EL EDITORIAL Este noveno número incluye artículos sobre la actualidad de Virginia Maestro, crónicas de sus últimos conciertos y dos entrevistas: una a Boat Beam y otra a Cooper, aparte de las secciones habituales.
EL EQUIPO Carolpsyco El Rincón de Psyco Eslabuat El rincón de VM Fedenieko 3,2,1 Acción, En Primera Fila, TV On y entrevistas a Boat Beam y Cooper Gizmoblue Agenda de Conciertos Interesantes,Recomendamos a …, Recordando a..., La Web del mes. Julien La Tira de Cómics y Dentro Videoconsola Foster Muy Personal Casaca Entrevistas a Boat Beam y Cooper (cámaras)
2
SUMARIO CINE Pág 07: 3,2,1 acción Pág 11: En Primera Fila TELEVISIÓN Pág 18: TV On MÚSICA Pág 24: Recordando a... Pág 35: Te Recomendamos a.. Pág 48: El Rincón de Psyco Pág 51: La Web del Mes Pág 53: El Rincón de VM Pág 74 : Agenda de Conciertos Interesantes Pág 79: Dentro Video Pág 90: Entrevista a Boat Beam Pág 103: Entrevista a Cooper CÓMICS Pág 114: La Tira de Cómics EL CAJÓN DEL SASTRE Pág 125: Muy personal
SUSCRÍBETE Suscríbete a JazzMaestro, es sencillo y gratuito. Pídelo a jazzmaestro@hotmail.com y cada mes te enviaremos el enlace a tu email junto con algún regalillo.
3
PUEDES ENCONTRARNOS EN Nuevo Foro: Desde el mes de febrero puedes seguirnos, hacernos recomendaciones, comentar nuestros artĂculos, participar activamente en el seguimiento de la carrera de Virginia Maestro y compartir mĂşsica en nuestro foro JazzMaestro Canal de myspace: revista JazzMaestro Canal de Vimeo : RevistaJazzMaestro Facebook de la revista: RevistaJazzMaestro
4
5
6
7
Sinopsis Una niña llamada Alma pasea por una calle desierta en pleno invierno. Cuando
pasa por delante de una tienda de muñecas, se encuentra a una idéntica a ella en el escaparate...
El cortometraje se puede ver en YouTube: http://www.youtube.com/watch? v=lLt2HMMQah4 o en el canal de Vimeo del director: http://vimeo.com/4749536
Boceto hecho por Bolhem Bouchiba
El director Primer corto escrito y dirigido por el animador granadino Rodrigo Blaas. Trabaja desde 2002 en California, concretamente en la factoría Pixar, donde ha
colaborado en el equipo creador de películas tan taquilleras como “Buscando a Nemo“, “Los increíbles” o “Cars“, por citar algunos ejemplos. Esta es la primera
vez que se aventura en un proyecto independiente y en solitario, después de su
8
reciente colaboración para "Planet 51". Aquí tenéis una entrevista de la Campus
Party de Valencia (2009): http://www.youtube.com/watch?v=tnIbYudFjoU
Para “Alma” contó con un equipo impresionante: el animador francés Bolhem Bouchiba, Carlos Grangel y Sergio Pablos en el diseño de personajes, su hermano
Alfonso Blaas en la dirección de arte, y la música y sonidos a cargo del compositor santanderino Nacho Mastretta y el diseñador de sonido Tom Myers.
9
10
Tina Turner
11
Tommy: Ópera rock basada en el cuarto álbum de The Who, cuenta la historia Tommy, un niño que se queda sordo ciego y mudo después de ver como es asesinado el amante de su madre a manos de su padre. En la película sería al
revés, quien moría asesinado es el padre. La historia contenía muchos elementos religiosos y espirituales debido a la influencia que le produjo el espiritualista
Meher Baba a Pete Townshend, el autor de la música. Ken Russell dirige este musical con una estética y una forma de contar la historia nada convencional. La
presencia de músicos destacados como Eric Clapton (el predicador venerador de Marilyn Monroe), Tina Turner (la Reina del Ácido) y Elton John (el campeón de
pinball) y sus actuaciones como los personajes que intentarán sanar a Tommy, o el mismo cantante Roger Daltrey que interpretó a Tommy y el resto del grupo The
Who que aparecen como músicos, le darán pie a Russell para que hable de sus constantes obsesiones sobre el sexo, la religión y la existencia, así como su lucha
en contra de la intolerancia y el fanatismo. La peli no deja títere con cabeza, aparte de tratar temas como la culpa, las drogas y la estupidez de la sociedad, la
pelicula critica especialmente a las religiones y a las sectas. Si no te gustan las excentricidades y los excesos quizás esta película no sea para ti. Si no te gusta la
música de “The Who” tampoco creo que disfrutes demasiado con la película y si no te gustan los musicales, pues puede que este si te guste porque es bastante
diferente a todos. En cuanto a Tina Turner, auna su capacidad de salvaje seducción a la fuerza de un objeto -la jeringuilla- que, aumentada en tamaño y
número, o ribeteando una especie de ataud metálico, subvierte su sentido para aparecérsenos como un instrumento de tortura.
12
Sargento Pepper: Obra capital de la historia del Pop es el nombre de una
imaginaria banda de música nacida con la idea de recuperar viejas guerreras y casacas militares de la época victoriana, en la línea de lo que había hecho una tienda de Londres con la venta de medallas y emblemas de personajes históricos.
El invento de Paul McCartney estimuló notablemente la creatividad de los Beatles, hasta el punto de que puede hablarse de un antes y un después de la aparición en
el mercado de ese álbum prodigioso (junio de 1967). En 1978, los Bee Gees
estaban en la cresta de la ola de la música pop de tal forma que se atrevieron a rehacer Sargento Pepper. ¿El resultado? Uno de los desaguisados, para decirlo de
una manera publicable, más sonados de la historia de la música. Apadrinados por Robert Stigwood, la versión Bee Gees de la obra maestra del cuarteto de Liverpool
fue un álbum doble, pues, entre otras, tomó canciones como Get Back, Golden Slumbers y Mean Mr Mustard de Abbey Road; Got To Get Into My Life de Revolver; y Long and Winding Road, de Let It Be. Junto con el disco, hubo una película. Como ninguna de las canciones fue pensada para ser parte de una historia, el
guion de la película quedó redondo: sin pies ni cabeza. La película fue un desastre
13
de taquilla y no se volvió a saber de ella desde entonces. Además de Peter
Frampton y los Bee Gees, quienes interpretaron un buen número de canciones y actuaron en los papeles principales, participaron además los grupos y solistas
Earth, Wind and Fire, Aerosmith, George Burns, George Martin y un largo etcétera en el número final: Tina Turner, el puertorriqueño José Feliciano, Robert Palmer,
Al Stewart, Gary Wright... y más.
14
Mad Max 3, más allá de la cúpula del trueno: Para cada generación existe una década en la que el cine genera una serie de películas, que al margen de su calidad artística, se vuelven míticas. En realidad el cine no es más que una de las
formas más recientes que tenemos de transmitir los mitos. De entre todas las historias y personajes de los 80, siempre hay uno que nos viene a la cabeza: Max. La historia de la película es bastante sencilla y sin pretensiones, empieza bastante
interesante, manteniendo el espíritu de las dos entregas anteriores, pero cuando está a punto de llegar a la mitad, se tuerce para a continuación convertirse en un híbrido entre Mad Max y una película de Disney y terminar con un mal plagio a la
parte final de Mad Max 2: El Guerrero de la Carretera. Al estilo de muchas producciones de aquellos años, la banda sonora contiene un par de canciones
para potenciar el impacto de la película con la publicidad en radios y videoclips musicales, y aprovechar la popularidad de Tina Turner, que ganó un premio
Image a la Mejor Actriz Secundaria en 1986 por esta película. De una forma poco usual, encontramos una banda sonora donde la presencia de canciones junto a una parte del score no se antoja caprichosa en tanto que la letra de las dos canciones guarda relación con la historia. Además de haber estado nominada como mejor canción en los Globos de Oro, el video musical de "We Don't Need Another Hero", incluía imágenes de la película, algunas de ellas no incluidas en el montaje final.
15
El último gran héroe: Bebe de dos fuentes principales. La primera, el cine de los 80 enfocado al público juvenil, con historias protagonizadas normalmente por niños que experimentan situaciones y aventuras, que uno a su misma edad le gustaría haber vivido, títulos como, Regreso al futuro (viajar en el tiempo),
Exploradores (construir su propia nave espacial) o Los Goonies (encontrar el mapa de un tesoro). La segunda fuente es, el cine comercial de los 90, el del más
espectacular todavía, iniciado curiosamente por el propio Schwarzenegger con títulos como Desafío total y Terminator 2. De la primera tiene la historia
protagonizada por un niño que vive una aventura única (meterse dentro de la película de su héroe favorito) y de la segunda, el espectáculo desmedido. La
película es una crítica mordaz a las películas de acción que durante los 80 y 90 poblaban las carteleras de medio mundo. Munición infinita, balas que esquivan al bueno, heridas mortales que pasan a ser superficiales y alocadas persecuciones
de coches y más situaciones que serán llevadas hasta extremos casi paródicos. Ello nos da una película de acción bastante decente pero a la vez con grandes
dosis de humor. Con el paso del tiempo, la opinión general sobre el film ha mejorado y aunque haya quedado relegada a cierto olvido, no se puede negar que
es un espectáculo monumental, divertido y que deja verse con agrado. Un enorme parque de atracciones donde todo es posible y el primer objetivo es apabullar al
público con los mayores medios posibles y cuyos mejores momentos resultan cuando no se toma demasiado en serio a si misma. Tina Turner hace un cameo, es la alcaldesa de Los Angeles en las películas de Jack Slater
16
17
La ex top model Madeleine Hayes (Cybill Shepherd), Maddie para los amigos, creía que lo tenía todo. Y, de hecho, lo tenía, hasta que su agente decidió largarse con todo su dinero dejándole sólo un montón de deudas. Su abogado le comunica que
sus únicos bienes son pequeñas empresas deficitarias que deberá vender para recuperar algo de lo perdido. Una de ellas es la modesta agencia de detectives
"Ciudad de Los Angeles", que regenta David Addison (Bruce Willis). Este es un despreocupado detective de carácter adolescente, un lujurioso caradura que no hacía más que tirarle los tejos a su nueva jefa.
Enfrentados mutuamente, David intentará que ésta no venda la compañía, algo que consigue tras la repercusión de su primer caso en común, en torno a un reloj
que les conduce a unos diamantes robados. Durante el mismo la agencia pasará a llamarse "Luz de luna" (Blue Moon, en la versión original), y, gracias a la
18
publicidad obtenida tras su resolución, David convence a Maddie para que la dirija
ella misma. Tendrán como secretaria a la despitada Agnes DiPesto (Allyce Beasley), y como ayudantes a MacGillicudy (Jack Blessing), y, posteriormente, al
apocado contable Herbert Vila (Curtis Armstrong), que cumple así su sueño de ser detective privado. Con el paso del tiempo el pulso entre David y Maddie se
convertirá en un amor que se desarrollará muy lentamente y con altibajos, llegando Maddie a casarse con otro hombre y a estar embarazada de David.
Consideraciones ¿Cuántas series han visto ustedes en las que los actores se salgan del personaje
para comentar la acción de cara a la cámara, leer cartas de fans o pedir consejo a los telespectadores? "Luz de luna", radical ejercicio de teleserie gamberra y autonsciente, inauguró, con recursos tan inusuales como los citados, un formato
de televisión postmoderna, lúdica e insolente, que jugaba constantemente con las
superadas convenciones de su lenguaje en una fiesa referencial de inagotable inventiva. Disfrazada de telefilm policíaco, "Luz de luna" acabó convirtiéndose en comedia romántica y, desde ahí, demostró que podía transformarse en cualquier cosa: pastiche de serie negra -como ilustró el blanquinegro episodio "La escena onírica llama dos veces"-, musical shakesperiano -como en esa versión delirante
de "La fierecilla domada" que se consideró, con todo merecimiento, uno de los
"highlights" de la serie y que costó tres millones de dólares-, o filigrama de la
19
"claymation" -con Cybill Shepherd y Bruce Willis transformados en personajes de
plastilina por obra y gracia del maestro animados Will Vinton-. La broma privada, el chiste cinéfilo y el juego autoreferencial se combinaban en una serie que acabó pasando olímpicamente de la intriga para regirse por un semanal "más difícil todavía". Concebida por Glenn Gordon Caron (guionista de series como "Taxi", "Remington
Steele" o "Medium") "Luz de luna" tenía su mejor baza en la peculiar qu-imica sexual existente entre sus dos protagonistas, una relación amor/odio en la que las afiladas frases de Willis chocaban una y otra vez con la cortante -y aparentegelidez de la Shepherd.
Irónicamente, uno de los problemas que lastró la serie desde su estreno fueron
los guiones, llenos de dobles sentidos, giros, chistes y juegos de palabras, que eran lo mejor de la serie, pero demasiado extensos y muy exigentes en cuanto a
niveles de producción y entragados con los plazos previstos casi siempre incumplidos. Esto provocó que cada capítulo necesitara de media doce días de rodaje, casi el doble de lo habitual, y los costes se dispararan. Como la cadena no
disponía del capítulo hasta uno o dos días antes de su emisión, se dificultaba mucho la promoción. Con todo, no paraba de escalar puestos en los índices de audiencia, pasando desde el vigésimo de su primera temporada hasta el noveno de la segunda.
20
La causa de la amalgama de géneros y tonos dramáticos -además de la creatividad de sus responsables- fue la mala relación entre sus dos protagonistas,
y, en general, el ajuste de sus respectivas carreras profesionales y vidas personales en la producción. En la tercera temporada, el embarazo de Cybill Shepherd le hizo pasar cuatro meses sin poder rodar, y cuando regresó fue Bruce Willis
quien
no
estaba
disponible,
enfrascado
en
su
incipiente
carrera
cinematográfica. Y luego, cuando volvió, ella volvió a faltar, esta vez por razones médicas. Así hubo muchos capítulos en los que la pareja protagonista no aparecía. La actriz, además, se quejaba constantemente de que no le gustaba
como se trataba a su personaje, a quien veía cada vez más promiscua e histérica.
Las tensiones llegaron a su cenit cuando Shepherd y el productor Glenn Gordon Caron se enzarzaron en una lucha de poder que terminó con Caron viéndose
forzado a abandonar la serie y llevándose con él a tres guionistas. Al final la serie entró en decadencia y fue cancelada tras sólo cuatro años en antena.
21
22
23
OTIS REDDING
Otis Redding fue uno de los intérpretes del soul más importante de los años sesenta y uno de los iconos del género. Su estilo venía del sur, de lo que algunos llamaron “deep soul” o “soul profundo”, caracterizado por el acompañamiento de instrumentos de viento y un canto que sale desde dentro. Al mismo tiempo Otis Redding fue el exponente del sonido”Stax”, llamado así por el sello discográfico y estudio que renovó el R&B acercándolo al soul moderno.
24
Nacido en Dawson (Georgia) en 1941, Redding se crió en Macon, donde su padre compaginó su trabajo en una base militar con su labor de predicador. Pero el cabeza de familia enfermó y el hijo tuvo que dejar la escuela para hacerse cargo de cinco hermanos. Trabajó de dependiente de una gasolinera y de picador, pero sin abandonar su pasión por la música. En el colegio, había tocado la batería y se había familiarizado con los rudimentos de guitarra y piano en un cuarteto de gospel.
El salto lo dio en 1958, cuando entró como vocalista en The Upsetters, el grupo del ídolo local Little Richard, quien siempre fue la primera referencia musical de un joven Redding. Allí, también conoció a su futura mujer Zelma, al guitarrista Johnny Jenkins y a su futuro manager, Phil Walden, un blanco relacionado en el mundillo del R&B. Como Little Richard, decidió viajar a Los Ángeles con la idea de encontrar algo de gloria musical, pero esta no llegaría. Durante los meses que pasó en la gran ciudad, Redding apenas sacó algo de dinero lavando coches y grabó un par de sencillos sin ninguna repercusión. De vuelta a Macon, se centró en la música y en 1960 se convirtió en miembro permanente de la banda de Johnny Jenkins, The Pinnetoppers, dónde no sólo cantaba sino que también oficiaba de Roadie y de Chofer.
25
En el camino se cruzó Stax Records, la discográfica fundada en 1958 por el blanco Jim Stewart y su hermana Estelle Axton, levantada en un antiguo cine de un barrio negro y que dio alas al soul de Memphis. La casa de discos había obtenido un gran éxito en el verano de 1962 con el instrumental ‘Green onions’ de los Booker T. & The MG.’s. Esto permitió que los Pinneetoppers, que contaban con muchos instrumentales, tuvieran su oportunidad. Pero el material de Jenkins no causó impresión. Hasta que en las sesiones de grabación se dejó cantar a Otis Redding. Según cuenta el propio Phil Walden en el magnífico libro “Soulsville, U.S.A.”, escrito por Rob Bowman, él fue quien convenció al promotor Joe Galkin para que Redding grabara algo. La versión del ‘Hey, hey, baby’ de Little Richard no fascinó a Galkin, que no creía en la necesidad de contar con un sucedáneo del melocotón de Georgia en Stax, pero sucedió lo contrario con el tema ‘These arms of mine’, compuesto por Redding. El cantante alcanzó tal intensidad en el estudio que Galkin se quedó sin respiración. Era el prototipo de balada que haría famoso a Otis Redding. La sección rítmica marcaba una suave cadencia mientras su lamento, roto y visceral, subía el ritmo y se colaba por los poros de la piel.
26
A partir de entonces, Redding no dejó de grabar canciones y se convirtió en una insignia de Stax Records. Desde que puso un pie en esos estudios, no paró de crecer artísticamente. Otis Redding compuso muchos de sus temas más conocidos,y mantuvo un control inusual de sus temas, por supuesto no debemos olvidar sus colaboraciones con Steve Crooper, que despuntó como uno de los compositores de Soul de aquella época, así como instrumentista y uno de los responsables de lo que se denominó sonido Memphis junto con los Memphis Horns.
Sacó una serie de singles rompedores que se recogerían en discos que pasarían a ser obras maestras del soul. “Pain in my heart”, lanzado en 1964, mostraba el poder de Otis bajo el acompañamiento de los mejores músicos de sesión de Stax (Isaac Hayes al órgano, Booket T. Jones a los teclados, Al Jackson a la batería, Steve Cropper a la guitarra y otros ilustres nombres en los vientos). Un año después, certificó su talento como vocalista y compositor en “The great Otis Redding sings soul ballads” y alcanzó una de las cumbres más grandes
27
de la historia de la música negra con “Otis blue”, grabado en vivo, como todo lo que se hacía en esos estudios de Memphis, en menos de 24 horas. “Otis blue” elevó al músico a la categoría de genio por su instinto insuperable para los arreglos y para la selección de canciones que hace suyas, como ‘Shake’ y ‘A change is gonna come’, ambas de Sam Cooke, quien había sido asesinado meses antes, ‘Rock me baby’ de B.B. King, ‘My Girl’ de Smokey Robinson, ‘Down in the valley’ de Solomon Burke o ‘Satisfaction’ de los Rolling Stones. El disco sería un gran éxito, pero más aún sirvió para definir un género: el soul
Redding era puro sonido Stax gracias al equipo de lujo que siempre le rodeaba, incluida su banda Bar-Kays, y al mismo tiempo era simplemente Otis. El negro de Georgia partiéndose el alma en cada composición, combinando en su voz el blues y el gospel con un ropaje pop. No era un vocalista de escuela. Era un hombre de instinto, un paleto sureño, según terminología blanca dominante, que transmitía sus propios latidos del corazón. Las palabras de Otis sonaban reales, como un canto personal, pero que ofrecían un mensaje universal que entendía cualquiera, iban directamente a los huesos. En sus canciones, se
28
podía notar el sudor apasionado de quien no regateaba. Y sus directos eran incendiarios, expresión suprema de su música. Otis Redding se había convertido en el mensajero de un sonido excitante, el soul, que cruzaba todas las fronteras reales y ficticias, las de cualquier estado o país así como las de cualquier espíritu. Era un mensaje humano, natural y tan sentido que resultaba casi imposible no participar en él, mientras los vientos arropaban con efusividad cada letra masticada de Otis. Otis demostró estar preocupado por los derechos civiles y le ocupó una parte de su tiempo en los últimos años. En 1966 apareció “The Soul Album” ("Just one more day"; "Cigarettes and Coffee"; "Chain Gang", de Sam Cooke; "Good to me"; "Everybody makes a mistake",
de
Eddy
Floyd;
"I'ts
growing", de The Temptations). En abril del mismo año grabó el álbum en directo “Otis Redding in Person at the whisky a Go-Go”, aunque no apareció hasta después de su muerte. En apenas dos años, Otis y su banda había alcanzado su madurez, con otra obra maestra aparecida en octubre de ese año “The Otis Redding Dictionary of Soul : Complete and Unbelieveable” (“Fa-Fa-Fa-Fa-Fa”; "Sweet Lorene"; "Try a little tenderness", una de sus canciones más famosas, cantada con anterioridad por Bing Crosby y Sam Cooke; “Day Tripper”, de The Beatles, su primer intento de ganar a la audiencia pop blanca; "My love's prayer"; "Ton of Joy"). Jim Stewart tuvo la idea de unir su voz con la de Carla Thomas, cuyo resultado fue “Otis Redding/ Carla Thomas: King&Queen”, con canciones como "Tramp"; "Knock on wood", de Eddie Floyd; "Lovey Dovey"; "New Year's resolution"; "Ooh Carla, Ooh Otis".
