ZINT ⋅ Edição #1: Diana de Temíscira

ED. #1 JUN 17

DIANA DE TEMÍSCIRA 75 ANOS DE MULHER-MARAVILHA

TAMBÉM NA anitta - harry potter - girlboss - akira - feud - qveen herby - one direction - netflix - ratatouille - pink floyd EDIÇÃO joey bada$$ - cinema de terror - cemitério dos livros esquecidos - saraus - life is strange - the x files

editorial;

A ZINT é uma revista mensal voltada às áreas de Arte e Cultura, em formato de publicação digital. Acreditamos na nossa independência editorial e esperamos que, dentro dos mais variados formatos de textos, possamos trazer alguma abordagem inventiva ou inédita aos assuntos que permeiam o campo do jornalismo cultural.

Este projeto é a realização de um sonho de dois jovens amigos, que depois de anos de conversas e insights conseguiram dar vida a tão planejada revista. A felicidade em poder contar com aqueles que se dispuseram a produzir, escrever, diagramar, fotografar e gerar conteúdo para nossa primeira edição é imensa. Chega a ser tão grande quanto a gratidão que temos à vocês.

O orgulho de estarmos produzindo algo que acreditamos ser de qualidade, autêntico e relevante, é o que nos motiva a experimentar essa aventura que chamamos de ZINT. Experimentar, talvez, seja a palavra que melhor defina essa publicação. Uma experimentação visual, estética, textual, conteudista e, sobretudo, pessoal. Por isso, cada uma de nossas edições será tão diferente, ou quem sabe tão parecida, com a anterior. A linguagem visual minimalista adotada pela direção de arte almeja complementar os textos com uma diagramação vibrante e viva, em conformidade com o espírito dos fundadores e colaboradores da revista.

Para nossos leitores, um enorme e verdadeiro obrigado! Esperamos que vocês apreciem a leitura da mesma forma que apreciamos produzir esta revista. Hoje, mais do que nunca, estamos felizes em poder convida-los a conhecer este projeto feito com o coração.

Façam como nós: experimentem!

João Dicker e Victor “vics” Monteiro Editores-chefes e idealizadores da ZINT

O QUê QUE A ZINT TEM? Aproveitando das possibilidades de uma publicação online, a revista conta com algumas interações bem legais. Para que nenhum leitor fique sem usufruir 100% do oferecemos, um manual de como funciona a ZINT.

Com uma publicação online, as possibilidades de interações são promissoras. Usando a plataforma digital ao nosso alcance, a revista pode sempre vir acompanhada de objetos interativos. A ZINT aproveita de todos esses recursos, e você pode usufruir de tudo de uma forma bastante simples e rápida.

Capítulos

Em primeiro lugar, é interessante apontar que a revista funciona por Capítulos.

As barras laterais correspondem ao capítulo correspondente: Azul para Televisão, Verde para Cinema, Roxo para Música, Laranja para Literatura, Marrom para Quadrinhos, Vermelho para Jogos, e, claro, Amarelo para Capa.

Assim, fica fácil identificar o tipo de conteúdo em que você se encontra. E as cores sempre correspondem ao conteúdo predominante da matéria.

Vídeo e Áudio

Com uma revista de Entrenimento e Cultura em mãos, é simplesmente impossível não relacionar as matérias com um conteúdo digital. Um vídeo, um filme, uma música, uma playlist. No papel físico, tais interações são impossíveis de serem atingidas por motivos óbvios. Mas digitalmente, tudo é muito fácil.

Toda vez que um matéria vier com qualquer tipo de conteúdo de Vídeo/Áudio, a imagem de destaque virá acompanhada de ícones correspondentes, como os mostrados acima. Se a matéria tiver mais de um conteúdio audiovisual, cada imagem disponível ao longo da matéria terá os mesmos ícones. Basta passar o mouse ou o dedo por cima da imagem, que ela se mostrará como um link. Clique, e seja redirecionado para o conteúdo! No caso de vídeos únicos (e não em playlist), o player será aberto dentro da própria revista, não interferindo na sua experiência.

Links

Além do conteúdo audiovisual principal, as vezes as matérias contém inúmeros outros links de Vídeo/ Áudio, tornando difícil colocar ícones para todos.

Também acontece de uma matéria ter um link para outra matéria. Para isso, foi criado uma forma bem fácil de identifica-los: todos os links são sublinhados.

O sublinhamento tem o efeito do marca-texto, parecendo que aquela parte do texto foi, de fato, destacada por um. Esta é a identificação de um link; uma linha grossa em Amarelo, a cor oficial da revista.

Rodapé

O easter-egg da revista. No rodapé de cada página de matéria, no mesmo lugar da paginação, o zint. online sublinhado também é um link. Neste caso, ele leva para a versão correspondente da matéria no site, em formato blog.

IDEA LIZAD ORES colabs

DIA GRA MA ÇÃO

equipe

a revista é um projeto colaborativo voluntário. além dos idealizadores, a Edição conta com um colaborador de desenho, quatro de diagramação, um de fotografia e dez de texto

colabs

TEX TO

em ordem alfabética, da esquerda para a direita idealizadores; joão dicker, vics diagramação; maria nagib, samuel lima, thales assis, victoria cunha texto; adan, bruna nogueira, gabi carvalho, gabriel gomide, jhonathan, rafael bonanno, renato quintino, roberto barcelos, samuel lima, stephanie torres, victor gama, yuri soares

EM UMA GALÁXIA MUITO, MUITO DISTANTE...

Star Wars, uma das maiores franquias do mundo geek, completa 40 anos, trazendo consigo muitas novidades

MARAVILHA FOR THE WIN!

Em comemoração do primeiro filme live-action de Diana, um Especial sobre a heroína amazona

TELEVISÃO 14;

Sobre garotas mandonas

16;

FEUD: BETTE x JOAN

18;

A verdade (ainda) está lá fora

QUADRINHOS 22;

Com 22 anos, Joey Bada$$ vem ganhando cada vez mais espaço no cenário mainstream com o seu rap politizado

CINEMA 30;

10 anos de “Ratatouille”: ”Qualquer um pode cozinhar”

32;

Por trás do susto

40;

Quarenta anos atrás em uma galáxia muito, muito distante

43;

A polêmica da Netflix ressoa em Cannes

Akira

JOGOS 24;

LAND OF THE FREE?

Não é apenas um Efeito Borboleta

CAPA 46;

Diana de Temíscira: dos Quadrinhos para a Mídia

No meio de jogos carnificina, Life is Strange é uma experiênciaúnica

JOAN X BETTE

De forma espetacular, FEUD mostra uma das brigas mais marcantes do mundo do cinema

MÚSICA 63;

De Karmin a Qveen Herby

66;

Joey Bada$$: do underground ao mainstream

68;

Novas Direções

70;

“Animals” completa 40 anos e continua influente

72;

Anitta: para o Mundo

LITERATURA 77;

O Cemitério dos Livros Esquecidos

79;

Saraus, Arte, Resistência e Esperança

82;

É Levi-Ô-sa, não Levi-o-SÁ

SUMÁRIO

MAIS QUE EFEITO BORBOLETA

CALENDÁRIO CULTURAL Homem-Aranha: De Volta ao LAR

Snowfall Estreia da 1a Temporada

SPIDERMAN: HOMECOMING

sáb.

01

sEX.

07

QUI.

PIANO VERMELHO

Estreia da 1a Temporada

DOM.

riad sattouf

07

SEX.

09

seg.

10

NIGHT & DAY (NIGHT EDITION) THE VAMPS

11

THE FOSTER

ter.

11

Estreia da 5a Temporada

GAME OF THRONES EStreia da 7a Temporada

the strain

estreia da 4a e última temporada

DOM.

16

DOM.

16 LUST FOR LIFE LANA DEL REY

SEX.

21

AMOR & GELATO

JENNA EVANS WELCH

OZARK

21

ter.

Estreia da 1a Temporada

14

SEX.

Will

Estreia da 1a Temporada

THE BOLD TYPE

Estreia da 1a Temporada

friends from college

14

SEX.

Candy Crush

josh malerman

o Árabe do futuro 3 sEX.

06

SEX.

21

ESTREIA DA 1A TEMPORADA

para depois que eu partir

heather mcmanamy, willian SEX. croyle

21

BALLERS Estreia da 3a temporada

SOM B 23

INSECURE

m

DOM.

23

DOM.

23

Estreia da 2a temporada

SEG.

SEG.

24

a agenda traz as datas dos principais lançamentos do mês de Julho para as áreas de cinema, música, televisão, e literatura

SOUNDTRACK

Something to All You

breve história de sete assassinatos

HAIM

Marlon James

sEX.

07

QUI.

QUI.

06

06

7 Desejos WISH UPON

SUITS

QUI.

SALVATION

Estreia da 7a Temporada

13

Estreia da 1a Temporada

CARROS 3 QUA.

QUI.

QUA.

12

13

12 SHOOTER

TER.

DE CAnção em canção

ESTREIA da 2a temporada

18 QUI.

20

QUI.

DUNKIRK

Estreia da 1 temporada a

20

EM RITMO DE FUGA

qui.

BABY DRIVE

27

ROOM

Estreia da 1 temporada a

midnight, texas Estreia DA 1a temporada

QUI.

20

aftermath

MEWHERE BEWTEEN

qui.

27

TRANSFORMERS: O ÚLTIMO CAVALEIRO

song to song

em busca de vingança

CARS 3

SEX

28

THE LAST TYCOON

SEX.

28

Estreia da 1 temporada

EVERYTHING NOW ARCADE FIRE

a

SEX.

28

SEX.

28

PARANORMAL ALICE COOPER

televisĂŁo

U SOBRE GAROTAS mANDONAS Gabi Carvalho

14 | zint.online

Como Girlboss, série da Netflix, criou a anti-heroína que amamos odiar

m dos mais polêmicos lançamentos desse ano, produzida e distribuída pela Netflix, a série Girlboss * estreou com sua temporada completa no dia 21 de abril na plataforma de streaming.

Adaptação do livro-biografia de Sophia Amoruso, fundadora e CEO da marca de roupas norte-americana NastyGal, a série conta a história de Sophia (Britt Robertson), uma garota desajustada que descobre a paixão pelo mundo da moda, se tornando uma empreendedora

* No dia 24 de junho, a Netflix anunciou o cancelamento de Girlboss

Imagem promocional de Girlboss

no processo. À medida que seu negócio cresce, ela tem que aprender como lidar sendo também dona de sua própria vida.

Criada por Kay Cannon, roteirista americana que já trabalhou em filmes de sucesso entre o público jovem como a A Escolha Perfeita (2012) e Como Ser Solteira (2016), a série traz a participação de grandes personalidades como RuPaul, criador do reality show de sucesso RuPaul’s Drag Race, que interpreta o vizinho e amigo de Sophia, e a produção da atriz norte-americana e girlboss da vida real, Charlize Theron.

Girlboss apresenta Sophia, uma prota que desde cedo nunca se identificou com as meninas do colégio ou modelos das revistas. A personagem tem sua própria personalidade, modo de vestir e seu próprio jeito de lidar com as situações cotidianas da vida, desrespeitando qualquer regra para conseguir o que quer.

Sophia passa longe da imagem da garota perfeita de Hollywood, a famosa Manic Pixie Dream Girl, termo adotado para descrever personagens femininas misteriosas que surgem na trama para ajudar o protagonista a resolver algo e, geralmente, são excêntricas e “belas, recatadas e do lar”, mas com um ar de rebeldia. Em Girlboss, a personagem principal exprime em suas ações vontade que toda garota, com suas minirrevoluções diárias, já sonhou em fazer, como se vestir do jeito que bem entender, fazer uma roadtrip com sua melhor amiga, falar o que quiser sem se preocupar com as consequências e ter um namorado que faz parte de uma banda – e não ser definida por isso.

Sophia consegue, com maestria e um pouco de sorte, fundar seu próprio negócio e lidar com sua vida pessoal – na medida do possível. Porém, para passar por tudo isso, ela utiliza de meios que, muitas vezes, não ajudam na construção da personagem.

Entre uma fala e outra, a arrogância de Sophia se mostra um dos principais defeitos da personagem que, sendo inspirada na vida real da mulher, não traz boas esperanças para os discursos em prol de “eu não sou mandona, eu que mando” (“I’m not bossy, I’m the boss”).

A série busca vender uma imagem perfeita da mulher #girlpower, que não admite os obstáculos que encontra em seu caminho e luta para ultrapassá-los, mas acabou criando uma anti-heroína desonesta e egoísta, que não agrada a todos e, principalmente, às mulheres.

Cada “não” que Sofia escuta, cada porta batida em sua cara, serve de combustível para sua raiva contra tudo e todos. Ao invés de superar as derrotas e lutar a próxima luta, de maneira justa, a jovem culpa os “nãos” e as portas por seus erros, faz birra para conseguir o que quer e maltrata quem sempre esteve ao seu lado – tudo por uma peça de roupa que a faria ganhar mais dinheiro e popularidade em seu perfil de vendas no eBay. Os pontos positivos estão depositados na direção de arte, fotografia, trilha sonora e figurino. A produção faz uma releitura dos anos 2000, com uma pegada nos anos 1980, brinca com o colorido, batidas marcantes, calças boca de sino e coletes de pelo. É impossível não querer voltar no tempo e adquirir um dos achados de Sophia, enquanto dança ao som do último CD da banda Yeah Yeah Yeahs e tenta destruir o patriarcado.

Mas fica difícil acreditar que, em pleno século 21, ainda temos que viver em mundo no qual uma girlboss, popular, rica, sucedida, ou não, seja retratada como uma menina fútil, egoísta e mesquinha. zint.online | 15

vics

FEUD: BETTE x JOAN Retratando uma das brigas mais icônicas do mundo dos famosos, a série de Ryan Murphy também traz as nuances da relação entre Joan Crawford e Better Davis

H

ollywood é conhecida mundialmente pelo seu glamour, pelas estrelas de cinema e televisão, suas vidas luxuosas e as maiores rivalidades do mundo do entretenimento. Desde seus primórdios as brigas de celebridade são bastante comuns, às vezes elaboradas para serem apenas golpos de publicidade, em outras enraizadas em rancor e/ou inveja. Entre esses desentendimentos épicos, está o de Joan Crawford e Bette Davis.

Dizem as más línguas que as duas veteranas atrizes nunca foram fãs uma da outra. O motivo, ninguém conhece. Especula-se que a discórdia era resultado de inveja e desespero por validação, principalmente pelo lado de Joan. O feud entre as atrizes, no entanto, ficou marcado pela produção com o noir cult O Que Terá Acontecido a Baby Jane?, filme de 1962.

Com suas produções antológicas em alta e sendo 16 | zint.online

um dos atuais queridinhos de Hollywood, Ryan Murphy, responsável pelos sucessos American Horror Story e American Crime Story, deu início à FEUD. Seguindo a linha de "uma história por temporada" de suas produções recentes, a série exploraria das maiores brigas e desentendimentos do mundo do entretenimento. Para sua primeira temporada, Murphy escolheu o subtítulo Betty and Joan. A produção ainda virá a apresentar o feud entre Princesa Diana e Príncipe Charles, em sua segunda temporada de 10 episódios, programada para 2018.

Com oito episódios e exibida pelo canal FX, parte do conglomerado FOX, a série abordou os bastidores da icônica guerra entre as duas atrizes. Nele, Joan e Bette trabalharam lado a lado pela segunda vez, entrando em constante atrito dentro e fora das câmeras.

O que impulsionou a briga desta vez foi um complô encabeçado pelo o então dono da Warner Bros.

Studios. Jack L. Warner (Stanley Tucci), que in-

fluenciou o diretor do filme, Robert Aldrich (Alfred Molina), a jogar as duas atrizes uma contra a outra.

A ideia central era um golpe, a fim de gerar publicidade e expectativa para o lançamento da película.

Com FEUD, Murphy mostrou-se extremamente preocupado em replicar todos os aspectos do momento histórico de forma fiel, seja pela semelhança entre os atores, todo o setor de figurino, o cuidado aos detalhes, ou até mesmo a regravação das filmagens do filme. A produção é impecável, dando ao público uma verdadeira obra prima visual.

No roteiro, o produtor-diretor preocupa-se em dar uma duplicidade para Joan, que ao mesmo tempo em que é vítima de machismo, sexismo e ageismo, é a própria vilã na sua história. O show mostra que a atriz moveu céus e montanhas para que Bette não levasse o prêmio de Melhor Atriz nos Academy Awards de 1963, garantindo que mesmo não sendo indicada, era ela, Joan, que saíram da premiação com uma estatueta nas mãos. Joan também era mostrada como uma atriz exuberante e cara, que apenas vivia de aparências em sua mansão com apenas um empregado. Quase falida, a atriz também tinha uma mania de plastificar todos os seus móveis. Joan também vivia com depressão e desenvolveu problemas com álcool.

Em contrapartida, Bette era bastante diferente no quesito vide pública. Retraída e mais humilde, sempre cuidou muito bem de seu dinheiro, vivendo uma casa modesta no subúrbio, sempre buscando estar

ao lado de sua filha. A atriz, no entanto, tinha muita pouca sorte no amor, se envolvendo constantemente em relacionamentos turbulentos. Ainda que Bette, na história, assumia mais o papel de vítima de Joan, a atriz também moveu alguns pauzinhos para que sua companheira de filme não tivesse tanto tempo em tela, envolvendo-se até mesmo com Robert, o diretor do filme. Bette também era constantemente vítima de machismo, sexismo e ageismo.

Uma das maiores marcas da série, além das críticas sociais que perduram até hoje, é a força de atuação de ambas as protagonistas. Enquanto Joan Crawford foi interpretada por Jessica Lange, Bette Davis ficou a cargo de Susan Sarandon. A escolha das atrizes, assim como todo o seu elenco, deu-se principalmente pela grande semelhança física que elas tinham com duas personagens.

Ainda que a série opte por utilizar de Joan como principal figura do enredo, tendo o seu lado da história mais explorado, é Bette que rouba grande parte das cenas. Se a atuação de Lange é, por si só, merecedora de um Emmy, a de Sarandon extrapola as expectativas, conseguindo ser memorável e certeira mesmo nas poucas vezes em que aparece.

O duelo entre as duas atrizes para ver quem será indicada e quem levará uma estatueta na próxima edição do Primetime Emmy Awards vai ser, no imaginário do público, uma reprise do icônico Oscars de 1963. Mas diferente de Joan e Bette, Jessica e Susan são grandes amigas.

Jessica Lange e Susan Sarandon são, respectivamente, Joan Crawford e Bette Davis

A verdade (ainda) está lá fora vics Uma das séries de ficção científica mais memoráveis da televisão comemora 15 anos desde o seu (primeiro) fim

18 | zint.online

Séries de ficção cientifica são tão antigas quanto os programas seriados. Sempre muito presentes na programação, o gênero gerou inúmeras séries inesquecíveis, mas provavelmente a maior delas é The X Files.

Exibida pela primeira vez em 10 de setembro de 1993, a série da FOX acompanhava a vida do agente do FBI Fox Mulder (David Duchovny). Atormentado pelo sequestro e desaparecimento de sua irmã, Fox é obcecado pela teoria de vida extraterrestre inteligente. De acordo com ele, não só os aliens estão entre a gente, como também estão sendo auxiliados pelo governo dos Estados Unidos para fazerem a colonização da Terra.

