Revista Kuadro No. 27

ENJAMBRE

FOTOS POR BRUNO MUÑOZ

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A lo largo de la historia de la humanidad hemos sido perseguidos por predicciones, supersticiones y malos augurios, en donde los números juegan un papel importante. El “13”, por ejemplo, ha sido señalado en el occidente ser de mala suerte por toda la interpretación cristiana que tiene que ver con la última cena de Jesucristo y sus 13 apóstoles, en donde todos conocemos la traición y su desenlace, además de ser un número evitado en la cábala por sus 13 demonios.

No podemos olvidar el famoso número o marca de la bestia que es el “666”, o bien el “7” y su advertencia sobre cualquier espejo.

Era de esperarse que en la música y todo aquello que la conforman y rodean, no iban a salvarse de esto. Historias, hipótesis, verdades ocultas, documentales e infinidad de teorías existen alrededor del número 27 y todas esas estrellas del rock que se apagaron justo al cruzarse con esta “maldición”.

En Revista Kuadro no podíamos dejar pasar esta oportunidad de conmemorar nuestra edición 27 que con un buen debraye sobre El Lado B del Club de los 27. No, no es una versión más de los acontecimientos que todos conocemos, ni tampoco una biografía sobre las últimas 24 horas de los caídos, pero les aseguramos que saldrán como clientes satisfechos. Evitemos los spoilers y continuemos.

En portada tenemos a una de las bandas mexicanas que en los últimos años ha visto el beneficio de los años de trabajo constante, para hoy en día ser considerada no solo como las “favoritas”, sino de las grandes de la escena nacional actual. Por nada se pierdan nuestra charla con Enjambre, proyecto de los hermanos Navejas.

Jamás nos cansaremos de traerles entrevistas con artistas que andan haciendo ruido, y en esta edición encontrarán charlas con Aaron Maine ubicado por todos como Porches, así como con Chicano Batman, los madrileños de Los Nastys y más.

Un recorrido a los últimos gigs y festivales que se han llevado nuestros gritos y energía, recomendaciones de discos que vienen saliendo del horno, proyectos frescos y nuestras secciones que los cobijarán con buenas recomendaciones como lo hacen edición tras edición.

Como cada número, es un orgasmo ver el resultado final y que no sería posible realizar sin el talento de nuestros queridos colaboradores quienes se rifan día a día. Equipo de arte, foto, prensa y redacción gracias por compartir con nosotros esta satisfacción.

Sin embargo, esto no deviene un agradecimiento más, sino que dedicamos la edición a nuestro querido Francisco Zamudio, pieza clave y fundamental en el desarrollo de este proyecto. En lo personal, gracias por ser un profesor que muchos hubiesen querido tener; en nombre de Revista Kuadro, gracias por todo lo dado, por los consejos, por creer en este sueño, por compartir tu conocimiento y por todo lo que nos dejaste a cada uno. Feliz viaje Paco, disfrútalo y tranquilo, que de este lado nunca vamos a olvidar que “el rock no es todo, es lo único”.

Javier Jarquín

REDACCIÓN

DIRECTOR GENERAL LAURA ROMERO EDITOR EN JEFE JAVIER JARQUÍN DIRECTOR DE ARTE IVANA CASTRO EDITORES WEB DORA MÉNDEZ MARTÍN VARGAS MAJO SÁNCHEZ MEDIOS & PRENSA BENJAMÍN DÍAZ RP CARLOS SAÍN MAJO SÁNCHEZ DIRECCIÓN FOTOGRAFÍA BRENDA ARRIAGA ASISTENTE DE ARTE ALEJANDRA SALCEDO CONSEJO EDITORIAL DORA MÉNDEZ MAJO SÁNCHEZ MARTÍN VARGAS

DORA MÉNDEZ MARÍA JOSÉ SÁNCHEZ CARLOS VALLE MARTÍN VARGAS ARTURO J. FLORES ERICK DUARTE DIEGO VENEGAS ERIKA RODRÍGUEZ FRANCISCO ESPINOZA JAVIER JARQUÍN BENJAMÍN DÍAZ KENYA GIOVANINI CARLOS EDMUNDO ENRIQUE GUTIERREZ MONSERRAT VELÁZQUEZ VICTOR HERNÁNEZ ERICK SALDIVAR SHARON MONT

FOTOGRAFÍA BRUNO MUÑOZ MARÍA JOSÉ SANCHEZ RODRIGO GUERRERO JAVIER SOTO QUIQUE ÁVILA ERICK SALDIVAR BRENDA ARRIAGA

DISEÑO

THE JAVISCONTRERAS EFFECT ZURITA RODRIGO BERNARDO GERRYSNK DANIEL SOLÍS XKANLEOX GÓMEZ

EN PORTADA ENJAMBRE; FOTOGRAFÍAS POR BRUNO MUÑOZ

Entrevistas.

Girl Ultra .04.

Porches .06.

Los Nastys .08.

Clubz .10.

Chicano Batman .12.

Beach House .14.

Enjambre .16.

Dossier. .20. Sexo, drogas, rock and roll y muérete a los 27, por favor .22. Todos quieren ser del club de los 27, ¿o no? .24. Rockstars que sobrevivieron al club de los 27 .26. Los escenarios imaginarios del club de los 27 .28. Los miembros del club que están fuera de los reflectores 30. El valor de la muerte a los 27

Secciones.

Kuadro Live .32.

Kuadro Escucha .36.

Puerta de Entrada - Cherry’z .37.

Kapturados .38.

Kuadro de Honor .40.

Kuadro Beat .42.

La Kolumna .43.

Reseñas de Discos .44.

En Un Par De Años Ha Logrado Posicionarse Como Una De Las Exponentes Favoritas Del R&B En Español

Apenas el año pasado, el proyecto lanzó Boys, su primer EP bajo el sello de Finesse Records; una disquera mexicana que desde 2012 explora y proyecta nuevos talentos de distintas culturas musicales.

Esto ha llevado el DIY a otro nivel. Respecto al papel que ha jugado este equipo de trabajo en su proyecto menciona: “Creo que la mayoría de los grandes discos y grandes proyectos que escuchamos en el radio y fuera de él, no son un artista unitario, sino un equipo que está detrás […] se enriquece bastante al tener todos estos talentos y mentes brillantes al mismo tiempo.

Trabaja hacia algo y aportan algo. Me

ayudaron a aterrizar todas las ideas que yo tenía y a encaminarlas de cierta manera, porque igual un artista necesita dirección y necesita aterrizaje, porque nos volamos demasiado”.

Saber qué es lo que quieres hacer durante toda la vida es privilegio de pocos. En el caso de Girl Ultra, la música y la vocación le llegaron a muy temprana edad. Uno de sus recuerdos musicales más presentes son los discos que le llevaba su padre cuando la visitaba; a través de esas memorias revive su background musical que va desde Pink Floyd, David Bowie y Fleetwood Mac hasta los soundtracks de Ennio Morricone.

“Desde niña […] siempre supe que iba para acá, siempre me visualizaba haciendo esto y no otra cosa y sí me aventé el tiro con mis papás; siempre lo supieron pero nunca pensaron que fuera a tomar la decisión. De hecho estoy inscrita en la escuela y no he ido ni un solo día”.

“Si no me hubiera encontrado en la música no sé qué sería de mí. Iba a estudiar Comunicación Audiovisual. Yo quería ser directora de cine al mismo tiempo que la música, pero cuando se me presentó esta oportunidad era todo o nada. Yo siempre he sido muy radical, yo no puedo darle pedazos de mi tiempo a esto, no mi pasión más grande.”

Desde el nacimiento de Girl Ultra, Mariana de Miguel ha pisado distintos escenarios tanto en México como en el extranjero: desde el Nrmal hasta Ceremonia y SXSW.

-CON SU SEGUNDO MATERIAL CONCEPTUALIZA UNO DE LOS MOMENTOS CRUCIALES Y UNIVERSALES DE LA VIDA: LA DESPEDIDA-

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Es impresionante cómo en los últimos años la música ha revolucionado: gracias a la tecnología y nuevas formas de consumo, se han visibilizado géneros y propuestas como Girl Ultra. Bastó un par de años en la escena para posicionarse como una de las exponentes favoritas latinoamericanas del R&B en español.

texto y fotos por María José Sánchez

“Yo antes pensaba que éramos dos distintas. Que ella era mi álter ego extrovertido porque yo soy medio introvertida. Alguien bastante tímida a veces, pero me he dado cuenta que no, me he encontrado con características de mi personalidad que sabía que no tenía; que pensé que eran parte de Girl Ultra. Cuando me subía al escenario y me sentía empoderada, en realidad creo que somos una y solo el escenario me da como este pequeño impulso a sacar todo eso que no saco cuando esto debajo del escenario”.

A principios de este año supimos de la salida de su segundo material: Adiós, en él la cantante logró definir mejor su sonido y además construyó un bello EP que conceptualiza a través de ocho

canciones sobre uno de los momentos cruciales y universales de la vida: la despedida.

“Se puede interpretar como la despedida de alguien, pero despedirse de alguien no sólo tiene que ver con una relación amorosa. Se puede despedir uno de una amistad, de un prejuicio, de miedos.

Decirle adiós a este apego que yo tengo a las situaciones, a la gente y a las cosas para poder crecer y no precisamente es algo malo, es simplemente darle esta interpretación y ver las despedidas con filosofía”.

A acerca de lo bueno y lo malo de despedirse, ella responde: “Lo bueno, es que siempre cierran ciclos y son nuevos comienzos; lo malo es esta nostalgia que se crea y que probablemente nunca se elimina. Siempre queda ese pedacito de extrañamiento a pesar de que ya no lo añores o lo necesites. Siempre existe esta nostalgia.”

¿Y cuál es el nuevo comienzo? “Explorar quién es Mariana de Miguel debajo del escenario y arriba, dedicarme a mí y a lo que quiero ser y lo que quiero decir”.

Girl Ultra es un proyecto joven, sí, pero, ¿quién dice que juventud significa inexperiencia? Ser joven significa quitarse los miedos y ella es un buen ejemplo de que lo mejor que se puede hacer en la vida es ir por lo que te apasiona.

TRES DISCOS PARA EL FIN DEL MUNDO Por GIRL ULTRA: Thriller - Michael Jackson Hunky Dory - David Bowie Uno de Grandes, éxitos - José José

entrevista nacional

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En este tiempo, ambas personalidades, tanto la real como la que creó a partir de su música, han convivido muy de cerca, esto le ha permitido descubrir qué tanto hay de una en la otra.

Lo Onírico, La Reestructuración Lírica Y El Enfoque A Los Fanáticos, Materia De Su Nuevo Álbum

Justo al comienzo de la charla, Aaron nos compartió que se encontraba despertando en compañía de un café en una habitación en New York, alejado de los fríos climas que acaban de sacudir aquella ciudad.

Varias tormentas de nieve envolvieron a la ciudad por varias semanas y nos comentó que apenas el clima comenzaba a calentar.

Entrados ya en materia, Main nos contó sobre su experiencia con Porches, ahora que él se encuentra como responsable de la producción.

“Lo produje en mi departamento, donde vivía en Greenville y lo estaba terminado en New York. Me atreví porque tenía una laptop con programas que eran interesantes, algunos teclados, sintetizadores y otras cosas. Siempre es

bueno trabajar a tu tiempo. No pagarle a nadie, ni tiempo de estudio. Solo eres tú, el tratar de hallar tu visión o lo más cercano. Tal vez no es para todos, pero he aprendido mucho de este experimento”.

Para quienes tomen esto como hacer un home office, hasta el propio Aaron nos comenta que a veces no es tan sano llevar el trabajo a casa.

“Preferiría ir a un lado si tuviera el presupuesto para un pequeño estudio.

Estaría bien. Estar ahí durante las grabaciones y al final del día lo separas de tu casa. No trabajar tanto en casa, ya que también es pesado, aunque tienes todo ahí a dos metros, 24 horas al día si quieres. En ocasiones separadas sí me he separado de esta parte, pero hoy siento que es un como ‘lujo’ tener tu propio estudio en casa”.

En cuanto a la parte lírica en esta ocasión parece romper con la línea de sus pasadas producciones, a lo que nos comentó Main: “Las letras fueron muy abstractas, mucha imagen, muy onírico. Fueron más

descriptivas que otra cosa, era como pintar en un óleo. Cantar fue más detallado, la dirección que quería comunicar en las letras fue más precisa, aunque sí lo dejé a algo más abstracto. La casa, la experiencia y todo afectó la manera de escribir y componer para este álbum”.

“Country” parece deslumbrar como uno de los mejores temas de esta nueva producción y la letra puede empatar con cualquiera, aunque la idea sea corto.

“Muchas personas dicen que están incompletas, pero eso era parte de la idea: no repetir el coro, sólo el significado, esa chispa y esa sentimiento. Son parte de lo que estoy intentando. Estoy intentando salir de esa línea, de lo más tradicional”.

-“ESTOY INTENTANDO SALIR DE ESA LÍNEA, DE LO MÁS TRADICIONAL”-

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Una pequeña charla telefónica tuvimos con Aaron Main quién es la cara y creador de Porches, ¿el motivo? el lanzamiento de su tercer LP titulado The House, donde hablamos sobre todo el trasfondo del mismo, de sus letras, de su evolución, así como de su día a día y esa controversia que se dio por un perfil en una revista.

por Carlos Valle / fotos cortesía

Respecto a la parte de si su música se ha politizado a partir del perfil publicado en Out Magazine, Porches nos dice lo siguiente:

“Realmente no lo sé, son demasiadas avenidas que uno toma en día de hoy.

