JazzMaestro #6 by Revista Jazz Maestro

El Editorial JazzMaestro empieza este mes una nueva etapa en la que cambiamos nuestra imagen pero no el contenido. . Como habéis podido ver, el primer cambio es el nuevo logo, conforme vayáis avanzando, veréis que ahora la revista está dividida en varios bloques; cine, música, cómic... y cada bloque, a su vez está dividido en varias secciones cada una de ellas con su propio logo o color identificativo. Ya llevamos un tiempo intentando haciéndonos notar por las redes y ya nos podéis encontrar en Facebook, Tuenti y Vimeo. Este sexto número incluye artículos sobre la actualidad de Virginia Maestro, entrevistas a Mäbu, Paula Gómez y Susan Santos, agenda de conciertos y festivales interesantes, JNSP como web recomendada y estrenamos otra sección llamada El Rincón de Psyco en el bloque musical. En el apartado de cine hablamos sobre Norah Jones e Imagínalo. En el de TV hablamos sobre la serie Cheers. Y estrenamos otro bloque, el de Cómics.

El Equipo Carolpsyco

El Rincón de Psyco

Eslabuat

El Rincón de VM y Web del mes

Fedenieko

3,2,1 acción, En Primera Fila, TV On y Entrevistas a Paula Gómez y Susan Santos

Gizmoblue

Agenda de Conciertos interesantes, Recomendamos a... y Recordando a...

Julien

La Tira de Cómics

Max

Entrevista a María Blanco (Mäbu) 3

Sumario CINE pg 08: 3,2,1 acción pg 11: En Primera Fila TELEVISIÓN pg 16: TV On MÚSICA pg 24: Te Recomendamos a... pg 36: Recordamos a... pg 50: El Rincón de Psyco pg 55: La web del Mes pg 57: El Rincón de VM pg 63: Agenda de conciertos interesantes en Septiembre pg 74: Entrevista a Paula Gómez pg 81: Entrevista a Susan Santos pg 87: Entrevista a Mäbu CÓMICS pg 93: La Tira de Cómics

Suscríbete Suscíbete a JazzMaestro, es sencillo y gratuito, pídelo a jazzmaestro@hotmail.es y cada mes te enviaremos el enlace a tu email junto con algún regalito ;)

Sinopsis

Sofía es una chica tímida con una gran imaginación. Pero tiene un gran dilema, lleva años enamorada de su compañero de oficina, Adrián, y no es capaz de hablar con él.

Cansada de comportarse de una manera tan infantil se decide: "sal y salúdale". Ese pequeño cambio de actitud en ella la empuja a interactuar con los demás personajes con el fin de hacer su día un poco más agradable.

Lo que Sofía no sabe es que con sus gestos, las personas de su alrededor también se plantean ver la vida de otro color. El cortometraje se puede ver aquí: http://www.vimeo.com/14127446

Making of

El 1 de febrero de 2010 comenzaron los ensayos del cortometraje, y el 12 de febrero el rodaje con la primera escena: los planos iniciales que llevan los créditos. Al día siguiente estuvieron grabando escenas de cafetería y calle.

Sobre el 23 de febrero, y tras un parón a causa de la climatología, ya está 9

digitalizado casi la mitad del corto. Queda lejos ya septiembre cuando se inició la pre-producción...

26 de febrero. Se vuelve a rodar una escena de cafetería, y ya se tiene una de las

escenas más importantes: una ensoñación con Adrián (Maarten Dannenberg) y Sofía (Natalia de la Peña).

Buenas noticias para la banda sonora. Alondra Bentley presta su tema "dot, dot, dot" y Sweet Wasabi pondrá el tema principal, "Make my day".

11 de marzo. Se ruedan las últimas escenas del corto. Una sencilla escena de campo, pero que se ha complicado a causa del tiempo. Ya sólo queda montar la película.

24 de junio. Ya está terminada.

Banda sonora

Make my day, por Sweet Wasabi, del álbum "Area de servicio" Igloo, por Boat Beam, del álbum "Puzzle shapes" Spotlight, por Push Bike Rider

One becomes two, por Boat Beam, del álbum "Puzzle shapes"

Dot, dot, dot, por Alondra Bentley, del álbum "Ashfield avenue" 10

Norah Jones

My blueberry nights es la primera pel铆cula rodada en suelo norteamericano por parte de Wong Kar-Wai, aunque es una coproducci贸n entre Francia, China y Hong Kong.

Se narran varias historias con un nexo de uni贸n en el personaje de Elizabeth, interpretado por Norah Jones, una joven neoyorquina que tras una ruptura

sentimental decide viajar por el país de una forma nómada e incierta, trabajando

como camarera, encontrándose en el camino con otras historias de amor, tran tristes o más que la suya. Película de carretera, de encuentros y desencuentros, de

conversaciones, copas, fugas, huidas y descubrimientos. Película de bares, de cafés, de garitos y antros varios.

El director ha revelado alguna vez que rueda sin guión (al menos no uno cerrado). Las palabras apenas tienen importancia, las trata como canciones que no es

necesario entender. Y eso en un director cuyas películas suelen tener una majestuosa banda sonora, en esta ocasión a cargo de Ry Cooder.

En cuanto al trabajo como actriz de Norah Jones, sabe tomar el peso de la historia con una pose serena y solvente.

Carlos Boyero, reseña lo siguiente: “No siendo fan incondicional del cine de Wong Kar Wai, me fascina el trasplante de sus obsesiones, de encuentros y

desencuentros amorosos, de su inconfundible y poderosa estética que ha realizado al cine norteamericano con “My blueberry nights.”

Extractos de una entrevista para el diario Clarín (Argentina) Cuando Wong Kar-Wai me llamó pensé que tal vez lo que quería era alguna música para alguna película. Y cuando me sugirió actuar, le dije: 'Bueno, no sé si

puedo actuar, ¿me viste en mis videoclips? Me siento muy incómoda enfrente de la cámara' a lo que él me dijo 'No, eres natural, eso me encanta. Wong quería hacer personajes americanos en esta película Jones: Fue un viaje increíble para mí y para todos, pero desde luego fue muy

diferente para mí, y a veces incluso dentro de la historia, hay momentos que me afectan, me hacen pensar, cosas que están pasando en la historia... No fue como todo lo que he hecho antes, rodar es muy duro, se trata de trabajar muy duro, no tuve tiempo para otra cosa. ¿Le tienen miedo a la soledad?

Jones: La forma en que ella va evolucionando es realmente increíble, hizo ese viaje, y parecía que estaba huyendo de algo, pero por el camino descubre que es más fuerte de lo que pensaba. Lo disfruté mucho.

Entre los conciertos, las grabaciones de discos, ahora el cine, ¿encuentras tiempo para todo?

Jones: Tengo un montón de buenos amigos y ahora que estoy tan ocupada los echo de menos, mi novio, mi familia viajó conmigo la mitad del camino, me refiero al rodaje en Memphis, Las Vegas, y eso siempre ayuda.

Pero, ¿disfrutaste realmente esta experiencia, o es algo para guardar en el recuerdo?

Jones: Mucho, me encanta pensar en lo que estoy haciendo, probar cosas nuevas, y ésta ha sido una de esas experiencias en mi vida, ha sido muy diferente, y estoy muy orgullosa. No sé, son muchas cosas.

Debutar en cine, con el director de "Happy together", no era un riesgo? Jones: Yo conocía su reputación, sabía que esperaba que trabajásemos duro y sentí que tendría que trabajar mucho más duro que otras veces. ¿En tus planes figura bifurcar tu carrera como actriz? Jones: No sé, no necesariamente, pero espero cualquier cosa ahora.

Un film independiente de bajo presupuesto escrito y dirigido por Ben Chace y Sam Fleischner. Versa sobre la historia de Max (interpretado por Sean Bones, quien también es cantautor), quien obtiene un viaje para dos a Jamaica. Su intención será invitar a su novia (Norah Jones), pero esta lo deja justo antes del viaje. Con el

corazón roto, a Max no se le ocurre otra cosa que embarcarse en una divertida aventura a la isla caribeña, donde encontrará a singulares personajes que lo harán reflexionar sobre la vida.

Argumento Sam Malone (Ted Danson), antigua estrella del beisbol, regenta un bar en Boston

llamado "Cheers". Mujeriego y un poco bruto, las conquistas de Sam son el centro de conversación de sus clientes, entre los que se encuentran un contable llamado

Norm (George Wednt), agobiado por su autortitaria esposa, y un cartero llamado Cliff (John Ratzenberger), el típico sabelotodo. El bar tiene además como camareros al viejo Ernie, llamado por todos "Entrenador", veterano técnico de

beisbol; y a la deslenguada Carla Tortelli (Rhea Perlman), divorciada y madre de familia numerosa. La rutina del bar se verá alterada cuando se incorpore como

camarera la altanera Diane Chambers (Shelley Long), una universitaria petulante

que acaba de ser abandonada por su prometido. Pronto entre Diane y Sam surge una rivalidad que deriva en atracción romántica. Pero su relación nunca se estabilizará a lo largo de los años, surgiendo entre ellos otras parejas, como, en el

caso de Diane, el arrogante psiquiatra Frasier Crane (Kelsey Grammer), que terminará siendo cliente habitual del bar. Tras la muerte del "Entrenador", llegará

a "Cheeres", como camarero, un joven paleto de buen corazón llamado Woody (Woody Harrelson). Con el tiempo Diane desaparecerá de la vida de Sam, que decide vender el bar y dar la vuelta al mundo. Tras fracasar en su intento

regresará a "Cheers" reproduciendo sus desencuentros románticos ahora con una ambiciosa ejecutiva llamada Rebecca (Kirstie Alley).

Donde todo el mundo conoce tu nombre En 1982 la NBC era una de las cadenas con menor audiencia en los Estados

Unidos. Sus series más exitosas eran El equipo A y Taxi, cuyos derechos había adquirido a la ABC ese mismo año. Precisamente los responsables de aquella, el

director James Burrows y los guionistas Les y Glen Charles, la abandonan para la 17

creación de Cheers, a raíz de la visita de este último a un típico pub bostoniano,

el "The Bull and Finch Pub", que se reveló como un escenario original parar una comedia de situación. De hecho las tomas exteriores del bar "Cheers" pertenecen a este local, así como el diseño de su interior.

Para interpretar a la pareja protagonista, con la que se pretendía reproducir la divertida lucha entre sexos de las películas de Spencer Tracy y Katharine Hepburn, se barajaron varios nombres: William Devine y Lisa Eichhorn, Fred Dyer y Julia Duffy, etc. Aunque al final los elegidos serían Ted Danson y Shelley Long. La inclusión de Danson haría además que se transformara su personaje, que pasaría de ser un ex-jugador de fútbol americano a uno de beisbol. Hay que subrayar que

la mala relación entre ambos actores, que, irónicamente, propiciaba la química entre los personajes, generó también muchas tensiones a lo largo de los años.

Estas se agravarían posteriormente con las nuevas incorporaciones al reparto, tanto la del conflictivo Kelsey Grammer, como, y tras la muerte de Nicholas Colasanto al inicio de la cuarta temporada, la de Woody Harrelson. Esta situación

terminaría por apartar de la serie a la metódica y maniática Shelley Long, siendo sustituida por Kirstie Alley, que se adaptó mejor al grupo.

A ellos les acompañaron durante las once temporadas Rhea Perlman, esposa de 18

Danny de Vito, George Wendt y John Ratzenberger. Este último logró consolidar

un personaje inicialmente previsto para solo siete episodios, mientras que la esposa del segundo (Vera) nunca aparecía en pantalla. En 11 años sólo se le vieron los pies en una ocasión y la cara, tapada por un pastel, en otro memorable momento.

El éxito de Cheers fue fruto de la constancia. En realidad la primera temporada fue un fracaso clamoroso, y la segunda apenas mejoró en algo su situación. Pero la crítica la apoyó desde el primer momento, obteniendo el primero de sus cuatro

Emmy's a la Mejor Serie de Comedia en 1983. Esto le hizo decir a Ted Danson

"Somos la serie fracasada que ha resultado más exitosa". Pero con el tiempo todo cambió, siendo la serie de mayor audiencia entre 1990 y 1991, antes de finalizar en 1993 por deseo de Danson, que llegó a ganar 450.000 dólares por capítulo. Origió además un "spin-off", Frasier, más exitoso si cabe. Algunas frases memorables Cliff: No hay nada mejor que ser funcionario. Yo podría escupir el correo, tirarlo por la alcantarilla y nadie me diría nada.

Todos le miran sorprendidos Norm: ¿Cómo lo sabes? Cliff: (disimulando mira el periódico): eh….¿qué tal van los Celtics?

Norm y Cliff tienen que dar una mala noticia a Rebecca. Como no se atreven deciden jugar a piedra, papel y tijera para ver quien se lo dice. Norm saca piedra y 19

Cliff tijera Norm: Mi piedra rompe tus tijeras. Yo gano. Cliff: A estas tijeras no. Son de una aleaci贸n especial, las hizo la Nasa para m铆.

Katie Melua

La belleza de Katie Melua sólo es comparable con la dulzura de su voz privilegiada y moldeable, capaz de interpretar con el matiz adecuado composiciones que giran en torno al blues, el jazz o el soul.

Ketevan Melua, conocida como Ketino para su familia, nació en 1984 en Georgia, entonces parte de la Unión Soviética, ya sea en Kutaisi o en Tiflis, donde pasó sus primeros años con sus abuelos. Más tarde se mudó con sus 24

padres y hermano a la ciudad de Batumi, Adzharia, donde su padre trabajó como cardiólogo. Durante este tiempo Melua a veces tenía que llevar cubos de agua con hasta cinco viajes por las escaleras hasta el apartamento de la familia y según ella, "Ahora, cuando yo me quedo en hoteles de lujo, me acuerdo de esos días ..." En 1993, a raíz de la Guerra Civil de Georgia, la familia se trasladó a Belfast, Irlanda del Norte, donde su padre tomó una posición en el prestigioso Royal Victoria Hospital. La familia permaneció en Belfast, cerca de Falls Road, hasta que Melua cumplió trece años. Durante su tiempo en Irlanda del Norte, asistió a la Escuela Primaria de St. Catherine en Falls Road y más tarde se trasladó a Dominicana College, Fortwilliam. Aquí es donde Melua aprendió la mayor parte de su Inglés. Melua habla georgiano, ruso e inglés y tiene ascendencia en parte canadiense y rusa. A los 15 años fue descubierta para un programa de televisión a la caza de talentos. Desde entonces se dedicó a estudiar en la Brit School for Performing Arts, donde el compositor y productor Mike Batt se fijó en ella y la introdujo en el mundo discográfico. Su carrera está salpicada de felices encuentros con productores y músicos que la han ayudado a posicionarse en los más alto de las listas inglesas y darse a conocer

obstante

mundo.

