Revista Kuadro No. 22 by Revista Kuadro

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Portada por The Javis Contreras Effect

Carta del Editor Por Javier Jarquín

¡Vaya año que fue el 2016! Difícil en todos los sentidos. Cambios por todas partes del mundo, un siniestro cierre y varias pérdidas en el mundo de la música nos hicieron valorar a nuestros astros de los escenarios. Justo cuando iniciaba el 2016, a tan solo 10 días de haber iniciado el año, llegaba una terrible noticia, el deceso de un artista de verdad: David Bowie. Una leyenda y parteaguas en la historia no sólo del rock, sino de la música. Hace un año que Bowie se hizo eterno y en Revista Kuadro, creemos que no hay mejor manera de iniciar el año que recordando el gran legado que dejó este camaleón del rock. Es por eso, que esta edición es dedicada al hombre de la estrellas. Los invitamos a sumergirse en nuestro dossier dedicado a este genio musical que también aportó al mundo de la moda, cine y más artes. Además de encontrar entrevistas con los australianos de Miami Horror y Bocafloja, quien la anda armando en las ligas grandes del hip hop. Traemos la pila y una actitud envidiable para este 2017. Empezamos con el pie derecho y los invitamos a sumarse a este proyecto. Manténganse al tanto de nuestras plataformas digitales en donde siempre los arropamos bien. De parte de todo el crew que conforma este bondadoso proyecto —y aunque suene muy cliché—, les deseamos que sea un gran año. Mucha salud, templanza y sabiduría para estos 365 días, que seguro harán todo por volvernos locos.

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Revista KUADRO es una publicación bimestral. Editor responsable: Javier Jarquín, con domicilio en Calle La Ideal No.54 Col. Industrial. México, D.F. C.P 07800 Delg. Gustavo A. Madero. Teléfono: 29783750. Número de reserva al título en Derecho de Autor: 04-2011-090609421400. Número de certificado de licitud, titulo y contenido en trámite, ante la Comisión Certificadora de Publicaciones y Revistas impresas, Tizapana 172 Col. Metropolitana 3era Sección C.P. 57750. Prohibida la reproducción total o parcial del contenido de esta ublicación por cualquier medio, incluyendo los electrónicos sin previa autorización por escrito de parte de la dirección. El material publicitario se acepta con un criterio ético, pero los editores declinan cualquier responsabilidad respecto a la veracidad y legitimidad de los mensajes contenidos en los anuncios. Revista KUADRO considera sus fuentes como confiables y verifica los datos que aparecen en la revista en la manera que le es posible. Todas las marcas, logotipos, nombres e imágenes mencionadas en esta publicación, tienen derechos reservados. El uso de los mismos es solo de manera informativa. Revista Kuadro No. 22 Enero - Febrero 2017.

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SUM41 Nancy Leรณn

The Descendents Diego Vigueras

Mon Laferte Stephania Carmona

Vianey Lozada Reyno

por María José Sánchez foto Cecilia Rangel

Las complicaciones de criticar y sonar festivo. 6

Suele ocurrir que conocemos el mundo a través de etiquetas preestablecidas, mismas que muestran un panorama, la mayoría de las veces, erróneo y la música no se salva de eso. El caso del rap y hip hop particularmente se preconcibe como un estilo que trata sobre gánsters o drogas y que va dirigido a un sector específico de escuchas, sin embargo, este género ha crecido en los últimos años en diferentes aspectos que van desde las temáticas, las letras, hasta la composición musical que las acompaña. En México a finales de los 90 hubo un surgimiento de propuestas interesantes en la escena del hip hop, entre ellas se encontraba Bocafloja. Sus rimas tenían un particular contenido social y mezclaba guiños musicales provenientes del jazz, el funk y el soul. Pudimos platicar con el músico unas horas antes de su concierto en uno de los lugares más icónicos de la contracultura en la CDMX: el Multiforo Alicia, y era inevitable preguntarle sobre su material más reciente (Cumbé), un disco en el que se celebra la existencia y la liberación de los cuerpos colonizados. “La idea era hacer un disco con un compromiso discursivo que fuera bastante crítico a nivel social, político etcétera, pero jugar con la idea de hacer música que pudiera sentirse como una experiencia celebratoria, que se pudiera tener un espíritu más festivo pero al mismo tiempo pudiera ser transgresivo al nivel lírico […] porque mucha de la estética musical de los proyectos anteriores eran muy en el tono del soul y del jazz, pero no era propiamente música que quizá tuviera un espíritu tan celebratorio y era hasta cierto punto más introspectivo, quería desasociar esa idea de que al hacer música que tuviera un cierto contenido lírico pues tenía que siempre tener esa carga como hacia abajo.” El estilo de Bocafoja ha rebasado las fronteras de la escena nacional, desde hace diez años, el artista ha radicado en una de las ciudades más vastas en cuanto a expresiones culturales se refiere, resulta obligado preguntarle

cómo ha sido la aventura de vivir y crear en otro país. “Ha sido un viaje de mucho aprendizaje y desaprendizaje también. Me ha servido para madurar artísticamente y como persona. Vivir en Nueva York es un tanto complejo. Es una ciudad muy contrastante, la industria cultural también es muy particular, la oferta cultural es tan grande y tan diversa que puede llegar a diluirse. Ahí están pasando tantas cosas al mismo tiempo que es difícil generar públicos masivos, entonces son escenas muy fragmentadas, muy pequeñas, minúsculas pero igual me ha servido más que otra cosa como un punto para ubicar otras de mis acciones con respecto a la cultura, como la cuestión del cine y la cuestión académica no hubieran tenido espacio en el contexto de México, ha sido un espacio importante para proyectar en otros ángulos”. Con esto se refiere a Quilomboarte, un colectivo de artistas creado en 2005, dedicado al intercambio y producción cultural en el que se exploran distintas temáticas en diferentes disciplinas artísticas. A través de este colectivo, “Boca” ha explorado distintos terrenos del arte, desde el teatro, el Spoken Word y la cinematografía. En su haber ya tiene un documental que se estrenó en enero de 2016 titulado “Nana Dijo”, en el que aborda el tema de la afrodescendencia dentro del contexto latinoamericano. Resulta evidente que el cambio de escena, de la nacional a la neoyorquina, repercute en el músico ante la generación de nuevos proyectos. “La realidad por la cual son distintas, trasciende en la cultura en sí […] creo que mi rol, tiene matices diferentes en cada espacio, en Estados Unidos estoy mucho más enfocado en la creación de producción cultural desde un enfoque decolonial, muy enfocado a algo mucho más multidisciplinario, más en la cuestión del cine. Aquí en México, intento empujar eso, aunque el grueso de la gente que me sigue se engancha por el trabajo que he hecho con la música, ahí es un poquito a la

inversa porque allá la gente a veces se atreve a escuchar mi música con base en el otro tipo de trabajo que hago.” La evolución no sólo musical sino artística de Bocafloja es notable, no es el mismo músico que creó Lengua Insurrecta en 2002 y el que creó Cumbé en 2016. La diferencia no sólo radica en el tiempo que ha pasado o la madurez que haya alcanzado, sino en el background cultural y estético que ha incrementado durante este tiempo. “Fue una evolución muy dramática. Creo que tiene mucho que ver con los recursos y con el momento histórico, en aquel tiempo la forma en que producimos música era muy precaria, muy limitada […] todo era muy empírico, no había referentes tangibles, entonces la música pues tenía un sonido muy básico. La musicalidad era muy pobre, fue evolucionando hasta… pienso que los últimos dos, tres proyectos musicales, finalmente hemos logrado sonar al menos musicalmente al tipo de música que crecimos escuchando o que nos gusta escuchar. Independientemente que sea mi propio proyecto, puedo apreciar la musicalidad de ello y también hay un conflicto con el asunto del hip hop en Latinoamérica y en México particularmente, que está muy enfocado en la cuestión lírica y a veces muy descuidado en la parte de la estética musical, entonces siempre he sido yo muy insistente que la musicalidad también tiene un discurso que sea rico a nivel sonoro”, explicó. Bocafloja hoy en día es un artista muy completo por una razón primordial: sabe cómo lograr que todos los elementos dentro de su música transmitan un mensaje, un discurso y al conocer a la perfección el poder del lenguaje en todas sus expresiones, su capacidad creativa no se ve mermada con el tiempo, ya que se permite transformarse libre y poéticamente a través de algo sustancial para vivir: el arte. Los discos favoritos de Bocafloja 2pac Shakur All Eyez On Me Nas It Was Written Dead Prez Let’s Get Free Fela Kuti todos

DLD por Cecilia Rangel

Como señal de un comienzo de año interesante DLD, integrado por Francisco Familiar, Erik Neville y Edgar Hansen (PJ) ha anunciado dos fechas en el Auditorio Nacional, mismas que son producto de la alta demanda de boletos por lo tanto la oportunidad de hacer vibrar este importante escenario. No es la primera vez que DLD pisa este recinto, pero el álbum Futura después de ser un éxito logró abrir nuevas percepciones sobre lo que pueden llegar a alcanzar con sus canciones. En este disco se refleja que la banda se encuentra en una etapa reflexiva y consideran que parte fundamental en su música es la maduración que han adquirido tanto personal como en sus ideas. Desde 1998 la agrupación se ha mantenido sonando y cuenta con seis producciones discográficas que se han llevado bien con el público aunque se comenta que Futura es el álbum que los ayudó a despegar y poder ser más reconocidos, La banda se ha enfrentado a diferentes procesos y cambios sobre cómo la audiencia consume música y les tocó estar en la transición de hacer todo por sus propios medios por muchos años a ser firmados finalmente por una disquera grande. DLD es parte de la generación de bandas de rock mexicano que entraron al gusto de las personas siendo un grupo independiente.

