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No 4

Febrero 1

la mente maestra:

Jean-Jacques HABÍA UNA VEZ:

JEAN-LOUIS COMOLLI Y SU CINE MONSTRUO del papel a la pantalla:

tokio blues EL REMAKE:

SANGRIENTO SAN VALENTÍN

EL AMANTE: UN TESORO FÍLMICO DE ANNAUD

Editorial

Contenido En portada: El amante El cine también se escucha: Dolly Parton

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Del papel a la pantalla: Tokio Blues

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Tesoros fílmicos: El amante

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La mente maestra: Jean-Jacques Annaud

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Maestros del terror: Shutter

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El remake: Sangriento San Valentín

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Había una vez: Jean-Louis Comolli

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Top Five: Las películas cursis más repetidas de la historia

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En cartelera

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“Amor” es una de las palabras más gastadas en la historia de la humanidad. Con el “amor” como pretexto se cometen los actos más atroces y se llega a las situaciones más absurdas. “El sentimiento lo es todo, el nombre es sólo humo que nubla la celeste llama”, al menos eso era lo que planteaba Goethe. Sin embargo, las personas continúan usándolas de forma indiscriminada hasta el punto en que éstas carecen de significado. Mas, existen formas ineludibles de expresar el tan mencionado “amor” que no requieren del uso de las palabras. La poesía, la música, la literatura y el cine se han encargado de crear una amplia gama de expresiones en torno al tema, y como el 14 de febrero se aproxima, no podíamos dejar pasar la fecha para hacer un recuento de una serie de películas y directores que han dedicado sus trabajos a plasmar una de las emociones más complejas que existen.

Desde Marguerite Duras con su libro L´amant, JeanJacques Annaud y la adaptación de éste, el top five de las películas más cursis y repetidas de la historia, hasta las macabras obras de Banjong Pisanthanakun, este número de Super 8 presenta el amor en todas sus formas y expresiones cinematográficas.

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Número 4 Editor: Azucena Mecalco Arte y Diseño: Evelin Montiel, Azucena Mecalco Redactores: Evelin Montiel, Azucena Mecalco, @Amaury1984 Diseño Web: Evelin Montiel México Distrito Federal 01 de enero de 2013

El cine tambiĂŠn se escucha

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Dolly

H

Parton

ay cuatro grandes canciones que todo fanático de las películas cursis y espantosas recuerda con gran emoción. De hecho no sólo estos curiosos personajes que aman devotamente las comedias y dramas románticos.

En realidad, montones de comediantes las han tomado como icono de la parodia.

después de reunirse con su amante invisible va a estamparse en un camión al ritmo de Iris de los Goo Goo Dolls? O ese eléctrico instante en el que Whitney Houston le canta a un rostro en el fondo de la escena I Will Always Love You. La cantautora de esta última melodía es el tema de este artículo. La veterana e hiperestirada Dolly Parton.

Quién no recuerda ese patético momento en el que Demi Moore moldea barro con su amante ahí arrimado al ritmo de Unchained Melody de lo Righteous Brothers.

Ese momento en el que Leonardo DiCaprio y la regordeta Kate Winslet se trepan a la Proa del S.S. Titanic mientras Celine Dion entona My Heart Will Go On; y que sospecho fue la causa real del hundimiento del famoso trasatlántico.

Hay pocas cosas en el mundo del entretenimiento que Dolly no haya hecho; probablemente porno... aunque no tengo como confirmar categóricamente eso. Es conocida como la Reina del Country. Canta, es compositora, actriz, productora, escritora y además empresaria y mascota oficial del parque de diversiones Dollywood. Es la única mujer que toca la guitarra cómodamente con grandes uñas y apenas el año pasado estaba de gira por los EE.UU.

¿Recuerda usted aquel mágico y súper romántico y.... ¡estúpido! momento en el que Meg Ryan,

La carrera de Parton se remonta

a 1964 a la cuna del primitivo ritmo conocido como Country: Nashville: Tennessee. Lugar al que todo cantante country debía ir en aquellos ayeres para ser escuchado por quien debía escucharte para ser alguien en el mundo de la “banda gringa”. La señorita Dolly brilló desde los inicios de su carrera por el impulso popular de sus canciones, que narraban lo encantador de una vida sencilla, el amor, el desamor y otros ridículos temas que le llegan al alma al pueblo. Como su gran éxito Coat of many colors, que básicamente habla de un abrigo que su madre le hizo con retazos de tela que alguien les regalo y de cómo ella lo vestía con gran orgullo. Todo un deleite de cursilería.

La primera participación de Parton en una banda sonora fue para la película Nine to Five, en la que también participó como actriz. Una comedia de situación en la que tres mujeres fantasean con desaparecer

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nominada, dado que la autora original la había escrito mucho tiempo atrás y ni siquiera es mencionada dentro de lo créditos de la banda sonora.

El éxito de Parton en el mundo del cine vino en 2005 con el estreno de la película Transamerica, un filme aplaudido en festival de Sundance, que narra la historia de un hombre que después de una vaginoplastia recibe la llamada de un joven que afirma ser su hijo para pedirle ayuda. Dolly Parton escribió para esta película la canción Travelin Thru’ (http://m.youtube.com/#/ watch?v=aQXRqWhptPg), que fue presentada durante la entrega de los Premios Óscar y recibió dos

Imagen de la cinta Nine to Five a su jefe. La canción escrita por Parton, que lleva el mismo nombre de la película, narra la joda que la mayoría ha sufrido: una jornada extenuante para terminar con una remuneración que, a la hora de hacer cuentas, no resuelve nada. (http://m.youtube.com/ watch?v=mpKAA2VxWY8) Poco tiempo después Dolly participó en The best little Whorehouse in Texas, una comedia musical en la que la cantante es la madrona de un burdel. En esta película es donde hace por primera vez aparición I Will Always Love You. En 1983 la película fue nominada a dos Globos de oro. Pero ninguno se compara al éxito musical de 1974 de Parton.