29
A comienzos de 1967, el mundo del rock estaba en alza. The Beatles, The Doors, el debut de Aretha Franklin, la promoción a Arthur Conley. Fue cuando Stax/Volt intentó promocionar a sus artistas en Europa: Otis, Carla, Sam & Dave, Eddie Floyd, Arthur Conley, Booker T. & The MG's and The Mar-Keys. El resultado fue que la revista Melody Marker le otorgó el título
de
mejor
cantante
del
año,
reemplazando a Elvis Presley que lo había sido durante los nueve años anteriores. Fruto de esa gira son los tres discos en directo, Londres y París, y Live in Europe. En junio de ese mismo año en el Festival benéfico Internacional de Monterey, entre un plantel de figuras del Rock como Jimi Hendrix o The Who,es aclamado por una multitud de 55.000 jóvenes norteamericanos en pleno verano del amor, siendo así adoptado por el movimiento hippy . Y aún sacaba tiempo para descubrir nuevos talentos (William Bell, Bar-Kays) o montar su propia compañía, Jotis, una productora con la que produciría a otros cantantes que estaban empezando. Uno de los éxitos de Otis Redding en la producción fue la canción “Sweet Soul Music”, interpretada por Arthur Conley Jr. En la cumbre del éxito, el 6-7 de diciembre grabó "(Sittin' On)The dock of the bay", de la que se venderían un millón de copias y su único primer número uno en las listas de pop y R&B. Este tema marcaba un cambio en su manera de interpretar, algo que él mismo denominó “folk-soul”, un estilo que marcaba un quiebre con el soul más tradicional. A partir de una idea tan sencilla como la salida y llegada de los barcos al muelle de San Francisco Otis y Steve Crooper, en los estudios Stax, se encargaron de construir una obra maestra, repleta de melancolía y aires de nostalgia. El tema nos metía en un clima de ensueño con el sonido de mar que teñía a la canción en su comienzo, dejando paso a una orquestación suave, delicada y totalmente a tono con la atmósfera que tenía que crear este
30
tema. Otis se encargaba del resto. Él, articulando la expresión justa en cada palabra, se encargaba de ponerle grados de emotividad altísimos a una canción perfecta. Un desgraciado accidente la mañana del 10 de diciembre en Lake Monona, en las afueras de Madison (Wisconsin), a sólo tres minutos de su destino, acabó con su vida y con todos los miembros, excepto dos, del grupo de acompañamiento Bar-Keys (James Alexander y Ben Cauley), al estrellarse su avioneta. A sus funerales asistieron más de 5000personas en el auditorio municipal de su adoptiva Macon. Mientras la muchedumbre seguía los oficios en las calles, en la ceremonia se vieron muchas caras conocidas del mundo soul como James Brown, Aretha Franklin, Stevie Wonder. Cantaron Joe Simon y Johnny Taylor con acompañamiento al órgano de Booker T. Jones, mientras Sam and Dave y la pléyade de la casa Volt transportaban el féretro. Desaparecía en el mejor momento, con tan sólo 26 años, el mismo día pero tres años después de que encontrara la muerte de un disparo en un motel de Los Angeles Sam Cooke. Si algo parece cierto en la vida de Redding -por la unanimidad en las opiniones de quienes le rodeabanera su personalidad excepcional y generosidad. Todos lo que fueron y son entrevistados hoy día, lo recuerdan con nostalgia, incluso le siguen dedicando temas en sus conciertos. William Bell le ofrendó una canción titulada “a tribute to a king”. Asimismo Jim Morrison introdujo una dedicatoria al recién fallecido Otis en el tema “Running Blues”: “Poor Otis dead and gone/Left me here to sing his song/Pretty little girl with the red dress on/Poor Otis dead and gone”. También la banda francesa MAGMA, bajo la dirección de su creador Christian Vander, en 1981 crea el tema “OTIS”. También es innegable su influencia en el Soul de su época y posterior a él, influencia más desconocida por el público de fuera de los EE.UU. Si James Brown fue nombrado “el padrino del soul”, aunque realmente destaco más en los inicios del funky, el “rey” fue Otis Redding.
Recopilado de la web
31
Enlaces recomendados http://otisredding.com/
DiscografĂa 1.Hey Hey baby 2. You send me 3. I need your lovin' 4. Security 5. That's what my heart needs 6. Lucille 7. Pain in my heart 8. This arms of mine 9. The dog 10. Louie Louie 11. Stand by me 12. Something is worring me
Pain In My Heart (1.964) 1. That's how strong my love is 2. Chained and bound 3. Woman, lover, a friend 4. Your one and only man 5.Nothing can change this love 6. It's too late 7. For your precious love 8. I want to thank you 9. Come to me 10. Home in your heart 11. Keep your arms around me 12. Mr Pitiful
The Great Otis Redding sings Soul Ballads (1.965) 1. Ole man trouble 2. Respect 3. Change gonna come 4. Down in the valley 5. I've been loving you too long 6. Shake 7. My girl 8. Wonderful world 9. Rock me baby 10. Satisfaction 11. You don't miss water
Otis Blue (1.965)
32
1. Just one more day 2. It's growing 3. Cigarettes and coffee 4. Chaing gang 6. Nobody knows you (when you're down and out) 7. Good to me 8. Scratch my back 9. Treat her right 10. Everybody makes a mistake 11. Any ole way 12. 634-5789
The Soul Album (1.966)
1. Fa-fa-fa-fa-fa- (Sad song) 2. I'm sick I'all 3. Tennessee Waltz 4. Sweet Lorene 5. Try a little tenderness 6. Day Tripper 7. My lover's prayer 8. She put the hurt on me 9. Ton of joy 10. You're still my baby 11. Hawg for you 12. Love have Mercy
Complete & Unbelieveble... The Otis Redding Dictionary of Soul (1.966)
1. Knock on wood 2. Let me be good to you 3. Tramp 4. Tell it like it is 5. When something is wrong with my baby 6. Lovey Dovey 7. New year's resolution 8. It takes two 9. Are you lonely for me baby 10. Bring it on home to me 11. Ooh Carla, Ooh Otis
Otis Reddign & Carla ThomasKing & Queen (1.967)
33
1. Respect 2. Can't turn you loose 3. I've been loving you too long ( to stop now) 4. My girl 5. Shake 6. Satisfaction 7. Fa-fa-fa-fa-fa- (Sad song) 8. These arms of mine 9. Day tripper 10. Try a little tenderness
Live in Europe (1.967)
1. (Sittin' On) The dock of the bay 2. I love you more than words can say 3. Let me come on home 4. Open the door 5. Don't mess with cupid 6. The glory of love 7. I'm coming home 8. Tramp 9. The Huckle- Buck 10. Nobody knows you ( when you're down and out) 11. Ole man trouble
The Dock of the Bay (1.968)
1. I can't turn you loose 2. Pain in my heart 3. Just one more day 4. Mr. Pitiful 5. ( I can't get no) Satisfaction 6. I'm depending on you 7. Any ole way 8. These arms of mine 9. Papa's got a brand new bag 10. Respect
In Person at The Whisky a Go-Go (1.968)
34
CORINNE BAILEY RAE
Cantante de soul británica, de Leeds, que también se mueve en terrenos del blues y del pop, y que debutó en 2006 con 26 años . Grandes expectativas creadas y comparada con muchas grandes como Billie Holiday, Lauryn Hill, Norah Jones, Sade y Macy Gray.
35
Su forma de componer se basa en el divorcio de sus padres y en su propio matrimonio, se casó a los 22 años. “Empecé cantando en la iglesia, imagino, pero la gente piensa que tiene que haber sido a la fuerza en una iglesia gospel por cuestiones de raza", afirma en relación con sus orígenes multirraciales. "Pero no era gospel, simplemente la iglesia local normal, muy de clase media, donde cantábamos este tipo de melodías cada domingo. Siempre fue mi parte preferida del oficio religioso, los cánticos".
A ello le siguió su traslado a una iglesia Baptista venida a menos, en la que el coro alternaba entre himnos tradicionales y enloquecidas canciones de Primal Scream menos ortodoxas. "Pero cambiábamos la letra", explica Corinne. "No queríamos ofender a los practicantes, aunque ¿lo hacíamos?" Estas interpretaciones semanales ampliaron los gustos de Corinne, y cuando su líder juvenil se ofreció a comprarle una guitarra eléctrica,
36
aprovechó la oportunidad. Así comenzó su pasión por la composición, y muy pronto desarrolló un gusto muy sano por una de las bandas más innovadoras del rock and roll, Led Zeppelin."Cuando era adolescente me encantaba ese grupo", comenta. "Quería seguir sus pasos de alguna manera y crear mi propia música”. Corinne Bailey Rae nació y se crió en Leeds, hija de padre afroantillano y madre de Yorkshire y la mayor de tres hermanas. En la escuela estudió violín clásico hasta lograr un gran nivel, pero cualquier ambición de seguir evolucionando se frustró cuando le entró la, anteriormente comentada, adoración por Zeppelin. A los 15 años, a Corinne le empezaron a obsesionar también los grupos indie de chicas como Veruca Salt y L7, y empezó a pensar en crear su propio grupo. Y eso hizo. Se llamó Helen. “¿Helen? Ya sé, ya sé", dice defendiéndose. "¿Qué puedo decir? Teníamos 15 años y pensamos que Helen era algo atrevido e indie. Pareció inteligente en su momento" Sonríe. "La verdad es que ya no lo parece tanto”. A pesar de su nombre poco estimulante, Helen empezó a captar una atención local considerable. La suficiente para provocar una oferta de Roadrunner Records. Todo fue bien hasta que la bajista quedó embarazada y la banda se disolvió. "¿Desilusionada? Destrozada", confiesa Corinne ahora. "No sabía qué hacer con mi vida".
Así que se fue a la Universidad de Leeds a estudiar literatura inglesa y por las tardes trabajaba como chica del guardarropa en un club local de jazz. De vez en cuando le dejaban
37
cantar con la banda, y a raíz de aquellas veladas le empezaron a surgir nuevas ideas. A esas alturas Corinne empezó a componer canciones con el deseo de interpretarlas en solitario y alejarse de lo indie para adentrarse en un territorio más soul. Cuando EMI la fichó en la primavera de 2005, contaba con 10 años de experiencia a sus espaldas, sabía exactamente lo que quería y cómo conseguirlo. "Me gusta el jazz, pero no en plan fanático", dice. "Odio todo el jugueteo, por eso me gustan las canciones clásicas: porque son tan puras y concisas. Eso es lo que he intentado hacer con mis propias canciones. Son cortas y dulces, van al grano. Me gusta la idea de dejar a la gente con ganas de más, no de menos, ¿sabes?” Así que, inspirada tanto por Björk y Massive Attack como por Jill Scott, se encerró en el estudio y salió con su álbum de debut bajo el brazo. Según describe la propia Corinne: "Es un poco de todo: chill out, acústico, estrambótico, atmosférico y soul. También estaría tentada de decir que procede de un lugar muy natural, pero sonaría pretencioso, así que no lo diré”. Si compone acerca del ingrediente fundamental de los grandes temas soul, el amor, lo hace con menos énfasis en su lado más blando y más en sus complejidades no escritas y sus múltiples desafíos. "Me interesan las cosas que nunca te cuentan acerca de las relaciones, sobre cómo funciona el amor en cuestión de expectativa frente a la realidad.” Por eso, temas como "Till It Happens To You", "Like A Star" y "Choux Pastry Heart" son inusualmente íntimos, cada uno de ellos con una sinceridad en la narración con la que sólo podrán soñar sus iguales. En el 2006 Corinne Bailey Rae publicó su álbum de debut homónimo, un disco que ella había grabado con un presupuesto muy limitado mientras todavía no tenía un contrato discográfico. Un aparición al principio de su carrera en el popular programa de televisión ‘Later With Jools’ de la cadena BBC2 y algunos conciertos íntimos por el Reino Unido ya
38
habían ido propagando el rumor boca a boca que la llevaría a ser calificada como la próxima gran estrella. El éxito de aquel álbum fue instantáneo e inmenso. Entrando en el Número Uno en el Reino Unido, el disco incluía singles de éxito como ‘Put Your Records On’ y ‘Like A Star’, convirtiéndose en un éxito rotundo en todo el mundo, y entrando directo al Top 20 de la lista Billboard en los Estados Unidos – la primera cantante femenina británica en conseguir eso en décadas – lo que significó para Bailey Rae hacerse con un gran público internacional en cuestión de meses.
Tras cuatro años y cuatro millones de discos vendidos más tarde, llegó el muy esperado segundo álbum. Para esta cantante y compositora de 30 años, británica de Leeds, esto supuso el tener que declinar amablemente las ofertas para trabajar con este o aquel productor de primera fila en uno u otro gran estudio con gran presupuesto. Significó
39
coproducir el álbum ella misma con amigos y músicos con los que había trabajado en el pasado para conservar el control y la intimidad, no darle importancia a las enormes expectativas engendradas en todo el mundo por el debut homónimo y negarse a dejarse deslumbrar por las múltiples nominaciones del álbum a premios Grammy y Brit. También significó el asumir el dolor que tuvo que experimentar tras la muerte de su marido Jason en marzo de 2008, víctima de un combinado de alcohol y metadona, y finalmente, en última instancia, esto supuso llegar a ‘The Sea’ (El Mar), una colección de canciones sobre dolor y esperanza, desesperación e inspiración, pérdida y amor. “Quería abrirme”, explica Corinne. “Soy muy consciente de que no puedo esconder ninguno de mis sentimientos. Con la música siento como que son los únicos momentos en los que no tengo que pensar y no tengo que inventar o ingeniar nada. Así es como surgió este disco. No es artificioso. Es sencillamente abierto”. Reconoce que “se hizo para impresionar a Jason, esté donde esté”. Jason Rae era un talentoso saxofonista de jazz, que manifestaba muchas reservas ante la música de Corinne. Precisamente, ella se siente particularmente orgullosa de haber actuado con el pianista Herbie Hancock a raíz de participar en su homenaje a Joni Mitchell, The river: “Allí estaba yo, en unas sesiones que se graban en Abbey Road, maravillándome ante Herbie y, sobre todo, con Wayne Shorter.” Es un álbum que elevará a Bailey Rae más allá de sus ya considerables logros – Quincy Jones, Stevie Wonder y Arctic Monkeys
son
algunas
de
las
celebridades que se quedaron anonadados por el talento vocal y compositivo de esta joven. Esta fan de Curtis Mayfield y Donny Hathaway es demasiado modesta para asumirlo ella misma, pero otros sí pueden decirlo: ‘The Sea’ es un álbum que la sitúa a la
40
altura de los grandes de todos los tiempos. “Todas estas canciones vienen de mí”, declara Bailey Rae, “y tratan todas sobre captar una interpretación con músicos que conozco y en quienes confío”. Se grabaron principalmente en los estudios Limefield, una casa mágica en un barrio de Manchester propiedad en parte de Steve Brown (quien coprodujo los temas grabados allí) que en su día había sido un viejo salón de baile y que se ha convertido en un espacio como estudio de grabación. Ahí, bajo la mirada fija de enormes espejos y una lámpara de araña disputándose el espacio entre elegantes muebles viejos y un piano de cola, Corinne y su banda interpretaron las canciones que ella misma había escrito. “Me encanta hacer música allí. Tiene un aire de glamour marchito y he asistido a fiestas geniales allí. Parecía el lugar perfecto para grabar”.
Se hicieron más grabaciones en la propia casa de Bailey Rae en Leeds y con su otro coproductor, Steve Chrisanthou, en su estudio 600 Feet – literalmente a 600 pies (183
41
metros) en una colina de Yorkshire. Hubo un viaje a Manchester, para grabar cuerdas y vientos en el Royal Northern College Of Music. Y otro mucho más lejos, a Los Angeles, para contribuir con canciones a ‘Lay It Down’, el álbum del año pasado de la legendaria leyenda del soul Al Green, Bailey Rae trabajó con el batería Ahmir ‘Questlove’ Thompson y el teclista James Poyser de The Roots para crear el tema funk trashy ‘The Blackest Lily’ (El lirio más negro). Le puso nombre a ese tema por The Black Lily (El lirio negro), “el nombre de una sesión de club que Ahmir solía hacer los domingos”, nos explica. “Hacía venir a un chef a su casa, y Jill Scott, Erykah Badu y el resto de los The Roots se pasaban por allí. Toda la escena de Philadelphia improvisaba allí y se pasaban a comer algo. Yo pensaba, me encantaría ser parte de una comunidad como esa. ¿Soy parte de una escena así, o me siento un poco sola por mi cuenta? Y sencillamente me gustaba la idea de la imagen del lirio más negro”.
Corinne reconoce : “ahora realmente me siento parte de un grupo musical dinámico, una comunidad artística”, y es este grupo de músicos y amigos el que ha formado parte integral de ‘The Sea’, conduciendo las improvisaciones igualmente juguetonas de ‘Paris Nights /
42
New York Mornings’ y ‘Paper Dolls’ entre otros muchos. Para este último, a esta compositora tan intuitiva se le ocurrió el puente musical “conversacional” del tema cuando iba paseando hacia el buzón de correos. Es la reflexión de Corinne Bailey Rae sobre las expectativas de la gente, “te fuerza a cierto estado de ánimo, pero también como te puedes librar de eso ”, y basado en sus recuerdos de hacerse amiga de “chicas malas” en el colegio, incluso a pesar de que, se ríe, “yo era realmente un poco ñoña y pazguata”. Incluso más cercano y familiar es el evocador tema que da título al disco, la primera canción que Bailey Rae grabó para el álbum. “Grabamos en un granero cerca de Scarborough en invierno, muy cerca del mar. Hacía muchísimo frío, el viento soplaba salvaje y el aire era muy distinto aquella noche. Y sobre nosotros había un increíble cielo repleto de estrellas, ya que no había luces artificiales urbanas en kilómetros a la redonda. Es una grabación muy especial para mí”. Un precioso final elegíaco para el álbum – “Goodbye paradise” (Adiós paraíso), canta Bailey Rae en un tranquilo murmullo ronco según va surgiendo un crescendo de cuerdas, cítara de cuerdas (autoharp), piano y
voces
celestiales
de
acompañamiento – ‘The Sea’ trata sobre una tragedia familiar: el abuelo por parte de madre de Bailey Rae murió en un accidente de barco. “Era una historia familiar con la que he crecido y nunca pregunté mucho sobre ella, pero nunca me había dado cuenta que mi tía había estado allí, en la playa, cuando sucedió. Podía ver como se desarrollaban los hechos pero no podía hacer nada para
impedirlo,
impotente
sin
capacidad de hacer nada. Me hizo pensar sobre cómo ese dolor y la sensación de
43
impotencia pueden formar a una persona, observar algo que va a cambiar tu vida ¡para siempre! Así que en realidad esa canción es sobre cómo ese dolor le ha afectado. Y evidentemente es extraño para mí haber perdido a Jason, desde entonces pienso mucho en el dolor”. El tema ‘I’d Do It All Again’ (Volvería a hacerlo), una canción arrolladora, desafiante aunque aturdida – y el primer single del álbum – es una de las muchas canciones escritas antes de eso. “Es una canción de amor, pero una canción de amor difícil – trata sobre cuando las cosas se complican mucho, hasta el punto en el que de hecho hieren tu orgullo. La escribí tras una gran discusión que tuvimos. Y se me ocurrió según estaba tocando la guitarra. Es muy especial para mí por cómo surgió. No parecía como si fuese realmente algo consciente. Es sencillamente una demostración de mi compromiso. A pesar de lo que ocurre – te puedes ver atrapada o destrozada por ello – es un amor que no puedes detener. Y”, añade, “me gusta mucho la forma en cómo salió la canción. Todo va construyéndose hacia un estribillo. Me encanta tocarla por esa razón”, explica sonriendo. “Es un único tiro certero”.
Asimismo de forma espontánea aunque también desinhibida es ‘Are You Here’ (Estás aquí?), una canción de las sesiones que Bailey Rae reanudó tras un largo periodo de duelo. Con valentía, sin rodeos, la canción da comienzo al álbum. “Es un cúmulo de energía, es el mejor de su clase”, canta Bailey Rae sobre una guitarra rasgueada con delicadeza “espera hasta ver esos ojos…” Es a todos los niveles irresistiblemente conmovedora.
44
“Esa fue otra línea que sencillamente salió así”, cuenta tranquilamente sobre el título. Todo es, admite, parte de su lucha por hacer frente y sobrellevar su pérdida. “Siento que he estado tocando música, escribiendo y utilizando la música para ayudarme con todas las distintas emociones que he estado sintiendo. Cuando empecé a escribir pensaba, realmente no quiero que esta canción salga al mundo, porque es tan desnuda, tan manifiesta… Pero tenía que hacerlo”. Una de sus canciones favoritas del álbum es el lamento con sabor jazz ‘I Would Like To Call It Beauty’ (Me gustaría llamarlo belleza). Le encanta tocarla en directo, le encanta el juego y la interacción casi telepática entre ella y el batería que ambos disfrutan. “Supongo que esa canción trata sobre mis experiencias de los últimos tiempos. Va sobre dolor y lo que hace y las cosas de las que te hace ser consciente”. El título viene de una conversación que tuvo a altas horas una noche con el hermano pequeño de Jason comparando sus puntos de vista sobre el mundo. Corinne estaba hablando sobre Dios y el hermano de Jason dijo que él creía en una fuerza que lo envuelve todo, que sujeta todo. Él le dijo, “Me gustaría llamarlo…
belleza”.
Ella
se
quedó
atónita. “¡Vaya cosas dice! En realidad estábamos hablando de lo mismo…” Tan poderoso era el sentimiento que lo tomó como título para la canción, y acredita debidamente a su cuñado (hermano de su fallecido esposo) como coautor. “He experimentado mucha belleza en la pérdida”, confiesa sorprendentemente, “en la forma en la que he sido capaz de sobrevivir. La forma en la que siento que me sostienen – que me mantengo arriba. Supongo que la canción trata sobre toda la belleza que yace en el dolor por la forma en la que la gente te sostiene, y las fuerzas y la
45
naturaleza, cómo te levantan, te sujetan, te mantienen en pie”. En conjunto ‘The Sea’ es, reflexiona Corinne, en parte sobre los vínculos de unión del dolor, desplegándose desde su tía hasta ella misma y todos a su alrededor. “Todos los vínculos se estrechan. Y toda la escoria se elimina también. Sólo las cosas más puras sobreviven”. Aunque, en última instancia, ‘The Sea’ abarca todo el espectro de las emociones humanas, incluso el desengaño amoroso también está presente. Pero también lo están los mejores tipos de amor, arrancado desde lo más profundo de una de las artistas más sinceras e inquebrantables. “Todo lo que hago quiero que sea real y sincero”, concluye Bailey Rae. Y este álbum es sin duda uno de los trabajos más sinceros de los últimos años, y uno de los más bonitos también. Recopilado de la web
Enlaces de interés
http://www.corinnebaileyrae.net/ http://www.myspace.com/corinnebaileyrae
Discografía 1.
