Proverso, 15 de enero de 2017

Nº 10 Del 1 al 31 de Enero de 2017 https://proversoblog.wordpress.com

PRoverso El ‘museo‘ de manuel machado ALFREDO PIQUER GARZÓN Luz de luna, la Rusa, doña mírame y miss boom boom gUILLERMO LÓPEZ LACOMBA

LUIS ANGUITA JUEGA “Muchas veces pensé en escribir un libro, estaba en mi interior, pero no me atrevía a llevarlo a cabo...”

jOSÉ zárate

“la

música clásica no tiene la repercusión mediática que debería tener españa...”

Sumario P.10 Óscar Gavilán - Cena de gala P.14 Jorge Lázaro - La Geografía

poética P.18 El ‘Museo’ de Manuel Machado

- Alfredo Piquer Garzón P.30 Luis Anguita Juega - La palabra

sosegada P.34 Luz de luna, la Rusa, Doña

Mírame y Mis Boom Boom - Guillermo López Lacomba

P.38 Il postino - Bruce Springteen -

La voz que habla a los amos P.44 Un Maserati modelo Garzillo en

la autopista - Carta a un joven

pianista P.46 Acerca del manido y ambiguo

concepto de interpretar música

con “honestidad“

P.30

P.48 José Zárate - La música como

expresión del alma P.56 El Greco maestro de la abs-

tracción P.62 Ni siquiera con una flor!

P.66 Palabras con historia - Crisis

P.48

MRV Editor Independiente 600 32 54 27 mrartiaga@hotmail.es http://mrvei.com

PRoverso

DIRECCIÓN GENERAL Inma J. Ferrero DIRECTOR ADJUNTO Isabel Rezmo DIRECCIÓN EDITORIAL Inma J. Ferrero / Isabel Rezmo ARTÍCULO

WEBSITE https://proversoblog.wordpress.com E-MAIL revistaproverso@gmail.com COLABORAN:

Alfredo Piquer Garzón CRITICO MUSICAL Aimé Lambert MÚSICA Agustín Barahona IL POSTINO Giuseppe Quaranta PALABRAS CON HISTORIA Marcos López Herrador EVENTOS Elisabetta Bagli FOTOGRAFÍA POÉTICA Flavia Falquez EDITA MRV Editor Independiente DISEÑO GRÁFICO LaMásWeb

CARTA EDITORIAL

La Revista PROVERSO inicia en el mes de febrero de 2016 su primera edición, aquí encontrará artículos de carácter cultural escritos de una manera sencilla y amena, Proverso es el resultado de la fusión del trabajo entre poetas, escritores, músicos, artistas plásticos, diseñadores y fotografos (que irán compartiendo sus trabajos a lo largo de los siguientes números de la revista) que con mucha ilusión y determinación hemos decidido emprender este proyecto, que es un compromiso con nosotros mismos y con la sociedad que nos rodea. Pretendemos con esto mostrar en equilibrio el que hacer cultural en todas sus formas, sin limitarnos al plano literario. Para cumplir con el primer objetivo nos hemos trazado un plan que si bien es modesto significa un granito de arena, que sumado a otros esperamos puedan cubrir una amplia extensión del ambito cultural.

Dentro de Proverso contamos con secciones de información sobre textos literarios, crítica musical, entrevistas, artículos literarios, artículos sobre arte, reseña literaria, cartelera, todos ellos temas de interés general.

Agradecemos la confianza en recibirnos, trataremos que Proverso sea un vehículo de unión entre todas las artes. Esperando que esta revista sea de su agrado les invitamos a conocernos.

Inma J. Ferrero Director General

Museo Miguel Hernández - Josefina Manresa Quesada (Jaén)

Narrativa

Óscar Gavilán Cena de Gala

Empezamos el año con el escritor salmantino Óscar Gavilán.

Autor del libro de poemas “Esencias de una vida” publicado en el año 2014.

Perteneciente al equipo organizador del micro abierto SALTAVOZ de Salamanca Organizador y coordinador del INTERCAMBIO DE ESCRITORES ARGENTINA-ESPAÑA “UNIENDO PALABRAS 2016” en nombre del Instituto Cultural Latinoamericano, que tuvo lugar en Madrid, Salamanca y Ciudad Rodrigo en septiembre del 2016.

Colaborador en la antología “Reflejos 8” publicada en 2016 por la editorial italiana Pagine.

Colaboración con el poema “Tres almas” incluido en la novela “Canciones entre líneas” de Enrique Rodríguez.

Publicación del poema escrito en inglés “Dark citizens” en la revista on-line “The poetry daily”

Biogragía Autor y editor del poemario ilustrado “Pálpitos” (ilustraciones de Alfonso Ortiz de Zarate Mangas).

Autor del blog literario “O piña o piñones 2.0 – El blog de OsKarTel” https://oskartel.wordpress.com/ Colaborador y perteneciente al equipo directivo del blog literario Letras&poesía https://letrasypoesiaoficial.wordpress.com/ Relato “Imagine” premiado como mejor relato del año en L&P Awards https://premioslyp. wordpress.com/ 10

en el año 2015.

Colaborador en varias antologías poéticas.

Colaborador en la Revista Poética Azahar.

Componente del coro ANNUBA de Salamanca.

bras lo que percibo dentro y fuera de mi interior, es una forma de aportar mi granito de arena para conseguir que este loco mundo en que vivimos sea un poco mejor. Es una parte importante de lo que soy.

R.P: ¿Cómo llegaste a la escritura?

CENA DE GALA

O.G: En realidad llevo escribiendo desde la adolescencia aunque, por diferentes motivos, tuve un paréntesis de varios años. Podría decir que he tenido un renacimiento como escritor a partir de los cuarenta. Gracias a la

Mis órdenes eran precisas: no separarme del ministro Balduelles bajo ningún concepto mientras durase el evento. Y eso hice, al menos la mayor parte del tiempo. No fue tarea fácil dado en número de personas que allí se encontraban. Buena parte de la nobleza europea, algún reputado banquero, varios ministros y altos cargos militares de diferentes países pasaban ante mis atentos ojos, exhibiendo sus caros trajes y a sus hermosas y engalanadas acompañantes. Los menos me brindaban una sonrisa, mientras se presentaban o charlaban con el ministroBalduelles; la mayoría simplemente me ignoraban, a pesar de mi imponente tamaño. Estaba más que acostumbrado y no me molestaba en absoluto. Yo no estaba allí para intercambiar palabras con ellos, no era mi cometido.

Aquella velada empezó como lo hacen siempre ese tipo de eventos: el saludo inicial de Mr. Rockphender, el anfitrión, a sus invitados al entrar, una pequeña charla introductoria protocolaria antes de que los camareros comiencen a servir, los aplausos de rigor de los invitados, el debate sobre asuntos relevantes mientras cenan que va decayendo a medida que las botellas de vino y champán se van vaciando…

Desde mi posición, de pie, a una distancia discreta del ministroBalduelles y, a la vez, idónea para mis propósitos, podía observar con claridad toda la mesa centrándome, como es natural, en el ministro. De vez en cuando pasaba algún camarero sonriente acercándome la bandeja plateada con las copas de cava. La sonrisa se le borraba al instante y se alejaba de mí con solo posar mis ojos sobre él. La cena transcurría sin nada especial. Daba la sensación de que iba a ser una aburrida jornada laboral. Nada más lejos de la realidad.

motivación que recibí desde mi entorno más cercano, decidí publicar mi primer poemario, “Esencias de una vida”, en 2014. Ese hito fue un punto de inflexión en mi vida. A partir de ese momento empecé a considerarme a mí mismo escritor y poeta, a disfrutar de lo que escribo y a intentar hacer fluir sentimientos escondidos a las personas que me leen.

R.P: ¿Qué es escribir para ti?

2 horas y 34 minutos después del inicio de la cena, el anfitrión hizo una señal e inme-

O.G: Escribir para mí es un alimento para el alma, es una manera de expresar con pala11

diatamente, la orquesta comenzó a tocar. El sonido de los violines, flautas, chelos y demás instrumentos de la Orquesta Filarmónica de Viena, situada en el gran salón anexo al pomposo comedor donde se encontraban, se confundía con el chirrido de las sillas de los comensales cuando las movían para ponerse de pie. Recuerdo que hubo un momento de caos mientras las 250 personas presentes se dirigían hacia el gran salón, cruzándose con los 10 sirvientes que se afanaban en recoger con presteza el menaje entre susurros de disculpa hacia los invitados con los que tropezaban. Noté que los movimientos del ministro Balduelles eran algo pesados al incorporarse.

Esperé a que me mirara y le hice un gesto con las cejas. Él me respondió con un leve movimiento de la mano y volvió a recuperar, no sin esfuerzo, la compostura. Me relajé un poco, no me necesitaba.

Finalmente opté por lo segundo. Sólo estaba autorizado a acercarme al ministro si él me lo solicitaba o en caso de extrema urgencia. Él, por su parte, no hizo ningún tipo de seña de las acordadas o de otro tipo, así que me mantuve en mi posición, expectante y un tanto desconcertado. Parecía como si las piernas le fallasen por momentos, se mecía de una a otra con disimulo, mientras Mr. Rockphender le hablaba sin parar y le presentaba a decenas de personas: algunas, para mí anónimas pero, a buen seguro, relevantes en el mundo de las finanzas a nivel planetario; otras más conocidas, gerentes de corporaciones farmacéuticas o industriales que, ocasionalmente, conceden entrevistas en los medios de gran difusión y otras muy conocidas como artistas de Hollywood y presentadores de realities de gran audiencia.

El ministro seguía con sus movimientos extraños e imperceptibles a ojos poco entrenados, acompañado en todo momento por Mr. Rockphender y, bien por preciosas mujeres, bien por engalanados y apuestos hombres. Yo le seguía con discreción, aunque cada vez me era más difícil, dada la creciente acumulación de personas en el enorme salón. Llegó un momento en que apenas podía dar un paso sin tropezarme con alguien. No quería (no debía) perderle la pista. Procuraba apartar con suavidad a los invitados que se cruzaban a mi paso. En alguna ocasión debí empujar con más brusquedad de la debida porque me increparon algo con la voz rota por el alcohol.

Yo no estaba para ese tipo de tonterías. Me empezaba a sentir agobiado por la multitud y porque apenas podía ver al ministro, a pesar de que mi estatura era mayor que la media de las personas que allí se encontraban.

Mientras le seguía a una distancia prudencial observé que algo raro le sucedía. Caminaba con las piernas muy juntas, en ocasiones se tambaleaba casi imperceptiblemente, flanqueado por una joven señorita y por Mr. Rockphender, que acaparaba la conversación alegremente. Apenas podía oír lo que decían debido al murmullo de la gente. Supongo que hablarían de cosas triviales. Según mis fuentes de información, Mr. Rockphender era un tipo bastante peculiar. A pesar de que controlaba varias corporaciones y sus negocios condicionaban, en gran medida, el destino de muchos países, la gente más cercana a él le consideraba un excéntrico simpático y extrovertido; así lo definían. Incluso, en una ocasión, participó en un programa de humor de gran audiencia como monologuista. Tenía la asombrosa capacidad de estar en boca de todo el mundo cuando le interesaba e, irónicamente, pasar desapercibido durante largo tiempo, todo ello a voluntad. Quizás sea por su gran fortuna e influencia, no lo sé. En realidad me es indiferente.

Cuando la orquesta terminó de tocar y empezó a sonar la música electrónica todo se lio. Unas luces estroboscópicas de colores cambiantes comenzaron a parpadear. El ambiente psicodélico que se creó, unido al movimiento frenético de la gente, hizo que me desorientase por un instante, tiempo suficiente para perder de vista al ministro. Estuve a punto de perder los nervios y cometer una locura impropia de un profesional como yo. Inspiré hondo y logré controlarme. Ya calmado, me estiré todo lo que pude para divisar sobre la multitud de ca-

Mr. Rockphender no paraba de reír y de contar historias y confidencias al ministroBalduelles. El ministro no le seguía el juego. Mi intuición como profesional me indicaba que algo le sucedía: su postura algo ladeada, su piernas juntas y apretadas una junto a la otra...

Por un momento dudé si acercarme o no.

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bezas que me rodeaban. Nada, ni rastro del ministro. Opté por subirme a la tarima donde se encontraba el DJ. Desde allí podría tener una perspectiva mucho mejor del salón. No sin esfuerzo y después de varios empujones y algún que otro insulto recibido, conseguí colocarme en la tarima. Efectivamente, se veía todo el salón, aunque no demasiado bien por culpa de las luces parpadeantes.

de los invitados, la probabilidad de encontrar a alguien que hubiera visto al ministro y que estuviera en las facultades apropiadas para acordarse era más que remota.

Después de varios encontronazos, de faltas de oxígeno debido al gentío y de algunas copas de cava que acabaron ensuciando mi traje, conseguí salir al inmenso jardín exterior del palacio. Respiré aliviado al observar que el ministro se encontraba apoyado en el grueso tronco del árbol centenario que gobernaba el jardín. Al acercarme raudo, comprobé que se encontraba bien. Es más, mejor que bien, dada la cara de desahogo y felicidad que tenía. No pude por menos que sonreír, mientras procuraba desviar la atención de las miradas enrojecidas y curiosas de los invitados que por allí deambulaban, colocando mi cuerpo como barrera. Por fortuna, los curiosos estaban tan ebrios que olvidaron inmortalizar el momento con sus smartphones. Ya no serían necesarias las llamadas telefónicas de rigor a los medios de comunicación, ni el hecho de tener que desembolsar grandes cantidades de dinero para mantenerlos en silencio, ni de enviar “personal” para confiscar las pruebas.

Otro escándalo más que no iba a salir a la luz.

Todo un alivio.

No pude identificar al ministro entre la gente.

Dudé por un momento. Entonces me di cuenta de que la mejor referencia sería encontrar a Mr. Rockphender, ya que no se había separado del ministro en toda la velada. Si encontraba la posición de Mr. Rockphender, con toda probabilidad encontraría la del ministro.

Además su fisonomía era mucho más reconocible en la distancia que la del ministro, al ser de más alto y al tener el pelo largo y canoso.

No sería difícil localizarle.

Tardé más de lo esperado en encontrar entre la multitud a Mr. Rockphender. Estaba sentado en uno de los lujosos sillones del fondo del salón, flanqueado por dos mujeres y otra persona que no logré identificar. Decidí colocarme lo más cerca posible deMr. Rockphender. Quizás a menos distancia podría saber si la persona que le acompañaba era el ministroBalduelles (estaba casi cien por cien seguro de que así era). En aquellos momentos agradecí que mi constitución física fuese la que era. Tuve que emplearme a fondo para poder avanzar con cierta celeridad entre el tumulto de VIPs frenéticos, que me entorpecían el paso. El corazón me dio un vuelco cuando pude comprobar que mi intuición había fallado. Seguía sin saber el paradero del ministro.

Después de que escurriera su miembro y se subiera la bragueta del pantalón, ayudé al ministro Balduellesa caminar hacia el gran salón, mientras la música tecno tronaba.