Pocas veces, y con esto quiero decir rara vez, los fanáticos del mundo entero llegan a aceptar que el cover de una canción es mejor que la original. Y para el autor no debe ser nada placentero que esto llegue a pasar. Pero en 1992 le paso a Parton.

Durante la pre producción de The Bodyguard muchas damas de la música fueron consideras para el papel de Rachel Marron: Pat Benatar, Olivia Newton-John, Madonna, Joan Jett, Deborah Harry, Janet Jackson, Terri Nunn, Kim Carnes y... ¡Dolly Parton! Pero al final el papel fue Whitney Houston posiblemente por el auge que su carrera tenía en esos momentos. La versión final de I Will Always Love You fue arreglada por el compositor de bandas sonoras Alan Silvestri, quien no pudo regodearse con algún premio de la Academia, aunque sí fue nominado por mejor canción original por otras composiciones para la misma película .

Desde luego la canción más trascendental de la película no pudo ser

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premios de la crítica estadounidense.

Dolly Parton tiene cierto carisma que le ha dado el lugar que tiene dentro de la cultura de los EE.UU. En 2006 le fue otorgado el premio del Kennedy Center a las artes escénicas junto con Steven Spielberg, Smokey Robinson y Andrew Lloyd Webber.

Es probable que usted recuerde Crepúsculo por sus pseudo personajes o Los juegos del hambre, por el romántico final robado de Romeo y Julieta. Pero las grandes baladas han dejado un poco del lado el cine...

Ojalá nunca regresen. Se despide de ustedes: el limón.

Del papel a la pantalla

TOKIO BLUES Por Azucena Mecalco

“Tiempo atrás, cuando todavía era joven y mis recuerdos eran mucho más nítidos que ahora, intenté escribir varias veces sobre Naoko. Pero entonces fui incapaz de escribir una sola línea. Era consciente de que una vez brotara la primera frase, las restantes fluirían espontáneamente, pero ésta jamás brotó. Todo era demasiado nítido, y yo nunca supe cómo moldearlo. El mapa más detallado puede no servirnos en algunas ocasiones por esta misma razón. Pero ahora lo sé. En definitiva –así lo creo–, lo único que puedo verter en este receptáculo imperfecto que es un texto son recuerdos imperfectos, pensamientos imperfectos. Y cuanto más ha ido palideciendo el recuerdo de Naoko, más capaz he sido de comprenderla. Ahora

sé por qué me pidió que no la olvidara. Por supuesto, ella intuía que mi memoria la borraría algún día. Por eso me lo pidió: «¿Te acordarás siempre de que existo y de que he estado a tu lado?».

Este pensamiento me llena de una tristeza insoportable. Porque Naoko jamás me amó.”

Haruki Murakami, Tokio Blues Una mente brillante no puede hacer menos que crear obras brillantes, sea en pintura, cine, música, literatura, etcétera. Haruki Murakami es un de esa mentes maestras capaces de dilucidar, a través de historias que pudieran parecer sencillas, las

más grandes pasiones humanas, los conflictos psicológicos y las historias más entrañables.

El escritor japonés comenzó su carrera con Oye cantar al viento, obra que inscribió en un concurso, resultó ganadora y fue publicada en 1979.El trabajo de Murakami es un basto compendio de libros en los que se resume la complejidad humana general desde un punto de vista subjetivo. Posteriormente, Murakami públicó Pinball, Hitsuji wo meguro Bôken (La caza del carnero salvaje) y Sekai no owari to hadoboirudo wandarando (El fin del mundo y un despiadado país de las maravillas) . Pero no fue si no hasta 1987 que alcanzó una exorbitante fama con su novela Norwegian Wood, mejor conocida como Tokio Blues y editada por Tusquets en 2005.

Tokio Blues cuenta la historia del trágico amor adolescente de Tôru Watanabe, relatado por el mismo protagonista. A través de la narración del personaje se puede ver con claridad la atmosfera imperante en el Japón de los años 60, y su transición a la postmodernidad bajo la influencia de las tendencias occidentales que comenzaban a influir

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Japón. Así mismo, deja ver el análisis del Watanabe maduro acerca de una serie de conflictos personales que le impedían ver con claridad en torno suyo.

El éxito de Tokio Blues se extendió a lo largo y ancho del planeta y el libro fue traducido a diversos idiomas. Su popularidad creció hasta tal punto que era cuestión de tiempo para que algún curioso cineasta se diera a la tarea de trasladarla a las pantallas.

Más de 20 años después de que se publicara la novela, el vietnamita Anh Hung Tran, conocido por la dirección de películas como I come with the rain y El aroma de la papaya verde, emprendió el proyecto para trasladar la historia de Tôru a la pantalla grande.

La noticia generó grandes expectativas entre los fanáticos del libro; más aún cuando se anunció el nombre de los protagonistas. Por una parte se encontraba nada menos

que Rinko Kikuchi, quien acababa de participar en el filme de Iñárritu, Babel, mostrando un gran talento actoral, y que sería la encargada de representar el papel de Naoko. Y por otra parte se encontraba Kenichi Matsuyama: joven actor japonés con extensa trayectoria y un club de fans tan grande que muchos actores occidentales envidiarían. Su nombre ya es signo de éxito en el mundo oriental, y cada una de sus actuaciones es impecable. Además se contaría también con una lista de talentos para el resto de las interpretaciones.

