula (8 horas).

5-2015. Curso magistral sobre teatro contemporáneo por Fernando Arrabal. Formación teatro español (6 horas).

6-2015. Curso de aprendizaje y pedagogías de enseñanza por proyectos. (50 horas).

7-2015. Curso “El poder constituyente” de Toni Negri. Universidad del Afuera y Nociones Comunes en la librería Traficantes de Sueños.

8-2015. Curso: Europa en el Museo del Prado. Cátedra Educación del Museo del Prado. (12 horas) 9-2015. Curso: En torno a una obra maestra: Las Meninas. Cátedra Educación del Museo del Prado. (6 horas) 10-2014. Curso de metodología pedagógica KAGAN aprendizaje cooperativo oficial.

11-2014. Seminario “El ojo que piensa (1750-1850)” impartido por Félix de Azúa. Centro de estudios del Museo del Prado. (4 meses).

12-2013. Curso-taller de Crítico de Arte. Modos de hacer, formas de saber, historias que narrar. Museo Nacional de Arte Reina Sofía. Madrid.

13-2013. Curso de Poesía Sonora y Experimental. Centro Cultural de España en México 14-2013. CURSO DOCTORADO. De la Ontología a la Estética y la Política. La filosofía en Gilles Deleuze (Retomando a Marx). Facultad de Filosofía y Letras. Universidad Nacional Autónoma de México.

15-2012. CURSO ANECA. La publicación científica en abierto. Nuevas técnicas de investigación. Universidad Complutense de Madrid y Consorcio Madroño. Sin calificación.

16-2010. CURSO DOCTORADO. Michel Foucault y el mundo antiguo (6 meses). Universidad Nacional Autónoma de México. Calificación de Matrícula de Honor.

17-2010. CURSO DOCTORADO. Representación y subjetividad (6 meses). Universidad Nacional Autónoma de México.

Calificación de Sobresaliente.

18-2010. CURSO DOCTORADO. La obra de arte en Walter Benjamin y Martin Heidegger (6 meses). Universidad Nacional Autónoma de México. Calificación de Matrícula de Honor.

19-2010. CURSO DOCTORADO. Capitalismo: espacio e identidad (6 meses). Universidad Nacional Autónoma de México.

Calificación de Sobresaliente.

Publicaciones. Artículos. Capítulos. Reseñas 1-Filosofía para secundaria. Spinoza, RBA, Barcelona, 2016 (libro de secundaria en edición).

2-Paz armada, Ediciones Amargord, Madrid, 2016 (libro de poesía en edición).

3-Capítulo para el libro Las fortalezas del poder (VV.AA), Amargord, Madrid, 2013, “Michel Foucault y lo político”.

4-Capítulo para el libro sobre Performance de la Dr. Elia Espinosa El Ethos del perfomance, titulado “Cartografía del arte contemporáneo.

5-Pedro Almodóvar, Periódico El Diagonal, 26/01/2016.

6-Hacer audibles fuerzas que no lo son. Homenaje a Pierre Boulez, Periódico El Diagonal, 8/01/2015 7-Adiós al lenguaje. 85 años con Jean-Luc Godard, Periódico Diagonal, 3/12/2015, Madrid.

198

8-Los inútiles, Catálogo de la exposición “Aquí y ahora. La resistencia de lo inútil”, Galería Blanca Soto, Madrid, 2015.

9-Anarquías coronadas: 20 años del suicidio de Gilles Deleuze, Periódico Diagonal, Madrid, 4/11/2015.

10-Entrevista a Antonio Negri, Periódico El Diagonal, Madrid (pendiente de publicación).

11-Cerdos devorando penínsulas. Entrevista al artista Santiago Sierra, Periódico Diagonal, Madrid, 02/07/2015.

12-Por el amor a los muchachos. 31 años de la muerte de Michel Foucault, Periódico El Diagonal, Madrid, 25/06/2015.

13-De la dictadura a la tecnocracia, Periódico El Diagonal, Madrid, 22/05/2015.

14-Tecnologías del capital, Periódico El Diagonal, Madrid, 14/05/2015.

15-Elegía del Estado del bienestar. Entrevista al filósofo José Luis Pardo, Revista Paralaje nº49, Universidad de Valencia, 2015.

16-Políticas de lo peor, Periódico El Diagonal, Madrid, 26/03/2015.

17-Un saber tan cruel, Periódico El Diagonal, Madrid, 2/04/2015.

18-“Oh là l’art. Sobre ARCO 2014”, El Cotidiano, 22/02/2014.

19-“El frío en Antonio Gamoneda”, El Cotidiano, 19/ 02/2014 http://www.elcotidiano.es/el-frio-en-antoniogamoneda/ 20-Texto para la Galería de Arte Blanca Soto de Madrid, evento “Aquí y ahora 2013”, titulado “Extranjería (s).

Del no-where al now-here”.

21-“Por una microfísica del poder”, Revista Afluente Opción Biopolítica en el número “Vida y poder en las sociedades contemporáneas”, Noviembre 2013, ITAM, México.

22-Informe final para la Secretaría de Relaciones Exteriores de México en el programa de investigación Performance y performatividades en México en el siglo XX, titulado “El performance como arte menor: del no- where al now-here”.

23-III Informe para los archivos de Secretaría de Relaciones Exteriores de México en el programa de investigación Performance y performatividades en México en el siglo XX, titulado “Por una estética menor (n-1)”.

24-“Un peligro que seduce” 25-II Informe para la Secretaría de Relaciones Exteriores de México en el programa de investigación Performance y performatividades en México en el siglo XX, titulado “Cartografías del arte de performance”.

26-Texto para la exposición de la artista Senoritaugarte en Santiago de Chile (Chile) “Rizomas comunes”.

27-I Informe para la Secretaría de Relaciones Exteriores de México en el programa de investigación Performance y performatividades en México en el siglo XX, titulado “El mapa es un asunto de performance”.

28-Texto para la exposición de la pintora B. López en Campo de Criptana (Ciudad Real. España) “En lugares de La Mancha”. Noviembre 2012.

29-Actas del congreso Filosofía contemporánea de la Universidad Nacional Autónoma de México (Acatlán) “De un mundo raro: reflexiones marginales sobre la anormalidad y los no-lugares”.

30-Entrevista sobre la crisis europea en Finlandia en Turun Sanomat, ULKOMAAT 21 Keskiviikko 25. Huhtikuuta 2012 199

31-Reproducción mecánica de lo bello, Filosofema, nº2, Universidad autónoma de Madrid, junio 2012.

32-‘Introducción a un modo de vida no fascista’, El Extranjero, México, Mayo, 2012.

33-Michel Foucault, filósofo de lo pequeño’, Cuaderno de materiales, Madrid, nº31 , diciembre 2012.

34-‘Breve genealogía sobre la educación’, Filosofema, Universidad Autónoma de Madrid, nº0, Marzo 2012.

35-San Juan Chamula (Chiapas), Luces en la sombra Redacciona, 2012, Save de Children. (Fotografía y texto página 31).