Giré mi cabeza a ambos lados y nada. Miré mi reloj. Si mis cálculos eran correctos llevaba más de 10 minutos sin tener localizado al ministro. Y lo peor de todo: no tenía ni la más remota idea de dónde podía estar. No me quedaba más remedio que preguntar a Mr. Rockphender. Él debía saberlo. Hice ademán de acercarme pero rehusé, al ver que no sería una buena fuente de información. Su grado de embriaguez era muy profundo, por tanto la información que me pudiera dar no sería muy fidedigna. El problema era que, a aquellas alturas de la noche, habida cuenta del estado 13

Poesía

Jorge Lázaro LA GEOGRAFÍA POÉTICA

Abre la sección de poesía del año 2017, Jorge Lázaro. Este poeta, que acaba de publicar el poemario “Sueños, paisajes y piel“ tiene mucho que decir en el mundo poético. Sin más que añadir y como suele decirse “Para muestra vale un botón“, esperamos que disfruten de su cálida poesía.

Más tarde estudia sobre ello y sobre edición fotográfica.

Ha expuesto sus fotografías en diversos locales de la cultura vallisoletana, así como de otros lugares de Castilla y León.

Es cofundador del grupo poético Perversos, que se reúne semanalmente en la ciudad.

Con este poemario nos pretende mostrar su visión de la vida y los sentimientos, en un tono fresco recogido en 42 poemas y 42 fotografías.

Nace en Valladolid (Castilla y León) en 1965.

Comienza en el mundo de la fotografía y la poesía, de forma autodidacta, en la adolescencia.

14

R.P: ¿Cómo llegaste a la poesía?

J.L: A los 15 años, me presente a un concurso de poesía en Extremadura, y gané, así comencé, desde niño R.P: ¿Qué es la poesía para ti?

J.L: Poesía es sacar el corazón y el Alma.

Y ofrecérselo a los demás, es desnudarse, mostrar cómo ves la vida, el tiempo y a las personas que se relacionan o no contigo.

Es amor y desamor, pero todo siempre escrito de una forma rica y estética para uno mismo.

Es en ocasiones ahorrarte el psicólogo.

POEMAS SUEÑOS Estas dentro de mi, tus sueños remueven toda mi alma, limpia impurezas y cae al pensamiento lo más alado y hermoso que hay en ti.

Mi ángel.

dejó que se marcharan los abrazos, y se quedó solo mirando a la luna, preguntándole porqué no había abierto su boca, por qué no deseaban sus labios besos llenos de amor, ni abrazos, ni luz en su vida.

Se le cayó el día lleno de caricias, y la noche, con sus besos empapados en ternura, esos también los perdió, y los te quiero que nunca tuvo.

Se le cayeron los amaneceres a su lado, ya para siempre deseados.

Y mirando a los ojos de su amada, no se atrevió a acercar sus deseos, deseos de besarla.

LA MUSA Ya no eres musa ni viento ni inspiración divina.

Otros ojos vieron tus ganas y quisieron desvirgar la imagen profunda y cálida que a través del espacio que nos separaba, creábamos.

Construíamos belleza, amor y fidelidad.

Nos han quitado el horizonte, ahora solo es una pintura, un recuerdo que se borra, un adiós constante; un sueño que ya no regresará.

DENTRO DE TU DOLOR Enciende los gritos del valle, regresa otra vez, dentro de tu dolor.

Se han ido los años en la niebla, fría, blanca…

SOLO Se le cayó el beso, 15

Ven a mi lado, amor, en esta noche fría, aunque el silencio nos pese, como nos pesan los años; estoy cansado; el fuego ya se ha apagado, contemplo las heridas de mi piel y me abandono en el sueño de tenerte en mis brazos.

Los pájaros echaron a volar, nuestro árbol está vacío, el horizonte se quedo sin luz y en la noche ya no sabemos hacia donde caminar

De días con las manos vacías, ahora no creas en la gente ni me expliques tus espasmos; donde tú vas no hay santos sólo piedras desgastadas.

PECAR SI ES PRECISO Huyamos esta noche, quitémonos el traje de los prejuicios y el miedo, cambiemos nuestra vida, busquemos conocernos sin miedo a que ocurra, y en la cama sudemos pasiones nuevas.

Pecar, si es preciso, con el anhelo de los que buscan abrazos, correr por calles desconocidas, dejar que fluyan los besos y los versos, atarnos si nos place, sin mirar el reloj.

Dejar la soledad, buscar vivir, esperar el tren juntos en la estación de la noche, hacernos la promesa de no ser jamás convencionales.

ME ABANDONO EN EL SUEÑO 16

THE PIANIST COMPOSER

Piano transcriptions

Bach/Busoni Schumann/Fiorentino Fauré/Fiorentino Thalberg Leschetizky Drozdoff Rachmaninov/Gryaznov Rachmaninov/Devastato Devastato

GIUSEPPE DEVASTATO 17

Artículo

El ‘Museo’ de Manuel Machado Por: Alfredo Piquer Garzón Manuel Machado.

«¡Lástima que no sean más los que se aprestan a oírle!», (Miguel de Unamuno. Prólogo de Alma.

Museo. Los Cantares . Manuel Machado (1907).

El hermanamiento entre poesía y plástica se ha dado a lo largo de la Historia de modo continuo e intenso. La interacción y más que la influencia, la imbricación de ambos terrenos ha sido siempre notoria por lógica y por necesaria. En el número anterior de ‘Proverso’ yo mismo escribía un artículo sobre ello.

Creo que es una relación amplia y compleja, extensa, intensa y estrecha a lo largo especialmente del XIX y sobre todo de su segunda mitad. Sin embargo, los críticos literarios acotan la mayor influencia de las artes plásticas sobre la poesía como característica del Modernismo. El Modernismo une en medida importante el énfasis de la atención parnasiana

En los últimos días yo buscaba en las librerías a Paul Verlaine, con ganas de ampliar mi lectura de los Parnasianos y en la medida en que estos están emparentados con otros movimientos literarios del final del XIX. Hallé efectivamente la versión de los ‘Poemas Saturnianos’ y las ‘Fiestas Galantes’ , que glosa Antonio Martínez Sarrión, ensayista, traductor experto de tantos poetas franceses y poeta él mismo;y la lectura de su estudio previo recordó el dato del libro “Museo” de nuestro poeta 18

a la belleza plástica y el concepto de la fusión de las artes del Simbolismo (1).

bién ese contacto posterior e intensocon las nuevas corrientes estéticas. Machado traducirá estas impresiones en versos de raigambre parnasiana, lo que consideraremos; desde la publicación de “Museo” como sección y en el contexto del libro”Alma”, en la versión ampliada de 1907 y en su culminación de 1911 con Apolo. Teatro pictórico”.

Sin embargo parecen más reducidos los casos en que la poesía trata deliberada y específicamente el arte y la obra de arte concreta como tema del poema. Exceptuando algunos escasos hechos previos, Manuel Machado es, en opinión de Eloy Navarro Domínguez en su ensayo “El ‘Museo’ de Manuel Machado”, quizá el poeta español que manifiesta de un

Son tres los periodos de estancia de Manuel Machado en París. En el primero de ellos, entre marzo de 1899 y diciembre de 1900, vivirá con su hermano Antonio, en el mismo hotel donde un día se alojase Paul Verlaine, entablando contacto con otros escritores. Regresará Antonio a España, pero Manuel, aún en la capital francesa trabajará para la editorial Garnier como traductor, y empezará a escribir los primeros poemas de “Alma”. Volverá finalmente él también a España y fundará en 1901 con Antonio, Con Francisco Villaespesa y Juan Ramón Jimenez la revista “Electra”, en la que se publicarán por primera vez algunos de los poemas de su libro. Vuelve de nuevo Machado a París con su hermano, en abril de 1902, poco después de la publicación de

“Manuel Machado es uno de los ejemplos más significativosde la relación de las Bellas Artes y la Poesía...” modo más significativo una inspiración basada en el hecho plástico.

Es verdad. Manuel Machado es uno de los ejemplos más significativosde la relación de las Bellas Artes y la Poesía. Lavocación de la familia Machado hacia la cultura viene de lejos; la educación y la formación intelectual de los Machado se conforma a partir de la influencia del Krausismoen la Institución Libre de Enseñanza. Manuel fue alumno de esta escuela entre 1883 y 1889. La admiración de Manuel Machado por Francisco Giner de los Ríos fundador de la institución se muestra en la dedicatoria de “Museo” de 1902: “A D. Francisco Giner de los Ríos, el maestro admirable.” Más tarde, en “Apolo. Teatro pictórico” reiterarála dedicatoria.También Manuel Bartolomé Cossío, ahijado y alumno favorito de Francisco Giner, su inseparable compañero y sucesor, pedagogo krausista e historiador del arte, influyó de forma decisiva en los Machado.En la práctica de la Escuela, la constatación del hecho cultural como síntoma esencial y fáctico de la teoría, es fundamental;por tanto,las visitas de los alumnos a los museos son habituales.C. G. Brown destaca como «la experiencia cultural era tan importante para el arte como las propias vivencias personales» (2).

Pero si atendemos a otros aspectos de la biografía de M. Machado, los diferentes periodos de sus estancias parisinas determinarán tam19

“Alma” y de su traducción de Fiestas Galantes de Verlaine. Llegarán después los otros dos hermanos Machado: José y Ricardo, y serán entonces cuatro para vivir la bohemia parisina. En un último viaje entre 1908 y 1909,aún tendrá tiempo Manuel Machado de volver a París, esta vez solo, (Antonio está dando clases de francés en el Instituto de Soria y ennoviado con Leonor Izquierdo) y finalmente, regresará a España. Será el secretario de Rubén Darío en la embajada de Nicaragua.

La obra de Manuel Machado responde, sin duda, a una línea y una tradición grande en literatura como es la que viene de la poesía francesa, desde el romanticismo personal de un Gerard de Nerval, su ‘Viaje a Oriente’, que sintomatiza literariamente el prurito románti-

“La obra de Manuel Machado responde, sin duda, a una línea y una tradición grande en literatura...“ co por el viaje de exploración y conocimiento de lugares lejanos y exóticos y sus ‘Quimeras’, y la oscuridad de sus temas; de obra no extensa pero en cierta medida misteriosa.

Gerard de Nervalhabía traducido Fausto, de J.W. Goethe, de modo un tanto personal, lo que le propició el conocimiento de Friedrich Schiller y de Heinrich Heine, ( éste, entre los ascendientes confesados por Machado) con el que inició una amistad y del que tradujo poemas. Escribió en colaboración con Alejandro Dumas, además de ser gran amigo de Théophile Gautier y Victor Hugo. En su defensa del Socialismo utópico coincide con Laconte de Lisle. Si bien no hay en “Las Quimeras” (1854) y el libro posterior “Otras Quimeras”, en realidad breves, poemas dedicados a obras artísticas concretas al modo de una ‘écfrasis’ aun subjetiva en su descripción lírica, sí hay alusiones directas a las mitologías de la antigüedad, egipcia (Horus), Hebrea (Anteros), Griega (Délfica, Artemis) o Judeocristiana (El Cristo de los olivos).

En el XVIII, lo pintoresco es sinónimo de admiración, fascinación e incluso terror. Pero lo pintoresco será en el XIX toma de conciencia

sobre el paso del tiempo y el peso de la historia. El viaje es búsqueda del conocimiento y el campo de exploración geográfica es inmenso. El viajero debe transmitir noticias sobre historia , arquitectura, costumbres, folclore etc., no como mera enumeración sino con intención formativa. Se busca lo exótico, lo diferente, y la meta es en esa medida Oriente próximo: Siria, Egipto, Palestina, Judea;pero aun España! donde se conserva todavía casi intacta la herencia árabe musulmana por un lado y la cristiano medieval por otro. Sthendal dirá : “ Me gusta el español porque es tipo, no es copia de nadie. Será el último tipo que exista en Europa”.Lugares por excelencia de redescubrimiento de sus fundamentos históricos, arqueológicos , antropológicos y de civilización en sí mismos.

Los dibujantes ingleses dibujan y litografían la Alhambra y Granada, y Córdoba y la Mezquita. Edward HawkeLocker, David Wilkie, George Vivian, John Frederick Lewis o David Roberts que llega a España en 1832. Roberts visitaráMadrid, Córdoba, Granada, Se20

villa. En Granada es tomado por espía por la autoridad militar al verle dibujar y tomar apuntes de panorámicas y vistas generales de la ciudad. Su trabajo cuaja en Apuntes de España de 1837. Más tarde, sus Apuntes en Tierra Santa y Egipto 1842reafirmarán su reputación.

ramente presente en Gautier. La escultura helenística (Niobe) o los lugares arquitectónicos como el propio palacio de Versalles o el monasterio de El Escorial.

El Barón de Taylor, ministro del rey francés Luis Felipe de Orleáns, es encargado para comprar cuadros en España que formarán la “Galería española” abierta en el Louvre en 1838.Porque entre 1830 y 1850 España despierta un interés vivo entre los franceses (Mas de 500 escritos sobre lo español en la época). Pero sin embargo las obras rigurosas son pocas. La de Charles Davillier, por ejemplo, “Voyage en Espagne” ilustrada por Gustave Doré 1862.Porque no se ha borrado aun la imagen de la España retrógrada e inquisitorial de Voltaire y otros racionalis-

De ahí deduce seguramente el enclaustramiento del personaje que habita el monasterio, “el rey solitario” que se emparenta directamente con “La muerte de Felipe II” de Paul Verlaine y claro está, ambos son los precedentes más que probables del “Felipe IV” de Machado. El hecho de que dedique algún poema a Watteau es probablemente el motivo de que Machado haga hincapié en el mismo pintor si bien no tiene que ver el contenido de uno y otro poemas; mientras Gautier describe su tristeza en el contexto de un paisaje, Machado describe una escena galante. También Verlaine alude en alguno de sus poemas al pintor rococó.

“Jamás un faraón, junto a un monte de Egipto hizo para su momia una cripta más negra.”

“España despierta un interés vivo entre los franceses...”

O el Poema dedicado a José de Ribera el ‘Españoleto’ “En ti siempre se ve al negro valenciano, pueblerino azaroso, equívoco mendigo, moro a quien el bautismo apenas ha hecho cristiano.”

tas de la Ilustración.Los franceses obvian o soslayan las escenas terribles de la invasión napoleónica y la Guerra de Independencia, todavía viva en la conciencia española, que redescubrirán en parte a partir de 1830 en los grabados de Goya. La visión de la « Carmen » de ProspérMeriméees rechazada en España aunque ejercerá después mucho más influjo a través de la Opera de Georges Bizet.

En “El obelisco de Luxor” I y II, el poeta habla por boca de los obeliscos egipcios del templo de Ramsés II en Luxor. Hoy en día puede resultarnos paradójico que fuese el mismo Jean FrancoisChampollion, descifrador de la escritura jeroglífica egipcia, quien convenciese al sultán MehemetAlí, estando a la sazón Egipto bajo dominio turco, de que ofreciera a Francia a principios de 1830, en el comienzo del gobierno corrupto de Luis Felipe de Orleans, la llamada ‘monarquía de Julio’, regalarle los obeliscos. El primero de ellos sale de Egipto efectivamente en un barco especialmente construido para ese fin y llega a París remontando el Sena en Agosto de 1834. El obelisco se yergue en la plaza de la Concordia desde entonces hasta la actualidad. El segundo obelisco ante los pilonos de Luxor jamás llegó a moverse de su sitio aunque donado igualmente junto al primero a Francia por MehemetAlí, fue oficialmente “devuelto” a Egipto por el Presidente François

También Theophile Gautier viaja a España en 1840, al final de la Primera Guerra Carlista.