Pienso que Internet es una plataforma para las personas que quieren mostrar su arte y no es que sea una mala idea, pero es más difícil sobresalir y crecer para todos. Con todo el contenido que está día a día.

“No sé si mi música sea politizada, tal vez mi imagen o como me presento, es lo que ha sido más el foco de discusión para Out Magazine, que trató de capitalizar en la estética y lo único que tengo que decir, es que hay que tener una responsabilidad al tener una plataforma. Tal vez algún día lo volveremos a hablar y no es necesariamente tan público, aunque no significa que sea un tema que siga en mi vida personal. Mi música es un reflejo de mi vida personal, y eso no ha tenido ninguna injerencia en cómo me presento.

Mi música y mi imagen no es lo que genera más dinero”.

”Para mí, creo que si yo puedo hacer algo que realmente pienso que es bueno y me emociona compartir, las personas van a responder a ello. Algunos no van a tener el reconocimiento que merecen o creen merecer y esto por varias razones. He sido bastante suertudo en tener esta respuesta a mi música. Con lo microscópico que puede ser mi ejemplo, se puede explicar que cuando tienes una audiencia, debes de hacer algo honesto y enfocarte. Que la industria tiene un punto que busca el control sobre cómo interactuar en el contexto actual”.

Hoy en día se percibe tenso clima político, las relaciones entre USA y México cada día se ven más entorpecida por decisiones de altos mandatarios, sumado a los muchos cambios también en sociedad, a lo que opina Main:

“El clima político es muy diferente de lo que ha sido en el pasado. No ha sido tan bueno, por todo lo que representa Trump, con todo el racismo, sexismo, homofobia.

Aún no se puede presentar abiertamente esa discriminación, no tienen que esconderse tanto como antes”.

En cuanto a sus próximas visitas a la CDMX, Aaron promete hacerlo pronto para hacernos llegar en directo su reciente material, aunque aún no tiene fechas confirmadas. Aún recuerda con cariño a la audiencia mexicana por su calidez como público.

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No es novedad para nadie que la industria musical ha estado en constante cambio, Aaron nos comparte cómo ve este panorama:

Lo Desagradable Genera Emociones Incluso Más Sinceras Que Lo Agradable

por Martín Vargas / fotos cortesía

Cualquiera que considere simple la música de este cuarteto surgido de entre un barrio madrileño, debería escuchar con detenimiento su más reciente álbum Música para el Amor y la Guerra; mismo que se encuentra en promoción. En

palabras de Luis, estas diez canciones (cinco para el amor: cinco para la guerra) generaron satisfacción luego de haber sido grabadas, pues “ahora tenemos más consciencia de cómo funciona el mundo.

Siempre hemos hablado de disfrutar la vida y apreciarlo todo”. Hay más soltura y un sonido más maduro en este segundo material; principalmente que en comparación el EP Me lo encontré así, cuyo tema homónimo es el menos favorito de Basilio debido a la premura con que fue producido. ¿Por qué llamar al desastre en una época donde no hay control?, ¿por qué rendirle homenaje a lo desagradable y llevarle como bandera? Porque así se la pasa uno de-puta-madre. “El Nasty” era el nombre de un bar que ponía buena música en Madrid; lejos de ser una indiscutible cuna para el proyecto, llevar su nombre iba más acorde con una identidad.

“Lo desagradable genera emociones más fuertes que lo agradable o lo bonito; para nosotros es nuestra manera de crear, pero lo cierto es que lo desagradable hace pensar a la gente. Es más fácil pensar que las cosas negativas (o repulsivas) te lleven a la creatividad, pues lo positivo te coloca en una zona de confort”, explica Luis. Ahora Los Nastys rinden homenaje en cada canción a aquel lugar, centro de muchas anécdotas de noches etílicas.

-EN OCTUBRE O LA PRÓXIMA PRIMAVERA REGRESO A LOS ESCENARIOS MEXICANOS-

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Casi hasta el hartazgo se ha denominado a Los Nastys como parte de la Santa Trinidad del garage Malasañero, al lado de Hinds y Los Parrots. En una época donde la música hecha con guitarra eléctrica pierde visibilidad mediática (o tendencia), este nombramiento —también mediático, ciertamente— pareciera poner un gran peso sobre los hombros de estas agrupaciones. Luis Basilio, desaliñado vocalista y guitarrista de Los Nastys pierde todo cuidado al respecto: “no me importa en absoluto, pero si eso ayuda a hacer crecer la escena, entonces mola”. El humo de un cigarrillo acompañó a esta oración despreocupada. Esto fue resultado de una plática trasatlántica y de siete horas de diferencia.

No es sorpresa de nadie que México sea uno de los países favoritos del cuarteto conformado por Luli, Luis, Fran y Omar.

Varias bandas de la escena nacional emergente han hecho amistad con ellos; esto naturalmente significa anécdotas de fiestas salvajes donde lo raro respecto a los estupefacientes es no consumirlos.

Un integrante de los O’Tortuga les ayudó a los madrileños a destapar un retrete; con qué estaba tapado es una pregunta que más vale no hacer. “Nos salvó la vida el tío”, menciona Luis entre risas. Dromedarios Mágicos es otro con quien han hecho lazos, pero todo empezó por las tachas. Aunque no todo es diversión. En una ocasión, de camino a un compromiso por las calles de nuestra Ciudad de México un carro les empezó a perseguir por un largo trecho; lograron escapar y ponerse a salvo al ver

a una patrulla y pedirles auxilio. Nuestro heróico cuerpo de policía no capturó a los malhechores, ni siquiera los detuvo pues tenían mejor armamento que ellos.

“Nunca había sentido tanto miedo en mi vida: iban por nosotros”, expresa.

Pero eso no desanimó ni un poco su percepción sobre el país. “Volvería mil y un veces a México”. Esto traspasa las palabras: según Luis, es recurrente que le cuestionen si en verdad es de España, pues “trato de hablar lo más latino posible durante las presentaciones. Me gusta”. Por lo que no le resultan ajenas las expresiones coloquiales. Pero este regreso no tiene una fecha próxima, tentativamente en octubre próximo, sino hasta la primavera del siguiente año.

Y como este número habla sobre el Club de los 27, a Luis le tiene sin cuidado que algo le pueda ocurrir, pues ya ha sobrepasado esa edad: aunque hay otro número mágico relacionado con la muerte; el 33, la edad de Cristo al morir.

De los demás integrantes, sólo Fran es el que corre riesgo, pues tiene 26. Omar 33 y Luli 30, pero “ella es la más sana de todos”. Si bien estas ganas de vivir la vida, probarlo todo y de querer comerte al mundo son correspondientes con lo que Los Nastys crean, no llega todo hasta tal extremo.

Alguien que disfruta la música así, ¿tendría algún motivo para dejar de tocar? Luis responde: “a menos que pierda un brazo, una mano o algo así”.

Creo que hay Nastys para rato.

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Pero le cuestiono: ¿lo desagradable es necesario?. Él responde: “claro, incluso hasta fomenta tu sentido de supervivencia”.

Sudamérica: Fuente De Inspiración Y Nuevos Sonidos

RK: ¿Qué se siente ser una de las bandas afortunadas que en poco tiempo han pisado infinidad de festivales tanto en México como fuera de él?

CLUBZ: Nos sentimos muy contentos, es algo por lo que soñábamos y afortunadamente nos está tocando pasar por un buen momento. Han sido metas que nos hemos ido trazando y el esfuerzo que le hemos puesto nos ha ayudado a poder lograr ciertas cosas, como llegar a tocar a Lollapalooza.

RK: Han logrado posicionarse dentro de la escena musical en tan solo cinco años, cosa que muchas bandas no

pueden hacer, ¿cuál ha sido la base que han seguido para lograr esto?

CLUBZ: Desde un principio nos hemos puesto metas a diferentes plazos, la mayoría de ellas buscamos que se concreten en un corto tiempo y cada que logramos una de esas metas nos ponemos la siguiente; por fortuna nos han escuchado y eso nos ha llevado a tocar en diferentes lado. También estar cerca de la frontera nos beneficia, pues nos invitan a tocar del otro lado; gracias a ello nos conocen en México y en Estados Unidos.

RK: Han estado muy activos por Sudamérica, ¿cómo se han sentido por esos rumbos?

CLUBZ: Nos gustó muchísimo; por ello tuvimos una estancia más larga que lo planeado. La música que se hace por allá nos ha cautivado y estamos ahora absorbiendo esa música para poder plasmarla con la nuestra.

RK: ¿Hay alguien en especial que admiren dentro de esta música sudamericana?

CLUBZ: Sí, nos gusta mucho lo que hace Alex Anwandter, estamos muy apegados a él. Ahora estamos trabajando con Francisco Victoria, con él andamos realizando presentaciones por Chile. También nos gusta Buscabulla y Ela Minus, ellos son parte de las colaboraciones que vendrán en nuestro nuevo disco.

-“NO NOS DENOMINAMOS NI ROCK NI POP O ALGÚN OTRO GÉNERO: NUESTRA MÚSICA ESTÁ PARA TOCARSE EN EL LUGAR QUE SEA Y PARA TODO PÚBLICO”-

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CLUBZ es un dúo originario de la frontera de nuestro país que tan solo cinco años, ha logrado lo que muchas bandas anhelan: ser parte de los mejores festivales, tanto nacionales como internacionales. Tuvimos una plática con Orlando Fernández quien nos contó detalles de su próximo disco, así como de las diferentes presentaciones que tendrán.

por Erick Duarte / fotos cortesía

CLUBZ: Nosotros no nos denominamos ni rock ni pop o algún otro género, nuestra música está para tocarse en el lugar que sea y para todo público. No nos gusta encasillarnos; si dicen que somos pop, entonces eso somos; si dicen que somos rock o electrónico, igual. Nuestras fusiones musicales abarcan tanto que no podemos cerrarnos. Y si nos invitan a un evento de pop, rock o electrónica nosotros iremos, no descartamos la opción de presentarnos en algún escenario.

RK: Lo que caracteriza a CLUBZ es la forma en que crean una fiesta en cada presentación ¿Cómo dos personas pueden ambientar tanto un lugar?

CLUBZ: Es nuestra forma de ser, cuando estamos en el show descargamos todo lo que traemos dentro de nosotros; lo

único que hacemos es salir a dar lo mejor, preparamos nuestro set con las canciones más prendidas que tenemos y creo que eso es lo que le llama a la gente para bailar y divertirse, cosa que nosotros mismos hacemos en el escenario. Ahí recae la conexión entre el público y nosotros.

RK: Han creado hasta el momento dos EP: Texturas y Épocas ¿El siguiente material que lanzarán será de igual forma un EP o ya sacarán un disco de larga duración?

CLUBZ: Será un disco completo: contará con diez u once tracks. Hemos trabajado ya un buen rato sobre este nuevo disco, esperamos que Destellos, como se llama el álbum, salga antes de finalizar 2018 ya que las fechas se nos han estado moviendo.

RK: En sus inicios tenían algunas grabaciones en inglés, ¿en algún momento retomarán este idioma para componer y al igual poder sobresalir en otros países?

CLUBZ: En un principio empezamos a experimentar, no sabíamos bien por dónde encaminarnos y realizamos diferentes demos, por así decirlo. Luego experimentamos con la composición en español y creemos que surgieron mejor las ideas. Esta es la ruta que seguimos actualmente. No creo que hagamos algo en inglés, nos va más el español.

RK: Están pronto a presentarse en el Festival Vaivén, ¿será un festival más para ustedes o algo planeado para ese show?

CLUBZ: Nunca hemos ido a Morelos, nos cuentan que es bonito y que el clima se presta para ambientar, por lo cual iremos con la mejor actitud para ese festival ya que nos llama mucho la atención.

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RK: Ustedes propiamente no tocan rock.

En alusión a un título de sus canciones son un “popscuro”, sin embargo, las mayores de sus presentaciones son en festivales o conciertos de rock.

Empoderar A Las Minorías Latinas, Uno De Sus Objetivos por Carlos Valle/ fotos cortesía

Revista Kuadro: ¿Qué tuvieron tiempo de conocer de México?, ¿cuál fue su impresión?

Chicano Batman: El último año estuvimos unos días pero no pudimos ir a ningún museo o pirámides, sin embargo pudimos ir a comprar discos con un amigo, que nos llevó a varias tiendas. Esta vez igual: cenamos, algunas entrevistas, tocamos y nos vamos. La última vez fue hermoso, la gente es muy amable. La ciudad es es encantadora: la arquitectura, la manera en que se ve,

es excitante. Me encantaria estar más tiempo por ahí, porque me encantaron los tacos y las micheladas.

RK: ¿Hay una fórmula para que cada disco sea mejor que el pasado?

CB: Gracias, tambien siento que cada disco es mejor que el pasado: es nuestra meta. El mejorar como músicos como escritores, como artistas, no repetirnos y presentar al fresco, que significa que estamos entregando un mejor disco.

RK: ¿Cómo se ajusta su propuesta al nuevo lugar del rock?

CB: El rock ya no es tan popular como el pop o hip hop, pero escuchamos hip hop. Somos una banda de rock, pero no tocamos solamente con distorsión o power cords. No es por decir que otras bandas no, pero en términos de fórmulas nos gusta pensar que estamos afuera de la caja.