36-El primer manicomio del mundo: el Hospital de innocents, folls i orats en la Valencia del siglo XV. Actas del congreso de Tales, UCM, 2012.

37-La Historia de la locura en la época clásica, Roda da fortuna, nº1. Barcelona.

38-Veláquez al otro lado del espejo, BAID, Revista digital de arte, 2012, nº4.

39-‘Los rostros de las chicas de Texas: la industria de la cultura según Adorno”, Aperion, nº7, Marzo 2012.

40-‘Un pedazo de tiempo en estado puro. Reflexiones sobre Boulez’, Real Conservatorio de Música Reina Sofía, Reflexiones musicales, Junio 2011.

41-‘Cuerpo sin órganos’, Letra Clara, nº2, Mayo 2011.

42-‘De la Academia a la Bohemia y más allá”, Apeiron, nº6, Abril 2011.

43-‘Mercancía, fetichismo, arte y basura: por una estética moderna’, El Extranjero, Abril 2011.

44-‘Sobre cuatro fórmulas poéticas que pretenden resumir el pensamiento foucaultiano’, Letra Clara, Marzo 2011.

45-Entrevista a José Luis Pardo, Apeiron, nº4, Marzo 2010.

46-‘The times they are a-changin’, Apeiron, nº4, Marzo 2010.

47-‘El asesinato de la filosofía’, Apeiron, nº3, Octubre 2009.

48-‘El hombre de genio y la melancolía. Una reflexión sobre Leopoldo María Panero, Apeiron, nº2, Mayo 2009.

49-‘Nostalgia, tiempo y sentido’, Apeiron, nº1, Marzo 2009 50-‘Un mes durmiendo en la Universidad’, EL PAÍS, 14 de Noviembre de 2008.

Participación en congresos 1.

Noviembre 2015. Congreso Tales Internacional Jóvenes Filósofos “Los límites de lo humano” con la comunicación “Vigilar y castigar. Una visión foucaultiana de la educación” en la UCM, Facultad de Filosofía y Letras.

2.

Octubre 2015. Congreso Internacional “La actualidad de Gilles Deleuze” con la ponencia “En total ya éramos muchos”, UNED, Facultad de Ciencias Políticas.

3.

Septiembre 2015. Congreso de la Red Nacional de Profesores de Filosofía con la ponencia “La filosofía como saber sometido”, Universidad Complutense de Madrid, Facultad de Filosofía y Letras.

200

4.

Mayo 2015. Congreso internacional sobre Gilles Deleuze con la ponencia “Políticas menores” en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. 5.

Mayo 2015. Congreso internacional “La actualidad de Michel Foucault” en la Facultad de Filosofía y Letras de la UCM con la comunicación “Mourir à Madrid. El día de Michel Foucault en España”.

6.

Junio 2014. Congreso Nacional Jóvenes Filósofos comunicación “Geopolítica de los movimientos sociales”.

en

la

Universidad

Complutense

de

Madrid

con

la

7.

Mayo 2014. Congreso Nacional “La actualidad de Michel Foucault”, en la Facultad de Filosofía de la Universidad de Zaragoza con la comunicación “Mínima resistencia. Sobre la inutilidad de la sublevación y la vida no fascista”.

8.

Noviembre 2013. Presentación EDITORIAL AFLUENTE de Ciencias Políticas Autónomo de México con la conferencia “Por una microfísica del poder”.

9.

Noviembre 2013. Coloquio Interdisciplinario comunicación “Un manifiesto de menos”.

de

la

Facultad

de

en

Filosofía

el y

Instituto Letras,

Tecnológico

UNAM

con

la

10. Octubre 2013. Conferencia magistral “No-where man: cine y exilio” en la Casa del Refugio y la Comisión de Derechos Humanos en México D.F. 11. Octubre 2013. Jornadas conmemorativas Albert Camus. “A cien años de empujar la piedra” en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) con la comunicación “Extranjerías”.

12. Octubre 2013.

“El jardín de la especies: un concepto entre neurociencia y filosofía política” en el Instituto de Fisiología Celular de la UNAM. 13. Septiembre 2013. II Semana de Com.unica Radio de la Facultad de Ciencias Políticas y Comunicación de la UNAM. En la mesa sobre Técnicas y experimentación: medios de comunicación en la era electrónica” con la ponencia “Todas las historias”.

14. Septiembre 2013. VI Coloquio de Estudiantes de Filosofía “Reflexiones filosóficas en torno al Arte y la Ciencia” con la comunicación “La vida como obra de arte” en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. 15. Septiembre 2013. II Seminario Internacional Política y Filosofía: “Vigilancia y resistencia. Políticas de la multiplicidad”, en la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM. Conferencia inaugural “Un peligro que seduce. Michel Foucault y lo político”.

201

16. Julio 2013. ‘Mapping our current of socio-political territories’ en el Congreso Internacional Deleuze Studies Conference en Lisboa con Amanda Núñez, Vicente Muñoz-Reja y Diego Herranz.

17. Junio 2013. V Coloquio Estudiantil de Filosofía en la Universidad Autónoma Ciudad de México, Reconstruyendo Identidades, con la ponencia “La insurrección que viene”.

18. Junio 2013. Comunicación en las jornadas del Instituto de Investigaciones Estéticas con la ponencia “Los anormales. De La nave de los locos, de El Bosco, a los rostros de las histéricas, de Charcot”.

19. Abril 2013. Comunicación en el congreso Filosofía contemporánea de la Universidad Nacional Autónoma de México (Acatlán) con la ponencia “Reflexiones marginales sobre la anormalidad y los no-lugares”.

20. Abril 2013. Comunicación en el Congreso Internacional Gilles Deleuze en la Universidad Nacional Autónoma de México con la ponencia “Gilles Deleuze, filósofo de lo menor”.

21. Noviembre 2012. Moderadora sección Literatura, Filosofía y Estética de Congreso internacional jóvenes investigadores en Filosofía. Universidad Complutense de Madrid. Facultad de Filosofía y Letras.

22. Noviembre 2012. Organizadora Universidad Complutense de Madrid.

de

Congreso

Internacional

de

jóvenes

investigadores

en

Filosofía.

23. Abril 2012. Organizadora del recital poético de Chantal Maillard en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Complutense de Madrid.

24.

Abril 2012. Organizadora de la Semana de las Letras de la Universidad Complutense de Madrid.

25. Marzo 2012. Congreso Internacional de Jóvenes Investigadores de Historia del Pensamiento “Tales” en la Universidad Complutense de Madrid con la comunicación titulada “El primer manicomio del mundo: El Hospital de innocents, folls i orats en la Valencia del siglo XV”.

26. Marzo 2012. Moderadora en el Congreso Internacional de Tales de Jóvenes Investigadores de Historia del pensamiento.

27. Noviembre 2007. Asistente en el Congreso Internacional “Nietzsche y la filosofía” organizado por la Universidad de Valencia.