Sua teoria de conspiração faz com o que o FBI o coloque sobre investigação, relocando a agente, médica e cientista Dana Scully (Gillian Anderson) para observar os padrões de Mulder, a fim de reportar todas suas observações para o FBI. Sendo forçado a trabalhar ao lado de Scully, o agente começa a introduzir a médica nos Arquivos X, uma série de casos não concluídos envolvendo o paranormal.

O que Dana não esperava, no entanto, era que a teoria de Mulder, embora sem respaldo científico nenhum, começasse a fazer um leve sentido. A constante falta de explicação do governo para inúmeros casos

e as relocações e intromissões do FBI para encobrir acontecimentos faz com que Scully começasse a colocar a sua fé em questionamento.

A série é inspirada fortemente em Além da Imaginação, mantra das séries de ficção científica. A famosa produção televisiva foi exibida entre os anos de 1959 e 1964, explorando o extraordinário e o paranormal e contando com um total de 156 episódios.

Arquivo X, como é conhecida no Brasil, ao longo de suas nove temporadas, trabalhou com o questionamento dúbio. Fox acreditava fortemente em sua teoria, e em inúmeras situações conseguia mostrar para o público que assistia, que a tal colonização era, de fato, verdade. Aliens estavam entre nós, e aliens haviam raptado sua irmã. E o governo estava assistindo.

Porém, ainda que Mulder representasse essa pessoa aberta as possibilidades do universo, ele era facilmente manipulado pelas pessoas ao seu redor, querendo acreditar na sua verdade, constantemente colocando um ponto de interrogação na sua crença.

Será que estávamos apenas sendo manipulados? Será que o governo inventou a mentira dos aliens e deixou as pessoas acreditarem nela, afim de encobrir algo pior que visava controlar toda a sociedade?

Nesse mesmo quadro, Dana representava uma pessoa mais fechada, da ciência, que necessitava do respaldo científico para explicar tudo que acontecia ao seu redor. E quando isso não era possível, acreditava fortemente que tudo era fruto de sua imaginação.

Um tanto religiosa, a fé de Scully é colocada a teste o tempo todo, fazendo com que a agente não consiga se decidir se acredita ou não no credo de Jesus Cristo.

Ainda que Dana se mostrasse bastante aberta às teorias de Mulder, por mais que não acreditasse em nenhuma delas, Fox fazia o contrário. Ateu, ele não conseguia processar de nenhuma forma a possibilidade da existência de uma forma divina superior, por mais que acreditasse na existência de seres extraterrestres. Sua descrença criava constantes atrito entre Imagem de Arquivo X, com David Duchovny e Gillian Anderson nos papéis de Fox Mulder e Dana Scully, respectivamente

a dupla, que de alguma forma era remediado pela urgência da conspiração do governo.

Nesse mesmo processo, Mulder era auxiliado por um trio de nerds e expert em tecnologia, ao mesmo tempo em que recebia diversas informações confidenciais de membros de um grupo supersecreto de agentes do governo que estavam auxiliando a colonização dos alienígenas.

A produção contou com 202 episódios ao longo de seus primeiros nove anos de exibição. Um telefilme, The X Files, foi produzido e exibido em 1998 para cobrir eventos entre a quinta e sexta temporada.

A nona foi ao ar entre 2001 e 2002, recebendo críticas mistas e sendo fortemente má recebida pelos fãs. A audiência acabou caindo de forma drástica, resultando no cancelamento da série. O último episódio foi exibido em 19 de maio de 2002.

Seis anos após o seu cancelamento, o canal FOX produziu um segundo filme. Lançado em 2008, o filme chamava-se I Want to Believe. A frase fazia referência direta a uma das mais famosas da série: “Eu Quero Acreditar” . Ao longo de sua exibição, também ficaram famosas "Confie em Ninguém" ("Trust No One", no original) e “A Verdade Está Lá Fora” (“The Truth is Out There”, no original).

Sendo um gigantesco sucesso e um verdadeiro cult obrigatório das produções sci-fi, The X Files entrou para o Hall da Fama junto à Além da Imaginação, inspirando a criação de outras séries, como Fringe, de J.J. Abrams, também da FOX, e Stranger Things, da Netflix.

Em 2016, um revival especial foi produzido, com seis episódios. Na história, Mulder e Scully voltavam a se unir para resolver mistérios do Arquivo X, dando continuação a mitologia da série. A série foi bem recebida entre seu segundo e quarto episódio, mas foi bastante criticada no episódio final. A produção, no entanto, foi renovada para uma 11ª temporada, estreando na temporada 2017-2018.

quadrinhos

Akira - アキラ Yuri Soares

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Lançado pela primeira vez em 1982, no Japão, um dos mangás mais famosos e emblemáticos do mundo está de volta ao Brasil, em uma edição com 362 páginas e classificação para maiores de 18 anos

O

s fãs brasileiros já podem matar as saudades da densa e reflexiva narrativa de Akira. O quadrinho japonês que promove discussões sobre poder, corrupção e problemas sociais, com muita ação em uma Tóquio pós-apocalíptica, retorna as livrarias e bancas brasileiras em junho com edição totalmente remasterizada que preserva seu formato e leitura originais.

Publicado pela Young Magazine entre 1982 e 1990, Akira é a obra-prima de Katsuhiro Otomo.

Escrito e ilustrado por ele, o mangá é um dos marcos

da ficção científica oriental que revolucionou a chegada da cultura pop japonesa no Ocidente. Além disso, é considerado um clássico do estilo cyberpunk, mesmo que o gênero tenha chegado a Terra do Sol Nascente depois.

Sucesso nacional no Japão, em 1988 ganhou adaptação de mesmo nome em longa-metragem de animação, com direção e arte de Otomo. O anime obteve repercussão mundial e alavancou as vendas do mangá ao redor do globo terrestre. No mesmo ano, o autor concede autorização a Marvel para publicar o zint.online | 23

Imagem da animação Akira, lançada em 1988.

quadrinho no selo Epic Comics. Colorido e adaptado para a leitura ocidental tornou-se o primeiro mangá publicado nas duas orientações de leitura.

O Enredo de Akira Tudo começa com uma explosão atômica na cidade de Tóquio em 1982, dando início à 3ª Guerra Mundial. Especulasse que um menino chamado Akira seja o responsável pela destruição da capital japonesa.

Neste mundo pós-apocalíptico, somos apresentados a cidade reconstruída de Neo Tóquio, 38 anos após o incidente. Repleta de gangues de motoqueiros arruaceiros que espalham o caos pelas ruas, o grupo de Shotaro Kaneda sofre um acidente depois de entrar em uma disputa com uma gangue rival. Tetsuo Shima, o mais novo do bando e melhor amigo de Kaneda, atropela uma criança estranha.

Depois do ocorrido, Tetsuo começa a sentir reações anormais e aparentes poderes.

Isso chama a atenção do Governo, que imediatamente o captura, fazendo dele cobaia de seus experimentos secretos.Enquanto isso, Kaneda tenta resgatar o amigo e descobre que o mundo corre perigo.

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O reconhecimento internacional fez de Akira uma das principais bases do cyberpunk da década de 1980.

Desde então a obra é referenciada em inúmeros mangás e animes, e também em clipes musicais e séries, como, respectivamente, Stronger, do rapper Kanye West e Stranger Things, dos irmãos Duffers.

Cyberpunk

Cidades futurísticas, tecnologia avançada e, em alguma medida, desordem social foram “ingredientes” fundamentais na construção de narrativas famosas, como Akira, Ghost in the Shell, Final Fantasy VII e trilogia cinematográfica norte-americana Matrix. Todas pertencentes a um subgênero de ficção científica, o cyberpunk.

Marcado pela máxima “High tech, low life” (“Alta tecnologia, baixa qualidade de vida”, em tradução livre), o estilo, como seu próprio nome sugere, mescla entre o cibernético e o punk. Por isso, as histórias desse gênero são ficções que especulam sociedades pós-modernas em futuro de sombras e tecnologia de ponta.

O subgênero existe desde o inicio dos anos de 1980, entretanto chegou ao seu clímax em 1988 com o sucesso mundial do anime Akira, de Katsuhiro Otomo. O filme, uma adaptação do quadrinho de mesmo nome e autoria de Otomo, cumpre com as características do cyberpunk.

Primeiro mangá e anime do gênero, Akira é a estética geral de um mundo que assombra, mas também encanta. A cidade de Neo-Tóquio e seus muitos arranha-céus é uma personificação do cyberpunk, representada nitidamente pelo seu governo corrupto e autoritário, além da desordem e problemas sociais.

jogos

NÃO É APENAS UM EFEITO BORBOLETA Reflexões sobre a juventude e como videogames podem contar histórias próximas da realidade, Life is Strange é um sucesso por sua sensibilidade

E

Roberto Barcelos

screver sobre jogos é um desafio, uma vez que envolve uma série de preconceitos que não permitem uma análise mais profunda do que o simples entretenimento. É muito importante o potencial que eles possuem de ocupar horas vagas e nos divertir, mas ainda é preciso ir além dos pensamentos simplórios de que são criados apenas com essa função. Antes, os jogos eram lineares com objetivos específicos, a famosa “Jornada do Herói” era entregue sem qualquer notoriedade ou desenvolvimento dramático. Contudo, alguns games já 26 | zint.online

eram à frente do seu tempo e apresentavam personagens e uma narrativa que impressionava aqueles que passavam horas acompanhando seus acontecimentos.

Final Fantasy, Legend of Zelda, Chrono Trigger e outros RPG’s (Role-playing games) ganharam fama por inovar na forma como consumimos videogames, com tramas que crescem e nos surpreendem por causa da sensibilidade envolvida em cada detalhe que ultrapassa a jogabilidade, como os gráficos e a carnificina generalizada. Hoje temos mais exemplos de jogos assim, e graças a eles que precisamos desconstruir nosso olhar para enxergar a beleza presente em suas histórias. Life is Strange é um exemplo claro de jogo que guarda a cada minuto uma surpresa nova que ultrapassa a ação e produz uma experiência única.

Desenvolvido pela empresa Dontnod Entertainment e publicado pela Square Enix (famosa por títulos como Final Fantasy, Dragon Quest e Secret

of Mana) foi lançado em 2015 de forma seriada, em cinco capítulos que podem ser adquiridos em lojas digitais de games. O jogo conta a história de Maxine “Max” Caulfield, uma jovem tímida que voltou para a sua cidade natal após passar cinco anos longe, a fictícia Arcadia Bay, em Oregon. A personagem abre espaço para contar a história de muitos fãs de videogame que cresceram e podem se enxergar nela, até mesmo apresentar as experiências da própria equipe de produção durante a juventude.

Introspectiva e chamada constantemente de hipster pelos outros como forma de ofensa, voltou para a sua cidade natal com o intuito de estudar Fotografia na Academy Blackwell. Estar de volta implica em um novo ambiente escolar e nas transformações para a vida adulta e toda as complicações presentes nessa fase incerta. Momento em que a protagonista começa a perceber que não é mais adolescente, mas ainda não consegue se enxergar como adulta.

A priori é difícil percebemos o objetivo do game.

Estamos na pele de Max e sabemos dos seus pensamentos, podemos ler seu diário e decidir suas ações.

Contudo, a situação muda quando a garota presencia um assassinato e o gatilho que abre toda a trama de Life is Strange é disparado: o desejo que temos de voltar no tempo para tentar mais uma vez. Após presenciar um assassinato no banheiro da escola, a protagonista percebe ter o dom de voltar no tempo para tentar mudar os fatos. Essas mudanças desenca-

Imagem promocional do jogo Life is Strange

deiam novos efeitos na história e mudanças de como o jogo pode terminar, mas as principais delas resultam em um destrutivo efeito borboleta.

O simples bater de asas de uma borboleta pode influenciar o curso natural das coisas, até mesmo provocar tufões no outro lado do mundo. Essa é uma premissa importante da teoria do caos, regra que cerca a trama e nos mostra as consequências de uma segunda chance.

Tempo, nostalgia, narrativa

Nos primeiros minutos de jogo percebemos um detalhe importante da premissa dos desenvolvedores: a nostalgia. Max acabou de voltar para a sua cidade natal depois de cinco anos longe, cheia de memórias da sua infância e desejos por reencontro. Entre lembranças, nos surpreendemos quando a protagonista reencontra Chloe Price - sua melhor amiga durante a infância, mas que perderam o contato quando Max deixou Acardia Bay. Em uma situação complicada, as duas desenvolvem um diálogo sobre a distância, amizades e como a vida é cheia de desencontros.

Entre os desencontros, o desaparecimento de Rachel Amber – uma amiga próxima de Chloe – cativa as garotas a unirem força para tentar entender o que aconteceu com ela. Nesse momento de união feminina, entramos em uma aventura com viagens temporais, mudanças e escolhas. O jogo foge do es-

Life is Strange: Before the Storm Após o sucesso de Life is Strange, a empresa Deck Nine Games, em parceria com a Dontnod Entertainment, anunciou um prequel para a saga enquanto a segunda temporada está em fase inicial de desenvolvimento. Life is Strange: Before the Storm terá como enredo a vida de Chloe Price anterior aos adventos do primeiro game.

Logo, conheceremos a personagem antes do cabelo azul, do desaparecimento de Rachel e da volta de Max Caulfield para Arcadia Bay. O jogo também focará na relação da Chloe com a Rachel e a amizade que surgiu entre as duas garotas que se aliam para enfrentar seus demônios.

De acordo com a Deck Nine Games, Before the Storm terá apenas três capítulos entre duas a três horas de gameplay cada um.

A data de lançamento do primeiro é dia 31 de agosto desse ano.

Imagem promocional de Life is Strange: Before the Storm, cujo lançamento está programado para agosto

perado por muitos que conhecem videogames apenas como fases lineares e inimigos para serem derrotados, porque o desafio gira em torno de explorar a cidade, conversar com os moradores dela e acompanhar o crescimento de Max. Apesar de suas diversas nuances, um ponto de extrema importância da trama é a forma como tratamos o próximo. A hostilidade entre adolescentes, infelizmente, é algo que ainda circunda as escolas e universidades. Principalmente quando o essencial é conseguir ser aceito do jeito como você é. Max é constantemente ofendida por ser tímida, gostar de câmeras analógicas e ser um pouco hipster. Chloe tornou-se rebelde após o falecimento do pai e o casamento da mãe com um padrasto que nunca consegue entende-la, mas percebemos que os seus sinais de rebeldia na verdade são pedidos por ajuda.

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Além dessas personagens, conhecemos de perto Kate Marsh. Religiosa e conservadora, Kate sempre foi vista com desprezo pelos outros alunos da Blackwell Academy. Porém, a jovem começou a ser hostilizada depois de ter sido inadvertidamente drogada em uma festa e ter sido gravada ficando com vários garotos. Nesse momento, presenciamos o sofrimento dela com o bullying e seu distanciamento. Entre as consequências, a única forma de ajudá-la é com o diálogo e a compaixão.

Life is Strange cria uma nova possibilidade de narrativa com a exploração de cenários e a riqueza dos personagens que compõem a obra. Além de divertir, submerge o jogador numa vida que não é tão diferente da dele – apesar das viagens no tempo. O jogo trata de questões que fazem parte do nosso cotidiano, tem repercussão nas mídias e que precisam ser enxergadas de forma sensível. A juventude ganhar cor e forma, tornando-se um objeto de análise e reflexão sobre como podemos ser melhores para o mundo e para o outro. É um exercício de empatia constante, principalmente quando percebemos que nem sempre é possível consertar os nossos erros.

cinema

10 ANOS DE RATTATOUILLE: ”QUALQUER UM PODE COZINHAR”

A

queles que gostam de cozinhar sabem a força que as memórias de infância têm.

Como na famosa Madeleine proustiana caída numa xícara de chá, provar um sabor que nos remete à infância aviva imediatamente as memórias estruturais, recriando a sensação de aconchego, de um mundo perdido onde nos sentíamos protegidos e acalentados.

As memórias de infância nunca vêm com um prato refinado e conceitual, é sempre a “confort food”, a “comida de alma” ou a como quiserem chamar. A cena que expressa o ápice suspense do ótimo filme Rattatouille (2007), quando o sisudo, temido e carrancudo crítico de gastronomia se converte e se transforma ao provar o prato de sua infância que dá título ao filme, 30 | zint.online

A animação da Pixar foi lançada em junho de 2007, aproveitando o boom dos produtos midiático sobre culinária, além de homenagear um famoso chef francês

Renato Quintino

expressa esta verdade, atestando o acerto dos roteiristas para retratar o universo de quem lida com comida.

A cena é memorável não só ao transportar o crítico de imediato para os sabores da sua infância, mas ao celebrar a dificuldade de se fazer um prato simples. É sabido no meio da gastronomia que assar corretamente um frango ou fazer um bom omelete é um teste para ser aceito em um restaurante. É necessário muita coragem e domínio da cozinha para fazer para um crítico de gastronomia uma rattatouile perfeita, bem apresentada e no ponto certo.

Feito no começo do boom de filmes, programas de TV, competições e rankings de revistas que colocaram a gastronomia no centro das atenções transformando Chefs em celebridades, o filme acerta muito

em várias frentes, inclusive na ótima frase “Qualquer um pode cozinhar”, mote do filme.

O longa foi baseado no suicídio do Chef Bernard Loiseua, que fora motivo pelo medo de perder sua terceira estrela do Guia Michelin em 2003, quando tinha 52 anos. A pressão no ambiente da cozinha profissional, especialmente na competitiva cozinha francesa submetida ao rigor extremo do Michelin (hoje com menos poder do que na época, depois da emergência da revista inglesa The Restaurant com sua lista dos 50 melhores do mundo), leva muitos Chefs à um stress imenso para manter suas estrelas conquistadas.

Perder uma estrela pode ser encarado como um vexame ou o começo da decadência, podendo afetar toda a estrutura que os Chefs estrelados tem, como dar seu nome à hotéis, linha de produtos licenciados e programas de TV. No filme, Loiseua é representado pelo bonachão e simpático Chef Auguste Gusteau, que morre pelo mesmo motivo – mas claro, não foi suicídio – e ressurge como um espírito que aconselha o rato Remy.

Contudo, hoje o poder do Guia Michelin foi transferido para a revista inglesa The Restaurant que publica anualmente a lista dos “50th Best” restaurantes do mundo. A repercussão midiática da publicação é enorme ao eleger o trabalho de Chefs em todos os continentes, dando visibilidade internacional a restaurantes de países que o Guia Michelin não alcança e premiando um novo tipo de conceito.

A revolução foi grande uma vez que na linha de premiação da revista a valorização está na cozinha regional, com foco em produtos orgânicos e em restaurantes que aboliram a toalha de mesa, os jogos americanos e apresentam suas criações esculpidas como obras de arte montados em pratos de cerâmica.

O peso do poder da revista foi sentido quando Alain Ducasse, o Chef que melhor simboliza o sucesso no Guia Michelin começou a perder clientes e reformou seu restaurante no hotel Plaza Athené, em Paris, tirando as toalhas de mesa, as luvas dos garçons e a caneta Cartier para assinar a conta. A

Cena do filme Ratatouille (2007), onde o rato Remy é surpreendido pelo humano Linguini, no exato momento em que o pequeno roedor está arrumando o desastroso prato do aspirante à chef

Bernard Loiseua é o Chef francês utilizado como inspiração para a criação do divertido Chef Gusteau

The Restaurant consagrou Chefs como Virgilio Martinez do Peru, Vladimir Mukhin de Moscou, o brasileiro Alex Atala, René Redzepi em Copenhaguen e Zaiyu Hasegawa em Tóquio, que além da premiação ainda se tornaram temas de episódios do prestigiado Chefs Table da Netflix.