Poeta, dramaturgo, novelista,críticoliterario yperiodista, presente en el romanticismo pero considerado uno de los fundadores del parnasianismo, amigo de Balzac y Victor Hugo,había pertenecido al grupo de artistas de “Le PetitCénacle” junto con Gérard de Nerval, Alejandro Dumas y otros.(3)A lo largo de su vida Gautier viajó además por Italia, Turquía, Egipto y Argelia, todo lo que reflejaría después en libros como Constantinopla, Viaje a España, Tesoros del Arte de Rusia o Viaje a Rusia. La temática artística está cla21

“En su discurso de ingreso en la Real Academia, Machado reconoce que el arte es el punto de referencia de sus poemas...” adscrito a las filas falansterianas de Charles Fourier, antiesclavista, partidario de la revolución de 1848, y sin embargo uno de los principales exponentes del parnasianismo. Leconte de Lisle,poeta posromántico y eminente helenista ,traductor de Homero,Hesiodo, Sófocles o Esquilo, ingresó en 1887 en la academia ocupando el sillón de Víctor Hugo, tras el auspicio de éste. Sus «Poèmesantiques» y su prefacio (igualmente admirado de Victor Hugo) iniciaron una influencia que duró más de treinta años. La evidente filiación romántica de tantos de los poetas parnasianos se explica porque el movimiento se afirma no contra el romanticismo, sino más bien contra un romanticismo fantasista y estéril y en contra del sentimentalismo. (4) Viene asimismo la línea desde el mismo Victor Hugo, porque el poeta, dramaturgo y novelista románticofrancés, siendo una figura capital en el movimiento y la época, ejerce asimismo un romanticismo de registro mucho más amplio y personal; Victor Hugo había escrito ya poemas inspirados en el tema del arte: ‘A Alberto Durero’, por ejemplo y sus alusiones a la Historia y la mitología de la antigüedad son también frecuentes en el extenso poema “Lo que dice la boca de sombra” y en “La leyenda de los siglos”. No en vano a final del XIX vuelven a ponerse de moda sus ‘Hernani y Gil Blas’. (5)

Mitterrand tras renunciar a su propiedad, en 1981. En los dos poemas de Gautier hablan los propios obeliscos, el trasladado a Paris y el que permanece en su sitio. El primero se queja de su trasplante a la plaza parisina de la que traza una historia negativa y el segundo se lamenta de su soledad original egipcia y no haber sido trasladado con su gemelo, reflejando así consciente y deliberadamente una polémica que se produjo seguramente ya en su época.Mencionaré finalmente el poema “Apollonie” “ese espléndido nombre soberano, bello como la gloria y el amor”, que al parecer alude a ApollonieSabatier, que reunía en su casa un ‘cenáculo’ de artistas y escritores y a la que Gautier compara con la pitia de Delfos, pero incluso en el momento misterioso y sublime en que la pitia capta el mensaje del mismísimo dios Apolo.

En esta filogénesis encontramos por un lado el hipotético postulado parnasiano de la independencia del arte respecto a todo compromiso social o político. Por otro, la postura de un Laconte de Lisle, socialista utópico

Dicha tradición pasa , desde luego, por los tardíos románticos españoles, léase Gustavo Adolfo Becquer, enorme poeta igualmente en su sencillez, en su intimismo e incluso en la relativa parquedad de su obra, que a su vez parte de premisas románticas. Porque Bécquer representa el tono íntimo de la lírica expresada con sinceridad y facilidad pero que reflexiona en el fondo sobre la propia creación poética y en el contenido de ésta sobre los hechos existenciales como la muerte y el amor. Por eso se dan ya en él factores 22

simbolistas y modernistas y por eso inaugura también en parte la lírica posterior: R. Darío, Amado Nervo, J.RamónJimenez, R. Alberti, V. Aleixandre. Yantes, Antonio y Manuel Machado.

si bien tuvo que ser en 1900 o 1901. Pablo del Barco cree que está entre finales de 1901 y principios de 1902. Eloy Navarro da la fecha concreta de 1902. Sea una u otra, el poeta publica “Alma” en el que incluye un apartado de sólo tres poemas bajo el epígrafe común de ‘Museo’. En 1907, la reedición de Alma, esta vez aunada a otros dos libros de igual jerarquía: Museo y Cantares pero concebidos como publicación única, es ya una síntesis que constituye una de sus obras clave.

Aunque el Parnasianismo es un movimiento que surge en cierta medida como reacción al Romanticismo, estamos ya en la segunda mitad del siglo, se distancia también del realismo literario por su carácter evocador e imaginativo, y quiéralo o no, con perspectiva histórica, hay también en él un gran ingrediente romántico. Con todo, es cierto que los parnasianos buscan una poesía despersonalizada, más lejos de la subjetiva efusión sentimental, y como hemos explicado, con temas que tienen que ver con el arte, o con temas exóticos; con una marcada preferencia por la antigüedad clásica, especialmente la griega, por el lejano Oriente y en unos u otros casos donde el factor de la belleza sea el detonante.

Por otro lado el Parnasianismo valora el arte poético en sí mismo, y ejerce la impersonalidad y el rechazo al compromiso social o político. Constátense a pesar de ello las posturas socialistas de Gerard de Nerval o de Laconte de Lisle. El arte no tiene que ser útil o virtuoso y su fin es únicamente crear belleza en la obra artística, siendo ésta autónoma de la conciencia y personalidad de su autor. Culto a la forma poética, por tanto, según el modelo de las artes plásticas y esa predilección por los temas inspirados en las civilizaciones del pasado conduce su trabajo en ocasiones a la ‘écfrasis’. El Parnasianismo tiene entonces concomitancias con Simbolismo y Prerrafaelismo y prefigura en parte el Modernismo porque también la lírica modernista manifiesta clara tendencia a tratar temas sugeridos por la Historia. En esa medida los herederos de uno u otro movimientos , son genéricamente modernistas.

En “Alma. Museo . Los Cantares” (Madrid Librería de Pueyo) de 1907, el prólogo es de Miguel de Unamuno(6): --La poesía de Manuel Machado-, y la dedicatoria “Al Excmo Sr. D. Joaquín Herrero. Homenaje de admiración, gratitud y amistad. Manuel Machado”. (7) En 1911, “Apolo. Teatro Pictórico” (Prieto y Compañía Editores Madrid), supone la transformación de un título que con más justificación aún podría haber sido “Museo” nuevamente, ampliado sobre la publicación de 1907 o una ampliación de éste (1902 – 1907) y que sin embargo se cambia por “Apolo”. El título se debe según Machado a que Apolo fue el padre de las 9 musas, ninguna de las cuales fue ‘la deidad inspiradora’ de la pintura. “Mi libro se llama así porque, no siendo ninguna de las nueve Musas la deidad inspiradora de la pintura y siendo Apolo, en la mitología, el padre de todas ellas, me pareció que el título cuadraba perfectamente en la índole de mi producción”.Apolo es un libro dedicado, ya consciente y deliberadamente, a la pintura. (8) Así como los poemas del primer Museo eran más referencias históricas que propiamente plásticas, es en Apolo. Teatro pictórico, cuando estamos realmente ante los cuadros de un museo.

Machado hace aquí una retrospectiva de la pintura de los últimos 5 siglos , Renacimiento, Manierismo, Barroco, Rococó, Neoclásicismo, Romanticismo, y realismo casi preimpresionista (En su época no se ha producido todavía la valoración del impresionismo, tal y como la conocemos incluso convertida en lugar común vulgarizado al máximo en nuestros días) No hay pintores impresionistas, por tanto, en los poemas de Machado. Los temas de Manet son españoles, como lo son también los de Gautier en lo literario y de ahí

En su discurso de ingreso en la Real Academia, Machado reconoce que el arte es el punto de referencia de sus poemas a propósito del libro “Alma. Museo. Los cantares” de 1907. Pero el precedente del libro es el publicado con anterioridad bajo el título exclusivo “Alma”. Según José Cenizo de la Universidad de Sevilla, “Alma” aparece por vez primera en Madrid, imprenta de A. Marzo, sin fecha; 23

titud similar al arte plástico Nazareno y Prerrafaelita lo que efectivamente acreditaría su filiación y procedencia de la tradición estética en la que se imbrica su visión y por tanto su obra. La posibilidad de consultar la fuente de primera mano gracias a la digitalización de internet desmiente tal cosa. No hay más pintores anteriores a Rafael que Fra Angélico y Boticelli, siendo Leonardo contemporáneo del pintor de Urbino y creando su personal y famosísima escuela lombarda. Es interesante la importancia que concede a Paul Gavarni,pseudónimo de Sulpice Guillaume Chevalier, dibujante, litógrafo, ilustrador y caricaturista francés, considerado en el XIX con la importancia de un Honoré Daumier, un Gustavo Doré o un Aquiles Deveria, y hoy bastante menos conocido por el gran público.

La composición de Apolo es la realización literaria de una vocación infantil y juvenil por la pintura. En obras anteriores hubo ya muestras y referencias a obras pictóricas. Y desde su primer libro, Alma, está presente como recurso lírico la referencia a la pintura que reaparece más cuajada en Museo (1907), para ‘esencializarse’ y hacerse exclusiva en Apolo.

A diferencia de la primera versión de “Alma”, aquí son escasas las alusiones propiamente históricas y solamente aludidas en el contexto de los propios cuadros.En la antología de 1911 “Trofeos” (cuyo título remite a J.M. de Heredia) recoge algunos poemas de sus anteriores libros, pero además en 1947 y 1967 se recogerán algunos poemas en las respectivas ediciones de sus Obras Completas de Editorial Plenitud (la primera coincide con el año de su muerte).

su difusión y repercusión aquí. Pero Manet no es un impresionista aunque ejerció notable influencia sobre ellos. La selección de las obras que motivan el conjunto de poemas de Apolo es una muestra del eclécticismo cultural y estético personal de Machado y resulta dispar en su conjunto. Desde La Anunciación de Fra Angélico, o la Lección de Anatomía, de Rembrandt, hasta el El Greco o las alusiones a Watteau. Su retrospectiva se detiene en EdouardManet Y John Singer Sargent.

Veinticinco cuadros correspondientes a veinte autores (Repiten: Tiziano: dos;Velazquez: dos;Watteau: dos; y Goya: tres.) ordenados cronológicamente y bajo una exégesis lírica también dispar.

Gerardo Diego escribe: “Era el autor de Museo y de Apolo no solo un pintor con palabras, paisajista y artesano de calidades, diestro sumo de la pintura de género y no muerta, sino viva, viviente. No solo un pintor con palabras que son a la vez formas, colores y músicas, sino un psicólogo finísimo, capaz de filtrarse hasta los más intrincados escondrijos del alma de su modelo. Aunque su modelo fuera el propio Manuel Machado”(9).

Esta es la lista de los cuadros correspondientes a los poemas de “Apolo”: Beato Angélico, Van Laethem, Sandro Boticelli, Leonardo da Vinci, Tiziano, Veronés,Rubens, Rembrandt, Zurbarán, Greco, Velazquez, Murillo, Van Dyck, Teniers, Escuela Francesa, Watteau, Goya, Gavarni, Manet, Sargent. He leído que Machado manifiesta sus preferencias por los pintores anteriores a Rafael con lo que hubiese así manifestado en poesía ac-

En el primer ‘Museo’ de 1902 de Machado la obra de arte como alusión o tema en el poema aparece sólo algunas veces. Hay que 24

hablar por tanto en ese momento de una poesía que se inclina hacia la Historia. Pero la visión de Machado de los museos es ya una visión moderna que conceptúa el arte como espejo de la historia. Ello está también en la base de la poética parnasiana. Aunque el título ‘Museo’ , como tal, no aparezca en ninguno de los poemas del movimiento.

No es difícil interpretar que Machado trae de París un bagaje marcado porVerlaine y en términos más amplios, parnasiano. Por lo que respecta a su obra Apolo, en particular cabría mencionar, cierta relación con las Fêtes galantes(1869), que había traducido.Rubén Darío y Amado Nervo fueron también sus devotos admiradores. Darío le dedicó Responso a Verlaine y Amado Nervo le dedicó A la católica majestad de Paul Verlaine.De manera tal vez no del todo casual “Caprichos” es también el título de uno de los libros del poeta francés.

Los personajes de la ‘Comedia del Arte’ de Machado tienen igualmente precedente en Verlaine: “Fantoches”, “Mandolina” , “A Climena”, “Colombina” etc. Lo mismo sucede en una serie de alusiones a los personajes de Watteau, que, al igual que en Verlaine, aparecen incluidos en sus versos.

El ‘Alma’ de Machado se escribe en Paris.

Los tres poemas del ‘Museo’ de 1902 tienen quizá por eso una cercanía en ese momento a la tradición francesa parnasiana más que a la propia española. Felipe IV del primer Museo se inspira en ‘La muerte de Felipe II de los Poemas Saturnianos de Verlaine. Otros poemas vienen de Jose Mª de Heredia y TheophileGautier. Los “Cuadros a pluma” de T. Gautier,cuyo ‘Viaje a España’ está de moda en el final del XIX, suponen un cierto precedente. No sabemos a ciencia cierta si Machado conoció los ‘Cuadros a pluma’ o estuvo al tanto de todo ello. Pero su primer ‘Museo’ está abierto, cuando otros temas van surgiendo; el propio Machado amplía hasta 19 poemas la versión de 1907, en el Libro ‘Alma. Museo.

Los Cantares’. En éste ‘Museo’ los poemas se ordenan cronológicamente y se dividen en subsecciones como si fuesen imaginarias salas.

Pero no solo Verlaine sino también toda esa línea que hemos mencionado y que jalonan diversos autores, apoya la filiación parnasiana de Manuel Machado y su poética relacionada con la obra de arte. En esa medida puede ser encuadrado, no sin alguna dificultad, en las filas modernistas.En su obra permanece su parnasianismo inicial, en esacercaníaasumida por él mismo. Como ha precisado López Estrada, «aunque cronológicamente quedaran más cerca los simbolistas que los parnasianos, éstos últimos tuvieron un gran atractivo para los jóvenes españoles e hispanoamericanos».Posiblemente,cierta satisfacción en el reencuentro con la veta hispana de muchas obras de Jose Mª de Heredia, de Th. Gautier o de Laconte de Lisle,atrajo seguramente a los poetas en lengua española hacia la estela parnasiana. En el conjunto de la obra poética de Manuel Machado, quince libros entre 1900 y 1921, puede percibirse su evolución estética desde ese conjuntode autores franceses de fin de siglo, desarrollada en el comienzo del siglo siguiente ya dentro de los moldes del modernismo literario español.

