13 Edición Revista Avenida by Revista Avenida

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REVISTA AVENIDA DÉCIMA TERCERA EDICIÓN

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DIRECCIÓN Nika Álvarez Espitia

DISEÑO Camilo París Mayans

COLABORADORES El Buen Ojo

Revista Avenida nace con el fin de exponer el talento latinoamericano y la esencia que nos diferencia y nos convierte en un continente auténtico, lleno color, de poder ancestral e inspiración absoluta. Creemos que la unión y el trabajo en conjunto traen increíbles resultados y como muestra de eso, hemos realizado esta décima tercera edición, con la colaboración de un equipo de personas talentosas a lo largo de todo el continente que aportan con sus talentos, valores, ideas y acciones.

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MODA 006 C U A N D O L O I M P E R F E C T O S E V U E LV E P E R F E C T O , O L D M A Q U I I N A BOUNDLESS M A R T Í N A C R O S S Y S U U N I V E R S O D E N AT U R A L E Z A , T E C N O L O G Í A Y E X P L O R A C I Ó N ENRAIZAMIENTO ROMÁNTICA POR CARDÍACA RECOMENDADOS MODA PA U L A M E N D O Z A “ L A P R E S E R VA C I Ó N D E S A B E R E S P O R M E D I O D E L A S J O YA S ”

ARTE 078 U N L U G A R PA R A H A B I TA R , E L M U E L L E U N U N I V E R S O L AT I N O A M E R I C A N O E N 3 D BEING POOR HAS NEVER BEEN SO COOL, HETERA FRINÉ M O R TA J A C A M I L O A R E VA L O RECOMENDADOS ARTE JAO Y EL MOVIMIENTO COMO LIBERACIÓN DEL ALMA Y EXPRESIÓN DEL CUERPO

ESTILO DE VIDA 158 CARALARGA UNA SINERGIA ENTRE SABER ANCESTRAL Y DISEÑO CONTEMPORÁNEO M I S S PAT T Z U N A R E V O L U C I Ó N E L E C T R Ó N I C A EL BLANCO PERFECTO RECOMENDADOS ESTILO DE VIDA T I E N D A AV E N I D A “ C U R A D A P O R R E V I S TA AV E N I D A ”

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RECOMENDADOS ARTE

Cris Gallo

PA G 1 4 5

No podemos dar inicio a esta décima tercera edición sin antes agradecerles por el apoyo, cariño y compañía que nos han brindado desde nuestro inicio, cada edición reafirma nuestro compromiso por exponer y apoyar el talento latinoamericano. Este 2022 venimos llenos de sueños, metas y objetivos que esperamos cumplir junto a ustedes para seguir llevando al mundo entero una muestra de lo que sucede en moda, arte y estilo de vida en Latinoamérica. Esta edición abre el año con un viaje por Ecuador, Venezuela, Colombia y México, invitándonos a descubrir y explorar cómo el uso de técnicas, materiales, ritmos y talentos hacen de nuestro continente un lugar llamativo, auténtico y rico. Adicionalmente al cierre de la edición podrán encontrar uno de esos sueños que inicia este 2022 y que fue lanzado el 27 de enero. “Tienda Avenida” curada por Revista Avenida es una realidad, un espacio que los espera a todos para que visiten y conozcan las propuestas de diferentes diseñadores, artistas y emprendedores.

Nika Álvarez Espitia

Directora de Revista Avenida

C U A N D O L O I M P E R F E C T O S E V U E LV E P E R F E C T O

OLD

MAQUIINA FOTOGRAFÍAS POR OLD MAQUIINA @OLDMAQUIINA

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Hablar de exploración, reinvención y procesos de construcción textil con materiales utilizados por otras industrias y de conceptos transgresores y vanguardistas, no suele ser un tema en el que muchas marcas indaguen o en el que se abarque un grupo numeroso de potenciales compradores, no quiere decir que no existan proyectos que desafíen lo tradicional y lo rutinario como Old Maquiina, un taller experimental en el que desde diferentes áreas y saberes, no profesionales de la moda convergen para idear siluetas y formas, a través de materiales, técnicas y texturas que además de calidad, adicionan arte y una declaración de independencia y rebeldía, creando su propia definición de moda. Telas para mobiliario, impermeables para yates, usos de pintura, imanes, cortes inusuales y patronaje original, componen el universo creativo que no solo se representa en las piezas, sino que trasciende al espacio con instalaciones y a otros formatos con los sonidos y los visuales. Desde lo poco convencional de la ubicación de su taller y el juego de percepciones al entrar, logran crear una experiencia intrigante que desde un inicio abre la mente del espectador y lo invita a sumergirse en un espacio azul, color que representa su octava colección o capítulo como lo denominan ellos y que cuenta con 234 prendas divididas en 17 líneas que van desde básicos hasta prendas especiales y piezas únicas.

Conoce su taller ubicado en la Av. Caracas # 62-33 oﬁcina 202 o compra algunas de sus piezas en la tienda de Revista Avenida 010

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Fotografía: @nbtstudio @nadiabove Modelo: @bella.bucciro MUAH: @jehosuavogele Estilismo: @felipenvera BTS PHOTOGRAPHER: @7limones Marcas @verabogota @curuba_ _ @bbacollection @gnrl.studios @joaquinserra @sombrerossantamaria 018

BOUNDLESS Los tiempos han cambiado y la moda ha cambiado con ellos. Las mujeres ahora abren los armarios de sus parejas, hermanos, padres, y salen a la calle para hacerla suya sin necesidad de llevar faldas ni tacones. En esta editorial se muestra el lado masculino de la mujer, que viste prendas y sombreros unisex que destacan sus rasgos más masculinos.

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Ganas, ilusión y mucho amor por la moda. Ese es el motor que mueve L.O.I. Agency. Esta agencia de comunicación y de relaciones públicas, con sede en Madrid, fue fundada por la emprendedora colombiana Brenda Barbosa y su socio español Luis Maro a comienzos de 2021. Desde que abriera las puertas de su oficina y showroom, en el corazón del lujoso y exclusivo barrio de Salamanca de la capital española, no ha parado de trabajar por posicionar marcas de distintos sectores como moda, restauración, hostelería, belleza o lifestyle. El secreto de esta agencia no solo reside en el

savoir-faire de los profesionales que conforman el equipo, sino en el trato cercano que mantiene con sus clientes -todas las partes forman lo que ellos mismos llaman "L.O.I. Family"-. Además, la agencia cuenta con un pilar muy importante que la diferencia del resto: el apoyo que ofrece a marcas y emprendedores de Colombia. Haciendo honor a los orígenes de una gran parte del equipo, L.O.I. decidió apostar desde sus inicios por nombres colombianos que quieren hacerse un hueco en el mercado español, consiguiendo crear sinergias y oportunidades a ambos lados del "charco". L.O.I. es emprendimiento, esfuerzo, dedicación, arte y futuro; sobre todo, futuro. 029

MARTÍN

ACROSS Y S U U N I V E R S O D E N AT U R A L E Z A , TECNOLOGÍA Y EXPLORACIÓN FOTOGRAFÍAS POR MARTÍN ACROSS

@MARTIN_ACROSS

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Latinoamérica sin duda alguna es uno de los lugares con mayor diversidad natural, cultural y material del mundo, sus procesos, técnicas y fibras son usados en todos los continentes y cautivan las vanguardistas propuestas de diseñadores independientes y jóvenes como Martín Across, quien inspirado en su natal Ecuador, ha logrado hacer propios procesos y técnicas que combinan lo ancestral con lo industrial, resaltando la riqueza natural y artesanal del país suramericano. Su última colección “On the fragile nature of life” es un reflejo de su trabajo como diseñador, donde queda en evidencia una clara referencia de la arquitectura como inicio de su historia y una riqueza visual, acompañada por una declaración que grita en contra del género y sus etiquetas. Los elementos que juegan en los sacos, camisetas y vestidos se interpretan como una inspiración a los elementos naturales, que se logra percibir naturalmente con las ondas, las sutiles siluetas y los colores pasteles. 033

El diseñador actualmente reside entre España y Ecuador, logrando presentarse en diferentes lugares de Europa y Latinoamérica, llevando sus piezas a un amplio mercado internacional que se ve cautivado por una propuesta atemporal, sin reglas, amigable con el medio ambiente y sobre todo muy local. Quisimos hablar con él y conocer más de su historia, su proceso, el camino que ha llevado como diseñador independiente y los retos que tiene para el 2022. ¿Cómo inicias tu carrera en la moda, teniendo un gran interés por la arquitectura? Empecé estudiando arquitectura porque tenía una gran curiosidad por el volumen, las formas, los colores y las texturas, y cómo el medio está intrínsecamente vinculado al comportamiento humano. Es ahí cuando descubrí al cuerpo humano como un canvas, lo que despertó mi interés de forma inmediata y me hizo migrar al mundo de la moda. Creo que el proceso entre la arquitectura, la moda, y todo el diseño

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¿Los colores y las formas juegan un papel protagónico en tu diseños, cuéntanos cómo llegas a ellos?

en general, tiene varios aspectos en común. La moda me apasiona porque me permite trabajar en una forma de expresión del ser humano que ha evolucionado durante toda nuestra existencia.