RK: ¿Qué tomas del rock contemporáneo?

CB: Todavía varias cosas: me gusta buscar bandas que están haciendo algo diferente. Aún escucho mucho rock, como The War on Drugs, una banda de Filadelfia y son asombrosos porque hacen cosas diferentes; como Radiohead, que cada disco se reinventa.

Por eso el hip hop es tan popular porque los artistas siempre hacen algo diferente, los artista hacen algo diferente van en diferentes direcciones. Kendrick es futurístico, cada video es diferente hace cosas nuevas y es inspirador.

-“NUESTRA BANDA NO ES MAINSTREAM, NO SOMOS SÚPER POPULARES Y POR ESO LOS FESTIVALES SOMOS UN GRAN ESCAPARATE EN VIVO”-

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Platicamos con Carlos Arévalo, guitarrista de Chicano Batman, una banda originaria de Los Ángeles, California que gracias a su estilo derivado de distintas fusiones musicales, ha pisado grandes festivales como Coachella y Ruido Fest, además de acompañar en algunas fechas el tour de Jack White en 2015. Ahora se encuentran en medio de una gira por distintas ciudades de nuestro país.

CB: Me gustan los dos, ninguno es mejor que otro. Pero si tienes tu propio soundcheck cuando es tu show, puedes checar que todo funcione bien, llegar un par de horas antes para asegurarte que todo esté en orden. En un festival te pones nervioso, la adrenalina te pega, pero es algo por lo que todas las bandas pasan y estamos en igualdad. Pero de los festivales nos llevamos esas grandes masas ya que muchos a lo mejor no nos conocen y es la mejor manera de tener nuevos fans, porque muchos no nos conocen. Aprovechas, entonces, ese tipo de espacios para llegarle a un público distinto o que de alguna manera no tendría acceso a tu música si no es de esta manera.

RK: ¿Cómo encajan en esos festivales?

CB: Nuestra banda no es mainstream, no somos súper populares y por eso los festivales somos un gran escaparate en vivo. Somos muy buenos músicos y esperamos que la gente escuche y disfrute nuestra música y se vuelvan fans. Es una manera orgánica de crecer y demostrar qué es lo que tienes para mantener su atención. Ya que tienes la plataforma hay que aprovecharla. Casi somos como una banda de culto, porque tenemos muchos seguidores pero es más bien de gente clavada, no tanto de un fan normal. Pero queremos crecer nuestra fan base.

RK: ¿El nombre de donde sale?

CB: Tienes a Batman o cualquier héroe y no te ves representado, no ves latinos representados. Es darle un giro a ese aspecto. Los Latinos también pueden hacer cosas, como lo que Black Panther en el cine. Queremos pensar que los estamos haciendo desde hace 10 años.

Tratamos de empoderar, aunque no

te veas como una persona blanca. Los medios tienen un problema mostrando personas de color en la TV o películas, hace mucho no veías bandas como nosotros en festivales. Es lo que el nombre dignifica. Las personas de color también puede lograr todo eso.

RK: La situación política actual no los ayuda con eso.

CB: Los problemas que hemos tenido siempre han estado solo que ahora son más abiertos, el odio a personas por como se ven o por su orientación sexual.

Pero desde Trump que promueve esa actitud de odiar más abiertamente, una banda como nosotros y nuestros fans rechazamos eso. Queremos igualdad y justicia. Tenemos un mensaje de amor y paz. El rock siempre ha sido eso.

Amor y Paz. entrevista internacional

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RK: Vienen de llenar un Lunario a nuestro probablemente Vive Latino más grande, ¿qué prefieren?

La Honestidad Musical De Beach House Es Capaz De Conectar Con Una Generación Desatada Y Ansiosa

por Diego García Venegas / fotos cortesía

año con el fatídico Ceremonia 2017. Sin embargo, nada puede vencer su anhelo (triste, envolvente, etéreo) de seguir, de reivindicarse. Para ello, el 2018 es un año de revancha, de sacar un nuevo disco al cual pertenecerá su sencillo “Lemon Glow” y que, además, presentarán en el mes de mayo en el Foro Blackberry, como una forma de pagar la deuda con sus fans (aunque deuda, más bien, la de los organizadores del mencionado y, en su momento, mentado festival).

Sus seis discos (dos lanzados en el 2015) demuestran que lo de ellos es olvidarse de hablar y ponerse a componer, a escribir, a buscar nuevas capas para sus atmósferas, nuevas sutilezas. El dúo de Baltimore, conformado por Victoria Legrand y el tecladista y guitarrista Alex Scally, se ha convertido en un híbrido entre el culto y el mainstream, capaz de generar expectativa por sus presentaciones y tristeza en la cancelación, como sucedió hace un

Para Victoria, sin embargo, ese lanzamiento espectacular, no ha logrado transformar sus raíces musicales. “Yo no me veo como alguien famoso o como una identidad pública. Me siento muy varada, retenida a la tierra en este momento y también muy afortunada y agradecida con todos los seguidores.”

Desde que en el 2006 debutaron con Beach House, han trazado su camino a través de una música anestesiada, casi triste, dulce y al mismo tiempo

alienante, que les ha puesto, entre muchas etiquetas, la de ser una banda de dream pop.

Victoria o Vicky, (dice que puedo llamarle como quiera) rehúye, por supuesto, a todas esas marcas y especies dentro de la música. Al final, prefiere incluirse dentro de lo que recuerda con juvenil nostalgia y llama “old fashion 90’s alternative”. “

-SU MÚSICA TRISTE,

DULCE Y AL MISMO TIEMPO ALIENANTE, QUE LES HA PUESTO, ENTRE MUCHAS ETIQUETAS, LA DE SER UNA BANDA DE DREAM POP-

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Las reglas para Victoria Legrand, la voz melancólica tras Beach House, parecen ser pocas, pero claras. No caer en los juegos de la definición, no dejarse envolver por etiquetas, sonidos o modas.

Componer no más que lo que realmente le nace; expresar nada menos que lo que siente aunque resulte demasiado triste, melancólico. El truco le sirve al grado de que la honestidad musical es capaz de conectar sutil y lentamente con una generación desatada y ansiosa.

Y es que es difícil hablar de Beach House, escribir de Beach House.

La calidez, amabilidad e interés de Victoria por saber dónde estoy ubicado, (cómo despierta la ciudad de México), o cuantos años tengo, y por aconsejarme que disfrute mi edad, contrasta con lo seco, casi cortante -al borde- de las respuestas que da. “Ustedes son los que ponen los nombres. Al final, no importa cómo te llames, ni como se llama a lo que suenas. Esas son palabras, así como los nombres, como Beach House, por ejemplo, que es una abstracción.

Todo lo que hacemos está abierto a

interpretación de cada persona; para algunos es una cosa muy suave, y para otros puede ser algo muy diferente.”

demuestra que lo que importa no son tanto las letras, lo que importa es tener emociones.”

Es decir, puede que para alguien una casa en la playa signifique un idilio de mar y arena, y para otros pueda ser una imagen muy solitaria o desoladora.

Victoria y Alex lo saben. Así han logrado salir del paso cada vez que alguien quiere colgarles una etiqueta, o ponerles algún adjetivo a lo que hacen: precisamente evitando hablar sobre lo que hacen. Que la vivencia y experiencia personal hable por cada uno de ellos a través de su música.

No buscar entender, pues. Victoria prefiere permitir que la experiencia estética mande y sea la clave para descifrar un sonido que es capaz de transportar algunos a una playa hermosa, a otros a zonas áureas aún por ser descubiertas, y a otros, como a la misma Victoria, “a grandes almacenes vacíos, o lugares nocturnos, afuera”

Solo cuando se le pregunta qué es la música para ella, Victoria se olvida de contenerse. “Yo pienso que la música es una forma de expresar cualquier cosa, desde emociones hasta sueños actuales. Es una manera de entendernos, que podría ser un montón de cosas. La música

entrevista internacional

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En los noventas todo era alternativo.

Ponías la radio y todo lo que no fuera country o rap era llamado así.” Y se agradece que sepamos que al menos su sonido puede entrar en el género “música”, sea como dream pop, sea como alternativo (donde cabe todo y al mismo tiempo nada), sea como lo que sea.

Una De Las Bandas Más Representativas Del Rock Nacional Que Han Dem La primera vez sobre un escenario Tal vez muchos hemos sentido nervios al hacer algo por primera vez, especialmente si hay varias personas observando; el bajista nos cuenta cuándo y cómo fue la primera ocasión en la que se subió a tocar a un escenario.

Por este motivo, platicamos con Rafael Navejas, bajista de la agrupación, quien nos compartió sus experiencias en este proceso, desde los comienzos de Enjambre hasta la actualidad.

“Me acuerdo perfectamente que fue en diciembre de 1996, yo tenía 13 años, Luis Humberto tenía 15 y ya teníamos un grupo de rock en Fresnillo que se llamaba Los Cuatro Fantásticos.

Tuvimos nuestra primera presentación; fue en el patio trasero en la casa de un amigo que tenía un grupo, nosotros éramos más chavalillos”, comenta.

Ellos eran parte de un grupo de jóvenes que se reunían a tocar y compartir la música que creaban, siendo Rafa y Luis Humberto los más chicos, pero aun así eran invitados a tocar.

Recuerda con mucho agrado esta primera presentación y aquellos tiempos.

Revista Kuadro: ¿Hay algo que extrañes de los inicios de la banda?

“Creo que no extraño nada, pero seguido me acuerdo de nuestros comienzos y de cómo a pesar de las dificultades o de las condiciones no muy favorables para echar a andar un grupo de rock, nos divertíamos mucho”, recuerda.

Enjambre se formó en el 2001, aunque los músicos vivieron gran parte de su vida en Fresnillo, Zacatecas, formaron el proyecto en Santa Ana, California, para finalmente concretarlo con una mudanza a la Ciudad de México.

“No conocíamos a nadie, era una ciudad donde nunca habíamos estado y fue muy divertido desde cómo buscar donde vivir, ya que nadie nos quería aceptar porque éramos cinco jóvenes y músicos, imagínate”.

Aunque Rafa asegura no tener ningún arrepentimiento en cuanto a la trayectoria de la banda, se trata, el músico sólo recuerda un momento en el que le diría a su no lo del pasado “no lo hagas”.

“Antes de que firmáramos con una disquera trasnacional, firmamos con una disquera independiente que ya no existe, si yo pudiera ir atrás le diría a Enjambre ‘no hay que firmar con ellos’, porque no nos sirvió de nada, fue una pérdida de tiempo, pero pudimos zafarnos de eso, ya que ese sello se disolvió y ya fue cuando nos firmaron con EMI”, cuenta.

Navejas menciona que atravesar por estos obstáculos y dificultades hasta cierto punto era entretenido, lo que les ayudó mucho, además siempre tomaban todo con buen humor y con una buena actitud.

A pesar de que el músico considera que no es bueno estar añorando el pasado porque hay que vivir y disfrutar el presente, nos confesó que a veces se acuerda de aquella época porque en sus propias palabras fue “muy decisiva en lo que es hoy esencialmente Enjambre”.

Actualmente hemos podido llegar a ver a Enjambre en grandes y pequeños escenarios, desde un Teatro Metropólitan, un Auditorio Nacional, un Palacio de los Deportes hasta un Vive Latino.

Y ahora los nervios se han transformado en algo más.

“Siempre hay descarga de adrenalina, una energía por tocar, pero ya no es nervio”, asegura.

“Personalmente, con el tiempo vas aprendiendo a disfrutar de la gente, de la música, de la sensación que de que estás tocando en un escenario en vivo, ese sentimiento ya se impone”.

Lo que hace la diferencia, según palabras de Rafa, es que sea el escenario que sea, de lo que se trata es de salir para disfrutar de la música y la gente.

El crecimiento del rock En el presente, la música regional y el reggaetón son dos géneros que han dominado el mercado, dejando a un lado rock e incluso hasta al pop, los medios de comunicación sólo han bombardeado

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Sin duda alguna, Enjambre se ha convertido en una de las bandas más representativas del rock nacional en nuestros tiempos, sobrepasando fronteras y demostrando que el rock en México aún tiene mucho que dar. Luego de tantos logros, es muy satisfactorio voltear atrás y ver cómo ha sido ese camino recorrido a lo largo de los años.

central

mostrado Que El Rock Aún Tiene Mucho Que Dar al público con este tipo de música. “Estamos en un país tan contrastado”, asegura Rafa. Sin embargo, desde hace algunos años en toda la república mexicana se han empezado a crear festivales, donde en esencia predomina el rock. El gusto por este tipo de música es una de las razones, pero lo principal para Rafa es esa sensación del rock en vivo. “Esto es un indicador de la experiencia en vivo, no hay nada que le gane a la música rock, no hay mejor experiencia que el rock en vivo”.

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Festivales como Pal’Norte, Coordenada, Vive Latino, entre otros, están atrayendo a miles de personas; destacando este género que absolutamente todos conocemos. “La convocatoria de gente está creciendo de una manera bestial”, afirma.

Pasando a algo más específico, recordemos que Enjambre es una banda de Zacatecas, aunque el nombre de este estado no suena tanto, claro que nos han dado grandes artistas y Rafa nos contó un poco acerca de cómo ve la escena en este lugar.