Se fosse produzido hoje, a proposta de Remy seria fazer cozinha local defendendo os ingredientes orgânicos e o trabalho dos pequenos produtores. A consagração pela comida da infância será sempre pertinente, mas a equipe de trabalho do salão seria modernizada, a ambientação seria mais simples e descomplicada e o foco estaria em retornar ao ranking dos “50th Best”.

Rattatouille inovou na estrutura de um desenho animado que retrata o universo da gastronomia, colocando um rato como cozinheiro – o pior pavor para qualquer restaurante é ter um rato na cozinha –, brincando com o folclore de que em cozinha de restaurante só dá tipos esquisitos. O filme ainda traz uma das primeiras protagonistas femininas com caráter independente e feminista (ao passo que o meio da gastronomia ainda é machista) e mostra a diferença entre quem come qualquer coisa e quem busca se esmerar pela sutilização da experiência gastronômica transformando o rito vital e trivial de comer em obra de arte.

@João Dicker

Por trás do susto A história do cinema de horror e seus discursos político sociais

T

alvez o terror seja o gênero cinematográfico que possua mais subgêneros e ramificações próprias. Os filmes que o compõem, em sua maioria, constroem o sentimento de medo e angustia a partir de jogos de surpresa, insinuação, apostando em altas doses de ansiedade e explorando de fobias e repulsas presentes no senso comum humano. Real ou não, a utilização do medo como ferramenta catártica esta presente no imaginário humano desde muito antes do cinema.

As histórias mitológicas, assim como obras religiosas, são repletas de monstros, seres mágicos, criaturas macabras e demoníacas responsáveis por proliferar o mal e a dor no mundo. Essas histórias podem ser consideradas como as primeiras fontes de inspiração para o gênero do terror que viria a ser propriamente construído somente no século XVIII. Origem Literária

Considerado o primeiro romance gótico da história, o livro O Castelo de Otranto (1764), de Horace Walpole, iniciou o que viria a ser um dos movimentos literários mais importantes para a literatura de ficção. Pouco mais de 50 anos depois, Mary Shelley publicou, em 1818, o primeiro grande horror clássico: Frankenstein. Graças a obra de Shelley,

diversos autores passaram a explorar de ambientações sombrias e de temáticas mais macabras para construir atmosferas dramáticas em seus próprios livros. Emily Bronte, Charles Dickens, Sir Arthur Conan Doyle, Wilkie Collins e H.G.Wells passaram a adaptar suas histórias e seus estilos próprios para a tendência gótica existente.

Mas, provavelmente, entre todos os autores que produziram contos e narrativas horripilantes na época, seja possível alavancar Edgar Allan Poe, Ann Radcllife, Bram Stoker e Nathaniel Hawthorne como os grandes nomes do movimento que viria a inspirar o cinema de terror.

Passados mais de 100 anos desde o fim do movimento que iniciou a literatura gótica, o cinema surgia como uma arte ainda muito experimental que dependia dos avanços tecnológicos do inicio do século XX e das ideias visionárias de alguns realizadores para se desenvolver. Desta forma, os primeiros gêneros cinematográficos viriam a ser propriamente formados somente em meados dos anos 20 e, principalmente, na década de 30.

Entretanto, alguns pesquisadores e historiadores do cinema apontam que alguns realizadores já haviam produzido filmes de terror nos primeiros anos da sétima arte, mas devido às possibilidades narrativas e temáticas da época tais produções não se tornaram memoráveis na história, a exemplo de O Solar do Diabo (1896), de George Mèlliés, Frankenstein (1910), de Thomas Edison, e Inferno (1911), de Giuseppe de Liguoro, que adaptava a Divina Comédia. Apesar destas produções ainda experimentais, e da dificuldade para estabelecer um consenso quanto a datas referentes a origens do horror no cinema, é inegável que toda a construção do gênero foi muito influenciada pelo Expressionismo Alemão.

Expressionismo Alemão

Cena do filme O Cabinete do Dr. Caligari (1919)

O movimento que se expandiu para diversas formas de arte encontrou no cinema um espaço para inovações temáticas e estéticas. Em 1919, saiu o considerado primeiro filme expressionista. Dirigido por Robert Wiene, O Gabinete do Dr. Caligari apresentou as características tão marcantes do Expressionismo e que ajudaram a estabelecer também os principais padrões estéticos do cinema de terror.

Explorando do uso de sombras, de cenários destorcidos com aspectos lúdicos, do jogo de iluminação e todo tipo de deformação visual, filmes como Metrópolis (1927), de Fritz Lange, ou Nosferatu (1922), de Friedrich Wilhem Murnau, acabaram se

O vampiro do filme Nosferatu (1922) tornou-se um ícone da história do cinema, sendo uma das aparições mais memoráveis do Conde Drácula

tornando referências estéticas para o cinema mundial. Foi ali que a obscuridade, tanto visual quanto narrativa, dos filmes de terror era experimentada e formatada.

Ainda, o Expressionismo Alemão deixou um legado para o gênero de terror, no que diz respeito ao imaginário que os filmes refletiam. Se na época, a estética sombria, as narrativas oblíquas e as temáticas lúdicas eram uma reflexo do pessimismo e do amargor vivido na Alemanha pós-primeira guerra mundial, os filmes de terror, ao longo da história, também apresentam subtextos relevantes para os cenários aos quais foram produzidos.

Gênero: Horror

Quando o primeiro verdadeiro ciclo do horror tomou forma nos anos 30, os realizadores buscaram suas inspirações na literatura gótica. Por isso, este primeiro ciclo de filmes é conhecido como Ciclo Gótico e consistiu em um período de adaptações de criaturas consagradas da literatura e de contos fantásticos.

Frankenstein (1931), A Múmia (1932), O Homem Invisível (1933) e o Lobisomem (1934), foram os filmes mais marcantes do período, e que foram beneficiados pelo studio system existente em Hollywood na época. Todas essas produções chegaram às telas sob o comando da Universal Pictures e definiriam

um período de hegemonia do estúdio americano no gênero que duraria até a década de 40.

O começo dos anos 40 não foi muito positivo para as produções de terror, uma vez que os filmes de monstros começavam a apresentar tramas repetitivas e pouco envolventes, causando um esgotamento do estilo estabelecido na década anterior. A Volta do Homem Invisível (1940), A Mão da Múmia (1940) e Frankenstein encontra O Lobisomen (1943) são exemplos de longas-metragens que acabaram por explorar ostensivamente das criaturas fantásticas, esgotando o mercado para estas produções.

Curiosamente, por trás de alguns dos filmes dos anos 30, mas principalmente nas produções da década de 40 e 50, havia uma clara representação de uma sociedade amedrontada com o avanço tecnológico.

Filmes como Frankenstein e O Homem Invisível, que trabalhavam a criação de criaturas horripilantes por meio da ciência, representavam o pavor social perante o desconhecido que os avanços tecnológicos poderiam trazer.

Também durante a década de 50, com o fim da Segunda Guerra e o inicio das tensões da Guerra Fria, a temática representada passa a estar ligada aos anseios da época: a eminente guerra nuclear e a invasão comunista. Para o primeiro, filmes como O Dia em que a Terra Parou (1951), O Mundo em Perigo zint.online | 35

(1954) e Planeta Proibido (1956), trabalhavam com a representação da paranoia nuclear e de sua radiação, assim como os filmes de monstros gigantes. O cinema japonês, por exemplo, usou do primeiro longa de Godzilla, também de 1954, para extravasar figurativamente o medo e a dor causados pela arma de destruição em massa.

Ainda, os filmes do período expunham metaforicamente o perigo comunista, tratando-o ora como um vírus que dominava os corpos que se hospedava, ora como invasores de fora da Terra que subjulgavam a raça humana. Obras como A Morte Num Beijo (1955), Vampiros de Alma (1956) e Os Invasores de Corpos (1956) exemplificam essas situações. É interessante apontar que até a década de 60 os filmes de terror produzidos em Hollywood chocavam e assustavam por suas temáticas e construções de ambientações sombrias e macabras, não necessariamente por um horror visual repulsivo e sangrento. Essa característica é justificada pelo Código Hays, um conjunto de regras de censura que fora estabelecido na indústria cinematográfica americana na década de 30 e que perdurou até 1964.

Justamente por causa da censura estipulada pelo código Hays que o próximo ciclo de renovação do gênero viria do outro lado do oceano, na Inglaterra. Com uma liberdade criativa maior para as produções, o estúdio Hammer Films escreveu seu nome na história do

Além de ser aclamado pela crítica especializada, o terror A Bruxa de Blair (1999) tornou-se um sucesso finaneiro estrondoso. O filme, todo feito em found footage, custou apenas US$ 60 mil, arrecadando mais de US$ 200 milhões em bilheteria mundial

terror ao reciclar os monstros explorados pela Universal Pictures na década de 30, mas garantindo uma estética mais estilizada, trazendo mais sangue e cenas grotescas para os filmes. A Maldição de Frankenstein (1957) e O Vampiro da Noite (1958) foram muito bem recebidos por crítica e público, além de consagrarem a dupla Peter Cushing e Christopher Lee como dois nomes importantíssimos na representação de personagens icônicos de terror.

Enquanto os estúdios Hammer revigoravam o gênero com suas produções grotescas e sangrentas, os filmes hollywoodianos passaram também por mudanças relevantes na concepção do horror, motivados por duas transformações importantes: o fim do código Hays e o crescimento dos movimentos sociais dos anos 60. A queda da censura permitiu que os cineastas ousassem nas construções de cenas e em suas abordagens, encontrando no trabalho do oculto e sobrenatural uma grande possibilidade narrativa. O Bebe de Rosemary (1968), O Exorcista (1973), A Profecia (1976) e Carrie, A Estranha (1976) são exemplos de filmes que exploravam de sangue, vomito, contorção corporal e cenas mais fortes para chocar o espectador.

Ao mesmo tempo, as mudanças sociais intensas vividas no mundo nos anos 60 começaram a ser representadas nos filmes já no final da década. Em 1968, por exemplo, chegou aos cinemas A noite dos Mortos Vivos, de George Romero, filme que por trás do horror

dos ataques de zumbis, tratava das classes marginalizadas, excluídas socialmente. Ainda, O Despertar dos Mortos (1978) encontraram na metáfora do morto vivo a possibilidade de crítica ao consumo ostensivo e ao capitalismo exacerbado.

Na virada da década, toda a simbologia que tratava das mudanças socioculturais promovidas pelos movimentos sociais ganharam representações por meio da juventude transgressora da década de 60. Assim, os anos 80 foram recheados de filmes que configuraram o chamado Ciclo Slasher, em que os maníacos e assassinos representavam a figura patriarcal conservadora responsável de punir os jovens. Por isso é comum que em filmes de assassinos, os primeiros personagens a morrer sejam aqueles que se entregam aos valores carnais, como sexo e o uso de drogas, e ainda, que os últimos a sobreviver sejam as personagens que aparentam ser moralmente corretas.

Desta forma, produções como O Massacre da Serra Elétrica (1974), Halloween (1978), Sexta-feira 13 (1980) e A Hora do Pesadelo (1984), estabeleceram-se como uma grande tendência da década, em parte por revigorarem o gênero em Hollywood (muito influenciada pelos filmes de Giallo italianos) e por serem filmes baratos de se produzir, garantindo lucros exorbitantes para os estúdios. Assim como todos os ciclos bem demarcados, o slasher também foi explorado até seus desgaste temático, narrativo e mercadológico, perdurando

na memória dos aficionados por filmes de terror como um dos períodos mais produtivos do gênero no cinema.

Horror Modernizado

Com o início dos anos 90, e o eminente avanço tecnológico, a indústria cinematográfica como um todo abraçou as inovações técnicas do período. Ainda, a facilidade de noticiar e apresentar a violência real existente no dia a dia permitiu que o cinema explorasse de um intenso realismo gráfico, o que trouxe de volta alguns clássicos do terror em seus remakes, como Madrugada dos Mortos, dirigido por Zack Snyder, em 2004.

Ainda, os anos 2000 acabaram por criar dois ciclos e subgêneros interessantes para o gênero de horror: o torture porn e o foundfootage. Jogos Mortais (2004) se consolidou como a maior franquia do primeiro estilo, criando escola para filmes como O Albergue (2005), explorando de cenas de mortes grotescas, sangue excessivo, violência extrema, tortura e nudez gratuita.

O segundo ciclo foi iniciado de forma embrionária em 1999 com A Bruxa de Blair, sendo aperfeiçoado em [REC] (2007) e consagrado mundialmente com a franquia Atividade Paranormal (2009).

O artifício narrativo de filmar os acontecimentos com uma estética documental não só garantia uma sensação de realismo e uma construção de tensão ligada à dúvida sobre a veracidade dos acontecimentos, mas também assegurava que o orçamento do filme fosse

Seguindo a linha de filmagem found footage, Atividade Paranormal (2007) foi bem recebido pela crítica, ainda que o seu desempenho nas bilheterias mundiais tenha sido moderado. O frisson na internet, no entanto, garantiu ao filme uma franquia de seis filmes

Baseado em fatos reais, Invocação do Mal (2013) foi bem recebido tanto pela crítica especializada quanto pelo público, fazendo com que a produção ganhasse uma sequência lançada em 2016, além de três franquias spin-off

baixo, possibilitando um lucro maior para o estúdio.

O fundfootage também foi explorado ao extremo, rendendo boas películas como Cloverfield - Monstro (2008), Fenômenos Paranormais (2011), Amizade Desfeita (2014), antes de se esgotar na indústria.

Atualmente, as produções de terror voltaram a encontrar um período de mesmice, em que a enorme maioria dos filmes explora de casas com presenças demoníacas como cenário e de famílias tradicionais como personagens de intervenções macabras dos mais variados espíritos. Mesmo que haja uma prevalência de franquias ou de universos compartilhados por diferentes filmes, como Annabelle (2014) e Invocação do Mal (2013), houveram produções que não só quebraram com a tendência do mercado, mas também apresentaram críticas e subtextos interessantes.

Crítica Social

O sanguinolento Uma Noite de Crime (2013), por exemplo, trabalha com uma premissa não muito inovadora em Hollywood, mas problematizando-a com duas curiosas questões da sociedade americana atual: as políticas assistencialistas do governo Barack Obama e o debate de segurança nacional/pessoal. Na trama do longa-metragem, situada em 2022, os EUA conseguiram erradicar a violência do país ao criar um 38 | zint.online

evento chamado “Expurgo Anual”, uma única noite no ano em que qualquer indivíduo do país está legalmente autorizado a cometer qualquer tipo de crime sem sofrer nenhuma consequência jurídica. É uma espécie de troca de 364 dias de paz por uma noite de violência.

O ponto interessante é que apesar de a maioria dos filmes que trabalham com projeções futuristas adotem um viés humanista para expor as características do imaginário social em que estão inseridos, Uma Noite de Crime flerta com um tema extremamente impopular, garantindo um discurso político relevante para a produção: durante a selvageria dos acontecimentos do Expurgo, como as minorias mais pobres se protegerão? Seria o evento uma forma encontrada pelo governo para eliminar os mais pobres e garantir um controle demográfico? Os indivíduos tem capacidade de se protegerem ou necessitam de um controle do Estado?

Se existe um discurso político, não poderiam faltar às características comuns do gênero. O diretor James DeMonaco controla o ritmo da narrativa de forma que as cenas de violência catologicas não sejam gratuitas, contribuindo para a trama e os momentos de conflito e risco. Ainda, o diretor constrói bons sustos ao longo da projeção, assegurando que os fãs de terror encontrem um filme bem construído e com

identidade própria.

Lançado em 2014, Corrente do Mal tem todos os requisitos de um filme de horror independente.

Seja em seu orçamento enxuto e nas possibilidades limitadas de produção (que inclusive estão presentes e justificadas em algumas escolhas narrativas do longa) ou na estética independente assegurada pela fotografia do filme, o diretor David Robert Mitchell demonstra muita consciência e um pulso firme na confecção do ritmo de suspense necessário para filmes do gênero.

O verdadeiro esmero de Corrente do Mal reside no discurso social que o diretor se dispõem a trabalhar, subvertendo um elemento comum dos filmes de slasher. Se nos filmes de maníacos dos anos 80 os primeiros a morrer sempre eram os jovens que transavam, aqui toda a premissa da película, assim como a sobrevivência da protagonista, depende do ato sexual da mesma. É por meio de uma one night stand que a protagonista Jay acaba recebendo uma maldição que, de acordo com a mitologia construída no enredo, perseguiria a jovem até que ela passasse o fardo adiante, por meio de outra relação sexual.

Além da metáfora clara sobre doenças sexualmente transmissíveis, Mitchell é cirúrgico ao escolher a cidade de Detroit como ambientação para o longa.

O uso dos vários planos abertos para captar os cenários de desolação de uma cidade que outrora foi símbolo do American Way of Life funcionam perfeitamente para construir a sensação melancólica de insegurança que o filme explora, trabalhando com mais uma representação de uma característica da sociedade americana contemporânea.

Mas, talvez, de todos os bons filmes do gênero lançados nos últimos cinco anos, Corra! (2017) seja a produção que mais edifica um posicionamento social claro. Na trama acompanhamos o jovem negro Chris Washington que namora Rose Armitage, uma garota branca que pretende levar seu namorado para conhecer sua família. A partir desta premissa simples, o diretor Jordan Peele, que também assina o roteiro, desenvolve um filme repleto de nuances e críticas sociais afiadas ao racismo existente nos Estados Unidos, mas que consegue ultrapassar limites regionais e identificar situações que acontecem no Brasil.

Com a chegada à casa dos pais e o consequente convívio com a família, o roteiro usa de Chris para guiar o espectador por acontecimentos assombrosos, explorando as inúmeras possibilidades do que pode estar por vir. O ritmo crescente e tenso da produção permite um jogo psicológico com espectador, que

acaba sentindo na pela o desconforto e a desconfiança da personagem.

A sensação de perigo e urgência não se exaure em momento algum, mantendo o espectador com uma sensação de tensão por toda a projeção. Se dos horrores que a trama apresenta na virada do segundo para o terceiro ato, e principalmente em seu desfecho, Peele discute o racismo ostensivo e claro, é na inocência de Rose que consegue abordar as atitudes mais sutis da sociedade, mas que são igualmente preconceituosas.

Se os sogros do protagonista funcionam como uma espécie de arquétipo dos liberais americanos preconceituosos que “votariam em Obama por uma terceira vez”, como o próprio filme coloca, a personagem Rose é uma representação de um “dedo na ferida da sociedade”, evidenciando atitudes muitas vezes normalizadas ou que são pouco problematizadas.

De todos os merecidos elogios, Corra! se destaca por, mesmo depois de sua revelação mais forte que resolve o quebra-cabeça construído na trama, conseguir manter o espectador preso à jornada de Chris, reservando um último momento tão angustiante e pungente quanto à problemática social trabalhada como subtexto.