El color y la forma parten de los movimientos y transiciones de la naturaleza. Estos últimos años los colores pasteles han sido muy protagónicos y en muchas ocasiones aluden a mi estado de ánimo.

¿Cómo ha nutrido tu proceso artístico el estar en constante movimiento entre Ecuador y España?

¿Qué es el género para Martin Across y cómo la creación de piezas enfocadas a una tendencia sin etiqueta del mismo, transforman la industria a una más diversa e incluyente?

Creo que me ha ayudado a desarrollar una fortaleza que nace de la deconstrucción que uno vive al mudarse a una ciudad nueva y empezar desde cero. Uno de los procesos de estudiar moda supone experimentar un proceso de catarsis de uno mismo: deconstruirte para volver a construirte con una nueva perspectiva. Esto me ha ayudado a ver el mundo desde nuevas perspectivas, a evolucionar y a aprender a estar en paz conmigo mismo.

El género es una construcción social que en muchas ocasiones nos puede llegar a limitar. No es necesario categorizar nuestras prendas con géneros binarios. Las posibilidades son infinitas y versátiles, y lo reflejo en mis colecciones de forma sutil sin intentar ser muy político.

¿Qué signiﬁca la tecnología para el proceso creativo de Martin Across y cómo la integra en sus producciones?

¿Cómo crees qué la ﬁrma Martin Across por medio de sus procesos aporta a la transformación de la industria textil de Ecuador?

Siento que hay un vínculo muy fuerte entre la tecnología y la naturaleza, y trato de mostrar una fusión de ambas por medio de mi proceso creativo. La naturaleza es una máquina perfecta y la tecnología se inspira en muchos procesos naturales para avanzar y desarrollarse. Trabajamos mucho con Jacquard, estampación digital, corte a láser y otras muchas técnicas. La tecnología es importante, pero integramos su uso en nuestra producción de forma limitada, ya que apuesto por la sostenibilidad del planeta ante todo.

Al ser transparentes en nuestro modelo de producción y visión de negocio, permitimos que en Latinoamérica se abran puertas a una moda más “arriesgada”. Trabajamos de forma local, apostando por una producción sostenible. Queremos poner a Ecuador en el mapa y valorizar este país para ser referentes no sólo en cómo comunicamos, sino en cómo producimos y cómo consumimos. ¿Deﬁne la visión de la marca frente a la naturaleza y los proceso ecológicos?

¿Cómo describirías la evolución y el cambio que has tenido entre tu última colección On The Fragile Nature of Life, The Collector’ y ‘The Landscaper´?

Martin Across nace de la naturaleza. El ADN de nuestra marca se nutre de los ecosistemas y los procesos naturales de nuestros alrededores. Estéticamente nos inspiramos en las transiciones de la naturaleza vistas siempre desde un filtro contemporáneo y de alguna forma digital. Es esencial recalcar que no pretendemos ser una marca “Green-washed”. El concepto de la sostenibilidad tiene un espectro de opciones muy amplio. Nosotros optamos por “Slow-fashion” como forma de fomentar un consumo responsable, y sostenible en la medida de lo posible.

La visión actual de Martin Across ha simplificado el ADN de la marca, que siempre se muestra presente en cortes redondos, texturas terrosas, estampados topográficos y colores que hacen referencia a la naturaleza. En mis dos primeras colecciones me enfoqué en mostrar el volumen y la forma como medio de expresión. Mi visión actual se basa principalmente en la comodidad y la sostenibilidad. ¿Qué signiﬁca Ecuador en tu proceso creativo y como diseñador?

¿Qué viene en 2022 para la ﬁrma?

Ecuador lo es todo para mí. Mi proceso creativo se inspira enormemente en los ecosistemas de este país, en la esencia e historias que se viven en las distintas zonas del país. Ecuador es un lugar en el que mi creatividad fluye con soltura.

Estamos trabajando en el lanzamiento de 3 colecciones cápsula, una colección grande que será presentada por medio de un desfile y expandir la marca a Europa y Asia. 036

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Fotografías: Martín Across

Conoce y sigue más del diseñador en www.martin-across.com @martin_across

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ENRAIZAMIENTO Vivimos un viaje constante, un proceso de volver a lo importante, a nuestras raíces, nuestras texturas, nuestros colores, eso en los más profundo, capa tras capa. Fotógrafo: @farithlara Modelo: @marisofia.pinilla Fashion Styling: @ninagonzaleza Makeup: @j_makeup_artist Marcas locales @lauralaurens / @loborosaloborosa / @a3pbyandreatrespalacios / @angiemariezach

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Fotógrafo: @farithlara Modelo: @marisofia.pinilla Fashion Styling: @ninagonzaleza Makeup: @j_makeup_artist Marcas locales @lauralaurens / @loborosaloborosa / @a3pbyandreatrespalacios / @angiemariezach

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ROMÁNTICA POR

CARDÍACA

@_CARDIACA_

Fotógrafo Randy Sanchez: @randysanchezfoto Marca : @_cardiaca_ Diseñadora Carolina Diaz @karomania82 Modelo Anita Cristancho @anmacrist M&h @anicrismakeup Set Randy Sanchez & Carolina Díaz 055

Cardiaca es una marca Colombiana de diseño independiente, que en ésta ocasión dió vida a esta editorial inspirada en el romanticismo y el arte Rococó, caracterizado por detalles finos, colores luminosos y texturas suaves.

Fotógrafo Randy Sanchez: @randysanchezfoto Marca : @_cardiaca_ Diseñadora Carolina Diaz @karomania82 Modelo Anita Cristancho @anmacrist M&h @anicrismakeup Set Randy Sanchez & Carolina Díaz

La diseñadora Carolina Díaz Cadena (Creadora de CARDIACA) realizó estos diseños con materiales como la seda y el terciopelo, apliques cosidos a mano como perlas, encajes y pedrería brillante. Junto al fotógrafo Randy Sanchez recrearon el set creando un ambiente refinado y misterioso que busca generar sensaciones e historias a partir de estas imágenes donde la modelo Anita Cristancho además de hacer el maquillaje y peinado, se entregó al papel de mujer melancólica y apasionada.

Fotógrafo Randy Sanchez: @randysanchezfoto Marca : @_cardiaca_ Diseñadora Carolina Diaz @karomania82 Modelo Anita Cristancho @anmacrist M&h @anicrismakeup Set Randy Sanchez & Carolina Díaz

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Fotógrafo Randy Sanchez: @randysanchezfoto Marca : @_cardiaca_ Diseñadora Carolina Diaz @karomania82 Modelo Anita Cristancho @anmacrist M&h @anicrismakeup Set Randy Sanchez & Carolina Díaz

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R E C O M E N D A D Oa S Mod

SOREIL Soreil es una marca de lencería de lujo que nace en el año 2014, con el fin de reconectar a su creadora con Colombia, resaltando el trabajo hecho a mano y el uso de telas de alta calidad, esta firma se ha convertido en la voz de mujeres que desean expresar empoderamiento, sensualidad y belleza por medio de ropa interior. “Creemos que la sensualidad de una mujer es su propia creación; un estado mental que depende de su actitud, encanto y amor propio. El núcleo principal para el origen de Soreil fueron todas aquellas mujeres que inspiraron a otras con su belleza pero sobre todo, que fueron influyentes por su intelecto, estilo o irreverencia”.