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Otros méritos 1-Exposición en la Galería Blanca Soto (Madrid) en el programa “Aquí y ahora 2015” de Arte y pensamiento joven con “Los inútiles”.

2-Plataforma de difusión de arte independiente y proyecto artísticos airplace.org.

3-Participación en el proyecto “Mujer migrante” del Instituto Nacional de la Mujer. México DF. 4-Participación en la exposición La fábrica de las migraciones. Perspectivas desde México-Centroamérica y Magreb-Machrek.

5-Exposición en la Galería Blanca Soto (Madrid) en el programa “Aquí y ahora 2013” de Arte y pensamiento joven con “Extranjería(s). Del no-where al now-here”.

6-Miembro del comité científico de la revista de Jóvenes investigadores de la Universidad Complutense de Madrid “Tales” desde Febrero 2012.

7-Miembro del comité científico de la asociación de posgrado y doctorado en Filosofía de la Universidad Complutense de Madrid,

203

204

RENATA CRUZ Araçatuba, São Paulo, 1964 www.renatacruz.net/ renatacruzportfolio.blogspot.com.br/ Formação 2004/2016 - Ateliê Fidalga, acompanhamento de projetos com Sandra Cinto e Albano Afonso, SãoPaulo SP 2014 - Acompanhamento de projetos com Galciane Neves 2011/2013 - Acompanhamento de projetos com Josué Mattos 2010/2011 - Pintura com Hildebrando de Castro, São Paulo SP 2002/2003 - Pós-graduação em Arte Integrativa, Anhembi Morumbi, São Paulo SP 1997 - Acompanhamento de projetos com Osmar Pinheiro, São Paulo SP 1994/1995 - Ateliê de Gravura - MAC, São Paulo SP 1991/1993 - cursos como aluna estrangeira na Facultad de Bellas Artes, Universidad Autónoma de Madrid, Espanha 1989/1990 - Educação Artística, UNAERP, Ribeirão Preto SP 1981/1984 - Comunicação Visual, UNESP, Bauru SP Exposições 2016 -"Dias úteis" - Centro Brasileiro Britânico - São Paulo, SP -“Abstracción Abstração” – Galeria Fernando Pradilla – Madri, Espanha -“Algum lugar entre a terra e a casa” – Oficina Cultural Oswald de Andrade – São Paulo, SP -“IMMEDIATE ATTENTION - ação/exposição colaborativa” – Galeria Emma Thomas – São Paulo, SP 2015 -Geografias, Antologia de omissões e desvelos - Sesc Jundiaí – Jundiaí, SP -Bienal Desde Aquí – Bucaramanga, Colombia -No reino dos camuflados, área de soltura - Espacio Titilaka - Lima, Perú -Programa de Exposiciones – Carpe Diem Arte e Pesquisa - Lisboa, Portugal -Múltiplos Carpe Diem Editions Tour internacional - São Paulo, Rio de Janeiro, Galeria Ybamatu, Curitiba,PR; Galeria PANAL, Buenos Aires, Argentina; Konstig, Estocolmo, Suecia -Sandra Cinto + Albano Afonso + Ateliê Fidalga - The Fine Art Laboratory, FAL, Universidad de Arte de Musashino - Tokyo, Japon 205

-II Bienal do Sertão de Artes Visuais 2015 – Juazeiro, Ba 2014 -Frestas-Trienal de Artes - Sorocaba, SP -Proposta para ampliação de uma enciclopédia - Blau Projects - São Paulo, SP -Como refazer o mundo - Luiz Fernando Landeiro Arte Contemporânea - Salvador, Ba -Decifrações - Ecco Espaço Cultural Contemporâneo - Brasília, DF -Estruturas imaginárias - Museu de Arte Contemporânea de Campo Grande - Campo Grande, MS 2013 -The summer is on – Blau Projects - São Paulo, SP -13 SNAI-Salão Nacional de Artes de Itajaí – Itajaí, SC -Sistema de trocas-Quase Galeria - Porto, Portugal -Desenho ação.estado.acontecimento - Sesc São Carlos - São Carlos, SP -Aluga-se Casa Selvática - Paralela à Bienal de Curitiba - Casa Selvática - Curitiba, PR -Exhibition Opening - Projecto Correspondencia - E/L STUDIO - Washington, USA -A lua no bolso -Paço das Artes - Rio de Janeiro, RJ -Deslocamento Brasília -Casa da Cultura da América Latina da UnB - Brasília, DF 2012 -40 Salão de Arte Contemporânea Luiz Sacilotto - Santo André, SP -Individuais simultâneas - Museu de Arte de Goiania - Goiania, GO -Classificação por espécies - DConcept Escritório de Arte - São Paulo, SP -Sobrelivros e o projeto brochura - Centro Cultural da Espaha - São Paulo, SP -DConcept hospeda Aluga-se - DConcept Escritório de Arte - São Paulo, SP -Arterix hospeda Aluga-se - Arterix Galeria - São Paulo, SP -Livres Trocas - Sesc Ipiranga - São Paulo, SP -Aluga-se Ville - Central Galeria de Arte - São Paulo, SP 2011 -20 e poucos anos: Portfólio - Baró Galeria - São Paulo -SP -Até meio quilo - Pinacoteca de Santos - Santos, SP -Até meio quilo - Museu de Arte Contemporânea - Campinas, SP -Até meio quilo - Museu de Arte Contemporânea - Ribeirão Preto, SP -Boite Invalidem - Galerie Invaliden - Berlin, Alemania -Grupo Aluga-se - SAK Kunstbygning - Dinamarca -16 Bienal de Cerveira - Cerveira, Portugal -Conhecendo artistas Ateliê Fidalga - Banco Santander - São Paulo, SP 206

-43 Salão de Arte Contemporânea de Piracicaba - Piracicaba, SP 2010 -Programa de exposições - Museu de Arte Contemporânea do Paraná - Curitiba, PR -Site specific- SP Arte - São Paulo, SP -Sobre livros - Casa Contemporânea - São Paulo, SP -Ateliê Fidalga no Paço das Artes - São Paulo, SP -Marco alugado - Museu de Arte Contemporânea - Campo Grande, MS -Photo Fidalga - Quase galeria - Porto, Portugal 2009 -Em torno de - Nos limites da Arte - Funarte - São Paulo, SP -15 Salão Unama de Pequenos Formatos - Belém, PA -Ateliê Fidalga – Carpe Diem Arte e Pesquisa - Lisboa, Portugal -Ateliê Fidalga – Galeria Carlos Carvalho - Lisboa, Portugal 2008 -Galeria Pop - São Paulo SP -Casa do Olhar - Santo André SP -Presente Fidalga – SESC - Ribeirão Preto SP. -33º SARP, Museu de Arte de Ribeirão Preto - Ribeirão Preto SP -36° Salão de Arte Contemporânea Luiz Sacilotto - Santo André SP -Marp - Programa Anual de Exposições - Ribeirão Preto SP -Coletiva de Sketch Books - Galeria Pop – São Paulo, SP

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ALBERTO GIL CASEDAS Zaragoza 1991 Vive y trabaja en Barcelona http://www.albertogilcasedas.com/

FORMACIÓN ACADÉMICA 2013-15 Máster en Producción e Investigación Artística, Universidad de Barcelona.