Se ha hablado de la dificultad para ubicar a Machado en una escuela o tendencia; desde otro enfoque, la filiación literaria de Machado es clara y también su relación con los criterios estéticos del Simbolismo y Parnasianismo y toda la tradición estética inherente.Como dice Manuel Alvar, «Manuel Machado ve cuadros y los traduce a sus hermosos versos, o siente fragmentos de literatura, ni más ni menos que los parnasianos franceses».Porque él mismo confiesa en “Unos versos, un alma..., (1940): “Si yo había aprovechado para mi obra lo mejor del simbolismo y del parnasianismo por entonces en boga es cosa que no sabría afirmar, ni menos explicar satisfactoriamente”.En la carta que Machado envía a Juan Ramón Jimenez tras la publicación de “El mal poema” confiesa: “ Los talentos poéticos que más me asimilo son Poe,(10)Heine, Verlaine, nuestro Becquer, aventureros del ideal a través de las pasiones amargas y de la vida rota”.(Desegaño de la vida artística en la línea de Verlaine).

La cuestión de fondo es el valor que sitúa al poema no como mera transcripción de la imagen sino con igual valor que ésta. Manuel Machado es consciente de que el poema escrito sobre el cuadro no puede ser mera descrip25

ción. El dialogo entre uno y otro exige otro código distinto, otra metodología. En la escritura del poema sobre el cuadro se produce una interrelación o interactuación de contenidos complejos. Todo el bagaje del autor para reinterpretar y traducir la multiplicidad de sugerencia del cuadro. El lector a su vez traduce desde la doble procedencia del estímulo: la propia obra artística conocida y la exégesis del poeta, una y otra relacionadas a su vez subjetivamente. Deberá establecer paralelos entre la memoria visual o sensorial y la concreción verbal del poema.Pero Machado no pretende más que plasmar una reflexión poética a partir de la contemplación estética, no crítica, de la obra que en un momento determinado le ha fascinado.

primer tercio del S. XX de Manuel Machado o en la actual, un siglo después, pueda ser diferente.

NOTAS: 1. La pintura o la escultura del XIX son esencialmente literarias, en un sentido muy amplio del término, no solo en cuanto a los contenidos , los temas o los significados , sino incluso en cuanto a los modos de dicción, siendo este un tema de gran complejidad puesto que atañe a una enorme multiplicidad de valores culturales y estéticos en la época. Ello le valió a parte de la pintura decimonónica el calificativo de “pompier” como denuesto fundamental desde la sensibilidad abstracta y de las vanguardias asentadas ya en siglo XX. 2. Historia de la Literatura Española. Siglo XX. (Barcelona, Ariel.1974) 3. Junto a Baudelaire, Nerval y otros escritores, Gautier experimenta con el hachís en pro de la potenciación de la percepción estética. Ana Balakian expone que los románticos buscaban su ‘perspectiva’ en el sueño, como estadio intermedio entre este mundo y el futuro; pero lo mismo hacía el simbolista que cultivaba los sueños como único nivel vital de la existencia del poeta.

4. No es fácil encontrar en la actualidad una edición o acaso una reedición castellanas de Leconte de Lisle como tampoco de Gerard De Nerval, Jose María de Heredia y algunos más.

5. Es tema de otro artículo el parentesco francés con los poetas victorianos prerrafaelitas.

En concreto y de modo notorio con Algernon Charles Swimburne, admirador de Baudelaire y que dedicó estudios a Victor Hugo y al Marqués de Sade. Pero asimismo a la recíproca.

También una posible lectura o inspiración directa de Machado en los poetas ingleses.

6. En el prólogo, Unamuno escribe: “Luchaban hace tres cuartos de siglo clásicos contra románticos, y, sin embargo, el verdadero espíritu clásico, el alma eterna de la poesía universal, palpitaba en éstos mucho más que en aquellos, que solo copiaban las formas externas y muertas de la antigüedad clásica.

Victor Hugo estaba mucho más cerca de Esquilo, con quién a través de Shakespeare y el Dante, se daba la mano, que los serviles

En otro orden de cosas, quizá todavía a estas alturas sea necesario considerar, sin prejuicio con respecto a su evolución ideológica o política personal sino con absoluta admiración, la obra poética de Manuel Machado, tal vez de algún modo agraviada por una comparación tácita con la enormidad de la de su hermano Antonio, y probablemente a causa de la diversidad de sus destinos tras la Guerra Civil española. “Es preciso reparar, si es posible, la injusticia de un olvido, -dice M. Alvar-, en un acto de reconocimiento hacia “un interesante y sincero poeta de la compleja encrucijada artística correspondiente a los años 1890-1920”. Al margen de las circunstancias sociales o políticas, valorar su poesía, por sí misma. La obra de Manuel Machado, considerada en su especificidad no tiene por qué ser confrontada con la de Antonio por el mero hecho de que fuesen hermanos.(11) El museo de Machado, bajo el epígrafe en las dos publicaciones iniciales, “Alma” de 1902 y “Alma, Museo, los Cantares”, de 1907 o bajo el de “Apolo. Teatro pictórico”, supone inaugurar conscientemente un modo nuevo de hacer poesía en el contexto de las letras españolas que las imbrica directamente con las grandes líneas de la literatura europea; una determinada manera de concebir y de sentir el poema que ha constituido en la historia de la literatura contemporánea el impulso exigido por la lírica para adecuarse verdaderamente a su tiempo. Por mucho que la visión de cosas en lo cultural o en lo ideológico en la España del 26

mantenedores de las famosas tres unidades.

Y hoy se repite la historia.” “…esta cosa ligera, alada y sagrada que es a las veces Manuel Machado resulta ser un verdadero clásico”.

7. Es posible consultar el libro original, así como un ejemplar de “Apolo. Teatro pictórico”, gracias a los conservados en la Biblioteca de la Universidad de Toronto, digitalizados y difundidos en la red de Internet.

8. Muchos de sus poemas fueron publicados en Blanco y Negro y en Los Lunes del Imparcial, durante 1910.

9. Conferencia pronunciada en la Fundación Universitaria Española el 11 junio 74.

10. De tema diferente, “Nevermore” es el título reiterado de poemas de Verlaine, luego parece acreditar una procedencia desde E.A. Poe 11. Lamentable la superficialidad y la falta de respeto a base de epítetos despectivos o diminutivos, el menosprecio que algunos críticos contemporáneos al poeta le aplicaron en sus comentarios y también la de algún prologuista actual que, no siendo capaces, unos y otros, de ahondar y valorar en la verdadera enjundia y mérito de la obra machadiana, se pierden en la inútil pretendida originalidad de sus calificativos. No entendemos cómo se pueden traer a colación, en un comentario actual de la edición una importante editorial sevillana, los de Cesar Gonzalez Ruano, hipotético periodista diletante del franquismo, cuyas repugnantes actividades como las denuncias de judíos a la Gestapo alemana,tras haberles vendido falsos pasaportes, en el Paris ocupado de la Segunda Guerra Mundial, son ya bien conocidas.

tura.html - Gautier, ThéophilePoemas. Selección y Traducción de Carlos Pujol. Col. La cruz del Sur. Ed Pre-Textos. Madrid 2007 - López Estrada, Francisco. Los “primitivos” de Manuel y Antonio Machado. Madrid: Cupsa, 1977 - Machado, Manuel. Alma, Museo, Los Cantares. Librería del Pueyo. Madrid 1907. (Ejemplar digitalizado de la Biblioteca de la Universidad de Toronto. Canadá) https://archive.org/stream/ almamuseoloscant00mach#page/n9/ mode/2up - Machado, Manuel. Apolo. Teatro Pictórico.

V. Prieto y Compañía Editores. Madrid 1911 (Ejemplar digitalizado de la Biblioteca de la Universidad de Toronto. Canadá) https://archive.org/details/apoloteatropictr00mach - Machado, Manuel. Antología poética. Edición de Arturo Ramoneda. Alianza Editorial.

3ª Ed 2016 - Machado, Manuel. Yo, poeta decadente y otros poemas. Ed Renacimiento. Sevilla 2013 - Navarro Dominguez, Eloy El “Museo” de Manuel Machado. http://institucional.us.es/revistas/philologia/9/ art_2.pdf - Nerval, Gerard de. Las Quimeras. Traducción de E.J. Ríos. LibrairieGénéralFrançaise 1972.

- Verlaine, Paul. Poemas saturnianos. Fiestas Galantes. Versión de Antonio MartinezSarrión. Poesía Hiperión. Madrid 2011

BIBLIOGRAFÍA: - Balakian, Ana El Movimiento simbolista.

Ediciones Guadarrama Madrid 1969 - Cenizo Jimenez, José. Alma, Manuel Machado y el modernismo. Universidad de Sevilla. http://cvc.cervantes.es/literatura/cauce/pdf/ cauce26/cauce26_04.pdf - Delgado, Pablo. Manuel Machado, París y la pintura. http://poemasdelpurgatorio.blogspot.com. es/2012/06/manuel-machado-paris-y-la-pin27

Entrevista

Luis Anguita Juega LA PALABRA SOSEGADA Por: Isabel Rezmo

La palabra sirve para narrar, para contar historias. También evoca, enseña, construye valores, muestra un camino a la historia. Las experiencias sirven para que el lector no solo entre en la ensoñación, sino además que a través de ellas, comprenda las propias y pueda entrar en la de los otros.

La vocación es lo que mueve a las personas a convertirse en escritor, o poeta. Primero es una tímida afición que no pasa por el

mero pasatiempo, de buscar unas horas de inspiración. Hasta que de alguna manera, va creciendo, convirtiéndose en una sed y una necesidad que ahoga si no tienen salida en el papel.. Como un autómata comienza ese proceso de plasmar, de concentrar la atención y surge el verbo.

Hablamos con el escritor Luis Anguita Juega.

“Nací en Madrid, en 1961, con 27 años, tras 30

aprobar las oposiciones de la carrera fiscal, me fui a la provincia de Barcelona, donde residí en un pequeño pueblo Sant Andreu de Llavaneres. Desde 1999 vivo en La Coruña.

Me encanta la docencia y doy clases en la Facultad de Derecho de la Universidad de La Coruña como profesor asociado y en la Escuela de Práctica Jurídica del Colegio de Abogados de esta ciudad. También voy a donde quieran escucharme para compartir experiencias y conocimientos, una actividad que me apasiona. Tras atreverme a cumplir su sueño, escribir la novela Mi lugar, mi pequeño sueño, seguí con Siempre habrá un lugar para soñar,

“Muchas veces pensé en escribir un libro, estaba en mi interior, pero no me atrevía a llevarlo a cabo...”

Donde está tu destino y Esta noche volveré a buscarte. En marzo publicaré mi nueva novela ¿Tomo un café o tomo tu vida?, todas con Ediciones Carena, continuando con mi gran vocación: la literatura.”

como compaginas la literatura con tu actividad diaria?

L.A: Lo importante es saber desconectar.

Cuando tienes tiempo, te dedicas a la historia que deseas escribir, aprovechas cada momento, que puede ser de una hora, incluso menor y en esos trozos de tiempo, tus personajes, que están guardados en tu cabeza, cobran vida y los plasmas en el papel. Esa constancia te permite sacar lo que hay dentro de ti y convertirlo en una novela.

R.P: Buenas tardes Luis ¿cómo te hiciste escritor? ¿Cuál fue la razón para que decidieras abrirte a este mundo tan apasionante?

L.A.: Muchas veces pensé en escribir un libro, estaba en mi interior, pero no me atrevía a llevarlo a cabo, pensaba que quién era yo para escribir una historia. Ella estaba dentro de mí y allí permaneció durante años y una tarde, aún casi sin saber por qué, era un día nublado de verano, quizás por la paz que respiraba y sentía en mi interior, decidí que por qué no, qué iba a intentarlo, que tenía una historia que contar y comencé a escribir, durante meses sintiendo la historia cuando la escribía, emocionándome, riéndome y sufriendo con los personajes. Unos meses después, esa historia se convirtió en mi primera novela “Mi lugar. Mi pequeño sueño”.

R.P: Escribes con el corazón, quizás es el motor que mueve los sueños y los hace realidad.

L.A: Es mi corazón el que escribe, soy un soñador con los pies en el suelo. Los sueños, los ideales que tienes se van convirtiendo en historias. Cuentas lo que está en tu interior y en lo que crees. Cada libro tiene una parte de mí, que se va con él y por eso lo sientes tuyo, porque es como si los personajes y la historia siguiese viva, cada vez que un lector la tiene entre sus manos.

RP: Te resultará complicado alternar la narrativa con tu trabajo, ¿Cómo llevas a cabo ambas actividades, 31

“...he escrito alguna poesía suelta, pero ahí ha quedado...”

piren?

L.A: Anna Gavalda, David Foenkinos, Marta Rivera de la Cruz, porque cualquiera de sus libros encuentran un hueco en mi corazón.

R.P: ¿Te has planteado alguna vez “tocar” la poesía?

R.P: ¿Qué supuso para ti, escribir tu primera novela enfrentarte a un mundo tan desconocido como el literario?

L.A: No me atrevo, he escrito alguna poesía suelta, pero ahí ha quedado, de momento han sido toques muy suaves y esporádicos.

L.A: Fue superar miedos, de atreverse a escribir, de decírselo a las personas más cercanas, de esperar su opinión, de decidir que iba a luchar por ella, que debía de quitarme el temor a que los demás la leyeran, y en cuanto vencí todos esos miedos, puse todo lo que había en mí para encontrar una editorial que quisiera apostar por la historia y después, aún más importante, que había que llegar a los lectores.

RP: ¿Cómo ves la narrativa actual? ¿Novela o micro relato, enemigos íntimos o amigos bien avenidos?

L.A: En la narrativa actual, se ha podido encontrar por una parte huecos para toda las tendencias, y también ves por otra parte, que con la crisis las grandes editoriales sólo apuestan por lo seguro.

R.P: ¿Autores preferidos, que te ins-

En general creo que hay que valorar en posi32

él, con esa ilusión que uno siente cuando ha escrito una historia que está apunto de publicarse.

R.P: Queremos agradecerte la atención de haberte asomado a estas páginas y haberte conocido un poquito más, deseamos que sigan los éxitos y que sigas ofreciendo a las letras y tu buen hacer.

L.A: Muchas gracias a vosotros por pensar en este contador de historias para la entrevista, por hacer que disfrute con las preguntas y pueda expresar lo que hay dentro de mí.

tivo, que con las pequeñas editoriales y diversas plataformas se consigue publicar.

Con los tiempos actuales, de mensajes muy cortos en las comunicaciones entre personas, creo que cada vez tendrán más fuerza los micro relatos y es buena la convivencia con la novela. Cuando escribes intentas provocar sentimientos y puedes conseguirlo en unas pocas palabras, o en una trama de cientos de páginas.

R.P: ¿Proyectos actuales, de futuro…?

L.A: Sigo disfrutando escribiendo y mientras sienta que tengo una historia que contar, seguiré haciéndolo. Ahora mismo estoy con mi próximo libro “Tomo un café o tomo tu vida?”, que se publicará en marzo y estoy volcado en Esta noche volveré a buscarte

“Sigo disfrutando escribiendo y mientras sienta que tengo una historia que contar...”

Luis Anguita Juega Ediciones Carena ¡YA A LA VENTA!