@soreil_lingerie Calle 69 # 11 a - 34 Bogotá, Colombia

OVERGARMENT Esta marca colombiana de diseño independiente, nació hace 10 años con la idea de crear piezas únicas en colecciones limitadas con una firma de responsabilidad social y ambiental. Su camino a la sostenibilidad empezó evitando el surplus en el 2012 con la creación de piezas a medida, luego, la experimentación de diversas técnicas de bajo impacto como el upcycling, uso de prendas a partir de deadstock y uso de materiales sostenibles como PET reciclado, piñatex, Nylon compostable, algodón orgánico y otros materiales con importantes certificaciones ecológicas hicieron parte de su universo, creando una moda consciente para todos. @overgarment Colombia Encuentrala en la tienda de Revista Avenida

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RELIGARE Con un gran interés en producir moda ética y amigable con el medio ambiente y bajo la filosofía de reciclar, reutilizar y reincorporar, la diseñadora Manuela Peña ha logrado rescatar y preservar técnicas ancestrales en sus procesos de creación, logrando una conexión y respeto entre la naturaleza y las piezas que desarrollan. “La moda ética Religare es atemporal, simple y natural. Unimos nuestra cadena de valor desde el origen para vestir a quienes honran las manos que participan de nuestros procesos creativo y productivo. Lo natural es un lujo”. @religare_store www.religarestore.com carrera 32 # 12 a - 16 Medellín, colombia

MANDALARA Esta marca creada por Ana Maria Lara, nace en el 2015 con la finalidad de convertirse en una propuesta consciente y alegre. Utilizando el arte intencionado como base de todas las piezas y con ilustraciones propias creadas en un proceso de conexión, intención y propósito dan vida a amuletos y universos únicos traducidos en moda, accesorios y más. “Cada pieza se vuelve un amuleto para la persona que lo lleva recordando eso que representa”. @mandalara_ www.mandalara.co Colombia Encuentrala en la tienda de Revista Avenida

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PA U L A

MENDOZA “ L A P R E S E R VA C I Ó N D E S A B E R E S P O R M E D I O D E L A S J O YA S ” F O T O G R A F Í A S P O R PA U L A M E N D O Z A E S C R I T O P O R N I K A Á LVA R E Z

Alguna vez de pequeña cuando aprendía de historia precolombina y conocía sobre los tesoros de nuestras tierras en lugares como el Museo del Oro, pensaba lo alucinante y exquisitas que se veían las joyas adornando a las personas, me fascinaba la idea de pensar en cómo las comunidades indígenas usaban estas piezas en materiales preciosos para representar sus deidades y cómo estas otorgaban poderes, mensajes y símbolos tan importantes a quien las poseía. Entender el vínculo que existe entre colombia, la joyería, los materiales preciosos y los maestros que cuentan historias a través de estas piezas no es una tarea difícil, basta con visitar y conocer el trabajo de la joyera colombiana Paula Mendoza, quien por medio de su reconocida firma homónima, ha logrado que las joyas colombianas sigan manteniendo un nivel de alta calidad frente al mundo; personalidades como Sarah Jessica Parker y Beyonce, son solo algunas de las estrellas que usan su nombre con 067

@ B Y PA U L A M E N D O Z A

orgullo y que la convierten en una tendencia en la actualidad. Viendo las joyas como esculturas, la colombiana inició un viaje por el mundo del diseño y la joyería, en el cual comenzaría una idea de hacer negocios conscientes en cada decisión, grande o pequeña, obteniendo materiales de forma ética y meticulosa, creando conexiones mano a mano y entrelazando historias y conocimientos con artesanos, dando origen a piezas de un valor único, que cautivan la mirada, el tacto y generan admiración tanto en su construcción como en sus acabados y detalles. Hablamos con Paula para conocer más de su historia, de cómo ha sido su proceso creativo y cómo ha evolucionado y aprendido con el tiempo, así cómo también de los retos que enfrenta con el lanzamiento de su tienda en marzo y su nueva colección de esmeraldas, la cual presentará en la Bienal de Venecia en abril.

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¿Cómo llegas a la joyería iniciando tu carrera como comunicadora social? Yo siempre había querido estudiar arte y cuando empecé a ejercer comunicación social me quedé buscando un outlet creativo. La ropa y hacer mis propios accesorios terminaron siendo ese outlet creativo y siempre decoraba todo lo que me ponía. Todo el proceso de integrar de un lado al otro fue algo muy natural que no planeé y que solo terminó pasando. ¿Qué es lo que más valoras de todo tu proceso y tu trabajo a lo largo de los años? Lo que más valoro en todo el proceso de mi trabajo definitivamente es trabajar con la gente y los joyeros y poder ver todas las personas que son parte del proceso desde el comienzo de hacer la joya hasta el final. Me llena el corazón generar esa comunidad de personas en las que todas caminamos hacia un mismo lado y tenemos los mismos fines. Eso es lo que más me llena el corazón ¿Cómo ha sido el trabajo con maestro joyeros y su participación en la elaboración de las piezas? Los joyeros con los que he trabajado siempre han sido joyeros totalmente de tradición entonces puedes ver el proceso de fabricación de las piezas y las técnicas que usan que son increíbles y aprendidas de una manera super empírica. Por eso al final el que termina aprendido siempre es uno mismo y eso me fascina. Actualmente estas trabajando colecciones con esmeraldas ¿ Cuál es el mayor reto a la hora de trabajar con una piedra preciosa como esta? Es un cambio totalmente radical porque trabajar con materiales

semi preciosos a preciosos requiere otras herramientas, procesos y cuidados, pero estoy muy emocionada y creo que es un paso muy importante para Paula Mendoza. Trabajar con piedras como la esmeralda es espectacular porque es como llevar la bandera de Colombia a donde vayas. Si hay algo muy hermoso de este país son las esmeraldas entonces es super lindo hablar de una piedra tan especial y algo tan único para el país. Por eso estamos trabajando la colección de fine jewelery que vamos a lanzar en la Bienal de Venecia el 27 de abril entonces estoy muy muy emocionada por eso y no puedo esperar a compartirla con ustedes. ¿Qué impactó ha tenido para tu marca el que celebridades como Beyoncé, Sarah Jessica Parker, Zendaya y Kylie Jenner usen tus piezas? ¿Cómo has logrado llegar a ellas? El impacto que tiene que las celebridades se pongan mis joyas es altísimo para la marca y obviamente le da un exposure altísimo y eso hace que Paula Mendoza se conozca internacionalmente. Todo ha sido a través de instagram y en verdad nunca hemos pagado PR ni le hemos pagado a nadie que nos ayude con este tipo de movimientos entonces ha sido espectacular ver cómo a través de nuestro instagram nos contactan estilistas de celebridades tan importantes como Beyonce. La verdad ha sido una suerte muy grande y estamos muy agradecidos por todo el apoyo. ¿Cómo lograr que una marca de joyas como Paula Mendoza sea amigable con el medio ambiente y con el entorno social? Nosotros siempre hablamos de que la sostenibilidad no es solo tener procesos sostenibles en el trabajo en cuanto utilización de recursos. La empresa Paula Mendoza 070

Fotografías: Paula Mendoza 001

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Fotografías: Paula Mendoza

habla de sostenibilidad en términos de progresos y la estabilidad de las personas con las que trabaja la marca. Entonces nos enfocamos en procesos honestos, equilibrados, sensibles, porque eso también es ser amigable con el medio ambiente y genera un círculo de valores que genera progreso y bienestar. También tratamos de que todos los procesos tengan muchisimos mas ahorro de agua, reutilización de materiales, pero más que nada nos enfocamos en el proceso de crecimiento y sostenibilidad de la gente con la que trabajamos. Cuéntanos más acerca de la apertura de tu primera tienda en Bogotá ¿Cómo ha sido el proceso y quienes están involucrados en su proceso? Estamos super felices de la apertura de la primera tienda. La está diseñando mi novio Martin Ramirez que es un diseñador industrial de Bogotá que tiene mucha experiencia en diseño de lugares, entonces estoy muy feliz de trabajar con él en este proceso. El entiende muy bien cuál es mi estética, qué me gusta, y qué quiero y eso es increíble porque trabajamos en conjunto para hacer un lugar muy muy especial. La abrimos en marzo dos y estamos muy felices de por fin tener un punto en Bogotá en donde todas nuestras clientas puedan venir a gozar de nuestras joyas. ¿Qué viene para Paula Mendoza este 2022? Para Paula Mendoza viene el lanzamiento de la colección de Fine Jewelery en la Bienal de Venecia, viene la apertura de nuestra primera tienda y vienen unas colaboraciones importantes con marcas internacionales. ¡Viene expansión y crecimiento este 2022! 076

LUGAR H A B I TA R PA R A

ARTE

EL MUELLE

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El arte y el desarrollo de un artista sin duda alguna, está condicionado por su experiencia de vida, su entorno y las diferentes situaciones que acompañan su proceso y su día a día, no obstante que sea en los diferentes lugares de nacimiento, donde muchos deciden permanecer y explorar, buscando asi inspiración dentro de estos mismos contextos que nutran su trabajo y creen una perspectiva diferente de su visión. El muelle, ubicado en Engativá es un punto clave para el inicio de la obra del artista Mauricio Salcedo, quien inspirado en su barrio y en las edificaciones autoconstruidas inició toda una investigación y posterior materialización de su visión frente a estas construcciones. Al igual que él, este punto ubicado en el noroccidente de Bogotá ha sido desde el año 2016 un lugar de inspiración y residencia de diferentes artistas como Gloria Sebastian Fierro, bajo el concepto de usar este espacio como “Estudio de producción gráfica”

Continuando esta idea de convertir el Muelle en un espacio de investigación , producción y exhibición, Mauricio Salcedo presenta el proyecto a diferentes convocatorias, ganando “Es cultura local para el fortalecimiento de iniciativas artísticas y culturales de la localidad”, logrando así la materialización de una muestra de 6 artistas que trabajan y reflexionan en torno al hábitat y el espacio y que además contará con diferentes talleres en compañía de los artistas, donde podrán involucrarse al público con los procesos referentes al taller así como tener un acercamiento a la obra de los expositores. La muestra se realizará del 24 de febrero al 17 de marzo de 2022 en el Estudio de producción El Muelle, Calle 64 B # 105 D - 37, Barrio El muelle, Engativá. Los artistas que harán parte de esta muestra, han sido elegidos debido a la reflexión que tienen en torno al hábitat, las memorias en referencia a los espacios que les circunda y los respectivos diálogos que surgen en torno a su encuentro. 081

ARTE

El taller desde entonces ha tenido un enfoque de producción gráfico a partir de la incorporación de técnicas tradicionales de reproducción de imagen como lo son el aguafuerte y aguatinta; a su vez se ha visto atravesado por distintos procesos de experimentación, así como el acompañamiento de otros artistas en el trabajo colectivo de producción, involucrado la obra de otros artistas que han buscado un lugar para desarrollar sus ideas en el contexto de la práctica gráfica.

