Nº 127 Agosto 2013 - Óleo y acrílico

Pintores

t茅cnicas paso a paso

Enmarcaci贸n Color

y diversidad

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CHILE $2.800

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贸leo y acr铆clico agosto 2013

Pintar en sepia

Regiones XV, I, II, XI, XII afectas a recargo fletes $300

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materiaprima / agosto EDICIÓN Nº 127 Cruz del Sur 150, Las Condes. Santiago.

Teléfono: (2) 2234 1641 Sitio web: www.materiaprima.cl Mail: contacto@materiaprima.cl

El espectador busca escuchar; el pintor, ser escuchado.

Área Comercial GERENTE GENERAL Gustavo Serrano F. GERENTE COMERCIAL Eduardo Serrano F. eserrano@materiaprima.cl PRODUCT MANAGER Belén Gutiérrez bgutierrez@materiaprima.cl EJECUTIVAS DE NEGOCIOS Cecilia Florenzano cflorenzano@materiaprima.cl Loretto Ruz lruz@materiaprima.cl

Revista Materiaprima DIRECTORA María Alejandra Ferrer DISEÑADORAS Andrea Guzmán Magdalena Ovalle PERIODISTA Constanza Bornhorn constanza@materiaprima.cl COORDINACIÓN PRODUCCIÓN Katy Trujillo ktrujillo@materiaprima.cl PRODUCIÓN Loreto Ciudad FOTOGRAFÍA Fernando Krause EDITADA Y PUBLICADA EN CHILE Materia Prima Ltda.

IMPRESIÓN Y PRE-IMPRESIÓN Quadgraphics Chile S.A. REPRESENTANTES LEGALES Gustavo Serrano G. María Alejandra Ferrer

Casa Materiaprima ATENCIÓN AL CLIENTE Y SUSCRIPCIONES Paulina González contacto@materiaprima.cl ASISTENTE ADMINISTRACIÓN Y FINANZAS Carmen Quiroz cquiroz@materiaprima.cl COORDINADORA CURSOS Viviana Valiente cursos@materiaprima.cl

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sta nueva edición, que hemos dedicado a la pintura, me hace reflexionar acerca del sentido de este arte, una forma de comunicación a través de la cual el artista busca ser escuchado, con el deseo de que el espectador comprenda lo que él expresa.

De este modo, el emisor habla mediante formas y colores, y el receptor, a través de este lenguaje tan sutil, es capaz de percibir su mensaje, produciéndose así una comunicación que tiene tanta fuerza como un intercambio verbal.

se quiso representar en ellas, una incógnita que suele constituir un misterio para el espectador.

Como podrá apreciar a los largo de estas páginas, en materia de pintura existen muchos estilos diferentes.

Estos no se rigen por parámetros específicos. Más bien, requieren ganas de crear y atreverse a plasmar sobre un soporte neutro lo que nuestros sentimientos, estímulos o, simplemente, deseos quieren expresar. He aquí una invitación a dejarse seducir.

Pienso que la pintura tiene ese algo mágico que, como observadores, nos lleva a conectarnos de un modo muy particular. En ocasiones nos puede sorprender positivamente, regalándonos sensaciones que nos motivan a disfrutarla sin descanso y, así, descubrir en ella emociones que muchas veces tenemos muy escondidas.

Hay obras que, de un modo mágico, nos invitan a recorrerlas una y otra vez, y en cada ocasión nos permiten descubrir cosas nuevas. Otras, sin embargo, nos pueden llegar a producir rechazo o, más bien, un “no entendimiento” de lo que

BAZAR MATERIAPRIMA bazar@materiaprima.cl Claudia Soto Gabriel Valdivia Nataly Villarroel ISSN 0717-5086 VALOR COMERCIAL $2.800 Las regiones XV, I, II, XI y XII de Chile están afectas a un recargo por flete aéreo de $300.

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Tiraje 10.000 ejemplares certificados por Quadgraphics S.A.