Like a Star
2.
Enchantment
3.
Put Your Records On
4.
Till It Happens To You
5.
Trouble Sleeping
6.
Call Me When You Get This
7.
Choux Pastry Heart
8.
Breathless
9.
I'd Like To
10. Butterfly 11. Seasons Change
Corinne Bailey Rae ( 2006)
46
1.
Call Me When You Get This
2.
Trouble Sleeping
3.
Breathless
4.
Enchanment
5.
Till It Happens To You
6.
Since I've Been Loving You
7.
Like a Star
8.
Put Your Records On
9.
Butterfly
10. I'd Like To 11. Choux Pastry Heart 12. Seasons Change
Live in London & New York (2007)
1. Are You Here 2. I'd Do It All Again 3. Feels Like The First Time 4. The Blackest Lily 5. Closer 6. Love's On Its Way 7. I Would Like To Call It Beauty 8. Paris Nights/ New York Mornings 9. Paper Dolls 10. Diving For Hearts 11. The Sea Bonus Tracks 12. Little Wing 13. It Be's That Way Sometime
The Sea (2010)
47
La capacidad au utorreflexivaa es un arma potenccial y podero osa, a la vez q que peligrossa Aquello o que los seres humaanos hacen para cambiaar su entorno o produce caambios posittivos o negativvos dependieendo del cristal que se utilice para mirarlos. m Y si una cosa teengo clara es e que guardaamos varios cristales dentro de nosotros. Unos n nos hacen sen ntirnos bien,, otros mal. En nu uestro mund do actual, uno u siente laa obligación de sentirsee bien y evittar el sufrim miento porqu ue éste ha siido catalogado como alggo anormal, n negativo e in napropiado p para vivir una vida plenaa, en especiaal en esta socciedad postm moderna. El heecho de senttirse mal y creerse men ntalmente saano, socialm mente, no so on concepto os que formeen pareja cultural, como o tampoco la forman el hecho de sufrrir y vivir la vvida. Resullta destacable que la parte del mund do en la que e los trastorn nos psicológicos se han h hecho más eevidentes es, precisamen nte, el mund do desarrollado. ¿Por qué no podeemos evitar ciertos penssamientos neegativos? Sin laa actividad verbal, v o el sistema verrbal que se construye en e cada uno o de nosotro os (sin lengu uaje), no hab bría compren nsión, ni dep presión, ni amor, ni suiccidio, no hab bría terroristaas, no habríía demanda de eutanasiia; no podríaamos sentir verbalmente el futuro ccomo si estu uviera preseente (teniend do pensamieentos sobre cosas vitales para nosottros y decisiones importtantes de fu uturo), ni compararíamo os lo de hoy con lo de ayer, a ni lo qu ue tenemos con lo que otros tienen o de lo que carecen. No habría reflexión r ni para bien nii para mal yy nuestros vaalores serían n muchísimo o más simplees. El au utoconocimieento es resp ponsable de que el ser en muchass áreas al humaano haya progresado p incrementar su habilidad para evaluar el impacto de las
acciones,
para
preedecir
lo
aún
no
nder del pasado, para experrimentado, para apren manttener, constrruir y transm mitir el cono ocimiento, y sirve para regular la propia conducta c y la l de otros. o desventajaas incluye que q el ser humano h se Como
48
verá obligado, de por vida, a sufrir más que si no fuera verbal, aunque también será más feliz que si no fuera verbal. La cuestión es aprender a discernir cuándo reflexionar, planear o evitar estimulación simbólica son actuaciones útiles que nos sirven para avanzar por el “camino de la vida” que deseamos seguir y cuándo tales acciones se interponen en dicho camino y nos alejan de nuestros objetivos más preciados. Comprender nuestra mente, su evolución, su pasado más primitivo.
El ser humano, como la mayoría de seres vivos, tiene un objetivo principal y primitivo, universal: sobrevivir. Y para ello, el cuerpo y la mente (nuestro organismo) vela por nosotros en todo momento. Vamos a imaginarnos una situación: “nos encontramos en el amazonas, solos… y escuchamos un ruido”. Ante este ruido nuestro organismo responde mediante dos sistemas: mental y emocional/físico. El sistema mental (pensamientos) nos puede llevar a pensar en varias posibilidades: ¿cocodrilos?¿canivales?¿serpientes?¿viento?¿mosquitos?... Nuestro sistema emocional/físico se activa por el peligro detectado, y nuestro cuerpo se prepara para hacerle frente mediante los dos recursos de los que dispone: el ataque y/o huida. Todo esto ocurre en segundos y de forma automática. Si realmente estamos ante un peligro y echamos a correr, nos sentiremos aliviados una vez nos hayamos alejado del peligro, estaremos más tranquilos/as. Si decidimos no correr y seguir esperando a comprobar si realmente es un peligro real o no y resulta que lo es, puede tener consecuencias fatales para nosotros/as: la muerte. La mayoría de las personas no quieren morir en la selva, de forma que gran parte de las cosas las va a interpretar de forma peligrosa (mejor parecer tonto/a y correr aunque no sea nada que morir). Esto le ocurre a la gran mayoría de los seres vivos, y es la herencia que tenemos del pasado, la diferencia es que nosotros tenemos un sistema verbal: el lenguaje, que nos permite razonar y pensar.
49
Nuestra mente le da mayor importancia a los pensamientos negativos que a los positivos, a los pensamientos que tiene que ver con peligros externos que percibimos, y lo hace por supervivencia. Evolutivamente ser optimista no tiene sentido, ser pesimista sí pero no nos debe condicionar siempre. Nuestra mente está hecha para protegernos. Pero ya que nuestra mente no es capaz, nosotros no debemos olvidar que no vivimos en el amazonas… sino en un zoo, protegidos por jaulas. Es cierto que tu organismo está diseñado para vivir en la selva. ¿Qué hacer entonces? No responder al peligro y evaluar bien el contexto, no reaccionar de forma automática a lo que pensamientos y emociones nos quieren empujar, que no siempre resulta ser donde verdaderamente queremos ir.
Los pensamientos tienen el poder que tú les quieras dar, están sobrevalorados.
50
carolpsyco
Efe Eme es una revista musical española especializada en música rock y música pop, con especial hincapié en la música española y latinoamericana, pero sin olvidar toda la música popular. Nació como referente del rock sólo en lengua hispana, pero con el paso del tiempo han tenido que ir incorporando a sus páginas reportajes de grupos extranjeros de cualquier estilo de rock en general.
Fundada por Diego A. Manrique y Juan Puchades, su primer número se editó en noviembre de 1.998. Desde entonces se ha mantenido fiel a su estilo, en el que la música en español y el rock clásico priman dentro de una línea editorial muy ecléctica. En sus páginas se han recogido algunas de las firmas más importantes del periodismo musical español como Diego A. Manrique, Moncho Alpuente, Carlos Tena y Luis Lapuente. En la actualidad, Efe Eme se ha consolidado como una publicación digital de contenidos musicales que se actualiza diariamente con noticias, columnas, reportajes, entrevistas y reseñas de discos y libros. La revista se publicó en papel de forma mensual hasta enero de 2007. A partir de ese momento, y hasta junio de ese mismo año, pasa a difundirse gratuitamente en formato pdf desde su web centrándose en, según palabras de su director Juan Puchades, “los reportajes, la críticas de discos y las entrevistas, mientras que en la web se ofrece todo sobre la actualidad manteniendo el rigor, la información contrastada, el conocimiento histórico y la opinión personal sin perder ni por un segundo la perspectiva de que te puede leer cualquier tipo de lector; pero que, sea quién sea éste, no debes tratarlo como si fuera un tontito”. Primer número publicado en PDF
51
En la actualidad, su edición es completamente digital y su director en su momento argumentó esta decisión explicando que “los contenidos que se incluían en la revista en pdf, se irían subiendo día a día a lo largo del mes a las propias páginas de la web. De este modo, las compilaciones con las descargas y toda esa información quedaría recopilada junto a las noticias y se podría consultar con mayor rapidez”. Entre sus colaboradores podemos encontrar: Santiago Alcanda, Moncho Alpuente, Jordi Bianciotto, Javier de Castro, Gernot Dudda, Vicente Fabuel, Manuel Gimeno, Luis Lapuente, Sento Llobell, , Sergio Makaroff, Javier Márquez, Juanjo Ordás, Jesús Ordovás, Fernando Navarro, Fernando Neira, Álex Oró, Víctor Palau, Liberto Peiró, Carlos Pérez de Zirizo, Manuel Piñón, Mónica Plaza, César Prieto, Carmen Salmerón, Carlos Tena, Jordi Turtós, Adrián Vogel, Eduardo Tébar, Josemi Valle. Durante un tiempo, la revista se acompañó de una colección de cedés bajo el nombre Los discos esenciales de Efe Eme. Todos los compactos contenían caras B o versiones inéditas nunca antes publicadas. Entre ellos, se encontraban: Alta Suciedad de Andrés Calamaro, Cuatro Rosas + Que Dios reparta suerte de Gabinete Caligari, El Acto de Parálisis Permanente o Sin Documentos de Los Rodríguez. En su décimo aniversario regalaron a sus fieles una colección de grabaciones inéditas, convertidas en discos virtuales de artistas como son, entre otros, Ariel Rot, Loquillo, Andrés Calamaro, Litto Nebbia, Señor Mostaza o Guzmán, que cedieron los derechos para esta original iniciativa.
Recopilado de la web
52
Primer single:“The Time is Now”
El lunes 10 de Enero, la propia Virginia desde su página web oficial comunicaba que el primer single de su nuevo álbum “Dulce Hogar” sería en inglés, aunque no quería desvelar su título, y que saldría a la venta en iTunes y demás portales digitales el día 8 de Febrero. El hecho de que, por fin, el single fuera en inglés creó una gran expectación. Ante la sorpresa de medios y seguidores el día 25 de Enero apareció una página web llamada The Time is Now, de la compañía Sony Music, donde te invitaban a escuchar y valorar un tema sin indicar quién era el artista que lo cantaba. Esta página servía también para una campaña de promoción en la emisora Europa Fm dónde te invitaban a descubrir quién era el artista que interpretaba ese tema. Al día siguiente, Virginia Maestro, desde su web oficial y su face confirmaba el título de su primer single “The Time is Now” y anunciaba su estreno en el programa Euroclub de Europa Fm. Esa noche el programa llamó a Virginia antes de emitir el single para saber sus primeras impresiones. Podéis escuchar la minientrevista aquí. Muchas páginas de la red se hicieron eco del nuevo single con comentarios muy favorables hacia el mismo. Para continuar con la expectación creada, el 2 de febrero en el canal de youtube oficial de
53
VirginiaLabuat colgaron un avance viral del video del single, aclarando que no pertenecía al video oficial. Finalmente el día 8 de Febrero salió a la venta el single alcanzando a las pocas horas el número uno en iTunes y manteniéndolo durante tres días seguidos lo que le permitió conseguir el puesto número 9 en la lista de Promusicae en su primera semana de ventas, siendo la entrada más fuerte de esa semana después de Lady Gaga. El día 22 de febrero salió a la venta en iTunes el videoclip oficial consiguiendo a las pocas horas, al igual que el día del lanzamiento del single, ser número uno en la lista de descargas. El videoclip también podía ser visto en la página web y en el canal de youtube oficiales de VirginiaLabuat. Se trataba de un video sencillo, muy dinámico y rodado en Londres, durante su estancia para el concierto acústico que ofrecieron Virginia Maestro e Iñaki García en la sala The King's Head el 15 de Enero.
Álbum “Dulce Hogar” Además de la edición normal del mismo que saldrá a la venta el día 29 de Marzo, se podrá reservar a través de la web oficial una edición limitada que incluye: • Un doble CD con el nuevo álbum a la venta en tiendas que incluye canciones como “The Time Is Now”, “I Call Your Name” o “Run to You”, y un CD adicional con 7 rarezas sólo disponibles en esta edición. • Una selección de 14 postales exclusivas relacionadas con cada una de las 14 canciones
54
incluidas en el nuevo álbum. • Un póster exclusivo firmado por Virginia Labuat.
Gira de presentación del álbum “Dulce Hogar” Con una firma de discos e interpretando en directo algunos temas de su disco, Virginia Labuat presentará el mismo día de su lanzamiento, el 29 de marzo, en el Fnac Arenas de Barcelona, su nuevo álbum “Dulce Hogar”. Dos días más tarde estará en el Fnac Plaza Norte de Madrid y el 1 de abril en Sevilla. Además ya hay confirmación en su web de dos fechas para realizar los primeros conciertos de presentación del disco: el 9 de abril en la sala Bikini de Barcelona y el 12 de abril en la Sala Sol de Madrid. No te pierdas a Virginia Labuat presentando Dulce Hogar: En firmas de discos: 29 de marzo: Barcelona (Fnac Arenas) 31 de marzo: Madrid (Fnac Plaza Norte) 1 de abril: Sevilla (Fnac Sevilla) En concierto: 9 de abril: Barcelona (Sala Bikini) 12 de abril: Madrid (Sala El Sol) Entradas ya a la venta en Ticketmaster
55
Virginia Labuat en el Amazonas Tras visitar la reserva natural de Bojonawi en el Orinoco, Virginia Maestro viajó de nuevo a Colombia para colaborar en los proyectos de conservación y desarrollo que realiza EDC NaturaFundación Omacha. Así se vio sobrevolando los Andes, entre una densa capa de nubes blancas que impedía ver nada, a bordo de una pequeña avioneta, dirección a la reserva de Palmarito. Tan sólo la seguridad que trasmitía el piloto y la amena conversación de sus compañeros de viaje mantenía relajada a nuestra embajadora; pues la tormenta que se desató y los cambios de presión hacían temer al más valiente. El agua rompiendo en la cabina y las turbulencias desaparecieron con la salida de la cadena montañosa, la avioneta descendió y sobrevoló los llanos de la Orinoquia colombiana en Casanare. La belleza del paisaje llenó de tranquilidad el resto del viaje, entre risas y fotografías.
56
Palmarito es una reserva privada gestionada por dos estimados amigos de Virginia: Jorge y Alejandro. En su nueva visita a Colombia fue invitada a conocerla y quedó tan maravillada de la espectacularidad tan singular del lugar que, sin duda, volverá. Fueron tres días de salidas aéreas en pequeños aeroplanos, sobrevolando cientos de cocodrilos, venados y capibaras sobre los llanos y la selva. Navegó por el río Cravo Sur, entre los arroyos del exuberante bosque que los llena de vida. Como despedida, Virginia recitó un entrañable acústico para los vecinos de las fincas cercanas, entre anécdotas y sonrisas, que acabó bien entrada la noche.
A su regreso a Bogotá pudo realizar varias entrevistas y visitar la sede de la ONG; al día siguiente viajaba de nuevo, esta vez hacia el Amazonas. Durante varios días estuvo visitando los diversos lugares donde se desarrollan los proyectos humanitarios. Así conoció la ludoteca infantil y los problemas de la infancia en estas zonas deprimidas, donde nadie sabe qué es una videoconsola. Virginia trajo juguetes y alegría en ese día a los niños de Puerto Nariño. También visitó el ancianato, un espacio para la tercera edad; donde fue recibida con un cariño que le hizo llorar.
57
EDC Natura-Fundación Omacha, además de realizar proyectos de desarrollo, trabaja en programas de conservación que repercutan en la calidad de vida de esta región a través del ecoturismo. Virginia pudo conocer el delfín rosado del Amazonas, una especie emblemática y, tristemente, en peligro de extinción. También visitó el parque nacional de Amacayacu y conoció en persona a la célebre doctora Sara Bennett y el trabajo que lleva realizando durante más de una década con los monos en la selva. Si al principio Virginia parecía sentir cierto respeto por los simpáticos micos, pronto se vio rodeada de ellos y maravillada por sus cabriolas y cercanía. Virginia realizó un pequeño concierto en la pista de Puerto Nariño, cientos de personas la acompañaron en las gradas, incluso encontró músicos que le acompañaran en sus temas. Fue un concierto memorable por lo inusual de esta actuación tropical: primero fue coronada con plumas ticuna, luego la acompañaron dos jóvenes músicos de la población y finalizó con un espectacular dueto
del
tema
Perfidia,
acompañada
por
Gloria
Clemencia.
Aunque quizás, la mejor interpretación de este tema la realizó en el ensayo que brindó a sus compañeros de viaje, con Clemencia, en la pequeña cabaña donde se alojaron.
58
Al día siguiente Virginia visitaba la maloca de las ancianitas, un espacio donde una pequeña asociación de abuelas indígenas trata de recuperar las viejas tradiciones de los ticuna para conocimiento de las nuevas generaciones y como atractivo turístico que les reporte algún beneficio. Esta iniciativa cuenta con la colaboración de la ONG y Virginia fue recibida, de nuevo, con todo el cariño del mundo. Bailó danzas tradicionales con las abuelitas y escuchó los relatos de sus ancestrales ritos. Esa noche la tristeza embargó a nuestra bella embajadora, las lágrimas volvieron a asomar por sus hermosos ojos mientras reflexionaba sobre lo vivido en estos días. Quería ayudar a todos, pero sabía que era imposible.
Sin embargo lo estaba haciendo, pues con su visita llevó alegría y esperanza. Los proyectos de llegan a la gente y a las instituciones que colaboran con más certeza al comprobar los avances realizados y con ello se pueden conseguir nuevas subvenciones que permitan a la ONG seguir con su trabajo para que los niños sigan recibiendo educación y juguetes, para que los abuelitos puedan disponer de más comodidades en este ancianato en plena selva, para que las abuelitas de la maloca puedan transmitir su cultura popular y para que los delfines sigan saltando en las aguas del Amazonas como un símbolo de la naturaleza a la vez que la calidad de vida de estas personas se dignifica.
59
En Bogotá, Virginia realizó un acústico en el restaurante Habemus Papa acompañada por numerosos amigos y los miembros de la expedición. Al día siguiente grabó diversos temas en un estudio de grabación ya que no se pudo actuar en el pub al carecer, sorprendentemente, este local de medios para ello. Sin tiempo para más, al día siguiente volaba hacia Madrid, la aventura había acabado. Sin duda fue un viaje muy enriquecedor; donde Virginia cantó con el corazón, rió de felicidad y lloró con el alma. Un viaje que a bien seguro recordará por siempre. Hoy día las abuelitas tienen la guitarra y el traje con el que actuó, el disco de Labuat suena en el ancianato y los niños de Puerto Nariño tienen decenas de juguetes en la ludotecas para jugar con ellos… y nadie ha olvidado su visita. ¡Besos para Virginia desde Puerto Nariño! Julio García Robles
60
Acústico en el Hotel Utopía (Benalup- Casas Viejas)
No sé por dónde empezar a describir el fin de semana tan especial que he vivido esta semana. Tras estar insistiendo un mes para poder asistir al concierto que se iba a celebrar en el Hotel Utopía, y después de una serie de imprevistos de última hora, al final conseguí ir. Por fin llegó el esperado sábado, y por la tarde salí rumbo a Cádiz a pesar de las condiciones climatológicas que se avecinaban por esas tierras para esa noche. Aunque llevábamos GPS en el coche, hubo un momento en el que nos perdimos, pero al final tras muchas curvas y mucha lluvia, conseguimos llegar al Hotel. Me dispuse a ir a por las entradas y echamos allí la noche hasta que dieron las 11 y media y nos dirigimos de nuevo al Hotel para asistir quizás a uno de los mejores conciertos de Virginia Maestro. Y así fue. El concierto comenzó a las 12 de la noche y duró hora y media. Una hora y media llena de buena música, de muchos sentimientos y en mi caso de muchas sonrisas.
61
Para la presentación de lo que esa noche íbamos a poder disfrutar, Miguel, el dueño del hotel, dedicó unos minutos tanto para presentar a Iñaki como a Virginia. Unas emotivas palabras desde luego hechas con mucho cariño y sinceridad, que a mí me pusieron los pelillos de punta. Nos regaló temas ya conocidos como “What a wonderful world”, “Smile” “Turn me on”, “Put the blame on mame”, y algunas versiones nuevas, como “La vie en rose”, “Autumn leaves” ,“Oh Donna” , "I'm Through With Love", o “Moon River”
62
A mitad del concierto, se hizo el “famoso” sorteo para la escucha del disco 10 días antes de salir a la venta, (así lo anunció Virginia), y entre los asistentes le pidió a una niña que estaba por allí cerca que fuese ella “la mano inocente”. Así que dio comienzo el sorteo y el primer número que sacó por cosas del destino fue el de su padre, dando lugar a las risas de los allí presentes. También fue el azar el que hizo que saliese premiado el número de una amiga de Virginia que estaba allí entre el público, que amablemente cedió su premio a uno de los asistenes, y de uno de los chicos que estaban en la mesa de al lado que debían de ser amigos de ella o de Iñaki por cómo hablaban. Tengo que decir que el concierto se me hizo tremendamente corto y al menos para mí fue muy especial. Supongo que se alinearon toda una serie de factores para dar lugar a una noche más que perfecta.