Revista Kuadro: Podríamos profundizar un poco más sobre el concepto del álbum Futura y acerca de esta palabra que he escuchado en muchas ocasiones, en sí, ¿qué es madurar? PJ: Hemos tenido la oportunidad de estar tantos años juntos que te das cuenta que todo lo que está en ti es visible para los demás, sobre todo cuando te comunicas a través de la música [...] El entendimiento que hemos adquirido por la experiencia va haciendo que evolucionemos porque respetas más lo que haces, la lealtad también la involucras y la unión, de esa manera nosotros, y la música del grupo, ha madurado, queremos hacer lo mejor posible, [...] así que creo que se trata de amor propio, de amor a lo que haces y a los que te apoyan. Erik: En general nunca dejas de madurar, no quiere decir que te conviertes en alguien aburrido. Futura es de los álbumes más duros. Aunque he escuchado comentarios sobre el disco que lo consideran muy suave, no tan rockero, pero las letras reflejan para mí otra cosas, además añadimos en él todo lo que hemos aprendido. Nos enfocamos mucho en la ambientación y en la intención de la canción para que pueda ponerte la piel chinita. Es una maduración de nosotros, de nuestro entorno. Revista Kuadro: Existen múltiples factores para que las personas lleguen a donde tienen que estar, como a través de la constancia, para ustedes ¿de qué forma es esta constancia?

PJ: La constancia está en la música, así lo interpretamos. Todo el tiempo estamos escuchando música o haciéndola, somos melómanos. Con todo esto de la globalización nos sirve mucho escuchar música de todas partes del mundo, creo que desde comenzamos escuchamos propuestas emergentes y con eso nos damos una idea de lo que pasa fuera y además experimentamos. Tenemos un estudio donde creamos sonidos y tratamos de hacer lo mejor para la música. Las anécdotas que ha recopilado DLD a través del tiempo los llevó a descubrir que en Oslo, Noruega hay un chico que toca el cover de ‘Dixie’ en un bar y les mandó el video diciendo que le pedían mucho esa canción o que el presidente de club de fans se tatuó el logo de DLD en el hombro. Francisco: Es frecuente que los fans nos manden fotos con sus tatuajes del logo o con las frases de las canciones, esos tatuajes que se hacen son definitivamente gasolina para el alma. El hecho que se lleven en la piel parte de nuestro trabajo significa demasiado, es para siempre. PJ: Cuando pasan este tipo de cosas nos queda más claro que tenemos que continuar, hasta la muerte haciendo música, la gente cree y disfruta nuestro trabajo. Sabemos que nuestro mensaje es bien recibido. Para DLD no hay marcha atrás, aunque mi curiosidad me llevó a preguntarles si alguna vez consideraron parar de hacer música y expresaron que hubo momentos de incertidumbre y de aventura pero nunca pensando en tirar la toalla.

texto y foto por: Brenda Arriaga

Hace no mucho, en un Corona Capital, podíamos ver a Miami Horror siendo aclamados por miles de personas, gente que pedía a gritos que la agrupación no tarde otros cinco años en sacar un nuevo disco. Benjamin Plant se unió a Josh Moriarty y a Revista Kuadro en una íntima entrevista y develaron un par de curiosidades que no nos imaginábamos sobre este peculiar dúo.

Su visita a México fue a través de un evento en el que se combinaron moda, música y comida. Ambos se sintieron sumamente emocionados de participar, dado que creen importante la adición de patrocinadores más corporativos a la industria musical, ya que nos encontramos en épocas duras para la misma; ellos, por su parte, nos hablaron un poco de la australiana: Benjamin Plant: “En todos lados hay ‘comunidades’ o ‘escenas’, pero también hay personas que hacen lo suyo independientemente, ahí entraríamos nosotros ahora, al menos es lo que intentamos hacer. Supongo que cuando éramos jóvenes fuimos parte de esa escena.” Josh Moriarty: “Cuando creces comienzas a saber qué quieres ser o qué camino tomar. Ahora nosotros queremos hacer otro tipo de cosas, nuestro sonido ya no está orientado por lo que está de moda. La escena musical de Australia está determinada por una estación de radio enorme, eso influye en lo que la gente crea, no es malo, sólo es interesante ver cómo ha cambiado todo allá.” - J

JM:“Personalmente amo la energía humana, algo vital es conectar con tu audiencia, debes tratarlos con respeto; no soy muy fan de ver a bandas o DJs gritarles ‘Hey, you fuckers!’, no está bien, tú estás a cargo del show pero necesitas ser inclusivo y hacerlos sentir que estamos haciendo algo juntos.” Sus shows en vivo son atractivos, parte de esto son los visuales y el color que le aportan a cada uno, al mismo tiempo que sus redes sociales, sitio web y arte en general suelen tener ambos elementos presentes y de forma constante. ¿A qué se debe esto? BP:”Creo que se remonta a cuando empecé a hacer música, vi ambas cosas como una pareja. La música se hace mas fuerte cuando tiene algo con qué ir de la mano, algunas veces son visuales.” JM: “Son los dos álbumes y ahora cuando nos presentamos en vivo tenemos videos en el back, todo esto hace que nuestra identidad como banda empiece a formarse. Así será para los siguientes lanzamientos, ya tendremos la identidad que nos hace nosotros mismos; lo que suene va a encajar con las fotos, el arte y todo lo demás.”

Tal parece que ellos dejaron atrás el país que los vio nacer para mejorar pero mucha gente no lo ve como una emigración con motivos evolutivos, sino como una traición a sus raíces. JM: “A veces te armas de una mala reputación porque la gente malinterpreta las intenciones de irte. Especialmente cuando te vas a un lugar como Londres o LA donde la escena es más grande; si fuéramos a otro lado la gente podría pensar que solo vamos a grabar un disco, pero no pasa cuando vas a una gran ciudad como esas. Cuando te vas de tu país muchas veces se piensa que le estás dando la espalda a ese lugar y no es para nada el caso.”

¿Siguientes lanzamientos? Sí, Miami Horror está inspirado y listo para darnos más tunes muy pronto. Ante el cambio que tuvieron de Illumination al All Possible Futures todos nos preguntamos qué vendrá después. BP: “Tenemos un nuevo EP que lanzaremos pronto, el título provisional es The Shapes y creo que nos vamos a quedar con él; la música tiene muchas percusiones, las guitarras son rítmicas, todo parece enlazarse con formas y líneas, por lo que queremos unirlo todo y darles un gran paquete. Me gusta la variedad de los álbumes pasados, pero es cool hacer algo consistente y con el siguiente disco lograr un concepto.”

Eso sucede a menudo, sin embargo, Miami Horror no descuida a sus fans locales, como tampoco teme encontrarse con nuevos públicos alrededor del mundo. JM: “Ahora estamos enfocados a hacernos más globales, hacer nuestra música más universal.” Parte de este logro recae en los conciertos que han tenido en múltiples países, donde parece que cada que pisan un escenario la gente queda hipnotizada con el show que ofrecen. Ellos, por su parte, nos compartieron lo que creen que es la clave para ser buenos performers:

Así, recordando sus inicios y teniendo más que claro el camino hacia su futuro, Miami Horror nos complace con una charla amena y honesta, cualidades que se sienten en sus personas pero también en la música que crean.

David Robert Jones, mejor conocido por todo el mundo como David Bowie, fue por mucho el artista más influyente en la era moderna. No sólo desenvolvió su talento en la música, también, participó como actor en cine y colaboró con diversos proyectos de pintura, fotografía y artes escénicas. Una persona con una sensibilidad y un rango amplio para los menesteres del arte. Él fue muchas personas en una sola, ya que decían que los talentos de este artista no cabrían en una sola persona.

por Eder Yañez

¿Cómo saber quién es el nuevo David Bowie? Bueno, pues para eso tendrían que explicarnos a cuál de todos los David Bowie se refieren. ¿Al jovial Ziggy Stardust?, ¿el alienoide de El Hombre que cayó del cielo?, ¿The Thin White Duke del disco “Station to Station”? o ¿el Bowie Jazzero? o el moderno con necesidades enfermas por colaborar con bandas nuevas como Arcade Fire, bueno hasta en la caricatura Bob Esponja colaboró interpretando a Su Alteza Real, menudo adjetivo. ¿Qué necesidad tiene el ser humano para nombrar un nuevo David Bowie? En mi muy humilde opinión, no va a poder darse un ente parecido a él. Simplemente no puede ser. Muchas razones, las generaciones, el shock rock, la vanguardia, la propuesta. Bowie estuvo en todo, metió las manos en todo lo que pudo. Experimentó con tantísimos géneros y sonidos como con sustancias y personas, se dejaba atrapar por las mareas de experimentación con una agilidad y maestría que no puede ser emulada, repito, desde mi muy humilde opinión, no creo que necesitemos un nuevo David Bowie.