ARTE

VANESSA NIETO Artista plástica orientada a la investigación de procesos experimentales del grabado. Dentro de su producción artística aborda reflexiones sobre el acto de generar huella: como eje esencial de la gráfica, su resonancia con el cuerpo y la violencia. Estos intereses se proyectan en la práctica docente desempeñando investigaciones sobre procesos plásticos del dibujo con énfasis en territorios del cuerpo, el libro de artista, y el papel: desde su producción y posibilidades como materia. 082

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ARTE

GLORIA SEBASTIÁN FIERRO Por statement entiendo compromiso. Me compro con la luna me compromiso con el sol. Narrar es argumento no suceso. suceso suceso suceso suceso suceso suceso suceso suceso suceso

elemental seguro compuesto imposible compatible incompatible independiente dependiente contrario

Con eso si compromiso. Y Me compro pintar, me compro fotografiar, me compro dibujar, moldear e instalar. D 33 recibí 1na flauta y musico ahora el seso. 085

ARTE

E V E LY N T O V A R artista multidisciplinaria cuyo trabajo surge del interés por un acercamiento más consciente a la imagen cotidiana, entendiendo esta como el lugar común desde donde se establecen relaciones de comunicación con el contexto. Al trabajar con materiales como papel moneda, polvo de ladrillo y de carbón, barro, asfalto, concreto, plantas vivas entre otros, la materia además de ser un referente, hace parte fundamental dentro de las necesidades simbólicas de la obra en relación con el imaginario cultural e histórico del que provienen. 086

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ARTE

CAMILO BOJACÁ Camilo Bojacá inició su carrera estudiando artes plásticas en la Universidad Nacional de Colombia en el año 2005. En sus proyectos se pueden ver variedad de técnicas siendo preponderante el dibujo y la escultura. En su trabajo es recurrente encontrar el paisaje como elemento de estudio, que Bojacá entiende como un sistema de capas que se intersectan superponen y conectan, otro de los elementos con el que trabaja recurrentemente es la escala, y la relación entre arquitectura y naturaleza. Le interesan las relaciones y tensiones que existen entre los elementos conceptuales y los materiales con los que trabaja, como el concreto, las minas de grafito, el papel, etc. 089

ARTE

MARGARET MARIÑO Los materiales nobles son el principio, de la artistas, con los que descubre estrategias para unir conceptos que se presumen opuestos, los cuales logra unir al pararse en la delgada línea del medio, de la tensión que nace al ensamblarlos; es entonces propio de su trabajo poner en diálogo conceptos contrarios, por ejemplo, el ornamento y el vacío, lo estructural y lo orgánico, la domesticidad y el salvajismo, los materiales nobles frente a los materiales tercos e intenta moverlos entre el dibujo, la pintura y la instalación. “Mi opción singular es el camino de la ambigüedad, del medio, de la incertidumbre, aún del fracaso como estados de un proceso creativo en el que dejó visible la experiencia estética”. 090

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ARTE

MAURICIO SALCEDO El proceso creativo de Mauricio Salcedo se ubica en la exploración y aproximación a la arquitectura entendida desde su habitabilidad y su condición espacial vinculada con la memoria. Entre sus exploraciones, partiendo del escenario inmediato de su niñez hace referencia a la casa donde habita, y de la mano con esto entabla un diálogo con la arquitectura de la auto-construcción. La obra de Salcedo señala aspectos como la condición de desplazamiento forzado y éxodo rural, proponiendo a su vez una mirada donde esta misma se convierte en un recurso vital para quien la habita, señalando las tradiciones y la colectividad como aspectos esenciales de su desarrollo y entendiéndose como un aspecto transversal a su latente estratificación. 093

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Conoce la muestra y descubre cómo los espacios se vuelven lugares para habitar y entender desde el arte, desde el ser y el estar. Lugar: Estudio de producción El Muelle, Calle 64B# 105D-37,Barrio El muelle, Engativá. Fecha Exhibición: del 24 de febrero al 17 de marzo de 2022 Horarios: de 10:00am a 4:00pm. Horario de visitas abierto al público. 094

Obra: Margaret Mariño 095

RECOMENDADOS ESTILO DE VIDA

Ingrid Salcedo

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L AT I N O A M E R I C A N O

A medida que la tecnología avanza y logra desarrollar nuevas herramientas para la exploración artística de cada persona, se desarrollan diferentes universos donde los límites no existen y la creación es infinita. Haciendo un llamado al talento 3D de la región, realizamos una convocatoria que involucra diferentes visiones de lo tridimensional.

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UNIVERSO

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(Especulaciones transhumanistas desde una mirada del diseño de ficción). Simulación, modelado y scanner 3D. ANTI.HMN_0 toma la castración genética de las generaciones futuras de humanos para dar paso a la creación artificial de vida como mecanismo que regula la reproducción y por ende el impacto ecológico en el planeta; de esta forma, una nueva denominación de individuo es definida como "humano transgénico", un ser creado genéticamente para ser exonerado de diferencias biológicas sexuales y de las capacidades naturales de reproducción, dando paso a la concepción de un cuerpo artificial, genérico, puro y andrógeno que se concebiría como un elemento de culto, devoción e iconografía dentro de las tendencias sociales y culturales de un posible futuro. Juan Echeverria (ErrE). @rrrrrrr_rrr_rr_r

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ANTI.HMN_0

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ANÉMONA Desde un interés por la ciencia y tomando como inspiración la variedad de texturas y colores presentes en la fauna y flora marina, con esta pieza se busca encapsular una pequeña parte de esta creando un ambiente microscópico y misterioso. Julián Angarita Bernal @jangaritb

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El bosque que sostiene la vida Fotogrametría tomada el 20 de julio de 2021 cerca a la Reserva Natural Palmari en el Amazonas Brasilero; procesada en Reality Capture y renderizada dentro de Cinema 4D con Redshift.

Esta obra hace parte de la serie “El bosque que sostiene la vida”, un proyecto que propone una mirada a la amazonía por medio de la fotogrametría. Una técnica que digitalmente interpreta y convierte una serie de fotografías del bosque en objetos tridimensionales ( modelos 3D). Es una interpretación contemporánea de la naturaleza en la que estas mediciones hechas con luz, evidencian las estructuras de los árboles, trazan las geometrías de los hongos y se pierden entre los colores de la flora. Generando así un diálogo, entre el mundo binario y el orgánico, que busca inmortalizar algunas de las especies que habitan actualmente el Amazonas.

Alvaro Rodrigurez Badel @rodriguez.badel

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HYBRIDACIÓN el concepto de Hibridación habla de la creación de algo a partir de la mezcla de varios elementos, esto es la representación de la vida, la mezcla de influencias y elecciones que tomamos nos forja como personas tanto de manera controlada como el caos nos afecta para tener una existencia única en la vida, somos una mezcla del tiempo y el espacio en un punto específico, somos una hibridación hecha vida. Hybrida estudio, Keyllem Alarcón, Nelson Hernández @hybrida.estudio

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ARTE

RENAISSANCE Renaissance expresa la muerte de un ser en medio de un entorno abrazado por la combustión del fuego y el ímpetu de una fogata, a la espera de su muerte y cómo de estas cenizas se crea un nuevo ser, recreada en un mundo onírico aquel animal que resurge de sus cenizas ( el ave fénix ) que, da a entender la muerte del día a día y de una mañana nuevo lleno de oportunidades, de nuevas experiencias y de la posibilidad que cada uno tiene de elegir para forjar un nuevo día.

Luis Henao

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NICOLÁS DEPELGANGER El tiempo ha pasado, y la máquina nos ha dominado. Hemos conseguido la inmortalidad a través de la tecnología. Todo lo que llegamos a construir para nuestro vivir, ha quedado apilado en un rincón… Suspendido, inactivo. Esperando poder volver a cumplir alguna función, aunque (y sin quererlo) ya cumple la tarea de habitar y ocupar un espacio en el colosal y vacío universo.