Katie

siempre

trabajó duro y no se ha conformado con ser una voz bonita al servicio de los demás.

Desde

2001

también compone y posee un pequeño estudio en su casa desde el que trabaja en sus nuevas canciones.

álbum

debut

como

solista fue “Call Off The Search” en noviembre de 2003 y la acogida no pudo 25

ser más cálida, ya que Katie copó casi de inmediato los primeros puestos de las listas británicas. En 2004 la vimos junto al otro niño prodigio del nuevo jazz, Jaimie Cullum, conformando un dueto memorable que interpretaba “Love Cats” de The Cure en los Brit Awards 2004. Parece que Katie se encuentra entre los múltiples fans de la banda de Robert Smith y prueba de ello es que en su segundo disco, Piece By Piece, interpreta una versión de “Just Like Heaven”.

El disco “Piece By Piece” es un LP con una excelente producción en el que encontramos doce grandes temas, algunos de ellos firmados por la propia Katie Melua. La versatilidad de Katie como vocalista está presente en todo el disco pero además, esa capacidad de abordar diversos géneros y matices siempre va acompañada por una sensibilidad transmitida con sencillez. “Piece by Piece”, es un disco bonito, evocador y podría decirse que cargado de sensualidad musical. Sorteando cualquier tentación melosa, Katie es capaz de imprimir el tempo y tono preciso a las canciones haciendo válido el concepto de intérprete que a veces se aplica con demasiada ligereza a muchos cantantes. Con unos arreglos musicales certeros y austeros, la voz de Katie es la protagonista de las composiciones, pero esa omnipresencia es tan grata que no cejamos en el deseo de oír el siguiente corte. Sus registros son ricos y se suceden sin estridencias y las letras tienen un punto de dulzura y romanticismo que sin embargo esquivan con delicadeza la sensiblería. Por eso las escuchas de este “Piece By Piece” se pueden suceder en un grato bucle que nunca agota.

Katie observa desde la ventana de un café a un chico tímido a ritmos de jazz o describe lo insignificantes que podemos ser ante nueve millones de bicicletas de Beijing, una pequeñez de la que nos redime nuestros sentimientos, todo ello expresado con aires folkloricos entre irlandeses y orientales. El tema que da título al disco “Piece By Piece”, es uno de los logros del disco, un tema que además está firmado por la propia Melua y que es una delicada pieza que ejemplifica mucho de lo dicho hasta ahora sobre esta artista: una solvente capacidad vocal al servicio de la interpretación de una letra evocadora y una música ligera con arreglos sencillos, pero muy efectivos. Así podríamos detenernos en todos los temas del disco en los que Katie va mostrando su versatilidad como vocalista en géneros como el blues más seductor (“Blues In The Night”), o el soul de “Blue Shoes” o algún escarceo con el country más digerible en “On the Road Again”.

Su tercer disco de estudio, Pictures, tiene un corte tal vez un tanto menos blusero y jazzero, más apuntado al folk y con un poco más de sonido intenso.

El disco contiene doce canciones de carácter bastante introspectivo y muy orquestado, una belleza para el oído a nivel musical sin lugar a dudas. Pero la armonía musical que esta joven cantante nos regala está acompañada por esa finísima y aguda voz, una tremenda delicadeza de cuerdas vocales acompasadas a los ritmos que nos dejan perplejos ante semejante, y prolija, sonoridad. En el disco se escuchan guitarras convencidas de su sonido, bien acopladas a las canciones, con ritmos que, si bien folk, no olvidan las influencias de pop y jazz que esta georgiana tiene inculcadas hasta el fondo de sus composiciones. De todos modos no puede escucharse este disco buscando restos de “Call off the Search” y “Piece by Piece”, porque “Pictures” tiene todos los ingredientes necesarios para constituirse como un disco en sí mismo. Se escucha una Katie Melua muy madura y un tanto despegada de sus dos trabajos anteriores. De hecho, ella misma ha dicho que en “Pictures” ha buscado complacerse a sí misma. "Una de las cosas que he aprendido de editar tres discos es que nunca

sabes qué va a pasar en el momento que empiezas a grabar un nuevo disco. El hecho de haber ido madurando, con nuevas aficiones e intereses y con más experiencia, y que he crecido y me he desarrollado como artista, significa que el nuevo disco tenía que ser diferente de algún modo de los dos anteriores. No quiero únicamente tratar de emular el éxito de los anteriores, no siento la necesidad de cambiar por cambiar o complacer a otros que no sean yo misma".Y, hay que reconocerlo, “Pictures” continúa la regla general de que cuando un artista se complace a sí mismo con su trabajo, complace a todos los que acceden a él.

bonito

poético

tributo a los días dorados reflejado

Pickford"

"Mary

establece

hilo conductor del disco, además de dar título al disco. El romanticismo desesperado de "It's All In

Head"

optimismo ante

descarado devastación

global en "If The Lights Go

Out"

son

yuxtaposiciones agridulces de historias de amor y pérdida en "What I Miss About You". Amada y reconocida por interpretar

baladas

corazón abierto, Katie no decepciona con su primer single "If You Were A Sailboat" como sucesor de los inmensos singles en su carrera como "The Closest Thing To Crazy" y "Nine Million Bicycles". 29

“Perfect Circle", compuesta conjuntamente con Molly McQueen, es otro clásico de Katie Melua que fácilmente se podría convertir en uno de sus grandes temas. Las

influencias

cinematográficas

prosiguen

con

"Scary

Films"

aparentemente ambientada en un espagueti-western "Dirty Dice" compuesta a medias por Katie y Andrea McEwan. El disco cierra con la composición original de Leonard Cohen "In My Secret Life". La propia Katie reconocía: “Estoy francamente orgullosa de PICTURES". Realmente es como la tercera parte de la trilogía que Mike Butt y yo hemos creado como equipo. Tiene la honestidad de lo que siempre hemos tratado de crear y en lo que nos hemos centrado: letras y melodías en canciones emotivas que fluyen desde las raíces de la composición".

Con su último trabajo, recién editado el 24 de mayo, Katie Melua ha sorprendido a propios y extraños . “The House” es un álbum vitalista que reflexiona sobre “los misterios que nos rodean”. "Aunque las conozcamos, todas las casas tienen un cierto aire misterioso, aspectos que no sabemos de ellas. Por eso este disco se llama “La casa”, y no “El hogar", explica Melua en el curso de una entrevista con Efe.

Lejos de lugares físicos, la vocalista hace referencia a los rincones de su propia personalidad: "Este disco es un viaje sobre lo que estaba ocurriendo en mi vida durante el año en que lo compuse. Cada canción representa una emoción concreta", afirma. Sus tres primeros discos gozaron de ventas millonarias en Reino Unido y una calurosa acogida en varios países europeos, pero el estilo musical de la intérprete siempre quedó en entredicho por parte de la crítica. "Decían que eran canciones para viejos, pero a mí me encantan las baladas tradicionales", defiende. En todo caso, algo ha variado de forma radical en el sonido de Melua, que en 31

"The house" gira sin disimulo hacia una mezcla más rica tanto desde el punto de vista estilístico como instrumental. "En la superficie, he cambiado mi forma de hacer música. Pero los cambios importantes se encuentran a más profundidad", confiesa.

"He aprendido a mirar hacia dentro, a fijarme en mi interior sin preocuparme demasiado por lo que opinan los demás. Ha significado un auténtico soplo de aire fresco para mi imaginación, que en la elaboración de este disco ha volado con toda libertad", analiza la cantante. Aunque se resiste a reconocerlo abiertamente, Melua parece agradecer el cambio de productor que ha llevado a cabo en su última obra de estudio, en la que dejó atrás al responsable de sus tres primeros álbumes, Mike Batt. "Quise tener la oportunidad de escribir sin presiones de ningún tipo; él lo entendió y yo he podido descubrir muchas cosas que no conocía de la música, como que puede ser una gran herramienta para divertirse y disfrutar de mí misma", concede.

Batt dejó su puesto a William Orbit, afamado profesional que ha trabajado para artistas como Madonna, U2 o Blur. "Ambos veníamos de mundos distintos y queríamos intentar algo nuevo. Hemos conseguido algo orgánico, con la banda tocando en directo durante las sesiones de grabación, de una forma 32

muy tradicional", detalla Melua. "I'd love to kill you", "A happy place", "A moment of madness" o "Twisted" son algunas de las doce composiciones reunidas en "The house" (Naïve), un disco para el que Melua sólo ha compuesto dos canciones. Su interpretación de “The One I Love Is Gone”, escrita por el padre del bluegrass Bill Munroe, es simplemente impresionante. "Algún día haré un disco entero por mi cuenta, pero ahora me encanta trabajar con otras personas. Además, sólo canto algo si de verdad siento una conexión. Todas las canciones que hay en mis discos están ahí porque me llegaron al corazón y el estómago", asegura. “The Flood” es el primer single del nuevo disco y se inicia de forma suave e insistente hasta alcanzar un inesperado cambio de tempo que lanza a la canción a un ritmo dance-pop con un sublime clímax que enlaza de nuevo con el tempo inicial de la canción hasta el final de la misma. Escrita por Katie, Guy Chambers y Lauren Christy, es una de las seis colaboraciones entre Melua y Chambers que aparecen en “The House”. “The Flood” era una de las canciones que Katie envió a William Orbit y que le apartó de su premeditado y voluntario retiro como productor. “La voz de Katie me cautivó por completo cuando escuché por primera vez las “demos” el mes de octubre del pasado año, y pese a no

haber estado involucrado en la

producción musical en los últimos tiempos, sentía que tenía que trabajar con ella. Se convirtió en una de las experiencias más enriquecedoras de mi vida y un auténtico placer de principio a fin. He quedado hipnotizado por todas las formas y texturas de su voz, y la profundidad de sus melodías y sus letras. Es uno de los artistas más complejos e intrigantes con los que jamás he trabajado”.

Recientemente han anunciado en su web que por motivos de salud su gira con este nuevo disco será aplazada, por lo menos, hasta después de Navidad, por lo que nos tocará esperar para poder disfrutar de su directo.

Recopilado de la web

DiscografĂa

1. Call Ot The Search 2. Crawling up a Hill 3. The Closest Thing To Crazy 4. My Aphrodisiac Is You 5. Learnin' The Blues 6. Blame It on the Moon 7. Belfast (Penguins and Cats) 8. I Think It's Going to Rain Today 9. Mockingbird Song 10. Tiger in the Night 11. Faraway Voice 12. Lilac Wine Call Off The Search (2003) 1. Shy Boy 2. Nine Million Bicycles 3. Piece By Piece 4. Halfway un the Hindu Kush 5. Blues in the Night 6. Spider's Web 7. Blues Shoes 8. On the Road Again 9. Thank You, Stars 10.Just like Heaven 11. I Cried for You 12.I Do Believe in Love 13.It's Only Pain (Bonus Track) 14.Lucy in the Sky with Diamonds (Bonus Track) 15. Sometimes When I'm Dreaming (Bonus Track) Piece By Piece (2005)

1. Mary Pickford (Used to Eat Roses) 2. All in My Head 3. If the Lights Go Out 4. What I Miss About You 5. Spellbound 6. What I Says on the Tin 7. Scary Films 8. Perfect Circle 9. Ghost Town 10. If You Were a Sailboat 11. Dirty Dice 12. In My Secret Life Pictures (2007)

1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 10. 11. 12.

I'd Love To Kill You The Flood A Happy Place A Moment Of Madness Red Ballons Tiny Alien No Fear Of Heights The One I Love Is Gone Plague Of Love God On The Drums, Devil On The Bass Twisted The House

The House (2010)

Enlaces de interĂŠs http://www.katiemelua.com/ http://www.myspace.com/katiemelua

RAY LAMONTAGNE

Ray LaMontagne es el estereotipo de cantante y compositor folk : una barba desali帽ada por completo, pelo largo y los ojos con una profundidad que sugiere introspecci贸n y el cansancio del mundo. Si a帽adimos a su apariencia una hipnotizante voz rasposa, letras honestas y un toque mel贸dico, tenemos un diamante musical - aunque sea en bruto y sin tallar.

Conocer a Ray LaMontagne y no caer rendido es como no tener alma. Desde luego, un artista diferente al resto, uno de los pertenecientes a la rara especie de

los que no se pueden integrar en ningún movimiento o estilo porque ellos lo son en sí mismos. Que sí, que es posible que no haya inventado nada no escuchado antes, que sus canciones nos remitan a Van Morrison, Otis Redding, Tim Buckley..., incluso a Mojave 3 o Ryan Adams; que se declare abiertamente admirador de Stephen Stills, Ray Charles, y The Band; que su parecido físico y su forma de cantar nos traiga de vuelta al mundo de los vivos a Bob Dylan y que sus maneras sean las de Nick Drake; pero lo hace suyo y lo hace maravillosamente bien. Raymond Charles “Ray” Lamontagne, nació en Nashua, New Hampshire en 1973. Su madre estaba continuamente viajando y su padre, que era músico, abandonó a la familia durante la infancia de Ray. Debido a la relación de su padre con la música, Ray se alejó de toda actividad musical prefiriendo pasar la mayor parte de su tiempo leyendo novelas de fantasía en el bosque. A causa de los constantes cambios, Ray tenía mucha dificultad para hacer amistad con otros niños. Asistió a la escuela secundaria de Morgan High School de Morgan, Utah, pero con frecuencia no acudía a clase y prefería escribir historias o se enredaba en peleas con otros estudiantes. Debido a esto sus notas eran bajas y le costó trabajo graduarse. Tras lograr graduarse se mudó a Lewiston, Maine, a fin de encontrar un trabajo a tiempo completo.