Sería más interesante ver cómo los personajes de este músico terminaron convirtiéndose en influencia para géneros musicales, por ejemplo: la versión de “Ziggy Stardust” de Bauhaus, es un himno dentro de la cultura oscura. Los que tocaba, sin llegar a los términos lánguidos cuerpos de Peter de hippies comeflor, ya que la gran Murphy y Daniel Ash simulan mayoría de sus personajes tienen un el glam de Ziggy, pero muy a lado denso y oculto, un misterio que los su manera. Atmósferas sombrías personajes adoptan de Bowie y no al y la energía característica de revés. Ponía un sello especial en cada la banda, “The man who sold uno de éstos, hasta el último momento the world” en versión acústica en su carrera, Blackstar, su último hecha por Nirvana hizo disco, nos lleva por atmósferas sombrías que en los años noventas el y complejas aunadas al jazz y a su inglés repuntara en el mapa. lúgubre voz, resultado de tantos años de En verdad, Bowie es más consumo de tabaco. bien un pilar o una escuela que enseñó a las bandas a cómo actuar en un escenario, En este disco no pierde la llevar un concierto, hacer una picardía al decir groserías carrera y lo más importante de y ser crudo al referirse a la todo, a no dar hueva con el mujer, la canción “Tis a pitty paso del tiempo. she was a hore” donde el simple título de la canción nos hace referencia a una historia turbia y peligrosa, o Bowie no podrá ser igualado en “Lazarus” donde él se ve en el ningún aspecto y la simple idea de cielo discutiendo asuntos de tratar de comparar a alguien, sería una su existencia, o la última que tarea completamente en inútil, con el sirve perfecto para nuestra tiempo que tiene haciendo música y paranoia y el gusto por las arte, prácticamente tendría que haber teorías de la conspiración. “I un artista de su época para poder can give everything away” en igualarlo en nivel de colaboración, donde suponemos que sabía actuaciones, experimentación y miles de el trágico desenlace y cerraba cosas más, es simplemente imposible. su última obra con un regalo para todos los melómanos, En esencia, Bowie trató de músicos y fanáticos. darle sentido a su propia existencia. Sentía necesidad de expresar la persona que era De eso se trató Bowie en toda su en determinado momento; la carrera, de ser compartidos y ser como música y la actuación fueron esponjas para concentrar conocimiento catártico para él. Se convirtió de todo tipo y aplicarlo para nuestro de ser un simple humano en beneficio, insisto, no creo desde mi muy un ente estelar que cubría de humilde opinión que necesitemos un polvo de estrellas todo aquello nuevo David Bowie.

México fue afortunado al tenerlo en el año de 1997. El fotógrafo Fernando Aceves lo acompañó por su estancia y capturó momentos increíbles a lado del músico inglés. Aceves mencionó que “David amaba la riqueza cultural de México, y en 1997 quiso simplemente documentarse frente a ciertas obras. No había mejor homenaje al patrimonio artístico de México que ese”. “Bowie todo lo respiraba. Se integraba. Miraba en silencio. Sonreía y no comentaba. Como el documentalista que soy, lo más preciado fue tener la oportunidad de haber estado junto al “hombre universal”, lo cual nos habla de la vocación de alimentarse de todo aquello que le resultara interesante y útil”. Por último, y como dato curioso, él estrenó el nombre de Foro Sol, antes se nombraba Autódromo de los Hermanos Rodríguez, entonces podemos estar seguros de que por ahí en Teotihuacán, en el Museo Frida Kahlo, en Palacio Nacional o en Museo de Bellas Artes podamos encontrar algún rastro de polvo de estrellas de este ser de otro universo. Descanse en paz, David Bowie, feliz viaje interestelar de regreso a casa.

David Robert Jones, creador de un legado que miles de almas jóvenes y viejas, comparten de generación en generación al bailarlo, sentirlo, cantarlo, recordarlo. Tal vez, sin darse cuenta de que dicho personaje ha creado, recreado y destruido múltiples personalidades y facetas de su vida; que no se trata sólo de un hombre que hacía maravillas y lo pensamos día a día, porque, David Robert Jones, prestó su cuerpo y alma a David Bowie para albergar en ambos espacios sus más grandes pasiones a través de personajes acompañados de vestimentas extravagantes, muy reservadas, incluso femeninas, maquillaje, su cabello, la voz, específicamente, cualquier manera y cualquier parte de él que pudiera usar para representar arte, locura, diversión, sus sentimientos, o sus miedos, un reflejo de todo lo que mantenía en su cabeza.

Por Erika Rodríguez Ilustración The Javis Contreras Effect

David Bowie

y un indudable influencia de Andy Warhol, Lou Reed e Iggy Pop. El extraterrestre bisexual con ambiciones de “rockstar” se instaló en The Rise And Fall of Ziggy Stardust and The Spiders From Mars, vaya que tenía una extensa e interesante historia, sus estudios y experiencia como actor se vieron reflejados para montarle la polémica e inolvidable hazaña a Ziggy Stardust.

era la mezcla perfecta entre orden y desorden, un caos que mantenía una armonía y una historia, los extremos no estaban tan alejados para él, supo crear una fusión equilibrada entre lo raro y lo imaginable, lo que para otros sólo era blanco o era negro, un personaje multifacético que logró creérselo no sólo como adorno en su cuerpo, sino en su mente y como estilo de vida la mayoría de las veces. Cada faceta y personalidad sólo se puede resumir como también se le ha dicho: camaleón del rock, hombre multicolor y con una carga de emociones que opuestas, o no, se atraen.

Aladdin Sane Tal vez, más allá de querer renovarse, lo que David Bowie buscaba era evolucionar, madurar al personaje, crearle una nueva aventura y un nuevo nombre, pero siempre se guió en quién o qué fue antes, siempre tomó un poco de la historia que lo conformaba y agregó las inquietudes, favorables o no, que vivía día con día.. Aladdin Sane sería el nuevo Ziggy Stardust, un muchacho loco que llevaría en su rostro un rayo rojo y azul separado por líneas negras (Warhol seguramente estuvo involucrado en la elección de color), representando al poder e inspirado en el amor y temor que se fusionan al tener un hermano con esquizofrenia, su manera de rendirle honores al ser querido en cuestión, tanto con un personaje, como con un álbum que llevaría tal nombre en 1973.

Major Tom Era 1969, y “Space Oddity”, del álbum homónimo, tenía una historia digna de ser representada por un astronauta casi hecho de pura melancolía y nostalgia que debía despedirse de sus seres queridos e iniciar un viaje en el espacio hasta llegar al cosmos solo para quedar atrapado en el tiempo dentro de su nave espacial; probablemente la brillante camisa y los jeans de mezclilla no fueron una gran representación, ni un personaje muy aplaudido, pero Bowie supo reflejar no sólo su gusto por Stanley Kubrick y su filme 2001: una odisea del espacio, sino el momento que, espacialmente, se estaba viviendo en aquél entonces: apenas unos cuantos años de la creación de la NASA, posterior a ello el primer hombre en el espacio en el 61 y la llegada del hombre a la luna en 1969. Alter ego por completo, tal vez no, pero sí un personaje que representa un momento importante en la historia. ¿Vamos entendiendo por qué Bowie debió ser eterno?

The Thin White Duke Bowie se olvidó de la extravagancia y del estilo andrógino, por si no fuera bastante obvio con el nombre de su nuevo alter ego; un duque clásico, elegante, y delicado, quizá hasta con una personalidad superficial, triste y fría, quien en 1976 tendría su historia en Station to Station, un álbum con esencia romántica que tuvo influencia (también para el personaje) en Adolf Hitler y Friedrich Netzche.

Hunky Dory Autoexploración y un cambio radical que dejó en Hunky Dory, álbum que salió en 1971 con un David Bowie en busca y aceptación de su forma bisexual, apoyándose en el garage y la psicodelia, un personaje que antecedió a Ziggy Stardust, sin la revolución que causó en él, Hunky Dory, Ziggy no habría existido, por ello es importante mencionar esta etapa en la que Bowie adoptó un estilo femenino, cual mujer sofisticada y elegante; abrigos, cabello largo, sin olvidar que detrás de esa figura fémina, estaba un hombre. La mezcla y el juego de roles poco aceptada fue lo que lo hizo especial.

Nathan Adler

Un personaje más discreto y del que poco se ha hablado por el simple hecho de que no se tomó su papel para llevárselo a la cama y despertarse con él, despertarse siendo Nathan Adler en 1995, un detective dedicado a buscar pista, respuesta y solución al asesinato de “Baby Grace Blue”, una niña de 14 años que adoptó como el reflejo al cambio que vendría en el siglo XXI. Algunos dicen que David Bowie estaba preparado para su muerte, que Blackstar estaba planeado para ser una perfecta despedida, probablemente sí, sin un alter ego más, únicamente tres personajes para actuarlos en el video de “Blackstar”: Button Eyes, un tramposo, y un sacerdote, sin llevarlos a más, porque el tiempo estaba ya sobre él. Quizá sólo quería irse como llegó, siendo el propio Bowie, camino hacia el cosmos en una estrella negra.