Apesar de estes últimos três filmes não possuírem uma temática específica conjunta, todos trabalham discursos sociais relevantes e urgentes na sociedade contemporânea atual. Talvez seja difícil cravar o início de um novo ciclo, um que poderia ser sustentado por representações de minorias e de subversões do próprio gênero, mas é inegável que a última década tem sido um período repleto de excelentes filmes de horror, produzidos por realizadores conscientes das possibilidades discursivas e reflexivas de um dos gêneros mais importantes da sétima arte.

Pôster de Corra! (2017), terror que trabalha com críticas ao racismo e outras questões sociais

Quarenta anos atrรกs em uma galรกxia muito, muito distante Victor Gama Entenda porque Star Wars continua dominando a cultura pop apรณs tanto tempo 40 | zint.online

H

á 40 anos, quando super-heróis estavam longe de ser o principal atrativo que leva as pessoas ao cinema, quando o termo blockbuster sequer existia e uma história destinada às grandes telas começava e terminava ali, George Lucas idealizou o primeiro capítulo de uma saga que mudou o mundo.

Sua ideia seria responsável por modificar a forma em que os estúdios, os cineastas e a sociedade enxergavam o cinema e que influenciou, direta e indiretamente, todas as obras da cultura pop feitas desde então.

Quando Uma Nova Esperança chegou aos cinemas em maio de 1977, o filme veio com a promessa de uma história apaixonante e inovadora, apresentando um universo que levaria o expectador a um lugar em que ele nunca havia sequer imaginado. Pessoas do mundo inteiro entraram nas salas de cinema curiosos e saíram apaixonados, ansiando levar um pedaço daquele mundo para casa.

Pesquisadores e estudiosos do cinema sempre tentam explicar o porquê da saga de George Lucas ser tão popular, enunciando com frequência sobre o fenômeno mercadológico que o jovem cineasta iniciou. Ainda, muitos especialistas apontam que Lucas soube explorar perfeitamente a filosofia de Joseph Campbell e sua “Jornada do Herói” na aplicação de conceitos e na construção de personagens do universo Star Wars, criando uma relação pessoal e mais catártica com o espectador. Contudo, só isso não explica a Força que a “galáxia muito, muito distante” exerce há 40 anos sobre o mundo.

O segredo por trás do sucesso de Star Wars é a capacidade de contar por meio de um roteiro simples, uma história que aborda valores e temáticas universais. George Lucas costuma dizer que sua franquia é, sobretudo, a história dos Skywalker e, portanto, uma história familiar que aborda questões como o amor de pai e filho, a busca de uma identidade própria, o

desejo de pertencimento, a chance de fazer diferença para uma causa e muitas outras temáticas que vivenciamos todos os dias no mundo real.

Seja graças as aventuras de Luke Skywalker, de Anakin ou de Rey, o mundo criado por Lucas sempre atraiu novos apreciadores, superando barreiras geracionais para encantar com sua mitologia. Mesmo em momentos de fracasso de crítica (estou falando com você, trilogia prequel), novos aficionados acabam se encantando por essa possibilidade de viajar nesse universo fantasioso.

Um aspecto fundamental e que fortalece a franquia é a liberdade dada a todas as mentes criativas envolvidas no processo de criação de um universo expandido transmídia. Com centenas de jogos, HQs, séries animadas de TV, livros e outros produtos, o universo de Star Wars parece infinito e, mais importante do que isso, pertence a seus fãs, responsáveis por mantê-lo vivo mesmo em períodos em que a franquia está em baixa.

Ainda, Star Wars: Uma Nova Esperança é um dos marcos mais importantes para a indústria cinematográfica contemporânea. Depois de passar pela maior crise de sua história no final dos anos 1960, Hollywood passou por uma reconfiguração estética, mercadológica e produtiva graças ao nascimento dos filmes blockbuster. O primeiro filme da franquia, juntamente com Tubarão (1975), de Steven Spielberg, foram os grandes responsáveis por levar milhões de espectadores as salas de cinema e alcançar bilheterias nunca antes vistas na indústria.

A revolução tecnológica que os filmes de George trouxeram é outro ponto a ser explorado. Na trilogia original, a maneira em que os efeitos práticos foram utilizados foi inovadora. A possibilidade de dar vida a um personagem como Yoda, que era um simples fantoche manipulado pelo gênio Frank Oz, foi algo nunca antes visto no cinema, pelo menos não com tanta eficácia e profundidade. zint.online | 41

Nos filmes originais de Star Wars, o Mestre Yoda era um efeito prático, sendo utilizado um boneco-fantoche controlado por pessoas reais

Na segunda trilogia a revolução se deu nos efeitos digitais. Se para a crítica especializada e para a maioria dos fãs faltou qualidade no roteiro, a computação gráfica presente no filme foi uma unanimidade. Pela primeira vez na história, em Star Wars - Episódio II: Ataque dos Clones um filme foi filmado com câmera 100% digital.

Na renovação da franquia iniciada em 2015 com Star Wars: O Despertar da Força, a maneira encontrada de revolucionar foi utilizar de maneira equilibrada tanto efeitos práticos quanto digitais, o que trouxe um primor visual para o filme, resgatando o espírito dos filmes originais. A nova trilogia é um capítulo especial também na sua representatividade.

Apesar da presença significativa de personagens Cena de “Star Wars: O Despertar da Força”. Na foto, Rey, a nova protagonista da historia, e BB-8, o novo androide auxiliar.

femininas fortes nas duas primeiras trilogias (como ignorar a icônica Princesa Leia?), a representação dessas personagens ainda era muito sexualizada e explorada de uma maneira antiquada e retrógrada pelos diretores e roteiristas (os diálogos de Padme na trilogia dos prelúdios são um bom exemplo). Atualmente, a construção das personagens femininas, com destaque especial para o protagonismo de Rey, acompanha as mudanças vividas na sociedade em que o filme pertence, sendo evidente o crescimento do público feminino, especialmente infantil, nas salas de cinema de todo o mundo.

E se Rey foi uma personagem pioneira no universo criado por Lucas, o longa-metragem Rogue One: Uma História Star Wars, primeiro filme derivado da franquia, que estreou em 2016, seguiu a tendência ao dar vida à rebelde Jyn Erso. Enquanto isso, no próximo capítulo da saga dos Skywalker, Star Wars: Os Últimos Jedi que estreia dia 15 de dezembro de 2017, vai continuar a jornada de Rey nos cinemas, dessa vez ao lado do mentor e também protagonista Luke Skywalker, que finalmente retorna a franquia e que deve ter um papel de grande destaque no longa.

Além do Episódio 8, em 2018 teremos o segundo filme derivado de Star Wars, ainda sem título, que promete contar a origem do icônico Han Solo.

O plano da Lucasfilm e da Disney, detentoras dos direitos de produção da franquia, é continuar fazendo filmes (e séries!) mesmo após o fim desta nova trilogia, expandido o universo de George Lucas. Tudo, unido, só confirma a máxima deste universo: a Força sempre será mais forte em Star Wars.

A polêmica da Netflix ressoa em Cannes A

discussão levantada durante a coletiva de imprensa do júri, presidido nesta edição por Pedro Almodóvar, que questionou a postura da Netflix de não estrear seus filmes em salas de cinema, priorizando o streaming direto da plataforma, ganhou força na mídia durante as últimas semanas e vem dividindo opiniões entre especialistas, público e cineastas. Contudo, a questão é bem mais densa do que aparenta e envolve, primordialmente, o desvanecimento da habitual prática de ir ao cinema e a forma como isso acaba impactando

Rafael Bonnano

a indústria. Por outro lado, pode-se levar em conta fatores econômicos e contemporâneos, como o valor de uma assinatura mensal do serviço comparado ao preço do ingresso e a praticidade de assistir aos filmes no conforto de casa.

Na ocasião, dois filmes com produção da Netflix estavam participando da competição principal, The Meyerowitz Stories, do queridinho indie Noah Baumbach e Okja, do diretor e roteirista sul coreano Bong Joon-Ho. Em momento algum a qualidade dos filmes foi questionada, mas sim suas formas de

Entre o elenco estrelar de “Okja” (2017) está Tilda Swinton, que contracena com a atriz sulcoreana Seo-Hyun Ahn

distribuição e consumo.

“A Netflix é uma nova plataforma para oferecer conteúdo pago, o que, em princípio, é bom e enriquecedor.

No entanto, esta nova forma de consumo não pode tentar substituir as já existentes, como ir ao cinema, não pode alterar o hábito de espectadores, e acho que esse é o debate agora. Para mim, a solução é simples: as novas plataformas devem respeitar as regras atuais, tais como a existência de janelas de exibição, e cumprir as regras de investimento que já regulam as televisões. É a única maneira de coexistir. Parece um enorme paradoxo dar uma Palma de Ouro ou qualquer outro prêmio a um filme que não pode ser visto na tela grande.

Respeito as novas tecnologias, mas enquanto continuar vivo vou defender algo que as novas gerações parecem não conhecer: a capacidade hipnótica de uma tela. Acho que a tela em que vemos um filme pela primeira vez não pode ser parte da nossa mobília, temos que ser pequenos para estar dentro do filme que nos captura” – Pedro Almodóvar sobre a polêmica decisão da Netflix.

O cineasta Pedro Ribeiro menciona que essa discussão protagonizada pela Netflix aponta uma certa “crise cultural e artística” responsável por assolar não só a indústria como também os meios de consumo do público e sustenta tal apontamento com um fato que presenciou na própria carreira profissional, “Quando fui curador de um festival em Belo Horizonte, fiquei extremamente triste porque nem mesmo meus colegas de cinema iam às sessões [gratuitas] no Cine Humberto Mauro, mas pediam fervorosamente os links dos filmes online para assistir em casa”. Por outro lado, “na França [onde reside atualmente], não importa o dia da semana, os cinemas [a maioria] ficam lotados para quase todo filme, independente do preço”, demonstrando, talvez, que o problema cultural envolva também uma questão de tradições e costumes locais.

O Mestre em Comunicação e Doutor em Artes Eduardo de Jesus acrescenta que a polêmica é complexa e se coloca nas mais diversas frentes de discussão: “existe um exercício de poder que se coloca cada vez que os suportes de difusão da produção audiovisual mudam ou se expandem. Com o streaming não é diferente e novas complexidades são inauguradas”. Além

da Netflix, existem cerca de 20 ou mais serviços de streaming responsáveis por fomentar a produção independente e autoral, como é o caso do Afroflix.

“Acho que a exibição cinematográfica na sala de cinema é uma forma central e muito importante, mas não é única”, complementa o professor que percebe que estamos experimentando um redimensionamento das formas de distribuição que passam também pelas já popularizadas plataformas cotidianas do YouTube e do Vimeo.

Fato é que diante da atual polêmica a organização do Festival de Cannes anunciou que filmes que não tiverem devida circulação em salas francesas não estarão aptos a competir pelo o Palma de Ouro a partir da próxima edição.

Com certeza o assunto não será encerrado e ainda vai permear por outros festivais e premiações mundo afora até que haja alguma harmonia. Percebemos aqui que as discussões são amplas e envolventes, portanto é necessário que todas as partes se façam compreendidas a fim de que as conclusões ou soluções encontradas pela indústria não deixem de reconhecer grandes obras só pelos seus meios de distribuição.

Acho que a exibição cinematográfica na sala de cinema é uma forma central e muito importante, mas não é única

Ben Stiller e Adam Sandler atuam juntos em “The Meyerowitz Stories”, um dos dois filmes da Netflix que concorriam ao Palma de Ouro

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CAPA

MULHER MARAVILHA ESPECIAL

João Dicker

Stephanie Torres

vics

DIANA de temíscira: dos Quadrinhos para a Mídia A

super-heroína Mulher-Maravilha é uma das personagens femininas mais importante e conhecida de todos os tempos. Criada em 1941, a heroína da DC Comics completou 75 anos de existência nos quadrinhos em dezembro de 2016, mesmo ano em que ganhou sua primeira adaptação cinematográfica.

Ao longo de todos os seus anos de vida, a essência de uma das personagens mais icônicas dos

quadrinhos foi transformada, traída, transgredida, refeita e edificada ao longo das mais variadas representações nos quadrinhos, na televisão, nas animações, nos games, e agora, no cinema. Independente de qualquer afirmação história ou de juízos de valor, a personagem já nasceu com um contexto mais interessante do que seus colegas de editora, sendo um reflexo do que seu criador e do mundo em que ele estava inserido compreendiam na época.

A Frente de seu Tempo Criada pelo psicólogo e suposto inventor do polígrafo William Moulton Marston, a Mulher-Maravilha chegou aos quadrinhos em uma época onde a grande maioria dos heróis protagonistas das HQs eram homens. Na DC, reinavam o Batman e Superman, enquanto o Capitão América e Tocha Humana eram um dos grandes trunfos da Marvel (então Timely Comics).

Inicialmente, Marston trabalhava como psicólogo consultor da DC Comics, ajudando os editores da época, Max Gaines e Sheldon Mayer, nas decisões editoriais que agradassem o público mais adulto.

Naquele período, os quadrinhos de super-heróis receberam árduas críticas devido a violência existente em seus desenhos e suas narrativas, sempre entrelaçadas ao combate nazista. Assim, Marston conseguiu convencer Gaines e Mayer de que a solução para aliviar o tom das histórias contadas nos gibis era a criação de uma super-heroína. Para ele, era necessária a existência de uma personagem que vencesse os seus adversários não somente por meio da força física e de superpoderes, mas também explorando do amor e da humanidade interior.

A edição #1 da revista da Mulher Maravilha

O psicólogo era uma figura folclórica a parte e com pensamentos muito a frente de seu tempo, vivendo com duas mulheres: sua esposa, Elizabeth Holloway Marston, e uma ex-aluna de quando era professora, Olive Byrne. A vida dentro daquela casa não poderia ser mais plural e aberta, com Marston tendo tido filhos com ambas as mulheres. As duas, inclusive, tinham envolvimento direto no Movimento Sufragista e no Movimento pelo Controle da Natalidade, existentes na época.

Apaixonado por mulheres guerreiras e empoderadas, o escritor se inspirou na luta do que chamava “as novas mulheres”, aquelas libertas, fortalecidas e independentes, aquelas que, de acordo com o autor, foram responsáveis pelo crescimento do poder feminino.

Em fevereiro de 1941, Marston entregou um roteiro datilografado à Mayer, intitulado “Suprema, a Mulher-Maravilha”. Depois de ler à narrativa, e mesmo que discordando de algumas representações feitas pelo escritor ou de sua origem extremamente fantasiosa, o editor bateu o martelado permitindo a publicação da revista com uma única alteração: ele cortaria o “Suprema”, chamando a personagem de Mulher-Maravilha.

Assim, os meses seguintes foram de inúmeras conversas, esboços e tentativas de colocar no papel todo o imaginário da personagem que Marston havia apresentado. O autor manteve pulso firme em suas exigências de que a heroína conservasse o “significado-subjacente de um grande movimento que estava em curso, o da escalada do poder feminino”. Por isso, exigia que toda essa representação estivesse presente na maneira de se portar, na constituição física, nas vestes e nos poderes de Diana.

Apresentando a Mulher-Maravilha

Com uma história fantasiosa que envolvia origens relacionadas à mitologia grega, a personagem foi apresentada ao público em All Star Comics nº 8, no outono de 1941. Estabelecendo a origem da personagem como uma guerreira amazona que vivia em uma ilha paradisíaca afastada do mundo violento e podre dos homens, Diana era filha de Hipólita, a rainha amazona.

Entretanto, a paz existente na ilha é interrompida quando o capitão Steve Trevor cai de avião na terra das guerreiras, trazendo a notícia de que uma guerra alastrava o mundo humano. Em uma missão de salvação para ajudar os combatentes americanos, Hipólita decreta que a vencedora de um torneio de lutas seria a amazona escolhida a adentrar a guerra e

Diana, filha da Rainha Hipólita, uma deusa gregra, na Ilha do Paraíso

colocar um fim a destruição e violência do homem.

Quando Diana consagrasse campeã, sua mãe lhe costura um uniforme vermelho, azul e branco, antes que a personagem deixasse a Ilha Paraíso para combater o fascismo por meio da representação do feminismo.

Marston a partir de então passou a descrever a personagem como modelo do poder feminino e um ícone da ideologia feminista que buscava a igualdade de direitos entre homens e mulheres. Entretanto, as investidas ideológicas do autor por meio dos quadrinhos acabaram não sendo tão efetivas uma vez que, em 1942, a personagem adentrou na Sociedade da Justiça, então formada somente por personagens masculinos, na edição de All Star Comics nº11. O problema é que o triunfo que deveria representar foi transformado em uma decisão editorial medonha: Diana havia sido nomeada a secretária da equipe.

Roteirizada por Gardner Fox, e não por Marston, a passagem da personagem na Sociedade da Justiça rendeu episódios medonhos para a heroína. O criador de Diana passou meses brigando com os editores para que eles compreendessem a necessidade de continuidade na representação do movimento feminista em sua Era Progressista. Depois de muita reclamação, Marston conseguiu permissão para reescrever os roteiros e as participações da personagen, criando

subtramas em que a mesma convocava boicotes, comícios e greves enquanto civil, e salva o mundo enquanto heroína.

As representações da personagem como uma mulher e uma heroína destemida, forte e socialmente ativa perduraram até o final da década de 40, quando, em 1947, William Moulton Marston faleceu. A partir de então, a DC Comics acabou repaginando a heroína mais famosa de todos os tempos, tentando adequá-la as regras que foram impostas com o Comics Code Autorithy.

A Era de Prata

A era de prata, período que compreende as histórias dos anos 50 até meados dos anos 70, foi um uma das eras em que todos os personagens de quadrinhos foram mais modificados. Tais transformações foram causadas devido ao Comics Code Auhotity, um código estipulado nos Estados Unidos e que visava controlar e censurar o conteúdo publicado nas HQs, uma vez que as críticas referentes a violência, ao vocabulário e ao sexo presente as histórias, tornavam os quadrinhos produtos que contribuíam para a delinquência juvenil.

O código foi responsável por revitalizar o mercado, já que os quadrinhos que trabalhavam temáticas zint.online | 51

Lynd Carter trajando o icônico uniforme.

"Wonder Woman" estreou na televisão em 1975

mais pulp, como as histórias de terror, as ficções científicas e as narrativas de gangster, foram as que mais sofreram repressão. Com isso, os gibis de super heróis passaram a dominar o mercado mainstream, mas também sendo obrigados se adequarem editorialmente as mudanças impostas.

Essas exigências desagradaram muitos fãs da época que, não gostaram de ver personagens que sempre existiram em ambientações soturnas e temáticas mais violentas e maduras, como o Batman, serem transformados em heróis mais caricatos e infantis.

A Mulher Maravilha da Era de Prata passou a conter histórias enredos mais românticos e sensíveis, desconstruindo um pouco da imagem de guerreira amazona libertadora e engajada socialmente. Com isso, a indústria de quadrinhos caminhou para um período em que os avanços tecnológicos e o advento da televisão reduziram drasticamente o número de vendas de 52 | zint.online

gibis, fazendo com que as gigantes empresas do ramo enfrentassem uma crise financeira profunda.

A partir da existência da televisão e de suas novas possibilidades narrativas, as editoras passaram a considerar a realização de produtos audiovisuais que dessem vida a seus personagens consagrados nos quadrinhos.