Nicolás Depelganger @trvshologrvm

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NO SE HA ACABADO... La resaca después del apocalipsis, un fantasma jugando al azar, la luz al final del camino es el camino mismo, las vidas que ya no están y las canicas que aún quedan por lanzar.

Mayck Cuellar @mayck_

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EL DIABLO ES MUJER Pecamos con carácter, lo sentimos ardiendo en lo más profundo, nos llevamos la sensación del placer en el alma mientras que nuestro cuerpo se queda para podrirse. ¿acaso importa si es él o ella?

Vanessa Vargas @vanvargast

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BEING POOR HAS NEVER

BEEN SO

COOL HETERA FRINÉ

FOTOGRAFÍAS POR: ESTEBAN SUÁREZ Y ÉRICA NIÑO P O R N I K A Á LVA R E Z

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Conocer un personaje como Hetera Friné es todo un acontecimiento que no pasa sin cuidado así no más, la manera en la que te aborda, te habla, la forma en la que viste como una auténtica diva del bronx, versión colombiana claro está y la manera en la que te introduce a su obra, es directa, sin censura e imposible de ignorar. Le vi por primera vez en algún bar donde nos presentaron y automáticamente me identifique con su forma de pensar y ver ciertas cosas del arte y lo que engloba, posteriormente fuimos a su casa ubicada en una zona de moteles, que convierte todo en un escenario de alguna telenovela y solo aporta valor al personaje tan grande que ha desarrollado, al subir al último piso y entrar, lo primero que encontré fue una mesa llena de fajos de billetes de dólar didáctico y más alucinante aún, una gallina peluda de nombre Gabbana. Entendiendo la construcción de la obra y personaje, logré captar inconfundibles referentes y estéticas como María la del barrio, Cenicienta y la que más resalta, la de las hermanas Kardashian. Indagando un poco en su universo y después de ojear su proyecto de grado, para la carrera de artes de la Universidad de los Andes, presentado como una revista llamada Rolin stong que imita la icónica primer portada de Britney Spears para Rolling Stone empecé a sumergirme en conceptos como el kitsch y la disneyficación. Al abrir la revista nos reciben unos agradecimientos, que dan fé de todo lo que hasta el momento he contado “No le agradezco a Dios, porque sería un acto profano agradecerle por haberme hecho pobre, gorda y maricón en un contexto tercermundista”. La sátira con la que construye su personaje y universo, se nutre de la vivencia y del análisis empírico que ha tenido a lo largo de su vida, viendo cómo medios nacionales e internacionales simplemente refuerzan la idea de que el “pobre” es el bufón, el que necesita ser salvado, el ignorante, el que siempre pierde y así, seguir manteniendo estereotipos que están completamente lejos de la realidad y que por el contrario abren más la brecha que existe en países latinoamericanos frente a lo llamado “ricos y pobres”. La manera en la que Hetera convierte esta brecha en algo positivo para su personaje es simplemente fascinante, la forma de burlarse de sí misma y de sus contextos de una manera en la que solo puede hacerlo ella causa una atracción que espero disfruten tanto como yo, con este artículo Adéntrate al universo de Hetera con su Reality Show y sigue sus redes @vagabundafrite

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S O Y L A PAYA S A

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Por Hetera Friné

Crecí condenado a la proliferación de la imagen denigrante de los pobres. Bajo la sátira eterna de la pobreza, el pobre como bufón, como salvaje poco civil. Codificando los comportamientos humanos, calificándolos y segmentándolos entre lo bueno y lo malo, el pobre y el rico, la burguesía y su entretenimiento. Dicen que la consciencia o la idea de auto-consentimiento se desarrolla a partir de los 7 años, así que no tengo certeza de si este instinto de segmentación es congénito o adquirido de manera inconsciente, de la imagen casi permanente e inevitable del pobre como payaso. La imagen, creo, ha sido el lenguaje principal que he usado para comprender. Tuve un crecimiento paralelo al de las pantallas y el entretenimiento, así que mi retina se adapta y se acondiciona con facilidad al desarrollo de los píxeles. Crecí bajo el seno de una pantalla a 16 mil colores que me cobijaba. Una pantalla a 48 cuotas con intereses que se convirtió en el pilar de mi vida, mi Cristo redentor. Las telenovelas y el contenido televisivo local fueron el lenguaje que mi cerebro absorbió y transformó en guía de comportamiento. Me amamanté de clichés, chistes y burlas obscenas hacia la idea de la gente pobre, hacia lo que un pobre significaba. De alguna forma traducía la telenovela boom del momento a la vida real, una hipérbole constante en la que siempre personificaba y me disfrazaba del personaje que era digno de admirar. Pero justo en esa elección radicaba el problema. Porque siempre ponía en un campo de batalla al personaje pobre y al rico, y el peso de la riqueza y el buen porte siempre ganaban en esa batalla injusta y desigual. Nunca conocí un personaje pobre que ganara la batalla, porque siempre eran los personajes que bajo el ojo de la pantalla se veían en menor resolución, a los que tenían con pintura rendida en agua, los de ropa de poliéster y no de algodón. Siempre pintados de harapientos, mal hablados, la personificación de la escoria con nariz de payaso, el permanente chiste poco civilizado. Los personajes y las novelas que hablaban de los pobres, eran en esencia sobre ponerlos en ridículo, radicaban en estereotipar y volver patético cualquier comportamiento que saliera de la boca del pobre.

Era una marioneta burda y ordinaria mal pintorreteada condenada a ser motivo de entretenimiento. El pobre siempre era un campesino o una empleada doméstica, un indigente, bestia despojada, siempre vulnerable, era el personaje domesticado por el rico, el que se salvaba bajo su evangelio. Siempre una criatura exótica para poner en una vitrina y analizar sus ocurrencias y su evidente falta de raciocinio. Son siempre los títeres, prostitutas cuya vulnerabilidad da risa. Es que creo que es más fácil reírse del dolor y la putrefacción ajena que hacer algo al respecto. Y se volvió hábito de entretenimiento explotar y tachar a la gente popular, condenarlos a sus comportamientos vulgares, a verlos arder desde las gradas en la cumbre del panteón. Cultivamos un bagaje robusto en el que el pobre, desgraciado, es solo motivo de burla y su precaria vida exótica conmueve y entretiene. La Miseria, siempre un campo de expedición para aquellos ricos que llegan con sus buenas conductas a mostrarle el oro a estos indios, a ponerles cadenas. ARTE

A los barrios como el mio donde ni siquiera llega el pavimento, la señal de parabólica era limitada y costosa para alguien que fue criado por una mamá soltera con 4 hijos bajo su cabeza. No fue sino hasta que mis hermanas trabajaron que mis horizontes televisivos se expandieron. Pero crecí a punta de canal 4 RCN, 5 Caracol, 7 canal 1 Y 11 Señal Colombia. Canales con un amplio contenido sobre el bagaje local. Pero muchos de ellos enfatizando en la ridiculización de los pobres. El modelo de la televisión latina se limita a enfatizar las brechas y jerarquías presentes. A vulnerar a las pobres, a ser sirvientas mal habladas que en medio de su vulnerabilidad se enamoran de un hombre rico. Cultivando una idea de culpa frente al hecho de ser pobre. Me siento culpable por ser pobre. Nunca me convencí del hecho de serlo porque se me hacía más fácil disimularlo y seguir propagando este sistema jerárquico lleno de prejuicios, de codificación y segmentación del comportamiento humano. Creo que por eso me molesta el significado que se le atribuye al kitsch.

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CAMILO AREVALO P O R A D R I A N A F. P A U LY C U R A D O R A FOTOGRAFÍAS COR TESÍA DE CAMILO AREVALO

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En la obra de Camilo el uniforme militar colombiano se convierte en la mortaja, aludiendo a la dicotomía existente en el país entre los diferentes grupos considerados liberadores que desde sus diferentes perspectivas se apropian de este traje para disimular los cuerpos de asesinados entre la flora endémica. En este proyecto se discierne el problema epistemológico de la verdad, la posibilidad de coexistir dos representaciones antagónicas de acontecimientos supuestamente verdaderos: la verdad vivida y la verdad politizada. La obra de Arévalo se enfrenta a varias dualidades en la apropiación de la naturaleza, aunque de forma abstracta, con los mismos fines de aquellos que se encuentran desde hace años en un conflicto armado en el territorio colombiano. Las fotografías, los videos y la instalación de Arévalo materializan el tiempo, entendiéndolo de la misma forma que el filósofo francés George Didi-Huberman consideró el montaje fotográfico como una herramienta para visibilizar. El montaje empodera lxs observadorxs , les permite ver transcurrir el tiempo y la historia de manera pausada, revelando así la arqueología del conocimiento.

