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Portada Autor: Carmelo Niño Título: La familia Técnica: Acrílico s/tela Tamaño: 148 x 153 cm Año: 2006 Fotograa: Darwin García

Carta del editor

Editor

Después de nuestro trabajo está en sus manos otro número más de Artefacto. En esta primera entrega del 2011 han surgido los retrasos normales de los primeros meses del año. Pero tenemos un equipo multidisciplinario empeñado en lograr la excelencia editorial de este medio de comunicación, único en su estilo en el país y con calidad de exportación gracias a las galerías, a los artistas, y un número inmenso de personas ligadas al arte, que siguen aupando el éxito de Artefacto. En este número hemos hecho una selección de artistas de todo el país; seguro que usted notara la variedad. Esperamos que el criterio que hemos usado para escoger a los creadores que presentamos sea del agrado de todos, para que sigan apoyando esta y las próximas ediciones de la revista. No olviden visitar nuestra página web, que ha sido un rotundo éxito, como nuestra edición impresa. Muchas gracias a todos. Simeón Lugo

Director

Simeón Lugo Peña lsimeon@revista-artefacto.com.ve

Darwin García dgarcia@revista-artefacto.com.ve

Directora comercial Rosxinella Lugo

Colaboradores

Adriana Ciccaglione Bélgica Rodríguez Carlos M. Luis Cesar Sasson Eleazar Molina Ernesto León Eugenio Espinosa Freddy Villarroel Lárez Gabino Matos Giuliano Serafini Guillermo Abdala Henry Lara Juan Calzadilla Laura León R. Mariano Esquivel Marisol Pradas Perán Erminy Raúl Figueira Roger Herrera Saverio Cecere Simón Alberto Consalvi Zhelma Portillo

Representantes - Colaboradores

Contenido El premio nacional

012 Manuel Quintana Castillo 016 020 022 026 030 032 034 036 044 048

y su iconografía geométrica El artista Henry Bermúdez “Mi obra es mitológica, mágica y mística” Helena Sevillano Lo profundo de la superficie El escultor Belén Parada Tradición reinventada y fascinación abstracta Entrevista Julio Le Parc “Me satisface mi actitud de experimentar” Jesús Armando Villalón De las brumas a las barrancas El maestro Saverio Cecere El principio es la geometría, luego está el mundo Arte para llevar Lourdes Silva Una joya sin artificios Portada Carmelo Niño Tres visiones Arte conceptual Miguel Ángel Jiménez El sentido artístico e intemporal Galerías Villalón galería Una vitrina al arte

Palabra visual

050 Gabino Matos 052 054 058 060 062 064 068 070 072 074 076 078 079

La Bienal Churuguara En quien invertir Miguel Triviño y su naturaleza develada Alexander Martínez La fiesta del gran objeto Enrique Flores Las pinturas musicalistas Félix Perdomo Las formas del tiempo ausente Orlando Salero Entre el color distante y el ensueño de lo próximo Janos Kardos Los matices en contraste Juan González Bolívar Paisajes de la memoria Yobel Parra Imágenes latentes y lectura visual Bruno García Entre la línea mítica y el signo mágico Ángel Mieres Los signos ideográficos Antonio Montes De Oca Cronista de lo mágico Hernando Estrada De lo onírico a lo sensual Sociales del arte

Rolando Quero (Valencia) Tlf.: +58 414 426 89 21 Justo Osuna (Barcelona - Puerto la Cruz) Tlf.: +58 414 785 51 64 Ronny Yepez (Barquisimeto) Tlf.: +58 414 528 42 09

Corrección

Beatriz Chavarri Lecuna

Fotografía Agnes Herrera Darwin García Renato donzelli

Administración Simeón E. Lugo

Asesor Jurídico Josue Lugo Jiménez

Diseño y Maquetación DadStudio C.A. www.dadstudio.com.ve

Impresión

Impresos Publigráfica 66 C.A.

Distribución El Nacional

Casa Editora

Vao Creatividad Global C.A.

Rif: J-31402478-7 Via El Hatillo, Residencias Las Rocas, Edif. Cristal, Piso 11, Oficina 113. Simeón Lugo Editor (+58 212) 714 69 82 (+58 412) 025 74 00 Darwin García Director (+58 414) 239 28 62 contacto@revista-artefacto.com.ve Deposito legal: PP200902DC3233


El premio nacional

012 013 Título: Topos Uranus Técnica: Acrílico sobre Lienzo Medidas: 130 x 150 cm Año: 2010

Manuel Quintana Castillo

y su iconografía geométrica

Por: Zhelma Portillo Fotografía: Darwin García

“La “tensión espiritual” de las obras de los años setenta anunciaría lo que serán las pinturas topológicas de los años noventa, un mirar ínmo del arsta mismo sobre la pintura (…) que se presenta en una pluridimensionalidad sica, psíquica y simbólica”.

DÓNDE, CÓMO Y POR QUÉ INVERTIR EN ARTE

Título: Teoria del Alfil Técnica: Acrílico sobre Lienzo Medidas: 115 x 130 cm Año: 2010

anuel Quintana Casllo (1928) es uno de los más importantes pintores y pedagogos del arte en Venezuela. En 1973 es reconocido con el Premio Nacional de Artes Pláscas por una obra que se pasea entre la figuración, la abstracción geométrica y el construcvismo. Desde niño florece su inquietud por el arte y el arsta lo relata así en el texto Quintana Casllo por Quintana Casllo (1974): "A lo que

M

alcanza mi memoria, mi acvidad de pintor comienza desde que tenía cinco años de edad”; así que emprende su formación en la Escuela de Artes Pláscas y Aplicadas Cristóbal Rojas de Caracas, donde toma cursos de dibujo, pintura, grabado, escultura, teoría, estéca e historia del arte, bajo la instrucción de Marcos Casllo, Luis Alfredo López Méndez, Pedro Ángel González y Rafael Monasterios.


Título: Campanario Técnica: Acrílico sobre Lienzo Medidas: 115 x 130 cm Año: 2010

La forma que se alterna por medio del contorno y los gradientes, sobrevive gracias a la geometrización irregular; de dimensiones variables, las formas se posicionan conformando zonas acromácas que resguardan su equivalencia en detrimento de su dimensión desigual; éstas parecen adquirir el mismo peso sobre el plano pictórico. En este sendo, la composi-

Título: Icono de Agosto Técnica: Acrílico sobre Lienzo Medidas: 130 x 120 cm Año: 2005

ción de Ícono II es equilibrada y se sustenta en el orden que escribe Quintana Casllo con la disposición de las formas en el espacio. Lo simétrico y lo asimétrico coadyuvan a este equilibrio de “lo múlple” y de “lo uno”; no cabe duda de que los cerramientos nos devuelven el mundo de la figura con reenvíos a lo enigmáco del hecho que es la graa de un ícono.


El premio nacional

014 015 Título: Puntura Sustanva y línea flexible en el espacio topológico Técnica: Acrílico sobre Lienzo Medidas: 130 x 150 cm Año: 2005

Título: La Hoja y el Cristal Técnica: Acrílico sobre Lienzo Medidas: 100 x 120 cm Año: 2010

Título: Pierrot Lunar II Técnica: Acrílico sobre Lienzo Medidas: 110 x 260 cm Año: 2010

La “tensión espiritual” de las obras de los años setenta anunciaría lo que serán las pinturas topológicas de los años noventa, un mirar ínmo del arsta mismo sobre la pintura –ensimismada– que se presenta en una pluridimensionalidad sica, psíquica y simbólica que se desprende del “ser soporte” para “ser idea misma” para “ser presencia”. Quintana Casllo, para quien “una obra de arte es algo que nace

cada día, cada momento, bajo una nueva mirada”, ordena su vida desde el hecho pictórico y los desaos que ella –en lo plásco y conceptual– le demanda. EI arsta afirma incluso que ha sido la pintura la que le ha dado esa amplitud y capacidad de acercarse a lo arsco desde la escritura y comenta: “me puse a escribir sobre arte porque la pintura me enseñó no sólo a pintar sino también a pensar”.

Este arsta es representado por:

DÓNDE, CÓMO Y POR QUÉ INVERTIR EN ARTE


El arsta

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Henry Bermúdez “Mi obra es mitológica, mágica y mística” “Mi arte es la visualización de mis sueños. En mi memoria se encuentran acumuladas múlples imágenes en forma de archivo, que voy tomando de acuerdo a un impulso emocional en correspondencia con la obra que estoy ejecutando”

A

rtefacto- Después de varios años fuera del país, y desde el punto de vista del arsta ¿Cómo ve usted el arte venezolano y como nos ven desde fuera desde el punto de vista plásco? Henry Bermúdez- Esta es una pregunta un tanto compleja y dicil de contestar. Mi opinión personal es que dentro del arte lanoamericano en los Estados Unidos los grandes maestros de ci-

nesmo como Jesús Soto y Carlos Cruz Diez son los abanderados. Ellos enen una gran presencia en el mercado del arte, especialmente en las ferias de arte en Miami. Hoy hay tres galerías venezolanas que manejan la obra de estos arstas en el mercado de Florida, sin contar con las muchas otras que lo hacen desde otras ciudades, especialmente en New York.

Título: Lucia’s Dream Técnica: Acrílico sobre papel reensamblado sobre lienzo Medidas: 121,9 x 121,9 cm Año: 2006 Título: The Waing Técnica: Acrílico sobre papel Medidas: 139,7 x 208,8 cm Año: 2009 DÓNDE, CÓMO Y POR QUÉ INVERTIR EN ARTE


Título: An Undefined Dream in an October Night Técnica: Acrílico sobre papel reensamblado sobre lienzo Medidas: 175,2 x 124,4 cm Año: 2006

Título: The Four Sad Tigers Técnica: Acrílico sobre papel Medidas: 106 x 182 cm Año: 2009 Título: Paradise’s Monsters Técnica: Acrílico sobre papel reensamblado sobre lienzo Medidas: 73,6 x 149,8 cm Año: 2008

Título: The dream of Mr alexander von Humbold Técnica: Acrílico sobre papel reensamblado sobre lienzo Medidas: 121,9 x 121,9 cm Año: 2008

AR- ¿Qué significado ene para usted el reconocimiento que hoy en día se le da a su obra? HB- Es poco elegante hablar de uno mismo, pero puedo decir que después de siete años viviendo en la ciudad de Philadelhia he logrado tener una presencia, reconocimiento y gran respeto por mí y por mi obra. Los hechos están a la vista en la web solo con visitar www.henrybermudezart.com AR- Si tuviera que definir su obra ¿Cómo lo haría? HB- Mi obra es mitológica, mágica y mísca. En una oportunidad escribí un concepto o definición de mi búsqueda para el catalogo numero 69 de La nueva pintura americana: “Todo mi interés como

arsta está enfocado en la invesgación de la figura de Dios. Cómo Dios fue representado, antes de que la actual cultura contemporánea lo definiera”. Para la edición especial del catalogo 15 de La nueva pintura americana escribí: “Mi arte es la visualización de mis sueños. En mi memoria se encuentran acumuladas múlples imágenes en forma de archivo, que voy tomando de acuerdo a un impulso emocional en correspondencia con la obra que estoy ejecutando. Estas imágenes en su mayoría son el resultado de la intersección cultural de diferentes culturas, como la precolombina, la crisana y la interpretación de mitos y leyendas de culturas y religiones anguas”.


El arsta

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Título: The French Kiss Técnica: Acrílico sobre papel reensamblado sobre lienzo Medidas: 22,8 x 25,4 cm Año: 2009

AR- Siempre hay una época en la invesgación plásca de un arsta la cual se considera que es o fue la mejor. A su juicio ¿Cuál fue su mejor época? ¿O aún está por venir? HB- Yo no puedo decir cuál es mi mejor etapa o momento en el desarrollo de mi obra. En los años setenta inicié mi carrera de arsta como dibujante, y logré un gran éxito y reconocimiento nacional.

DÓNDE, CÓMO Y POR QUÉ INVERTIR EN ARTE

En ese momento exponía en una de las mejores galerías de Caracas –Estudio Actual–. Luego de de mi experiencia en México de 1977 a 1979 regresé a Maracaibo y mi obra se abrió al color, influido tal vez por el color de la artesanía mexicana y el reencuentro con el color de la ciudad. De 1980 a 1983 estoy en New York. Las impresiones que esta ciu-

dad y el mundo plásco van a causar en mí son increíbles, y mi obra crece en formato; es el momento de los grandes formatos de dibujos en nta china y acrílico sobre tela. Temácamente es una mezcla o combinación de la visual de la ciudad de New York entrelazada con elementos del paisaje de Maracaibo, un ejemplo de ello es el cuadro Central park.

Título: From the Sketch Book of Mr. Alexander von Humbold Técnica: Acrílico sobre papel reensamblado sobre lienzo Medidas: 81,2 x 121,9 cm Año: 2008


Título: Basketball Game Técnica: Acrílico sobre papel reensamblado sobre lienzo Medidas: 121,9 x 121,9 cm

Título: Baroque Landscape Técnica: Acrílico sobre papel con hoja de plata Medidas: 243,8 x 213,3 cm Año: 2008

AR- ¿Cuáles son los planes de Henry Bermúdez para los próximos años desde el punto de vista exposivo? HB- Para la primavera tendré una gran exposición en el Aeropuerto Internacional de Philadelphia, que es uno de los más frecuentados en Estados Unidos. En marzo parciparé en una muestra colecva en el Centro Cultural Perkings, en New Jersey. AR- ¿Qué opinión le merece la revista Artefacto como medio de comunicación de las artes en Venezuela? HB- Artefacto es un proyecto que hacía falta en el mundo del arte en Venezuela. Es de gran calidad con una impecable impresión. Espero que su próxima etapa, luego de consolidarse en mercado nacional, sea la internacionalización; hoy todo es global.

Título: Resng Snake Técnica: Acrílico sobre papel reensamblado sobre lienzo Medidas: 60,9 x 50,8 cm Año: 2007


El arsta

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P Helena Sevillano

Lo profundo de la superficie Por: Giuliano Serafini Fotografía: Darwin García

Extractos del texto Lo profundo de la superficie: “No hay nada, en la obra de Sevillano, que sea confiado al arbitrio del gesto, a la solución casual que la pintura no objeva, puede frecuentemente exhortar y en el cual más a menudo puede resolverse y agotarse”.

Título: Cerchio Técnica: Acrílico s/tela Medidas: 110 x 110 cm Año: 2009 DÓNDE, CÓMO Y POR QUÉ INVERTIR EN ARTE

ara un estructuralista de vieja estampa, como yo, los signos surgen a primera vista: que no son los que pueden remir a evidencias pero en el fondo, subliminales afinidades con Burri, o Rothko o Albers, es decir, aquel esprit de geometrie que ha connotado tanta pintura de la postguerra empeñada en trabajar entre materia, superficie y espacio y en sus posibles convergencias e interferencias, en línea con Heidegger y Husserl. Ciertamente, también Sevillano es hija de su empo, es consciente de su patrimonio cultural y ni el concepto y ni la acción del Zeitgeist pueden serle ajenos: sólo que la peculiaridad de su trabajo deberá ser desviada en una constante, en realidad son dos, de la cual en un cierto sendo todo ene origen y a la cual todo regresa.

