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Nº 11 Febrero de 2017 https://proversoblog.wordpress.com

PRoverso El XIX literario inglés. Premisas para una lectura de Algernon Charles Swimburne (I) ALFREDO PIQUER GARZÓN Solos en la cumbre Olga Mínguez Pastor

Rocío Biedma “procuro nutrirme de todos sin perder mi personalidad. Generalmente me mueven más los poetas de corazón sencillo...”

Juan Enrique Sainz “El instrumento es como la materialización de nuestra alma. Podemos “decir” con él cosas que con palabras no se pueden decir...”


Sumario P.10 Carmen Noemí Montañés - La prisa, el zapato, el girón y la con- tadora de historias. P.14 José María Herranz – El poeta fuera del trazo. P.18

El XIX literario inglés. Premi- sas para una lectura de Alger- non Charles Swimburne (I) - Alfredo Piquer Garzón.

P.28 Rocío Biedma – El aroma del verso. P.36 Olga Mínguez Pastor – Solos

en la cumbre.

P.38 Il Postino: José Saramago – La palabra lúcida posible. P.42 El menú del Chez Maxime Ganz

P.28

P.44 Papel de la educación del mú- sico en la música de núcleo atonal y viceversa. P.46 Juan Enrique Sainz - El instru- mento como materialización del alma. P.50 Miguel Ángel – Un genio en el arte P.56 Presentación de 6.0 – Gastote Cappelloni P.58 Palabras con historia - Matrimo- nio. P.60 El Anaquel

P.46


PRoverso

DIRECCIÓN GENERAL Inma J. Ferrero DIRECTOR ADJUNTO Isabel Rezmo DIRECCIÓN EDITORIAL Inma J. Ferrero / Isabel Rezmo ARTÍCULO

WEBSITE https://proversoblog.wordpress.com E-MAIL revistaproverso@gmail.com COLABORAN:

Alfredo Piquer Garzón CRITICO MUSICAL Aimé Lambert MÚSICA Agustín Barahona IL POSTINO Giuseppe Quaranta PALABRAS CON HISTORIA Marcos López Herrador EVENTOS Elisabetta Bagli ANAQUEL Matteo Barbato EDITA Velintonia Editores DISEÑO GRÁFICO LaMásWeb


CARTA EDITORIAL

La Revista PROVERSO inicia en el mes de febrero de 2016 su primera edición, aquí encontrará artículos de carácter cultural escritos de una manera sencilla y amena, Proverso es el resultado de la fusión del trabajo entre poetas, escritores, músicos, artistas plásticos, diseñadores y fotografos (que irán compartiendo sus trabajos a lo largo de los siguientes números de la revista) que con mucha ilusión y determinación hemos decidido emprender este proyecto, que es un compromiso con nosotros mismos y con la sociedad que nos rodea. Pretendemos con esto mostrar en equilibrio el que hacer cultural en todas sus formas, sin limitarnos al plano literario. Para cumplir con el primer objetivo nos hemos trazado un plan que si bien es modesto significa un granito de arena, que sumado a otros esperamos puedan cubrir una amplia extensión del ambito cultural. Dentro de Proverso contamos con secciones de información sobre textos literarios, crítica musical, entrevistas, artículos literarios, artículos sobre arte, reseña literaria, cartelera, todos ellos temas de interés general. Agradecemos la confianza en recibirnos, trataremos que Proverso sea un vehículo de unión entre todas las artes. Esperando que esta revista sea de su agrado les invitamos a conocernos.

Inma J. Ferrero Director General


Museo Miguel Hernández - Josefina Manresa Quesada (Jaén)


Narrativa

Carmen Noemí Montañés La prisa, el zapato, el girón y la contadora de historias

Presentamos en nuestra sección de narrativa a la escritora leonesa Carmen Noemí Monteñés, con la que compartiremos un relato que esperamos les guste.

HORAS de la editorial Aller & Jular en 2015, tambien participe en el libro Cuento cuentos contigo, un recopilatorio de cuentos realizado para recaudar fondos para la Fundación Juan Soñador de ayuda menores en 2016, con la Editorial Pie Ediciones. En breve participaré en una nueva aventura fantástica de Aller y Jular , titulada “ Poker de Damas y un Comodín”. Mi fascinación por las letras me ha llevado a participar en eventos literarios de todos los géneros.

Ella misma es la que se presenta. Mi nombre es Carmen Noemí Montañés Fernández, nací un 18 de diciembre de 1969 en las tierra frías leonesas, soy letrada y amante de las letras crecer en un entorno de amantes de la lectura me condujo a atravesar mi adolescencia leyendo con avidez , he de agradecer siempre a mis profesores de literatura en el instituto me estimularon aun mas a perderme entre letras y descubrir mas allá de la narrativa la poesías. Soy una escritora tardía muy tardía, publique por primera vez en el libro conjunto 24

R.P: ¿Cómo llegue a escribir? C.N.M: Sin duda por el empujón literario de Nacho Aller, Ana Jular y Flor Mendez Villagra que creyeron que mis reflexiones diarias en 10


las redes sociales iban mas allá de eso y vieron un potencial que ni yo había descubierto.

yendo de su gris marido, pero lo cierto y verdad es que esa historia ha sido sembrada ya demasiadas veces y además siempre concluyen de forma dramática con muertes y sangre…y a la sembradora de historias la sangre siempre la provoco gran desazón cuando se derramaba…

R.P: ¿Qué significa escribir para mi? C.N.M: Eclosionar , me hace transitar de letrada con sus tediosos escritos jurídicos a contadora de historias que ebullen en mi parte del cerebro llamada creatividad. Es un placer insustituible, es ese espacio tan mio que se ha convertido en mi refugio secreto.

Descartado el deseo y la pasión, pensó vamos a regalarla una historia de amor, una hermosa y eterna historia de amor, con sus encuentros y desencuentros, se habrían conocido en la guarde y serían compañeros de pupitre en la primaria, pero luego por motivos profesionales de la madre, el que luego sería su persona favorita se vería obligado a trasladarse con su familia a la otra punta del país, y no se reencontraron hasta años después y ahí cupido termino su labor comenzada tímidamente en aquella escuela de paredes azules… Pero pensando, pensando, descarto también la historia de amor, a la sembradora de historias ni cupido ni todos sus adláteres le habían prodigado historia de amor ninguna, y le parecía pretencioso describir emociones y afectos que a ella no se la habían sucedido. Empezaba a desesperarse, porque una tras otra las narraciones que se le ocurrían por una u otra razón perdían fuelle en cuanto las hacia suya. Decidió hacer un descanso y regalarse un cafetín a ver si la inspiración al rico aroma acaba haciendo acto de presencia y era capaz de sembrar una historia como dios manda.

La prisa, el zapato, el jirón y la sembradora de historias El reto era aparentemente sencillo escribir una historia cuyo lev motiv fuera una mujer corriendo, perdiendo su zapato y rompiendo su vestido en pro de llegar a tiempo a…, y como la sembradora de historias, nunca supo resistirse a un buen reto que involucrase palabras e imaginación, se sentó enfrente del ordenador y se puso afanosamente a escribir: “Siempre se había tomado su tiempo para todo hasta para empezar a vivir, en aquel verde y frio paritorio, no reparo en tiempo, lo de iniciar el oficio vivir ya entonces a golpe de llantina le parecía lo suficientemente complejo como para no correr…” Sonó el teléfono y contrariada por la interrupción la sembradora de historias dejo de escribir para atender la llamada, era de un comercial muy afanado que quería colocarle un club de vacaciones…. Jajajajajaj ¡!!!! Vacaciones se sonrió, las sembradoras de historias nunca tenemos vacaciones, rectifico, nunca queremos vacaciones, eso provocaría un colapso imposible de letras en nuestros cerebros.

Sentada en el sofá ensimismada en el zapato, la prisa y el vestido roto, se vio de repente siendo esa mujer y allí estaba ataviada como la prota de su historia, vestido de seda vaporoso, zapatos corte salón con tacón carrete y con una mirada que gritaba “HOY ES EL DIAAAA…”, y alterada por lo obsesivo de esa idea se levantaba, caminaba y se sentaba compulsivamente como si ese ejercicio coreográfico le fuera a dar el impulso necesario para asumir que efectivamente hoy era el día. Tarde o temprano tenía que suceder; todas las mañanas de todos los días de los últimos años se repetían invariablemente las mismas rutinas sin que para nada resultara emocionante ningún nuevo día, solo a la caída del sol cuando ejercía de sembradora de historias la vida se tornaba más amable y divertida, pero

Se sentó de nuevo y empezó a darle vueltas a lo que su mujer de tiempos lentos podía vivir para correr como nunca, para perder un zapato o para romper el vestido sin que ello la disgustara en absoluto. Pensó en ubicarla en una tórrida historia de pasión y deseo desenfrenado, que concluyese con una huida en busca de su amante hu11


intensamente, como si cada minuto fuera el ultimo, corre y ama, como nunca has contado en tus historias, corre y siente, eriza la piel por lo propicio y por hostil, vive vive y vive” Desconcertada por el mensaje se quedó unos segundos paralizada, miró el reloj y vio que apenas quedaban unos minutos para que el último tren que paraba en el pueblo pasará, y pensó “ ahora o nunca”, cerro la casa, cogió su bolso y echó a correr desbocadamente campo a través para llegar a tiempo al apeadero, y esos zapatos de tacón carrete no eran precisamente los adecuados para correr así, entre piedras árboles y plantas, y como no podía ser de otra manera, uno de ellos se quedó en el camino. Y ya llegando casi a su destino solo tenía que superar un obstáculo más el zarzal que delimitaba el prado de la señora Tomasa, pego un salto y en el intento dejo parte del vestido como recuerdo del tiempo que tocaba a su fin. El tren se paró, la sembradora de historias se subió y con gesto emocionado levanto la mano y se despidió, de su pueblo, de su gente y de su vida hasta entonces. Al acomodarse en uno de los asientos del vagón que iba medio vacío, se percató de que no podía escribir la historia de la mujer corriendo que perdía el zapato y se hacía un jirón en el vestido, porque esa historia la tenía que vivir, así que desde ese preciso momento dejo para siempre de ser sembradora de historias para convertirse en vividora de historias.

la pantalla y las palabras no la pertenecían no eran suyas, no las podía vivir, no las podía sentir, no era reales. La fascinación de inventar la vida de otros se estrellaba frontalmente con la realidad, y ahí se quedaban atrapadas, y ella la sembradora volvía de nuevo a su mortal rutina. Y fue un lunes no muchas semanas atrás que supo que era inevitable cual atasco del 31 de julio que se sucedería lo que inexorablemente tenía que suceder. Todo apuntaba maneras de que hoy iba a ser ese día, no en vano no era capaz de escribir su historia extremo este que nunca le había sucedido, llevaba un vestido que jamás se hubiera puesto (estaba muy reñida con su feminidad) y estaba atacada, ella que era de naturaleza horchata en las venas, algo se iba suceder para estar en ese estado. Y cuando ya el sol se recogía, la hora habitual para la sembradora de ponerse a escribir sus historias, se asomó a la ventana, observo el atardecer, escudriñándole como rogándole que la indicara que debía hacer, y el atardecer generoso no la decepciono, y en modo susurro la dijo “ Corre, corre como si te fuera la vida en ello, estas a tiempo de no ahogar tu vida en rutinas banales, corre, corre y vive, 12


THE PIANIST COMPOSER

Piano transcriptions

Bach/Busoni Schumann/Fiorentino Fauré/Fiorentino Thalberg Leschetizky Drozdoff Rachmaninov/Gryaznov Rachmaninov/Devastato Devastato

GIUSEPPE DEVASTATO 13


Poesía

José María Herranz EL POETA FUERA DEL TRAZO

Este mes nos acompaña el poeta madrileño José María Herranz, al que damos la bienvenida a PROVERSO. Esperamos que disfruten tanto la lectura de sus poemas como nosotros lo hemos hecho.

así como la denuncia social tomando aspectos del surrealismo y la contracultura. Miembro de la editorial “Poeta de Cabra (2) Ediciones”. Miembro del Círculo de Bellas Artes de Madrid, del Ateneo de Madrid y de la Asociación de Escritores y Artistas Españoles. Organizador y ponente de las jornadas de homenaje a Miguel Labordeta y los escritores de la O.P.I. celebradas en el Ateneo de Madrid en octubre de 2008.

José María Herranz es autor de numerosos libros de poesía y relato. Poeta social, metafísico, místico, heterodoxo y dionisíaco son algunos de los adjetivos con que los críticos han calificado su voz poética. Su poesía manifiesta lo sagrado y órfico de la palabra, en un sincretismo espiritual de original factura,

Publicaciones: “Las razones del lobo y Sofismas”, 2016 (segunda edición con prólogo de 14


Luis Antonio de Villena y Aureliano Cañadas); “Amargo despertar”, 2012 (CD); “Donde no habite el olvido”, 2011 (antología poética de 41 voces españolas seleccionadas por José María Herranz); “Las razones del lobo” y “Sofismas”, 2009; “Oráculo de la amistad”, 2004; “Hijos de la miseria”, 1980. Obra en revistas y webs: Cuadernos del matemático, Luces y sombras, Troquel, Mester de Vandalía, Álora la bien cercada, Libros y letras, Ágora, Contrapartida digital, Poeta de Cabra, El periscopio de la poesía, La alcayata, Televisión Iberoamericana. Premios: Círculo de Bellas Artes, 2012, y finalista en muchos otros de poesía y relato. R.P: ¿Cómo llegaste a la poesía? J.M.H: Más bien la poesía me llegó a mí. Comencé a escribir y leer poemas a los 14 años más o menos, me alimenté de la biblioteca de mis hermanas en aquella época. Además, en mi caso, la poesía vino a mi encuentro inseparablemente de la música, en concreto la clásica y el pop-rock. R.P: ¿Qué es la poesía para ti?

recitando su oración.