Al terminar, pude acercarme a saludarla y a felicitarla por el concierto y estuvo tan simpática y agradable como siempre. Y es por gente como ella por la que merece la pena hacer este tipo de cosas. Se ve que es feliz cuando se sube a un escenario a hacer lo que le apetece, que vive por y para la música, y así lo demuestra en noches como ésta. En cuanto al público asistente, estuvo bastante lleno. Se llegaron a llenar todas las mesas. Incluso en el fondo había mesas altas para la gente que allí se iba acomodando. Y había tanto gente habitual como alguna cara nueva, que estoy convencida de que salió encantada con lo que allí pudo presenciar. Y esto es todo… Supongo que será el último concierto al que asista este año, pero deseando estoy que llegue Febrero para escuchar ese ansiado segundo disco, que por los adelantos que hemos podido escuchar, tiene toda la pinta de ser un gran disco…
63
A día de hoy, puedo decir que estoy muy orgullosa de seguir su trayectoria artística durante estos dos años y medio y espero que siga siendo así durante muchos años más. Porque ser fan, o seguidor, o como queráis llamarlo, es una sensación muy bonita que no puede llegar a experimentar todo el mundo.
narelo
64
CRÓNICA DEL CONCIERTO DE MÉRIDA El concierto que Virginia dio en Mérida se puede resumir en unas pocas líneas aunque lo que allí se vivió fue muy intenso para todos los presentes y una prueba para la propia Virginia. El local estaba lleno, unas 80 personas, ya que se habían repartido invitaciones por lo que una gran parte del público no conocía a Virginia y probablemente la mayoría no sabían ni quién iba a actuar esa noche que es lo que suele ocurrir en estos casos. Ante esta situación Virginia no sólo demostró ser una gran profesional ofreciendo un concierto coordinado y elegante, sino que además se mostró firme, con un gran tesón manteniéndose serena ante una gran masa de gente que precisamente no se estaba portando bien ya que gran parte del local hablaba y reía como si tal cosa, no todo el público se mostró respetuoso. Sin embargo Virginia con su voz y su guitarra, poco a poco, se fue haciendo con el público consiguiendo que fueran cómplices de sus canciones, dando palmas, tarareando, aceptando peticiones y logrando que gran parte de ese público disfrutara con su música y saliera encantado de dicho concierto.
65
En este concierto como novedad incorporó una versión del tema What's up de las 4 Non Blondes que fue muy bien acogido por el público. El tracklist de la noche fue: Are you lonesome tonight (Elvis Presley) Autumn leaves (Eva Cassidy) Bridge over trouble water (Simon y Garfunkel) Circus ( Virginia Maestro) Creep (Radiohead) Cry to me (Solomon Burke) Girl ( The Beatles) I Call your name( Virginia Maestro) I'm like a bird ( Nelly Furtado) I'm sorry(Brenda Lee) Imagine ( John Lennon) Llueve mal (Labuat) Oh Donna !( Richie Valens) Put The Blame On Mame (Rita Hayword) What a wonderful world( Louis Armstrong) What's Up ( 4 Non Blondes) When The Saints Go Marching In (Louis Armstrong)
Antes de irme me acerqué a Virginia, le di mi enhorabuena por el concierto y me disculpé por la actitud que habían tenido algunas personas. MarGo Imagen por cortesía de Virginia FanClub Oficial
66
67
Acústico en la sala Sidecar (Barcelona) 08/01/2011 Se preveía una noche mágica, otra noche llena de magia en Barcelona, pues es de todos sabido que Barcelona es distinta a todas las demás citas. Aunque esta vez no fuera un concierto en solitario, que tuviera que compartir escenario con otras dos artistas. Las tres compositoras, las tres canta-autoras, las tres con público minoritario (hasta la fecha), todo puede cambiar el día menos pensado y como dice nuestro compañero y amigo Superlabuat **todo es posible**. Como siempre emprendo el camino hacia Barcelona con bastantes horas de adelanto, pues me gusta la previa con mis compañeros de conciertos, esta vez el Virginia's Team de Barcelona, estuvo un poco desequilibrado pues no estaba al completo, pero en esencia lo fue, los restantes componentes
estaban con nosotros en pensamiento. Llegué sobre las 18h y tras encontrar enseguida plaza de parking me dirigí hacia la Pl. Reial, donde está ubicada la sala Sidecar, ya había quedado previamente con mi compañero de fatigas Derenrics para tomar algo e intercambiar algunos pareceres. Escogimos una cervecería que tiene su terraza con mesillas justo delante de la misma entrada de la sala y así ir vigilando cuando se fuera formando la cola y ser de los primeros, pues era algo del todo vital para que Der pudiera tener un buen sitio para sus filmaciones, ya que una vez cogido el sitio, nadie quiere cederlo ni por esa buena causa que es obtener una buena visión y audio a la hora de filmar los temas que nos canta Virginia.
68
A los primeros síntomas de movimiento nos fuimos para allá, donde pudimos saludar a Marga y Montse, dos mujeres que conozco de otras ocasiones, allí estaba ya el grupo del Virginia Fanclub oficial, nos pusimos que eran sobre las 20h osea 2h antes, nos esperaban muchas horas de estar de pie, la verdad que esperábamos que todo fuera bien y que nuestro cansancio fuera así recompensado, justo una hora antes de entrar llegó nuestro compañero de los madriles jeje no es otro que Superlabuat, fantástico seguidor y cronista también. Llegó el momento de entrar y justo dando los primeros pasos, empiezan los problemas, resultó que los menores de 18 años no podían entrar y los del club llevaban unos cuantos, se quedaron algunos mayores a discutir la jugada e intentar solventar el problema (cosa que realizaron con total éxito) pero ello nos valió que quedaran unos pocos sitios en primera fila vacíos, los cuales fueron llenados de inmediato por nosotros. Yo estaba pegadita al escenario pero hacia la parte izquierda, como si de un partido de futbol se tratara, se podría decir que ocupé el sitio de central-izquierda y Der el de central, él necesitaba ese sitio después de valorar la colocación de las luces y la disposición de los altavoces. El concierto empezó con casi una hora de atraso y nadie sabía en que orden saldrían las artistas, fue una agradable sorpresa ver salir en primer lugar a Virginia, después de ella si lo demás no valía la pena la espera del termino del concierto no se haría tan fatigosa pues ya tendríamos la
69
excitación vivida con Virginia que haría que cualquier cosa fuera soportable, tengo que decir en favor de las demás artistas que sus actuaciones no fueron malas experiencias, a nivel personal me gustaron las dos, cada una en su estilo, que nada tenían que ver entre las tres, aparte de ser las tres compositoras de sus propias canciones (tal como he dicho anteriormente).
Empezó la noche cantando Smile, un tema que aún en Barcelona no había cantado ninguna vez y que personalmente tenía muchas ganas de oír, seguidamente sin apenas pausa ni presentación alguna nos cantó Turn me on y aún sin ni siquiera un "Hola", ella iba a piñón fijo, como si tuviera que coger el tren de vuelta y se le hiciera tarde, seguidamente sin mediar palabra alguna aún nos cantó Are you lonesome tonight y seguidamente La vie en rose, donde Iñaki nos deleitó con un sólo instrumental en medio del tema que nos dejó helados, incluso Virginia se lo quedó mirando maravillada, después de éste ya nos preguntó que tal estábamos y que qué tal la noche, tras eso nos cantó un tema de Marilyn Monroe, I'm through with love, al termino del tema presentó el siguiente ya con toda una profusión de palabras, todo ello para presentar Oh!! Donna de Richie Valens, seguidamente nos presentó Dream a little dream of me, al termino de ese tema nos deleitó con All of me y después cantó el tema Mujer contra mujer, que fue una petición que según dijo ella le había llegado por facebook y el tema era dedicado a una chica llamada Laia, pidió ayuda en caso de que
70
se viera perdida en la letra, pues ya avisó que no se sabía muy bien el tema pero le fue bien, un par de dudas, de indecisiones pero defendió el tema de manera satisfactoria, después de ello nos cantó Girl y ese fue el último tema en solitario de la noche osea nos pudo cantar 10 temas. Seguidamente cantaron las otras dos artistas, las cuales Rebeca Jimenez nos cantó 8 temas y Belen Arjona 9 temas y el último tema de la noche nos lo cantaron las tres juntas y fue nada más y nada menos que el mítico Creep, donde cada una tenía su parte a cantar ya pactada de antemano. Se despidieron las tres al termino de ese tema y desaparecieron detrás del escenario, tal como habían entrado desaparecieron.
Yo como loca toda la velada sacando fotos desde mi ventajoso sitio, "tan" sólo saqué unas 80 a Virginia, nunca había estado tan cerca y tan bien situada en una actuación suya y me despaché a gusto. La gente se fue marchando pero nosotros como siempre nos quedamos a que ella saliera y poderla saludar en persona y disfrutar unos minutos de su compañía. La sala prácticamente se quedó vacía pero allí nos quedamos los tres esperando a que saliera, no podía salir por ningún sitio más que ese por lo tanto no había razón para inquietarnos, también se quedaron el grupo del Fanclub, al cabo de un rato la vimos salir y después de intercambiar unas palabras con una pareja que estaban más cerca
71
de donde ella había salido, se dirigió hacia nosotros, pues teniendo a Superlabuat con nosotros no le era complicado de vernos debido a la altura de nuestro compañero, se fundió en un gran abrazo a los tres, quizás más a los hombres (cosa natural jeje) por lo que representan ellos para ella, estuvo encantada de vernos y estuvimos hablando lo que nos pareció mucho y fueron unos 10 minutos o poco más, estaba muy agradecida por el apoyo que se le da, pero sobretodo por el excelente trabajo realizado por Derenrics. En un momento dado, debido a la conversación que se estaba llevando a cabo, a ella se le llenaron los ojos de lágrimas, cosa que ella intentó por todos los medios de reprimir y que no delataran el azoramiento que le provocaba el puro agradecimiento hacia este hombre, después de este tiempo con ella nos dejó no sin antes mandarnos una mirada de verdadero disgusto por tener que hacerlo. Conseguí hacerme una foto con Virginia, cosa que ya me estaba pasando por alto si no hubiera sido por Der que me dijo si es que no quería una con ella, las dos nos reímos, supongo que necesitábamos alguna excusa para destensar la situación.
Después de ello nos fuimos hacia Iñaki que estaba tranquilamente esperando tomándose algo, allí Superlabuat quiso sacar una foto, bueno un par de ellas de nosotros dos con Iñaki, cosa que no se hizo de rogar por ninguno jeje, con él también estuvimos hablando poco más de 10 minutos, estaba satisfecho del transcurso de la noche, no tanto de haber cantado en primer lugar, siempre es más
72
complicado romper el hielo pero para nosotros fue lo mejor que nos hubiera podido pasar. Después salimos de la sala que estaba ubicada en un sótano, con un desnivel de 20 escalones, imposible usar móviles, cobertura cero allá abajo. Allá estaba Virginia aún, rodeada de seguidores firmando y haciéndose fotos, con su sonrisa de agradecimiento eterno, sin ningún síntoma de cansancio. A todo eso ya eran casi las 2 de la madrugada y fue entonces cuando notamos que no habíamos cenado ninguno de los tres. Barcelona a esa hora, lo que es tema comer lo tiene un poco chungo y como estábamos cansados de tanto estar de pie y eso, no nos fuimos lejos de la sala, terminamos en un vegetariano jeje una experiencia nueva para los tres, en aquella hora todo sabía bien y además fue algo sano jeje .. estuvimos allí sentados (por fin) comiendo y repasando la noche, visionando lo filmado (todo un privilegio al alcance de pocos), contando los temas, pues ninguno tenía ni idea de cuantos había cantado y anotando los títulos para la posterior edición y las respectivas crónicas, a eso ya eran casi las 3h, la noche tocaba a su fin, la odisea ya estaba quedando atrás, tan solo para el recuerdo, el eterno recuerdo que nos acompañará de una noche de invierno, donde el frío no fue excesivo, donde la calidez que nos trasmitió Virginia dentro de la sala nos acompañó después una vez fuera.
Kanet
73
74
Sábado 2 de Abril – Eco Pop Festival. Talavera de la Reina a las 22:00 h Viernes 8 de Abril – Tremendo Pop Festival. Monzón (Huesca) a las 23:30 h Sábado 9 de Abril – J. Daniel's Music Day. Terraza Estadio Olímpico. Barcelona a las 20:30 h
Boat Beam Sábado 12 – Sala Moby Dick. Madrid a las 21:00 h Jueves 24 – Sala Sidecar. Barcelona a las 21:00 h
Christina Rosenvinge Jueves 17 – Sala Jimmy Jazz. Vitoria a las 20:30 h Viernes 18 – Kafe Antzokia. Bilbao a las 21:00 h Sábado 19 – Sala Movie. Ainzoain (Pamplona) a las 22:00 h
Cola Jet Set Sábado 12 – Sala Clamores. Madrid a las 22:30 h Sábado 9 de Abril – Sala Siroco. Madrid a las 19:00 h
Eli PaperboyReed and The True Loves Viernes 8 de Abril – Sala La Mirona. Salt (Girona)a las 22:00 h Sábado 9 de Abril – The Oasis Club. Zaragoza a las 20:00 h
Gastelo Sábado 12 – Salón Municipal de Actos. Guadalajara a las 19:30 h Jueves 17 – Sala Cum Laude. Salamanca a las 22:30 h Miércoles 23 – Sala Contrabajo. Vigo a las 22:30 h
James Hunter Sábado 26 – Sala La Mirona. Salt (Girona) a las 22:00h
Javier Ruibal Viernes 18 – Sala La Lola, acompañado por Glazz. Jerez de la Frontera (Cádiz) a las 22:00 h Jueves 24 – Sala Galileo Galilei. Madrid a las 23:30 h Viernes 25 – Palacio de los Condes de Gabia. Granada a las 21:00 h Sábado 26 – Café Teatro El Escenario. Estepona (Málaga) a las 22:30 h Jueves 31 – Restaurante Oraná ( aforo limitado). Fuengirola (Málaga) a las 22:30 h
75
Viernes 1 de Abril – Centro Cultural José Saramago. Albacete a las 20:00 h Domingo 3 de Abril – Teatro de las Cortes, acompañado por Glazz. San Fernando (Cádiz) a las 21:00 h
Jorge Drexler Sábado 2 de Abril – Teatro Coliseum. Madrid a las 21:00 h Domingo 3 de Abril – Teatro Coliseum. Madrid a las 21:00 h
La Bien Querida Sábado 12 – Teatro Xesc Forteza. Palma de Mallorca a las 19:00 h Sábado 9 de Abril – Vinalpop Elche. Elche ( Alicante) a las 19:00 h
Lori Meyers Sábado 19 – Festival Independiente de Villalba ( FIV). Villalba ( Lugo) a las 21:00 h Sábado 26 – Sala Stereo. Alicante a las 21:00 h
Mäbu Jueves 17 – Sala Galileo Galilei ( Presentación del disco “Buenos Días”). Madrid a las 21:30 h Jueves 24 – Sala Rock- Star. Bilbao a las 21:00 h Viernes 1 de Abril – Sala Musik. Murcia a las 19:00 h Domingo 3 de Abril – María Blanco ( Acústico). Sala Búho Real. Madrid a las 21:30 h Jueves 7 de Abril – Sala El Juglar. Madrid a las 21 .30 h
Marwan Jueves 10 – Pub Sónar. Santiago de Compostela a las 22:00 h Domingo 13 – Sala Luz de Gas, dentro del Festival Barna Sants. Barcelona a las 19:00 h Jueves 17 – Café España. Valladolid a las 22:00 h Sábado 19 – Teatro Avenida. Santo Domingo de la Calzada (Rioja) a las 20:30 h Viernes 25 – Sala B. Murcia a las 23:00 h
Morcheeba Sábado 2 de Abril – Sala La Mirona. Salt (Girona)a las 22:00 h
Nadadora Viernes 18 – Sala Porta Caeli. Valladolid a las 19:00 h Sábado 19 – Sala Charada. Madrid a las 19:00 h
76
Viernes 1 de Abril – Festival Plastidepop. Zaragoza a las 19:00 h Sábado 2 de Abril – Sala 180' Assaig 2. Palma de Mallorca a las 21:00 h
Nada Surf Miércoles 6 de Abril – Sala Old Church. Toledo Jueves 7 de Abril – Sala Industrial Copera. Granada a las 21:00 h
Quique González Viernes 18 - Teatro Casyc Sábado 19 – Casa de Cultura de Avilés. Sábado 26 – Palacio de Congresos Conde Ansúrez
Supersubmarina Sábado 12 – Panorama Pop Festival. Sala Industrial Copera. Granada a las 23:30 h Viernes 18 – Sala El Desván. Arévalo (Ávila) a las 23:00 h Viernes 25 – Sala Caramelo Royal. Talavera de la Reina (Toledo) a las 22:30 h Sábado 26 – Sala Óxido. Guadalajara a las 23:00 h Sábado 2 de Abril – Sala Zero. Tarragona a las 22:30 h Jueves 7 de Abril - Sala Imagina Club. Cádiz a las 23:00 h Sábado 9 de Abril – Vinalopop Festival. Parque Municipal de Elche (Alicante) a las 20:30 h
Susan Santos & The Papa's Red Band Viernes 11 – Sala Pirata´s. Alcorcón (Madrid) a las 23:00 h Jueves 17 – Sala Monasterio. Barcelona a las 22:00 h Sábado 19 – Tia Felipa – Vermouth and Blues. Cerdanyola del Valles (Barcelona) a las 13:00 h Sábado 19 – Blues Bar. Cerdanyola del Vallés (Barcelona) a las 23:00 h Domingo 20 – Sala La Traviesa. Torredembarra (Tarragona) a las 20:00 h Jueves 24 – Café Corrillo. Salamanca a las 22:00 h
The Bright Viernes 25 – Sala El Cocodrilo Negro. Ponferrada (León) a las 22:00 h Sábado 26 – Auditorio Municipal. Illa de Arousa (Pontevedra) a las 22:00 h Lunes 7 de Abril – Sala Taboo. Madrid a las 22:00 h
77
Tulsa Viernes 11 - Noches Articas. Fuenlabrada (Madrid) a las 21:00 h
Zahara Sábado 12 – La Botica. Málaga a las 22:00 h Domingo 13 – Musicology Úbeda. Úbeda a las 19:00 h Sábado 9 de Abril – Vinalopop Festival. Elche (Alicante) a las 19:00 h
78
79
Linger. Del disco: Everybody Else Is Doing It, So Why Can´t We? (1993) Este disco fue grabado en 1992 y reeditado un año después. El álbum consiguió vender más de un millón de copias sólo en EEUU, tras una primera gira internacional de la banda. A su vuelta, el disco se reeditaría en el Reino Unido pasando a ocupar el primer puesto de las listas y llegando a ser un multiplatino. Todas las letras son de Dolores O’Riordan y desprenden un halo ensoñador e irreal que encajaba muy bien con la fusión del Pop-rock y Folk tradicionales y los aromas místicos irlandeses. El videoclip es una maravilla. Rodado en blanco y negro, recrea perfectamente esos ambientes y escenarios marginales de las películas de cine negro. La canción es una historia de amor en la que una chica le pide a su amante que no permita que la relación se acabe; pero las escenas que nos muestra el video poco tienen que ver con la letra. El clip comienza con un foco de luz intermitente que parece detenerse en el ojo de Dolores. Después, una linterna comienza a alumbrar distintos objetos y estancias de un apartamento; pronto descubrimos que se trata de un registro llevado a cabo por un arquetípico policía o detective (sombrero y gabardina gris incluidos). A lo largo del video, y en lo que parece un registro más amplio del edificio, la cámara nos va mostrando una serie de personajes (testigos en los pasillos o prostitutas de un burdel), que va intercalando con imágenes de la propia Dolores O’Riordan y el foco intermitente que nos acompaña durante toda la canción. La oscuridad que envuelve al videoclip, los rostros lánguidos de los personajes que aparecen y la sordidez del ambiente prostibulario, así como la frialdad de los testigos y la soledad de los rincones del inmueble, desprenden un aroma de lo más deprimente para una canción que habla de desesperación y abandono.
80
Dreams. Del disco: Everybody Else Is Doing It, So Why Can´t We? (1993) Esta canción fue elegida como primer single del álbum y, probablemente, es el mejor tema del mismo. La canción habla de amor y de sueños y el video carece de construcción narrativa. Esta vez rodado en color (aunque también con tonos oscuros y constantes juegos de luces y sombras), el videoclip nos muestra constantemente primeros planos de Dolores alternando con el resto de músicos de la banda, mientras interpretan el tema. Los distintos rostros se van superponiendo, fusionando y difuminando en un juego de colores, para darle un toque onírico y ensoñador a la realización. Se trata de un videoclip sencillo y preciosista que trata de enmarcar la dulce voz de Dolores en un tema tan intimista. Existe otra versión del videoclip oficial: http://www.youtube.com/watch?v=UlMWAl7tIro Este segundo video también está construido en base a imágenes oníricas. Comienza con la llegada de tres individuos escondidos bajo unas oscuras túnicas y que parecen desenterrar algo del suelo. Después, vemos a Dolores cantando con la banda en un sótano tenuemente iluminado por velas. Ella sale del lugar y camina por unas desérticas calles persiguiendo a un caballo blanco. Los 3 misteriosos caballeros parecen haber encontrado lo que buscaban: un extraño y enorme bulto repleto de barro. Finalmente, el caballo parece llevar a Dolores a una casa en las afueras de la ciudad, donde ella limpia el objeto hasta mostrar que recubría a un hombre que acaba despertando… El ambiente mágico y de ensoñación es también la característica de esta segunda versión.
81
Zombie. Del disco: No Need To Argue (1994) Sin duda, el álbum más exitoso de la banda y el que consiguió convertirles en un icono musical en todo el mundo, llegando a vender casi 17 millones de copias. Nuevamente todas las letras son de Dolores, pero el tono de las mismas (así como de la música) es ciertamente distinto. Nos encontramos unas canciones menos idealistas o ensoñadoras que las del primer trabajo; en ellas, Dolores habla de temas duros como la muerte, la decepción, las guerras, el conflicto irlandés… Musicalmente hablando también abandonan algo los estilos más cercanos al folk y se adentran en un rock más duro y pesado, con arreglos más potentes. “Zombie” es, probablemente, el tema más emblemático de The Cranberries y el que les lanzó a la fama mundial. La canción fue un auténtico boom. Se trata de un tema protesta que toma partido irlandés en su eterna reivindicación de independencia con respecto al Reino Unido. Concretamente es un homenaje al Alzamiento de Pascua en 1916 en el que los irlandeses llevaron a cabo un pronunciamiento revolucionario contra las autoridades británicas en un intento por tomar el control de Irlanda para imponer su independencia. Tras 6 días de luchas y enfrentamientos, la rebelión fue sofocada, aunque los irlandeses se sienten orgullosos de aquella fecha, pues supuso el primer desafío en el que dieron a conocer sus intereses separatistas y su autoafirmación como pueblo. El video es verdaderamente estremecedor. Nos presenta a una Dolores bañada en oro, de pie, ante una cruz de madera y rodeada (o prisionera) de unos niños también bañados en oro. Se van intercalando imágenes (en blanco y negro) de los barrios irlandeses en los que los soldados y tanques británicos hacen sus registros y patrullas cotidianas. Por otro lado, se contrasta esta imagen belicista de sometimiento con un grupo de niños norirlandeses que juegan, entre el barro y la suciedad de las calles, a la guerra. Esas imágenes en blanco y negro de la situación política y social de Irlanda del Norte resultan absolutamente coherentes con la crudeza de la letra de la canción. Finalmente, en el otro plano, el de Dolores bañada en oro, vemos como se prepara la ejecución de la cantante a manos de las flechas que los niños se disponen a disparar con sus arcos en una escena que recuerda a la del martirio de San Sebastián. Los dos últimos planos del videoclip son de una crudeza terrible: uno en color de un niño ejecutor, bañado en oro, con la cabeza hacia atrás y otro, en blanco y negro, de un niño muerto sobre el barro irlandés.