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Reseña

Guillermo lópez lacomba

Luz de luna, la rusa, doña mírame y miss boom boom Por: Inma J. Ferrero

“Luz De Luna, La Rusa, Doñamírame Y Miss Boom Boom” es la novela escrita por Guillermo López Lacomba y publicado en la editorial Espuela de Plata en 2015. En una primera lectura, llama la atención la utilización de un lenguaje sencillo, cercano, con la utilización de vulgarismos y palabras mal sonantes, pero

esto no hace que el lenguaje utilizado no sea cuidado al extremo. Este estilo de narración utilizado por el autor hará que el lector se involucre en la novela desde la primera de sus palabras y permanezca en ella hoja tras hoja hasta llegar a la culminación de esta “Nací a muchas leguas de aquí, en un país lejano, 34

atrasado y pobre, del que apenas recuerdo sino el nombre e incluso eso trato de olvidar.”

Esta novela se narra una historia de amor, una historia que recoge el amor apasionado, el amor eterno que sabe entender y esperar.

Guillermo López Lacomba nos aporta una visión sobre el amor poco cotidiana, a través de Trotón Cavalho, el personaje principal. Nos hace una disertación, en primera persona, de las relaciones amorosas de un hombre enamorado y abandonado por la bellísima Luz de Luna, una mujer poco usual. A lo largo de los capítulos nos cuenta las visicitudes de Trotón que persigue a su amada, tras el abandono de esta. Nada más regresar a casa, subía al tejado, único lugar en que podía estar a solas, jugándome la crisma, pues no por enamorado dejaba de tener vértigo…” “… ¡Luz! ¡Luz, preciosa…! – llamó en voz alta –. ¡Está aquí tu enamorado!...”. Esta novela no es sólo una novela de amor, también es una novela que nos habla de la familia, nos habla de lo cotidiano y de lo poco cotidiano, ya que posee una doble vertiente, lo real de lo que nos rodea y lo imaginario que hace que esta novela sea tan poco usual. “No le guardo rencor aunque me arruinó la vida. Cosas de las madres; entonces lo de ser enano no estaba tan prestigiado, así que antes de desayunar

veo que has estado haciendo los deberes y recordado mi nombre. ¡Para ti, Miss Boom Boom, y basta! –me estampó dos esos en las mejillas y me saludó a su vez–. —¡Hola Trotón! ¿Ves?, yo también sé el tuyo. Me lo dijo Luz de Luna, si bien acompañado de mil epítetos que no querrás oír. —¿Y de qué otra forma podría si no hacerlo, mi pobre ángel?

–durante unos instantes caí en un silencio melancólico del que salí con dificultad–. ¡Qué sorpresa! ¡Agradable, por supuesto! ¿Cómo tú, por aquí? —Al poco tiempo de hacerlo tú, me largué también. Aquello…”

“Nos hace una disertación, en primera persona, de las relaciones amorosas de un hombre enamorado y abandonado...”

Esta novela esta escrita en su totalidad en primera persona, el autor forma parte de los personajes, ha vivido cada uno de los hechos que se narran en esta. “—¡Cómo desearía que este momento fuera eterno! –dije.”” Tal como me lo barruntaba, ni hablar de conciliar el sueño en toda la noche.” Con ello consigue que las situaciones narradas sean más reales para el lector y que este se involucre más en la narración, pues lo que está leyendo se lo están contando de primera mano, directamente no hay ningún intermediario. “Nos despedimos con un abrazo y en el camino de

me obligaba a dar largos paseos.” Muchos de los personajes que aparecen a lo largo de la novela tiene una vida desarraigada, forman parte del “ampa” o más exactamente forman parte de esa clase de personas con las que uno no quiere entablar una relación. Es un libro frenético, de ritmo rápido que dejará al lector sin aliento y sin perder detalle de cada uno de los acontecimientos que se detallan durante la narración. Esto se hace patente en sus diálogos extraordinariamente perfilados.

“—¡Hola Nani! –Le dije nada más salir. —Ya 35

“...nos envuelve en un mundo sobrecogedor, un mundo donde se hace patente la decadencia a la que puede llegar el hombre...”

cio para la lectura y haciendo que el lector no pierda el interés por lo que se los hechos que se están narrando. “puede saber dónde vas tan temprano vestido de lechuguino? Es hora de desayunar y no de irse de farra. —¡Porque sí! ¡Porque la necesito! ¿Me la prestas o no?

—¡Eso ni se pregunta! ¡Cualquier cosa que desee!…” La utilización de los verbos en primera persona hacen que el narrador sea más cercano, y que el lector empatice con este de un modo más profundo. Aquí también nos hayamos ante un narrador capaz de imponer sus fobias y sus filias, haciendo que lector simpatice con unos personajes más que con otros, incluso que llegue a odiar a alguno de ellos. El autor también emplea verbos en tercera persona, lo que hace evidente al mismo tiempo la existencia de un narrador omnisciente que conoce toda la trama que se va desarrollando a lo largo de la novela, narrado que la cuenta la historia siguiendo la cronología estricta de los hechos, sin dejar que su opinión sea trascendental para el lector, sin interferir en sus sentimientos, dándole libertad para que tome sus propias conclusiones a cerca de los hechos y de los personajes.

vuelta se cruzó con Doña Míramequepompis que aparte de farfullar: ¡Hay que ver con elmosquita-muerta, no me dirigió la palabra.”

A pesar de que la utilización de la primera persona indica que el narrador no conoce la historia en su totalidad, podemos decir que aquí el si conoce gran parte de la historia puesto que habla de un hecho que ya ha sido vivido, de experiencias pasadas que trae al presente. “—¡Nos íbamos a marchar, viendo que no llegabas! ¡Creíamos que eras un cagueta y habías decidido quedarte en casita haciéndole la rosca a tu mujer! –me dijo uno de los Malasombras. De dominio público, que me había casado. Multitud de detalles, algunos de los cuales ni yo mismo me había enterado.”

Sin lugar a dudas “Luz De Luna, La Rusa, Doñamírame Y Miss Boom Boom” es una novela que hay que leer pausadamente, sin perderse cada uno de los acontecimientos que en ella se narran. Para leer esta novela recomiendo reservar una cuantas horas para leerlo del tirón ya que se trata de una magnífica lectura que nos enganchará de principio a fin.

Guillermo López Lacomba nos envuelve en un mundo sobrecogedor, un mundo donde se hace patente la decadencia a la que puede llegar el hombre, para ello utiliza en sus escritos un estilo crudo y sin tapujos. “—¡Vaya que sí! Ayer mismo a una compañera le pusieron el ojo a la funerala y justo el día antes de conocernos un cabrón de mierda me dio dos hostias y me robó lo que había ganado honradamente.” “—No, no quiero. Pero a cambio puedes hacerme un favor. Si la encuentro a ella antes, la enviaré a refugiarse a casa. No estaría de más que te dejaras caer por allí, no sea que se presente de nuevo el hijo puta mientras yo lo ando buscando. ¡Ah y manda recado a Mis Boom Boom, es amiga suya y sabrá consolarla!” Pero es importante señalar que hay un resquicio por donde entra la luz de la esperanza en forma de amor, tema principal. “Una prueba de amor que disiparía sus dudas. Nada de un cursi ramo de flores que pronto se ajan ni un ostentoso anillo de diamantes”

Luz De Luna, La Rusa, Doña mírame Y Miss Boom Boom Guillermo López Lacomba Editorial: Espuela de Plata ISBN-10: 8416034362 ISBN-13: 978-8416034369

Los párrafos son fluidos y dinámicos, haciendo que la narración adquiera un ritmo propi36

Literatura

Il Postino BRUCE SPRINGSTEEN LA VOZ QUE HABLA A LOS AMOS

Por: Giuseppe Quaranta

Bruce Springsteen pasó de ser un chico malo a estar considerado como uno de los mejores músicos. Conocido también por muchos con el nombre de The Boss (El Jefe), ha vendido más de 100 millones de discos y continúa llenando grandes recintos allá donde va, entregado a un directo espectacular.

Bruce Frederick Joseph Springsteen, conocido a secas como Bruce Springsteen, nació el 23 de septiembre de 1949 en Long Branch, New Jersey, aunque la mayor parte de su infancia la pasó en la casa de sus abuelos, en la pequeña localidad de Freehold a mitad de camino entre Nueva York y Filadelfia.

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“Su padre le impartió una educación bastante esmerada, entre Francia e Inglaterra, la llevó siempre con él, en el curso de su cosmopolita vida...”

Su padre, Douglas Frederick Springsteen, de ascendenciairlandesa, había sido conductor de autobuses en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial. A su regreso a Freehold estuvo trabajando de chico para todo, guarda de seguridad o taxista y en largos períodos estuvo desempleado. Su madre, Adele, descendiente de italianos que se fueron a vivir a Estados Unidos, trabajaba como secretaria.

Debido a los problemas económicos que padecían sólo podían dejar al joven Bruce en casa de sus abuelos paternos, en un ambiente no muy adecuado para un niño. Cuando nació la hermana pequeña, Ginny, la casa se les quedó pequeña y tuvieron que trasladarse definitivamente al domicilio de lospadres de Douglas.

“...ha vendido más de 100 millones de discos y continúa llenando grandes recintos allá donde va, entregado a un directo espectacular...”

Bruce inició sus estudios de primaria en la escuela parroquial de St. Rose of lima a instancias de su madre, quien insistió en que el niño tenía que ir a la escuela. La vida de Bruce Springsteen en el colegio católico fue un pequeño infierno. El joven no se adaptaba a la disciplina de las monjas y tampoco a los estudios o los compañeros. Lo que más le gustaba era jugar al béisbol y fantasear imaginando que estaba en sitios diferentes.

Child y Steel Mill Child, el nombre de la nueva banda, comenzó a ofrecer recitales por todo el estado, con grandes éxito entre el público que acudía a sus conciertos. Comenzó a correr la voz de que eran muy buenos músicos y comenzaron a llenar los locales en los que actuaban, incluso conciertos muy concurridos al aire libre.

Interpretaban canciones propias, muchas de ellas compuestas por el propio Bruce Springsteen.

Influenciado por sus nuevos compañeros, Springsteen prosiguió estudios en el Ocean County Community College, donde destacaba especialmente en lengua inglesa y literatura. Pero la trayectoria de Earth sólo duraría hasta 1969. Tras numerosas actuaciones en varias ciudades de Nueva Jersey y ofrecer conciertos en Nueva York Bruce, inquieto y perfeccionista y con ganas de formar un grupo con mayores aspiraciones, conoció al baterista Vince Lopez, con quien conectó desde el primer momento. A ellos se unieron Danny Federici en el organo y el bajista Vinnie Roslin, con quienes ya había interpretado en algunas sesiones en el Upstage Club.

Por aquella época Bruce conoció a una joven universitaria llamada Pamela Bracken, con quiene estuvo saliendo dos años. Por otro lado, los Child supieron que otra banda con el mismo nombre había publicado un disco, así que se veían obligados a cambiar el nombre del grupo. Fue así como surgió Steel Mill.

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“Los temas que componía Bruce tenían un marcado contenido social. Temas contra el catolicismo, canciones contra el horror de la guerra, otras que hablaban de rupturas dolorosas...”

Los temas que componía Bruce tenían un marcado contenido social. Temas contra el catolicismo, canciones contra el horror de la guerra, otras que hablaban de rupturas dolorosas. Las canciones surgían según el estado de ánimo del compositor, pero todas con una enorme fuerza que se veía redoblada cuando cogía la guitarra para interpretarlas. Su ascendencia social, en el seno de una familia muy modesta de trabajadores, también influye definitivamente en los temas que escoge para sus canciones.

una realidad, con Clemons, Lopez, Sancious, Federici y Tallent y era una parte importante de las actuaciones de Bruce Springsteen El nombre de la banda viene del nombre de la calle donde vivía Sancious en Belmar (Nueva Jersey). Allí era donde los músicos se reunían a menudo para ensayar.

THE E STREET BAND Tras las grabaciones Springsteen decidió montar de nuevo una banda para sus actuaciones en directo, pero sin intención de ser parte de ella, usándola solamente como acompañamiento. Así fue como reunió de nuevo a Lopez, Tallent, Federici y elpropioClemons, a quien Bruce había conocido tiempo atrás. De esa manera, aunque las ventas del disco eran muy discretas, el artista y su banda fueron dándose a conocer por medio país en pequeños locales de diferentes ciudades y consiguiendo buenas reseñas en periódicos y radios locales.

Born In The U.S.A. y siguientes trabajos Born In The U.S.A. En 1984 lanza su mayor éxito de ventas: ‘Born In The U.S.A.’ , que permaneció siete semanas seguidas como número uno. En uno de los temas, el que da título al álbum, el Boss critica lasmiserias de su país.

A finales de 1973 la E Street Band ya era

Posteriormente publicó ‘Dancing In The Dark’ 40

y el famoso ‘Live 1975-1985’, un recopilatorio de 5 discos en directo con sus mejores canciones. En 1995 Bruce Springsteen publica ‘The Ghost Of Tom Joad’. Se trata de álbum que recuerda a ‘Nebraska’, al utilizar una técnica parca en arreglos.

tarios del propio artista.

En general, las canciones de Springsteen reflejan letras con aspectos autobiográficos, principalmente sentimientos centrados en Asbury Park o Nueva Jersey, o relatos de personajes ficticios o novelescos que se enfrentan a retos o a puntos de inflexión en susvidas.

También suele incluir preocupaciones económicas, sociales y políticas en composiciones como «Born in the U.S.A.», «American Skin (41 Shots)», «Devils&Dust» y «Jack of AllTrades», entre otras. Ha sido además uno de los artistas más críticos con la política exterior de su país en relación con la invasión y posterior guerra de Irak, y participó en la gira Vote for Change para pedirel voto por John Kerry.

En elaño 2002, publica un nuevo trabajo, titulado ‘The Rising’, primer lanzamiento desde 1984 de un álbum completo de nuevas canciones grabadas con la E. Street Band, y el primer álbum de rock de estudio desde 1992.

El álbum fue producido por Brendan O’Brien y contenía 14 temas nuevos y una versión del tema “My City Of Ruins”.

En 2006, el ‘Boss’ se inspira en la leyenda de Pete Seeger para publicar un nuevo trabajo, titulado “WeShallOvercome - Seeger Sessions”, en el que reivindica la canción protesta y la música folk. Se trata del álbum número 21 en la carrera de Bruce Springsteen y un trabajo muy especial para el artista, en el que demuestra su coherencia, compromiso e independencia. A sus 55 años, Bruce Springsteen recupera la música que marcó su juventud, la más comprometida, la más solidaria, la más popular. El álbum incluye un DVD con 30 minutos de imágenes de la grabación del disco en riguroso directo mezclado con comen-

La trayectoria musical de Springsteen ha sido reconocida con varios premios, incluyendo 20 premios Grammy, dos Globos de Oro y un Óscar, y en 1999, entró en elSalón de la Fama del Rock and Roll. En 2004 la revista Rolling Stone lo situó en el puesto 23 de la lista de los mejores artistas de todos los tiempos,9 y cuatro años más tarde, en la posición 36 de la lista de mejores cantantes de todos los tiempos.