Con cada paso este cuerpo va desapareciendo, mimetizándose con el entorno hasta que los únicos rasgos visibles son la cara, las manos y los pies. El cuerpo desvanecido en este contexto revela la triste verdad nacional de los miles de cuerpos que han desaparecido y siguen desapareciendo. Una verdad que se enfrenta de manera acusativa a la supuesta realidad de que existe paz en el país. Es esa misma dualidad que encarna en el traje militar, la naturaleza y su réplica pervertida. Con cada paso este cuerpo va desapareciendo, mimetizándose con el entorno hasta que los únicos rasgos visibles son la cara, las manos y los pies. El cuerpo desvanecido en este contexto revela la triste verdad nacional de los miles de cuerpos que han desaparecido y siguen desapareciendo. Una verdad que se enfrenta de manera acusativa a la supuesta realidad de que existe paz en el país. Es esa misma dualidad que encarna en el traje militar, la naturaleza y su réplica pervertida.

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La serie Auto/entierro, compuesta de 12 imágenes separadas, narra el proceso de un cuerpo blanco y desnudo vistiéndose con un traje militar colombiano. El cuerpo se encuentra ante una maraña de vegetación verde oscura y se alza pisando la tierra marrón, su piel clara reluce en contraste.

Es un hecho que el patrón del estampado camuflaje como el entorno que intenta reproducir es único en cada país, la pregunta que vincula las obras de esta serie es, si la réplica de una naturaleza endémica se convierte en una herramienta de violencia y termina por erigirse como un símbolo del dolor, ¿cómo reconciliamos la referencia con la malinterpretación?, ¿cómo distinguimos la ficción de la verdad?. El campo de batalla de este conflicto armado ha sido y sigue siendo el terreno de la naturaleza, otra víctima pasiva, su desaparición es otra realidad que no se pronuncia. La naturaleza se instrumentaliza para el uso militar y así la herramienta para esconderse se convierte en cómplice de la desaparición. La naturaleza ficticia camufla operaciones militares clandestinas, cuerpos militarizados, políticas que no se han esforzado en implementar, y sobre todo camufla las mentiras y las falsas promesas.

La dualidad y lo absurdo entre la simulación y la realidad se vuelve evidente con esta yuxtaposición de lo artificial con lo natural. El trabajo manual del acto de coser y confeccionar se lee como otra forma de materializar el tiempo, cada hoja cuenta una historia, representa un hogar natural, en oposición al plástico impermeable e indestructible del traje militar, la naturaleza sí muere y con el tiempo toda su esencia es absorbida por la tierra, por el contrario, el plástico, de la misma forma que la violencia y el dolor que causa, permanecerá. La obra Cadillo hace referencia a la semilla del cadillo que, gracias a su estructura de pequeños pelitos en su superficie, se adhiere a los cuerpos con los que se roza, sistema que sirve para su proliferación. En esta obra el nombre hace alusión a ese modo de adherencia y la dificultad de despegarse una vez que la semilla entra en contacto con la superficie. En ese proceso Arévalo ve una similitud con la muerte, que inunda el hábitat natural del país, viaja casi desapercibida entre las plantas gracias a su habilidad para ocultarse y mimetizarse con el medio que la rodea. En el video la muerte está personificada por una figura completamente cubierta por una prenda estampada con el patrón militar colombiano.

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Arévalo desmaterializa la violencia y nos invita a tomar conciencia de que en este país se coexiste con ella, ya que su omnipresencia ha permeado tanto materiales orgánicos como inorgánicos, realidades y objetos cotidianos. La obra Mortaja se compone de hojas naturales encontradas en plantas endémicas en la región del Tolima construyendo una interpretación literal del patrón militar que intenta imitar el entorno natural.

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La figura entra en el campo de visión desde la distancia y desaparece dentro del entorno, lxs oberservadorxs perciben un movimiento y un acercamiento de una figura ambigua, una presencia al principio fantasmagórica que al acercarse se vuelve realidad. La muerte se enfrenta al observadorx con determinación antes de seguir su transcurso por la selva. Para la artista la muerte en este caso es algo artificial, resultado de una decisión, huérfana deambulando por el territorio y proliferando con cada paso. Una muerte que se supo adaptar a su entorno y mantener su presencia. El discurso en torno a esta idea concluye con la presentación del vídeo Nomen Nescio que retrata un cuerpo en traje camuflado, acostado en el claro de un bosque. El sol ilumina ligeramente el rostro y parte del cuerpo, el torso sube y baja pausadamente con cada aliento. Un texto escrito por la artista acompaña el video, este hace referencia a una maldición que se dirigió hacia ella, alguién le deseó que la confundieran con un falso positivo. Mucho antes de la pandemia los “falsos positivos” ya existían en Colombia, cuerpos de civiles ejecutados vestidos en uniformes de guerra para hacerlos pasar por guerrilleros, cuerpos que fueron descartados de la misma forma que el cuerpo del vídeo. La contemporaneidad asume la violencia que poco a poco sedimenta en la historia nacional perpetuando el hábito de construir y reconstruir sobre contornos de cuerpos desaparecidos. En un país acostumbrado a la incertidumbre e inconsistencia retórica, las palabras pierden valor. El deseo de la muerte a otra persona puede declararse impunemente como cualquier otra palabra, transformándose en un espejismo borroso y desligado de la realidad que trata de señalar. La exposición reflexiona en torno a la idea de cómo se leen los códigos de la indumentaria bélica y termina siendo un ejercicio de decodificación de las implicaciones que la propia indumentaria intenta camuflar. Arévalo revela las contradicciones e ironías inherentes en los códigos y señales militares y nos recuerda que la paz sigue siendo una ficción nacional.

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RECOMENDADO S e Art

RENÉ HERNANDEZ El trabajo de la ilustradora colombiana también conocida como “Venus de nadie”, es un encuentro en un universo que invita a las mujeres a admirarse a sí mismas, aceptar su reflejo como propio estándar de belleza y a encontrar en sus procesos de vida, su propia inspiración, un llamado a ser sus propias musas. Su obra retrata a la que ella denomina “Venus de nadie”, la figura de una mujer liberada del “qué dirán” y del “deber ser”; una que cada día se viste sin pensar en género, habla sin miedo a que le llamen sinvergüenza y se adorna con sus pelos, sin ellos o como mejor le plazca, sin pena; con el único objetivo de ser la materialización de sus gustos, con la sola misión de satisfacer y complacer a nadie más que a ella. Venus de nadie resalta que la feminidad y la masculinidad es de uso público y abierto a la exploración de quien lo desee como medio expresión. @reneeilustra Colombia

EMILIO MORALES Ante la imposibilidad de comunicarse debido a un problema respiratorio que sufrió a los 3 meses y afectó sus capacidades cognitivas, el colombiano Emilio Morales Orozco encontró en el dibujo una forma para expresar el universo de color que veía en su interio. “Como artista tengo un lenguaje y estilo propios y mi tema preferido son los animales, aunque también dibujo máscaras, personajes, casas, plantas y otras cosas. No he contado mis dibujos, pero puedo decir que hoy son miles, la mayoría hechos con marcadores profesionales, tintas, rapidógrafo y corrector líquido”. @emiliomoralesorozco Colombia www.emiliodibuja.com 144

CRIS GALLO El trabajo de este fotógrafo colombiano radicado en Brooklyn, Nueva York está enfocado en la exploración de la autenticidad del individuo expresada específicamente a través de la moda. Su curiosidad sobre cómo los humanos hacen uso de un instinto natural como cubrir la piel primariamente como forma de protección para adornar sus cuerpos con telas, accesorios de diferentes materiales y variadas paletas de colores que en conjunto hablan de la personalidad, carácter, gustos e identidad que con el paso del tiempo evoluciona y cambia acorde a la búsqueda y crecimiento personal, hacen de su trabajo todo un universo repleto de diversidad y dinamismo. @crisgallo_street www.crisgallo.com Colombia Nueva York

J U A N I TA M A R T I N E Z La obra de esta artista bogotana se basa en personajes diminutos que contrastan con trabajos o tareas grandes que son un reto para ellos, dentro de una ciudad en la que por su tamaño son imperceptibles pero que dejan huella indeleble con sus labores. En un mundo de colores basado en situaciones cotidianas y agradables, como lo son el amor, el trabajo, un paseo en un parque, la familia y el deporte, la artista quiere demostrar que en lo esencial y cotidiano, está el verdadero sentido de la existencia. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en Colombia, Canadá, Japón y Nueva York, adicionalmente fue seleccionada entre los 20 artistas jóvenes para representar a Colombia en Tokio Japón por ARCOT : Artistas Colombianos en Tokio. @juanitamartinezart Colombia 145

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JAO MOON Y EL MOVIMIENTO COMO LIBERACIÓN DEL ALMA Y EXPRESIÓN DEL CUERPO FOTOGRAFÍAS CORTESÍA DE JAO MOON @ITSJAOMOON

Desde tiempos inmemoriales el baile ha estado presente en espacios de celebración, tristeza, nacimiento, muerte, alegría y otros escenarios propios de la vida misma. Existe data que nos confirma la presencia de esta manifestación artística en diferentes rituales, nacimientos y ofrendas desde el inicio de la humanidad y que continúan vigentes en la actualidad. La importancia de la danza a nivel universal, radica en la riqueza histórica y la mezcla cultural que posee; culturas, comunidades y grupos sociales han utilizado su cuerpo como manera de comunicar realidades, interpretar contextos y expresar su más puro sentir. Jao Moon artista performático de origen cartagenero ha encontrado como materia de investigación y como forma de expresión, el cuerpo, su estructura, arquitectura y naturaleza. “Siempre me he visto como un punto de cruce. Como un cuerpo donde conviven múltiples identidades, un cuerpo en proceso de transformación. un cuerpo indefinido” Jao.

