Super 8 No. 139

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Contenido

Editorial

El cine es poesía El hombre y el monstruo 2

Tesoros fílmicos Rabioso sol, rabioso cielo

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La mente maestra Sin señas particulares 10

La caja de pandora Cría puercos 15

Esperamos tus críticas y comentarios en Facebook

En portada Rabioso sol, rabioso cieño (2009)

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n este mes de septiembre vale la pena retomar algunas películas del cine nacional y reflexionar acerca de la construcción de sus estructuras, componentes audiovisuales, avances, desafíos y oportunidades a los que se enfrenta el cine mexicano y que quedan representados por medio de la manera en que los directores trabajan y nos acercan a las historias que se gestan en torno a México.

Super 8 Número 139 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Amaury Hernández, Manuel Pineda, Libertad Pineda.

Arte y Diseño: Azucena Mecalco Ciudad de México Septiembre 2021

Todas las imágenes que aparecen aquí pertenecen a sus respectivos autores, y han sido utilizadas y editadas sin fines de lucro.

El hombre y e L

os años cincuenta fueron una buena época para el cine mexicano. La industria cinematográfica apostaba por todo tipo de historias, aunque la mayoría seguían la tradición del vodevil como estructura, también existieron otras que optaron por dejar de lado los números musicales cantados como movimiento de la trama principal.

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EL CINE ES POESÍA

el monstruo Por Azucena Mecalco En aquellos años se apostó por la comedia, el drama, la tragedia, pero también se incursionó en la ciencia ficción, el thriller o el género policiaco. Se apostó por todo, aunque no en iguales cantidades.

Como parte de esas aventuras alejadas de los clásicos melodramas rancheros, en 1958 Rafael

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Baledón, ya conocido por su actuación en trabajos como Aguila o sol (1939), La sin ventura (1948) y la dirección de cintas del estilo de Gitana tenías que ser (1953), Besos prohibidos (1956) o El tesoro de Pancho Villa (1957), llevó a la pantalla la historia de Raúl Zenteno, adaptada al cine por Raúl Salazar: El hombre y el monstruo.

Con el trabajo de Raúl Martínez Solares, prolífico fotógrafo de la época de oro, y música de Gustadespués de que éste desapareciera del mundo al alcanzar la fama.

Pronto Ricardo se ve envuelto en una misteriosa confabulación que envuelve al músico, a su apática madre además de una serie de asesinatos y desapariciones.

La virtud de este trabajo de Baledón es su capacidad para enarbolar la trama desde el exterior y dejar el texto principal en un segundo plano, revelándose poco a poco hasta ocupar el lugar preponderante de la película, en un paralelismo con la historia del propio músico, protagonista oculto de todo el contubernio.

Además de la música, mezcla de original y preexistente, otra jugada del director fue presentar la transformación del monstruo vo César Carrión, esta película, poco recordada en la actualidad, presentó una faceta distinta en la carrera de Abel Salazar, al mismo tiempo que mostró el coqueteo de los cineastas con las historias de misterio con tintes policiacos y terroríficos.

La trama es conducida por Ricardo Souto (Abel Salazar) un reseñador de espectáculos que acude en busca del famoso pianista Samuel Magno (Enrique Rambal), para conseguir una entrevista sobre sus futuros planes,

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Hyde (1886), en la cual se muestra de forma explicita la bipolaridad de la personalidad humana, no cabe duda que la forma de trabajarla le brindó una dimensión distinta, creíble y adaptable para el contexto en el que se le sitúa.

en directo. De manera que somos capaces de penetrar en cada cambio que sufre el personaje mientras más se adentra en la música que toca.

Vale la pena retomar este tipo de películas para notar que la época de oro del cine mexicano se constituyó con algo más que charros cantores, comedias de situación y melodramas hiperbólicos, y quizá ello brinde esperanza al cine actual para volver la atención sobre ficciones más creativas y menos naturalistas.

Desde luego, en la actualidad, el maquillaje utilizado para la transformación de Samuel Magno en el monstruo puede encontrarse artificioso o exagerado; sin embargo, para el momento de su producción la técnica empleada resultaba efectiva y escalofriante.