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Santiago de Compostela - Galicia - EspaĂąa

Música

Un Maserati modelo Garzillo en la autopista Carta para un joven pianista Por: Aimé Lambert (Compositor)

ductores tenían también bólidos. Pero ellos corrían más deprisa, demasiado absorto por controlar la velocidad, los ojos clavados en el indicador de velocidad y el cuenta revoluciones. No tenían tiempo de admirar los paisajes.

Espero que tu hagas un buen uso de tu talento, la Fórmula I requiere cualidades de maestro absoluto, un buen análisis de la pista, nervios de acero y una estrategia de carrera a revisar sin cesar durante toda la carrera.

Pier Carmine, en tu cuna se dejaron las llaves de un bonito coche.

Desde que pudiste andar, admirabas el bólido del garaje, y cuando te hiciste más mayor intentabas ponerte al volante imaginando que en unos años tus pies llegarían a los pedales para conducir.

El momento llegó, has dado algunas vueltas por los caminos del gran jardín. Delante de algunos admiradores que veían el bonito coche, pero no al conductor.

Tu mayor deseo era lanzarte rápido por las carretas, y el día llegó y tu pudiste correr. Allí pudiste darte cuenta que otros muchos con-

No olvides que cada carrera es diferente, Monza no es Francochamps ni Mónaco. Y la parrilla de corredores estará siempre allí, atenta al mínimo error por tu parte.

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Tu repertorio, al que pareció tanto como a tus interpretaciones, ha estado, a menudo, en los carteles de los programas de mis recitales, me gustaba particularmente Liszt y Chopin, y para consolarme de las dudas de las interpretaciones, me refugiaba en Senlis, Francia, a veces pour un año, en casa de un maestro, para recibir sus consejos.

en una conocida pedagoga.

El segundo consejo, cada “característica técnica” o “bordado” serán siempre tocados con una gran delicadeza y claridad. Fusión cromática, rasgos virtuosos no significan “al piú presto posible” para borrar la poesía de la interpretación. Sin olvidar la influencia capital de la poesía en la música de Liszt: cada pieza, se rodea de citas evocando musicalmente el poema Schiller, Byron, Lamartine Hugo, etc.

Los principales consejos fueron siempre el correcto análisis de las pulsaciones, modificarlas continuamente para mayor claridad.

Cada mano y su morfología se irá adaptando mejor a las pulsaciones que parecen poco lógicas y nada confortables al principio, pero serán de una gran eficacia para la interpretación de partituras difíciles, consejos similares a los de Marie Jaëll (las “manos muertas” pero los dedos de mango de goma y flexibles) o Alfred Cortot que Georges Cziffra ha tenido la modestia de tratar de satisfacer, por entonces ya era un virtuoso de prestigio internacional.

También el respeto a las indicaciones de interpretación del compositor.

El tercer consejo: aire, aire, respiración, entre cada compás diferente “un poco de silencio hace la música” decía Beethoven.

No dudo que tienes excelentes profesores que intenta controlar tu hoguera, la juventud tiene excusas, el futuro gran intérprete no será posible sin el reconocimiento de los maestros que saben más que tú, y cada día el cielo bendecirá la suerte de poseer un don excepcional que tus profesores desarrollan pacientemente.

Serás un buen intérprete, no lo dudo Si tu forma de tocar continua en esta línea y en 10 o 15 años revisando el artículo tienes sugerencias más importantes que proponer.

En las partituras de Chopin, Camille O’MearaDebois, pianista de origen irlandés, alumna de Chopin, marcó a lápiz todas las indicaciones dadas por el compositor para que fueran olvidadas.

La virtuosidad pura no impresiona al conocedor, sabe todos los trucos de la interpretación que el público olvida, pero lo impresionarás si tocas una obra conocida aportando algo nuevo en la interpretación et dónde el profesional no había pensado descubrir algo nuevo y original. Esto es lo que yo encuentro a veces en tus interpretaciones de Liszt.

Por ejemplo, el estudio llamado “Revolucionario”. Con la mano izquierda, al principio y seguido, en el estudio se indica “crescendo, decrescendo” nada fácil de lograr a gran velocidad, pero posible después de muchos ensayos y trabajo. Escucha a Adam Harasiewicz, este pianista polaco especialista en la obra de Chopin para convencerse.

Cada pianista tiene concibe las obras a su manera y toca con su temperamento. Es el público quien tiene la última palabra.

Voilà, mi joven amigo, creo haberte alentado y será siempre un placer escucharte. Entre nosotros… a tu edad yo tocaba como tú. No me importaban los críticos musicales.

Cada detalle cuenta y los más grandes pianistas repiten incansablemente el repertorio, mejorando y descubriendo siempre pequeños detalles que se habían pasado por algo.

Una pequeña historia. En el mes de marzo de 1847, en los salones de Doña Courbonne, Chopin interpreto con su joven alumna de 19 años, Camille O’Meara, la versión para piano de su concierto en mi menor. Alumna del Maestro durante cuatro años, Camille revela sus cualidades excepcionales de interpretación, la riqueza de sus dones. Ella se convirtió

Toda mi más sincera estima, ánimos y felicitaciones por tu talento.

A todos los jóvenes músicos de tu generación.

Aime Lambert, músico y compositor.

Traducido por: Claudio Casares 45

Música

Acerca del manido y ambiguo concepto de interpretar música

‘con honestidad’ Por: Agustín Barahona (Compositor)

«Aquellos profesores de música que recomiendan el interpretarla con honestidad pueden estar refiriéndose a hacerlo decente o decorosamente, recatada o pudorosamente, razonable o justamente, proba, recta u hon-

radamente. Es decir, puede significar tantas cosas distintas, de límites mezclados y ambiguas que es como el pedir respeto para lo que uno dice en sociedad, o sea, un comodín para lograr que te dejen hacer lo que tú quieras sin 46

tener que dar explicaciones o para que lo que tú quieras hacer puedas convertirlo en norma sin justificación alguna y cuando te convenga.

notación en la partitura de modo que el resultado sea coherente. Es decir, una interpretación resultante en una única obra con un estilo y procedimiento únicos de decodificación y comunicación, presentes en todas sus partes, y un claro y único sentido –de todos los posibles significados de la obra–, todos ellos derivados de la voluntad del compositor plasmada en la partitura. En pocas palabras, hay que interpretar no con honestidad sino con inteligencia, coherencia y fidelidad a lo escrito por el compositor, que es mucho más que con honestidad y muchísimo más claro y concreto.

Pero incluso suponiendo que el concepto de honestidad de quienes la piden en la interpretación musical tuviera en sinonimia todas esas acepciones posibles, en referencia a la última, el interpretar honradamente, sólo podría significar o bien hacerlo con honra, lo cual nos lleva a referir el hacerlo con estima y respeto de la dignidad propia –nuevo comodín, pues no puede saberse cuál de todos los posibles acepciones y sentidos es a lo que con eso se referirían en relación a la interpretación musical– o bien con rectitud de ánimo o integridad en el obrar –lo que nos retrotrae de nuevo a la ambigua interpretación recta, proba e intachable–.

¿No sería más fácil explicar esto que referir entelequias anfibológicas, sinonímicas y ambiguas que permitan después hacer significar a conveniencia lo que al profesor le dé la gana que signifique en ese instante? Eso es proceder con cualquier cosa menos con honestidad.»

Por todo ello, lo único a lo que pueden estar refiriéndose quienes piden interpretaciones musicales honestas es a seguir las posibilidades que el compositor instruyó mediante la

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Entrevista

José Zárate la música como expresión del alma Por: Inma J. Ferrero

te como músico y compositor, así que en esta nos vamos a centrar en descubrir tu música ¿Cada una de tus composiciones son el resultado de «una inspiración súbita?

En esta ocasión nos acompaña el músico y compositor español José Zárate, el cual a tenido la gentileza de responder a estas preguntas para la revista.

R.P: He pensado que la mayoría de las entrevistas que te han hecho habrán sido sobre todo para descubrir-

J.Z: No creo en la inspiración, pero sí creo en el trabajo, la constancia, la experiencia y 48

te tiempo para encontrar lo que buscas?

la emoción, entre otras muchas cosas, claro.

Pienso que las ideas son producto de la reflexión y las circunstancias aprendidas. Existe la casualidad, pero en mi trabajo, absolutamente creativo, asumo y valoro más la causalidad.

J.Z: Considero que el proceso de creación no es instantáneo sino producto del trabajo constante e intenso. El tiempo que empleo en cada obra es impredecible, aunque me considero compositor de escritura rápida.

R.P: ¿Trabajas varias composiciones al mismo tiempo?

R.P: En tu trabajo, ¿sigues un sistema compositivo definido, o por el contrario, te dejas llevar por tu inspiración?

J.Z: Como creador, me considero un artesano: tengo en mi “taller” diferentes proyectos de obras, algunos comenzados, otros esbozados, otros en periodo de “maceración”. Trabajar componiendo es lo que me hace crear.

J.Z: No sigo ningún sistema predeterminado; asumo todos los recursos musicales posibles (color armónico tonal o no tonal, tímbrica, alturas, rítmica, agógicas, etc.) como elementos que formarán los discursos que pretenda plasmar en el texto musical. Todos estos recursos están a mi servicio como creador, no yo a ellos. Como un pintor, en mi “paleta de creador” hay multitud de herramientas, soportes, estructuras, secuencias expresivas, tonalidades, no tonalidades, infinitud de procesos y recursos que están a mi servicio para que los utilice como considere oportuno (o como sea capaz de utilizarlos).

R.P: ¿Cómo te preparas para trabajar?

J.Z: No tengo una preparación especial para escribir. Aunque, como antes he comentado, me gusta estar cerca de “mi taller”. Eso sí: necesito el máximo de silencio ambiental y mucha luz natural. Soy mediterráneo; necesito el sol para vivir. Me cuesta mucho escribir por la noche, y eso que muchas de mis obras tienen a la noche o lo nocturno como un hecho fundamental. Ejemplos están obras como

R.P: ¿Prefieres componer música para orquesta, música de cámara o para un instrumento solista?

J.Z: Cada formato instrumental tiene su peculiaridad e idiosincrasia. Mis preferencias son siempre ofrecer un texto poético que sea capaz de transmitir emoción a aquel que la declame, en este caso, un músico que conozca y domine un objeto llamado instrumento musical. Me considero un dramaturgo: escribo para que otros declamen lo que he escrito, vivan, sientan, se emocionen con mis propuestas creativas. Como buen dramaturgo, compongo para que los actores sientan y emocionen, y con ello, nos hagan sentir y emocionarnos a aquellos que les contemplamos y escuchamos.

R.P: Tu música tiene diversidad de contrastes. ¿Música tonal o Música atonal?

“No tengo una preparación especial para escribir. Aunque, como antes he comentado, me gusta estar cerca de “mi taller”...”

Nocturnos de Barataria, Cuatro nocturnos o Cantos negros, todas para piano solo; u obras como Trois nocturnes par la mort de Dieu, para barítono solo, Nocturne of red water, para orquesta sinfónica, Bagatella di notte, para mezzosoprano solo, o Gabon, para orquesta de cuerda. Buena parte de mi producción orquestal está editada por la prestigiosa editorial Music Sales Classical (http://www. musicsalesclassical.com/composer/long-bio/ Jos%C3%A9-Z%C3%A1rate), la cual protege y difunde la música clásica actual.

J.Z: Sólo prefiero la música, pues son los discursos expresivos los que deben tener la ca-

R.P: A la hora de componer, ¿escribes con rapidez, o necesitas bastan49

“Yo sigo buscando como el primer día, sigo investigando y experimentando nuevas ideas...”

con su declamación musical.

R.P: Tus obras son meditativas que asumen un constante viaje. ¿Te consideras un compositor inquieto a la busca de nuevos lenguajes?

J.Z: Siempre estamos viajando, en lo material y quizá en lo inmaterial. Nuestra vida es un viaje en el tiempo, en el espacio, y en nuestras experiencias. Yo sigo buscando como el primer día, sigo investigando y experimentando nuevas ideas y concepciones interpretativas con la misma pasión que lo hacía 20 años atrás. Aunque, como es lógico, los años son experiencia y aprendizaje.

pacidad de transmitir la emoción. La tonalidad o no tonalidad son dos de los recursos que como compositor tengo para crear mis discursos expresivos.

Es más: aunque conciba mi música para un objeto concreto, llamémosle instrumento musical, mi pretensión como dramaturgo es acercarme al pensamiento y mentalidad de aquel que domina dicho objeto, pues será él como declamador y actor del texto poético musical, a través de dicho instrumento, quien transmitirá su emoción a los que le escuchen, empezando por él mismo.

Siempre me gusta decir que más que escribir para piano o violín por ejemplo, escribo para el pianista o el violinista, aquel que conoce el medio sonoro para transmitir sus emociones

Una fotografía o un vídeo de mí realizado hace 20 años muestra a una persona 20 años más joven, pero sigue siendo la misma persona. Nunca rehuiría de dicho documento por el hecho de mostrar tal y como era yo hace 20 años. Evidentemente, hay cosas que quizá no me gusten, pero las asumo como producto de mi pasado. Quien no respeta su pasado, no respetará su futuro.

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Mi música es fruto de mí como creador, como músico y como persona. La respeto toda, y me identifico con cada una de mis obras, sean fechadas hace 20 años o ayer mismo.

Coherencia y consecuencia: coherente con las ideas creadas, y consecuente de las mismas.

mentales en mi pretensión de concebir un texto poético que sea capaz de ser “cantado” por ellos.

Aunque confieso cierta debilidad por obras como Ioseph ab Arimathia (José de Arimatea), para actor y orquesta sinfónica o Alonso de Quijada, para orquesta sinfónica especialmente por su fuerza declamativa y emotiva; Viola Concerto, para viola y orquesta, Violinesca, para violín y orquesta o Concierto, para piano y orquesta de cámara por sus dialécticas concertantes; o casi toda mi música coral, aunque destaque Lamentatio quarta o Dos nanas para un Niño Dios ambas para coro mixto a capella; y como decía antes, prácticamente toda mi producción concebida para piano, como Cantos negros, los siete cuadernos de la obra Il bosco di Giarianno o los diversos Nocturnos para piano solo.

R.P: ¿Qué piensas de los compositores españoles actuales?

J.Z: Me atrevo a decir que desde mediados del siglo XX hasta la actualidad, la Música Española está viviendo su etapa más prolífica de toda su Historia con un nivel de excelencia absolutamente extraordinaria, con permiso del gran siglo XVI. R.P: ¿Crees que la música española “contemporánea” es reconocida por su valor en España y en el extranjero?

En verdad, me es difícil no tener debilidad por cualquiera de mis obras; me siento como un padre que quiere a todos su hijos...

Como comentaba anteriormente, la Música Española vive su mejor etapa (y lo que aún le queda por mejorar y desarrollarse). Su reconocimiento ya está consolidado en los ámbitos musicales internacionales, aunque, como en muchas cosas, aún nos queda por trabajar.

R.P: ¿Nos podrías comentar tus próximos proyectos de estreno de obras o grabaciones discográficas?

La música clásica no tiene la repercusión mediática que debería tener España, pero su desarrollo ha sido magnífico en los últimos 40 años. Y la acogida por parte del público irá creciendo, quizá lentamente, pero no tengo duda que siempre en aumento.