J.M.H: Sobre todo una necesidad orgánica, en el plano físico y psíquico. En el plano teórico, la poesía es un intento de plasmación de lo inefable o de alcanzar lo inaprensible, mediante el uso del verso y el ritmo.

Los caracoles reencarnados del baobab progresan. Las mariposas procedentes de las piedras preciosas elaboran sus crisálidas de ángel. Sobre mis hombros de astro, sobre mi pecho demiurgo, hijo del biznieto de dios, reflexionando nuestros seres corporales.

POEMAS: [Cada día nace el sol]

Ante mí, fluyendo desnudo mi deseo, mi ardor de la unidad, más allá de la muerte, mucho antes de nacer cuando mamífero.

Cada día nace el sol: un astro de nácar sobre mis hombros, océanos de luz. Lamen mis miembros animales benditos. Vienen las iguanas a escuchar al hierofante.

Certeza de la célula sangrante presente en el espíritu gozoso.

Ante mí cada día, virgen en la selva, los barcos de la estrella

Oigo luz reflexionando estos papiros, vibra la vida en mí sus árboles, compongo la sinfonía en que navegan los planetas 15


píritu hambriento y bondadoso.

y me esfuerzo asemejándome al humano en que resido.

[El color de los centauros]

[Creaste un sentimiento]

El color de los centauros es un sonido táctil y enigmático, es el color de los sentimientos vividos y plasmados en las altas cataratas del éxtasis, en las praderas donde pacen los unicornios engendrados del alma por sus potencias plenamente realizadas.

Creaste un sentimiento, cobró forma y vida propia: ajeno a este acto, la vida te impulsaba. Admiraste una brisa, un sonido en el bosque, un ocaso incendiado: nuevos sentimientos brotaron en cascada.

El color de los centauros es el momento irrepetible en que respiras, y percibes el mundo con tus sentidos plenamente incardinado en él. La maravilla de existir como regalo.

Impulsan la vida de todo ser humano tus átomos. Tu cerebro emerge triunfante del reino mineral alumbrando las ideas en un parto de espíritu. Impulsan tus ideas las de todos los hombres y éstas, a su vez, engendran otras nuevas. Creaste un sentimiento gracias a una idea y ahora una emoción envuelve tus actos.

La dicha de los centauros es un emblema impreso en nuestras células y en nuestro espíritu; es un Arca de la Alianza que navega en un océano sin rumbo, es un Libro con las páginas en blanco que ilumina nuestra mente.

Mientras gira la vida. Admiraste una brisa. Creaste un sentimiento. Alumbraste una idea. En un cuerpo glorioso sin límites ni forma.

La dicha de los centauros emerge al derrumbarse la ilusión de poseer. Los centauros viven siendo, sin objeto. Al beber de las aguas interiores la vida les es otorgada alrededor.

[Arrecia el clamor] Arrecia el clamor de la sangre por mezclarse con otra sobre el yunque del desierto, hembra o macho, desnudo contra desnudo alimentando el fuego intemporal de la civilización. El sol con el ojo abierto contempla una religión invisible cobijada en el pecho del hombre. Ríos de sangre entonan un cántico triunfal salpicando las rocas. La muerte no existe. La muerte no existe. Ofrendan panes de oro los pastores sedentarios a las águilas reinantes, y yo desde mi cuerpo purifico el templo con incendios morales, levanto triunfos de carne para el es16


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Artículo

El XIX literario inglés. Premisas para una lectura de Algernon Charles Swimburne (I). Por: Alfredo Piquer Garzón Apenas un apunte será lo que nos quepa en unas pocas páginas sobre un tema de enorme interés histórico y me atrevería a decir de especial vigencia literaria por sus características y la diversidad de enfoques sobre los factores que lo constituyeron en su día. Nos referimos a la necesaria y fecunda relación arte – literatura o pintura – poesía y a la enorme riqueza de la tradición creativa rota por las vanguardias a principios del XX manipuladas

y tergiversadas por el capitalismo.(1) Una de las facetas históricas más sintomáticas de tal relación la constituye el siglo XIX en Inglaterra donde la imbricación arte plástico – literatura y específicamente poesía se produce de un modo más entrelazado y fehaciente. Se denomina época victoriana (1837–1901) al reinado de la reina Victoria de Inglaterra. La reina Victoria, tuvo el reinado más largo 18


(63 años) hasta entonces en la historia de los monarcas británicos. Se trata de un periodo de cambios culturales, políticos, económicos, industriales y científicos extraordinarios. Cuando Victoria subió al trono, Inglaterra era esencialmente agraria y rural; a su muerte, el país se encontraba altamente industrializado y en la mayor parte de su territorio se había extendido una red ferroviaria en continua expansión. Tales cambios no se produjeron sin pagar el precio de varias epidemias ( tifus y

antes de Darwin ‘La necesidad del ateísmo y otros escritos de combate’. E incluso antes que Shelley,imbuido del ambiente revolucionario francés, Wordsworth rechaza no sólo la fe cristiana sino incluso la institución de la familia y del matrimonio; en 1793, expresa sus convicciones políticas en A Letter to theBishop of Llandaff (Carta al obispo de Llandaff), en la que defiende el ateísmo y la causa revolucionaria, llegando a justificar la ejecución de Luis XVI de Francia.

“Cuando las Baladas líricas aparecieron, por vez primera, en 1798 sorprendieron al público por su novedad...”

En la segunda mitad del siglo la fe de Tennyson(2) se decanta igualmente, sobre todo a raíz de la muerte de su amigo Arthur Henry Hallam, hacia posturas mucho más personales y a la vez alejadas de la moral imperante. En la quinta estrofa del poema In memoriam, el autor explica que la religión como sistema, no es eterna y no podemos conocer a Dios a través de ellos, lo único eterno es Dios y si queremos conocerlo debemos olvidar estos sistemas.Quizá, uno de los paradigmas de esta actitud antirreligiosa sea la de Algernon Charles Swimburne que se constituirá como veremos, en la contrapartida rebelde del grupo de poetas ligados al Prerrafaelismo, el propio Dante Gabriel Rossetti, Cristina Georgina Rossetti o William Morris. El Círculo de Bloomsbury y la Sociedad de ‘TheApostles’ (3) de Cambridge conectados a través de numerosos miembros comunes, fueron asimismo desafiantes y provocadores respecto a los dictados de la moral victoriana y la religión imperantes.

cólera), serios problemas en la producción y distribución de alimentos básicos y los consecuentes colapsos económicos y consecuentes y graves disturbios sociales causados por la parcialidad en el derecho de sufragio y en protesta por la derogación de las leyes agrarias. Es la época de la Revolución Industrial, del desarrollo de los cinturones fabriles en las ciudades, por tanto, del incremento de la clase obrera y del pensamiento socialista, Fourier en Francia, Owen en Inglaterra… Es la época de la enorme desigualdad de clases, del opio y del trabajo infantil, de la prostitución desmedida; y la época del imperialismo británico, la guerra de Crimea, la guerra de los Boers, la rebelión de la India y el protectorado Egipcio…

Simultáneamente a todo ello el arte plástico y la creación literaria alcanzan cotas universales. Así por ejemplo, en literatura narrativa: Charles Dickens, las Brontë, Lewis Carroll, H.G. Wells, Oscar Wilde, Walter Scott, Arthur Conan Doyle, BramStoker o Robert Louis Stevenson. La lírica inglesa en el XIX adquiere relieve en una serie de nombres que se adscriben asimismo a diferentes movimientos entre los cuales hay, sin duda, continuidad y conexión. Constataremos también sus nombres, fechas biográficas y hechos determinados para establecer épocas, precedentes y filiaciones.

Y, lo que constituye también uno de los factores que inciden en la literatura y la plástica inglesa del XIX, la época del descrédito de la religión. En realidad, la reacción ante la religión impuesta es de dos tipos: La búsqueda de la pureza original de lo religioso (Nazarenos, Prerrafaelitas) o su rechazo de plano. En 1859, Charles Darwin publicó El origen de las especies. La obra de Darwin pone en entredicho el Génesis bíblico y por tanto, la religión. También la investigación de Charles Lyell sobre el origen y la formación geológica del mundo cuestiona siglos de creencias inamovibles sobre la creación, sobre la ciencia y la historia, sobre la filosofía y obviamente sobre la religión. Pero Shelley había escrito ya

El Romanticismo comienza en Inglaterra con las ‘Baladas Líricas de Samuel Taylor Colerid19


ge (1772- 1834) y William Wordsworth (1770 – 1850) publicadas en 1798, dos años antes del comienzo de siglo, aunque autores de tendencia aparentemente romántica, como William Blake o el mismo Mcpherson, habían adelantado la tendencia, porque, como se ha dicho, la sensibilidad romántica se inicia paulatinamente en la tradición anterior. Coleridge y Wordsworth desarrollaron una amistad íntima. Coleridge colaboró más que participó en las Baladas Líricas con cuatro poemas, entre ellos:The Rime of theAncientMariner (Rima del anciano marinero).Entre los poemas de Wordsworth destacan TinternAbbey (Versos escritos pocas millas más allá de la abadía de Tintern) y Michael, Ediciones posteriores de las Baladas incluyeron

“Southey será casi el precursor de la rebeldía juvenil contra el rígido y punitivo sistema educacional de la Inglaterra de la época...“

En 1790, Wordsworth emprende un viaje a pie por la Francia revolucionaria. Llega a París un año después de la Toma de la Bastilla. En noviembre de 1791, volverá a Francia para permanecer cerca de un año. En ese ambiente abrazará los ideales de tantos pensadores rebeldes y revolucionarios de la época y más concretamente Jacobinos. Se ha mencionado su carta de 1793 Al obispo de Llandaff, o su rechazo de la fe cristiana y sus instituciones.

más poemas y un Preface (Prefacio) a los poemas. Este Prefacio es considerado obra central de la teoría literaria romántica. Las Baladas mostraron otro espíritu y otra sensualidad lejos de la racionalidad de la ilustración, tal vez por eso manifestaron en Wordsworth otra actitud y simpatía hacia las clases más humildes, inspirada por la revolución.

Junto a Coleridge, Charles Lamb (1775-1834) incurre asimismo en el mismo tema que será línea de continuidad en el siguiente siglo. Y sobre todo Robert Southey, hispanista, quien a los quince años ya empezó a componer ambiciosos poemas heroicos. Southey será casi el precursor de la rebeldía juvenil contra el rígido y punitivo sistema educacional de la Inglaterra de la época; condenó el abusivo trabajo infantil propiciado por el incipiente capitalismo de la revolución industrial y simpatizó con los intentos reformistas del socialista utópico John Owen. Además aprobaba y apoyaba una educación gratuita universal. Al igual que Coleridge, quien había escrito un drama en verso titulado Thefall of Robespierre, había sido un entusiasta de la Revolución francesa en la juventud. Junto a Robert Lovell y el pro-

Cuando las Baladas líricas aparecieron, por vez primera, en 1798 sorprendieron al público por su novedad; Luis Antonio de Villena glosa el momento: “¿Es esto poesía?, dijeron quienes seguían aún preceptivas barrocas o neoclásicas. La - singularidad de su tonohizo que William Wordsworth (1770-1850) redactara el prólogo a la segunda edición y la ‘adenda’ para la tercera que deben considerarse como una preceptiva romántica que tuvo -y sigue teniendo- enorme influencia en la lírica occidental contemporánea. Wordsworth definía la poesía como “thespontaneousoverflow of powerfulfeelings”, el espontáneo desbordamiento de poderosos sentimientos. 20


pio Coleridge había fundado una sociedad de tipo comunista llamada `Pantisocracia’ con la intención de instaurarla en Pensylvania, más tarde en Gales y que Southey abandonaría después juzgándola inviable. El movimiento supone ya la sensibilidad la tendencia y el enfoque que determinan la siguiente generación de poetas, los nacidos en los últimos años del XVIII o incluso precisamente en esa primera época que inicia el XIX: Byron (en el 88), Shelley (92), Keats (95), ( y que desarrollan su obra antes de finalizar el primer tercio). Pero la crítica y la oposición entre una y otra generación de poetas se produce -siempre- desde los más jóvenes hacia los mayores y Southey, ya convertido en respetable miembro del partido de los tories (4) es objeto de las burlas de Lord Byron. Hay un retrato satírico de Southey en el poema byroniano ‘TheVision of Judgment’, que es además una parodia del ‘AVision of Judgment’ de

Alexander Pope, John Dryden o John Milton, aún presente la tradición del XVI, XVII y XVIII. A los diecinueve años publicó su primer libro de poemas en colaboración con su hermano Charles, Poemas de dos hermanos (1823), y al año siguiente ingresó en el centenario Trinity College de Cambridge, donde entró en contacto con la prestigiosa sociedad secreta ya mencionada , TheApostles,y conoció al que sería su gran amigo, Arthur Hallan. Transcurridos tres años desde su primer libro Poemas principalmente líricos, (1830), publica Poemas, en el que acredita un mayor dominio de la técnica y de la construcción mitológica, clásica y medieval. Tras la muerte de Arthur Hallan, Tennyson le dedica In memoriam (1850), considerada su obra maestra. Sin embargo permanecerá diez años sin publicar, hasta que en 1842 aparece su tercer libro de Poemas, con el que vuelve a situarse en el panorama literario. En 1847, publica un largo poema sobre la condición de la mujer moderna, La princesa. Tras la publicación de In memoriam, es nombrado ‘Poeta laureado’, título equivalente a poeta oficial de Inglaterra, con lo que ocupa el sitio que había dejado vacante William Wordsworth.