2009-13 Grado en Bellas Artes, Universidad de Barcelona.

EXPOSICIONES COLECTIVAS 2016 -SENSE CAPITAL/sin capital. Galería Sicart. Vilafranca del Penedès, Barcelona.

-PASSE/IMPASSE. BlueProject Foundation. Barcelona -2016_n1. Piramidón, Centre d'art contemporani. Barcelona.

-Premi d'art contemporani Fundació Privada Reddis. Museu de Reus. Reus, Tarragona.* 2015 -25 al quadrat. Piramidón, Centre d'art contemporani. Barcelona.

-AQUÍ y AHORA. Les délinquants de l'inutile. Utopie. Galería Blanca Soto. Madrid.

-100x100. Galería A del Arte. Zaragoza.

-Nasty Mondays. La Trastera, Espai d’art contemporani, Calafell.

-CALL_2015. Galería A del Arte, Zaragoza.

-Presentació Residències Prodart ’15, Fabra i Coats, Barcelona -Premio de Pintura Internacional Guasch Coranty 2015. Centre d’art Tecla Sala, L’Hospitalet de Llobregat, Barcelona.*

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2014 -Jornades Art i territori. Centre Cívic Can Tutó. Avinyó, Barcelona.

-Provisional [entre referents]. Sala de exposiciones Facultad Bellas Artes. Barcelona.

-Triple Mortal. LaCapella. Barcelona.

2013 -S/T ’13. Facultad de Bellas Artes. Barcelona.

PREMIOS Y BECAS 2016 - Premi d'art contemporani Fundació Privada Reddis. Reus, Tarragona. Seleccionado 2015 -3º Premio, Premio de Pintura Internacional Guasch Coranty 2015. Barcelona.

-Beca de residencia Prodart ‘15. Fabra i Coats y Universidad de Barcelona RESIDENCIAS 2015-2016 -Piramidón, Centre d’art contemporani. Barcelona -Fabra i Coats, Fabrica de Creació, Barcelona.

2014 -Cal Gras + Nómade (art i territori + l’artista com a arqueòleg), Avinyó, Barcelona.

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PUBLICACIONES 2016 Premi d'art contemporani Fundació Privada Reddis 2016. ISBN:978-84-608-5370-1 2015 Premi de Pintura Internacional Guasch Coranty 2015. ISBN: 978-84-939979-2-2 2014 El artista como arqueólogo. Revista FORMACIÓN COMPLEMENTARIA 2014 -Simposio Internacional Arte e Investigación. Metodologías compartidas en los procesos artísticos.

Universitat de Barcelona y Hangar.

OBRA EN COLECCIONES Fundación Guasch Coranty

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IKER LEMOS Valencia 1991 http://ikerlemos.wix.com/ikerlemos

Formación y Becas 2014 2009 2013 2012 2014

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2015 2014 2014 2013 Beca

Master en Producción Artística en la Universidad Politécnica de Valencia.

Licenciatura en Bellas Artes por la Universidad Miguel Hernández de Elche Beca SICUE en la Universidad Santa Isabel de Hungría (Sevilla) Beca Sócrates – Erasmus en la Accademia Albertina delle Belle Arti di Torino (Italia) de residencia en la Fundación Rodríguez Acosta de Granada

Otros 2015 - “Selecta15”. Visionado de portfolios en el Instituto de Arte Moderno Valenciano. IVAM. (Valencia).

2014 – “ IV Encontro de Artistas Novos” en la Cidade da Cultura (Santiago de Compostela) 2014 – Artista invitado en el “I Plein Air Festival” (L´Estartit, Girona) Exposiciones colectivas 2016 – PAMPAM15! – Museo Centro del Carmen (Valencia). Comisariada por José Luis Clemente.

- Roohm: Festival de exploración audiovisual - La fabrica de hielo (Valencia) 2015 – -

Aquí y Ahora (AyA): “Les délinquants de l´inutile” – Galeria Blanca Soto (Madrid).

Mardel. Centro Cultural Las Cigarreras (Alicante).

The Endless Summer, Museo de Boca del Calvari, Benidorm (Alicante). Comisariada por Ricardo Forriols.

Art<35 BS 2015, Sala Parés y Galería Trama (Barcelona).

Art<35 BS 2015, Sala Bizkaia Aretoa (Bilbao).

Salir de la zona de confort. Atarazanas (Valencia).

PAM!15, III Muestra de producción artística y multimedia. Facultat de Belles Arts, Universitat Politècnica de València (Valencia).

- Hide and seek - Galeria Silvestre (Madrid) - 5ª Edición de a3bandas. Comisariada por Nerea Ubieto 212

2014 – Riberas del Guadaíra - Museo Alcalá de Guadaíra (Sevilla) - III Jornadas de paisaje en Morón – Fundación Fernando Villalon, Morón de la Frontera (Sevilla) 2013 - Spazi Sospesi. OGR – Universita Politecnica di Torino (Italia) - Circuit d´Art “Bernia 2012”. Exposición itinerante por las ciudades de la provincia de Alicante y Tarragona 2012 - Bernia 2012. Exposición del concurso de artes plásticas. Edificio rectorado y consejo social, UMH. Elche (Alicante) 2011 - De lo infinito a lo infinitesimal, Patronato municipal de Alicante. Comisariada por José Manuel Álvarez Enjuto.

Premios 2015 - ART<35 BS 2015. Exposición en Barcelona, beca de producción y programa de adquisición de obra.

- Pam! 2015, III Muestra de Producción Artística y Multimedia, Mención especial para proyecto expositivo.

Obra destacada por el comité de expertos.

- Accesit en el “II Certamen de pintura Mardel” 2014 - Mención de Honor en el Concurso de Pintura Ateneo de Sevilla 2014 (Sevilla) - XXIV Concurso Nuevos Creadores Pintura y Escultura de Benidorm (Alicante) 2012 - Adquisición de obra en el concurso “Bernia 2012”.

Publicaciones - Lemos, Iker (2015). Una imagen desplazada. Return Magazine – Revista de Arte Contemporáneo de Sevilla (nº0, pp. 88-93 Obra en instituciones - Fondo artístico Universidad Miguel Hernández de Elche - Accademia Albertina delle Belle Arti di Torino (Italia) - Fundación Fernando Villalón, Moron de la Frontera (Sevilla) 213

DIEGO LOPEZ BUENO Alicante 1989 http://diegolopezbueno.wix.com/videoartist

Músico y vídeo artista, es licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad Politécnica de Valencia y tiene un Máster de Cine Documental y Experimental por la Escuela Universitaria TAI. Compagina su actividad como creador audiovisual con la producción musical. Su música ha sonado en programas como Atmósfera y Fluido Rosa de Radio3. Sus obras audiovisuales se han proyectado en la sección ACCIÓN de la “II Edición de Cine por Venir” (Las Naves, Valencia), en el “Festival Vidas Cruzadas” de la Galería Paula Alonso (Madrid), en el ciclo de videoarte “En tránsito II” del Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM, Valencia) y en el festival “IVAHM” en el Centro de Artes de Vanguardia La Neomudejar (Madrid). Ha realizado vídeos promocionales para La Casa Encendida, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y el Centro de Arte Dos de Mayo.