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SUMARIO

12 Mujer Actual 16 Bitácora El arte, un estado del alma 18 Técnica 4 Editorial

Nostalgia en sepia

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24 Tendencia

8 Tome Nota

Explosión de color

10 Sicología

Todo exuberancia Sueños y travesías

52 Niños Crear desde la diversidad 60 Detalles El ABC de la enmarcación 66 Direcciones

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técnica

nostalgia en sepia Fotos y postales antiguas sirven al pintor Renato Figueroa como inspiración para su obra, que dibuja y pinta aportándole gran realismo y cuidado por el detalle.

Lo suyo es el óleo y la pincelada precisa. La conclusión, un viaje hacia el pasado.

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existieron, algunos de los cuales aún persisten, por lo menos en su esencia”.

Además, ha buscado “dar la posibilidad a los que vivenciaron esos espacios y situaciones, de poder rememorar, ensoñar y volver a gozar o quizás a sufrir, momentos que no volverán”.

Renato también busca generar curiosidad e interés en quienes no presenciaron esta realidad, intentando “contagiarlos con el placer de conocer y disfrutar de aquellas estructuras, entornos y costumbres propias de una generación ya desaparecida”.

I

mágenes patrimoniales de un Santiago antiguo, llenas de añoranza y melancolía, son el eje de la temática que aborda el pintor Renato Figueroa en una obra testimonial y de gran capacidad interpretativa. Utilizando únicamente óleo, retrata el paso del tiempo sobre un espacio urbano y arquitectónico que fue quedando atrás, mediante una paleta muy pulcra y austera, en la que predominan los tonos sepias temperados, castaños quemados, tierras anaranjados, sienas oxidados y pardos añiles, complementados con vibraciones de amarillos, verdes y azules.

Retrata así vistas de céntricas calles capitalinas, plazas y bares. La Alameda de las Delicias, de 1920; las calles Ahumada, San Diego, Estado y Compañía, también en torno al 1900; el Club de la Unión, la Plaza Italia, la cotidiana tertulia, un bar de viejos…

El artista –que inició su formación en los años sesenta con el destacado escultor Tótila Albert- ha expuesto su obra con éxito en diversas ocasiones, explicando su interés por retratar estos ambientes y declarando su admiración por “escenas y lugares de ese tiempo, que realmente

El trazo del artista es ordenado y riguroso, trabajando con gran cuidado la perspectiva, aspecto que es central en su técnica. Esboza sus dibujos con gran aplicación, y sobre ellos inserta el color con diestras pinceladas. De este modo, van brotando formas y contrastes, luces, sombras y transparencias, que regresan a la vida un mundo que quedó atrás.

Al iniciar sus trabajos, con lápiz grafito dibuja completamente el motivo que realizará, incluyendo hasta el más mínimo detalle. Prefiere el óleo al acrílico, ya que demora más en secar, lo que permite contar con varios días para hacer correcciones, “si se trabaja con bastante aceite”. En general, tampoco añade texturas a sus cuadros, por lo que no utiliza más implementos que pinceles (tanto de acuarela como espatulados, incluso del tipo “abanico”). El médium lo prepara él mismo, con aceite de linaza y trementina.

Aunque las escenas antiguas son el eje de su trabajo, Figueroa también goza pintando flores, marinas, bodegones y escenas campestres. Parte de su tiempo lo dedica a reproducir obras de autores famosos, especialmente encargadas por clientes. A la vez, hace clases de óleo en su taller, en Las Condes, y próximamente impartirá un curso en los talleres de Casa Materiaprima.

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Sombra Tostada (Atl)

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Ocre Amarillo (Atl)

Ocre Amarillo (Artel)

Tierra Rosa (Fragonar)

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Laca Garance (Talens)

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explosión de COLOR El aplaudido pintor Alejandro Balbontín imprime emoción en sus obras a través de una intensa explosión de color paleta de colores y de un estado de felicidad que logra plasmar en sus espléndidos lienzos.

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econocido en Chile y en el extranjero, Alejandro Balbontín es uno de esos pintores cuya obra jamás pasará inadvertida. Ha expuesto con gran éxito en España, Rumania, Estados Unidos y Ecuador, entre otros países. Pero declara un amor incondicional por su tierra, de la que vivió alejado mucho tiempo, lo que lo llevó a sentir fuertes añoranzas. De aquí que retrate ambientes cotidianos una y otra vez, sobre amplios lienzos en que el colorido se conjuga con la imaginación en una verdadera estampida de creatividad.

positiva de la vida. Por eso exagero los colores y pinto en grandes formatos”, dice Alejandro.