“La obra de Alfred Tennyson, Lord Tennyson, es el contrapunto de la sordidez de la época industrial victoriana...”

Como tal, escribió la Oda por la muerte del duque de Wellington (1852) y La carga de la brigada ligera, con el objetivo de cantar las glorias nacionales. Respaldado por esta posición oficial, en 1884 obtiene el título de Lord, trabajó en la composición de una serie de poemas en prosa sobre el rey Arturo. Aún escribiría teatro (Becket, 1884; Tiresias, 1885), y un último libro de poemas, La muerte de Enone (1892).

Southey (5). A Byron, Shelley y Keats siguen Robert Browning (1812 – 1889), Alfred Tensión (18091892), y Gerard Manley Hopkins (1844 – 1892) por citar tres ejemplos notables. Más joven Hopkins, se inspirará en los Prerrafaelistas del Grupo de Oxford (6) y ensayará innovaciones métricas y nuevos recursos estilísticos, influyendo después en Thomas Stearns Eliot. Browning publica en 1868 un poema extenso (más de veinte mil versos) en verso blanco ‘The Ring and thebook’ (El Anillo y el libro) que le situará en la primera fila de la poesía inglesa. Admirador de PercyBisshe Shelley, se manifestaría ateo si bien al parecer modificaría su postura tiempo después. Browning escribe sobre pintores del Renacimiento italiano, Andrea del Sarto y Fra Filipo Lippi.Alfred Tennyson (1809 – 1892), manifestó desde joven sus aptitudes poéticas en unas primeras composiciones a la manera de

La obra de Alfred Tennyson, Lord Tennyson, es el contrapunto de la sordidez de la época industrial victoriana, de su carácter gris y opresivo. La herencia de su fe religiosa se viene abajo y la alternativa es, con énfasis, la búsqueda de la belleza de otra religión: la leyenda. Tennyson recrea la épica homérica en poemas como Los Lotófagos o Ulises, pero es también el mayor cultivador del ciclo artúrico después de Thomas Malory en los poemas inmortales de Idylls of the King (Los Idilios del rey). Los Idilios son un conjunto de doce poemas narrativos que cuentan la le21


“La vuelta al Renacimiento es una de las grandes líneas temáticas del XIX inglés...” de Monmouth se inspiró en un conjunto de viejas historias dispersas para construir una saga caballeresca coherente de la que surgen los principales personajes: el rey Arturo, el mago Merlín, el hada Morgana, o Lancelot. Después de Geoffrey de Monmouth, el ciclo adquiere nuevo impulso con la obra de Chrétien de Troyes (siglo XII), que introduce Camelot o a la reina Ginebra. Y en el S. XV Thomas Malory retoma la saga con La muerte de Arturo. Aunque el tema medieval no se limita al más o menos imaginario ciclo artúrico. Dan fe los trabajos de Robert SoutheyJuana de Arco, o Life of Cromwell (1821); también sus temas medievales españoles: la traducción del Amadís de Gaula, la Traducción del Palmerín de Inglaterra, de El Cid (Roderick, theLast of theGoths “Rodrigo, último rey de los Godos”, 1814).

yenda del Rey Arturo, las hazañas de sus caballeros, la reina Ginebra y su traición amorosa, la caída de Arturo hasta su muerte a manos del traidor Mordred, así como de otros personajes importantes: Lanzarote, Gareth, Galahad, Balin y Balan, Merlín, la Dama del Lago y Elaine de Astolat, la dama de Shallot (7).

Porque son los temas los que marcan las líneas de continuidad en la literatura inglesa a lo largo del XIX. Ya superado (o soslayado) el problema de los hipotéticos textos gaélicos de Ossian; porque los poemas de Ossian constituyen un tema cronológicamente neoclásico (James Macpherson publica sus Fragments of AncientPoetrycollected in theHighlands of Scotland -Fragmentos de antigua poesía recogida en las Tierras Altas de Escocia-, en 1760), aunque incluso su falsedad pudiera considerarse producto de un prurito o una actitud prematuramente romántica que , de hecho, influyó en los inicios del SturmundDrang alemán (la traducción de una parte de las obras de Macpherson aparece en una escena importante de Las desventuras del joven Werther de Goethe).

Matthew Arnold ( 1822 – 1888) escribió asimismo durante la época, y a veces disputa a Gerard Manley Hopkins la tercera plaza de ‘gran poeta victoriano’, después de Alfred Tennyson y Robert Browning. (Arnold había defendido la revolución poética de Wordsworth frente a detractores que sólo se fijaban en su aspecto solemne de poeta laureado). El ciclo que cuenta la historia del rey Arturo se va completando e incrementando con el tiempo. Es posible que tenga un fondo histórico real con un remoto caudillo celta del siglo VI. Carlos García Gualexplica que “El ciclo artúrico es medieval, pero se apoya en ciertas leyendas anteriores”. Sin embargo sus versiones caballerescas son muy posteriores: en el siglo XII, el monje galés Geoffrey

La vuelta al Renacimiento es una de las grandes líneas temáticas del XIX inglés; el término Prerrafaelismo denomina toda una actitud estética que busca la pureza y sencillez en la dicción plástica, literaria y creativa en general que establece la figura de Rafael San22


zio como la frontera que marca la pérdida de esos valores del primer Renacimiento italiano y europeo y trata, por tanto de volver hacia un pasado anterior para recuperarlos. Hemos mencionado ya y por citar un solo ejemplo el trabajo de Browning sobre Andrea del Sarto y Fra Filippo Lippi.La actitud prerrafaelista es común e incluso previa en algunos movimientos europeos como el grupo de los llamados ‘Nazarenos’ alemanes que entienden la práctica del arte como una profesión de fe religiosa e inspirados en el texto de Wilhelm Heinrich Wackenroder , Efusiones de un monje amante del arte (1796) se recluyen en un convento del monte Pincio en Roma al modo de una comunidad monacal para llevar a cabo una práctica artística según un concepto ideal y místico de la pintura centrado en los maestros del Renacimiento anteriores a Rafael.

tico de búsqueda de las señas de identidad cultural nacional. Pero además Grecia es el modelo neoclásico por excelencia y como tal, no se ocluye ni pierde importancia a través de la época romántica. El esplendor de las ruinas fulge en realidad a través de todo el siglo. La insurrección griega contra el dominio turco es un hecho crucial en el XIX que despierta por un lado la simpatía del occidente europeo por la independencia del país considerado como cuna de la cultura y civilización occidental, y por otro los intereses económicos y territoriales de los mismos países. Keats había escrito las odas ‘A una urna griega y ‘A Psique’, o los poemas: ‘Al ver los mármoles de Elgin’, y ‘Al examinar por vez primera el Homero de Chapman’ (soneto 1816)o los libros: Endymion: un romance poético (Himno a Pan) (1817),La caída de Hyperion: un sueño (1819) etc. Shelley: Adonáis y otros poemas breves, o Prometeo liberado, y Byron los poemas: El sitio de Corinto (1816), Prometeo (1816) o los cantos incluídos en La peregrinación de Childe Harold, por citar algunos ejemplos; aunque la actitud hacia Grecia, sobre todo en Georges Gordon Byron, implicado físicamente ‘in situ’ en los hechos bélicos de la rebelión, va mucho más allá de lo meramente escrito. Y en la segunda mitad de siglo TheLife and Death of Jason (1867) de William Morris, laApología de Aristófanes de Browning o Los lotófagos y el Ulises de Tennyson.

El neoclasicismo ha sido fundamentalmente esa mirada atrás hacia la antigüedad clásica, pasando necesaria y convenientemente a través del Renacimiento porque la intención de una y otras épocas son en general similares. El romanticismo supone asimismo la exaltación del esplendor y el misterio de las ruinas y la antigüedad. Pero toda la actitud prerrafaelita de la segunda mitad del siglo da fe de esa mirada ampliamente retrospectiva. Byron escribe Las lamentaciones por el Tasso (1817) y La profecía de Dante (1819) Haciendo honor a su nombre, Rossetti publicó traducciones de Dante y otros poetas italianos medievales, buscando adoptar el estilo de los primitivos renacentistas italianos. Y vueltos hacia el Renacimiento, Shakespeare es un paradigma de la tradición literaria inglesa. Wordsworth y Coleridge incurren ya en la temática Shakespeariana. A partir de entonces el dramaturgo es tema recurrente en los estudios literarios y las alusiones líricas como seña de identidad nacional. También Charles Lamb escribirá Tales from Shakespeare.

El XIX supone el incipiente tejido de una serie de relaciones. Por un lado podríamos decir que no se da ni con mucho el nivel de ‘globalidad ‘ y de información mutua y común que desde un punto de vista actual pudiéramos proyectar erróneamente sobre otra época histórica distinta, cuyas premisas y características son muy otras. Por lo que el nivel de individualidad de unos países y otros es todavía muy notable. Los países europeos se hallan todavía inmersos en un proceso de búsqueda de su propia identidad nacional y sujetos a procesos de integración o reintegración territorial y geográfica. Por otro, también es cierto que hemos estudiado la historia de un modo esclerotizado sin tener en cuenta ese entramado de hechos relacionados que, aún de modo incipiente (los viajes y las comunicaciones son todavía complicados o largos y el viaje romántico tiene aún características de

Como tema asimismo fundamental, Grecia y Homero (desde Byron o Keats). Si Mcpherson pretende ya en el siglo anterior ‘fabricar’ un rival de Homero en la figura del ‘bardo’ Ossian y su hipotética epopeya gaélica, es debido precisamente a la perenne vigencia del poeta griego en la historia de la literatura en general, y al prurito ya precedentemente román23


que la proporcionada por los acotados epígrafes hasta ahora de tantos manuales, la raigambre, el entrelazamiento de conceptos, tendencias y movimientos. Cómo no constatar la herencia post romántica y aún romántica del prerrafaelismo, siendo el romanticismo en Inglaterra un movimiento con demasiado arraigo y fuerza como para ser sustituido rápidamente por otro movimiento, además con tantas características comunes. El prerrafaelismo, como movimiento concreto en plástica y literatura es un movimiento esencialmente inglés como el Parnasianismo lo es francés. Pero es que en el Prerrafaelismo se hallan también el germen y los factores que informan el Simbolismo y el Modernismo. El prerrafaelismo no es solamente un movimiento plástico sino también literario. La poesía prerrafaelista se da a conocer a través de la revista de la ‘Hermandad’ TheGerm, en 1850. Es la primera revista de este género publicada en el mundo, siendo el precedente de publicaciones similares en movimientos posteriores y como otras, fue también efímera. Solamente años después los diferentes autores comenzarían a publicar su obra en volumen y la poesía prerrafaelista adquiriría difusión y relevancia. La poesía prerrafaelis-

auténtica aventura) sin duda se han producido (8). Hacia la mitad de siglo, el academicismo más absoluto domina el panorama pictórico inglés. Reynolds y Constable, historicismo y paisajismo un tanto oscuro, son las notas dominantes. Como única válvula de escape, William Turner, ensaya otro modo de concebir la pintura. En 1848 Dante Gabriel Rosetti, John Everett Millais y William HolmanHunt crean una hermandad para oponerse a la norma académica, inspirándose en los maestros del primer Renacimiento italiano. Antes que ellos Ford Madox Brown había iniciado una pintura de tema medievalista, tras entablar relación en Alemania con Friedrich Overbeck y el grupo de los Nazarenos. Se afirma sin embargo que las premisas del arte prerrafaelista existían en la Inglaterra victoriana previamente. Ciertamente, todos los temas apuntados se dan a lo largo del XIX como contrapartida y reacción al prosaísmo de la era industrial. El vínculo entre los diferentes movimientos del siglo es desde luego fehaciente. Cómo no enlazar y establecer en justicia y en pos de una mayor objetividad 24


ta participa de los mismos temas de la pintura que a su vez comparten los de toda la tradición literaria del siglo y en esa medida, cabría hablar de prerrafaelismo mucho más allá de los límites de las denominaciones de la historiografía convencional.

conocidos como Grupo de Bloomsbury. Todavía existente hoy en día esencialmente como club de debate. 4. Aún reciclado después en el nuevo partido conservador británico, mantendría su nombre tradicional) 5. En Alicia en el país de las maravillas, Lewis Carroll también parodió a Southey. 6. En Oxford se forma el grupo de artistas que dará lugar al movimiento Prerrafaelista en plástica y asociado a él, el grupo literario. 7. La leyenda de la dama de Shallot en el poema de Tennyson es un paradigma literario y estético; inspirará a William Waterhouse varios de sus lienzos más famosos y apasionados o modernamente la bellísima canción de la cantante y música canadiense LoreenaMcKennit). 8. La relación entre Wordsworth y Coleridge, determina su acercamiento a la filosofía de Immanuel Kant y al romanticismo alemán; su simpatía por la revolución francesa, el viaje a pie por Franciarevolucionaria. Lord Byron viaja a Suiza a Villa Deodati, o se integra en la insurrección griega contra el dominio turco. Los viajeros románticos ingleses, franceses o alemanes inician sus viajes por los lugares exóticos como son aún, España, Tierra Santa o Egipto.