La música no representó un gran problema. La atmosfera de rebeldía universitaria combinada con el ajetreo de los años 60 y las tendencias revolucionarías fueron perfectamente ambientadas por Jonny Greenwood, sin contar con que el libro ya era bastante descriptivo al respecto de la musicalización. La fotografía, plagada de hermosas tomas generales en las que se muestra el paisaje, sin duda contribuía perfectamente a generar la visión de gigantismo exterior que asediaba la mente de Watanabe en la novela.

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La escena principal de sexo no podía verse menos creíble, y es que pese a su gran actuación en Babel, Rinko Kikuchi no fue la mejor Naoko que podía haber tenido la película.

Sin embargo, como en todas las adaptaciones (o en la mayoría de ellas ) siempre existe un “pero”, y en este caso es que la cinta jamás logró capturar la esencia del libro.

Desde luego sería absurdo intentar comparar el filme con la novela, por algo se llama “adaptación”. Y peor sería que los fanáticos buscaran ver la película tal como la imaginaban mientras leían. Para ello cada lector tendría que realizar su propio filme.

Mas, ciertamente y pese a todos los puntos a favor con los que cuenta Norwegian Wood en términos de producción, el guión de la película resultó en una serie de trozos un tanto inconexos que impiden la identificación del público con los personajes. La historia principal se pierde por completo y en ocasiones no sabemos exactamente qué está pasando.

Al final, Norwegian Wood, con todo y su excelente banda sonora, planos generales perfectos, actores de primer nivel e incluso un tráiler prometedor se quedó simplemente en otra cinta para ver y olvidar. Pero si lo que buscas es ver una excelente interpretación de Watanabe mientras escuchas a los Beatles no la puedes dejar pasar.

FICHA TÉCNICA Título: Norwegian no Mori País: Japón Año: 2010 Género: drama/ romance Dirección: Tran Anh Hung Guión: Tran Anh Hung Música original: Jonny Greenwood Actuación: Kenichi Matsuyama, Rinko Kikuchi, Kiko Mizuhara, Reika Ki-

rishima, Kengo Kôra, Eriko Hatsune, Tetsuji Tamayama

Guion: Tran Anh Hung; basado en la novela de Haruki Murakami.

Duración: 133 min

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Tesoros fĂ­lmicos

El amante 8

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Por Evelin Montiel

«É

l tiembla. Al principio la mira como si esperara que hablara, pero no habla. Entonces, él tampoco se mueve, no la desnuda, dice que la ama con locura, lo dice muy quedo.

Después se calla. Ella no responde. Podría responder que no lo ama. No dice nada.

De repente sabe, allí en aquel momento, sabe que él no la conoce, que no la conocerá nunca, que no tiene los medios de conocer tanta perversidad. Ni de dar tantos y tantos rodeos para atraparla, nunca lo conseguirá. Es ella quien sabe.

Sabe. A partir de su ignorancia respecto a él, de repente sabe: le gustaba ya en el transbordador. Él le gusta, el asunto sólo dependía de ella».

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ste fragmento de la obra El amante de Marguerite Duras puede ilustrar a la perfección la esencia de la película de JeanJacques Annaud basada en ese libro.

Seductora, apasionante, dramática y bella fue la cinta que resultó de esta adaptación cuyo argumento se basa en la historia de una joven de 15 años de origen francés, cuya familia está arruinada económicamente. Cuando ella viaja a Saigón en el Mekong para estudiar en un internado de señoritas, en el camino se encuentra con un hombre chino de edad madura que inmediatamente queda flechado por la belleza de la joven.

Inmediatamente entablan una relación cercana cuyo clímax se

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ubica en el momento que ella descubre el poder de su sensualidad y su sexo. Desde entonces su relación se intensifica con encuentros cada vez más frecuentes. A pesar de que él le confiesa su desesperado amor, ella es incapaz de amarlo. Aun así la relación continúa a pesar de que él sabe que el interés de la joven es sólo económico.

francés debido a varios factores: el primero fue la historia de Duras, quien es considerada una de las mejores plumas que posee el país franco. “Desde que decidí hacer la película”, declara el cineasta en una entrevista a un medio francés, “tuve pesadillas en las que el círculo de devotos de Marguerite Duras gritaba: “¡traición, traición!”.

La película representó grandes retos para este cineasta de origen

Pero Annaud quedó tranquilo con el resultado porque la mayor parte de la crítica cinematográfica elogió el filme. El también director de cintas referentes a historias literarias como: El nombre de la rosa, de Humberto Eco, recibió favorables críticas tanto de los especialistas como de los medios más reconocidos, aunque claro, no faltaron las críticas en contra.

Ejemplo de ello es Danièle Heymann, del Le Monde, quien consideró que Ann-

aud logró realizar «una nueva y redonda obra de arte». Publicó en una reseña que la obra fue «fiel e infiel a Marguerite Duras como el amante chino a la muchacha» y añadió que: «Annaud no ha traicionado a nadie y sobre todo no se ha traicionado a él mismo».

El segundo reto consistió en lograr ponerse de acuerdo en el guión con la obstinada y hermética Margarite.

Su relación no funcionó tan bien como la que había sostenido con Umberto Eco durante la adaptación de El nombre de la rosa. Sin embargo consiguió que la escritora modificara algunas cosas en el guión para la adaptación dando como resultado un excelente trabajo.

Y por último el más difícil de todos fue el de encontrar a una chica que encarnara a la joven francesa que describe el libro. Luego de hacer casting a por lo menos siete mil candidatas y rechazarlas a todas, Jean-Jacques encontró a una chica altiva y frágil, tierna y provocadora, inculta y sensual de los suburbios de Londres. En sus 18 años de existencia, la chica de nombre Jane March, tan sólo había ido diez veces al cine y nunca al teatro. No fue hasta después de tres meses de rodaje que la encantadora joven se

convirtió en toda una actriz gracias a Annaud.

El descubrimiento de Jane, le confirió uno de los mayores logros al director, pues se convirtió en uno de los rostros más hermosos y codiciados por el cine de época.