Y desde hace empo la pintura de Sevillano sigue una línea decisivamente no objeva, “el eje” del cual se habla, el puntal que sosene su coeficiente visual, lleva de nuevo a un orden racional geometrizante, a una regla, a una norma sin las cuales, y el primero que lo sabe es el arsta, nada podría estar en pie. Si la “cuadratura” de la forma es el primero de los elementos que a nivel estructuralista nos impacta en la obra de Sevillano, el otro, el que se refiere a la superficie –superficie que no lo es en cuanto a su manifestación y la relava verificación de quien observa “en profundidad”– no tendrá menos importancia en nuestro análisis, por la sencilla razón que se trata de un factor que no puede pertenecer a un médium que, por convicción, evaluamos bidimensionalmente.


Título: Azules Técnica: Acrílico s/tela Medidas: 100 x 200 cm Año: 2009

No hay nada, en la obra de Sevillano, que sea confiado al arbitrio del gesto, a la solución casual que la pintura no objeva, puede frecuentemente exhortar y en el cual más a menudo puede resolverse y agotarse. Este rigor, esta intransigencia de que todo se haga bajo control, dentro del dominio de la mirada consciente, de aquel ethos del cual habla al inicio, se compensa con la fluida connotación lírica de estos anguos sudarios, de estos parámetros donde, como en

una red imaginaria, se cruzan las direcciones, se atan y se entrelazan diáfanas texturas, se anudan las urdimbres y las tramas de una especie de complejo tapiz, que es a la vez terrestre y cósmico, de donde a menudo se escapan filamentos y rayos luminosos que buscan otros caminos, otras vías de salida del núcleo central tan sólidamente buscado y estructurado. El mbre de rojos purísimos ¡cerrados! por basdores negros casi aludiendo a un fuego que se

Título: Trapos Técnica: Papel sobre tela Medidas: 140 x 140 cm Año: 2005

consumirá hasta converrse en combusón, así como los líquidos verdes y azules profundos que constuyen los que los simbolistas con Maurice Denis a la cabeza, han genialmente bauzado equivalencias. En la naturaleza, es decir, la naturaleza filtrada a través de la voluptuosidad metamorfizante del arsta, así mismo, a través de su sacrosanto derecho primario: sabiendo esto Sevillano pone en escena y hace actuar dentro de la imprababilissima superficie que ha

Título: Sin tulo Técnica: Acrílico s/tela Medidas: 100 x 200 cm Año: 2009

Título: En blanco Técnica: Acrílico s/tela Medidas: 100 x 200 cm Año: 2009

creado, al espacio que de un momento a otro parece volcarse sobre nosotros o al contrario, absorbernos en abismos invisibles todo esto parece un excepcional muestrario de hipótesis, en el momento en que, Sevillano tesmonia la gracia suprema de quien ha sabido lograrlo y es seguramente esta la mas ardua de las pruebas: transitar de la pintura a la naturaleza, y no viceversa desminendo al mismo Kandinski, cuando sosene que el arte se inicia donde la naturaleza termina.

Título: Memoria Técnica: Acrílico s/tela Medidas: 100 x 100 cm Año: 2006


El escultor

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Belén Parada

Tradición reinventada y fascinación abstracta

Por: Gabino Matos Fotografía: Darwin García

“Están hechas de barro cocido y su color parece nacer de adentro, no simplemente añadido de afuera…la materia está dentro, intangible, invisible.” Roberto Guevara

DÓNDE, CÓMO Y POR QUÉ INVERTIR EN ARTE

D

esde mediados del siglo XX la cerámica en Venezuela asumió condición de obra arsca y estéca y marcó distancia de las limitantes conceptuales e interpretavas de la cerámica tradicional, asociada sólo como producto ulitario y vagamente decoravo. Desde entonces se asume como una expresión arsca autónoma con presencia y decisión para ocupar un merecido espacio en el universo de las artes, respaldada por una praxis avalada por la experimentación con los materiales, la reinvención de las formas y la pluralidad de los recursos

ornamentales. Muchos fueron los factores determinantes de este posicionamiento de la cerámica en Venezuela: apoyos instucionales, entrada a espacios museíscos, organización de agremiados, parcipación en salones de arte, apertura de talleres, consolidación de eventos de formación y de exposiciones específicas sobre “artes del fuego”, entre otros. Mucho se ha avanzado pero aún falta bastante por hacer en lo que concierne a invesgación y estudios crícos sobre obras y arstas en el marco del arte cerámico contemporáneo de Venezuela.


Como fruto de esta revitalización del movimiento cerámico en el país, nos han quedado no sólo obras emblemácas de alta calidad técnica y depurado lenguaje estéco, sino también trayectorias de colecvos e individualidades que, merecidamente, se cuentan como referencias obligadas a la hora de hacer un balance de la historia reciente de la cerámica arsca en Venezuela. Uno de estos nombres es, indiscublemente, el de Belén Parada. Una arsta que ha sabido consolidar una propuesta de cerámica-escultórica centrada en la simplicidad de las formas, en la contundencia armoniosa de composiciones modulares y en la explotación creava de materiales y recursos técnicos. La obra de Belén Parada destaca por su técnica depurada, su fino acabado y su imponente presencia. Son obras que atraen por su fuerza formal, por la solidez de su planteamiento plásco y por el halo de misterio y silencio que las invade. Incisos de líneas paralelas en direcciones controladas, suaves intervenciones decoravas a base de rasgaduras y rastros, planos cromá-

cos a base de análogos tonos de gres, definen la percepción de la cerámica escultórica de Belén Parada. Tales recursos ornamentales se disponen sobre las superficies simples y severas de una suerte de sólidos modulares perfectamente equilibrados. El conjunto de formas recuerda monumentos primigenios y muros de culturas ancestrales. Las obras de Belén Parada están asociadas con el abstraccionismo porque no “representan” lo conocido; más bien “presentan” las posibilidades expresivas y construcvas de la forma, mediante experimentos con la materia y la audacia recreava de técnicas tradicionales. Son esculturas en clave de cerámica o cerámicas devenidas en esculturas –no importan ahora las precisiones semáncas– que dejan constancia de la larga y densa trayectoria que la autora ene en el oficio, así como de un profundo conocimiento prácco en la exploración de las posibilidades de la materia y el uso de óxidos y pigmentos.


El escultor

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La formación pictórica obtenida por Belén Parada en Austria, a comienzo de los años setenta, es complementada posteriormente en Caracas, con estudios formales en cerámica, en la Escuela de Artes Pláscas Cristóbal Rojas y con la parcipación acva en talleres dictados por destacados maestros nacionales e internacionales de la cerámica arsca. Todo ello le proporcionó esa seguridad que exhibe en el manejo de recursos técnicos y materiales y la soltura expresiva de un lenguaje estéco que disngue una obra, donde se integra la severidad geométrica y la sensibilidad abstracta. Las formas y estructuras geométricas y la ornamentación de vocación abstracta que caracterizan la obra reciente de Belén Parada nos

DÓNDE, CÓMO Y POR QUÉ INVERTIR EN ARTE

remiten a lejanos antecedentes en sus obras anteriores, muy especialmente en la serie Juegos y Bowls, de los años setenta, donde ya se inclinaba por piezas resueltas mediante formas simples, planos tonales e intervenciones texturales. Dos son los elementos que definen y disnguen las obras más significavas de Belén Parada: por un lado, la apariencia texturizada y sulmente rugosa que imprime a ciertos planos de sus obras, que emulan superficies pétreas erosionadas por efectos del sol y la humedad. Por otro lado, la sensación de misterio y simbolismo que infunden sus piezas, lo cual las emparenta con formas y expresiones de culturas ancestrales. Son obras que se cierran en sus propias formas y estructuras para imponerse en el es-

pacio y atrapar la curiosa mirada del espectador en un contacto de silencio imponente. Podemos afirmar que la obra plásca de Belén Parada se expresa segura y sostenida por sus propios elementos formales y estécos. Una obra que deja de lado las influencias y conceptos limitantes de la cerámica tradicional para exhibir un lenguaje estéco-formal maduro en conceptos y procedimientos. En definiva, una obra de cerámica-escultórica que, si bien está “hecha de barro cocido y su color parece nacer de dentro”, no simplemente añadido, es también una obra donde se han integrado y complementado la tradición reinventada y la fascinación abstracta.


Entrevista

026 027 unido a su hogar, a unos pasos de él, con un amplio jardín y plaza interna, donde vive con su familia. Todo el conjunto le pertenece aunque él permanece con la sencillez y disnción que le caracteriza. Vesdo con elegancia, de bata azul oscuro, po médico, especie de uniforme de trabajo, muy limpia y perfectamente planchada, guardaba en el bolsillo izquierdo un conjunto de bolígrafos, lápices y marcadores. Sus ojos claros son escrutadores y no lucen cansados: buscaron con agilidad impercepble y serena, la mejor respuesta dentro del humor ácido e inteligente que parece dominarlo en todas sus observaciones. No era para menos. Estuvimos ante el gran maestro que es.

Julio Le Parc “Me satisface mi actitud de experimentar” Por: Marisol Pradas S., enviada especial a París

“Lo que me sasface es haber mantenido esa actud de experimentación y si hay cambios no me preocupa”. “Poseo eslos que no enen nada que ver el uno con el otro. En el fondo, para mí, hay un punto conductor que es esa actud de experimentar”.

J DÓNDE, CÓMO Y POR QUÉ INVERTIR EN ARTE

ulio Le Parc abre la puerta. Da un paso atrás, rerándose un poco para poder hacer una reverencia, quitarse la boina, bailarla frente a su rostro y pecho y volvérsela a colocar, muy rápidamente, como un caballero o un actor que intenta sacar el mayor provecho de la sorpresa y la sonrisa, ante un saludo de antaño. Se encontraba en su privilegiado espacio, un edificio de tres pisos que conforma su estudio taller que, aunque separado, está

Marisol Pradas S: Después de haber hecho tanto trabajo con la profundidad y con la forma, ¿cómo se siente más cómodo en estos momentos? Julio Le Parc: Más o menos como siempre. Sigo en esa actud de experimentación y de búsqueda de las cosas que imagino me puedan gustar, analizo los resultados y encuentro cosas que de alguna manera me sasfacen y que estaban imprevistas. Trabajando, mezclando los implementos y combinando elementos que a veces no resultan en el papel pero que derivan en otra cosa. M.P.S: En el trabajo con el color, en esa batalla frente a él durante tantos años, ¿qué ha encontrado? J.L.P: Utilizo diversos parámetros. Utilizo esquemas muy simples, mezclo y utilizo formas rigurosas en el emplazamiento de los colores. Superpongo representaciones geométricas, rombos, y organizo unos aspectos caóticos que dan todo el conjunto creativo, que contrastan con la rigidez del principio. M.P.S: ¿Y la estéca? J.L.P: La estéca la agrega quien mira una obra.

M.P.S: Fondo y forma: ¿Cuál de las dos? J.L.P: Es una situación de ambivalencia. Puede transformarse. El fondo puede ser forma y la forma fondo. Mi búsqueda más bien es empírica, porque cuando era joven nos enseñaron muchas cosas que cuando las poníamos en prácca no encontrábamos los mismos resultados. Las teorías del color, las teorías de la buena forma, de la sección áurea… no era necesario tenerlas en cuenta al momento de trabajar; en muchos casos molestaban. Mi trabajo fue haciéndose observando resultados en las pequeñas formas que inicié. No sirve de nada un tratado de geometría o de ilusiones ópcas para encontrar un movo de trabajo. Un movo de trabajo puede encontrarse en cualquier lugar. M.P.S: ¿Cada día para usted es un nuevo descubrimiento o ene la pesadez de haberlo experimentado todo? J.L.P: Lo que me sasface es haber mantenido esa actud de experimentación y si hay cambios no me preocupa. Para un galerista o director de museos es más cómodo tratar con un arsta que ene un eslo determinado. Poseo eslos que no enen nada que ver el uno con el otro. En el fondo, para mí, hay un punto conductor que es esa actud de experimentar. M.P.S: ¿Cómo se siente más cómodo al momento de trabajar, teniendo en cuenta la ayuda tecnológica que enen los arstas hoy en día? J.L.P: He tratado siempre de llevar la relación entre el esfuerzo hecho y el resultado. Si hay que poner mucho esfuerzo para lograr algo que al final no va cónsono con mi deseo o al que debo dedicarle demasiado empo, me detengo y estudio muy bien el resultado. La relación con las nuevas tecnologías tampoco es muy grande en el caso mío. Puedo dibujar, hacer una pequeña maqueta que puedo dominar muy fácilmente con mis dedos


Título: Mobil transparent Técnica: Plásco Medidas: 220 x 150 x 40 cm Año: 1960 -1971

a una escala. Posteriormente, en un taller pueden finalizarla al tamaño que se proyectó, pero hay que tomar en cuenta que entre el primer bosquejo y la obra final hay una gran diferencia. Puedo colocar en mi dibujo inicial un punto de color y su presencia variará, después, cuando alguien esté frente a un cuadro de otra dimensión. Será más fuerte. M.P.S: ¿Visualiza sus obras siempre primero en papel? J.L.P: Sí. Después hago pruebas si tengo algún material que se aproxima a lo que deseo hacer. Si es de luces hago ensayos con proyectores de luz, midiendo la distancia. M.P.S: Si vamos hacia una retrospecva del pasado y evaluamos todo lo alcanzado hasta

Título: Alquimia 172 Técnica: Acrílico sobre tabla Medidas: 195 x 130 cm Año: 1991

ahora, todos los manifiestos que se generaron para crear cambios, ¿qué diferencia encuentra usted dentro del movimiento arsco? J.L.P: Tenia un conocimiento normal de lo que sucedía en Buenos Aires cuando estaba allá y luego lo tuve cuando vine aquí, visitando galerías, museos y escuelas, para unir esa vivencia real con el pasado de la historia del arte, que uno había idealizado en muchos aspectos por haber venido de un país de América Lana. Una vez superado eso no exisa ninguna preocupación de hacer algo novedoso porque fuera novedoso, sino de trabajar con esos elementos y con lo que uno podía ir soñando e imaginando, pensando que detrás de uno había un arsta como todos lo que antes nos habían precedido.

Título: Alquimia 180 Técnica: Acrílico sobre tabla Medidas: 195 x 130 cm Año: 1991

Título: Alquimia 90, dipco Técnica: Acrílico sobre tabla Medidas: 260 x 195 cm Año: 1990

M.P.S: ¿Por qué ahora no hay manifiestos como los que proliferaron en los años sesenta y setenta? J.L.P: A mí me parece que lo que uno podía denunciar en esos años fue tan fuerte que apabulla a los jóvenes arstas y los deja impotentes cuando un millonario decide lo que es o no arte. Buscará que le toque la suerte de ser seleccionado o disnguido por alguien que le dé un valor comercial que se va a transformar en un valor arTítulo: Connuel / Lumière boite no3 Técnica: Madera, plásco, motor, luces, etc. Medidas: 90 x 90 x 24 cm Año: 1959 - 1965

sco, en reconocimiento. El sistema de valoración del arsta en aquellos empos era un poco domésco, ahora se hace a escala comercial, compleja dinámica que determina cuál es el arte y cuáles son los grandes arstas. M.P.S: ¿Y eso es bueno o malo, a su juicio? J.L.P: Pésimo. Porque no hay confrontación, no hay posibilidad de reflexión. No hay un intercambio entre el arsta y la gente.