EXPERIENCIA LABORAL 2013-2014 Co-fundador de www.lamodecampus.com 2015 Realización vídeo promocional del festival She Makes Noise para La casa encendida (Madrid) EXPERIENCIA AUDIOVISUAL 2014 Realización “Pangea”, 27 minutos, Documental (Alicante) 2012 Realización “Teorizar a través de la imagen”, 7 minutos, Documental (Benidorm) cargocollective.com/diegolopezbueno/ 2012 Realización “La quietud que aguantó una tempestad”, 31 minutos, Documental (Valencia) EXPERIENCIA MUSICAL 2014 Aparición en el programa “Fluído Rosa” de RNE3 con el proyecto Psycho Future (6/10/14) 2013 Con el proyecto en solitario “Monocircle” (20/10/13) Sesión de música initerrumpida de composición propia en el programa “Atmósfera” de RNE3 214

EXPOSICIONES 2015 Participación en el ciclo de videoarte "En tránsito II" en el IVAM con las obras “Siete ensayos sobre el cine” y “Mírame bien” (Valencia) 2015 Seleccionado para el Festival Vidas Cruzadas en la Galería Paula Alonso con la obra “Esgrima” (Madrid) 2014 Exposición del proyecto “Teorizar a través de la imagen” en la sección ACCIÓN de la II Edición de Cine por venir. Las Naves (Valencia)

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LUIS MELON ARROYO San Andrés del Rabanedo, León. 1974 http://luismelonarroyo.blogspot.com.es

2015 - Panorama Mix. Centro Cultural Juan Prado. Valdemoro. Madrid (octubre, 2015) (Colectiva) - Todos los nombres. Perfomance colectiva. León. Plaza de San Marcos (12 y 13 septiembre, 2015) con la colaboración de A.R.M.H. Asociación para la recuperación de la memoria Histórica.

- Regreso a casa. Vídeo arte en Castilla y León . Da2. FACYL Salamanca. (6 de mayo, 2015)(Colectiva) - Enumeraciones. MUSAC. León. (Individual) (24 de enero, 2015 / 5 de abril, 2015) 2014 -

Colonia Apócrifa. Imágenes del colonialismo en España. MUSAC, Museo de León.(Colectiva) Lecturas para una colección. Sala Provincia. Diputación de León. León (Colectiva) Diálogo e intersecciones entre poesía y artes plásticas. MIHACALE. Gordoncillo (Colectiva) Obra Abierta. Premio Internacional de Artes Plásticas Caja de Extremadura (Colectiva).

Mulier, Mulieris. MUA .Alicante. (Colectiva)

2013 - Re-vision. Museo de León. León. (Colectiva) 2012 - La metodología del proyecto. MUSAC. León. (Colectiva) - Extrarradio. Mustang Art Gallery. Elche. (Colectiva)

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ELIA NUÑEZ BAREZ Santiago de Compostela 1979 https://elianunezbarez.blogspot.com

EXHIBITIONS current - next GROUP & SOLO exhibitions - Confidencias mudas. mail art, showroom La Gota de leche, Logroño, La Rioja, June-July - CALL 2016 XVIII Convocatoria Internacional de Jóvenes Artistas, Luis Adelantado Gallery, Valencia, July-Sept (selected work) - About painting: elia nuñez, SOLO exhibition, Centro Comarcal de Humanidades Sierra Norte, La Cabrera, Madrid, Dec-Jan 2017 (selected exhibition proposal) GROUP exhibitions 2016 - #tomellosoforsyria, charity auction and group exhibition, Tomelloso, Ciudad Real, June - Hoy es un día cualquiera a mediados de 2030, group exhibition Círculo Bellas Artes & espacio URG3L, Madrid, June (selected work) - III International Exhibition Mail Art. Postdata: Esperanza, recuerda, Villatorres, Jaén, May-June - C.A.L.L.E. 2016 - Street Art Festival, Madrid, May-June (selected work) - Confidencias mudas. mail art, Fundación María Forcada, Tudela, Navarra, April-May (proposal piece) - Museos e paisaxes culturais, Fundación Luis Seoane, A Coruña #díainternacionaldosmuseos2016 - I Feira da Arte na Rede, Xardíns Museo Provincial, Lugo (lead by Iskoö Gallery) #díainternacionaldosmuseos2016 - Unidade mínima, Centro Joan Miró, Móstoles, Madrid, April-May (selected exhibition proposal with Rosa Neutro) - Group exhibition, Ara Arte Gallery, Madrid, March-April - Cuarto Público Contemporary Art Fair #PLATAFORMA, Santiago de Compostela, March (selected work) - Sobredosis 2016, curated by: Adriana M. Berges + Raquel Moraleja, Despliegue Art Space, Madrid, Feb-March (selected work & portfolio) - Camiños ó bo trato, AFundación, Vigo (Pontevedra), Feb 219

- Online group exhibition ARCOTANGENTE:::: warpaintings: reykjavík, mon amour, Feb - TransformArte 2015, VIII Certamen Nacional, Fund. Caja Rioja, Dec 2015- Feb 2016 (selected work) Centro Fundación Caja Rioja-Bankia Arnedo (La Rioja) Dec 2015- Jan 2016 Centro Fundación Caja Rioja-Bankia Gran Vía, Logroño (La Rioja) Feb - Exposición de fotografía solidaria, Singulario, Santiago de Compostela (A Coruña), Dec 2015 - Jan 2016 - [fóra] de LUGAR, Tenda - Galería O Faiado, Ribeira, A Coruña Dec 2015 -Jan 2016 - Blanca Soto Gallery Art Contest "Aquí y Ahora" Les délincuants de l'inutile. Utopie", Madrid, Dec 2015 -Jan 2016 (selected work) 2015 - You are new to the mountain, SIM House Gallery, Reykjavík, November - Fig Bilbao, Art Contest "El papel Atlántico de las tentaciones", Palacio Euskalduna, Bilbao, Nov(selected work) - ¿¿BUFF?? SIM House Gallery, Reykjavík, October - Did your see them? SIM House Gallery, Reykjavík, September - XVIII Bienal de Cerveira, Vila Nova de Cerveira, Portugal, July - Sept (selected work) - Olladas na rúa, Xardíns de Valle-Inclán, Pobra do Caramiñal, A Coruña, 05/09/15 - Entre mares, Centro Cultural Lustres Rivas, Ribeira, A Coruña, July - Sept - Art Contest: Como en casa Espacio de experimentación artística La Salita, Gijón, July - August (selected work) - Artemar 2015, Ribeira, A Coruña (Tenda-Galería O Faiado) 20-23 August - Visions 22.23/08 - Cidade Vella, A Coruña - project your project, August - Arte x amor, exposición y subasta solidaria de arte, #MarzoSaudeSolidario, Iskoö Gallery, May, Lugo - Del individuo al paisaje: ruinas de la memoria, CITa Centro de Interpretación das Torres Arzobispais #díainternacionaldosmuseos2015, May, Pontevedra - ¿Hacia dónde va el cine? - Selected Collective Project, May, Fene, A Coruña, Photography Contest :Adriano, sesión continua - II ARTE POSTAL: POSTDATA: ESPERANZA, RECUERDA Museo de la Universidad, Murcia, Feb - Exposición Arte do Barbanza, Museo do Gravado de Artes - Ribeira, A Coruña Nov - Jan - XXVI CONCURSO NUEVOS CREADORES BENIDORM 2014 - Espai d'Art del Ayuntamiento Benidorm, January (selected work) - Standarte, acción solidaria con "Adriano, Sesión Continua" Ferrol, A Coruña Dec - Jan - In the name of Art, Espacio Occidente Diseño y Comunicación, Ferrol, A Coruña Dec – Jan