La película El amante ha costado 122 millones de francos, uno de los presupuestos más altos de la historia del cine francés.

FICHA TÉCNICA Título: El amante Dirección: Jean-Jacques Annaud País: Francia, El Reino Unido, Vietnam Año: 1992 Reparto: Jane March, Tony Leung Ka Fai, Frédérique Meininger, Arnaud Giovaninetti, Melvil Poupaud, Lisa Faulkner, Xiem Mang, Philippe Le Dem, Ann Schaufuss, Fotografía: Robert Fraisse Guión: Gérard Brach, Jean-Jacques Annaud

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La mente maestra

JEAN - JACQUES ANNAUD

De Umberto Eco a Marguerite Duras Por Azucena Mecalco

Cuando de películas francesas se trata existen cientos de referencias que hablan no sólo de la calidad estética y visual de las cintas, sino también de la genialidad de su cine en el aspecto argumental. Genios como Jean –Luc Godard han marcado al mundo de la cinematografía mundial y creado nuevos paradigmas en ésta, volviéndose referentes para generaciones enteras de nuevos cineastas.

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Sin embargo, existen otros directores que pese a ser menos reconocidos se han dedicado a aportar un estilo completamente distinto, innovando y fortaleciendo la ya de por sí amplia gama de películas francesas que se perfilan entre las mejores a nivel mundial.

En este número de Super 8 hablaremos de una de esas mentes maestras que pese a contar con una filmografía poco extensa, en comparación con otros directores, ha creado obras que aportan un estilo perfectamente delineado, que contribuye a fortalecer la industria cinematográfica y a mostrar una perspectiva distinta de las plasmadas por sus contemporáneos.

Jean-Jacques Annaud nació en 1943 en Francia.

Pese a realizar estudios en el Institut des hautes études cinématographiques IDEH (Instituto de Altos Estudios de Cinematografía), y estudiar Historia de la Edad Media y del Arte medieval en la Universidad de París, como muchos otros directores, antes de incursionar en el cine como tal, se dedicó a la publicidad.

Luego de realizar su servicio militar en Camerún, Annaud decidió dar paso a su verdadera vocación y finalmente se incorporó a las filas del cine, con una cinta acerca del colonialismo francés en el continente africano y el reclutamiento de nativos motivado por el chauvinismo exacerbado por la guerra.

Este filme no es otro que La victoire en Chantant mejor conocida como Noir et blanc en couleur (Blanco y negro en color). La película fue tan bien recibida que incluso se hizo acreedora a el Óscar por Mejor película de

habla no inglesa en 1976.

A partir de ese momento la carrera de Annaud despegó. Luego de un filme con guión de Francis Veber, que dirigió por encargo y que resultó un tanto menos exitoso que el anterior, llamado Coup de tête (El cabezazo), dirigió La guerre du feu (En busca del fuego), película adaptada por Gerad Brach basada en el libro homónimo de J.H. Rosny.

L a calidad visual de esta cinta con fotografía de Claude Agostini la llevó a obtener múltiples

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nominaciones en diversos festivales que van desde el Premio Saturno a la Mejor película (1982), hasta el Óscar a Mejor maquillaje (1983).

Siguiendo por el camino de las adaptaciones literarias, Annaud emprendió el reto de trasladar al

cine, en 1986, El nombre de la rosa, basada en el best-seller de Umberto Eco. La magia de la película radica en los elementos creativos propios de su estilo introducidos en la cinta y que de alguna forma abandonaron un poco la esencia original de la historia en favor de la comercialización del filme. Sin embargo estos cambios favorecieron al argumento permitiéndole al público que no había leído el libro aproximarse a éste.

Su siguiente adaptación no fue otra que: El oso, en 1988, basada en el libro The Grizzly King de James Oliver. Este filme se caracterizó por la escases de diálogos y la fotografía bien trabajada de Philippe Rousselot. Pero el punto más destacado era que los protagonistas de la historia eran los osos en tanto las personas quedaban relegadas a un plano secundario.

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Pese a la temática ambientalista y la conmovedora historia, El oso no se acercó siquiera al éxito obtenido por sus antecesoras.

A pesar de las críticas, Annaud continuó elaborando trabajos cada vez más polémicos. Y en el año de 1991 realizó su siguiente filmación. Ésta era una adaptación del libro de Marguerite Duras, L´amant.

Aunque la autora se oponía a la versión planteada en el guión de Annaud y Brach, puesto que buscaba algún tipo de fidelidad a las palabras sacrificando la imagen, lo cierto es que la película resultó en una obra entrañable y conmovedora, con excelentes actuaciones y sobre todo con mucha mayor coherencia que el libro de Duras. Los escenarios y la música establecían una atmósfera perfecta para la historia autobiográfica de la autora y su romance con el atractivo chino, interpretado por Tony Leung.

Sus siguientes trabajos entran en una categoría experimental. El pri-

mero de ellos sería: Las alas del coraje, película de ficción pionera en utilizar el sistema IMAX y basada en Antoine de Saint Exupery y Jean Mermoz.

El segundo no es otro que el popular filme protagonizado por Brad Pitt: Siete años en el Tíbet, con el que se ganó el veto del gobierno chino para entrar a ese país. En este tra-

bajo pese a la excelente fotografía y a la popularidad que obtuvo gracias a la actuación de Pitt, se alejó bastante del cine al que nos había acostumbrado mostrando un guión basado en el libro autobiográfico de Heinrich Harrer.Sin embargo fuera de China fue mejor aceptada que sus dos películas anteriores. En cualquier caso Annaud ha generado polémica no sólo en China sino

también en su país.

Las razones son principalmente: sus adaptaciones, en las que suele sacrificar un tanto la idea original de los autores; los grandes presupuestos utilizados en sus trabajos; la prolongación de sus rodajes y sobre todo que la mayor parte de sus filmes son hablados en inglés.