Dante Gabriel Rossetti supone la evocación del medioevo italiano, Cristina Georgina Rossetti la recreación de un sutil paraíso cristiano, William Morris, las sagas islandesas y la Inglaterra medieval pero la poesía de Algernon Charles Swimburne que aporta asimismo su visión de la Grecia clásica y la Era isabelina, supone la obra más controvertida de la poesía inglesa de final de siglo. En la obra de Swimburne hace aparición el simbolismo y hay factores de diferenciación, no solo con la escuela pictórica sino dentro del mismo grupo de poetas. Se ha destacado su riqueza introspectiva y anímica y la adscripción al socialismo como solución de los problemas sociales. En ella cuaja desde luego absolutamente el rechazo frontal de lo religioso y la oposición a la ideología impuesta. Su figura y su obra será objeto de la segunda parte de nuestro artículo. NOTAS: 1. Ya en los años treinta de la pasada centuria Josep Renau denunciaba en su escrito “Arte contra las élites”, la desvirtuación del arte por parte de la apropiación capitalista para desactivar y anular su significado de hecho cultural esencial y convertirlo en objeto de consumo. 2. Un interesante análisis del tema del concepto de ‘fe’ de Tennyson manifestado en los diferentes “Idilios” es el de George P. Landow, profesor de inglés y de historia del arte, Universidad de Brown) 3.- Los Apóstoles de Cambridge, también conocidos como la Cambridge ConversazioneSociety, son una sociedad secreta de la élite intelectual de la Universidad de Cambridge fundada en 1820 por George Tomlinson, un estudiante de Cambridge que llegó a ser el obispo de Gibraltar. La sociedad obtuvo su apodo, los Apóstoles por haber sido sus fundadores en número de doce. Los Apóstoles se hicieron famosos fuera de Cambridge en los años anteriores a la Primera guerra mundial con el auge del grupo de intelectuales 25


Entrevista

Rocío Biedma EL AROMA DEL VERSO Por: Isabel Rezmo

Este mes entrevistamos a alguien muy especial. Alguien que nos ofrece la dulzura, la sencillez, la sutileza. La profundidad en la mirada, capaz de convertir el verso en una auténtica joya.

su tierra, con la poesía, con los problemas sociales, con nuestra cultura. Acaba de publicar su primer poemario “El vértigo de la Libélula” con Edición Personal Opera Prima. Un libro muy esperado por muchos compañeros.

Porque Rocío Biedma tiene la fragancia de los campos de Jaén. Tiene el brazo extendido al compañero. A buscar en sus poemas la esencia del verbo. Mujer comprometida con

Como ella misma se define: “Soy todo lo que puedo ser, soy poeta, soy 28


mujer.”

lo peor es cuando el ego se pierde el respeto a sí mismo y mira al resto por encima del hombro.

RP: Buenas tardes Rocío encantados de tenerte con nosotros. ¿Cómo definirías la poesía? ¿Ser poeta se ha convertido en una utopía?

R.P: Eres una poeta que se mueve y vive la poesía cada segundo de tu existencia.

R: Definiría la poesía como ese lugar sublime donde descansan los sentimientos, las percepciones en la piel del alma, el espacio en todas sus dimensiones, que lleva la sensibilidad de un lugar efímero como es el corazón, a la palabra tallada en el tiempo.

R.B: No entiendo si me haces una pregunta o una afirmación. Es tu opinión, y la agradezco. Tal vez mejor pensemos que tengo la suerte de ser una persona sensible que siente a flor de piel cada cosa que vive, que ahonda, se conmueve y trasciende cada momento y en cada contexto. R.P: Comprometida abiertamente con la problemática social (has participado en numerosas antologías solidarias y de temas sociales) ¿el mundo sigue necesitando al poeta hoy más que nunca? ¿La posición del poeta sigue siendo abierta a los problemas del mundo?

“El mundo ha necesitado la voz del poeta siempre...” Ser poeta no tiene porqué ser una utopía. Cada persona debe luchar por sus sueños, pero son los sueños lo que son utopía cuando no los trabajas, no crees realmente en ellos y no luchas por alcanzarlos.

R.B: El mundo ha necesitado la voz del poeta siempre. Los que tenemos voz y lugar para alzarla, debemos aprovecharla para decir lo que otros desean decir. Sí que es verdad que existen demasiados motivos para reivindicar a través de la poesía y que la condición humana tiene muchos defectos que hoy en día vemos más cerca gracias a las tecnologías, pero el mal entre personas ha existido siempre.

RP: ¿Cómo se inicióiniciaron tus primeros pasos poéticos? R.B: Creo que cuando algo viene contigo en la piel, en la forma de sentir, de pensar o de decir, llega contigo, forma parte de tus pasos al crecer, al aprender y al vivir. No podría recordar cual fue la primera vez que hice un verso, una canción o escribí en un papel, porque sé que lo hice siempre. Los acontecimientos de la vida, el ser introspectiva y serena, hacen el resto. Y tal y como dijo Boabdil, “cuando algo sucede, se queda sucediendo para siempre”. Después un día llega alguien que te dice que todo lo que has escrito merece la pena, y a partir de ahí, sigues dando pasitos, aunque con zapatos nuevos.

Y si, la posición del poeta sigue abierta a los problemas del mundo, aunque cada uno escribe con su propia personalidad y lucha por lo que cree más justo. R.P: ¿Tu primer poemario que ha supuesto para ti? ¿Qué encierra “El vértigo de la Libélula”?

R.P: Siempre se dice de Rocío Biedma que tiene la sencillez, y la mano extendida a cualquier compañero. ¿Crees que el mundo poético se siente a salvo del ego?

R.B: ha supuesto sin duda un gran esfuerzo (pues me resistía), una decisión comprometida, mucha responsabilidad, y sobre todo, una experiencia nueva de satisfacciones y dichas.

R.B: No se siente a salvo del ego, ni el mundo poético ni el resto de artes en el mundo. Y

“El vértigo de la libélula” más que encerrar, deja volar una parte de mí. Es un canto a la 29


“...procuro nutrirme de todos sin perder mi personalidad. Generalmente me mueven más los poetas de corazón sencillo...”

ven más los poetas de corazón sencillo, que no buscan el acomodo de la fama ni la urgencia del éxito. RP: ¿Próximas presentaciones? ¿Proyectos a corto /largo plazo? R.B: Presentaciones muchas: Jaén con mi grupo Literario Oliversando, Badajoz, Madrid, Alcalá de Henares, Granada, Córdoba, Castellón, Valencia, Andújar, Málaga, Cádiz…

vida, a la superación y a las dificultades. Prefiero mejor que cada lector saque sus conclusiones.

Y los proyectos a largo plazo…ahora mismo intento disfrutar tánto como tengo en mis manos y la verdad, creo que es a lo que debo de darle toda mi atención.

RP: Tu libro recoges varias citas de compañeros y amigos . … R.B: Si, reconozco que utilizo mucho el recurso de las citas o fragmentos. Me marcan mucho los versos que comunican, que trascienden y que tienen relación con mi poema. Soy detallista. Entonces, es como si para entrar en mi poema hubiese una puerta que yo engalano para invitar y dar idea de lo que hay dentro.

R.P: Gracias por el tiempo dedicado a nuestra revista. R.B: Gracias a vosotras, Isabel e Inma y a Proverso, por vuestra labor impecable e incansable para con la poesía y por contar conmigo para ella.

RP: En tu poesía ¿Con cuál poeta te identificas? R.B: Creo que todos y con ninguno. Quiero decir que procuro nutrirme de todos sin perder mi personalidad. Generalmente me mue30


Claudio Casares Maestro y terapeuta Reiki Detente unos instantes y dedícate un rato, disfruta del relax y de la armonía Terapias de relajación, Liberación emocional, Terapias energéticas, Armonización de Chakras, Tapping, Terapias y cursos Reiki, Ho’oponopono, Terapias con cuencos tibetanos, Quiromasaje, Reflexología, Lomi Lomi

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Reseña

Olga Mínguez Pastor

Solos en la cumbre Por: Inma J. Ferrero

Olga Mínguez Pastor (Elche, 1979), nos trae solos en la cumbre, obra teatral en dos actos publicada en Colección Teatro, 57. Minguez Pastor nos cuenta una historia que tiene como centro el dolor, el miedo, el daño y tal vez la esperanza en una sociedad cada vez más materialista y llena de prejuicios. “Porque la sociedad está cambiando y está más preparada de lo que piensas para aceptarnos.”“La libertad está dentro de cada uno. Si nosotros nos sentimos realmente libres, poco importa lo que piensen los demás. Poco importa el resto de la sociedad.””Muy bonito el discurso. Lástima que no sea más que eso: un bonito

discurso.” A través del desarrollo de la obra y con el desenlace final, el espectador puede percatarse de la profunda crítica social que es eje central de la trama. La intensidad de la acción dramática puesta en escena no nos dejará impasibles, haciendo que nos posicionemos y que hagamos autocrítica. “Padres peleando con otros padres o agrediendo a árbitros. Niños avergonzados, niños insultando a adultos…Ya no se fomentan los valores positivos del deporte.”” La mayoría de los chavales quieren convertirse en ídolos, en héroes, como si tuvieran derecho natural a ello, sin plantearse que las cosas hay que ganárse32


las.” El discurso escénico es contundente, nos confronta, nos sacude desde el primer minuto, nos lleva a plantearnos si de verdad somos tan tolerantes como nosotros mismos pensamos. Si permitiríamos a nuestros ídolos bajar de sus pedestales, para mostrarnos que son personas sencillas con las mismas inquietudes y preocupaciones que el resto de los seres humanos. “¿Sabes cuánto dejarían de ingresar por, pongamos, la venta de camisetas con tu nombre? Mucha gente no querría llevar tu siete a la espalda porque, no lo niegues, eso supondría soportar burlas y más burlas.” “Me gustaría una casa con jardín y mucha tranquilidad. Mejor si está aislada de la ciudad.” La historia la ubica en el tiempo presente, en los vestuarios de un prestigioso club de fútbol. “Luis Alberto Quiroga, ha robado la pistola a uno de los agentes que velaba por la seguridad del derbi y se ha encerrado en un baño del vestuario local” Desde un comienzo, el espectador puede entrar fácilmente en el juego de lo representado como real, es imposible que no asocie la vida real a lo que ve sobre el escenario. Esto lo consigue la autora través de un lenguaje alejado de artificios, donde el espectador es un juez silencioso de la trama que se escenifica. Siguiendo

El diálogo entre los dos únicos actores centrales es emotivo, desnudo, lleno de realidad, sin ningún tinte que disfrace el tema que aborda, la tensión entre ambos personajes se da desde el principio hasta el final de la obra y es el eje que da unidad al drama. “Te juro que voy a hacer que tengas una vida inolvidable, Luis.”” Quiero esa vida inolvidable, Álex. Quiero vivir esos cien años. Y los quiero vivir a tu lado.” Podemos decir aquí, que la autora es directa, va de frente con lo que desea expresar y decir. La trama sostiene un nivel elevado de adicción, lo que hará que los espectadores o el lector de la obra no quiera perderse ninguna coma. Los detalles de la acción van tomando forma a medida que los dos personajes centrales ahondando en los motivos que les hacen estar allí. “No sé qué haces aquí.” “La Policía me ha dejado entrar.” “¿A ti precisamente?” “Soy tu mejor amigo.” Los personajes de esta historia también tienen un pasado que será desvelado en el transcurso de la narración y conecta “También frustración. Sé que piensas que luzco con orgullo el apellido que hizo grande mi padre, pero no es verdad. Lo uso porque es más fácil, porque puedo esconderme detrás de su grandeza.”” ¿Te acuerdas de cuando eras un crío y tu padre te acompañaba a los partidos?”” Claro que sí. Nunca olvidaré lo orgulloso que me sentía al verlo animarme desde la grada.”. El diálogo sólo se ve interrumpido por dos voces en off, que nos informan de lo que sucede al otro lado de la puerta del vestuario, dónde todos esperan expectante al resultado de este encierro tan poco “común”. Estas voces en off, aparecen como contrapunto, y hacen que espectador sienta más real la acción que se desarrolla en el escenario. “VOZ EN OFF 1. Gracias, Alfredo. Seguiremos atentos a todo

“El discurso escénico es contundente, nos confronta, nos sacude desde el primer minuto, nos lleva a plantearnos si de verdad somos tan tolerantes como nosotros mismos pensamos...” los diálogos podemos ir configurando el carácter de cada personaje, la expresión de sus sentimientos más profundos, llegan a conmover a quienes los escuchan. “Es mentira, Álex. Sí que te quiero a mi lado. ¿Cómo no te iba a querer cerca si eres el motor que me mueve cada día?”” Sí, Álex, eres mi temeraria decisión. Eres el camino que hace doce años decidí recorrer sin mirar atrás.” 33


vida con tu suicidio, así que quiero escuchar el porqué de tu boca. Me niego a verte morir sin saber si pude hacer algo por evitarlo.” Junto a los subcódigos complementarios de los personajes, se encuentran también los subcódigos que hacen mención a la escenografía. Entre los elementos materiales del decorado que conforman este espacio escénico. Como es característico en las obras de teatro el autor sólo aparece a través de estás breves acotaciones, para como hemos dicho previamente, describir el escenario y el comportamiento de los personales. “Nuevamente a oscuras. La triste melodía sigue reinando. Cuando el ambiente está empapado de la apesadumbrada música, vuelven a aparecer las VOCES EN OFF.” “Suena la señal horaria que marca las once de la noche. La luz regresa a la escena.”” rompe la magia de la ensoñación y regresa a su puerta y a su pistola.” En mi opinión la trama de la historia es trabajada con un profundo profesionalismo nos invita a la reflexión desde el comienzo de la obra al fin. Es una propuesta donde la emotividad es de gran calidad, el teatro respira en cada diálogo de los personajes. Sin más preámbulos aconsejo acercarse a la sala donde sea representada y en su defecto leer el texto, ya que quedaremos satisfechos en ambos casos.