Entrevista

028 029

Título: Alquimia 25 Técnica: Acrílico sobre tabla Medidas: 195 x 130 cm Año: 1988

En Caracas, en 1978, Julio Le Parc prestó sus ideas para la colección de Cuadernos de arte, editada por la Dirección de Cultura de la Universidad del Zulia, y a una serie de interrogantes concluyó: “En arte, en el mejor de los casos, sólo aceptan aquello que es el reflejo de su situación y que les ayuda a mantenerse en el poder, es decir, un arte que acrecienta la pasividad y dependencia, un arte que exporta modelos estécos, inofensivos, un arte que debe inscribirse en el sistema de la oferta y la demanda. Desnaturalizan así la creavidad y consideran al arsta como alguien a su servicio, al cual se puede alienar como al resto de la gente. Tal vez podría afirmar que el verdadero espíritu lanoamericano en arte, es la creación autenca, acompañada de una actud acorde con ella. Esta actud creava en arte correspondería a la creavidad de un pueblo que aún enajenado, connuamente inventa nuevas formas de lucha para combar la represión, para destruir opresores y

Título: Alquimia 91 Técnica: Acrílico sobre tabla Medidas: 195 x 130 cm Año: 1990

crear nuevas formas de convivencias. Sería una actud creava en arte, aquella que ayude de una manera u otra a sobrevivir o a vivir, a romper los esquemas mentales, a eliminar el condicionamiento ideológico, la pasividad, la sumisión, el miedo, que haga senr la posibilidad de un futuro diferente”. Unas ideas vigentes. Todavía sensatas. Todavía en experimentación.

Título: Alquimia 173 Técnica: Acrílico sobre tabla Medidas: 130 x 195 cm Año: 1991

Espiritualidad orgánica Sobre él hay mucho material escrito. Es un arfice de inmensas proporciones. Análisis sobre su obra y su genio, una treintena de libros sobre su eslo; las colecciones, las páginas web, las casi ya innumerables exposiciones alrededor del globo terráqueo, las obras y todo el conjunto de piezas que llenan escenarios tanto públicos como privados

en todo el mundo revelan quien es este hombre dinámico, de ideas sólidas, que ha sabido mantenerse con el paso del empo sin resquebrajar sus principios. La lucidez que lo caracteriza lo ha llevado a escribir y desmificar el concepto de arte y ejercer este oficio con la dignidad que también pasa facturas al momento de desplazar mitos y menras. Luchador, irreverente, sarcásco… son apenas adjevos que van de la mano con este arsta cuyos ojos serenos revelan el fuego de la creavidad y unas manos intranquilas procuran amasar espiritualidad orgánica y mineral. En su estudio están muchas de sus piezas, en tamaño natural, pero la mayoría en miniaturas. Cuelgan de las paredes, del techo, están atrapadas en finas vitrinas. Todas enen un guiño, la advertencia de este incorregible creador que es Le Parc.

Título: Alquimia 43 Técnica: Acrílico sobre tabla Medidas: 195 x 130 cm Año: 1989

Marísol Pradas y Julio Le Parc DÓNDE, CÓMO Y POR QUÉ INVERTIR EN ARTE


Entrevista

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J Jesús Armando Villalón

De las brumas a las barrancas Por: Adriana Ciccaglione Fotografía: Agnes Herrera

El arsta larense decide romper los esquemas tradicionales. Da un paso más y lo incorpora a su eslo, se reinventa y propone el abstraccionismo como un elemento en su propuesta pictórica.

Título: Barrancas (serie Barrancas) Técnica: Acrílico s/tela Medidas: 190 x100 cm Año: 2010 DÓNDE, CÓMO Y POR QUÉ INVERTIR EN ARTE

esús Armando Villalón es conocido como ese arsta plásco que le ha dedicado sus paisajes al valle del Turbio y al Ávila. Nos acerca con suleza a estas dos montañas tan emblemácas y queridas por todos los venezolanos. El pintor de las brumas decidió enfocar su nueva propuesta en las barrancas. Siempre sus obras han sido admiradas por su belleza en colores y formas. Su planteamiento pictórico ha traspasado fronteras. Pero Villalón no sólo se plantea el paisajismo como la forma de mantener uno de los estilos más antiguos de la pintura y hacerle homenaje a esos hombres, venezolanos insignes, que dejaron una huella en ese arte como Manuel Cabré, Rafael Monasterios o José Requena. Él también busca con esa expresión arsca la forma de ser irreverente y de protestar los daños que connuamente sufre el ambiente, en parcular el valle del Turbio. Intentando mantener esa línea, pero buscándose y reinventándose una y otra vez en su propuesta plásca, nos presenta Barrancas. Esta serie del creador larense nos aproxima a las montañas, sí, pero también a los senderos, a las serranías, a los caminos que desembocan en los suelos larenses, en la cercanía de una superficie, de un territorio que clama con forma de barrancas. El azul, el púrpura y el gris siguen presentes en la paleta de Villalón. En el fondo y a lo alto de la obra, aún se consiguen estos colores, con los cuales crea esas brumas, que nos recuerdan que siempre debemos observar hacia ese cielo infinito donde la eternidad se hace posible. Pero ahora incorpora otros colores, que son los que le dan vida a las barrancas. Maces ocres, marrones, contrastes en tonos fuertes definen un nuevo sello en Villalón. En oportunidades el rojo se cruza, también los verdes y los amarillos. En una especie de complejidad el valor del negro se presenta, y con la experiencia que le da una trayectoria plástica como la de Armando Villalón, consigue una

propuesta limpia, sin manchas ni excesos. “El cambio en el arsta plásco es obligatorio. Sin llegar a romper con todo lo anterior, se manene de alguna forma el paisaje tradicional, pero ya no se ve igual. Siento que mi propuesta actual ene más fuerza, contrastes, colores”, define Jesús Armando Villalón a Barrancas. Y además agrega, “Barrancas ene que ver directamente con el tema de la ecología. Aunque siempre me han gustado los colores fríos, ahora también esos cálidos erras se ajustan al planteamiento que deseo, a lo que realmente quiero expresar. Considero que el paisaje es un alimento de mi vida y ahora lo siento más”. Local y universal La invesgación ha sido ardua para este pintor, que rompiendo sus propios esquemas ha conseguido que el colecvo voltee su mirada hacia su obra. Los colores cálidos se presentan en primer plano, creando contraste con los fríos, ubicados en un segundo plano. Considera Jesús Armando Villalón, que cada diez años por la medida pequeña, el artista debe procurar un cambio en su propuesta, es un mandamiento que debieran tener presente todos los creadores. Para él lograr esta transformación se tuvo que apartar de la ciudad y comenzó a senr ese llamado al cambio. “Aun desconozco si Barrancas es el punto de parda para hacer algo más abstracto en mi obra. Pero igual me idenfico y lo siento como un reto, al poder mezclar todos esos tonos sin que choquen. Esta úlma etapa como arsta, me ha gustado mucho, es la madurez de mi propuesta y espero que deje un aporte”, manifiesta con la sinceridad que lo caracteriza y el compromiso como creador, Jesús Armando Villalón. En cuanto a la textura, el lienzo deja de ser bidimensional, e invita al espectador a sumergirse en esos valles, en esos suelos larenses bien


labrados por las manos ingeniosas de Villalón, quien con técnica mixta, acrílicos, óleos, óxidos logra ese efecto visual. “Seguiré siendo amante de mi valle, de mis barrancas. Halagar y protestar es lo que quiero hacer y expresar a través de mi obra. Cuando estaba pequeño, siempre decía que quería ser poeta, precisamente para con las palabras poder manifestarme. Un día alguien me elogió diciéndome que yo era poeta de la pintura, y eso es verdad, allí se refleja la voz interna de los senmientos y pensamientos”. El valle del Turbio, El Ávila, se convireron en propuestas universales a través de las pinceladas de Villalón. Seguramente ese realismo mágico, que envuelve cada una de las propuestas del pintor de las brumas, es lo que ha capturado a espectadores de otras latudes, quienes además han entendido lo complejo de una manifestación que traspasa de lo plásco a la reflexión.

Doctor y maestro No es ni un día ni dos… Son cuarenta años que Jesús Armando Villalón ha dedicado a la pintura. Y no es de una manera individual tampoco, él comparte sus experiencias con el público, con sus colegas y también con aquellos discípulos y personas que toquen a la puerta de este sencillo hombre. La palabra maestro le da escalofrío, sólo la usa para referirse a Ramón Díaz Lugo, uno de los arstas más emblemácos de la región, quien fuera mentor y guía. Sin embargo, por la candad de personas que han dado tesmonio de ese trato amble y desinteresado de Jesús Armando Villalón en el 2010 la Universidad Centroccidental Lisandro Alvarado (UCLA) decidió conferirle el doctorado Honoris Causa. Cuando el doctor Francesco Leone, rector de la UCLA, llamó a Villalón para darle esta nocia, que además alegra al mundo arsco local y nacional, le comentó que la candad de cartas pidiendo que se

Título: Atardecer Técnica: Acrílico s/tela Medidas: 160 x 100 cm Año: 2010

le otorgara el doctorado eran muchas y estaban escritas con el senmiento necesario para prestarle la atención merecida. Algunos de los que las escribieron fueron beneficiados por la generosidad de este arsta plásco larense, quien apadrina y colabora con aquellos que lo necesitan. En su discurso, el doctor Leone subrayó que reconoce la labor ambientalista de este doctor de las artes. Mientras que Villalón ante esa “genleza”, agradece una y otra vez, por “haberme concedido el honor de ser un doctor de las artes y haber cumplido con el sueño de mi madre. Es un gran compromiso y me llena de orgullo”, manifiesta contento.

Título: Ávila Técnica: Acrílico s/tela Medidas:160 x 90 cm Año: 2011


El Maestro

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Saverio Cecere

E

n una sociedad como la actual, caracterizada por la evolución y desarrollo de nuevas tecnologías, la percepción del espacio sico, electrónico, cienfico, narravo, social, económico, políco, están obteniendo una importante re-evaluación; han modificado la percepción del mundo técnico/creavo y también la forma de operar y el pensaPor: Saverio Cecere Fotografía: Agnes Herrera miento de los arstas. Desde un punto de vista estéco, esta re-evaluación ene grandes potencialidades para desarrollar una obra de arte producida por una estrategia más apropiada al desarrollo de la sociedad basada sobre la comunicación y el conocimiento. Por lo tanto, los nuevos materiales y las nuevas tecnologías no enen que ser considerados como la "estezación" de la técnica, o ser una razón para renunciar a la creación. Hay una diferencia sustancial entre la técnica y el uso de las nuevas tecnologías y por lo que, podemos afirmar, la relación entre el arte y la tecnología es esencial, no sólo nos envía a una relación mutua entre ellos, que revele un lenguaje capaz de trasformar un po de conocimiento en un alter conocimiento que se trasforme en un alter ego Título: Trans-form-cromia 49GB de la producción estéca. Técnica: Plexiglas Laser Cut

El principio es la geometría, luego está el mundo

El texto que a connuación se presenta fue publicado integralmente en el libro In-forma geométrica, de Saverio Cecere y Rosario Pinto. Ediciones Gutenberg, Salerno Italia, 2009.

Medidas: 47,5 x 47,5 cm Año: 2011 DÓNDE, CÓMO Y POR QUÉ INVERTIR EN ARTE

En este sendo, la obra no ene que ser más considerada, ni un puro juego visual, ni tanto menos, basada solo en sus propiedades, y explicada exclusivamente a través de sus componentes: materiales, tecnología, materia, espacio, empo y energía. La obra, aun colocándose al margen de la comunicación, no quiere ni expresar, ni representar y mucho menos significar. Su fruición se integra en un contexto creavo/comunicavo que da lugar a un intercambio de informaciones entre los elementos constuvos y los flujos de información que vienen de su alrededor, donde el componente sensible/visivo es siempre funcional al componente cognoscivo y no se pueden separar. Cada uno de ellos habla con el otro y cada uno de ellos ene la capacidad de cambiar rol si las condiciones se lo permiten. La obra acva mecanismos de input- output (entrada y salida de información). La transformación de la obra es la relación entre la dimensión estáca con la dimensión cinestéca del proceso creavo. Esto implica que la prospecva conceptual de la obra viene definida como “coeficiente creavo”, sin necesidad de estar sujeta a la dinámica cinéca.


Título: Trans-form-cromia GV27 Técnica: Plexiglás cortado con láser Medidas: 47 x 47 cm Año: 2011

Título: Trans-form-cromia 59NRG Técnica: Plexiglás cortado con láser Medidas: 52,5 x 52,5 cm Año: 2010

Título: Sin Título Técnica: Plexiglás cortado con láser Medidas: 50 x 50 cm Año: 2009

La obra rechaza los roles canónicos del arsta, del críco de arte y del espectador, cuya parcipación es fundamental para la existencia del obra. El arsta inventa y crea, acva procesos de comunicación, conviréndose él mismo en espectador. Es aquí donde el pensamiento se refina para hacer que el espectador y el críco puedan recorrer y reinventar el camino delineado por el arsta: el espectador, de endad pasiva (desnatario de un mensaje inmutable), resulta ser desnatario acvo de un “mensaje” mutable; el

críco de arte, es decir, el "profeta" al que se considera capaz de profundizar el contenido y valor de la obra, a la par del arsta y espectador, puede dar sólo una lectura personal que nunca podrá constuir la verdad absoluta, porque la obra es ajena a cualquier verdad absoluta en su funcionamiento, en su mutación, en relación a la percepción que se ene de ella, de su espacio, del espacio que ocupa: la obra es transitoria, en su orientación, en su dimensión y en su propia capacidad de acción, es decir, la obra es un proceso cognivo y mientras cada

Título: Trans-form-cromia 29RR Técnica: Plexiglás cortado con láser Medidas: 47,5 x 47,5 cm Año: 2011

ser humano crea su propio proceso, lo desarrolla y responde de manera diferente al mismo esmulo, así mismo, la respuesta será determinada sólo por el observador y no por lo que la obra significa, representa y exprime. Después de todas estas consideraciones y modo de entender la obra de arte, es necesario un nuevo re-pensamiento y re-formulación de una nueva teoría del arte y el lugar más apropiado para esto es la proyectualidad y, a través de ella, revolucionar la visión clásica del espacio y de su representación: una

Título: Trans-form-cromia 115BN Técnica: Plexiglás cortado con láser Medidas: Diam 53 cm Año: 2011

nueva dimensionalidad estéca capaz de regenerar una nueva concepción de la sociedad, de la producvidad y creavidad. La obra entra así con legimidad cienfica en lo que nosotros definimos como naturaleza. En ella, surgen las temácas de la vida y de su complejidad sistémica, el impacto con la tecnociencia, la comunicación, la percepción, la racionalidad y la creavidad. Todos estos valores son parte de una especulación más arculada y global: El principio es la geometría, luego está el mundo.


Arte para llevar

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S

enrme cómodo y confortable con la obra de otro arsta, en mi dinámica, no es cosa fácil, porque siempre existe ese ojo creador que pretende inmiscuirse en la obra del otro. En este caso no fue así, pues en el trabajo de Lourdes Silva encontré su esencia, ella creando y proponiendo en su mundo imaginario un lenguaje cercano, donde lo importante no es lo que expresa, sino cómo lo dice. Un elemento que separa el quehacer de Lourdes Silva al de otros creadores, es la idendad, piezas que por sí solas expresan un mundo natural, salvaje e ínmo, sin necesidad de rúbrica.

que esa sería mi forma de trabajar, realizar joyería de autor. Es dicil pero me gusta mucho lo que hago.