Mas el director de Enemy at the gates (Enemigo a las puertas) asegura que lo más importante es que las películas puedan llegar a la mayor cantidad de gente posible, es decir, abrirse paso en el mercado.

Y aun contra las críticas de otros directores franceses, es precisamente Europa en donde se han recibido mejor sus trabajos.

Annaud es sin duda un director brillante que siempre busca innovar y mantenerse dentro de la industria capitalista que es el cine pero no por ello sus obras resultan menos atractivas.

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Maestros del terror

SHUTTER

Por Azucena Mecalco

Febrero es el mes del amor. O al menos eso es lo que nos han hecho creer las incesantes campañas publicitarias acerca del 14 de febrero.

La popularidad de esta fecha, y la extensa cantidad de rituales que entraña, encantan a algunos y fastidian a otros. Mas ese día de ninguna manera pasa desapercibido. Al salir a la calle contemplamos montones de parejas, con los clásicos globos rojos o las rosas envueltas en celofán, tomándose de la mano y lanzándose miradas ridículas. Las televisoras desde luego no desaprovechan la oportunidad para arrojarnos un arsenal de películas en las que tras una larga espera todo el mundo consigue a su “amor verdadero”. Desde luego los estrenos en el cine siguen la misma línea.

Sin embargo, nunca falta la mente perturbada que decide darle un giro a las historias de amor y utilizarlas como pretexto para crear una terrorífica película, que resulta mucho más entretenida que el resto de los filmes con la misma temática. Eso fue precisamente lo que hizo Banjong Pisanthanakun, director tailandés creador de Shutter.

Esta una excelente película que si bien narra la clásica historia de venganza de un espíritu que no puede descansar en paz, cuenta con un ritmo fluido de principio a fin manteniéndote al borde del asiento.

La trama es sencilla. Luego de una reunión con sus ex compañeros de la escuela, Tun y su novia regresan a casa. En el camino ocurre un accidente. Tun se distrae y atro-

pella a una persona. Aterrado, escapa de la escena. A partir de ese momento extraños fenómenos comienzan a ocurrir en torno suyo hasta llevarlos a un estado de tensión del que no pueden escapar. Desesperados comienzan a buscar una solución al problema siguiendo la única pista que tienen: las fotografías en las que el espíritu se deja ver.

Pero no todo es lo que parece y los extraños fenómenos de los que se ven rodeados tienen un motivo mucho más profundo y oscuro del que Jane se imagina.

Aunque las historias de fantasmas vengativos ya están bastante gastadas, Shutter logra el efecto que muchas otras cintas pertenecientes a la ola del terror oriental no han conseguido. A través del suspenso, crea un ambiente preciso para que hasta las situaciones más esperadas provoquen tensión en el espectador. La película fue tan bien recibida por el público que se convirtió

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en un éxito instantáneo en países como Malasia, Singapur en incluso Brasil. Gracias a su popularidad, en 2008 se realizó un remake de la película dirigido por Masayuki Ochiai, con Joshua Jackson en el papel de Tun. Mas como ocurre regularmente con los remakes de las películas orientales de terror, la versión estadounidense no alcanzó ni por asomo a generar la impresión de la original.

Aunque es cierto que los efectos especiales que utilizaron no son cosa del otro mundo e incluso hay una escena en la que el uso del maniquí se ve descarado; Shutter es una de las mejores películas de terror ori-

ental que se produjeron en la primera década del nuevo siglo. Pese a ser una película centrada en el suspenso, no escatiman en las escenas de apariciones, y con todo y que el fantasma aparece en un 90% de la cinta, el factor sorpresa nunca desaparece.

Por otra parte, las interpretaciones del reconocido actor Ananda Everingham como Tun, Natthaweeranuch Thongmee en el papel de Jane, pero sobre todo Achita Sikamana como el atemorizador fantasma fueron la mezcla perfecta para una historia de amor, suspenso y venganza que te eriza la piel y en la que

si bien no encontrarás la familiar historia del amor bien correspondido que supera las barreras de lo imposible, por lo menos si tendrás 97 minutos de tensión garantizada.

Después de Shutter, Pisanthanakun continúo con la línea del horror y creo otras películas como Alone (2007), en la que nuevamente recurría al estereotipo de fantasma vengativo y a la historia de amor como hilo conductor de la trama de suspenso. Pero ninguno de sus trabajos posteriores a rozado siquiera el éxito de su ópera prima. Así que si este 14 de febrero quieres disfrutar de una romántica historia… Shutter no es para ti, pero no pierdas la oportunidad de verla. Cualquier momento es bueno cuando se trata de un filme de terror con la calidad de éste.

Título original: Shutter Dirección: Banjong Pisanthanakun, Parkpoom Wongpoom País: Tailandia Año: 2004 Duración: 97 min.

Género: Thriller, terror, fantástico

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Reparto: Ananda Everingham, Natthaweeranuch Thongmee, Achita Sikamana, Unnop Chanpaibool, Titikarn Tongprasearth

El remake

Por Evelin Montiel

En temporada de cursilería, obsequios, y amor también puede haber sustos, adrenalina y terror.

Si no me cree, échele un vistazo al remake de este número.

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en la monotonía, contiene escenas de terror que son dignas de ser recordadas, tal es el caso de la muerte de una de las protagonistas en la lavandería, quien muere dentro de una centrifugadora de ropa.

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icen por ahí que este mes es el de la mercadotecnia, pues bien tienen razón y si puede encontrar rosas, globos y chocolates para su pareja también puede encontrar buen cine para pasarla bien.