“No sé si sea el mismo caso en otros estados, pero en fresnillo siempre ha habido rockeros, sigue existiendo una escena de rock y un gusto por seguir la música propuesta”, asegura.

Aunque cabe destacar que se ha ido desvaneciendo con el paso del tiempo. “A nivel popular, al menos en Zacatecas, como que han achicado la escena de rock, sigue estando ahí, pero ya no representa esta cultura”, comenta.

La favorita de favoritas Finalmente, haciendo un recuento sabemos que Enjambre cuenta con una extensa discografía, que abarca en total seis discos de estudio, por lo que es muy difícil tener una canción favorita, así que Rafa nos compartió cual de todas es su favorita.

“Hematófago me encanta por muchos motivos, si tú lees la letra es una especie de cuento corto, se me hace un logro artística de parte de Luis Humberto como letrista, me gusta mucho la manera en la que describe a una persona que está siendo atacada por un zancudo en la noche”, cuenta Rafa.

En cuanto a la música, también nos explica por qué esta canción se ha ganado estos honores.

“Saca una lírica tremenda, la música me parece que es una propuesta que no van a escuchar en otro lado, tiene una propuesta muy padre… me encanta que Enjambre tenga un lado oscuro”, enfatiza.

Actualmente Enjambre sigue de presentación en presentación, promocionando Imperfecto Extrañando, su más reciente producción, por lo que no te los puedes perder en vivo, ya que son garantía de perfección.

Una Lista De “Infortunados” Que Tuvieron A Bien No Morir Jóvenes

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“No hay que desearle la muerte a nadie”… dicen, pero ya todos sabemos que Van Gogh no era nadie hasta que dejó de ser. Todos esos aires de grandeza que les damos a las personas justo cuando ya no están porque tal vez, sólo tal vez, la muerte le da vida a los que sí se quedan; ¿o valoramos por morbo?, ¿por culpa? Bueno, también existen tributos para mantener la esencia en el vacío que la ausencia deja, entonces, de alguna manera; la muerte es una fiesta. Cuando la cultura y otros incomprendidos determinan sin buscarlo así; se convierte también, en una tradición: El Club de los 27.

La suerte de morirse en el momento indicado, a la edad indicada, para obtener: nada. Ya estás muerto. Pero si alguna vez, a ellos; la lista encabezada por Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison, Amy Winehouse, Kurt Cobain y Brian Jones, les interesó dejar, además de un gran legado, la muerte como el arte de ser más que en la propia vida, vaya que lo hicieron bien.

¿Quién no tuvo la “suerte” de morirse a los 27?

John Lennon Empecemos por lo obvio, si al líder de The Beatles lo hubieran matado 13 años antes de cuando en realidad fue, habría ocurrido justo en los mejores momentos de la boy band británica más importante de todos los tiempos. Entonces la separación de los Beatles, pues difícilmente el cuarteto hubiera encontrado un suplente igual de brillante y excéntrico, se hubiera dado por una muerte y Yoko Ono sería menos odiada y probablemente menos conocida.

David Bowie No existiría Diamond Dogs, el álbum inspirado en la novela “1984” de George Orwell, Heroes ni “Under Preassure” con Queen, sin embargo Space Oddity y Hunky Dory ya habían salido a la luz y nos habría dado el gusto de recordarlo como el “Duque Blanco” o como Ziggy Stardust. A sus 27 ya existían razones suficientes para recordarlo como un grande.

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Pero la verdad, este club es más importante gracias a los vivos, que por los músicos que buscaron su muerte o simplemente les tocó. Somos nosotros los que vamos a Spotify (o cualquier otra plataforma musical de su preferencia) o ponemos el CD apenas minutos después de que nos enteramos del deceso de alguien que, probablemente ya ni recordábamos. Somos nosotros también los que le damos más seguimiento al motivo de la muerte que la razón de su último gran álbum.

por Erika Rodríguez / Ilustración Zurita

-ESTE CLUB ES MÁS IMPORTANTE GRACIAS A LOS VIVOS, QUE POR LOS MÚSICOS QUE BUSCARON SU MUERTE O SIMPLEMENTE LES TOCÓ-

Chris Cornell Y mientras unos estaban cerca de inaugurar el Club de los 27, otros apenas estaban llegando al mundo en los 60. De haberse marchado en 1991 únicamente hubiéramos conocido un par de años a Soundgarden y de Audioslave jamás se habría mencionado ni una sola palabra. No sabemos si su muerte habría tenido la misma reacción porque a sus 27 la banda comenzó a ser conocida.

Chester Bennington Linkin Park habría durado apenas cuatro años si Bennington hubiera decidido quitarse la vida 14 años antes, o sea en pleno apogeo de los 2000. Debido al contexto de esos años, creemos que su muerte y el éxito de la banda hubieran tenido más impacto si fuera parte del Club de los 27. Sin embargo, decidió hacerlo dos meses después que Chris Cornell en 2017.

Syd Barrett Pudo haber sido otro de los pioneros si hubiera muerto en 1973, y probablemente hubiera muerto por drogas y no por cáncer. Al igual que la disyuntiva con Chris Cornell, está para pensar si Pink Floyd y Syd Barrett por sí mismos hubieran sido tan reconocidos como ahora porque su éxito a nivel mundial también fue a los 27. Aunque el éxito de la banda llegó sin Barrett, Wish You Were Here probablemente no existiría o no tendría la misma carga melancólica que tiene.

Elvis Presley Elvis tiene nombre de pertenecer al club, pero no, murió hasta los 42. Aunque si hubiera muerto a los 27 seguro le hubiera dado un peso más fuerte a su figura como la leyenda que es, a esa edad ya había debutado en el cine y tenía más de cinco discos de estudio, además de haber sido reconocido como un símbolo sexual para ese entonces. A su personaje pudo haberle convenido morirse antes, y hubiera encabezado la lista del Club en lugar de Brian Jones.

Freddy Mercury De hecho hay personas que no deberían morirse ni a los 27, ni nunca. La excentricidad de Freddy Mercury nos habría alcanzado hasta 1973, cuando poco se sabía de su orientación sexual (que fue ejemplo para muchos) y probablemente su papel en la historia del VIH y sida jamás hubiera ocurrido.

Queen sólo habría sacado un álbum.

Así quedó nuestra lista de las desafortunadas almas que cometieron el grave error de no morirse a los 27. Mentimos; de hecho, gracias por haberse quedado más tiempo.

Tal Vez El Problema Es Que Nos Negamos A Ver A Nuestros Ídolos Como Lo Que So

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Entre tantas historias oficiales, no oficiales, reportajes, libros; memes —y mames— que se han contado alrededor del Club de los 27, ¿cómo distinguir entre real y fantástico? Que si la edad, los astros, que si sus excesos. A Robert Johnson, uno de los primeros miembros del club, se le han atribuido similitudes con Fausto por pactar con el diablo para que éste le enseñara a tocar el blues como ningún otro. No faltan las voces y blogs que colocan a la élite oculta al timón de la industria, como la responsable de dichas muertes.

Hoy quizás estemos a tiempo de aceptar que nunca encontraremos los trece casetes (¿entendieron la referencia?) con la explicación de lo que sucedió al último minuto; que tal vez no haya signo mefistofélico. Si algo comprobaron las muertes de Joplin, Winehouse y del último miembro, para muchos “no oficial”, Jonghyun, es que el rock n’ roll, como género musical, no tiene culpa de nada, como lo han querido hacer ver los viejos vinagres. Tampoco la tienen el diablo, ni Mick Jagger quien, por cierto, no empujó a Brian Jones a la alberca, ¿o sí?

Sin embargo, ni las groupies, ni los miles de seguidores en Facebook, garantizan la felicidad. Nada. Ni una tarjeta de crédito, ni un afore, ni una empresa, ni un best seller bajo la manga. Ni siquiera los pocos afortunados y talentosos (o no), que “llenan el ranking de los elegidos del nunca jamás”, que pueden vivir de su pasión (o no) tienen la plenitud asegurada.

La realidad tras la fama se revela en los medios después del huracán, después de cada una de esas muertes de seres que, humanamente, intentan separarse del mundo convencional sin conseguirlo. Sin importar la época, el género, o si preferían el alcohol, la heroína o los dos al mismo tiempo, los catalizadores suelen ser la depresión, la ansiedad, la soledad, las grandes dosis de euforia; vidas de abuso, ruptura de límites, de libertades ganadas con base en espina y sangre, son rasgos de una dialéctica del rockstar de la que poco vemos hasta que llega la tragedia.

Tal vez, la realidad no se encuentre en los glóbulos blancos anémicos de Kurt Cobain. Tal vez el problema es que nos negamos a ver a nuestros ídolos como lo que son: personas frágiles, con problemas, trastornos y traumas… como todos.

Personas que no pueden lidiar con el miedo a envejecer lentamente. Personas que se deciden a vivir al día, a buscar las altas verdades y bellezas bravías en el instante. Neil Young lo resumiría en esa famosísima frase, “it’s better to burn out than to fade away”.

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Si le quitamos el 27 a la ecuación y nos concentramos en el mito del músico, quizá encontremos que la relación entre Chester Bennington, Chris Cornell y Dolores O’ Rordian, es la misma que la que hay entre Brian Jones, Kurt Cobain y Valentín Elizalde.

Nada cataliza la fama y el dinero, como una banda exitosa.

Pocas profesiones ofrecen tal proyección al firmamento como ser una estrella musical. Pocas cosas en la vida generan tanta expectativa, mueven tantas pasiones como un Gustavo Cerati o un David Bowie. Me atrevo a decir que hoy en día el rockstar cumple en la sociedad el modelo del superhombre nietzscheano, por encima de las normas sociales y morales.

Representan la consagración de la individualidad liberada que han predicado los hippies de todas las épocas.

Muchas religiones necesitan ídolos y profetas humanos para reforzar la presencia de una deidad, tal parece que la música, cual rito iniciático, se vigoriza con la figura de sus músicos muertos. Contra la pulcritud, castidad y abnegación del santo como camino al más allá; el músico simboliza el sexo, la libertad y el placer como la ruta más cortita al más acá; al hoy, al ahora.

Si existe, una figura que representa a la perfección el sueño del rockstar, ese es Jim Morrison, una especie de enviado espiritual, de alma hiperbórea elevada por la que no juraríamos en vano. Poeta, predicador de la libertad sexual y del uso de las drogas como forma para depurar las puertas de la percepción, cuya tumba en el cementerio de Pere Lachaise es visitada cada año por miles de adoradores. Bien sabían a lo que aspiraban los Stone Roses cuando cantaban “I wanna be adored”, o “I am the Resurrection”.

Nos divierten tanto los relatos de hoteles devastados, sexo, drogas y rock & roll, que perdonamos todo lo que puedan hacer Mick Jagger, Ozzy Osbourne, etcétera. Y así, miles de personas en el mundo soñamos con algún día convertirnos en ese Jimmy Hendrix capaz de elevar más que un buen porro de purple haze con una guitarra.

-EL ESTEREOTIPO DE LA ESTRELLA DE ROCK PARECE INHUMANIZAR, COMO LO HACEN LAS RELIGIONES CON LOS PREDICADORES, A LAS PERSONAS COMUNES.-

por Diego Venegas / Ilustración Rodrigo Bernardo

on: Personas Frágiles

ROCKSTARS QUE SOBREVIVIERON

AL CLUB DE LOS

El selecto Club de los 27 guarda nombres que sólo al pronunciarlos evocan grandes momentos en la historia de la música contemporánea, especialmente en el rock. Jim Morrison, Kurt Cobain, Jimi Hendrix y Janis Joplin, entre los más mencionados. Entre especulaciones tipo ¿qué hubiera pasado si tal artista hubiera abandonado este mundo a la misma edad?; es decir a los 27, se nos han ocurrido muchos otros nombres. Esto no es gratuito: la vida de un rockstar se entiende como un suceso lleno de adicciones y situaciones que ponen en peligro la vida de estas personas.

Con esta premisa podemos pensar en algunos nombres que todos pensábamos que terminarían su ciclo en este mundo a justo a los 27 años y que sobrevivieron, queriendo o no, a dicha edad.

- NO HAY MALOS DESEOS, SÓLO SUPOSICIONES DE LAS QUE EL ROCK SE SALVÓ-

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Iggy Pop Uno de los nombres más icónicos del rock, que al día de hoy tiene ya 70 años vagando por este mundo, también fue uno de los personajes más propensos a perder la vida tres años antes de los 30. Con una vida llena de excesos y múltiples disturbios, poco faltó para que su nombre apareciera también en la famosa lista del Club. Un evento que pudo ser la razón, se dio en 1974 en la etapa final de The Stooges, cuando Iggy tenía 27 y provocó una gran revuelta con un club de motociclistas de Detroit que se hacían llamar “The Scorpions”. Tan violenta fue la revuelta que muy probablemente el intérprete de “Lust For Life” pudo provocar que lo molieran a golpes. La sobredosis no se descarta: 1974 pudo ser el año, no sólo del final de The Stooges sino de la historia de La Iguana. Estoy seguro que por esas fechas hubo algunos que apostaban por su muerte.

Keith Moon El caso, estadísticamente con la probabilidad más alta de esta lista es Keith Moon, quien fuera baterista de The Who. El inglés era conocido por sus adicciones y excesos dentro y fuera de los escenarios. Justamente esto ocasionó que a sus 27 años, durante la gira de promoción del disco Quadrophenia en EEUU en 1973, Moon estuvo coqueteando con la dama de blanco (guiño); por lo que aparecía demacrado. El baterista se desvaneció en el escenario provocando la preocupación de la banda y todos aquellos que estaban presentes, Keith fue reemplazado por un fan de nombre Scott Halpin esa noche. Fin de la historia. Sin embargo, el músico murió a los 54 años en 2008.