EM- ¿cómo cree que han influido las nuevas tecnologías en este po de joyería? LS- Yo pienso que han aportado nuevos materiales e instrumentos muy interesantes que nos han brindado nuevas maneras de trabajar. Por ejemplo, en mi caso tengo larga experiencia con el tanio, material de la era espacial, el cual me permió incorporar a mi trabajo una amplia gama de colores sobre una superficie metálica gracias al uso de electrolitos. También he trabajado con el artclay (arcilla de metal), con Eleazar Molina- ¿Cuándo llega la el cual he realizado algunos proyecjoyería de autor a la vida de Lour- tos en los cuales puedo ahorrarme el procedimiento del vaciado en des Silva? cera, realizando la pieza directaLourdes Silva- Desde que comencé a estudiar orfebrería decidí mente en la arcilla metálica.

Lourdes Silva

Título: Amazonia Técnica: Esmalte sobre plata, piezas precolombinas excavadas en Mariara, estado Carabobo, plumas

Una joya sin artificios Por: Eleazar Molina, diseñador y orfebre Fotografía: Darwin García

Lourdes Silva se asoma en mi panorama de manera asombrosa desde hace más de veinte años. Descubrir lo descubierto, una obra diáfana, de soluciones simples, amigable y contundente, no sólo por su discurso, sino también por sus novedosos materiales y técnicas ancestrales, que la ubica y describe como una arsta integral, una orfebre que crea joyas intuivas, donde la naturaleza y el entorno marino se vuelven protagonistas de sus piezas.

Título: 2004 Técnica: Plata, perla, rubí indio, cubic zirconium

Título: Homenaje a Scherr 2011 Técnica: Cobre, pána, formado a marllo DÓNDE, CÓMO Y POR QUÉ INVERTIR EN ARTE


EM- ¿Menos es más? LS- Ese no es un concepto totalmente cierto para mí, en mi opinión depende de lo bien que pongas el más. EM-¿Contemplavo o ulitario? LS- Ulitario, las joyas son para usarse.

Título: Trópico Técnica: Titanio anodizado

EM- ¿Tiene Lourdes Silva algún referente? ¿Quién o quiénes? LS- Sí, son muchos, las llamadas “culturas primivas”, al igual que varios autores contemporáneos, como los esmaltes de William Harper, las formas de Lewton-Brian y lo orgánico de la obra de Gaudí. Otra referencia muy importante ha sido Mary Ann Scherr, con quien he estudiado y compardo mucho a través de estos años. EM- ¿Qué desaos has encontrado en tu carrera? LS- El desao más importante que he encontrado ha sido cambiar bruscamente de una profesión muy establecida y de tradición en mi familia, como lo es la odontología, para dedicarme totalmente a la orfebrería, y penetrar un medio tan dicil como el arsco. No sé cómo lo logré pero estoy muy sasfecha con lo que he logrado en mi trayectoria. EM- ¿Cuáles fueron tus proyectos más importantes? LS- Considero que todos mis proyectos han sido importantes. Mis exposiciones individuales, dos en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, otras en el desaparecido Centro Cultural Consolidado, el Museo de Bellas Artes y la Galería La Cayapa, al igual que las internacionales en el Bolívar Hall de Londres, en Washington, en Bogotá, mi visita y exposición

en Perú con el Patronato de Plata, y muchas otras colecvas de igual importancia para mí como fueron las de la Cantv, la Galería de Arte Nacional, entre otras. Uno igual de importante pero con un sendo muy espiritual para mí fue la realización de la Cruz del Papa en 1995, con movo de la beaficación de la Hermana Maria de San José, obsequio del gobierno del ex presidente Rafael Caldera al papa Juan Pablo II.

Título: 2004 Técnica: Plata, perlas, cornalina facetada, ágata, esmeralda, nácar

EM- ¿Cuál ha sido tu aporte a la joyería de autor? LS- Mi aporte modesto ha sido la conjunción de materiales no tradicionales, como esmaltes y piedras sin acabar, el uso de metales preciosos y no preciosos juntos, para lograr nuevas texturas o el uso del tanio para desarrollar color y con él lograr un discurso totalmente novedoso. Además, pracco la disciplina de trabajar, trabajar y trabajar... ¡Todos los días!

EM- ¿Y qué proyectos enes para el futuro inmediato? LS- Tengo varios proyectos que espero llevar a cabo, no los digo porque soy supersciosa.

Título: Otoño Técnica: Cobre esmaltado con soplete, ámbar turco


Portada

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E Tres visiones de la obra de

Título: Dama nocturna de azul Técnica: Acrílico sobre tela Medidas: 150 x 120 cm Año: 2007

Carmelo Niño

Fotografía: Darwin García Agradecimientos: Galería de Arte Ascaso

La obra pictórica de Carmelo Niño es una de las más consistentes y reconocidas de las artes pláscas venezolanas. A manera de reconocimiento se presentan a connuación tres textos que giran en torno a la vida, trayectoria y eslo de Carmelo Niño: uno es de Simón Alberto Consalvi, el otro es un extracto de un escrito de Bélgica Rodríguez y el tercero es de Carlos M. Luis. Título: Retrato de niña Técnica: Acrílico y materiales diversos sobre tela Medidas: 79 x 70 cm Año: 2009 DÓNDE, CÓMO Y POR QUÉ INVERTIR EN ARTE

n la historia de las artes pláscas venezolanas de las úlmas décadas, el pintor Carmelo Niño ene conquistado un lugar preferente. Así lo han reconocido los crícos y los expertos en arte. Carmelo se formó, primero, en Maracaibo, y desde las erras zuliana se vino a Caracas, pero tuvo la inteligencia de situarse cerca y lejos al mismo empo, porque escogió un lugar propicio para la soledad, una de las montañas que circundan la ciudad, protegido por cornas de niebla que le permiten aislarse, resguardar su mundo, y no pensar en otra cosa que en la pintura. De los personajes oscuros de sus primeros empos, donde predomina el negro o sus colores conexos, la pintura de Carmelo Niño fue derivando a los verdes, a los ocres, como si reconociera la influencia de las colinas que lo rodean, y constuyen su hábitat. No es dicil percibir los cambios entre el eslo de aquella pintura, y la que ahora domina su quehacer. Quizás no haya registrado una variación en su concepción de la vida y de sus avatares, pero sí en sus métodos expresivos. Aquella etapa registró personajes cuyos gestos expresaban la inconformidad o la insurgencia, una insurgencia personal e ínma, que el pintor trasmia como su manera de expresión. No la rebelión del hombre contra el hombre, sino la rebelión por el hombre. Con todo, las variaciones en el color no han despojado el arte de Carmelo Niño de sus caracteríscas predominantes. No se trata de que ahora su pintura exprese una visión


Título: Maga en rojo Técnica: Acrílico y materiales diversos sobre tela Medidas: 126 x 102 cm Año: 2005

menos dramáca, o que el pintor haya adoptado una visión más plácida. Hay poesía en la pintura de Niño, en sus personajes y en sus paisajes con nubes, poesía para contemplar o para leer tras sus claves. Pretender descifrarlos equivaldría a un doble despojo: al cuadro en sí, y a quien lo mira. Los personajes del pintor son persistentes, y también los signos (o símbolos) que los rodean. Están poblados de metáforas. Tienen su propia historia, y van más allá de la anécdota: el paraguas incesante, los grandes sombreros mulformes, el perro, los senos de las madonas que rompen su cárcel de tela, para mostrarse desnudos; la vesmenta angua (y arbitraria), paisaje que enen poco o nada que ver con la realidad, los caballos de juguete, el pájaro enjau-

lado, cuadros dentro de los cuadro, arlequines y magos, figuras que levitan, árboles fantasmagóricos. En suma, un universo surrealista: la ironía y la fiesta, la fiesta como comedia, la figura como delirio de la imaginación. No se trata obviamente, de buscar significados en el arte de Carmelo Niño. El sendo de la pintura va más allá de las palabras, porque ene su propio lenguaje, y escapa, en sí, a las interpretaciones, no pocas veces subjevas. El críco o el glosista ene un papel indudable, siempre y cuando no trate de interferir entre el cuadro y el espectador, ni de suplantar a quien mira o ve, porque quien se acerca al cuadro ene sus propios ojos, su propia sensibilidad, y su manera intransferible de descifrar.

Título: La familia Técnica: Acrílico sobre tela Medidas: 148 x 153 cm Año: 2006

A través del empo, Carmelo Niño ha tenido una caracterísca esencial entre quienes asumen la tarea de pintar: la fidelidad a sí mismo, vale decir, a lo que piensa qué es el arte, y cuál es el papel, en úlma instancia, del arsta en la sociedad. Tiene, además, otra verente: Carmelo no hace concesiones, está seguro de lo que hace, y contra viento y marea, avanza día tras día, con rigor religioso. Tiene un eslo personal, eminente y exclusivamente suyo: el eslo lo define, y sin duda, lo consagra como uno de nuestros mejores pintores. Simón Alberto Consalvi


Portada

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Título: El Jaguey II Técnica: Acrílico y materiales diversos sobre tela Medidas: 98 x 119 cm Año: 2008

Título: Diana cazadora La selección de materiales no Técnica: Acrílico y materiales diversos sobre tela convencionales a la pintura misma, Medidas: 170 x 100 cm se traduce en aquellos elementos Año: 2007

Los valores plásco-formales en la obra de Niño se basan fundamentalmente en una composición pictórica clásico renacensta, en la que toda imagen de representación es descripva y narrava, siendo el espectador a quien le corresponde realizar este ejercicio sensible. El arsta, arfice de su obra, las presenta ante él describiendo su oculta

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anatomía, su visible vestuario, su entorno poéco, pero también narrando subrepciamente una historia. Representación sublime de la belleza de la forma figurava cargada de texturas visuales y matéricas, además de significados expresivos y conceptuales. (…)

Título: La dama del abanico Técnica: Acrílico sobre tela Medidas: 120 x 100 cm Año: 2008

incorporados de manera no arbitraria pues responden a la estructura misma de la obra y a las necesidades creavas del arsta, entre ellos: piedras cosidas a la tela con hilos de oro, yute o cocuiza, talas de algodón tratada con pasta de modelar o también cosidas al soporte. De manera que al cambiar los materiales necesariamente cambió su técnica, lo que él mismo considera una evolución en el decurso de su pintura a través de los años. No podría ser diferente. Bélgica Rodríguez


Portada

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Título: Cabeza azul Técnica: Acrílico y materiales diversos sobre tela Medidas: 102 x 80 cm Año: 2009

Título: Retrato de dama Técnica: Pastel sobre tela Medidas: 150 x 72 cm Año: 2010

Si fuésemos a hacer un resumen de lo que la pintura de Carmelo Niño representa, podríamos comenzar afirmando que su lenguaje aparece situado como un gran fresco dentro del panorama del arte contemporáneo. No ulizo el término “fresco” en su sendo metafórico, sino aludiendo más bien a la tradición a que este pintor pertenece. Durante el proceso de este estudio he mencionado épocas y movimientos, cuyas enseñanzas han devenido o para él en un

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lenguaje moderno. Su cercanía (pero no así su adhesión) al Surrealismo, ha contribuido sin duda a situarlo dentro de ese lenguaje. Básicamente lo que el Surrealismo le comunica es la magia implícita en la poesía, en la cual los seguidores de ese movimiento siempre han creído. Carmelo Niño es uno de esos creyentes. Basta con observar sus cuadros para que una atmósfera onírica nos indique que el pintor sueña en gran medida a través de sus colores y pinceles.

Que siguiendo los dictados sugeridos por sus sueños, acuda a un rigor técnico, nos indica además que su obra no se produce al desgaire, sino bajo un control que conscientemente escoge sus medios expresivos. He ahí entonces donde en mi opinión, se produce la magia de su pintura: en la realización de una obra que expande nuestro horizonte imaginario sin que nos obligue a extraviarnos en él. Carlos M.Luis


Portada

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Título: Desnudo en el paisaje II Técnica: Acrílico y materiales diversos sobre tela Medidas: 125 x 186,5 cm Año: 2004 Título: Dama Técnica: Acrílico y materiales diversos sobre tela Medidas: 154 x 122 cm Año: 2006

Carmelo Niño nace el 30 de agosto de 1951 en Maracaibo, Venezuela. Estudió en la Escuela de Artes Pláscas Neptalí Rincón de su ciudad natal. Ha representado a Venezuela en 1978. Salón de otoño, París, Francia. 1981. XXVI Bienal de Sao Paulo, Brasil. 1982. XII Bienal de París, Francia. 1986. XLII Bienal de Venecia, Italia. VI Bienal de México.

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Premios 1971. Premio Beca, I Salón Nacional de Jóvenes Arstas. Maracay, Venezuela. 1972. Segundo premio, Salón Regional. Maracaibo, Venezuela. 1975. Primer Premio, Salón Nacional de Jóvenes Artistas. Caracas, Venezuela. Premio Marco Aurelio Rodríguez, Salón Ernesto Avellán. Caracas, Venezuela. Primer Premio, Salón de Jóvenes Arstas Zullanos. Maracaibo, Venezuela. 1981. Primer Premio (Pintura), Salón Nacional de Jóvenes Arstas. Caracas, Venezuela. Está representado en * Galería de Arte Nacional. Caracas, Venezuela. * Museo de Arte Contemporáneo. Caracas, Venezuela * Palacio de Miraflores. Caracas, Venezuela. * Ministerio de Relaciones Exteriores. Caracas, Venezuela. * Museo Fundación Ralli. Punta del Este, Uruguay. * Embajadas de Venezuela en Brasil, Estados Unidos, México, Francia y en colecciones privadas y públicas en América del sur, Centroamérica, Norte América, Europa y Asia. * Contemporary Lan American Art, MoLAA. California, USA.


Arte conceptual

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El sentido artístico e intemporal de

Miguel Ángel Jiménez Sofá Proyecto Fénix

Por: Henry Lara Fotografía: Darwin García

“Estamos ante un arsta integral de profundo intelecto cuyos diseños enseñan a calibrar el espacio como dimensión conquistable”. Mesas de centro Proyecto Tepuy

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uando el arte significa crear, establece relaciones que expresan un lenguaje de espacio-empo. Miguel Ángel Jiménez ha logrado, dentro de sus sensibilidades e invesgaciones, ofrecernos la maravillosa confluencia de su arte. Tanto en la escultura como en el diseño industrial se afirma que el arte no es sólo color y materia, sino vibración con una ordenación armónica y conjugada. En tu obra hay relaciones entre la geometría y lo orgánico. ¿Por qué esta fusión? Es la naturaleza que conene estos elementos; si uno se pone a ver fragmentos naturales a nivel micros-

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cópico vemos que todo es geometría, observándose cristales geométricos, y a nivel de lo externo visual la forma orgánica se hace senr. La escultura de Miguel Ángel posee fuerza a una distribución y soporte cinéco. Tuvo como maestros a Jesús Soto y Carlos Cruz Diez, superpone el metal en formas geométricas, a la vez hay centros de tensiones orgánicas parecidas a una ola, una hoja, una gota de agua o una estrella expandida, que a veces se mueven con la brisa o quedan estácas, son de un modo protectoras de nuestros pasos; de hecho ene una serie que se tula Vigilantes cósmicos.