En su taller, en Providencia, confiesa que demora poco tiempo en acabar un cuadro, ya que una vez que se inspira, es tanto su entusiasmo, que no puede parar hasta que “sale”. De su pincel han brotado aplaudidas escenas costumbristas, muchas de ellas ambientadas en Valparaíso. También suele pintar bandas de música y paisajes.

Aunque todo desde su particular prisma, pleno de energía y emoción.

El artista adora Valparaíso y cada vez que puede, va a recorrer sus rincones; eso sí, sin máquina fotográfica ni pluma.

Todo lo que ve y lo inspira, va quedando en su retina. “Aquello que es esencial – comenta- vuelve, se va grabando. Dibujo y luego empiezo a bosquejar”.

“Soy un pintor feliz. Siento que lo que tengo que aportar es alegría, ternura, enamoramiento… Una visión siempre muy

Se ha dicho que su estilo tiene visos de expresionismo y también una cuota de simbolismo formal, “porque no hay árboles con tronco morado ni parejas dándose un beso en el aire (como los que él pinta)”. De hecho, se inspira mucho en las obras de Chagall y Mondrian, así como también en la creación de Pablo Neruda. Él dice que lo suyo tal vez se podría catalogar de “expresionismo exagerado”.

Así comienza a crear Alejandro Balbontín.

Ante la tela –instalada contra la pared sobre unos soportes metálicos, lo que usa como atril- empieza trazando lo que le surja, con pincel, spray o plumón al agua. Previamente, dibuja la idea que tiene, pero nunca la copia. Usa el boceto

solo como inspiración. Luego, es el turno de los acrílicos.

“En mi pintura todo es válido. Voy experimentando. A veces empiezo a trazar con plumón, otras con acrílico... Uso pinceles, espátulas, creo texturas cuando siento que es necesario”, dice el artista, quien hace ver que lo suyo es buscar un equilibrio de colores cálidos y fríos.

“Se agrega en un lado, se quita en otro, y así sucesivamente hasta lograr la armonía cromática que se busca. Esta nunca será la misma. Va variando según la atmósfera que se le quiera dar a la obra. En una sandía, por ejemplo, prima su color intenso; una araucaria, a su vez, es para mí profundamente azul”.

En el último tiempo, Alejandro ha ilustrado portadas de nuevas ediciones de libros de Gabriela Mistral, y por estos días está trabajando también en carátulas de discos.

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pasoa paso Jazz fusión

Materiales • Tela sobre bastidor de madera.

• Spray, plumón al agua y carboncillo (usó negro, pero puede ser de otros colores).

• Acrílicos (va variando marcas según color y pigmentación). Ideal es usar todos los colores primarios y sus derivados.

• Pinceles de pelo sintético de diferentes números. También se puede usar espátula.

• Brocha común, pero de buena calidad (para que no suelte pelos).

• Barniz poliuretano (protege pintura y hace que resalten los colores).

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Instrucciones

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Luego de “matar” la tela, Alejandro comenzó a trazar basándose en el estudio que dibujó previamente. Usó spray, carboncillo, plumón al agua y manchas de acrílico de distintos colores.

2

Con pincel y espátula “tiró” los colores en toda la tela sobre las figuras ya esbozadas.

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Siguió componiendo poco a poco con formas y colores, hasta afinar el colorido final. Cuando lo general quedó terminado, comenzó a trabajar los pequeños detalles.

4

Una vez seca, cubrió la pintura con una capa de barniz poliuretano.

El artista suele realizar numerosos bocetos, y se basa en ellos al iniciar los primeros trazos de sus cuadros.

La composición representa a una banda de música con bandoneón, bajo, clarinete, piano y flauta traversa. Consta de distintos planos verticales (de izq. a der.). En lugar del clásico atril, Alejandro trabaja con la tela instalada sobre tres soportes de metal adosados a la pared.

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El puerto de Valpara铆so es fuente de inspiraci贸n permanente para el reconocido pintor.