Ziggy Stardust “Renovarse o morir” pudo haber sido una frase que tenía bastante arraigada y se lo agradecemos bastante. Ziggy Stardust, una Hunky Dory más madura y mejor adaptada a sí mismo; mantenía la mezcla de roles, maquillaje que hacía referencia a la cultura japonesa, cabello cual melena de león al estilo Kabuki y el glam en sus prendas

-su fa ceta com o oruct od pr

por MartĂn Vargas

¿Cuál era el límite para David Bowie? Casi ninguno. Pareciera que no había ámbito en el que su genialidad no saliera a relucir, por más mínima que fuera la participación; pero al momento de concebir la música, demostraba poseer la clave para acceder al ‘tesoro’, tal como lo hiciera Alí Babá en el mítico cuento de Las Mil y Una Noches. La analogía no es gratuita, en total, fueron casi 40 ㅡcomo los ladrones en el cuentoㅡ los álbumes en los que Bowie adquiere otro alter ego (más): el de productor musical. ¿Qué hace un productor musical? Puedes encontrar la respuesta, querida lectora, querido lector, en el número 21 de esta, tu Revista Kuadro. ¿Qué hacía Bowie como productor? Esa es una pregunta aún más interesante. Pues he aquí la muestra más clara de que él podía decir “ábrete Sésamo”, y la magia aparecía. Empecemos con lo propio. Aunque dicen que nadie es profeta en su tierra, el debut de Bowie como productor comenzó con sus propios discos. A partir del cuarto (The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars) hasta el último (Black Star), él siempre tuvo alguna participación en la producción pero casi nunca de manera absoluta (sólo Diamond Dogs). Lo curioso es que solía alternar el trabajo con productores de anteriores discos (a excepción de Mike Vernon, quien produjo su primer disco y nada más). Desde Tony Visconti (en un principio él produjo dos de los más importantes álbumes de Bowie: Space Oddity y The Man Who Sold the World, luego le ayudaría en Young Americans, “Heroes” y los últimos desde 2002), pasando por Nile Rodgers, guitarrista fundador de Chic, pero a quien probablemente recuerdes más por haber participado con Daft Punk (Let’s Dance y Black Tie White Noise); hasta participaciones conjuntas de otros productores como Tonight (Derek Bramble, Hugh Padgham), Earthling (Mark Plati, Reeves Gabrels) o 1. Outside (Brian Eno, David Richards).

y parece que cada vez encontraba una manera mejor de hacerlo pues en su discografía son raros los descansos largos. Ahora lo ajeno. Creo que no hay mejor manera de hablar en este rubro que con Iggy Pop. ¿Le debe a Bowie su estilo? En parte, aunque no hay que demeritar a James Newell (verdadero nombre de Iggy). El primer acercamiento entre estos dos astros para la producción de un disco fue respecto al tercer álbum de la mítica banda The Stooges, que lideraba Newell: Raw Power. Siendo más un disco de culto con el paso del tiempo que en 1973, año en el que salió, este álbum significó la separación para la banda, pero fue indudablemente un parteaguas para el punk; tanto así que en 1997 Iggy hizo una remezcla propia del disco. Entre estas dos versiones, la de Bowie privilegia la voz, lo que le da un poco más de rudeza a comparación de la de Iggy, donde los instrumentos se escuchan más cerca. Luego vendrían otros proyectos para la carrera de solista de Newell, entre las más destacadas, la producción de Lust for Life y The Idiot (ambos de 1977), que le valen algunos de los temas más famosos en su carrera: “The Passanger”, “Lust For Life” o bien, “Nigthclubbing”. Sin embargo, el debut de Bowie como productor musical de otros proyectos fue en 1972, para el Transformer de Lou Reed. De este álbum destacan míticos temas: “Walk on the Wild Side”, “Perfect Day”, “Satellite of Love” y “Vicious”. Se puede notar más influencia de Bowie en los pianos, como en el tercer tema antes mencionado. Es interesante percatarse del alejamiento del rock experimental en la propuesta de Reed (tras los años con The Velvet Underground) para tener coqueteos con el glam rock y qué mejor que Bowie y Mick Ronson para hacerlo posible. Otro dato curioso: Klaus Voorman, bajista de John Lennon en algunos de sus álbumes y gran amigo de The Beatles participó en Transformer. Vaya que sabía con quién estaba trabajando. Es interesante notar cómo el proceso de producción y de concepción musical no variaba radicalmente cuando se trataba de un álbum propio o uno ajeno; aunque hablar de la obra de Bowie en sí misma ya son palabras mayores. Sin embargo, me resulta aún más interesante el escenario donde él produce algo distinto a los géneros musicales que frecuentaba; un reto para un productor musical (jazz, country, folk, por ejemplo, ¡ningún límite existe para David Bowie!), pero no es para quejarse, lo hizo bien. Alí Babá supo encontrar el tesoro que sólo se develaba con unas palabras. Bowie también.

También es necesario tomar en cuenta los soundtracks que compuso y produjo: Christiane F., pista sonora para la película alemana Wir Kinder von Bahnhof Zoo de 1981, The Budda of Suburbia, para la serie de televisión homónima de 1993, la canción principal para la cinta animada When the Wind Blows (donde también participa Roger Waters) y el musical estrenado en este año y que no pudo ver realizado: Lazarus. En conclusión, puedo decir que Bowie siempre planeó qué quería escuchar en su música. No dejó el lado productivo por el creativo

Por: María José Sánchez Ilustración: Roberto “zepol”

Ya un año de la muerte de David Bowie y se siente una ausencia terrible. Como una herida que no sanó con el tiempo. Sí, tal vez me taches de ridícula por lamentar el deceso de una persona que no conocí personalmente, pero sabes, querido lector… realmente fue una figura muy cercana, no sólo para mí, también para un puñado de músicos que hoy admiras. Me atrevo a reafirmar que la influencia de Bowie en el mundo ―y tal vez parte de la galaxia― no fue sólo musical, sino que fue y será un estandarte de empoderamiento, de abrazar quién eres y defenderlo contra el mundo. La capacidad de reinvención y mutación constante el la obra del artista británico fue lo que realmente le permitió ser este inmenso ícono dentro de la cultura pop, de hecho, si me pongo erudita podría enlistar canciones a diestra y siniestra para demostrar la evidente influencia del músico, pero no, realmente no es el propósito de este artículo. El punto que quiero que entiendan es que Bowie era -se siente horrible escribir sobre él en pasado- universal. No sólo influyó a rockeros, sino que su legado musical y estético inspiró más géneros que ningún otro músico; desde el rock hasta el rap y sí, pregúntenle a Kanye West. Bowie era muchas personas en una. Los desdoblamientos o alter egos de su personalidad vivían por sí solos en el universo corporal del músico de apariencia andrógina. Este factor resultó ideal para que muchos se sintieran identificados con él, como Madonna por ejemplo, quien mencionó a Bowie recientemente en un discurso: “ David Bowie era mi

musa, él encarnó el espíritu masculino y femenino y eso encajaba bien conmigo, él me hizo pensar que no había reglas”. Con Ziggy Stardust, David Bowie explotó una estética peculiar que daría pie a una fase del rock de la que no todos están muy orgullosos de aceptar: el glam rock. Prácticamente sin su propuesta visual esta ―abominación― corriente del rock no habría existido . De la misma forma, el estilo new wave que acompañaba musicalmente a Bowie a finales de los 70 influyó de manera directa en el sonido de bandas como Joy Division y Suede. Del álbum homónimo es una de las canciones más icónicas del Bowie e incluso ha sido tocada en el espacio por Chris Hadfield, pero fuera de todos los covers ―uno de los Smashing Pumpkins, por cierto― y la relevancia dentro de la historia musical, la estructura de esta canción influyó en gran medida en músicos como Lana del Rey que introdujo un verso de esta canción en “Terrence Loves you” y Enrique Bunbury que, bueno, se pirateó casi todo el concepto para “Lady Blue”…fail. Low es parte de la Trilogía de Berlín en la que la experimentación con sintetizadores definirían un sonido nuevo y desconocido hasta ese entonces que seguiría en los discos posteriores: Heroes y Lodger. En esta trilogía, Bowie experimentó con la música electrónica y los sonidos ambient y avant garde que tiempo después ese estilo sería retomado para ser madurado por bandas como Radiohead en el Ok Computer o Beck reimaginando la legendaria “Sound and Vision” con orquesta. Incluso Arcade Fire en su

álbum Reflektor en el que contaron con la participación de Bowie en la canción homónima. A este álbum también pertenece “Fame” cuyo sampleo fue utilizado por Lady Gaga en su rola “Fancy Pants” y además hizo una reapropiación de “Let’s Dance”, “Fashion” para su canción “Fashion!”. Lo llamó reapropiación para no llamarlo plagio. La pobre ya tiene con haber coverado a Bowie en el tributo que le hicieron Grammys del 2016 y pues… a nadie le gustó.

Kurt Cobain y compañía retomaron esta canción para darle un giro total, en el que versionaron esta canción en el estilo de la banda durante su Unplugged en 1994. Muchos críticos musicales consideran que en este disco es el hito que marca el verdadero comienzo de la historia musical de David Bowie. En esencia el disco contiene la estética primigenia del rock en el que sobresale el sonido de la guitarra y una batería poderosa que marca el tempo a 4/4. Cuesta trabajo pensar en otro músico más influyente que Bowie, ya que a través de toda su discografía exploró distintos géneros y con cada uno creo algo memorable. No dejó ninguna canción como un intento fallido o un híbrido extraño, sino que todos sus experimentos dejaron algo valioso, digno de retomarse y si realizáramos un mapa para encontrar cada guiño de influencia musical que él dejó, tendríamos el mapa de una constelación gigante en la que Bowie sería la estrella más brillante.

¡Hasta pronto Starman!

Bowie y...

por Dora MĂŠndez

La Sociedad Para La Prevencion De Crueldad Contra Los Hombres De Cabello Largo

En la entrevista vemos a un Bowie con cierto aire de incredulidad, bien vestido con un traje y corbata y una cabellera que, si analizamos cómo es que algunos hombres portan en la actualidad, en realidad no lo tenía tan largo. La entrevista se titula “David Bowie y la ‘Sociedad para la Prevención de Crueldad contra los Hombres de Pelo Largo’”.