O Super-Homem, por exemplo, chegou as telas americanas na série As Aventuras do Superman, em 1952, ficando no ar até 58. Batman estrearia em 1966 e perduraria até 1968. Com isso, o momento para uma adaptação das aventuras de Diana estava chegando, criando a expectativa para uma série de TV que trouxesse vida a Mulher-Maravilha.

A Mudança de Mídia

O ano de 1975 foi um importante marco para a personagem. No dia 7 de novembro, o canal norte-americano ABC estreava o primeiro capítulo da série

Wonder Woman. A produção televisiva, estrelada por Lynda Carter, foi a terceira tentativa em transpor a personagem para a televisão.

O primeiro episódio da série, no entanto, foi um telefilme feito, junto a outro episódio de duas horas.

Nesse enredo, o ano é 1942. Durante a Segunda Guerra Mundial, o piloto norte-americano Steve Trevor (Lyle Waggoner) sofre um acidente, caindo na Ilha do Paraíso, localizada no Triângulo das Bermudas. Encontrado por Diana, a Amazona cuida do piloto até que ele se sinta melhor em retornar para o seu mundo. Para esta aventura, a Rainha Hipólita (Cloris Leachman) cria um torneio grego para selecionar uma Amazona que acompanhará Trevor nessa viagem, proibindo sua filha, a Princesa Diana, de participar do evento. Disfarçada, Diana ganha o torneio e o direito de partir com Steve, recebendo de sua mãe o icônico traje de Mulher Maravilha e todos os seus apetrechos, como o Bracelete, a Tiara

e o Laço da Verdade.

Assim que os dois chegam ao Mundos dos Homens, voando no Jato Invisível, Diana deixa Steve em um hospital de Washington, capital dos Estados Unidos, deparando-se, logo em seguida, com um roubo, no qual ela ajuda a deter os bandidos. Vestida de Mulher Maravilha, Diana fica famosa e desenvolve o alter ego de Diana Prince, secretária de Steve Trevor. Com a polvorosa dos nazistas, a maior parte dos vilões apresentados na primeira temporada são agentes duplos ou generais da Alemanha Nazista.

A série também gerou a icônica transformação de Diana em Mulher-Maravilha, onde Lynda Carter dava um giro e suas roupas de civis eram transformadas em seu uniforme.

Embora os treze primeiros episódios de Wonder Woman tenham alcançado clamor do público e sólidos números de audiência, a produção foi cancelada pela ABC. Tendo em vista que sua narrativa era de época, passando-se na Segunda Guerra Mundial, o canal via que isso acabava limitando a sua história, além de ser demasiada cara para produzir. Insatisfeito, Jerry Lieder, o então presidente da Warner Bros.

Television, empresa que é até hoje detém os direitos de produção da Mulher Maravilha, acertou com o canal CBS para renovar a série para sua segunda temporada, trazendo Diana para os anos de 1970.

A segunda temporada do programa estreou com grandes mudanças criativas. Não só Diana estava nos dias atuais após retornar da Ilha do Paraíso, onde ficou por 35 anos, mas agora ela era uma agente do governo e, em um dos maiores choques, Steve Trevor estava morto. O motivo da morte da personagem nunca foi revelado, embora o ator tivesse permanecido na série, agora como Steve Trevor Jr., único filho da personagem.

No encargo programático da CBS e agora com uma temporada de 22 episódios, Wonder Woman passou a ter uma influência maior das séries policiais, que começavam a fazer enorme sucesso no canal. A produção também continuou com a política de "sem matar" da Mulher Maravilha, que era uma consequência do Código Hays – uma série de regras de censura para produções audiovisuais estabelecida em 1930.

A série, no entanto, durou apenas três temporada, quando foi cancelada mais uma vez. Embora a produção tenha sofrido uma segunda grande modificação no início do terceiro ano, afim de estabelecer uma linguagem mais jovem, como dar à sequência inicial um visual mais disco, e ter a Mulher Maravilha zint.online | 53

relocada para Los Angeles e um novo departamento, a série não conseguiu segurar a audiência, encerrando sua exibição em aberto. Wonder Woman então foi substituída por O Incrível Hulk, e Lynda Carter seguiu em carreira musical.

Tentativas Precedentes

Anteriormente à série Wonder Woman, houveram duas tentativas de levar Diana para as telinhas. A primeira, em 1967, aproveitava do gigantesco sucesso da série de TV Batman, estrelado pelo recém falecido Adam West. O produtor do programa, William Dozer, encomendou um script para um piloto, sendo

reescrito por Stanley Ralph Ross, também envolvido com Batman.

A série, intitulada Who's Afraid of Diana Prince? ("Quem Está com Medo de Diana Prince?", em tradução literal), nunca chegou a ser produzida. Em um vídeo curto do piloto, feito para ser apresentado de teste aos canais, mostravam duas atrizes fazendo o papel de Mulher Maravilha: uma como a heroína, e outra como Diana Prince. Esta última era interpretada por Linda Harrison, que pouco tempo depois incorporou a personagem Nova, nos dois primeiros filmes da franquia Planeta dos Macacos.

Na porção do vídeo, divulgado na internet como um eas-

Cathy Lee Crosby interpretou a Mulher Marailha em um telefilme de 1974. No filme, ela não trajava o uniforme clássico e nem tinha superpoderes

ter egg da carreira de Linda, Hipólita (Maudie Prickett), a mãe de Diana, clamava que ela se sentia envergonhada por Diana não estar casada.

Embora bastante correspondente aos valores da década de 1960, um completo erro para a mitologia da Mulher Maravilha (e para todas as mulheres).

A segunda tentativa chegou a ser exibida na televisão. Inicialmente imaginada para ser uma série, a ABC produziu um filme para a TV chamado Wonder Woman, sendo exibido em 1974. A ideia era exibir o "piloto" para ver a resposta do público, antes de dar início a uma temporada completa.

A produção, no entanto, foi um fiasco. Interpretada por Cathy Lee Crosby, a Mulher Maravilha do telefilme não usava o uniforme icônico da personagem (e sim uma espécie de vestido-austronauta-futurístico sobre uma legging), não possuía nenhuma habilidade super-humana (embora andasse por aí com uma vara de atletismo como arma), e era loira.

Com a audiência "não maravilhosa", a ABC repensou o formato, estreando, no ano seguinte, a série Wonder Woman estrelada por Lynda Carter. O telefilme de Cathy está hoje disponivel na loja online da Warner Bros. como Video On Demand (Vídeo por Demanda).

Aventuras do Superboy

Quando Smallville – As Aventuras do Superboy estreou na grade da The WB, posteriormente The CW, e começou a montar a sua própria versão da Liga da Justiça, Diana era uma das personagens cotadas para fazer aparição em Pequenópolis. Unindo-se aos personagens já estabelecidos pela série, como Oliver Queen, o Arqueiro Verde (Justin Hartley), e Arthur "AC" Curry, o Aquaman (Alan Ritchson), a Mulher Maravilha nunca chegou a visitar Clark Kent (Tom Welling).

O projeto para a aparição da personagem teve que ser cancelada devido, na mesma época, Joss Whedon estar tentando produzir o primeiro filme com a heroína. Devido a embargo da personagem, a produção de Smallville teve que se contentar em apenas fazer uma breve citação de sua existência, na décima e última temporada da série. No episódio, Chloe Sullivan (Allison Mack), melhor amiga de Clark, conta que se deparou com uma "mulher maravilhosa" durante suas buscas por outros seres poderosos.

Smallville, no entanto, contou com a participação de Lynda Carter. Na sexta temporada, a atriz fez uma breve participação como a mãe de Chloe.

Ela é um Avião

Em 2005, o diretor Joss Whedon, responsável por Os Vingadores e toda a elaboração do Universo Cinematográfico da Marvel, escreveu um roteiro para um filme de Mulher Maravilha. O projeto,

que também seria dirigido por Whedon, levou alguns anos para ser finalizado e nunca chegou a ser produzido, levando o diretor a ir buscar emprego na Marvel.

A ideia inicial do filme era mostrar Diana nos tempos modernos, e contar um pouco de sua origem.

Com o script nunca aprovado, o filme foi engavetado.

Porém, 11 anos depois, no início do mês de junho de 2017, o roteiro vazou na internet, causando ultraje entre as pessoas.

Whedon, que também havia sido responsável por Buffy, a Caça-Vampiros, a cultuada série Firefly e o co-roteiro de Toy Story, havia escrito uma história bastante polêmica. Marcado como "sexista", a primeira frase faz referência a um "Ela", logo sendo revelado que, na verdade, "ela" é um avião.

Os primeiros momentos do filme diriam respeito unicamente a Steve Trevor, que no filme possuiria uma moral um tanto duvidosa e um grande rancor para com Diana. Por sua vez, Diana seria constantemente objetificada pelo sexo masculino, sendo, até mesmo, chamada de "v*dia".

A polêmica ressoou até mesmo em Patty Jenkins, responsável pela direção de Mulher-Maravilha (2017). A diretora comentou que "não há sentido algum em comparar o que foi feito agora com o que poderia ter sido feito anteriormente", referindo-se ao script de Joss, que agora está envolvido com o Universo Expandido da DC (UEDC).

O diretor irá dirigir o vindouro filme da Batgirl, Ainda que não tenha aparecido em Smallville, Diana participou dos quadrinhos da série, lançados após o fim da produção

Uma das raras fotos do elenco e diretor do cancelado Justice League Mortal reunido. No centro, loira, Megan Gayle, que viria a interpretar a Mulher Maravilha

além de estar responsável pelas filmagens adicionais de Liga da Justiça, filme que estreia em novembro de 2017 e é dirigido por Zack Snyder, que se afastou da produção após uma tragédia familiar. Whedon também está sendo creditado como um dos responsáveis pela arquitetação do futuro do UEDC. Quase Liga da Justiça

Um ano após a Marvel Studios dar o pontapé em seu próprio Universo Extendido Cinematográfico, com Homem de Ferro (2008), a DC deu início à produção de Justice League Mortal. O filme seria dirigido pelo incomparável George Miller, responsável pela franquia Mad Max, e traria, pela primeira vez na história, toda a Liga da Justiça reunida.

De todas as produções da DC que acabaram sendo canceladas, este foi o filme que chegou mais perto de ser filmado, tendo reunido todo o seu elenco para uma foto épica pouco tempo antes do início das filmagens. A película contava com D. J. Cotrona como o Super-Homem, Armie Hammer (que hoje é constantemente relacionado a rumores de que será um dos Lanternas Verdes no vindouro filme d'A Tropa dos Lanternas Verde e Liga da Justiça) como Batman, Adam Brody como o Flash, Commom como o Lanterna Verde, Santiago Cabrera como Aquaman e Hugh Keays-Byrne como O Caçador Marciano, Ajax. Justice League Mortal ainda teria sua própria Mulher Maravilha, que ficou a encargo da atriz Megan Cale.

A ideia do filme era um tanto polêmica. A Warner Bros. queria que a película fosse toda filmada através do processo de captura de movimentos, que 56 | zint.online

resultou no bem recebido Beowulf (2007), gerando um orçamento de US$ 200 milhões para a produção. Enquanto isso, a história seria envolta na fúria de Batman com os meta-humanos, levando-o a construir um exército de robôs para ficarem no lugar dos membros da Liga da Justiça. Seu plano dá errado, e ele acaba criando em uma Legião do Mal de Inteligências Artificias, precisando da ajuda da Liga para detê-los.

Com a Greve dos Roteiristas de 2008, a Warner precisou dar um pause na produção, vendo que o roteiro precisava de ser aperfeiçoada e a greve não deixava ninguém trabalhar. Com o seu fim, o estúdio retornou a produção do filme, agora indo para o Canadá.

O filme, no entanto, foi cancelado logo depois.

Um documentário sobre a turbulenta produção do filme, com filmagens exclusivas da pré-produção e todas as artes

que foram usadas para projetar o filme, foi anunciado para 2016, mas nunca chegou a ser lançado. Pôster de divulgações foram liberados ainda em 2015. conceituais

De Volta à TV?

Sem ver a luz do dia desde o fim de Wonder Woman, em 1975, a Mulher Maravilha continuou sem sorte. Agora no século 21, no final de sua primeira década, dois novos projetos prometiam dar vida para a heroína.

A primeira era Wonder Woman, que após ser rejeitada pelas maiores redes de canais, foi selecionada pela NBC para ganhar um episódio-teste.

Estrelada por Adrianne Palicki, a série não passou pelo piloto de aprovação, sendo cancelada e engavetada. Enquanto Adrianne encontrava um novo emprego na ABC, como a Harpia/Bobby, em MARVEL's Agents of S.H.I.E.L.D., o episódio piloto vazou na internet pouco após o seu cancelamento. .

Nesta "reinvenção", Diana possuía três alter-egos. O primeiro deles era como a famosa Mulher Maravilha, heroína que combatia o crime e as forças do mal. O segundo era Diana Themyscira, empresá-

Adrianne Palicki como a heroína, nas gravações do piloto da série Wonder Woman

meiro script foi feito, tendo sido reescrito duas vezes, ainda em 2013 e 2014. Na época, o canal acelerou a produção de The Flash, para que a série pudesse tomar o espaço que inicialmente seria de Amazon.

No início de 2014, o projeto foi oficialmente engavetado, "sem planos para revisita-lo no futuro".

Mais tarde, uma pista foi data por Geoff Johns, que no ano passado foi anunciado como co-chefe da DC Films e responsável pelo estabelecimento do futuro da UEDC, após a má-recepção de Batman vs Superman: A Origem da Justiça. Na época, o produtor contou que a Mulher Maravilha poderia vir a ser vista em Arrow, uma vez que Amazon se passaria no mesmo universo.

A tal aparição, no entanto, nunca aconteceu, e Diana continuou no freezer.

Diana Animada

ria e dona-fundadora das Themyscira Industries, e que o mundo inteiro sabia ser a identidade "real" da Maravilha.

A personagem ainda assumia a identidade de Diana Prince, uma solitária mulher "do mundo real", um alter-ego que Diana sempre usava quando precisava de uma folga de sua vida corrida e de sucesso.

Com o seu vazamento, o episódio foi mal recebido pela crítica e pelo público, sendo marcado como um "embaraço".

A segunda tentativa contemporânea, ao contrário do unaired da NBC, nunca saiu da pré-produção.

Amazon, projeto da The CW, que dava os primeiros passos para estabelecer o seu império de super-heróis da DC, exploraria as origens da heroína, tendo Temíscira como seu pano de fundo.

O projeto foi iniciado em 2013, quando um pri-

Em contra partida à falta de sucesso em transpor Diana mais uma vez para a TV (ou fazer sua estreia nos cinemas), a personagem tem tido um bom sucesso entre os filmes animados e os desenhos. Ao longo dos anos, a Mulher Maravilha já foi vista em 16 filmes animados, entre eles o homônio Mulher Maravilha (2009), Liga da Justiça: Crise nas Duas Terras (2010), Liga da Justiça vs. Os Jovens Titãs (2016) e LEGO Batman: O Filme (2017).

A Amazona também já foi vista em várias séries animadas, como Liga da Justiça (2001-2004) e Liga da Justiça: Sem Limites (2004-2006), além de Super Amigos (1973-86).

Na televisão animada, Diana pode ser assistida em Justice League Action, da Cartoon Network. O desenho animada estreou em dezembro de 2016, com 52 episódios programados para a sua primeira temporada.

O filme animado Mulher Maravilha foi lançado em 2009

O Alvorecer da Justiça

Com todas as tentativas de levar Diana de volta a TV, o mundo parecia nunca mais ter a chance de se (re)apaixonar pela personagem. Porém, com o início do Universo Cinematográfico da DC, com O Homem de Aço (2013), as chances de a Mulher Maravilha voltar a ser adaptada aumentaram.

O sucesso moderado do filme estrelado por Henry Cavill no traje do icônico Super-Homem animou a Warner Bros. e a DC em montar, pela primeira vez na história, a Liga da Justiça. O primeiro passo pela essa empreitada ambiciosa foi Batman vs Superman: A Origem da Justiça.

Lançado em 2016, o filme dirigido pelo visionário (e pouco compreendido/amado) Zack Snyder, também diretor de O Homem de Aço, trouxe um duelo sem precedentes entre o Super-Homem e o Batman.

Interpretado por Ben Affleck, o Morcego foi reapresentado em uma roupagem baseada na versão mais velha de Bruce Wayne, vigilante de Gotham City há mais de 20 anos. A película também deu a oportunidade de outros membros de Liga fazerem uma aparição, como o Aquaman (Jason Momoa), o Flash (Ezra Miller) e o Ciborgue (Ray Fisher), que serão os heróis dessa primeira geração da Liga da Justiça.

Batman vs Superman também deu ao mundo o que já se esperava há quase 40 anos. Diana fazia seu majestoso retorno para o mundo live-action, agora no corpo da israelita Gal Gadot, que era conhecida pela grande público por seu papel como Gisele Yashar, em três filmes da franquia Velozes & Furiosos. Nesta nova versão, a Princesa de Temíscira havia se aposentado há 100 anos, após perder a fé na humanidade.

No filme de Zack Snyder, Diana possui uma armadura mais cromada, e mais acabada devido o passar do tempo. As cores, extremamente opacas, marcam a lembrança do que um dia foi a Mulher Maravilha, animada em estar no Mundo dos Homens e acabar com a "a Guerra para acabar com todas as Guerras".

Mulher-Maravilha Foram necessários 75 anos de história para que a Mulher

pudesse ganhar o seu próprio filme, de uma vez por todas. A película é o resultado de um trabalho árduo da Warner Bros./DC em estabelecer o seu próprio Universo Cinematográfico, em resposta ao gigantesco sucesso do Universo Cinematoráfico da Marvel (o UCM,ou MCU em inglês).

Dirigido por Patty Jenkins, Mulher-Maravilha chegou às telonas estabelecendo recordes e sendo Maravilha

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Como Amazona, na Ilha do Paraíso/Temíscira, Diana (Gal Gadot) impõe o escudo e a espada Matadora de Deuses.

No lado direito, está sua mãe Hipólita (Connie Nielsen) e sua tia Antíope (Robin Wright), respectivamente a Rainha e a General das Amazonas

um marco para os filmes de heróis com protagonistas femininas no geral. Lançado em 2017, o filme é estrelado por Gal Gadot como a Mulher Maravilha.

Nessa visão, Patty apresenta ao mundo a Ilha do Paraíso, estabelecendo os primeiros anos de vida de Diana, filha de Hipólita (Connie Nielsen). A princesa, a única criança da ilha de mulheres e superprotegida pela rainha, está constantemente tentando ter o mesmo treinamento de uma Amazona. Quando finalmente consegue, é sua tia Antíope (Robin Wright) que fica responsável pelo seu treinamento, afim de torná-la a "melhor Amazona já vista", extrapolando até mesmo os dotes de sua tia, a maior guerreira até então.

Quando o jovem Steve Trevor (Chris Pine) cai na Ilha, após um acidente fugindo das tropas da Alemanha Nazista durante a Segunda Guerra Mundial, Diana parte junto a ele para o Mundo dos Homens, afim de derrotar Ares e acabar com a Guerra. A Amazona, no entanto, parece um tanto ingênua para Steve, que não acredita em toda a

história do Deus da Guerra estar por trás do horror que presenciou. É no meio do horror humano que Diana encontra a sua verdadeira vocação. Disposta a ajudar todos aqueles que não pode se defender sozinho, a princesa adota o manto de Mulher-Maravilha, mostrando força inabalável, enquanto os homens tentam contê-la a ver que não é possível derrotar a força Nazista.