82
Ode to my family. Del disco No Need To Argue (1994) Fue el segundo sencillo del album y otro rotundo éxito (aunque no tanto como “Zombie” en cuanto a las listas). Para muchos, la mejor canción de The Cranberries en toda su carrera. La extraña letra parece hablar de la decepción que supone crecer y alejarse de la protección de la familia, de los padres y de la infancia. Esta bella y triste metáfora se plasma nuevamente en el blanco y negro del videoclip en el que van mostrándose escenas e imágenes de personas mayores, ancianos, niños y madres. Todo el video parece un gran álbum de recuerdos en imágenes algo tristes y repleto de rostros apenados. Ni siquiera las sonrisas de los niños consiguen arrebatarle ese aroma melancólico y sombrío al video. Nuevamente las imágenes (en cámara lenta y gobernadas por tonos grises y oscuros) son un buen hilo conductor para una canción triste y nostálgica.
83
When you’re gone. Del disco: To the Faithful Departed (1996) Se trata del tercer disco de estudio de la banda y el más experimental de todos. La totalidad de las letras está compuesta nuevamente por Dolores y siguen versando sobre temas duros y desgarradores, al igual que el anterior trabajo: el desamor, el desengaño, la guerra, la violencia, las drogas etc. En el apartado musical la evolución es aún mayor: los arreglos son mucho más experimentales y las melodías están muy adornadas de sonidos electrónicos, exagerada percusión y retorcidas guitarras. No fue un disco tan aclamado como el anterior, pero se mantuvo durante bastante tiempo como un superventas y la crítica alabó su actitud vanguardista. Para mí es uno de los trabajos más flojos, aunque tiene algunos temas muy buenos, como este “When your’re gone”. El videoclip sigue los moldes anteriores: escenas algo irreales que mezclan el blanco y negro y el color y en las que se intercala a la propia Dolores interpretando el tema junto a la banda. El video parece dividirse en dos planos distintos: uno (en blanco y negro) en el que un grupo de personas, arropadas con trajes oscuros y abrigados, se van situando en una explanada y permanecen allí mirando al cielo; y, por otro lado, una extraña casa de color amarillo (la que aparece en la portada del álbum) que se va quemando poco a poco sobre un lago. Finalmente la gente, quizás cansada de esperar, se marcha y sólo queda Dolores en esa enorme plaza mientras la casa ya ha sido completamente anegada por el fuego. Una metáfora, quizás, de la pérdida de la esperanza en el ser humano. Un video precioso, cargado de lirismo y visualmente impactante. Siempre me ha parecido el mejor videoclip de la banda y uno de los mejores que recuerdo de cualquier otro grupo.
84
Promises. Del disco: Bury The Hatchet (1999) Tras el tercer disco, Dolores O’Riordan, asediada por la prensa del corazón y por algunos problemas personales, atraviesa delicados momentos de salud y necesita descansar. También disfrutar de su recién estrenada maternidad. El resto de la banda también acoge positivamente el descanso, sobre todo después de una serie de giras agotadoras en los últimos años. Durante el periodo de 1997 y 1998 sólo se reunieron para tocar en algunos eventos especiales. Finalmente, a finales del ’98 deciden ponerse manos a la obra y preparar el que sería su cuarto álbum. Dolores O’Riordan tenía claro que debía ser un nuevo inicio; la experimentación musical llevada a cabo en los dos anteriores discos había sido bien recibida por la crítica, pero era hora de reinventarse, de volver a los orígenes. Y así fue. “Bury the hatchet” es un disco muy diferente a esos dos últimos álbumes; en cierta manera, bastante más parecido a los ritmos y sonidos dulces y tranquilos de la primera época, del primer disco. Las letras de Dolores abandonan los temas oscuros de la guerra, la violencia, las drogas y la desesperanza, pera centrarse en otros mucho más optimistas: el amor, la maternidad, la esperanza… Las melodías también se vuelven más suaves y los arreglos no tan agresivos. Es un disco en el que destaca, sobre todo, la maravillosa voz de Dolores y la musicalidad que ella sabe imprimirle a las canciones. Realmente las letras son menos poderosas y tienen menos fuerza expresiva, eso es indudable; pero, en mi opinión, éste es el mejor disco de todos. Aunque no tuvo el éxito de ventas que los anteriores y algunos críticos rechazaran ese retorno a la sencillez del principio, este álbum tiene 4 o 5 temas fantásticos. “Promises”, “Animal instinct”, “You and me”, “Just my imagination” o la bellísima “Dying in the sun”. A mi modo de ver es un disco redondo, y uno de los grandes álbumes de la década de los ’90. “Promises” es el primer sencillo del disco y, realmente, se trata de un tema extraordinario. Una de las mejores canciones que he escuchado nunca. Aunque, a decir verdad, el videoclip no es demasiado bueno. Carece de la fuerza emotiva y de la belleza que tienen algunos videos anteriores. En este caso nos presenta a la banda en el viejo oeste americano. Es de noche y un vaquero que recolecta flores huye de una bruja que aparece en el firmamento. Acaba refugiándose en la casa del Sheriff y éste es quien, desafiando al miedo, se enfrenta a la bruja en un duelo desigual en el que acaba perdiendo ante la magia de aquella. Se intercalan escenas de Dolores y la banda tocando en lo alto de un recolector de agua. El tono del videoclip es claramente caricaturesco, casi cómico, con alguna imagen que recuerda, salvando las distancias, a la estética de Tim Burton. No tiene mucho que ver con la canción, que es un desgarrado canto de amor ante un abandono. Una canción tan fantástica merecía un envoltorio distinto, quizás. Adolece, no sólo de la emoción o de la plasticidad de otros videos, sino también del lirismo y del espíritu metafórico que hemos visto anteriormente. Pero claro, en este repaso a la carrera de la banda irlandesa, no podía faltar esta canción.
85
Animal instinct. Del disco: Bury The Hatchet (1999) Segundo sencillo del album y otra de las canciones más recordadas del repertorio de la banda. Otra canción intimista en torno a uno de los sentimientos más emotivos y viscerales del ser humano: ese instinto animal que provoca el amor. El videoclip comienza con una introducción cinematográfica. Una madre se encuentra, al volver a su casa, con los servicios sociales que se están llevando a sus hijos para quitarle la custodia. Mientras los niños se marchan llorando en el coche de los agentes, la mujer grita desesperadamente. Cuando comienza la canción, los chiquillos están sentados a la mesa, en otra casa, con Dolores O’Riordan cantando. Después se ve cómo llega la madre, disfrazada con una peluca y secuestra a sus hijos. Las siguientes escenas del videoclip intercalan imágenes de la madre huyendo y sobreviviendo como puede con sus niños en la escapada, con otras de la cantante interpretando el tema. Finalmente, en un epílogo también cinematográfico, la mujer y los niños suben a un camión que han parado haciendo autostop cuando empieza a anochecer. El video constituye un pequeño cortometraje teñido de tintes dramáticos y en el que se destaca ese instinto animal de una madre que lucha por estar con sus hijos. Un video interesante, repleto de dramatismo… y una gran canción, qué duda cabe.
86
Analyse. Del disco: Wake up and smell the coffee (2001) Quinto álbum de una banda que, quizás, estaba ya algo cansada tras una exitosa década y multitudinarias giras por todo el planeta. Es sin duda el peor de sus trabajos y el que menos repercusión musical tuvo, ya que prácticamente ningún tema ha acabado siendo recordado en años posteriores. Si acaso este primer sencillo es el único que tuvo cierta repercusión, ya que los siguientes pasaron con más pena que gloria. En cierto modo, lo más decepcionante de este disco son sus letras, otrora enigmáticas y cargadas de sentimiento. Tampoco musicalmente es un trabajo que destaque en ningún sentido: ni las melodías ni los arreglos gozan de la originalidad de anteriores álbumes. Toda la fuerza del disco recae en la preciosa voz de Dolores y en su talentosa manera de utilizarla. Con todo, es un disco que se deja escuchar. “Analyse” es una muy buena canción. El videoclip destaca por sus tonos azules y negros y se aleja completamente de la emotividad o del lirismo de otros tiempos. Se trata de un video amable y divertido en el que una silueta de una señal de tráfico cobra vida y pasea por una ciudad dominada por el azul metálico y frío de la modernidad. A ratos aparece Dolores interpretando el tema mientras, detrás de ella, todo (personas, coches, etc) se mueve a cámara rápida. El video termina con la silueta llegando a un campo en el que encuentra a otras siluetas como ella. Parece sentirse feliz con el encuentro y se tumba plácidamente sobre la hierba plagada de flores. La metáfora parece sugerir una huída de la vida acelerada de la ciudad al apacible campo. Se trata de un tema afable y optimista, de un verdadero “beatus ille” en el que, como casi siempre, destaca la maravillosa interpretación de la cantante.
87
When we where young. Del disco: Are you listening? (2007) Tras el quinto disco de The Cranberries y el agotamiento físico y mental de la banda, urgía un nuevo descanso. Aún así, en el año 2002 se publicó un recopilatorio con el título de “Stars” en el que se incluían 2 temas inéditos junto con los éxitos de siempre de la formación irlandesa. El disco tuvo mucho más éxito que su quinto álbum de estudio, lo que dejaba bastante claro dos cosas: que ese último trabajo de estudio no había gustado demasiado a los incondicionales de la banda ni al público en general, pero que The Cranberries seguía teniendo tirón y seguía conservando un hueco importante en el mundillo de la música, ganado gracias a un buen puñado de estupendas canciones que se habían convertido ya en clásicos. El descanso se postergó durante más de 5 años. En puridad, alguno más. Porque en 2007 Dolores decidió publicar otro elenco de canciones escritas por ella, pero lo hizo en solitario. No hubo ruptura con la banda, simplemente la necesidad de la compositora irlandesa de cumplir un sueño y probar suerte de forma independiente. Dolores dijo que se trataba de algo completamente distinto a la banda y que jamás había escrito unas letras tan oscuras y complicadas con los chicos. Ciertamente se trata de un disco con unas letras magníficas, pero musicalmente sí que recuerda bastante a The Cranberries. Es más, afortunadamente, recuerda a los mejores The Cranberries, ya que se trata de un disco extraordinario repleto de canciones estupendas. Muy rockero, con un sonido más desnudo, con menos arreglos, plagado de melodías pegadizas y la increíble voz de Dolores. Una grata sorpresa, desde luego. “When we were young” es, a mi modo de ver, la mejor canción del disco. El videoclip es bastante sencillo: Dolores interpreta el tema delante de un gran panel luminoso en lo que parece un gran backstage. La cámara, de vez en cuando, abandona el plano de la cantante para hacer una panorámica de la habitación en la que otros grupos, cantantes y diversos trabajadores parecen ajenos a la interpretación del tema. No encontramos, en esta ocasión, metáforas visuales ni el tono onírico que en anteriores videoclips.
88
The journey. Del disco: No baggage? (2009) El segundo disco en solitario de Dolores fue publicado dos años después, en 2009. La cantante irlandesa, según expresó en varias entrevistas, quiso con este trabajo volver a sus raíces de nuevo: temas más intimistas compuestos de vivencias personales, pero sin dejar atrás la experimentalidad en los sonidos. Trató de repetir la fórmula exitosa de los 2 o 3 primeros discos de The Cranberries, pero esta vez se quedó a medio camino. Menos oscuro que su predecesor en solitario, este “No baggage?” no posee la frescura del anterior, ni la fuerza de sus temas. Nuevamente es la voz de Dolores O’Riordan lo que aporta ese plus de excelencia a unas canciones correctas sin más. Eso sí, esa voz se muestra en su apogeo más absoluto. Dolores no sólo tiene una grandiosa voz, una voz dulce y áspera al mismo tiempo, sino que ha desarrollado una técnica que le permite modularla con una perfección tal que se convierte en el mejor instrumento musical de cada canción. En este disco, en el que los sonidos se suavizan, la voz de Dolores resalta con exquisita sensibilidad. En ese tono intimista está grabado el videoclip de “The journey”, una de las mejores canciones del álbum. Se nos muestra a la cantante interpretando el tema en un precioso paisaje irlandés: una playa y un verde acantilado frente al mar encrespado. La belleza de las imágenes que recoge el videoclip, junto con la de la propia Dolores son ciertamente embriagadoras. En resumidas cuentas, los dos trabajos de Dolores O’Riordan no suponen una ruptura demasiado abrupta con el estilo de la banda. Podría decirse que son discos con estilos similares, con aciertos y errores reconocibles por los seguidores de la banda, y en los que destaca, sobre cualquier otra cosa, la prodigiosa voz de la cantante irlandesa. Lo cierto es que ella ha creado su propio estilo musical basado en esa inconfundible herramienta natural. Curiosamente, el mismo día que se publicó “No baggage?”, la propia Dolores anunció públicamente que la banda volvería a reunirse para una gira mundial que ha durado varios meses y en la que han cosechado un enorme éxito nuevamente. Parece que a The Cranberries y a Dolores O’Riordan les quedan cuerda para rato.
89
BOAT BEAM
a
El pasado 11 de Diciembre nos acercamos hasta la sala Milwaukee en El Puerto de Santa María a escuchar el concierto de presentación del nuevo disco “Reincarnation” de Boat Beam que saldría a la venta el día 24 de Enero. Antes de él nos concedieron una entrevista para conocerlas un poco mejor.
¿Cómo llegasteis al mundo de la música? Alisha: ¿Al principio?¿principio, principio? Aurora: Al principio de todo Si, claro Aurora: Cada cual tenemos nuestra propia historia Alisha: Sí, sí, yo quería evitar la clase de lectura cuando tenía 10 años y, bueno, fui una persona seria luego pero cuando tenía 10 años pensaba en violín, si me gusta más que leer, no, no, no, más que leer no, no fue eso pero... Aurora: No lo sabía Alisha: No, es que leía un montón cuando era pequeña y no necesitaba una clase para motivarme a leer, tenía muchísimo tiempo para leer por mí misma, ¿sabes?
90
Aurora: Pues nada, yo fui la típica niña que mis padres llevaron al conservatorio cuando éramos pequeñitos, como a mi y a mi hermano. Y nada, pues eso, empecé de una manera rutinaria, pero luego me fui enganchando poquito a poco, y hasta que llegué a donde estoy Josephine: Y yo empezaba a tocar la guitarra autodidacta con un poco de ayuda de amigos, pero soy el opuesto a ellas porque yo con 13 años estaba empezando a aprender por mi cuenta, a componer canciones de rock y pop y tal. Entonces no he ido al conservatorio ni nada pero tenemos esta buena conbinación de diferentes talentos. Así que cuando nos juntamos en... ¿2009? Alisha y Aurora: 2008 Josephine: 2008 fue como Uau, tu tienes lo que no tengo, yo tengo a lo mejor lo que ellas no tienen y podemos aprender la una de la otra, y ha sido pues un descubrimiento muy importante para nosotras, para ser creativas juntas. ¿De dónde surgió el nombre de Boat Beam? Josephine: Pues viene de una expresión en inglés, y esta expresión es, en inglés,: On her beam's end, que significa, es muy antigua pero significa pues cuando un barco está en una tormenta, por ejemplo, está a punto de caerse a un lado, pues se dice She's on her beam end, y también se puede decir para una persona que está en una crisis, está muy alterada y está a punto de explotar, y, pues esto describe muchas veces el estado de mente que, o de ánimo, que tengo cuando estoy componiendo, porque estoy como Ahhh, no puedo contener esto y tengo que componer una canción. Así que pensé pues esta expresión es perfecta, pero voy a hacerla un poco más corta.
91
Para quienes no os conozcan, ¿cómo definiríais vuestra música? Alisha: Definirlo es, bueno, bastante difícil, hay algunas canciones que parecen al folk, hay canciones que parecen más a pop y hay elementos de muchas cosas, tal vez explicaría... Josephine: La idea es que sea interesante, y que no sea la misma cosa cada canción, así que intentamos hacer un poco de todo, tenemos un poquito de rock, un poco de folk, un poco de indie, un poco incluso de jazz. Cuando Aurora se pone a tocar el piano a veces salen cosas de ella Aurora: Más clásico, más clásico que jazz Josephine: O clásico Alisha: Pero una buena mezcla Josephine: Sí, hay mucho clásico Aurora: No, lo que sucede que como tenemos unas fuentes muy distintas, y aparte que nos gusta escuchar muchos tipos de música, pues inevitablemente lo vertimos cuando componemos, y por eso sale un poco algo así, un poco heterogéneo Josephine: Sí, sí
¿Tenéis miedo de que etiqueten vuestra música? Aurora: No nos molesta, yo creo, o sea no hay miedo a eso, simplemente es que, claro, cuando te ponen una etiqueta muchas veces lo ves como algo muy simplificado, pero también es cierto que es mucho más sencillo de cara a la gente como explicar algo Alisha: No nos gusta estar como en una caja, pero tampoco... Aurora: Pero tampoco nos molesta
92
Alisha: Sí, eso Josephine: Siempre que hablen de nosotras (risas) no nos importa si somos death metal, si somos lo que sea, o sea... Aurora: Vale, bien ¿Cómo valoráis el recorrido de vuestro primer álbum? Josephine: Ha sido un álbum clásico de culto en España. Hay muy poca gente que se ha enterado, pero los que sí, son muy fan, así que no... ha sido una cosa pues gradualmente, progresivamente, estamos conociendo, más gente nos está conociendo, nuestro disco está llegando a más personas Aurora: Yo tengo una opinión muy positiva de ello, o sea, hay gente que se tiran años y años hasta que consiguen simplemente llegar a editar un disco, solo eso, y yo creo que, bueno, estoy supercontenta Josephine: Teníamos mucha suerte porque el segundo, bueno, los primeros dos sellos discográficos que contactamos cuanto teníamos ya el primer disco hecho, queríamos publicarlo, así que los primeros dos que contactamos estaban interesados, y solo teníamos que elegir, así que teníamos muchísima suerte en este sentido, claro, hay muchos grupos que contactan con muchísimos sellos y no pasa nada, así que hemos tenido mucha suerte Alisha: Es que, sí, yo estoy más con Aurora, que hemos tenido mucho éxito con el disco, pero siempre tenemos la cara un poco al futuro y estamos queriendo más
93
¿En qué punto se encuentra vuestro nuevo disco? Aurora: Pues ahora mismo está en la fábrica ya directamente, si, porque ya está grabado, está masterizado, está todo, está hecho el diseño, eso, lo están fabricando Josephine: Si, lo vamos a teber yo creo que en mano la semana que viene, pero no lo hemos visto, el diseño, todavía Prontito ya Aurora: Sí, pero hasta finales de Enero no es oficial El 17 de Enero en www.origamirecords.com y a partir del 24 en tiendas.