A lo largo de este número hemos hablado de lo que representa David Bowie y el legado que ha dejado tras su partida; pero hablar de él no sólo es música, sino que va más allá. Durante las siguientes líneas podrás conocer un poco más de su historia, incluso antes de que se convirtiera en el ícono musical. Nos referimos al joven Bowie y su época de cabello largo. Antes de ser la figura y estrella que todos conocimos, David Robert Jones (nombre real); en 1964, Bowie con apenas 17 años de edad, fue el fundador de The Society for the Prevention of Cruelty to Long-haired Men, o como la conocemos en nuestro idioma: “Sociedad para la Prevención de Crueldad contra los Hombres de Pelo Largo”. En la actualidad es común ver a uno que otro hombre portando orgullosamente una larga cabellera, así que, ¿qué relevancia tiene esto? La respuesta está en la época en la que Bowie defendía sus ideales, ya que tener el cabello largo no sólo era un simple capricho: había más detrás. Una gran lucha contra la discriminación por parte de la sociedad. Existe en la Internet un video de una épica entrevista que Bowie brindó a Cliff Michelmore, conductor del programa de televisión Tonight de la BBC de Londres. La actitud de aquel joven fue lo que llamó la atención del presentador para darle un espacio. Aunque alguno que otro espectador tomó a burla el segmento, pero el joven Bowie se mantenía serio y fiel a lo que estaba manifestando en ese momento. Durante la entrevista apreciamos los antecedentes de su rebeldía y la excentricidad. Ésta podría considerarse como su primera aparición oficial en televisión. Entre el gran discurso que proclamó, podemos rescatar el siguiente fragmento: “Creo que todos somos bastante tolerantes, pero en los últimos dos años hemos tenido comentarios como ‘querida, ¿puedo llevar tu bolso?’, y yo creo que esto tiene que parar ahora. Creo que a todos nos gusta el pelo largo y no veo por qué otras personas nos deben perseguir o acusar por eso”.

Pero, regresando un poco a la historia, en aquellos años la sociedad veía con malos ojos el hecho de que un hombre portara el cabello de ese modo. Por el simple hecho de que solo las mujeres tenían ese (¿)derecho(?), (¿)privilegio(?). El cabello largo en un hombre era sinónimo de burlas, discriminación y prejuicios. ¿Por qué siempre criticar lo diferente?, ¿por qué ese miedo a que alguien sea distinto? La sociedad por más “abierta” que pretenda ser nunca cambiará, pero siempre surgirán personajes como Bowie que lo intenten y lo logren, aunque ese logro sea efímero; pues finalmente no siguen con aquellos patrones ya establecidos. Bowie llegó a recibir terribles golpizas por parte de sus compañeros de colegio, además de miles de señalamientos en la calle o donde estuviera. Cabe destacar que muchos años después el cantante también fue criticado duramente al momento de lanzar The Man Who Sold the World, ya que en la portada del álbum muestra una apariencia andrógina, lo que desencadenó una serie de ataques, dudas y cuestionamientos acerca de él y sus preferencias. Actualmente, esta portada se ha convertido uno de lo trabajos del artista que son dignos para recordar. Gracias a la serie de críticas que recibió, el mismísimo cantante decidió revivir aquel video de esa entrevista que realizó para la BBC, cosa que le funcionó muy bien para cesar un poco las habladurías. Así que sí, lo primero que Bowie hizo antes de cantar y volverse una estrella famosa, fue defender sus propios derechos y formar La Sociedad... Años después, el cabello largo de Bowie se convirtió en un símbolo de moda que actualmente muchos recuerdan con gran admiración y otros imitan con devoción, pues finalmente, ¿qué sería de nosotros sin nunca haber conocido a Bowie? Para bien o para mal, hablar de él no sólo es hablar de música, sino de moda, tendencias, ideologías políticas y derechos.

por José Curda

La inspiración viene de muchos lados, la danza por ejemplo, toma un poco los movimientos de la naturaleza, como las hojas al caer o las olas del mar, la escultura toma las curvas y rectas de otros objetos. En la moda el caso es similar, los diseñadores de ropa requieren de inspiración para crear nuevos productos. Algunos retoman cierta época de la historia o hay quienes se inspiran en pinturas para crear prendas como Jean Charles de Castelbajac, quien se ha inspirado en Ellsworth Kelly y el escultor Constantin Brâncusi. También, existen musas musicales que de igual forma marcan tendencia en los diseños de moda. Algunos ejemplos son los icónicos vestuarios de Presley, o los Beatles. En esta última década, y en especial este año, David Bowie ha estado en mentes creativas de muchos artistas del diseño, pues es un personaje primordial de la cultura pop, no sólo por su música sino por su estética visual.

Sólo para empezar, muchos recuerdan a Bowie por su alter ego Ziggy Stardust, cuyo rayo pintado en el rostro acompañado de una melena en color rojo, daban identidad a un extraterrestre andrógino. Un personaje que el autor creó para mezclar lo visual de la teatralidad de Broadway con la escena musical del rock.

Ziggy fue inspiración para la colección de 2011 y 2013 del diseñador Jean Paul Gaultier que utilizó la estética de Bowie para elaborar las melenas y las estrellas en sus prendas. El artista visual calificó al músico como un rockstar total y sus diseños fueron retomados por las revistas de moda debido al fallecimiento del autor de “Heroes” en enero del 2016. Otro artista del diseño que retomó al emblemático Ziggy Stardust para recrear la psicodelia andrógina de aquel alter ego fue Riccardo Tisci, quien tomó la estética de líneas en blanco y negro para Givenchy por ahí del 2010. A comparación de Jean Paul Gaultier, el italiano Tisci decidió colocar la parte sobria de Ziggy en un bicolor neutro.

No puede faltar, el diseñador japonés que ayudó a Bowie a empalmar su melodía con su imagen, Kansai Yamamoto, que en 1971 llegó a Estados Unidos para presentar su trabajo en la tienda Hess’s. No fue hasta que el diseñador llegó a Londres cuando el cantante británico compró la vestimenta para darle vida a Ziggy Stardust, un mix entre lo oriental y lo occidental, entre el hombre y la mujer. Y con uno de sus emblemáticos trajes como “Space Samurai”. En la actualidad y dando vueltas por páginas de diseñadores, encontramos atisbos de Bowie en algunas colecciones, en especial en la del español David Delfino, en su colección de invierno 2016 titulada “Mentiras” aparecieron cabellos rojizos hasta modelos con una fisionomía facial semejante a la del autor de “Let´s Dance”.

En el 2011, Dries Van Noten, trajo los visuales del artista, al presentar otra etapa del cantautor: “Starman”, del disco Station to station, el décimo de la carrera de Bowie. Camisa, tirantes y pantalones de vestir hasta la cintura, característicos de mediados de los 70. Un estilo semiformal con el cabello relamido pero teñido del característico color rojo que aún sigue en tendencia. La diseñadora Phoebie Philo, en su primera colección ocupó una pieza en especifico de Bowie. Un traje beige que ayudó a la británica a reconstruir la silueta masculina en la moda al hacerse cargo de Dior Homme.

No cabe duda que David Bowie era y es, un ícono en la música que trasciende los límites. La estética visual que lo acompañó a lo largo de su carrera inspiró y penetró la moda. Las tendencias y el estilo cambiaron el paradigma para llenarse del toque rockero, andrógino y sexual que el artista colocó en su música.

Ilustraciรณn por Antonio Lรณp ez

por Gerardo Carillo

La capacidad de creación artística de David Bowie no podía contenerse exclusivamente en la música, fue así como incursionó en el arte histriónico a finales de los años 70, camino que lo acompañaría a lo largo de su carrera por más de 30 años con personajes que nos regalaron un puñado de emociones y que ahora, a un año de su muerte, nos hacen suspirar con nostalgia. Si bien no fue su primer trabajo de actuación, The Man Who Fell To Earth fue la primer película del músico, la cual le otorgó un gran reconocimiento dentro del mundo del cine y es también una de las obras por las cuales es más recordado en su faceta como actor. Bajo la dirección de Nicolas Roeg, Bowie da vida a Thomas Jerome Newton, un extraterrestre que viaja a la Tierra con la misión de encontrar agua para así poder salvar a su planeta moribundo, sin embargo, y luego de hacerse rico al incorporar avances tecnológicos a la vida humana, su existencia va en declive al ser seducido por el alcohol, la televisión y los placeres mundanos, finalizando en el fracaso de su misión. Merry Christmas, Mr. Lawrence es un relato ocurrido en un campo de prisioneros japonés donde el soldado británico Jack Celliers, interpretado por Bowie, forma poco a poco una curiosa relación con ligeros toques homosexuales con el jefe del campo, el capitán Yonnoi, a lo que sus compatriotas consideran una traición imperdonable. La cinta fue acreedora a un reconocimiento por mejor banda sonora en los premios BAFTA de 1983, así como una nominación a la Palma de Oro del Festival de Cannes por Mejor Película en ese mismo año. Con elegancia, misterio y sensualidad es interpretada The Hunger, por readaptar el mito de las criaturas chupasangre a los tiempos modernos, sin comprometer el legado que éstos tenían a lo largo de los años (algo que no pudo comprender la saga de Crepúsculo).

Este filme nos cuenta la historia de John (Bowie) y Miriam (Catherine Deneuve), una pareja de vampiros que se alimentan de la sangre de aquellos desafortunados que caen ante su seducción. Luego, recurren a la ayuda de la Dra. Sarah Roberts (Susan Sarandon), quien es investigadora en rejuvenecimiento y desórdenes del sueño. Lo anterior concluye en un intenso y oscuro triángulo amoroso, dándonos una de las escenas más sensuales del cine de los 80 protagonizado por las actrices. Labyrinth fue estrenada en 1986 y dirigida por Jim Henson. Esta cinta nos lleva por el viaje místico y musical que Sara Williams, interpretado por una adolescente Jennifer Connelly, tiene que atravesar para poder rescatar a su hermano pequeño, el cual fue raptado por Jareth, el rey de los duendes, interpretado por Bowie. Su caracterización de elementos punk rock sirvió de ayuda en gran medida a la película ya que económicamente no fue un éxito sino hasta años después que se convirtió en una película de culto. Uno de los últimos momentos de Bowie en la pantalla grande (siendo el último un cameo en la cinta Bandslam en 2009) fue bajo la dirección de Christopher Nolan, dándole vida al inventor e ingeniero serbio Nikola Tesla en la película The Prestige de 2008, donde comparte escena con Hugh Jackman, Christian Bale y Scarlett Johansson. Otras cintas destacadas en las que Bowie dejó su sello característico fueron Basquiat, donde interpretó a Andy Warhol; Twin Peaks de David Lynch; The Last Temptation of Jesus Christ, de Martin Scorsese y, desde luego; su divertido cameo en Zoolander. A un año de su muerte, su amplia filmografía nos ayudan a recordarlo no sólo físicamente, sino por su capacidad de crear historias a través de distintos personajes y llevar a nuestra imaginación a mundos que nos hacen extrañarlo cada vez más.