Pete Doherty Uno de los personajes actuales más polémicos que se ha visto envuelto en muertes misteriosas, declaraciones polémicas y muchos excesos también pudo ser parte de esta lista. El cantante de The Libertines, fundador de Babyshambles, actor, poeta, modelo, escritor y un largo etcétera, vio en 2006 un año fundamental para su vida y precisamente a la edad de 27 años.

Este fue uno de los años más peligrosos para el músico inglés, ya que ingresó en una clínica de rehabilitación en Lisboa apoyado por la idea de mantener su relación con Kate Moss, con la que volvió en agosto de ese mismo año. Quizá de no darse las cosas de tal modo Peter Doherty hubiera seguido con sus adicciones y todo habría ocurrido de manera muy distinta con un posible final digno de algún autor de alguna comedia trágica.

Otros nombres que surgen ante esta premisa son Keith Richards, David Bowie, Axl Rose, Hillel Slovak, Gram Parson, Otis Redding, Tim Buckley entre algunos otros. Algunos pasaron esta edad sin ningún incidente que pudiera significar un acercamiento importante con la muerte, otros no llegaron a pertenecer al legendario Club de los 27 porque dejaron este mundo un año antes o uno después; quizá esta sea la principal razón por la que cada que se habla de este selecto grupo, no se les toma en cuenta.

REFLEXIÓN SOBRE EL PRESENTE El mundo de la música ha cambiado, el estilo de vida de los actuales representantes de los distintos géneros en su mayoría está enfocada a una vida más sana y con excesos menos notorios que nos hacen pensar que dicha lista ha entrado en una pausa. Es notable cómo los artistas superan los 20 sin más complicaciones que polémicas derivadas de alguna publicación en sus redes sociales. Sea cual sea el género musical que ejerzan, pues desde hace años que el rock perdió el protagonismo.

Quizá sea tiempo de crear nuevas leyendas o listas como “Artistas cuyas carreras terminaron por una polémica en redes sociales” o “Los saludables hábitos de artistas a los 27 años” que si bien son menos interesantes, parecen ser el nuevo común denominador entre esta generación millenial; con todo y sus inconsistencias y sus interminables hashtags. Dicho sea de paso, aunque el autor de estas líneas también forme parte de esta extraña juventud.

por Francisco Espinoza / Ilustración Gerrysnk

El Estilo De Vida De Los Actuales Representantes De Los Distintos Géneros En Su Mayoría Está Enfocada A Una Vida Más Sana Y Con Excesos Menos Notorios

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”El hubiera no existe”, esa frase, a veces cruel, nos ha robado en muchas ocasiones las ganas de imaginar mejores o peores escenarios y nos limita a una sola realidad. Una que la gran mayoría de las veces no elegimos. En el caso de El Club de los 27, los hubiera son recurrentes debido a lo trágico de la vida y muerte de sus integrantes pero más, por el vacío que han dejado en la historia.

Promesas de la música que se apagaron muy pronto o vivieron todo muy rápido, cual sea el caso, nos dejaron con deseos de descubrir qué habría más allá, al grado de inventar y suponer posibilidades. Escenarios imaginarios que expliquen la vida sin la muerte. Uno de los ejemplos más próximos: Jim Morrison viviendo en Tijuana y el primero de los hubiera de este texto.

Sin afán de redimir, si “El Rey Lagarto” hubiera sobrevivido al paro cardíaco provocado por una aparente sobredosis, habría tocado fondo y quizá habría dejado The Doors por incompatibilidad creativa con Ray Manzarek. Se habría

-LOS “HUBIERA” SON

RECURRENTES DEBIDO A LO TRÁGICO DE LA VIDA Y MUERTE PERO MÁS, POR EL VACÍO QUE HAN DEJADO EN LA HISTORIA-

Purple Haze Uno de los hubiera que más atemorizan es el de Jimi Hendrix.

El guitarrista, no cualquiera. Una figura que influenció de una forma gigantesca al género musical más popular del siglo XX: el rock.

Si bien conocemos mucha obra inédita de Hendrix a través de discos póstumos elaborados a partir de archivos de grabación como Valleys of Neptune (2010), People, Hell and Angels (2013) y Both Sides Of The Sky (2018), resulta abrumador imaginar qué habría sucedido con la exploración musical que inició el músico a mediados de los 60 con el uso del pedal wah wah para marcar el sonido de la psicodelia, protagonista de le época.

Si Hendrix no hubiera muerto, la lista de aportaciones musicales —en específico al sonido de la guitarra— no pararía, quizá el único que pueda llenar medianamente el hueco, en tanto a exploración de sonidos provenientes y externos a la guitarra sería The Edge y me estoy arriesgando, porque nadie en la historia del rock ha podido igualar solos tan épicos como los de “Purple Haze” y “Vooodoo Child”.

It is better to burn out than to fade away ¿Te has imaginado el mundo actual con Kurt Cobain? ¿Habría cabida para un músico como él en la escena actual?

Probablemente, no. Es el único músico de El Club que no murió “accidentalmente” por el abuso de sustancias sino que “aparentemente” —incluso tomando en cuenta la versión en que Courtney Love lo asesinó— fue él mismo quien se retiró del juego.

Afrontar un escenario imaginario con Cobain tiene dos variables opuestas entre sí: en el primero podríamos ver a un Kurt Cobain retirado de la música después de la grabación del Unplugged, rehabilitación y quizá pintando muchísimo y colaborando de vez en vez con alguien. En el segundo viviríamos en un mundo que dejó morir a Nirvana para permitir nacer una disputa entre Kurt Cobain y Dave Ghrol por tener a Pat Smear en sus respectivas bandas.

El hubiera sí existe y es real por todos aquellos que nos quedamos aquí, los que depositamos parte de nuestra fe en la grandeza de estos músicos que, a pesar de lo tormentoso o caótico de su vida lograron lo que muchos anhelamos: vivir el sueño durante algunos minutos.

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dedicado escribir sus poemas y An American Prayer habría sido un gran libro recopilatorio de la obra de Morrison, el primero de muchos. Habría explorado el arte como cineasta y probablemente habría participado en algún film de Jim Jarmusch. ¿Música? Sí, mucha pero ya como solista, habría jugado más con elementos chamánicos y Mr. Mojo habría sido un personaje recurrente en su obra. Obviamente habríamos disfrutado de un reencuentro de The Doors pero al imaginar un alma liberada de la oscuridad resulta inevitable pensar si todo esto nos habría resultado interesante. Lo más importante es: ¿le habría resultado interesante a Oliver Stone?

Buried alive in the blues En nuestra cultura occidental el sufrimiento y la tragedia son una carnada bastante generosa. El morbo causado por la muerte escandalosa es un manjar mediático y más cuando eres una estrella de rock con problemas de drogas. En el caso de Janis Joplin, quizá el panorama no la habría redimido del todo, tampoco habría girado las cosas a su favor, tal vez solo se habría prolongado el trágico final por algunos años más.

Su búsqueda constante por el amor propio en personas destructivas y la falta de una banda que la respaldara creativa y emocionalmente durante las largas giras, habrían acabado con ella. Sin embargo es innegable que su permanencia en este mundo por unos instantes más, nos habrían permitido conocer al 100% la genialidad de uno de los discos más representativos de su carrera y uno en el que había más pedacitos de su alma: Pearl.

Por María José Sánchez / Ilustración Xkanleox Gómez

Promesas De La Música Que Se Apagaron Muy Pronto Nos Dejaron Con Deseos De Descubrir Qué Habría Más Allá

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- [NO SIEMPRE] SEXO, [NO TODO ES] DROGAS Y [EL GÉNERO MUSICAL DE SU PREFERENCIA]para esta causa.

Jacob Miller Este cantante de reggae se perfilaba para ser uno de los máximos representantes del género al lado de Inner Circle.

En una de las fotos más famosas de Bob Marley mientras ríe aparece Miller, riendo también. Esto se puede tomar como una metáfora, pues precisamente con Marley and the Wailers tendrían una gira por EEUU cuando el 23 de marzo de 1980, un accidente vehicular le quitó la vida a Jacob. Su voz quedaría inmortalizada en Mixed Up Moods. Aunque Inner Circle tendría relativo éxito una década después con “Sweet (A La La La Long)”, la figura de Miller y su buen humor aún se recuerdan en el más reciente álbum de la banda: Hawaii Sings Jacob Miller.

Richey Edwards Este es quizá el caso más curioso de todo el Club, pues no hay una prueba real de que este guitarrista y compositor de la banda galesa Manic Street Preachers esté muerto. Desapareció para no dejar huella el 1 de febrero de 1995 y desde entonces no se ha sabido nada más de él. Sin tendencias suicidas o problemas serios de adicción, Edwards está muerto (o presunto muerto) legalmente por la justicia británica desde noviembre 2008.

Valentín Elizalde Nuestro país también tiene su representante y este es el afamado “Gallo de Oro”. Como exponente sui géneris en la banda al ser solista en un mercado dominado por las multitudinarias agrupaciones, fue también precursor del narcocorrido. Muchos medios y versiones han concordado que el tema “A mis Enemigos” fue el que firmó su sentencia de muerte. Presuntamente este tema hace alusión a Joaquín “El Chapo” Guzmán respecto al brazo armado del Cártel del Golfo: Los Zetas. El 24 de noviembre del 2006 sería recordado por ser el último concierto de Elizalde durante la ExpoFeria en Reynosa, Tamaulipas. El concierto que se tenía planeado para el día siguiente en Michoacán al lado de Joan Sebastian jamás se realizaría.

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Hay pocas cosas que no se sepan ya del club de los 27; principalmente por sus más famosos exponentes: Joplin, Winehouse, Hendrix, Morrison, Jones, Cobain. Pero este gremio no queda exento de géneros musicales, país de origen o sexo. Huelga decir que el Club de los 27 consta de 61 miembros hasta el momento: 11 nada más en lo que va de la década. Esta lista se remonta desde finales del siglo XIX y la década que más le ha ayudado a engrosar sus filas fue 1970 con 17 músicos muertos a dicha edad. De todos los miembros hay 12 mujeres y 49 hombres.

Contrario a lo que se pueda creer, sólo hay 12 miembros cuya causa de muerte de el exceso de alguna sustancia (no necesariamente drogas); los accidentes son la principal causa de deceso. Entre choques aéreos, de tráfico o de otras casualidades fatales como caída de un caballo (Roger Lee Durham) o una descarga eléctrica (Leslie Harvey), estos eventos se llevan el primer lugar con 17. Por su parte, el género musical parece inclinado hacia el rock y ritmos afines como metal, R&B o blues: 31 miembros eran intérpretes de estos géneros, le siguen el rap, algunos ritmos folclóricos, jazz, country, reggae e incluso la banda.

Pero estas personas que dedicaron su vida a la música son algo más que un número. ¿Qué hay de las demás mujeres y hombres que forman parte de este selecto —en un no muy buen sentido de la palabra— grupo? En los siguientes párrafos me enfocaré en contar algunas de estas historias sin afán de demeritar las demás: únicamente pretendo mostrar lo interesante y terrible que resultaron ciertas partidas definitivas. Morir joven no es una aspiración que se tenga realmente, muchas de estas personas estaban viviendo un sueño o luchaban por tal. De más está decir que son talentos que se extinguieron muy pronto.

Mia Zapata Fue en la madrugada del 7 de julio de 1993 que la vocalista principal del grupo The Gits fue encontrada muerta en las calles de Seattle. Había sido violada y estrangulada luego de salir de un bar y rumbo a la casa de un amigo. Aunque el caso tardó mucho tiempo en resolverse, la comunidad musical de aquella ciudad (donde se encontraban Nirvana, Soundgarden y Pearl Jam) organizó un concierto para recaudar fondos en pos de una investigación privada. Asimismo, The Gits dio una gira con Joan Jett en 1995 para los mismos fines. En 2003 se dio con el asesino, Jesus Mezquia, gracias a una prueba de ADN y se le sentenció a 36 años en prisión. En memoria de Zapata, amigos cercanos se encargaron de crear Home Alive, una asociación que enseña a las mujeres técnicas de defensa personal, además de organizar conciertos benéficos

por Martín Vargas / Ilustración Daniel Solís

Las Distintas Causas De Las Muertes No Obedecieron Al Patrón De Ser Rockstar

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El Club de los 27 es uno de los más grandes mitos del rock, pero no mitos como Chuck Berry, sino más bien del estilo de Milli Vanilli. Esos gloriosos músicos que murieron a los 27 y nos dejaron un legado impresionante. No estamos para echarle tierra a nadie de este grupo, es imposible hablar mal del trabajo de Brian Jones y de cómo trajo la cítara a al rock, antes de que George Harrison lo hiciera con The Beatles, pero, ¿cuánto podemos decir que se aprovecharon más ellos del Club, que el Club de ellos?.