“El diálogo entre los dos únicos actores centrales es emotivo, desnudo, lleno de realidad, sin ningún tinte que disfrace el tema que aborda...” lo que acontezca en el estadio””VOZ EN OFF 2. Buenas noches de nuevo, oyentes y compañeros. Efectivamente, hay novedades. La Policía Nacional nos acaba de confirmar que han dejado pasar al vestuario a Alex”” VOZ EN OFF 1. Y cuando el reloj está a punto de marcar las once de la noche, vamos a volver a la noticia de la jornada.”” VOZ EN OFF 2. Nada nuevo, compañeros. Como bien decís, no hay comunicados oficiales. Además, nuestra labor informativa se ha vuelto más complicada, ya que las fuerzas de seguridad han acordonado la zona” Los personaje tiene una forma de expresarse concreta, acorde con su carácter, su edad, su procedencia, su estrato social, su formación, etc. “Vas a joderme la

Solo en la cumbre

Olga Mínguez Pastor Editorial: Colección Teatro, 57 ISBN: 978-84-16107-51-3

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Literatura

Il Postino JOSÉ SARAMAGO LA PALABRA LÚCIDA POSIBLE

Por: Giuseppe Quaranta

Es el primer escritor en lengua portuguesa que ha recibidoel Premio Nobel de Literatura y uno de los novelistas contemporáneos más importantes. Tanto en su obra como en sus intervenciones públicas o en sus colaboraciones periodísticas, destaca su compromiso con el género humano y una gran preocupa-

ción ética. Nacido en una familia de extracción humilde, Saramago se crió en Azinhaga y en Lisboa, donde comenzó a estudiar a los 12 años aunque no logró completar su formación debido a problemas económicos. Podríamos decir que a partir de ese momento combinó su trabajo en un taller con el estudio 36


“Es el primer escritor en lengua portuguesa que ha recibidoel Premio Nobel de Literatura y uno de los novelistas contemporáneos más importantes...” autodidacta, algoque le sirvió años más tarde para entrar como oficinista en la administración de la Seguridad Social. Asentado en su nuevo trabajo y recién casado, Saramago publicó Tiempo de pecado (1947), quepasó sin pena ni gloria por el panorama portugués. A partir de ese momento se produce un largo parón en la carrera literaria de Saramago que no retomaría hasta casi veinte años más tarde.Mientras tanto, Saramago colaboró con periódicos y revistas y pasó a trabajar para una editorial como traductor. Eran los años de la dictadura salazarista y debido a sus ideas de izquierda tuvo muchos problemas con la censura a la hora de publicar. Afiliado desde 1969 al Partido Comunista de Portugal, Saramago abandonó su trabajo editorial para dedicarse por completo a su carrera literaria. Tras publicar Probablemente alegría llegaría a Portugal el movimiento de la Revolución de los Claveles, en elque se implicó completamente. Es a partir de la llegada de la democracia a Portugal que Saramago comienza su etapa más conocida y activa. Su Memorial del convento es adaptado a la ópera en 1982 y apenas dos años más tarde vería publicada una de sus obras más conocidas, Elaño de la muerte de Ricardo Reis.

y lo humano, sobre religión y política, sobre los conceptos de historia, tiempo y arte esperándose de él, de forma casi ansiosa, una respuesta(satisfactoria siempre). Dice Octavio Paz en su ensayo El arco y la lira que «[p]or obra de la imaginación el hombre sacia su infinito deseo y se convierte él mismo en ser infinito». Así Saramago,en su deseo de equilibrar el presente, caracterizado por la incomodidad que resulta para la conciencia la cada vez mayor supuesta comodidad de la sociedad occidental, reescribe el pasado y lo dota de una magia prodigiosa, al tiempo que imagina un futuro descalabrado e inquietante que fuerza a la reflexión, convirtiendo su obra en una gran alegoría del mundo enraizada siempre en un profundo compromiso social.

De Saramago se elevaba su sabiduría, su capacidad para ver, analizar y diagnosticar con clarividencia las incertidumbresde la sociedad occidental contemporánea, a la que definía como capitalista, acomodaticia, deshumanizada, distraídamente televisiva y falsamente democrática, así como su don para transmitir unas claves de pensamiento y de percepción que eran tomadas como universales desde la propia individualidad del escritor. No hay más que releer las muchas entrevistas que se le realizaron o el registro de correspondencia de los lectores que Saramago recoge en su producción diarística. A Saramago se le preguntaba con frecuencia sobre lo divino

La literatura de Saramago, desde su racionalidad de porte seguro, denota una tendencia constante hacia la atemporalidad; estando o no situada en un tiempo concreto,su obra ofrece una lectura del hombre actual orientado al pasado y al futuro, pero siempre a un nuevo conceptodel mundo. Así, en Memorial do Convento, O Ano da Morte de Ricardo Reis, História do Cerco de Lisboa o A Viagem do Elefante, Saramago recrea el pasado, sea ésteel siglo xvii, la década de 1930, el siglo xiii o el xvi, y reformula una propuesta de historiac apaz de ilustrar el presente. Partiendo 37


de datos históricos como la construcción del convento de Mafra, la muerte de Pessoa, la lucha de los cruzados contra lo smusulmanes en el Portugal de la Edad Media o el periplo de un elefante indio desde Portugal a Austria, Saramago funde datos reales y ficticios y genera una realidad inventada y poética, casi alquímica, con la que consigue encantar al lector y hacerle reflexionar desde otros tiempos sobre su entorno presente. Recrea, así, una historia de prodigios en la que se encuentran Baltasar Sete-Sóisy Blimunda Sete-Luas, el padre volador Bartolomeu. Hay dos obras dentro de su producción novelística que tuvieron una marcada influencia en su vida personal. En primerl ugar, encontró a su mujer, la periodista Pilar del Río, después de que ella quisiese conocerle tras haber leído Memorial do Convento. Desde ese momento, los relojes de la casa de Saramago y Pilar del Río estuvieron parados a las cuatro de la tarde, la hora en la que se conocieron. Concuerda esto con la preocupación del escritor por el tiempo y lo casual, por la scoincidencias y las señales,por eso smomentos en los que, como él mismo decía, se produce una «vibración de la atmósfera» que hace que sucedan las cosas más extraordinarias. La segunda obra cuya publicación tuvo una marcada influencia en su vida, fue O Evangelho Segundo Jesus Cristo no sólo por la reacción contraria de la Iglesia Católica,sino por la respuesta política que provocó al haber sido vetada al Premio Literario Europeo por la Secretaría de Cultura del Gobierno portugués del momento, por considerar que se trataba de una obra ofensiva para los católicosy que no representaba a Portugal. Tras este veto, Saramago abandona Portugal para instalarse en Lanzarote, algo que no ve como un exilio sino que lo compara a la emigración que tantos de sus compatriotas tuvieron que emprender. Esta elección de Lanzarote como lugar de vida, una suerte de Azinhagare encontrada, confluye con su pensamiento iberista presente a lo largo de su obra, en su ficción A Jangada de Pedra, donde imagina la escisión de la Península Ibérica de Europa y también en su producción ensayística y en sus diarios. Refleja esta filosofía la preocupación del escritor por el papel de Portugal en una Europa unida más preocupada por lo mercantil que

“De Saramago se elevaba su sabiduría, su capacidad para ver, analizar y diagnosticar con clarividencia las incertidumbres de la sociedad occidental contemporánea...” por lo social. La reacción del Gobierno Portugués contra O Evangelho Segundo Jesus Cristo tuvo, además la consecuencia, de convertir la obra de Saramago en un asunto de Estado. Así, en esa misma época, en Mafra, escenario de la obra Memorial do Convento, el ayuntamiento adoptó una postura contraria al escritor, algo que le produjo enorme malestar. Se convierte en este momento político en un escritor controvertido en Portugal y acogido en España. Algunas de estas opiniones aparecerían publicadas posteriormente enel libro O Caderno. No obstante, Saramago con la coherencia de su palabra proyectaba su propia ética y trascendía todas las situaciones de controvertida adversidad. Falleció a los 87 años, eldía 18 de junio de 2010, en su residencia de la localidad de Tías 38


(Lanzarote, Las Palmas), a causa de una leucemia crónica qued erivó en un fallo multiorgánico. Había hablado con su esposa y pasado una noche tranquila. Saramago escribió hasta el final de su vida, pues se dice que llevaba 30 páginas de una próxima novela.8 Las cenizas del novelista portugués fueron de positadas el 18 de junio del 2011 al pie de un olivo centenario, traído de su pueblo natal y trasplantado en el Campo das Cebolas frente a la Fundación José Saramago Casa dos Bicos de Lisboa, al cumplirse el primer aniversario de su muerte.

A Viagem do Elefante, 2008, ElViaje del Elefante, Madrid, Alfaguara, trad. de Pilar del Río. Caim, 2009, Caín, Madrid, Alfaguara, trad. de Pilar del Río. Poesía

Bibliografia

O Ano de 1993, 1975, ElAño de 1993, Badajoz, Del Oesteediciones, trad. de Ángel Campos Pámpano. Poesía completa, Madrid, Alfaguara, trad. de Ángel Campos Pámpano. Piedra de Luna. 59 poemas y un madrigal (antología), Granada, Comares, trad. de Fidel Villar Ribot.

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In Nomine Dei, 1993, In Nomine Dei, Barcelona, Ronsel, trad. de Basilio Losada. Relato Objecto Quase, 1978- Casi un objeto, Madrid, Alfaguara, trad. de Eduardo Naval. O Conto da lha Desconhecida, 1997, El cuento de la isla desconocida, Madrid, Alfaguara, trad. de Pilar del Río. A Maior Flor do Mundo, 2001, La flormás grande del mundo, Madrid, Alfaguara, trad. de Pilar del Río. Ensayo, crónica, viajes Deste Mundo e do Outro, 1971, De este mundo y del otro, Barcelona, Ronsel, trad. de Basilio Losada. A Bagagem do Viajante, 1973, Las maletas del viajero, Barcelona, Ronsel, trad. de Basilio Losada. Viagem a Portugal, 1981, Viaje a Portugal, Madrid, Alfaguara, trad. de Basilio Losada. Diario, memorias Cadernos de Lanzarote I-V, 1994-1998, Cuadernos de Lanzarote I 19941996, Madrid, Alfaguara, trad. de Eduardo Naval. Cuadernos de Lanzarote II 1997-1998, Madrid, Alfaguara, trad. de Pilar del Río. AsPequenasMemórias 2007, Las pequeñasmemorias, Madrid, Alfaguara, trad. de Pilar del Río. O Caderno, 2009, ElCuaderno, Madrid, Alfaguara, trad. de Pilar del Río

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Santiago de Compostela - Galicia - EspaĂąa


Música

El menú del Chez Maxime Ganz Por: Aimé Lambert (Pianista y Compositor)

Pensábamos que no había mucho más que añadir a la alabanza dedicada al violonchelista Maxime Ganz, pero esto era erróneo.

ción de directores de reconocidas orquestas. De un temperamento ardiente, que mana sangre eslava y América del Sur, el joven violonchelista, de hecho, dan todo y completamente en sus interpretaciones.

Aquí es un artista que a su edad tiene un gran dominio de su instrumento, y en la presentación de su menú, un impresionante repertorio de obras de compositores antiguos o contemporáneos y se ha interpretado bajo la direc-

Entre el violonchelista se distingue por su energía que a veces debe ser canalizada, de42


¿Dónde está la originalidad del artista? En su presencia, su personalidad que es la suficiente para convencer sin dudas. Sus interpretaciones que son concisas y precisas como los cortes de un cirujano, y que están destinadas a convencer de forma natural. Y esta es la fuerza de Maxime Ganz. Como dijo Adorno “la expresión polariza la coherencia musical a su extremo, esta sucesión extrema aporta coherencia” A veces olvidamos el trabajo para centrarnos en el hombre que está interpretando la pieza porque su temperamento a la hora de interpretarla es conciso y fluido. No distingo fallos técnicos o mala interpretación (ya que son verdaderamente buenos en la interpretación definitiva de la pieza) Y pienso que entre la gran cantidad de violonchelistas es más una luz que deslumbra a través de su instrumento. Nos encontramos ante un artista atractivo, sensible, independiente, sofocado romántico, lleno de promesas, un músico que parece encontrar su verdadero camino, en perpetua búsqueda de su verdadera naturaleza interna.

bido a la pasión y el riesgo intuitivo de retraer los detalles del fondo, que son a menudo más importante que el pórtico del templo de la música.

Traducido por: Inma J. Ferrero

Sus cualidades residen en la creencia de que tiene que tocar el repertorio, convencido de que incluso siendo este audaz, éste debe convencer al público. Al diablo con el sello o un vibrato exagerado, como a menudo hacen sus colegas, siendo principal su versión y su visión de la obra, es tan bueno como los otros artistas. Como el restaurante “Maxim” en París, Irma, la actriz dice Gaillard: “Voy a tirar la gorra” Deslumbrado por lo que se descubre de este intérprete, que ha ascendidio rápidamente con mucho éxito. En el menú de Maxime Ganz apreciamos, aperitivos y viandas, no demasiado pesadas, ya que está formado de refinados y platos y postres.