Aunque la historia tiene mucho en común con el clásico Strange Case of Dr Jekyll and Mr

FICHA TÉCNICA Título: El hombre y el monstruo Dirección: Rafael Baledón Guion: Alfredo Salazar Fotografía: Raúl Martínez Solares Música: Gustavo César Carrión Año: 1958 País: México Duración: 78 min.

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TESOROS FÍLMICOS

Que sufra el feo

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a tradición surrealista del cine mexicano estuvo comatosa por un buen tiempo durante los 1990. La producción debe haberse limitado a cortometrajes.

Durante los 2000-2010 renació con trabajos liderados por mentes tan variadas como la de Izaac Ezban, Carlos Reygadas y Julián Hernández.

Por @AMAURY1984 Hoy me enfocaré en una película sumamente polémica de Julián Hernández. Un filme ampliamente criticado por la apropiación cultural de la que echa mano para llevarnos por una epopeya Wixárika o Huichol de más de tres horas.

En Rabioso Sol, Rabioso Cielo hay personajes, pero nosotros realmente no los vamos a ubicar

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por nombre o rol. Así que nuestro primer acercamiento es a una mujer que deambula por las cercanías de la avenida Ignacio Zaragoza de la Ciudad de México.

Parece maravillarse con todo lo que ve a su alrededor hasta que cae la noche, entonces podemos ver algo de preocupación. En esas calles solitarias, la mujer se encuentra con un joven de sonrisa contagiosa con el que empieza a caminar. La lluvia los atrapa y el muchacho la seduce para mojarse juntos. Ambos llegan a una vecindad en donde las miradas curiosas entre ellos comunican la aceptación mutua para llevar su jugueteo al terreno sexual.

Esta a grandes rasgos sería la primera secuencia de tres en la que decidí dividir el largometraje (Hecho en celuloide) para su análisis. Los diálogos en la secuencia uno se limitan a algunas voces a las que uno difícilmente puede entenderles.

Un nuevo día inicia y la mujer se asoma desnuda por la ventana.

Ahora la cámara nos llevará por los sinuosos caminos de las vidas de tres jóvenes (uno de ellos presente en la secuencia uno al lado de la mujer) que buscan

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muy a su manera al Amor con otros hombres. Los dos nuevos personajes serán llamados Kieri y Tari, no porque nos lo diga la película en esta secuencia.

Kieri es un joven que se la vive en los baños públicos del mercado cerca de su casa buscando un sencillo desfogue con ayuda de otro caballero. Tari por su parte sigue la misma lógica que Kieri, pero él sí parece estar buscando realmente el amor. Tari no busca rapidines pero sus acciones en

entornos de “ligue homosexual” lo llevan al sufrimiento. Así pues, vemos deambular a Kieri, Tari y al otro muchacho por baños públicos, cines porno y bajo puentes oscuros. Sus búsquedas de placer harán que sus caminos se crucen, pero Tari será rechazado por ambos. El agua en sus distintas apariciones susurrará a los muchachos que busquen en ella al ser amado y tanto Kieri como Tari verán al tercero de estos jóvenes.

El momento cumbre vendrá cuando Tari sea rechazado por ambos en los sótanos de un cine porno y ellos terminen unidos en una secuencia en la lluvia, muy similar a lo visto en la secuencia uno. Tari por otro lado termina en una oscura calle en donde la furia sexual de un sujeto oculto en las sombras lo deja sumamente herido. Ahora todos los personajes se preparan para la secuencia tres, en la que por fin aparece el título de la película Rabioso sol, Rabioso Cielo.

Ahora todo se va a un plano más allá de la ciudad de asfalto, a la sierra mexicana. Tari aprovecha que Kieri duerme y rapta al chico de agua. Al despertar de su sueño Kieri es guiado por la mujer de la secuencia uno, que gracias a la versión con subtítulos podemos identificar ahora como Tatei. Mientras Kieri deambula por la sierra Tari se hace acompañar de un cuerpo inerte que ya no responde. El chico del agua parece haber muerto y Tatei espera que Kieri acabe con Tari y salve al joven.