El 14 de febrero de 2009 se estrenó en los cines de la ciudad una cinta titula Sangriento San Valentín, que anunciaron con bombo y platillo pues fue de aquellas que iniciaron con el boom de la técnica 3D, ofreciendo así mayor emoción para los espectadores. Así que sí, fue todo un éxito en taquilla gracias a los adolescentes que acudían al cine buscando un poco más de adrenalina para el día de los enamorados.

Sin embargo la cinta no fue más allá de una “taquillazo”, ya que el mismo planteamiento flojo de la historia hacía que se perdiera la atención en repetidas ocasiones, sólo alertándonos que la película estaba en la pantalla cuando la magia del 3D hacía que los borbotones de sangre fluyeran hasta casi tocarnos en nuestras butacas. En fin, mucha sangre y poca acción. Al final la mayoría de la gente se fue con una mala impresión de la cinta y no los juzgo pues en realidad es mala. No obstante, pocos saben que esta fue un remake y que la versión original se estrenó en 1981.

Así es, My Bloody Valentine cuenta la historia de un pequeño pueblo

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minero en el que había ocurrió un trágico accidente. Anualmente se celebraba la fiesta del día de San Valentín, y los supervisores de la mina con la prisa de llegar a la fiesta no se aseguraron de que nadie más permaneciera en la mina, por lo que jamás se percataron de que seis personas se quedaron encerradas en ella. Fue así que cinco de ellas murieron y el único superviviente tras la terrible experiencia acabó en un psiquiátrico. Justo un año después, los más jóvenes del lugar han decidido volver a celebrar la fiesta, lo que no saben es que aquél único sobreviviente ha vuelto al pueblo para llevar a cabo su más sangrienta venganza. Así sucede, pues logra matar a los culpables del accidente de la mina y advierte que nunca debe volver a celebrarse San Valentín en la ciudad. Sin embargo, los habitantes del pueblo harán oídos sordos a esa advertencia y luego de veinte años volverán a celebrar esa fiesta, causando la ira del sádico minero quien regresa para tomar venganza nuevamente.

En los años 80 causó revuelo, y se sumó a las otras tantas cintas del género slasher como: Halloween y Viernes 13, donde se presentaba a un asesino con máscara intentando asesinar a un grupo de adolescentes.

Ahora es considerada como una película de culto, que a pesar de tener un deficiente guión y caer a ratos

Sin embargo, muchas de las escenas fueron depuradas o mutiladas al momento de su estreno, debido a que para la Motion Picture Association of America (MPAA), era una cinta en extremo violenta por lo que se le pidió a la distribuidora Paramoun Pictures que recortara cada escena de cada una de las muertes en la película para poder otorgarle una clasificación apenas para mayores de 18 años.

Y no fue hasta 2009 cuando se estrenó el remake, cuando Lions Gate lanzó una versión remasterizada del film canadiense con todos los cortes reintegrados.

Ficha técnica Dirección: George Mihalka.

Productores: John Dunning, André Link, Stephen A. Miller para Canadian Film Development Corporation, Famous Players, Paramount Pictures, Secret Films.

Guión: John Beaird, según argumento de Stephen A. Miller.

Fotografía: Rodney Gibbons.

Música: Paul Zaza.

Intérpretes: Paul Kelman ( Jessie ‘T.J.’ Hanniger), Lori Hallier (Sarah), Neil Affleck (Axel Palmer), Keith Knight (Hollis), Alf Humphreys (Howard Landers), Cynthia Dale (Patty), Helene Udy (Sylvia), Rob Stein ( John), Thomas Kovacs (Mike Stavinski), Terry Waterland (Harriet), Carl Marotte (Dave), Jim Murchison (Tommy Whitcomb), Gina Dick (Gretchen), Peter Cowper (el minero / Harry Warden) País:Canadá Año: 1981.

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Había una vez

JEAN-LO

Y sus el

“La torpeza nunca es muda o ciega.

De modo que el problema ya no es que las personas se expresen, sino de conseguirles vacíos de soledad y de silencio a partir de los cuales tengan por fin algo que decir”: esta es una cita de Gilles Deleuze, utilizada por el escritor, editor y director de cine Jean-Louis Comolli en: Filmar para ver, libro en el que aborda al cine desde su particular perspectiva, como una quimera que se diluye frente a las nuevas posiciones de la industria, y que cuenta con diversas posturas en la lucha eterna entre el cine y el espectáculo. De acuerdo con el teórico, el cine se enfrenta a dos visiones distintas, aquellas que buscan un público pensante y las que pretenden que el espectador se vuelva un ente pasivo.

Comolli nació en Francia el 30 de Julio de 1941. En sus inicios, tuvo la oportunidad de dirigir la revista Cahiers du cinéma, proyecto fundado en 1951 en el que participa-

ron grandes figuras como Jean-Luc Goddard. En esta etapa de su vida, Comolli publicó su Cine e ideología, debate acerca de la historia de la reflexión del cine, que adquirió importancia entre los años 68 y 71.

Al respeto de este tema Comolli declaró en una de sus entrevistas: “lo que me interesa es la historia de la técnica cinematográfica como reveladora de relaciones de fuerza, y lo que está en juego en las búsquedas de sentido y sus relaciones con el mundo.”

Así mismo cuenta con una prolífica carrera como director. Entre sus trabajos más destacados se encuentran: Comme je te veux (1969), La Cecilia (1975), Balles Perdues (1983), y más recientemente: Buenaventura Durruti, anarquista (2000), Rêves de France à Marseille (2003), La dernière utopie: La télévision selon Rossellini (2006) y À voir

OUIS COMOLLI

logios al cine monstruo

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Los trabajos de Comolli, en cualquier área y género del cine, siempre resultan de una pulcritud asombrosa. Sus teorías son un aporte monumental no sólo para el cine documental; sino también para el mundo de la cinematografía en su aspecto más general. Sus tratados sobre lo que ha denominado “cine monstruo”, son un compendio ideas en torno al surgimiento del cine como una mezcolanza de situaciones que permiten entender la naturaleza de éste en busca de la composición perfecta entre la ficción y el documental.