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todo

exuberancia La artista Daniela Santa Cruz aborda originales tem谩ticas con una paleta de colores que incorpora tonos rutilantes e, incluso, fluorescentes. En esta edici贸n nos muestra su trabajo con flores, inspirado en lo que observa en su entorno y en algunas ideas que recoge de fotos e internet.

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Balmaceda 1215. Aunque fue un proyecto artístico específico, gustó tanto al público, que actualmente pinta a pedido cuadros con esta temática. Cuenta que tienen gran aceptación y se venden muy rápido.

“Mi mamá tiene un gran amor por las flores, un jardín muy lindo. Mi papá, por su lado, es aficionado a la botánica y tiene muchos libros sobre el tema. Desde niña me encantaban estas imágenes, por lo que cuando empecé a pintar, las incorporé en mis obras”, comenta Daniela, mostrando parte de un políptico, en el que incluyó orquídeas, flores de cerezo, flores del paraíso y aloe vera, entre otras especies.

Explica que la inspiración le llega desde diferentes lados: mucho de su imaginación y “de mirar. En la medida en que uno observa la Naturaleza, termina por grabarse lo que ve”, dice la artista, quien agrega que también es común que pinte lo que le surge en el momento o, bien, algo que sacó de Internet.

E

s difícil que el trabajo de Daniela Santa Cruz pase inadvertido.

Ya sea que pinte flores, aves o escenas místicas que incorporan el autorretrato y el desnudo, la intensidad del colorido y la originalidad de los temas que aborda llaman mucho la atención.

Licenciada en Arte en la Universidad Católica, fue alumna de la artista Marcela Trujillo y, más tarde, ayudante de taller de Bruna Truffa. Se inició explorando diversos materiales como esmalte sintético, óleo, látex y goma laca, entre otros. Pero luego optó por el óleo, para trabajar de un modo muy personal naturalezas muertas, en dos series llamadas “País de Jauja” y “Schläraffenland”.

En el 2010, Daniela comienza a incursionar en el autorretrato, temática que sigue desarrollando hasta hoy. En

todas sus series, va en busca de imágenes en las que lo más importante es el volumen y la presencia casi física de sus personajes y motivos.

Actualmente, con 31 años, la artista solo utiliza acrílicos, ya que –explica- son mucho más baratos y se secan más rápido, lo que aumenta la velocidad del trabajo. Ha expuesto en variadas ocasiones, la última de ellas en la Estación Mapocho –a fines de junio-, donde presentó una muestra inspirada en deidades antiguas y personajes mitológicos, que se entrelazan con paisajes y flores de gran exuberancia, lo que suele caracterizar a sus obras.

En esta edición, Daniela nos muestra su trabajo con flores, que empezó a desarrollar a fines del 2009 y expuso un año después en el espacio de arte

Sobre su técnica, indica que primero hace un boceto digital en photoshop, el que será la base para comenzar a trabajar.

Luego lo calca en la tela con datashow, con el fin de “ubicarlo en el espacio”. En seguida, comienza a abordar los detalles a mano alzada.

En cuanto al colorido que privilegia en sus obras, dice que en un comienzo utilizaba tonos más oscuros. Pero con el tiempo, fue experimentando con gamas más alegres hasta llegar a su estilo actual, en el que predomina un universo cromático de gran intensidad, que incluso suele incorporar pigmentos de flúor.

Daniela no “mata” la tela; lo considera “una pérdida de tiempo”. Solo usa pinceles de pelo plástico delgado, ya que –hace ver- son más prácticos y baratos, y permiten pinceladas duras y suaves.

Tampoco deja espacios blancos en sus obras; satura todo con acrílicos de colores intensos y brillantes. Ese es su sello.

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El acrílico se diluye en médium, y si se quiere una solución más líquida, se le puede agregar agua destilada.

pasoa paso Flor en acrílico

Materiales • Pinturas acrílicas • Médium acrílico • Agua destilada

> Instrucciones

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Elegir una imagen como referente (en este caso se usó una fotografía).

Preparar los colores principales que se presentan en la imagen (en este caso, rosado y calipso). Ojalá sean preparados en un tono un poco más claro que el de la imagen de referencia, ya que así posteriormente se llegará al color buscado, mediante veladuras. Si el tono

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de atrás es más claro, la imagen resulta más vibrante.