R.P: ¿Qué consejos les darías a los jóvenes músicos y compositores?

Que sientan y se emocionen, y que quieran hacer sentir y emocionar a aquellos que se acerquen a sus textos poéticos musicales.

R.P: ¿Tienes en tu producción musical alguna obra especialmente preferida, y si es así, nos interesaría mucho saber por qué?

J.Z: Difícil respuesta. Mi condición de pianista hace que mi música creada para piano esté muy cercana a mí como músico, aunque todos los instrumentos musicales son funda51

“La música clásica no tiene la repercusión mediática que debería tener España...”

Este 2017 viene cargado de estrenos y presentaciones de producciones discográficas.

Un año que, además, espero sea igualmente prolífico en nuevas obras. En primer lugar, por febrero o marzo saldrá al mercado un CD con el sello discográfico SONY CLASSICAL con la grabación de cinco obras para orquesta sinfónica: Alonso de Quijada, Concierto breve para orquesta, Nocturne of red water, Viola concerto y Cinco piezas breves. Dicho registro ha sido realizado por la Orquesta Sinfónica de Extremadura bajo la dirección de su director titular Álvaro Albiach, siendo la viola solista la internacionalmente reconocida Isabel Villanueva. Unos intérpretes (director, solista y orquesta) de un nivel excelente.

dos de mis obras para violín solo: Canto para violín nº1 y nº2, ésta última en estreno absoluto.

En estos momentos podemos destacar que a lo largo del año se irán estrenando piezas como Berceuse et noir, para dos claves por el prestigioso dúo L´entretien des clavecin, con su grabación para un CD con obras históricas y nuevas para dicha formación instrumental; una obra para clarinete, violín, viola y violoncello a solicitud de un grupo de cámara asentado en Extremadura para una gira nacional e internacional; el estreno por la República Checa y Alemania de una pieza para violoncello y piano por Elena Nezhdanova.

Continuando la promoción de un CD para piano, “Nocturnos y Cantos negros” interpretado por Javier Cembellín y publicado por Several records (https://www.amazon.es/ Nocturnos-Cantos-Negros-Obras-Piano/dp/ B00BMMGXD8), en abril, el violinista Alejandro Bustamante grabará un CD para el sello IBS CLASSICAL donde registrará, entre otras,

Y seguir agradeciendo a todos los intérpretes

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Quiero agradecer muy sinceramente a la revista Proverso su interés por mi música, y dar mi más sincera felicitación por su trabajo en la difusión de las Artes. Gracias.

COMPOSICIONES: MUSICA ESCÉNICA Ioseph ab Arimathia / Monodram in 7 scenes for actor & symphonic orchestra CONCIERTOS Concierto / Piano & chamber orchestra Concierto de San Fernando / Guitar & chamber orchestra Violinesca / Violin & symphonic orchestra Viola concerto / Viola & symphonic orchestra)

que programan mi música en sus conciertos, destacando obras para piano solo realizadas por Marta Espinós, Eduardo Fernández, Carolin Danner, Marianna Prjevalskaya, Eusebio Fernández (entre otros), obras de cámara, de coro, u obras orquestales, deseando que este año se produzca el estreno de una de mis obras más queridas: Violinesca, para violín y orquesta sinfónica.

MÚSICA SINFÓNICA Alonso de Quijada / Symphonic orchestra Nocturne of red water / Symphonic orchestra Concierto breve para orquesta / Symphonic orchestra

R.P: Por último: ¿En qué obras estás trabajando en estos momentos?

ORQUESTA DE CUERDA

En este final de otoño de 2016 he terminado obras como Nana roja, para cuarteto de cuerda, cuyo estreno se ha producido el 30 de diciembre de 2016 dentro del XVII Concierto de Navidad del Auditorio de Murcia; o Canto para violín nº2, para violín solo, obra que estrenará en breve Alejandro Bustamante. También piezas como Berceuse et noir, para dos claves, o la finalización de una de mis obras para piano solo más ambiciosa como son las 12 piezas que componen Cantos negros para piano solo, una obra que abarca de 2006 a 2016.

Gabon / String orchestra Sanchesca / String orchestra Cinco piezas breves / String orchestra VOCAL MUSIC Ego flos campi (Vulgata) / Choir mixte Zacharias (Vulgata) / Choir mixte Lamentatio quarta (Vulgata) / Choir mixte Cantus solitudinis / Choir mixte Dos nanas para un Niño Dios / Choir mixte Introitus / Children choir Trois nocturnes par la mort de Dieu / Baritone solo

Y en estos momentos, sigo trabajando en obras de cámara para violoncello y piano o para pequeños grupos de cámara, una obra para saxofón solo, una revisión de mi obra Concierto de San Fernando, para guitarra y orquesta de cámara, y varias obras orquestales, algunas concertantes como el Concierto nº2 para piano y orquesta, o una obra para actriz y grupo orquestal. Proyectos todos ellos aún esbozados pero ciertamente desarrollados.

MÚSICA DE CÁMARA Cahier d´Amiens / Flute & guitar La casa roja / Reading, G flute, violin, violoncello & piano Seis interludios escénicos / String quartet Five little pieces / G flute, clarinet, violin & violoncello 53

INSTRUMENTOS

Nana roja / String quartet Kamarazene I / Flute, Bb clarinet, guitar, violin, viola & violoncello Kamarazene II / Flute, oboe, Bb clarinet, violin, viola, violoncello & double bass Kamarazene III / Flute, oboe, Bb clarinet, violin, viola & violoncello Kamarazene IV / Violin, violoncello & piano Kamarazene V / Flute, Bb clarinet, violin, viola, violoncello & piano Kamarazene VI “Canto amado” / Soprano, Bb clarinet & piano

Tres piezas / Recorder Trois bagatelles de nuit / Guitar Cançó de Bressol / Vibraphone Canto para violín / Violin solo Canto para clarinete / Clarinet en Bb solo Piccolo pezzo nero / Guitar solo Canto azzurro / Viola solo Canto breve / Bass clarinet en B b solo Canto para Violoncello nº1 / Violoncello solo Canto para Violoncello nº2 / Violoncello solo Canto para Violoncello nº3 “Canción de cuna para una estrella olvidada” /Violoncello solo

MÚSICA PARA PIANO Nocturno / Piano Castilla / Piano - Firts book (1996) - Second book (1997) Pequeños Nocturnos / Piano Il bosco di Giarianno / Piano (1997-2000) Nocturnos de Barataria / Piano Cuatro nocturnos / Piano Cantos negros (12 pieces for piano) / Piano solo (2006-2016) Trois petites berceuses pour une chambre étoilée / Piano solo

Web: www.josezarate.es

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C/ Sagasta, 6 23400 Úbeda - Jaén (+34) 953757216 editorial@didacbook.com http://www.didacbook.com

Pintura

EL GRECO MAESTRO DE LA ABSTRACCIÓN Por: Isabel Rezmo

Este mes PROVERSO se acerca en el mundo de la pintura a una que hasta comienzo del siglo XIX no se le dio su relevancia e importancia; fecha en que los modernistas y la generación del 98 se interesaron por él y por su obra.

vanguardias del siglo xx.

VIDA EN ITALIA. SU VIAJE A ESPAÑA. Pintor español de origen griego. Nacido en la capital de la isla de Creta, territorio de la República de Venecia, en el seno de una familia griega, pero probablemente de religión católica más que ortodoxa, y cuyos miembros trabajaban como colaboradores del poder colonial, se formó como pintor de iconos siguiendo los dictados de la tradición artística tardo bizantina, y asimilando parcialmente -gracias al uso de grabados italianos- algunas de las fórmulas del renacimiento italiano. En 1563 era ya maestro de pintura y en 1566 solicitaba permiso para que se le tasara un icono de la Pasión, para poder venderlo en lotería;

Doménikos Theotokópoulos, en griego Δομήνικος Θεοτοκόπουλος (Candía, 1541-Toledo, 1614), conocido como el Greco («el griego») Su conocimiento lo inició Francisco San Román que estuvo en contacto con la Institución de Libre Enseñanza, donde el estudio del arte español y realizado en España fue uno de los pilares de su planteamiento historiográfico.

Maestro universal adelantado a la abstracción pictórica que influyo notablemente en las 56

en 1567 pasó a Venecia, donde residió hasta 1570 y donde, más que ser discípulo de Tiziano, pudo aprender su estilo desde fuera de su taller ; en la ciudad de la laguna se afianzó lentamente en el dominio del arte occidental del renacimiento véneto, en su empleo del color, la perspectiva, la anatomía y la técnica del óleo, aunque no abandonara por completo sus usos tradicionales. Tras un viaje de estudios por Italia (Padua, Vicenza, Verona, Parma, Florencia), se instaló en Roma, donde permaneció hasta 1576-1577, en contacto con el círculo intelectual del cardenal Alejandro Farnesio.

Se desconoce las razones -es hipótesis su interés por entrar al servicio de Felipe II, con ocasión de la obra decorativa del monasterio de El Escorial- de su viaje a España, donde se encontraba ya en la primavera de 1577, en Madrid y luego en Toledo, donde contrataría con la catedral y el monasterio de Santo Domingo el Antiguo los primeros lienzos aquí documentados, El Expolio para aquélla y tres retablos para éste, de los que dos lienzos se conservan en el Prado. Consigo trajo, y con él vivió hasta su muerte, a un joven ayudan-

los aristócratas como por los eclesiásticos toledanos. No es de extrañar, por tanto, que su obra sea extraordinariamente fecunda.

Faltándole el favor real, el Greco decidió permanecer en Toledo, donde había sido recibido en 1577 como un gran pintor.

“...era ya un pintor solicitadísimo tanto por los aristócratas como por los eclesiásticos toledanos...“

El 12 de marzo de 1586 obtuvo el encargo de El entierro del conde de Orgaz, hoy su obra más conocida. El cuadro, realizado para la iglesia de Santo Tomé en Toledo, se encuentra todavía en su lugar. Muestra el sepelio de un noble toledano en 1323, que según una leyenda local fue enterrado por los santos Esteban y Agustín. El pintor representó en la comitiva de forma anacrónica a personajes locales de su tiempo, incluyendo también a su hijo. En la parte superior, el alma del muerto asciende al cielo, densamente poblado de ángeles y de santos. El entierro del conde de Orgaz muestra ya su característica elongación longitudinal de las figuras, así como el horror vacui (miedo al vacío), aspectos que se harían cada vez más acusados a medida que el Greco envejecía. Estos rasgos provenían del manierismo, y persistieron en el trabajo del Greco aunque habían sido abandonados por la pintura internacional algunos años antes.

te italiano, Francisco Prevoste; en 1578 nació su hijo Jorge Manuel Theotocópuli (la forma italianizada de su apellido que usaron en España), fruto de unas relaciones efímeras con Jerónima de las Cuevas, mujer que procedía del medio artesanal toledano. Desde esta fecha, Dominico «El Griego» reside en Toledo.

Llevaba diez años en Toledo cuando Felipe II le encomendó una obra para el monasterio de El Escorial; pero El martirio de san Mauricio no gustó al soberano español, quien ya nunca volvió a contar con el artista.

Ello supuso una decepción enorme para El Greco, ya que aspiraba a convertirse en pintor de corte, pero no entorpeció su carrera, puesto que era ya un pintor solicitadísimo tanto por 57

“...fue una voz respetada y un hombre celebrado, convirtiéndose en un artista incuestionablemente español....“ e ideas excéntricos, tremenda determinación, extraordinaria reticencia y extrema devoción». Por estas u otras características, fue una voz respetada y un hombre celebrado, convirtiéndose en un artista incuestionablemente español. Fray Hortensio Félix Paravicino, predicador y poeta del siglo XVII español, escribió de él, en un conocido soneto: «Creta le dio la vida, y los pinceles / Toledo mejor patria, donde empieza / a lograr con la muerte eternidades».

OBRA En su formación inicialmente se vio influenciado por dos corrientes antagónicas que trataban de imponerse: los que defendían a MiguelÁngel y la concepción del dibujo como elemento primordial en el arte, y los que defendían a Tiziano como artista del color. En el Greco su pintura no fue fruto de visiones espirituales o reacciones emocionales, sino que trataba de crear un arte artificial y antinaturalista.

Pero su aprendizaje veneciano tuvo también importantes consecuencias en su concepción del arte. Así, los artistas venecianos habían desarrollado una forma de pintar claramente diferente: la riqueza y variedad del color, la preponderancia del naturalismo frente al dibujo y la manipulación del pigmento como recurso expresivo. Los venecianos, en contraste con el pulido acabado de los romanos, modelaban las figuras y objetos con una técnica como de apunte, abocetada, que conseguía una gran profundidad y brillantez en los colores.

El 7 de abril de 1614 falleció con 73 años, siendo enterrado en Santo Domingo el Antiguo. Unos días después, Jorge Manuel realizó un primer inventario de los pocos bienes de su padre, incluyendo las obras terminadas y en ejecución que se hallaban en el taller.

Posteriormente, con motivo de su segundo matrimonio en 1621, Jorge Manuel realizó un segundo inventario donde se incluyeron obras no registradas en el primero. El panteón debió ser trasladado antes de 1619 a San Torcuato, debido a una disputa con las monjas de Santo Domingo, y fue destruido al demolerse la iglesia en el siglo xix.

La pincelada del Greco también estuvo muy influida por el apunte. Retocaba sus pinturas una y otra vez hasta conseguir un acabado aparentemente espontáneo, como de apunte, que para él significaba virtuosismo. Sus cuadros presentan una multitud de pinceladas no fundidas en superficie, lo que los observa-

Su vida, llena de orgullo e independencia, siempre tendió al afianzamiento de su particular y extraño estilo, evitando las imitaciones.

Coleccionó volúmenes valiosos, que formaron una maravillosa biblioteca. Un contemporáneo lo definió como un «hombre de hábitos 58

dores de entonces, como Pacheco, llamaron crueles borrones. Pero no sólo empleó la paleta de colores veneciana y sus tonalidades ricas y saturadas; también usaba los estridentes y arbitrarios colores que gustaban a los pintores de la maniera, amarillos verdes chillones, rojos anaranjados y grises azulados.

La admiración que sentía por las técnicas venecianas la expresó de la siguiente forma en uno de sus escritos: «La imitación de los colores la tengo yo por la mayor dificultad...».

Siempre se ha reconocido que el Greco superó esta dificultad.

En España evolucionó a un estilo muy dramático, propio y original, intensificando sistemáticamente los elementos artificiales e irreales: cabezas pequeñas descansando en cuerpos cada vez más largos; la luz cada vez más fuerte y estridente, blanqueando los colores de los ropajes, y un espacio poco profundo con superpoblación de figuras, que dan la sensación de una superficie plana. En sus últimos quince años, el Greco llevó la abstracción de su estilo hasta límites insospechados. Sus últimas obras tienen una intensidad extraordinaria, hasta el punto que algunos estudiosos buscaron razones religiosas, asignándole el papel de visionario y místico. Sus obras tienen un fuerte impacto emocional consiguiendo algo mjuy importante en la pintura religiosa. Inspira emoción y también reflexión. Su dramática y, a veces, teatral presentación de los asuntos y figuras eran vivos recordatorios de las glorias del Señor, de la Virgen y de sus santos.