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Música

PAPEL DE LA EDUCACIÓN DEL MÚSICO EN LA MÚSICA DE NÚCLEO ATONAL Y VICEVERSA. Por: Agustín Barahona (Compositor)

Planteamiento inicial del debate:

educación.

«Hay quien dice que el futuro de la música de núcleo atonal depende de la educación impartida por los profesionales en los centros de

A) Supongamos que fuera cierto. En tal caso: 1.- ¿podría ser educada por profesionales a 44


los que esta música no sólo les desagrada sino que pueden mostrar que es contraria a los requerimientos necesarios para poder enseñar música?; y si no es así

de esa música; si depende de la necesidad de creer en ella como el futuro de la humanidad 2.- ¿se puede forzar a creer en algo acientífico en lo que el alumno no tiene por qué creer porque, además, se trata de algo tan íntimo como el gusto musical y las preferencias estéticas?; si la educación ha de ser científica ¿puede la labor del profesor tornarse en guía de creencias?; si, por muy raro que fuese, la respuesta fuera que sí…

2.- ¿debería hacerse una selección y sólo admitir a los profesores que les guste ese tipo de música y puedan demostrar que tiene alguna faceta formativa específica y privativa que la hagan imprescindible?; en tal caso ¿serán un número suficiente para cubrir las plazas que se necesitan realmente?; y si no es así y no queda más remedio que contar con todos

3.- ¿se pueden evaluar el gusto y las preferencias estéticas? Y si no se pueden evaluar…

3.- ¿cómo se podría obligar a un profesor a transmitir el entusiasmo por algo que no le agrada y de lo que puede argumentar que es una farsa y en qué consiste?; ¿cómo se podría evitar que, en virtud de su conciencia y su libertad de cátedra, enseñara a sus alumnos en qué consiste la farsa y por qué la considera perjudicial para la música?

4.- ¿tiene algún sentido incluir materias y formación cuya evaluación y contenidos dependan de esto? En pocas palabras y como resumen: dadas las condiciones de los supuestos A o B… ¿pervivirá, pues, la musica de núcleo atonal en cuanto deje de ser sostenida por las subvenciones políticas en vez de por el público directamente?»

B) Supongamos ahora que no fuera cierto. En tal caso: 1.- entonces ¿de qué depende la pervivencia

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Entrevista

Juan Enrique Sainz el instrumento como materialización del alma Por: Inma J. Ferrero

mientras cursaba mis estudios de Educación General Básica todos los días teníamos ensayo y clases de solfeo. Cantábamos todos los domingos en los oficios religiosos. Fue allí donde conocí muchísimo repertorio. Desde el canto gregoriano, polifonía sacra española, etc. Fui niño cantor hasta los catorce años, año en que concluí mis estudios básicos y en el que la voz me empezó a cambiar.

En esta ocasión PROVERSO acoge entre sus páginas a Juan Enrique Sainz, al que agradecemos su colaboración en nuestra revista. R.P: ¿Cuándo comenzaste tus estudios de música? ¿Por qué el violoncello y no otro instrumento? J.E.S: Cuando tenía siete años mis padres me matricularon en un colegio que tenía una Escolanía. La Escolanía Mater Amábilis. Allí

Por aquel entonces, creo que cuanto contaba 46


con once o doce años, el colegio organizo una actividad en la que vino una orquesta sinfónica para un concierto pedagógico. Fue ahí donde me fijé en el violoncello. Bueno, en realidad me fijé antes en el contrabajo, ese instrumento que en la orquesta tiene una visión predominante. Poco después la Asociación de Padres organizó una rifa para comprar instrumentos de arco y así poder empezar a organizar una pequeña orquesta infantil. El proyecto quedó ahí pero algunos alumnos pudimos disfrutar una vez a la semana de clases de intrumento. Fue en ese momento cuando empecé a recibir clases de intrumento.

permitieran tocar el repertorio. Escalas, arpegios, estudios. Como les digo a mis alumnos el estudio de la técnica es como un artesano que va invirtiendo en adquirir las herramientas necesarias para ejercer su trabajo. Una vez que las tienes sólo tienes que utilizarlas en el momento adecuado. Siempre las tienes ahí. Evidentemente sigo trabajando algo de técnica, sobre todo al comienzo de mi sesión de estudio. A la hora de afrontar una nueva composición, aparte de intentar conocer al compositor y las circunstancias en la que compuso la obra, lo primero que hago es coger la partitura y analizar en profundidad los arcos y las digitaciones que voy a emplear. Después, ya con el instrumento, hago una lectura de la misma, incidiendo en los pasajes más complicados. Además, y es lo que más me gusta, intento imaginar lo que el compositor quería decir con cada nota. Lo que me sugiere determinada frase y experimento los distintos “colores” que puedo imprimir a cada sección. Después el tiempo hace que la interpretación vaya madurando. Sobre todo me gusta jugar mucho con la imaginación y provocar contrastes muy acentuados.

Cada año algunos de mis compañeros y yo acudíamos a presentarnos a los exámenes libres que por aquellos años ofrecía el Conservatorio Superior de Música de Madrid. Al acabar el colegio con catorce años decidí matricularme oficialmente en ese conservatorio y continuar con mis estudios musicales. R.P: ¿Cuál es tu repertorio favorito? J. E. S: Me apasiona cualquier tipo de música pero puestos a elegir me quedo con la gran música sinfónica del siglo XIX y comienzos

R.P: ¿Qué concepción tienes de la relación entre el músico y el instrumento?

“Mi padre tenía algunos discos de música clásica en casa y recuerdo desde la más tierna infancia esa maravillosa música...”

J. E. S: Para mí el instrumento es como la materialización de nuestra alma. Podemos “decir” con él cosas que con palabras no se pueden decir. Es, por así decirlo, como una prolongación de nuestro ser. En el caso del violoncello existe casi una relación intima de contacto. Nosotros abrazamos al violoncello y ese contacto hace que cuando tocamos, todo nuestro cuerpo vibra, somos también parte de su caja de resonancia.

del XX. Brahms, Mahler, Tchaikowsky, Shostakovich, etc. Sin olvidarme de las sinfonías de Beethoven. Es la primera música que recuerdo de niño. Mi padre tenía algunos discos de música clásica en casa y recuerdo desde la más tierna infancia esa maravillosa música. En cuanto al repertorio violoncellístico también me quedo con esos autores.

R.P: Eres también maestro de violoncello en el conservatorio ¿Qué te llevó a desempeñar esta labor?

R.P: ¿Dedicas mucho tiempo al estudio de la técnica? ¿Cómo estudias y profundizas en una composición?

J. E. S: Fue de casualidad. En aquella época, 1991, estaba tocando en varias orquestas y agrupaciones a la par que estaba terminando mis estudios superiores en el Conservatorio. Tenía ya una edad en el que uno tenía

J. E. S: En su momento dediqué mucho esfuerzo a conseguir las herramientas que me 47


por el conservatorio infinidad de leyes nuevas. Empezando por la LOGSE y acabando por la última LOMCE. Pienso que en todas ellas no se les ha dado y da las facilidades necesarias a los alumnos de un conservatorio para que puedan simultanear y convalidar sus estudios. Jornadas maratonianas de colegio e Instituto, cantidad ingente de deberes y la cantidad de horas que un alumno debe pasar en un conservatorio, sin contar las horas de estudio individual que necesitan, hace que en un determinado momento este, a no ser que tenga una verdadera vocación, se desanime y no continúe con sus estudios musicales. Si a eso le añadimos que desgraciadamente la cultura está viviendo uno de sus peores momentos en este país tenemos la mezcla perfecta para que, en un momento determinado de su formación, el alumno opte por otras opciones de futuro. R.P: Dirigías la Orquesta infantil de cuerda y ahora diriges la orquesta de cuerda de primeros cursos de grado profesional del conservatorio donde impartes clases ¿Qué destacarías de estas dos experiencias?

“...el arte no es rentable, no produce, por lo menos a los ojos de los ignorantes que nos gobiernan...”

J. E. S: Toda labor de equipo es muy gratificante. En unas enseñanzas instrumentales en el que la individualidad es predominante, la posibilidad de que muchos alumnos hagan música juntos establece entre ellos unos vínculos personales tremendos. En el plano personal es una experiencia muy enriquecedora. Me permite “salir” de la dinámica de las clases “bis a bis” con el instrumento para obtener unos resultados globales muy satisfactorios. Cada año me sorprendo más con los resultados musicales que se obtienen con unos jóvenes que a priori no dominan el instrumento.

que mirar ya por conseguir una situación más o menos estable. En 1991 empecé a trabajar como profesor interino en el Conservatorio de Tarazona y ese mismo curso se convocaron oposiciones. Era condición “sine qua non” que todos los profesores que estábamos trabajando nos presentáramos a las oposiciones para poder seguir ejerciendo nuestra labor. Pues bien, me presenté y las saqué. Desde entonces transité por varios conservatorios (Cáceres y Puertollano) hasta que hace ya veinte años conseguí mi destino en el Conservatorio Profesional de Música Arturo Soria de Madrid.

R.P: Hace tres años comenzaste a estudiar dirección de Orquesta ¿Qué te llevó a querer continuar tu carrera en el mundo de la música en este terreno?

R.P: ¿Qué piensas del actual programa de estudios de música en España?

J. E. S: De siempre me ha llamado la atención la figura del director de orquesta. En mi época de estudiante sólo podían estudiar dirección de orquesta los alumnos pianistas

J. E. S: Bueno, es una pregunta delicada. Desde que ejerzo la docencia han pasado 48


ciones artísticas. En una sociedad de consumo como la que vivimos, en el que prevalece el dinero al amor, el arte no es rentable, no produce, por lo menos a los ojos de los ignorantes que nos gobiernan, sean de uno u otro partido. Partimos de una “no tradición” en lo que a la música culta se refiere. (A mí me gusta llamarla así pues hace música culta el que realmente lo ha estudiado). ¿Qué podríamos hacer? Realmente no lo sé. Quizás se lo tendríamos que preguntar a los alemanes y austriacos. Es una cuestión cultural inherente a la sociedad. Llevamos muchísimos años de retraso con respecto a otros países. Fíjate en el caso del Sistema Venezolano. En un país del que pensamos que está por debajo de nosotros a muchos niveles, han sido capaces de promover socialmente una educación de la que todos sus habitantes están orgullosos y lo venden al mundo. Es un trabajo a largo plazo que en este país no se está dispuesto a hacer.

que hubieran acabado su carrera de composición. Debido a mi carrera instrumental esa oferta me estaba totalmente vedada. Hace unos años conocí por internet la Escuela de Dirección de orquesta “Maestro Navarro Lara” que permitía a cualquier alumno estudiar Dirección de Orquesta con la posibilidad de obtener, una vez terminados los estudios de tres años, la licenciatura por la “Royal School of Music” de Londres. Hace tres años y debido a circunstancias personales, necesitaba dar un nuevo impulso a mi vida y recordé dicha escuela. Me animé y aquí estoy, acabando el último año y preparándome para en breve conseguir el título. R.P: ¿Crees que actualmente la música clásica tiene influencia en España? ¿Qué podría mejorar en nuestro país con respecto a ella? J. E. S: Pues no toda la que se merece. Como he dicho antes vivimos en un país en el que no se da importancia a la Cultura con mayúsculas. No es rentable. Estamos viviendo un tiempo incierto en el que las instituciones, por regla general, no apoyan lo que deberían apoyar a la cultura. Lo vemos con el cine, el teatro, la música y tantas otras manifesta-

R.P: ¿Hay algo en el terreno musical que no hayas hecho aún y sueñes hacer? J. E. S: Tantos y tantos. La música es un pozo sin fondo, y cuanto más sabes sobre ella te das cuenta de todo lo que te falta por aprender. Actualmente mi mayor sueño es llegar a dirigir una orquesta sinfónica profesional. R.P: ¿Qué le dirías a los jóvenes que se acercan a la música clásica por primera vez? J. E. S: No hay que tener miedo a nada. El concepto de “música clásica” asusta por su etimología. Suena a antiguo, encorsetado, aburrido. No hay nada más que abrir tus oídos, tu corazón, tu alma y sentir… No tiene que gustarle a todo el mundo, al igual que no a todo el mundo le gusta el reagetón, pero si hay que dejarse embaucar por ella. No conozco prácticamente a nadie que no le guste siquiera una obra de música clásica. Como todo en esta vida hay que investigar, conocer y empaparse de todas las posibilidades que la música clásica nos ofrece. No todas te han de gustar pero estoy seguro que alguna de ella te llamará la atención y te llegará dentro. 49


Pintura

MIGUEL ÁNGEL UN GENIO EN EL ARTE Por: Isabel Rezmo

El arte está lleno de genios, aquellos que dejan su impronta en la historia. En la retina de quien los contempla. La pintura, escultura, literatura….Figuras a seguir, a tener en cuenta. Igual que un verso que se cuela por la retina, por las manos, toca el papel, y entonces se convierte en un referente cada vez que miramos hacia atrás.

tantas cualidades. Durante los cerca de setenta años que duró su carrera, Miguel Ángel cultivó por igual la pintura, la escultura y la arquitectura, con resultados extraordinarios en cada una de estas facetas artísticas. A Miguel Ángel se le atribuye una cualidad, denominada terribilità, a la que puede atribuirse la grandeza de su genio; dicho término se refiere a aspectos como el vigor físico, la intensidad emocional y el entusiasmo creativo, verdaderas constantes en las obras de este creador

Después de Leonardo Da Vinci, no hay en el arte alguien que haya reunido en torno a él 50


que les confieren su grandeza y su personalidad inimitables. No podía faltar en nuestra sección y hoy PROVERSO acerca a sus lectores su vida, obra y figura. VIDA (Miguel Ángel Buonarroti, en italiano Michelangelo; Caprese, actual Italia, 1475 - Roma, 1564) Escultor, pintor y arquitecto italiano. Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento italiano. La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras maestras. Aprendió pintura en el taller de Ghirlandaio y escultura en el jardín de los Médicis, que habían reunido una excepcional colección de estatuas antiguas. Dio sus primeros pasos haciendo copias de frescos de Giotto o de Masaccio que leEn 1496 se trasladó a Roma, donde realizó dos esculturas que lo proyectaron a la fama: el Baco y la Piedad de San Pedro. Esta última, su obra maestra de los años de juventud, es una escultura de gran belleza y de un acabado impecable que

de los bloques de mármol unas figuras que parecían estar ya contenidas en ellos.sirvieron para definir su estilo.