Para Comolli, el cine es una herramienta que funge como vía para co-

absolument:1963-1973 Dix années aux Cahiers du Cinéma (2011), estos últimos dentro del género del documental.

Su carrera como guionista también es extensa. Ha trabajado en este papel tanto en sus propios filmes como en los de otros directores como Luís Galvão Teles.

Como teórico, Comolli, se ha caracterizado por realizar intensos análisis acerca de la evolución del cine en todos sus aspectos y enarbolar severas críticas al estancamiento y la falta de creatividad que lo invade. Su principal área de análisis es el cine documental; pero eso no le ha impedido enfocarse en otros temas como el referente a los dispositivos televisivos.

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nocer la historia de un siglo puesto que de acuerdo con sus propias palabras: “este siglo fue en gran parte dado, moldeado y representado por el cine. Entonces la historia del cine no es la “Historia del cine”, si no es la historia de la relación entre el mundo y el cine.”

La trascendencia de los trabajos de este director francés es tan grande que lo ha llevado a impartir seminarios y conferencias a nivel mundial en las que se refiere a sus tratados sobre el desarrollo del cine y sus múltiples formas. Jean-Louis Comolli es un director que vale la pena no sólo ver, sino también leer y analizar ya sea que estés a favor o no de sus teorías.

Top five

Las películas cursis más repetidas en la historia Por Evelin Montiel

5. El diario de Bridget Jones

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ientos de mujeres seguramente se han sentido identificadas con el personaje de Bridget, una mujer treintañera que trabaja en una editorial y ve cómo sus noches pasan solitarias junto a su sofá, su televisor, su bebida, sus cigarrillos y sus kilitos de más. Pero el personaje es sólo un factor del éxito causado por esta película, pues a pesar de todo, ella logra un romance con su atractivo y codiciado jefe. Lejos de haber encontrado al hombre de su vida, su jefe la abandona por otra y Bridget vuelve a quedarse sola. Es ahí donde aparece el viejo amigo con quien su madre siempre había querido emparejarla: el joven Darcy quien asegura amarla tal y como ella es.

La cinta está basada en el best seller de la inglesa Helen Fielding, quien también participó en el guión adaptado, logrando así una mayor fidelidad en la historia original. Sin duda una de las historias más cursis del mundo cinematográfico al más puro estilo de la comedia romántica del cine inglés.

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4. Un ángel enamorado Aquí una de las cintas más dramáticas de la historia protagonizadas por Meg Ryan y Nicolas Cage, quien hasta entonces se había encasillado en las películas de acción.

City of Angels es un remake de la cinta alemana Cielo sobre Berlín. Desde su estreno se convirtió en un éxito total, pues narraba la historia de una joven doctora quien constantemente se encuentra con la muerte en su quirófano. por lo que Seth, un ángel quien siempre está presente para ayudar a las almas de las personas a cruzar al cielo, se encuentra con ella con bastante frecuencia. Con el tiempo este ser mítico desarrolla sentimientos por la doctora Maggi, quien no puede verlo ni oírlo. Sin embargo los sentimientos de Seth crecen a tal grado que viola las reglas y se deja ver por Maggi en repetidas ocasiones, en las cuales entabla charlas que de un momento a otro hacen que ambos se enamoren. Sin embargo para lograr estar juntos Seth sacrifica sus alas para volverse mortal.

Así se desarrolla esta historia de amor que sin duda hizo llorar a más de uno con su dramático final.

3. Ghost la sombra del amor Aquí una de las cintas más románticas de los 90 y cuyo soundtrack fue uno de los más sobre explotados en los vals de 15 años y bodas desde esa década hasta los dos mil, así que ya podrán imaginar cuánta melosidad contiene esta cinta.

La historia, al igual que City of Angels, emplea el recurso de lo mítico y sobrenatural para unirlo con una historia de amor. El título ya nos da una pista. Se trata de un hombre que vive feliz con su pareja hasta que es asesinado por uno de sus amigos, y así su bella historia de amor queda truncada hasta que descubre se ha convertido en un fantasma, y que por sus “asuntos pendientes” no puede dejar la tierra.

La historia lo tiene todo: romance, drama, acción, comedia y un reparto de primera, entre los que se encontraron Demi Moore, Patrick Swayze y Whoopi Goldberg. Ganó también dos premios de la academia por Mejor actriz de reparto y Mejor guión original. Nos encontramos ante un clásico del cine romántico.

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2. Titanic Si una película ha sido transmitida hasta el hartazgo en televisión, en los cines o bien en la casa del amigo, sin duda ha sido: Titanic. La prueba de ello es que seguro usted lector, la ha visto no menos de 3 ocasiones en distintas espacios y tiempos de su vida.

La historia, magistral, las actuaciones excelentes, de lo demás… bueno usted ya ha oído hablar de ello. Ganó 11 estatuillas de la academia y el reconocimiento y el aprecio mundial gracias al trabajo cinematográfico y a su desgarradora historia. Y su éxito aún continúa, fue en el 2012 cuando se estrenó en los cines una versión remasterizada en 3D. Claro, James Cameron no dejaría pasar la oportunidad de emitir uno de sus más grandes proyectos, esta vez ayudado de la más alta tecnología de la tercera dimensión.

1. Mujer bonita Y llegamos al número uno del top, que lo ocupa nada menos que: Mujer bonita, una de las cintas más referenciadas en el cine y más repetidas en la historia de la televisión, o bien en casa gracias a los reproductores de dvd.