último tercio del siglo XIX y a lo largo de buena parte del XX. Tras la fascinación ejercida por Velázquez entre los pintores realistas, el Greco, entonces muy poco conocido, atrajo a los artistas más renovadores, como Manet y Cézanne. También interesó a los pintores españoles, entre ellos Zuloaga, que poseyó La visión de san Juan (Nueva York, MetropolitanMuseum of Art), obra decisiva en el nacimiento mismo del cubismo por su influencia sobre Picasso, para quien el Greco fue el maestro antiguo más relevante. Tuvo además un gran peso en la difusión del cubismo, a través del orfismo de Delaunay, y de las obras de Derain, Modigliani, Rivera y la vanguardia checa.

Además de haber influido a los pintores centroeuropeos, el Greco fue una referencia para otras vías expresivas de la pintura.

El Laocoonte influyó al holandés Korteweg, pero también los paisajes toledanos del Greco, sirvieron como punto de referencia para la interpretación de numerosos artistas que viajaron a Toledo. Entre ellos estuvieron los mencionados Diego Rivera, en su etapa influida por el cubismo, Ignacio Zuloaga, que pintó varios paisajes de Toledo, y David Bomberg

El arte del Greco fue una síntesis entre Venecia y Roma, entre el color y el dibujo, entre el naturalismo y la abstracción. Consiguió un estilo propio.

EL GRECO Y LA PINTURA MODERNA El redescubrimiento del Greco tuvo gran importancia para el desarrollo de la pintura en el

“Retocaba sus pinturas una y otra vez hasta conseguir un acabado aparentemente espontáneo...“ 59

presionismo abstracto en los Estados Unidos de Norteamérica.

Allí se formaron colecciones que incorporaron obras importantes del Greco, como La Expulsión de los mercaderes del templo (Nueva York, TheFrickCollection), La Resurrección y La visión de san Juan. Del lado del precisionismo, influido por el poscubismo, Charles Demuth realizó un homenaje al artista. Thomas H. Benton, que había visto sus obras en París, copió varias pinturas suyas con un método que transmitió a Jackson Pollock, su alumno, a quien el Greco fue el maestro antiguo que más le interesó.

En la obra de Francis Bacon los escorzos de algunas de sus figuras, como la de Mujer tumbada, se relacionan con el del soldado en primer plano en la Resurrección del Prado.

Alberto Giacometti, muy interesado en el arte del pasado, copió varias obras del Greco, entre ellas la Dama del Armiño, y se valió en sus figuras de la morfología de sus retratos, que influyeron también intensamente en las imágenes de Antonio Saura. Finalmente, la última obra de Picasso se sirvió de nuevo del Greco a través de los dos cuadros más importantes para él, El Entierro del señor de Orgaz, fuente de su obra gráfica, y El Caballero de la mano en el pecho, origen de la iconografía de no pocos de sus mosqueteros. A través de estas imágenes celebró al final de sus días la pintura de un modo franco y expresivo, precursor de los neoexpresionismos.

(lo expresó a través de la iconografía del Greco “Cristo abrazado a la Cruz”) en su cuadro Escucha oh Israel. Esa concepción del paisaje influyó, a su vez, sobre las vistas que ChaïmSoutine pintó en Céret. Tanto este artista como Marc Chagall, pintores eslavos de origen judío que desarrollaron su obra en una órbita cercana al cubismo, se sintieron muy atraídos por la pintura del Greco.

A la vez, el Greco ejerció su ascendencia sobre otros artistas, como Henry Moore, inspirado por La visión de San Juan y, en especial, sobre el surrealismo, cuya valoración del “modelo interior” y de la “belleza convulsa” propiciaba esa recepción de su obra. Así ocurre en las obras de pintores como óscar Domínguez y André Masson.

Los artistas americanos del siglo XX vieron en el Greco el ejemplo estimulante de una personalidad formada, como ellos, en varias culturas diferentes. En México le admiraron los artistas del muralismo, no solo Rivera,, sino también Orozco. El chileno Roberto Matta, que conoció la obra del Greco en España, estuvo influido por él en sus pinturas de finales de los años treinta y principios de los cuarenta, que fueron relevantes en la génesis del ex60

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“Ni siquiera con una flor!”

- Primer DrabbleContest#1 de “Tierra de Guido Cavani” -

Por: Elisabetta Bagli

El Premio Internacional de Literatura “Terra di Guido Cavani”, que cuenta conla colaboración de la Asociación socio- cultural “Il mondo delloscrittore”, de la asociación socio- cultural GSCR Pazzano y de PassioneLettura, en su tercera edición, en la sección de relatos (A)

hace hincapié en el universo de las mujeres.

Dentro de este tema, por desgracia, es de gran actualidad el abuso y la violencia que a menudo conducen al feminicidio. Nunca es demasiado tarde para reafirmar ciertos conceptos que son la base de unavida dig62

na en una sociedad como la nuestra. Sobre todo, siempre es necesario escuchar la voz de las personas para tomarconciencia deun fenómeno negativo que ha invadido nuestra vida cotidiana. El 25 de noviembre de 1999 la Asamblea General de las Naciones Unidas hizo oficial la fecha elegida por algunos activistas de América Latina para el “Día Internacional para la Eliminación de la Violencia contra la Mujer”. Se eligió esta fecha en memoria del brutal asesinato en 1960 de las tres hermanas Mirabal, consideradas ejemplo de mujeres revolucionarias,debido al compromiso conque trataron de luchar contra el régimen de Trujillo en la República Dominicana.

Vestita di bianco, avviluppata da nuove promesse.

Chiudo gli occhi e penso a quelle spalle forti, a tutte le mie risate.

Mi rifugio nei ricordi, immobile, sfiancata dal mio stesso respiro.

Una mano pesante fa sbattere la porta.

L’ombra si allunga su di me, inghiotte quel che ero. Che sono.

Figlia, sorella. Nessuno.

PROMESAS TRAICIONADAS (R. Vera) Criada por un hombre que me ha llevado a hombros.

Era una muñeca en manos de mi madre.

Mimada por mis hermanos que me han protegido.

Mi vida ha sido un capullo.

En otro lugar, diferentes realidades, yo nunca las habría vivido.

Hija del amor. Criada en el amor. Convencida por amor.

Vestida de blanco, envuelta en nuevas promesas.

Cierro los ojos y pienso en esos hombros fuertes, en todas mis risas.

Me refugio en los recuerdos, inmóvil, cansada de mi propia respiración.

Una pesada mano cierra de golpe la puerta.

La sombra se alarga sobre mí, se traga lo que era. Lo que soy.

Hija, hermana. Nadie.

En su memoria y en la memoria de todas las mujeres que han perdido sus vidas a causa dela violencia o que sufren abuso físico y/o psicológico, Terra di Guido Cavani ha querido dedicar el DrabbleContest#1 a este tema de gran actualidad. Por este motivo ha tenido lugar la colaboración de dos revistas culturales “ProVerso” de Madrid y “La Luna” de Palagano (Italia) en las que se publicarán en versión bilingüe (italiano/español) los tres textos ganadores. La valoraciónde estos textos se realizó por un jurado de expertos compuesto por: Aurelio Andriani, MariaBiasi, Simona Burgio, MariaGraziaCaporali, MariateresaFerrario, IsabellaFocolini, Olga Gnecchi, Valentina Meana, Luisa Munari.

Los tres ganadores, por orden alfabético, fueron: “Cinco pétalos” de Giovanna Avignoni, “Promesas traicionadas” de R.Vera y “Florecida” de Renata Morbidelli.

POEMAS DE LOS GANADORES DEL CERTAMEN PROMESSE TRADITE (R. Vera) Cresciuta da un uomo che mi ha portata sulle spalle.

Bambola nelle mani di mia madre.

Viziata dai miei fratelli che mi hanno protetta.

Un bozzolo è stata la mia vita.

Altrove realtà differenti, io non le avrei mai vissute.

Figlia dell’amore. Cresciuta nell’amore. Convinta dall’amore.

63

Arrancó el primero, el de la virginidad, ennegreciendo un corazón de niña.

Arrancó el segundo, porque me quería mujer, pero la pasión se trasmutó en rabia ciega.

Con el tercer pétalo mató a mi fertilidad y el deseo de ser madre.

El cuarto pétalo, el penúltimo, se convirtió en su único objetivo: verme marchitar en sus brazos codiciosos.

Yo tenía el quinto pétalo entre los dedos, cuando me encontraron moribunda.

Apretado entre el pulgar y el índice mientras llamaba por teléfono a mis padres, con un hilo de voz.

Fue el último pétalo, el de la vida.

Traduzione di Elisabetta Bagli CINQUE PETALI (Giovanna Avignoni) Mi regalò un fiore a cinque petali e fuggii con lui.

Staccò il primo, quello della verginità, annerendo un cuore di bambina.

Strappò il secondo, perché mi voleva donna, ma la passione si tramutò in furia cieca.

Con il terzo petalo uccise la mia fecondità e la brama di essere madre.

Il quarto petalo, il penultimo, divenne il suo unico obiettivo: vedermi appassire tra le sue braccia ingorde.

Avevo il quinto petalo tra le dita, quando mi trovarono moribonda.

Stretto tra pollice e indice mentre telefonavo ai miei, con un fil di voce.

Era l’ultimo petalo, quello della vita.

Traduzione di Elisabetta Bagli SBOCCIATA (Renata Morbidelli)

CINCO PÉTALOS (Giovanna Avignoni)

Ho dissodato, con fatica, le zolle della

Me dio una flor con cinco pétalos y hui con él.

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FLORECIDA (Renata Morbidelli) He arado, con dificultad, los terrones de mi alma para hacer de una pradera salvaje un jardín.

Con tenacidad y paciencia, he plantado en mi corazón la semilla del amor propio.

He dejado que las lágrimas, finalmente rodasen libremente, que lavasen el dolor y regasen mi flor.

Permití que cada una de mi sonrisas irradiase en mi corazón para llenarlo de luz.

Ahora no tengo miedo de ser pisoteada ni por insultos ni por opiniones.

Ahora mi alma es libre, ha renacido, florecido.

mia anima per fare di un prato incolto un giardino.

Con tenacia e pazienza, ho piantato nel mio cuore il seme dell’amor proprio.

Ho lasciato che le lacrime, finalmente libere di sgorgare, lavassero via il dolore e innaffiassero il mio fiore.

Ho permesso a ogni mio sorriso di irradiarmi il cuore per colmarlo della sua luce.

Ora non ho più paura di venire calpestata né dagli insulti né dalle opinioni.

Ora la mia anima è libera, rinata, sbocciata.

Traduzione di Elisabetta Bagli ¡Buena lectura! ¡Hasta la próxima!

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PALABRAS CON HISTORIA

“CRISIS” Por: Marcos López Herrador estamos refiriendo al orden resultante de una crisis recién superada o en curso.

Momento difícil de cambios significativos que ponen en peligro cualquier proceso, originando inestabilidad e incertidumbre sobre su desarrollo posterior.

Toda crisis se caracteriza por la existencia de elementos fundamentales que se excluyen mutuamente y que no pueden darse a la vez sin enfrentarse o destruirse entre sí, pero que se dan simultáneamente en un determinado momento.

Puesto que hablamos continuamente del nuevo orden mundial, cabe preguntarse si estamos viviendo una crisis. Y la respuesta ha de ser afirmativa. Es más, hay quien la califica como de crisis sin precedentes, aunque, si miramos con atención la Historia, es seguro que encontraremos alguna situación análoga.

Veamos.

Cada vez que hablamos, no del orden mundial, sino de un nuevo orden mundial, nos

Roma llega a su cima a finales del s. II. El siglo III es el de la anarquía militar, con conti66

nuas guerras civiles, crisis económica, peste, devastación, hundimiento del comercio e inflación. Diocleciano, Constantino y la dinastía Valentiniana, hasta Teodosio, consiguieron poner orden en este caos, pero, a partir del año 376, las continuas invasiones bárbaras provocarán la definitiva caída el Imperio Romano de Occidente.

glo XIX y estaba en el cenit, como la Roma del siglo II bajo Marco Aurelio. Entre 1870, con la Guerra Franco-prusiana, y el final de la Segunda Guerra Mundial, Europa queda arrasada hasta los cimientos, como el Imperio romano en el siglo III. Tras 1945 se da un periodo de recuperación que es el que nosotros hemos vivido, en el que nos sentimos seguros y desde el que proyectamos nuestro futuro hacia la eternidad, tal y como hacían los romanos del siglo IV. El laicismo y el pensamiento radical de izquierda se está imponiendo, transformando los fundamentos de nuestra cultura tradicional, tal y como ocurrió con el cristianismo en Roma. Los problemas demográficos los hemos solucionado con una inmigración que no se integra, tal y como ocurrió con la política de inmigración romana en el siglo III y IV. Y para que no falte de nada, nos queda sólo que autorizar a los bárbaros a cruzar el Danubio e instalarse dentro de nuestras fronteras. ¿Me puedes decir si no es eso precisamente lo que intenta hacer Ángela Merkel con los turcos al pretender darles libre residencia sin visado?

Los romanos que vivían a finales del siglo IV pensaban que Roma se proyectaban hacia el futuro sin límite, cuandoen realidad no le quedaba más de setenta años de existencia.

Eran incapaces de captar la dimensión de los cambios radicales producidos en su estructura, y las críticas contradicciones que desencadenaríansu caída.

El triunfo del cristianismo supuso un avance en la moral individual, pero creó un fuerte conflicto dentro de lasestructurasde poder del Imperio. Las guerras civiles del siglo III y la ampliación del ejército obligaron a contar con tropas bárbaras mercenarias que luego se instalaron con sus familias. La caída de población por las guerras y la peste favoreció el asentamiento de contingentes numerosos de bárbaros como agricultores. La desigualdad en la distribución la riqueza aumentó de tal modo que la élite lo poseía todo y el resto nada.

Medítenlo, creo que merece la pena, puede que nos vaya la vida en ello, tal y como la Historia parece querer enseñarnos.

En el año 376, huyendo de los hunos, los visigodos solicitaron amparo, permiso para cruzar la frontera y tierras para labrar, a cambio de serviren el ejército imperial. Así,más de doscientos mil visigodos cruzaron el Danubio.

Pronto, sin embargo, se rebelaron y derrotaron a Roma en la Batalla de Adrianópolis. A partir de entonces, fue imposible acabar con ellos. En el 410 Alarico saqueó Roma. En el año 406 el Rin se congeló y suevos, vándalos y alanos llegaron a instalarse en la Galia, Hispania y el norte de África. Desde allí, Genserico volvió a saquear Roma en el año 455, y en el 476, Odoacro depuso al último emperador romano, y Roma dejó de existir.

Cabe preguntarse si existe algún paralelismo con nuestra época, y quizá se pueda dar respuesta.

Europa dominaba el mundo a finales del si67

Cartelera LA CARTELERA NECESITA DE TU AYUDA PARA EXISTIR. ENVIÁNOS TUS EVENTOS ANTES DEL 24 DE CADA MES. GRACIAS

68

Sonríe la vida es dulce, contigo más de 75 años.

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