De izquierda a derecha: - Poltrona Proyecto Pegaso II. - Mesa lateral Proyecto Solaris. - (Encima de la mesa Obra Corporava Cromasmo eólico). - Mesa de centro Proyecto Solaris con intervención arsca del diseñador Miguel Ángel Jiménez. - Ceibó de módulos removibles Proyecto Gamma. Arriba: - Obra construcvista cromáca, Título: Cromasmo eólico. Medidas: 280 x 122 cm. Derecha y bajo: - La obra de pared Lámpara de mesa Proyecto Luciernaga. - Por úlmo a la derecha en una poltrona Proyecto Beryere el arsta plásco y diseñador industrial Miguel Ángel Jiménez.

Poltrona Proyecto Andrómeda

Banco de bar Proyecto Solaris Lámpara Proyecto Luciernaga

Comedor Proyecto Tepuy

Poltrona Proyecto Cobra

En esta serie se observa que la naturaleza no sólo es micro, sino macro y más allá. ¿Qué te movó a realizarla? Es una interacción entre el hombre y el cosmos, es como la escultura que vigila el cosmos desde la alborada de la vida. Tiene que ver con los tótems pre-hispánicos del neolíco. De esa serie tengo piezas en la Universidad Simón Bolívar, Centro Lido de Caracas, Miami, Plaza Prebo de Valencia, entre otras, siendo ésta una serie que defino como Refrac-Cromas, refracción y cromasmo al mismo empo.

Diseño industrial La inteligencia creava del arsta nos recuerda esa época gloriosa de la Bauhaus en Alemania (1919-1933), instaurando obras de diseño industrial que, siendo ulitarias, no perdieran su esencia o concepto arsco.


Arte conceptual

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Silla Proyecto Decibel

¿Hacia dónde apuntas con el diseño industrial? Hacia la arquitectura contemporánea del siglo XXI. Para mostrar mis creaciones he logrado tener patentes en Estados Unidos y en la Unión Europea, siendo muy estudioso en cuanto a la arquitectura contemporánea y al diseño de Interiores. También intervengo con pintura el vidrio en mesas, pues es importante que tenga esa intensidad del arte, para que sea intemporal y no se quede en moda. En el diseño inmobiliario aporta un eslo muy orgánico y sensual, son muebles galáccos que, sin estar sentados en ellos, senmos su ergonomía. Estamos ante un arsta integral de profundo intelecto cuyos diseños enseñan a calibrar el espacio como dimensión conquistable. Es un arte múlple prevaleciendo los valores sicos a un orden estéco ideal, y nos desmonta de tanta pesadez del día para volar en la aurora eterna y apacible de su obra.

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Silla Proyecto Pelícano

Poltrona Proyecto Taurus

Banco de bar Proyecto Nova


Galerías

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Villalón galería Una vitrina al arte Por: Adriana Ciccaglione Fotografía: Agnes Herrera

En la capital musical, en el este de Barquisimeto se encuentra este espacio que invita a la contemplación y también a la inversión en obras arscas.

A

lgunos lo han considerado un refugio, una especie de escape de nocias negavas, un verdadero encuentro con la belleza, y así es. Villalón galería está ubicada en la urbanización Nueva Segovia, al este de la ciudad de Barquisimeto. Transeúntes, ya sea en carro o caminando, se quedan embelesados ante esta vitrina que da paso a que los creadores muestren su propuesta actual. Jeysa Villalón, comunicadora social hija del reconocido arsta Jesús Armando Villalón, es quien está al frente de esta pinacoteca. Ella explica sobre el trabajo en la galería, “nuestra familia siempre ha tenido el interés de abrir las puertas al arte. En 1985 lo hicimos en el centro de la ciudad y desde

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hace ocho años atendemos en este espacio, que es mi casa materna”. Villalón galería está dividida en tres espacios o salas. “La primera etapa es para arstas noveles, pero con un trabajo bien realizado. También se encuentran allí creadores que ya han estado en salones y certámenes. Tenemos la segunda sala, que es para arstas consagrados con más de cuarenta años de trayectoria, como Federico Torres o Leonardo Figueroa. Y la úlma etapa o sala está dedicada completamente al trabajo de Jesús Armando Villalón”, explica Jeysa. En la galería hay alrededor de 400 obras en exhibición y más de 50 en depósito, para intercambiar e ir variando, y también para ubicarlas al momento de vender las que están en muestra. “Necesitamos hacer una muestra diferente, porque ya se ha hecho costumbre que las personas se detengan a ver la vitrina y nos piden, nos exigen ese cambio. Pero también tenemos una pequeña con obras de arstas emblemácos que deseamos que el colecvo admire”, destacó la comunicadora social. El mercado ha sido posivo para Villalón galería y esperan connuar por ese rumbo. Para estar en este privilegiado espacio, “hay dos modalidades. La primera es que las personas hagan contacto conmigo, me busquen y nosotros hacemos una evaluación de las obras y del currículo. La otra es que nosotros buscamos algunas obras, sabemos de algún coleccionista o arsta que desea vender y nos acercamos a donde están estas personas”. Garana y servicio de la mano El cerficado y la garana de autencidad es uno de los beneficios que ofrece Villalón galería. “Hay una responsabilidad por ofrecer la autencidad, más en estos momentos en los cuales tantas personas copian obras originales, sin ningún pudor. Contamos con

la asesoría de una asociación de tasadores que se toman este trabajo en serio, así como nosotros, que no queremos defraudar a nuestra clientela”, explica Jeysa Villalón. Respeto y confianza son dos valores que las personas encontrarán al entrar a Villalón galería, así como la firma de arstas nacionales e internacionales. Las personas no tendrán que salir del país para poder adquirir las obras de los más presgiosos y respetados creadores del arte en Lanoamérica. Otro de los servicios que presta Villalón galería es la asesoría a sus clientes o a las personas que deseen adquirir una pieza. “Una obra de arte es algo con lo cual convives toda la vida, no puedes después odiarla o repudiarla. Es por ello que brindamos la asesoría, nos acercamos hasta la casa de la persona, vemos su decoración, eslo y la personalidad de quienes habitan este espacio. Es ahí cuando asesoramos y luego sugerimos alguna pieza o autor”, indica Villalón. Lo interesante es que educan al público para que enendan y aprendan que inverr en arte es una cosa seria. Una de las propuestas que ronda y que pronto realizarán en Villalón galería es una exposición colecva. “Queremos hacer Barquiria con algunos criterios en el montaje que serán bien interesantes. Se trata de cinco arstas de la zona de centro-occidente. Será algo pequeño pero bien concebido”, dijo Jeysa, y con esto invita al público a que le sigan los pasos a lo que en los próximos meses se orecerá desde Villalón galería. Cómo llegar La dirección y la forma de llegar es muy sencilla: Urbanización Nueva Segovia, carrera 1 con calle 8. Si necesita comunicarse con alguno de los responsables, los teléfonos son (0251) 253-24-93 ó (0414) 351-19-45 y (0414) 520-49-94. También puede visitar la página web www.artevillalon.com


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La Bienal Churuguara Por: Gabino Matos

“El valor conceptual, exposivo y divulgavo de la Bienal Churuguara ha sido reseñado por invesgadores y crícos de trayectoria y reconocimiento nacional”. “La significación y alcance de la Bienal Churuguara se erige, pues, con fuerza y coherencia bajo el convencimiento y el compromiso de seguir fortaleciendo su presencia en el contexto cultural venezolano”.

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a Bienal de Artes Visuales Churuguara –ya popularmente conocida en ámbito regional y nacional simplemente como la Bienal Churuguara– se erige como uno de los eventos de confrontación arscas de las artes visuales de notable y progresiva aceptación entre pintores, escultores, fotógrafos, gráficos y otros especialistas de la imagen arsca. Esta bienal, promovida por el Ateneo Casta Joaquina Riera de la ciudad de Churuguara en la sierra falconiana, nació como un salón anual y hoy por hoy se ha converdo en el único evento de confrontación plásca que queda en pie en todo el estado Falcón. Durante sus quince ediciones ha visto nacer –y desgraciadamente también morir– varios salones esta-

tales, también otros promovidos por instuciones culturales y académicas, que no han pasado de su primera edición, así como otros que ya se creían consolidados y posicionados regional y nacionalmente que han cerrado su puertas por razones diversas, entre las cuales destacan la ausencia formal y sostenida dentro de las polícas culturales del estado y la consecuencia exclusión de las pardas presupuestarias del gobierno regional. Este cierre y esta desatención gubernamental traen consigo, para muchos arstas del estado, la región y el país, la pérdida de un espacio propicio para exponer sus obras y proyectos arscos concebidos e interpretados en el marco de la contemporaneidad plásca. La Bienal Churuguara rebasó su convocatoria inicial reducida al territorio del estado Falcón para proyectarse, en una primera instancia, a los estados Lara, Yaracuy y Portuguesa (región centro-occidental del país), para finalmente proyectarse en todo el territorio nacional, tratando de cubrir las exigencias y de superar las dificultades que ello implica. Es muy sasfactorio detectar que en cada nueva edición son más los arstas y los estados parcipantes. Representantes de los estados orientales, andinos, centrales y llaneros se unen a la constante parcipación de los arstas centro-occidentales. También la Bienal Churuguara da cuenta de una lista de reconocidos crícos de arte, invesgadores, museólogos, gerentes culturales y arstas que han actuado como jurados calificados. La capacitación académica, la experiencia en el área y el manejo de criterios amplios y argumentados de los jurados también se apunta como otra fortaleza de la bienal falconiana. Su aporte en mucho ha contribuido al crecimiento cualitavo de la colección del ateneo, lo cual se viene traduciendo en una actualización de la lectura plásca nacional con-

temporánea que fortalece y enriquece la base patrimonial de la instución, a la vez que permite a lugareños y visitantes el disfrute de propuestas estécas novedosas, generalmente reservadas a los espacios exposivos de las grandes ciudades o presentadas en los escasos salones nacionales de mayor tradición y reconocimiento. Gracias a la presencia de obras favorecidas con premios en esta bienal ha sido posible conocer y analizar nuevos lenguajes, conceptos y procedimientos técnicos que marcan los derroteros de las artes visuales de la Venezuela actual. El valor conceptual, exposivo y divulgavo de la Bienal Churuguara ha sido reseñado por invesgadores y crícos de trayectoria y reconocimiento nacional. Sus opiniones y sugerencias han sido aportes invalorables para los organizadores de la bienal para opmizar los procesos de convocatoria, difusión, conceptualización y exhibición inherentes al evento, así como para su mejor posicionamiento nacional. Se agradece el modesto apoyo económico de determinadas instancias culturales del país y la región, como también la generosidad de algunos parculares para la conformación de los premios. La colaboración del personal ateneísta, su direcva, miembros de la comunidad local y el apoyo de instuciones y comercios de la ciudad constuyen un factor invalorable para el crecimiento y consolidación de esta bienal de arte. La significación y alcance de la Bienal Churuguara se erige, pues, con fuerza y coherencia bajo el convencimiento y el compromiso de seguir fortaleciendo su presencia en el contexto cultural venezolano y con la esperanza de que otros eventos, con propósitos similares a este, logren vencer sus limitaciones y muy pronto también ofrezcan un espacio para la sana confrontación de las propuestas visuales de nuestros arstas.


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Miguel Triviño y su naturaleza develada Fotografía: Darwin García

Dos visiones, dos textos, dos acercamientos disntos al personaje, al pintor, al amigo Miguel Triviño. El primer arculo que se presenta es un escrito del también pintor Ernesto León para la exposición individual Espacio, forma y color, realizada en la Galería Trazos, Centro Comercial Lido, Caracas, 1999. El segundo es autoría de Eugenio Espinosa.

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ace ya un empo conocí a Miguel Triviño a través de Eugenio Espinosa en el Círculo de Dibujo de Caracas en el Maccsi. Tenia unos dibujos de Morandi, quiero decir, eran unas copias y no sólo eran dibujos de quien buscaba e invesgaba la línea madura de ese gran arsta, eran también una creavidad muy parcular de un joven en una ciudad que es Caracas, ya que aquellos que las conocen saben que la reflexión y la lentud del sabio no son precisamente una de las caracteríscas de nuestra amada ciudad. En seguida me imaginé que eran cosas de Eugenio y efecvamente él era el tutor de Miguel. Pasado el empo conversé con Miguel y lo invité a que trabajara en mi taller y es allí donde empezó un trabajo de comparr la pintura, especialmente tratándose de formas sencillas como la pintura de caballete, por supuesto realizadas al óleo y sobre tela. Mesa, frutas, armonía de colores, marcos, luces, formas, texturas en la pintura fueron los temas recurrentes a los largo de unos meses. Pasado el empo Miguel ha podido realizar, eso que es muy dicil ejercer hoy en día, eso que se llama el oficio de pintor.

Ahora bien, en relación a las pinturas de Miguel Triviño, él se ha interesado por el movimiento brusco de la pincelada, por los colores armonizados, de esos tan poco usados en el mundo de la pintura de hoy en día. Mientras el mundo está a la saga de las nuevas sensaciones en el arte, Miguel está donde ene que estar todo estudioso de la pintura, en sus bases, en la reflexión, en el análisis del mundo visual y sensorial. Miguel connuará esta carrera en la vida, de eso estoy seguro que está transitando para su futuro como creador, como pintor y podrá decir que comenzó por donde tenía que comenzar, por el principio de todo principio de la pintura, el taller y la reflexión de la vida. Por eso para mí es un gran placer el poder presentar estos cuadros que me llenan de emoción al verlos y poder decir que en esta etapa Miguel respondió en un momento donde los invesgadores enen otros escenarios y volverán al sio donde Miguel empezó con magia, talento y con lo mas importante en el mundo del arte, con gracia. Ernesto León


Título: Serie trigales Técnica: Mixta s/tela Medidas: 180 x 60 cm Año: 2011

Título: Serie sequia Técnica: Mixta s/tela Medidas: 80 x 100 cm Año: 2006

Las pinturas de Miguel Triviño Miguel Triviño ha decidido revisar los procesos fundamentales de la composición y expresión pictórica. Su obra que apenas comienza, después de pasar por los talleres de la Escuela de Artes Pláscas Cristó-

bal Rojas y también con verdadero interés por los talleres de arstas pláscos contemporáneos, absorbiendo disciplinas y reflexionando con pausado analizar; para comprender posteriormente, la estructura invisible que relaciona forma

color y espacio, que siempre estarán presente en toda obra pictórica, lograra enmarcar sus posibilidades expresivas, sean estas espontáneas o racionalmente inventadas. Enéndase así, que hasta lo más racional en este medio expresivo, está condicionado por fuerzas que inconscientemente tejen signos de claves para otros sendos, y por tal razón, el arte es y será un compendio de enigmas. Miguel Triviño uliza las composiciones que imponen las naturalezas muertas y bodegones, para descubrir el lenguaje florido de la pintura. Su rico desprendimiento pictórico y el sincero dibujo que deja los rastros de color es probable que se desarrollen por las vías de su negación, de su abstracción o de la perdida total de su representación, para dar paso a enigmas mayores. Eugenio Espinosa Este arsta es representado por:


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Alexander Martínez

La fiesta del gran objeto Por: Juan Calzadilla Fotografía: Darwin García

“Marnez ha sido consecuente con el espíritu de síntesis que ha animado a la pintura de vanguardia desde los empos del Cubismo. De allí que se aprecie, de obra en obra, la libertad con que fue desprendiéndose de la anécdota, la figura humana, el volumen y otras tantas entelequias de la representación, hasta simplificar la pintura” DÓNDE, CÓMO Y POR QUÉ INVERTIR EN ARTE

Título: De la serie patrones mentales Técnica: Acrílico sobre tela Medidas: 130 x 90 cm Año: 2010

os procesos crícos que se dan en el interior de una obra son más fáciles de seguir cuando las etapas por las que ha pasado el arsta están claramente marcadas. En Alexander Marnez estas fases no sólo resultan bien definidas sino que se presentan como un connuo evoluvo de modo tal que cada nueva etapa desplaza a la anterior o la perfecciona. Alexander ha ulizado la sucesión de etapas o series para expresarse en los términos en que estaba preparado para hacerlo, es decir como un pintor en la tradición naturalista que se recibe en una escuela de arte. Pero también se ha valido de las series para aprender, para adquirir experiencia, estrategias y dominio del lenguaje y lo más importante, para hacerse críco de su obra. Una vez cumplidas, las etapas se excluyen, se cierran, y ya no se regresa a ellas, según el principio de originalidad. Porque también es cierto que cada etapa cumple un ciclo, y se aprovecha de lo que hay de posivo en él. Detrás del afán

de experimentación, siempre insasfecho, está la necesidad de crecimiento conceptual, vale decir de progreso. Y así ha ocurrido con Alexander Marnez. Ciertamente su trayectoria se inscribe en la pintura y permanece dentro de ella, de búsqueda en búsqueda, tendiendo puente entre la subjevidad y la objevidad, entre la abstracción y la figuración, con el fin de que la obra se ofrezca como una lectura del significado de su realidad material, tanto en sí misma como en su representación simbólica de las cosas. Vale la pena seguir su trayectoria: Alexander comienza su obra, recién egresado de la Escuela Cristóbal Rojas, tentado por un neoexpresionismo fundado en el color pulsional, orgánico, gestual, a empo que perfeccionaba su dibujo y se dedicaba al oficio de caricaturista, mientras seguía pintando y estudiando. Las obras en proceso son aquellas en donde el arsta no siente necesidad de reperse. Ya porque esté descontento con lo realizado,


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ya porque asume su saber como una críca de la pintura. Esto pasa con los arstas por el eslo de Alexander. Este perfecciona su lenguaje y lo desarrolla con una técnica detallista, especialmente ambiciosa, con la cual neutraliza toda influencia y –tras su expresionismo escolar de la primera época– pasa a abordar el tema de la ciudad como paisaje humano, mediante simbologías no exentas de sára e inconformidad. Marnez empleaba la relación hombre-urbanismo a una escala monumental con lo cual reducía considerablemente el tamaño de los personajes, en proporción al espacio, para dar idea de un macrocosmos como el de la pintura del Bosco, desarrollando, en sus cuadros, una especie de ilustración de la comedia del arte. Pintura escenográfica que nos recuerda por su amplia alusión a perspecvas internas y grandes distancias, la obra de un Pedro León Castro de los años cuarenta. Pero, en fin, Marnez ha sido consecuente con el espíritu de sín-

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Título: De la serie patrones mentales Técnica: Acrílico sobre tela Medidas: 100 x 160 cm Año: 2010

tesis que ha animado a la pintura de vanguardia desde los empos del Cubismo. De allí que se aprecie, de obra en obra, la libertad con que fue desprendiéndose de la anécdota, la figura humana, el volumen y otras tantas entelequias de la representación, hasta simplificar la pintura, ya desprovista de peso, en un gran plano, a modo de un laberinto virtual o tejido cromáco que evoluciona en las dos dimensiones de la tela, vercal y horizontalmente, y cuyo significado consiste en su presencia caligráfica. Un poema transcrito en caracteres genéricos, de banda a banda, idenfica el tema de la ciudad. La forma laberínca como resuelve el tema se relaciona con la mitología que ve en la ciudad una jungla de concreto en la que, el individuo, cual moderno Ulises, corre peligro de extraviarse o está perdido. Esta idea se presenta resuelta en la obra que pone fin al ciclo de la pintura figurava o simbólica de Marnez. La etapa más reciente de Alexander, aquella donde cifra su

mejor apuesta, revela un cariz más conceptual. Tal como se deduce de lo que él mismo, de modo autobiográfico, ha relatado: “El tema en torno al cual vengo desarrollando la serie Patrones mentales se fundamenta en que a parr de la planlla de unos pantalones intervenidos con diferentes materiales (telas diversas, goma anresbalante, acrílico, goma-espuma, entre otros) quiero reflejar con una visión parcular a la sociedad venezolana y en general, a cualquier sociedad de carácter occidental”. Seguramente todos esos recuerdos autobiográficos de la madre costurera, con su profuso barroquismo, se Imprimen en todas las etapas de su obra. Pero cobran mayor significación cuando los asociamos a los patrones mentales, que constuyen su obra más consistentemente contemporánea y no, como pudiera juzgarse, una etapa más desnada a quemarse, como las otras. Apelando al collage, Marnez proporciona un giro interesante al método

deconstrucvo que en su empo ulizó Duchamp para sus bocetos del Gran vidrio, al reducir a formas planas los personajes del Rey y la Reina del juego de ajedrez. Marnez emplea las planllas del traje masculino y las transporta a materiales de la industria, como la goma anresbaladiza para pisos, inviséndolas de una gravedad solemne como si se tratara de personajes mecánicos. Los cordajes que tantas veces había transformado en líneas puras para simular perspecvas y distancias de la ciudad ignota, ahora retoman su verdadera función del juego de los aparatos en que se ha converdo, para Alexander, la fiesta del gran objeto.

Este arsta es representado por:


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Las pinturas musicalistas de

Enrique Flores Por: Perán Erminy Fotografía: Darwin García

“[Las pinturas] de Flores son más "desatadas" y más expresionistas. Son pinturas recias y enérgicas”.

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ste evento, más que una exposición individual de pinturas recientes del joven y talentoso arsta venezolano Enrique Flores, constuye una especie de espectáculo variante y múlple, a veces mulmediáco, de integración estéca, o de confluencia arsca entre la pintura y la música, inspirado en el anguo principio del ut picture poiesis, centrado esta vez en las obras pláscas musicalistas, o más bien de temáca musical de Enrique Flores.

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Título: Los tres violonchelos Técnica: Mixta Medidas: 128 x 144 cm Año: 2010


Título: Durante el ensayo Técnica: Mixta Medidas: 128 x 144 cm Año: 2011

Título: Orfeón UCV Técnica: Mixta Medidas: 100 x 80 cm Año: 2011

Título: El grupo el cuarteto Técnica: Mixta Medidas: 103 x 140 cm Año: 2010

Título: keny G. Técnica: MIxta Medidas: 100 x 80 cm Año: 2011

Título: Perfidia Técnica: Mixta Medidas: 154 x 115 cm Año: 2005

No se trata de una nueva versión del tema pictórico predilecto de las obras muy clásicas y finamente ornamentales del celebrado maestro Armando Barrios, que solían representar casi melódicamente escenas de conjuntos de cámara, o de su propio Orfeón Lamas en sus interpretaciones musicales melancólicamente evocadas. Estas obras de Flores son más cercanas a las escenas pintadas "en vivo" en los viejos centros originarios del jazz en la Nueva Orleáns, por la pintora venezolana que firma Bichina. Estas de Flores son más "desatadas" y más expresionistas. Son pinturas recias y enérgicas. Los dibujos pequeños suelen ser muy espontáneos y repennos. Las variantes de pinturas y dibujos dependen de las músicas que los inspiraron. Todo este ambicioso experimento fue ideado, producido y resuelto con eficiencia y acierto por el propio pintor Enrique Flores, con lo cual nos confirma que él sabe lograr lo que se propone.


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Félix Perdomo Las formas del tiempo ausente Por: César Sasson Fotografía: Darwin García

Félix Perdomo (…) ha sabido mantener intacto el cuerpo de su obra, ha logrado no sólo imprimirle un sello muy personal (…), sino que además ha influenciado a un sin número de arstas jóvenes que han encontrado en su discurso una respuesta a muchas de sus inquietudes. ué dicil se me hace después de estos veinte años de amistad sin Interrupciones hablar en frío de Félix Perdomo, el pintor y dibujante, sin hablar del ser humano, y más aun no hablar de mi propia persona, de mis recuerdos, de las largas charlas semanales sobre cosas pequeñas y otras no tanto, la

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mayoría de ellas sobre un mismo tema: el arte. El arte es sin duda un dilema, pero también para muchos una razón de vida. Entendiendo eso, sería un atrevimiento de mi parte tratar de poner en perspecva las valoraciones pláscas del trabajo de cualquier arsta y menos las de Félix Perdomo, cuando ya muchos y más autorizados que yo lo han hecho con propiedad y autoridad; y es que en honor a la verdad no soy un críco de arte ni mucho menos, lo que más me puedo confesar ser es un hombre afortunado, recompensado por la vida con la amistad de un excelente ser humano quien por casualidad es arsta. De las cosas que he visto y compardo con Félix Perdomo, una de las primeras que debo señalar, es que desde que lo conozco, lo he visto siempre trabajar en un espacio de puerta abierta.

La puerta de su taller casi nunca está cerrada, hasta cuando sale la deja abierta. He querido señalar esto que quizás parezca un detalle de poca importancia, pero que a todas luces es mucho más que eso, es sin duda el mayor tesmonio de su sencillez, de su disposición a escuchar y comparr con propios y extraños sin ningún po de prejuicio, clara señal de su inmensa generosidad y desprendimiento. En todos estos años he visto pasar a Félix Perdomo por diversos períodos en su trabajo pero ha sabido mantener intacto el cuerpo de su obra, ha logrado no sólo imprimirle un sello muy personal que lo hace fácilmente reconocible, sino que además ha influenciado a un sin número de arstas jóvenes que han encontrado en su discurso una respuesta a muchas de sus inquietudes.


Título: Sin tulo Técnica: Mixta s/tela Medidas: 150 x 186 cm Año: 2010

Milton Avery, (1893-1965) dijo en una oportunidad: “Para pintar uno ene que ir por el camino que uno no conoce. El arte es como cruzar en las esquinas, uno nunca sabe lo que hay al voltear hasta tanto no haya cruzado”. Durante todos estos años me he visto cruzando esquinas detrás de Félix y éste nunca ha dejado de asombrarme, tanto en su pensamiento como en su obra, adeNo puedo finalizar estas líneas más me ha privilegiado con ser tessin recordar a una cita de Ad Reingo de excepción del génesis de hart (1913-1967): “El arsta es resmuchas de sus creaciones, desde ponsable de su historia y su Caño Amarillo, Agua Salud, tercer naturaleza, su historia es parte de premio del Salón del Metro de Casu naturaleza". Siento que en este racas; Naturaleza muerta con botepensamiento se sinteza la historia lla y rueca, tercer premio en la de Félix Perdomo, el pintor y amigo. Primera Bienal Chrisan Dior; pasando por trabajos con los que se Este arsta es representado por: hizo merecedor de la beca al programa P.S.1 en Nueva York, la maravillosa cascada de fósforos quemados del Salón Dimple, sus esculturas en hierro, hasta llegar a su obra actual. Me atrevo a decir, parodiando la cita de Avery, que Félix Perdomo por fortuna ha sabido cruzar sólo en las esquinas correctas du- Exposición desde el 10 de abril de 2011 rante todos estos años y estoy seguro en esta galería lo seguirá haciendo en el futuro.

Título: Sin tulo Técnica: Mixta s/tela Medidas: 170 x 130 cm Año: 2010

Título: Sin tulo Técnica: Mixta s/tela Medidas: 150 x 270 cm Año: 2010


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Orlando Salero

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Entre el color distante y el ensueño de lo próximo Por: Laura León R. Fotografía: Darwin García

Cercano a la rayuela, próximo al circo y lejano de Troya, Orlando Salero galopa en el color y la luz DÓNDE, CÓMO Y POR QUÉ INVERTIR EN ARTE

os caballos representados por Orlando Salero, de manera lúdica, en ambientes de circo, suspendidos o simplemente en el aire, nos transmiten frescura, esa de los niños, cándida, pero con una presencia clara y definida, su propuesta colorida, esboza el oficio del dibujo, los elementos alrededor se divisan y reconocen con claridad, las composiciones armónicas transforman las líneas, el color y la pincelada en creaciones hermosas y arscas.

Este arsta es representado por:

Título: Serie Galopante Técnica: Mixta s/tela Medidas: 70 x 50 cm Año: 2011


Título: Serie Galopante Técnica: Mixta s/tela Medidas: 50 x 70 cm Año: 2011

Título: Serie Galopante Técnica: Mixta s/tela Medidas: 50 x 70 cm Año: 2011

Orlando Salero Nace en Mapararí, estado Falcón. Estudios realizados 1990-1992. Dibujo y Pintura. E. A. P Cristóbal Rojas. Caracas. 1992-1995. Diseño Grafico. I.U.T. Antonio José de Sucre. Valencia. 1996. Escultura con Maybe Hernández. Punto Fijo. 2004. Análisis plásco. Gabino Matos. 2007. Dibujo en alambre con Bruno García.

2008. Taller con el arsta Asdrúbal Colmenárez. Club Bahía. 2009. Creación al límite con la arsta Consuelo Méndez. 2010. Arte y memoria con el arsta Francisco Vargas. Exposiciones individuales 2004. La naturaleza REINVENTADA. Complejo Universitario Juan A. Echeverria. La Habana, Cuba. 2006. Somnus ex Equus. Ateneo de Punto Fijo. 2007. Somnus ex Equus II. Ateneo

Casta J. Riera. Churuguara. 2009. Sueños galopantes. Restaurant Galería Mi Cocina. Judibana, Falcón. Reconocimientos 1995. Segundo premio Salón de Arte Lagoven. Mención de Honor. Primer Salón de Arstas de la Sierra. 2001. Segundo premio Base Naval. Premio a la Excelencia. Instuto de Cultura del estado Falcón. 2003. Segundo premio. Salón de Arte Mural Unefm.

2006. Premio Especial Iberoamericano Electa Arenal a la Delegación Venezolana. Fesval de Holguín. Provincia de Holguín, Cuba. 2009. Premio municipal de Artes Pláscas del municipio Carirubana, estado Falcón. 2009. Nominado al Premio Leonardo Da Vinci. Porta Salento di Oriente. Lecce. Italia. 2010. Premio Neptalí Rincón. V Bienal de Arte Ciudad de Maracaibo.


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Título: Los guardianes Técnica: Acrílico sobre tela Medidas: 80 x 130 cm

Título: Tocando tambor Técnica: Acrílico sobre tela Medidas: 80 x 160 cm

Los matices en contraste de

Janos Kardos Por: Raúl Figueira Fotografía: Darwin García

Janos Kardos es un arsta plásco que busca integrar en su obra la experiencia del arsta a la energía del espectador. Con colores vaporosos de una sustancia entre etérea y material, traza atmósferas envolventes de luz y color.