Lamontagne encontró trabajo en una fábrica de zapatos, dónde trabajaba cerca 37

de 65 horas a la semana. Ray se despertaba a las cuatro de la mañana para ir a trabajar. Un día sonó en su radio despertador “Tree Top Fliyer”, del álbum Stills Alone, de Stephen Stills. LaMontagne se quedó tan impresionado que ese día decidió no ir a la fábrica. En lugar de eso se dirigió a una tienda de discos y compró el álbum. Estaba pasando una época negra y esa mañana vio la luz. Esa música representaba lo que realmente quería hacer. Se olvidó de los zapatos y empezó a cantar. En 1999 grabó su primera maqueta que, por una serie de casualidades, llegó a Jamie Ceretta, de la editora Chrysalis Music Publishing. Allí se tomó la decisión poco habitual de producirle su primer disco y después buscar una compañía discográfica. En sólo dos semanas Ray LaMontagne y el músico y productor Ethan Johns (The Jayhawks, Kings Of Leon, Ryan Adams) crearon Trouble. En el álbum también participó Jennifer Stills, la hija del músico que cambió la vida de LaMontagne. Los temas de Trouble fueron grabados prácticamente en directo, en el Sunset Sound en Los Angeles. El álbum fue lanzado el día 14 de septiembre de 2004, por la RCA Records y contó con la colaboración de Sara Watkins, violinista de Nickel Creeek, en dos canciones y la de Alex Davids y Jennifer Stills en otra.

La canción que abría el disco y daba nombre al mismo, "Trouble", inmediatamente mostraba el dominio rítmico y la pasión de Ray. Señalaba al oyente

como

él gritaba "Problemas – problemas, problemas,

problemas", cantando que los problemas y las preocupaciones lo persiguieron hasta que encontró el amor. "Shelter", entre otras, olía a Joan Armatrading. "Hold you In My Arms" era una hermosa canción, en la que Ray cantaba, "El amor es el alimento de un hombre pobre. No profetices –Podría tenerte en mis brazos, podría abrazarte para siempre."

El siguiente corte, "Narrow Escape",

reminiscencia de un relajado Neil Young, era otra canción de amor, problemas y situaciones que han ido mal. La inquietante "Burn" conducía a "Forever My Friend", que era vibrante y estimulante. "Hannah" era una canción de amor terrenal con una belleza de pelo largo de las colinas de Ozark. Era otra que poseía ese toque a lo

Neil Young, con Sarah Watkins tocando el violín y

participando en los coros. How Come"Jolene" trataba sobre el amor perdido y el abuso de sustancias y el CD se cerraba con una hermosa canción titulada “All The Wild Horses”, una canción de la libertad. Era un final perfecto para un buen álbum. “Trouble” ha vendido alrededor de 400.000 copias en todo el mundo. Los temas "Trouble" and "Burn" han sido utilizados como música de fondo para la TV. "All the Wild Horses" se utilizó en la serie Rescue Me and la película del 2009 The Boys Are Back. Su segundo trabajo, “Till the Sun Turns Black”, también fue producido por Ethan Johns y salió a la venta el día 29 de agosto del 2006. El álbum era, sin embargo, muy diferente de “Trouble”. Contaba con más orquestación: la mayoría eran instrumentos de cuerda y trompetas, aunque el mejor instrumento del disco de debut LaMontagne seguía siendo el mismo – su dramática voz.

Abriendo el álbum estaba “Be Here Now “, una canción que era como un susurro etéreo de seis minutos apoyada en el piano que nos llevaba a espacios de reflexión en silencio. Se trataba de una pista a mil kilómetros del track “Trouble” de su álbum de debut pero que allanaba perfectamente el camino para la melancolía y las canciones que se podían encontrar en el disco. “Empty” era una hermosa canción folk y un gran ejemplo de la excelente forma de narrar historias de Lamontagne acerca de la pérdida y el amor. Sus letras brutalmente honestas, como "Tengo que admitir que me aburre un poco", la triste y sincera compasión de sí mismo, “yo nunca aprendí a contar mis bendiciones, elegí en su lugar habitar en mis desastres", da a luz a comparaciones con Joni Mitchell. “Can I Stay” es una irrersistible balada de soledad y romance. Se trata de un hombre que le pregunta: "¿Me puedo quedar aquí contigo hasta la mañana?" En “Barfly” contó con la participación en los coros de la cantante y compositora Rachael Yamagata. Dos canciones que destacaban , por alejarse de este tono intimista y melancólico eran: “Three More Days” y “You Can Bring Me Flowers”. La primera se trataba de un tema de blues-rock optimista y la segunda un funky blues folk con un acento de jazz reflejado por las trompetas y la flauta. La última pista en 40

“Till The Sun Turns Black” era la exuberante ”Within You” una hermosa canción antibélica . Todas las canciones eran once joyas musicales que hacían que te doliera el corazón y que reafirmaban a Ray tras su primer álbum. La

primera

presentación en la televisión fue el día 6 de octubre de 2006, en el Tonight Show interpretando “Three More Days”. El tema "Till the Sun Turns Black" fue incluído en el programa de televisión "ER" y los temas

"Lesson

Learned" y "Within You"

fueron

utilizados en "One Tree Hill". En octubre del mismo año, Ray LaMontagne hizo una grabación en vivo en la Abbey Road Studios para el Live from Abbey Road. En su tercer trabajo, “Gossip in the Grain”, lanzado el 14 de Octubre del 2008 , contó de nuevo con Ethan Johns como productor creando un

conjunto de

canciones con miras a la eternidad, sin fecha de vencimiento.

Su voz continuaba siendo

cálida y sensual hasta llegar a

embriagarte, porque él es tan especial como la mejor de las conversaciones y las compañías, como el mejor de los paseos bajo la lluvia, como la mejor de las bromas, como el mejor de los abrazos y las caricias, como el mejor de los recibimientos, como la complicidad de una mirada o una sonrisa, como la 41

pasión compartida.

Su norte era claro, la canción con algo de folk, un poco de jazz, orquestaciones suntuosas pero muy bien administradas y las letras poéticas, un poco tristes y siempre reflexivas. En la apertura estaban los Memphis Horns, el sonido de los estudios Moseley Shoals, de los discos de Stax/Volt, todo vuelto a empaquetar y listos para las generaciones del siglo XXI. "You Are the Best Thing" era una elegía completamente romántica

para

ser

amado. Así empieza Gossip in the Grain, un poco de manera engañosa porque el resto de las canciones del disco poco tienen que ver con este primer clima. Ya en "Let It Be Me", clásico desde el título mismo, es donde aparecen las verdaderas intenciones del disco, guitarra y voz, acompañamiento sosegado y parco en una canción que tenía mucho de ese olor a madera de los discos viejos de Van Morrison o los álbumes folk del Neil Young de los 70's. Sí, por ese lado iba este trabajo. La “nota de color” la aportaba "Meg White", una oda a la baterista de los White Stripes, con su comienzo spaguetti western y la letra que fantaseaba con encontrarla, caminar a su lado, etc. Era un tema simpático, que aportaba un poco de descanso en un disco cuya trama lírica era más bien densa, extremadamente personal. En “Sarah” hay ecos a Nick Drake (en las inflexiones vocales sobre todo) en particular y al folk inglés en general, con su reglamentario cuarteto de cuerdas que siempre sugiere sin interferir, también hay un ukelele tocado con buen gusto.

"Gossip in The Grain”, (El chisme en el granero), descubrió a LaMontagne además de artista, como un ilimitado artesano, compositor con un sinfín de redes melódicas que no se repetían en ninguna de sus creaciones anteriores. Lamontagne confesó que

sus obras estaban basadas en sus experiencias

personales, en la complicidad, los códigos que sólo la pareja de amantes conoce y comprende, las situaciones incómodas del ser humano, la diversión así como lo incongruente que éste puede ser. “Cada canción es diferente. Algunas son más viscerales y personales, y otras no. Y algunas contienen sólo fragmentos de verdades personales. Pero, realmente, lo que importa es la verdad emocional de la canción. Si es honesta, si es real, estas cosas no se pueden falsificar. Estoy simplemente intentando crear una canción que perdure”.

Así se sinceraba Ray antes de recluirse con los Pariah Dogs a grabar el cuarto álbum de su carrera, el fruto de más de dos años de creación y registrado en tan sólo dos semanas de trabajo en su propio hogar, una granja situada al oeste de Massachusetts, donde vive con su mujer e hijos. Conocido por su extrema timidez (nunca ha grabado un video, no es amigo de echarse a la carretera y sobre el escenario se limita casi exclusivamente a cantar, a ser posible poco iluminado), ningún lugar mejor para grabar un disco que su propia casa. Y lo hace prescindiendo de Ethan Johns, el productor de sus tres primeros trabajos, para tomar las riendas en primera persona, precisamente cuando, por primera vez también, el nombre de la banda acompaña al suyo en la portada del álbum: RAY LAMONTAGNE AND THE PARIAH DOGS.

“God Willin’ & The Creek Don’t Rise”no supone un cambio de rumbo, sino la continuación, la evolución, del estilo "Ray LaMontagne", soul, folk, country, blues y todo a la vez, música surf para los días de calma chicha, cuando las tablas se recogen alrededor de la hoguera. Inmediatamente reconocible gracias a su voz, áspera, ahogada, como si hubiera tragado todo el humo del mundo y ni una sola gota de alcohol, afinada desde las tripas y entonada con el corazón.

“Repo man” abre el álbum a ritmo de funk descarnado, un álbum que se cierra con blues, “The devil’s in the jukebox”, y que transita sobre todo por las sendas del country y la música de raíces americanas gracias a la evidente aportación del grupo que lo acompaña. Canciones que podrían haber formado parte de cualquiera de las entregas anteriores de nuestro protagonista, pero que con el bajo de Jennifer Condos tirando del carro, Jay Bellerose acariciando los ritmos ,Greg Leisz haciendo diabluras con su pedal steel, suenan diferentes a cualquiera de sus entregas anteriores. Más cerca que nunca de Gram Parsons, de Neil Young o de su admirado Stephen Stills, diez canciones de las que no es fácil destacar ninguna , emponzoñadas de blues y de soul. Como prueba, su primer single “Beg Steal or Borrow”.

Según

sus

propias

palabras: “ es el mejor conjunto de canciones y el mejor sonido que he sacado nunca de un álbum”. Y lo cierto es que

suena

vivo

fresco,

y en

contraposición

introspección

languidez trabajos

sus

anteriores.

"He estado tocando con

ellos

desde

después del segundo disco (Till the Sun turns Black, 2006), y poco a poco hemos evolucionado.

Noche tras noche, me dije a mí mismo: Esto es muy especial - es un gran sonido el que hacemos juntos. Me encantan estos chicos y querría que aparecieran en el disco". Asegura que no sólo cuenta historias desde el fondo de su alma. Las nuevas canciones "cubren mucho terreno. Algunas hablan de relaciones acabadas. La canción que da título al disco fue escrita como una carta de un ranchero en el 1800 a su casa. Algunos son de mi propia vida y el crecimiento interior, de cómo vas adquiriendo más sabiduría a través de los años."

God willin' & the Creek don't rise" es el primer álbum que hace por sí mismo. Tras jurar fidelidad a Ethan Johns, en realidad no lo ha traicionado, su impronta sigue presente aunque él ya no esté, simplemente ha aprendido a caminar sin que le guíe sus pasos, ahora se siente seguro, la seguridad de quien tiene a su servicio una banda que es garantía de calidad y unas composiciones siempre hermosas, emotivas y, ahora también, vibrantes.

"Till the sun turns black" será siempre una referencia, podrá componer discos mejores o peores, que nos gusten más o menos, pero su segundo larga duración siempre será objeto de comparación, un clásico, otro de esos discos que trascienden más allá de la música para convertirse en estados de ánimo, el reflejo de una época de nuestras vidas, de un sentimiento, siempre subjetivo para cada uno de nosotros.

Ray LaMontane es joven, muy joven, aún no tiene cuarenta años y suena como esos tipos que parecen esconder secretos y saber cosas que el resto de los mortales desconocen por completo. Cuando canta, tienes la necesidad única de escucharlo, no tienes escapatoria, su voz te envuelve, eres presa de su encanto...

Recopilado de la web

Discografía

1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 10.

“Trouble” “Shelter” “Hold In My Arms” “Narrow Escape” “Burn” “Forever My Friend” “Hannah” “How Come” “Jolene” “All The Wild Horses”

Trouble (2.004)

1. “Be Here Now” 2. “Empty” 3. “Barfly” 4. “Three More Days” 5. “Can I Stay” 6. “You Can Bring Me Flowers” 7. “Gone Away From Me” 8. “Lesson Learned” 9. “Truly, Madly, Deeply” 10. “Till The Sun Turns Black” 11. “Within You” Till The Sun Turns Black (2.006)

1. “You Are The Best Thing” 2. “Let It Be Me” 3. “Sarah” 4. “I Still Care for You” 5. “Winter Birds” 6. “Meg White” 7. “Hey Me, Hey Mama” 8. “Henry Nearly Killed Me (It’s a Shame) 9. “A Falling Through” 10. “Gossip in the Grain”

Gossip in The Grain (2.008)

1. “Repo Man” 2. “New York City’s Killing Me” 3. “God Willin’ & The Creek Don’t Rise” 4. “Beg Steal Or Borrow” 5. “Are We Really Through” 6. “This Love Is Over” 7. “Old Before Your Time” 8. “For The Summer” 9. “Like Rock and Roll & Radio” 10. “The Devil’s In The Jukebox” God Willin’ & The Creek Don’t Rise (2.010) Enlaces de interés http://www.raylamontagne.com/ http://www.myspace.com/raylamontagne

FANATISMO Y DEVOCIÓN ALBERT EINSTEIN

"Los enemigos más encarnizados con nuestras ideas, son aquellos que no las entienden ."

La palabra "fanático" viene del sustantivo fanum o phanum, que significa templo; en efecto, fanático originalmente quería decir "perteneciente al templo" o "persona asidua al templo"; luego, llegó a significar "protector del templo". Después, adquirió el sentido de intemperancia desmedida en la defensa de la religión. Así pues, la noción de fanatismo se relaciona en un principio con la religión, pero el término abarca en realidad un campo semántico mayor puesto que hoy en día podemos hablar tanto de “fanatismo político”, como “religioso”, “racial”… si bien es cierto que casi siempre se puede relacionar con la violencia, no siempre es así puesto que también es causante de gritos, lloros, desmayos y una obsesión desmedida por ídolos musicales y/o pasatiempos; lo que podríamos llamar el “fenómeno fan”. Tan adorable como detestable, el fenómeno fan se ha asociado a diversos factores: - Cultura de masas. - Adolescencia. - Feminidad.