Diana, filha de Hipólita, não está para brincadeiras.

O longa se transformou em um sucesso de bilheteria instantâneo, arrecadando US$ 223 milhões mundialmente em seu primeiro fim de semana, com um orçamento de US$ 149 milhões. Batendo todos os filmes da Marvel já lançados e tornando-se o filme de super-herói mais bem avaliado pelos críticos no Rotten Tomatoes, um

agregador de críticas especializada, o filme levou apenas três semanas para ser o segundo melhor desempenho da história da DC, ficando atrás apenas de Batman: O Cavaleiro das Trevas. Mulher-Maravilha também colocou a diretora Patty Jenkins no topo da lista de melhor estreia em filmes dirigidos por

mulheres.

A crítica também destacou o sucesso do longa, que foi apontado como o melhor filme de super-herói desde a trilogia Batman, dirigida por Christopher Nolan. Batman Begins (2005), Batman: O Cavaleiro das Trevas (2008) e Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge (2012) foram um estrondoso sucesso, arrecadando mais de US$ 2,3 bilhões em bilheteria.

A escolha da israelense Gal Gadot para interpretar a heroína foi fervorosamente criticada no início, principalmente pela falta de seus atributos mamários e o uniforme que viria a usar em Batman vs Superman. Porém, sua performance no filme de Zack Snyder acabou com qualquer dúvida, estendendo-se para o de Jenkins. Sua atuação, que foi fortemente marcada pelas expressões de ingenuidade, surpresa, incredulidade, esperança e compaixão arrebataram todos aqueles que assistiram à película. Gal, que serviu o exército e foi Miss de seu país, passa a impressão de ser a Mulher Maravilha na/da vida real. zint.online | 59

Sobre Representação O filme de Jenkins acerta na construção da personagem, trazendo uma Diana extremamente cativante, forte, doce, poderosa, inocente, decidida e curiosa. A identificação do público com a personagem provavelmente vem do fato de que, mesmo sendo uma semideusa superpoderosa, ela é uma pessoa complexa como qualquer ser humano.

O simples fato da existência de Diana contrapõe a crítica recorrente de que as personagens femininas não dão bilheteria. Com Mulher-Maravilha, que até o momento já conta com mais de US$ 660 milhões de arrecadação em menos de um mês em exibição, fica estabelecido que uma mulher não precisa de um protagonista masculino para existir, mesmo que as inSem o Super-Homem (Henry Cavill) devido a eventos de “Batman vs Superman: A Origem da Justiça” (2016), Diana completa a primeira formação de Liga da Justiça (2017), que também conta com o Batman (Ben Affleck), Aquaman (Jason Momoa), Flash (Ezra Miller) e Ciborgue (Ray Fisher)

teirações entre a personagem e Steve Trevor tenham se mostrado bastante orgânicas. É perceptível que estamos vivendo em um mundo onde a posição de coadjuvante ou mero interesse amoroso não corresponde mais ao papel feminino na sociedade. Portanto, um filme como esse já era mais do que necessário e vinha sido cobrado pelo público.

Assim como Mulher-Maravilha abriu caminho para as mulheres nos quadrinhos, espera-se agora que o seu sucesso no cinema abra precedentes para outros filmes protagonizados por heroínas e inicie uma era de mais representatividade, para que garotas do mundo todo tenham uma figura forte e destemida em quem se inspirar.

Com toda a história da Mulher Maravilha nos

quadrinhos, que esse ano completou 75 anos desde sua criação, toda sua dura jornada pela televisão, e o seu sucesso estreando nos cinemas pela primeira vez, a personagem mostra-se mais forte do que nunca.

Empenhando o seu Laço da Verdade, utilizando seus braceletes, com a tiara na cabeça e vestindo a bandeira dos EUA, Diana tem chão pela frente.

Gal Gadot retorna para as telas de cinema no final do ano, com Liga da Justiça. Como parte da Trindade da DC, ao lado do Super-Homem e do Batman, e uma das fundadoras da Liga, Diana está empenhada em ajudar Bruce a reunir todos os meta-humanos que Lex Luthor vigiava em Batman vs Superman, ao mesmo tempo em que dá uma nova chance para a humanidade e volta a vestir o seu icô-

nico uniforme, abandonado anos atrás. As Amazonas também retornam, em flashbacks que buscam estabelecer uma conexão com o vilão da história, o Lobo da Estepe (Ciarán Hinds), tio de vilão Darkseid.

Devido ao sucesso comercial e de crítica de Mulher-Maravilha, a produção do segundo filme já foi confirmada. Patty Jenkins retorna parao projeto, mas sem confirmação oficial de que ela irá dirigi-lo.

Sabe-se, no entanto, que na vindoura película, Diana deve fazer a sua esperada ida aos Estados Unidos, e o público deve ter um generoso vislumbre no icônico Jato Invisível.

Resta agora, aos meros mortais, não-filhos de Hipólita, esperar os próximos capítulos desta animadora e esperançosa história. Uma coisa é certa: teremos bastante Mulher Maravilha pela frente.

música

DE KARMIN A QVEEN HERBY viccs Em atividade desde 2010, o duo iniciou o ano colocando Karmin em pausa para trabalhar com o alterego de Amy, “uma cantora R&B que consegue fazer rap”

Amy e Nick Noonan em sessão de fotos para a revista norte-americana Teen Vogue

D

esde que o Youtube se tornou o principal site de vídeos do mundo, inúmeros artistas desconhecidos passaram a usar ele como uma plataforma de promoção para os seus respectivos trabalhos. Para os aspirantes a cantores, o site proporcionou uma forma de ganhar reconhecimento, construir uma base de fãs e, com sorte, a atenção de algum empresário musical interessado em dar uma chance para o estrelato. Justin Bieber e The Weeknd são apenas alguns nomes que pegaram carona neste formato. Assim como Karmin.

Duo formado por Amy Noonan (na época Heidemann) e Nick Noonan, o casal se conheceu na Universidade de Música de Berklee, em Boston, Estados Unidos, formando a dupla “Karmin”: uma união das palavras “karma” e “carmen”, que em espanhol significa “música”. A dupla logo começou a postar no Youtube vídeos de seus covers para grandes sucessos da época. Enquanto Amy ficava por conta dos vocais, Nick era o responsável por toda a instrumentação e vocais de apoio.

Com uma base de fãs crescente, alcançando mais de 200 milhões de visualizações, o duo não demorou muito para ganhar uma exposição além da plataforma. O cover para Look at Me Now, música de Chris Brown com participação dos rappers Lil’ Wayne e 64 | zint.online

Busta Rhymes, chamou a atenção de muita gente.

Nele, Amy mostrava a sua grande capacidade para fazer os versos rápidos da música, deixando claro que ela não estava de brincadeira.

O vídeo acabou entrando no blog de Ryan Seacrest, então apresentador do por enquanto extinto American Idol e locutor de um famoso programa de rádio (onde eles também performaram). Posteriormente, a dupla foi parar no programa matutino de Ellen DeGeneres, cantando ao vivo o cover que havia levado eles até ali.

Não muito tempo depois, em 2011, a dupla anunciou que Karmin agora era parte do catálogo da Epic Records, que na época estava voltando para as mãos do produtor L.A. Reid, responsável por contribuir na carreira de diversos cantores como Mariah Carey, Avril Lavigne, Rihanna, Justin Bieber e P!nk. Com a produção de diversos hitmakers e assistência de inúmeros compositores, Karmin lançou o EP Hello, contendo oito faixas que apresentavam a ideia do que estava por vir no futuro da dupla. O primeiro single, Brokenhearted, recebeu uma resposta bastante positiva da crítica especializada, e alcançou o número 16 da maior parada musical do mundo, a Billboard Hot 100, indo ao topo da Billboard Dance Club Songs. E com o contrato de uma gravadora de peso,

Karmin começou a fazer apresentações em grandes programas de televisão, como o Saturday Night Lives, o Good Morning America e o Jimmy Kimmel Live.

Dois anos depois, em 2014, a dupla lançou o seu primeiro álbum completo. Pulses contou com 13 faixas e dois singles, recebendo respostas mistas dos críticos especializados. O álbum alcançou a posição 32 na Billboard 200, e o primeiro single, Acapella, só conseguiu chegar até o número 72 da Hot 100.

Para dar suporte ao trabalho, o duo entrou em turnê como o ato de abertura para os Jonas Brothers. Os esforços, no entanto, não foram suficientes, e mais tarde, no mesmo ano, o contrato entre a Epic e a dupla terminou.

Agora como artistas independentes, Karmin voltou a fazer trabalhos mais autorais, deixando os covers de lado. Produzindo e compondo seu próprio material, Amy e Nick investiram pesado na produção de seu próximo álbum. Aliaram-se a uma gravadora independente, e lançaram diversas músicas para promover o vindouro Leo Rising, lançado em 2016.

O álbum, cujo cada faixa representaria um signo do zodíaco, contou com os singles Sugar (Touro), Along the Road (Libra), Come With Me (Pure Imagination) (Leão) e Didn’t Know You (Gêmeos).

Paralelamente, a dupla lançou suas próprias versões para grandes hits do momento, como Can’t Feel My Face, de The Weeknd, e What Do You Mean?, de Justin Bieber.

Com uma base de fãs bastante estabelecida e artistas independentes consagrados no cenário musical indie, Karmin não perdeu tempo para se reinventar.

Mesmo com Leo Rising alcançando a posição 27 da Billboard Independent Albums, Amy e Nick, agora casados, viram que estava na hora de tentar algo novo. O ano de 2017 foi marcado pelo anúncio de que Karmin entraria em hiato, e que a dupla agora focaria seus esforços em produzir Herby, o alter-ego de Amy. Nick ficaria responsável por toda a produção e engenharia musical, enquanto Amy assumiria 100% dos vocais.

Qveen Herby, como é estilizada (com um V no lugar do U), é um projeto que focaria em músicas R&B e influências do hip-hop, gênero musical que Amy sempre demonstrou forte apreciação. O alter-ego seria lançado ainda em 2017, com músicas completamente diferentes do que Karmin trabalhava, e uma identidade visual completamente nova.

No dia 19 de maio de 2017, a dupla lançou o primeiro vídeo preview da nova fase, anunciando que “Karmin está morto, vida longa à Qveen”, seguido de um vídeo explicando essa transição de um projeto para o

outro. O anúncio também marcava o dia “2.6.17” para o grande pontapé musical.

Em 2 de junho, Herby lançou, mundialmente, por plataformas digitais e streaming, o primeiro EP de sua carreira, nomeado EP 1, contendo cinco faixas.

O dia também foi marcado pelo o lançamento do primeiro single de trabalho, intitulado Busta Rhymes, assim como o seu clipe.

O nome da faixa faz uma explícita apologia ao rapper Busta Rhymes, dono dos versos de rapping de Look at Me Now, música responsável pela grande ascensão de Karmin ao cenário mainstream. Na música, Qveen Herby conta a história por trás de sua capacidade de fazer versos rápidos, cantando que “as pessoas sempre perguntam como ela consegue fazer o Busta Rhymes”.

Com produção de seu marido, Nick Noonan, e composição dela própria, Busta Rhymes estabelece o tom que segue por todo o EP, e deve influenciar todo o primeiro álbum.

Agora, resta esperar os próximos capítulos dessanova história. E não podemos negar: o começo é bastante promissor e bem conceitualizado.

JOEY BADA$$: DO UNDERGROUND AO MAINSTREAM Samuel Lima Kendrick Lamar é bom, mas você já ouviu All-Amerikkkan Bada$$?

U

m garoto de apenas 17 anos surgiu no cenário underground do rap americano em 2012. Com a mixtape independente 1999, ficou claro que Joey Bada$$ seria mais uma promessa nascida no Brooklyn, Estados Unidos. O bairro é um dos berços da cultura hip-hop, de onde surgiram grandes rappers como JAY-Z e Notorious BIG. Depois de mais duas mixtapes, o primeiro álbum de estúdio de Joey, intitulado B4.Da.$$, foi um sucesso. Só nos Estados Unidos, alcançou a marca de 54 mil cópias vendidas na primeira semana, estreando na quinta posição da Billboard 200, o maior chart de álbuns do mundo. O título do álbum faz um jogo de palavras com o “Badass” (Fod*o, em tradução livre) de seu nome artístico, tendo sua escrita estilizada para ser pronunciado como “Before the Money” (“Antes do Dinheiro”, em tradução literal).

Em maio deste ano, em meio ao hype do novo álbum do rapper norte-americano Kendrick Lamar, Joey lançou seu segundo trabalho de estúdio: All-Amerikkkan Bada$$. O título do álbum faz referência ao primeiro álbum solo do rapper Ice Cube e lenda do grupo NWA, AmeriKKKa’s Most Wanted.

Ao ouvir as faixas presentes no trabalho torna-se evidente sua evolução como artista. Em maioria, as músicas vão contra a tendência trap presente no rap americano. Tal estilo de batida é diferente do boom bap, estilo clássico do rap originado do funk e do soul em forma de loop, ainda responsável pelos maiores clássicos da história do rap.

Bada$$ explica em suas anotações no Genius, plataforma online que possibilita aos seus usuários postar e compartilhar anotações para as músicas, que os singles Devastated e Front and Center foram lançadas como iscas. Apesar de gostar delas, ele as lançou afim de chamar a atenção de um público maior: “Aquele não é meu estilo. Essas músicas são para aquelas pessoas que vocês tentam convencer a ouvir Joey Bada$$, mas que não conhecem o meu tipo”. O objetivo era que a mensagem das próximas faixas do álbum atingisse pessoas diferentes.

O tema principal tratado no álbum é o racismo existente nos EUA. A ideia vem desde o single LAND OF THE FREE, lançado no Martin Luther King’s Day. Ainda, a participação de Joey no movimento Black Lives Matter mostra como ele se tornou um dos rappers mais politizados da sua geração.

Na música, ele critica a conduta dos americanos

Capa do álbum All Amerikkkan Bada$$

e expõe a forma como deixaram os problemas do racismo de lado com a chegada de Barack Obama à presidência. Além disso, propõem reflexões como o fato de negros ainda terem sobrenomes dos donos de escravos. Nos versos da música, Joey canta “Obama não foi o suficiente, eu só preciso de algum outro fechamento, e Donald Trump não é equipado para governar esse país”.

Joey mostra que tem consciência da sua visibilidade midiática e de como isso lhe dá a possibilidade de expor o racismo. Essa atitude resgata a ideia do movimento sociocultural do hip-hop, que vem se perdendo com o passar do tempo, sendo mais reconhecido como um estilo musical.

O álbum também traz a ideia de união na luta contra problemas sociais. Todas as faixas apresentam os títulos em caixa alta, uma tentativa de chamar atenção e que, de um ponto de vista artístico, pode ser entendido como um grito de alerta para essas questões. “Esta é para o meu povo, tentando permanecer vivo e em paz; é tão difícil sobreviver num mundo tão lental; quem vai dar um passo a frente e ser nosso salvador, para o meu povo, hein?” alerta o rapper em FOR MY PEOPLE. Em uma variedade de boom baps que lembram as produções dos anos 90, All-Amerikkkan Bada$$ ainda traz convidados como ScHoolboy Q e J. Cole, em um álbum que evidencia o amadurecimento do garoto que surgiu na cena em 2012. zint.online | 67

NOVAS DIREÇÕES

Desde que entrou em hiato, os meninos da One Direction vem focando em suas carreiras solos Stephanie Torres

D

esde 2010, quando foi formada no reality show britânico The X Factor, a One Direction conquistou milhares de fãs. Seu sucesso meteórico logo se espalhou pelo mundo e transformou o grupo na maior boyband da geração. O próprio Paul McCartney chegou a comparar o frisson que Harry Styles, Niall Horan, Liam Payne, Louis Tomlinson e Zayn Malik causaram com o que aconteceu com os The Beatles na década de 70.

Imaginem então a decepção desses mesmos fãs quando, em 2015, Zayn anunciou que deixaria a banda, iniciando o que viria a ser uma pausa na carreira em grupo adotada por todos os integrantes, no final daquele mesmo ano.

Os garotos afirmaram que provavelmente voltarão a se reunir no futuro, e embora exista controversas sobre a veracidade dessa possibilidade, não há motivo para desespero. Enquanto a reunião não acontece, cada um dos ex-membros da 1D (como é estilizado a sigla do nome da banda) está se dedicando na própria carreira solo, e os resultados tem sido melhores do que

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o esperado.

Zayn, foi também o pioneiro da banda a investir na carreira solo, lançando em janeiro de 2016 seu primeiro single. PILLOWTALK, estreou em primeiro lugar no Billboard Hot 100, maior chart de singles do mundo, sendo uma forma de romper com a imagem que o cantor tinha dentro da boyband ao trazer uma letra que fala explicitamente sobre sexo. O gênero musical também já mostrava a pretensão que ele tinha de se distanciar do pop teen que cantava antes, mergulhando num estilo mais próximo do R&B alternativo.

O álbum completo de ZAYN, Mind Of Mine, foi lançado dois meses depois do primeiro single e comprovou o estilo adotado, com The Weeknd e Frank Ocean apontados como as principais influências. E o que fazia o cantor a se destacar dentro da One Direction, continuou a fazê-lo brilhar fora dele: sua potência vocal e seus falsetes. O cantor acabou com as dúvidas sobre a possibilidade de fazer sucesso fora de seu grupo de origem quando Mind Of Mine chegou ao topo do Billboard 200, maior chart de álbuns do mundo.

Ainda, Zayn contou com participações especiais de outros artistas em seus singles, como a cantora Kehlani, o rapper PartyNextDoor, e mais recentemente, Taylor Swift, em uma música para a trilha sonora do filme Cinquenta Tons Mais Escuros (2017).

Os outros integrantes da banda começaram a trabalhar em seus projetos independentes apenas meses depois de Zayn, quando o contrato de cinco anos que tinham com a gravadora do One Direction acabou. O último álbum da banda, que na época já contava com quatro dos cinco integrantes, foi o Made in the A.M., lançado em 2015.

Louis Tomlinson foi o próximo da lista, lançando junto com o DJ Steve Aoki a música Just Hold On. A letra é um tributo à mãe de Louis, que vinha lutando contra um câncer e faleceu três dias antes do lançamento da canção.

Ainda é cedo para tirar conclusões ou até mesmo fazer previsões do estilo musical que ele seguirá. O cantor já afirmou, no entanto, que também está gravando seu álbum e deu pistas de que o primeiro single deverá ser lançado em breve.

Harry Styles estreou sua carreira solo com o single Sign of the Times e não demorou muito para chegar com o seu álbum homônimo, provando o motivo dele sempre ter sido o membro que mais se destacava na One Direction.

Harry Styles (álbum) teve as melhores críticas e o cantor chegou a ter seu estilo musical comparado a lendas da música David Bowie e Bon Jovi. Suas músicas conquistaram até quem torcia o nariz para o seu ex-grupo. Harry se arrisca entre baladas e o rock clássico e, apesar de tantas referências que podem ser apontadas, como The Beatles e The Rolling Stones, consegue ser original.