Su exploración artística actual, radica en el juego de la luz como protagonista en sus instalaciones y como esta es creadora de atmósferas flexibles, creando espacios ilimitados, posibles de atravesar e intervenir, que se encuentran presentes y existen pero no son concretos. Conoce más del artista y mira su trabajo en @itsjaomoon Foto: Camo

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La experiencia de crecer en la periferia marginada de Cartagena convirtió su cuerpo en un agente político y lo llevó a cuestionar los órdenes sociales predominantes, las desigualdades y las injusticias que traen consigo vivir en un ambiente de constante resistencia. A los diez años Jao es invitado a formar parte del Colegio del cuerpo, lugar que transformó su pensamiento y lo condujo a una reflexión profunda del qué hacer y cómo tomar su propio cuerpo como objeto de estudio. Años después y con un bagaje amplio en danza viaja a Bogotá, donde el artista se sumerge en el universo del performance, abriendo espacios y posibilidades para su desarrollo convirtiéndose en el tema de su trabajo creativo y artístico, analizando y cuestionando la diáspora latinoamericana en Europa, la identidad de género y los procesos de montaje sociopolítico en contextos migratorios.

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CARALARGA UNA SINERGIA ENTRE SABER ANCESTRAL Y DISEÑO CONTEMPORANEO F O T O G R A F Í A S : D I E G O M AT E O S Y G L O R I A E S T E FA N Í A

La riqueza cultural que posee México y el respeto, admiración y entendimiento por la preservación de sus tradiciones, técnicas y costumbres, hacen de este país uno de los más fuertes en latinoamérica en materia de trabajo artesanal y en exploración de fibras, materiales y procesos. Diversos son los talleres que han nacido a lo largo y ancho del territorio centroamericano y que han generado gran interés en mercados internacionales por su detalle, calidad y diseño, que no sólo consigue estar a la vanguardia, sino que por el contrario resalta y exhibe los saberes propios latinoamericanos. Uno de estos talleres ubicado en Querétaro es Caralarga, una firma sinónimo de tradición, innovación, conciencia ambiental e interiorismo.

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Desde el año 2014 Ana Holschneider y Socorro Gasca fundadoras del taller comenzaron a experimentar con el hilo de algodón crudo y el desperdicio textil descartado por errores de tejido dentro de la fábrica textil de Hércules, una fábrica que había estado produciendo textiles de algodón desde 1846. En estos materiales Ana y Socorro encontraron una fuente de creatividad y profunda inspiración, logrando repensar y explorar los residuos como un medio para crear piezas de joyería e indumentaria únicas, atemporales y sustentables. La evolución creativa las ha llevado a descubrir y trabajar con otros materiales naturales, como la fibra de la planta de la sansevieria y el cuerno de toro reciclado. En una conversación con la firma buscamos conocer más de sus procesos, de su trabajo con comunidades artesanas y los retos que implica crear piezas a gran escala con un diseño contemporáneo y una excelencia en calidad, sin perder y resaltar su legado más importante, el poder artesanal. ¿Qué es lo más valioso y el mayor aprendizaje que han tenido de las comunidades artesanas? Principalmente la preservación que han tenido de las técnicas ancestrales, pero además admiramos mucho el cuidado y respeto por la naturaleza que tienen. Actualmente trabajamos con distintas comunidades de artesanos como son la Comunidad de La Esperanza, un grupo de mujeres que colaboran con nosotros el tejido de algunos de nuestros productos o los miembros de la comunidad de Taller Maya en Yucatán, quienes extraen la fibra de sansevieria que utilizamos en nuestras piezas. Aspiramos siempre a crear una línea de piezas diversas que nos ayuden a su vez integrar más artesanos y técnicas. ¿Qué inspira a Caralarga? Nos inspiran los materiales crudos de la naturaleza y su sencillez, buscamos conservar su esencia y resaltar sus bondades. Admiramos también la cultura mexicana, sus tradiciones, sus personas, sus colores y lo rico de sus creaciones y técnicas a lo largo de la historia.

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¿Cómo es el proceso creativo de las piezas a gran escala y cuál es el mayor reto? Comenzamos siempre con una inspiración, ya sea un lugar, una idea, colores, de ahí buscamos jugar con el hilo, los amarres y en algunos casos las esferas de papel maché; son materiales muy simples pero lo divertido es encontrar siempre nuevas formas de utilizarlos para crear diseños diferentes. ¿Qué signiﬁca México para ti? Un país rico en cultura e inspiración, amor por la tradición y su historia. ¿Cómo crear una ﬁrma responsable social y ambientalmente como Caralarga? Algo muy importante para nosotros ha sido utilizar nuestra materia prima de manera muy responsable. Dentro del taller se guarda todo el residuo de hilo que se corta de las piezas de Gran Formato y a partir de este material se produce la joyería y se han desarrollado líneas completas como lo es nuestra colección Repurposed, producida únicamente con estos recortes. Todo el material se reutiliza y se rescata buscando producir el menor desperdicio posible. ¿Qué viene 2022?

para

marca

este

Estamos por lanzar nuestra nueva colección de Joyería e Indumentaria, además de eso en Caralarga estamos constantemente experimentando con nuevas técnicas y formas de utilizar el algodón crudo y otros materiales naturales por lo que verán muchas piezas nuevas a lo largo de este año. Sigue a la marca en @caralarga_mx conoce y compra en www.caralarga.com.mx

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MISS

PAT T Z UNA REVOLUCIÓN ELECTRÓNICA F O T O G R A F Í A S C O R T E S Í A D E M I S S PAT T Z

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Este EP es un recorrido íntimo por experiencias de su vida, convirtiéndo las canciones en una invitación a bailar, sin dejar de lado la melancolía y sensualidad que la representan, buscando en su interior y haciendo catarsis, logró superar patrones viejo que deseaba dejar atrás y los usó como inspiración para su nueva propuesta musical lanzada el pasado noviembre. “CATHARSIS está basado principalmente en mi vida personal como proceso de sanación. Al plasmar las canciones en papel y darles una voz, termino con ciclos del pasado, para así purificar y dar lugar a nuevos caminos.” De la mano de sus productores y amigos MNKYBSNSS, exploraron sonidos electrónicos más agresivos y menos convencionales. Donde los sintetizadores, guitarras y pedales dan vida a esta oda al amor contemporáneo; inspirando mujeres de la escena electrónica esta venezolana llega a romper los estereotipos y paradigmas para conectarse con su propia energía. Conoce más de la artista en @miss.pattz y escuchala en todas las plataformas musicales. 177

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Con sonidos únicos y sublimes, Patricia Herrera mejor conocida bajo su nombre artístico -Miss Pattzpretende cautivar la industria de la música con el Dream pop, una mezcla hipnótica del rock alternativo y el indie pop que conectará con la nostalgia de sus oyentes.