Si uno se pone algo curioso sobre la cosmogonía Wixárika

podrá notar el uso de los nombres, esto acompañado a un diseño de arte muy precario y unas locaciones que recuerdan la sierra mexicana crean un universo que peca de ignorancia. Y no lo digo porque yo sepa del tema, sino porque claramente no tiene nada que ver con la tradición de que se intenta aprovechar.

Es digna de aplaudir la fotografía en blanco y negro que muestra bellas imágenes. Lamentablemente en algunos momentos el “montaje”... del filme pues, estropea el trabajo dejando ver errores como la carpa para evitar el sol o que los actores se quedan sin aire a media secuencia submarina.

Julián Hernández nuevamente se toma su tiempo (como en la insoportable Yo soy la felicidad de este mundo) para deleitar (o no) a su audiencia con desnudos explícitos que no dejan mucho a la imaginación y que no construyen historia.

Rabioso Sol, Rabioso Cielo es un ejercicio más estético que de contenido que hace uso citadino de tradiciones para imprimir surrealismo a algo tan trivial como el ligue clandestino.

FICHA TÉCNICA Título: Rabioso Sol, Rabioso Cielo.

Escribe y dirige Julián Hernández Perez.

Cinematografía: Alejandro Cantú.

Edita: Emiliano Arenales Osorio Musicaliza: Arturo Villela Producen: Roberto Fiesco, Daniel Alonso, Lesly Gómez y Salvador Reyes.

Protagonizan: Guillermo Villegas, Giovanna Zacarías, Javier Oliván, Jorge Becerra y más.

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LA MENTE MAESTRA

Por Manuel Pineda

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éxico es un país extenso, tiene un territorio de aproximadamente 1,964,375 km2, con zonas geográficas diversas, climas variados: mar, desierto, selva, jungla, dos cadenas montañosas inmensas, bosques e inmensos ríos que atraviesan el territorio; por lo tanto, tenemos un número incalculable de fauna que habita en el terreno y, con los más de ciento veinte millones de habitantes que hay en el país, es sin duda alguna una nación con fenómenos sociales contrastantes.

En los últimos 30 años, en México, se han denunciado las desapariciones de miles de personas.

Durante los años 90, cuando era un infante, recuerdo mucho que en los noticiarios mencionaban a las muertas de Juárez, una serie de feminicidios y desapariciones de mujeres que sucedieron en Ciudad Juárez, en el Estado de Chihuahua. Ya en el inicio del Siglo XXI, se inició la guerra contra el narcotráfico, creando otra ola de víctimas y desapariciones, principalmente en las zonas donde había mayor presencia

de organizaciones criminales.

En los últimos años fue tanto el aumento de desaparecidos que la sociedad civil se empezó a organizar a través de asociaciones, colectivos, organizaciones no gubernamentales, para buscar a sus desaparecidos, obtener justicia y obligar al Estado mexicano a que reconozca la desaparición forzada.

Este desafortunado fenómeno social ha tenido un gran alcance a través de las diversas denuncias, que se han transformado en dis-

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quien además es coguionista junto a Astrid Rondero, ambas ya tienen trayectoria de colaborar en equipo en producciones anteriores; sin embargo, es la ópera prima de Valadez, aunque ha producido varios cortometrajes.

tintas formas de expresión para a la industria cinematográfica desahogar la frustración por no mexicana que apuesta por proencontrar a sus seres queridos. yectar estos fenómenos sociales Una de estas transformaciones ha llegado a la cinematografía nacional, ya que hay una tradición en la industria cinematográfica mexicana que toca esta temática, la mayoría pertenecientes al genero documental como La libertad del diablo, Ni vivos ni muertos, Ayotzinapa El paso de la tortuga, Ayotzinapa 26, No sucumbió la eternidad, Olimpia, Rojo Amanecer, entre otras, dándole voz e imagen en movimiento a todos aquellos que han desaparecido y no regresan.