FUNK Y SINTETIZADORES EN LO NUEVO DE JUSTICE Por Javier Jarquín

DESCUBRE POR TI MISMO EL SONIDO DE ANIMAL COLECTIVE Por Kenya Giovanini Zerón

¿Cómo describir un disco que tras escucharlo más de una vez sigues sin descubrirlo? El décimo disco de Animal Collective, Painting With, te lleva en un viaje lleno de ritmos a una velocidad inestable que siempre se mantiene en movimiento. Está compuesto por 12 sencillos. Inicia con “FloriDada” y su estribillo pegajoso, mientras que “Hocus Pocus” tiene un sonido más ligero pero oscuro. “Natural Selection” y “Summing the Wretch”, son las favoritas. Al escucharlas te darán ganas de correr a hipervelocidad y sentir cada parte de tu cuerpo desprenderse. Por si fuera poco crear un disco que resulta lo bastante extraño y exquisito a la vez, cuenta con tres portadas distintas que representan de manera individual a Portner, Weitz y Lennox. En temas más técnicos. El álbum se grabó en los estudios EastWest, colaboraron John Cale y el multiinstrumentista Colin Stetson. Aunque suena un tanto futurista, los integrantes se inspiraron en la prehistoria para su composición.

El dúo francés, Justice nos tenía un poco abandonados, pero bien sabíamos que era debido a que andaban cocinando y preparando música nueva y así fue. Gaspard Augé y Xavier de Rosnay, nos dieron la buena noticia durante noviembre del 2016, con la salida de su tercer material de estudio de nombre: Woman. Material que cuenta con 10 tracks y fue publicado bajo el sello de Ed Banger Records. Entre los novedoso del disco se encuentran las colaboraciones, ya que la mitad del tracklist tiene invitados, donde desfilan: Morgan Phalen, Johnny Blake, M. Yaman y Romuald. Woman es un álbum guiado por los sintetizadores y la línea de funk tan característica en el sonido de los galos. Desde la salida de su sencillo “Safe and Sound”, a inicios de julio del 2016, sabíamos que la espera iba a valer la pena. Posteriormente “Randy”, y “Alakazam!” salieron a la luz para mostrarnos ese lado más alternativo, al ocupar una línea de bajo más profunda y atmósferas un poco más oscuras. “Pleasure” le compite a “Safe and Sound”, por el mejor corte del disco. El feat con Morgan Phalen de Diamond Nights, le mete un estilo que levanta la canción. Tercer disco de la banda, cumplidor, perfecto para el dance, pero quizás aún sin superar lo dado en sus álbumes pasados. Eso sí, ustedes tienen la última palabra.

HACIÉNDOSE DE CANCIONES AJENAS: ANDRÉS CALAMARO Por Benjamín Díaz

El reencuentro del Salmon a la industria musical es una batalla entre demonios imaginarios. Un exorcismo puro en donde Andrés Calamaro escupe todo lo que tenía que decir, bajo los efectos de la vieja escuela. Un disco que compila 19 canciones, entre composiciones para películas y covers que le han pedido, pero que jamás se editaron. “Apocalipsis en Malasaña” abre el disco. Canción que escribió y compuso para la película de un amigo, donde ésta habla por sí sola de la gran carrera apocalíptica de este músico argentino. Las composiciones están bien seleccionadas y ordenadas, dándote un ritmo y una secuencia, donde al ser 19 tracks no se hace pesado el trayecto. Aguantas su canto de principio a fin. Los covers que van desde Babasónicos a José Alfredo Jiménez, por mencionar algunos, dejan de lado a las versiones propias. Las hace suyas, con toques de bolero, jazz, blues. Es tan grande el repertorio, que uno ve amanecer a ese mítico músico que siempre da de sí, que siempre entrega todo y que no deja de sorprendernos. La vida te da pequeños regalos, es momento de regalarte un gran momento escuchando a este personaje que ha sido revolucionado a través de su mito. Recomendamos: “Rock y Juventud”, “Atunes y Ballenas”, “Mareo”, “Vampiro Torero” y “Hasta el Cielo”.

SIN MÚSICA NUEVA, LO NUEVO DE LOS STONES ES EXTRAORDINARIO Por Carlos Valle

Hablar del nuevo disco de estudio, el número 25 de los Stones Roses es un poco engañoso porque... sí, se metieron al estudio, pero no hicieron música nueva. Blue & Lonesome es un disco de covers que se ciñeran fuerte al origen blusero de los ingleses. Buddy Johnson, Howlin’ Wolf y Jimmy Reed fueron algunos elegidos ya que marcaron grandes estándares de blues. El resultado, la verdad, es extraordinario, cambiaron esa inspiración que requiere hacer música nueva por canciones que se saben de hace 40 años. Tal vez por eso suenan tan rejuvenecidos, tan potentes con ánimos renovados para una banda que celebra 50 años en el escenario. Además cuentan con invitados como Eric Clapton, el otro blues junkie que acompaña a la banda en dos tracks, en uno se hace notar con la slide guitar. Todo esto con Keith Richard y Ronnie Wood, cuyas edades combinadas suman más de 210 años, pero te hacen notar que la música no tiene edad.

KUADRO RAZONES PARA ESCUCHAR A TAPES N´ TAPES A pesar de llevar ya algunos años sin tener algo nuevo de Tapes n’ Tapes, ésta es una banda que definitivamente debes de tener en alguna playlist (con eso que andamos muy millennial), porque después de escuchar sus primeros acordes necesitarás más, y cuando escuches la segunda canción, que puede ser muy distante a la primera, logrará causar un impacto en tu interior.

por: Iván Rova

Lo indicado es tomarlo con calma, según expertos, las melodías que tocan están relacionadas a los géneros como el indie rock, la neo-psicodelia,el rock experimental e incluso el college rock.

La banda está compuesta por Josh Grier (voz, guitarra), Matt Kretzmann (teclados, bocinas), Erik Appelwick (bajo, voz) y Jeremy Hanson (batería) y desde el 2003 han venido haciendo música. Han sido comparados con bandas como Pixies y Pavement y vámonos a tomarlo con calma, no es para tanto, pero lo que te puedo decir es que deberías escuchar “I Want You (She’s So Heavy)”, cover de The Beatles, extraído de su mítico álbum Abbey Road, e “Insitor” que fue con la que saltaron a la fama. Te dejaré que tú y tu oído elijan. No obstante, te aseguro que lo disfrutarán.

SLAVES, NUEVA PROMESA DEL PUNK INGLÉS Slaves, es un dúo británico formado por Isaac Holman y Laurie Vincent. Ellos muestran ritmos de batería básicos combinados con riffs simples, pero distorsionados y toques de garage que llegan a ser pesados. Esto coronado por una voz rasposa muy ad hoc al punk inglés. En 2015 lanzaron su disco debut Are You Satisfied? con el cual comenzaron a arrasar por: Diego Vigueras en Reino Unido, lo que les valió una nominación al Mercury Prize y tocar tres shows en Glastonbury ese mismo año. Este año lanzaron Take Control, donde tienen una colaboración con Mike D de Beastie Boys, tema con el que llegaron a los más grandes festivales europeos y a su primer tour por Estados Unidos. Te recomendamos escuchar “Cheer Up London”, “Sockets”, “Spit It Out” y “Where’s Your Car, Debbie?”. Comprueba por ti mismo que el punk no ha muerto.

EL POP OSCURO DE EL ÚLTIMO VECINO Directamente desde Barcelona, España, llega Gerard Alegre Dòria en forma de El Último Vecino, para contagiarnos con un pop oscuro que te hará saborear cada instante que te entreguen con su sonido. El Último Vecino nos entregó su LP homónimo debut en el 2013 con tintes por: Benjamín Diaz oscuros, de New Wave, Techno y Pop nostálgico. Gracias a buenas críticas y un sinfín de conciertos y festivales, regresan a su país para grabar Tu Casa Nueva, un EP con tres tracks en los que colabora la chilena Javiera Mena. Voces es el segundo disco que salió en el 2016 y que lo trajo a México en una mini gira. Con sonidos parecidos a The Drums y The Smiths, El Último Vecino hará que la gloria te sepa dulce; los pies te reventarán y tus caderas se moverán incansablemente. Recomendamos: “Mi Escriba”, “Tu Casa Nueva”, “Culebra, Columna y Espada”, “Los Nuevos Vecinos” y “La Entera Mitad”.