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2014 -

Art Contest: Paisaje, Espacio de experimentación artística La Salita, Gijón, Oct - Nov (selected work) Memoria intermitente. discontinuidades paralelas, Atlántica Centro de Arte. A Coruña, Sept-Oct(catalog here) Muestra Miniatura Plaza Fátima, San Pedro Garza García, Nuevo León, México, August (selected work) De fibra sensitiva, Tenda-Galería O Faiado, Ribeira, A Coruña August (catalog here) Artemar 2014, Ribeira, A Coruña (Tenda-Galería O Faiado) 21- 24 August Visions 17/08 - Cidade Vella, A Coruña - project your project, 17/08/14 The Startists Club - Local Disponible.

Proyecto de ocupación artística, Santiago de Compostela, A Coruña, June-July (web) XIX Mostra ArtXove, Casa da Cultura, Pontedeume (A Coruña) April NosotrAs, ArtistAs, Festival MIRADAS DE MUJERES 2014, LaSalita, Gijón, March CROMÁTICA III BIENAL DE PINTURA JOVEN, Casa da Xuventude, Ourense, March memoria intermitente. conversas dende á ruina II. Liceo de Noia (A Coruña) March arte x amor, exposición y subasta solidaria de arte,II Jornada Solidaria #MarzoSaudeSolidario, Iskoö, Lugo, March (A)live cinema! - Festival por Amor al Arte. Espacio Extramuros, A Coruña Feb. TransformArte 2013, VI Certamen Nacional, Fund. Caja Rioja, Dec 2013- Jan 2014 (selected work) CaritArte, Auditorio Municipal, Vilagarcía de Arousa, Pontevedra, December 2013- January I ARTE POSTAL: POSTDATA: ESPERANZA, RECUERDA December 2013- January 2014 Facultad de BB.AA de Granada (ask book-catalog here) XXV CONCURSO NUEVOS CREADORES BENIDORM 2013 (selected work) Espai d'Art del Ayuntamiento Benidorm, January

2013 -

XVIII Mostra ArtXove, Casa da Cultura, Pontedeume (A Coruña) March-April "BarbantiArte" Museo del Grabado de Artes, Ribeira (A Coruña) June-July CONVOCATORIA: ARTE URBANO. La Salita, Gijón, 29th August- 26th September (selected work) Memoria intermitente. conversas dende a ruina I Auditorio de Cangas, Pontevedra, October 2012 CROMÁTICA II BIENAL DE PINTURA JOVEN, Casa da Xuventude, Ourense, Spain PARALLAXES, curated by Laura Norman, Nollia's Gallery, London, UK Protest Art: a banner, KU London, UK TRAZA URBANA. visiones de un hogar público, A Coruña Sept to Oct Sargadelos Gallery. A Coruña Nov to Dec Sargadelos Gallery. Santiago de Compostela 221

2011 - ARTENCIÓN Casal de Ferreirós, Pontevedra

SOLO exhibitions 2015 -

Reykjavík, mon amour, La Doce, Boiro (A Coruña) Dec Pinturas de guerra, Centro Social, Boiro (A Coruña), Sept Elia Nuñez (2010 - 2015), Iskoö Gallery, Lugo, June - July #warpaintings. pinturas digitales, Casa Museo María Pita, A Coruña March - April #WARPAINTINGS, Tenda - Galería O Faiado, Ribeira, A Coruña Feb – March

2014 -

@presents. taller creativo NO IMPORTA. A Coruña. Oct - Nov Warpaintings, debuxando co celular, O rincón, Cangas do Morrazo (Pontevedra) May PRESENTS Espacio de experimentación artística La Salita, Gijón, Jan 2014 COLOR, COLORE, COLORI Dec 2013 - Jan 2014 arTeu program.Centro Oncolóxico de Galicia, A Coruña & Clínica Aiema, Santiago de Compostela, Feb-March.

2013 - Krise vs. κρίση - 39 INSTANTES

Jan to Feb Rei Zentolo, Ribeira (A Coruña)

2012 - January to May O gato cósmico, Santiago de Compostela

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2011 - November: Calderón, Santiago de Compostela - December: Matrioska, Ela Diz, Bs Artesanía, Santiago de Compostela

AWARDS & SELECTIONS 2016 - Cuarto Público Contemporary Art Fair #PLATAFORMA, Santiago de Compostela, March (selected work) - sobredosis 2016, curated by: Adriana M. Berges + Raquel Moraleja, Despliegue Art Space, Madrid, Feb-March (selected work & portfolio) 2015 - TransformArte 2015, VIII Certamen Nacional, Fund. Caja Rioja, Dec 2015- Jan 2016 (selected work) - Blanca Soto Gallery Art Contest "Aquí y Ahora", Madrid, Dec-Jan (selected work) - Fig Bilbao, Art Contest "El papel Atlántico de las tentaciones", Palacio Euskalduna, Bilbao, Nov(selected work) - XVIII Bienal de Cerveira, Vila Nova de Cerveira, June - Sept (selected work) - XXVI CONCURSO NUEVOS CREADORES BENIDORM 2014 Espai d'Art del Ayuntamiento Benidorm, January (selected work) 2014 - The Startists Club - PREMIO NH COLLECTION SANTIAGO 28,29,30 Nov , Santiago de Compostela - Contemporary Art Fair - CUARTO PÚBLICO - CONVOCATORIA: PAISAJE. Espacio de experimentación artística La Salita, Gijón, Oct - Nov (selected work) - Muestra Miniatura Plaza Fátima, San Pedro Garza García, Nuevo León, México, August (selected work) - XXV CONCURSO NUEVOS CREADORES BENIDORM 2013 (selected work) Espai d'Art del Ayuntamiento Benidorm, January 2013 - TransformArte 2013, VI Certamen Nacional, Fund. Caja Rioja, Dec 2013- Jan 2014 (selected work) 223

- CONVOCATORIA: ARTE URBANO. Espacio de experimentación artística La Salita, Gijón, 29th August- 26th September (selected work) 2011 - Architectonical Contest - Second position: Concurso de Redacción del Proyecto y Ejecución de Obra del Centro de Interpretación del entorno fluvial del Chelo, convocado por la Diputación de A Coruña.