Si bien es cierto que a día de hoy, gracias a las diferentes investigaciones sobre el colectivo, se puede decir que el único factor verdaderamente cierto es el primero. Los fans, tal y como los entendemos hoy en día, comienzan a perfilarse durante los años 50 en Estados Unidos. Probablemente, fue Elvis Presley el precursor de toda esta historia, cuando creó un sonido nuevo, el rock and roll. Por primera vez, la música no sólo tenía el componente artístico o de diversión

que había tenido hasta la fecha sino que se identificaba con una generación en concreto y se empleaba a fondo para transmitir sus anhelos. La música “de todos”, que nacía con vocación popular, no hacía más que poner una barrera muy clara entre adultos y jóvenes, que por fin habían encontrado un leit motiv que los uniera y expresara su estado de ánimo. Sin embargo, aunque ésta es la raíz, el fenómeno fan por aquel entonces no estaba enraizado en la cultura ni había desarrollado sus propios mecanismos de funcionamiento.

Nunca antes la sociedad había sufrido una transformación tan profunda por medios exclusivamente pacíficos. Lo cual no significa que no se repita el mismo esquema que en las anteriores, sólo que sus actores y sus causas son muy distintas. Alcanzada la estabilidad social y la paz, los objetivos de cambio se dirigían a la propia manera de vivir, no al gobierno. De esta manera, el poder ya no radica en el control ejecutivo sino en la opinión pública, que abandona como referentes a filósofos y teóricos varios por las estrellas de la música. En una sociedad liberal que permite todos los tipos de vida, los jóvenes se identifican con una posibilidad de crear su propia existencia. Ya no es tanto una cuestión de forma social como pura y simplemente de mentalidad. Para ello, las nuevas generaciones necesitaban ídolos. Si sus padres habían sido militantes, ellos serían fans. Aunque eso sólo pasaba de una manera completa en Inglaterra y Estados Unidos. El mundo sajón es el referente de lo que sucedería después en todo Occidente. Todos los países los acabarían copiando, pero ellos fueron los primeros. Pero para entonces no se entendía todo lo que englobaba el fenómeno fan. Hasta que llegaron los Beatles y tomó verdadero cuerpo. Se perfiló de forma definitiva como lo que es hoy: una condición individual con relevancia social. Una fuerza demográfica que surge de la atomización. La masa se reúne en torno a un nuevo líder cuyo lema es, precisamente, “sé tú mismo”. Desde entonces, en un proceso que aún no ha terminado, los ídolos pasaron de ser dioses o revolucionarios, a pura y simplemente, ser famosos. Porque la cultura de la fama es el ingrediente que faltaba para terminar de adobar la receta del fenómeno fan.

Si los 60 es la década en que el fenómeno se masifica y perfila, no fue hasta los 70 cuando finalmente se teoriza y adquiere el estatus no sólo de algo relevante socialmente, también intelectual y conceptualmente. Es un personaje excéntrico diferente llamado Andy Warhol quien crea la conexión que faltaba entre lo popular y lo exquisito, dando legitimidad a lo que hasta la fecha los eruditos habían considerado un puro capricho de los tiempos. El pop art consolida la nueva cultura y se convierte en el referente indispensable para entender el mundo en el que vivimos. Capta, además, un cambio verdaderamente revolucionario, que también sería teorizado desde la perspectiva de la teoría de la comunicación por Marshall McLuhan: “el medio es el mensaje”. Es decir, que los nuevos artistas ya no se convierten en ídolos por la calidad de su trabajo o la opinión de un grupo de expertos, sino por motivos mucho más prosaicos: el simple hecho de ser reconocidos por la calle y aparecer en la televisión y las revistas. Por ello, la gente ya no admira un talento (que también) sino que lo importante es un grado de identificación que va mucho más allá: lo importante, pura y simplemente, es una forma de ser. Vamos a centrarnos más en el concepto; hay diferentes puntos de vista para explicar el fenómeno del fanatismo pero básicamente se ha visto como un “ahorro de energía” para la psique de la persona frente a la incertidumbre. Cuando una persona experimenta dudas ante cualquier situación; normalmente empieza un proceso de elaboración compleja: debe encontrar diferentes soluciones a sus preguntas, estudiarlas, sopesarlas, mirar las variables que pueden intervenir o modificar en las distintas posibilidades que tiene en mente, calcular los pros y contras, posibilidades de éxito y fracaso y posibilidades de quedarse conforme con aquella respuesta que finalmente haya elegido… algo que a simple vista puede parecer automático, es un proceso psíquico que requiere bastante trabajo por nuestra parte, todo ello sin mencionar las emociones que nos pueden acompañar durante el proceso: sensación de inseguridad, incertidumbre, temor (al fracaso, al error, las consecuencias, etc). No importa la duda: ¿salgo contigo?¿qué película veré hoy?¿qué música me gusta? ¿lo está haciendo bien esta persona?¿existe dios?... a mayor importancia y trascendencia para nosotros, mayor es la tensión y mayores serán las emociones que nos acompañen en el proceso de toma de decisiones.

Sin embargo, el fanatismo ahorra todo esto. Propone la vía rápida y fácil eliminando sin más la incertidumbre al 100%. Como consecuencia se produce un registro de unidad (“siempre será así…”), de coherencia personal que hace al fanático sentirse seguro y ésta seguridad refuerza el fanatismo a lo largo del tiempo. La certeza libera el temor a la incertidumbre y esto también refuerza a su vez el fanatismo. Además, le ayuda a integrarse con el grupo con el que se identifica y que le acoge con entusiasmo y esto también es una fuerte fuente de refuerzo para seguir con esa conducta ya que se crea una identidad social, de grupo, promovida a la acción. Por ello, el fanatismo se ha visto como un gran ahorro de energía que impulsa a la persona. ¿Por qué entonces no somos todos así? En cierto modo, todos tenemos un “modesto” grado de fanatismo hacia algo o alguien. Además, la figura del héroe, ídolos, religión, etc nos la hacen interiorizar desde bien pequeños en la infancia. El problema viene cuando se llega a un fanatismo patológico, es decir, que interfiere de forma notable en la vida normal de la persona. Puede tener, entonces, unos “efectos secundarios” terribles: limita la libertad, empobrece el psiquismo, incomunica, limita la autocrítica y el afán de superación, reduce la riqueza de matices de la vida y en muchos casos desemboca en la negación de la dignidad humana de los otros. Además, perjudica realmente a aquello o aquella figura a la que se adora porque la obsesión, devoción y dependencia hacia algo o alguien de forma extrema desde fuera siempre suele ser visto de forma negativa, descalificando las posibles causas verdaderas que pueden hacer merecedor de tal adulación a aquella persona y/o objeto al cuál se adora.

El fanático cree poseer la verdad de manera tajante. Afirma tener todas las respuestas y, en consecuencia, no necesita seguir buscando a través del cuestionamiento de las propias ideas que representa la crítica del otro. Es pues, enemigo de la libertad. Algunas de las características que lo definirían podrían resumirse en: Dogmatismo: Fe en una serie de verdades que no se cuestionan ni razonan y cuya justificación lo es por su propia naturaleza o con relación a alguna autoridad. Carencia de espíritu crítico: No se admite la libre discusión acerca de las propias verdades, ni su crítica racional. Maniqueísmo: No se admiten los detalles. Las diferencias son consideradas de manera radical. Además, la diversidad humana suele encerrarse en dos categorías (buenos y malos, p. ej.) Autoritarismo: Afán de imponer la creencia y de forzar que todo el mundo se adscriba a la misma. Odio a la diferencia: Desprecio y rechazo de lo que escapa a unos determinados moldes y etiquetas. Se trata, en suma, de la incapacidad para admitir el mundo en su diversidad y para aprender de los OTROS. No admite la diferencia en su seno ni enriquecerse con nuevos puntos de vista. Se encierra en sí misma y no avanza.

Para terminar, sólo decir que como todo en esta vida… cualquier emoción tiene su línea continua que va de un extremo al otro y lo mejor, es no caer ni en el exceso ni en la ausencia total de la misma y vigilar todas aquellas situaciones/emociones que empiecen a interferir de forma significativa en nuestra vida diaria, pues nuestra mente es sabia y sabe dar su señal de alarma cuando algo no funciona de forma equilibrada. http://www.youtube.com/watch?v=z0XAI-PFQcA

Inauguramos este mes

una nueva sección,

en la que

intentaremos recomendaros webs relacionadas con

el mundo de la música. Para estrenarla hemos decido

empezar

por la web de

Jenesaispop, más conocida

como JNSP.

Esta web la conforma un grupo de amigos que tienen entre 25 y 35

años,

mayoría

licenciados

Ciencias

Información, que alrededor del año 2003 se habían apuntado al boom de los blogs personales creando casi todos ellos su propio blog. A raíz de ésto, y aprovechando que cada uno de ellos

estaba interesado y especializado

en un área

en concreto (la música alternativa, los

cantantes comerciales, gran hermano, eurovisión, estrenos de cine, recetas de cocina, etc.), en 2006 surge la idea de crear un fanzine al estilo de los años 90 pero online. Así, lo

que comenzó como una idea entre amigos, según Google Analytics, llegó a rondar los 190.000 usuarios únicos por mes en mayo de 2.010 y 1.000.000 de páginas vistas. Desde Marzo de 2010 son socios de Antevenio (www.antevenio.com)

La web es más conocida como JNSP, ya que tiene una pronunciación un poco difícil, “ye ne se pop”, más o menos. En francés la “ai” forma “e” y la “s” final casi nunca se pronuncia.

Es un juego de palabras con el francés “je ne sais pas”, que significa “no sé”. Es una frase que les gustó por su sonoridad y en aquel momento creian que les encantaba la cultura francesa, aunque después se han dado cuenta de que tampoco tanto

Los periodistas de esta web vienen de medios muy diversos: han escrito desde en

Ya.com

hasta en ‘Operación Triunfo, pasando por el grupo Recoletos en varios de sus medios, la revista Tendencias, la revista H, MTV Magazine, Shangay, ADN, Soitu, gabinetes de

comunicación, etcétera. Su forma de trabajar es un poco informal, como ellos mismos

reconocen: “Nunca hacemos un plan semanal. Hablamos constantemente a través de e-mail. Algunos integrantes de hecho pueden hacer 5 posts mensuales pero pueden mandar,

fácilmente, más de 200 mails al mes relacionados con JNSP. Decir que estamos enganchados al mail sería poco.” Su blog ante todo es de opinión, se definen como un blog de pop, y no entienden el divorcio

radical entre “indie” y “mainstream”. Para ellos es posible que la música indie en España no termine de despegar como en otros países porque la crítica no ha tratado por igual ambos sectores.

Para saber si han hablado de vuestro artista favorito, tienen un buscador, arriba del site a la derecha, que funciona bastante bien, sobre todo si entrecomilláis lo que buscáis.

Si no

han hablado sobre lo que buscabais, podéis enviarles un e-mail a info@jenesaispop.com o bien

pinchar en “Dudas y sugerencias” (abajo a la izquierda) y dejarles un comentario. Ellos

mismos dicen que les encantan las sugerencias y que toman nota de casi todas. Si lleváis varios días sin conectaros, podéis leer las noticias que os habéis perdido abajo a la derecha, donde aparecen todos los archivos ordenados por meses. También podéis suscribiros a los RSS a través de Bloglines y similares. En JNSP, los comentarios que se pueden dejar en cada noticia son controlados y borrados inmediatamente en el caso de que no tengan nada que ver con el post. A lo largo de estos cuatro años de

historia, según cuentan ellos mismos, han tenido que banear a dos

personas porque se habían puesto muy pesadas y empezaban a darles un poco de miedo. Ellos creen que, al igual que en la totalidad de foros y blogs que podemos conocer y que nos gusten, el orden y el respeto son fundamentales en un proyecto que siguen miles de personas.

Su primer artículo data del 19 de febrero de 2006, y era una lista musical. La siguiente entrada la titulaban 100 pistas de JE en SAIS POP

y ya aparecen los primeros comentarios, y al siguiente ya comentaban sobre Arctic

Monkeys. En uno de sus últimas entradas, hablan de los twitter de músicos españoles: http://jenesaispop.com/2010/08/12/por-su-twitter-les-conocereis-spanish-edition/

Cortometraje “Late” El cortometraje Late fué grabado el mes de Julio (durante los días que Virginia nos dijo que se iba a trabajar a Barcelona, pero no nos dijo a que) dicho corto se estranará en el mes de Octubre (al igual que Muñecas) y está nominado a "The Barcelona International Gay and Lesbian Film Festival". REPARTO Este corto está protagonizado por Tania Gómez, Gonzalo Pastor y por Virginia Maestro. EQUIPO La banda sonora corre a cargo de Virginia Maestro, Iñaki García y Tania Gómez, la fotografía a Gema Briones, la dirección de arte a Juan Paredes y a Jorge Vañó la ayudantía de dirección. El cortometraje ha sido producido por Giovanna Martín y Núria Queralt. SINOPSIS “Late”, es un drama naturalista que trata la fugaz historia de dos mujeres. Los recuerdos, a veces más reales que la propia realidad; se apoderan del hogar vacío en el que una de ellas ahora ha de vivir. LA DIRECTORA Ruth Caudeli es licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad Politécnica de Valencia y cursó el “Màster en Innovació i Qualitat televisives de TV3” (Universidad Autónoma de Barcelona y Universidad Pompeu Fabra). Ha trabajado en el piloto de la serie “La Clínica” que se emitirá en TV3 en el mes de septiembre y ha dirigido actores como Miquel Sitjar, Anna Casa o Santi Sans. Además, ha dirigido el cortometraje “Bonnie” con Bealia Guerra y ha trabajado como script en “No te movías, no soñabas, te escapabas” de Jorge Vañó y como foto fija en “Hi8” (en 35 mm también de Jorge Vañó). Recientemente ha realizado el workshop de dirección cinematográfica en la Escuela Superior de Cine y Audiovisual de Cataluña. En este marco rodó “LATE”. Posteriormente dirigió “ALONE” en la New York Film Academy en la que cursó otro workshop de dirección. A partir de septiembre se seguirá formando en la ESCAC en el Máster de dirección cinematográfica.