¿Qué diferencia vamos a encontrar con respecto al disco anterior? Aurora: Pues, bueno, hemos introducido sintetizador digamos como lo más nuevo, luego también creo que a nivel musical, ahora mismo, es un poco más potente en cuanto a que hay más rock, un poquito más rock ahí de AAAAh Josephine: No death metal
94
Aurora: No, pero es más, es más intenso Josephine: Es más seguro, porque el primer disco era el primer disco, y no teníamos, estábamos experimentando, estábamos empezando. Y ahora sabemos lo que queremos hacer, y entonces las canciones son más fuertes y menos, puede ser más seguras, puede ser menos íntimas, porque la idea es que sean más... menos una chica en su habitación, tres chicas en este caso, en la habitación tocando para ellas, para sus adentros. Este disco es más como para compartir con todos, no sólo para nosotras Aurora: Es más banda Alisha: Sí, es más banda y, pero lo que conecta al disco anterior, creo, es que es bastante, hay estilos distintos en cada canción, que eso es bastante parecido Aurora: Es bastante heterogéneo también Josephine: Sí, igual esquizofrénico (risas) ¿Qué importancia tiene myspace en vuestra carrera? Alisha: Ha sido muy importante para nosotras, es donde hemos conocido a mucha de la gente que nos conoce, es así Aurora: Y nuestra carta de presentación, realmente, digamos, las discográficas con las que nos pusimos en contacto, digamos que si se interesaron fue porque pudieron escuchar nuestra música a través de myspace ¿no? O nos hubiésemos ido a su casa Josephine: Pues al final es lo que hicimos Aurora: Bueno, vinieron Josephine: Porque el sello que al final escogimos nos vieron al principio en myspace, pero no sabían si..., no estaban superseguros, querían ver en directo, entonces vinieron a mi casa, a mi piso y las tres hicimos un miniconcierto para ellos, era como una entrevista de trabajo pero con instrumentos Aurora: Sí, sí
95
¿Cómo es el proceso de creación de una canción? Josephine: Suelo pensar yo o una de las chicas en una base, digamos como con las estrofas y los estribillos,ideas más o menos ya hechas, y siempre tenemos dos o tres veces a la semana nos reunimos para practicar, para ensayar y también para improvisar. Entonces, pues en estas sesiones vamos trabajando las canciones y experimentando ideas, probando ideas y luego elegimos las que más nos gustan y ahí va ¿Qué os inspira a la hora de escribir las letras? Alisha: Bueno, la letra es ella (risas) Esta es una pregunta... Josephine: A ver qué dice (más risas) Pues libros. Los libros que leo, muchas veces me inspiran con sus personajes, pero también gente que conozco en mi vida que me, sus decisiones y sus vidas me interesan y escribo sobre ellos, y muchas veces cosas que leo, además de los libros, pues en los periódicos y tal, estoy muy interesada en lo que está pasando en otros países y en el resto del mundo, y también en la historia. Al final no hay nada que pueda decir: así es el proceso de creación de mis letras. Es diferente en cada canción, pero no suelo escribir sobre mi vida porque, pues, las vidas de otros suelen ser más interesantes
¿Qué hacéis con los temas que descartáis del disco? Josephine: Sí, a veces, por ejemplo, creo que en nuestra edición japonesa han incluido dos canciones que no hemos incluido, porque para ellos estas dos canciones encajaban mejor en su rollo japonés, que curiosamente quitaron las dos canciones que más sonaba "electrónica" y pusieron otras canciones que más acústicas son, suenan menos electrónicas y más acústicas. Que me resulta curioso porque es Japón y yo esperaba que, como son tan tecnológicamente avanzados, que les
96
gustaría la electrónica pero es al revés, a lo mejor por tener tanta tecnología en sus vidas buscan algo más... Aurora: Más orgánico Josephine: Orgánico, sí. Sí, pero es muy interesante intentar combinar instrumentos de ¿miles de años? o ¿cientos de años? El chelo y la viola... Aurora: Cientos, cientos Josephine: Bueno, cientos de años. Han existido estos instrumentos cientos de años y han ido perfeccionando el sonido. Combinar esto luego con instrumentos nuevos como sintetizador y bits programados, y cosas así, me interesa muchísimo, porque es como fusionar lo mejor de hoy y lo mejor de la historia ¿Por qué Madrid y no Australia o Estados Unidos? Aurora: Nos conocimos aquí Alisha: Sí, sí Aurora: En Madrid, en España. Básicamente es por eso, si fuese yo la que hubiese emigrado para Australia o Estados Unidos a lo mejor, o a lo mejor no nos habíamos conocido nunca, no se sabe Josephine: No, no creo que tuvieras ganas de emigrar a Australia Aurora: En España se vive muy bien Alisha: Si, si Aurora: La prueba viviente sois vosotras Josephine: Claro, estamos aquí, si. Vinimos a Madrid para tener una experiencia cultural, y al final hemos importado nuestras culturas, porque la música al final no es música española realmente, es música de muchas, sí, muchos países, pero no es flamenco. En el futuro a lo mejor aprendo algo de guitarra, flamenco e intento combinarlo, pero ahora mismo no, todavía no, es muy difícil el flamenco
97
¿Qué otras inquietudes artísticas tenéis? Aurora: A mí me encanta dibujar, me encanta escribir, bueno, leer aparte también, pero artísticas en cuanto a producción artística pues escribir y dibujar, mucho Josephine: Aurora dibuja superbien, tenemos miedo que nos vaya a dejar para ser ilustradora profesional Aurora: No, a tiempo parcial ¿Qué recuerdos tenéis de vuestros viajes por Vietnam o Japón? Aurora: Mola un montón Josephine: Los olores de Vietnam Aurora: Sí Josephine: Hay muchos olores que te atacan en la calle Aurora: Bueno, te atacan, bueno, te invaden más que atacar. Hay de todo, para mí
son
bastante
agradables,
aunque
algunos fueran a pescado y, por el hecho de ser vegetariana, un olor que me resulta un poco fuerte, no me, pero me Alisha: La comida en la calle, eso me gustaba mucho Aurora: O sea, yo tengo el recuerdo del coco fresco, beber lo que es la leche de coco en un coco verde. Lo mejor Alisha: Yo, me sorprendía lo de las mujeres. Se llevan ropa muy, muy, bueno, no se como decirlo, elegante, se vestían Josephine: En Vietnam Aurora: En Vietnam Alisha: Si, en Vietnam se vestían muy, muy elegante, pero estando en una motocicleta con tacones de así (hace un gesto con la mano indicando un tacon muy alto) ¿sabes? y muy, muy finas pero en una motocicleta ¿sabes? y era un contraste bastante, que no había visto
98
¿Qué diferencia habéis encontrado con el público occidental? Josephine: Ahí en los conciertos, totalmente, no hablan, ni una palabra Alisha: Nada, bueno excepto, no debería decirlo, había unas personas de fuera, algunos extranjeros que estaban hablando, por cierto en Vietnam, sí, sí. Yo pensaba: qué sorpresa, y les vi, entonces Ah, vale, pero es muy Josephine: También en Japón superrespetuosos, callados, y tocamos con otros grupos, y ellos también estaban superemocionados de tocar con nosotras. Nosotras lo pasamos muy bien. Aurora: Lo del bis Alisha: Lo del bis Aurora: En su cultura no existe el bis. Entonces, claro, en el primer concierto que dimos, después de que nos aplaudieran, salimos otra vez y tocamos, y nos preguntaron al final ¿y porqué salisteis?¿no habíais terminado? (risas) pues nada, es que en España hay bises. Afortunadamente había españoles, porque tocamos en un, digamos, lo organizó la embajada y había españoles. Pero estaban todos con una cara de susto Asombrados Aurora: Sí
¿Qué nos podéis contar de vuestra experiencia con The live in the living? Josephine: Tocamos en un piso en Madrid con, ¿la misma noche quién tocó? también el cantante de Gentle Music Men
99
Alisha: Sí Aurora: Con, cómo se llama Josephine: ... Aurora: No, era con el chico de ... Josephine: Ah, ok, si Aurora: Pero con su proyecto Josephine: Antuna Aurora: Antuna era ¿no? Josephine: Sí Aurora: Estaba haciendo los coros para... Alisha: Sí, sí, sí, sí Josephine: No, fue genial, todo el mundo sentado Alisha: Muy respetuoso y Josephine: Y escuchando Aurora: Me parece muy divertido Alisha: Sí Aurora: Además, aparte es que nos abrió las puertas para ir a Vietnam, porque digamos que una de las chicas que ha ayudado a organizar toda esta serie de conciertos, estaba trabajando en la embajada de Vietnam y fue la que nos propuso para ir allí Alisha: Sí, muy bien. Y es un concierto muy íntimo. Lo hacíamos en acústico y estás al lado de la gente, es más, es agradable boat beam en el test de
Un libro Josephine: Por ejemplo, Siddartha de Herman Hesse, me encanta Aurora: Si, a mi también Josephine: El perfume de Patrick Süskind Aurora: Me lo estás quitando
100
Josephine: La metamorfosis de Kafka Alisha: The unbearable lightness of being (La insoportable levedad del ser) I don't know... Kundera Josephine: Sí, Milan Kundera Aurora: Bueno, iba a decir uno de Rulfo, Pedro Páramo, La lluvia amarilla de Llamazares Alisha: Cien años de Aurora: Soledad Alisha: Si Aurora: Es que hay tantos Un disco Alisha: Para mí Astral weeks de Van Morrison es uno de los mejores de toda la vida ¿sabes? Josephine: Yo voy a decir uno muy cursi pero, bueno no cursi, pero no muy cool, es Stone Temple Pilots , el disco se llama, creo que se llama Tiny music, es el tercer disco de Stone Temple Pilots, muy noventa pero buenisimo Aurora: Pues yo voy a tener que decir la parte clásica. Nada, hay un disco que grabó Yo-Yo Ma, que es un chelista que adoro, que es solo obras para chelo solo y son obras contemporáneas, y va haciendo pues lo que es la ruta de la seda, y es increíble Una película Alisha: Yo, la primera que me ha venido es ... of death, ... de muerte, yo creo, es muy tonta pero es graciosisima y era una favorita de cuando era pequeña Aurora: Voy a decir Muerte en Venecia porque hace poco que la vi, hice un viaje a Venecia y me enamoré de Venecia, entonces, bueno voy a decir esa Josephine: Yo voy a decir una un pelín cool, Muriel's wedding (La boda de Muriel) que es buenísima, es muy divertida, graciosa Una serie de televisión Josephine: Twin peaks, sin duda Alisha: Es que no veo, no veo mucho la tele Josephine: Hay muchas ahora mismo que no vemos porque estamos de gira, estamos ensayando y no tenemos tiempo Alisha: Sí, ahora mismo se no nada, tendría que ser de los 90 Josephine: Northern exposure (Doctor en Alaska) Aurora: No, ni si quiera, no lo vi
101
Josephine: Mash Alisha: Mash sí, pero hace... hace muchos años Aurora: Yo debo de decir uno pero que no es tanto una serie como tal, un programa infantil que me encantaba de pequeña, que es El planeta imaginario Una canción Alisha: Nina Simone, fantástica Aurora: Las cuatro últimas de Mahler Josephine: Si, por ejemplo Girl anachronism de The Dresden Dolls, primer disco, yo, me parece una canción perfecta, es buenísima, esta canción me ha inspirado muchisimo Un lugar para vivir Josephine: El Puerto de Santa María, me parece un lugar buenísimo. España es un lugar... ahora mismo mucha gente se queja de España, no hay trabajo y hay problemas económicos, y eso sí es un problema, pero a nivel de poder disfrutar de la vida, las cosas pequeñas de ver a tus amigos, tener buen clima, tener naturaleza y playa, pero también una mezcla de culturas, una historia tan rica. Hay muchísimas cosas en España que se da por hecho y son muy interesantes Un lugar para perderse Alisha: ¿Berlín? Josephine: Ella dijo Berlín, yo no he dicho Berlín, pero... Aurora: Hombre, Venecia podría ser o, claro, cualquier bosque maravilloso de estos Josephine: Melbourne, Venecia, Praga Un medio de transporte Josephine: El tren Alisha: El tren Josephine: Nuestro preferido ¿no? Aurora: La bicicleta Josephine: O la bicicleta Alisha: Ah, si, no, espera, oh, bueno, quiero empezar a hacer skateboard pero tengo un poco de miedo de hacerme daño Josephine: Primero tienes que comprar un seguro para tus dedos Alisha: ¿Si? tengo para la muñeca
102
a Cooper El pasado 26 de Noviembre nos acercamos a ver otro de los fantásticos directos de Cooper en la sala Barabass de Cádiz y tuvimos la oportunidad de realizarle una entrevista unos minutos antes de salir al escenario.
¿Cómo llegaste a ser un mod? No me acuerdo. Tengo 43 años, empecé con 15 años o 14, una cosa así, no tengo un recuerdo claro. Vivía en Madrid, vi mods por la calle, me interesaba, vi a los Jam en Aplauso, en un programa que había de televisión, me gustó. Y luego con... sí, 14 años o 15, me fui a vivir a León y, poco a poco, los recuerdos que yo tenía de mi infancia en Madrid pues me vinieron a la memoria y me empezó a interesar la escena mod. No recuerdo muy bien si fue a la vez, una mezcla de los Jam, de los grupos de ska que había en aquella época: Madness, los Specials, la influencia Quadrophenia, Los Elegantes, los primeros Brighton 64... todo, todo en conjunto, de una manera bastante reflexiva, seguramente. Dicen que los viejos rockeros nunca mueren, ¿y los viejos mods? Siempre ha existido el mito de que los rockeros envejecen mejor que el rollo mod, que es parte como muy adolescente, pero mi generación estamos para romper este mito, porque tengo 103
muchísimos amigos en todo el mundo de más de 40 años, que siguen viviendo el modernismo con pasión, y que siguen yendo a rallies, andando con sus scooters, escuchando música, y vistiéndose y peinándose como se han vestido siempre... entonces lo que fue un principio una escena juvenil ha dejado de serlo. ¿Cómo ves el futuro de la música mod en el panorama musical español? Panorama es una palabra muy fea, no me gusta nada. La música mod... no existe la música mod, existen grupos que tienen influencias, grupos que se autodenominan mods, o algunos de sus componentes. No estoy tampoco tan al tanto, ni si quiera usas ese tipo de distinciones. A mí cuando me gusta un grupo, me gusta, y me da igual... entonces no tengo una visión clara de si hay una serie de bandas dirigidas a esa escena en concreto. Sé que tengo amigos que tocan en grupos y que lo hacen muy bien, hay bandas interesantes, ha habido tiempos mejores también, seguramente, pero bueno, goza de buena salud.
¿Cómo recuerdas tu primera actuación? La primera vez que me subí a un escenario fueron las fiestas de un colegio, o un instituto, algo así, entonces tengo muy poco recuerdo. De una o dos canciones tocadas con amigos, igual hasta con guitarras españolas, o con una eléctrica enchufada a un amplificador de 5 watios, cosas así. La primera vez que me subí de una manera un poco más respetable, fue con un grupo que tenía antes de Los Flechazos, se llamaban Opera Prima, hicimos de teloneros de Loquillo y Los Trogloditas cuando presentaban el lp 'El ritmo del garaje' en mi ciudad, en León. Tengo buenos recuerdos de ese concierto. Me gustaron mucho, nosotros a ellos les hicimos mucha gracia, teníamos a nuestros 104
seguidores, a nuestra esfera más o menos conocidillo y fue muy divertido. Una época buena. ¿Cuáles eran tus referentes cuando comenzaste y cuáles son ahora? Pues cuando yo empecé en el mundo de la música me gustaba mucho Simon y Garfunkel, me gustaba mucho los Beatles, me gustaban las bandas españolas de guitarras como Nacha Pop, Los Secretos, Los Pistones... esas cosas. Poco a poco me fui introduciendo en el mundo mod, en los años 60, no solamente Beatles y Rolling Stones, sino Kinks, Small Faces... tengo el recuerdo de que eso vino después, pero claro, debe ser que en vez de hace 30 años, hace 28 con lo cual, en realidad forman parte de mis primeras influencias. Yo sigo escuchando música de ahora y música de entonces, no hago gran diferencia y en la furgoneta siguen sonando bandas clásicas y no lanzamientos de... para que te hagas una idea el último lp de Supercham suena mucho en la furgoneta, me gusta mucho el sonido y todo, pero luego puede sonar un artista de soul, de los años 60 después, cosas así con pocos prejuicios. ¿Qué queda del Alex fanzinero? Mucho, de hecho haber sacado el libro 'Club 45' ahora es prácticamente seguir la misma linea que yo hacía en los 80. Durante mucho tiempo he estado sin escribir, pero ya notaba yo que cada vez que hacía falta una pequeña reseña sobre "¿cuál fue tu concierto...?" revistas como Rolling Stones, y otras y tal, siempre me estaban llamándo a mi, yo decía porque '¿soy el único que se lo quiere hacer, o que les gusta como escribo?'... y al final me animé a hacer el libro y lo he hecho desde la perspectiva del fanzine. No creo que sea un libro academicista sino todo lo contrario.
105
¿Qué representan Los Flechazos en tu vida? Pues mi juventud. Los Flechazos fueron una historia muy divertida, muy apasionante, y seguramente la que más popularidad me ha dado en toda mi vida, y yo soy Alex Cooper para todo el mundo, pero para mucha gente seguiré siendo el de Los Flechazos toda mi vida. Lo tengo muy asumido, lo llevo con orgullo. Fuiste uno de los organizadores durante varios años del Purple Weekend ¿qué aprendiste de esa experiencia? Mucho. Lo más importante que aprendí es que con ganas, y con esfuerzo, y con movimiento, y con acción puedes conseguir que cambie tu entorno, y me gustaría haberlo transmitido aún más a la gente, para que se dieran cuenta. Porque cuando yo llegué a León no había mods, y eso no existía, y ahora hay poca gente que no relacione una cosa con la otra en el mundo de la música. Y he tenido experiencias muy buenas en el Purple Weekend, porque muchos de mis artistas fetiche han acabado pasando por mi pequeña ciudad del norte de España, he estado cenando con ellos, en su camerino, o disfrutando de su música en directo, y han sido experiencias que ya han pasado, pero experiencias inolvidables.
¿Crees que el ser músico en la periferia te hace ver las cosas con otra perspectiva? Yo creo que sería igual en cualquier sitio, pero de alguna manera tiene que influir. No exactamente no estar en Madrid, sino estar en León tal como es, el frío... muchas otras cosas. Desde luego es mucho más difícil de conseguir tus metas, que estando en el meollo donde pasa todo, porque la gente te conoce menos, la gente de la industria. Pero he conseguido encontrar un balance, un 106
equilibrio muy bueno entre mi vida personal y mi vida como músico, me da muchas satisfacciones lo que es el equilibrio de las dos cosas, y ahora mismo no echo en falta nada. ¿Por qué es tan difícil encontrar una sala de conciertos con un buen equipo de sonido y una buena acústica? Porque la música Pop y el Rock and Roll no tiene el respeto de la sociedad. Un poco la zona paria de la cultura ¿no? Tengo amigos que están en grupos de teatro, amateurs, y cuando hacen una obra tienen más atrezzo, más luces, más equipos de sonido, una sala más especial, porque es que sino no se puede hacer y nosotros lo hemos hecho muy fácil para la gente y para todo. Podemos tocar encima de un carro si hace falta, y eso ha ido en perjuicio de la música, y encima no hemos conseguido el objetivo, porque el objetivo que era defender la idea de músico a la manera tradicional, el tío que se sube una vez a la semana a un escenario a tocar música para divertir a los demás, de baile ¿sabes? para decirlo de alguna manera, se ha dejado a un lado, y todo el mundo quiere soltar su rollo y cantar su mierda encima de un escenario que, es lo que decía Miles Davis ¿no?, yo lo entiendo, a mi también me parece bien, pero se ha perdido la conexión con el público para intelectualizar la música. Y esa intelectualización no ha sido tan fuerte como para que las instituciones pongan la pasta a saco en las expresiones de Pop o de Rock and Roll como si fueran algo cultural en sí. Las instituciones sí van poniendo mucho dinero para las cosas que funcionan comercialmente, y en cambio los que están tocando su música y tal, se ven reducidos a pequeños sitios. Aún así, la felicidad para muchos se encuentra encima de un camión...[] Yo no tengo queja, yo sigo disfrutando, me gustaría poder tocar más, me gustaría que las ordenanzas municipales en la mayoría de los sitios de España favorecieran, y pasara como en Francia, que las salas de concierto son salas de equipamiento cultural, y no dependen del Ministerio de Industria sino del Ministerio de Cultura, y que todo esto fuera más fácil y tal. Pero no existe esa sensibilidad en la sociedad, entonces por ahora está muy lejos. Llevas 26 años en el mundo de la música ¿cómo se puede mantener la ilusión durante todo ese tiempo? A mi me tendrían que explicar cómo se puede perderla, porque es lo que no sé, lo que no conozco. He tenido momentos en mi trayectoria de no querer tocar más, de que, bueno, 'estoy un poco harto', tal, vale, pero en general, siempre vuelvo a coger la guitarra y a subirme a un escenario porque me siento cómodo, me siento feliz, y no conozco la otra sensación O sea, no tengo que hacer un esfuerzo, ni por ser como soy, ni por vestir como me visto, ni por tocar las canciones que toco, es que me sale, es que no lo puedo evitar. Entonces para eso no tengo respuesta, para esa pregunta.
107
Decidiste abandonar los discos por los singles y ahora vuelves a sacar un disco. ¿A qué se debe? Pues a que las rutinas me aburren, y llevo desde el 2002 sacando eps, en esta lucha quijotesca, una vez más, por cambiar el cimiento de la industria musical, por demostrar que no es necesario sacar álbumes y al final el único que se lo ha creído soy yo y mi compañía, porque los medios de comunicación me hacen caso cuando saco un álbum, los festivales nos llaman para tocar cuando tenemos un álbum nuevo, podemos hacer giras prácticamente cuando tenemos álbum nuevo, los singles han sido anécdoticos, un precioso camino, han sido número uno de ventas siete semanas seguidas y lo que tú quieras, pero es todo una gran mentira. Y por otra parte me he cansado un poquito de la dinámica de los singles, igual que me cansé en su momento de los lps. Entonces me hace ilusión preparar un álbum entero, que... pienso en los fans del grupo, que van a recibir de repente diez canciones u once de un sopetón, y las van a tener que digerir. Tengo curiosidad por ver qué pasa con eso, y luego, si existe un proyecto con un productor en un estudio interesante, bien enfocado promocionalmente y tal, merece la pena hacer el esfuerzo de grabar un álbum. Vamos a ver qué pasa.
¿En qué punto se encuentra tu próximo disco? Muy verde todavía. Tenemos siete temas. Hay que hacer más, estamos ensayando, nos gustaría grabarlo el año que viene, que ya se verá si nos da tiempo o no. Nosotros vamos a nuestro ritmo. Todavía ni siquiera tenemos decidido en qué estudio de grabación se hará, ni cómo se llamará.
108
¿Cuántas veces revisas un texto antes de darlo por bueno? Muchas. Muchas, de hecho puedo estar dos meses con dos estrofas hechas y que no me salgan las otras. Pero no es que sea perezoso, es que no encuentro muchas veces el hilo del que tirar para que salgan las palabras que quiero utilizar, y luego una vez que está hecho si las cosas me chirrían, reviso y reviso hasta que queda definitivamente cerrado. Me resulta un reto, me hace mucha ilusión utilizar palabras que no se utilizan normalmente en las canciones, he tocado aquí 'cierra los ojos magenta', ¿cómo puedes decir magenta en una canción? bueno, el reto es decir magenta y que no suene raro, ese tipo de cosas... agorafobia, magenta... también hablo mucho del amor, y del corazón, y del mar, y de la lluvia, eso también está, pero me hace ilusión eso. Pero si de repente algo chirría más de la cuenta y no suena natural me asusto y lo cambio.