EDUCATION - BA + MA Architecture at European University of Madrid completed 2007 - Bachelor of Arts (BA) Fine and Studio Arts at University of Vigo completed 2012 started at University of Vigo finished at Kingston University Faculty of Art, Design & Architecture, London

PUBLICATIONS -

Pinturas de guerra. Elia Nuñez Barez / ISBN: 978-84-608-6057-0 Adriano, sesión continua // pp 36-39 ISBN 978-84-9812-279-4 Legal Deposit C1507-2015 Elia nuñez (2010-2015) / ISBN: 978-84-608-2081-9 Olhar o passado construir o futuro / Looking at the past to build the future XVIII Bienal Cerveira 2015 pp 168 ISBN 978-989-98515-I-I Entre mares / exposición colectiva de arte local e galega // pp 58 ISBN 978-84-608-1403-0 Please join us for ArtXove 2014 // pp 52 Legal Deposit C 480-2014 Mav / mujeres en las artes visuales / women in the visual arts // pp 109 Legal Deposit SA 64-2014 Postdata: Esperanza, Recuerda. Mail Art Collection pp 111 Legal Deposit: BI-938-2014 ISBN 978-84-938010-8-3

ARTIST RESIDENCIES - SIM Residency 224

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CRISTINA SPINELLI Villasequilla, 1993. Vive y trabaja en Madrid. http://cristinaspinelli.com/

Educación 2011/16 - Grado en Bellas Artes, CES Felipe II (UCM), Aranjuez, Madrid · 2011 - North Nova Education Center, New Glasgow, Nova Scotia, Canadá

Premios y becas

2016 – Residencia en Tabacalera Estudios. Tabacalera Promoción del Arte, Madrid (próximamente) - Residencia A Quemarropa, Alicante · 2015 - Finalista Beca La Máquina. Escuela La Máquina, Madrid

Exposiciones individuales 2016 - MEMORY IS A SOFTWARE, Espacio Despliegue, Madrid (en colaboración con Álvaro Chior) - An exhibition, Espacio Despliegue, Madrid (en colaboración con Álvaro Chior)

Exposiciones colectivas 2016 - Festival PAN, Morille (Salamanca) y Carviçais (Portugal) (próximamente) 2015 - Festilab. Un año en un día. Muestra colectiva, Medialab-prado, Madrid - Aquí y ahora. Les délinquants de l’inutile. Utopie, Galería Blanca Soto, Madrid 226

- HUÉRFANAS, COLONIZADAS, BASTARDAS. Prácticas artísticas en conflicto, Centro Isabel de Farnesio, Aranjuez, Madrid - ¿NO ACTOS!, Esta es una Plaza, Madrid

Otros proyectos 2016 - Desarrollo de proyectos colectivos . Intermediae, Matadero, Madrid · 2015/16 - Investigación en fotografía, vídeo y nuevos medios. Medialab-prado, Madrid

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MIRIMARI VÄYRYNEN Helsinki, Finlandia, 1975 https://www.works.io/mirimari-annika-vayrynen/

FORMACIÓN ACADÉMICA Universidad Aalto Helsinki, Facultad de Bellas Artes, MA, 2013 Academia de Arte Universidad de Turku, Finlandia, BA, 2001 Escuela Nacional de Arte Joaquim Tejada, Santiago de Cuba, Cuba, 1997-1998 Preuniversitario en la especialización de arte, bachiller, 1995 INDIVIDUALES |selección 2015 2014 2013 2013 2012 2019 2008 2007 2006 2004 2001 1998

PB-15,PY-42,PY-37,PW6. Helsinki, Finlandia. Galería Muu Kaapeli Dialective. Quebec, Canada. LʹOeil de Poisson, studio Era. Berlín, Alemania. Galería Pleiku Terra Cenizada. Madrid, España. Centro Cultural Villa de Móstoles Locus. Porvoo, Finlandia. Sala de Arte Contemporáneo Tuhkaantunut maa. Helsinki, Finlandia. TM Galería Fragmento. Helsinki, Finlandia. Galería Huuto.

Terra. Lahti, Finlandia. Sala de Arte, Taidepanimo Mitad Doble. Málaga, España. Centro de Arte Contemporáneo. CAC, intervención en sala de actos Hilipatiheijaa. Helsinki, Finlandia. Galería Pirkko-Liisa Topelius Privado.Helsinki, Finlandia. Studio Mezzo Bäng, Bäng! Helsinki, Finlandia Galería Jangva2001 Arriba, Abajo Turku, Finlandia. Museo de Arte Wäinö Aaltonen Entre Mares. Santiago de Cuba, Cuba. Galería Elvira Cabel

CERTAMENES |selección 2016 Zone de libres échanges. Baie Saint-Paul, Quebec, Canada. Musée d´Art Contemporain 2015 Aquí y Ahora. Madrid, España. Galería Blanca Soto Symposium D´Art Contemp. Baie Saint-Paul, Quebec, Canada. Arena 229

Guasch Coranty. Barcelona, España. Tecla Sala 2014 11.12. ja 13. Mostra A Coruña, España. Museo de Arte Contemporáneo New York Now! New York, Estados Unidos. Factory Art Harlem 2013 CASA//ARTE, A. Colección. Madrid, España. CentroCentro Encuentros con Arte Contem. Alicante, España. MUA Museo de la Universidad de Alicante Concurso de artistas. Mäntyharju, Finlandia. Centro de Arte Salmela 2012 SKjL. Hyvinkää, Finlandia. Museo de Arte de Hyvinkää War or Piece? Lappeenranta, Finlandia. Museo de Arte de Karelia de Sur 2011 XIV certamen Brocense Cáceres, España . Sala el Brocense TransformArte Arnedo, La Rioja, España. Centro Cultural Caja Rioja 2010 KIC- Nord Art. Büdelsdorf, Alemania.Festival Internacional de Arte Arte de Mujeres. Sevilla, España . Pabellón de Perú 2009 ArsKärsämäki. Kärsämäki, Finlandia. Concurso de Artistas Jovenes 2008 MalagaCrea. Málaga, España. Centro de Arte Contemporáneo Cemento Verde, Manilva, España. Proyecto en edificios de VPO El Arte de Habitar. Málaga, España. Diputación de Málaga 2006 Art of Analyste -01, -04, 2006. Helsinki, Finlandia. Cable Factory y Sala Sanomatalo 2003 Young 2003. Helsinki, Finlandia. Kunsthalle Helsinki,Taidehalli 1995 Artistas de Finlandia. Kerava, Finlandia. Museo de Arte de Kerava COLECTIVAS |selección 2015 Vanhalla postitiellä/Lintitorni. Mietoinen-Turku, Finlandia 3–day performance 2014 Remapping the zoo/Lintitorni. Helsinki,Finlandia. Grey Cubes Gallery, Korkeasaari ANTERO.Turku, Finlandia. Galería Å Al Viento. Archipelago de Porvoo, Finlandia. Farola de Söderskär 2011 Arte Gira Moving MECA. Almeria, España. Mediterráneo Centro Artistico 2010 Desigualdad. Helsinki, Finlandia. Galería Rantakasarmi AHNE, Tallin-Helsinki. Helsinki, Finlandia. Centro Cultural Suvilahti 2009 Preliminary Investigation. Tallin, Estonia. Prisión de Patarei Reciclaje. Riihimäki, Finlandia. Museo de Arte de Riihimäki Según la Naturaleza. Helsinki, Finlandia. Centro Cultural Kanneltalo 2008 Madrigueras . Málaga, España . Centro Civico El Arte Invasor. Málaga, España. Palacio Crópani Anonymous Drawings -07, 2008, Berlin, Alemania. Kunstraum Kreuzberg 2007 Dibujo Porvoo. Finlandia. Sala de Arte Contemporáneo Dibujo. Turku, Finlandia. Galleria Köysirata 230