Todos los datos del concierto en Barcelona. A continuación os dejo todos los datos del concierto del próximo 25 de Septiembre: -Día: 25 de Septiembre -Hora: 21:00 - 23:30 -Lugar: Auditori Centre Civic Les Basses. C/Teide, 20 (Barcelona) -Formato: Trío Acústico (guitarra, piano y voz) -Entradas: 18€, ya a la venta. Para más información podéis llamar al 657402081 o escribir a pbcanpeguera@gmail.com Las entradas también se pueden comprar a través del Club Oficial enviando un mensaje a la siguiente dirección de correo electrónico con los datos que se detallan:

• • • •

Dirección de correo electrónico: secretario@virginiafanclub.es Nombre y apellidos DNI Número de entradas a comprar

Para hacer efectiva la reserva es requisito indispensable realizar el ingreso por el importe total de las entradas compradas al siguiente número de cuenta de "La Caixa": 2100.0008.26.0200639969 Referencia en el ingreso: Nombre titular reserva + "Concierto" Desde hace unos días, las entradas también se pueden comprar en Ticketmaster, Carrefour, Halcón Viajes y Fnac.

Virginia en “Vivas en Acústico”. Virginia Maestro es una de las novedades de Vivas en Acústico. Gracias a este programa vamos a poder ver a Virginia en formato acústico en diferentes ciudades como Sevilla, Madrid, Algeciras, Barcelona y Valladolid. Ya se ha confirmado el primer concierto. Será en Sevilla en el Bar Utopía. Podrán entrar menores acompañados por un adulto mayor de 21 años. Las entradas se venderán el mismo día del concierto a partir de las 20:30 e incluirá una consumición, al precio de 10 €. Y el concierto comenzará a las 21:30. Otro de los conciertos será el próximo 7 de Octubre en la sala Scape de Madrid. Pero de este concierto no sabemos nada más.

La web del Pinta “Soy Tu Aire” en la revista “Time”. La prestigiosa revista Time ha publicado el listado de las mejores webs del 2010 y ha colocado el Pinta Soy Tu Aire en la 5º posición de la categoría Music & Video. La web de la campaña promocional del primer single del disco Labuat tan solo ha sido superada por Vimeo, Movieclips, Grooveshark y MOG. Así que desde aquí queríamos dar la enhorabuena a todos los creadores de la web.

Virginia entrevistada en “Must! Magazine”. Virginia ha sido entrevistada en el nuevo número de Must! Dicha entrevista forma parte de la sección Un Postre con... Si quereis descargaros la revista lo podéis hacer en su web y si queréis descargaros tan solo la entrevista hacer click aquí.

La misma revista ha realizado a Virginia este pequeño test que podéis ver aquí.

Película “Day 57”.

El director James J. Wilson ha contado con Virginia para su nueva película. El papel de Virginia en el largometraje es de una reportera de television en un mundo totalmente destruido. También sabemos que en esta película Virginia no aportará ningún tema para la banda sonora. En el facebook del director ya se han subido algunas fotos que podéis ver en la galería de Vmweb. Os dejo con el primer trailer, estamos esperando que salga el segundo, pero se ha tenido que retrasar unos días. Y por último os dejo con un video en el que Virginia y el director de la película nos hablan de como surgió todo.

Proceso de grabación del segundo disco de Virginia. El proceso de grabación ya está llegando a su fín ya que Virginia lleva varios días grabando las voces. Durante estas semanas, Virginia nos ha comentado desde su Facebook que se estaban grabando las guitarras, las teclas, los bajos y contrabajos, tubas, hammonds y baterías. Pero durante estos últimos días se ha planteado un nuevo debate ya que los últimos eventos creados por Virginia para promocionar sus conciertos, tienen como nombre Virginia Labuat. Tras ver esto muchos de los fans se han empezado a preguntar que si ese sería su nombre artístico, pero tras ver la foto que puso hace unos días a muchos ya les ha quedado claro. Para los que todavía no sabían muy bien de que iba esto, Virginia dejó dos mensajes, el primero dice así: ¿El nombre? está impreso en cada rincón de este disco que llevo preparando desde hace bastante tiempo... ¿las canciones? nunca han sido tan mías como ahora... ¿Aún dudas? XD Y el segundo es corto y claro: A Virginia le gusta Virginia Labuat (2011). 60

DURANTE EL MES DE

SEPTIEMBRE Alfonso del Valle Martes 7 – Sala “La Estación”. Sevilla a las 21:30 h ( todos los martes del mes) Sábado 25 – Sala Libertad 8. Madrid a las 21:30 h junto a Manuel Cuesta

Alondra Bentley Sábado 11 – Navalpop festival. Navalmoral de la Mata (Cáceres) a las 21:50 h

Amy McDonald Lunes 27 – Sala La Riviera. Madrid a las 20:00 h la apertura de puertas. Martes 28 – Sala Razzmatazz 1. Barcelona

Andrés Calamaro Miércoles 8 – Sala Razzmatazz 1. Barcelona Miércoles 15 – Sala La Riviera. Madrid a las 21:30 h Jueves 16 – Sala La Riviera. Madrid a las 21:30 h

Andrés Suárez Viernes 17 – Sala La Estación. Sevilla a las 21:30 h Martes 28 – Sala Libertad 8. Madrid a las 21:30 h

Annie B. Sweet Martes 14 – Fiestas de Fuenlabrada. Fuenlabrada (Madrid) a las 20:00 h Jueves 16 - Plaza Mayor de Oviedo. Oviedo (Asturias) a las 20:00 h Sábado 18 - Festival Melilla. Melilla a las 20:00 h

Arizona Baby Viernes 10 – Sala Le Club. A Coruña a las 22:00 h Sábado 11- Sala Karma. Pontevedra a las 22:00 h Viernes 17 – Sala Retrodelia. Torres de Cotillas (Murcia) a las 22:00 h Sábado 18 – Festival Yecla. Yecla (Murcia) a las 22:30 h Viernes 1 de Octubre – Kafe Antzokia. Bilbao a las 22:00 h

Ben Howard Miércoles 15 – Moby Dick Club. Madrid a las 21:30 h Viernes 17 – Sala BeCool. Barcelona a las 20:00 h

Carlos Chaouen Jueves 30 – Sala Clamores a las 21:30 h

Cola Jet Set Viernes 10 – La Farinera del Clot. Barcelona a las 21:00 h Viernes 24 – Parking de la Renfe. Llobregat a las 23:30 h

Cooper Sábado 11- Navalpop. Navalmoral de la Mata (Cáceres) a las 01:00 h

Elton John & Ray Cooper Sábado 2 de Octubre – Palacio de los Deportes de la Comunidad de Madrid. Madrid a las 21:00 h.

Gastelo Viernes 10 – Café Teatro Pay Pay . Cádiz a las 23:00h Miércoles 15 – Sala Clamores. Madrid a las 21:30 h

Javier Ruibal Martes 7 – Jardines del Palacio de la Buhaira. Sevilla a las 22:00 h

Josh Ritter Jueves 9 – Sala El Sol. Madrid a las 22:30 h

Joaquín Sabina Jueves 9 – Recinto Multiusos Sánchez Paraíso. Salamanca Sábado 11 – Auditorio Rocío Jurado Isla de la Cartuja. Sevilla Jueves 16 – Palau Sant Jordi. Barcelona Sábado 18 – Puerto. Valencia Jueves 23 – Plaza de Toros de Granada. Sábado 25 - Antigua Condomina. Murcia Viernes 1 de Octubre – Velódromo de Anoeta. San Sebastián Domingo 3 de Octubre – Bizkaia Arena. Bilbao

L.A. Sábado 11 – B- Side Festival. Molina de Segura (Murcia) a las 20:00 h Viernes 17 – Festival Ebrovisión. Miranda de Ebro a las 21:00 h

Lantana Sábado 1 de Octubre – La Fábrica de Chocolate. Vigo (Pontevedra) a las 21.00 h Domingo 2 de Octubre – Le Club. A Coruña a las 21:00 h

La Bien Querida Viernes 24 – El Prat de Llobregat a las 20:00 h

Lori Meyers Martes 14 – Campos de fútbol de la Aldehuela. Fuenlabrada (Madrid) a las 21:00 h Viernes 17 – Mulfifuncional de Bayas. Ebrovisión. Miranda de Ebro (Burgos) a las 20:30 h

Los Secretos Jueves 9 – Centro Escénico San Isidro. Tarancón (Cuenca) a las 24:00 h Viernes 10 – Auditorio “El Torreón”. Pozuelo de Alarcón (Madrid) a las 22:00 h Viernes 17 – Teatro Romano de Mérida. Concierto especial con repertorio único adaptado para la ocasión. Sábado 25 – Carpa Recinto Ferial. Azuqueca de Henares a las 21:30 h . Concierto gratuito.

Love Of Lesbian Viernes 10 – Festas do Cristo. Barco de Valdeorras (Galicia) a las 22:30 h Sábado 11 – B-side Festival Molina de Segura (Murcia) a las 23:20 h Viernes 17 – Palma de Mallorca a las 22:00 h Sábado 18 – Festival Ebrovisión. Miranda de Ebro (Burgos) a las 22:00 h Viernes 24 – Festival Eutopía 2010. Córdoba a las 22:00 h Sábado 2 de Octubre – Vinalopop 2010. Elche a partir de las 21:00 h Luis Ramiro Sábado 18 – Sala Joy Eslava. Madrid a las 20:30 h.

Lovely Rita Jueves 9 – Bar Canalla. Sevilla a las 22:00 h Sábado 11 – Sala W. Cádiz a las 21:30 h Jueves 16 – Sala Caracol. Madrid a las 22:00 h

Mäbu Martes 7 – Costello Club ( Fuera de contexto, poesía y música). Madrid a las 21:30 h Viernes 1 de Octubre - Nómada Super Market (Feria de diseño Independiente). Madrid a las 20:00 h

Manuel Imán Jueves 9 – Sala Milwaukee. El Puerto de Santa María (Cádiz) a las 22:30 h

Marwan Sábado 11 – Sala Libertad 8. Madrid a las 21:30 h Viernes 17 – Sala Matisse. Valencia a las 21:30 h Domingo 19 – Teatro Principal en las Fiestas de San Mateo. Reinosa (Cantabria) a las 19:30 h. Miércoles 29 – Sala Galileo Galilei. Madrid a las 21:30 h Viernes 1 de Octubre – Sala Paraninfo. Las Palmas de Gran Canaria a las 21:30 h Sábado 2 de Octubre – Buho Club. La Laguna (Tenerife) a las 21:30 h

OK Go Sábado 25 – BAM Festival. Barcelona

Peter Gabriel Miércoles 22 – Palacio de los deportes de la Comunidad de Madrid. Madrid a las 21:00 h Jueves 23 – Palau San Jordi. Barcelona a las 21:00 h

Quique González Sábado 11 – Teatro de La Laboral. Gijón (Asturias) a las 20:30 h Viernes 17 – Auditorio Enric Granados . Lleida a las 21:00 h

Supersubmarina Viernes 24 – Festival Eutopía 2010. Córdoba a las 22:00 h

Supertramp Miércoles 15 – Palacio de Deportes de Madrid. Madrid a las 21:30 h Viernes 17 – Bizkaia Arena. Bilbao a las 21:30 h Sábado 18 – Palau Sant Jordi. Barcelona a las 21:30 h

Susan Santos & The Papa's Red Band Martes 14 – Concierto acústico en La Coquette. Madrid a las 22:30 h Miércoles 15 - Concierto acústico en La Coquette. Madrid a las 22:30 h Jueves 16 - Concierto acústico en La Coquette. Madrid a las 22:30 h Miércoles 22 – Sala Derry Irish- Susan Santos & The Papa's Red Band. Leganés (Madrid) a las 22:30 h

The New Raemon Jueves 16 – Mercat de musica viva de Vic / Auditori Atlantida con Banda. Vic a las 14:30 h Sábado 18 – Ebrovisión 2010. Miranda de Ebro a las 20:00 h Viernes 1 de Octubre – Sala Apolo. Barcelona a las 21:00 h Sábado 2 – St. Vicenç, dels Horts. St. Vicenç dels Hors a las 21:00 h

The Right Ons Sábado 18 – Melilla. Melilla a las 20:00 h Viernes 24 – Turbo Rock Festival (Discoteca Spook). Valencia a las 21:30 h Sábado 25 – Turbo Rock Festival (Mercado de Sarón). Sarón (Cantabria) a las 21:30 h

Tulsa Viernes 24 – Barcelona Acció Musical (BAM). Barcelona

U2 e Interpol Domingo 26 – Estadio Anoeta. San Sebastián a las 17:30 h Jueves 30 – Estadio de La Cartuja. Sevilla a las 20:00 h

Zenet Viernes 17 - Festival Eutopía. Córdoba a las 12:30 h Lunes 20 – Plaza de la Catedral. Oviedo (Asturias) a las 11:00 h Martes 21 – Casa de Vacas. El Retiro (Madrid) a las 11:00 h Viernes 1 de Octubre – Teatro Echegaray. Málaga a las 11:00 h Sábado 2 de Octubre – Teatro Echegaray. Málaga a las 11:00 h

Paula Gómez

Con motivo del concierto que Paula Gómez ofreció en Chiclana el 27 de Agosto de 2010, nos acercamos hasta allí para realizarle una entrevista. Paula Gómez, 17 años, de padre músico y de formación clásica en el conservatorio de Cádiz, sus influencias van desde Norah Jones, su adorado BB King, Etta James, Jackie Wilson, James Taylor, Eric Clapton o Van Morrison. Ha estado hace poco tiempo por tierras irlandesas grabando temas, y actuando en el Waterfront Festival de Clonakilty. Desde aquí queremos darles las gracias a Paula y Luis (su padre, guitarrista y mánager) por las facilidades dadas y por cedernos parte de su tiempo.

JazzMaestro: Paula Gómez, la voz negra de chiclana como te han denominado en youtube ¿cómo te gustaría ser conocida? Paula Gómez: Bueno pues ese... ese nombre aquí en España vale, pero te vas afuera y dices la voz negra de Chiclana, o la voz negra de nosedonde y no tiene ningún... ningún valor, entonces por eso al final cuando empezamos a hacer conciertos y tal pusimos Paula Gómez porque era mucho más fácil acordarse del nombre, y porque valía para todos los sitios.