“La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras maestras...“

En 1505, cuando trabajaba en el cartón preparatorio de la Batalla de Cascina (inconclusa) para el Palazzo Vecchio, el papa Julio II lo llamó a Roma para que esculpiera su tumba; Miguel Ángel trabajó en esta obra hasta 1545 y sólo terminó tres estatuas, el Moisés y dos Esclavos; dejó a medias varias estatuas de esclavos que se cuentan en la actualidad entre sus realizaciones más admiradas, ya que permiten apreciar cómo extraía literalmente de los bloques de mármol unas figuras que parecían estar ya contenidas en ellos. Julio II le pidió también que decorase el techo de la Capilla Sixtina, encargo que Miguel Ángel se resistió a aceptar, puesto que se consideraba ante todo un escultor, pero que se convirtió finalmente en su creación más sublime. Alrededor de las escenas centrales, que representan episodios del Génesis, se despliega un conjunto de profetas, sibilas y jóvenes desnudos, en un todo unitario dominado por dos cualidades esenciales: belleza física y energía dinámica.

refleja su maestría técnica. Al cabo de cinco años regresó a Florencia, donde recibió diversos encargos, entre ellos el David, el joven desnudo de cuatro metros de altura que representa la belleza perfecta y sintetiza los valores del humanismo renacentista. En 1505, cuando trabajaba en el cartón preparatorio de la Batalla de Cascina (inconclusa) para el Palazzo Vecchio, el papa Julio II lo llamó a Roma para que esculpiera su tumba; Miguel Ángel trabajó en esta obra hasta 1545 y sólo terminó tres estatuas, el Moisés y dos Esclavos; dejó a medias varias estatuas de esclavos que se cuentan en la actualidad entre sus realizaciones más admiradas, ya que permiten apreciar cómo extraía literalmente 51


“La cúpula de la Basílica de San Pedro, una de las piezas más perfectas y más felizmente unitarias jamás concebidas...“

En 1516 regresó a Florencia para ocuparse de la fachada de San Lorenzo, obra que le dio muchos quebraderos de cabeza y que por último no se realizó; pero el artista proyectó para San Lorenzo dos obras magistrales: la Biblioteca Laurenciana y la capilla Medicea o Sacristía Nueva. Ambas realizaciones son en el aspecto arquitectónico herederas de la obra de Brunelleschi, aunque la singular escalera de acceso a la biblioteca, capaz de crear un particular efecto de monumentalidad en el escaso espacio existente, sólo puede ser obra del genio de Miguel Ángel. La capilla Medicea alberga dos sepulturas que incluyen la estatua del difunto y las figuras magistrales del Día, la Noche, la Aurora y el Crepúsculo.

guel Ángel mantuvo una actitud muy distinta al constante y angustiado batallar que había caracterizado hasta entonces su existencia, con lo que pudo afrontar con un insólito sosiego el paso de la madurez a la ancianidad. En los últimos años de su vida, Buonarroti se reveló como un gran arquitecto. Fue en 1546 cuando el papa Paulo III le confió la dirección de las obras de San Pedro en sustitución de Sangallo. Primero transformó la planta central de Bramante y luego proyectó la magnífica cúpula, que no vería terminada.

En 1534, Miguel Ángel se estableció definitivamente en Roma, donde realizó el fresco del Juicio Final en la capilla Sixtina y supervisó las obras de la basílica de San Pedro, en la que modificó sustancialmente los planos y diseñó la cúpula, que es obra suya. Su otra gran realización arquitectónica fue la finalización del Palacio Farnesio, comenzado por Sangallo el Joven. A juicio de Giorgio Vasari, historiador del arte, arquitecto y pintor contemporáneo de Miguel Ángel, los frescos de la Capilla Sixtina eran “una obra cumbre de la pintura de todos los tiempos, con la que se desvanecían las tinieblas que durante siglos habían rodeado a los hombres y oscurecido el mundo”. Julio II, en su lecho de muerte, se declaró feliz porque Dios le había dado fuerzas para ver terminada la obra de Miguel Ángel, pudiendo así conocer de antemano a través de ella cómo era el reino de los cielos.

La cúpula de la Basílica de San Pedro, una de las piezas más perfectas y más felizmente unitarias jamás concebidas, es junto al proyecto de la Plaza del Campidoglio y al Palacio Farnesio la culminación de las ideas constructivas de Miguel Ángel, que en este aspecto se mostró, si cabe, aún más audaz y novedoso que en el ámbito de la pintura o la escultura. En su arquitectura buscaba ante todo el contraste entre luces y sombras, entre macizos y vacíos, logrando lo que los críticos han denominado “fluctuación del espacio” y anticipándose a las grandes creaciones barrocas que más tarde llevarían a cabo grandes artistas como Bernini o Borromini. A partir de 1560 comenzó a padecer una serie de dolencias y achaques propios de la ancianidad. Mientras los expertos empezaban a considerarle superior a los clásicos griegos y romanos y sus detractores le acusaban de falta de mesura y naturalidad, Buonarroti se veía obligado a guardar cama y era víctima de frecuentes desvanecimientos. A finales de 1563 se le desencadenó un proceso arteriosclerótico que le mantuvo prácticamente inmóvil hasta su muerte. Poco antes, aún tuvo tiempo de reunir, ayudado por su discípulo Luigi Gaeta, cuantos bocetos, maquetas y cartones había diseminados por su taller, con objeto de quemarlos para que nadie supiese jamás cuáles habían sido los postreros sueños artísticos

También cultivo la poesía. En 1536 emprendió la realización de un grandioso fresco destinado a cubrir la pared del altar de la Capilla Sixtina: el Juicio Final. Ese mismo año conoció a Vittoria Colonna, marquesa de Pescara. A ella iba a dedicarle sus mejores sonetos, en los que refleja al mismo tiempo su pasión platónica y su admiración por la que sería la única mujer de su vida. Vittoria Colonna representó, para el alma desilusionada y solitaria de Miguel Ángel, un consuelo y un remanso de paz; se erigió en guía espiritual y moral del artista y dio un nuevo sentido a su vida. Incluso después de la muerte de su amiga, quizás el único ser que supo comprenderle y amarle, Mi52


del genio.

nacimiento italiano.

Apenas dos meses después, el 18 de febrero de 1564, se extinguió lentamente. Sus últimas palabras fueron: “Dejo mi alma en manos de Dios, doy mi cuerpo a la tierra y entrego mis bienes a mis parientes más próximos.” Cuatro hombres le acompañaron en esos instantes: Daniello da Volterra, TomasodeiCavalieri y Luigi Gaeta, sus más fieles ayudantes, y su criado Antonio, que fue el único capaz de cerrar sus párpados cuando expiró. Con él moría toda una época y concluía ese portentoso momento histórico que conocemos como Re-

Su epitafio bien podría ser aquel que el mismo Miguel Ángel escribió para su amigo CechinodeiBracci, desaparecido en la flor de la edad: Por siempre de la muerte soy, y vuestro sólo una hora he sido; con deleite traje belleza, mas dejé tal llanto quevaliérame más no haber nacido. OBRA Y FIGURA Asimilable en sus inicios a la corriente del Cinquecento, en su magnífica obra es apreciable, casi desde los comienzos de la misma, una potente manifestación de los sentimientos que derivará en monumentales y poderosas figuras por completo manieristas MichelangeloBuonarroti fue un hombre solitario, iracundo y soberbio, constantemente desgarrado por

“En la escultura utiliza todos los materiales trabaja fundamentalmente el mármol blanco de Carrara...“ 53


imagen de Dios.Él sólo esculpía la salvación, la condena, el espíritu y la carne, el destino del mundo, esa violencia interior, ese enfado y esa visión tan catastrofista del mundo. Miguel Ángel creía que en cada bloque de mármol en el que trabajaba existía un alma, una obra latente que él trataba de recuperar, tal es el caso del “David” y “Moisés”. En la pintura, sus obras tienen la capacidad para transmitir expresiones, no limitándose a ofrecer un excelente dibujo y un atractivo colorido. Presenta sus figuras con gran movimiento y expresividad marcada. La capacidad narrativa de Miguel Ángel es sabe manifestar la tensión del ambiente, tal como concibe la escultura. sus pasiones y su genio. Dominó las cuatro nobles artes que solicitaron de su talento: la escultura, la pintura, la arquitectura y la poesía, Durante su larga vida amasó grandes riquezas, pero era sobrio en extremo, incluso avaro, y jamás disfrutó de sus bienes. Si Hipócrates afirmó que el hombre es todo él enfermedad, Miguel Ángel encarnó su máxima fiel y exageradamente, pues no hubo día que no asegurase padecer una u otra dolencia.

Siempre trabajaba sólo, por su carácter fácilmente irritable y porque cuando estaba creando no vivía para nadie ni para nada. Dominó el estilo clásico monumental y sufrió una evolución hacia un expresionismo cada vez más dramático. Abandonó el clasicismo y empezó a hacer un arte convulsivo, pasional, dramático, de figuras inacabadas para acentuar el carácter de provisionalidad de la obra de arte. Su carácter se fue agriando cada vez más y eso se tradujo en la última fase artística de su vida.

Quizás por ello su existencia fue una continua lucha, un esfuerzo desesperado por no ceder ante los hombres ni ante las circunstancias. Acostumbraba a decir en sus últimos días que para él la vida había sido una batalla constante contra la muerte. Fue una batalla de casi noventa años, una lucha incruenta cuyo resultado no fueron ruinas y cadáveres, sino algunas de las más bellas y grandiosas obras de arte que la humanidad afortunadamente ha conocido. En la escultura utiliza todos los materiales trabaja fundamentalmente el mármol blanco de Carrara, para crear obras caracterizadas por la grandiosidad, el estudio perfecto de la armonía y la fuerza interior de los personajes, intelectual e idealizada..Estudió la obra de Donatello, y se educó en el círculo de los Medicis, donde entró en contacto con las ideas estéticas del neoplatonismo.Para Miguel Ángel la imagen del hombre es el vehículo supremo de la expresión. La Belleza se halla en el ser humano, un ser divino hecho a la 54


TU OSCURO NOMBRE

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Portafolios

Presentación de “6.0” Gastone Cappelloni Por: Elisabetta Bagli

El poeta de Las Marcas, Gastone Cappelloni, llegò a Madrid un año más para ofrecernos sus versos y darnos la posibilidad de conocerle más detenidamente. Esta vez lo hizo a través de los servicios editoriales de Il Mondo dello scrittore Network, asociación de la que es miembro y que le ha brindado la oportunidad de publicar su último poemario “6.0”, tra-

ducido por la poeta argentina Florencia Ordoñez, y a cargo de la mencionada Asociación de Promoción Socio-cultural. Tuvimos la oportunidad de escuchar sus versos en varias ocasiones en la capital española, junto a otros poetas de valiosa trayectoria literaria Tuve el gran placer de acompañarle 56


en su tour literario en Madrid, como Vicepresidenta de la Asociación italiana que lo publicó. Muchos fueron los poetas que quisieron rendirle homenaje para la ocasión. Además de Matteo Barbato y Marta Guardincerri que le acompañaron en unos programas radios de Julia Villalba y Marco Ricci y en el evento “Versos de Italia”, el poeta de Las Marcas visitò el Aula de poesía del Círculo de Bellas Artes de Madrid, invitado por el director del Aula de poesía Alfredo Piquer.

ca e irrepetible que entrega al mundo entero su ser. La mujer para él es “poesía pura”, así como lo son los recuerdos y la nostalgia para ellos, la dulzura de las sombras y los ojos antiguos, el orgullo de la dignidad humana que se manifiesta en cada letra. El poeta reúne en sus versos las palabras que componen el material lingüístico que responde a la necesidad de externalización, en el tiempo y en el espacio, de su vida, produciendo imágenes delicadas y elegantes del tiempo pasado que vive sólo en los recuerdos. “6.0” es la síntesis perfecta entre realidad y sueño, entre aspiración y anhelo.

El viernes 3 de febrero fue el gran día y Gastone Cappelloni presentó juntos con algunos poetas invitados (Inma J. Ferrero, María Ángeles Fernández Jordán, Juana Castillo Escobar, Félix Martín Franco, Elisa Mancini y Antonio Ruiz Pascual), su nuevo libro “6.0” en la Biblioteca Eugenio Trías de El Retiro.

Gastone Cappelloni en sus poemas aferra el sentido instintivo de los grandes valores universales de la vida y, a pesar de conocer la finitud de la existencia humana, anhela siempre el infinito, haciéndose preguntas que nos ayudan a reflexionar sobre nosotros mismos y el mundo.