3

Dibujar en la tela las formas grandes de la imagen de referencia (con lápiz o pincel pero siempre en color claro).

4

Poner los tonos principales en las grandes zonas de color.

5

Preparar variaciones de los colores principales (como se va apreciando en la serie).

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Con pincel delgado, empezar a pintar pequeños puntos de color (los colores se van armando por mezcla óptica).

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Proseguir pintando hasta terminar.

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La artista utiliza mucho el formato circular y, ademรกs de flores, suele pintar aves. tendencia

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y sueĂąos travesĂ­as

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La artista Mónica Paz Muñoz nos muestra su interesante obra pictórica, en la que convive lo lúdico y lo onírico. Con gran originalidad, prefiere usar colores muy complementarios, que vibran entre sí y se adaptan muy bien a las imágenes que crea. En su taller en el Sur, también trabaja el grabado.

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n Osorno, Mónica Paz Muñoz realiza un original trabajo en pintura y grabado. Confiesa que sus imágenes son lúdicas y, a la vez, provienen del universo de los sueños, aunque –de un modo muy personalintenta mostrar en ellas el paisaje del lugar en que vive, en el sur del país.

Explica que la inspiración se desata “cuando las ideas afloran desde algún rincón de la mente, en el baúl de los recuerdos, colindante con el sistema onírico donde habita el subconsciente”.

Con óleo y acrílico, crea interesantes composiciones que evocan mundos singulares, llenos de color y fantasía. Su particular manera de visualizar el entorno, conjuga visiones en las que prima siempre lo mágico. Tanto así, que ganó el segundo lugar en un concurso en Alemania para el que había que ilustrar un cuento relacionado con volantines. No ha vuelto a incursionar en esta área, pero le parece una veta muy interesante.

“Yo nunca me he enmarcado dentro de un estilo; solo pinto lo que me gusta o motiva en ese momento. Algunas personas dicen que mi trabajo estaría dentro del realismo mágico. ¡Puede ser!”, afirma.

Mónica cuenta que en sus pinturas usa óleo y acrílico, y trabaja con colores primarios, que intenta mezclar en la misma tela, no en la paleta, con el fin de respetar su esencia.

“Para pintar, me gustan las telas de algodón o lona. En ocasiones utilizo madera. Primero, trabajo el soporte, dándole una base con acrílico, sobre la que después pintaré con óleo. Uso pinceles, espátulas, rascadores o cualquier herramienta que me sirva para dar texturas. Posteriormente y de acuerdo al color elegido como base, abordo mis ideas y escojo los colores de mis óleos, que generalmente son muy complementarios, para así poder imprimirles más vida. Los colores complementarios vibran entre sí y se adaptan muy bien a mis imágenes”, explica la artista, quien añade que a veces incluye collage, en el que también emplea acrílicos.

“Mi trabajo es una invitación a volar por los colores de mi fantasía, a que se dejen llevar en esta travesía de mis sueños”, expresa.

Mónica Paz también realiza grabados, utilizando la técnica de calcografía. Se trata de trabajar una plancha de metal, que generalmente es de cobre. Esta se graba con diferentes ácidos (puede ser ácido nítrico o percloruro de hierro), según la imagen que se esté realizando.

“El proceso de grabar es bastante lento y riguroso. Hay varios factores que influyen en el tiempo de realizar un grabado: temperatura del ácido, tiempo de los barnices para dibujar o proteger, tiempo de exposición al ácido, etc.”, indica. Hace ver que para realizar sus trabajos, emplea tintas de colores y papeles especialmente fabricados para esto.

La artista ha sido reconocida en numerosos certámenes tanto en Chile como en el extranjero, y ha expuesto en diversos espacios también nacionales e internacionales. Desde el 2004 dirige el taller de grabado “Agualluvia”, en Osorno, y a partir del 2012, está a cargo de otro proyecto en la Casa de las Artes (Casa Richter), en Frutillar.

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paso paso Óleo sobre acrílico

Materiales • Base de tela o madera (si es madera, usar terciado marino con gesso) • Acrílico rojo (puede ser otro color, a elección) • Acrílicos u óleos, colores a elección • Pinceles de diverso número

En esta serie se pueden apreciar distintos planos de un cuadro, realizado con óleo sobre una base de acrílico.