Título: Conversando Técnica: Acrílico sobre tela Medidas: 80 x 130 cm

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Título: Monolito Técnica: Fibra de madera comprimida, pintada con pintura automotriz Medidas: 30 x 45 x 178 cm

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iaje hacia el fin de las nostalgias y hacia el inicio del color. Nacido en Budapest, Hungría, en 1946, Janos Kardos ha recorrido no sólo la geograa del mundo en la que sus obras encuentran asidero, sino que también se ha converdo en un viajero del color que transforma la luz atmosférica en pigmentos, traduciendo el amplio espectro de los cielos, en lienzos de expresividad emova.

Educado en la tradición formal del arte en su Hungría natal, Kardos emigra en 1968 para ampliar sus estudios y formarse en otros ámbitos y otras formas del mirar. Roma, Sicilia y Venecia marcan en sus primeros contrastes, los espacios vaporosos que empiezan a perfilarse en sus nociones de lo etéreo. Tras cuatro años en Italia le siguen Suecia, Alemania y España hasta su afán de espacios abiertos, lumino-

sos y vibrantes que le llevan al Caribe, primero a la isla de Margarita y luego a Caracas, lugares en los que permaneció durante más de dieciocho años y en los que empezó a desarrollar un lenguaje propio, cargado de dinamismo.


Título: La pareja Técnica: Acrílico sobre tela Medidas: 80 x 160 cm

Un autor y su experiencia con la dinámica de la luz y el color. Colores vaporosos, maces que se iluminan en la superposición de volúmenes sugeridos por contraste, signos de direccionalidad, gestos, trazos en relieve a parr de pigmentos, son algunos de los elementos que compendian el dinamismo y vibración que despierta la obra de Janos Kardos.

En palabras de este creador: “Considero que la labor del arsta consiste en liberar la energía creadora para converrse en instrumento de la misma.” En esa proyección desde el ser hasta la obra se construye la biograa ínma de la experiencia del paisaje, del juego del color, de la armonía que recrea espacios para reconstuirse en la experiencia del especta-

dor, de ahí que Kardos agregue: “Si el espectador ene la libertad de mirar y se reconoce en el lenguaje de la pintura, se establece una comunicación en niveles profundos de la existencia humana.”


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Kardos no busca la experiencia unidireccional de exhibir su vivencia de los objetos o las formas en quien observa sus obras, trata más bien de traducir en gestos y volúmenes la intensidad de su experiencia; por ello apuesta a un cierto automasmo, a una cierta espontaneidad que se desvincula del concepto previo, del programa a priori, indica que sus obras parten de “observaciones no analícas, más bien pri-

marias, sin elegir lo preferido por el gusto personal” por ello considera que “el proceso creavo no debe asumirse desde un esfuerzo intelectual, más bien ene que comunicar desde una expresión honesta y auténca, y si el pintor puede plasmar con armonía su propia interpretación de la vida, nace una obra de arte única.” Si bien no existe un contenido programáco previo que calcule una

meta o desno, el arsta se siente parte de una estrategia sensorial que se origina de esa energía espontánea, lo conduce por una experiencia y se traduce en signos que buscan resonar en la fibra del espectador. En cierta medida, liberarse del concepto y de la palabra no significa liberarse del desno al que le lleva la experiencia de pintar, tallar la madera y experimentar las formas en materiales y medios diversos.

Título: Líneas rítmicas Técnica: Acrílico sobre tela Medidas: 40 x 160 cm

Título: Noblesa Técnica: Acrílico sobre tela Medidas: 80 x 130 cm

Existe una cierta direccionalidad que el autor asocia con una acvidad creadora de la que forma parte pero que no maneja a voluntad, como el escritor que de pronto siente la necesidad imperiosa de escribir y siente que sus palabras le son dictadas por una conciencia superior, de ahí que Kardos diga que su expresión "viene de un reino más profundo del ser y forma parte de la manera de experimentar la vida en niveles más recónditos de la existencia”. Fruto de ese intercambio, el autor ha parcipado en numerosas muestras exposivas, individuales y colecvas, realizadas en varias ciudades de Suramérica, Estados Unidos y Europa, construyendo en más de cuatro décadas de labor intensa, una trayectoria sólida que se refleja en sus obras, piezas que recuerdan al expresionismo abstracto por su trata-

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miento gestual del color, aportando nuevas aproximaciones a materiales y medios expresivos. En suma, la obra de Janos Kardos es una evocación de la imagen que se transforma en luz, fundiendo colores y atmósferas como en una neblina de formas evocadoras. Arsta de espíritu inquieto, sus proyectos recientes incluyen obras tridimensionales de carácter funcional con intencionalidad de mobilia-

rio, integradas a espacios interiores y en los que las líneas sinuosas de lo orgánico se incorporan a la rigidez de un volumen dinamizándolo. Este arsta es representado por:


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068 069 Título: Ellos Técnica: Mixta s/tela Medidas: 100 x 100 cm Año: 2010 Título: Sin Título Técnica: Mixta s/tela Medidas: 56 x 100 cm Año: 2011

Título: El ventanal de mi casa Técnica: Mixta s/tela Medidas: 100 x 100 cm Año: 2010

Juan González Bolívar Paisajes de la memoria Por: Gabino Matos Fotografía: Darwin García

“Qué tal si este paisaje que vemos fuese sólo la imagen reproducida de una postal en donde las formas de la naturaleza están hechas con palabras borrosas vistas a medianoche en el temporal. Qué tal si el recuerdo de pronto se agrandara… Y que a todo esto no hubiera forma de ponerle final”. Juan Calzadilla

E DÓNDE, CÓMO Y POR QUÉ INVERTIR EN ARTE

l recuerdo de sus vivencias entre las extensas y verdosas llanuras monaguenses, detenidas en ocasión por algunos árboles reunidos en torno a algún declive húmedo del relieve, constuyen el movo esencial de la reciente propuesta pictórica de Juan González Bolívar (1978), uno de los representantes del conocido grupo de jóvenes arstas orientales que irrumpió en ámbito nacional de la plásca a finales del siglo XX. Sus

estudios iniciales fueron en la Escuela de Artes Pláscas Eloy Palacios, de Maturín. Guarda agradecida memoria a sus profesores, especialmente del también pintor Luis Roca Brito, con quien comparó decisivos ejercicios y argumentadas reflexiones sobre la necesidad de abordar un paisaje más referencial que descripvo. Desde entonces González Bolívar no ha dejado de interpretar el paisaje

como un modo de adentrarse en la relación hombre-entorno, sujetoobjeto, invención y realidad. En el Instuto Universitario de Estudios Superiores de Artes Pláscas Armando Reverón (Iuesapar), en Caracas, prosiguió sus estudios formales de pintura; allí amplió sus conceptos, enriqueció su percepción y definió su modo de hacer pintura confrontando opiniones e interpretando resoluciones pláscas con sus compañeros y profesores. Juan González Bolívar propone una recreación del paisaje que deja de lado conceptos y representaciones convencionales, para ofrecer una lectura simplificada pero expresiva, sintéca pero alusiva, a parr de la simbología y significado de unas pocas formas para estructurar entornos y geograas. Esta obra es una suerte de remembranza paisajísca de profunda vocación subjeva; una especie de pretexto para develar recuerdos de infancia, vivencias de familia y labores campestres, así como las sendas reflexiones donde se enmarca la vida personal del arsta. “Uno ene que pintar desde uno mismo, desde lo que siente y lo que ama, desde lo que se vive y se recuerda”, nos indica el propio pintor.


Título: Un personaje en el fondo Técnica: Mixta s/tela Medidas: 100 x 100 cm Año: 2010

Título: Serie La montaña y el árbol Técnica: Mixta s/papel Año: 2008

Este arsta es representado por:

De allí que los paisajes de González Bolívar bien pueden interpretarse como una recreación de sus recuerdos de infancia, como un referente del entorno de su pueblo; de lugares y objetos tan cercanos ayer pero que hoy no están. Más que representaciones son simbolizaciones, libres y sendas, pero enmarcadas en un marco de una realidad codiana, ya lejana y difusa, recreada con algunas pocas formas donde quedaron atrapados sus recuerdos: casas y carrellas, espacios y distancias, relieves y árboles. Todo ello resuelto mediante manchas contundentes, grafismos imbricados y tonalidades terrosas. El árbol, simplificado en sus formas pero plural en sus significados, se torna como una constante de un paisaje conocido pero migrado a los campos de la memoria para ser recreado a través de signos referenciales, figuras reiteradas y extendidas tonalidades de colores ocres, manchas líquidas y trazos decisivos. Una mirada atenta y desprejuiciada a la obra de Juan González Bo-

lívar revela un espontáneo proceso de ejecución donde giros de pincel, brocha, trapo o mano que se explayan libremente en la amplitud del soporte van conformando una creava fusión entre dibujo y pintura, mancha y trazo, espacio y forma, memoria y olvido. Tenues toques de color y sules insinuaciones de texturas se integran en un juego azaroso y efecsta que sirve de mediación para dejar al descubierto el universo interior del pintor; sus creencias, vivencias y recuerdos, plasmados simultáneamente en un espacio real y mágico, matérico y eidéco, genérico y singular. Parafraseando al poeta Juan Calzadilla podríamos afirmar que los paisajes borrosos de Juan González Bolívar están llenos de memoria, constuyen una suerte de postales atemporales donde se agiganta el recuerdo y se reinventan las formas, donde se explanan los senmientos y donde se amplifica la geograa de la memoria sin final posible.


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Yobel Parra

Imágenes latentes y lectura visual

Título: Estructuras con Animales II Técnica: Mixta sobre tela Medidas: 104 x 151 cm Año: 2010

“La obra de este pintor está llena de latencias temporales así como de fulgurantes manejos de la luz en el plano desde y para la materia y su correspondencia con el color”.

C Este arsta es representado por:

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omo un contrapunto nacen estos registros visuales que van de la mano con el empo; impronta donde los mecanismos de la visión nos inducen a un saber "ver"; una "otra" mirada; un observar lo ulterior, los tejidos que las formas enlazan al hacer la conversión en signos. Material simultáneo que cohabita el espacio. Ámbitos deseados desde la memoria. Leer y escribir las formas visuales no admite ambigüedades ni extraños silogismos. La herramienta fundamental es el ojo y al estar presente ante él un color desnudo e inhibido pone en prácca una operación donde el nervio ópco suele excitarse. Existen en estos

campos ópcos destellos breves y luminosidades muy elevadas. Cabría decir que la obra de este pintor está llena de latencias temporales así como de fulgurantes manejos de la luz en el plano desde y para la materia y su correspondencia con el color. El arsta anuda en módulos seriales sus signos donde se suceden simultáneamente, creando una estructuración del plano como si de un contrapunto se tratase y un ritmo inspirado en melodías provenientes de la infancia. Estas melodías y desplazamientos convergen en atmósferas y trabajan el terreno de los esmulos con una pericia que va de brazos con el espíritu

Fotografía: Darwin García

Fotografía: Renato donzelli

"solaz" y "noble" del arsta. No hay cabida para la faga en estas visualizaciones, sus dinamismos y gradaciones numerosas nos hacen ver un efecto connuo del movimiento y el color sujetos a la memoria como forma esmulante de retrotraernos y afianzamos en las vaguedades del recuerdo. Esta pintura es música y aludiendo a Kandinsky nos anuncia "a modo de eco (hace el color que) otras esferas de lo psíquico se pongan también a sonar"; sincronías del color, espaciamientos dilatados, superficies habitadas y complementadas por signos. Henos aquí ante un arte movador y un espíritu sereno. Roger Herrera


Título: La bicicleta de Juan Pardo Técnica: Mixta sobre tela Medidas: 104 x 150 cm Año: 2010 Título: Homenaje a Magrie Técnica: Mixta sobre tela Medidas: 103 x 150 cm Año: 2010

Título: Animales para un circo Técnica: Mixta sobre tela Medidas: 100 x 130 cm Año: 2010

Título: Los animales blancos Técnica: Mixta sobre tela Medidas: 105 x 195 cm Año: 2010

Título: Serie de los caballos Técnica: Mixta sobre tela Medidas: 104 x 151 cm Año: 2010

Yobel Parra... viajero del empo subjevo, volcado en planos, instantes detenidos, conductor del avión o el barco de papel, modelado por el gesto, anclado para siempre en los sueños de la niñez y rescatado el empo objevo, a través de las veladuras de color, capas de memoria develadas desde arriba, en un vuelo. Mariano Esquivel


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Título: Las lides celesales Técnica: Acrílico,nta china sobre tela Medidas: 150 x 1.140 cm Año: 2011

Título: Besas sagradas Técnica: Acrílico y Óleo pastel/tela Medidas: 70 x 90 cm Año: 2011

Bruno García

Entre la línea mítica y el signo mágico Fotografía: Darwin García

Desde sus inicios como arsta plásco, Bruno García ha mantenido una línea de trabajo que recrea los mitos originarios de diversas culturas, indagando en las formas en las que se expresan, revelándola como parte de nuestra vida codiana.

U

nos de los trazos más significantes de nuestro actual dibujo y si la pintura es raspar; disolver capas sobre capas, como si de una película se tratase abrogando el ojo del espectador la maravilla sul del despojo de la línea. Sólo me cabe nombrar a un maestro, quizás uno de nuestros mejor dotados. Dueño de una exquisita imaginación asumida desde la herencia de las culturas asiriocaldeas y de la magna Grecia. Roger Herrera La quietud y rigidez de Cristo, lo dinámico en la danza de los hombres, el galope quieto de un salvaje

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Título: Besas sagradas Técnica: Acrílico, óleo pastel Medidas: 100 x 150 cm Año: 2011

caballo, están envueltos en una luz resuelta sabiamente a través del color dispuesto en capas superpuestas y transparentes, sin contrastes violentos que envuelven la figura suavemente al mismo empo que al fondo; se notan en muchas ocasiones descuidos intencionales de una secreta complicidad como una frágil constelación donde van deambulando seres atónitos que parecen ausentes o que se hacen presentes a través de los rastros que va dejando su ausencia, su fuga hacia un lugar extraño, pero presendo. Freddy Villarroel Lárez

La obra plásca de Bruno García, ya sea dibujo o pintura, no renuncia a la representación de dos estadios: lo inferior y lo superior; lo humano y lo divino; lo terreno y lo trascendente. Atormentadas figuras humanas se debaten en una suerte de competencia por liberarse de vivencias angusosas y por aproximarse a la serenidad y el equilibrio que muestra la divinidad. Gabino Matos Áñez


Exposiciones individuales: 2007. Dibujos. Club Bahía. Punto Fijo, estado Falcón, Venezuela. 2006. PENZETAROI-HETAROI. Galería Art and Cra. Caracas, Venezuela. 2005. DEMIOURGOS. Museo Trapiche de los Clavos. Bocono, estado Trujillo, Venezuela. 2004. Besarium. Galería Art and Cra. Caracas, Venezuela. 1999. La línea míca. Galería Imperial. Caracas, Venezuela. 1996. Monumento a la memoria.