As performances ao vivo do britânico também realçam seu talento. Ao contrário de seus companheiros, que se mostraram pelo menos um pouco desconfortáveis em seus primeiros ao vivo, Harry demonstra naturalidade e uma forte presença de palco, típicas de um rockstar. A perspectiva para o seu futuro é a mais animadora de todos os ex-integrantes da 1D.

Niall Horan estreou no mercado solo com o single This Town, seguido por Slow Hands. O estilo do irlandês não se afastou muito do pop, mas ganhou um tom mais acústico, remetendo um pouco as músicas de Ed Sheeran — característica que ele já demonstrava quando fazia parte do grupo, tocando violão em diversas das músicas nos shows ao vivo do 1D. As suas faixas tiveram um desempenho tímido nos charts. Seus singles alcançaram, respectivamente, o 20º e 90º lugares no Hot 100 da Billboard na semana de seus lançamentos.

Niall revelou que já está trabalhando em seu álbum, mas ainda não tem uma data para o lançamento.

O último a se lançar na indústria musical como cantor solo foi Liam Payne, que recentemente divulgou o single Strip That Down.

A música, que estreou na posição 42 no Hot 100 da Billboard, traz uma pegada sexy que lembra Justin Timberlake em seus primórdios de carreira solo. Até o momento, este foi o único trabalho divulgado do vindouro álbum de Liam, que não possui previsão de estreia ou nome. Resta saber se o cantor vai alcançar o mesmo sucesso de ex-‘N Sync. É claro que os fãs sempre vão aguardar ansiosamente a volta da One Direction. Mas até lá, os cinco membros prometem oferecer uma bela variedade de músicas e estilos para agradar a todos os gostos.

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Gabriel Gomide

“ANIMALS” COMPLETA 40 ANOS E CONTINUA INFLUENTE O álbum do Pink Floyd fez seu quadragésimo aniversário e suas críticas são mais atuais do que nunca

N

o dia 23 de janeiro de 1977, era lançado o mais novo álbum da banda de rock progressivo mais influente da história. Após os sucessos de The Dark Side of the Moon e Wish you Were Here, o Pink Floyd estava lançando mais uma vez um disco conceitual. Diferente dos anteriores, essa era uma coletânea sem um hit e possuía letras ácidas, diretas e repletas de críticas a sociedade capitalista e a líderes da terra da rainha.

Nos anos anteriores ao lançamento de Animals, o Punk Rock tinha se tornado o novo movimento musical em Londres. Bandas como Ramones, The Clash e Sex Pistols tinham ganhado tremendo espaço na cena musical com suas músicas de protestos. O novo estilo estava competindo por espaço com a “velha guarda” do Rock Progressivo, e acusava bandas como o Pink Floyd, Genesis e Yes de fazerem músicas sem apelo social. A crítica não se limitava às letras, mas também a longa duração das músicas e ao modo hippie das bandas que dominaram a década anterior.

O Pink Floyd, em geral, nunca deu atenção a essas críticas ou ao novo movimento punk. Porém, o novo disco idealizado pelo baixista Roger Waters daria fim às reclamações quanto à “acriticidade” em 70 | zint.online

suas letras. Baseado na ideia do livro A Revolução dos Bichos, de George Orwell, Waters criou um conceito novo de um mundo em que a raça humana tinha se reduzido a três espécies: cães, ovelhas e porcos. Sendo assim, o álbum possui quatro faixas, Pigs on the Wing, que abre e fecha o disco, Dogs, Pigs (Three Different Ones) e Sheep.

Após aproximadamente 40 anos, o disco voltou a se tornar referência para criticar políticos. Se na época, os alvos eram pessoas influentes na Inglaterra, atualmente o mais atingido é o atual presidente dos Estados Unidos, Donald Trump. A crítica também recai sobre a ascensão da extrema direita nos últimos dois anos, discutido mais a frente. Primeiramente, é necessário conhecer o conceito do álbum e as músicas, para mais tarde falar sobre os protestos anti-Trump.

A música Dogs, antigamente chamada Gotta be Crazy, tinha sido deixada de lado no último disco da banda, mas voltou à cena, sendo incrementada e letrada para ajustar ao conceito do novo álbum. A canção de aproximadamente 17 minutos, fala sobre a ganância dos chamados businessman. A faixa tem o vocal de David Gilmour e Roger Waters que can-

tam as aflições vividas por dois homens de negócios que se veem sugados e dilacerados pelas pressões vividas pela solidão de uma vida rodeada de pessoas que fazem de tudo para ganhar dinheiro e poder.

O Álbum

Em Sheep, as ovelhas representam as pessoas que seguem o rebanho. Pessoas que são alienadas pelos políticos, meios de comunicação ou qualquer instituição que ideologicamente impõe pensamentos e regras que são seguidos cegamente. A música, assim como Dogs, já tinha sido feita para o outro álbum e também foi reinventada para se encaixar em Animals.

Já Pigs on the Wing foi dividida em duas partes, e serve para começar e encerrar o disco. Ela foi a última música feita para o disco, e diferentemente das outras, não possui fins críticos. O mais irônico de tudo é que a faixa é a única com letra romântica do Pink Floyd, talvez feita para amenizar o resto das composições do disco, fechando-o com uma mensagem positiva e de esperança, contra os porcos e cães que são responsáveis pelo mal no universo criado por Roger.

A música com maior teor crítico, sem dúvidas, é a terceira faixa do álbum: Pigs (Three Differents Ones).

Nela, Roger Waters cospe todo o seu ódio aos porcos, que seriam líderes políticos e magnatas. Nos versos, ele critica nas entrelinhas a ex-primeira ministra do Reino Unido, Margaret Thatcher, mas não tem a mesma delicadeza ao se referir a Amy Whitehouse, que era uma ativista conservadora da época. A letra acusa tais pessoas de enganar terceiros por meio de falsas aparências, imagens criadas por si próprias.

Se o disco não obteve o mesmo sucesso dos dois últimos, o porco inflável voando entre as chaminés de uma antiga central de energia em Londres ficou eternizado na capa do álbum, virando marca registrada nos shows do Pink Floyd. Nos recentes shows de Roger Waters é sempre comum ver críticas às guerras, ao terror, às grandes corporações da indústria

Em Chicago, um artista colocou quatro porcos dourados bem em frente à Trump Tower, na altura do nome do prédio

capitalista e aos políticos em geral. Em show no Brasil em 2012, o porco inflável sobrevoou a platéia com frases de protestos como: “Brasil paraíso da corrupção e impunidade” e “Não confie nos políticos”.

As Críticas

O porco voltou a voar no segundo semestre de 2016 quando Roger Waters dedicou a música Pigs (Three Differents Ones) para Donald Trump, até então candidato à presidência dos Estados Unidos.

O ato que viraria comum nos próximos concertos do ex-baixista do Pink Floyd.

Em show emblemático no México, Waters projetou o rosto de Trump durante a música inteira com a palavra “Charade” (Charada, em trdução literal), para dizer que o presidente dos EUA era uma farsa.

Ao final da música, várias frases bizarras proferidas por Trump foram projetadas, seguido de uma frase em espanhol que se assemelha a “Trump, você é um estúpido”.

Durante show em Chicago, em 2016, Roger Waters exibe no telão a frase “Trump é um Porco”, fazendo referência à faixa “Pigs: The Three Differents Ones”, do álbum “Animals”, do Pink Floyd.

Os protestos ao atual presidente norte-americano usando o álbum Animals não ficou somente restringido ao ex-integrante do Pink Floyd. Em maio de 2017, um arquiteto criou uma obra de arte em frente ao prédio de Trump em Chicago. A obra era composta por quatro porcos dourados flutuantes, que ficaram alçados bem em frente do nome do presidente dos EUA. Animals pode não ter sido a maior obra do Pink Floyd, mas certamente merecia maior reconhecimento pelo poder das letras e por sua musicalidade. Apesar de não ter o brilho melódico dos outros álbuns da banda, ele possui grandes solos de guitarra de David Gilmour e uma vibração nas músicas diferente das outras composições “floydianas”. O certo é que, pela temática, esse talvez seja o disco do Pink Floyd com maior poder de se ressignificar através do tempo.

E enquanto vivermos em uma sociedade comandada por cães e porcos, lá estará o álbum Animals. zint.online | 71

Anitta: para o Mundo Desde seu primeiro grande hit, “Show das Poderosas”, até os seus últimos singles “Paradinha” e “Sua Cara”, música de Major Lazer na qual participa ao lado da drag queen brasileira Pabllo Vittar, a cantora mostra que não está para brincadeira Adan

A

nitta iniciou sua carreira como MC lançando vídeos no Youtube. Com o nome de batismo Larissa, a ex MC Anitta chamou a atenção do produtor Renato “Batutinha” Azevedo, da gravadora independente Furacão 2000, lar de diversos artistas de funk. Em 2012, a cantora obteve o seu primeiro sucesso com Meiga e Abusada, atraindo olhares para seu talento.

Não demorou muito e, em um ano, assinou contrato 72 | zint.online

com a gravadora Warner Music Brasil, lançando o megahit Show das Poderosas. Com o single, veio o seu primeiro #1 e o título de “Primeira artista brasileira a conseguir 100 milhões de visualizações no Youtube”.

O primeiro disco da cantora, que leva seu nome, foi lançando em 2013 e obteve críticas mistas, o que não a impediu de conseguir o certificado de Platina e uma indicação ao Grammy Latino. Ao todo, Anitta rendeu quatro singles e duas estatuetas no Prêmio

Multishow de Música Brasileira, em 2013, além de uma vitória no Melhores do Ano, prêmio exibido pela Rede Globo no Programa do Faustão.

Junto ao seu segundo álbum de estúdio, Ritmo Perfeito (2014), a cantora entregou aos fãs também o seu primeiro DVD e disco ao vivo, intitulado Meu Lugar, contando com a participação especial do cantor Projota, responsável por algumas composições do álbum. Entre os cinco singles lançados, Zen foi indicada

ao Grammy Latino por “Melhor Canção Brasileira”, enquanto No Meu Talento foi regravada para acrescentar versos do MC Guimé, tornando-se o quinto e último single da era. Ritmo Perfeito recebeu o Disco de Ouro pela Pró-Música Brasil, a Associação Brasileira de Produtor de Disco (ABPD).

O ano de 2015 veio com o lançamento do seu terceiro e atual disco de estúdio. Bang rendeu quatro singles, superando as vendagens do seu disco de estreia, zint.online | 73

em um dos maiores talk shows dos Estados Unidos, o The Tonight Show, apresentado pelo comediante Jimmy Fallon. Mais uma vez, sua participação na música acabou causando polêmicas, agora dentro e fora do Brasil, devido a sua saída repentina durante a apresentação, logo após seu primeiro verso.

Dentre seus muitos recordes, Anitta é a primeira cantora brasileira a se apresentar no programa, que é exibido nos Estados Unidos pelo canal CBS há mais de 60 anos.

Decidida a investir na carreira internacional como cantora solo, Anitta lançou no final de maio, o seu primeiro single solo totalmente em espanhol. Paradinha, uma batida dancehall e tropical house, é uma evolução musical para a cantora, que trouxe à sua carreira críticas positivas e uma boa recepção do público.

De acordo com a artista, a faixa será trabalhada no mercado internacional e nacional, e não contará com uma versão em português.

Durante a sua primeira semana de lançamento, Paradinha teve 500 mil execuções na plataforma de streaming Spotify, quebrando o recorde nacional de “Mais tocada em uma semana”. Na mesma semana, a cantora possuía três singles, cada um em uma língua, no Top 10 do Spotify Brasil: Switch, com Iggy Azalea, Paradinha, e Sua Cara, com Major Lazer e Pabllo Vittar. A faixa também rompeu o recorde de artista brasileiro com maior desempenho mundial.

Com o vídeo da música, lançado junto à faixa, Anitta também quebrou seu próprio recorde: em apenas 24 horas, o videoclipe foi visualizado 6,4 de Switch

Em apenas seis horas, o clipe de Bang foi visto mais de 1 milhão de vezes

com 300 mil copias comercializadas até 2016. No mesmo ano, Anitta foi indicada e ganhou o prêmio MTV EMA Worldwide Act Latin America, tornando-se a primeira artista brasileira a vencer o título.

Sempre trabalhando com letras que encorajam a autoestima e a força feminina, suas composições nunca perdem a oportunidade de serem divertidas e sexys, mesclando diversos gêneros musicais, mas conservando suas origens. Bang, faixa-título do seu terceiro projeto, ganhou seu clipe em outubro de 2015, batendo um recorde anterior da cantora, ao conseguir 1 milhão de visualizações em apenas seis horas.

Ao mesmo tempo, a carreira internacional já vinha mostrando frutos, quando, em 2014, a cantora colaborou com o cantor Rasel na música Zen, do álbum Ritmo Perfeito. Toda em espanhol, a faixa foi sua primeira promoção no mercado fora do Brasil.

Logo em seguida, Anitta também participou do remix da música Ginza, um reggaeton do cantor colombiano J Balvin. Lançou também Sim ou Não, sua parceria com o cantor colombiano Maluma, na qual tem uma versão apenas em espanhol, Sí o no, lançada em dezembro de 2016.

Com o mercado latino já conhecendo o nome Anitta, a cantora deu o próximo passo. Em maio de 2017, foi lançado Switch, segundo single do álbum Digital Distortion, da rapper australiana Iggy Azalea. No Brasil, o trabalho foi envolvido de controvérsias e polêmicas devido a cobrança dos fãs por maior visibilidade tanto na música, quanto em sua divulgação. O clipe, que vazou pouco antes de ser oficialmente lançado, foi engavetado e seu lançamento permanece uma incógnita, devido as parcerias que Iggy Azalea fez para o seu lançamento e que foram destruídas com o vazamento.

A grande estreia de Anitta no mercado televisivo internacional foi, no entanto, com a apresentação ao vivo 74 | zint.online

Embora tenha gravado o videoclipe para Switch, música de Iggy Azalea, a produção nunca foi lançada oficialmente, vide o seu vazamento durante o processo de pós-produção

milhões de vezes, ultrapassando o clipe de Loka, partici-

pação que realizou na faixa da dupla sertaneja Simone e Simaria.

Loka teve 3,7 milhões no mesmo período. O vídeo foi destaque no Brasil e em Portugal, chegando também a ser o 15º vídeo em alta no Youtube dos Estados Unidos.

Em junho, o grupo estadunidense Major Lazer lançou o EP Know No Better, contendo a faixa Sua Cara, uma colaboração entre a cantora e a drag queen e cantora brasileira Pabllo Vittar. A faixa tornou-se o segundo single, tamanho o seu sucesso perante o lançamento, marcando assim mais uma empreitada da cantora no mercado musical estadunidense.

Totalmente em português, seu vídeo foi gravado no Marrocos no final de junho.

Mesmo sendo intitulada de cantora pop, Anitta não esquece suas origens no funk e sempre reverencia o gênero que proporcionou o início de sua carreira há sete anos, estando sempre presente nos shows que realiza. Recentemente, em uma polêmica envolvendo um Projeto de Lei que visa ilegalizar o Funk, a cantora prontamente se posicionou contra, sendo convidada junto a outros artistas do ramo a usar sua voz nesse debate. Anitta já declarou em várias entrevistas, como em sua recente aparição do programa de Pedro Bial, Conversa com Bial, que tem como objetivo desmarginalizar o gênero e levar ele para o mundo.

Além da vida de cantora, Anitta é apresentadora do Música Boa Ao Vivo, programa musical do canal fechado Multishow. Ela também se arrisca como atriz, tendo no seu histórico quatro filmes e alguns

Para o videoclipe de Sua Cara, música de Major Lazer, Anitta e Pabllo Vittar foram para o Marrocos

programas de televisão.

A investida da carreira internacional de Anitta e o seu reconhecimento é algo grandioso para o país.

Até então, o Brasil gerava apenas pequenos grandes hits internacional esporádicos, como Ai Se Eu Te Pego, do cantor sertanejo Michel Teló, que explodiu em diversas partes do mundo e até gerou uma versão oficial em inglês.

Em toda sua história, no entanto, a maior exportação de música brasileira foi com a cantora e atriz portuguesa radicada no Brasil, Carmem Miranda, que fez sucesso entre os anos de 1930 e 1950, tornando-se um ícone da brasilidade.

Em preparação do seu quarto disco e seus primeiros álbuns totalmente em espanhol e em inglês, o objetivo de Anitta é levar sua música para o mundo, coisa que ela já vem fazendo pelo Brasil de maneira fenomenal. Mas o que será que o mundo tem para oferecer a essa brasileira que o site Billboard elegeu como a 15ª artista mais influente? Isso é o que estamos aqui para acompanhar.

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literatura

O CEMITร RIO DOS LIVROS ESQUECIDOS Bruna Nogueira A saga de Carlos Ruiz Safรณn termina em 2017, em um livro que terรก mais de mil pรกginas

E

m uma madrugada fria de 1945, o pequeno garoto Daniel Sempere anda com seu pai nas ruas enevoadas da Barcelona sem saber ao certo o seu destino. Como presente de aniversário de 11 anos, Daniel foi levado a um lugarzinho esquecido por Deus e por quase todos os homens, chamado de Cemitério dos Livros. Assim começa o primeiro de quatro livros da saga escrita pelo autor espanhol Carlos Ruiz Zafón, cuja última obra chega às prateleiras do Brasil no mês de agosto.

Com direito a escolher apenas um livro de todos os milhares que espalhavam na biblioteca imensa, Sempere aprendeu que não é o leitor que escolhe o livro, e sim o livro que escolhe o leitor, e se viu preso a um livro antigo, com a capa cor de vinho e letras douradas que traziam o título que marcaria não apenas o personagem, como também mais de 6,5 milhões de leitores no mundo todo: A Sombra do Vento.

Na narrativa, o livro é escrito por um escritor chamado Julián Carax, desconhecido por quase todos no mundo da literatura, mas que prende a atenção do jovem Daniel a cada palavra que mistura fantasia com suspense e mistério. Obcecado pela leitura, Daniel começa a dedicar todas as suas horas para encontrar o autor do livro que tanto mudou sua vida,

mas pouco imagina que Julián Carax pode não ser apenas um velho escritor, mas um vilão ardiloso de vida perigosa.

A história toda, dentro e fora do livro, é de autoria de Zafón, e se você já assistiu o filme A Origem (2010), de Christopher Nolan, se prepare para entrar em uma verdadeira inception, onde a realidade toma novas formas e a ficção e o real se misturam magistralmente, levando o leitor a desconfiar que está na pele do próprio Daniel Sempere. É impossível não se perder nas palavras de Zafón,

que brinca tão bem com técnicas imagéticas. O leitor conhece as ruas de Barcelona, o Bairro Gótico, as Ramblas e o Tibidado, chora por amores perdidos na ficção de Daniel e do livro que ele lê, e sente um frio na espinha tão forte que é impossível ler o livro durante a noite, por maior que seja a coragem. Se Daniel Sempere se perdeu na realidade, quem garante que a gente também não se perderá?

Após o sucesso do primeiro livro, lançado em 2001, Carlos Ruiz Zafón lançou mais duas obras que se passam no mesmo universo. O Jogo do Anjo foi lançado em 2008 e sua sequência, O Prisioneiro de Céu, em 2011. Ambos seguem o clima de mistério

e suspense sombrio de A Sombra do Vento, que fica mais intenso a cada página virada.