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RECOMENDADOS MODA

Religare

PA G 0 6 5

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Diseño interior: Marcela Cure | marcelacure.com @marcela.cure -Año: 2019 Ubicación: Colombia Palabras y fotografías: ©Mónica Barreneche | @monicabarrenecheolivaresFuente: El Buen Ojo @elbuenojo

BLANCO PERFECTO

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Diseño interior: Marcela Cure | marcelacure.com @marcela.cure -Año: 2019 Ubicación: Colombia Palabras y fotografías: ©Mónica Barreneche | @monicabarrenecheolivaresFuente: El Buen Ojo @elbuenojo

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Después de décadas en que el mundo del diseño interior le huyó al blanco como un lienzo decorativo, la diseñadora Marcela Cure lo trae de vuelta en esta casa de estilo clásico- contemporáneo con ese toque latin-punch que la caracteriza. Durante la época dorada del diseño de interiores minimalista el blanco era la elección de color, en contraste al colorido exagerado que se usaba como tendencia a finales de los años setenta. Siendo protagonista esta tendencia, se utilizó hasta el cansancio y cómo todas las tendencias, pasó de moda y quedó relegada y olvidada. Hoy, cuatro décadas después, la diseñadora de interiores barranquillera Marcela Cure la trajo de vuelta al recibir este proyecto de gran escala en donde el aire fresco, la espacialidad y, sobre todo, una buena colección de arte eran el lienzo sobre el cual trabajar. “Esta casa tiene un diseño original de estilo moderno de ciudad costera de principios de la década del 2000 y como esqueleto funcionaba muy bien. El reto era saberla vestir desde el fondo y traerla a la contemporaneidad” narra Cure. Las puertas de color son un elemento insignia en los proyectos de la diseñadora y en esta casa un portón azul noche da la bienvenida. Un espacio de doble altura en donde grandes losas de mármol blanco, una araña de Vibia, una obra del artista barranquillero Álvaro Barrios y un calado en madera diseño de Marcela juegan un papel importante en un ambiente casi museográfico. “Aparte de este espacio los techos de la casa son especialmente bajos, por esta razón sentí que elementos clásicos como son las molduras en paredes y el piso de madera en espina de pescado, en ciertas áreas, serían un acierto para demarcar la entrada del resto de la casa”, agrega la diseñadora. Y si bien la sala principal y el estudio tiene esta narrativa clásica, el comedor rompe con todos los esquemas sin desentonar de ninguna manera. “Me entregaron una lámpara de cristal de Murano absolutamente colorida la cual debía ser el centro del comedor y a partir de ahí recibí carta blanca para diseñar lo que sería este espacio”, comenta Marcela Cure. “Resolvimos el interiorismo al incorporar una mesa de comedor en mármol tipo ajedrez con una base en bronce y las sillas Elliott de Kelly Wearstler. Una obra del maestro Barrios selló el concepto”, agrega. La casa está habitada por una gran familia con distintas pasiones y diversas actividades. Por esa razón separar la zona social de la privada era esencial. Al hacerlo, la diseñadora no quiso romper la linealidad del espacio y, por eso, camufló la entrada al área de los dormitorios detrás de las molduras en una pared infinita. Abrir esta puerta es como entrar a otro mundo en donde la personalidad de cada habitante de la casa se vuelve evidente. Marcela diseñó cada espacio de acuerdo a los gustos y necesidades de cada integrante sin perder homogeneidad en los acabados de los baños y las zonas comunes. De esta manera universos individuales se abren de puerta en puerta y van desde paredes rosa, papel botánico de colgadura y camas con velo y dosel, hasta lo masculino de las camas tapizadas en verde esmeralda y gris oscuro abollonadas de tal forma que parecen de sofás contemporáneos y arte moderno colocado estratégicamente. “Con la habitación principal queríamos hacer algo imponente. La doble altura del lugar nos dio la pauta para proponer una cama con dosel descubierto que enmarcará las obras de la artista colombiana Maripaz Jaramillo. Con este elemento, pudimos poner un pie de cama en terciopelo azul turquesa abullonado para completar el estilo clásico-contemporáneo con el toque latin punch de toda la casa”, finaliza la diseñadora Marcela Cure.

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Diseño interior: Marcela Cure | marcelacure.com @marcela.cure -Año: 2019 Ubicación: Colombia Palabras y fotografías: ©Mónica Barreneche | @monicabarrenecheolivares Fuente: El Buen Ojo @elbuenojo

Diseño interior: Marcela Cure | marcelacure.com @marcela.cure -Año: 2019 Ubicación: Colombia Palabras y fotografías: ©Mónica Barreneche | @monicabarrenecheolivaresFuente: El Buen Ojo @elbuenojo

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RECOMENDADOS

Estilo de vida

MOON Marca colombiana que surge de un profundo interés por la moda y una enorme preocupación por la huella medio ambiental de la misma. Alrededor del 90% de los residuos de la industria textil acaban en vertederos sin posibilidad de ser reutilizados o reciclados, dejando alarmantes porcentajes de contaminación. Uno de los principales propósitos de la marca es dar en cada uno de sus diseños una segunda oportunidad a aquellos textiles considerados desperdicios. En el proceso seleccionan cuidadosamente estos remanentes para crear un producto exclusivo, hecho a mano y con mucha dedicación. Totebags que se convierten en una declaración de moda amigable, consciente y sostenible con el planeta que habitamos. @moon.dressdie Colombia

INGRID SALCEDO Artista plástica y visual, de la ciudad de Bogotá, su trabajo se enfoca en reconocer, para cuestionar el espacio urbano de su ciudad. “Reconocer, significa para mí, recorrer, contemplar, simular, abstraer, transformar y comprender. Cuestionar, significa poner en duda lo que es aceptado o establecido, no para llegar a verdades absolutas, sino para incorporar estas preguntas y estas respuestas al entendimiento de lo urbano. Reconocer la ciudad desde mi propia mirada y mi propia experiencia, significa descubrir de manera física, visual, táctil, histórica, anecdótica, estadística, cartográfica, plástica, escultórica, pictórica, el territorio urbano”. los materiales más recurrentes en su trabajo son la madera, el cemento, la cerámica, el vinilo y el aerosol, así como los objetos encontrados, porque son los que le permiten acercarse a la experiencia del espacio público. @contemplarlo_todo Colombia Encuentrala en Tienda Avenida 192

UMHANA Con gran respeto y admiración, e inspiradas por las plantas y su poder sanador y transformador, Umhana se ha dedicado a realizar una exploración alrededor de los múltiples beneficios y propiedades que poseen estos seres para nuestro bienestar mental y emocional; a través del bienestar físico. Desarrollando una línea de productos a base de adaptógenos descubren la alquimia interior de cada planta, la fuente de la vitalidad y juventud en las personas. “Creemos que toda transformación comienza en el interior. La verdadera belleza emerge allí. Nuestra confianza, seguridad y amor, se cultivan ahí; es desde este lugar que despertamos, transformamos nuestra vida, creamos nuestra realidad y bienestar en el cual queremos vivir”. @umhananatural www.umhananatural.com Colombia

VOLANDO BAJITO PA U L A A R E N A S La cantante colombiana y múltiple veces nominada al Latin Grammy Paula Arenas nos presenta “Volando Bajito” su nueva canción que nos lleva a un viaje a una etapa en la que se sentía sola, descarriada, donde sentía que voló bajito, y con la que ahora quiere reconciliarse. Este tema producido por Nicolás de la Espriella y mezclado por María Elisa Ayerbe, logra un sonido moderno, pero manteniendo el romanticismo, pasión y estilo único y personal característico de Paula. Su video fue grabado en su ciudad natal Bogotá, bajo la dirección de Andres Gomez Combita de CRACK Colombia y con la participación especial de la artista Adriana Martinez. @paulaarenas

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TIENDA

AVENIDA “ C U R A D A P O R R E V I S TA AV E N I D A ”

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Desde que Revista Avenida inició hemos tenido como labor exponer, exaltar, promover y apoyar el talento latinoamericano que ha llegado a nosotros por nuestra propia exploración o por la increíble cantidad de artistas, diseñadores, músicos, fotógrafos y demás talentosos que nos comparten nuestros lectores día a día. Continuando con nuestra misión, hemos buscado diferentes maneras de hacer de Revista Avenida un producto físico que pueda llegar a cada uno de ustedes, los esfuerzos por cumplir el sueño de lanzar una versión impresa aún siguen más fuertes que nunca y sabemos que muy pronto lo lograremos, sin embargo, también sabemos que no es momento de parar y mientras logramos nuestra meta, debemos seguir creando unión entre el talento.

Para la elección del espacio no podíamos elegir otro lugar diferente al que nos ha acompañado desde nuestra primera edición y que nos ha abierto sus puertas, KB Espacio para la cultura ha sido un gran aliado desde los inicios de Avenida y es para nosotros un honor poder estar en el lugar que conecta el arte y la música con la ciudad, un epicentro de cultura y creatividad, donde lo independiente resalta y lo original encuentra lugar. Conoce nuestra tienda y el talento que la conforma lunes a sábado cita previa Kb espacio para la cultura calle 74 # 22- 20 segundo piso

ESTILO DE VIDA

Es así como nace la idea de crear un espacio físico para exhibir diferentes muestras de dicho talento, un lugar que expone algunos de los participantes de nuestras ediciones y que abarca nuestro universo de moda, arte y estilo de vida latinoamericano, una propuesta que busca periódicamente exponer diferentes obras, diseños u objetos y crear un espacio de reunión para el talento.

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ESTILO DE VIDA

HECHO EN SAN FRANCISCO DE SALES – CUNDINAMARCA, PRODUCIDO POR LA PRIMERA DESTILERÍA INDEPENDIENTE DE COLOMBIA

MIELES VÍRGENES DE CAÑA DE AZÚCAR ORGÁNICA

A G U A D E N A C I M I E N T O , A N Í S Y B O TÁ N I C O S D E BOSQUE DE NIEBLA

U N A G U A R D I E N T E Ú N I C O E N S U C AT E G O R Í A .

PAT R O C I N A D O R D E T I E N D A AV E N I D A

W W W. R E V I S TAV E N I D A . C O M