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Instrucciones Dibujar motivo en una croquera, el que luego servirá como base para el proyecto que se realizará.

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Pintar el soporte (tela o madera con gesso) con una base de acrílico rojo.

Usando pinceles, pintar con óleo o acrílico el motivo dibujado en un principio (Mónica Paz lo pinta directamente; no lo traspasa con lápiz ni carboncillo). Se trabajan primero los colores más oscuros, dejando para después los más claros.

Si se pinta con acrílico, se usa agua; si es óleo, médium. En este caso, se usaron ambos materiales. El óleo sí se puede trabajar sobre acrílico; no a la inversa.

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CREAR DESDE la

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En los talleres Flor de Arte, de Fundación Coanil, más de cien artistas de diversas edades desafían su discapacidad a través de la creación artística. El resultado es una obra de gran riqueza plástica y una oportunidad de mejorar su calidad de vida y su conexión con el entorno.

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ás allá de las dificultades que podamos tener, es posible que muchos llevemos a un artista en el corazón. Algunos llegamos al mundo con pequeñas dificultades; otros, tenemos en contra grandes limitaciones.

Aun así, las aptitudes y el interés por expresarnos suele abrirse camino cuando contamos con apoyo y empuje. Con lápiz, pincel, brocha o, simplemente, sus manos, un grupo de artistas con discapacidad hace arte en un ambiente de alegría y contención, en el que aprende, disfruta y se supera.

Al dar vida a su proyecto Flor de Arte, en el año 2007, Fundación Coanil creó un espacio de inclusión artística para personas con algún tipo de limitación intelectual o física, o alteración psicológica o psiquiátrica, provenientes de algunas de sus residencias. Actualmente, el programa –que se desarrolla en Santiago, Viña del Mar, Concepción y Puerto Montt- mantiene a cerca de cien alumnos, cuyas edades fluctúan entre los doce y cincuenta años.

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A pesar de su discapacidad, los artistas trabajan en un ambiente de alegría, en el que aprenden, se entretienen y mejoran su autoestima.

En el taller de su sede, en pleno barrio Ñuñoa, un grupo de artistas de diferentes edades crea con entusiasmo. Algunos pintan con acrílicos, otros lo hacen con plumones, témperas, esponjas o lápices de colores. Los que tienen la suerte de moverse autónomamente, trabajan de pie ante cartulinas y papeles colgados en las paredes. Otros, que dependen de sus sillas de ruedas, dibujan y pintan sobre las mesas dispuestas para ello. Todos se hallan inmersos en la creación de sus obras,

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< que surgen de su imaginario y cobran vida en la comunión de forma y color.

La licenciada en Arte Patricia Clede está a cargo del taller. La acompaña Bárbara Oliva, una joven estudiante de Diseño que ingresó voluntariamente al programa después de saber de su existencia a través de Internet. Ambas entregan materiales a los alumnos y los guían en su trabajo, entregándoles apoyo emocional y ayudándolos a expresarse y a potenciar sus habilidades, todo ello en un ambiente de gran contención terapéutico. Los mayores bordean los cincuenta años de edad; el menor, tiene solo trece años.

Además de pintura y dibujo, desarrollan trabajos de costura, collage, bordado e, incluso, escritura creativa.

Eduardo Galleguillos, Director de Comunicaciones y Marketing, explica que Flor de Arte es una instancia terapéutica

que busca facilitar la creación de un modo colaborativo con artistas profesionales, promoviendo el valor de la diversidad en la expresión creativa, a partir del reconocimiento de que la experiencia creadora mejora la calidad de vida y fortalece e integra a las comunidades.

La iniciativa se ha ido transformando en un medio para mostrar el potencial de las personas con discapacidad intelectual, derribando prejuicios acerca de sus habilidades y permitiéndoles a ellos mismos una nueva forma de conexión con el entorno, que se centre en sus capacidades y les entregue una nueva visión de sí mismos. Esa es la primera línea de acción de Flor de Arte.

La segunda, consiste en el diseño y desarrollo de joyas, textiles, papelería y cerámica, elaborados a partir de las imágenes y obras generadas en los

talleres, las que poseen gran riqueza artística. A través de la venta de estos objetos, se busca difundir el valor de los trabajos y, por otra parte, apoyar el financiamiento del proyecto.