TRAVIS BRETZER: AMOR Y MELANCOLÍA DESDE CANADÁ Travis Bretzer es un músico originario de Edmonton, Canadá que presenta melodías llenas de romanticismo y melancolía, acompañadas de guitarras cálidas que crean una atmósfera musical similar a la de bandas como Wild Nothing o Real Estate. Desde su primer trabajo, Saucy Tasters (2011), hasta su segundo EP Making Love (2013); Travis Bretzer transmite esa vibra seductora y relajada en cada una de sus pistas. Mismas que repite con Waxing Romantic (2015), su primer álbum de estudio en el cual, las canciones parecen estar más aterrizadas y elaboradas con texturas musicales más complejas y sintetizadores con ritmos setenteros.

por: Javier Jarquín

A través de frecuencias melódicas, Travis Bretzer habla sobre el amor, el desamor y el proceso del mismo en la mayoría de sus creaciones. Todo esto acompañado de toques de surf, indie pop y algo de psicodelia. Estos elementos provocan escuchar sus baladas una y otra vez, ya sea a través de la ventanilla de un auto o en la tranquilidad de tu habitación.

por Carlos Valle

MOTÖRHEAD Elegir un disco de Mötorhead, parece algo fácil que raya en el cliché. Cómo no elegir el que tiene la quintaesencial canción “Ace of Spades” o “Love Me Like a Reptile”, la respuesta es fácil... eliges el primero. El álbum debut, el homónimo del ‘77 lo cambió todo. Había nacido algo especial, era el inicio de la alineación clásica, ni fue la que más duro o la que tiene más álbumes, pero fue la más icónica por los trabajos que nos entregó. Este material personifica toda la esencia de la banda y de Lemmy (nos vale madre, solo venimos a tocar rock and roll y lo venimos a tocar rápido) y no sólo era esa voz marinada en cientos de botellas de Jack Daniels y los otros cientos de flip.

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No sólo era tocar endemoniadamente rápido, ocho canciones en media hora, además de los nombres que lo decían todo. Además de Lemmy, en la banda estaban: el Philty Animal en la batería, Fast en la guitarra y Speed en la producción.

Muchas etiquetas cambiantes, que si eran Punk, que si habían inventado el Speed Metal, que si eran Heavy Metal. Todos esos no comprendían lo que la banda estaba haciendo. Todos los puristas de la época enojados por el cover de “Train Kept a Rollin´”, sucio y rasposo, alejados de esa versión que se popularizó de “The Yardbirs”. A partir de este disco, que en su momento les ganó que la prensa especializada los votara como la peor banda del mundo cuando no estaban más alejadas de la realidad, fue cuando empezaron a escribir su legado. Siendo las bases para unas de las mejores rachas que el rock nos ha dado, después de eso Overkill, Bomber, Ace of Spades y Iron Fist, no por nada en su cumpleaños los de Metallica de se disfrazaron de puros Lemmys para coverear a la banda. Además nos dio una de las dos mejores mascotas que la música tenga (y probablemente Iron Maiden sí tenga la ventaja), pero nos dio al War Pig, ese que ha estado presente en todas las portadas y playera de weyes que no tienen la más remota idea de que sea pero se sienten rudos. Así de poderoso es el War Pig, sí se ven rudos.

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En esta ocasión, te traemos una nueva recomendación para que vayas conociendo una de las propuestas que este 2017 nos tiene preparadas. Prófugo es una banda originaria del norte del Estado de México. Gerson (batería), Jesse (voz), Miguel y Edgar (guitarras), César (sintetizador) y Fredy (bajo), son los músicos que la conforman. Aunque la agrupación ya tiene uno que otro festival en su lista, hay muchas personas que aún no los ubican del todo. Su EP debut lleva por título Escúchame y fue producido por nada más y nada menos que Julián Navejas (sí, el vocalista de Enjambre), lo que significa que lleva un gran sello de garantía para ser escuchado y recomendado. Escúchame cuenta con cinco canciones: la que le da el nombre al material, “Miedo”, “No Quiero Verte”, “Me Quiebro” y “Juntos”. Te aseguramos que al terminar de reproducirlo, te quedarás con ganas de más. Fue grabado en el 2016, en el estudio MarcosBrowneRecords, con la dirección y producción de Michelle Peña, además de la Co-Producción de Gerson Ramírez.

PRÓFUGO;

PIDE CON BASE EN BUENA MÚSICA, QUE LOS ESCUCHES por Dora Méndez fotos cortesía de la banda

Durante todo el año pasado, estuvieron presentándose en diferentes sitios, como en la Semana de las Juventudes 2016, en Alternativo Festival, compartiendo el escenario con bandas como Babasónicos, Enjambre, DLD, Austin TV, Bengala, Hummersqueal y Odisseo. ¿A qué suena Prófugo? La mejor forma de describirlo en como rock alternativo con un sonido poderoso, ideal para acompañar diferentes situaciones de la vida cotidiana. Con letras sencillas que logran ese objetivo de llegar directo al corazón de una forma natural. “Las pequeñas grietas se agradaron haciendo añicos el alma… terminando de quebrar el cascarón que cubría el corazón” El propósito de esta banda es crear ese vínculo emocional con los seguidores que escuchan su música para que cada uno encuentre una propia realidad en sus canciones. Así que date la oportunidad de escuchar y disfrutar del nuevo talento mexicano. La música de esta banda está disponible plataformas digitales como Spotify para que corras a escucharlos y disfrutes de su música.

LAS DROGAS,

Hace algunos meses Fabric, el mítico club londinense cerraba sus puertas (temporalmente); luego de la muerte de dos jóvenes por sobredosis, causando polémica dentro de la escena electrónica.

por: Israel Yonca

Si bien, la noticia de la lamentable muerte de estos jóvenes debe tomarse muy enserio y corresponde a las autoridades dar un veredicto; en la parte musical, representaría un duro golpe para la escena electrónica creada a partir del club. Desde su apertura en 1999, Fabric ha sido una parte esencial para la música electrónica local y mundial. El club londinense lanzó a la fama a varios DJ y productores, para luego convertirse en una referencia de lo que suena en la actualidad. Incluso, pasaron a convertirse en un sello especializado, donde los diferentes artistas que pasaban por las tornamesas, colaboraban para crear un set del mismo nombre y sesiones conocidas como Fabric Live. Michael Mayer, Carl Craig, John Tejada, Optimo, Tiefschwarz; son sólo algunos de los nombres que han participado en los sets de Fabric. Mientras que en los “Live”, se encuentran nombres como: Groove Armada, Erol Alkan, Mumdance, Simian Mobile Disco, entre otros. Incluso el alcalde de Londres, Sadiq Khan, se manifestó en contra del cierre permanente, diciendo que el club era una parte importante de la cultura en la capital inglesa. Sin embargo, la decisión corresponde a un juez quien decidirá si se cierra definitivamente el Fabric. Por lo pronto, artistas y seguidores del club, han creado una campaña en redes sociales bajo la etiqueta #SaveFabric e incluso un petición en contra del cierre en la plataforma change.org; en la que puedes participar si estás a favor de su reapertura.

UN DURO GOLPE A LA ESCENA ELECTRÓNICA

MODERAT

MALDITA

por benjamin diaz / foto CORTESÍA

por edy yaÑEZ / f

Moderat llegó a Ciudad de México para presentar su más reciente producción: III que salió en el 2016. El regreso de los alemanes fue muy aclamado ya que dio mucha incertidumbre en nuestras mentes ya que se presentaron en Sala de Armas, un pedazo de la inmensidad que alberga el Foro Sol; un lugar grande que crea una atmósfera llena de austeridad incansable. Para calentar motores, se presentó Me & Myself, un productor mexicano que experimenta y crea un ritmo sonoro que cautiva y hace viajar a otro universo. Error”, “Running”, “Eating Hooks” y el remix que Siriusmo, le hizo a esa misma canción, alimentaron el alma bailadora de cualquiera que estuviera frente de ellos. Los visuales siempre son un factor importante y que en todo buen show merece. Al ver este show, cabe mencionar que la vida siempre vale lo que vives. “Reminder”, “Animal Trails” y “Last Time” fueron canciones que poco a poco fueron apareciendo en su repertorio. La banda se despidió y dejó a todos con ganas de más. Su encore duró muy poco y los visuales empezaron a menospreciar la calidad de show que nos dieron esta vez. “No. 22″ y “Bad Kingdom” fueron las canciones que nos pusieron a bailar una vez más.

Tuvimos la fortuna de participar en una cere de uno de los discos más emblemáticos de en las inmediaciones de Carpa Astros, la primer presentación de este álbum, el segu del Quinto Patio. Con esta sincronía se demuestra q y que con suerte llega a ver e Triciclo Circus Band recibió a los asisten antes de que el vocero de Carpa Astros di las localidades y empezar con el concierto

El show se dividió en dos bloques, R que no iban a echar el disco así todo de la presentación que constaba como de dos actos separados por un inte 25 años de un disco que hizo un retrato los noventa y que sigue totalmente actual Vecindad puede no gozar de la misma fam el mainstream es pequeño y corto de visió años de La Carpa Astros ningún tipo de s piso y las construcciones aledañas al lugar

VECINDAD

DESCENDENTS

foto DAVID ARANDA

por DAVID ZAVALA / foto DIEGO VIGUERAS

emonia de paz y baile por el 25 aniversario el rock nacional, El Circo, esta fue realizada a cual 25 años atrás también albergó la undo de La Maldita Vecindad y los Hijos

que la vida se trata de círculos en retrospectiva el camino andado. ntes en el lobby y calentó los ánimos justo iera las tradicionales llamadas para ocupar o.

Roco saludó a la audiencia diciendo rápido y a lo loco, explicó la dinámica o en antiguas presentaciones circenses ermedio para conseguir un refrigerio. veraz de nuestra ciudad en principios de l, en sonido, discurso y ritmo, La Maldita ma de Caifanes o de Café Tacvba porque ón, lo que puedo decirles es que en estos show que haya estado ahí ha cimbrado el r como pasó con El Circo.