Com o título O Labirinto dos Espíritos, o quarto e último livro da saga chega pela editora Suma das Letras e ainda está em etapa de tradução, chegando às livrarias já no segundo semestre de 2017. A narrativa amarrará as pontas que Zafón cuidadosamente deixou soltas e promete trazer ainda mais suspense e terror. Se você já conhece as obras do autor catalão, indico uma maratona para refrescar a memória, e se você nunca tinha ouvido falar dessa obra, aconselho acender as luzes, separar o passaporte e as passagens para a Espanha e nunca olhar para trás.

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O escritor espanhol Carlos Ruiz Zafón

Jhonathan Exercendo política e direitos por meio de rimas, em Belo Horizonte

SARAUS, ARTE, RESISTÊNCIA E ESPERANÇA

Em São Paulo, o Sarau do Binho está em atividade desde 1990 e continua se expandido por escolas e espaços culturais

P

roferindo sobre versos, o autor João Cabral de Melo Neto, os definiu, como um extremo mergulho em si. Já Pedro Bomba ilustra-os metaforicamente, como alicate torando a cerca, arame que fura farpado. Seja pela definição de Melo Neto, da palavra que toca o mais íntimo, ou por Bomba, da letra que fere; a poesia sempre será a mais eficaz ferramenta de libertação do homem.

A arte, sobretudo, se expressa por formas. Entretanto, os espaços que essas formas percorrem, infelizmente são delimitados, demarcadas como centrais, à disposição de uma elite pseudo intelectual, majoritariamente branca e de poder aquisitivo, que reafirma a todo instante valores que objetivam manter a arte ao domínio elitista.

Nesse âmbito, os saraus possuem uma importante função: a de proporcionar lugares de fala a grupos historicamente marginalizados, de dar a possibilidade de ouvir vozes que simplesmente não estão presentes nosso cotidiano. Gritos de denúncias que são abafados diariamente por nossos privilégios e que são legitimadas por todas formas de exclusão, como as já citadas. É essa diversidade, proporcionada pelos saraus, que prova que essa concepção de arte que 80 | zint.online

segrega é rasa e pouco representativa, nociva às outras formas de expressão que fujam dessa (de)limitação.

Essas vozes e versos ocupam um espaço que de direito são delas, embora socialmente sejam descriminados. O ato de ocupar uma praça e intervir sobre esse espaço é de fato um posicionamento político e de afirmação do entendimento do papel de cidadão de exerce seu direito à cidade. Assim, ressignificando lugares que por essência possuem essa função, mas que na realidade são pensados por uma lógica que

No início do mês de junho, BH contou com o "Circuito Metropolitano de Saraus"

atende a poucos.

Os saraus adotam um caráter de resistência, como no fato citado, de fomento a ocupar espaços públicos, mas também pelos versos proferidos, pela dança que movimenta o corpo estigmatizado, da beleza que na sociedade não tem vez por não se enquadrar nos padrões ditados. Além da simples organização de um evento que gire entorno de poesia, impulsionado pelo fato desse perpassar os muros da Contorno, provando à elite que na periferia há formas, há expressão, e sobretudo, subversão.

Ao longo do tempo, devido aos fatores expressos, entre outros, foram surgindo diversos saraus pela cidade, tendo algumas maiores especificidades. Todos, no entanto, afim de reformular uma realidade plural e atingir um maior número de pessoas interessadas em poética e que apoiem alternativas que invertam o imposto.

Um dos primeiros Saraus – dessa atual leva –, o Coletivoz, começou em 2008 em um bar na região do Barreiro, periferia da cidade, sempre às quartas-feiras. Hoje se estabelece na Casa de Cultura Coletivoz, no bairro Olaria. Atua como espaço de lançamento de livros, estudos sobre poesia, dentre outros, além de ter incentivado a criação de demais, como o Sarau Vira-Lata que surgiu em 2011 a partir de um grupo de estudantes. Desde então, o sarau percorre Belo Horizonte e proximidades, como espaços abandonados ou esquecidos da cidade.

Sarau "Mulheres da Cultura Popular" aconteceu em março, parte do Sarau do Lagoa do Nado

Outro importante ambiente de partilha de literatura e poesia é o Sarau Comum, que tem como sede o Espaço Comum Luiz Estrela. O casarão, foi ocupado por artistas, justamente motivados pela intenção de retomar o local que não cumpria sua função social, para manter sua preservação. Desde então, o encontro acontece nas sexta-feira de quinze em quinze dias, reunindo um público diverso e recebendo os principais poetas da cidade, além de visitantes de todo o país.

Analisando a necessidade de criação de espaço com certas especificidades, visando maior representatividade para que certos assuntos sejam pautados.

O Sarau das Cachorras, que se iniciou em virtude do Dia das Mulheres, tem grande importância para expressão de opressões, assédios, afetos e ressignificações que envolvem a vivência do gênero. Desde então, acontece em espaços diversos da capital mineira, como escolas, presídios e praças.

Em meio a uma cidade envolta por ações administrativas de retirada de direito sociais, de forte repressão e de marginalização da população negra e periférica, a existência de uma rede social que se organiza coletivamente em prol da arte e da poesia é fundamental. Esta, fomenta a transformação e o desenvolvimento da criatividade artística e da sociedade como todo, gerando sobre nós um sentimento esperançoso em relação a um futuro mais justo e igualitário.

Harry Potter desenhado por Jim Kay

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É Levi-Ô-sa, não Levi-o-SÁ vics

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Um dos bruxos mais famosos do mundo da literatura completa 20 anos do lançamento do primeiro livro – e o seu legado não para de crescer

a época em que foi lançado, em 26 de junho de 1997, Harry Potter e a Pedra Filosofal foi uma grande aposta. Livros infanto-juvenis não eram muito rentáveis e seus lançamentos eram um tanto quanto arriscados. Antes de fechar contrato com a editora britânica Bloomsbury, J.K. Rowling recebeu dezenas de respostas negativas para sua história. O que ela não imaginava, no entanto, era que o seu livro, cuja ideia nasceu em uma viagem de trem e levou seis anos para ser finalizada, iria mudar completamente sua vida e torná-la a primeira pessoa (e única, de acordo com dados da E!, de 2016) a ficar bilionária apenas pela venda de livros.

Harry Potter e a Pedra Filosofal rapidamente se tornou um sucesso dentro e fora do Reino Unido. O primeiro capítulo de uma história que seguiria sete anos na vida do menino Potter, acompanha os momentos iniciais da imersão do garoto ao mundo da magia. Com 11 anos, órfão, sem amigos e maltratado pelos tios, Harry descobre que magia é real quando um homem gigante derruba a sua porta, contando a ele que Harry Potter não só é um bruxo, como ele também é famoso e tem uma vaga de berço em uma das melhores escolas de magia e bruxaria do mundo.

As aventuras do pequeno Harry encantaram o mundo. Sendo bem recebido pela crítica e pelo público, em 1999 o livro entrou no topo da lista de Best-sellers da The New York Times, nos Estados Unidos. Arrebatada pelo sucesso de Pedra Filosofal, Jo (como a escritora é comumente conhecida) não

demorou muito para trabalhar nas sequências.

Harry Potter e a Câmera Secreta, o segundo livro, foi lançado em 1998, enquanto O Prisioneiro de Askaban, o terceiro, chegou às livrarias em 1999. O Cálice de Fogo, A Ordem da Fênix, O Enigma do Príncipe e As Relíquias da Morte foram publicados, respectivamente, em 2000, 2003, 2005 e 2007. Os dois últimos, tamanho o sucesso, venderam mais de 11 milhões de cópias nas primeiras 24 horas.

Com versões variantes de capa mole, capa dura, e-book e em inúmeras edições especiais ao longo dos anos, a franquia literária de Harry Potter já vendeu mais de 500 milhões de cópias ao redor do mundo, com todas as obras entrando na lista de mais vendidos. Sendo traduzido para mais de 70 línguas diferentes, o universo mágico gerou também inúmeros outros tipos de produto além dos livros, como filmes, uma plataforma digital e uma peça, além dos objetos licenciados, vestuários, jogos, parques de diversões temáticos e tours.

Franquia Cinematográfica

Ainda em 1999, quando Harry Potter atingiu o topo dos mais vendidos, os estúdios de cinema começaram a demonstrar interesse nos direitos autorais para adaptar a história em um filme. A grande ganhadora foi a Warner Bros. Pictures, que em 2001 lançou Harry Potter e a Pedra Filosofal, colocando o então novato e desconhecido Daniel Radcliffe para estrelar o papel-título.

Inteiramente produzido e filmado em Londres, zint.online | 83

Animais Fantásticos

com quase 100% do elenco formado por atores britânicos (uma das exigências feitas pela autora), o filme foi um sucesso de bilheterias. Custando US$ 125 milhões, a película arrecadou assustadores US$ 974.8 milhões, tornando-se, na época, a segunda maior bilheteria da história do cinema.

Unido à boa recepção da crítica, as sequências rapidamente tornaram-se realidade, trazendo um legado ainda maior para Harry Potter, definido como uma das maiores franquias cinematográficas do mundo. Todo os livros foram adaptados para as telonas, sendo que o último foi divido em duas partes, totalizando oito produções. Ao todo, foram arrecadados mais de US$ 7,5 bilhões em bilheteria mundial.

Embora tenha o seu último filme lançado em 2011, com Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte 2, o universo do bruxo não ficou muito tempo sem novidades. Com a enorme carência do público e com uma “galinha de ovos de ouro” em mãos, a Warner Bros. anunciou, em 2013, o próximo capítulo do universo bruxo. A nova continuação da franquia chegaria aos cinemas em 2016, e contaria com cinco filmes.

Newt Scamander (Eddie Redmayne) em foto promocional de Animais Fantásticos e Onde Habitam

Com o sucesso comercial dos oito filmes de Harry Potter, Rowling fechou uma nova parceria com os estúdios Warner. Animais Fantásticos e Onde Habitam traria a autora não só como produtora, cargo que ocupou nas duas partes de Relíquias da Morte, mas também como roteirista. O encargo narrativo da mais nova franquia do Mundo Mágico ficaria por conta de sua criadora, que agora possuía total liberdade criativa para expandir o seu universo dentro do cinema.

Animais Fantásticos e Onde Habitam, lançado em 2016, segue a vida de Newt Scamander (Eddie Redmayne), um magizoologista que percorre o mundo atrás de animais mágicos, que guarda em sua maleta mágica, para cuidar, aprender sobre eles e escrever um livro para “iluminar a vida dos bruxos”.

O filme é baseado em um livro homônimo que fora publicado como parte da Biblioteca de Hogwarts, uma série complementar de literatura didática utilizada pela Escola da Magia e Bruxaria.

A franquia Animais Fantásticos tece uma nova ramificação para o Mundo Mágico, ao se passar em 1926 e ter Nova Iorque como seu pano de fundo. A história possibilitou, por exemplo, a introdução da existência de outras escolas de magia ao redor do mundo, como a Ilvermorny, baseada nos Estados Unidos, além de iniciar a apresentação das comunidades bruxas de outros cantos do planeta. Vemos até mesmo um novo termo para o divertido “Trouxas”, palavra utilizada nos livros de Harry Potter para

De esq. para a dir., o elenco original da peça “Harry Potter e a Criança Amaldiçoada”: Rony Weasley (Paul Thornley), Hermione Granger (Noma Dumezweni), Rose Granger-Weasley (Cherrelle Skeete), Harry Potter (Jamie Parker), Alvo Severo Potter (Sam Clemmett), Gina Potter (Poppy Miller), Draco Malfoy (Alex Price), Scorpio Malfoy (Anthony Boyle)

descrever as pessoas comuns, que nasceram sem magia. Para os yankees, a denominação é “Não-Mag” (abreviação para “Não Mágicos”).

O filme também tornou-se um sucesso, arrecadando mais de US$ 800 milhões em bilheteria mundial, com um orçamento de US$ 180 milhões, além de uma recepções positivas por parte da crítica especializada. Com o segundo capítulo já confirmado para 2018, Scamander irá levar sua maleta à Paris e introduzirá personagens já conhecidos pelo público.

Ainda que continue sem título divulgado (sabe-se, no entanto, que todas as películas terão “Animais Fantásticos”), os novos filmes irão trazer uma versão mais jovem de Alvo Dumbledore (Jude Law).

A ideia é utilizar da ingênua amizade de Newt e Dumbledore para mostrar a relação que o ex-diretor de Hogwarts teve com o bruxo Gellert Grindelwald (Johnny Depp), responsável por alavancar a Primeira Guerra Bruxa e antecessor do maléfico Voldemort (Ralph Fiennes). A premissa também serve como uma oportunidade de criar um laço entre as duas franquias, principalmente com Harry Potter se passando 70 anos após o primeiro Animais Fantásticos.

Mais Potter

A empreitada bilionária ao redor do bruxo transformou J.K. Rowling em uma verdadeira empresária.

Consciente da insatisfação do público pelo fim de seus livros e a sede por mais informações, a britânica

passou a desenvolver expansões literárias de seu universo por meio do Pottermore, uma plataforma online feita para os fãs.

O site proporciona uma experiência única para os seus usuários, que podem participar de jogos que mimetizam e ilustram capítulo a capítulo dos sete livros. O maior trunfo da plataforma, no entanto, é a possibilidade de alimentação do sonho de todo leitor fã, permitindo a descoberta, através de rápidos testes, de qual a sua respectiva casa em Hogwarts ou em Ilvermorny, a descrição de sua varinha e até mesmo a forma de seu Patrono. Para este que vos escreve, as respostas são: Lufa-Lufa, Pukwudgie, varinha de 31,75 centímetros feita de Cipreste, levemente flexível e com núcleo de Fênix, e Corça!

O ponto de encontro digital ainda serve para a própria autora postar novas histórias relacionados ao mundo mágico. Com certa periodicidade, Rowling libera pequenos contos escritos por ela mesmo, que variam no tipo de informação. Entre os de teor mais reconhecíveis estão um insight sobre a vida de Draco Malfoy, informações sobre a história da famosa prisão bruxa de Azkaban, um pouco sobre a construção da Escola de Magia e Bruxaria de Ilvermorny, o funcionamento da comunidade bruxa norte-americana e as suas leis e até mesmo uma matéria do Profeta Diário, escrita pela infâmia Rita Skeeter, sobre a reunião da Armada Dumbledore durante a Final da Copa Mundial de Quadribol, 17 anos após os eventos de Harry Potter e as Relíquias da Morte. zint.online | 85

Desenho fanmade do trio Hermione Grander, Harry Potter e Rony Weasley, respectivamente

Peça Teatral

A expansão do Universo Mágico também contou com um outro tipo de produto. Anunciado em 2013, na mesma época de Animais Fantásticos, a peça teatral Harry Potter e a Criança Amaldiçoada teve sua estreia em 2016, cujo roteiro é também assinado por Rowling. O livro com o script da peça foi publicado um dia após a première da mesma.

A história, dividida em dois atos, traz como centro Alvo Severo Potter (Sam Clemmett), o segundo filho de Harry (Jamie Parker). Nesta aventura, passados 19 anos desde a Segunda Guerra Bruxa, Alvo encontra muitos problemas em viver sob a glória do pai, principalmente por ser introvertido e desajustado.

Ao ser colocado na Sonserina, casa que julgava ser a pior de todas, e receber constantes irritações de 86 | zint.online

seu irmão mais velho por isso, o garoto tenta fazer certo por todos aqueles que morreram no processo de ascensão do nome Potter, começando por Cedrico Diggory. Ao lado de seu melhor amigo, Scorpio Malfoy (Anthony Boyle), filho de Draco (Alex Price), e Delphi Diggory (Esther Smith), sobrinha do pai de Cedrico, os três roubam o último Vira-Tempo cuja existência é conhecida, retornando para as Tarefas Tribuxo de Harry Potter e o Cálice de Fogo. O que eles não levaram em consideração é o fato de que todas as suas alterações geram consequências no futuro, podendo até mesmo apagar a existência de um deles.

A peça estreou em Londres recebendo boas críticas, que elogiavam o seu elenco e as performances.

Embora a qualidade do roteiro seja fervorosamente debatida, tanto pelos críticos quanto pelo público, o sucesso da produção proporcionou a possibilidade de

expansão. A primeira adaptação off-Londres acontecerá em 2018, nos palcos da famosa Broadway.

Sem Perspectiva

Ainda que os livros tenham chegado ao fim, Harry Potter mostra-se longe de terminar. Com quatro filmes spin-off em vista, a constante expansão dos parques temáticos e a estreia de novas versões da peça, a franquia parece mais ativa do que nunca.

Enquanto os produtos audiovisuais vão ganhando vida, os livros continuam recebendo novas edições. A mais recente delas, que está em atual produção, são as versões ilustradas de Jim Kay para cada um dos livros.

E, como se o salário não fosse o suficiente para ter tudo em casa, J.K. Rowling ainda anunciou que uma nova edição chegará às lojas, contanto com manuscri-

tos, rascunhos e ilustrações feitas por ela mesma.

Tudo isso evidencia que, mesmo depois de 20 anos, a saga do bruxo continua encantando as pessoas mundo a fora, que não só estão dispostas a acompanhar os novos relançamentos como também esbravejam o seu amor por tatuagens, fanfics, comprando os produtos licenciados, viajando para os sets e parques de diversões, revendo os filmes dezenas de vezes, ouvindo a trilha sonora, desenhando, e até mesmo fazendo canais temáticos no Youtube.

Ao mesmo tempo, essas mesmas pessoas se (re) unem através da internet, compartilham os ensinamentos que os livros de J.K. Rowling as ensinou, empenhando-se em introduzir a saga na vida de outras pessoas. O intuito prova que além de manter vivo o legado Harry Potter, as páginas dos livros são muito mais do que apenas tinta no papel. zint.online | 87

agradecimentos;

Antes de qualquer coisa, queremos agradecer aos nossos pais, que entre tantas outras situações, merecem qualquer tipo de obrigado que será escrito no futuro. Eles não só acreditam em nós, como nos apoiam e nos encorajam a seguir os nossos sonhos, mesmo quando falhamos no processo. Afinal, falhar faz parte, e não há vitória sem esse passo.

Em segundo lugar, um enorme e sonoro agradecimento a todos aqueles que participaram da revista, produzindo conteúdo, opinando, dando ideias, trabalhando no design e em toda a sua estrutura. Fazer uma revista em dois é bastante difícil, e graças a todos vocês isso não foi necessário. Não exageramos quando dizemos que sem vocês, literalmente, não existiria a revista.

Portanto, muito obrigado pelo seu apoio e esperamos que a experiência tenha sido tão boa quanto foi para nós. Adan, Bruna, Gabriel, Gabriella, Jhonathan, Maria, Rafael, Renato, Roberto, Samuel, Stephanie, Thales, Victor, Victoria e Yuri, nos vemos nas próximas edições?

Em terceiro lugar, queremos levar os obrigados ao André Rodríguez, que deu aulas de InDesign para o vics, e mostrou-se genuinamente interessado em empolgado em estar ajudando o projeto a se erguer. Você de fato fez isso, e por isso o agradecemos.

E como sempre, Raíssa Lima. Ela está sempre lá, ajudando, dando opiniões e sendo extremamente sincera quando é necessário. Não existiria um vics se não tivesse uma Raíssa para guiá-lo.

Ao leitor, obrigado por prestigir o nosso trabalho e esperamos que você tenha gostado.

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