En este año, 2021, se estrenó una película que toca la temática de la desaparición forzada, pero se aleja del género documental para enseñarnos el tema a través de la ficción, siendo esta una perspectiva novedosa respecto

más allá de la denuncia tradicional a través del documental.

Sin señas particulares es una película mexicana dirigida por la cineasta Fernanda Valadez,

La película trata sobre Magdalena, una campesina, quien busca a su hijo menor de edad, que se convirtió en migrante para entrar ilegalmente a territorio estadounidense, negándose al informe oficial de que su hijo ha sido asesinado en el trayecto a su destino.

Magdalena es interpretada por Mercedes Hernández, quien

tiene una trayectoria variada como actriz, ha participado en el teatro, la televisión y la cinematografía, desde papeles secundarios o cortos hasta protagonista como en este caso. Su interpretación en Sin señas particulares la realiza de forma natural, a tal grado que, si no la ubicas por sus trabajos previos, por un momento crees que es un civil sin experiencia en la actuación y que por eso se desenvuelve de forma fluida a través de la pantalla.

Aunque la película tiene como argumento un tema que ha sido explotado a través del documental, la diferencia sustancial es el tratamiento que le da a través de la ficción, creando una separación abismal a la tradición de la industria mexicana

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cinematográfica que le apuesta más al documental por la manufactura barata de su producción.

Fernanda Valadez hace un buen trabajo al dirigir esta película, siendo su primer largometraje, aunque es un gran paso le sigue faltando algunos elementos dramáticos para fortalecer la historia, ya que con una hora treinta cinco minutos de duración, no sientes alguna amenaza latente en contra de Mercedes al menos durante la primera hora, lo cual se volvió cansado para mí porque una vez que entiendes la desesperación por la búsqueda de su hijo y la falta de herramientas gubernamentales que la apoyen en su dolor, no hay más para contar, tal vez por esa razón las guionistas decidieron anexar la historia de otro sujeto activo de otro fenómeno social conocido como deportación: la historia de Miguel, un chico que fue deportado de Estados Unidos de América, y se encuentra con Magdalena para ayudarla a llegar a un pueblo, y que servirá de detonante para llegar al desenlace de la historia de la búsqueda del hijo de Magdalena.

Otro de los factores que no me gustó de la película es que carece de música tanto diegética como extradiegética, tal vez si hubiera un leitmotiv sonoro para los personajes, los sentimientos o los momentos, habría sido un apoyo sonoro que refor-

zara cada momento dramático de la película, pero no, apenas si escuchamos algunas canciones diegéticas y unas piezas sonoras extradiegéticas que no son aprovechadas nuevamente. Entiendo que, como industria mexicana, este tipo de elementos suben los costos de producción; por lo tanto, se deben priorizar ciertos valores porque si no fuera así, tal vez la película no habría sido terminada o tardaría en darse a conocer.

Independientemente de mis quejas, la obra cinematográfica es una de esas obras que responden al contexto social que se desenvuelve en México, que a través de la ficción refleja una realidad latente que no podemos ignorar por el simple hecho de que “no nos ha tocado a nosotros”. La producción, con todo y sus limitantes, desarrolla un argumen-

to fuerte tratando de transmitir con sus recursos audiovisuales los sentimientos que experimenta Magdalena por no encontrar a su hijo. Las escenas de la fogata, los atardeceres, la frontera mexicana en limite con Estados Unidos son retratadas de forma excelente a través de la dirección de la cineasta Fernanda Valadez.

Sin señas particulares es una película mexicana que ha sido bien recibida por la crítica, ha obtenido nominaciones en los Premios Ariel, y ha ganado el Special Jury Award del Cyprus Film Days International Festival y el premio de la audiencia por Best Feature Film del Festival Internacional de Cine de Morelia. Respecto a su recaudación aún no hay datos concretos ya que su estreno ha sido durante el presente año y la industria cinematográfica tanto en la distribución, exhibición y producción ha sido muy afectada por la pandemia ocasionada por el coronavirus.