Desde su creación, Flor de Arte ha realizado diferentes actividades y exposiciones. Entre ellas, “Workshop”, en el Centro de Extensión del Consejo de la Cultura de Valparaíso (agosto 2010); “Narrativas Cromáticas”, en la Biblioteca Nacional (agosto y septiembre 2010); y una muestra en Artequín (2010). En marzo pasado expusieron por tercer año consecutivo en la sala de arte CCU, donde esperan realizar una nueva muestra en marzo del 2014.

Hasta el terremoto de febrero del 2010, la institución contaba con una galería de arte en el cerro San Cristóbal, la que quedó destruida a raíz del fuerte sismo.

Esta constituyó el primer espacio para artistas con discapacidad. En Flor de Arte mantienen la esperanza de volver a contar con un recinto donde difundir más ampliamente su valiosa obra.

Entre 12 y 50 años tienen los artistas que forman parte de este programa.

Algunos se mueven autónomamente y otros dependen de sillas de ruedas.

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Con lápiz, pincel o simplemente sus manos, los miembros de Flor de Arte dan rienda suelta a su imaginación.

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El ABC enmarcación

En su taller de enmarcaciones, Luis Parry realiza trabajos al más alto nivel, utilizando distintas técnicas y variados materiales.

Aquí nos muestra su labor paso a paso y nos entrega diversos tips para tener en cuenta a la hora de instalar un marco, ya sea en casa o recurriendo a expertos.

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uso de vidrio

Se puede enmarcar con o sin vidrio. Otra opción es el acrílico, que es más liviano aunque más caro. Generalmente, estos materiales se usan para proteger las obras, sobre todo las de papel, como grabados o dibujos. El vidrio corriente es el que refleja como espejo. Luego, hay vidrios difusos y, lo más moderno, de cristal con protección UV. Son ingleses y estadounidenses y cuestan unas diez veces más que los comunes.

Hace 25 años que Luis Parry tiene su taller de enmarcaciones “Arteframe” en el barrio Avenida Matta. Trabaja junto a su hijo, Stephen, que si bien es músico, aprendió la técnica desde temprana edad junto a su padre.

Luis es arquitecto, pero comenzó a desarrollar este oficio en una época en que pintaba como aficionado, para lo cual construía sus propios bastidores. Como conocía a una gran cantidad de artistas, muchos de estos le empezaron a pedir que enmarcara sus obras. Así, poco a poco, fue naciendo su taller.

Hasta hoy, la mayor parte de sus clientes corresponde a artistas, que buscan un trabajo de primera calidad.

Pintores destacadísimos le confían sus obras para que las enmarque.

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De hecho, hacer un recorrido por su taller es como pasear por una pequeña galería de arte, en la que conviven obras modernas y clásicas. Óleos, acrílicos y dibujos; grabados e instalaciones muy particulares. De todo hay en la antigua casona donde trabajan los Parry.

Luis explica que si bien hay técnicas que se van poniendo de moda por sobre otras más tradicionales, siempre hay clientes para todo.

“Depende de la obra que se vaya a enmarcar y del gusto particular de quienes solicitan el trabajo. Nosotros acá los asesoramos, pero son ellos los que en definitiva eligen”.

tipos de marcos

Hay una gran variedad para elegir: madera natural, madera lacada, metal, acrílico y montajes especiales. Con grecas o lisos. Los marcos más económicos son los de madera y los más costosos, de metal. A la vez, para óleo se tiende a pedir más madera y para fotografías, metal. Los marcos de este último material suelen ser más durables, aunque los de madera pueden conservarse en buenas condiciones durante muchos años si están bien cuidados (pueden ser de raulí, coigüe, roble, mañío, tepa, etc.).

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¡Próxima edición septiembre!

Se acerca la primavera y con ella las ganas de celebrar. Aprenda con nosotros a ambientar sus fiestas y a crear adornos y regalos ideales para cada ocasión. Bautizos, matrimonios, baby shower, Primera Comunión y ¡18 de septiembre! Hay excelentes alternativas para hacer de estas fechas momentos inolvidables.

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