La historia de la cenicienta moderna, fue un fenómeno mundial y habrá que decir también que gracias a ella, Julia Roberts y Richard Gere alcanzaron la fama a nivel internacional. La cinta noventera logró colocarse entre las favoritas del público gracias a las magníficas actuaciones y al excelente soundtrack.

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En cartelera

Por Evelin Montiel

Hitchcock Sin duda es uno de los estrenos más esperados de la temporada para aquellos que son acérrimos fans de este maestro del suspenso, y sobre todo del clásico Psicosis. Así es, esta cinta narra la historia del rodaje de Psicosis, la que se ha convertido en una de sus más grandes y exitosas películas, y de las más influyentes de la historia del cine, así como su extraordinario romance con su leal esposa y colaboradora en la realización cinematográfica, Alma Reville.

El elenco lo integra Helen Mirren, Jessica Biel, Toni Collete, Scarlett Johansson y nada más y nada menos que Anthony Hopkins, quien encarna al legendario cineasta.

Sin embargo, ni este extraordinario reparto, ni la excelente fotografía, ni la audaz dirección de Sacha Gervasi lograron salvarla de las malas críticas, pues a pesar de que en nuestro país el estreno está previsto para el 1 de febrero, en Estados Unidos tuvo su estreno el pasado 14 de diciembre y habrá que decir que no le fue muy bien.

Se consideró plana y monótona. El guión de John J. McLaughlin, basado en el libro de Stephen Rebello, busca hacer de la anécdota una virtud pero no logra atrapar al epectado,r quien a medida que corre la cinta siente menos interés por ella. Otra crítica que pesó ante la película fue la de las caracterizaciones, sobre todo la de Hitchcoock, la cual se consideró poco brillante.

Este tipo de críticas abundan más cuando se trata de interpretar a personajes históricos o de recrear historias que han sido de gran trascendencia en el mundo, pues en ocasiones las consideran inexactas o exageradas. Lo mismo ocurrió en el caso de My week with Marilyn. Sin más, Hitchcock se suma a una de las tantas biopics que ha producido el cine, y que fue recibida de buena y mala manera. Sin embargo es una buena recomendación para verla el fin de semana y que usted mismo juzgue el trabajo que se realizó en el filme.

Mamá Llegamos a la cinta de terror que ha causado sensación en Estados Unidos, y que se sitúa en el primer lugar de la taquilla, delante de algunas cintas nominadas al Óscar. Ésta es una coproducción hispanocanadiense dirigida por el argentino Andrés Muschietti y producida por Guillermo del Toro. Cuenta con las actuaciones de Nikolaj CosterWaldau y la nominada al Óscar y ganadora del Globo de Oro, Jessica Chastain, quienes interpretan la escalofriante historia dos niñas que desaparecen en el bosque el mismo día en que su madre es asesinada.

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Son rescatadas años después y empiezan una nueva vida, para lego descubrir que alguien, o algo, sigue queriendo arroparlas por la noche.

Cabe señalar que la historia está basada en un cortometraje realizado en 2008 por el mismo Muschietti y que encantó tanto a del Toro que fue así como aceptó producir el filme. Así que si usted gusta del trabajo de Guillermo del Toro, debe ver esta película, pues el director se basó en muchos de los elementos utilizados en las cintas del mexicano para realizar Mamá, que es su primer largometraje.

En cartelera Hansel y Gretel. Cazadores de brujas Bien, el título lo dice todo. Nos encontramos ante otro cuento clásico “ligeramente” modificado para el gusto de chicos y grandes.

En esta ocasión a Paramount Pictures se le ocurrió que este par de huérfanos debía crecer y tomar el deseo de venganza y justicia en sus propias manos, así que luego de su encuentro en el bosque encantado donde una temible bruja intentó devorarlos cuando niños, ahora ellos ya bastante crecidos se convierten en cazadores de estos temidos seres para así evitar que su historia se repita.

La cinta es protagonizada por Gemma Arterton y Jeremy Renner, quien estuvo nominado en los premios Óscar por The Hurt Locker, y en Estados Unidos ha sido todo un éxito en taquilla.

Por su parte, Renner declaró que la historia le pareció entretenida, que las modificaciones al cuento original lo intrigaron por un momento pero luego llegó a la conclusión de que era una película para comer palomitas de maíz y entretenimiento, pues al contrario del cuento infantil, la cinta no pretende dar lecciones a nadie.

Así que coincidimos con el buen Jeremy, si usted está aburrido y desea pasar un rato de entretenimiento en el cine acompañado de la pareja o los amigos, ésta seguro es la opción.

Los juegos del destino Esta es sin duda la sorpresa de los Óscares de este 2013 pues cuenta con ocho nominaciones entre ellas: mejor película, mejor actor principal, mejor director y mejor guión. Fue la sorpresa pues a diferencia de las otroras nominadas que desbordan drama, acción, efectos especiales o historias densas, ésta es particularmente ligera, hasta amable podría decirse. El argumento de la historia se centra en Pat, un maestro desempleado que sale de un hospital siquiátrico al que fue a parar por agredir al amante de su esposa a la que encuentra teniendo sexo con el sujeto en la regadera. Lo diagnostican con un desorden bipolar que también sufre su propio padre. Una vez dado de alta, quiere reconstruir su vida, volver a trabajar y recuperar a su mujer, de la que está muy enamorado o más bien, muy obsesionado.

La historia que inicia con toques dramáticos termina siendo una especie de comedia romántica. Sin embargo, es bien rescatada por el gran elenco que posee: Jacki Weaver, Robert de Niro, Bradley Cooper y la nominada al Óscar, Jennifer Lawrence.

Vale la pena ver este interesante trabajo que cuenta con todas las características del cine independiente aunque no lo sea, y así juzgue usted mismo si las ocho nominaciones valían la pena o también se sorprenda como muchos al tratar de deducir ¿por qué tanta nominación?

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