Jones se fue en el ‘69, Jimi y Janis en el ‘70 y Jim en el ‘71, ¿lo notaron?, no hacía falta poner Brian, Hendrix, Joplin o Morrison para saber de quién hablábamos. También está el hecho de que ninguno fue de “causas naturales”, lo cual hace más molesto que todos ignoren a Robert Johnson, pero eso es tema de otra ocasión. La muerte también es un negocio, tal vez sea muy quisquilloso hurgar en

-¿QUÉ ES MÁS GRANDE: SU LEGADO MUSICAL O SER LA PERSONIFICACIÓN DE “VIVE RÁPIDO, MUERE JOVEN Y DEJA UN CADÁVER HERMOSO”la participación más memorable, en el festival más memorable (y ni siquiera fue su show más memorable en Woodstock, ese corresponde a Monterey un año antes, en 1966).

Igual que al “Rey Lagarto”, siete discos de estudio, más ese de Spoken Word, musicalizado póstumo. Miles de anécdotas y performances. Un caso muy raro, él a los 27 ya tenía toda una carrera. No le dio nada morirse, tampoco sentimos que nos haya quitado algo al dejarnos. Si alguien le sería indiferente al muerte. Tenía que ser a Morrison. Por eso los otros tres casos de renombre que quedan, son la clave para entender el mito, ya que el Club les dió más ellos. El primero es Janis Joplin, la bruja cósmica, su trabajo magno fue póstumo, ya que incluso uno de los tracks de Pearl es instrumental porque ya no pudo grabar las voces —aunque sí aprobó la música—.

Sí, es un discazo y estuvo en Woodstock, pero qué diferencia hay con Grace Slick y Joan Baez. Ambas mujeres también fueron parte fundamental de la contracultura y de los 60. Las tres tuvieron carreras que marcaron paradigmas, pero solo se piensa de esa manera de una.

No es por hablar mal de nadie, no es por demeritar ninguna carrera, pero es entender a la muerte como el valor agregado, de cómo las circunstancias sirven para medir también el legado de alguien. ¿Qué es más grande de Sid Vicious: su legado musical o ser la personificación de “Vive rápido, muere joven y deja un cadáver hermoso”?. El más grande ejemplo sigue siendo Amy, un disco, una muerte trágica y una comparación con Janis parece casi irremediable. ¿O no?

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el pasado de los que nos dejaron, pero en el rock siempre ha sido un tema favorito; ver el panteón, quién merece (o merecía) y quién no (ni merecerá). Quién está ahí de a gratis y los que recibieron un empujón. Cómo morirse, por más bizarro y sombrío que suene.

Brian Jones, quien inauguró formalmente el grupo en la élite del rock, era un genio. De eso no había duda, pero es una especie de Syd Barret y aquí el más claro ejemplo. Este último fue el fundador de Pink Floyd —una de las poquísimas bandas que le pelan a los Stones el puesto de la banda de rock más importante— pero Syd carece de esa aura. Él es el “Diamante Loco” y esas canciones de Pink Floyd, pero su nombre no tiene el romanticismo que transpira el de Brian Jones, que también fue el fundador de los Stones, el que consiguió a los miembros; el que les dio esas bases bluseras para empezar y consiguió las primeras tocadas. La diferencia fundamental es cuando se murieron: uno joven todavía en los 60, el otro acabado ya en los dos miles. Porque a Jones también le pasó algo muy triste, igual que a Syd: algo tal vez peor que la muerte.

Los mejores trabajos de ambas bandas llegaron sin ellos.

Muchos quisieran el curriculum que Jones amasó con los Rolling Stones, como el ya mencionado ejemplo de la cítara.

Pero universalmente, los mejores álbumes son Sticky Fingers y en especial Exile on Main St. Los primeros con ningún crédito del multiinstrumentista. Sin mencionar que cada disco que pasaba, las figuras de Jagger y Richards se lo fueron comiendo. La misma suerte corrieron los demás integrantes.

Más que triste, es injusto pensar que pudieron haber hecho de su carrera, si los excesos no hubieran cortado sus carreras de esa manera. Por eso Hendrix y Morrison son punto y aparte en este Club. Los dos ya estaban más que consagrados. Hendrix el —probablemente— más grande dios de la guitarra, sólo realizó cuatro álbumes oficiales, pero fueron trascendentales en la historia de la música. Además de

por Carlos Valle / Ilustración TheJavisCEffect

Pese A Todo, No Que Hay Que Olvidar Que La Muerte También Es Un Negocio

NECESITAS A DAVID BYRNE AL MENOS, ONCE IN A LIFETIME

POR JAVIER JARQUÍN / FOTO CORTESÍA

POR MARÍA JOSÉ SÁNCHEZ / FOTO CORTESÍA

Después de un diluvio y granizada tremenda que azotó a la CDMX, las calles aledañas al recinto de la Colonia Nápoles cobraban para ver el regreso de James Murphy y compañía en el centro del país.

Las últimas gotas de la lluvia caían afuera del Teatro Metropólitan y

Como primer acto, Andre VII fue el encargado de hacer subir los ánimos con sus beats. Ya cerca de las 10 de la noche, las luces apagaban y se hacía presente “You Wanted a Hit”, dando inicio a una velada en donde nadie pudo quedarse sin bailar.

“Tribulations”, “I Can Change” y “Call the Police”, continuaron al hilo para no bajar los decibeles. Sonido impecable durante toda la presentación, un juego de luces y una enorme esfera disco, fueron los únicos elementos que acompañaron a los neoyorquinos durante todo el acto. Entre lo más ovacionado: “Someone Great”, “Daft Punk is Playing at my House” y “Home”, una de las más esperadas de la noche y un propio himno de la banda.

con “Here”, canción del American Utopia. Así nos dio la bienvenida al espacio de sonidos, luces y movimientos que nos iban a hospedar durante un breve instante.

Aunque LCD se presentó en el Festival Capital en 2016, hacía falta una presentación íntima en CDMX, donde llovieran sus hits y esos sonidos electrónicos del señor Murphy. El detonador de la noche sin duda, “Dance Yrself Clean”.

la noche comenzó con el Mexican Institute of Sound, sin embargo es inevitable mencionar la verdadera razón por la que estábamos ahí: David Byrne. A manera de prólogo, Byrne inició su presentación

El escenario estuvo vivo todo el tiempo, las luces dieron volumen, color y perspectiva al espacio mientras los músicos que acompañaron a Byrne estaban descalzos y poseían total libertad de movimiento. El equilibrio y armonía por momentos se convertía en una compañía de danza contemporánea y en otros un desfile de Mardi Gras. El momento más entrañable fue cuando escuchamos el combo-breaker de la noche “Everybody’s Coming to My House”, rolita que compuso junto a Brian Eno seguida de “This Must Be The Place” y “Once in a Lifetime”, fue el punto sin retorno, para que este concierto quedara grabado en la memoria para siempre.

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LA ETERNA JUVENTUD DE LCD SOUNDSYSTEM EN CDMX

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VIVE LATINO, DÍA 1:

VIVE LATINO, DÍA 2:

POR ERIKA RODRÍGUEZ / FOTO NANCY LEÓN

POR DORA MÉNDEZ / FOTO QUIQUE ÁVILA

Vive Latino lleva 19 ediciones dándonos increíbles actos; unos sorpresa, otros nuevos, pero siempre fiel a la idea de lo diverso porque pasar de ver a Amandititita a Noel Gallagher’s High Flying Birds, no es tan malo como pensamos. También regresamos años atrás con Allison antes de ver a El Mató a un Policía Motorizado, y nuestro vegano favorito a. k. a Morrissey (que durante su show el festival siempre sí aplicó el Moz-Friendly: se interrumpió la venta de carne) le dio paso a Panteón Rococó, ¿quién lo diría?.

Sin duda, esta edición del Vive Latino nos dejó con grandes recuerdos, y se posicionó como una de las mejores hasta el momento. Desde muy temprano miles de personas se dieron cita en las instalaciones del Foro Sol. Apenas comenzaba el día y decenas de fans de Gorillaz se reunían en el Escenario Indio para ver a la banda lo más cerca posible; los encargados de abrir actividades fueron los músicos de la Banda Regional Mixe.

LA HISTORIA DE MÚSICA, CARNE Y TERROR

Disfrutamos una vez más del parque, que resulta una excelente idea cuando ya estás harto de que te caiga “agua” del cielo, y que sabes bien, no es precisamente lluvia. Las lágrimas aparecieron no a mitad de la canción más triste, sino al llegar a los sucios baños: la tragedia continuó cuando te diste cuenta que no fue la rueda de la fortuna la que te dejó sin celular, sino un grupo de manos que nadie invitó, y la Cartera VL: buena idea, poca eficiencia. ¡Nos vemos en los XX años!

SALDAR UNA CUENTA DE 16 AÑOS

Entre las presentaciones sobresalientes pudimos disfrutar a Gran Sur, los inigualables Gondwana, Cuca, El David Aguilar, Elsa y Elmar, Sexy Zebras, la Banda Bastón, La Lupita, Fito Paéz, la sensual Mala Rodríguez y los esperados Pussy Riot y Kase.O. Aunque sin duda y sin miedo a equivocarnos, Queens of the Stone Age y Gorillaz dieron cátedra de talento y perfección. Josh Home y compañía arribaron para presentar Villains.

Finalmente y para cerrar esta edición; Gorillaz terminó con la espera de 16 años, no cabía ni un alma más cabía en el lugar. Deleitaron a todos con sus grandes éxitos, dejaron un recuerdo que quedará para siempre en nuestros corazones. ¡Vaya noche que nos regaló Vive Latino 2018!

EL TEMPLO DEL UNDERGROUND

LA NOCHE EN QUE FRANZ FERDINAND RETOMÓ SU ARMONÍA MUSICAL

POR CARLOS VALLE / FOTO JAVIER SOTO

POR BENJAMÍN DÍAZ / FOTO QUIQUE ÁVILA

Este es un festival que se jacta de traer lo mejor del underground ya que lo primero que resalta de este lugar es la curaduría del festival.

La presentación de Essaie Las, por su parte, se sintió raro después de las otras bandas. Parecía que daba igual si estaban tocando ante 100 mil personas o 10. Ellos se concentraban en lo que estaban haciendo.

Mac DeMarco llegó para aprovecharse del audio. La logística de los festivales no dan para que eso sea uno de los puntos fuertes, pero éste es una de esas excepciones. Sleep, es una de esas bandas que no pensaríamos ver en nuestro país. La banda stoner más stone llegó a dar cátedra de cómo se aporrea un bajo.

Explosions in the Sky tuvo a todos embelesados con su música.

Los texanos fieles a su costumbre, dejaron que las guitarras hicieran todo el trabajo. Es algo bien cursi, pero terminado pasada la una, con una luna llena y un cielo estrellado, era el marco perfecto para cerrar un gran festival. Uno que por logística se debería poner de entre los mejores del país.

Llegó el 2018 y Franz Ferdinand anunció AlwaysAscending, un nuevo disco que los volvió a poner en la mira, logrando ponerse en ascenso y poco a poco fue pasando ese trago amargo que fue su material pasado.

Previo a este gran retorno en CDMX, se presentaron las chicas de Mint Field, que más que calentar motores, lograron desesperar al Pepsi Center que ya se encontraba lleno. Cerca de las 9:35 pm, la banda de Glasgow se hizo presente sin temor a nada. La energía de Alex Kapranos se vio en todo el escenario, bailó como si nada pasara y como si la edad no importara.

Sus temas clásicos sonaban un tanto lento, esto quizá a que el nuevo guitarrista aún está adaptándose a los tiempos y ritmos de los ya veteranos Franz Ferdinand.

A pesar de todo esto, la banda siempre se muestra feliz de regresar y los fans aún más. En pleno 2018 tenemos a Franz Ferdinand más vivo que nunca y a pesar de los baches que ellos mismos se ponen, siempre tendrán cinco personas a su alrededor que lograrán sacar lo peor y lo mejor de ellos.

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NRMAL 2018:

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ACID JAZZ Y LA RECETA PARA LA VIDA DE

LA NOCHE EN QUE

POR KENYA GIOVANINI / FOTO RODRIGO GUERRERO

POR THEJAVIS EFFECT / FOTO ERICK SALDIVAR

Cinco largos años de espera fueron motivo suficiente para realizar una travesía rumbo a la Arena Ciudad de México y recibir con los brazos abiertos a Jamiroquai.

No queda ninguna duda de que Lenny Kravitz está de vuelta y con más fuerza que nunca, y con su presentación del Rise Vibration Tour se robó los corazones del público mexicano y puso en alto una vez más la bandera del rock.

JAMIROQUAI

La velada comenzó con “Shake it On”, un gran hit que levantó a los presentes, quienes mientras movían el cuerpo y cada rincón, fueron interrumpidos por JayKay, quien se dirigió al público con un caluroso: “It’s nice to be back”.

Se apagaron las luces y el penacho de JayKay comenzó a desplegar sus plumas de color neón para darle la bienvenida a “Little L”, “Space Cowboy”, así como sus éxitos “Alright”, “Cloud 9” y “Superfresh”; una clara muestra de cómo nos bombardearon de acid jazz durante todo el concierto.

Para “Cosmic Girl” unas luces en tonos morados y rosas iluminaron el rostro y contoneo de las más de 200 mil personas que abarrotaron el lugar.

“LoveFoolosophy”, “CannedHeart” y “Virtual Insanity” fueron las elegidas para cerrar la presentación. El regreso de Jamiroquai a tierras aztecas fue satisfactorio y nos dejó con mucho acid jazz en la sangre como receta para vivir y disfrutar más de la vida.