JazzMaestro: Etta James, B.B. King, Jackie Wilson, James Taylor, Eric Clapton, Van Morrison, Norah Jones... teniendo estos gustos musicales, tus amigos ¿no te veían como un bicho raro? Paula Gómez: Ehh, al principio si... bueno como un bicho raro no pero siempre que ponía una canción, a lo mejor mi amigo me decía "anda la música esta rara que escuchas nosequé" pero bueno, porque a casi todos les gusta, sabes, el flamenquillo, reggaeton o el pop, entonces pues eso, me decían "hay que ver la música rara que tú escuchas" pero...pero ya no te miran rara. No, no. JazzMaestro: Cantas en la Big Band del conservatorio de Cádiz ¿qué importancia le das a la formación musical? Paula Gómez: Pues bastante porque, aparte llevo ocho años en el conservatorio tocando la viola, y entonces, eh, los dos últimos años me hicieron cantar en la Big Band y, sobre todo para la formación de la voz para mi ha sido superimportante: cómo modular la voz; además he cantado jazz, que yo normalmente canto el blues que bueno, está relacionado pero el jazz es mucho más complicado, entonces me ayuda bastante, lo he nostado bastante a la hora de improvisar, o a la hora de componer.

JazzMaestro: ¿Qué piensas del fenómeno youtube, ¿perjudica o ayuda? Paula Gómez: Ayuda por una parte y perjudica por otra, porque te puede ayudar a promocionarte, a que la gente te conozca, pero después también te puede perjudicar porque cuando tu cuelgas una canción, la gente se la baja de youtube, cuando alguien hace un disco y lo cuelga en youtube o en emule, en internet, la gente lo que hace es, se lo baja, entonces no... los cantantes, los músicos pierden dinero.

JazzMaestro: Das conciertos, te autoeditas, compones ¿cuál es el siguiente paso? Paula Gómez: Pues el siguiente paso no lo sé todavía... no se sabe. De momento lo que... los pasos que hemos dado, creo que han sido acertados y estamos esperando la respuesta de productores, o de gente un poco más... de más nivel en este momento. JazzMaestro: ¿Qué representa para tí tu padre a nivel musical? Paula Gómez: Pues mi padre a nivel musical representa mi apoyo, mi apoyo y mi confianza sobre todo porque, bueno, él no ha estudiado música, él no... lo que sabe... él es autodidacta, entonces para mi es un apoyo, es... cuando estoy en un escenario tocando con él me da mucha confianza, me encanta. JazzMaestro: ¿Qué sentiste cuando supiste que acudías a un festival como el Waterfront en Irlanda? Paula Gómez: Pues, la verdad, me sentí super afortunada de que pensasen en mi para... para ir allí porque, bueno, mi batería es irlandés, entonces si donde se celebraba, él es de allí, preguntó, me escucharon, dijeron que si y, nada, este verano me fui pallá, toqué, había 1500 personas y la verdad fue una experiencia bastante gratificante, además toqué con músicos bastante buenos. JazzMaestro: ¿Hay mucha diferencia entre lo que tenías en mente cuando compusiste tus temas y el resultado final ya grabado del disco? Paula Gómez: Si porque, bueno, el tema que... los temas que yo he compuesto... hmm, yo no toco la guitarra pero compongo con la guitarra, pues toco tres acordes, cuatro acordes lo... lo minimo para poder componer una canción, entonces cuando tu la ves tocada por mi es totalmente diferente que cuando la ves terminada y grabada que suena increible, entonces yo estoy muy contenta con la grabación. JazzMaestro: ¿Quién es tu mayor crítico? Paula Gómez: Mi padre, mi padre porque si, porque me dice esto es asi y esto no, esto lo haces mal esto lo haces bien, pues tiene la confianza para decírmelo. JazzMaestro: ¿Crees que para vuestra generación la televisión y la radio siguen siendo tan importantes como en la de tu padre, por ejemplo, a la hora de promocionar la música? Paula Gómez: A la hora de promocionar la música ya no tanto, porque en la televisión se le da muy poco espacio a la música, entonces creo que es más importante el internet ahora mismo para promocionarte. JazzMaestro: ¿Con qué cantante del panorama nacional te gustaría hacer un dúo? Paula Gómez: Pues de mis preferidos aquí de España Fito y Fitipaldis, es un poco mi estilo pero en español.

JazzMaestro: ¿E internacional? Paula Gómez: B.B. King, B.B. King me encanta, si. Algún dia, nunca se sabe Espero, espero, aunque ya está bastante mayor, no se yo si llegará a hacer un dúo conmigo. JazzMaestro:¿Prefieres llenar grandes estadios o conciertos íntimos donde puedas ver al público cara a cara? Paula Gómez: Mmh, bueno, las dos cosas están bien, cada una tiene su... su encanto, no, porque bueno, cuando te subes a un escenario y hay 40000 personas en un estadio, pues te da un subidón que no veas, pero también si te metes en un pub superpequeño con 20 personas, que todas están atentas escuchándote, con las que tienes un poco de más comunicación también tiene... son buenas las dos cosas, la experiencia. JazzMaestro: A la hora de cantar ¿te gusta sentirte libre e ir improvisando, o te sientes más cómoda teniendo la canción bajo control? Paula Gómez: A mi me gusta llevármela más a... a mi estilo, a mi terreno, entonces si hago alguna versión la escucho dos o tres veces y después... me gusta más improvisar, hacerla un poco con mi estilo. JazzMaestro: ¿Te han dicho alguna vez lo de "si eres española porqué no cantas en español"? Paula Gómez: Bastantes veces, todos los dias lo escucho por lo menos una vez desde... desde que canto todos los dias. JazzMaestro: Y ¿qué les respondes? Paula Gómez: Pues que, bueno también canto en español pero prefiero cantar en inglés y no sé, y porqué no, ¿no? porque en España también se puede cantar en inglés, hay que... -habituar al público- si.

JazzMaestro: ¿Cómo llega una chica latina a sentirse identificada con una música tan anglosajona? Paula Gómez: Bueno pues porque mi padre desde chica me... me lo ha inculcado siempre, desde que yo tendría uso de razón siempre he estado escuchando esa música, fuéramos en el coche o fuésemos... estuviésemos en mi casa, siempre estaba este tipo de música puesta: rock, blues... entonces, bueno, yo he escuchado de todo, pero al final cuando he sido un poco más mayor me... me he decantado por esto. JazzMaestro: Desde antes de tener uso de razón estás viviendo la música ¿Serias capaz de plantearte un futuro en el que la música no formara parte de tu vida? Paula Gómez: Yo creo que no porque he vivido toda mi vida con ella entonces ahora mismo no... no me la imagino y... y ahora mismo menos todavía. JazzMaestro: Hay cantantes muy conocidos que tienen sus excentricidades y sus manías ¿cuál es la tuya? Paula Gómez: Yo... ah... por ejemplo en los ensayos eh... me gusta que... que la gente tenga las cosas claras, que no vaya cada uno a su bola, entonces muchas veces se cabrean conmigo porque me dicen "chiquilla, cállate ya, tranquilízate" pero esto antes de los conciertos estoy super... supernerviosa, pero manía así no tengo ninguna rara JazzMaestro: ¿Qué otras inquietudes artísticas tienes? Paula Gómez: Pues me gusta mucho el teatro también. Estuve... estuve haciendo teatro hace un año, estuve creo cuatro o cinco meses haciendo teatro pero al final no... no era para mi, creo yo, pero me gusta también 78

JazzMaestro: ¿Qué crees que deberíamos importar de Irlanda? Paula Gómez: Pues importar desde Irlanda, no sé... el respeto a la música sobre todo. Allí vas a un sitio, estabas en un pub lleno de gente, y cuando alguien empezaba a tocar todo el mundo se callaba la boca, tocase el tipo de música que tocase, bien, mal, inglés, chino, daba igual. La gente le tiene un respeto increible. Los bares allí están hechos para la música y aquí es al revés JazzMaestro: ¿Qué crees que podríamos exportar nosotros a Irlanda? Paula Gómez: Pues, por ejemplo, en Irlanda escuchan de todo pero no escuchan flamenco, entonces, pues desde Andalucía podríamos inculcarles un poco de flamenco también, ¿porqué no?

JazzMaestro: Empezaste a cantar con un grupo de amigos hasta que te decidiste a intentarlo en una jam session. ¿Cómo recuerdas ese día? Paula Gómez: Pues yo me acuerdo que, bueno, yo empecé con... con estos chicos que fue mi primer grupo, fue una experiencia increible, éramos amigos, nos lo pasábamos muy bien, pero cuando conocí al... al batería, que era irlandés, me propuso lo de la jam, entonces, yo de eso no tenía ni idea de lo que era. Llegué un dia al pub, una mesa entera llena de músicos, me sentaron allí a cantar, todo el mundo callado y fue como decir, uau, qué raro ¿no?, porque nunca había estado en una situación así. La verdad, muy bien. JazzMaestro: El batería irlandés es fundamental Paula Gómez: Si, si, ha sido, si

eltestde

Un libro: Memorias de una geisha Un disco: B.B. King y Raimundo Amador Una pelicula: Un paseo para recordar Una canción: Rock me baby Una comida: la pasta Una bebida: Eh, la coca-cola Un lugar para vivir: Irlanda Un lugar para perderse: Eh, no sé, una isla desierta, por ahí lejos, no sé Un medio de transporte: la bicicleta, yo voy a todos sitios en bicicleta, me encanta

Sussan Santos

¿Quién es Susan Santos? Hola, buenas, soy Susan Santos, soy guitarrista, cantante y compositora y, bueno, mi música está orientada sobre todo hacia el blues, funk, rock y toda la música que me inspira.

¿Qué piensas de la relación internet-música? Yo creo que realmente a bandas que no son tan potentes, tipo Rolling Stones... bandas superconocidas, internet nos viene bien. También es una manera de darnos a conocer. Nosotros cuando finaliza un concierto, a través de redes sociales tipo facebook o myspace, tenemos visitas de gente que ha visto el concierto, incluso nos comenta cosas de si les ha gustado el concierto o nos sube fotografías que nos hemos hecho o durante la actuación, incluso a través de ahí hemos vendido discos y canciones también, o sea, con lo cuál yo creo que internet a bandas que no son a nivel internacional, que quizás son bandas que se mueven menos en concierto, internet nos beneficia.

¿Crees que hay suficiente público en España para vivir del blues? Es complicado vivir del blues, complicado vivir de la música, en general, da igual el estilo de música que hagas. Lógicamente si el estilo de música que haces es más minoritario que, digamos, que el pop o las tendencias que se llevan por la radio, pues es una apuesta más difícil. Si te gusta yo creo que intentamos ser lo suficiente fuertes como para seguir adelante. ¿Dónde aprendiste a tocar la guitarra? Soy autodidacta. Formación realmente a nivel de escuela o conservatorio no he tenido, pero sí que, bueno, he estudiado por mis propios medios, comprándome libros o... sobre todo escuchando mucha música y componiendo, que la verdad es que me encanta hacer canciones, es la manera que tengo de expresar lo que siento. ¿Recuerdas tu primera actuación? Sí, totalmente ¿Cómo la recuerdas? Pues imagínate, como la actuación de cualquier persona que se sube por primera vez, con muchos nervios, con muchos problemas de sonido y... ¿Más que hoy? Bueno, más que hoy, sí, totalmente. No tiene nada que ver, es la inocencia de ese momento

¿A dónde te gustaría llegar con la música? Pues, lógicamente dedicarme todos los años que me quedan a la música, yo creo que eso es suficiente. Realmente yo llevo casi un año dedicándome profesionalmente a la música. Yo antes tenía un trabajo normal, lo que considera la gente normal, hasta que un día pensé que le estaba dando demasiadas vueltas y que realmente lo que quería era dedicarme a la música. Me lancé, dejé el trabajo fijo y me fui a Madrid y hasta ahora. A la aventura A la aventura, totalmente. ¿Existe música fuera de Madrid y Barcelona? Yo soy de Extremadura. Allí es complicado el circuito de actuaciones, pero yo creo que es complicado, o sea, como te decía, a la música es complicado dedicarse, pero siempre en ciudades en las que son más pequeñas o no es la capital en la que pasa muchísima gente por temas de turismo es complicado dedicarte a la música ¿Por qué razón? Nosotros en Madrid tocamos en algunas salas, incluso que programan tres días seguidos, eso si no es en Madrid o una ciudad en la que haya mucho turismo es complicado que alguien te pague por tocar cinco días, con lo cual pues sí que, digamos que la cuna o el centro de que nos permita dedicarnos a la música y tener dinero para poder subsistir como cualquier otra persona que tiene otro trabajo, siempre suele ser la capital o ciudades grandes, similares, del país. ¿Cómo ha sido tu experiencia en el Blues Cazorla? Pues principalmente calurosa, pero creo que lo más importante, la verdad es que ha sido una experiencia bastante interesante y especial para nosotros. Es un festival a nivel de España, pues uno de los más potentes y, bueno... tocaron artistas bastante importantes que yo creo que fue un lujazo no sólo tocar allí, sino independiente de ésto, pues haber charlado con ellos y haber compartido momentos interesantes de música en el backstage. ¿Hay mucha diferencia entre lo que tenías en mente cuando compusiste tus temas y el resultado del disco? Nunca queda como quieres, o sea, yo creo que eso debería ser lo principal por lo menos desde mi punto de vista. Siempre piensas que puede quedar mejor, y siempre piensas que en el siguiente disco los errores que has cometido en éste no los vas a hacer, pero eso es parte de la música, yo creo, del aprendizaje en la vida. No siempre sale como queremos. ¿Quién es tu mayor crítico? Mi mayor crítico, tengo que decir que soy yo misma. Soy bastante crítica conmigo y con el trabajo, y más porque realmente me apasiona dedicarme a ésto, y aunque no me dedicara realmente me llena muchísimo la música como para ser crítica conmigo misma.

¿Qué cantante o grupo del panorama nacional admiras? Admiro... como te has fijado un poco pues la orientación... eso, digamos como un poco más de música de fuera ¿no? es más, sería mas música americana, pero sí que hay muchísimas bandas en España que independiente del sonido que tengan, que puede ser orientación americana, orientación reagge, brasileña, etcétera, hay muchísimas bandas muy potentes. Puedo poner por ejemplo, hay una banda que aparte que son amigos y me gusta bastante, es Red House. Es una banda de blues-rock, es una banda en sentido estricto del blues, pero tiene un sonido de música americana bastante interesante. ¿Prefieres llenar grandes estadios o conciertos íntimos donde puedas ver al público cara a cara? Hombre, sinceramente, pues yo creo que no sería sincera si dijera que me gusta solamente tocar en garitos o en salas que haya un ambiente íntimo, eso me parece muy especial incluso cuando yo he visto conciertos, o sea, sin pensar en el que yo estoy dando, he visto artistas. Me parece muy interesante esa perspectiva de tener la cercanía de ver al artista ahí. En un estadio eso no se percibe, pero como músico pues tengo que decir que es absurdo que dijera que no me encantaría pues llenar un estadio, yo creo que quien lo niegue está mintiendo. A la hora de cantar ¿te gusta sentirte libre e ir improvisando, o te sientes más cómoda teniendo la canción bajo control? Hombre, normalmente, pues siempre que hay una estructura lógica en una canción, pero sí que me gusta tirar mucho de la improvisación, yo creo que eso es lo que hace que cada concierto sea casi diferente ¿no? Ese aliciente cuando te subes a un escenario... la razón por la que sobre todo me gusta muchísimo, o tenemos esos toques en la banda que no es 100% blues. El blues tiene ese encanto de la improvisación, que te hace de que cada noche sea distinta, y que disfrutemos cada noche de un concierto, porque va a ser diferente al próximo.