Con ocasión de este evento, la A.P.S. Il Mondo dello scrittore Network colaboró con la Asociación Universum Academy Switerland en la sede de España, con la Asociación Dhama y con l’Associazione dei Pugliesi in Spagna.

Tal y como el poeta declara en la contraportada, “6.0” no es una fórmula matemática, sino el conjunto de los pensamientos y de los sentimientos de un hombre que ha madurado en el transcurso de su vida, una vida impregnada de sufrimiento, de amor y de amistad.

Os dejo con mi reseña del poemario “6.0”. Gastone Cappelloni es un poeta de gran prestigio que tiene publicados más de veinte poemarios. Gastone Cappelloni es un alma poética en el verdadero sentido de la palabra: asimila fervientemente todo lo que hay a su alrededor para llevarlo dentro de su espíritu, trabajarlo y convertirlo en la esencia viva de su profunda existencia. El poeta que vive en él es casi un vidente que se expresa con en el verso, un visionario que ve la poesía como la única manera de asir la vida. Gastone Cappelloni en su poemario “6.0” - título emblemático que quiere llevarnos al momento extraordinario en el que cumplirá los sesenta años de edad - nos dice cómo fue su vida, lo que le hace completamente feliz, dándonos a conocer sus afectos (como su Jenny, el perro volpino italiano), sus pensamientos acerca del mundo que le rodea, y nos toma de la mano para que descubramos la grandeza de su inspiración que procede de los acontecimientos cotidianos que le afectan directa o indirectamente. “La mujer siempre es el foco de sus pensamientos: mujer como madre, como esposa, hija, amante, mujer de belleza úni-

“6.0” es una especie de homenaje a las personas que han estado cerca de él, que le acompañarán en el futuro y a las muchas personas nuevas a quienes pueda interesar la poética de Cappelloni. “6.0” es un libro que merece la pena ser leído para saber un poco más de Gastone, hombre y poeta, pero, sobre todo, para descubrirnos a nosotros mismos.

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Portafolios

PALABRAS CON HISTORIA

“MATRIMONIO” Por: Marcos López Herrador El diccionario Espasa define el matrimonio como la unión de hombre y mujer concertado de por vida, mediante determinados ritos, según la ley y las costumbres, y que confiere a las personas interesadas determinados derechos y obligaciones.

Toda civilización parte, en su origen, del establecimiento de un orden social que permita fijar referencias para que cada persona pueda asumir su identidad y desarrollar su sentido de pertenencia. En este sentido, la familia es el instrumento básico para lograrlo, al facilitar que el individuo, en principio aislado, pueda establecer lazos de identidad y pertenencia con grupos humanos tan amplios como el desarrollo de cada civilización permita.

Pocas palabras contienen una riqueza semántica, cultural, religiosa, jurídica, social y política mayor que ésta, porque no en vano el matrimonio ha sido durante milenios la piedra angular de la construcción de cualquier sistema social civilizado.

Desde el matrimonio se construye la familia y se establece un orden en las relaciones de parentesco, protección yayuda mutua; en la 58


gestión patrimonial y de intereses económicos, su salvaguarda y herencia, que acaban por determinar el orden de la sociedad toda.

sociedad ha venido mostrándose contraria al matrimonio, reivindicando que el amor y la convivencia entre dos personas que se aman, no tienen por qué verse sometidos a la “tiranía” de papeles de los que se puede y debe prescindir.

El matrimonio fomenta la colaboración y la concordia al permitir que personas distintas y sin parentesco establezcan un vínculo superior a cualquier vínculo de sangrepara dar la vida a personas que sí que van a estar unidas por la sangre.

Resulta sorprendente que esa misma parte de la sociedad haya reivindicado con fuerza que no sólo se reconozcan las uniones entre homosexuales, sino que además hayan exigido y conseguido que se les llame matrimonio, a pesar de que estas uniones carecen de la cualidad de generar nuevas vidas. Se produce así el hecho insólito de que aquellos que dicen ser enemigos del matrimonio reivindican el matrimonio para quienes no pueden cumplir sus fines.

Precisamente, este es el elemento que ha servido para definir la esencia de la unión matrimonial y determinar su naturaleza que no ha sido otra, a lo largo de la Historia, que la de tener como fin principal la generación de vida,para su perpetuación,a través de los hijos. Si nos centramos en la palabra matrimonio como tal, no tendremos que hacer ningún esfuerzo para darnos cuentaque hace referencia a la mujer, especialmente en su condición y capacidad de sermadre. Véase que, a la unión entre hombre y mujer, en una sociedad patriarcal como la nuestra, no se le llama patrimonio, sino matrimonio, porque es la cualidad de ser madre, mater, matriz, la capacidad de crear nueva mater…, nueva materia humana, la que define esa unión y la que determina la finalidad perseguida.

Estos mismos que intentan cambiar la naturaleza de las cosas cambiándoles el nombre pretenden en este caso lo mismo, sólo que manteniendo el nombre para aplicarlo a lo que no es de la misma naturaleza. En definitiva, se podrá llamar a la unión de dos personas como se quiera, pero el matrimonio ha sido siempre la unión de un hombre y una mujer para compartir su vida, abierta, de manera natural, a generar nuevas vidas.

No son pocos los ataque sufridos por el matrimonio como institución; de ser una unión religiosa, considerada sacramento, ha pasado a ser una unión que puede realizarse en el ámbito exclusivo del Derecho civil. De estar considerado el matrimonio como una unión permanente e indisoluble, la general aceptación del divorcio ha hecho que el matrimonio hoy sea una institución de carácter transitorio, sometido exclusivamente a la voluntad de los contrayentes. El mismo concepto de familia ha variado hasta el punto de admitir como tal a las llamadas familias monoparentales. En los últimos años, nos encontramos con que la institución y el concepto mismo del matrimonio se ve cuestionado precisamente por quienes, en principio, son enemigos declarados del mismo. Desde finales del siglo XIX, una parte de la 59


Portafolios

EL ANAQUEL Los libros liberan más que nutren y quiero ser testigo de esta liberación.

Por: Matteo Barbato

Aprovecho la ocasión para dar las gracias a los lectores y sobre todo a quien me dio la posibilidad de expresarme a través de la palabra escrita: es todo un placer y un honor poder participar en esta espléndida revista, reseñando libros o más simplemente hablando de literatura. A todos, GRACIAS.

rre en las páginas de dicha novela) nuestro sacrificio personal y nuestra ignorancia son clave para que el Poder siga dominándonos. Ser conscientes de la realidad en la que vivimos, adquirir conciencia de la manipulación constante a la que estamos sometidos, son bases imprescindibles para liberarse.

En tiempos de incertidumbres, de nuevos muros y fronteras, de odio y de la creación de nuevos enemigos (la tergiversación de las palabras y la manipulación de la verdad son las virtudes de la maquinaria política), vuelve a ser actual la filosofía-ideología del Socing, cuyos fundamentos se hallan en la novela orwelliana. Su lema es: “La guerra es paz, la libertad es esclavitud, la ignorancia es la fuerza” y su clave de éxito es reescribir la historia según las necesidades del Partido. Hoy en día en muchas partes del mundo (como ocu-

El poder de la palabra, el lenguaje como creador de conciencia y el ejercicio de la lectura nos ayudarán a liberarnos. Propondré toda clase de libros (sin plan preconcebido) desde los clásicos a obras de autores desconocidos, desde los más vendidos hasta obras que son de dominio público. Paradójicamente, y aquí pongo fin a mi breve introducción, para evitar sufrir los males de nuestro tiempo, la esclavitud de la lectura nos hará libres. 60


Poesía ante la incertidumbre. Antología (Nuevos poetas en español). Varios Autores Visor, 2011.160 páginas. 10 euros De acuerdo con lo arriba mencionado, esta obra especifica que: “el poder de hoy no hace más que invitarnos al silencio, al fragmento, a las subjetividades ensimismadas y a la pérdida de diálogo entre las conciencias”. Ciertamente, como consideraba Octavio Paz, “la poesía es conocimiento, salvación, poder, abandono. Operación capaz de cambiar al mundo, la actividad poética es revolucionaria por naturaleza; ejercicio espiritual, es un método de liberación interior”. La poesía puede leerse como un instrumento de lucha ante el poder (entendiendo dicha lucha como libertad absoluta de pensamiento). En esta obra, gracias a las voces experimentadas de sus ocho autores, se advierte un “viaje a la esencia” como respuesta ante la incertidumbre (entendida a todos los niveles: político, económico, moral, etc.). Las emociones nos conducirán de la mano en este viaje a través de su transparencia: “La poesía, capaz de emocionar y comunicar conciencias, ayudará al hombre a soportar la existencia, mediante el levantamiento de su corazón, recordándole el coraje y el honor, la pasión y el orgullo, la compasión y la piedad y el sacrificio que han sido la gloria de su pasado”. Si nos reconciliamos con nuestras emociones daremos el primer paso para enfrentarnos a la alienación, a la deshumanización de nuestra sociedad: la obra es una válvula de escape, una reflexión sobre el mundo, un camino cómplice que nos conducirá, a través de un lenguaje accesible, a enfrentarnos a nuestra realidad. Muy recomendable. Novela de ajedrez – Stefan Zweig Novela de ajedrez (1941) es una obra maestra del escritor austriaco Stefan Zweig escrita poco antes de su suicidio, ocurrido el 22 de febrero de 1942. La obra, publicada de forma póstuma en 1944, es una clara crítica contra el régimen fascista cuyos métodos le obligan al exilio forzado. En sus páginas el Dr. B. es víctima de un método particular: durante mucho tiempo permanece en un aislamiento completo y total, en una habitación sin ventanas. Tras perder la noción del tiempo y rozando el borde de la locura, encontrará la forma de resistir,evadiéndose, con el estudio de un manual de ajedrez encontrado por casualidad. El “noble juego”, con sus infinitas posibilidades, mantiene viva su atención, permitiéndole jugar cientos de partidas en su cabeza a la vez que mantenerse cuerdo. La obra es el inolvidable retrato psicológico de un jugador de ajedrez bastante especial, cuya capacidad de resiliencia muestra a su vez las dotes del ser humano, la capacidad de resistencia que todos tenemos frente a una presión extraordinaria. 61


El libro es un trabajo sorprendente por todo lo que se puede contar en tan pocas páginas tan bien escritas e intensas. ¡Una pequeña joya muy recomendable! Uncido – Manuel Domínguez Marín Uncido, es una excelente fotografía novelada de la vida de varias generaciones arraigadas en la realidad española desde los años veinte hasta los años sesenta. Desde un latifundio andaluz, dos familias verán, a lo largo de varias décadas, cómo sus vidas se ven afectadas por la guerra, por la hambruna, por las carencias, por el sufrimiento, por la opresión, por las injusticias y, por otro lado, cómo estos mismos acontecimientos ayudarán al despotismo, a la opulencia o al privilegio de otras familias, los vencedores. Pese a que es la primera novela de este autor, debo decir que he aprendido mucho de su lectura: el léxico de la obra es riquísimo, la construcción es delicada, la narración y la descripción psicológica excelente: podríamos sustituir el autor y relacionar la obra con otro escritor consagrado y nadie lo descubriría. Quien descubra este libro, no saldrá indemne de él. Muy recomendable su lectura. Deudas contraídas - Ana Rossetti La Bella Varsovia, 77 pág. 10 euros El mundo se quiebra y la poesía lo sostiene. Lo sostiene con la fuerza de Ana Rossetti y sus verdades valientes, y sus golpes sobre la mesa. Frente a la realidad de la calle, Ana Rossetti crea un diálogo introspectivo y necesario con su lector y le pone ante un espejo, le hace partícipe, le abre los ojos cuando no quiere ver, le propone su lírica, su verso necesario y palmario. Su obra se convierte en una guía para enfrentarse a la crisis económica y de valores, a la pena de muerte, al aborto, a los asesinados, a nuestra manera de enfrentarnos a estos problemas, excesivamente dócil, hasta poner nombre a esas emociones, hasta transformar la rabia en verso libre. Porque estamos hechos todos de las mismas sustancias, porque todos somos uno. Muy recomendable.

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Hagakure, el camino del Samurái YAMAMOTO TSUNETOMO ARKANO BOOKS 224 pag. Hagakure, el camino del Samurái es un antiguo manual (se mantuvo secreto durante muchos años, pero llegó a convertirse en un clásico de la filosofía Samurái) que consiste en una serie de breves anécdotas yde reflexiones que al mismo tiempo aportanintrospección yconocimiento acerca de la filosofía y del código decomportamiento que promueve el verdadero espíritu del Bushido—el camino del guerrero—. Si se interpreta en su justa medida, la lectura de este libro puede ser útil para sobrevivir a nuestro moderno pragmatismo ymaterialismo: frente al creciente culto del YO de las sociedades occidentales (la masificación del comportamiento narcisista y de autopromoción orientados al éxito personal y al dinero) hay una alternativa filosófica que se encuentra en el Bushido, la aceptación total de la vida. Este manual enseña la aceptacióndel riesgo de la muerte: encomendarse a la Vía significa enfrentarse auna vida deluchay tener que asumir el riesgo de la muerte cuando se entra en un campo de batalla. Huir de todo ello es motivo de deshonra. El Samurái deberá cumplir con su meta: ser fiel a su código y a su señor cultivando un espíritu sin mancha, perfeccionándose a sí mismocon valentía, logrando una vida digna al igual que su muerte. Es un libro útil para ver y para verse desde una perspectiva distinta. Recomendable

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