Para ti es importante la estética del disco (portada, interiores) pero todo eso desaparece con el formato digital, ¿crees que ha llegado el fin de una era? No porque yo confío en que hay mucha gente todavía a la que le gusta tener el objeto entre las manos, mirarlo cuando está escuchando la música, escucharla tranquilo en casa. Mi música va dirigida a esta gente, mi música no es para escuchar en un ascensor, y no es para escuchar con unos pinganillos en los oídos que te quitan mogollón de frecuencias, en mp3, que tienes como un 40%, un 35% de la información real de lo que se ha grabado. Conozco a amigos que trabajan en prensa y les mandan para oir en el ordenador los mp3 del disco nuevo de tal o cual artista, y hacen la entrevista al artista, y '¿qué tal? ¿te ha gustado? hemos sacado un sonido de los bajos muy interesante y tal' 'no me hables de los bajos, en mi ordenador no sonaban, no se si tiene bajos tu disco'. O sea, me parece muy triste llegar a esa simplificación de la música, a eso, hacerlo tan 109
escueto, tan de alambre, entonces como creo en la música para escuchar tranquilamente, también, claro, música para visualizar y de todo, me interesan otros formatos, me interesan los videoclips mucho, por ejemplo, y a eso sí le presto atención. ¿El final de una era? yo creo que ya hace tiempo que fue el final de la era de la música Pop. Estamos supervivientes con cuentagotas. Lo que hay en los grandes medios no es música Pop, es otra cosa, y los artistas de cierto nivel, yo les veo en festivales, artistas internacionales de gran prestigio, les veo en festivales y a mí me parecen muy malos, una gente muy consagrada que no tiene mucho que aportar, y la música se da vueltas una encima de otra, pero a mí me apetece hacer canciones, y no me importa que suene a conocidas, entonces ahí seguimos, es mi forma de vida. También las Lambrettas se dejaron de fabricar en el 73 creo, pero yo tengo una del 63 y sigue funcionando, yo creo en la cultura de lo antiguo y no en la de lo viejo.
¿Qué sientes cuando un grupo versiona alguno de tus temas? Pasa muy pocas veces ¿sabes? hay muy pocos grupos que hagan versiones de Los Flechazos y no he oído ninguna de Cooper, por ejemplo. La mayoría de las veces es una gran alegría y mucha sorpresa, precisamente por eso. Me lo preguntaron el otro día en una entrevista, y en realidad tengo la sensación de que las canciones que yo he hecho a lo largo de mi carrera, todo el mundo las percibe como muy personales, como con un código que son difíciles de trasladar a otra banda, pero luego cuando Airbag coge 'La chica de Mel' y la hacen, todo el mundo se da cuenta de que se puede hacer. Hace falta cierto desparpajo para hincarles el diente. Me gusta mucho.
110
¿A qué película te hubiera gustado hacerle la banda sonora? A ninguna porque las bandas sonoras, o sea, hacer una banda sonora es una cosa a la que yo le tengo mucho respeto y para eso hay que ser un músico con mayúsculas, y yo no me considero tal. A mí me gustaría que canciones mías inspiraran de tal manera a una persona para hacer una película, que la escogiera como banda sonora, me gustaría que Sofia Coppola, que tiene muy buen gusto, dijera 'joder, esta canción qué bonita' y la metiera, eso sería un sueño. Pero si Sofia Coppola me llamara '¿Quieres hacer la banda sonora de mi película?' le diría que no porque no me veo capaz. ¿Cuál es el último single que te has comprado? El de un grupo de chicas que se llama The Like, que son un hype, como dicen los ingleses.?.. Ese es brutal, porque es un grupo de mentira, se nota desde el principio hasta el final del videoclip, pero mola muchísimo. Unas chicas que van rollo grunge o así, y de repente se han pasado al rollo chics, tienen un video brutal, se llama He's not a boy, pero me gusta mucho la canción y me la he pillado en single. ¿Te queda sitio en tu casa para seguir coleccionando? Bueno, no tengo tantos discos si te digo la verdad, creo que colecciono más revistas de música que discos pero... me he pillado un chalet, me voy a llevar la colección a la otra casa. ¿Qué te llevó a escribir un libro como Club 45? Pues que me gusta, y que me gusta que la gente lo disfrute también, y poder contarles a los que lo van a leer cuáles son mis canciones favoritas, porqué, anécdotas y tal, el bagaje que tienes. Es que me parece muy egoísta no compartir con los demás las cosas que a ti te han pasado. Yo cuando era pequeño iba con el ajedrez por la casa a ver quien quería jugar, si mi hermana estaba leyendo decía 'espera a que acabe el capitulo', pero, y yo cuando leía un libro que me hacia gracia y me gustaba se lo quería contar a alguien, eso va en tu forma de ser, a mí me han enseñado a ser así desde pequeño y soy así. ¿Puedes contarnos alguna anécdota? Es que siempre cuento la misma, pero te la vuelvo a contar. Yo tenía mucho miedo de editarme el libro, porque yo no sabía lo que era ser un editor. Entonces tengo amigos que sí que son 'Ah, vas a ser autor y editor' me acojonó bastante, y luego cuando estaba con el libro, llevándolo a las tiendas y tal, en Madrid, en una tienda, me acerqué a la tienda y tal, y le dije a la chica de la tienda, 'fíjate, yo no sabía y ahora soy autor y editor', y el chaval que estaba en el ordenador miró y dijo 'y distribuidor', porque también estaba con la maleta llevándolo a las tiendas de un sitio a otro, y este háztelo tú mismo me llama la atención, me gusta, ha sido una buena idea. ¿Piensas sacar más libros? Seguramente.
111
Cooper en el test de
Un libro Un libro, Groovy, de José María Carrascal Una película The knack, de Richard Lester Una serie de televisión Con ocho basta Una canción Una canción, 'All or nothing' de los Small Faces Una prenda de vestir Desert Boots Un fotógrafo Jean-Marie Périer, fotógrafo francés de los 60 Un lugar para vivir San Sebastián Un lugar para perderse Londres Un medio de transporte Scooter
112
113
114
Década de los ‘90 ________ El inquieto creador que es Frank Miller, quizás algo cansado de los cómics de superhéroes y sus convenciones o temiendo encasillarse, decidió probar aires nuevos fuera de las grandes editoriales (DC y Marvel) y comenzó a trabajar con la independiente Dark Horse. Allí se encontró con total libertad creativa para hacer cuanto quisiese. Así, en 1990 crea, junto al dibujante Geoff Darrow, la novela gráfica “Hard Boiled”, una violentísima historia que mezcla género negro y ciencia ficción. Una obra divertida y oscura al mismo tiempo que hizo las delicias de los seguidores de Miller. Ese mismo año, comenzaría con otro dibujante (Dave Gibbons) una colaboración que perduraría durante algunas novelas ambientadas en la sátira política, violenta y futurista. El primero de estos títulos sería “Marta Washington: Give me Liberty”. Durante toda la década le seguirían otros cuantos títulos más protagonizados por el mismo personaje: la guerrillera salvaje Marta Washington.
Sin City Pero sin duda, la gran obra de Miller en esta década es la extraordinaria “Sin City”. Bajo este título se engloban una serie de historias independientes ambientadas en la endiablada ciudad de Basin City, también conocida como Ciudad del pecado. Asesinos, prostitutas, políticos y policías corruptos, sicarios, mafiosos, perdedores… Estos son los personajes que pueblan las historias de tan violenta ciudad. Aunque cada novela es independiente, los personajes son recurrentes y se entrecruzan constantemente, dando así una sensación de unidad a la obra. Miller se encargó del
115
dibujo y del guión. Para muchos, esta obra supone el apogeo artístico de Frank Miller a nivel gráfico. El negro destaca exageradamente en el dibujo y los formidables claroscuros que el artista crea, junto con la enorme expresividad (a veces muy dura) que los propios dibujos destilan, dotan a cada una de las viñetas de una belleza brutal.
No voy a extenderme más en las características artísticas de esta obra cumbre de Miller, pues ya fue objeto de análisis en números pasados de Jazz Maestro. Prefiero que sean las palabras del propio dibujante las que definan este magnífico trabajo. Así hablaba Frank Miller sobre el por qué de “Sin City” en una entrevista, así como del peculiar estilo que impregna la obra: “Siempre he sido fan de las historias policíacas y de crímenes, desde crío. Por eso me atraían también los superhéroes que no tenían poderes, como Batman y Daredevil. Tras una crisis en la que me tiré 2 años sin dibujar (era la primera vez en mi vida que había dejado de dibujar), decidí volver a hacerlo, pero esta vez sin compromisos, simplemente trabajar en lo que quisiera hacer, en lo que me apeteciera realmente. Tomé algunas notas sobre lo que sería Sin City y empecé a trazar dibujos. Nunca me había puesto a hacer nada pensando menos en el público. Fue muy gratificante. […] Era también la primera vez que trabajaba en blanco y negro. Quería aprovechar al máximo el potencial del blanco y negro y presentar un ritmo diferente. Quería encontrar un territorio intermedio entre el congestionado ritmo de los cómics americanos y el manga japonés, mucho más rápido. Empecé a pensar en términos de formas negras y, por supuesto, el mismo tiempo estudié a los autores que mejor manejaban el blanco y negro en el medio. Como Eisner, Wallace Wood o Johnny Craig. Han sido una serie de experimentos en busca del mejor ritmo. […] Mi perspectiva sobre esta obra es esencialmente romántica. Se llama “Sin City” porque básicamente trata sobre la moralidad. Gente corriente puesta a prueba en un entorno corrupto y violento. Eso tiene que ver con quién soy y con la clase de historias que me gustan”.
116
La calidad de las distintas novelas que se engloban bajo el título de la serie es variable, como es lógico. En general se trata de una obra muy notable en la que destacan, fundamentalmente, 3 o 4 historias. Mis preferidas son las primeras, de imprescindible lectura: “El largo adiós”, “Mataría por ella”, “La gran masacre” y “Ese cobarde bastardo”. Para muchos, “Sin City” es la última gran obra de Miller y el punto más álgido de su carrera. Opinión que no comparto. Al menos no en su totalidad. Posiblemente sea su última gran obra como autor, pero no es la mejor. Yo me quedo con todo su trabajo en Daredevil en general y con algunos momentos de Batman.
300 En 1998, Fran Miller escribió y dibujó una obra de corte épico que recogía la leyenda de la batalla de las Termópilas y la valiente actuación de Leónidas y su ejército de 300 espartanos contra el impresionante enemigo persa. Si en “Sin City” el dominio del blanco sobre el negro era abrumador, en este otro trabajo el color alcanza un protagonismo verdaderamente reseñable. Además, desde el punto de vista formal, se trata de un proyecto poco común, pues Miller concibió cada doble página del cómic-book como si fuera una sola plancha. Su posterior recopilación en libro de tapa dura (como fue publicado originariamente en Europa) convierte esas dobles páginas en páginas únicas en formato apaisado, lo que lo convierte en un cómic atípico ya desde su misma presentación física. Desde el punto de vista del dibujo, el resultado es absolutamente fantástico. El color de Lynn Varley (su esposa) es la guinda al trabajo de Miller. La obra recibió multitud de premios y, aunque algunos detractores la acusaron de cierta falta de rigor histórico en algunos pasajes, en general la crítica aclamó al cómic como una de las grandes obras de Miller de siempre.
“300” está llena de aciertos. Además de la arriesgadísima composición de página, del detallado dibujo de Miller y de la explosión de color de Varley (todo lo cual constituye una maravilla visual), la historia está muy bien narrada, aún con sus licencias históricas. Miller sabe impregnarle el ritmo narrativo y la fuerza expresiva que toda obra épica requiere. Quizá los diálogos no son los mejores de la carrera del artista, pero, en conjunto, se trata de un cómic poderosamente atractivo.
117
Retorno al hombre sin miedo Frank Miller siempre ha declarado que siente predilección por el personaje de Daredevil. Recuerdo haberle leído en alguna entrevista que nunca le interesaron demasiado los superhéroes invencibles con grandes superpoderes. Por eso ha mostrado siempre inclinación por Batman o el Hombre sin miedo: al fin y al cabo se trata de tipos normales con recursos humanos, no de semidioses. Le leí que lo que más le fascinaba de Daredevil era la superación de su minusvalía. Un hombre ciego, sin superpoderes (excepto una especie de radar que amplifica su oído y le permite “ver” siluetas), que es capaz de lanzarse al vacío desde la azotea de un edificio y enfrentarse a los más poderosos villanos. Era cuestión de tiempo que volviera a retomar al personaje después del “Born again”. En realidad, a finales de los ’80 lo había hecho ya en dos ocasiones. Ambas junto al extraordinario y originalísimo dibujante Bill Sienkiewicz. En la primera (con título “Daredevil: Love and War”), Miller cierra algunas incógnitas que habían quedado pendientes en su última etapa de Daredevil, fundamentalmente con el impresionante personaje de Kingpin. Y en la segunda de esas colaboraciones con Sienkiewicz (titulada “Elektra asesina”) supone una especie de precuela al personaje de la mítica asesina a sueldo, su origen y su trágico pasado inspirado en su homónimo mitológico.
Se trata de dos cómics muy buenos en los que el dibujo de Bill resalta de forma espectacular (aunque se trata de un dibujante con un particularísimo estilo gráfico, no siempre aplaudido, ni mucho menos). El hecho de que Miller otorgue más importancia a otros personajes que al propio Daredevil (a modo casi de spin off), no hace que pierdan un ápice de interés. Son dos obras de culto para los seguidores de Daredevil y, en especial, del propio Miller. Imprescindibles ambas. En 1990, una vez que Frank ha abandonado temporalmente las grandes editoriales, realiza para Epic Comics una última obra sobre el personaje de Elektra: “Elektra lives again”. Esta vez encargándose
118
también del dibujo junto al color de su esposa Lynn. Otra obra fabulosa, sin duda. Llega un momento en el que Miller se siente tan identificado con el personaje, que trata a Matt Murdock como un viejo amigo. Sabe las teclas que ha de tocar en cada momento y lo hace muy bien. Con esta obra trata de liberar definitivamente al Hombre sin miedo de sus fantasmas pasados y escapar por fin de ese pensamiento recurrente: Elektra. Quizá esta no sea la mejor obra de Miller sobre Daredevil, pero es indudablemente un epílogo necesario a esa etapa del personaje. Parecía que con este cómic, Frank quería cerrar todas las puertas, atar todos los cabos sueltos durante años, darle un final apropiado a su relación con Daredevil y, de alguna manera, liberarle y liberarse. Sin embargo, esa “separación” apenas duraría 4 años…
Y es que, a finales de 1993, se publica “Daredevil: el hombre sin miedo”, con guión de Frank Miller y dibujo de John Romita Jr. No puedo ser objetivo con Junior. El joven dibujante (hijo del gran maestro de la época dorada, John Romita, el mismo que dibujó la muerte de Gwen Stacy en brazos de Spiderman décadas atrás) es, para mí, el mejor artista gráfico del mundo del cómic. Por eso, quizás, tengo predilección por esta obra. Esta vez Miller se centra en el origen del personaje y narra su infancia, las circunstancias vitales que le llevan a convertirse de adulto en un vigilante, el accidente que le dota de su habilidad para superar la ceguera, su entrenamiento físico, su encuentro con la joven Elektra (antes de convertirse en una asesina) y su primera separación de ella y sus primeros pasos como abogado. Podría decirse que se trata de un cómic de un superhéroe sin superhéroe. Pero la verdad es que a estas alturas de la película, no hacía falta. La identificación de Miller con el alter ego de Daredevil (Matt Murdock) y la importancia que había sabido impregnarle al hombre que estaba debajo de la máscara era tal, que no se echa de menos, en absoluto, la acción propia de otras viñetas de este tipo de cómics. Llegó un momento en el que los fans de Miller (al menos a mí me pasaba) querían conocer más cosas de Matt. El abogado ciego es realmente el protagonista de las grandes historias que Miller creó para Daredevil. Y quizás ese sea el mayor acierto de tan exitosa colaboración. Siempre ha corrido el rumor de que esta obra era, en realidad, el guión de una adaptación cinematográfica que el propio Frank tenía escrito para llevarlo al cine. Y es muy probable que así
119
fuera. Durante toda la década de los ’90, Hollywood comenzó a interesarse vivamente por los personajes de Marvel y DC y Daredevil era uno de los que siempre sonaba. No es de extrañar que algún director le pidiese a Miller que escribiese un guión contando la historia del Hombre sin miedo desde el principio. Lamentablemente esa película jamás se hizo. Hubo que esperar al año 2003 para presenciar el esperpento protagonizado por Ben Afleck en la única adaptación cinematográfica hasta ahora del personaje. Y eso que era una película que recogía, casi en su totalidad, las tramas ideadas por Miller durante años. Incluso, el propio Miller, hace un cameo en el film. Pero la película, lastrada por un presupuesto bajísimo para un proyecto de esa envergadura, y por unas actuaciones lamentables de los actores, se quedó en un buen intento, siendo generoso. “Daredevil: el hombre sin miedo” es, por tanto, una obra perfecta para acercarse por primera vez al personaje, para saber cómo empezó todo. Aunque también resulta una interesantísima precuela en la que multitud de piezas “encajan” gracias al buen hacer de Miller como escritor. Desde el punto de vista gráfico, ya lo he dicho: no puedo ser imparcial. John Romita Jr. me parece, sencillamente, el mejor. Pero es que, además, él mismo ha reconocido que este sea posiblemente su mejor trabajo. Una obra maestra.
Última década. ¿La decadencia de Frank Miller? Que conste que es una pregunta que muchos aficionados al cómic y fans del escritor y dibujante se llevan haciendo años. Obviamente uno espera que la respuesta sea negativa y aún creo que el singular artista tiene tiempo por delante para seguir sorprendiéndonos con su impresionante talento. Pero lo que sí es cierto es que en esta última década su trabajo en el mundo de los cómics no ha rozado siquiera las cotas de antaño. Es verdad que en los últimos años Frank Miller se ha asomado más a Hollywood que a las viñetas. En realidad, siempre fue una cuenta pendiente de un tipo tan creativo y tan inquieto como él. Años atrás ya hizo sus primeras incursiones escribiendo el guión de “Robocop 2” y “Robocop 3”, las secuelas de una película de gran éxito durante los ’80, pero que hoy han quedado bastante desfasadas. Como he comentado antes, es más que probable que el
120
proyecto de llevar a Daredevil al cine contase con él como escritor, aunque finalmente (y por desgracia) nunca se llegó a hacer esa película. Y la que se hizo años después (en la que no tiene nada que ver Miller) deja bastante que desear en general. En todo caso, el Miller cineasta tiene también sus luces y sus sombras. El primer proyecto en el que trabajó como realizador fue la excelente “Sin City: Ciudad del pecado”. Basada en algunas historias de su aclamado cómic y contando en el apoyo en la dirección de Robert Rodríguez y Quentin Tarantino; la película es absolutamente extraordinaria. No sólo cuenta con un gran elenco de actores: Bruce Willis, Mickey Rourke, Clive Owen, Jessica Alba, Benicio del Toro…, sino que supone una fiel adaptación del universo gráfico del cómic. Ése es, además del magnífico guión de las historias (escrito, obviamente, por Miller), el gran acierto de la película: una cuidadísima fotografía en la que destaca el negro y una ambientación muy similar al cómic. La película fue rodada casi copiando cada viñeta, no sólo en cuanto a planos, sino en el tratamiento de la luz y el blanco y negro. Una maravilla que fue aclamada por la crítica ya que, no sólo supone el hecho de que un gran cómic cobre vida de una forma tan fidedigna, sino que, además, responde de la mejor manera posible a las convenciones del mejor cine negro de todos los tiempos. Un alarde visual sin precedentes en el cine moderno con regusto de clásico desde su mismo estreno. Es de esas películas que si ahora son buenas, dentro de 20 años serán absolutamente arrebatadoras.
Apuntar que Robert Rodríguez y el propio Frank Miller llevan casi 2 años preparando la segunda y esperada parte de “Sin City”. Parece que su estreno se llevará a cabo en 2011 y estará basada en algunas historias del cómic que no entraron en la primera película, con lo cual varios de los personajes de la misma volverán a asomarse a la ciudad del pecado. Menos aclamada por la crítica y por el público fue la segunda película dirigida y escrita por Miller, esta vez en solitario. “The Spirit” basado en el mítico cómic del gran maestro Will Eisner. En esta película, Miller sigue la misma estética iniciada en “Sin City” y la fotografía, la ambientación y el aroma a cómic de siempre resultan embriagadores. Desde el punto de vista visual, es otra obra maestra. El problema de la película es que quizás la historia adolece de la fuerza narrativa suficiente y los personajes resultan algo vacíos. Pasó sin pena ni gloria y muchos aficionados o críticos cinematográficos la han vilipendiado hasta casi la náusea. Pero no es una mala película. Se deja ver. Sobre todo para los que tenemos un cariño especial al enigmático vigilante del antifaz, el traje azul y la corbata roja. Es una película que sorprende por su torrente visual y que agrada a los fans del personaje pero que, evidentemente, no llega al nivel de “Sin City” ni mucho menos.
121
En cuanto al Miller de los cómics, en la última década apenas tenemos un par de trabajos reseñables. Muchos fans y buena parte de la crítica del medio han dejado caer opiniones demoledoras sobre el agotamiento de aquel genio que revolucionó los cómics hace 2 décadas. ¿Dónde está el Miller de “Born Again”, de “El regreso del señor de la noche” o de la propia “Sin City”? se peguntan muchos. Es indudable que en estos últimos años (quizás más pendiente de sus proyectos cinematográficos) no ha creado ninguna obra que pueda equipararse a aquellas y a otras de tiempos atrás. Pero de ahí a pensar que el talento se le ha agotado, dista mucho, creo yo. Las 2 incursiones más importantes de Miller en los últimos años tienen como protagonista a un viejo conocido del medio: Batman. En 2002, DC editó una miniserie titulada “El señor de la noche ataca de nuevo” (DK2 como es conocida entre los aficionados). Se trata de una continuación del magnífico Batman crepuscular que años atrás había ideado en la extraordinaria “El regreso del señor de la noche”. El público quedó dividido ante este trabajo: los hay quienes piensan que es un cómic fantástico, a la altura de su predecesor, y los hay quienes se sintieron realmente estafados y hasta criticaron con dureza el aspecto gráfico del mismo (nuevamente Miller se puso al mando de los lápices junto a su esposa otra vez encargándose del color). A mí me parece un cómic bastante bueno, no tanto como el primero, pero desde luego cuenta con más aciertos que errores: un estilo muy reconocible (da gusto descubrir siempre viñetas nuevas dibujadas por Miller), una historia bien narrada y unos personajes bien definidos. Aunque es cierto que el estilo gráfico que Miller aplica a este cómic no es tan heterodoxo como siempre, sino algo más peculiar, menos realista, se trata de una secuela más que digna de, no lo olvidemos, una obra cumbre del cómic de todos los tiempos. Cosa que no es fácil.