LENNY KRAVITZ

RECONQUISTÓ A MÉXICO

La Gusana Ciega preparó el terreno para lo que más tarde fue una noche llena de emoción, éxitos y rock & roll. “Fly Away” fue el tema que marcó el inicio de un concierto con un repertorio que cumplió con las expectativas de todos los admiradores.

El artista neoyorquino de 53 años se mostró muy emocionado de estar de vuelta en los escenarios y de iniciar su tour en CDMX. A través de cada canción logró gritos de euforia, coros unísonos y la unión de la audiencia completa para entonar su conocido mantra “Let Love Rule” que marcó el clímax de la noche.

Algunas de las canciones más coreadas fueron “American Woman”, “It aint ´ t over till its over”, “Believe”, la muy esperada “Again” y el broche de oro “Are you gonna go my way” con lo que demostró estar listo para restablecer su status en la realeza del rock con más fuerza que nunca.

NAKAWEES: EL FOLK EN MÉXICO EXISTE

SÉ EL ANTISOCIAL MÁS COOL CON ALVVAYS

BIENÑEROS: BUENA VIBRA Y CERO COMPLICACIONES

Por Erick Saldívar “Ñereo luego existo” el emblema que define el proyecto que en ésta sección presume: Bienñeros hace surf/rock que agudiza el alma.

En cinco años en la escena musical ha logrado alcanzar un sonido propio. El proyecto está conformado por: José Manuel Martínez, (voz y batería); Francisco Zapién, (guitarra y coros) y Emilio Serna (bajo). Responsables de crear material musical que refleja su sentir y la buena vibra que exponen en sus shows.

Al publicarse su primer EP (En Pijama) contó con cinco temas, de los cuales cuatro son instrumentales y uno con voz, colaborando con las rimas Falto Frezkobar. El disco toma una gama de géneros como son el rock, punk, grunge. funk y el surf. Sus temas son sencillamente digeribles, no tienen complicaciones.

Actualmente la banda se encuentra en producción de su segundo álbum, se presume ser una larga duración y llevará por nombre De Domingo a Lunes.

Por Sharon Mont El quinteto post-hardcore originario de Los Ángeles, California, Letlive se formó en el año 2002.

Su sonido de conducción frenético fusiona parte de la cólera técnica de At The Drive In con un toque más espontáneo y apasionado.

Lanzan Fake History en 2011, álbum reconocido como un notable progreso para la banda pues gracias a canciones como “Muther” su audiencia creció basada en gran medida por sus explosivos shows en vivo y sus letras inspiradas en el panorama político de Estados Unidos con tendencias izquierdistas.

Si te identificas con canciones “para quienes quieren ser libres” con enfoques liberales poco realistas (inclusive utópicos) o al igual que ellos sientes indignación por el estado actual del mundo, no puedes dejar pasar la oportunidad de escuchar el autodenominado punk soul de Letlive.

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Por Mon Velázquez Una mezcla de frescura, romanticismo y creatividad musical es lo que compone al cuarteto canadiense Alvvays.

La agrupación cuenta con dos producciones (Alvvays y Antisocialites), mismas con las que han conquistado el oído de miles de personas. Este alcance fue posible gracias a sus nostálgicas pero pegajosas letras que bien te podrían acompañar esta primavera y transportarte a un atardecer en la playa.

La banda liderada por Molly Rankin, dio a conocer su última placa en julio del año pasado. Cuenta con 10 canciones que pueden ser el soundtrack perfecto para un primer beso o un primer amor.

Aunque también para ser incomprendido a gusto. Entre ellos te recomendamos “Plimsoll Punks” “In Undertow” y “Dreams tonite. Con melodías pegajosos seguramente no las dejarás de tararear todo el día.

Por Víctor Hernández Las bandas de folk en México son escasas pero definitivamente quienes se arriesgan con este género, dan interesantes propuestas. Ahora nuestro gran descubrimiento fue dar con Nakawees.

Originarios de la Ciudad de México, el proyecto inició gracias a Sergio (guitarra y voz principal), Alejandro (acordeón y chelo) y José (bandolina, banjo y gaita), con influencias claras de bandas como Mumford and Sons, The Lumineers y Beirut. Como dato interesante, su nombre es un derivado de la lengua huichol.

“Carmen” es la única canción que podemos encontrar en streaming, por ahora. Este nos narra la historia de un chico que está en la búsqueda del amor de su vida; en un ambiente folk, con muchas cuerdas y al final un coro que remata.

Lo que sigue será la presentación su primer EP, El Encuentro. Así que sígueles en sus redes sociales y no pierdas pista de Nakawees.

EL SONIDO FRENÉTICO DE LETLIVE

por Dora Méndez / foto Brenda Arriaga

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Cherry’z es una banda que desde hace algunos años ha dado de qué hablar en la escena nacional, gracias a ese estilo que los caracteriza.

La banda está integrada por Izzy Romero (Voz y Guitarra), Alex CC (Voz y Guitarra), Javier Martínez (Voz y Bajo) y Manu Álvarez (Batería).

En entrevista con Revista Kuadro, Izzy Romero, líder de la banda, nos compartió acerca de su primer material así como de la esencia de Cherry’z y sus sueños a futuro.

“Originalmente el disco iba a tener 11 temas de los cuales quitamos tres o cuatro porque consideramos que eran muy pop para nuestro género y nos enfocamos más a lo que nos estaba funcionando… algo más ochentero, más glam” El tiempo ha pasado e Izzy y compañía ya lograron llegar a ese sonido que tanto habían estado buscando.

A principios de este año, se estrenó su primer material titulado Cherry’z, por lo que el músico nos compartió un poco sobre esta experiencia.

“Cherry’z está basado en que los cuatro ponemos nuestra marca y creo que sonamos mucho más enfocados al rock pesado y ya nos estamos experimentando”.

“Las canciones las hicimos hace unos años cuando empezamos con el proyecto Alex y yo, fue dedicado un poco a los sentimientos que una persona tiene cuando está empezando todo esto de la música y las relaciones amorosas”.

Esta agrupación ha logrado sobrepasar fronteras, pisando escenarios en Los Ángeles, California. Lo que les ha dado más bases para crecer y una gran madurez.

Tuvo que pasar algo de tiempo para llegar a esta alineación oficial, lo que llevó a varios cambios y a la transformación de la agrupación.

“Con el paso de los años y los integrantes que han entrado, hemos tenido esa conexión de crecer como personas y como banda, entonces ese sonido se ha vuelto un poco más hard rock”.

A lo largo de varios años, como en todas las bandas, el sonido de Cherry’z ha evolucionado enormemente hasta llegar a este punto en el que se encuentran.

“La primera vez fue algo nuevo para nosotros, afortunadamente tuvimos un impacto muy fuerte allá y fue una experiencia increíble”.

Entre los sueños de Cherry’z y próximos planes de la banda, sólo está tocar en cualquier escenario que se les ponga enfrente y hacer lo que más les gusta.

“Simplemente tenemos toda la energía para llegar a todos lados, desde un bar hasta un festival en un estadio, estamos abiertos a todas las posibilidades… llegar y hacer lo que nos gusta….

Queremos estar en todos lados”.

Hay personas cuyo nombre es desconocido por el mundo, por lo que pasan desapercibidos a pesar de su legado. Robert Johnson es una de esas personas.

El Guitar Hero original, el primer rockstar que le vendió su alma al diablo; ese que dicen —siguiendo la línea esotérica— que reencarnó en Jimi Hendrix. El mejor guitarrista de todos los tiempos.

Por si no fuera suficiente, toda esa iconografía sobre venderle tu alma al diablo se la debemos a él. El completo el mito de Fausto, ese lugar donde se juntan los caminos que le dio sentido a todo lo que hacía Paganini. Con todo y la diferencia de siglos entre ellos, para competir sobre el trato favorito del diablo. Y lo dejan siempre fuera del “Club de los 27”, pues el mito no sólo nace con su muerte, sino las extrañas circunstancias y el desconocimiento de su verdadera tumba.

Blues Old School es un eufemismo, es dominar la guitarra, hacer slide como si las yemas fueran indestructibles. Cantar blues desde el alma, sin tener que dejar la garganta en el camino, esa que adquiere ese tono rasposo de todo el moonshine casero y todo el tabaco ilegal.

Por último: otra de esas anécdotas que le dan perspectiva a todo: Brian Jones le preguntó a Keith Richards —los guitarrista de los Rolling Stones— quien más estaba con él tocando. Solo Robert, tal vez era Robert con el demonio que pagaba su parte del trato, esas veintitantas canciones que marcaron a todos. En este texto rendimos los honores a Robert Johnson, la leyenda del delta blues y uno de los fundadores del Club para que su legado no pase desapercibido.

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El disco The Complete Recordings es un compilado que salió en 1990 con grabaciones de 1936. De 41 tracks, 12 son tomas alternas. Un álbum que recoge prácticamente todo el trabajo, de alguien que, según se dice, no podía tocar una nota en su guitarra en defensa propia, mucho menos tocar algo de blues decentemente. El resultado es sencillo: uno de los discos más influyentes de todos los tiempos. Un guitarrista que sigue haciendo olas por ley de asociación en el rock contemporáneo. Si rastreamos las influencias de cualquier guitarrista, te van a llevar a este disco de manera inequívoca.

¿Qué te creías, Paco?

por Carlos Edmundo

A mí a veces me caía mal. Lo dije muchas veces, se lo dije a él. “Paco, ‘seas mamón”, le dije otras tantas o se lo escribí. Discutimos, debatimos, intercambiamos opiniones un montón de veces. En alguna que otra hasta se podría decir que hasta peleamos. En el chat editorial de esta Revista, en las fiestas del rock al calor de unas cervezas que sólo yo me tomaba porque él las había abandonado (y pues más para mí), en caminos de ida o vuelta de coberturas y eventos. Y sólo se sonreía, me sonreía. Y yo más me enojaba. ¿Qué se cree este cuate al que yo conocí en la firma de un libro donde él había colaborado, y que la volvió lentísima y complicada porque con cada formado, con cada asistente, se ponía a platicar o a debatir y a contar anécdotas? Porque así era Paco, siempre corrigiendo, opinando, regañando. Siempre aleccionando. Un verdadero dolor de huevos cuando tenías la aciaga suerte de que te tocara como editor. 2, 3 regresadas a tu texto, otra en tu opinión ya listo para publicar, ahora todo hecho trizas. “Pero ahí va la idea más o menos”, decía. “Es que no ven que ustedes tienen que ser profesionales”, decía. “Déjalo reposar en la noche, Rudo, y mañana con calma lo vuelves a revisar. Es que eres muy atrabancado, mi Buen”, me decía. Y se sonreía, me sonreía. Y yo más me enojaba. ¿Qué se creía este cuate ahí con sus lentes, con su sonrisa, con su sapiencia, con sus playeras negras de bandas de nombres impronunciables? ¿Qué se creía, pues, Francisco Zamudio? Pues nada. No se creía nada. No se creía nada porque justo eso hacía siempre: no creer, cuestionar, analizar, revisar, pensar. No se creía nada porque no creía; sabía. No se creía nada porque era muchas cosas, pero creído no era una de ellas. Porque no se creía, era.

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A mí a veces me caía mal. Lo dije muchas veces, se lo dije a él, pero como te caen mal los sabiondos infalibles. Las figuras indiscutibles. Las plumas consagradas.

Las enciclopedias vivientes. Los correctores acérrimos. Los jefes exigentes.

Los maestros estrictos. Como te caen mal esos entes escasos que no te están realmente contradiciendo sino dando una cátedra.

Como te caen mal los que admiras, que no te caen mal, sino bien, porque le caen bien también a un mundo cada vez más ciego, más sordo, más mudo y más insensible.

A mí me caía bien. veces, se lo dije a me platicó de en teoría no sí ganó, porque hablando de él, también nos

Lo dije muchas él. incluso cuando esa batalla que ganó, pero que aquí seguimos y al hacerlo, él sigue hablando.

/por Kenya Giovanini

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Por más que suene a discurso motivacional, la vida es un regalo valioso que con todo y sus altibajos, nos da importantes lecciones y momentos preciosos. Sin embargo, existen personas que deciden apagarse antes de tiempo, y la razón va más allá de nuestra capacidad de comprender e incluso de morbosear.

Una de ellas fue el productor y Dj, Tim Bergling, mejor conocido como Avicii, quien falleció este 20 de abril, noticia que ha dejado en shock a la escena electrónica. El inicio del Dj fue en 2008 con tan sólo 18 años de edad, con su remezcla de la canción del videojuego “Commodore”, a partir de aquí se fue abriendo un espacio dentro de la industria musical.

Aunque su salto a la fama internacional se dio cuando Avicii y el Dj, David Guetta, realizaron la coproducción de “Sunshine”, la cual fue nominada a los Premios Grammy a “Mejor Grabación Dance” en 2011. Por otro lado, su sencillo “Levels”, también fue nominado a la categoría “Mejor Grabación Dance”, esto en 2012.

A lo largo de su carrera, Avicii recibió varios reconocimientos por parte de los Billboard y los American Music Awards, premios que resaltaron el enorme talento de este joven dentro de la música electrónica.

Su legado no sólo quedó plasmado en grandes éxitos que seguirán sonando y trascendiendo en los próximos años, también en sus actos filantrópicos que buscaban ponerle fin al hambre que acecha al mundo, ya que según él: “siempre podemos dar algo a cambio y fomentar un cambio positivo”.