Hace 39 años en California, Estados Unidos, un grupo de amigos tomaron la decisión de crear una banda. Punk rock, café, chicas y patinetas, fue de lo que hablaron. Lo hicieron tan bien que aquí siguen; como la agrupación legendaria que ha influenciado a miles de personas. En su primera visita a México, la banda cumplió las expectativas de sus fieles seguidores. Cuando todo estaba listo, Milo Aukerman, Karl Alvarez, Bill Stevenson y Stephen Egerton, salieron del escenario y cerca de las 9:45 pm regresaron como The Descendents y así, dieron inicio a una compensación de 30 años de espera. Qué mejor manera que comenzar que con uno de sus himnos que cualquier fan de la banda conoce: “Everything Sux”. La banda no tomaba muchos descansos entre canciones. Sonó “Hope”, “I Like Food”, “Silly Girl”, “Coffee Mug”. Hubo tanta energía que parecía que la carpa caería derrumbada. Después de dos potentes encores, en el verdadero final, Bill se despidió diciendo ‘hasta mañana’; él también quería que la noche no tuviera fin, pero al darse cuenta solo nos dijo “hasta la próxima”. Esperemos que eso sea una promesa que se cumpla y podamos tener más Descendents en nuestro país y en nuestras vidas en el futuro.

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APOCALYPTICA

por rodrigo guerrero

POR CARLOS VALLE Existen bandas que no arrasan en las localidades, pero tienen un muy nutrido y constante grupo de fans. Una banda que siempre ha sido diferente es Apocalyptica, que lo demostró en el Coloso de Reforma con un casi lleno total. En cuanto pisaron el escenario, una estruendosa ovación para los escandinavos explotó. El lugar era adecuado para un show donde la música es lo más importante. Una pantalla con algunos visuales, algunas luces y la tarima desde donde Mikko Sirém dominaba la vista. Al frente, EiccaToppinen flanqueado como siempre, a su lado Paavo Lötjönen y Perttu Kivilaakso. En cada oportunidad decían al micrófono lo mucho que les gustaba y disfrutaban tocar frente a este público, en estas tierras. Los mayores gritos y emociones provinieron de los covers, después de todo; así se hicieron. Primero sonaba Sepultura con una canción icónica del trash: “Refuse/Resist”. Pero los covers de Metallica fueron los dominantes, tanto en setlist como en reacciones. Pero entre covers salía Franky Perez, para tener a un vocalista en el escenario y hablar en un español más que aceptable, ya que su repertorio no se limitaba a las canciones de Apocalyptica como “Bittersweet”o “Till death Do Us Apart”; sino a un pedazo bastante amplio de “El Rey” de José Alfredo Jiménez, que fue acompañado a todo pulmón. Faltaba uno de los platillos fuertes: “One”, que una vez la gente se encargaba de cantar mientras ellos tocaban, para dar ahora sí, por concluido un show que cumplió y llenó todas las expectativas, por lo que slo queda quedar atento a un show ya confirmado para el 2017.

as que pueden pasar en la vida es pod marcaron la adolescencia de muchos que principios del 2000: Sum 41; una banda q había pisado tierras aztecas y tras una larg ciudad para revivir todas esas viejas memo El concierto tuvo lugar en el Pepsi Center, escenario apareció Sputnik que con su R a poner todo el ambiente entre los asistent Sum 41 salió al escenario; las luces se volvi retumbaron en el lugar mientras que un agrupación empezó a aparecer y el primer baterista del grupo, después salió Dave Ba por último Tom Thacker guitarrista y el ta guitarrista, que de inmediato interpretaron público que fue “The Hell Song”. El momento cumbre llegó cuando la ban mayoría de los fans de inmediato empezaro

Una vez llegado el encore, la alineación re temas que dieron la dosis perfecta de ad Nation Army” de los White Stripes, para todos: “Fat Lip”.

m41

IGOR & MAX CALAVERA por CARLOS SAIN / foto

/ foto Brenda Arriaga

der presenciar a una de las bandas que fueron jóvenes a finales de los noventa y que desde sus inicios hasta la fecha, nunca ga espera -20 años- por fin llegó a nuestra orias de punk. las luces del recinto se apagaron y en el Rock Punk empezó a calentar los motores y tes. ieron a apagar y los gritos de los asistentes n breve intro sonaba, seguido a esto, la ro en pisar el escenario fue Frank Zummo aksh guitarrista y Jason McCaslin bajista, an esperado Deryck Whibley vocalista y n uno de los temas más esperado por el

nda interpretó el tema “With me”, pues la on a corear la canción con manos arriba.

regresó al escenario para rematar con tres drenalina para el público: “Pieces”, “Seven rematar con la canción más esperada por

El Circo Volador se llenó de nostalgia a 20 años de la salida del disco Roots de Sepultura, con la presentación de Igor & Max Calavera, fundadores de esta banda. Presentaron un concierto con la interpretación de uno de los discos de rock y metal más influyentes de los noventas y que trasformó el metal sudamericano y mundial. Los hermanos Max e Igor Cavalera, mostraron el espíritu de Sepultura desde Brasil. Una excelente entrada fue testigo de la potencia y vigencia del álbum. Incite, agrupación en la que milita Richie Cavalera (hijastro de Max) fue la encargada de abrir. Ellos mostraron algo de thrash/groovemetal, con mucha calidad. Calentaron de buena manera el foro y a todos los nostálgicos que esperaban ver un poco de lo que había sido los principios de Sepultura, con canciones como “Tyranny’sEnd” y “WTF”. Pasadas las 21:30 horas arrancaron la noche con “Roots Bloody Roots”. Sonando con una gran potencia “Attitude”, seguidos de “Cut-Throat”, “BreedApart” y “BornStubborn”. Tal vez no son sus mejores años para Max, pues su voz se ha visto afectada, pero no ha perdido la esencia y fuerza. Con cánticos de chamanes y un conjunto de percusiones brasileñas, emergieron de manera soberbia “EndangeredSpecies” y “Dictatorshit”. “WarPigs” de Black Sabbath y “Procreation (of theWicked)” de Celtic Frost, sonaron como regalo. “Desperate Cry”, “Inner Self”, “Slave New World”, “Anticop”, además de “Policia” y “Orgasmatron” como parte del set de una noche llena de recuerdos y nostalgia.

2016, el año que se llevó mucho, pero también nos dejó bastante Por Alan de Aquino

El 2016 fue un año de altas y bajas. Quizás hasta más bajas que altas; y esas bajas fueron muy muy bajas. No sólo es un año en el que hemos visto morir a muchos de nuestros ídolos, sino también a nuestro amado DF -ahora CDMX-, nuestra economía, seguridad y soberanía como nación. Un año en el que la gente demostró ser más xenófoba, cerrada y misántropa, demostrándolo con la salida del Reino Unido de la Unión Europea (UE) conocido como Brexit y la victoria del NO en Colombia a un acuerdo de paz con las Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia (Farcs). Es un año que inició con el pie izquierdo, cuando todavía traíamos la cruda del Año Nuevo y los propósitos a tope con la intención de este-añosí-los-cumplo. Nos dio el primer atisbo un rotundo estremecimiento con la muerte de David Bowie. Lo peor es que creíamos que a pesar de ser algo devastador, eso sería todo, pero no. Lo que no vimos es que era el

preludio para el resto del año. Era sólo la manera de decir este año sería catastrófico El 2016 fue un año inolvidable. Muchos de los sucesos que acontecieron hicieron de este mundo algo distinto. No solamente hablo de las casi innumerables defunciones ya mencioné una, aunque están la de Prince, Juan Gabriel, Leonard Cohen, para recordarnos que este mundo devino a menos, sino que hablo también del año en el que en Indio, California, sucedió el sueño de muchos: el irrespetuosamente llamado “OldChella”. Por lo que no todo fue malo. No olvidemos que este año tuvimos a muchos de ellos en nuestros escenarios. Rolling Stones, The Who, Roger Waters, quien dio el mejor espectáculo nunca antes visto en esta ciudad. Dio un concierto memorable, porque ante miles de personas congregadas en el corazón de esta ciudad le mentó la madre al presidente de una manera elegante e inteligente. Como sólo él lo pudo haber hecho.

La proyección para el 2017 es desoladora: nos enfrenta al desierto que es empezar desde cero. Empezar o más bien, continuar con el vacío de todos los que nos dejaron. Sin embargo, también con un mundo lleno de posibilidades, de buenas nuevas, de ejecución después de tanto aprendizaje. No hay que olvidar, tampoco, que nos ponemos en la mira de precampañas políticas; a un año de elecciones de volver a la incertidumbre y desasosiego que genera el votar por un sujeto que sólo verá por los intereses de unos cuantos. Será un

Un 2017 que económicamente será un carrusel financiero, un acostumbrarse a, como dice Žižek, “capitalismo con valores chinos” y para retomar las palabras romanos: al-pueblo-pan-ycirco. A estas alturas, el único pan que nos alimenta es la cultura, pues ante la ausencia de nutrientes (conciertos) y eventos, el año ya promete festivales Nrmal, Vive Latino, conciertos de Metallica con Iggy Pop como telonero. Podemos vislumbrar 2017: no será un año en el que no haya cosas, sino escasez humana, dignidad, seguridad y alimento. 2017 será el año de recoger los escombros que dejó su antecesor, después del cataclismo, lo que nos queda son los restos del naufragio que solemos llamar vida, futuro, año nuevo.

lA kolumnA

En el arte también hubo grandes exposiciones como la Anish Kapoor, Joel Peter Witkin o la de TolouseLautrec en Bellas Artes, lo cual nos deja pensando que la cultura fue lo que mantuvo el 2016 a flote. Vinieron Black Sabbath, Radiohead, Guns N’ Roses. Tuvimos discos nuevos (y en algunos casos, últimos) de Leonard Cohen, Bowie y Nick Cave. O sea, 2016 se llevó mucho, pero también nos dejó bastante.

2017 en el que en el país vecino estará cubierto con el manto de frontera a frontera por el copete de Donald Trump y su arcaico arte de la explotación capitalista, racista, misógina y retrógrada presencia.

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