2006 2005 2001 1997

Estación de Mujeres. Helsinki, Finlandia. Galería Rantakasarmi Minimi. Kokkola, Finlandia. Museo de Arte K.H. Renlund Baba Projeckt. Sfatu Gheorghe, Rumania. Casa de Cultura Municipal Ruta del Arte, -04,-03. Málaga, España. Acontecimiento urbano Pintores finlandeses. Budapest, Hungria. Galería Volsbank, Bartok 32 Y Galería Karinthy Szalon Pintores finlandeses. Balatonalmadi, Hungría. Padlas Gallery Graduación. Turku, Finlandia. Galerie Forsblom Performance . Turku, Finlandia. Galería Titanic

RESIDENCIAS Symposium d´Art Contemporain, Baie Saint-Paul, Quebec, Canadá, 1 mes, 2015 Fundación Kone, Saari Residencia, Mietoinen, Finlandia, 2 semanas, 2015 La Méduse, LʹOeil de Poisson, Quebec, Canadá, 6 meses, 2014 Helsinki International Art Program HIAP, Suomenlinna, Finlandia, 2 meses, 2014 Galería - Residencia Pleiku, Berlin, Alemania, 1 mes, 2013 Fundación Kone, Saari Residencia, Mietoinen, Finlandia, 2 meses, 2013

PREMIOS Y MENCIONES Premio adquisición de la obra, Encuentros con Arte Contemporáneo, MUA, Alicante, España, 2013 Premio adquisición de la obra, XIV Certamen Brocense, Diputación de Cáseres, 2011 1º premio, Arte de Mujeres, Junta de Andalucía, Instituto Andaluz de la Mujer, 2010 1º premio, Madrigueras, Concurso Internacional, Diputación de Málaga y Emprovima, 2008 2º premio, Málagacrea, Concurso de Creadores Jovenes, Ayuntamiento de Málaga, 2008 Mención de honor, Cemento verde, Concurso Internacional de Arte Medio Ambiental, Diputación de Málaga y Emprovima, 2008 Premio adquisición de la obra, Art of Basware, Concurso de Artistas Jóvenes, Finlandia, 2006

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BECAS Fundación Kone, Finlandia, (beca de residencia de grupo), 2015 Fundación de Cultura de Finlandia, (beca de trabajo artístico, 2015 Centro de Promoción de Arte de Finlandia, (beca de trabajo artístico), 2014 Centro de Promoción de Arte de Finlandia, (beca de trabajo artístico en Canadá), 2014 Centro de Promoción de Arte de Finlandia, Uusimaa, (beca de trabajo artístico), 2014 Centro de Promoción de Arte de Finlandia, (beca de viaje de exposición), 2014 Frame Finland, (proyecto internacional), 2013

COLECCIONES MUA Museo de la Universidad de Alicante, España Diputación de Cáceres, España Auyntamiento de Málaga, España Emprovima, Málaga, España Centro de Arte Salmela, Finlandia Martela Oyj, Finlandia Analyste ltd (Basware), Finlandia

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JESUS ZURITA VILLA Córdoba 1990

PUBLICACIONES - Ilustración de la Revista Panacea. TREMÉDICA. Asociación de traductores de medicina. Mayo de 2013.

- Cartel y diseño corporativo V Congreso Internacional ESLETRA. El español, lengua de traducción. Instituto Cervantes de Nueva York. 2014 - Proyecto Imago mundi. Spain. Fundación Benetton. 2014.

EXPOSICIONES -

Sunset. (Intervención) Scarpia IV El Carpio 2006.

Máscaras. (Colectiva). Escuela de Arte Mateo Inurria. Córdoba. 2007.

Interpretación de la obra BURRO GRANDE de Fernando Sánchez Castillo. Palacio Ducal. El Carpio 2009.

VII Muestra de Arte Joven Priego de Córdoba.(Cólectiva). 2010.

Finalista VIII Premio de Pintura Paul Ricard. Sevilla. 2011.

Estado Crítico. (Colectiva) Facultad de Bellas Artes.Sevilla 2012.

I Jornadas Arte Contemporáneo Z. Exposición transiciones. (Colectiva) Montalbán de Córdoba. 2012.

I Salón de las Vanidades: Vida y Muerte. Museo de historia de El Carpio de Córdoba (Colectiva). 2012.

Presencias Imprecisas. (Individual) Espacio GB. Facultad de Bellas Artes, Universidad de Sevilla. 2013.

Bienal de Arte Jove. Academia de Bellas Artes de Sabadell. 2013. (Colectiva) XXXIV Certamen Nacional de Artes Plásticas Ciudad de Utrera. Sevilla. 2013. (Colectiva.)

II Salón de las Vanidades: Barroco Nuevo. Museo de Historia de El Carpio de Córdoba (Colectiva). 2014.

MAE. Muestra de Arte Emergente. Casa de la Juventud de Córdoba. (Colectiva) 2014.

La Mesa camilla: Espacio caliente. La Sala de Blas. Archidona. Málaga. (Colectiva) 2014.

Made in Spain, periplo por el arte español de hoy. CAC Málaga. (Colectiva) 2015.

Spain, identity/modernity. Proyecto Imago Mundi de la Fundación Luciano Benetton, Fundación Giorgio Cini.

Venecia. (Colectiva) 2015

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Presentación del libro de la edición anterior Aquí y Ahora “Fraud”

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Ediciones AquĂ­ y Ahora 2012 2013 2014 2015 239

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AIR info@airplace.org www.airplace.org

AlmadĂŠn, 13 28014 Madrid T + 34 91 402 33 98 F + 34 91 360 09 82 galeria@galeriablancasoto.com www.galeriablancasoto.com 242