Museo de Arte Contemporáneo Tito Salas. Caracas, Venezuela. 1988. Desde mi origen en el polvo interestelar hasta la búsqueda de Dios. Ateneo de Punto Fijo, estado Falcón, Venezuela. Reconocimientos más destacados 2008. 2º. premio Salón de Arte BACOA. Teatro Armonía, Coro, estado Falcón, Venezuela. 2006. Premio Maestro Domingo Chaves. Día del Arsta Plásco. Título: Besas sagradas Técnica: Acrílico, óleo pastel sobre tela Medidas: 60 x 200 cm Año: 2011

Fundación Bariquía. Punto Fijo, estado Falcón, Venezuela. Premio Iberoamericano Electa Arenal a la Agrupación Bariquía. Fiesta de la Cultura Iberoamericana. Holguín, Cuba. 2004. Premio Nacional Joven Arsta AVAP. Caracas, Venezuela. Primer premio XII Bienal de Arte Churuguara. Estado Falcón, Venezuela. 2000. Medalla de Oro. XIII Salón Internacional Herouville. Casllo de Beauregard Normandia, Francia.

1996. Premio Dibujo. XXIX Salón de Arte Paraguaná, Judibana, estado Falcón, Venezuela.

En Bruno García la presencia del dibujo como dictamen de la palabra en la figura describe una historia en la concentración del signo que no narra sino dice, que no informa sino invade. Despliega la composición plásca para los espa-

cios de color dejando dimensiones inconmensurables, lugares y estructuras sólo definibles en la vigilia de la poesía y confrontable en su materialidad. Guillermo Abdala

Acvidades Miembro fundador de la Fundación Creacuatro. Se desempeñó como ilustrador del suplemento Cultural del diario Úlmas Nocias de 1992 a 1994. Miembro Asociado del Colecvo Arsco Bariquía.


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Los signos ideográficos de

Ángel Mieres Por: Perán Erminy Fotografía: Darwin García

Título: Flowers of caa Técnica: Acrílico sobre tela Medidas: 65 x 70 cm Año: 2010

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“En sus obras actuales Mieres combina elementos diversos tomados del Neo-expresionismo, del minimalismo, de la abstracción lírica y del arte conceptual”.

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omo todo joven arsta, Ángel Mieres se debate aún en la búsqueda de su propio lenguaje pictórico. En esa vía no anda despistado ni está empezando el camino. Ya cuenta con una buena base de estudios realizados y con algunos años de prácca en su formación profesional. Todo esto lo ha cumplido con la seriedad y el interés que le genera su indudable vocación creadora. Ya sabemos, y él mismo lo sabe más que nadie, que es un arsta. Ahora le toca emprender lo más dicil, que es el abrirse camino y darse a conocer, o más bien dar a conocer su trabajo, hasta que se le reconozca como suyo y se le disnga por su calidad y su originalidad. No es una tarea sencilla ni breve. Ni es tampoco seguro el

éxito. Pero Ángel Mieres ene un talento que se requiere para no dejarse vencer por las dificultades y avanzar en la ruta del arte sin mayores extravíos. En sus obras actuales Mieres combina elementos diversos tomados del Neo-expresionismo, del minimalismo, de la abstracción lírica y del arte conceptual, en proporciones variables según los problemas planteados, los tratamientos técnicos y formales requeridos y las soluciones propuestas. Los signos ideográficos aparecen con frecuencia en las pinturas de Mieres. Suelen ser dibujíscos y desplegarse en repeciones regulares, a veces en franjas paralelas, sobre fondos con manchas de colores informes.


Título: Flowers to may cross Técnica: Acrílico sobre tela Medidas: 200 x 100 cm Año: 2010

Título: Si tengo un minuto te lo regalo Técnica: Acrílico sobre tela Medidas: 200 x 100 cm Año: 2011

Título: Jardines de ciudad Técnica: Acrílico sobre tela Medidas: 65 x 70 cm Año: 2010

Este arsta es representado por:

Siempre se advierte alguna relación con cosas reales, pero es una relación mínima e imaginaria, y no descripva ni realista. No viene al caso ofrecer aquí una interpretación de las pinturas de Ángel Mieres. Es preferible que cada quien la haga a su manera. Lo que sí queremos es recomendar que se les mire con atención y benevolencia, porque las obras lo merecen.


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Antonio Montes De Oca

Cronista de lo mágico Por: Adriana Ciccaglione Fotografía: Agnes Herrera

La propuesta demuestra el predominio de los colores, además de la figuración y de la abstracción que se conjugan en un mismo espacio, para demostrar la codianidad magnificada.

C Título: Buscando la melodía IV Técnica: Acrílico s/tela Medidas: 150 x 144 cm Año: 2009

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omo papelillos, como una lluvia incesante, caen sobre la obra de Antonio Montes De Oca colores que se transforman en figuras, en formas que incluso a veces se deforman, en un conjunto de codianidades que tras sus pinceladas se hacen una irreverencia a la realidad. El arsta plásco larense demuestra su oficio de dibujante a través de cada una de sus propuestas, que dejan además el gusto de ver cosas completamente diferentes. Su lenguaje plásco es rico; logra de una manera sul, pero al mismo empo con trazos seguros, alcanzar un nivel sensorial en el cual realidad e imaginación se cruzan, se dan la mano y se presentan frente al espectador, para de manera inmediata hipnozarlo. Las yuxtaposiciones sobre el lienzo blanco forman parte del pro-

Título: Buscando la melodía III Técnica: Acrílico s/tela Medidas: 150 x 144 cm Año: 2009

ceso que emprende el creador, y el mismo Antonio Montes De Oca lo define como “un reto, es igual que el torero con el capote, que invita al animal al juego, a ese gran encuentro. Así me ocurre a mí con la tela en blanco, es definivamente un desao”. Sobre esos tonos que salen del ingenio del arsta plásco, dibuja y finalmente pinta... El lienzo queda completamente compromedo ante bodegones, bailarinas, el mundo circense, caballos, instrumentos musicales, pájaros, arlequines. Todo es válido, todo es un movo para comparr, todo entra y sale del espacio, tal cual un encanto especial. Cada uno de esos elementos cobra vida propia en las manos y en la propuesta de Antonio Montes De Oca. Sin embargo el espacio está

fragmentado, la mirada que busca encuentra y al mismo empo reposa. “Queda una trama de colores y transparencias sobre la pintura”, susurra el pintor, así como lo hace su propia obra. El discurso de la modernidad está presente en sus creaciones, sin desprenderse de esa escuela larense, pero rompiendo los paradigmas que aprendió en sus primeros años. “La escuela larense era paisajista, a medida que ha pasado el empo ha cambiado mucho. Es normal que un alumno intente imitar a su maestro, El paisaje es la mejor forma de aprender sobre colores. Pero después sen que ya estaba en capacidad de romper esos esquemas y ulizar otros eslos. Me desprendí de las influencias larenses, nunca dejan de estar, pero de otra forma”, comenta, complacido, Antonio Montes De Oca.


Título: Naturaleza muerta con manzanas (de la serie Buscando la melodía) Técnica: Acrílico s/tela Medidas: 100 x 140 cm Año: 2009

Entre líneas, texturas y formas La habilidad para combinar los colores, pero también para ofrecer una temáca en series, que simplemente se desprende de sus realidades más cercanas, las que lo rodean o las que guardó en su memoria, tras alguna conversación, anécdota o experiencia inolvidable, son las que muestra de manera sencilla, pero encantadora, Antonio Montes De Oca. “La idea cuando pinto es llevar a esos personajes a mi mundo, los recreo y los personalizo en el mundo arsco. La pintura ene sendo cuando la llevas a tu terreno. Los temas son interesantes aun sin conocerlos, imaginártelos es aun más interesante”, comenta Montes De Oca. Alguna equeta sobre su trabajo puede resultar emera, si luego se visualiza cualquier otra propuesta. Sin embargo, el arsta larense navega entre la figuración comple-

Título: Escena de circo de calle Técnica: Acrílico s/tela Medidas: 163 x 195 cm Año: 2010

Título: Buscando la melodía Técnica: Acrílico s/tela Medidas: 50 x 200 cm Año: 2009

tamente apica, con líneas que bordean al ser humano desde la ópca de un hombre que nunca abandonó a su niño interno. La abstracción también está presente, no como un complemento más, sino como el eslo que le da realce y con el que logra darle textura a su propuesta cromáca. El acrílico es el gran cómplice en su obra. “Tengo muchos elementos de la abstracción y de lo figuravo, los he trabajado para que se fusionen. Retomo cosas de las que he hecho, lo siento como un refrescamiento”, explica el creador. Sin embargo, reconoce que la libertad es lo más hermoso al momento de crear, sin eslos predeterminados: “Para mí es dicil clasificarme... Me inspira el momento. Siempre le quiero poner una carga espiritual a todo el proceso y lo estoy haciendo. Poco a poco vas consiguiendo eso y lo llevas donde quieras. A veces no tengo nada definido. En oportunidades quisiera

hacer algo que sólo me guste a mí”, confiesa con una sonrisa. Le interesa ser reconocido por su lenguaje plásco. Sin embargo, no le gusta encasillar sus propuestas, más bien logra desprenderse de algunas de ellas, “eso lo ha demostrado el empo”. En cuanto a los colores, en su taller deambulan los azules, los ocres, los verdes, los rojos, ninguno está afuera, todos parecen confabularse para encontrar su espacio en el lienzo de Montes De Oca. Hay uno predilecto, que siempre está listo para asisr a la cita pictórica del arsta larense, el anaranjado es sin duda el color favorito de este creador. “Soy muy cambiante, trabajo ocres, grises, depende del ánimo y de lo que quiera plasmar en ese momento. El anaranjado siempre sale porque es vibrante y me gusta lo que provoca en mi propuesta”.

El descubrimiento de lo posible La historia de Antonio Montes De Oca de cómo se inició en el mundo de las artes, es como las páginas de un libro de fábulas en el que una rana se convierte en príncipe, o en que el conejo salva a una doncella. Así de mágica es la experiencia del arsta larense. “Eso fue espontáneo. Mi primer encuentro con la pintura fue cuando estaba adolescente. Dentro de los pipotes de la basura había un afiche con una pintura épica, era como de la Colonia, quizá una copia de algún pintor conocido. No sabía reconocer a ningún arsta en ese momento. El afiche lo agarraba, le daba la vuelta, lo veía. Comencé a dibujar en los cuadernos de clases. Luego, le pedí a mi mamá que me comprara unos óleos. Jugaba a eso, a que pintaba. Recuerdo que estaba en un equipo de béisbol y lo hacia

apuraíto, para irme de inmediato a pintar”, rememora la anécdota. Y sigue contando: “Me nació solo... Así serán los músicos que el oído lo enen ya preparado y lo conduce hacia las melodías”. Un segundo encuentro marcó la trayectoria de Antonio Montes De Oca. Conoció a un pintor, quien lo invitó a su casa y el joven lo veía pintar, “eso me sirvió de base”. En 1987 ingresó a la Escuela de Artes Pláscas Marn Tovar y Tovar, “ya tenía diecinueve años. Parcipé en uno de los salones de la Universidad Centroccidental Lisandro Alvarado (UCLA), me atrevía a enviar propuestas. En el Ateneo de Barquisimeto hice mi primera muestra individual, la cual se denominó Color y figuración. Fue una etapa de mi vida arsca, que luego de haber estudiado me inicié con propuestas que salían de lo clásico. Ya había parcipado en diferentes salones y quise montar

mi individual”, comenta sobre esta etapa el arsta. Por su trayectoria ha obtenido más de una veintena de premios, reconocimientos y menciones honoríficas. Recuerda con agrado el haber recibido el premio Joven Arsta Menor de treinta y cinco años, otorgado en la I Bienal Nacional de Artes Visuales Ciudad de Barquisimeto, y el vigésimo Premio Municipal de Pintura de Maracay. De ese muchacho emprendedor que con ilusión enviaba a concursos y certámenes sus propuestas, hoy es el arsta decidido al cual reconocen su trabajo en países como Alemania, Colombia, Cuba, España, México, Suiza, Portugal, Puerto Rico, Estados Unidos y, por supuesto, Venezuela. Su sello inconfundible le sigue dando sasfacciones. Sobre todo el hecho de connuar en el arte, que para Antonio Montes De Oca es, “una necesidad existencial”.


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N Hernando Estrada De lo onírico a lo sensual Por: Raúl Figueira

“El colorido en la imagen de Hernán Estrada parece remir al vitral, las formas se cortan en trazos de color difuso que parecieran mazar transparencias en gradaciones de luz” Título: Caja de pandora Técnica: Óleo sobre tela Medidas: 140 x 175 cm Año: 2011 DÓNDE, CÓMO Y POR QUÉ INVERTIR EN ARTE

Título: Arlequín musical Técnica: Óleo sobre tela Medidas: 100 x 80 cm Año: 2011

Título: Bañistas del río Técnica: Óleo sobre tela Medidas: 140 x 175 cm Año: 2011

ació en Bogotá en 1951. Técnico en dibujo arquitectónico y estructural, cursó estudios de artes pláscas en escuela Mariano Picón Salas, en Caracas y entre 1982 y 1984 realizó estudios de pintura y dibujo en la Escuela de Artes Pláscas Arturo Michelena, en Valencia, estado Carabobo. De 1994 a 1995 cursó estudios de modelado básico, cerámica, tecnología de construcción en horno de alta temperatura a sal en la Escuela de las Artes del Fuego, en Caracas. El colorido en la imagen de Hernán Estrada parece remir al vitral, las formas se cortan en trazos de color difuso que parecieran mazar transparencias en gradaciones de luz. La figura femenina destaca en variaciones sobre un mismo tema que se repite en contextos diversos, renovándose, destacando en formas que más que sensuales parecieran remir al erosmo de lo idealizado, una ensoñación. Muchas de sus mujeres, de cuerpos oníricos, recuerdan las bellezas de formas voluptuosas como las alegorías que Ernesto Maragall hace en su fuente de diversos tópicos de nuestros trópicos. ¿Qué son esas figuras circenses que de pronto aparecen ante nosotros? Figuras de un entorno que revela la magia de lo codiano. Atmósferas sules en los que las formas emergen como referencias a cuerpos que se evaporan y se reinventan en la mente; parecen metáforas a lo Chagall. La obra de Hernando Estada es una solución de connuidad entre disntos ámbitos de la figuración plásca venezolana. La fórmula de su trabajo estéco y la connuidad de su trabajo como arsta le garanzan una permanencia en el panorama de la plásca nacional.


Sociales del arte

Ricardo Goldman Fotografía: Agnes Herrera

Después del éxito de su exposición en al Galería GSiete de Los Galpones en Los Chorros este arsta nos presento en espacios exposivos de la Alianza Francesa de Paseo Las Mercedes la Muestra Esferopoligonal la cual contó con una nutrida asistencia de un público que engalano, La Muestra.

Centro de Arte El Hatillo Fotografía: Agnes Herrera

El arsta Jesús Morales estuvo en los espacios exposivo de la Alcaldía de El Hallo, la muestra estuvo muy movada y contó con una asistencia de varios arstas del quehacer plásco venezolano.

Para parcipar en esta sección favor comunicarse al +58 (414) 239 2862 DÓNDE, CÓMO Y POR QUÉ INVERTIR EN ARTE


Sociales del arte

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Conservatorio en Galería de Arte Ascaso Fotografía: Agnes Herrera

Basado en la obra del Gran Maestro Vasarely y en marco de la exposición de algunas de sus obras en la Galería de Arte Ascaso, tuvo lugar un conservatorio que estuvo como panelistas a Bélgica Rodríguez, Péran Erminy y al Maestro Víctor Varela entre otros, este sirvió para comentar sobre la obra del Maestro Vasarely, su entorno y su legado.



Revista Artefacto # 4