Te han dicho alguna vez lo de "si eres española porqué no cantas en español"? La verdad es que no mucho, y entre otras cosas porque realmente, bueno, con esta formación, Susan Santos and the Papa's Red Band, sería, por así decirlo, grabado en estudio y editado mi tercer disco y los anteriores cds, en concreto el primero cantaba en español. De hecho poco a poco, pues, empecé a cantar en inglés y la mayor parte del repertorio está en inglés y, bueno, tenemos incluso algunos temas en la Papa's Red Band que son en español. Hoy no los hemos tocado porque, bueno, teníamos un poco más ajustado el repertorio, pero sí que hay algunos temas en español. Depende, yo creo que cuando te surge una canción ya directamente, a veces pienso en si la quiero cantar en español o en inglés. Hay cantantes muy conocidos que tienen sus excentricidades y sus manías ¿cuál es la tuya? Excentricidad. Yo creo que no soy la más apropiada para decirlo porque seguramente no me doy cuenta y los demás sí. Quizás sea bastante perfeccionista, y lógicamente me gusta que no surjan, pues, cosas extrañas ¿no?, de que algo no funcione. Eso sí que me podría estresar ¿no? No creo que sea una excentricidad. La verdad es que en excentricidades me considero una persona bastante normal, o sea, que no creo que... sí, como todos. Todos tenemos nuestras cosas, nuestros defectos más que excentricidades, pero ahora mismo, a día de hoy, tengo mis cosas y mis defectos igual que mis virtudes, pero no creo que tenga ninguna excentricidad así extraña. ¿Qué otras inquietudes artísticas tienes? Inquietudes artísticas. Me gusta también escribir. Escribo poemas y, bueno, independiente de escribir poemas y tal, pues sí que me encanta leer, es algo que... una de las cosas que más me gusta en los viajes, más que ir escuchando música, es dar un poco un relax a los oídos, y leer.

eltestde

Un libro: Los pilares de la tierra. Un disco: Esa es difícil, tengo tantos que sería complicado decidirme, por ejemplo te podría decir Texas flood de Stevie Ray Vaughan, o Are you experienced de Jimmy Hendrix, Led Zeppelin disco IV... muchísimos. Una película: Una película. Esa es difícil. Hace tiempo que no veo una película que realmente me llame la atención. De las últimas que vi, pues te voy a decir por ejemplo, hay muchas interesantes... Babel. Una canción: Una canción, Little wing de Jimmy Hendrix. Una serie de tv: Lost, eh... Dexter mejor. Una comida: Una comida, el salmorejo. Una bebida: Nestea. Un lugar para vivir: Es difícil. Depende si es para relajarme o para trabajar. Si fuera para trabajar te diría, si tuviera trabajo allí, te diría Nueva York. Y si fuera de ocio me encanta Portugal, Lisboa. Un medio de transporte: Barco.

mäbu

Mäbu es una banda formada en el año 2008 por María Blanco (voz, guitarra y ukelele) y Txarlie Solano (productor, bajo y teclados). Sus canciones también las acompañan Daniel Arias (guitarra eléctrica, e-bow y slide), Cesar Uña (batería y percusión) y Aridai Vega (violín, viola, teclados, percusión y coros). Su carta de presentación fue "Hallo", un EP en el cual encontramos tres temas propios y dos versiones: "Promesas que no valen nada" de Los Piratas, y "Love song" de White Buffalo. Después de este debut y del estupendo recibimiento del grupo en las salas de Madrid y Bilbao, Mäbu se prepara para lanzar el que será su primer álbum, que como su primer EP, aparecerá bajo el sello discográfico WARNER MUSIC SPAIN. Hoy en Jazz Maestro charlamos con la joven madrileña María Blanco, el alma y la cara visible de la banda.

¿Dónde y cuándo nació María Blanco y, a breves rasgos, cómo recuerda su niñez? Nací en Madrid en el año 1988 y puedo decir que, afortunadamente, tuve una infancia feliz. ¿Qué música escuchabas de pequeña? ¿Cuáles fueron tus primeros referentes musicales y cuáles son ahora? Recuerdo haber escuchado mucho a The Beatles, Carpenters, Simon & Garfunkel y también a las Spice Girls, pero estas últimas desaparecieron de mis preferencias musicales hace tiempo, cosa que no ha pasado con los anteriores, que sigo escuchando incluso con más interés que antes. Actualmente escucho mucha música de diferentes estilos pero me quedo con bandas como Wilco o cantautoras como Feist y Regina Spektor. ¿En qué momento María Blanco decidió que quería dedicarse a la música? ¿Cuándo empezó a componer sus primeras canciones? No creo que hubiera un momento especial. De hecho, no lo he pensado nunca, ni lo he decidido. He seguido lo que creía que me iba a hacer más feliz. Las canciones que se conocen son las primeras canciones que hecho en mi vida y he tenido la suerte de poder grabar un disco con ellas. De momento me quedo con eso. Antes de que surgiera Mäbu ya estuviste involucrada en algunos proyectos, ¿cómo fue la experiencia de esos años? Sí, primero estuve en un grupo de versiones pero éramos muy críos y lo hacíamos por diversión. Más tarde estuve con mi hermana de corista en una banda de reggae: “The Wood's Band & El chico de la chancla rota”. Lo recuerdo como dos experiencias muy distintas entre sí, pero las dos fueron geniales. ¿Cómo nació Mäbu? ¿Por qué ese nombre? Mäbu nació de la necesidad de amplificar mis canciones y de buscar un sonido propio. Conseguirlo apoyada de tu propia banda es mucho más fácil, además de ser un privilegio. Elegimos ese nombre porque nos sonaba bien y estaba directamente relacionado conmigo. Son las iniciales de mi nombre completo, María Blanco Uranga, pero como ya he dicho, aunque parezca el seudónimo de una cantante, no es más que el nombre de mi banda. ¿Qué estilos podemos encontrar en vuestros temas? ¿Cómo definirías el sonido de Mäbu? Mäbu es una banda de pop que parte de canciones redondas, canciones concebidas de principio a fin. Nuestro objetivo es que cada una de estas canciones tenga su propio ambiente y su propia magia, pero siempre con el mismo sonido que caracterice a la banda. Podría decirse que es un sonido natural, sin grandes artificios y sin una superproducción detrás.

Desde el principio, uno de los pilares fundamentales de vuestra banda ha sido Txarlie Solano. ¿Qué te ha aportado este músico y cómo ha sido trabajar con él durante todo este tiempo? Sobre todo me ha aportado mucha experiencia, ya sea para arreglar una canción como a la hora de comprar una guitarra. Se puede decir que Txarlie y yo fuimos los artífices de este proyecto, así que es una pieza importantísima y esperemos que lo siga siendo.

Y luego están el resto de músicos que complementan vuestro sonido… ¿Resulta posible llevar a toda la banda en los directos? En la situación en la que estamos, no nos lo podemos permitir. Sólo lo hacemos en Madrid y Bilbao, que son dos de nuestras ciudades de origen. De momento y hasta que podamos ir los cinco, tendremos que ir Txarlie y yo con las dos guitarras, en formato reducido. ¿Cómo empezasteis a tocar? ¿Os resultó difícil abriros camino en las salas o la respuesta fue positiva desde el principio? Hemos tenido mucha suerte y la pura verdad es que no lo tuvimos difícil. Nuestra música encajó en las salas desde el principio. Lo que sí que es difícil es llevar a gente; eso es lo que más cuesta al principio, durante y al final. Sobre todo cuesta mantenerse. ¿Por qué se decidió sacar primero un EP? ¿Tenéis pensado sacar algún otro antes de que salga el CD completo? ¿Hay fecha ya para la salida del disco? Para un grupo que acaba de llegar, sacar un primer disco es algo complicado. Queríamos ir haciéndolo poco a poco, sin saltarnos ningún paso. Los discos ya no se venden como antes; ahora las preferencias son otras como, por ejemplo, salir a tocar, y con el EP se nos han ido abriendo puertas. Resulta más fácil que te programen en una sala para tocar teniendo algo publicado que no teniéndolo. Puedo decirte que segundo EP no habrá porque la respuesta con “Hallo” ha sido muy buena, así que ya tenemos fecha para la salida del disco completo: 11 de febrero del 2011. Hablando de discos... está claro que cada vez se venden menos, pero aun así no paran de surgir interesantes propuestas musicales como la vuestra. ¿Cuál es la clave para hacerse un hueco en este mundo tan complicado? Yo creo que está en el interés, el tesón y la ilusión. No se puede dejar de trabajar ni un solo segundo. El hecho de que ya no se vendan discos no nos tiene que dar miedo, en absoluto. Lo que sí que apostaría es por empezar a hacer más conciertos en salas, donde la gente pague por ver a los grupos que les gustan, y que creo que de eso tenemos menos costumbre. Aunque no faltan buenos músicos, desde hace tiempo en nuestro país asistimos a un desolado panorama musical caracterizado por una cultura mainstream muy estandarizada y repetitiva. ¿Crees que el pastel está bien repartido? Sinceramente, yo acabo de llegar y no tengo una opinión clara al respecto, pero parece que sí, que el pastel siempre se reparte entre aquellos cuya música entra dentro de un determinado “estilo”, “sonido” o “forma de hacer”, llámalo como quieras.

Estáis en Warner... ¿Es cierto eso de que las Majors limitan la libertad creativa de los artistas, o simplemente se produce una negociación entre ambas partes y el beneficio es recíproco? En mi caso, no. Lo que presentamos fue algo puramente personal, sin pensar en estereotipos ni nada por el estilo, que ellos acogieron sin ningún prejuicio ni objeción. Si que es verdad que parece que ellos velan más por la parte comercial que por la artística en muchos aspectos pero no ha sido nuestro caso. Pese a que el mundo de la música ha sufrido las graves consecuencias de la crisis, no faltan conciertos en vuestra agenda. ¿Cómo lo conseguís? Llamando, mandando e-mails, volviendo a llamar y a mandar más y más correos. Es una lucha constante, pero si te pones pesadito al final lo consigues.

Un papel importante en este nuevo siglo lo juegan las redes sociales, y a vosotros os vemos en todas. ¿Han sido útiles para Mäbu? Las redes sociales se han convertido en una plataforma informativa importantísima para los músicos y para la gente que quiere saber de ellos. Para nosotros es de una utilidad infinita: anunciar conciertos, rotar tu video-clip o lo que sea. Interactúas de una forma directa con la gente e incluso te das cuenta de las opiniones y las reacciones que consigues con tu música; ya sea: “esto es una basura”, “es más de lo mismo” o “me habéis alegrado el día”, “qué bonita música”. A veces resulta un poco peligroso para el autoestima, pero otras veces resulta gratificante. ¿Cómo es, para ti, el momento de componer? No tengo un momento para componer, más bien son momentos, cada uno distinto. Procuro cuidar las melodías igual que las letras; considero que las dos cosas son esenciales. ¿Por qué decidisteis versionar a Los Piratas y White Buffalo en vuestro primer EP? ¿Satisfechos con el resultado? MARÍA BLANCO, curiosidades Son dos artistas completamente distintos. Llevar esas dos canciones a nuestro sonido fue un reto y creo que con todo el cariño que hemos puesto a estas dos versiones, no podemos estar descontentos.

¿Con qué artista español te gustaría colaborar? ¿Y del panorama internacional? Con Vetusta Morla y Jeff Tweedy de Wilco. ¿En qué ha cambiado María Blanco durante estos últimos años? Prácticamente en nada, que me he hecho un poco más mayor. ¿Qué metas tenéis por delante? ¿Qué objetivos os planteáis? Tocar, tocar y tocar. Y seguir editando nuestros trabajos.

¿Tu canción favorita? No podría quedarme sólo con una ¿Tu libro de cabecera? La elegancia del erizo ¿Una película que te haga llorar? Quiéreme si te atreves ¿Una ciudad para perderse? Nueva York. Ahí te pierdes seguro ¿Una de tus virtudes? Que soy sociable ¿Uno de tus defectos? Que soy una chillona ¿Algo que no soportes? La prepotencia ¿Un hobbie escondido? Hacer puzzles ¿Un deseo por cumplir? Vivir muchos años

EL CÓMIC POLICÍACO 1. A modo de introducción Adoro los cómics. Siempre han sido mi gran pasión desde niño. En mi barrio había una tiendecita pequeña donde se cambiaban. Llevabas uno y por el módico precio de 10 pesetas, elegías otro de un montón que, pacientemente, el anciano tendero te iba mostrando. Los tenía divididos de una manera sui géneris: los de superhéroes por un lado, los del oeste en otro, los de humor, los de ciencia ficción… también por colecciones específicas. De tal forma que si querías conseguir uno de Mortadelo y Filemón, tenías que llevar otro, pongamos, de Zipi y Zape; y se querías uno del siempre afligido trepamuros, pues te tenías que desprender de otro de La Masa, por ejemplo. Y digo La Masa porque así se le llamaba en mi infancia al Increíble Hulk. Tenías que llevarlos en buen estado, por supuesto. Si no, no te los aceptaba el señor de la tienda.