122
Y si la crítica y los fans están divididos con DK2, con el último trabajo de Miller en Batman la disparidad de opiniones no le va a la zaga. La serie se llama “All Star: Batman y Robin” y se empezó a publicar en 2009. Realmente, lo primero que hay que decir sobre este proyecto, es que es sorprendente. Y lo segundo es que es necesario acercarse a él con amplitud de miras y, sobre todo, con sentido del humor. DC vendió la serie como un “revival” del personaje, una forma de empezar de nuevo. Pero no es exactamente así. El Batman de este último Miller no tiene nada que ver con el personaje clásico, ni siquiera con el personaje que él había tratado antes. Es otra cosa. Hay que pillarle el punto. Se trata de un cómic repleto de ironía, de humor negrísimo y una visión completamente distinta y original del mítico personaje. No llega a ser una parodia ni tampoco van por ahí los tiros. Miller ha creado a un superhéroe que es una mezcla exagerada de Harry el sucio y cualquier matón de serie B. El Batman de esta serie roza la esquizofrenia, es un neurótico que lucha contra el crimen de una forma muy particular y saltándose todas las reglas. En palabras del propio Miller: “Batman está completamente majara. Secuestra a un crío. Zurra a la poli. Intenta sonar como Clint Eastwood. Está pirado. Y yo me he alistado con él para combatir el crimen. ¿Qué te parece? Supongo que yo también estoy majara”.
Se trata, por tanto, de un nuevo Frank Miller, que trata con más distanciamiento al personaje, que no se involucra tanto con sus fantasmas, sus miserias y su mundo interior. Un Miller que ha decidido divertirse y divertir escribiendo estas extravagantes aventuras de Batman. Algunos diálogos son delirantes, desde luego. A mí, sinceramente, me parece una obra genial, de los cómics más divertidos que he leído en años. El único problema que le veo es el de la elección del dibujante: Jim Lee. Aclamado y criticado a partes iguales, esta vez yo me posiciono con la segunda postura. Si este cómic lo dibujara el propio Miller, sería otra gran obra de culto. Aunque un poco casi lo es ya. … ¿Qué nuevos proyectos en el mundo del cómic nos tendrá preparados este genio a veces incomprendido que es Frank Miller? El tiempo lo dirá. Parece casi imposible que no vuelva a retornar a su personaje fetiche de siempre, Daredevil. Sería, desde luego, una gran noticia. Probablemente aún falta ese gran epílogo por escribir. Sea como sea, el trabajo de Miller (tanto en los cómics como en el cine) siempre será motivo de discusión, de apasionado debate. Es lo que tienen los genios.
123
124
CAMBOYA Y LOS TEMPLOS DE ANGKOR
Siempre me ha gustado viajar, recuerdo de pequeña devorando los libros de Julio Verne y Emilio Salgari e imaginándome encima de un globo viajando a países exóticos y viviendo mil aventuras. Por suerte esa afición no se me ha pasado, por el contrario se me ha incrementado y cada vez que tengo vacaciones y mi bolsillo me lo permite me voy de viaje. Suelo escoger minuciosamente el país que voy a visitar, leo documentación del mismo para estar perfectamente informada y planeo mi viaje con varios meses de antelación. Normalmente destino al viaje entre quince y veinticinco días, dependiendo de la extensión del país y de los lugares que quiera visitar, además me tengo que ajustar al mes que tengo de vacaciones. Pero eso es lo de menos, lo más importante para mi es descubrir nuevas culturas, conocer otras razas y aprender de otras civilizaciones. Asia me fascina, es un continente exótico y en las antípodas de la vieja Europa donde resido. Llevaba varios años seguidos viajando a este continente y esta vez tocaba Camboya. La visité en el verano de 2007. Es un país que siempre me llamó la atención por su secretismo y por las pocas noticias que se tienen de él, aunque debo de reconocer que también influyeron unas fotos que cayeron en mis manos de los templos de Angkor. Cuando las vi quedé impresionada por la arquitectura de esos templos y me prometí a mi misma que más tarde o más temprano los visitaría en persona. Camboya es un país que poco a poco se está recuperando de la devastación que sufrió hace relativamente poco tiempo a consecuencia del genocidio sufrido entre los años 1975 y 1979 por parte del sanguinario Pol Pot y sus jemeres rojos. En esos años Pol Pot instauró una cruel dictadura marxista-maoísta, acabó con la vida de más de dos millones de camboyanos, la cuarta parte de la población de Camboya por el mero hecho de no pensar como él y dejó al país sumergido en la más terrible pobreza. Bajo su régimen tuvo lugar el más duro y terrible genocidio del siglo XX. Destruyó todas las ciudades, abolió la moneda, cerró todas las escuelas, convirtió todo el país en un gran campo de concentración y sumió a la población a una terrible hambruna y una pobreza que todavía perdura.
125
Los años siguientes también fueron bastantes problemáticos para Camboya. Fue invadida por Vietnam y se terminó con el régimen de Pol Pot que huyó a la selva para poder salvar su vida, pero las libertades seguían sin llegar a Camboya. Vietnam instaló en Camboya la versión dictatorial pro soviética-vietnamita y continuó con la represión del pueblo camboyano. Fueron unos años duros y llenos de revoluciones, prácticamente hasta el año 2000 era peligroso viajar a Camboya por su inestabilidad política y los frecuentes enfrentamientos armados. Todas las zonas rurales estaban sembradas de minas antipersona, incluso hoy en día se puede ver por las calles gente mutilada por haber pisado una de esas minas que todavía perduran en los campos. A pesar de su pasado es un país que mira hacia delante, un país que poco a poco está saliendo de la pobreza y que te recibe con una sonrisa y con mucha cordialidad. La mayoría de la población actual ha sufrido en su familia el genocidio, ha perdido a hijos, padres y abuelos en los campos de concentración que instauró Pol Pot, pero saben pasar página y mirar al futuro. Eso sí, aunque quieren mirar hacia delante no olvidan su pasado y enseñan a las nuevas generaciones a través del Museo del Genocidio el horror que vivieron para que aprendan de sus errores y no se vuelvan a repetir. Cuando aterrizas en Phnom Penh, la capital de Camboya lo primero que experimentas es una bofetada de calor húmedo que te impregna el cuerpo, un calor y una humedad que difícilmente asimilas hasta que no llevas un par de días en el país y tu cuerpo se ha adaptado a ese clima. Phnom Penh es una ciudad caótica pero es la puerta de entrada al país y la que te introduce a la realidad y al modo de vida bastante rudimentario de la población camboyana. Está situada a las orillas del rio Mekong y el lago Tonlé Sap que es la mayor extensión de agua dulce del Sudeste Asiático, cuando circulas por sus calles te das cuenta del pasado colonial francés, aún conserva edificios y bulevares coloniales.
126
Se puede visitar el Palacio Real y la Pagoda de Plata, los templos Wat Phnom y el Museo Nacional donde se puede ver una amplia colección de arte camboyano muy interesante. Pero realmente lo que más me gusta es pasear por sus calles y mezclarme con sus gentes. Tienes que visitar sus mercados llenos de color y de nuevos olores, entrar a los pequeños comercios donde se vende de todo un poco, conocer frutas y verduras totalmente desconocidas para ti y perderte entre el jaleo de sus caóticas calles. Las calles son bulliciosas y en ellas se ha establecido la más absoluta anarquía, lo mismo ves a alguien que está trinchando y pelando un pollo en plena calle, como ves salir de un establecimiento a una persona con un cubo lleno de agua sucia, en el mejor de los casos y tirarlo a la calzada. La circulación es caótica, cada uno circula a su manera sin respetar semáforos ni señales de tráfico, eso sí les encanta tocar el claxon por cualquier motivo lo que provoca que las calles sean tremendamente ruidosas. La población de Camboya es muy joven, hay cientos de niños correteando por todos los lados con una sonrisa instalada en sus caritas y deseando hacerse fotos contigo. Les encanta verse en el visor de la cámara cuando les enseñas la foto, eso sí, luego te van acompañando entre risas como si fueran una comitiva de bienvenida a todos los sitios e intentando venderte cualquier cosa. Realmente lo que más me gustó y por lo que viaje a este país son los templos de Angkor. El recinto arqueológico de Angkor abarca una superficie de 250 Km 2. El templo-palacio más importante y más conocido de todo el recinto es Angkor Wat, fue descubierto por mercaderes franceses en el siglo pasado, se encontraba en mitad de la selva y prácticamente engullido por la vegetación. Angkor Wat está situado al norte de la capital Siem Riep y probablemente tiene el paisaje más bello de todo Camboya, el templo está rodeado por planicies, colinas con abundante vegetación y árboles majestuosos. En los templos actualmente no vive nadie, solamente están custodiados por un grupo de monjes budistas que van a rezar a una imagen de Buda que se encuentra en su interior y a hacerle sus ofrendas. El templo de Angkor Wat fue construido a principios del siglo XII religiosamente estaba dedicado al dios Vishnú y su arquitectura representa al Monte Meru, un monte sagrado en la religión hinduista y considerado como la morada de los dioses. Lo mandó construir el rey Jayavarman II para que fuera su residencia, es una mezcla de templo-palacio y una obra maestra de la arquitectura jemer. Los constructores jemeres no conocían la técnica del arco ni de la bóveda pero emplearon otra técnica para cubrir sus galerías que se denomina “falsa bóveda en ménsula” es decir, montaron un
127
conjunto de piedras sobresalientes una sobre otra, de tal manera que el resultado final se parece a una bóveda. Curiosamente esa misma forma de construcción la he visto en las ruinas de Copán en Honduras y en las pirámides de Tikal en Guatemala que fueron construidas por los Mayas en el año 250 d.C. La idea es fantástica y el resultado muy satisfactorio ya que esas construcciones han perdurado hasta nuestros días. Otra curiosidad del templo es la forma en que fue construido, las piedras con que están hechos sus muros pesan varias toneladas y no están unidas entre sí con ningún tipo de mortero, simplemente están dejadas caer una encima de otra sin ninguna sujeción. Solo en alguna de sus esquinas se puede apreciar un machihembrado hecho con las mismas piedras.
En sus recintos vivieron más de 20.000 personas, siendo en aquella época la capital religiosa y política de Camboya. Durante el reinado de Jayavarman II Camboya era un país rico y fuerte, se convirtió en el centro del Imperio Jemer y era la segunda potencia de Asia oriental naturalmente después de China. El templo tiene forma rectangular y está rodeado por un lago que en los días claros actúa de espejo reflejando la majestuosidad del templo y la perspectiva de todas sus torres. El lago tiene una anchura de unos doscientos metros y le atraviesan dos puentes que sirven de entrada y salida al templo. Este lago está pensado para regular el nivel del agua en la época de los monzones, con él consiguen que el suelo en que está asentado el templo-palacio mantenga siempre el mismo nivel de humedad y así su asentamiento sea lo más estable posible, al mismo tiempo que evitan cualquier tipo de inundación al tener controlado el nivel freático. El puente de entrada al templo está flanqueado por una representación de la diosa-serpiente hinduista Naga y sus cinco cabezas de cobra y tiene la suficiente anchura para que puedan pasar elefantes con cualquier tipo de carga. Nada mas atravesar el puente te encuentras con la
128
majestuosidad del templo principal y una estatua de Vishnú rodeada de fieles rezando y haciendo ofrendas, un poco más adelante pasas por delante de dos edificios gemelos dedicados en su tiempo a bibliotecas. El templo tiene tres niveles de altura que rodean un patio interior amurallado. En los pisos segundo y tercero se encuentran varias cúpulas rodeando la torre principal que tiene una altura de 55 metros y que representa al Monte Meru. Para acceder a la torre principal hay que subir por una empinadísima escalera de varios metros de altura y de piedra irregular, no apta para personas con vértigo sobre todo a la bajada. Pero realmente lo que más llama la atención del templo son los bajorrelieves situados en la primera planta. En su tiempo estuvieron policromados pero hoy en día solo quedan restos parciales en alguno de ellos. Hay miles de figuras cinceladas en sus muros con una precisión magistral, su textura, forma y acabado no tienen parangón en todo el Sureste Asiático. En sus bajorrelieves se narran batallas, momentos en la vida de Jayavarman II y leyendas mitológicas como “La Batida del Océano Lácteo” que relata cómo demonios y dioses ayudados por Vishnú entablan una batalla para conseguir el elixir de la inmortalidad. En el resto del templo y en cada columna el motivo más representado son las apsaras o ninfas celestiales. Si quieres ver en toda su magnitud el templo necesitas más de un día, hay alrededor de cien galerías y miles de bajorrelieves que merece la pena recrearse en ellos. Saliendo de Angkor Wat y a unos dos kilómetros te encuentras con la colosal urbe fortificada de Angkor Thom una ciudad-templo construida por Jayavarman VII y la última capital del imperio Jemer. El acceso a la ciudad se puede hacer por alguna de sus cinco puertas de piedra caliza, todas ellas representadas por caras de veinte metros de altura talladas en las rocas y que representan a Avalokiteshvara una deidad budista, ya que Jayavarman VII instauró el budismo como religión oficial de su estado. Se puede visitar la Plaza Real, desde donde el Rey celebraba los desfiles conmemorativos y donde estaba situado su palacio construido en madera y desaparecido totalmente en la actualidad, la Terraza de los Elefantes que debe su nombre a la multitud de elefantes tallados en los muros del monumento y la Terraza del Rey Leproso un promontorio hecho de piedra donde se cree que fue incinerado el rey. Todas estas ruinas están en muy buen estado de conservación a pesar de encontrarse al aire libre y en plena jungla.
129
Lo más admirado de Angkor Thom es el templo del Bayón. Este templo está considerado la segunda maravilla del conjunto arqueológico después de Angkor Wat, fue construido por Jayavarman VII y dedicado a la religión budista. Visto desde fuera no llama mucho la atención, pero te tienes que adentrar en su interior para ver su magnitud y una casi perfecta armonía. En su nivel superior está formado por cincuenta y cuatro majestuosas torres labradas en la roca para dar forma a más de doscientas caras de Avalokiteshvara, el Buda de la Compasión que con sus ojos cerrados y esbozada sonrisa recrean las facciones del propio monarca que ordenó su construcción. Es uno de los monumentos más enigmáticos y conocidos de todo Asia, mires hacia donde mires siempre te sientes observado por la cara del buda. Merece la pena perderse por sus pasadizos, investigar cada una de sus cavidades y hacer cientos de fotos a sus enigmáticas caras que miran a los cuatro puntos cardinales.
130
A lo largo de su primer nivel y lo mismo que sucede en Angkor Wat se pueden ver en su muro exterior cerca de 1.200 metros de bajorrelieves representando diversos aspectos de la vida cotidiana del Impero Jemer y de su rey Jayavarman VII. No están tan bien conservados como los de Angkor Wat pero son de una belleza sublime. Saliendo por una de sus puertas y dando un paseo por la selva vas a parar al Templo-Ciudad de Ta Prohm. Este templo también lo construyó Jayavarman VII en el siglo XII y se le conoce como la ciudad de los árboles.
La selva ha tomado posesión de la tierra que le pertenece y han crecido árboles inmensos entre los muros. Se ha creado tal simbiosis que es difícil pensar que las construcciones de los templos se puedan sostener por si solas sin la ayuda de los árboles, que con sus raíces al aire libre abrazan las piedras y les ayudan a seguir en pié. Sus raíces gruesas y larguísimas han penetrado
131
y formado un solo cuerpo con las piedras y es imposible cortarlas sin causar un daño irremediable a la construcción. Cuando miras desde lejos al conjunto monumental te da la sensación de estar en una ciudad fantasmagórica. Muchos de los edificios no se pueden visitar por dentro al estar sus recintos llenos de maleza y no ver el suelo por donde pisas. Esto puede resultar muy peligroso ya que en Camboya hay multitud de serpientes venenosas entre ellas la cobra y esos espacios tranquilos y húmedos son ideales para que las serpientes encuentren un refugio. La principal característica de este templo-ciudad son las numerosas inscripciones en sánscrito que se encuentran en todas sus fachadas. Gracias a esas inscripciones se ha podido saber que se necesitaban cerca de 80.000 personas para el mantenimiento, limpieza y cuidado de esta ciudad, que en su templo habitaban 18 altos sacerdotes, 616 bailarinas y más de 2.700 oficiales. Que en su santuario se logró acumular una impresionante riqueza debido al cobro de tributos que ejercía sobre 3.100 pueblos que tenía bajo su dominio y propiedad. Su tesoro estaba custodiado por los oficiales que vivían en el templo y que protegían con su vida las más de 4.500 piedras preciosas, sus 40.000 perlas y varios kilos de oro. El último templo que visité en el complejo arqueológico de Angkor fue el templo de Phonm Bakheng. Esta situado sobre una colina natural y tiene unas vistas espectaculares. Nuestro guía nos recomendó visitarlo por la tarde para admirar desde su cima como el sol va desapareciendo en el horizonte y contemplar al mismo tiempo como la selva va cambiando de color al irse quedando sin los rayos del sol. Se puede llegar hasta su base dando un paseo de una hora a lomos de elefante. Este templo lo mandó construir Yasovarman I a finales del siglo IX y es el único templo montaña de todo el complejo arqueológico de Angkor dedicado en un principio a la diosa Shiva.
132
Es de planta cuadrangular como la mayoría de los demás templos y su conservación es muy buena, tiene cuatro torres simétricamente colocadas alrededor de una atalaya donde se encuentra el santuario central del templo. Está casi siempre custodiado por monjes que van a rezar y hacer meditación. Si tienes suerte y llegas en ese momento es muy bonito ver a un grupo de monjes todos ellos vestidos con una túnica de color naranja sentados en el suelo en la postura de “loto” y haciendo rezos en voz alta y al unísono. No se sabe muy bien el significado de este templo, pero se ha constatado que su arquitectura establece una numerología simbólica que coincide por completo con las fases y fechas del calendario lunar. Se cree que el templo fue un centro donde se formaban y estudiaban los monjes budistas. Este templo tiene dos encantos, el primero de ellos y para mí el más importante, es que desde su cumbre se puede ver una magnifica puesta de sol, también se puede contemplar una espectacular vista de toda la selva y a lo lejos sobresaliendo sobre la vegetación las cinco torres de Angkor Wat. El segundo encanto es subir a su colina a lomos de elefante, una experiencia muy divertida y exótica. Los templos-ciudad de Angkor están considerados en su conjunto como una de las maravillas arqueológicas más grandiosas de la humanidad y comparables con otras obras ciclópeas como las pirámides egipcias, los centros religiosos Mayas o las ciudades Incas peruanas. Los templos de Angkor muestran la evolución del gran Imperio Jemer y su civilización desde su fundación en el año 802 d C por el monarca Jayavarman II hasta su enigmático declive en el primer tercio del siglo XV. El conjunto de todos los templos de Angkor está considerado por la Unesco Patrimonio de la Humanidad. Para poder visitar estos templos necesitas varios días y lo más aconsejable es tener el hotel en la ciudad de Sean Reap que está a unos ocho kilómetros del complejo arqueológico. Las grandes cadenas hoteleras multinacionales han montado en esta ciudad y sus alrededores un entramado de hoteles de lujo para los turistas y merece la pena alojarse en uno de estos lujosos hoteles. La calidad-precio está bastante equilibrada y después de pasar un día entero en la selva visitando cualquiera de los templos y haber aguantado altas temperaturas con una gran humedad, estás deseando llegar al hotel para darte una ducha relajante, tomarte un refrescante zumo de frutas exóticas y darte un baño en la piscina. La entrada para visitar los templos cuesta 20 euros al día, parte de esa recaudación se emplea para la conservación, restauración y limpieza de los templos. Si no fuera por esa ayuda, esos edificios habrían sido devorados por la vegetación de la selva y jamás habrían salido a la luz.
133
Actualmente varios países occidentales están contribuyendo de forma totalmente altruista a través de organizaciones internacionales y equipos de arqueólogos, a la restauración de los templos. Camboya es un país que poco a poco está saliendo de la pobreza y las divisas por turismo influyen mucho en esa recuperación. Es uno de los países más pobres de Asia y todavía queda mucho por hacer, tienen que invertir en infraestructuras de todo tipo, y sobre todo hay que hacer hospitales, la sanidad está en estado muy precario. Cuando visité Camboya había una epidemia de dengue, una enfermedad que trasmiten los mosquitos a través de su picadura y los pequeños “hospitales” estaban colapsados. Nuestro guía nos comentó la posibilidad de donar a esos hospitales los medicamentos que habíamos llevado al viaje para uso personal y que no habíamos utilizado. Cuando viajas a uno de estos países subdesarrollados, lo más conveniente es pasarse por Sanidad Exterior de tu ciudad, allí los médicos te aconsejarán las vacunas que te debes poner por precaución y te recomendarán una serie de pautas que debes de seguir para mantener tu salud durante todo el viaje. Otro de los problemas latentes que tiene Camboya es el “turismo sexual”. Camboya como su vecina Tailandia es uno de los destinos favoritos de los pederastas internacionales. Estos degenerados viajan a países subdesarrollados con la más absoluta libertad para poder saciar sus aberraciones a cambio de unas chucherías, unas zapatillas o simplemente un plato de comida. A pesar de que en todos los hoteles hay carteles advirtiendo que este tipo de prácticas están castigadas con pena de cárcel y hay varios pederastas internacionales cumpliendo condena en cárceles camboyanas por este delito, por desgracia aún sigue existiendo este tipo de “turismo”. Mi viaje a Camboya había concluido, me iba con un buen sabor de boca y muy ilusionada por cumplir uno de mis sueños y haber conocido los templos de Angkor. Me despedí del país con una tradicional cena en el hotel acompañada de un espectáculo de danzas camboyanas. Al día siguiente cogía un avión hacia Hanoi en Vietnam para seguir mi viaje. Pero esa experiencia os la contaré en otro número de la revista
Foster
P.D. Las fotos son propiedad del autor.
134
Phnom Penh.- Pagoda de Plata, Palacio Real y Rio Mekong
135
Angkor Wat
Templo del Bayon
136
Templo Ta Prohm
137
Templo Phnom Bakheng
138
SĂguenos en nuestro nuevo foro : JazzMaestro
Revisa todas las entrevistas en nuestro canal de Vimeo: RevistaJazzMaestro
SĂŠ nuestro amigo en el myspace: revista JazzMaestro
Agrega nuestro face : JazzMaestro
139
140