A pesar de esta lucha social y del éxito de su carrera, él decidió retirarse de los escenarios en diciembre del 2016, anunciando que su último y tercer álbum sería en 2017; el cual contó con la participación de artistas como Rita Ora y Sandro Cavazza.

Con la llegada de este EP, también creció la ilusión de una última y legendaria gira. No obstante, el 2018 nos estampó con la noticia de que Avicii había decidido dejar este plano terrenal, para emprender una búsqueda que muchos no entenderemos.

Quizá, dentro del mundo de la música electrónica, es la primera vela que se apaga de esta manera y que cayó víctima del abuso del alcohol.

Por su parte, dentro del documental, “Avicii: True Stories”, se mostró la lucha de Tim y ese lado frágil del que no todos pudimos ser testigos. De acuerdo con Levan Tsikurishvili, el responsable de este material, se trató de realizar un filme brutalmente honesto en el que se enseñara a la persona que era Tim, no al Dj bajo el apodo de Avicii.

“Ser una celebridad mundialmente conocida no es tan fácil como parece en Instagram”, agregó Tsikurishvili.

Su familia, para apaciguar a las masas y los medios, decidió compartir la causa de su fallecimiento a través de una carta que probablemente sólo fomentó que el sentimiento en los seguidores y el morbo en la prensa, crecieran.

En ella compartían que él realmente se encontraba luchando contra sus pensamientos y sobre el verdadero significado de la vida y la felicidad, pero al no hallar más fuerzas, decidió encontra la paz en otro espacio.

Pero, ¿no es esta trágica manera de ausentarse la que ha convertido en leyendas a unos cuantos? ¿ustedes, qué opinan?

/por Arturo J. Flores

Joplin y Jones. También Robert Johnson, el protagonista de aquella leyenda urbana del guitarrista que le canjeó su alma al Diablo, a cambio de un talento sobrehumano para tocar el blues. Y no olvidemos a la cantante de soul Amy Winehouse. No todos se quitaron la vida: hay quienes aún representan un misterio. Tal es el caso de Richard James Edwards, ex guitarrista de los británicos Manic Street Preachers. Desapareció el 1 de febrero de 1995 en circunstancias nunca aclaradas. La policía encontró su auto abandonado en una estación de gasolina con la batería agotada y su cuenta de banco fue objeto de varios retiros en los días anteriores. Se sabe que era un tipo depresivo y anoréxico que se automutilaba. Pero su cuerpo nunca fue localizado. La última vez que se le vio vivo tenía 27 años.

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No recuerdo qué carajos estaba yo haciendo a esa edad, pero estoy seguro que era feliz y no quería morirme. Tal vez por eso no fui rockstar. En unos meses más, cumpliré 40 y me sucede una cosa curiosa. Cuando Kurt Cobain cumplió 27 yo apenas tenía 15. Existe una ley que afirma que todos los seres humanos de tu edad son jóvenes y aquellos que te llevan más de 5 años, ya están viejos. Es decir, que si tienes 40 y uno de tus amigos muere de un infarto, se vale pensar “oye, ¡pero si estaba tan chavo!”. Sin embargo, si el del colapso cardiaco es tu profesor de 45 y tú tienes 20, inevitablemente dirás, “como sea, el Don ya había vivido”.

En diciembre de 2017 se quitó la vida Jonghyun. Líder de una boy band surcoreana de K-pop llamada SHINee; pero también un exitoso solista, compositor y estrella de televisión. Poco antes de suicidarse, dejó grabado un mensaje en el buzón de su hermana: “Ha sido muy difícil. Déjame ir. Dime que hice mi mayor esfuerzo. Este es mi último adiós”.

Acostumbrados a escuchar que las estrellas de rock se ahorcan, tragan pastillas y las mezclan con cantidades ingentes de alcohol, se pegan un tiro en la quijada o se abren las venas, quizá el método utilizado por Jonghyun nos parezca peculiar. Pero al parecer se trata de un procedimiento bastante común en su país, cuando de inmolarse se trata. El joven falleció a causa de inhalar gases de una estufa de carbón, de las que suele haber en cada casa en Seúl.

Dejó una carta en la que escribió: “Estoy roto por dentro. La depresión que lentamente me ha ido carcomiendo ya me ha devorado, y no he podido superarla. Es increíble lo mucho que duele. Nadie está más atormentado ni debilitado que yo”. Algo que, géneros musicales aparte, remite a lo que Kurt Cobain presumiblemente garrapateó en un papel, antes de jalar el gatillo de su escopeta: “Lo tengo todo, todo. Y lo aprecio, pero desde los siete años odio a la gente en general”.

El coreano y el originario de Aberdeen forman parte del inventario de algo que llamamos Club de los 27. Ahí figuran leyendas como Hendrix, Morrison,

De modo que cuando el cantante de Nirvana apareció muerto en su casa de Seattle, yo todavía era chambelán de mis compañeras de clase. Me pareció una noticia muy triste, pero comprensible. Para mí, Kurt ya era un “señor” que había respirado muchas más veces que yo. En general, el Club de los 27 me parecía algo muy lejano. Con decir que la primera vez que vi una fotografía de Hendrix pensé que se trataba de un cuarentón, porque no podía calcular bien su edad.

Ahora que el Señor de las 4 Décadas soy yo, pienso que los adscritos al Club eran sumamente jóvenes. Unos malogrados mancebos. Y si mirar en aquel lejano 1994, en la televisión, la imagen de cientos de chicos con una veladora en la mano, llorando a mares porque Kurt, su líder generacional, había muerto, fue impactante para mi yo quinceañero; al Arturo le pareció muy paradójico lo que una joven integrante de la generación Z me platicó que sucedió a raíz de la muerte de Jonghyun.

Sucede que unos días después de acaecido el suicido del K-Popstar, se organizó una proyección en un cine aquí en la CDMX. Se trataba de su último concierto. Y a mitad de la función, la película tuvo que ser interrumpida porque el sonido de la sala colapsó. ¿El motivo? Los gritos desaforados de las fans que habían asistido a ese último recital en Seúl, ofrecido apenas unos días antes de su muerte, volaron las bocinas del cine.

Ese mismo rugir del público del que Cobain escribió en su última nota “a mí no me afecta como parecía que le afectaba a Freddy Mercury”, fue capaz de reventar el audio aún cuando el causante de esa euforia (y ahora cito a Neil Young: se quemó de golpe en vez de disolverse lentamente).

Igual que los humos que lo mataron antes de cumplir 28.

LITTLE DARK AGE, LA NUEVA JOYA DE MGMT

Por Erick Saldívar

Por María José Sánchez

Alguna vez una profesora me habló sobre el arrebato como “un estado de conciencia que antecede al perdón verdadero; no como un acto voluntario sino un amoroso suceder”. Es así como definiría Blood, el último disco de Rhye.

El disco inicia con “Waste”, una rola llena de melancolía que prepara a quien lo escucha para realizar catarsis, es como si Woman (2013) hubiera estado en pausa durante cinco años para continuar la reproducción en una hipérbole de tiempo; donde la vida permaneció inamovible, a la espera impaciente el momento del cambio.

El R&B no pierde protagonismo en este álbum, se encuentra muy presente y mezclado con algunos toques disco y boogie, en rolas como “Count to Five”, “Feel Your Weight” y “Phoenix”, en las que es inevitable sentir el ritmo y bailar.

Blood es un álbum preciso: todo tiene un por qué, un cuándo y un cómo. Asusta a primera instancia la pulidez de sonido, ejecución y composición porque resulta un experimento sonoro, un acto de amor sucediendo. Un arrebato.

BOARDING HOUSE REACH: LA EXPERIMENTACIÓN SONORA NIVEL

JACK WHITE

Por Martín Vargas

Cuesta trabajo escuchar el tercer álbum como solista de este mítico estadounidense; en un principio es único, por momentos extremo y luego suave, como quien se lanza en paracaídas de un avión por primera vez y cae en un campo florido con gentileza.

El error del oyente será escuchar Boarding House Reach en aleatorio. No es que se trate de un álbum conceptual, todo lo contrario; mejor dicho, es una travesía por el más indómito de los infiernos hasta finalizar en una noche estrellada y triste.

Aunque algunos temas ya habían sido escuchados como sencillos en enero pasado, como conjunto están 13 canciones que parecen siempre dispuestas a sorprender. La experimentación (“Respect Commander”) en Jack White es algo que no extraña ni cansa, pero sí queda a la medida. Desde jazz “Humoresque” hasta los incesantes coqueteos al funk en “Get In The Mind Shaft” se combinan con piezas únicas como la desgarrantante (principalmente para la garganta del intérprete) “Corporation” o la triste “What’s Done is Done”.

La producción por cuenta del mismo White se combina con un gran equipo de músicos y coristas que reviven al gospel.

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La gama musical de MGMT ha sido tan versátil que cuentan con tres álbumes conceptuales. Cada uno con sonidos únicos y digeribles que bien podrían catalogarse como indie pop/rock psicodélico. Ahora, con su cuarto disco de estudio, los estadounidenses decidieron retomar el camino con el que empezaron, detuvieron la experimentación y nació Little Dark Age. El disco invita a quien lo escucha a incursionar en una atmósfera de pasividad y electricidad simultánea. Si no conoces el proyecto de Andrew VanWyngarden y Benjamin Goldwasser, te has encontrado en el momento adecuado para hacerlo.

El dúo pareciera que trabajó para su público, el que los ha seguido por más de 15 años más cualquier mortal al escuchar el disco podría afiliarse como seguidor de MGMT. Sus melodías y líricas son simples, exactas y pausadas. El disco no viene a promover innovación ni mucho menos. Eso lo hace especial en una época donde los artistas “conceptuales” rebuscan géneros y sonidos con la pretensión de crear uno propio.

BLOOD: UN MELODIOSO ARREBATO DE RHYE

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VIOLENCIA: EDITORS Y LA UNIÓN PERFECTA ENTRE GUITARRAS Y SINTETIZADORES Por Víctor Hernández

La inconfundible voz de Tom Smith es el instrumento que más luce desde la apertura de Violence, justo con “Cold” un tema que va en aumento y agregando beats conforme avanza. El segundo corte podría ser el mejor track del disco, ¡aquí es donde está el estilo de Editors a flor de piel!: “Hallelujah (So Low)” mezcla perfectamente los rasgueos de las guitarras y los sintetizadores que llegan a dar un ambiente oscuro e invasivo.

Entretanto encontramos las notas más movidas en “Darkness at the Door”, la balada romántica-nostálgica perfecta en “No Sound but the Wind”, la inundada en sintetizadores “Violence” y la poderosa montaña rusa de sonidos en “Magazine”, su último sencillo. No nos muestran una nueva faceta, sino indagan en su género y remarcan su personalidad reencontrándose con sus guitarras y formalizando el uso de sintetizadores; Violence es Editors.

No podríamos hablar del mejor álbum del quinteto británico, pero sí probablemente se encuentre entre los mejores trabajos que tiene la banda en su anaquel musical.

CINCO CANCIONES PARA EL AMOR, CINCO PARA EL ODIO EN EL NUEVO ÁLBUM DE

LOS NASTYS

Por Sharon Montes

Desde Madrid, España, una vez más el garage punk de Los Nastys se hace presente en nuestra lista de reproducción con su nuevo álbum: Música Para El Amor Y La Guerra. Este disco nos pone a batallar entre estos dos sentimientos tan protagonistas en cualquier relación de la vida; llámese amorosa, amistosa, familiar y un largo etcétera Bastan solo 10 canciones para expresar todo lo que la banda quiere proyectar. Lejos de referirnos a las letras (innegablemente buenas), hacemos énfasis en la evolución sonora que se presenta en su reciente placa discográfica. Tal parece que trabajar con Raúl Pérez los ayudó a salir de esa zona de confort donde el lo-fi era su principal género musical y ahora aprovecharon de un abanico más amplio de ritmos y riffs.

Una dictomía eterna. En palabras de la banda: “se dieron cinco canciones al amor y cinco a la guerra; se mezclaron en este álbum y ese fue el resultado”. Buscaban representar la manera en que estos inconmensurables sentimientos aparecen en la vida diaria.

BAILA RECIO Y GRITA ALTO CON “SOMOS UNO” DE

CENTAVRVS

Por Enrique Gutierrez

Centavrvs presentó su segundo disco titulado Somos Uno. El encargado de dar la bienvenida es el poeta y periodista veracruzano Mardonio Carballo, quien recita la frase: “Somos uno, uno somos. El que suma y el que resta también es parte de la cuenta, aunque no se quiera”.

El disco está conformado por 13 canciones y es un fiel reflejo de la sociedad mexicana en todo su esplendor.

“Cataclismos” es la canción de apertura, la banda pide reflexionar sobre el trato que le damos al planeta y las repercusiones de nuestras acciones, mientras que la homónima “Somos Uno” contiene un toque del folclore mexicano; una amistad que se tornó en amorío y la fusión del uno con el otro.“Debilidad” por su lado, describe la inestabilidad de una relación que tarde o temprano se vuelve dañina y hasta obsesiva.

Alan Santos, Rayo, Paco Martínez y Demian Gálvez prometen hacer bailar y cantar a sus fanáticos con su ya característico sonido regional mexicano.

Canciones como “Diablo en Llamas”, “Ángel Tropical”, “Jerónimo” y “Flor de Mayo” seguramente te harán pasar un buen rato.