Yo iba todos los sábados por la tarde. Y con 100 pesetas que me daba mi padre, me traía mi dosis semanal de tebeos, como los llamábamos antes. Con el tiempo empecé a comprar mis propias colecciones. Y, también con el tiempo, descubrí que los tebeos no eran una cosa de niños simplemente, ni una moda pasajera. Descubrí que muchas décadas antes ya se publicaban en tiras de periódicos y que, algunos de los dibujantes más grandes de la historia de los cómics habían dejado un impresionante y espectacular legado. Harold Foster, Alex Raymond, Hugo Pratt, Goscinny, Hergé, Ambrós; junto a los más modernos, pero no menos geniales, John Romita (padre e hijo), Fran Miller, Allan Moore, Barry Windson Smith… Todos esos nombres forman parte de lo que soy hoy en día, porque, como decía el Padre Dubert, “uno es lo que lee”. En esta sección me gustaría hablaros de todos esos tesoros, de esas viñetas repletas de emociones y de arte, de esas grandes historias gráficas que forman el universo de los tebeos. Al menos, mi 94

universo; porque, aunque reconozco que he leído mucho, todavía me quedan innumerables autores de cómics por descubrir. La verdad es que no sé cómo organizarlo, ni siquiera por dónde empezar casi. Algunos meses hablaré de algún cómic en concreto, otros de un autor, o de una saga. También me gustaría comentar algunas adaptaciones cinematográficas (las buenas, como el Batman del gran Christopher Nolan, o las malas, que son muchas). Hoy he decidido empezar por un género no demasiado tratado en los cómics (sobre todo, los actuales), pero que ha dado algunas de las mejores páginas de la historieta clásica: el cómic policíaco. Me centraré especialmente en la época dorada de este género: desde mediados de los ’30 a mediados de los ’50. Así que, empecemos. 2. El cómic policíaco clásico: Hard boiled La expresión hard boiled se utiliza de una forma muy similar a la de novela negra. Un género literario protagonizado por detectives urbanos que se mueven como pez en el agua en ambientes oscuros, plagados de trampas, sexo, gangsters, violencia y mentiras. Dashiell Hammett es el pionero de este tipo de novelas con títulos como “Cosecha roja” o “El halcón maltés”. Otro gran continuador del género sería Raymond Chandler, padre literario del famoso detective Philip Marlowe en novelas como “El sueño eterno” o “Adiós muñeca”.

Rápidamente, la gran pantalla comenzaría a versionar estas historias dando lugar a uno de los géneros más prolíficos y apasionantes de la llamada “época dorada de Hollywood”: el cine negro o film noir como se conocería también en Europa. Directores como John Huston (“La jungla del asfalto”), Howard Hawks (“El sueño eterno”), Billy Wilder (“Perdición”), Orson Welles (“La dama de Shangai”), y actores como Humphrey Bogart, Edward G. Robinson, Fred McMurray, Lauren Bacall o James Cagney se encargaron de encumbrar el género en la década de los ’40.

Lógicamente, el cómic, que por aquellos años comenzaba a despuntar como expresión artística y lúdica, pronto se hizo eco del género negro y multitud de personajes e historias de chantaje, crímenes, bandas del hampa, ajustes de cuentas, robos y misterios sin resolver comenzaron a ser habituales de las tiras diarias de los periódicos. Sin duda, en estas dos primeras décadas es donde se concentran las mejores obras y los mejores guionistas y dibujantes del cómic clásico policíaco. Por eso, le dedicaremos una especial atención a este periodo mencionando algunas obras y autores. - Dick Tracy, de Chester Gould Fue el primer gran detective del cómic en los años ’30. Ataviado con su inseparable gabardina amarilla y su sombrero a juego, Tracy era un honesto policía que se enfrentaba a unos siempre estúpidos criminales o gangsters con poco cerebro. Se trata de un cómic amable, aunque algo caricaturesco (los malos eran muy malos y muy tontos). La falta de realismo en el dibujo se suple con un sentido del humor más que interesante. Los más jóvenes seguro que recuerdan a Warren Beatty interpretando al personaje y enfrentándose a Dustin Hoffman (que encarnaba a un “freak” Al Capone) con la ayuda de Madonna. Curiosa película, con un estilo visual muy cercano al cómic.

- Red Barry, de Will Gould Una tira mucho más realista que la de Tracy en la que un duro mercenario (Barry) repartía mamporros a diestro y siniestro. La violencia realista de estas historias hicieron las delicias de los lectores de aquella época que buscaban un cómic más “adulto”.

- Inspector Wade, de Sheldon Stark (guión) y Lyman Anderson y Neil O`keefe (dibujo) Basado en las novelas negras de Edgar Wallace (guionista, por cierto, del primer “King Kong”), el Inspector Wade era un elegante detective de Scotland Yard, fumador de pipa siempre impecablemente trajeado, que junto a su inseparable ayudante Donovan, resolvían misterios londinenses. Cuando O’Keefe se hizo cargo del dibujo, la acción de las historias se incrementó, dándole un toque más realista y moderno al personaje.

- The Spirit, de Will Eisner Una de las obras maestras del cómic de siempre. A diferencia de los anteriores, y por fortuna, en España se ha publicado casi todo el extenso material de este estupendo cómic. El criminólogo Denny Colt es dado por muerto, tras lo cual aprovecha para combatir el crimen con un antifaz, un sombrero y sus inseparables guantes rojos a juego con la corbata. Eisner utiliza a este detective enmascarado para hacer una crítica corrosiva de la sociedad americana de su tiempo. Un dibujo maravilloso y unas historias sorprendentes, frescas y plagadas de humor y acción. Una verdadera delicia por la que no ha pasado el tiempo y que ha inspirado a muchos grandes ilustradores de las 98

últimas décadas (como Allan Moore o el gran Frank Miller). The Spirit es un cómic que hay que leer, indudablemente. Por cierto, tal es la influencia de Eisner en Frank Miller (sobre todo en su Daredevil) que en 2008 el propio Miller llevó a la pantalla una aceptable adaptación de “The Spirit” que supone un verdadero homenaje visual al cómic original.

- Mike Hammer, de Mickey Spillane Basado en sus propias novelas y con varios ilustradores, este cómic nos presenta a un detective duro, violento, misógino y tremendamente cínico. La serie fue candelada por su excesiva violencia a principios de los ’50. Los de mi quinta, seguro que recuerdan una de muchas adaptaciones cinematográficas y televisivas del personaje: la que hizo la CBS para la televisión a mediados de los ’80, protagonizada por Stacy Keach y su inseparable coletilla: “Tomo nota”.

- Secret Agent X9 y Rip Kirby, de Alex Raymond Ante Alex Raymond hay que ponerse de pie. Para mí se trata del mejor ilustrador de la historia de los cómics. Su dibujo es perfecto en la composición y en el detalle y sabía dotar de un dinamismo, una autenticidad y una belleza a las figuras humanas, que ciertamente resultaba (y resulta) sorprendente. Si tuviera que definir con una palabra el dibujo de Raymond sería con ésta: elegancia. Se trata de una figura tan grande, que merecería por sí sólo un artículo. Y lo tendrá, lo prometo. Así que dejaré para otra ocasión su apasionante vida (y su desgraciado y prematuro fallecimiento) y sus otros grandes personajes (como el inolvidable Flash Gordon), para ceñirme a estos dos cómics policíacos. “Secret Agent X9” nació como un encargo de la empresa editorial para la que trabajaba Alex Raymond (King Features Syndicate) como intento de luchar contra el personaje de la competencia: Dick Tracy. Por aquellos años, el joven dibujante ya empezaba a despuntar con su estilo realista y fino, en el que sobresalía la excepcional belleza de los rostros humanos, especialmente los femeninos. El guionista de la tira era ni más ni menos que Dashiell Hammett. Él y Raymond se encargaron de las historias de este misterioso agente secreto (del que nunca se revela su nombre) durante algo más de un año. Después llegaron otros dibujantes y guionistas y la serie se mantuvo durante bastantes años, cambiando muchas veces de tono, hasta terminar con aire de novela de espías, a lo James Bond. Es un cómic que se puede conseguir ya que está publicado casi íntegramente en España. Merece la pena.

100

Pero, sin duda, el gran personaje de Alex Raymond (para mí, superior incluso a “Flash Gordon”) y uno de los mejores de toda la historia del cómic, como os decía al principio del artículo, es el detective “Rip Kirby”. Kirby es un refutado detective neoyorquino, antiguo combatiente galardonado en la II Guerra Mundial. Es un tipo elegante, atractivo, de porte atlético y deportista, pero, a su vez, enormemente reservado y algo tímido. Esconde ese porte vigoroso bajo unas gruesas gafas de pasta y su inseparable pipa. Culto, amante de la música clásica (toca el piano), la lectura, los coches deportivos y el golf. Le acompaña en sus aventuras, su inseparable, valiente y preciosa novia: Honey Dorian. Una rubia modelo neoyorquina, locamente enamorada de Rip y celosa siempre de un personaje que se cruza muy a menudo en la vida del detective: Pagan Lee. Otra belleza (esta vez morena), que sirve de contrapunto a la dulce Honey. Pagan ha tenido problemas en el pasado con la justicia y es una mujer dura y plagada de secretos, pero que, por supuesto, bebe los vientos por el detective. Raymond dibuja así, entre misterio y misterio, un triángulo amoroso que servía para enriquecer las historias policíacas y aportar un halo de dramatismo amoroso que para nada resulta superfluo gracias a unos excelentes guiones y a unos divertidos diálogos. Kirby vive con su mayordomo Desmond, un antiguo ladrón al que el detective detuvo y ha reformado. Un personaje interesante, ejemplo de fidelidad, que resulta muy útil por sus contactos con el hampa. En las tiras de Rip Kirby hay de todo: crímenes, robos, fórmulas secretas, secuestros, misterios imposibles, gangsters (es asiduo el temible Malone, antiguo jefe de Pagan Lee), disparos, peleas… todo lo que una buena historia debe tener. Y, además, con un tratamiento gráfico extraordinario; cada viñeta es un verdadero lujo. Raymond se hizo cargo del personaje durante diez años, hasta su muerte en un accidente de tráfico. Después de aquello, tomó el relevo John Prentice y, aunque la serie siguió con los mismos parámetros y cierto éxito aún, no era lo mismo. Uno sigue queriendo a los personajes y te sigue gustando leer sus aventuras, pero se echa en falta el dibujo del gran maestro. Rip Kirby es uno de esos personajes inolvidables. Afortunadamente, toda la serie se ha reeditado hace pocos años en España y es fácil de conseguir (yo la conseguí hace algunos años más por un ojo de la cara). Muy recomendable. Después de leer las dos primeras historias, es imposible dejar de hacerlo. Como imposible no enamorarse un poco de la bella Honey o del elegante y discreto Rip. Una obra deliciosa que debe permanecer con letras de oro en la historia de los cómics de todos los tiempos. Imprescindible.

101

3. El cómic policíaco desde la segunda mitad del siglo XX hasta nuestros días Se puede decir que el clasicismo del cómic termina a mediados de los años ’50. Posiblemente con la muerte de Alex Raymond. Coincide con estas fechas el auge impresionante de un género (injustamente denostado a mi modo de ver) que hará las delicias de los nuevos lectores de la época: el de los superhéroes. Aunque personajes como Superman ya habían sido creados años antes, es la hornada del genial Stan Lee (algún día hay que hablar de él) y su increíble capacidad de invención la que genera la revolución del cómic moderno con los héroes de Márvel. Esa historia merece ser contada en profundidad, como la de los injustos prejuicios que estos cómics en particular, y el cómic en general podríamos decir, han despertado durante muchísimos años. Así que dejémoslo para otra ocasión y volvamos a lo que nos ocupa hoy: ¿Desaparece el cómic policíaco a partir de los años ’50? Evidentemente no. Pasa como con el western cinematográfico de las últimas décadas: no se ha finiquitado el género, lo que ocurre es que aparecen ejemplos del mismo con cuentagotas. Veamos algunas obras que merecen ser reseñadas. En los ’60 tuvo bastante seguimiento una tira diaria sobre el agente 007, bajo el título homónimo de “James Bond”, con guiones de Anthony Hern y dibujo de John McLusky. Se mantuvo muchos años y, en cierta medida, pudo contribuir al nacimiento del personaje cinematográfico. Algunos títulos interesantes provienen de autores europeos. Como el excelente “El largo mañana” de Moebius, ambientado en un mundo futurista. O la grandísima obra de los españoles Enrique 102

Sánchez Abulí y Jordi Bernet: “Torpedo 1936”. Este cómic, repleto de violencia y sexo, es una de las mayores joyas de la producción patria y, afortunadamente, se puede conseguir en su totalidad.

Pero quizá el momento de mayor revitalización del género viniese con una serie de historias aglutinadas bajo el nombre de oscura y violenta ciudad: “Sin City” del genial Frank Miller. Con un dibujo extraordinario en el que resalta sobremanera el negro y unas historias poderosas y estremecedoras, Miller consiguió crear un universo hard boiler muy particular y tremendamente sugerente. Como lo es la adaptación al cine del mismo, en la que colaboró el propio dibujante y guionista junto a Robert Rodríguez y Quentin Tarantino. Otras dos adaptaciones cinematográficas cercanas a este género negro han surgido de dos estupendos cómics: “Watchmen” (de Alan Moore), una excelente historia a medio caballo entre la novela negra, los superhéroes y la ciencia ficción y “Camino a la perdición” de Max Allan Collins, llevada al cine por Sam Mendes poco después con Tom Hanks y el que sería el último papel en el cine del gran Paul Newman (si no contamos que puso voz en la pelicula de animación Cars).

103

____________ Hasta aquí el brevísimo resumen de algunos de los personajes y las obras más destacadas del cómic policíaco. Me he quedado con ganas de hablar mucho más del maestro Alex Raymond y del no menos genial Frank Miller. Así que el mes que viene el artículo versará íntegramente sobre estos dos monstruos del cómic. Por cierto, Frank Miller está preparando para el cine la segunda parte de “Sin City”, que recogerá nuevamente algunas de las historias de su cómic. Me pregunto que habrá sido de otro proyecto de Miller que sonó hace un par de años y que consistía en llevar nuevamente a la pantalla al detective Marlowe de Chandler. Ojalá retome la idea nuevamente. Nada más, que ustedes lo lean bien. Y como diría el bueno de Stan Lee: ¡Excelsior!

104

105

info “El Final del Verano” es el primer recopilatorio que hemos hecho desde JazzMaestro y que podreis escuchar gratuitamente en Spotify. Haciendo click en esta caratula o en cualquiera de los carteles que habéis podido ver a lo largo de la revista podéis acceder a la aplicación. Esperemos que os guste y que sugiráis ideas para los próximos recopilatorios.

________________________________________________________________________________ Las entrevistas realizadas a Paula Gómez y a Sussan Santos, pronto las podreis ver en nuestro canal de Vimeo. Podeis acceder al canal desde la siguiente imagen.

106

107

108