Sin señas particulares es una película que merece una oportunidad para mirar en salas de cine y para obtener una copia en formato físico o digital, es una obra audiovisual que cumple con la dirección y fotografía pulcra. Sin duda hay que darle apoyo a la industria mexicana sin importar que a género pertenezca ya que posee a personas muy aptas para el trabajo.

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Por Azucena Mecalco

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ocas propuestas del cine mexicano reciente logran consolidar historias cuya gran trama desprende una serie de subtextos, que se leen desde la perspectiva del público en una dimensión que le permite a éste crear sus propias asociaciones con el texto de la película. Una de ellas es Cría puercos, película del año 2016 dirigida por Ehécatl García, egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC).

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En esta película introspectiva, el director nos lleva a conocer no la vida de Esmeralda, una mujer de la tercera edad viviendo en una zona rural del norte del país, tampoco sus desventuras, la soledad o el abandono filial; sino que nos permite conocer cómo se entreteje «el propósito». Esa fuerza mística que permite que día a día nos incorporemos de la cama y nos adentremos en un mundo lleno de vicisitudes.

LA CAJA DE PANDORA

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Después de la muerte de su esposo, a quien cuidó hasta el último aliento, Esmeralda descubre que no cuenta con más razones para moverse en un mundo en donde nada cambia con su presencia. Tras de algunos días de depresión, en los que no le es posible siquiera ingerir bocado, se encuentra con la Cuina, un lechón que el comerciante del pueblo pasea en camioneta para su venta. Sin más impulso que encontrar un motivo para seguir su día a día, decide adoptarla.

Es en la cerdita que Esmeralda tratará de reencontrar el movimiento de su vida.

Con pocos encuadres, esta película logra crear una atmósfera en colores cálidos, que sin embargo transmite la desolación de la espera, la desesperanza y la nostalgia del pasado idealizado.

Asimismo, cobran vital importancia los alimentos, reflejo del interés y el aprecio de la protagonista con respecto al mundo exterior. Los encuadres cerrados a las comidas nos acercan de manera íntima a esos cambios emocionales que transforman a Esmeralda a lo largo de la travesía, que transcurre desde la muerte de su esposo hasta el momento en que se encuentra consigo misma. Por otra parte, se emplea también una gama de encuadres abiertos para crear ese contexto rural en el que se desencadena la historia.

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A ello se suman, además, otros aciertos estilísticos, que permiten conocer a los personajes desde su propia situación.

Nunca se les presenta con el lente de la miseria, por el contrario, se les muestra como una forma de vida distinta, alejada y funcional. Una forma de cotidianeidad distinta a las de las ciudades, en un pueblo en donde el tiempo transcurre sólo en la medida en que se le ocupa. En este sentido, la construcción de escenografías, que pueden resultar tan básicas como un chiquero, son fundamentales como espacios

que exteriorizan la condición de sus habitantes.

Otros aciertos de esta producción son el maquillaje y el trabajo de montaje que le brindan credibilidad a las interacciones, sobre todo a las de Esmeralda con la Cuina, que se transforma en principal historia visual.

La realidad de las relaciones que retrata este trabajo van más allá de la presentación de una historia lacrimógena o dramática. Pues por medio de pocos personajes nos asomamos a los significados y preponderancia de los roles sociales en los que nos vemos encasillados, y la incapacidad de reaccionar de forma correcta a ellos. Al menos correcta desde una perspectiva general.

del cine mexicano, en la que la pobreza, el narco, los clichés cómicos y otra serie de fetiches, Cría puercos es una excelente llevados a las salas por su garanpelícula que vislumbra otra cara tía de recaudar dinero en salas,

no son los protagonistas, sino las personas reales que se mueven en el mundo de lo cotidiano y que precisamente por ello logran establecer una profunda conexión con el público.

FICHA TÉCNICA Título: Cría puercos Dirección: Ehécatl García Guion: Ehécatl García Fotografía: Luis Montalvo Música: Manuel Velazquez Elenco: Concepción Márquez, Baltimore Beltrán, Clementina Guadarrama, Pedro Hernández Año: 2016 País: México Duración: 90 min.

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